LaCarne Magazine N86

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europa y latinoamérica

Nº86 - JUL 2019 - AÑO 8

origeem

el poder de la Música en Ecuador

EXPERIENCIAS

granirock 2019 - udumbara 2019

investigación ray charles

ENTREVISTAS

visceral vomit - driven centro machado - ritual kannabis - arma x - trivoid - verdugo - juguete de brujas - séptimo reptil

N86 aÑo 8 JUl 2019

SUMARIO

experiencias 06 Granirock 2019, Todos los grupos

12 Crónica del Festival Udumbara 2019

38 Ópera Infantil en el Centro Machado de Colonia

42 Ritual Kannabis, y el Death Metal en Puerto Rico

48 Arma X, Rap sin censura 50 Trivoid, triunfa con su Hard Rock

investigación Visceral 18 Ray Charles y la invención del Soul 54 Verdugo, contundencia y potencia desde España

entrevistas 28 Visceral Vomit, expeliendo la decadencia humana

32 Driven, girl power desde México

58 Juguete de Brujas, terror y

Death Metal desde México

62 Séptimo Reptil, a la conquista de México

24 origeem el poder de la música en ecuador contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, alfonseka, israel s. Marcelo, luis lama

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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granirock 2019

todos los grupos LEER MÁS

C

uando vas a Quintana de la Serena para el Granirock tienes una sensación parecida a cuando llegas a Alburquerque a vivir el Contempopránea. En Quintana, los autóctonos están encantados de recibir a esos jóvenes con crestas, rastas, pelos de colores, tatuajes, greñas, zapatillas, y todo tipo de ropajes festivaleros. Un pueblo afable, abierto al público, con la osadía de preocuparse por los temporales visitantes.

A medida que vas caminando hacia la zona de conciertos, es fácil encontrarse a una señora mayor preguntando a unas chicas si tienen donde asearse, o a los más sabios del pueblo, que no se pierden su cita con el banco de la plaza, para recordarte los problemas de la bebida y otras sustancias, o un tenderete montado a última hora donde una joven pareja ha decidido hacer unas docenas de bocatas para sacarse unos dineros. En definitiva, un pueblo volcado con uno de los principales eventos de su localidad, y que entienden que es beneficioso turística y económicamente.

Además, Granirock tiene una maravillosa zona de acampada. Impoluta, virginal, preparada para recibir la marabunta de forasteros con sus tiendas de campaña, sus caravanas y sus coches.

La fórmula que hemos visto en otros pueblos con su festival popero, aquí se repite pero con el rock. En apenas unos años, no llegan a 10, Granirock ha pasado de ser un festival para la comarca de la Serena, a convertirse en el segundo festival de rock referente en la región. En el Ayuntamiento lo saben y apues-

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tan por el evento, quizás este año con menos presupuesto, pero con mejor visión han sabido realizar un cartel artístico que supera al todopoderoso Extremúsika. Además, por fechas no tienen rival festivalero ni en Extremadura (Contempopránea no se realiza, Vera Summer y Festivadillo son en agosto), ni en las provincias de alrededor. Han conseguido encontrar el fin de semana adecuado.

Quien les iba a decir a los quintanenses que gracias al Granirock iban a tener por sus calles a artistas procedentes de Puerto Rico (Calle 13), Chile (Anna Tijoux), Bosnia (Dubioza Kolectiv), Usa (Bad Religion) Italia (Talco) o Portugal (Anarchicks). Además de tener artistas extremeños como Sinkope, Huecco, The Buzzos, K-tólicos o Kaxta, y grupos procedentes de diferentes pueblos y lenguas del Estado como Berri Txarrak (Navarra), Zoo (Valencia), La Pegatina (Cataluña) o Esne Beltza (País Vasco). Toda una prueba de pluralidad, globalidad y de libertad. Tal y como dice el lema del festival: “La Diversidad nos hace libres”.

Una de sus curiosidades es que tiene un hermanamiento con otro festival llamado Bellota Rock, el cual realiza un concurso de bandas, y la finalista siempre al año siguiente forma parte del cartel del Granirock. Con esto los organizadores se aseguran al menos una banda extremeña en su programación.

Se preocupan en llevar a cabo la paridad de artistas. La presencia de grupos y artistas femeninos este año se ha visto incrementado, y muestra su compromiso ante una de las exigencias del 8M. Es otro de los lemas de este año: “un festival más igualitario, inclusivo y paritario”.

También el Granirock ha tenido sus problemas

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desde punto de vista económico, de fechas, con programaciones con mejores y peores resultados en cuanto a acierto de artistas. Pese a todo, resiste, y este año nos trae un elenco de artistas muy interesante y sobre todo muy bien elaborado. A continuación hacemos un repaso por todos y cada uno de ellos.

Granirock 2019 – Todos los grupos

SOZIEDAD ALKOHÓLIKA

Cabezas de cartel. Cómo hemos cambiado!

Hubo un tiempo donde los vascos eran perseguidos en Extremadura, eran censurados y repudiados. Ahora son la estrella del festival.

La sociedad extremeña ha evolucionado democráticamente, y hoy en día el escarnio se ha convertido casi en devoción. Comprometidos, contestatarios, revolucionarios, son los diversos adjetivos que podríamos atribuir a la probablemente la mejor banda de trash metal del Estado. Representan la libertad de expresión pura y dura. “En bruto XIX” es energía, dureza, contundencia, caña sin respiro, reivindicación y memoria. Temas recientes como clásicos son los que nos tocaran, una veintena por lo menos de temas que van desde “Ratas”, “Piedras contra tijeras” o “sin Dios ni ná”.

MALA RODRÍGUEZ

Siempre ha tenido muy buena aceptación entre el público extremeño. La Mala es puro poderío en el escenario, es la diva de la escena hip hop nacional. Capaz de codearse con artistas de grandiosa talla en todo el mundo sin perder ningún ápice de su estilo. La gaditana es la estrella rapera más internacional (con el permiso de Rosalía), que además ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos y a las nuevas generaciones. Es capaz de seguir manteniendo a cuarentones con sus temazos como “La niña”, “Tambalea”, o “yo marco el minuto”, pero también conquistar a las nuevas generaciones con sus temas con productores y mc’s internacionales, ya sea con Stylo G (Contigo), Lola Índigo (Mujer Bruja), Calle 13, Bajo fondo, El Guincho o Romeo Santos. Grammys y premio MTV para la cabeza de cartel femenina del encuentro.

GATILLAZO 8 LaCarne Magazine

El grupo de Evaristo, el cantante de La Polla Records. En este país uno no puede ser punki sin ser fan de La Polla, y por ende de Gatillazo. Este año podemos decir que el evento tiene varios cabezas de cartel, porque Gatillazo lo son. Actualmente es una de las bandas punks más en forma y respetada del Estado.

Seguramente en el Granirock de este año escucharemos un popurrí de la banda con temas de todos sus discos, que van desde “Gatillazo” hasta “Como convertirse en nada”. No queremos ni pensar cómo quedará el césped quintanense después de la tormenta musical que vendrá con los vascos.

a pasar bomba en este directo.

MAFALDA

Reggaecore desde Castellón. Tienen ese rollo mestizaje de toda la zona mediterránea, pero con toda la caña del metal y el punk. En Valencia se cuece buena música reivindicativa desde hace mucho tiempo. Un escenario compuesto por 9 miembros, que alternan el ska, reggae o el rock liderado por mujeres y hombres a la voz. Alternan letras en castellano y en valencià, con riffs fuertes y poderosos acompañados por secciones de vientos y percusión. Aire fresco y sin descanso para las suelas de las zapatillas.

BOIKOT

Leyendas de punk rock nacional. Se han recorrido medio mundo, desde Japón hasta México, pasando por Cuba o Turquía. Al contrario que otros grupos de punk nacionales, los madrileños tienen esa influencia americana del punk de sellos como Epitaph. 13 discos, 30 años de carrera para este cuarteto de textos reivindicativos y luchas sociales como seña de identidad. Los de Hortaleza han sabido abrirse hacia otras influencias como el folk balcánico o latinoamericanos. Lo dicho, este año ¡al Granirock se viene a brincar!

ANARCHICKS

DEF CON DOS

Traer a Cesar Strawberry y los suyos es otra demostración de la implicación por las libertades por parte del festival. Formación también perseguida por el uso de la libertad de expresión, es el mayor ejemplo de la disidencia y la reivindicación. Fueron pioneros en esto de mezclar el rap con el metal o el punk, y de utilizar continuas metáforas e ironías para denunciar injusticias sociales. Su directo es pura energía y contundencia, y de los que te hacen botar hasta la extenuación. 12 discos a sus espaldas y más de 30 años de carrera. Lo vamos

No es la primera vez que tenemos a las portuguesas en tierras extremeñas. Europa sur ya les abrió las fronteras, y fue tan bien que las tenemos de nuevo, pero esta vez en la provincia del sur. Las de Lisboa son una pedazo de banda y una grandísima elección, también es de las propuestas más diferentes del cartel.

Mezclan punk y pop en partes iguales cantado en inglés, y estamos seguros que harán muy buenas migas con The Buzzos, y probablemente las veremos en más festivales del territorio nacional.

NON SERVIUM

Punk Oi! de toda la vida. Los pogos en este directo serán propios de los de la cultura punk y skinhead. Son los mayores exponentes del Oi! Antifascista estatal. Tienen algún tema con Evaristo, así que lo mismo tenemos alguna LaCarne Magazine

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colaboración en el festival. Cuantas cervezas veremos volar por encima de las cabezas en este concierto, y que derroche atronador de bajos contundentes y ritmos trepidantes bajo letras de contenido político, pero también sobre la cultura hooligan, punk o skin. Los de Móstoles son muy cinéfilos, ya que en muchas de sus canciones utilizan intros de pelis como Acción Mutante, The Warriors, Navajeros, o Mad Max, entre otras.

IRA RAP

Rap combativo generado a partir del activismo en centros sociales de barrios madrileños. La principal temática de sus letras son el feminismo y el antifascismo. Muy activas en la reivindicación de la libertad de expresión, participando en el videoclip “Los Borbones son unos ladrones”. También manejan otros estilos urbanos como el trap o el reggaetón. Dicen que el rap actual es el nuevo punk. Desde luego la actitud es la misma y la filosofía similar, así que podemos estar preparados para un concierto de puro hardcore, desafiante, directo, militante, incómodas frente al discurso testiculario patrio.

THE LOCOS

Los de Vallecas son un proyecto alternativo de Pipi, segunda voz de Ska-P. Su estilo es el Hardcore punk con instrumentos de vientos.

Con proclamas antirracistas, revolucionarias, proletarias y anti-Usa, los madrileños son un puro espectáculo en directo entre divertido y fiestero, pero con mayor dureza a la que nos tienen acostumbrados con su archiconocida banda.

YO NO LAS CONOZCO

Las madrileñas practican rock fresco, enérgico y divertido. Se han recorrido gran parte del Estado, e incluso han aparecido en varios programas de Antena 3. Sus letras tocan temas como el papel de la mujer o el amor, siempre con la característica de la voz suave de su cantante, que choca con la idea preconcebida de que para este estilo la voz femenina debe ser desgarradora y potente. Al final, es una seña de identidad del grupo.

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MOJINOS ESCOZÍOS

Unos maestros del hard rock metal nacional humorístico. Su trayectoria es muy veterana, y no hay batalla que no hayan librado los de Mollet. Junto con The Locos, serán los conciertos más cachondos del festival. Parodias, letras escatológicas, irreverencia, ironía sobre diversos contenidos de carácter popular, social y político. Son un referente a la hora de hacernos reír mientras bailas, y han creado escuela a nivel nacional. 16 discos a sus espaldas con más de 25 años de carrera.

NOXFILIA

Los de Plasencia practican rock. De nuevo capitaneados por una voz femenina que les permite jugar con estilos tan dispares como el pop, rock duro o punk americano. Su estilo se desmarca de discursos anti sistemas y políticos, para recurrir a temas más costumbristas e intimistas sobre experiencias propias.

SONS OF AGUIRRE & SCILA

Los raperos se unen a la banda de metal para hacernos brincar y disfrutar de las bases y rimas con los riff metaleros como si no hubiera un mañana. Siguen la estela de lo que era Riot Propaganda o Tote King con Santo Rostro. Letras políticas, cachondas, irónicas, se alternan con otras más serias. Es lo que conforman las canciones de Rojo/Azul en la que los Mc’s/Youtubers y los Heavies forman un tándem perfecto.

THE BUZZOS

Los locales son unos habituales del festival, pero además son una de las más importantes bandas de rock extremeño, por prestigio, por carrera musical, por experiencia y por sonido.

Son Rock ‘n’ Roll, son garage, son energía, son actitud, son quintanenses. Si hablamos de profesionalidad, hablamos de The Buzzos, y

es que nos recuerdan mucho a gente como Turbonegro, Backyard Babies o Hellacopters, alternando sonidos crudos o rudos con melodías frescas. Con más de 15 años en carretera, nos presentaran su último disco llamado Red.

SPACE ELEPHANTS

Los valencianos son viejos conocidos del Granirock. Estuvieron en la edición del 2017 dejando buenas sensaciones entre el público.

Practican EDM y predomina la diversión y el baile en todos y cada uno de sus canciones. A veces alternan con el rock, tienen algún track en esa dirección, y serán los encargados de cerrar una de las noches de Quintana.

LORENA MORENO

La extremeña es una de las dj’s con mayor proyección de la escena techno nacional. Su residencia en Grecia, y su posterior evolución musical en diferentes proyectos grupales donde alterna la producción electrónica con también poner voz a esas creaciones, le ha llevado a promover eventos electrónicos en Cataluña y participar en diferentes tipos de festivales por todo el Estado. Su directo con Darius Vicius es de lo mejorcito de la electrónica más contundente en la escena regional.

THE ZOMBIE KIDS

Los madrileños son unos expertos en montarte la fiesta con diferentes estilos electrónicos mezclados con rock, punk, metal, soul o rap.

Se han recorrido medio mundo pasando por los más grandes festivales del planeta, y siendo número uno con sus diferentes sencillos en las listas de itunes. Con colaboraciones con Foreign Beggars, Ikki, Costa o Aqueel, y ahora están pendientes de su segundo disco. Ibiza, Barcelona, Bali, Ciudad de México, Kuala Lumpur y festivales como Ultra festival, Sonar, BBK, Creamfields, Aquasella o Arenal Sound ya saben lo que es un sesión de los eclécticos dj’s. ¶

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crónica del

Festival Udumbara 2 C

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ualquiera de la España vaciada que compruebe cómo, con el Festival Udumbara, un pueblo pequeño de 1.500 habitantes al sur de Extremadura es capaz, en un fin de semana, de congregar miles de personas procedentes de diferentes territorios en un festival mucho más excitante y alternativo que cualquiera de los festivales que hay en Extremadura, debe darse por satisfecho porque este oasis es una fórmula de éxito.

Durante 3 días Udumbara ha congregado aproximadamente más de 90 artistas procedentes de todo el Estado, con una importante representación extremeña, descargando todo su arsenal artístico. Y es que en apenas un fin de semana la comarca de las Vegas Bajas se ha llenado de personal con pinturas fluorescentes, extraños ropajes, caras sonrientes,

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mochilas, rastas, tatuajes, piercings, tiendas de campaña, caravanas y furgonetas. Todo un enjambre de personas no autóctonas y locales, que vienen a disfrutar de la naturaleza y del buen recibimiento que da la población a los temporales inquilinos de las tierras de La Roca.

La conmoción cultural para el pueblo es gracias a los visionarios del colectivo Konfussion (organizadores del Udumbara), y la gran disposición por parte del Ayuntamiento de la Roca al ceder los territorios llamados Los Chozos de la Dehesa, aproximadamente a 2km del pueblo. Además, la Diputación de Badajoz cede los motores que hacen posible que la luz llegue a tan maravilloso paraje.

El sitio es increíblemente precioso. Konfussion, que son extremeños, saben que el lugar es la gallina de los huevos de oro, y si consiguen asentar su idea de festival, junto con el respeto por la naturaleza y la libertad que les concede el ayuntamiento, pueden crear un

2019 Udumbara con mucho futuro en Extremadura.

Felipe y los suyos saben que Extremadura es vida, es turismo rural, es energía, es libertad, y que nuestra tierra no se vacía, sino que es un Edén de cultura y gentes encantadoras. Han creado un nicho cultural, un oasis sonoro, una isla de cultura libre, un descanso gratuito de cooperación, un hábitat temporal de intercambio de artes decorativas, circenses, tecnológicas y audiovisuales.

