LaCarne Magazine N87

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europa y latinoamérica

Nº87 - SEP 2019 - AÑO 8

el regreso del músico

EXPERIENCIAS

Acústicos al Fresquito Rock in Pino - reina loba cables sueltos - lyfordeath - estivalia - festival folklórico de los pueblos del mundo

investigación janis joplin

ENTREVISTAS

hempírika - sociedad ayacucho - the hellish - por la vena - mataleón - zero tolerance

N87 aÑo 8 sep 2019

SUMARIO

experiencias 06 el festival Acústicos al Fres-

investigación 32 Janis Joplin, la auténtica diva hippie

10 Rock in Pino 2019 - toda la info 12 Festival Reina Loba 2019 - toda

entrevistas 52 Hempírika, luchando desde Ecuador 58 Sociedad Ayacucho habla desde

quito echa el cierre

la info

16 Cables Sueltos, mostrando la electrónica de Bolivia

20 Lyfordeath, Black Metal Progresivo en su nuevo disco

la Llajta boliviana

64 The Hellish, el éxito de la mujer en el Rock

68 Por la Vena, y su papel en la esce-

22 Estivalia 2019, todo listo para su

na de Puerto Rico

28 Festival Folklórico de los

Argentina

XXXI edición

Pueblos del Mundo 2019

72 el metal de Mataleón sobrepasa 78 Zero Tolerance, diciendo las cosas claras desde Chile

38 automatica el regreso del músico contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, alfonseka, Ángela sumy, luis lama * foto portada por Tonio.Tonio (THLS.Studio) * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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el festival

Acústicos al Fresquito ECHA EL CIERRE LEER MÁS

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l festival Acústicos al Fresquito, comandado por José Carlos García, llega a su última edición. Tras 9 años echa el cierre tras no contar con el apoyo suficiente de la administración pública. Volvemos al eterno problema de Extremadura y de la cultura musical y festivalera de la región.

Tenemos una crisis cultural que ya venimos manifestando en otros artículos: festivales y salas de la región desaparecen o están a punto de desaparecer, los artistas extremeños apenas tienen cabida en los festivales de la región, y, junto con la falta de futuro de los jóvenes, alimenta el mal que rodea la región y el país, la «España vaciada».

EL Festival Acústicos Al Fresquito está en uno de los enclaves más bonitos de la región, y que ahora es considerado «Reserva de la Biosfera». Es una zona de contrastes donde nos encontramos desde Fortificaciones Medievales, numerosas zonas de baños (entre ellas una playa fluvial con bandera azul), y numerosos pueblos con encanto, lugar de visita y veraneo de estrellas internacionales como Estopa, además de gastronomía exquisita.

A todo esto, este área territorial dispone de una agenda cultural y festivalera para todos los gustos que la hace más atractiva al turista, como son los Festivales Interferencias, Granirock y Acústicos al Fresquito.

Acústicos al Fresquito se celebra durante

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el mes de julio y agosto durante los fines de semana, con la presencia de artistas nacionales en formato acústico. Un clima entrañable y cómodo que atrae al músico y lo reconforta.

En Monterrubio saben acoger a la perfección tanto a artistas como a los asiduos del festival a base de ternura, buena comida, hospedaje sereno y tranquilo, y un pueblo acogedor y abierto a la cultura.

José Carlos apuesta en su última edición por la mujer. Un cartel exclusivo de mujeres con una importante presencia de artistas extremeñas. La mitad de las artistas son extremeñas, lo cual es de agradecer que se apueste por el trabajo autóctono. Además, la diseñadora del cartel también es local, Bárbara Sánchez Portillo, y al mando del sonido también hay otro extremeño, Miguel Ángel Gragera.

Nos centraremos en los artistas que pasarán el mes de agosto por Monterrubio de la Serena.

CHLOÉ BIRD

La compositora, cantante, y actriz cacereña es una de las artistas extremeñas con mayor reconocimiento fuera de nuestras fronteras.

La considerada «obrera de la música» lleva el alma de la chanson francesa (por sus influencias maternales), el folk autóctono fruto de su infancia vacacional en la Vera, y el desenfado inglés (fruto de su adolescencia) de Ártic Monkeys y otros artistas de lengua inglesa.

Todo esto, más la madurez alcanzada con la carretera y los numerosos premios recibidos (premio Rock Villa de Madrid, Premio Sol Música, además de premios en NY, Rumania, Zaragoza…), la convierten en la artista multi-

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disciplinar más importante en cuanto a cultura se refiere. El primer viernes de agosto nos presentará gran parte de su repertorio de «The darkest corners of my soul», «Un mundo de niños raros», «The Light in Between», y puede ser algo de «October Moon».

