LaCarne Magazine N85

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europa y latinoamérica

Nº85 - JUN 2019 - AÑO 8

EXPERIENCIAS

festivales extremeños chema pastor - opera magna - mum 2019

investigación john coltrane

ENTREVISTAS

anarkotizados - bmt - ira putrefaxion - perpetual - al eslou - exxecutor

rubio salas corporation inicia su viaje espacial

N85 aÑo 8 JUN 2019

SUMARIO

experiencias 06 LA REALIDAD DE LOS FESTIVALES EXTREMEÑOS

para ni calla

40 BMT, Transmitiendo la esencia del Underground

Ira, Heavy Metal con actitud, com10 Chema Pastor y la Acracia Musical 46 promiso y pasión 12 Opera Magna y “Del Amor y Otros 50 Putrefaxion, en sólo tres palaDemonios - Acto 3”

14 MUM 2019, la apuesta por la música extremeña

bras: Puro Death Metal

58 Perpetual, y su Death Metal rabioso y frustrado

62 Al Eslou, y su visión de la Improviinvestigación sación Libre 20 cuando Coltrane, hablaba con dios 66 Exxecutor, viviendo el Thrash entrevistas 34 Anarkotizados, Una banda que ni

Core Metal al máximo

26 Rubio Salas Corporation inicia su viaje espacial contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, j.g entonado, alfonseka, ángela sumy, victoria burgio, alejandro pérez

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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4 LaCarne Magazine

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EXPERIENCIAS

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La realidad de los

festivales extremeñ LEER MÁS

EN EL 83% DE LOS FESTIVALES EXTREMEÑOS EL PORCENTAJE DE ARTISTAS REGIONALES ES INFERIOR AL 35%

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a música en Extremadura no está pasando por su mejor momento, y los Festivales extremeños lo confirman. No porque no haya músicos, ni programadores, ni agitadores culturales, sino por la desidia de nuestros representantes, y la costumbre de que la cultura es gratis y el menosprecio a lo nuestro.

Sala Aftasí, Sala Mercantil y Sala Coc, las tres salas de Badajoz han desaparecido en el 2018. En Cáceres, Espacio Belles Artes resiste, aunque con problemas judiciales.

Además, mientras escribimos este artículo, el mítico y legendario festival nacional y marca Extremadura, Contempopránea, está en la cuerda floja, junto con los problemas que tienen otros festivales, el caso de Horteralia, a la hora de encontrar un recinto donde realizar el festival, como le lleva pasando en los últimos años.

Aunque nos quedan oasis en forma de salas como El Rincón Pio Sound, de fama nacional y auto gestionado, o La Huerta Sonora, ambos son excepciones que duran por la tozudez/amor de sus dueños más que por el apoyo que reciben. ¿Por qué los músicos no se profesionalizan? Ésa es una incógnita que nos preguntamos constantemente en Extremadura. Para profesionalizarse, para que te escuchen, para coger experiencia, se necesitan conciertos, muchos conciertos y apoyo de medios de co-

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municación. ¿Sucede esto en Extremadura? De momento, en la tv pública no hay programa de música, y menos en directo, y la radio, al menos, tiene varios programas especializados. Pero si tenemos pocas salas y algunos festivales apenas aguantan, ¿qué pasa con el resto de festivales?

Haremos un recorrido por los Line Ups de los festivales extremeños más importantes del 2018, y comprobaremos el porcentaje de grupos extremeños que conforman sus carteles.

EXTREMÚSIKA 2018: Es el festival con mayor presupuesto económico y gestionado por una productora extremeña. De 64 artistas que formaron parte del cartel, aproximadamente 14 fueron regionales. Es decir, el 22% del cartel fueron extremeños. Ver más artículos.

WOMAD 2018: Bajo productora externa. De 32 bandas que constituían el elenco de artistas, aproximadamente 15 fueron extremeñas.

ños

Es decir, 47% fueron autóctonas. Se cumple un porcentaje tan alto ya que este festival tiene un escenario propio con artistas extremeños llamado IJEX@WOMAD, gestionado por el Instituto de la Juventud de Extremadura.

Ver más artículos.

CONTEMPOPRANEA 2018: Organizado por productora extremeña. De 30 artistas que formaron parte del cartel, aproximadamente 6 fueron regionales. Es decir, el 20% del cartel fueron extremeños. Ver más artículos.

GRANIROCK 2018: Gestionado por el ayuntamiento a través de productoras. De 15 bandas que constituían el elenco de artistas, aproximadamente 5 fueron extremeños. Es decir, 33% fueron autóctonos. Ver más artículos.

PALOMOS 2018: Organizado por Fundación.

12 artistas fueron programados. 3 fueron extremeños. 25% de la Tierra.

HORTERALIA 2018: Organizado por productora extremeña. De 8 artistas que formaron

parte del cartel, sólo 2 regionales. Es decir, el 25 % del cartel fue de origen extremeño. Ver más artículos.

FESTIVALINO 2018: Organizado por el Ayuntamiento. 15 formaciones fueron programadas. 5 fueron extremeñas. 33% de la Tierra.

VERASUMMER 2018: Organizado por Asociación Local. 14 formaciones fueron programadas. 4 fueron extremeñas. 29% de la Tierra.

SUBEROCK 2018: Organizado por Asociación local. De 19 artistas que formaron parte del cartel, aproximadamente 3 fueron regionales. Es decir, el 16% del cartel fueron extremeños.

FESTIVADILLO 2018: Organizado por Asociación Local. De 13 bandas que constituían el elenco de artistas, aproximadamente 10 fueron extremeños. Es decir, 75% fueron autóctonos.

ITHAKA FESTIVAL 2018: Organizado por LaCarne Magazine

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productora externa. De 19 artistas que formaron parte del cartel, 0 regionales. Es decir, el 0 % del cartel fue de origen extremeño.

MAYORGA ROCK 2018: Organizado por productora extremeña. 7 formaciones fueron programadas. 1 fue extremeña. 15% de la Tierra.

ROCKEFORT FESTIVAL 2018: Organizado por productora extremeña. De 12 artistas que formaron parte del cartel, 1 regional. Es decir, el 9 % del cartel fue de origen extremeño.

Festival que se suspendió por escasa venta de entradas.

EUROPA SUR 2018: Organizado por Asociación local. 8 formaciones fueron programadas.

Ninguna fue extremeña. 0% de la Tierra.

PICOTA & ROLL 2018: Organizado por productora extremeña. De 8 artistas que formaron parte del cartel, sólo 2 regionales. Es decir, el 25 % del cartel fue de origen extremeño.

GUOMAN 2018: Organizado por Asociación local. 12 artistas fueron programados. 8 fueron extremeños. 67% de la Tierra.

VERANILLO FEST 2018: Organizado por productora extremeña. De 6 artistas que formaron parte del cartel, 0 regionales. Es decir, el 0 % del cartel fue de origen extremeño.

BELLOTA ROCK 2018: Organizado por Asociación local. De 12 bandas que constituían el elenco de artistas, aproximadamente 4 fueron extremeños. Es decir, 34% fueron autóctonos.

FESTIVALES 2018

ARTISTAS

EXTREMEÑOS

PORCENTAJE

EXTREMÚSIKA

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14

22%

WOMAD

32

15

47%

CONTEMPOPRÁNEA

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GRANIROCK

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PALOMOS

12

3

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HORTERALIA

8

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FESTIVALINO

15

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VERASUMMER

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SUBEROCK

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3

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FESTIVADILLO

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75%

ITHAKA FESTIVAL

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0%

MAYORGA ROCK

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ROCKEFORT FEST

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1

9%

EUROPA SUR

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PICOTA & ROLL

8

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25%

GUOMAN

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8

67%

VERANILLO FEST

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BELLOTA ROCK

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4

34%

De 18 festivales consultados en sus páginas webs oficiales, en 12 el porcentaje de bandas extremeñas de su elenco de artistas no supera el 30%, lo que equivale al 67% de los festivales.

15 festivales no superan el 35% de grupos extremeños en sus carteles, lo que equivale al 83%.

8 LaCarne Magazine

Tan solo 2 festivales están por encima del 50% en cuanto a bandas extremeñas, lo que equivale al 12%. 3 festivales no tienen ningún artista extremeño entre su programación lo que equivale al 17%.

Estadísticamente la presencia de bandas regionales es mínima en los festivales, pero también gran parte de estos eventos reciben subvenciones o apoyo por parte de administraciones públicas sin preocuparse si por parte de estos encuentros se apoya o no la música realizada en Extremadura.

Hay excepciones. Womad desde el 2015 cuenta con un escenario propio de artistas extremeños, desde entonces muchas bandas han ido pasando y se les ha ido abriendo la puerta a otros lugares, festivales o salas. Esta iniciativa también la tuvo Contempopránea (edición Badajoz) en el 2014 y 2015. Guoman también tiene un escenario propio. Maquinarte, festival que ya no se realiza(hasta el 2006), fue exportado fuera de las fronteras de Extremadura, tenía como base artística formaciones y artistas extremeños (con escenario propio). La fórmula parece acertada pero se da en una minoría de festivales, y algunos

de ellos de perfil medio o ya inexistentes. Excluimos Parque Sonoro y Escenario Amex que son organizados por los propios músicos extremeños a través de la asociación Amex.

Además de los 18 festivales evaluados, 12 se dan en la provincia de Cáceres, tan solo 6 en la provincia de Badajoz. Hay una clara apuesta por la provincia norteña, cuando hay más población al sur que al norte, en concreto 200.000 habitantes más. ¿Se puede profesionalizar el músico extremeño si no cuentan con él? ¿Existe una desidia por parte de la administración pública hacia la música hecha en nuestra región? ¿Por qué esa aparente desigualdad norte/sur? ¿Se debería exigir por ley que aquellos festivales subvencionados deban tener un cupo mínimo de artistas de nuestra Tierra? ¿Es una solución la creación de escenarios estrictamente extremeños en festivales top de Extremadura? ¿Es necesario un sindicato de músicos extremeños?

Cuando se habla de festivales extremeños aún hay muchas cuestiones sin resolver. ¶

LaCarne Magazine

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Chema Pastor y la Acracia Musical LEER MÁS

C

hema Pastor, batería, performer, improvisador libre, dadaísta… y ácrata.

De él he hablado continuamente en esta sección. Ha llegado de forma totalmente consciente a practicar la improvisación libre después de pasar por conservatorios de música clásica y escuelas de jazz (no como yo, que lo he hecho de forma más errática, inconsciente e intuitiva, sin pasar por sitios donde la formación teórica y técnica es importante. Mi camino ha sido más heterodoxo e incompleto).

La música improvisada libremente le ha abierto una puerta para manifestarse tal y cómo es (esto a mí también me ha pasado), para expresar sus más profundos sentimientos (que no son precisamente lo opuesto a la racionalidad: esos sentimientos encarnan la racionalidad evolutiva).

10 LaCarne Magazine

P.D.: no piensen que la frase entre paréntesis es mía. No soy tan sesudo. Lo he leído en un libro en el que se habla de la libertad y el libre albedrío: 21 lecciones para el siglo XXI se llama.

Chema Pastor e Improvisación Libre Pues bien, como ya he dicho, Chema Pastor se considera republicano y ácrata. Yo no me atrevo a decir eso de mí (porque vivo en un continuo devenir de contradicciones internas), pero sí que siento simpatía por el segundo de los conceptos. Y como él se considera de esa forma, no ha tenido inconveniente en manifestarlo cada vez que hemos publicado últimamente en “La Tatucera”, página creada por él mismo y dedicada a publicar trabajos de improvisación libre, como por ejemplo los que siguen (los tres bloques que voy a señalar proceden de la grabación que hicimos el pa-

sado verano Mariana Piñeiro, Chema Pastor y yo: el trío AAA, que ya tiene casi dos años de recorrido).

En el primer bloque aparece el primer escrito de Chema acerca de la acracia musical: 1.- “Indudablemente, el musico ácrata atenta contra el espíritu de una estética convencional en el momento en que, apoyado en sus sonidos, plantea estéticas perturbadoras, contrarias al gusto del público y a la estabilidad del mainstream. La música ácrata no tiene otra alternativa…, sólo nos quedará la opción de un mundo mejor por llegar¡¡¡” Y aquí está una pequeña muestra de esos sentimientos: Ver aquí.

2.- “La acracia musical constituye, fundamentalmente, lo que podríamos llamar una rebeldía visceral. Tras prolongadas sesiones de debate, llegamos a la conclusión de que el ácrata musical es, en primer lugar, un individuo que

se ha rebelado”: Ver aquí 3.- “La acracia musical no es un concepto que se sella con una palabra. No es una teoría musical. Es una forma de concebir la música y la vida: es una apuesta que debemos jugar día tras día. El sonido ácrata vive y pervivirá, a pesar de los intentos por recluirnos en el olvido más absoluto¡¡¡”. Ver aquí El mundo tiene cabida también para los idealistas, y Chema Pastor es uno de ellos. Gracias, Chema, por lo que haces y ser como eres. ¶

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Opera Magna

y “Del Amor y Otros Demonios – Acto 3” LEER MÁS

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uego de 5 años de espera, el pasado mes de febrero vio la luz el tercer disco de los valencianos Opera Magna, con el cual cierran la trilogía titulada “Del Amor y Otros Demonios”, la cual nació en el 2014.

Esta banda, nacida en el 2000, lleva ya 19 años consolidándose como una banda prominente dentro de la amplia escena del rock de España. Prueba fehaciente de esto lo constituye cada disco que la banda ha sacado al mercado, pero definitivamente con “Del Amor y Otros Demonios” la banda dio un salto inmenso, y esto ha hecho que actualmente sea considerada como una de las grandes del metal sinfónico de España, y posiblemente también una de las mejores de Europa.

Volviendo a su trabajo más prometedor hasta

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ahora, la trilogía “Del Amor y Otros Demonios”, cuya primera parte naciera en el 2014, si son tres discos cada uno con 5 temas espectaculares y magistrales temas, y luego le siguiera el segundo en el 2016, y ahora el tercer disco en el 2019, podemos decir que son sin dudas tres poderosos discos.

No me voy a poner a analizar toda la trilogía, pues la integran 15 temas y no tendría para cuando acabar. Solamente voy a hablar sobre el tercer disco con el que finalizan esta obra.

Opera Magna y «Del Amor y Otros Demonios – Acto 3» Este disco abre con “Requiem Por Un Vivo”, un tema con aires operísticos y épicos que va in crescendo, haciéndose acompañar de unos maravillosos coros al estilo de las grandes composiciones de la ópera. Luego de esta magistral introducción, llega el tema “Mi Reino, El Olvido”, el cual abre con un doble bom-

bo sin frenesí y el sonido power metalero de los homéricos teclados. Aquí es de destacar el papel que juegan las guitarras y la particular voz de José Broseta, el cual entra defendiendo las primeras estrofas. Otro de los aspectos a destacar es el solo de guitarra, el cual nos recuerda a los años gloriosos de los italianos RHAPSODY, los cuales también se orientan por el estilo melódico.

Le sigue “Una Piedra En Dos Mitades”, donde luego de unos segundos de tranquilidad nos enfrentamos a una muy oscura orquestación, parecida a los grandes filmes, para luego deleitarnos con unos apocalípticos coros, que nos hacen sentir como si estuviéramos en las mismísimas entrañas del infierno, a la par que las guitarras y el teclado se van robando el protagonismo. Luego de poco más de 4 minutos de puramente mágicos e instrumentales, llega nuevamente la voz de José Broseta con un registro muy íntimo, y haciendo galas a dueto con la cantante Marta Barbé, haciendo de esto un magnífico dúo vocal. Por momentos me recuerda a ese clásico que es “El Fantasma de la Ópera”, razón por la cual perfectamente este tema, que a la vez es uno de los mejores de toda la trilogía, bien podría funcionar para la banda sonora de una película.