Cuando empiezas a atravesar la dehesa, te encuentras diferentes figuras geométricas a modo de estructuras y elementos que se integran en la naturaleza, como si de un lienzo se tratara. La pista de baile se rodea de flores, césped y los diferentes bichos que nos rodean, como si todo fuera un bonito cuento.

La sensación de libertad producido por el ambiente, el buen tiempo, las drogas (no lo vamos a negar porque en todos los festivales las hay) nos hacen sentir la alegría, la exaltación de la amistad, y presagiar que los controles de la Guardia Civil no han hecho mucho efecto.

Lo asombroso del Festival Udumbara es que no hay conflictos, no hay lesionados (muchos de ellos van descalzos) y no hay temor a problemas. Las barras del festival, que dan trabajo a la gente de la comarca, hacen buena caja y la economía fluye.

Los tres escenarios responden a las diferentes inquietudes musicales de ese público tan diverso y heterogéneo que disfrutan del trance en Mainfloor, de la electrónica más tribal y ambiental en el ChillGarden, y el punk, metal o rap en el AlterNative.

A medida que te vas moviendo por el terreno del Udumbara, encuentras la frontera natural del río, que separa el lugar del descanso, donde los asistentes aprovechan para dormir, comer, amarse, conocerse…, de la zona de baile, donde las zapatillas y los pies a veces no dan abasto, todo ello comunicado por puentes de madera realizados por la propia organización. Los que ya tenemos familia y LaCarne Magazine

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somos asiduos a festivales electrónicos (Picnic electronic, SoundBeat, Brunch Electronic) nos hubiera gustado encontrarnos con zonas llamadas “Adult Only” o “Family Friendly”. Lo pudimos comprobar en el escenario Mainfloor, donde el sueño se podía convertir en una pesadilla para un niño, por eso quizás “Adult Only”. En cambio, tanto ChillGarden como AlterNative eran “Family Friendly”, donde los niños podían disfrutar del ambiente y la música sin sobresaltos.

No se nos ha pasado un hecho muy importante a medida que vamos danzando de un lado a otro del marco natural donde nos movemos.

La limpieza. No hay rastro de botellón, no hay basura, no hay romería, no hay verbena. Cada individuo cumple con las tres R del reciclaje, porque además nos encontramos con servicios puestos por la organización con la que generar compost, toda una declaración de intenciones.

Y cuando te das cuenta, se hace la noche y es cuando acabas de alucinar y de disfrutar la experiencia, toda esa decoración hecha con materiales naturales con formas múltiples, fractales, estructuras florales, alcanzan su máximo esplendor. Detrás de ello la mano de múltiples colectivos: Hypnótica Visuales, Su-

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meria Creations, Ganesha Space Garden, Psyara Crew y Token.

A medida que van pasando las horas, vas disfrutando de diferentes artistas en los tres escenarios, desde el Psytrance con guitarras de unos de los fundadores del grupo de metal rap Narco con su proyecto Prozac, hasta el live Rave Indiegena de Supersexy Sound System, pasando por el rap electrónico de la ex de Super 8, conocida como CaveWoman, la sesión cretina de Pedro Wichard (vaticinio de lo que pasaría en las urnas al día siguiente), el punk de RadioStation, el new rave de Paradise Key, o el rock de Massive Stone.

Y llegó la hora de irnos, y nos acordamos de todos aquellos voluntarios que decidieron colaborar a través de mecenazgo, elaboración, montaje, creación de dicho festival, que en una semana formará parte de la memoria colectiva de sus gozadores, y la esperanza de que el civismo, la música y la naturaleza vuelvan a tener su hueco de convivencia en esa pequeña localidad del sur de Extremadura que es La Roca de la Sierra. ¶

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Ray Charles y la invención del Soul LEER MÁS

O

s pongo en situación: año 1955, en Norteamérica suena la radio en el típico barrio negro, donde las melodías habituales se mueven entre el Blues, el Jazz y el R&B. De repente, una noche empieza a sonar I Got A Woman, una canción sobre amor carnal, incluso sexual, pero con los ritmos que han sonado por la mañana en la iglesia.

Un chaval ciego, con una voz desgarradora, explotaba, clamando desde el averno acompañado con un piano que sonaba a la vez a góspel y a Honky-tonk. Y de un plumazo, Ray Charles había inventado el Soul.

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Ray Charles Robinson nació el 23 de septiembre de 1930 en Albany, Georgia, en el seno de una familia muy pobre. Pronto se mudaron a una comunidad de Greenville, en Florida, donde él y su hermano fueron criados por su madre y su abuela, ya que el padre los había abandonado. Ya en esta época Ray se había fijado en la música. Su madre era muy amiga del regente del Red Wing Cafe, Wylie Pitman, lugar donde sonaba continuamente Boogie Woogie. Wylie Pitman sería el primer maestro de piano de Ray. Con cinco años empezó a tener problemas de vista. Mientras su hermano pequeño, George, moría ahogado al caer en una tina de agua, estando a su cuidado, sin que Ray pudiese

vivía en la pobreza casi extrema. Finalmente consiguió trabajo haciendo arreglos para diferentes bandas pop.

En 1947 se convierte en pianista de The Honeydippers con las primeras grabaciones, muy influenciado por Nat King Cole, a quien Ray admiraba profundamente. Así continúo unos años más. En 1948 marcha a las ciudades del norte junto a un adolescente de 15 años llamado Quincy Jones, siendo habituales en la banda de Ma Son Trio.

hacer nada. Con 7 años quedaba ciego definitivamente. Ante esta situación, su madre decidió que su hijo debía aprender y poder valerse por sí mismo. Así que, después de mucho pelear, consiguió que fuera admitido en la Escuela para ciegos y sordos de Sant Augustine, en Florida. Aquí, entre otras cosas, aprendió música braille y a tocar el piano y el clarinete. Estaría entre 1937 y 1945, año en que la madre de Ray murió y, después de unos altercados con un profesor, finalmente era expulsado. En ese momento se mudó a Jacksonville con una pareja amiga de su madre, y empezó a tocar por allí y por aquí, incluso se hizo del sindicato de músicos, donde conocería a muchos colegas, y donde pronto se ganaría una buena reputación de talentoso. Finalmente marcha a Orlando. Serán años duros. Con 16 años Ray

Con 18 años es descubierto por el magnate de Atlantic Records, y firma con la compañía con la que estaría 7 años sacando discos, que iban desde el Jazz al R&B. Así comienzan con las grabaciones, ninguna fue excesivamente popular, hasta que en 1953 graba Mess Around, que rápidamente se convierte en un éxito. Y éste será el comienzo de una carrera vertiginosa hacia el éxito. Serán años de temazos como Midnight Hour, Sinner Prayer, This Little Girls Of Mine o What’d I Say, que se convirtió en número uno en las listas de R&B (aunque también fue vetada en muchas emisoras nacionales por su letra sexualmente sugerente). A finales de los años 50 tenía una banda completa, donde destacaban las increíbles The Raelettes (con quien Ray mantenía un dialogo musical muy cercano a la cópula a partir de los ritmos más frenéticos y enérgicos que una banda de música negra haya conseguido jamás), y recorría el país de templo en templo de la música (Teatro Apollo, El Carnegie Hall, el Festival de Jazz de Newport…).

En 1959 ficha por ABC-Paramount. Con esta compañía tendría un contrato muy liberal, pues consiguió la propiedad de sus canciones más populares y el control artístico de sus creaciones. Será el momento de temas tan icónicos como Hit the Road, Jack o Georgia On My Mind, una canción compuesta en los años 30, y que tal vez sea uno de los temas más versionadas de la historia de la música negra. Ray Charles tuvo problemas en el propio estado de Georgia al no querer tocar en el auditorio de Atlanta segregado en 1961, fue denunciado por incumplimiento de contrato, y finalmente tocó en un estadio desagregaLaCarne Magazine

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do. En 1979, el propio estado proclamaba la canción como himno oficial del estado, y Ray la interpretaba en el acto oficial de legislatura estatal (EE. UU. y su doble moral…).

Los años 60 llegaron cargados de ritmos nuevos para nuestro Ray, pronto se introdujo en el Country con su disco Modern Sounds in Country And Western Music. Este testigo lo recogerá Otis Redding directamente.

Estos años fueron también complicados para Ray. Con una personalidad compleja, empezó a juguetear con la heroína y la marihuana, pensaba que podía ayudarle a crear música y a aprovechar su creatividad (la funesta sombra de Charlie Parker era alargada…), se me ponen los pelos de punta al imaginarme ciega y puesta de caballo. A mediados de los 60 es detenido por primera vez por posesión y consumo de drogas. Sin embargo le soltaron en seguida, pues el registro se hizo sin una orden oficial. Esto sucedería en dos ocasiones más, hasta que es condenado a hacer rehabilitación para evitar la cárcel. Consiguió desengancharse de la heroína después de 17 años de adicción… Eso es fuerza de voluntad, joder!

Los 70 llegaron con poca fuerza. Con la llegada del Rock psicodélico, el Funk y el Groove, el sonido de Ray quedaba un poco de lado, sin embargo, esto no desmotivó a nuestro artista, que seguiría con una activísima producción de grabaciones. Muy importante es el disco A Message Of The People, donde la influencia de los ritmos evangélicos y la canción protesta serán enormes, destacando la versión America The Beautiful.

Los 80 seguirán siendo muy productivos, discos cercanos al Country, grandes colaboraciones, actuaciones en hasta 11 películas (grandísimo el cameo como vendedor de guitarras en Granujas a Todo ritmo de los Blues Brothers), anuncios, programas de televisión… Ray era toda una personalidad. Empiezan los reconocimientos, estrellas en el Paseo de la Fama, reconocimiento, en el Salón de la Fama del R&B, Grammy Lifetime, medallas nacionales, doctorados honoris causa, premios nacionales, títulos honoríficos, actos

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oficiales en la Casa Blanca… En 1986 creó la Fundación Ray Charles para el apoyo financiero a instituciones y organizaciones para la investigación de trastornos de la audición. Dejaría una herencia de 20 millones de dólares para la asistencia de niños negros sordos.

En 2004 le es detectada una enfermedad hepática. Moría por la misma el 10 de junio de ese mismo año con 73 años. Su última aparición pública fue en un homenaje a su estudio de música como un hito histórico en Los Ángeles. Varios años después salió a la luz una grabación inédita, el disco Genius Loves Company, un disco de duetos donde le escuchamos junto a B.B. King, Willie Nelson, Nathalie Cole, Diana Krall o Van Morrison entre otros.

Como veis, la vida le dio mucho de sí a Ray Charles. Con una infancia marcada por la más extrema de la pobreza, Ray se hizo a sí mismo gracias a la fuerza interior que le dominaba, la música. No puede clasificarse dentro de ningún estilo, él escribió, compuso, tocó varios instrumentos, e interpretó casi todos los estilos musicales. Heredero directo del Rock sureño y el R&B, Ray consiguió darle a los jóvenes de los 50 lo que necesitaban, alejarse de los sonidos y mensajes encorsetados del Blues, el R&B y el Góspel, y cantar sobre la vitalidad, el amor y el desenfreno. Así nacía el Soul, que en palabras del propio Ray “no es un estilo musical, sino una manera de vivir”.

Ray Charles no conoció límites musicales (y casi en su vida: tuvo 12 hijos de 10 mujeres diferentes, ahí es nada), su revolución en la música negra abrió el camino a muchos de los artistas de los que ya hemos hablado aquí.

Hoy en día, estos ritmos pioneros nos son muy populares, pero en los años 50 fueron toda una explosión. Además, no debemos olvidarnos del plus de la religión, al sacar el Góspel de la iglesia, Ray cometía casi sacrilegio, algo que encantaba a los jóvenes (y por lo que tuvo muchos problemas). Sin Ray Charles no conoceríamos la música negra y tal como la conocemos ahora. Brother Ray, gracias por todo. ¶

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origeem

el poder de la música en ecuador Contacté con su baterista, Marco Mejía, para que nos brinde información sobre ORIGEEM, y aquí les dejo la entrevista.

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esde tierras ecuatorianas, y haciendo metal extremo, llega a la Redacción ORIGEEM, una agrupación donde algunos de sus músicos ya cuentan con años de experiencia.

Con este nuevo proyecto, y con una mujer de vocalista, se están dando a conocer en su país. Ya cuentan con un primer álbum, el cual se está divulgando por su país y fuera del Ecuador.

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Origeem, el poder de la Música en Ecuador Saludos a todos en la banda. ORIGEEM es una agrupación con gran trayectoria en la escena ecuatoriana, pero desconocida para muchos en algunas partes del planeta. Así que sería bueno poner al tanto a los lectores sobre sus inicios.

Saludos cordiales de quienes conformamos ORIGEEM. Muchas gracias por esta entrevista. Contestando a tu pregunta, pues sabes

la banda?

La historia de ORIGEEM inicia con el ingreso de Estefanía Vega a sus filas. Antes de eso existen situaciones, que, si bien forman parte de nuestros inicios, preferimos conservarlo como experiencias personales de cada integrante.

Su propuesta musical es el metal extremo, ¿pero qué elementos destacarían en su música?

Difícil enmarcar el estilo de la banda en un solo género, pues las influencias que cada integrante aporta a la banda son varias, pero si algo destaca es lo oscuro.

Bien, regresando a sus orígenes. ¿Cómo ha sido su incursión en el medio metalero? ¿Tuvieron muchos tropiezos para darse a conocer o todo se dio de buena forma?

Sabes que se está dando de una manera favorable. Actualmente en Ecuador existe un círculo cerrado en cuanto a organización de eventos en el que poco a poco estamos incursionando, pues por otro lado las Redes Sociales brindan facilidades para darse a conocer.

Nos han ayudado mucho.

que ORIGEEM tiene 3 años de vida con este nombre y con la alineación actual: Estefanía Vega (vocalista), Erick Miranda y Hugo Siza (guitarristas), Roberto Grijalva (bajista) y Marco Mejía (baterista). En este corto tiempo se ha logrado plasmar una imagen dentro del metal ecuatoriano, y estamos encaminados a que en el resto del planeta escuchen nuestra música. Con respecto a la trayectoria, pues te cuento que cada integrante tiene su experiencia, varios de nosotros desde hace 25 años en la escena del rock, pues la cual nos ha servido mucho para poder plasmar en el trabajo actual.

Ustedes comenzaron bajo otro nombre. ¿A qué se debió el cambio al actual nombre de

Hace algún tiempo entró a la banda una figura femenina, Estefanía Vega. ¿Cómo ha sido aceptada la banda con esta vocalista? ¿Crees que puede ser una ventaja para la banda contar con una mujer de vocalista? ¿Quiénes conforman la banda en estos momentos?

El ingreso de Estefanía Vega realmente dio origen al ORIGEEM. A partir de su ingreso se marca el inicio de la real identidad de la banda, que dicho de paso más que una ventaja es un privilegio que ORIGEEM tiene.

Estefanía Vega (Voz).

Erick Miranda (Guitarra).

Hugo Siza (Guitarra).

Roberto Grijalva (Bajo).

Marco Mejía (Batería).

Hablemos de su más reciente disco, “De Ventre Originali Creaturae”. ¿Dónde fue grabado y quién lo editó?

Nuestra primera placa “De Ventre Originali Creaturaeˮ fue grabada y editada en Quito, LaCarne Magazine

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con la ayuda de Washo Mora en Riff Estudio de grabación. Los diseños gráficos fueron realizados por Hugo Siza (guitarra) y los temas creados por los integrantes de la banda.

Ya como una banda consolidada de tantos años. ¿Cómo han estado las invitaciones a conciertos? ¿Con qué bandas han compartido?

En los 3 años de vida que ORIGEEM tiene ha logrado pisar las tablas de muchos escenarios del Ecuador, y ha compartido escena con grandes representantes del metal nacional, un poco difícil nombrarlas a todas.

Ahora, con respecto a la grabación, ¿están conforme con el resultado obtenido o les hubiera gustado cambiar algunas cosas?