FÔNAL

de Enrique y Ulises Fernández, no hace falta hacer más presentación. Nos presentará su nuevo trabajo tras un periodo de tiempo con otros proyectos, como Olivenza o en dueto con su hermano Ulises. En la música de Cira nos encontramos influencias que van desde el folk, jazz, fado, flamenco y músicas latinas.

Su nuevo trabajo reflexiona y canta sobre temas como la pérdida, la infancia, la madurez, el cambio, todo desde la ternura y la sensibilidad que desgarra y estremece al público. La tendremos con su gran banda el sábado 3 de agosto, y quién sabe, con alguna que otra sorpresa de sus amigos Nacho Campillo, Depedro, y por supuesto su otra mitad, su hermano Ulises.

SOLEÁ MORENTE Liderado por Inma González, es otro de los proyectos cacereños con mucho recorrido por la tierra y fuera de nuestras fronteras. Pop electrónico bailable, ritmos pegadizos, guitarras de sonido Manchester, y la voz naif, sencilla, dulce y cariñosa de su cantante, que recuerdan a bandas como Cycle o La Bien Querida. Música alegre, optimista, brillante, envolvente, para hacerte pasar una velada feliz y divertida. Tormenta Eléctrica, Convénceme, No nos damos cuenta o Volando en Olivença son algunas de las canciones que serán más aclamadas por el público el viernes 2 de agosto. Pronto en este 2019 presentarán su primer LP, y quién sabe, remezclas y canciones nuevas a cargo de productores alemanes.

CHICA UNICORNIO

La de Dos Hermanas es una pinchadiscos de vieja escuela, es decir, con vinilos. Tras su paso por Contempopranea, vendrá a Monterrubio a dinamizar la plaza con pop, tonti pop e indie pop. En Sevilla es bien conocida de la noche hispalense, tanto, que también ha pasado por festivales como RenoFest o Ellas dan el cante. Recientemente ha fichado por Lunar discos, y cerrará la noche del 2 de agosto.

CIRA

Cira es una de las voces más carismáticas de la escena musical pacense. Hija y hermana

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No es la primera vez que tenemos a la medio «granaina» y medio madrileña en estas tierras.

Viniendo de la familia que viene, su propuesta no defrauda, es rompedora, es diferente a las propuestas de Estrella o Kiki. Si metemos en una cocktelera a Pet Shop Boys, Las Grecas, Jeanette o a Camela, tenemos el discazo de Soleá Morente, donde la perfecta fusión entre pop, electrónica retro, flamenco, funk, folk o influencias francesas nos conquista a todos. Ole Lorelei es fruto de una mujer libre, inconformista, creativa, líder, positiva y rebelde, que no tiene límites y que todas las veces que nos ha visitado, tanto como músico como actriz, su actuación no ha dejado indiferente a nadie. El 12 de agosto será el perfecto colofón de un festival al que echaremos de menos, y que ya forma parte de la memoria colectiva de miles de extremeños. ¶

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Rock in Pino 2019 Toda la info LEER MÁS

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n primer lugar, quiero agradecer que Txus de Txustázeo y su Zerebelo volante contactara conmigo para realizar este artículo sobre el Rock in Pino, así como su ayuda en la elaboración del mismo.

Las fiestas locales de Pinofranqueado (Caceres) se teñirán un año más de punk, rock, ska… con Rock In Pino, que este año celebrará su octava edición. Juantxo Skalari & Rude Band, Josetxu Piperrak and The Riber Rock Band, Proyekto Simio, Karne de Kañón, Kalha Ramírez y Kolifa serán los encargados de hacer pasar un gran concierto al cada vez más numeroso público.

El Rock in Pino nace hace unos años con el objetivo de realizar un festival de rock dentro del programa de las fiestas de Pinofranqueado, financiando parte del festival y el Ayuntamiento. Los primeros años se contaba con grupos tributos, pero es a partir del quinto año cuando se toma la decisión de dar cabida y apoyo a los grupos originales, dando mayor peso a los extremeños.

Es por ello que, para encauzar el festival, y con el fin de realizar más eventos culturales y promocionar los grupos extremeños y locales en el municipio, se creó la Asociación Cultural La Trinchera Cretina.

Desde entonces, se han realizado tres ediciones del Rock in Pino, una guerra de bandas extremeñas, y varios eventos y conciertos en el Aula de la Naturaleza de Pinofranqueado, pasando por el municipio tanto grupos a nivel

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nacional como Fe de Ratas, Limando, K.O. Etíliko, Alademoska o Distorsión, grupos de la región como Los Niños de los Ojos Rojos, K-tólikos, Descalzas o Noxfilia, y grupos locales como Kolifa, Txustazeo & Punkto en Boka y Kalha Ramírez.