Seguimos con “In Nomine”, tema con una trayectoria más hacia lo épico y legendario, donde juegan un papel primordial los teclados, que parecieran transmitir sensaciones de gloria, cual antigua película medieval de caballeros. Además, en este tema el estribillo final posee una pegada espectacular e idónea para ser interpretada en un directo. A lo largo del tema podemos notar como el mismo va en aumento, hasta concluir con un cierre por todo lo grande e increíblemente espectacular, siendo de esta manera el corte más poderoso y power de este tercer disco.

Luego de habernos deleitados con cuatro asombrosos temas, nada mejor que un cierre por todo lo grande, y prueba de esto es “Lo Soñado y Vivido”, un tema de 11 minutos de duración, siendo de esta manera el más extenso de toda la trilogía. Este tema arranca

con un melódico piano y una dulce voz femenina, parecida a una nana que nos canta antes de dormir. De repente aparecen en escena en una mezcla perfecta coros y orquestación, que a su vez combina lo épico con lo caótico. Uno de los momentos más deliciosos de este tema es la participación junto a Broseta (considerado uno de los mejores vocalistas de España en la actualidad) de Miguel Ángel Franco, vocalista de SAUROM, siendo la colaboración de lujo de este disco, y a la vez haciendo un trabajo perfecto, dando toques de dramatismo, rabia y feeling con su voz fácilmente de reconocer, procurando como resultado final un combo vocal insuperable.

Otra de las gratas sorpresas que encontramos en este tema es la voz que narra un poema donde se hace referencia a temas de los tres actos, para seguidamente dar paso a un instrumental cargado de cambios de ímpetu. Ya cerrando el tema, en los minutos finales nos encontramos con un atronador estribillo que va alcanzando su punto máximo hasta romper en un desgarrador agudo, que da paso, nuevamente, al sonoro y melódico piano con que abre el mismo, dándole así un final suave y pausado a este tema final del tercer y último acto, y también finalizando así la trilogía “Del Amor y Otros Demonios”.

No queda la menor duda de que OPERA MAGNA se superaron con creces, tanto en lo musical como en lo compositivo, en lo que ha sido hasta la fecha su proyecto más ambicioso, el cual los ha catapultado como una de las bandas de metal sinfónico más poderosas de toda España. Si eres de los que aún no ha escuchado la trilogía completa o por separado, pues te recomiendo que lo hagas, yo tengo la misma en mp3 y es increíble. Si no sabes donde obtenerla, pues en la página web de la banda podrás encontrarla. ¶

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especial

MUM 2019,

la apuesta por la música extremeña

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n año más la MUM, las Jornadas Profesionales de la Música de Extremadura, vuelve a sorprender al sector de la música desde la Casa de Cultura de Villafranca de los Barros.

En esta tercera edición hemos podido comprobar de primera mano que es un punto de reunión anual fundamental para artistas, empresas del sector e instituciones, donde respiras y sientes música durante 3 días completos.

Las Jornadas fueron organizadas por la Consejería de Cultura e Igualdad de la Junta de Extremadura, a través del Centro de las

Artes Escénicas y la Música (CEMART) y la Secretaría General de Cultura, así como por la Diputación de Badajoz y la Asociación de Gestores Culturales de Extremadura (AGCEX) y han contado con la colaboración de la Diputación de Cáceres, Ayuntamiento de Villafranca de los Barros y Extremadura Avante.

Hablando con Lino Suricato, participante de uno de los showcases programados, coincidía en la misma idea: «La iniciativa es muy buena y si se siguen haciendo las cosas así de bien creo que es una

Lino Suricato

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bate, donde nos quedábamos más tiempo del programado por lo interesante de lo que allí se hablaba; o en las reuniones improvisadas que veías formarse en escaleras, mesas, o al echar un cigarrillo en la puerta de la Casa de Cultura de Villafranca de los Barros.

Pero realmente ¿en qué puede ayudar la MUM a un artista? Quería que un músico me diera una respuesta clara, sin ningún filtro. Así que me acerqué al genial Joaquín de la Montaña, y se lo pregunté directamente:

plataforma y punto de encuentro entre músicos y gente del sector muy interesante. Es un buen marco para presentar nuestro trabajo, es necesario que tengamos un espacio así.»

Allí nos juntamos más de 150 personas entre músicos, productoras, salas de conciertos, gestores culturales, festivales, instituciones y demás. Todos juntos para conocer y probar la buena música creada en Extremadura.

Fuensanta Blanco, participante también de uno de los showcases, destacaba la faceta humana de estos encuentros: «La MUM da la oportunidad a que los programadores puedan conocer personalmente al Artista, sus inquietudes, sus capacidades creativas y de fusión, su manera de valorar y crear arte, y esto, en la mayoría de las veces, no se aprecia al no haber un trato directo.»

LaCarne Magazine ha tenido la suerte de participar en todas las ediciones, y la MUM crece, madura y evoluciona en cada edición.

Se puede apreciar en la variedad de eventos musicales, donde todos tenían oportunidad de ver al grupo del estilo que estaba buscando; en la utilidad de cada taller y cada mesa de-

«La MUM principalmente ayuda a darse a conocer en el panorama musical extremeño, y de forma paralela, en internacionalizar su producto, ya que en el encuentro se reúnen tanto programadores y empresas extremeñas, como extranjeras e internacionales. También sirve como observatorio para valorar cómo se encuentra el tejido empresarial de nuestra comunidad, y valorar qué posibilidades de comercialización o divulgación puede tener un proyecto en concreto.»

Actividades destacadas

A nosotros principalmente nos llamó mucho la atención la Mesa debate sobre Marketing musical y Promoción digital. Se habló de las distintas formas que tiene un artista para darse a conocer digitalmente, y de todas las estrategias que puede llevar a cabo para destacar dentro del sector.

Para que os hagáis una idea de lo interesante que estuvo, tenéis que saber que nos quedamos hora y media más de lo programado sin parar de hablar sobre posicionamiento, campañas, y redes sociales.

Fuensanta Blanco respondió rápidamente a la pregunta de qué actividad destacarías de esta edición: «Evidentemente disfrutar de los Showcases de todos los estilos musicales que puedan existir es lo más llamativo y lo que más se disfruta, pero escuchar las charlas sobre Marketing o de información sobre cómo funcionan los festivales y ferias, o sobre el IVA cultural, son muy enriquecedoras y te ayudan a conoLaCarne Magazine

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Seventh Sun

cer el sector.»

Joaquín de la Montaña, sin embargo, destacaba la importancia de las reuniones profesionales B2B que se llevaron a cabo durante los 3 días: «​Destacaría los encuentros con programadores y empresas. Me parece de suma importancia esta relación y simbiosis entre artistas y programadores, para poder así establecer lazos y trabajar en conjunto y ofrecer ofertas de calidad, que puedan en un futuro marcar las pautas y líneas de trabajo a la hora de organizar eventos o conciertos en nuestra región.»

Qué hacer si no has ido a la MUM 2019

Si tienes proyectos dentro del sector musical de Extremadura y no has ido a esta edición de la MUM, lo primero que te recomendamos es hacer un repaso a todo lo que allí se llevó a cabo. Puedes ver las Actividades, los artistas participantes y el programa completo desde su WEB. Una vez que comprendas todas las posibilidades que nos aporta la MUM como herramienta, el siguiente paso sería empezar a pensar de qué forma tu proyecto en el sector de la música puede estar en la edición del año que viene, y preparar el material para todas las reuniones profesionales que tendrás.

«Que no se lo piense para la próxima, que

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se ponga manos a la obra con un proyecto, y que se exponga al público y profesionales de la MUM. Además, cuando participe, que luche por sacar algo provechoso de la Jornada y que la disfrute al máximo, como he hecho yo», añadía Fuensanta Blanco.

Joaquín de la Montaña también comentaba «que como en todos los sectores, existen jornadas para promover los intereses de un tejido empresarial, en este caso el de la música en nuestra región, y que tanto para empresas, manager y programadores y artistas, es muy importante apoyar estas iniciativas, que harán en un futuro que nuestra dedicación, trabajo y sacrificio en este sector, sea más reconocido y sobre todo más respetado y más valorado».

Así que ya sabes, las Jornadas Profesionales de la música en Extremadura, la MUM, son una cita anual obligada para todos los que estamos implicados de alguna forma en el tejido vivo de la Música en Extremadura.¶ Artistas participantes en el artículo: • Lino Suricato – Lino y los Suricatos INSTAGRAM – FACEBOOK • Fuensanta Blanco FACEBOOK • Joaquín de la Montaña – Seventh Sun FACEBOOK – YOUTUBE

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Fuensanta Blanco LaCarne Magazine

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Cuando

Coltrane hablaba con Dios LEER MÁS

B

uf… la verdad es que os tengo que reconocer que me da un poco de vértigo escribir sobre John Coltrane. Es tan importante su legado y me deja tan loca cuan-

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do lo escucho, que no sé si voy a ser capaz de plasmarlo, pues hablamos de un auténtico titán del Jazz que sobrepasó todos límites conocidos. Vamos a hacer un pequeño recorrido por su carrera musical pero nos vamos a centrar en un disco en concreto: una obra maestra.

John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Nor-

te. Se crió con su madre, pues su padre murió siendo él muy pequeño. En 1943 se establecían en Filadelfia, y ese mismo año su madre le compraría su primer saxofón. Pronto estaba tocando con la banda del barrio y la de la escuela secundaria, también tocaba el clarinete y la trompa.

serie de grabaciones que marcan el devenir del jazz posterior (Free Jazz). El directo del Carnegie Hall de estos dos es inclasificable de lo bueno que es. Finalmente consiguió vencer su adicción a la heroína a la vieja usanza, a pelo, en su casa con los suyos y con mucha fuerza de voluntad.

En 1945 EE.UU. lanza la primera bomba atómica sobre Japón. Ante lo inminente, Coltrane se alista en la marina (para evitar que le alistaran en el ejército de tierra). Aquí pasó varios años, incluso se convirtió, primero, en artista invitado y, después, miembro del grupo Melody Masters.

1958 será el año en que Coltrane saque su primer disco como solista, Blue Train. Cuatro de las cinco composiciones de este disco son de Coltrane, y dos de sus canciones se han convertido en estándares mundiales de Jazz: Lazy Bird y Moment´s notice. En este disco aparecen por primera vez los denominados “cambios Coltrane” o “láminas de sonido”, variaciones en la progresión armónica que sustituyen acordes comunes del jazz por otros mucho más intricados…, comúnmente conocidos (en mi mente) como “ya está Coltrane hablando con Dios”. Coltrane empezaba a perderse en improvisaciones con solos muy intensos basados en la asimetría y la irregularidad del sonido.

Pronto se introdujo en la esfera Jazz independiente del momento, el Bebop. Se unió a varias bandas y empezó a estudiar en serio con Dennis Sandele, su maestro. También en esta época conoció a Hassan Ibn Ali, un pianista, compositor y técnico que será clave para las futuras composiciones de nuestro artista, pues influyó mucho en el concepto melódico de Coltrane. En estos años vio tocar en directo a Bird, algo que marcaría su vida para siempre. En palabras del propio Coltrane: “la primera vez que le escuché, me golpeó justo entre los ojos y nunca más salió de ahí”. En los años 50 ya era un habitual de la escena Bebop, moviéndose entre bandas de maestros como Dizzy Gillespie o Johnny Hodges.

El golpe de gracia llegaría en 1955, cuando recibió la llamada de Miles Davis que quería contar con él para su nuevo quinteto. Ya sabéis que Miles Davis se rodeaba siempre de los mejores, cómo no iba a estar ahí Coltrane, por favor… y así nacían el Hardbop y el Jazz modal. Entre las grabaciones de este quinteto ya se ve la capacidad creativa de Coltrane.

Prueba de ello es el solo que Trane realiza en la canción “Round Midnight”, donde ya empieza a explorar con la melodía. Sin embargo, Coltrane tenía graves problemas con la heroína y el alcohol. Miles Davis, que acababa de salir de un infierno similar, le expulsó del grupo en 1957.

En este momento aparece el grandísimo Thelonius Monk en su vida, y juntos harán una

Este mismo año volverá al grupo de Miles Davis, esta vez un sexteto compuesto por Cannonball Adderley, Red Garland, Bill Evans, Paul Chambers y P. Joe Jones… Buf. Será el momento de discos como Kind of Blues, donde Coltrane utilizaba en sus solos escalas modales en vez de acordes…, una locura todo.

En 1959 sale a la luz Giant Steps. Este disco ya va dándonos ideas de en lo que se convertirá la música de Coltrane, la canción que da nombre al disco tiene una de las progresiones de acordes más difíciles de la historia del Jazz, en donde ya se ve cómo experimenta con las melodías. Es un disco armónicamente muy complicado.

En los años 60 seguirá desarrollando su propia técnica instrumental, a través de una personal y espiritual visión tanto de la música como de la vida. Es el momento de composiciones tan preciosistas como My favourite things o In A Sentimental Mood (la canción del mundo entero que más me conmueve).

Y llegamos a 1964, un año clave para la carreLaCarne Magazine

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ra de Coltrane y para la historia de la música contemporánea. Este año sale a luz A Love Supreme, un disco considerado (porque lo es) una obra maestra con un mensaje extramusical y espiritual. Se trata de una obra dividida en cuatro movimientos (a modo de suite clásico), donde no primaba tanto por el virtuosismo interpretativo como por la composición y estructura de las canciones en sí.

Este disco se trata de un acto de fe. Tras una dura lucha contra el alcohol y la heroína, Coltrane sufrió una experiencia espiritual (de la que hablaba, pero no concretaba) que le hizo despertar de su “sueño dogmático”, y le mar-

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caría definitivamente la existencia y creación artística. Se volvió un gran creyente, pero no seguía ningún dogma concreto. Practicaba un cristianismo libre, pues tomó ideas de muchas y diferentes religiones a partir de estudiarlas, así como diferentes espiritualidades del mundo, intentando elaborar un sistema de creencias propias. Esto mismo ocurría con su música, pues Coltrane la utilizaba para dar cabida a sus inquietudes espirituales.

El disco se crea en cuatro partes: Acknowledgement, Resolution, Pursuance y Psalm, a partir de un poema de Acción de Gracias.

Todo comienza con un mantra de cuatro notas

interpretadas por el contrabajo, que se va repitiendo hasta metérsenos en la mente como un himno religioso y, a partir de aquí, se crea una narración musical donde las palabras del poema son puestas por el saxofón de Trane, a modo de sermón (si habéis escuchado la canción que da nombre al disco, estoy segurísima que os habéis pasado tiempo después con el soniquete de a love supreme en la cabeza) Para la grabación se creó una esfera íntima, en la que apenas se daban indicaciones a los músicos (tenían una gran complicidad entre todos). El disco se planificó minuciosamente, pero a la vez se hizo uso de una improvisación muy intuitiva, donde él marcaba la estructura y el resto del combo iba improvisando respetando la estructura principal. Parece que Coltrane esté improvisando, sin embargo hacía uso de elementos musicales muy concretos en momentos determinados (siempre relacionados con símbolos espirituales y religiosos). Parece muy complicado todo esto…, lo es, principalmente porque es una obra extremadamente personal, que abruma con su potente sonido y sin embargo nos presenta unos sonidos muy limpios.

Después vendrían más discos, así como muchas colaboraciones importantes. Muchos músicos no se sentían cómodos con algunas de las orientaciones polirítmicas y libres de Coltrane, así que se rodeó de músicos que comprendieran su sonido, incluyendo entre ellos a

su mujer, la estupenda pianista (y maltratada por la historia del Jazz) Alice Coltrane. Seguía explorando el Jazz, haciendo composiciones cada vez más intensas y abstractas.

Sin embargo, en 1967 era diagnosticado de un cáncer de hígado que se lo llevaría el 17 de julio de ese año. …40 años tenía.