Es un excelente trabajo del cual no cambiaríamos nada. Cada sonido, cada letra, cada riff contiene la esencia de la banda. ¿Cuál es el poder que puede llegar a tener la música que se transmite mediante una lírica, composición e interpretación? ¿Qué tema abordan en sus letras?

La música tiene un inmenso poder, tiene la capacidad de plantear nuevos rumbos en la mente humana. Nuestras canciones abordan varios temas enfocados a experiencias personales, siempre encaminadas al libre albedrío y al equilibrio total. ¿Cómo ven el movimiento metalero? ¿Cuál es su opinión de la escena ecuatoriana, se puede hablar de un movimiento consolidado?

Hay de todo. En nuestra opinión personal, se ve al movimiento sectorizado, es una etapa que se tiene que superar para poder hablar de un movimiento consolidado.

A estas alturas de su carrera, ¿cuál ha sido el mayor logro obtenido por la banda en todos estos años?

En estos tres años de vida como ORIGEEM el mayor logro obtenido es haber creado un legado, esperamos que les guste. ¿Qué podemos esperar de ORIGEEM en lo que queda de este 2019? ¿Alguna gira, conciertos, disco…?

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ORIGEEM tiene planificado para lo que resta del año completar la promoción de nuestra primera placa “De Ventre Originali Creaturaeˮ.

Dentro de esto se tienen planificados algunos conciertos en varias ciudades del Ecuador, y la producción de un video, próximamente tendrán noticias de eso. Con respecto a un nuevo disco, realmente no lo tenemos planificado para este año. Estamos trabajando en la segunda placa, pero ésta estará para el siguiente año.

Bueno, esto es todo. Sinceramente agradezco tu tiempo y tus palabras. ¿Podrías darnos algún mensaje final?

Gracias a ustedes por el espacio brindado! Es muy importante para nosotros poder llegar con nuestro legado a más personas. Nos despedimos sin antes recordarles que ESCUCHEN LA VOZ DE SEDUCTORA VENGANZA.¶

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Visceral Vomit

expeliendo la decadencia humana sonoras y gritar de placer por el dolor afónico que te provocan las realidades en sus sociedades repletas de suciedades.

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B

olivia es un país de contrastes radicales, donde las masas siguen caminos tradicionales y sumamente banales. El folklore cree mandar el ritmo nacional, y la música tropical (así se la llama a la cumbia) suena o retruena en cada fiesta popular o preste social, donde parece que un grupo como Visceral Vomit no tendría ninguna cabida.

Más allá de la vista gorda y la mirada ciega, de los oídos sordos y los gustos flojos, se encuentra el “Metal Extremo” hecho en esta patria plurinacional, que nos brinda como un picante ají hacia el espíritu, así empapar el alimento musical, para pasárselos por las fauces

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VISCERAL VOMIT: Expeliendo la decadencia humana con el Metal en el alma ¿Cuándo y cómo nace el proyecto musical Visceral Vomit?

Nace gracias al gusto y sentimiento extremo por el Death Metal allá por el 2006, por un grupo de amigos de colegio, al que se sumó un camarada en “servicio militar”.

El nombre surge por un impulso a expresarse y expulsar las facultades que aquejan y enloquecen al ser humano. Nuestra música es el resultado de las diferentes influencias de los integrantes dentro del marco de la música.

¿Quiénes conforman o integran la banda?

Somos 5 componentes: Andreus Mendez en la monstruosa batería, Cesar Jurado y Jef Brainrotten en las guitarras, “Fresh” David Castillo en el bajo, y Denis Sánchez en los potentes guturales.

Debutan discográficamente con “Brutal Decadencia Humana”. ¿Cómo les va en cuanto a la distribución, difusión y promoción del flamante CD? El disco se lanzó “el día de los muertos”, y tuvo un muy buen recibimiento en todos los shows de la gira de presentación “BRUTAL TRIP 2018” (Bolivia-Chile). Tanto por la calidad musical, interpretativa y producción. En cuanto a logística, el disco ya cruzó fronteras nacionales y continentales. Recibimos muchos mensajes y felicitaciones de seguidores de todo el mundo, y fuimos reconocidos como uno de los mejores discos latinoamericanos del 2018 por Headbangers Latinoamérica, y Abismo Blogzine entre otros.

En lo personal disfruto mucho del Metal, y más aún cuando tiene actitud. ¿Detalles de la producción del disco en cuanto a grabación y realización del arte?

Fue grabado por el Ingeniero de Sonido So Myung Jung (uno de los mejores productores del mercado musical nacional), y producido por “VISCERAL PRODUCCIONES”. Jef Brainrotten, encargado del arte, y Cesar Jurado de la diagramación. La parte audiovisual, por el equipo de David Castillo, que incluye el video clip “Trip Marginal” y el spot “Brutal Decadencia Humana” para la presentación del disco.

“Trip Marginal” es un video clip impresionante.

El equipo de realización supo captar la potencia de la banda en imágenes. ¿Cómo se produjo esta magnífica obra visual?

Gracias a IntCine, un grupo joven de cineastas locales, que no tiene para nada la mente cuadrada. Con Dany Suarez en el guión, Laura Rama dirección de arte, David Castillo en la dirección y Ramiro Rojas como actor, se logró esta obra de arte. Bastó con contarles qué queremos mostrar con el disco, textos de las canciones y se las ingeniaron para realizar

ese brutal video clip, pues “Brutal Decadencia Humana” es un grito desde las tripas, un golpe en la cara, los síntomas de una humanidad agonizante sentidos desde la perspectiva de un marginado, un vagabundo, loco y delirante, quien probablemente es el ser más despreciado por la sociedad, justamente por ser su más preciso reflejo.

Brutal Death Grind hecho en Bolivia. Son pocas las bandas que se arriesgan a hacer música que les gusta y son leales a sus ideales… ¿Cómo se siente el ambiente?

Todo es un reflejo del amor y sentimiento que tenemos al Death Metal, escuchar esta música es combustible para nosotros. El apoyo de la escena local en los shows, el poder ver a desconocidos y amigos con poleras de la banda, ver como se arma “el pogo” y revienta la gente en las tocadas, nos mantiene firme al ideal, agradecemos a todos quienes apoyan la banda que nos alienta a seguir adelante. ¿Cuál es la discografía en sus 13 años de vida en la escena artística?

2009 Demo “Misericordia”, 2015 Demo “Visceral Vomit”, 2016 Split “Alianza Criminal”, 2018 Disco “Brutal Decadencia Humana”.

Recorrieron desde el “Criminal Metal Camp” (Córdoba – Argentina), el “Titans Of Grind” (Santiago de Chile) hasta el “Death Fest Concepción” (Concepción – Chile) ¿Cómo fue el camino vivido en el exterior de Bolivia?

Son de los mejores y más reconocidos festivales de la escena extrema sudamericana.

Fuimos participes del “Criminal Metal Camp” el 2016, en el que vimos cómo la gente de Argentina se reventó con nuestra presentación.

Así como en Chile en 2018 pudimos compartir escenario con grandes bandas de la escena sudamericana. En estos festivales se forja la hermandad de la escena extrema y se llega a conocer grandes músicos y amigos. Gracias a estos festivales pudimos mostrar nuestra música fuera de Bolivia y forjar lazos con gente que lucha por el metal sudamericano.

La temática “Gore” mantiene una fuerte presencia en su “Cover Art”, como en una de las canciones que me llamo más la atención, “MiLaCarne Magazine

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sericordia”. Todo por un pan… ¿Qué los inspiró?

A todos los integrantes de la banda nos encanta el “Arte Gore”. “Misericordia” es la historia de un linchamiento por robarse un pan, y muestra la brutalidad de la sociedad. Así como todo sistema se enorgullece de sus héroes, tiene como espejo a sus marginados, esas personas que por algún motivo no logran funcionar según los convencionalismos de su sociedad, y caen en la desgracia de ser esas personas invisibles, a quienes la gente prefiere no mirar.

Este disco va en honor a todos ellos (los marginados), a todos nosotros como especie que somos: vomitados a este mundo y estamos condenados a ser libres.

En el disco cuentan con dos periodistas invitados que marcaron época en la televisión local y nacional con el programa llamado “Tele-Policial”. ¿Cómo surge esa anécdota y exquisita colaboración?

Cacho Ordoñez y Wilson Torrico son personajes de la “crónica roja” y “gore” en Bolivia.

Tenían que ser parte de este disco. Nos contactamos con ellos, les comentamos nuestra temática e ideas, y sin dudarlo aceptaron ser parte de “Brutal Decadencia Humana”. ¿Cómo anda la escena musical en la que se desenvuelven en nuestro país y en Latinoamérica?

No existe apoyo por parte de nadie externo al “Metal Extremo”, pero sí de la gente que le gusta el estilo, y juntos hacemos que esto crezca y se fortalezca. Con la salida a países vecinos, vimos que en Argentina o Chile la escena es más grande y el apoyo es mayor.

Afuera se arman más shows de bandas legendarias del estilo extremo. En Bolivia son pocos los que se animan.

Son promotores de eventos junto a bandas que llegan a Bolivia. ¿Cómo les fue con sus proyectos?

Apoyamos a bandas vecinas que están animadas a tocar en nuestro país, y siempre tratamos de dar lo mejor para los eventos en cuanto a sonido, lugar y organización. Los

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eventos se llenan y la gente la pasa muy bien, las bandas se llevan un brutal recuerdo de nuestra nación. También somos invitados a tocar en eventos que arman otros productores con bandas reconocidas internacionalmente, y compartimos con grupos como Brujeria, Suffocation, Kataklysm, Transmetal, Invidiosus, Blood, Torture Squad, Piggy, Necro Abortion, Angerstorm, o Grotesque Impalement, entre otras.

Visceral Vomit es un espejo de la decadente humanidad capitalista, consumista y egoísta.

Una patada en la cara para los jefes del poder que pintan maravillas y mentiras. Son la pura resistencia. ¿Cómo se persiste, insiste y no desiste en este camino?

Todo se da gracias al impulso que nos brinda el Death Metal: nos permite poder protestar y mostrar temas que no muchos los tocan.

Bilingües a la hora de componer. El mercado musical es universal. ¿Qué proyectos tienen a futuro?

La decisión de escribir en español fue para que nuestra gente entienda lo que queremos transmitir, siempre pensamos en nuestra gente como principal público. El inglés sirve para poder exportar nuestra música a otros continentes. Tenemos preparada una gira a fin de año que incluyen festivales en Argentina, Uruguay, Chile, Perú y Bolivia.

Ya iniciamos la etapa compositiva del segundo disco, y queremos que sea de exportación para poder expandirlo por todo el mundo.

Su mensaje de aliento a la gente que disfruta de la vida hecha música y su despedida.

Gracias querido Marraketa & LaCarne Magazine por esta entrevista, y a todos decirles que siempre vayan para el frente, el afrontar los errores y pararse de caídas que trae la vida nos ayuda a ser más fuertes y mejores humanos. Gracias por tanto apoyo, les tenemos sorpresas increíbles y pronto las anunciamos. ¡Larga vida al trip!.. ¡Larga vida al Death Metal boliviano! ¶

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Driven

girl power desde México

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ormados en la Ciudad de México en el 2009, y con una voz femenina que te envuelve y te atrapa por sus excelentes matices, Driven es una agrupación que combina la música pesada con la sutileza de la voz de Mireya, quien es la que responde la entrevista.

Han estado presente en muchos eventos y con buenas reseñas de varios medios periodísticos. Aquí les dejo la entrevista y así conocen más de Driven.

Hablando un poco del origen de la banda, ¿qué nos pueden comentar sobre los aspectos más resaltantes de la vida de Driven?

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¿Quiénes la conforman en la actualidad? ¿De dónde proviene la banda y cuáles son sus principales influencias?

Driven nació en la Ciudad de México en el 2009, pero no fue hasta 2013 que le dimos verdadero peso a nuestras decisiones, tras ver la respuesta de la gente luego de nuestro show con Lacuna Coil. Actualmente la banda está conformada por Mireya en la voz, Ilse en el bajo, Picos en la batería, y Manolo en la guitarra. Todos forman parte de otros proyectos importantes en nuestro país, no sólo de Driven, y eso para mi gusto diversifica nuestras posibilidades creativas.

Driven siempre estuvo influenciado por bandas como Lacuna, The Gathering, Tool, o Soilwork. Creo que somos un licuado de muchos estilos, y no me gusta pensar que nos limitamos a un solo género.

Trabajamos el disco como debe trabajarse un material de larga duración. Nuestra preproducción duró casi un año, y somos el primer bebé que nació en su estudio SM. Son gente muy talentosa, no es casualidad que Agora sea de las bandas de metal más representativas de nuestro país.

Para la mezcla y master echamos mano de Toño Ruíz, guitarrista de Coda y Qbo. Tratamos de cuidar todos los aspectos artísticos, así que la portada la hizo Lady Obeah y las fotos Adrián Gutiérrez.

Queríamos un disco grande, pero tampoco queríamos volvernos locos. Uno siempre tira mil ideas de las cuales sólo 2 sirven. En general no es un disco arriesgado, sino muy straight forward, es como decir “esto somos”.

El reto técnico fue grande, porque hacer un disco en forma es muy distinto a hacer demos.

El nivel de exigencia es extremo, pero creo que el resultado demuestra nuestra entrega.

Si bien la banda no cuenta con tantos años en la escena, alrededor de los 10 años, ya tienen un excelente disco debajo del brazo, “El Orden del Caos”. Hablando de esta producción, ¿qué nos pueden comentar en relación a su proceso de grabación y edición? La producción fue por importantes personas, así que también danos detalles sobre esto.

“El Orden del Caos” es el resultado del trabajo y talento de mucha gente. Con las facilidades tecnológicas de hoy en día, es sencillo producir un material casero de calidad. Sin embargo, queríamos hacer un primer disco oldschool.

Nos tardamos tanto en generar un primer LP porque queríamos que fuera realmente bueno, queríamos trabajarlo con los mejores, de ahí que Lalo y Manuel de Agora formen parte como productores. Ellos son amigos míos desde hace casi 20 años, y yo sabía que eran el camino correcto para Driven.

Contaron con varios invitados en este álbum.

Coméntanos.

Somos fieles creyentes de la idea de “hacer escena”, por lo que contamos con colaboraciones de vocalistas de otras bandas como Tragico Ballet, Matherya y S7N. Buscamos colaboraciones eclécticas que enriquecieran el sonido del disco, y creo que se logró muy bien ese cometido. ¿Cómo ha sido la crítica y la reacción de los medios hacia este álbum? ¿Y en general hacia la banda? ¿Qué puntos positivos y negativos resaltarías de estos medios?

En general no hemos recibido críticas negativas, si bien constructivas.

La maquila se nos terminó relativamente rápido, no pensamos que todo fuera a caminar a esa velocidad, uno tiene muchas ilusiones y por lo mismo intenta ser aterrizado con las expectativas, pero EODC definitivamente las superó.

Nunca imaginé que llegaríamos a un Vive LaLaCarne Magazine

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tino con el primer disco, mucho menos que saldríamos del país, pero eso es lo que nos ganó hacer un material hecho con mucha dedicación y respeto al público. ¿Cómo ha sido el proceso de distribución y venta que tanto les ha abierto las puertas dentro y fuera de México?

Tener un disco, sin duda, genera el 90% de las oportunidades. Lo que vendes es música, y si no tienes cómo mostrarla, en este caso a través de una grabación, estás bastante limitado.

Difícilmente te van a dar oportunidades si no tienen cómo escucharte.

teníamos un disco y entendimos que teníamos que comprometernos más.

Creo que cuando suceden esa clase de cosas tienes que honrar la oportunidad, porque si dejas a tu proyecto caer o no le das la suficiente seriedad, es un insulto para aquellos que no tuvieron ese espacio.

Hemos tenido mucha suerte. Hemos estado en el momento adecuando, con la gente adecuada en la situación adecuada. Y hemos tratado de estar a la altura para aceptar los retos.

Desafortunadamente, la forma en la que consumimos música hoy en día ha malbaratado un proceso costoso. Tal vez si los medios digitales no existieran habríamos vendido muchos más discos, pero es lo que es, y las bandas tenemos que adaptarnos a la realidad.