Todo el festival cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Pinofranqueado, las empresas patrocinadoras del municipio que se desviven con el festival, y sin olvidar por supuesto a la Asociación Bellota Rock, la cual ha colaborado en lo que se le ha necesitado, y ha facilitado asesoramiento a los organizadores del festival.

Este año, el festival contará con las míticas bandas nacionales de Juantxo Skalari y Josetxu Piperrak, los grupos extremeños Proyekto Simio y Karne de Kañón, que tras varios años disueltos se mostraron ilusionados con la idea de participar este año en el festi, siendo una gran aportación al festival, y finalmente los grupos locales de Kalha Ramirez y Kolifa, quienes presentarán respectivamente sus nuevos discos.

Todo ello se celebrará el viernes 16 de agosto en la Plaza Mayor de Pinofranqueado, con entrada libre y acampada gratuita en el maravilloso paraje del Aula de Naturaleza, junto a la piscina natural del pueblo.

Es maravilloso que este tipo de festivales cuente con tantos apoyos, tanto de instituciones como de afluencia de público. Si no conoces Rock in Pino, no te pierdas esta edición, pues será la mejor de todas, y a partir de ahora será muy conocido a nivel nacional, y todo gracias al esfuerzo y dedicación de La Trinchera Cretina, a la colaboración de Bellota Rock, a sus patrocinadores, y a toda la

gente que aporta cualquier idea y ayuda en lo que puede, aunque no esté en la asociación, y sobre todo a ti por asistir, pues de que pasen unos años tú podrás decir: «yo estuve allí y fue la bomba». ¶

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Festival Reina Loba 2019 toda la info

desde un punto de vista pedagógico.

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l festival Reina Loba es increíble! Si echamos una mirada al listado de festivales que forman parte de la programación anual y estatal, tenemos tanta variedad y en tantas poblaciones que a veces no sabemos cuál elegir. La mayoría de este tipo de grandes eventos son meras franquicias, sólo para entretener y hacer dinero a sus organizadores. En muchos de ellos se repiten continuamente los mismos grupos, sin apostar por artistas emergentes, intentando abarcar cuanto más público mejor, buscan el éxito desde el sentido más capitalista del negocio, y también el «postureo».

Reina Loba es todo lo contrario a lo que ya hemos definido. Es un festival autogestionado, encaminado a reflexionar sobre diversos temas, organizado sin ánimo de lucro, con mucha política cooperativa, voluntariado, y una programación artística diferente alejada de los cánones musicales actuales.

Detrás del festival se encuentra a Asociación Cultural Espacio Matrioska, constituida por un grupo de jóvenes formados en la Universidad de Bellas Artes de Madrid. Entre su principal objetivo es llevar el arte al medio rural, y por ende, intentar luchar contra el mal endémico del interior que es la «España Vaciada».

Es un encuentro destinado a un público familiar, libre y gratuito. Abierto a todo el mundo, autóctonos y foráneos, dispuestos a disfrutar de un paraje precioso y donde intercambiar saberes y conocimientos, que van desde la cultura popular rural, el ecologismo, la sostenibilidad, la creatividad, o el feminismo, todo

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Situado en plena naturaleza de Nos Blancos, Ourense, rodeado de castaños, robledales, hayedos y encinares, junto con rivera de ríos de aguas cristalinas y aire limpio y puro. Un refugio donde experimentar, en medio de la naturaleza, el arte en sus diferentes modalidades. Música, artes plásticas, reciclaje, cultura tradicional, y cine, todo desde el respeto, el amor, la amistad y el aprendizaje.

Tiene 2 zonas de acampada: Una, «Friendly Family», llamada Camping Brisa, necesario para este tipo de festivales. Gran parte del público consumidor de festivales cuenta con familia, y adecuar zonas protegidas para niños alejados de otros tipos de ocios nocturnos es realmente necesario. La segunda, «Adult only», llamada Camping Trueno. Destinada a un público trasnochador con ganas de fiesta, baile y canto.

Dicho festival se nutre gracias a una comunidad realmente movilizada, que a base de crowdfunding y muchas ganas de aportar algo nuevo y diferente al planeta desde la sostenibilidad, llevan a cabo esta iniciativa.

MOUNQUP

Camille Hedouin es el nombre de la Björk gallega. De origen francés, es una experta en hacernos bailar a base de loops electrónicos junto con jazz, folk y pop futurista. Si os gustan los desvaríos electrónicos con la tribalidad africana, el sampleo en directo, las texturas creadas con instrumentos africanos, y todo ello mezclado con la voz experimental de Camille, estás ante una de las artistas del festival. Si te gusta Lido Pimienta o Björk, aquí tienes tu directo que será maravilloso.