El verano pasado salió a la luz un disco suyo que ha estado perdido 55 años, Both Directions at Once: The Lost Album. Es brutal, cómo no…

Coltrane no es un músico fácil si no estás acostumbrado a su música, pues a menudo su sonido oprime y desconcierta. Si vas escuchando sus discos te das cuenta de que a pesar de que su sonido es muy reconocible, nunca suena igual y eso es maravilloso. Fue un innovador que se adentró en la improvisación de manera magistral, y eso le llevó a sobrepasar todas las barreras del Jazz. Su anhelo era la búsqueda de identidad musical y de la libertad de expresión a través del misticismo y del compromiso con la Lucha por los Derechos Civiles.

Yo no sé si Dios existe, me inclino más por el no, pero de lo que sí estoy segura es que si existiera, tendría a Coltrane susurrándole al oído estridencias con su saxofón, y el mundo sería un lugar mejor. ¶ LaCarne Magazine

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Rubio Salas Corporation inicia su viaje espacial

R

ubio Salas Corporation irrumpe en el panorama musical español con “The power of Red Hand”, un viaje espacial lleno de riffs, y ciencia ficción.

Formación extremeña con músicos de bandas ya consagradas en su región (DA, Fônal), presentan un trabajo creativo, interactivo y muy, muy escuchable. 8 canciones que cuentan la historia de una humanidad futura, donde los planetas son colonizados, y las leyendas de héroes que salvan galaxias se hacen realidad.

Es fantástico escuchar los temas leyendo cada una de sus letras, como si realmente tuvieras en tus manos los archivos perdidos de la Corporación. Una obra conceptual creada para sobrevivir a modas gracias a su fuerza y su poder creativo.

Es de destacar el artwork del gran artista D. Darío, y una cuidadísima edición en vinilo.

No os entretenemos más y os dejamos descubrir todo lo que hablamos con Rubio Salas Corporation en una memorable velada musical. por Pedro Gallardo

* Quieres conocer los archivos perdidos sobre la leyenda de Red Hand?

• Cap. 1 - La leyenda de Red Hand • Cap. 2 - Los temas secretos LaCarne Magazine

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Rubio Salas Corporation inicia su viaje espacial Para comenzar, nos gustaría saber un poco más acerca de Rubio Salas Corporation. ¿Cómo surgió el proyecto y quiénes forman parte de esta corporación?

Llevo desde los 16 años poniendo en marcha proyectos musicales, siempre como guitarrista, siempre creando canciones originales, pero nunca me había atrevido a llevar la voz cantante (nunca mejor dicho, jaja). Tenía ganas de expresarme, de contar historias, y sobre todo de hacer las cosas a mi manera. Un día le comenté a Albert Hernández (batería de DA) que quería grabar un disco. En cuanto le toqué un par de riffs me dijo que se apuntaba. Después hablamos con Medín Rodríguez (bajista de DA), y la Corporación empezó su camino. Los tres formamos la parte musical de la Corporación, pero hay un cuarto, D. Darío, que es quien dibuja todo el mundo que se vislumbra a través de las canciones. Los cuatro formamos un buen equipo.

Algo que nos ha llamado mucho la atención es que la ciencia ficción está muy presente en Rubio Salas Corporation. Háblanos un poco más sobre esto, ¿qué te llevó a mezclar la música con la ciencia ficción?

Sinceramente, la historias que versan sobre la vida real, los amores, los desamores, las tragedias…, me aburren soberanamente.

Siempre he acudido a los discos para imaginar mundos, para soñar, para escapar de la vida cotidiana.

Para escribir canciones necesito una historia que contar, se me hace más sencillo. Como me encanta la ciencia ficción, me inventé una historia lejana en el tiempo y en el espacio, y sobre ese tema compuse el disco.

El primer trabajo que has sacado lleva por título “The power of Red Hand”, donde ya se imagina uno la importante carga que va a tener la ciencia ficción, pero dinos, ¿qué historias nos cuentan las canciones de este nuevo disco?

Todo versa sobre una leyenda, “La leyenda del inmortal Red Hand”, un ser del que no se

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conoce mucho. Dicen que tenía una mano de color rojo, que tenía la apariencia de un hombre, pero que poseía un poder especial. Red Hand tenía la capacidad de conducir a una civilización a su máximo exponente en todos los ámbitos de la vida. Podía conseguir que civilizaciones controlasen la tecnología, que fueran justos, que sus mundos fueran sostenibles y afables…, pero solo si dicha civilización quería, Red Hand no podía obligar a nadie.

En las canciones se cuentan historias que ocurren en este universo ficticio y lejano. «Pale Blue Dot» cuenta la historia de un Androide, con una inteligencia artificial equiparable a la mente humana, que por error acaba viajando en una sonda dirigida a Plutón. Este Androide, mientras se aleja, mira al planeta Tierra y suelta un discurso en el que le dice a los humanos lo maravilloso que es su planeta.

En “Martian Oxygen” se cuenta la historia de un terremoto en Marte. Tras una colosal sacudida, se organizan expediciones al interior del planeta. Uno de los expedicionarios es “nuestro elegido”, quien desciende por el monte Olimpo en busca de respuestas. Y las encuentra al darse cuenta que era él quien provocaba los terremotos. Es aquí cuando “nuestro elegido” toma conciencia de que no es un humano corriente.

Hay historias de sueños, de experiencias a la velocidad de la luz, o de cómo sería estar inmerso en la inmensidad del espacio vacío.

Siempre recomiendo leer la sinopsis de las canciones mientras se escucha el álbum, puede ser verdaderamente evocador.

Aliens, naves espaciales, inteligencia artificial, viajes espaciales… ¿Cómo ha sido el trabajo de composición de los temas? ¿Has leído o visto libros, películas o series de ciencia ficción para inspirarte?

Desde pequeño me atraen todo ese tipo de historias. Terminator, Matrix, Blade Runner, Viaje al centro de la Tierra, 20.000 leguas de viaje submarino, Alien el octavo pasajero, La guerra de las Galaxias, Regreso al futuro, E.T… todo eso mezclado con muchas LaCarne Magazine

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más películas y libros, de ahí vienen los ingredientes.

Algunas de esas películas me las sé de memoria. Para mí son como los discos de música, las vuelvo a ver una y otra vez porque me encantan. Y con los libros me ocurre lo mismo, el libro que más veces he leído es “Viaje al centro de la Tierra”, de Julio Verne.

El título del disco “The power of Red Hand” podemos traducirlo al castellano como “El poder de Mano Roja”. ¿De quién es esa mano, por qué es roja y cuál es ese poder? ¿Por qué este título?

Un día estaba en casa, guitarra en mano, pero no se me ocurría nada nuevo. Cambié la guitarra por rotuladores, lápices y ceras blandas…, sin darme cuenta había dibujado una mano de color rojo que controlaba un planeta. Ese dibujo improvisado encendió una bombilla en mi cabeza. Al día siguiente ya tenía unos cuantos riffs de guitarra y varias letras para trabajar.

“El poder de Mano Roja” es el título porque, en el mundo que se describe en el álbum, existe un “elegido” que comienza a ser consciente de que tiene los mismos poderes de los que habla la conocida leyenda. El resto de la historia se irá desvelando en los próximas canciones o discos.

Después de la composición, y una vez estuvieron hechos los temas, el siguiente paso es grabarlo todo. ¿Dónde has grabado y con quién? Danos todos los detalles.

Algunos tenemos siempre en mente la filosofía del “Hazlo tú mismo”. Al final decidí que podría grabarlo yo mismo. He tenido la suerte de grabar algunos discos con verdaderos maestros de la ingeniería del sonido. Por ejemplo, con Alfonso Espadero grabamos todos los discos de Los Hemingway, y con él a cada rato aprendía muchísimas cosas (sobre música y sobre la vida, jejej). Otro grande de esto es Rafa Rodríguez, con quien hemos grabado discos de DA, y trabajar con él también es toda una escuela (es un ingeniero grandísimo, un guitarrista excepcional y mejor persona).

Así que en Julio de 2018 nos fuimos al ECJ

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de Olivenza, montamos la batería, la microfonía y grabamos las pistas de batería de Albert Hernández. Una semana nos llevó grabar todas las pistas. Otra semana la pasamos en casa de Medín grabando las líneas de bajo.

Todas las guitarras y las voces las grabé en mi casa, a finales de Julio. Hay un tema (Lights around me) en el que toca la batería mi primo José Salas, a quien grabé en su estudio en un abrir y cerrar de ojos.

Una vez tenía todas las pistas grabadas, se

las pasé a Rafa Rodríguez, que fue quien hizo la mezcla y la masterización. Con Rafa todo es muy fácil porque tiene un oído grandioso y un tacto genial para este oficio.

Sólo faltaba algo tan importante como era la imagen, pero estaba todo hablado. D.Darío era quien iba a dibujar la portada y crear la estética del álbum. Y bueno, solo hay que mirar la maravillosa portada del disco para entender cómo se las gasta.

Terminamos en octubre, si no recuerdo mal.

El disco se publicó el 13 de febrero en vinilo y plataformas digitales.

Sabemos lo que cuesta publicar un disco y todos los gastos derivados de ello. ¿Cómo ha financiado Rubio Salas Corporation este proyecto? ¿Habéis probado el crowdfunding?

No creo en el crowdfunding, no me gusta, al final las plataformas se llevan comisión. Tampoco podemos olvidar que hubieran participado solo la familia y los amigos cercanos, no LaCarne Magazine

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hubiera conseguido los fondos necesarios.

Elegí la opción de financiarme a mí mismo, así que me gasté todo el dinero que tenía, literalmente, después de encargar los vinilos me quedé a cero. Menos mal que me llamaron para trabajar de profe, jajajaja.

Algunos grupos ni siquiera saben el tiempo real que han usado para darle vida a un disco. Incluyendo la composición de los temas, la grabación y masterización, etc, ¿desde cuándo llevas trabajando en “The power of Red Hand”?

Desde que decido que quiero hacer el disco hasta que está terminado han pasado alrededor de 2 años, pero lo que realmente importa es el presente y lo que hacemos ahora. Mientras hacemos promoción, conciertos, entrevistas y demás, ya estamos con lo próximo (y va teniendo muy buena pinta).

El álbum ha salido bajo el sello «Sucias ratas de bodega» del colectivo Andergrâo Olivença. ¿Qué fue lo que hizo que te decidieras por

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ellos? Háblanos un poco sobre este sello y el colectivo.

Son unos adalides del “Hazlo tú mismo”, producen eventos de artistas, les pagan siempre, tienen una editorial (Ediciones Cucaracha), se auto-financian sin ayudas ni subvenciones.

Son lo más Underground que conozco, y el camino sólo podía comenzar con ellos. Quieren conquistar el mundo, así que había que caminar a su lado.

Ahora que el disco ya está disponible, llega el momento de la gira de presentación. De entrada, podemos veros en directo el próximo 5 de Julio en el festival Suberock. ¿Qué tenéis preparado para ese día? ¿Podéis adelantarnos algo?

Es un festival que me encanta. Lo he podido disfrutar muchas ediciones, desde que lo hacían en el campo de fútbol. Ahora es uno de los festivales con mejor cartel que conozco (y conozco muchos…). En Suberock se superan año a año, para nosotros es un auténtico placer formar parte de su cartel. Así que vamos con muchas ganas de hacer disfrutar al pú-

blico de San Vicente de Alcántara. Llevamos el setlist preparado para darlo todo, como no podía ser de otra forma. ¿El concierto en el festival Suberock será el pistoletazo de salida de la gira de presentación? Hemos visto que ya habéis hecho algunas fechas previas. ¿Tenéis más fechas este verano?

El disco lo publicamos en febrero, hicimos solo dos fechas en Olivenza y Cáceres. Después hemos preferido parar para ensayar, construir mejor todo el directo, y preparar algún tema nuevo sorpresa. En verano solo hemos programado una fecha en Salamanca, en la Nave Búnker, con los grandes Mud Men de Almendralejo el próximo 28 de junio, y Suberock el 5 de julio.

La idea es programar a partir de septiembre.

Somos carne de salas, y en verano la gente prefiere estar al aire libre. No tenemos prisa por conquistar el mundo, pero sí que es nuestra intención, jajaj.

Entonces a partir de septiembre comenzáis la gira, que sabemos recorrerá parte de La Ruta de la Plata. ¿Puedes adelantarnos algunas fechas y ciudades? ¿Cuánto tiempo estarás en carretera?

Nuestro mánager, Birilo Swing, está programando 6 o 7 fechas por Galicia. Nos ha dicho que no contemos nada aún. Sólo puedo decir que empezaremos el último fin de semana de septiembre. Empezaremos en Galicia, e iremos añadiendo fechas por la Ruta de la Plata.

Nos llevará unos 15 días de conciertos muy seguidos. Más adelante visitaremos Portugal y seguiremos añadiendo todas las fechas posibles.

Rubio Salas Corporation no es tu único proyecto, eres un artista inquieto y también eres componente de otras bandas… ¿Cómo te organizas? ¿Cómo llevas compaginar varios proyectos a la vez?

Siempre he sido muy ecléctico con la música.

Me encanta tocar cosas diferentes. No me resulta complicado mantener varias bandas a la vez. A nivel creativo eso sirve para que no te dejes nada en el tintero, lo que no sirve para una banda igual sirve para otra. Evidentemente prefiero tener pocos proyectos para poderlos atender con garantías creativas, pero a veces he tenido que estar en muchas cosas a la vez para poder malvivir de la música.

Rubio Salas Corporation ya está en marcha, larga vida y mucho éxito en tu recorrido con este proyecto. Esperamos que vuelvas a LaCarne para contarnos cómo te ha ido. Te seguiremos muy de cerca. ¡Un abrazo! ;-) Volveremos por LaCarne seguro. Os conozco desde vuestros comienzos y es un placer trabajar con vosotros. Larga vida a LaCarne y a la Corporación!!! A vosotros que estáis leyendo, sólo os deseo que la música os acompañe!!! ¶

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Anarkotizados Una banda que ni para ni calla

Anarkotizados: Una banda que ni para ni calla LEER MÁS

Fotos por Diego Maqui

L

uego de un largo periodo de tinta seca, de rayos que caen en el ajayu y te parten en cuatro, de enfermedades mentales que descuartizan la existencia dejándote muerto en vida, logré editar la entrevista realizada al grupo de punk metal boliviano Anarkotizados.

Sinceramente un orgullo paceño que llevo al ser receptor y canalizador de la contracultura que se cuece entre las montañas del Altiplano en exclusiva para LaCarne Magazine.

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¿Quiénes conforman o integran la banda?

La banda se conforma de cuatro integrantes: Anselmo (batería), ArturoCarrasco (guitarra), el Coyote (bajo) y Michael en las voces.

Hablemos de la gira latinoamericana. ¿Cuéntennos que tal Argentina y Chile?

El 2018 comenzamos con la gira de Buenos Aires. Ha sido nuestra segunda salida del país, pero es la primera vez que tocamos en una capital, en una ciudad súper grande, con una escena mucho más establecida. Buenos Aires es una de las capitales de Rock de Latinoamérica. Para nosotros fue la gira más importante que hemos tenido.

2017, y a la Argentina y Chile en 2018. ¿Detalles de la gira?

Giramos con más bandas: LOS ROCKETS (Costa Rica), LOS ARMAN (Perú), ANTIBANDA (Uruguay), y con LOS STOCKERS (Chile), quienes nos acompañaron en dos tocadas (en Iquique y Antofagasta). Después tocamos junto a bandas locales como ASTROBILIS (Antofagasta), LOS PARANOICOS (Iquique), LOS MAL KARMA (Tocopilla) y con NIÑO CALAVERA (Arica) celebrando sus 21 años de aniversario, banda representativa del “under” allá en Chile.

Recalcamos que no fue Anarkotizados girando solos, sino que somos una familia grande, y con este manager, César Medina (peruano), que nos llevó de gira a todos lados. ¿Algo más de Baires y de Chile?

El salir de tu medio te ayuda mucho a cambiar de perspectiva respecto a muchas cosas, y la verdad, es lo que podemos sacar de estos viajes. Lo mejor es que nos hizo cambiar como banda, como artistas, como personas.

¿Alguna anécdota?