Tratamos de no volarnos con ideas raras sobre lo que significa compartir esos escenarios, pero cuando te topas con el pensamiento de que es el mismo escenario que pisó alguien como Lacuna, Coal Chamber, Kiss, no puedes evitar sentir que algo estás haciendo bien, y que la calidad y el compromiso dan frutos.

Por ello pusimos nuestro material en todos los sistemas de streaming posibles, y nuestra disquera Intolerancia se encargó de la distribución física en todo el país y donde tiene presencia en el extranjero. Finalmente nosotros estuvimos muy pegados a nuestras redes para hacer envíos al resto del mundo, y buscando formas de facilitar el intercambio. Fue muy halagador mandar materiales a España, Alemania, Francia, Japón. Nunca te imaginas que tu música tiene ese alcance.

La banda tiene entre sus filas y en roles muy protagónicos a chicas. ¿Qué tan fácil o complejo puede ser trabajar con mujeres cuando el resto de la banda son hombres?

Pasan muchas cosas. Cuando empecé en la banda era la única mujer y los integrantes eran mi familia, por lo que la extrema confianza con respeto eran parte del desayuno. Finalmente, cuando viajas, comes, duermes, te cambias de ropa, te enfermas, te ríes con esas personas, tienes que confiar en ellos.

La banda se ha presentado con grandes agrupaciones de talla internacional, como Lacuna Coil y otras importantes bandas. ¿Cómo se logró participar junto a estas grandes bandas? ¿Qué ha significado esto para ustedes como músicos y en lo personal?

Hilando esta pregunta con la anterior… Cuando se abrieron las votaciones para tocar con Lacuna Coil, íbamos a la cabeza junto con otras grandes bandas, y los organizadores hicieron mención de nuestra falta de un material formal.

Yo soy fiel partidaria de la colaboración, benditas sean las diferencias de género. Las visiones y concepciones son muy distintas, y cada quien asume un rol muy específico que para mi gusto generan combos ganadores.

Sin embargo, al final las votaciones fueron contundentes, y eso nos ganó ese lugar, pero cuando terminamos de tocar y la gente pidió otra, se sorprendían cuando decíamos que no

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El año pasado, la banda prácticamente se desintegró y me quedé con el proyecto en las manos sin saber muy bien qué hacer, pues me tomó por sorpresa, e Ilse ha sido un bálsamo en el proceso, es una mujer muy entregada y preparada. Tenía mucho de no trabajar con mujeres como parte constante de mi proyecto.

Así que ahora nos enteraremos de esto, ja, ja, ja. Dado que yo soy prácticamente un dude con boobies, vuelve a preguntarme en unos

meses.

Musicalmente hablando, ¿es distinta la visión de una chica a la del resto de la banda?

Hablando en términos de conciertos o giras, ¿hay requerimientos especiales debido a este aspecto?

Musicalmente sí, es muy diferente, por eso me gusta la combinación. La apreciación musical es muy distinta, pero en cuanto a las giras y el día a día, te sorprenderías de los warriors que podemos llegar a ser las mujeres, tal vez sea porque estamos acostumbradas a querer competir por nuestros lugares, por lo que no queremos “princesear” demasiado y enfrentamos parejo las vicisitudes.

Esa idea está equivocada, y tener un grupo mixto propicia que nos cuidemos mutuamente, por lo que ellos de forma natural van a buscar que estemos seguras y cómodas, y nosotras vamos a tratar de no ser vistas como una car-

ga sino como parte del equipo, tendemos a ser hasta maternales. Al menos eso sucede en Driven.

México es bastante conocido por su gran escena, donde el metal extremo es algo muy sobresaliente. Ahora, estando la banda en otra vertiente musical, ¿cómo ven la actualidad de la escena musical local y nacional del país en el medio en que se mueve Driven?

Creo que efectivamente hay dos corrientes claras. El mainstream y el underground.

Ninguna me parece mejor que otra, sino que simplemente responden a diferentes necesidades artísticas.

La escena en nuestro país está creciendo y se está haciendo más competitiva y compleja, y a la vez más mediática.

Tenemos varios festivales masivos enfocados LaCarne Magazine

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al rock y metal, lo cual habla de una necesidad del público por propuestas. Para mí, el metal es un gusto adquirido y es un género en el que necesitas ir in crescendo en cuanto a rudeza.

Muy pocos, cuando niños, pasan de escuchar Nickelback a Mayhem. Es un proceso casi lárvico el que pasamos los metaleros. Me gusta pensar que los géneros mainstream son la puerta de entrada al metal, son la hostess guapa que te invita a pasar al buffet de subgéneros cuando no sabes bien de qué tienes antojo.

Hemos ido encontrando formas de coexistir en un hábitat colindante con respeto, y está siendo una metamorfosis interesante también para nosotros. Con mi primera banda de puras mujeres tocaba doom death, y me la pasaba en el under, por lo que en términos sociales me sé desenvolver con ambos mundos y creo que están evolucionando. ¿Han efectuado gira fuera de su país, México?

De ser positivo, coméntanos con más detalle. Únicamente hemos estado en Guatemala. Fuimos a un festival muy ecléctico llamado EMF con Molotov, Incubus y Skrillex. Es increíble que alguien valore tu trabajo lo suficiente como para querer llevarte a otro país.

Pero hasta ahora, ésa ha sido nuestra única experiencia. ¿Qué opinas de la evolución musical? Muchos dicen que las bandas optan por esta definición para camuflar su venta al consumismo.

Puede ser, si eres muy true (whatever that means) creo que las bandas están en su derecho de decidir cómo y qué tanto quieren comercializar su música.

Opino que mientras no prostituyas lo que te gusta como artista está bien. En el momento en el que te tienes que “encuerar más”, o “suavizar más”, o mutilarte creativamente para vender, ahí sí, para mi gusto, tenemos un problema. Mientras no te traiciones a ti mismo, estás bien.

Para mi gusto, también va de la mano con una responsabilidad social y sé que no todos la tie-

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nen. La gente se queja de que en la tele y en la radio sólo ponen basura, y lo que diéramos porque la gente escuchara cosas más interesantes o propositivas. Creo que la comercialización de este género, aunque no forma parte de su naturaleza, puede ayudar a generar cultura.

Y aunque la masificación es contra natura para el metal, ¿acaso no es el metal un género contestatario? ¿Acaso no es el metal un género contra natura? Es una forma de decirle al sistema “aquí estoy, y puedo ganarte en tu propio territorio”.

Es relativo, al final todas las bandas queremos estar en festivales, por lo que considero una aberración no querer masificarte, pero sí tocar en masivos. ¿Cuál es la inspiración al momento de engendrar las letras de los temas de Driven? ¿Y en lo musical?

Mis letras son vivenciales, son críticas sociales y autocríticas. Normalmente me concentro en una emoción o un acontecimiento de mi vida o la de alguien más, e intento llevarlo a un

importante crees que sea el audiovisual para una banda? ¿Cuentan con algún video?

Contamos con 4 videoclips de estudio y uno en vivo, planeamos hacer otro con el footage de Domination. Los seres humanos, en general, somos muy visuales, creo que es una herramienta importantísima para las bandas, aunque muy costosa.

Hablando de nueva producción, que imagino ya deben estar trabajando en esto, ¿esta nueva producción posee temas antiguos o todos son nuevos buscando proyectar al grupo en una nueva faceta?

Estábamos pre-produciendo el segundo material cuando mi banda desertó. Y no quise reciclar canciones, así que tengo que volver a componer y pre-producir. Todo es nuevo, no quiero sonar al viejo Driven, sino descubrir a qué sabe ahora.

Fue un año muy oscuro y doloroso para Driven y para mí. Y el dolor es como agua vitaminada para la creatividad. Ya veremos qué sucede. plan literario. De ahí que le planteo melodías o tiro ideas con la banda. A veces es al revés, llegan con un riff que me remite a algo específico, y de ahí desarrollo una idea.

Es difícil vivir de la música, así que me imagino que cada integrante debe tener sus actividades personales y profesionales. ¿Cómo logran complementar su tiempo con el trabajo que hacen en Driven?

Pues es relativo también. Por ejemplo, Picos, Ilse, y Manolo viven de la música, ya sea tocando, dando clases, clínicas, o como músicos de sesión.

Yo más que músico, considero que estoy dedicada a mi voz y hago muchas cosas alrededor de ella, soy locutora, actriz de doblaje, y en esa misma línea soy directora y traductora de doblaje.

La música en ese aspecto te permite hacer más cosas. Todo es organización.

El videoclip es algo que siempre ayuda mucho a difundir la música de las bandas. ¿Qué tan

¿Qué podemos esperar de Driven en un futuro no muy lejano?

Nueva imagen, nueva música. No quiero hablar de cómo se siente Driven ahora, sino de cómo se sintió hace unos meses. Así que a romper madres.

Finalmente, para cerrar esta entrevista, ¿qué mensaje le dejan a los fieles y nuevos seguidores de la banda?

Que estamos profundamente agradecidos por creer en Driven, la recepción en Domination, que fue nuestro regreso luego de 8 meses de entumecimiento, fue brutal. No puedo sino hacer una reverencia y pedirles que crean tanto en sí mismos como me han hecho creer en Driven. No estaríamos aquí sin ustedes. Les agradezco con toda mi alma, corazón y sangre. ¶

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Ópera Infantil

en el Centro Machado de Colonia

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l pasado viernes 26 de abril, la compañía mexicana Ópera Irreverente visitó el Centro Machado, nuestro espacio cultural en Colonia, para representar “Elefantes”, una ópera en espacio mínimo pensada para los más pequeños.

El elenco lo formaban un percusionista, un pianista y seis actores cantantes, para dar vida a seis ancianos que ven pasar los días en “El Anciano Feliz”, un asilo frío y desolado.

Gracias a su imaginación y los recuerdos de juventud, se fijan el objetivo de encontrar el Elefante de la Verosimilitud.

El numeroso público asistente en el Centro Machado, la mayoría familias con niños, pudimos disfrutar de una ópera seria a la vez que

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simpática y amena, con una partitura divertida, diferente e irreverente, dirigida magistralmente por Luis Felipe Losada, responsable junto a Mauricio Jiménez de la música y el libreto.

Lo acompañaban Fernanda Allande, Mauricio Jiménez, Zabdi Blanco, Ángel Luna, Kevin Arnoldo, el pianista Adrián Juárez, y el percusionista Oliver Ochoa. El responsable de la dirección escénica es Jorge Reza.

Le preguntamos a Luis Felipe por su gira europea, más concretamente por su estancia en el Centro Machado de Colonia.

La Asociación de Críticos y Periodistas Teatrales os dieron un premio en la categoría “Teatro para jóvenes audiencias”, y vuestra ópera infantil ha girado dentro de la programación del Sistema de Teatros de la Ciudad de México. ¿Por qué Europa? ¿De dónde sacáis tanta energía?

El sueño de cualquier artista latinoamericano siempre será hacer una larga o breve para-

Sin embargo, aún se encuentran muchos sectores de la población y sectores geográficos a donde este tipo de representaciones artísticas no tiene acceso.

da en el continente europeo. Ya sea compartiendo su talento desde lo individual, o como miembro de una agrupación. La inmensa mayoría de quienes conformamos el gremio de las artes, y particularmente el gremio operístico, hemos visto el Viejo Continente como una ventana de superación, de posicionamiento y de crecimiento. Quizá, en el caso más específico de nuestro país, tendemos a volver los ojos hacia Europa con un dejo de cierta nostalgia por ser la cuna del florecimiento de las artes, y particularmente de la ópera misma. ¿Por qué Europa? Porque hace más de 50 años que una compañía mexicana no tocaba suelo Europeo, y aún más relevante: porque hemos sido la primera compañía mexicana dedicada a escribir y producir ópera para niños, y asumimos esa empresa tan ambiciosa. Nuestra compañía tiene la firme convicción de llevar la ópera a donde no suele llegar. Uno creería que a Europa no le hace falta más ópera, pues la mayoría de sus países tienen un sistema de promoción de las artes y la cultura muy sólido.

¿Has visto alguna diferencia o similitud entre la escena teatral en México, y la de los países europeos que acabáis de visitar?

Hay algo incuestionable en este hecho: en la mayoría de los países latinoamericanos, por no decir en todos, se padecen enormes y delicadas carencias en torno a la divulgación, promoción y producción de las artes escénicas.

Así mismo, ese mismo rezago se vive en prácticamente todas las escuelas de formación, en donde muchos jóvenes son formados a punta de talento, sudor y lágrimas para suplir la falta de herramientas y programas formativos adecuados para su formación profesional. Por otra parte, el mundo laboral es un campo de batalla despiadado, gobernado solo por algunas mafias y círculos muy cerrados a los que difícilmente el egresado de escuelas profesionales de formación artística tendrá acceso en el futuro. Este fenómeno ha tenido resultado que las comunidades de artistas independientes (principalmente en el teatro y la danza) se organicen cada vez más y mejor, para apropiarse de espacios alejados de los grandes teatros y procurarse así un estilo de vida, y por tanto también un sustento. En cuanto se refiere a la ópera, no es ningún secreto que Mexico exporta algunas de las voces más importantes de la escena internacional. Cabe señalar que, desgraciadamente, miles de voces mexicanas, con la calidad necesaria para llegar a hacer grandes carreras, siguen y seguirán sin ser descubiertas, refundidas en un silencio insoportable además de lamentable.

Ya de salida, añadiré como anécdota que en Berlín tuve oportunidad de presenciar en el Teatro de la Ópera la producción “Tannhäuser” de Wagner. Tuve el placer de deleitarme con grandes voces, cantantes con falta de histrionismo (algo que siempre he criticado mordazmente), una orquesta con un sonido impecable, pero, en mi humilde opinión, con una producción y dirección escénicas que dejaban mucho que desear. Me di cuenta que en todos sitios se cuecen habas (como diríamos en mi LaCarne Magazine

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país), pues en México he tenido el gusto de asistir en más de una ocasión a producciones de mayor calidad y contenido. ¿Qué te llevarías para México del carácter alemán, y cómo lo aplicarías a tu proyecto artístico?

De Alemania me quedo con el alto nivel organizativo con que en términos generales funciona su sociedad, y que siempre estuvo presente en la calidad de sus servicios, en el colosal aparato de difusión de la cultura, el deporte y la divulgación tecnológica y científica.

La disciplina y tenacidad con que los alemanes trabajan y construyen su sociedad, y su predilección por el trabajo en equipo, es lo que destacaría de su carácter. ¿Y qué exportarías del carácter de los mexicanos?

Quizá lo más destacable de nuestro carácter sea la pujanza, la algarabía y el desparpajo con que vivimos nuestro día a día, tanto en lo próspero como en lo adverso. El mexicano acostumbrado a sortear todo tipo de obstáculos, y a ampliar sus horizontes en la búsqueda de una realidad mejor, es valorado en todo el mundo por su ingenio, creatividad y corazón.

Somos apasionados, entregados, trabajadores e intensos. Si algo exporta México al mundo es eso: mucho corazón y mucha inventiva. ¿Hay alguna posibilidad de que podamos dis-

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frutar de nuevo con otro espectáculo de Ópera irreverente aquí en Alemania? ¡Todas las posibilidades! Nos ha encantado dejar nuestra huella irreverente por algunos de los rincones más transitados de Europa, y también nos encanta la idea de volver al Centro Machado de Colonia, o a otras localidades. Para una compañía de nuestras características este tipo de hazañas representa un reto de proporciones gigantescas, debido a que, al no contar con beca o subvención económica, la cantidad de esfuerzo, tiempo y dinero empleado para impulsar todas las gestiones necesarias para salir de nuestro país y mantenernos girando a lo largo de diferentes ciudades, por momentos parece volverse insostenible. Hemos sobrevivido al «suicidio», así somos, algo temerarios. Nuestra filosofía es ser un poco luz guía e inspiración para otras compañías teatrales y operísticas independientes que también sueñan con trascender fronteras. Ojalá que otros ojos alrededor del mundo, y también los de los funcionarios dedicados a promover las artes y la cultura, así como la iniciativa privada de nuestro país, pueda dirigir su mirada hacia nuestro trabajo y trayectoria, y que ello mismo tenga como consecuencia el poder seguir promoviendo nuestra obra dentro y fuera de México. ¶

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ué grata sorpresa cuando encontré esta banda procedente de Puerto Rico. Ritual Kannabis lleva en escena alrededor de 10 años, con sus contratiempos, pero siguen en pie de lucha.