Cabe recalcar que la gira no era solamente de Anarkotizados. El viaje a Cuzco (Perú) en 2017 era un evento de varias bandas. Este febrero 2018 giramos con una banda de Uruguay llamada ANTIBANDA, conformada por dos integrantes (Cabeza, que toca la guitarra, y la Cami, que toca la batería). Juntos hemos ido a cuatro boliches en todo lo que es el gran Buenos Aires. ¿Cómo se logró el contacto?

Giramos como parte de lo que es “No Nos Pueden Parar”, organizada por César Medina Ch. (nuestro manager de gira), quien produce un programa de nombre “Mixtura”, el cual difunde bandas de Punk y Rock de toda Latinoamérica. El tipo se conoce a todas las bandas de Punk y de Rock en Chile, Perú, y Argentina.

Entonces él nos contactó, fuimos a Cuzco en

¿Por qué?

Hemos hecho muchos amigos, eso es increíble. La cuestión de salir nos hizo recibir mucho apoyo afuera al decir que somos una banda boliviana siempre antes de empezar a tocar, la verdad de que llama bastante la atención, porque la gente está muy dispuesta a escuchar a los bolivianos. Hemos recibido todo el apoyo, mucho más de lo que esperábamos. Ha sido una experiencia muy gratificante. ¿Algo memorable en Chile?

La comodidad que te dan las otras bandas es lo mejor, el apoyo que te brindan, que nos damos entre todas las bandas que estamos de gira porque nos ayudamos y cooperamos. Si a alguno le falla algo y demás, nos apoyamos entre nosotros. Y eso es algo muy rescatable que se ve en “la movida” de otros países también. ¿Cómo marcha la cultura Punk Rock latina?

Hace un cacho (mitades de esta década) las cosas han estado media paradas, un poco LaCarne Magazine

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suaves. Este último tiempo hemos estado viendo que está empezando otra ola, se empieza a encender de nuevo un poco. La cuestión de cómo las bandas se empiezan a mover, los eventos que se hacen, las bandas que llegan o que salen del país. Está empezando a surgir “la movida” de nuevo, todos se están animando a moverse más. Es una cosa que no veíamos hace un par de años. Ahora, así como nosotros hemos salido, igual hay gente que viene… traen bandas del Perú… Los grupos de afuera quieren venir aquí, les parece muy interesante para compartir su música y vivir “la movida”. Se siente bastante movido ahora, en un par de años se consolidará. ¿En Bolivia, cómo marcha el Punk?

Sí, se está volviendo a animar, acá en Bolivia hay más actividades, se reúnen más entre los mismos punks, está habiendo de nuevo ese apoyo, se está volviendo a ver de nuevo todo eso. Se podría decir que en un futuro el Punk acá va a ser un “movimiento” mucho más grande. Por lo menos eso es lo que se llega a esperar. ¿Discografía y videografía de Anarkotizados?

Tenemos un disco de doce temas que se llama “Lo que no se Calla”. El título del disco tiene dos sentidos alusivos. El primero es como una expresión hacia algo que no tenemos que hacer (no hay que callar), no hay que quedarse neutral acerca de lo que pasa a tu alrededor.

Tal vez quieran que no lo digamos, pero lo vamos a decir, lo queremos decir. Y el segundo significado tiene que ver con nuestro primer guitarrista (asesinado luego de una tocada), para rememorar su nombre. Se llamaba Julio Gabriel Calla y le decíamos “El Callita”, era su apodo “El Calla”.

Este último tiempo grabamos un single de tres temas titulado “Evangelios Podridos”, que hace referencia a la cuestión religiosa…

Muchas de las cosas que se están viviendo, todo lo que tiene que ver con “la verdad”. El “libro de la verdad” (los evangelios). Al contar “la verdad” lo único que hacen, sobre todo la gente que lleva “el poder”, es mentirte.

En videografía oficial tenemos un videoclip

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oficial (Occiso Urbano), justamente canción dedicada a Julio Gabriel Calla, un video documentalde la gira a Buenos Aires (con LOS ANTIBANDA). Y hay canciones sueltas en el internet de las tocatas (las sube a discreción nuestro manager de gira mediante su cuenta en YouTube: MIXTURA y las pueden encontrar en el canal de Anarkotizados). ¿Proyectos Actuales y planes futuros de Anarkotizados?

Queremos entrar a grabar el disco luego de este pequeño E.P. (“Evangelios Podridos”).

A partir de esto grabaremos un disco entero de unas diez a doce canciones por lo menos.

Tocadas no tendremos muchas, queremos dedicarnos a componer y estar en el estudio de grabación. Sacar también el documental de Chile, producir un par de videos del nuevo disco para promoverlo un poco más, y realizar unas giras al interior del país (donde nos recibieron bien en Santa Cruz y Cochabamba). ¿Existe compromiso artístico y humano en

Anarkotizados, contrario a lo que la sociedad en su doble – triple moral plantea? ¿Todo es mierda?

Ah… últimamente hemos visto personas que están coreando los temas ¿ya? Gente que no conocemos… El “pedo” es que Anarkotizados lleva 13 años tocando, eso es bastante compromiso artístico y humano porque en Bolivia siempre hay proyectos (se juntan un año para un par de conciertos, sacan unos discos y ya no hay más… chao). Nosotros tenemos uno (CD) pero trece años de seguir tocando y darle duro. Eso hace que el público coree todos los temas, la gente conozca Anarkotizados, y ustedes nos hagan preguntas, es una cuestión de no dar el brazo a torcer y de darle todo el tiempo… Así en la sociedad te metan trabajos de oficina, tengas que pagar alquileres e impuestos, inevitablemente debas hacer eso (todos los miembros de Anarkotizados pasamos por esto) nosotros seguimos tocando. Ya tenemos aproximadamente 30 años cada uno, y conocemos muchos amigos que se han quedado en el camino, que se han

comprado guitarras, bajos, baterías y nunca han hecho nada más… Ha nosotros no nos ha sucedido, y obviamente existe un compromiso a 200 % todo el tiempo. ¿La violencia gana a la paz? El videoclip de “Occiso Urbano” va dedicado a su hermano J. Gabriel Calla, brindémosle un tributo con lo que quieran expresar al respecto.

Bueno… ese suceso se efectuó en gran medida ¿no? En malas y buenas maneras. Nos dolió mucho, fue bastante duro el momento en que sucedió (pero nos ha hecho al mismo tiempo dar con ese sufrimiento). Lo hemos encausado en fuerza, en energía, en ganas de no pararnos… en un empuje tremendo. Siempre lo recordamos y lo tenemos presente…

Aún lo queremos, lo amamos y lo extrañamos.

Con respecto al video, Julio siempre ha sido la persona más callada, no muy expresivo. Nunca pensamos que se iba a morir… casi que no lo grabábamos a él, más al Arturo y al Micha (en las imágenes que aparece) y fue durísimo LaCarne Magazine

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cuando hicimos el video… porque no lo teníamos filmado tanto como a los otros miembros. Entonces ha sido un trabajo de volverlo a escuchar, ver y sentir. El Julio era bastante ensimismado, casi autista. Cuando agarraba confianza era buen tipo… pero quisiéramos haberlo conocido más, la verdad.

Anti fascistas contra tanto racismo, clasismo, indigenismo. Comprometidos y fundamentales con su discurso, practicando lo que predican.

Una banda real y potente. ¿Cómo inician este viaje artístico musical?

En la posición general de la banda no está en nosotros esa cuestión de discriminación, le tenemos aversión a ese tipo de cosas. En vez de ser tan directamente anti fascistas, creo que somos un poco más “pros” a la integración y a la verdadera igualdad. Últimamente estas generaciones nuevas, tan bombardeadas por los medios, se están volviendo demasiado débiles. No entienden bien este tipo de conceptos, empiezan a encerrarse en “burbujas” que al final termina siendo segregación de igual manera. Se ofenden de todo, justamente se callan, ya no hay que decir absolutamente nada. Es bien fregado, empiezas a ver en todos lados eso, ya hay cosas que no puedes decir y es justamente la cuestión del fascismo ¿no? En ciertos aspectos es el mismo mecanismo, es el mismo fin. No puedes expresar ciertos sucesos porque están mal. Entonces no hay que ir por ese camino.

La verdadera libertad sería simplemente olvidarse de eso, ni siquiera tirarle bola. Es una estupidez… Y tomarlo del lado más divertido de las cosas hasta reírse de eso, quitarle completamente el poder. Es muy jodido, de verdad ya no puedes decir ni hacer nada. Todo es ofensivo de alguna manera, y súper peligroso porque ya dejas de escuchar a los demás. ¿Influencias musicales?

La banda está influenciada por MISFITS y LA POLLA RECORDS. Estas dos son el pilar fundamental. Cada miembro tiene gustos variados desde DEFTONES hasta SLAYER. ¿Somos ácratas de nacimiento resistentes ante los imperios y los dueños de este juego

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capitalista, consumista que cada momento aprieta M.A.S. (más)? ¿Cuál es la fuerza para navegar contra la marea?

La pregunta está dirigida al Movimiento Al Socialismo (M.A.S.)… esa cuestión de “ácratas de nacimiento” no estamos tan seguros. No sabemos si se podría comprobar. Desde que uno nace te empiezan a imponer la sociedad.

Todo tu comportamiento nace de la presión social, desde la familia… La cuestión del “acracia” debemos pensarlo. No sabemos si es de nacimiento, tal vez no. Injustamente es algo

otro porque crees como crees y el otro cree diferente: esa es la base del problema. Imponer la idea que tú tienes a otra persona a la cual no le podría interesar de ninguna manera… Y el ir en contra de eso, es un concepto que nosotros lo tenemos bien claro: no imponer nada a nadie. ¿Bolivia para Anarkotizados?

No importa el nombre, no importa la bandera, no importa cómo putas nos llamemos. Somos miembros de este planeta, todos. Y cómo se llame o qué bandera y territorio tenga no nos interesa. Mi patria está en mis zapatos.

Bolivia tiene sus dos caras… uno no puede evitar sentir cierto orgullo de dónde viene… tienes orgullo de ser amigo de los que son tus amigos, de lo que comes, de lo que haces… solamente porque lo haces (es súper irracional) pero esa cuestión de país institucional es una línea imaginaria en el piso ¿no? Y una tremenda barrera. La verdad, quisiéramos una humanidad unida. El concepto de un país es contrariamente lo opuesto a lo que debería ser la humanidad. Entre personas todos los países nos segregan y separan. Entonces: orgullo de las personas que somos, de lo que hacemos con todos (nuestra escena, amigos, familia, antepasados) pero esa cuestión institucional de país es una completa mentira, es una tremenda ilusión y es control.

que tenemos que lograrlo… Creemos que ser un ácrata se va desarrollando. Siempre hemos dicho que todo lo que hacemos no tiene nada que ver con la política. Absolutamente nada… creemos que podemos vivir libres de política.

No nos importa lo que piense la gente y surgen discusiones durísimas.

Tenemos que encontrar la manera de actuar y de hacer sin necesidad justamente de la política, o ese sentimiento de correcto o incorrecto, bien o mal ¿no? La raíz de creerte superior al

Mensaje final y despedida Agradecemos al Alfonso (Seka) y a la gente de LaCarne Magazine por el espacio, por dejarnos decir lo que pensamos como lo hacemos en el escenario pero en un medio más específico (esperando siempre que envíen esto sin filtro). Muchas gracias a todos los que nos están leyendo y a la gente que nos apoya, sobre todo nos escucha. Gracias por el interés y eso es lo que más nos mueve, porque al final somos artistas por una razón, creemos que ésta es difundir nuestro mensaje a como dé lugar, como sea. Creemos que nuestro mensaje está llegando a buenas orejas y a buenos cerebros (y no está llegando a gente boluda).

Gracias. ¶

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BMT

Transmitiendo la esencia del Underground

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esde hace cinco años, BMT promueve el crecimiento de la escena electrónica underground en la ciudad de La Paz a través de la realización de diversos eventos y el apoyo a nuevos talentos.

ese medio nos conocimos, nos reunimos y decidimos crear BMT. En ese tiempo estaba muy fuerte el EDM, y BMT se crea para dar un espacio al underground, al House, al Techno”, relata Skipi.

BMT fue creado en mayo de 2014 a iniciativa de Sergio Quisbert (Sezé) y Adrián Muñoz (Skipi), dos DJ’s que deciden crear este colectivo como una forma de expresar su pasión por la música y transmitir al público la esencia del underground:

BMT nace con el nombre de Bunny Moving Team: “Por un conjunto de experiencias, nuestro símbolo era un conejo (bunny) y así es como primeramente se forma Bunny Moving, como conejo en movimiento, y la T por equipo (team) que para mí es muy importante porque nadie puede lograr cosas grandes solo”, explica Sezé. Con el tiempo, afirma que el concepto cambió a BMT “Una sigla algo más abstracta, metafórica y que represente algo underground”.

“BMT en realidad empieza por un podcast.

Nosotros habíamos estado antes en un grupo que era la Family Across the Sound, y por

Empero, para su quinto aniversario este 2019, BMT decidió darle un nuevo significado a su nombre:

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definirlo ahora de una manera técnica, seríamos clasificados como un colectivo de artistas digitales. Lo que realmente nos mueve es compartir nuestra pasión por la música”.

Y fue esta auténtica pasión musical lo que llevó a que BMT fuera consolidándose y logrando ser parte importante de la escena electrónica paceña: “Creo que el mayor logro ha sido que DJ’s que admiramos nos han empezado a conocer, y por esa razón los hemos podido invitar a tocar.

También destaco la gente, es decir, los amigos que hemos hecho, amigos que se han vuelto súper unidos y que nos siguen hasta el final”, relata.

Mientras que Skipi resalta el haber logrado una escena nueva, joven y mixta, donde todos disfruten por igual de la música: “Hemos tenido eventos donde llega gente de la zona sur, del centro, de El Alto, y alguna vez alguien que venía de otro lugar del país. Yo siempre me acuerdo de una frase que dice “If people can dance together, people can live together” (Si las personas pueden bailar juntas, pueden vivir juntas). Por eso cuando tenemos un evento y veo que llega gente de diferentes lugares, digo que lo estamos haciendo bien”, comenta emocionado.

d “Con este año número cinco, estamos usando Be My Totem (BMT), que quiere decir “Se mi tótem”. El tótem de BMT ha sido desde el comienzo el conejo, y en películas como Inception los personajes tienen objetos o momentos que les recuerdan la realidad más allá de un sueño. La música nos hace soñar, pero todos volvemos a la realidad, así que como chamanes nuestra misión es que las personas se conecten con su interior en cada sesión, que se sientan libres y puedan volver recargados a su realidad”.

BMT, un movimiento “under”

Sezé relata que BMT no fue creado con la idea de ser un colectivo: “BMT era una idea chévere para reunir amigos y pasarla bomba, no queríamos ser un colectivo, ni ser una empresa ni nada, era un movimiento. Pero si tenemos que

Y de ninguna forma ellos podían olvidar el momento en el cual decidieron transmitir y compartir sus conocimientos: “Nosotros también dábamos clases, hemos debido tener unos 25 o 30 alumnos, a los que les hemos enseñado ser DJ’s desde la base del underground”, menciona Sezé.

Slang y Jam Sessions

La promoción y apoyo a la escena underground es expresado por BMT en sus dos tipos de eventos: Slang Sessions y Jam Sessions.

Las Slang Sessions son eventos mensuales orientados exclusivamente al House y Techno. Skipi relata que Slang Sessions nace de un podcast al que primero deciden llamar “All About Music”, pero deciden cambiarlo por LaCarne Magazine

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una palabra más corta, en este caso, Slang: “El término Slang hace referencia a la jerga y modismos en barrios extranjeros de habla inglesa, y sentimos que lo que expresamos es algo similar, es un sistema de lenguaje auditivo musical completamente underground, así como la jerga presente”, explica.

Mientras que las Jam Sessions son ciclos de fiesta orientados al otro lado de los géneros underground como sería el Drum and Bass, Jungle, entre otros: “El término Jam también es una palabra de la jerga. En el exterior se dice jam a los buenos temas. Jam Sessions es una oportunidad de mostrar nuestra otra cara, nuestros otros gustos más allá del house y techno”.