Ya han efectuado conciertos fuera de su país, y están en preparación de una nueva grabación. Todos quisieron ser partícipe de la entrevista, menos su baterista por razones ajenas.

En primer lugar, agradecerles por la disposición a responder la entrevista. El 2008 fue el año en que inició todo. Cuéntanos un poco cómo fue que se deciden a formar una banda.

Enrique: Primero de todo, gracias a ustedes por esta oportunidad. La banda se inició en efecto en agosto del 2008 por Frankie, Wes, Wiggy y Orlando, con el interés de formar una banda que mezclara la gran variedad de metal extremo que los influenció. Todos venían de diferentes aspectos de la vida y de diferentes bandas de ese momento de la escena. ¿Cuál fue la mayor complejidad que afrontó la banda en sus inicios?

Yo diría que lo más complejo fue entrar a la escena y conseguir presentaciones. El ambiente era más competitivo para nosotros porque el “hardcore” era lo que predominaba en la escena. Nosotros fuimos de las primeras bandas “deathcore”. Fuimos criticados musicalmente en aquel momento, ya que estábamos creando algo diferente a todo lo que estaba sonando en la escena en ese entonces. Normalmente, al crear una banda lo más difícil es la búsqueda de lugares para ensayar, pero tuvimos la suerte de contar con el apoyo de un estudio preparado que nos permitía ensayar, y en algunos casos utilizar sus equipos e instrumentos para ir creando nuestras primeras composiciones.

La banda estuvo pasando por momentos algo difíciles, y es en el 2013 que regresan a escena nuevamente. ¿A qué se debió el periodo de

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Ritual Kan

y el Death Metal en P inactividad de la banda? ¿Qué los motivo a reagruparse nuevamente y continuar adelante?

Wesley: La banda se rompió por problemas internos que los integrantes afrontaban en ese momento. Diferencias personales y musicales entre nosotros, problemas con decisiones tomadas entre algunos de los integrantes. Eso causó la implosión de la banda, en la cual nos quedamos Chris y yo solos tratando de reconstruirla. Cada cual se enfocó en sus otros proyectos musicales. Luego hablé con Chris, y decidimos reformar la banda con integrantes para no desperdiciar el trabajo invertido.

Intentamos con diferentes personas, ahí entró Ludwig a la banda como guitarrista. A la banda entraron otras personas, pero no funcionó.

Recuerdo que tocamos una sola presentación,

pre afectan porque tienes que hacer un tipo de “reset” y empezar desde cero con ese, o esos integrantes nuevos. Eso crea un periodo de inactividad, en el cual la banda se ajusta a los cambios que vienen con esos integrantes nuevos.

Algunos de nuestros integrantes tienen diferentes proyectos musicales. Ludwig (guitarra) tiene Los Gallos y The Calm Before The Massacre, que van por la vena de Ritual Kannabis, solo que más técnico en las guitarras.

Jorge (guitarra) tiene el proyecto Refraction, en el cual funge como baterista. Wesley por muchos años estuvo en la banda Severe Mutilation.

Hoy en día Ritual Kannabis es formado por Jorge Vélez (guitarra), Ludwig (guitarra), David (batería), Enrique (bajo) y Wesley (vocales).

nnabis

Puerto Rico

y luego vino un periodo de inactividad. En ese momento Chris y yo decidimos seguir buscando integrantes para continuar con la banda.

Salimos de vuelta a los escenarios en junio del 2013 con Ludwig (guitarra), Enrique (bajo), Christian (guitarra), David (batería) y este servidor (Wes como vocalista). Luego del fallecimiento de Chris en el 2014, entra Jorge en la banda como guitarrista.

Prácticamente en toda banda siempre hay cambios de integrantes. ¿Esto los ha afectado mucho? ¿Algunos de sus integrantes mantienen proyectos paralelos o están dedicados de lleno a la banda? ¿Quiénes son hoy en día Ritual Kannabis?

Enrique: Los cambios de integrantes siem-

En su propuesta musical se puede apreciar sonidos del metal extremo. ¿Dónde colocarían o calificarían el sonido de la banda?

Ludwig: Yo diría que Ritual Kannabis es death metal con influencias hardcores. Incluimos breakdowns, arpegios y blast beats. Es un sonido bien agresivo, desde el tono de guitarra hasta la composición de la canción.

Jorge: Yo catalogaría como un sonido agresivo con melodía y “bailable”, bien energético limpio y claro.

Su primer álbum llega muchos años después de formados, en el 2016. Quisiera me comentaras sobre este trabajo discográfico.

Enrique: Este disco para nosotros es la culminación de muchos años de esfuerzo, sacrificio y muchos días de trabajo. El disco fue producido por Ludwig en su totalidad. El álbum fue un esfuerzo completamente independiente.

Nuestro guitarrista Christian Santos falleció durante la producción del disco, lo cual detuvo la producción por un tiempo razonable. En eso entró Jorge como remplazo de Chris. Él se acopló bien rápido a la banda, y se ha quedado con nosotros haciendo ruido. ¿Qué representó para la banda plasmar este LaCarne Magazine

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disco? Hoy, transcurrido un cierto tiempo desde su edición, ¿están satisfechos con el álbum? ¿Sienten que los representa en total forma?

Enrique: Fue un logro luego de varios sacrificios llegar a la meta, la cual parecía imposible, para ser honesto. Durante la producción del disco nos unimos a Vengeance Music, que fue nuestra agencia manejadora (hasta hace unos días). Nos ayudaron a organizarnos en todo el sentido de la palabra, ya que habíamos pasado por un sin número de situaciones complicadas.

Ludwig: Bueno, para nuestra primera producción quedé satisfecho con el producto, aunque siempre quedan detalles que uno piensa que pueden mejorar. Entiendo que representa la banda entera en ese instante. Los cambios musicales se notarán en las producciones siguientes.

Wesley: Yo pienso que sí representa la banda completamente con los estilos que cubre. El disco es variado. Representa la base musical y estructural de la banda. Las canciones llevan 10 años de creadas. Estoy complacido con la producción. Dio mucho de qué hablar, y saber que fue un esfuerzo independiente me hace sentir sumamente orgulloso del mismo.

Háblanos un poco sobre la lírica y temática de Ritual Kannabis. ¿Qué quieres transmitir con la música y la letra? ¿Qué bandas los han inspirado en toda su trayectoria?

Wesley: El contenido lírico principalmente se basa en crítica social y repudio a la religión.

Algunos temas son más personales, temas de horror, historias de violencia, también de disfrutarse la vida, promover la legalización y el consumo de cannabis.

Ludwig: Lo que inspiró a Ritual Kannabis fueron bandas como All Shall Perish, As Blood Runs Black, Carnifex, Behemoth, Origi, Death diría que es la mayor influencia de Ritual Kannabis, The Black Dahlia Murder, Napalm Death, Despised Icon, Misey Index, Dying Fetus, Decapitated.

apoyo de los medios hacia el metal en tu país?

Enrique: Pues el apoyo de los medios principales a la escena en general es bien mínimo.

Todo el apoyo de la escena está en nosotros como comunidad. Recientemente se abrió una plataforma conocida como AZRock, una nueva estación radial surgida de lo que antes fue la estación Alfa Rock. Ellos le están dando oportunidad a las bandas locales de sonar su música y entrevistarlos. De esa manera resaltan el talento local. Es como una inyección de adrenalina para la escena, ya que eso atraerá personas que no necesariamente saben que hay una escena local de metal, y ayuda a expandir el alcance de las bandas.

¿Cómo ves la escena en Puerto Rico? ¿Hay

¿Bandas de Puerto Rico que te llamen la aten-

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Me imagino que al ser de Puerto rico han tenido la oportunidad de realizar presentaciones en Estados Unidos, ¿es así? Coméntanos.

Ludwig: En el 2017 tuvimos la oportunidad de ir a Nueva York. Fue increíble volver a lo que fue mi casa por muchos años, y fue un sueño hecho realidad, viajar, mis hermanos, para tocar fuera de Puerto Rico, crear conexiones y fanáticos nuevos.

Jorge: La experiencia de viajar, compartir con mis compañeros y ver bandas nuevas. La aceptación de un público nuevo fue sorprendente ante una banda extranjera, y completamente desconocida en esa escena.

Enrique: Ir a la ciudad de Nueva York fue casi surreal para mí, ya que llevábamos tiempo planificando ir a los Estados Unidos, y nada se concretaba. Finalmente tuvimos la oportunidad de tocar en el New York Death Fest #5, junto a bandas como Hate Diplomacy, Pink Mass, Internal Bleeding, entre otras. También participamos de una presentación junto a Apparition, Iscariot, y Nothing Is Sacred.

Fue una experiencia gratificante.

ción en la actualidad?

Ludwig: Deranger, Bad Choice tiene uno de los mejores bateristas que he visto, Corre Forrest, Zafakon y Cold Times.

Enrique: Light The Path es una banda que están empezando y van por un buen camino. Irrational Thought, Los Danis, Bicicleta, Moths y Bella Stella. Hay bandas como Golpe Justo (la primera banda de Hardcore de Puerto Rico), Bajo Presión y Organic (de las primeras bandas de death metal de Puerto Rico).

Jorge: Martyrs Tongue, Corre Forrest, Abound, Fullminator, Modules, entre muchas más.

Sé que han sido soporte de grandes y reconocidas bandas internacionales y nacionales. ¿Con quiénes han compartido, y qué tal ha sido?

Wesley: En los comienzos de Ritual Kannabis abrimos para Deicide, Misery Index y Warbringer.

Enrique: Desde mi integración a la banda he tenido la oportunidad de compartir con bandas como Fit For An Autopsy, Unearth, Harm’s Way, All Out War, Behemoth, Waking The Cadaver y Brujería. Ha sido súper emocionante tener esas oportunidades que no damos por sentado. Hemos tenido la suerte de que nos han considerado para esos eventos, y de que hemos compartido con las bandas.

Siendo una banda con algunos años, que al parecer llevan totalmente las riendas de su carrera, y sin el respaldo de algún sello discográfico, ¿cómo ha sido el trabajo de promoción de su música, como de presentaciones y giras?

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Enrique: Ha sido cuesta arriba, ha requerido mucho sacrificio de nuestro tiempo y energía.

No ha sido en vano, ya que todos creemos en el proyecto y la misión de la banda como tal.

No hemos tenido la oportunidad de realizar una gira, pero es algo que anhelamos hacer, y lograr presentarnos en tarimas internacionales. Mucha de nuestra promoción es virtual.

Mayormente Facebook e Instagram. En fin, todas las plataformas sociales disponibles, y lo complementamos repartiendo afiches de nuestras presentaciones.

Cambiando un poco de tema. ¿Qué opinión tienen o cuál es su punto de vista sobre la actual podrida sociedad que estamos viviendo, y de las retorcidas mentes de muchos gobernantes?

Wesley: Pienso que sí hay un nivel de corrupción sin medida. Por eso hay lugares como Puerto Rico y Venezuela. Todo Latinoamérica esta jodido gracias a las actitudes irresponsables de los gobernantes. Eso es una gran inspiración lírica para mí, el abuso del gobierno hacia sus ciudadanos, lo cual afecta la sociedad en que vivimos y corrompe las mentes de los ciudadanos. Ellos, como gobernantes disfuncionales, inspiran a que los ciudadanos tengan mentes corruptas y actitudes violentas sin razón. Mi propósito es plasmar esto con mis letras en Ritual Kannabis.

Respecto a las raíces y valores del metal, ¿piensas que estos han cambiado con el tiempo?

Wes: Sí, algunos piensan que es para mal. Yo pienso que muchas de estas bandas legendarias están retirándose de los escenarios, y eso abre puertas a bandas nuevas para pisar esos escenarios. El metal es el único género donde las agrupaciones duran años sin cambios de músicos, y la evolución musical subsecuente ha traído una diversidad musical. En el metal que no se ve mucho la diversidad, lo cual hace emocionante para mí escuchar bandas que hacen cosas diferentes, rompen moldes y crean géneros como lo han hecho bandas como Tool y Nine Inch Nails. Hoy en día hay bandas como Fit For An Autopsy, Gojira y Mastodon que rompen esquemas, son aceptadas y llegaron a niveles internacionales. Ya

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no se ve tanto elitismo como en la generación anterior a nosotros, que si no era el “Big Four” o algunas de esas bandas, no ibas a tener éxito y nadie te escuchaba. Te quedabas para siempre en el underground.

Regresemos a lo musical. Por ahí estuve viendo que están trabajando ya en su segunda producción discográfica. ¿Este año podremos escuchar un álbum nuevo de Ritual Kannabis?

Ludwig: No va a sonar parecido al disco anterior. Siento que le estamos dedicando el tiempo a todos los detalles de las canciones, se va a escuchar mucho crecimiento. Hemos crecido como músicos y personas. Esta segunda producción va a ser bien especial, ya que todos hemos traído nuestro “A game” y estamos emocionados por lanzar la producción este año sin falta.

Jorge: Sí, ya esta semana entramos al estudio a grabar baterías para así comenzar a grabar ya la producción. Sera una dirección musical nueva. Tendrá matices distintos al material previo, yo diría que es más experimental.

No obstante, seguirá siendo agresivo y con la misma determinación.

Agradecerte por tomarte este tiempo en responder la entrevista, y desearle lo mejor para Ritual Kannabis. Algún ultimo comentario que quieras agregar, pues adelante.

Ritual Kannabis: Gracias a ustedes por la oportunidad de dejarnos expresarnos en esta entrevista, querer conocer a Ritual Kannabis, ayudar a exportar el nombre y la música de la banda. Queremos agradecer a todo aquel que ha sido parte de nuestra historia y a todo aquel que nos ha apoyado a lo largo de estos 10 años. A Noel Álvarez, de Vengeance Music, por su apoyo y las oportunidades que nos brindó estos últimos 3 años. Gracias a todos nuestros colegas de nuestra escena local, nuestros familiares y amistades. ¶

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Arma X

Rap sin censura LEER MÁS

A

Arma X lo escuché por primera vez cuando formaba parte de Stoned Atmosphere, con la canción «Patria sin sol», en la que colaboró Pirri de Escuela de Odio.

Antes de Stoned Atmosphere, formó junto con Torrico el grupo 2 cabrones. Tras finalizar su etapa con Stoned Atmosphere, forma Arma X, Factor Canadá y Años de Plomo.

Como es uno de los raperos que más me gustan, junto a Ciniko, Hasel, y además muy pronto saca disco con Años de Plomo y Arma X, le pedí realizar la entrevista, que le agradezco enormemente a nivel personal.

Conocemos a Arma X, pero quién es Fran.

Pues un tío más, imagino. Quizás con inquietudes y aficiones no tan comunes, pero un ser humano más, al fin y al cabo.

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¿Qué grupos hicieron que quisieras dedicarte al Rap? ¿Cuándo empezaste?

Pues todo lo que llegaba de NYC a mediados de los 90, y la vertiente más social del gansta rap de la costa oeste. En menor medida, el sonido de Atlanta también me hizo interesarme aún más por el género. Y empezar muy pronto, a mediados de los 90, prácticamente cuando me llegó. ¿Por qué elegiste Arma X como nombre?

Soy lector de cómics desde niño, había que mostrarlo.

Primera Sangre es tu último trabajo hasta ahora, disco que, aun gustándome todos los discos tanto de Arma X, Stoned Atmosphere o de Factor Canadá, considero el mejor que tienes. ¿Cómo ha sido la acogida del disco?

A mí, con perspectiva, es uno de los que más me gusta. Lo equiparo al Issue 3 de Stoned en cuanto a sensaciones durante el directo (salvando todas las diferencias que hay en cuanto a edad, mentalidad y profesionalidad). La acogida está siendo francamente buena para alguien como yo, que nunca ha «llenado» salas.

La gira de 2018 salió con ganancias, así que no puedo quejarme.

Además, también formas parte de Años de Plomo, conjunto de rap metal con el que vais a sacar nuevo material. ¿Qué puedes contar sobre el grupo y el disco?

Pues venimos a cubrir un hueco que creemos necesario, sin casarnos con nadie, sin financiación de partidos políticos, y con ganas de soltar toda la rabia necesaria en los días que corren.

El disco está a puntito. Lanzaremos un crowdfunding para liquidar gastos de estudio, y estamos ya tramando la gira.