Tal es la constancia y pasión que BMT le pone a la realización de sus eventos, que el pasado mes de abril realizaron la Slang Sessions #50.

Sezé: Un DJ con espíritu rockero

Sergio Quisbert “Sezé” es un DJ con alma rockera: “Yo soy rockero total, rock indie.

Cuando estaba en mi adolescencia todo era rock: The Strokes, Artic Monkey, Franz Ferdinand e incluso tenía una banda con mis amigos”, relata.

Si bien Sergio venía de un legado de DJ’s, incluyendo a su padre, a él jamás se le pasó por la mente dedicarse a ello: “Eso de ser DJ no me interesaba para nada, aunque mi primera experiencia en un boliche fue a los 8 años en Forum porque mi papá fue uno de los primeros DJ’s de aquella discoteca”, relata.

Una serie de eventos en su adolescencia cambiaron totalmente la forma de pensar de Sergio, y en un momento dado decidió que quería ser DJ. Fue así que al cumplir 20 años logró inscribirse en la Red Bull Music Academy: “Ahí fue cuando escuché por primera vez la palabra Traktor y me enamoré. Hasta ahora es el único programa que usamos para mezclar música electrónica. Ahí también me enamoré de las Technics MK2 1200, las mejores tornamesas. Y una vez que empiezas a adquirir conocimiento te vuelves adicto, y eso es bue-

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no porque te especializas, creces, ves más allá y buscas música. Como yo era rockero, no quería ser un DJ que mezcle cumbia o reggaetón, así que dije ‘quiero aprender a tocar electrónica’”.

Sergio se declara un melómano, y por esa razón para él es muy difícil elegir un solo género o estilo favorito. Sin embargo, dentro de la electrónica afirma su atracción por el Techno y Deep House: “La música es tanta que no puedes quedarte en algo, pero si tuviera que limitarme a algo diría que me encanta el Deep house, el Techno, tiene algo muy intenso y creo que me puedo sentir resguardado en esa intensidad, en esa oscuridad, en ese cerrar de ojos. Es lo que me gusta de la música electrónica, no necesitas de una pareja para bailarlo, algo te conecta, algo te hace bailar, y la música electrónica tiene esa magia de que se conecta a tu corazón,

a tus latidos, los 120 BPM (beats per minute) no están en vano, van acorde de tu sistema”, explica emocionado.

Skipi: House en el corazón

Adrián Muñoz (Skipi) es un DJ de esencia ‘housera’, quien creció con una gran influencia musical ejercida por su hermano: “En mi caso, creo que esto de ser DJ inicia más que todo con mi hermano. Durante toda la vida había crecido con música Rock, Hip Hop, Pop antiguo de los 90 y bueno, mi hermano era recurrente a la escena de música electrónica que se estaba formando con Trance, Psy Trance. Lo más sorprendente para mí era ver cómo la gente la pasa bien con los DJ’s, cómo pueden estar tantas horas en un ambiente y la gente no se aburre, ése fue el punto de partida”, relata.

Es con esa iniciativa que Skipi poco a poco

se va introduciendo en el mundo de la música electrónica de forma autodidacta: “Empecé a mezclar hace muchos años con programas para mezclar. Mi preparación como DJ han sido puros documentales, videos, libros…, de ahí viene mi técnica y me agrada porque veo a los DJ´s con trayectoria y estudios y al final hacemos lo mismo”, afirma Skipi.

Y es que el conocimiento que tiene Adrián respecto a la historia de los géneros de música electrónica es inmenso. Sin embargo, entre todos esos géneros y subgéneros que disfruta y conoce, él se declara un amante del House: “Para mí el House fue toda la música con la que crecí, es todo lo que ha sido parte de mí.

El House me recuerda a toda esa época que en cierta manera quiero que vuelva, ese House clásico, de los 80’s y 90’. Por eso es algo muy común en mí siempre sacar samplers antiguos o poner producción de artistas de LaCarne Magazine

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la época que siguen sacando nuevas cosas, pero manteniendo ese sonido”.

BMT no pudo haber tenido mejor equipo que el integrado por Sezé y Skipi, quienes desde el principio tuvieron una conexión especial gracias a la música. Es de esa forma que, tanto para la planificación de eventos como a la hora de sus presentaciones, ambos DJ’s complementan ideas y acciones de una manera muy natural.

BMT: una familia con las puertas abiertas

A lo largo de estos 5 años, varios DJ’s han pasado por BMT, participando en los eventos que abren las puertas a toda persona que comparta ese entusiasmo genuino por la música: “BMT es un grupo abierto. Mucho de esto se basa en la idea de invitar DJ’s con trayectoria, pero también DJ’s nuevos. Y lo que queremos es apoyar en lo que se pueda porque a veces es difícil abrirse camino. Cuando empecé, algunos me cerraban las puertas y nosotros decidimos hacer lo contrario y brindar oportunidades”, afirma Skipi.

Sin embargo, el único requisito para formar parte de los eventos de BMT es el apoyo mutuo: “Si a ti te gusta el underground, te vamos a invitar a que toques. Si nos hablas, vas a ser parte de eso. Pero primero vemos si es una persona a la que le guste genuinamente la música, que lo haga bien y que nos ayude, es decir, que cuando no toque asista a los eventos para apoyar a otros”, afirma Sezé.

Y con el pasar del tiempo, BMT ha logrado formar parte de una escena de la cual hoy en día participa activamente. “Cuando tú eres parte de la escena, entre todos nos hablamos y nos colaboramos. Si nosotros tenemos una persona que quiere tocar y no tenemos evento, se la recomendamos a otra persona, y algo muy lindo de hacerse conocer con personas que admiramos es que esas personas nos han referido incluso a otros DJ’s internacionales que

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han tocado en nuestros eventos”, explica.

El DJ: un ritual de conexión musical

Y es que tanto Skipi como Sezé tienen su concepción de lo que significa ser un buen DJ. Para Skipi, todo DJ debería tener el don del evangelio musical, que implica lograr esa conexión especial con el público presente: “Ser Dj no es el que tiene la mejor técnica, no es el que tiene el mejor equipo, el que jala más gente, el que tiene más éxito. El Dj es esa persona que tiene el don del evangelio musical. A diferencia de una banda que tiene su repertorio, nosotros tenemos los samplers de toda la humanidad, no solo de música, sino de películas, documentales… Entonces se trata de tener el don del evangelio musical, es decir, compartir la música, saber cómo hacerlo”.

Mientras que para Sezé el ser DJ es comparable con un chamán, quien en cada set debe lograr ese ritual de conexión entre el público y la música para que, al finalizar el mismo, cada persona vuelva renovada a su realidad y con una mejor energía: “El mundo se basa en artistas. En la época primitiva los primeros artistas fueron los chamanes que empezaban a explicarle al hombre lo desconocido con cosas físicas, y es así como la música se origina a partir de golpes, vibraciones, la voz. La gente se conectaba y creían que esta conexión era algo espiritual, y a partir de ahí nace la música, y si te das cuenta eso es ser Dj, eres un chamán, eres un ritual, eres una persona que conecta a las personas con sus sentimientos a través de la música, ésa es nuestra misión”, concluye Sezé.

A Sezé y Skipi su pasión genuina por la música los ha llenado de buenas experiencias y momentos inolvidables, y eso es lo que desean transmitir en sus sets, mostrando esa conexión especial con el público al cual deciden hablarle en el lenguaje que todo corazón entiende: la música. ¶

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Ira

Heavy Metal con actitud, compromiso y pa

H

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ablar del heavy metal en México es algo que nos tomaría mucho tiempo, es una escena de una amplia trayectoria en cuanto a bandas. Pero vamos a referirnos en este escrito a Ira, una banda que conocí personalmente, y la cual me ha cautivado mucho.

Les presento a IRA, una banda de la ciudad de Monterrey, la cual pude conocer y compartir con ellos en Cuba este año 2019. Vamos ha-

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cer algo de historia! Ellos se iniciaron en 1991, pero en aquellos primeros años se dieron a conocer bajo otro nombre, como Coprofagia, y haciendo un death thrash con líricas en inglés, así grabaron un par de Demos.

Para IRA les fue muy difícil la entrada en el circuito metalero de su región. Surgieron en una época donde el metal en su ciudad estaba algo en calma, el rock alternativo era lo que más preponderaba en Monterrey.

Pero IRA fue una banda que salió con música original y de temas propios, no como muchas bandas de esa época, que se dedicaron a realizar covers de grandes bandas internaciona-

que resultó acertada.

“El significado no obedece a un objetivo en particular, ante la necesidad de un nuevo nombre solo necesitábamos algo con que identificarnos de nueva cuenta ante la gente que ya nos ubicaba como Coprofagia. Buscando alguna palabra que incluyera las iniciales de los integrantes de esos días, dimos con IRA (Iván, Rolando y Adán), se propuso y se aceptó. Como antes se mencionó, fue una decisión correcta pues nos permitió abrir para Iron Maiden por primera vez”, comento Iván Moreno, guitarra y vocalista.

asión les.

CONCIERTO DE IRA JUNTO A IRON MAIDEN

La idea de cambiar de nombre vino para el 1996, y esto ocurrió de una forma algo curiosa, pues para esa fecha se presentaría Iron Maiden en México. Se lanzó un concurso para seleccionar la banda abridora en el concierto de Monterrey, y la banda decidió cambiar de nombre con la intención de que, por su anterior nombre, Coprofagia, fueran dejados de lado. Cambiaron a IRA, y fueron seleccionados para abrirle a Iron Maiden el 7 de septiembre de 1996 en Monterrey, una decisión

“Una de las más grandes enseñanzas que esta carrera nos ha dado es precisamente el haber abierto para Iron Maiden. La primera vez que lo hicimos éramos una banda muy joven, con los argumentos musicales para estar ahí, pero con poca experiencia, incluso fue nuestra primera presentación como IRA. Para ponerlo en perspectiva, con Iron Maiden tocamos ante aproximadamente 7 mil personas, la siguiente ocasión que lo hicimos solos y en teoría ya “más conocidos” solo fueron 5 personas a escucharnos. Eso nos dio el indicativo de que empezaríamos desde cero con este antecedente, que no nos sirvió de mucho.

Cuando abrimos de nueva cuenta para los ingleses en el 2009, llevábamos a cuestas mucho trabajo en directo, 3 discos de estudio y una carrera ya más sólida, lo cual nos permitió estar a nivel de las bandas que formamos parte de esa experiencia”.

INTEGRANTES DE IRA

Sus actuales integrantes están de lleno dedicados a la banda, aunque mantienen algunos trabajos paralelos a IRA. Iván Moreno, en la guitarra y voz, es miembro fundador, y autor de la mayoría de las letras de las canciones en IRA. Por muchos años solo participando con IRA, desde 2014 tiene un proyecto alterno llamado Críptico Icono Ancestral, donde además de cantar toca el bajo, con el estilo musical más orientado al Hard Rock de los años 70.

Rolando Cruz, en la guitarra líder y director LaCarne Magazine

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musical, es también miembro fundador, Licenciado en Música, compositor de música clásica y reconocido como unos de los compositores más representativos de Nuevo León, estado del que forma parte Monterrey.

Adán Moreno, en el bajo y voz, es también miembro fundador, desde hace 20 años alterna su actividad con IRA como promotor de conciertos y manager de bandas de metal de México, España y Brasil a través de su agencia AM Agencia México.

Gabriel Díaz Sánchez, en la batería, es el elemento más joven en IRA, forma parte desde octubre del 2015.

“A lo largo de casi 20 años de mi actividad como promotor tuve la oportunidad de conocer, apoyar y manejar de forma informal bandas principalmente de mi ciudad, Monterrey, al irse consolidando también mi faceta como tour manager de algunas bandas, tanto de EEUU como de España, en mi país vi la posibilidad de poder extender mi actividad. Es así como hace aproximadamente 2 años le di formalidad a una agencia de representación llamada AM AGENCIA MEXICO. Básicamente es seguir haciendo este trabajo de Tour Manager para hacer giras con bandas extranjeras y ofrecer posibilidades de trabajo a otras bandas, principalmente de Monterrey, aunque por ejemplo represento a TRANSMETAL, que es la banda más longeva y exitosa del metal mexicano. El formato que manejo en AM es más bien de caza talentos, es decir, una banda que en mi perspectiva y experiencia puede mejorar y representar trabajo tanto para ellos como para mí, se les diseña un plan de trabajo y se les hace la propuesta, los que aceptan están en mi rooster de artistas, incluso con los que no quieren trabajar bajo ese esquema, de igual forma se les apoya en otros rubros, la idea es que la actividad musical no se merme”, indica Adán Moreno.

IRA COMO BANDA SOPORTE

IRA ha estado muy ligado a Iron Maiden.

Se dice que es la única banda en el planeta en haber compartido escenario con los tres cantantes que han pasado por Iron Maiden.

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(Blaze Bayley 1996, Paul Di’Anno 2002-2013, Bruce Dickinson 2009).

Y además IRA desde el 2002 ha sido la banda mexicana de soporte de Paul Di’Anno, quien fuera el primer cantante de Iron Maiden, con el que han realizado 6 giras por todo México con más de 40 conciertos por toda la república mexicana. “…La historia con Paul Di’Anno fue más bien un accidente. Por allá del año 2002 decidimos hacer un tributo a Maiden para podernos hacer llegar algo de dinero para grabar nuestro segundo álbum de estudio. Estuvimos haciendo este homenaje y en una ocasión un amigo promotor de nuestra ciudad nos buscó para ser la banda en México. Nosotros creímos que era por el tributo pero no, éste promotor había enviado nuestro primer disco “Guerreros Clandestinos” al manager de Paul para que diera su visto bueno, y finalmente pasamos la prueba. A lo largo de 11 años hicimos 6 giras en nuestro país con Di’Anno, tocando más de 40 conciertos juntos. Un dato proporcionado por un periodista de nuestra ciudad, en base a una investigación personal, dice que por lo menos hasta 2010 ninguna banda del mundo había compartido escenario con los 3 cantantes de Iron Maiden. IRA lo hizo, pues nuestro primer show con ellos fue en septiembre de 1996 con Blaze Bayley en la voz, el segundo fue en 2009 con Bruce Dickinson y nuestras giras con Paul Di’Anno”.

IRA es una banda que no se ha detenido nunca, conserva una constante de crecimiento, va madurando años tras años con su heavy metal tradicional, donde incluyen algunos diferentes elementos. Una banda de más de 25 años que ha compartido escenario con muchísimas bandas de su país y bandas internacionales, una gira a España en 2013 y que esperan repetir en este 2019. ¶

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Putrefaxion

en sólo tres palabras: Puro Death Metal LEER MÁS

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utrefaxion, la banda de death metal uruguaya que rompe todos los esquemas, integrada por Brian Ocampo en guitarra y voz, Paulo Techeira en Batería, Ignacio Guillén en guitarra y Maximiliano Bortagaray en el bajo, comienzan a finales del 2010 como una idea de Brian y Rodrigo Álvarez, quien en aquel entonces era el baterista.

La banda hace death thrash metal de la vieja escuela, con un sonido particular hoy en día, que sin dudas, te remonta a los ’90.

Hacen una conjunción de ambos géneros que le vuelan la tapa de los sesos a cualquiera que los escuche, mezclan velocidad, distorsión y una cantidad inminente de cambios musicales y riffs. En cuanto a la voz, guturales con tonos elevados y agudos frenéticos, y ni hablar del peludeo infaltable en cada presentación en vivo.

Hablamos de una banda con gran peso en el género en Uruguay, y con influencias notorias de Obituary, Pestilence, Morbid Angel, Death, entre otras.

La complejidad que comprende la banda musicalmente es alta, y es sorprendente cómo logran dar en el escenario un show tan completo, aun teniendo en cuenta la concentración que requiere lo que llevan a cabo.

Una banda con un gran presente, pero con un mejor futuro aún.