Cortehixpan es una productora de videos que habéis creado tu compañera y tú. ¿Cómo surge la idea de crear la productora? ¿Qué trabajos ofrecéis? ¿Cómo se puede solicitar un trabajo?

La idea nos viene de un momento bastante duro en el que había que coger el testigo de un buen amigo que nos dejaba demasiado pronto. Nos liamos la manta a la cabeza, compramos una cámara de gama baja, y empezamos a hacer vídeos para mis temas. Con los años estamos metidos en más saraos de los que podría contar.

Nuestra vocación es el videoclip, pero estamos cubriendo festivales, eventos, conciertos, haciendo spots publicitarios, exposiciones, preparando documentales, y prácticamente para todo lo que nos llamen. La idea es saltar a la ficción antes de que acabe 2019.

Puedes ponerte en contacto con nosotros desde las redes sociales. Somos Cortexiphan producciones. ¿Crees que hay buen nivel actualmente en el Rap? ¿Qué consejos darías a quienes quieran iniciarse en el Rap? Está en mejor forma que nunca. La vertiente trap está trayendo un montón de orejas nuevas, y abriéndolo al gran público. Las vacas ya no son tan sagradas, y de hace un par de años para acá parece que ha habido una tabula rasa. El juego se ha vuelto a poner interesante.

El único consejo que me atrevo a dar es que no hagas caso a nadie, y disfrutes con la música.

Vas a sacar un nuevo disco próximamente. ¿Qué puedes contar sobre él?

Pues estamos en proceso creativo aún. Había un nombre provisional (Punto nemo), pero vamos a irnos por otro lado. La idea es modernizar el sonido y las canciones, volver a mi punto más introspectivo, y que la parte política sea demoledora, sin dobles sentidos y directa al foco del problema. Hay que volver el discurso más crudo, y a la vez más bailable. Supongo que es un movimiento arriesgado, y el tiempo dirá si es un acierto o un error, la cosa es que me gusta hacerlo con todas sus consecuencias. Si la cago, que sea a lo grande también. ¿Algún día próximo se dará cuenta la gente del peligro de permanecer impasible ante el robo de derechos?

Ojalá pudiera responderte que sí. ¿Te autocensuras de alguna forma a la hora de componer? ¿De dónde sacas la inspiración?

Me relajé un par de años y directamente dejé de escribir. Soy incapaz de cortarme creativamente. Ahora mismo lo que estoy escribiendo que pueda darme problemas va crudo y sin flores. El miedo no ayuda, o se hace o no.

La inspiración llega sola, una noticia en la tele, una frase en un cómic, una conversación con un amigo…, siempre estoy apuntando ideas. ¿Dónde se puede adquirir tu material y/o contratarte?

Desde mis redes sociales o las de la agencia de contratación que me lleva, proyecta3managment. ¿Hay apoyos en Asturias para los artistas?

Si no eres de Podemos, no.

Agradeciendo enormemente tu carrera, y que me hayas concedido la entrevista, ¿quieres dejar un mensaje?

Sed felices! En estos días que corren, la felicidad es un acto revolucionario, quizás el mayor de ellos, pero conseguirlo no es fácil. ¶

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Trivoid

triunfa con su Hard Rock Visceral LEER MÁS

E

ntre charlas y cerveza surge la idea de formar Trivoid, pues fue cuando Paco López (quien responde la entrevista) y JJ Olivares se conocieron hace algunos años, por medio de un amigo en común, habiendo formado anteriormente parte de otras bandas.

Trivoid aún no cuenta con una grabación oficial, cosa en la que están enfrascados para poder presentar próximamente algún material, ya sea maqueta y videos. Aquí los dejo con la entrevista!

Tengo entendido que Trivoid se formó en el 2015, mas algunos integrantes tuvieron bandas predecesoras. ¿Qué nos pueden contar al respecto?

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Buenos días! Sí, tienes razón. La banda la formamos entre JJ Olivares, que anteriormente estaba en Pöker, y yo (Paco López), que venía de otro proyecto propio, Trimenia. Ambos estábamos sin banda y con ganas de montar un proyecto propio, y a través de un amigo común que nos puso en contacto, y tras fichar a Diego Muñoz, un baterista con quien JJ había tocado anteriormente, acabamos dando forma a Trivoid.

Bien, hablemos un poco de las diferencias que notan de aquella banda de los inicios y la actual.

Las diferencias las marcan básicamente sus miembros. Cada persona aporta su estilo, su toque personal, y aunque los temas siguen siendo del mismo estilo, la diferencia la marca el sello individual. Quizás en los inicios sonábamos un poco más rock, y ahora tenemos un punto más metal.

Respecto a vuestra música, noto mucho apego

a los sonidos de los años 70’s y 80’s. ¿Cómo catalogarías la propuesta de la banda?

A nosotros nos gusta llamarle Hard Rock Visceral, porque expresamos lo que queremos sin filtros, pero con respeto. Tenemos muchas influencias, pero básicamente navegamos entre el Rock & Roll, el Rock Sureño, el Hard Rock y el Heavy Metal ochentero. ¿Algún significado especial en el nombre de la banda?

No, intentamos buscar un nombre con una cierta sonoridad, que no tuviera nadie y no significara nada en concreto. Fue JJ quien recuperando el prefijo Tri- de mi proyecto anterior, y dado que en ese momento éramos tres, se le ocurrió ese nombre. trivoid ¿Bajo qué inspiración fluyen vuestras letras? ¿De qué tratan las mismas?

Algunas son simplemente una expresión de las cosas que nos gustan, como los coches, las motos, el buen whisky, la música, y todo siempre en buena compañía. Pero también tenemos una vertiente social, no nos podemos escapar de quienes somos y donde vivimos, y abordamos temas sociales como la inmigración (Sobrevivir), experiencias negativas que hemos vivido (Traidor, Ley y Desorden), o temas subjetivos como es el caso de Cazador, donde nos ponemos en la piel de un depredador.

Cuéntanos cómo es el proceso de composición de sus temas. ¿Quién se encarga de las letras, de la música, los arreglos, etc…?

La mayoría de los temas están compuestos por los miembros de la primera formación, aunque acostumbro a ser yo quien hace las letras, o son temas míos que tenía antes de formar Trivoid. Con la nueva formación, Albert Sala, el actual guitarrista, ha aportado algún tema, y “Doce” Álvarez, que también ha aportado alguna letra. ¿Cuántas producciones han realizado hasta el momento?

Discos de momento ninguno, estamos en ello.

Actualmente estamos en proceso de editar una maqueta y videos de la nueva formación.

¿Quiénes conforman Trivoid? ¿Han existido cambios en la formación?

La formación actual está formada por Albert Sala (Crazy4minds, Trimenia) a la guitarra, “Doce” Álvarez a la voz, Lida a la batería, y yo, que soy el bajista y único miembro de la banda original.

A propósito, ¿cómo ha sido la reacción del público al ver una chica ejecutando la batería?

En un mundo como el de la música, y en concreto en el rock, donde la gran mayoría de los artistas son hombres, cuando ven una mujer en el escenario siempre llama la atención. Me hace gracia que cuando la gente ve una mujer en un grupo lo primero que piensan es que es la cantante, como si las mujeres no pudieran ser nada más. Por suerte, eso está cambiando, y cada vez hay más mujeres instrumentistas de gran calidad. Por nuestra parte, Lida está en la banda porque es una baterista de alto nivel, y un activo muy importante de Trivoid como músico, sin tener en cuenta su género. ¿Cómo es la escena en tu región? ¿Es abierta o estratificada? ¿Qué bandas destacarías?

Complicada, es difícil ya no sobresalir, sino incluso poder actuar y que nos tengan en cuenta. Sólo se promueven grupos de tendencias muy concretas, y a nivel institucional la escena está muy politizada, sólo te apoyan si cantas en catalán (que también lo hacemos en algún tema), como si lo importante en este caso fuese el idioma, y obviando a la música como lenguaje universal. La música es cultura y es universal.

Por otro lado, en el mundo del rock, la proliferación de bandas tributo cierra muchas veces el paso a aquellos que promocionan su propia música. Es más fácil conectar con un público que conoce los temas, no tienes que crear nada nuevo, ya tienes el trabajo hecho.

Con ello no quiero tampoco criticarlas, entiendo que quien quiere vivir de la música busque fórmulas para ello. Lo que me molesta es que estamos en un mundo en el cual todo el mundo va llorando que se está matando el rock, y son los mismos que se quejan los que son LaCarne Magazine

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incapaces de ir a ver bandas nuevas que en muchos casos cobran entradas ridículas, o ni cobras (e incluso quieren que pagues), para poder promocionarte, y prefieren pagar para consumir lo que ya han oído miles de veces.

En general, la creatividad esta sancionada.

Eso está matando el rock.

Y en el resto de España, ¿qué tal está la movida?

Parecido, solo se promociona aquello que quieren que se consuma, y a ser posible jugando a caballo ganador. Poca gente se arriesga con bandas emergentes con un sonido propio, y el mercado está dominado por un sector inmovilista que no genera nada nuevo desde hace 30 años. ¿Han efectuado giras en apoyo a la banda? ¿Dónde se han presentado?

Generalmente tocamos en salas de la zona, en clubs moteros, y cuando hay la posibilidad en algún festival, como es el caso de Can Mercader en su edición del 2018. Estamos detrás de movernos a nivel nacional, pero hoy por hoy todavía no se han dado las condiciones.

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¿Qué anécdotas nos pueden comentar de estos eventos, y en general cuáles han sido los mejores conciertos ofrecidos por la banda?

Creo que los mejores son todos. Intentamos dar siempre el 200%, y nuestro público en general está contento. Cada vez más gente se sorprende cuando nos oye, y poco a poco aumentamos el número de seguidores.

Ok, eso sería todo. Muchas gracias por su tiempo. Para finalizar, aquí tienes espacio para tus comentarios finales.

Antes que nada, agradeceros la atención que nos prestáis. Es gracias a personas como vosotros, que ayudáis a promocionar la escena musical, como se consigue que las bandas sigan adelante. Así muchas gracias. Ha sido todo un placer. ¶

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Verdugo

contundencia y potencia desde España LEER MÁS

L

a verdad es que cada día encuentro bandas muy buenas, que me sorprenden mucho por lo que hacen. No hace mucho di con esta banda de Málaga, excelente banda de hardcore con algún que otro toque de influencias. Se llaman Verdugo, y han sabido abrirse espacio en la escena de su región y de su país. Su baterista, David, gentilmente y amablemente responde la entrevista, donde aborda algunos temas relacionados con Verdugo.

Sean bienvenidos! Me gustaría, para dar inicio a la entrevista, poner a los lectores en el contexto de la banda. En tal sentido, lo primero que quiero preguntarles es sobre los inicios de la banda, cómo se formaron y cuándo.

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Verdugo nace hace ya muchos años, con miembros de otras bandas de Málaga, la ciudad donde residimos, pero no es hasta 2013 hasta que no adquiere la que es a día de hoy su formación definitiva. ¿Por qué Verdugo como nombre para la banda? ¿Qué hay detrás de este nombre?

Pues mira, cuando yo llegué el último, el nombre ya estaba puesto, jajaja. Bueno, ya sabes, las bandas de metal tienen a veces nombres duros, de “malotes” (jajajaja), y en este caso, pues según me cuentan, se barajaban varios nombres, y éste tenía buena sonoridad, era una sola palabra, y bueno, refleja un poco lo que supone la banda para tus oídos, un Verdugo que te castiga, jaajaja. ¿Dónde ubicamos la música de Verdugo? ¿Cómo ha sido recibida la propuesta musical de la banda?

Nosotros tenemos un estilo claro, directo, hacemos metal sin pretensiones. No nos gustan

de hoy componemos de una forma un poco distinta, pero en esencia somos nosotros. Es contundente, es directo, y es metal. ¿Qué representó para la banda este primer disco? Transcurrido un cierto tiempo desde su lanzamiento, ¿están satisfechos con el álbum?

Realmente aún nos representa, y aunque ahora componemos de una forma más, digamos… profesional, por decirlo de algún modo, seguimos felices con los temas, seguimos tocando muchos de ellos en directo, aunque estamos a punto de editar el siguiente disco, y realmente son temas que nos representan y con los que estamos cómodos en el escenario.

Respecto de la alineación y sus cambios, ¿han ido variando o se mantiene la misma base de formación? ¿Algunos de sus integrantes cuentan con proyecto musical paralelo o están dedicados de lleno a la banda?

Yo (David-batería) fui el último en llegar, en 2013. Antes de eso, si no me equivoco, hubo un primer cantante distinto a Migue, pero los guitarras (Paco y Fran) y el bajo (Cuervo) siempre han sido los mismos. (ni creo que representemos) las etiquetas que hoy en día muchas bandas se ponen. Que si death, que si thrash, que si core… A nosotros nos gusta la caña, la contundencia, las voces potentes y los ritmos “gordos”, como se suele decir por aquí. Y la verdad que no suele tener mala acogida la propuesta. A la gente parece gustarle lo que hacemos, y en general nos ha ido bastante bien en las distintas ciudades de España donde hemos tenido la suerte de tocar.

Según tengo entendido, a inicios del 2017 sacan su álbum debut. ¿Qué detalles nos pueden dar sobre este disco? ¿Qué es con lo que nos encontraremos al escuchar este material?

Pues la verdad es que es un disco cuya grabación y edición se dilató mucho en el tiempo por distintos motivos, y al final, bueno, pues no deja de ser un álbum debut. Si lo escuchas, encontrarás a Verdugo, lógicamente. Nos sigue representando, si bien algunas de las canciones tienen ya bastantes años, y a día

Pues el único que tiene otros proyectos es Cuervo, que también toca en V3ctors y en Porn, un grupo tributo a Korn.

Como bien sabes, hay muchas bandas que con el tiempo han perdido su esencia y su identidad. ¿Por qué crees que esto sucede?

Pues supongo que es difícil mantenerse fiel a lo que se hace siempre. Si hablamos especialmente de bandas que llevan mucho tiempo en la cresta de la ola, y que tienen éxito y muchos fans, es dificultoso contentar siempre a todo el mundo, y con los años supongo que te dan ganas de probar cosas nuevas. Si te mantienes en lo mismo, siempre corres el riesgo de que digan que no evolucionas, y si evolucionas demasiado, está la posibilidad de que no guste lo nuevo que estás haciendo… Es un mundo difícil éste de la música.

Háblanos un poco sobre la lírica y temática de Verdugo, ¿qué quieres transmitir con la música y la letra? ¿Qué bandas los han inspirado LaCarne Magazine

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en toda su trayectoria?

Pues la música básicamente es “burra”, cañera, supone una buena vía de escape a la rabia que nos dan muchas cosas. Y ahí entra la letra, donde puedes encontrar de todo. A veces somos más protestones, y nos indignan muchas cosas. Desde la violencia de género, a la injusticia política…, no sé. Otras veces sólo hablamos de matar, y sangre, y vísceras… jajajajajaja.

¿Hay apoyo de los medios hacia el metal en general?

Pues está jodida, para qué nos vamos a engañar, jajajaja. No es una música muy demandada en este país, y si bien hay muchas bandas muy buenas por toda España, no deja de ser un género bastante underground. Cuesta buscarse un hueco, y es muy complicado ya no sólo vivir de ello, sino simplemente que no te cueste el dinero de tu propio bolsillo.

Respecto a las bandas que nos inspiran, la verdad es que es complicado. Dentro de lo que es el metal cada uno viene de unos gustos distintos, y fuera del metal también tenemos nuestras cosas, no todo es distorsión y dobles bombos. Pero si podemos decir algunos grupos a los que admiramos y posiblemente nos influyan, tendríamos que nombrar a Lamb of God, Pantera, Slipknot, Sepultura… Por decir algunos que más o menos puedan sernos comunes a todos.

Respecto a los medios, más de lo mismo.

Para los medios grandes no existe el metal, y luego hay un montón de buena gente que, desde lo underground una vez más, procura mantener la escena viva e informar de lo que hacen las bandas.

¿Cómo ves en general la escena en España?

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En el tema de conciertos, ¿están muy activos en esta materia? ¿Cuáles han sido los conciertos más importantes de la banda y con quién han tenido el gusto de compartir escenario?