Hace poco clasificaron en la final del Metal Battle Uruguay, así que están las probabili-

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dades de viajar al Wacken de Alemania.

Hablamos entonces con Brian Ocampo (guitarra y voz), Paulo Techeira (batería), y Maximiliano Bortagaray (bajo).

Putrefaxion en sólo tres palabras: Puro Death Metal ¿Cómo, cuándo y por qué nace Putrefaxion?

Brian: Todo fue en el transcurso del 2010. En esa época yo tocaba en una banda llamada Cetro, y Putrefaxion nace cuando un amigo me comentó que su hermano tocaba la batería. Nos juntamos y fuimos armando algo, ya que a los dos nos gustaba la misma música,

compartíamos, y en sí, como dije antes, no pensamos que íbamos a ser una banda hasta que nos dimos cuenta que teníamos un montón de temas armados y decidimos llevarlos adelante. Y en cierto punto nunca dejó de ser eso cuando se armó la banda, porque en cada ensayo y cada toque siempre es un refugio de música y buenos amigos. ¿Qué significa el Death Metal para ustedes? ¿Cómo ven la escena local al respecto?

Brian: Para mí el death metal es una actitud, una forma de cómo pensar, y creo que podría llamarse una filosofía de vida, no porque todos los que lo escuchen tengan que ser de determinada manera, pero sí creo que hay unos ciertos principios, valores, ideología de quienes lo escuchamos, que entre nosotros la sabemos reconocer. No es la violencia que mucha gente imagina al escuchar, ni tampoco qué tan explícita pueda ser la camiseta que una persona pueda utilizar, sino que el compañerismo y camaradería entre la hermandad del metal son los valores que encabezan la cuestión.

sin pretender tener una banda en sí, pero sí juntarnos a tocar. Se fue dando que se hicieron temas y nos gustaron, y sin querer comenzamos a armar un proyecto. A finales del 2010 ya teníamos temas de Putrefaxion.

Y el por qué…, los dos estábamos sin trabajo, queriendo expresar lo que nos pasaba y no nos gustaba mucho las cosas que a los demás les gustaban. Estábamos un poco aislados y encontramos un refugio en juntarnos en un garaje entre cervezas y amigos a hacer música, y se terminó llevando a más, pero en realidad no era más que un refugio de amigos y música.

Hacíamos metal, temas de bandas viejas que

Creo que el death metal no es tampoco subirse a un escenario o vestirse o actuar de determinada manera, sino que es una forma de ser desde que uno se levanta hasta que termina el día, y que más allá de la música, o de por qué uno elige terminar escuchando esto, creo que es algo gradual y que uno se relaja, va sintiendo un alivio con esta música y por eso elige representarla así.

Y la escena local ha crecido muchísimo. Si hay algo de lo que no nos podemos quejar es de la diversidad musical que tenemos, porque somos un país chico pero tenemos el género y estilo que quieras. En cuanto a la escena del death metal, no hay tantas bandas o tantos exponentes en sí pero tiene un gran futuro comparado con años anteriores. Por ejemplo, en cuanto al público de hace 10 años a ahora llega a mucha más gente. putrefaxion ¿Qué es Putrefaxion para ustedes?

Paulo: Por todo eso y mucho más es que uno le agarra más amor, es como ese auto viejo LaCarne Magazine

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que cada tanto te deja a pie, pero uno lo valora tanto que lo sigue haciendo andar.

Putrefaxion nos da la libertad de ser quienes somos, y que liberemos toda la bronca hacia un mundo que nos prefiere tener idiotas mientras se cae a pedazos. En esta banda somos un equipo, y cuando nos enchufamos canalizamos directo a sus cabezas, no andamos con vueltas. Eso nos ha dado un lugar en el corazón de muchos que nos siguen, la honestidad.

Putrefaxion me significa una parte muy importante de mi vida. No somos una banda cuando tocamos o ensayamos solamente.

Todo esto que se logra lleva mucho tiempo, y eso se traduce a menos tiempo con la familia, por lo cual también necesitamos de su apoyo.

Así, con esto último que te comentaba, es que nuestro entorno termina siendo arrastrado a formar parte de todo esto. ¡Somos una Putrefamilia!

Musicalmente Putrefaxion nos permite mantener viva la llama de la vieja escuela en un mundo moderno donde todo es digitalizado y llevado a los extremos más increíbles. Vamos a la raíz y logramos hacer nuestra música con una aceptación que es imposible de describir.

Mucha gente disfruta de lo que hacemos de verdad, y nos lo hacen saber. ¿Cuáles son sus influencia musicales?

Maximiliano: Cuando escuché SOAD me metí al rock un poco más pesado. Después también exploré clásicos como Metalica, Megadeth, Sepultura, Slayer, Testament, y muchos más del thrash clásico de los ’80.

Desde que toco el bajo surgieron las posibilidades de ser parte de bandas como Temerator, que me influyó en el death, y ahora en Putrefaxion sigo en ese camino de conocimiento del death y aprendiendo más sobre lo que me gusta hacer.

Sin dudas se notan las influencias en el escenario. Me imagino que tienen alguna anécdota en esos tiempos donde conseguir música era muy difícil.

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Paulo: La primera que se me viene a la cabeza es sobre los cassettes, que era el formato que más manejaba. Cuando llegaba a mis manos nuevo material, y les hacía todo el arte de disco con muchísima paciencia. Les dibujaba todo los logos, les ponía toda la información que podía como si fuera material oficial. En caso de que tuviera, le agregaba a la tapa algún recorte de revista referente a la banda que contenía.

También se daba mucho el pedir que alguien te grabara cosas y que en el mismo cassette te armaran una ensalada de canciones de varias bandas, de las cuales si no sabías quiénes eran. Podías escucharlas mil veces desconociendo los autores.

pasado con cada cambio de formación que ha tenido Putrefaxion, cada músico que ha pasado por la banda deja algo, y eso provoca que no sea lo que yo cree, sino el aporte de todos, y eso es lo que hace a la banda en sí, porque más allá de que vos tengas un concepto o una idea, siempre los músicos son los que hacen que la banda tenga esa fuerza.

Lo que buscaba transmitir con las letras era simplemente una realidad que no quería dejar pasar. Como de repente otros géneros musicales tratan de enfocarse en otras cosas, y yo creo que el heavy metal se enfoca en denunciar cosas que son realidad, pero que algunas personas prefieren no hablar porque son incomodas o quieren tratar de evitarlas, y yo quiero reflejar algo que sea sincero y consecuente a lo que nos pasa a nosotros. Capaz que la injusticia para alguna persona, en algún lugar del mundo, de su realidad es que se le pinche la rueda de un auto, pero nuestra injusticia no es ésa, es otra. Son otras realidades y la idea es transmitir la nuestra directamente para que se entienda, y ser consecuente con lo que uno escribe y vive.

Fue así que por mucho tiempo pensé que la canción “Painkiller” era de la banda Death, y como en los cassettes tampoco podías grabar muchas cosas, a la mitad se cortaba. Pasados años de que me hubieran grabado ese cassette, el día que escuché Judas Priest me explotó la cabeza, primero porque juraba que estos veteranos le copiaban los temas a Death, y después porque me faltaba por conocer la mitad de la canción. ¡Era como encontrar un bonus track!

Tengo entendido que es Brian quien se encargó de la composición de las letras y música. ¿Qué es lo que buscaste transmitir? Y como banda, ¿qué piensan que transmiten?

Brian: Sí. En realidad yo compuse los riffs, llamémoslo el “esqueleto musical”, con el primer baterista, pero creo que en el tiempo que ha

El objetivo es que capaz una persona que esté enojado con la vida por alguna razón, escuche las letras, las lea, y sienta que está de acuerdo con lo mismo y que también le sirva como una descarga más, así como a nosotros nos sirvieron esas bandas que escuchábamos a los 14, 15, 16 años, y uno ahora tiene 30 y capaz que puede ser la influencia de un adolecente que quiera hacer lo mismo, hacer una banda y sacar lo que tenga adentro, y me parece que eso ya sería tremenda misión cumplida.

Hay un tema que llama mucho la atención y es Mecanismos de autodestrucción. Pero más me llama la atención el dibujo que lo acompaña. ¿Podrían explicarlo?

Brian: Esa tapa fue creación de Bruno Pastorelli, ex guitarrista, y lo que queríamos hacer era algo sencillo, como las tapas viejas, tratando de expresar (tal vez en el momento no salió tan bien como queríamos) como una persona encadenada a un asiento que tiene un panel delante, donde está la cuenta regresiva de la autodestrucción mundial, y tiene un botón que LaCarne Magazine

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detiene todo, pero él esta encadenado. Es decir, es imposible llegar al botón. Entonces es como ver el final sentado desde un lugar en el que no podés hacer nada aunque quisieras.

La banda ha tenido bastantes cambios de formación. ¿Creen que están llegando a un punto en el que ésta será la formación final?

Paulo: En mi caso entré a una formación de la cual en un año pasé a ser el segundo más viejo junto a Brian, que es el miembro original.

De todas formas hemos logrado un sonido que es propio de los músicos que actualmente forman la banda.

Los músicos que estamos hoy día hemos sabido mantener el estilo sin un manual. Es decir, lo hacemos porque es lo que nos gusta sin tener que buscar sonar de determinada manera.

Cuando entré a la banda ya sabía lo que es Putrefaxion, y que me iba a implicar un gran esfuerzo aprender los temas, ya que no se trataba de componer sino mantener un material que estaba pronto para ser tocado. No soy músico profesional, no sé leer ni escribir música, por lo cual fue muy importante la paciencia de mis compañeros y la buena disposición para que pudiera terminar tocando los temas, y quedara integrado a la banda como su baterista.

De esta forma es que se genera mucha unión en el grupo también. Todos estamos aprendiendo constantemente.

Por supuesto que cada uno que escuche la banda podrá tener preferencia por una u otra de las formaciones que ha tenido Putrefaxion, pero hay algo que se ha mantenido, y es la esencia.

Si bien la banda tiene ya una década, no ha mutado por el cambio de integrantes. No es que con el cambio de músicos la banda tomó rumbos estilísticos diferentes. Podés escuchar al Putrefaxion del inicio y al de ahora, y, salvo detalles que van haciendo crecer la banda, te vas a encontrar con lo mismo.

Felicitaciones! Clasificaron el pasado sábado

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13 de abril en la final del Metal Battle (Wacken) Uruguay. ¿Cómo se sienten al haber llegado a la final?

Paulo: Fue una noticia muy fuerte a nivel personal, y en cuanto a la banda, algo que premia al laburo y compromiso de un equipo. Ya el haber pasado a integrar las bandas que iban a ser tomadas en cuenta para el concurso era algo que nos puso felices.

No se puede evaluar al arte con puntajes porque no hay un medidor que pueda unificar criterios, pero de alguna manera hay que elegir una banda por noche, y dependiendo de los gustos de los presentes es que aquí estamos, prontos para una final que va a ser muy potente.

Desde un principio tuvimos claro que en todo momento hay que tener los pies en la tierra, ya que puede ser que ganemos como no, y si no fuera para nosotros, tenemos que seguir adelante y estar agradecidos a todos los que han hecho posible todo esto.

El Metal Battle pasa, la experiencia y la gente es lo que nos queda. Todo lo que estamos pasando ahora nos ayuda a mejorar nuestro show y “profesionalizar” nuestra banda. Son etapas que hay que atravesar para crecer y obtener mejores resultados.

Si seguimos haciendo todo con responsabilidad y honestidad, vamos a tener una respuesta positiva de los que nos van a ver o nos escriben. De aquellos que se toman el tiempo para escribirnos después de un toque para darnos su opinión. En dos semanas vamos a estar ahí arriba, mirando cómo se levanta el telón tras el cual muchísimas personas van a esperar que demos un buen espectáculo. Esperamos que se vayan con una buena impresión y que sientan que estuvimos a la altura del evento.

El próximo sábado 11 de mayo es la final para ver quién va a Alemania. ¿Cuáles fueron y son sus expectativas?

Paulo: ¡Las expectativas para la final son muchas! Son pocas las posibilidades que se dan, para bandas de nuestro nivel, de tocar en un local lleno con todo el despliegue de equipos y

luces que se prepara para esa noche.

putrefaxion

El concurso ha crecido mucho y las finales explotan de gente, lo cual es una gran oportunidad de mostrar nuestra música a un público mayor del que podemos encontrar en cualquier otra fecha.

¿Fue el primer toque del bajista?

Paulo: Sí, fue el primer toque con Putrefaxion de Maxi. Una bestia que agarró un fierro caliente y se bancó toda la carga de sacar adelante su parte.

Ya estamos aquí, en el punto en que va a imprimirse un afiche en el cual una de cinco bandas va a viajar a Alemania, y el nombre Putrefaxion es uno de ellos. Ahora es cuando hay que tener temple para manejar la carga emotiva y canalizar todo de la mejor manera posible.

Poco tiempo antes de la fecha del Metal Battle fue que nuestro bajista se abrió de la banda por razones personales. Allí quedamos sin saber qué iba a pasar. El tiempo era muy poco y, como todos sabemos, cuando uno necesita tiempo es como si más rápido pasara.

En lo que a mí respecta, no me imaginaba ni cerca tocando en una final de Metal Battle.

Hace ya casi 5 años que fui stage de la banda que ganó el concurso, por lo cual lo viví muy de cerca todo el proceso y sé lo que es.

La banda era LIBERTAD O MUERTE (actualmente inactiva). Fue una experiencia que me hizo madurar como músico y aprender a llevar adelante un show, cosas por las cuales les voy a estar agradecidos de por vida.

Afortunadamente Maximiliano se sumó al equipo y logró sacar los temas que tocamos en la fecha de la clasificación. Todo eso llevó mucho esfuerzo, ya que era algo intensivo, con ensayos de muchas horas y constante comunicación.

Fue el primer toque de Maximiliano y nos clasificó a la final. No le podemos pedir más. ¿En qué lugares han tocado? Tanto en UruLaCarne Magazine

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guay como en el exterior.

Brian: En lo que es Uruguay, hemos tocado en muchos departamentos. Por ejemplo en Maldonado, en Paysandú con “Ritual de nacimiento”, que es una banda amiga que nos ha invitado varias veces a tocar, en San José, Cerro Largo, que una vez se hizo un toque grande con 9 buenas bandas de metal de Montevideo, también en Colonia, etc.

En 2012 tuvimos una fecha en Argentina, en Buenos Aires con Acido, Zona negra, bandas de allá, y después el año pasado en Brasil y alguna fecha que se va a confirmar próximamente para volver a Brasil. ¿Cuáles son las próximas fechas?

Paulo: La próxima es la final del Wacken Metal Battle Uruguay, en la cual vamos a compartir escenario con Ritual de Nacimiento, Alpha, Maquinaria Pesada y Apneuma. Eso sería en BJ PILSEN (Montevideo).

A la semana, el 18 de Mayo, vamos a estar tocando en Roxx Metal Bar (Montevideo) junto a los brasileros Murvur y Arkanger. Dos bandas extremas y que prometen shows muy potentes.

Ya más adelante hay una posibilidad de adentrarnos en Brasil, pero eso aún se está trabajando, ya que incluiría dos bandas más de la escena local. Sería un tour de bandas uruguayas en tierras brasileñas, al cual nos invitaron y esperamos muy ansiosos se pueda concretar. ¿Que recompensa sentís que te da la banda hoy por hoy a nivel personal?

Paulo: La experiencia de terminar de tocar y que gente totalmente desconocida se arrime a dar un abrazo para felicitarnos por lo que hicimos. Ese reconocimiento no lo cambio por nada y es muy difícil de describir.

Todo esto que se resume en un show nos lleva muchísimas horas de ensayo, y constante laburo fuera de la sala. Son muchos los que laburan para sacar adelante una fecha, que tienen que dejar de lado otras actividades teniendo en cuenta que un toque under no les

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va a retribuir más que satisfacción de darle a la escena un show de gente con necesidad de expresar algo.