Pues la verdad es que con el primer disco hemos tenido bastante movimiento. Procuramos

tocar todo lo que podemos, y hemos estado en distintas ciudades de todo el territorio nacional. Como conciertos importantes te diría que tocar en Madrid, por eso de ser la capital, fue bastante emocionante, y así como rollo fan estuvimos aquí en Málaga teloneando a Soulfly, que son unas putas leyendas.

Al margen de algo tan sonado como eso, compartir hemos compartido con un montón de grupos a lo largo y ancho del país, y ha sido un verdadero placer. Hemos conocido a gente increíble, y a mucho de ellos podemos llamarles ahora AMIGOS, en mayúsculas. Especialmente en Andalucía, región de la que somos, hay músicos increíbles: Marabunta, Kathew, Caos Day, D.A.D… Son ya hermanos.

En el tema conciertos solemos estar bastante activos. Ahora estamos un poco más tranquilos porque hemos estado grabando el segundo disco, y ya estamos cerrando fechas para el futuro.

Me comentas que todo está preparado para un nuevo álbum. ¿Cómo dirías que suena ahora Verdugo en comparación con el disco del 2017?

En este momento el segundo disco está grabado, y Fran Corpas, nuestro técnico de confianza, está trabajando en la mezcla. Esperamos tenerlo listo y rodando en junio a más tardar. Tanto a nivel de sonido como compositivo supone una vuelta de tuerca. Es un disco más maduro, al que le hemos dedicado muchas horas de esfuerzo, y que además va a venir con alguna que otra colaboración que dará que hablar.

La verdad que estamos muy contentos con el trabajo que hemos hecho, y estamos deseando poder enseñarlo y ver a dónde nos lleva. ¿Cuál es su principal meta como banda? ¿Cómo ves el futuro de Verdugo?

Lo principal es que se nos conozca. Estamos en ello, el primer disco nos ha llevado a ser algo más conocidos en el territorio nacional, hemos conseguido algunos conciertos muy provechosos, y entrado en algunos festivales pequeños. Con el segundo trabajo esperamos seguir creciendo, confiamos en lo que hacemos y sabemos que tenemos algo bueno entre manos.

Así que principalmente seguiremos trabajando duro y recorriendo España (y lo que surja) con nuestra música para que la gente vea lo que somos capaces de hacer.

Muchas gracias por acceder a esta entrevista. Les deseo que se mantengan con el buen trabajo que llevan realizando. Si tienes algún mensaje o comentario final para los lectores de la revista, pues aquí tienes el espacio.

Simplemente agradeceros que nos deis este espacio de promoción para la banda, y mandar un saludo a todos los lectores. Os animamos a que nos busquéis por las redes y le echéis una oreja a lo que hacemos. ¶

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Juguete de Brujas terror y Death Metal desde México

J

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uguete de Brujas es un sugerente nombre para una banda, ya que va acorde con la música que realizan, una mezcla entre metal gótico, black metal, y algo de sonidos depresivos…

Son originarios de Tlanepantla, en el Estado

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de México, y tienen sólo dos miembros como base principal: Shyro Ávila en guitarra, batería, teclados y efectos, y Henry Ávila, quien se ocupa de bajo y las voces. Éste último es quien responde la entrevista que continuación les dejo. ¿Qué tal, Juguete de Brujas? Bienvenidos a la LaCarne Magazine. Te saluda Omar. Primero que nada, quisiera que compartieras con nuestros lectores ¿cómo y cuándo fue que se

creó Juguete de Brujas?

Juguete de Brujas fue creado en un miércoles de cenizas en el 2003, con la inquietud de hacer música y expresar lo que tenemos en la mente, compartir el lado oscuro de la humanidad, de tocar temas como lo es el miedo, el dolor, o el terror. ¿Por qué decidieron llamar Juguete de Brujas a la banda?

Necesitábamos un nombre que nos definiera como una identidad propia, donde nos gustara plasmar todo lo oscuro en un solo nombre, y nos gusta lo que es la magia, la sensualidad, la belleza, el misterio que envuelven a las brujas, tanto el horror, el terror y la brutalidad que maneja la magia oscura de las brujas.

La banda, en su propuesta musical, hace una mezcla de varias tendencias del metal. ¿Cómo definirían ustedes lo que hacen en cuanto a su sonido?

El sonido que hacemos es más de Metal Gótico, pero como lo dices, tiene una mezcla de Black Metal y Depresivo, ya que tenemos varias influencias en estos géneros. ¿Por qué esta forma de expresión si tomamos en cuenta la amplia variedad que ofrece el metal?

Nos gusta este lado oscuro de la expresión, porque lleva mucho romance con la muerte y sus derivados. ¿A qué me refiero? A sentir el terror mismo que ella ofrece, a experimentar el dolor de una forma que puede causar placer o no, a ese lado romántico pero oscuro, a esa pasión prohibida.

En cuanto a discografía, cuentan con algunos demos y compilatorios. ¿Podrías comentarnos brevemente sobre estos trabajos?

Tenemos tres demos, los cuales son “Aeternam”, en el cual empezamos a crear canciones originales y algunos pocos covers; la demo “Soy Sangre”, donde aún estábamos en busca de nuestro sonido experimentando con las notas; la demo “Réquiem”, donde logramos por fin encontrar nuestra identidad y fortalecer nuestros temas; el álbum “Ultimo Respiro”, es en este álbum donde logramos culminar el trabajo que llevamos durante años;

el primer “Acoplado Internacional La Cueva de Oz vol II” fue nuestra primera participación internacional con nuestra canción Muerte Interna, la cual ha gustado mucho y nos abrió las puertas para tener más participaciones en acoplados; “Acoplado Internacional Voice of Haunted Terror Vol. I”, donde participamos con 3 canciones; “Compilado Internacional Mundo Rock”, es aquí donde participamos junto a 119 bandas de 22 países, uno de los acoplados más grandes en los que hemos participado y es el que más puertas nos ha abierto, uno de los medios con más difusión, ya que también participan grandes medios de comunicación, entre ellos ustedes; “Hereditary Consequence Acoplado internacional”, este acoplado es de Nekria desde Chile, a los que les gustó nuestra música y nos apoyó con la participación de la banda en su acoplado; y por ultimo “Inferno Metal Factory Vol. I”, donde también participamos con una canción.

La base de la banda siempre ha estado compuesta por Henry y Shyru Ávila. ¿Ustedes se han ocupado de toda la instrumentación?

Nosotros nos encargamos de toda la instrumentación. Shyru es la parte importante de la musicalización, ya que él se expresa con la música, y yo (Henry) me encargo del bajo, la voz y las letras, además de la parte de mercadotecnia y representación. ¿Han tenido que utilizar músicos de sección?

En ocasiones se ha solicitado participación de algunos músicos: Jaime Serratos de la banda Anubis (Querétaro), e Isabella Backen de San Luis Potosí.

En cuanto el tema lírico, ¿cuál es la temática o en que se basan para la elaboración de sus letras?

Como se ha mencionado anteriormente, nos basamos en la magia, en el tema oscuro, en el vampirismo, en las brujas, dolor, en la muerte, en todo lo que la humanidad tenga miedo.

En cuanto al tema de presentaciones en directo, ¿qué tal les ha ido en este tema? ¿Se han presentado ya en vivo, con quiénes han compartido escena?

Es muy grato saber que la banda se mueve LaCarne Magazine

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con tu música, que gritan y bailan, que al bajar del escenario te pidan un disco y te digan que tocas brutal. Sí, hemos tenido participaciones con grandes bandas de la escena oscura, hemos tocado al lado de bandas como Hada de Beng, Criatura, Fábrica de Sueños, Satanic, Blues Boys, Mezcal Blues, y varios más. ¿Coméntanos cómo ha sido la receptividad hacia la banda tanto en México como en el exterior?

Realmente en México nos ha costado mucho darnos a conocer. Por medios de difusión, que gracias al internet están presentes, nos hemos dado a conocer en el extranjero. Nuestra música ha tocado más puertas en el extranjero que en nuestro propio país. Hemos salido en radio abierta de Zaragoza, España, de Chile, Guatemala, Brasil y varios países más de Latinoamérica. ¿Cuál es tu opinión con respecto al apoyo de las revistas, las radios, los webzines, etc., hacia las bandas? ¿Es bueno o malo? ¿O prefieren pregonar su arte a través de los escenarios?

La difusión por estos medios es muy importante, ya que dan a conocer y apoyar a las bandas en sus regiones de cada medio. No sólo es estar en conciertos, también hay que tocar puertas en estas revistas, radios, webzines para que podamos dar a conocer nuestra música. Sin estos medios realmente no llegarían tantas bandas a donde están colocadas en estos momentos.

En la actualidad, la escena del metal extremo en México, a mi parecer, es una de las escenas más fuerte y consolidada de América.

Desde su punto de vista, ¿qué nos pueden comentar sobre la actual escena mexicana?

Como lo comentas, está muy fortalecida, y por ello es difícil de salir adelante con los proyectos, pero no hay que dejar estancarse en un solo lugar, así que hay que tocar varias puertas para salir adelante. Hay mucho talento en todo el mundo, y en México son bienvenidos todos. Siempre con trabajo y dedicación se puede salir adelante, y sí, en México hay mucho apoyo al respecto, hacen grandes festivales tanto en Guadalajara, Ciudad de México,

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Monterrey, Estado de México, y ahora se une Querétaro.

La opinión ajena es en cierto modo importante, pero lo primero es la opinión del creador. ¿Están satisfechos con el resultado de la banda hasta hoy en día?

Yo creo que uno nunca estará satisfecho en sus logros y metas, ya que siempre se busca crecer, y seguiremos luchando para seguir creciendo, para compartir con todos lo que queremos expresar: nuestra música.

Hasta donde conozco, están trabajando en su primer álbum completo. Sería bueno que nos dieran algunos detalles sobre esta nueva producción discográfica.

“Ultimo Respiro” es la culminación de años de esfuerzo y trabajo duro, donde queremos hacer llegar a la gente un trabajo de calidad, para que así compartan nuestro gusto por la música.

Adicional a la edición del álbum, ¿cuáles son otros objetivos de la banda para este 2019?

En este año sacaremos nuevas canciones, que ya sólo falta por grabar la voz, y será el segundo disco de la banda, así que esperen las nuevas sorpresas que tenemos para todos.

Gracias por su tiempo en responder esta entrevista, pero no queremos despedir sin que la banda emita un comentario final hacia nuestros lectores, y en general a la escena.

Queremos agradecer a los lectores por tomarse el tiempo de conocer nuestro proyecto, y por la oportunidad de entrar en sus mentes y compartir estos sentimientos que van en las canciones.

Agradecemos a todos los fans de la banda por seguirnos y confiar en nosotros.

También agradecer a este espacio por este gran apoyo hacia las bandas. ¶

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Séptimo Reptil a la conquista de México LEER MÁS

S

éptimo reptil es una banda con poco más de un año de formados, y con muchos deseos de seguir adelante. A pesar del corto tiempo que llevan en escena, ya tienen muchos planes para el futuro inmediato, pues Séptimo Reptil surgió el pasado año 2018 en Jalisco, México, y desde el mismo comienzo le han echado ganas y deseos a lo que hacen.

Están próximos a lanzar su primer material, pero mejor que su vocalista, Iram Chávez, dé más detalles sobre la banda.

Saludos! La banda es prácticamente muy joven, poco más de un año de formados. Me gustaría saber qué los motivó a formar una

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banda.

Solamente la inquietud de crear música que nos sacara de nuestra zona de confort. Es decir, cada integrante es o fue miembro de proyectos propios ya encaminados y con más tiempo en la escena, y Séptimo Reptil fue esa catarsis de cada integrante para hacer música estridente, fuera de lo que “normalmente” hacemos. ¿Bajo qué estilo definirían su música, y qué influencias tanto musicales como líricas mantiene la banda?

En cuanto a influencias, pues precisamente lo que se escuchó durante los 90s, desde bandas como Faith No More, NIN, o Primus, así como el movimiento grunge y punk, noise, jazz y hip hop, hasta los inicios del Nu Metal. Por su parte, los samplers poseen mucha identidad de la cultura pop mexicana (lucha libre, videojuegos y programas de TV), las letras son escritas por Iram Chávez (vocalista), y aunque son algo abstractas, hablan de temas

ganamos mucho público que regularmente no va a las tocadas por ser menores de edad, por cuestiones económicas o alguna otra razón.

Nos motivó bastante esta primera tocada.

paranormales, anti represión, y estados de ánimo. ¿Por quiénes está actualmente integrada la banda?

Iram Chávez en la voz, Eric Vergara en la guitarra, Dae Won Park “Park” en el bajo, Ricardo “Richard” Neri en la batería, y Douniel Belizarde en samples, NoisePad y coros.

Su primera aparición en vivo fue casi al cumplir un año de formados. ¿Qué tal fue recibida la banda, y dónde fue que hicieron este debut en vivo?

Fue una gran sorpresa la reacción de la gente, ya que tocamos en un recinto público llamado Tianguis Cultural, el cual tiene la tradición de exponer trabajos artísticos, artesanales, libros, figurillas, y por supuesto música en vivo.

Tuvimos que rentar equipo ya que el Tianguis no posee propio, y desgraciadamente buenos proyectos terminan sonando muy mal por falta del mismo. La gente respondió muy bien y nos

Con relación a grabaciones, ustedes comenzaron la grabación de un EP bajo el nombre de “Polígono Imperfectoˮ. ¿Este material llego a concretarse? De ser positivo, ¿cómo fue el proceso de grabación? Coméntanos.

Eric, nuestro guitarrista, posee un estudio de grabación (Cathaus Records), el cual utilizamos para capturar cada instrumento, y fue por separado, ya que el par de videos que tenemos poseen audios que grabamos de un Live Session, de buena calidad, pero sin hacer justicia al verdadero sonido de la banda. En cambio, este EP (Polígono) lo quisimos hacer de manera más profesional y tradicional, las voces están aún en proceso de grabación, ya que Iram (vocal) decidió esperar a estar 100% seguro de la interpretación de cada canción, que, aunque ya se tenía la letra y melodía, faltaba esta parte tan importante de transmitir las voces. Decidimos esperar a finales de año para concluir con esta grabación. Mientras tanto, estamos creando una especie de “mito” entre el público, el cual queremos que esté a la expectativa del disco, y nos ha funcionado.

En el plano musical, ¿dónde podemos ubicar la propuesta que hace la banda? ¿Qué elementos particulares piensan que los distingue en su propuesta musical?

Pensamos que el hecho de hacer música sincera, sin pretensiones y real, ya nos aleja bastante de una buena parte de bandas en el abanico musical que ofrece nuestra ciudad, o incluso el país, desde ahí creo que vamos bien. El hecho de tener letras en español, formas abstractas en la narrativa, quebrar un poco los ritmos, la utilización de la estridencia como herramienta para comunicar, y no un recurso exclusivo de género (tocar pesado porque así se indica), y sobre todo los shows en vivo, que son muy intensos a la vez que cortos. Hemos sabido diferenciarnos de la mayoría de artistas que hacen bien su trabajo, pero poco combinan todos estos elementos en una sola banda.

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¿Cómo se da habitualmente el proceso de composición de su música? ¿Es un proceso grupal, o alguien viene a los ensayos con los temas ya armados?

Por lo menos en los primeros temas, Iram y Eric llegaron con maquetas hechas burdamente en casa, ideas de estructuras y ritmos, sin letras, sin bajo y sin samplers. Esto ayudó bastante a avanzar muy rápido. Creemos que es una forma muy sana de trabajar, donde cada quien hace suya la canción respetando la idea original. Iram, por su parte, comienza por la melodía y métrica de voz, y al último mete la letra e interpretación. Esto le ayuda a respirar y gritar en los momentos clave, ya que todo lo piensa como si lo fuese a hacer en vivo, brincando e interactuando con el público. ¿Cómo ven la actualidad de México en cuanto a la escena del rock y del metal? ¿Cuáles son las mayores dificultades y limitaciones que sufren sus bandas y productoras independientes en la actualidad, y cuáles consideran puedan ser acciones concretas para mejorar este panorama?