El público ha recibido muy bien la propuesta de Putrefaxion, y saben que somos iguales a ellos, gente que quiere pasarla bien haciendo lo que les gusta. El público nos conoce y también conoce el sacrificio que es sacar adelante algo referente al metal en Uruguay, saben que esto es remarla constantemente.

Somos una banda muy agradecida con los que nos han apoyado en todo esto, y que valoramos lo que tenemos porque sabemos lo que nos ha costado.

Y para cerrar, cuenten una anécdota que han vivido como banda Brian: Nos ha pasado de todo, la verdad, pero una vez, en ese festival en cerro largo, como dije eran 9 bandas de Montevideo, y hubo problemas con la organización, y bueno, teníamos donde quedarnos porque era un viaje de un montón de horas. Fuimos en un micro bus, y le dijimos al chofer que se fuera, que teníamos donde quedarnos, y bueno, el tema es que terminamos el toque, comienzan a apagar las luces, a cerrar el teatro, y resulta que nadie sabía nada del lugar donde teníamos que ir, no apareció nadie, se largó a llover y bueno, dijimos vamos a dividirnos para buscar al chofer, hicimos grupos de tres personas para ir a hoteles, y al final lo encontraron, pero estuvimos horas para encontrarlo, y que nos fueran a buscar con todas las cosas ahí lloviendo, tremendo la verdad. (Brian ríe) Bueno, chicos, muchas gracias por su tiempo.

Mucha suerte en el Wacken y sigan perseverantes sacando adelante su género.

Vicky, muchas gracias, gracias a vos por el espacio. Esperamos verte pronto, y gracias a todos los que nos escuchan, y estén hoy leyendo. ¶

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Perpetual

y su Death Metal rabioso y frustrado Perpetual y su Death Metal rabioso y frustrado LEER MÁS

A

Coruña es una región española de donde han salido talentosas bandas, y una de estas bandas es Perpetual, agrupación iniciada en 2006, que, con su primera maqueta del 2009, Visions of Death, demostraron su potente death metal.

Con varios cambios de integrantes, al fin se han consolidado y se encuentran promocionando su nuevo trabajo discográfico. Sobre esto y más conoceremos por medio de su vocalista Héctor González, quien responde la entrevista.

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Los inicios de Perpetual es con miembros de algunas otras bandas de su región. Me gustaría comenzar la entrevista sobre este tema de la formación, saber de qué bandas provienen sus iniciadores, y qué los motivó a formar una nueva banda.

Hola, antes de nada, quiero agradecer tu interés por Perpetual.

Las formaciones de las que veníamos los miembros originales eran bandas que montamos de muy jóvenes. Iván (batería) tocaba en Dama Negra, una banda de thrash metal que llegó a telonear a los míticos Barón Rojo; y yo estaba en Kromlech entre otras muchas (sin hijos había tiempo para varios proyectos jajaja) antes de que formásemos Perpetual.

va, sobre los temas que nos preocupan o nos ponen de mala ostia, aunque tenemos algún tema que sale de esa temática. En este último trabajo, “Maze Of Chaos”, prácticamente nos hemos centrado en la misantropía y en la actual sociedad.

“Visions of Death” fue su primera maqueta con la que se dieron a conocer más ampliamente. ¿Qué nos puedes detallar sobre este primer trabajo en forma de demo?

Es un trabajo muy crudo, pero en él ya se puede ver hacia dónde queríamos ir musicalmente. Aunque nos faltaban los medios y tiene bastantes carencias, es un trabajo del que estamos orgullosos y que tiene algún tema como es el “Among the Mutilated Corpses”, que posteriormente regrabamos en nuestro primer disco.

En cuanto a su sonido, ¿cómo definirían su propuesta musical? ¿Y sus principales influencias, de dónde las perciben, de qué bandas son?

Esta pregunta es fácil, hacemos Death Metal jajaja Nos gustan infinidad de bandas, crecimos escuchando heavy metal desde niños con las bandas clásicas como Judas Priest o Iron Maiden, pero también de adolescentes nos marcaron las grandes bandas de death metal como Obituary o Death. Supongo que toda esa amalgama de grupos nos a influenciado de alguna manera, aunque creemos que tenemos nuestro propio sonido. ¿Dónde podemos enfocar las letras de sus temas, hacía qué temática están enfocadas?

Básicamente hablamos sobre la religión, los grandes poderes, las guerras, etc. En definiti-

En el 2015 lanzan su primer álbum titulado “Carving a Dismembered God”. ¿Cómo fue el recibimiento de este material por parte de la escena nacional e internacional?

La verdad es que nos sorprendieron las buenas críticas que tuvimos por parte de los medios, fue algo que nos animó mucho. Con él hicimos una gira bastante extensa que nos llevó a girar por España y Portugal. Gracias a ese disco conocimos gente de puta madre e hicimos grandes amigos, tanto de las propias bandas con las que tocamos como del público que venía a los shows.

A lo largo de su carrera han realizado muchísimos conciertos y estado en varios festivales.

Quisiera que nos hablaras sobre estas presentaciones. ¿Qué anécdotas nos pueden comentar de estos eventos, y en general cuales han sido los mejores conciertos ofrecidos por la banda?

Hubo muchos conciertos cojonudos, y es muy complicado elegir entre ellos, probablemente entre los conciertos recientes más importantes fueron los de la W: O: A metal battle como semifinalistas, y el último festival, que también ha sido nuestro último concierto hasta la fecha, que fue el Galicia Metahead Fest hace un par de semanas. Anécdotas hay muchas a lo largo de estos años, pero las mejores no puedo contártelas si no queremos acabar en LaCarne Magazine

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la cárcel jajaja.

Han podido compartir escena con importantes bandas españolas como Barbarian Prophecies y Avulsed. ¿Qué ha significado esto para ustedes como músicos y en lo personal?

Barbarian Prophecies son nuestros hermanos, son grandes amigos nuestros. El primer concierto que dio Perpetual en su historia fue organizado por ellos en un pequeño festival underground, junto a otras bandas entre las que estaba por ejemplo Balmog. Respecto a Avulsed, son una puta leyenda en el metal extremo, y tanto David como el resto de la banda son una gente cojonuda, y fue una gran experiencia compartir escenario con ellos.

Según tengo entendido, su más reciente álbum es el “Maze of Chaos”. ¿Qué detalles nos pueden dar sobre este disco? ¿Qué es con lo que nos encontraremos al escuchar este material?

Efectivamente es nuestro último trabajo. Es un disco más técnico y maduro que el “Carving a Dismembered God”, con una producción de la que estamos muy orgullosos. Hemos puesto todo nuestro empeño para que el resultado fuese lo mejor posible, y a tenor de las críticas parece que no ha defraudado. Es un disco lleno de rabia y frustración, en el que vamos sacando lo que nos preocupa o atormenta canción a canción. Pero lo mejor es que la gente lo escuche y saque sus conclusiones.

El aspecto audiovisual es algo, que para mí es muy importante para cualquier banda. Con relación a esto, ¿cuentan con algún video clip oficial?

Sí, tenemos un vídeo del primer disco del tema que da nombre al mismo “Carving a Dismembered God”. Para este disco también estamos ultimando la producción de un video clip de la canción “Maze of Chaos”, que probablemente ya esté listo cuando salga esta entrevista.

A lo largo de la trayectoria de la banda, los cambios han ido ocurriendo. ¿A qué se ha debido esta salida y entrada de integrantes? ¿Quiénes son hoy en día Perpetual?

Originalmente comenzamos cuatro amigos del mismo barrio, pero ya sabes que es complica-

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do mantener una formación estable por múltiples motivos laborales y/o personales. Los últimos cambios fueron duros porque Berto (guitarra) llevaba con nosotros desde el comienzo de la banda, y Virgi (bajo) más de 6 años con nosotros también. Pero tuvimos una suerte enorme en poder contar con Eloy al bajo, que ya había cubierto el puesto de Virgi cuando se rompió una mano durante la gira del Carving a Dismembered God, y con Borja, que es un músico muy técnico y experimentado que tocó en “La Quina”, entre otras bandas.

Así que ahora estamos más entusiasmados que nunca.

La escena española es muy amplia en cuanto a bandas, festivales… ¿Qué aspecto positivo destacarías de tu escena? ¿Y negativo?

Es cierto que la escena es muy amplia y esto es muy positivo por la gran oferta disponible, pero también es verdad que hay tanta oferta que es muy complicado llegar a todo el público. Antes había menos bandas y era más fácil darte a conocer, y creo que eso mismo les ocurre a los festivales.

Con miras hacia el futuro, ¿para que se prepara Perpetual actualmente? ¿Están trabajando en algo actualmente, giras, conciertos…?

Seguimos con nuestra gira de presentación, y también estamos trabajando en canciones nuevas para un futuro disco.

Bien, hemos llegado al final de la entrevista, gracias por el tiempo que le dedicaron a esta entrevista. Si quieren dejar algún mensaje a los lectores, pues aquí tienes el espacio.

Gracias a ti por la entrevista. Nos gustaría animar a la gente a que nos escuche y que acudan a conciertos underground para que la escena se mantenga viva. ¶

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Al Eslou

y su visión de la Improvisación Libre LEER MÁS

H

ablamos con Al Eslou, interesante artista y amante de la Improvisación libre. Esperamos que conozcan un poco más el trabajo de esta gran persona. Qué disfruten, amigos!

Dime cuál es tu procedencia musical. Si tienes formación académica, me interesa que me cuentes tu experiencia en las escuelas de formación de música o en el conservatorio y que me lo compares con tu experiencia en la improvisación libre y en la música experimental, aunque sea compuesta.

Recuerdo cuando descubrí con 6 ó 7 años a Michael Jackson. No concebía que la música pudiera sonar así, y fue entonces cuando comenzó mi verdadera afición, y sé que dura-

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rá toda la vida. En aquel entonces decidí que quería tocar la guitarra, y, como no era un niño caprichoso, tuve la suerte de que me regalaran una y me apuntaran a clases. Aunque di algunos conciertos tocando obras de música clásica, aquello no pudo satisfacer mis expectativas, por lo que pronto dejé de ir. Aun así, no me desanimé y seguí tocando en casa, aprendiendo por mi cuenta mis canciones favoritas del libro, como La Mariposa Número 13. Según iba descubriendo música me aventuré con Led Zeppelin, Dire Straits o Pink Floyd. Sin duda, lo que más me gustaba entonces era poner discos, o directamente la radio, e improvisar sobre cualquier cosa que sonara. Al principio, por mi falta de conocimiento y un oído poco entrenado, creía que todo valía, todo me sonaba bien… y lo disfrutaba muchísimo.

Entonces sólo tenía buena intención y actitud, pero mi objetivo ya estaba fijado: poder expresar con la guitarra.

Me dediqué a escuchar muchísima música

de todo tipo durante años.

Necesitaba ampliar mis conocimientos para desarrollar el abanico de sentimientos y emociones a la hora de tocar.

Por eso, siendo ya adolescente, me apunté otro par de años a clases. Esto supuso un punto de inflexión muy importante en mi formación porque por fin pude reorganizar en mi mente toda la información que tenía, relacionar mis ideas propias y descubrimientos con la teoría musical.

Mi proceso ha sido siempre el de interiorizar conceptos a medida que los iba encontrando, los analizaba y los comprendía. Cuando me gustaban y me identificaba con ellos, los aplicaba. Por otra parte, debo reconocer que nunca he practicado ni estudiado como tal, eso de hacer ejercicios, digitación… Quizá por eso ni un solo día la música me ha hecho pasarlo mal, ni dolores de cabeza ni de manos.

Ser autodidacta ha sido un proceso muy natural. Parecido al aprendizaje de la lengua materna, inmersos en el ambiente que nos rodea, prestando mucha atención a todo, siendo curiosos, intentando participar…, queriendo crecer. Y así ha sido también mi aprendizaje en la improvisación libre. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre?

Creo que llevo improvisando desde que cogí la guitarra por primera vez. La improvisación es más como una filosofía para mí, y una de sus aplicaciones es la musical. Incluso a la hora de tocar temas ya escritos, siempre he buscado reinterpretarlos desde una perspectiva personal, hacerlos míos y expresarme con ellos, según me sienta en el momento, según lo que signifiquen para mí o según con quién y para quién toque.

Hace varios años participé en un taller impartido por el gran Javier Entonado. Aun sabiendo a lo que iba, lo que descubrí allí sobrepasó todas mis expectativas. Un nuevo nivel de libertad y de exploración sonora, sin juicios ni prejuicios, basado en la escucha y en la intención a la hora de intervenir…, era justo lo que llevaba queriendo hacer toda mi vida sin saberlo.

Por eso Epy Figueroa y yo creamos en 2017 el taller de improvisación multidisciplinar Pool 369º. Tenemos visiones muy similares y a la vez muy complementarias, por eso nos retroalimentamos tan bien para seguir creciendo juntos, y difundiendo este género/filosofía que es la improvisación.

A día de hoy cada vez son más los asiduos y curiosos que vienen todos los miércoles al Espacio Belleartes que nos ha facilitado Yiyo, una leyenda de la hostelería cacereña que siempre ha fomentado la cultura en la ciudad.

Además de los talleres semanales y las muestras de cara al público mensuales, el número de eventos en los que participamos no deja de crecer: intervención en la radio, improvisación de la banda sonora para una película, y varios conciertos. Entre ellos destaca el Encuentro de Improvisación Libre que oganizamos en el Teatro Maltravieso-Capitol, donde participó la orquesta Improviso, de Asturias, junto a amigos como JG Entonado, César Delgado, Ricardo Rodero y Jose María Pastor.

He llegado a la improvisación libre para quedarme. ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje musical? ¿Y a la improvisación?

Me gusta mucho el reggae, pero en mi lenguaje musical predominan el blues y funk. Partes lentas, con poca densidad y mucho vibrato a lo B. B. King, o partes más viscerales y enfadas a lo S.R.V. junto a rítmicas con fraseo tipo Nile Rodgers…, por supuesto salvando las diferencias (risas). He disfrutado y aprendido mucho en mi época Hendrix, todo músico debe pasar por ahí, y descubrí muchos trucos con LaCarne Magazine

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Van Halen. Admito que soy muy baladesco y tranquilo a la hora de tocar, haciendo honor a lo de “eslou”, pero no me cuesta “sacar la trilladora”, como digo a veces.

Por otro lado, en la improvisación, procuro no tomar referentes externos, intento sacar todo de dentro. ¿Quién sería yo si llegara a una improvisación con ideas ya preestablecidas? Por supuesto que bebo de muchas fuentes, pero en mis intervenciones normalmente no busco sonidos ni resultados concretos. Para mí, en esto de la improvisación, lo importante no es el fin sino el proceso, jugar con los controles de la guitarra, con los efectos, buscar un acercamiento al instrumento diferente a la forma convencional de tocar. En definitiva, hacer todo lo posible para adecuarse a la situación y el entorno. Dejo que me inspire el momento en vez de sacar lo que ya tenga en casa. Como bien dice John Falcone, “improvisar es hacer lo que las ganas te den”, y en ese sentido estoy siempre muy concentrado y predispuesto para estar abierto a lo que surja. ¿Qué es para ti “espacios” en una pieza?

Quiero decir, que si te dicen: “vamos a crear una pieza con ‘espacios’, ¿qué interpretas?

Depende de quién, cómo y dónde me lo digan (risas). Crear espacios en un blues, por ejemplo, puede ser tocar la rueda de acordes dando así pie a que alguien pueda solear encima de ese “hueco”. En una sesión de improvisación libre puedo entender largos silencios conscientemente intencionados, enmarcar cada pieza o intervención. En otra sesión, sin embargo, lo podría entender como la interpretación de un espacio físico (una habitación cualquiera, el paisaje en el campo…), creando una pieza con lo que el lugar sugiera.

En cualquier caso, la expresión me encanta.

Soy muy partidario de este tipo de “adjetivos sinestésicos” para describir la música y, sobre todo, de esa libre interpretación que pueden suscitar.