Bueno, el metal tiene algunos años que se posicionó fuerte gracias a los mega conciertos y festivales de talla internacional, como el Hell and Heaven. Ha ayudado a que este género no solamente llegue a más personas, sino a patrocinadores y empresarios. También a que bandas locales se posicionen en la escena y sean más conocidas. El rock también tiene sus festivales, que casi siempre son sold out y que también en algunos incluyen bandas locales. Eso, en el mainstream. En la escena underground, a mi experiencia (Iram), creo que tanto el público y las bandas no han cambiado mucho en su manera de comportarse ante una escena carente de infraestructura. Siempre han existido los charlatanes, los bares que no pagan, el público apático y la envidia entre las bandas, tal vez solo cambió la manera de consumir música. Uno tiene que acoplarse a estas formas de hacerlo, pero además aprender de los errores del pasado, y dejar espacio para la autogestión, autopromoción, no dejar de ensayar, tratar de tomar mejores decisiones como banda, y siempre desvivirse por ofrecer un producto de calidad en el escenario, en las grabaciones, y medios (videos, fotos, redes).

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La publicidad y promoción es un aspecto en una banda tan importante como su música e imagen. Hablando de estos puntos, ¿cómo son manejados y en quién recae la responsabilidad de la promoción de la banda, y cómo es el manejo de sus redes sociales? ¿A través de qué medios se llega a información de Séptimo Reptil?

Toda la cuestión visual (videos, fotos, redes, diseños, posters, logos) me encargo yo, ya que mi trabajo tiene que ver con la publicidad y el diseño. Me ha sensibilizado en este aspecto, claro, no sin antes preguntar a los miembros si les gusta o no tal o cual cosa.

Además de que me gusta mucho hacerlo, sé que eventualmente tendremos que contratar algún community manager que nos mantenga más activos en redes, pero sé que la banda sola irá exigiendo lo que se necesite. Intentamos estar presentes en revistas locales, radio, periódicos, streamings y entrevistas. Nunca perdemos la oportunidad de aparecer o ser mencionados en alguno de estos medios, por mas pequeños o jóvenes que estos sean.

¿Cuáles serían los próximos pasos en la carrera musical de la banda? ¿Los aspectos de internacionalización y difusión de la música de Séptimo Reptil cómo han sido planificados y ejecutados?

Existen varios contactos en el país, pero una meta a mediano plazo sería la Ciudad de México. Esperamos ir antes de terminar 2019.

Creemos que nos irá muy bien por allá. Siempre que he ido con mis pasados proyectos, me sorprendo del recibimiento de la gente, además de otros estados aledaños para armar la gira. También estamos planeando otro videoclip (esto nos está funcionando muy bien), y pues entrar en las plataformas digitales al terminar el EP. Hay muchos planes, pero queremos hacerlo paso a paso, con cuidado y cautela. Es fácil perder piso y salirte de la realidad, y es algo de lo que se habló al crear la banda, tocar con el corazón como gente adulta y no con “princesos” sin rencores, mucha comunicación y sin malos entendidos, que, créeme, eso puede destruir el trabajo realizado.

mos 3 años, ¿cuáles serían los logros que esperan cumplir en ese lapso de tiempo?

Tener mínimo 3 EPs, haber tocado en festivales, haber salido del país, colaborado con artistas a los que admiremos, ser patrocinados por alguna marca, ser reconocidos como una banda que no se rindió, y que siempre hizo las cosas con coraje y visión.

Si la banda pudiese proyectarse en los próxi-

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Un agradecimiento especial para la banda, y que las últimas palabras en esta entrevista sean las de ustedes, así que les dejo el espacio. ¡Al contrario! Siempre se agradece que algún medio nos eche el ojo, y que se preocupen por hacer este tipo de entrevistas, y qué mejor que un medio de talla internacional (nos quedamos sorprendidos y emocionados cuando nos contactaron), con gente que sabe de música y que le gusta descubrir o buscar nuevas propuestas. Sé que no es fácil y se admira el trabajo, a tus lectores por interesarse en nuevos proyectos. No nos queda más que decir. ¡GRACIAS! ¶

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Diputación de Cáceres y las actividades folklóricas de 2019

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or fin ha sido cerrado el convenio del 2019 entre la Diputación de Cáceres y la Federación Extremeña de Folclore para presentar todas las actividades folclóricas que se realizarán a lo largo de 45 municipios extremeños.

Fue presentado por Álvaro Sánchez, diputado de Cultura, Juventud y Deporte, y Francisco Muñoz, presidente de la Federación Extremeña de Folclore, y hará posible celebrar 26 actuaciones de grupos folclóricos, el ciclo Enraizarte (en 10 localidades), el Festival de los pueblos del mundo (en 8 localidades), y el Festival infanil Ángela Capdevielle, celebrado en Montehermoso.

Enraizarte

El programa Enraizarte pretende difundir el folclore de la provincia de Cáceres a través de talleres, eventos musicales tradicionales, y charlas. Participan todas las asociaciones folclóricas, y se motiva la creación de nuevas para seguir contribuyendo al conocimiento y manifestación, aclaran tanto la Diputación de

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Cáceres como la Federación Extremeña de Folclore.

XXXIII Festival de los Pueblos del Mundo

Este año, la Diputación de Cáceres participará en el Festival de los pueblos del mundo, celebrándose en 8 localidades de la provincia de Cáceres. Este festival es uno de los más largos en el tiempo del panorama nacional , ya que se celebra durante los primeros 15 días de agosto.

Festival Infantil “Ángela Capdevielle”

En este festival se busca reunir a grupos folclóricos con experiencia con los más jóvenes para motivar la continuidad generacional en la transmisión de este legado. Se celebrará en esta ocasión en Montehermoso, siendo su XVIII edición.

Enlaces de corte de voz aquí.

Más info de Diputación de Cáceres: VER WEB

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Los Conciertos del Pedrilla

comenzarán el 12 de Julio

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l pasado 27 de Junio se presentó de manera oficial, en los Jardines del Museo Casa Pedrilla, la XXIII edición de Los Conciertos del Pedrilla, uno de los programas estrella del verano llevado a cabo por la Diputación de Cáceres.

Todos los viernes desde el 12 de Julio al 23 de Agosto, tienes una cita con la cultura en un lugar incomparable como son los Jardines del Museo de Historia y Cultura “Casa Pedrilla y Guayasamín”.

Una vez más, un verano más, disfrutaremos de una programación para todos los gustos que nos traerán en esta edición a artistas y grupos extremeños, nacionales e internacionales.

En esta nueva edición, y como no podía ser de otra manera, destaca también la variedad de estilos que nos traerán todos los artistas y grupos que pasarán por la XXIII edición de Los Conciertos del Pedrilla.

Disfrutaremos de los sonidos del jazz, el soul, el folk y el flamenco, una mezcla de estilos y cultura.

Tal y como comentaba el Diputado de Cultura, Álvaro Sánchez, «el común denominador de esta edición es precisamente la fusión, la mezcla de estilos, es precisamente la generación de diferentes estilos musicales que conviven en este escenario del Museo Pedrilla, y que además trata cada noche de ponerle una nota diferente a cada una de las actuaciones que vamos a tener aquí y vamos a disfrutar».

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También Charo Cordero, Presidenta de la Diputación de Cáceres, comentaba en la presentación que «desde Diputación hemos mantenido siempre ese equilibrio territorial entre lo urbano y lo rural. También se ha hecho en cultura. Cuando decimos que ha llegado la cultura a cualquier lugar de la provincia es porque ha llegado. Cuando hablamos de la autonomía local que han tenido los ayuntamientos también lo han hecho con Activa Cultura, porque ha llegado a cada ayuntamiento para que puedan diseñar su propio programa de cultura y deporte […]. De este modo, Diputación trabaja para hacer llegar la cultura a todos los rincones de la provincia y también a las ciudades«.

Recordad, todos los viernes de Julio y Agosto tenéis una cita con la música y la cultura en los Jardines del Museo Pedrilla. Aquí os dejamos la programación de la XXIII edición de Los Conciertos del Pedrilla: XXIII edición de Los Conciertos del Pedrilla 12 de Julio – Lucibela (Cabo Verde) 19 de Julio – Raúl Rodriguez (Flamenco Fusión) 26 Julio – Pacuala Ilabaca y Fauna (Chile) 2 de Agosto – Pedro Pastor y Los Locos Descalzos (Canción de autor) 9 de Agosto – Gecko Turner & The Afrobeatnik All Stars (Soul-Funk-Jazz) 23 de Agosto – Coetus y Carlos Dènia (Folk) Más información sobre Los Conciertos del Pedrilla aquí.

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Los Conciertos del Pedrilla

Programación completa

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urante todos los viernes de Julio y Agosto tienes una cita con la música y la cultura en los Los Conciertos del Pedrilla. Del 12 de Julio al 23 de Agosto podremos disfrutar de artistas regionales, nacionales e internacionales.

Os recordamos que la entrada es gratuita hasta completar aforo, y que los conciertos darán comienzo a las 22:30h en el mes de Julio y a las 22:00h en el mes de Agosto.

Aquí os dejamos la programación completa y un pequeño resumen de cada uno de los artistas que pasarán por esta XXIII edición de Los Conciertos del Pedrilla. ¡Toma nota!

Lucibela (Cabo Verde) – 12 de Julio

Lucibela comenzó a cantar desde muy joven y pronto entró en una escuela musical. Como muchos artistas, pasó por muchas dificultades, y durante su adolescencia luchó por dedicarse a lo que más le gustaba: el canto.

La artista caboverdiana comenzó su carrera muy joven. Adoraba la bossa nova y la samba brasileña, pero también los sonidos del pop brasileño. Formó una banda con algunos amigos que, como ella, preferían el jazz y el rock a los géneros más tradicionales.

Poco después, se dio cuenta de que podía ganarse la vida cantando en hoteles y en bares de la ciudad de Mindelo. De este modo, comenzó a interpretar el repertorio de una de sus cantantes predilectas, Cesárea Évora.

Tras su paso por la banda Mindel Som y sus actuaciones en hoteles, Lucibela aprendió

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mucho más sobre técnica vocal y sobre cómo ganarse al público.

Ha conocido a grandes artistas y durante todos estos años ha trabajado muy duro. Pero siempre recuerda con una sonrisa sus comienzos cantando en la calle y en pequeños bares.

Dejémonos contagiar de su alegría y disfrutemos de los sonidos de Cabo Verde con Lucibela el próximo 12 de Julio a las 22:30h en Los Conciertos del Pedrilla.

Raúl Rodríguez “La Raíz Eléctrica Live” – 19 de Julio

El artista sevillano Raúl Rodríguez nos presentará el próximo 19 de Julio su nuevo trabajo “La Raíz Eléctrica Live”, un trabajo en el que se fusionan los sonidos del rock andaluz, la canción de autor americana, los ritmos del voodoo haitianos, el son cubano, la psicodelia, el flamenco y el afro-beat.

El artista define el sonido de este trabajo como “afro-flamenco-beat”. “La Raíz Eléctrica” es un disco-libro en el que además ha contado con las colaboraciones de otros artistas.

El gran Santiago Auserón ha sido el responsable del prólogo de esta obra, y el artista Javier Mariscal el autor de la portada de este trabajo. Además, ha contado con el músico y artista norteamericano Jackson Browne.

Raúl Rodríguez es la voz, tres eléctrico y tres flamenco, pero también le acompañan un gran elenco de artistas como Mario Mas (guitarras flamenca y eléctrica y coros), Guillem Aguilar (bajo y coros), Pablo Martín-Jones (batería), Marco Aguilar (baile flamenco), y Jordi Fornells (palmas y coros).

Démosle una gran bienvenida a Raúl Rodríguez, y no os perdáis su directo el próximo 19 de Julio a las 22:30h en Los Conciertos del Pedrilla.

Pascuala Ilabaca y Fauna (Chile) – 26 de Julio

La chilena Pascuala Ilabaca vendrá acompañada de su acordeón y de su banda Fauna.

Es una de las artistas más destacadas de la escena chilena, y podremos disfrutar de su directo el próximo 26 de Julio a las 22:30h en los Jardines del Pedrilla.

La música de Pascuala Ibaca nos trae los so-

nidos más tradicionales de Chile fusionados con el jazz, el pop y el rock con influencias de otros países como México e India.

Cuenta con una gran trayectoria como artista, y ha girado con su banda Fauna por numerosos festivales de países de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

Pascuala estará en directo en Los Conciertos del Pedrilla presentando su último trabajo “El Mito de la Pérgola”, su sexto trabajo discográfico.

En él, la artista se ha inspirado en los sonidos tradicionales de diferentes países, en el que encontramos el organillo y el chinchin de Chile, los tuaregs del Sáhara, la ceremonia de la “Puja” de la India, el carnaval andino de Chile, Bolivia y Perú, la rumba de Cuba, la fanfarria iberoamericana, el son jarocho y marichi de México, y la milonga de Argentina y Uruguay.

Pascuala Ilabaca y Fauna nos harán disfrutar y descubrir la cultura y los sonidos tradicionales de otros países en Los Conciertos del Pedrilla.

Pedro Pastor y Los Locos Descalzos – 2 LaCarne Magazine

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de Agosto

El cantautor Pedro Pastor ha sido siempre un músico independiente que se ha labrado su carrera musical a base de trabajo y esfuerzo.

A lo largo de su carrera musical ha visitado más de 17 países, y ha dado más de 400 conciertos. Se ha convertido en unos de los cantautores hispanohablantes más destacados y cuenta actualmente con dos Lps, un disco en directo y un Ep. Su último trabajo, “Vulnerable”, es considerado como el más ecléctico de su trayectoria, en el que fusiona los sonidos de la música africana con el folklore latinoamericano, el rap con la champeta, o la cumbia con el funk.

Todo ello siempre sin perder la esencia que siempre le ha caracterizado, la canción de autor.

Para este disco se ha acompañado de Los Locos Descalzos, y ha contado con la producción de Diego Galaz, de Fetén Fetén. El disco ha sido grabado en directo, sin claqueta, dejando paso a la espontaneidad del momento.

sileño Rubem Dantas, y la poderosa voz de la vocalista británica Eska.

Las canciones de Gecko Turner siempre se han caracterizado por los sonidos y texturas de todas las tendencias, un compendio global que van desde los ritmos caribeños hasta los sonidos del África Occidental.

Es el lenguaje tan particular de Gecko el que verdaderamente distingue sus canciones, cantando en inglés, en español e incluso en portugués, utilizando un lenguaje de cosecha propia en el que utiliza la jerga local, la jerga extranjera, e incluso palabras inventadas.

Una ingeniosa manera de hacer canciones que siempre ha caracterizado al artista y que sorprende al oyente.

Nos os perdáis el fantástico directo de Gecko Turner & The Afrobearnik All Stars el próximo 9 de Agosto, a las 22:00h en Los Conciertos del Pedrilla.

Coetus y Carlos Dènia – 23 de Agosto

Poesía, música y canciones con mensajes profundos son ya marca de la casa.

Coetus está formada por 18 músicos, y es la primera orquesta de percusión que se conoce.

El pasado año, Coetus trabajó con Carlos Dènia en su último trabajo “De banda a Banda”.

Estamos seguros de que Pedro Pastor y Los Locos Descalzos despertarán nuestros sentidos con su directo el próximo 2 de Agosto, a las 22:00h en Los os del Pedrilla.

En este discos, además de la recuperación de la percusión ibérica, han ido evolucionando hasta llegar a fusionarla con nuevas sonoridades y otras fronteras musicales.

Gecko Turner & The Afrobeatnik All Stars – 9 de Agosto

Con su directo, y bajo la dirección de Aleix Tobías, Coetus y Carlos Dènia, a través de esta herencia musical anónima, harán que el público disfrute del folclore y de nuevas experiencias.

El artista extremeño Gecko Turner ha sido desde hace muchos años unos de los artistas más relevantes de nuestro país por sus joyas musicales caracterizadas por los sonidos afrolatin, funk y soul.

En último trabajo, Soniquete: The Sensational Sound of Gecko Turner, encontramos 13 canciones que han sido seleccionadas de sus anteriores álbumes, en el que ha contado con grandes artistas como el pianista cubano Javier Massó “Caramelo”, el percusionista bra-

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Canto, percusión, y una puesta en escena festiva, nos harán disfrutar de esta gran orquesta.

Podremos disfrutar de su directo en Los Conciertos del Pedrilla el próximo 23 de Agosto a las 22:00h.

Más información sobre Los Conciertos del Pedrilla aquí.

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