Hay músicos e improvisadores (como yo, por ejemplo) cercanos a la idea de hacer primeras tomas y de dejarse llevar por la intuición, la inmediatez y la espontaneidad. Hay quien

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dice, sin embargo, que esa forma de entender el arte lleva a fórmulas repetitivas y aburridas, y que el ensayo y la composición son necesarios para evitar esos inconvenientes. En mi opinión, las fórmulas y patrones se repiten en cualquier manifestación artística. ¿Qué opinas?

Creo en la naturalidad, eso sin duda. También se pueden exprimir un poco algunas cosas: pedirle más a las manos, al intelecto, al poder creativo, revisar partes, reestructurar, volver a empezar…, pero forzar la máquina no es una solución. Además, en la improvisación libre debería mandar siempre esa intuición, esa inmediatez y esa espontaneidad que hay en primeras tomas, un salto sin red.

No siempre pensamos y nos sentimos igual, y no siempre tocamos sobre lo mismo, por lo que no creo que ése sea el motivo de que aparezcan las fórmulas o la repetitividad. En mi opinión, una cosa es el estilo y otra los patrones, igual que una cosa es ser rígido e inflexible, y otra permitir la adaptabilidad y la espontaneidad.

Hay que evitar repetir como un papagayo que no sabe lo que dice ni lo que significa. Ejecutar una pieza sin poner interés, sin intención, sin conectar con los demás, o haciendo “apuestas seguras” quedándonos en nuestra zona de confort…, tirar del “sota, caballo, rey” de nuestro repertorio, ya quemado y saturado, que ya no suena a emoción. Mejor no.

Me gustan las primeras tomas cuando se tocan con buena intención, asumiendo riesgos, cuando van cargadas de emoción, de ganas, de buen hacer, con frescura y, sobre todo, con naturalidad.

En la trigésimo séptima toma grabando cómodamente en el sofá de mi casa, y tras una buena posproducción puede parecer que hasta yo “toco muy bien”, pero no es lo que busco.

He leído recientemente en un libro llamado “El nuevo paisaje sonoro”, de R. Murray Schafer la siguiente afirmación: “Es cierto que hay mucha gente que no son sensibles al ruido; pero esos son precisamente los que tampoco son

sensibles al argumento, o al pensamiento, o a la poesía, o al arte, en una palabra, a cualquier tipo de influencia intelectual. La razón de esto es que el tejido de sus cerebros es de una calidad muy tosca y ordinaria. Por otro lado, el ruido es una tortura para gente intelectual”. ¿Cuál es tu opinión sobre esta afirmación?

Sobre Schafer, le respeto mucho y comparto sus opiniones, que además suelen estar bien argumentadas, pero me temo que esta vez discrepo con su afirmación, al menos hasta que lea su argumento.

Me considero una persona sensible, pero amo el ruido. No vivimos en una cámara anecoica, hay que aceptar eso que llamamos ruido como parte inherente a la realidad, no obviarlo o camuflarlo.

La guitarra que más uso últimamente emite el clásico “hum”, y sus pastillas son muy microfónicas, te sacan todo lo que hagas. Cuando uso distorsiones es sin puerta de ruido. Creo que estas cosas pueden usarse a nuestro favor e implementarlas en nuestras intervenciones.

Me encanta buscar los zumbidos, los chasquidos, los acoples…, suelo golpear la guitarra, frotarla o rozarla para usar todos esos ruidos cuando la situación lo requiere. Son muy expresivos.

Normalmente entiendo ruido como la forma coloquial de decir sonido. Pero entiendo que también se use como una palabra despectiva y subjetiva para juzgarlo, con la que además no suelo estar de acuerdo. Por suerte, no soy el único: un amigo dijo que una vez, haciendo palomitas de maíz en el microondas, se paró a escuchar el “solo de palomitas” y lo disfrutó muchísimo, aunque otros lo llamarían ruido.

Explícame brevemente tu concepto musical.

Creo que no podría. No porque no pueda hacerlo brevemente, que también (risas), sino por lo cambiante que es. Lo que se mantiene constante es mi concepción de la música como un lenguaje. Hay que comunicar algo con la música, aunque se pueda “hablar por hablar” y el silencio también sea una contribución válida. Personalmente me gusta mucho escuchar, intento que mis improvisaciones

partan de una adaptación al entorno. Es La ley del que mejor se adapta, en contra de La ley del más fuerte. No es la jungla, pero hay que sobrevivir a la improvisación.

En nuestras sesiones intento fomentar como pilar principal la libertad absoluta. Hay que hacer uso consecuente de ese poder y saber lidiar con lo que este concepto implica. Tal grado de libertad puede ser abrumadora, por eso en los talleres de Pool 369º empleamos muchas dinámicas y juegos, la conducción y la dirección, o la interpretación de otras obras favoreciendo el intercambio multidisciplinar.

De este modo se explora la libertad dentro de un marco que se puede recorrer de extremo a extremo buscando hasta dónde llegan los límites.

Yo, sinceramente, toco sobre todo porque me gusta, y por eso siempre procuro tocar lo que me gusta con quien me gusta. Intento mantenerme fiel a ese concepto y me considero un afortunado por verlo así y poder hacerlo.

Indica links, grabaciones, páginas webs…donde aparezcan tus proyectos Hay cosas por ahí, desde grabaciones hechas en la misma calle a un EP de jazz en estudio.

Ahora mismo estoy grabando un disco para un proyecto que saldrá esta primavera. Intento no parar nunca.

Sin embargo, personalmente, prefiero las cosas en vivo y en directo. Creo que la música en general, y la improvisación en particular, se entienden mejor estando presentes, hay que sentirlas en persona. Invito a que, quienes quieran escucharme, queden conmigo y pasemos un rato juntos improvisando. Se me encuentra fácilmente por Cáceres y, por supuesto, estoy cada miércoles en el taller de Pool 369º (https://www.facebook.com/POOL369/).

Me identifico más con lo que me queda por hacer que con lo que ya he hecho. Lo mejor está por llegar. No pienso dejar de crecer en la música, seguir avanzando y disfrutar de este viaje sin destino fijado. ¶

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Exxecutor

viviendo el Thrash Core Metal al máximo Core Metal al máximo LEER MÁS

L

a escena mexicana es una de las escenas de la región donde cada vez surgen más bandas de todas las tendencias del rock y del metal. También hay bandas de gran trayectoria, que, a pesar del tiempo, las dificultades y demás obstáculos, han sabido permanecer activas. Exxecutor es una de estas bandas, la cual es pionera en el sonido Thrash Core Metal en México.

Sus inicios datan de varias décadas atrás, donde en todos estos años han estado presentándose por todo su país. Pues aquí esta Martín Animal, su vocalista, quien nos hablará de esta legendaria banda mexicana.

Exxecutor, viviendo el Thrash 66 LaCarne Magazine

Hola, bienvenidos a las páginas de LaCarne Magazine. ¿Algunas palabras para dar inicio a esta entrevista?

Gracias por el interés en bandas mexicanas, en especial en EXXECUTOR, banda pionera en el Thrash Core Death Metal.

Se dice que Exxecutor es la banda pionera del Thrash Core Death Metal en México, ¿es cierto esto?

Sí, somos considerados banda pionera, ya que nuestro inicio fue en 1986, cuando empezó la mezcla entre el Heavy Metal Clásico, el Punk y el HardCore, naciendo así en los 80’s el Thrash y otras corrientes como el Death Metal. ¿Crees que Exxecutor ha servido de escuela para algunas bandas en la actualidad?

Considero sin presunción que sí, y no sólo en nuestro país, sino en otros países, ya que

ma político corrupto, todo esto expresado en el Demo89 “Más Allá del Infierno” con 5 tracks. exxecutor ¿Qué elementos particulares piensan que los distingue en su propuesta musical?

El tratar de manejar un estilo propio que llamamos en los 80’s Metal Anti-Guerra o Anti-War Metal, sin copiar a bandas que nos influenciaron en ese momento, cantar en español, tener un concepto en las letras en contra de cualquier abuso, principalmente de la Religión, Político, Guerra, Animal, etc. Y actualmente nuestro performance muy propio y bien relacionado a nuestro concepto, el cual ha causado un gran impacto y aceptación.

fuimos de las primeras bandas en innovar, presentando un performance a través de máscaras, maquillaje y zanqueros relacionados al concepto de nuestras letras, lo cual ha provocado que muchas bandas se hayan influenciado y ahora traten de ofrecer algo más junto con su música.

La banda se formó en la década de los 80’s.

Quisiera entonces que me hablaras un poco sobre estos inicios y por qué crear una banda de este corte musical.

En los 80’s el ambiente metalero en México exigía un cambio en el estilo del Heavy Metal en México, bandas extranjeras influenciaron la escena con un estilo nombrado THRASH METAL (para muchos llamado equivocadamente METAL BASURA) pero que exponía la rabia hacia el sistema, lo cual influenciados por ellos, provoca la formación de EXXECUTOR en 1986 para sacar todo ese coraje en contra del abuso de la guerra, en contra del abuso de la religión, y obviamente en contra del siste-

“Más Allá del Infierno” fue el primer Demo de la banda. ¿Qué tal fue la acogida por parte del público?

Fue recibido con gran entusiasmo y vendimos una gran cantidad de cassettes con portada en papel copia. Lo más emocionante en ese momento fue saber que el cassette por medio de los fanzines rebasó fronteras, llegando inclusive a Polonia, pero donde fue un éxito total fue en el país de El Salvador, donde actualmente nos han comentado los fans que este demo fue utilizado como bandera de lucha en su guerra civil en los 80’s.

Algo muy importante para la banda fue ser abridores en 1989 de la banda Death. ¿Qué significo esto para ustedes?

Fue un gran logro para EXXECUTOR participar en el primer concierto underground en México a lado de DEATH, la banda más representativa del Death Metal, aunque la envidia que siempre ha predominado en nuestra escena llevó a muchos a arrojarnos cosas al escenario, pero sin salir lastimados, y sin acabar con nuestro set otorgado por los organizadores. ¿Y cómo se logró ser abridores de esta importante banda?

El Demo logro posicionarnos bien en el ambiente, y gustó sobre todo de los organizadores como una banda con un estilo muy diferente a otras en ese momento, lo cual llamó su atención para agregarnos a este cartel históriLaCarne Magazine

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co, y convirtiéndose en un demo de colección a la fecha.

Exxecutor ha pasado por un periodo de inactividad, y en el 2011 la banda vuelve a reunirse. ¿Cuáles han sido los motivos por los que dieron ese parón?

Fue por el cambio de integrantes a principios de 1990, los cuales no estaban de acuerdo en dar continuidad al nombre, naciendo así una de las primeras bandas de Crossover en México, CORRUPTER, terminando en 1983, y provocando el nacimiento de una banda representativa en el Brutal Death Black Metal, ESOTERIC. ¿Y qué los ha motivado a reagrupar nuevamente la banda y continuar hacia adelante?

Precisamente se provocó en una entrevista realizada por el periodista Ulysses Ozaeta de la CLOACA INTERNACIONAL, quien me exhorta a regresar con alguna de las 3 bandas, eligiendo a EXXECUTOR por ser una banda no tan comprendida en su momento, y con el apoyo de la participación de mi hijo Tango Sonrisa en los Cañones Percutidamente Percutivos, y generando con su maquillaje y máscaras de los demás integrantes el accionar del

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nuevo EXXECUTOR. En el 2013 sale su primer álbum bajo el mismo título de su demo, “Más Allá del Infierno”. ¿Qué concepto encierra este material?

El mismo concepto, sólo fue retomar las 5 canciones del Demo 89 y poderlas grabar en estudio con mayor calidad de audio, y agregar un tema tributo a CORRUPTER y un nuevo tema creado por la nueva alineación, que se ha convertido en un himno representativo de nuestro concepto de anti abuso. ¿Crees que con este disco la banda pudo demostrar todo su potencial, o aún quedan algunas sorpresas más?

Sólo demostró que el regreso de EXXECUTOR es más sólido, y logrando que los fans apreciaran más el material creado en los 80’s recibiendo el CD con gran emoción, ya que al momento está agotado y siguen solicitándolo, y que ha generado expectativa de lo que será el segundo material, el cual está en proceso y que no se ha terminado por la gran cantidad de invitaciones a conciertos en nuestro país.

La banda está compuesta actualmente por músicos muy reconocidos y de una amplia tra-

yectoria. ¿Quiénes son Exxecutor, y menciona bandas en las que han pasado?

Han logrado reconocimiento por su gran trabajo en el escenario, Moisés Hybris (Metralla en 6 Cuerdas), viene de la banda de Death Metal INFERNAL TERROR; Sato “Satonas” (Bazuca en 5 cuerdas), de ESOTERIC; Edd Shred (Ametralladora en 6 Cuerdas) y Tango Sonrisa (Cañones Percutivos), de FUSIÓN COVER, banda de covers; y un servidor, Martín Animal (Voces Infernales), de EXXECUTOR, CORRUPTER, ESOTERIC. Metiéndonos en las actividades en vivo de la banda, han compartido escenario con muchas bandas nacionales e internacionales. Coméntanos sobre esto.

Hemos compartido escenario con las mejores y más representativas bandas mexicanas: ANARCHUS, PACTUM, TRANSMETAL, NEXT, INQUISIDOR, KHAFRA, MORTUARY, LUZBEL, NOTHINGNESS, GARROBOS, SEPTICEM, BLACKTHORN, ZODZ, DARKNESS, LEPROSY, etc. Y con bandas internacionales: BLOOD (Alemania), TENDENCIA (Cuba), HAMMER (Argentina), VIVID REMORSE (España), EGAHEITOR (Colombia), SAINT OF DEATH (Canadá), WEST OF HELL (Canadá), MISFITS (USA), DEATH (USA), etc.

Las influencias que tienen hoy en día, ¿son las mismas que aquellas que tenían cuando fundaron el grupo?

Sí, combinamos el THRASH, HARDCORE, DEATH para seguir logrando un estilo más propio, lo cual mantiene nuestras raíces, pero a la vez con actualización en tonos y equipo.

Exxecutor se formó en una época donde la violencia y problemática social era imperante. ¿Esto ha tenido que ver con la temática de sus letras?

Sí, en México, como en muchos países inclusive desarrollados y sub desarrollados, existe el abuso, y mientras eso exista mantendrá vigente a EXXECUTOR. ¿Qué abordan en las mismas?

Abuso religioso, pederastia, enajenación, fanatismo, engaño político, abuso animal, racismo, doble moralidad, la doble cara del ser

humano, guerra, corrupción, etc. ¿Ha sido muy difícil abrirse espacio en la escena mexicana?

Son 32 años del nombre, y 12 años posicionando nuestro estilo, yendo contra corriente de la envidia y el racismo interno hacia nuestra propia escena. ¿Cómo ha sido, en todos estos años, la percepción del medio (revistas, radio TV…) hacia Exxecutor?

Siempre ha habido apoyo desde los fanzines en los 80’s, así como en la actualidad. Considero hay demasiado apoyo a nuestro concepto y el gusto por los medios a EXXECUTOR. ¿Es lo que esperaban?

No lo habíamos considerado, pero es muy bueno saber que la prensa en general nos ha brindado apoyo total, así como ustedes, lo cual agradeceremos siempre.

Con tantos años en la escena, ¿cómo has visto la evolución de la escena mexicana?

La evolución es impresionante, con grandes bandas que han surgido y que siguen surgiendo día a día, y mantenerse vigentes habla de un gran logro para una banda pionera. exxecutor ¿Cuál es tu opinión sobre la escena mexicana?

Que es una escena grandiosa, solo que dividida y mal organizada, pero que lucha por resurgir con grandes bandas que cada vez están más preparadas para estar a la altura de cualquier banda internacional.

Bueno, esto sería todo, muchas gracias por otorgarnos esta entrevista.

Espero algún día poder exxecutarlos con todo el poder. Todos los exxecutores agradecemos está entrevista bien exxecutada por ti, mi estimado Omar Vega de LaCarne Magazine, solo queda decir: han sido exxecutados, esto es poder. ¶

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