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LA MARE Y EL COMBO GUÀNABI

Cuatro componentes, donde la reivindicación es la esencia del proyecto. La banda tiene mucho que contarnos y recurren al folk, rumba, canción de autor y ritmos latinos metidos en la thermomix para darnos puro mestizaje. Nos presentarán su último trabajo llamado Sal, Arena y Mar. Detrás de la música de la gaditana hay sentimiento, hay rebeldía, hay amor, hay rabia, y todo interpretado con una sencillez y una ternura que estremece.

LA TROCAMBA MATANUSCA

Los de Ontinyent vienen a Galicia a traer su perfecta fusión de fiesta balcánica y músicas gypsy. Canciones festivas y vitalistas con la sección de metales como punto de partida, fusionado con el swing y las sonoridades gypsy.

A pic i pala, su reciente trabajo, tiene el baile como objetivo acompañado de melodías pegadizas y viajes sonoros. Su directo es exotismo puro y duro, con diferentes sonoridades como colores hay, que se entremezclan entre sí para producirnos un óleo sonoro con el que hacernos bailar y disfrutar.

CLUB DEL RÍO

Banda de folk formada por músicos madrileños con influencias que vienen desde Bob Dylan o cantautores americanos. Hasta siete músicos en directo realizando un concierto con armonías vocales y melodías suaves.

Ellos mismos definen su música como método de defensa contra el individualismo de una sociedad agresiva. Nos presentarán en el Festival Reina Loba su disco «Monzón», que cuenta con colaboraciones importantes como Soleá Morente o El Canijo de Jerez.

TRÓPICO DE GRELOS

Realizan lo que ellos llaman Batuke galego.

Percusión a pie de calle basada en los ritmos realizados en Salvador de Bahía. Show de carácter alegre y colaborativo, donde una voz cantante apoyada por coristas interpreta canciones brasileñas, generando una ambiente colorido, fiestero y divertido. Los de Santiago de Compostela serán los encargados de llevar la samba a Ourense.

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FANEKA

Las de Madrid nos traerán la música ancestral bajo letras feministas y sociales. Folk oceánico crudo, fresco y original. El cuarteto nos tocará su disco homónimo, donde podremos apreciar cómo el grupo se ha permitido experimentar con la tradición para crear sus propios temas y explorar otras músicas, generando una mezcla musical solemne e íntima pero tradicional.

DJ K-SETS

Manuel Sánchez es el responsable de este proyecto. Sesiones con cassettes. Su estilo principal son músicas procedentes de Oriente Medio, y el Magreb, pero también encontramos canciones tradicionales ibéricas. Sería un digno dj de Horteralia. Su show es una distopía en la actualidad, que invita a bailar, reír y disfrutar. Imprescindible.

ALPARGATA

Los madrileños son una banda veterana capaces de mezclar todo tipo de estilos, que van desde el ska, afrobeat, rumba, punk, rock progresivo o jazz. Una arrolladora puesta en escena con el objetivo de poner patas arriba el escenario a base de revolucionar letras populares con un tono más divertido, irónico y agresivo. Ideas transgresoras, aplicadas al folklore y a ritmos afrolatinos, para darle colorido al bosque gallego.

MARALA TRIO

Tres mujeres procedentes de Cataluña, Valencia y Baleares, que parten de músicas tradicionales de sus respectivas tierras para crear su propia música y con mirada de mujer. Voces extraordinarias donde su sensibilidad va acompañada de guitarras e instrumentos de percusión tradicionales. Una experiencia única para los sentidos. ¶

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Cables Sueltos

mostrando la electrónica de Bolivia

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l pasado viernes 5 de julio, en el Centro Cultural Cruz del Sur de la ciudad de La Paz, se llevó a cabo la primera versión de “Cables Sueltos: Exposición de música electrónica”, un evento realizado por el colectivo BMT como una nueva forma de disfrutar y entender este género musical. cables sueltos Sergio Quisbert “Sezé” y Adrián Muñoz “Skipi”, DJ’s paceños y creadores del colectivo BMT, decidieron realizar “Cables Sueltos”, un evento que mostró la música electrónica de una forma distinta a la usual: en un espacio cultural, gratuito y apto para todo público, incluso para quienes no conocieran este género musical:

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“Es un evento para todas las edades, para demostrar un nuevo enfoque en la música. Nosotros siempre hemos querido tener un evento donde vaya todo tipo de gente, porque la música electrónica en Bolivia está desde los 80’s, entonces es común que un padre de familia haya escuchado House pero que él no sepa qué es House, y eso es algo muy común, sobre todo en nuestro país, donde no había esa cultura de conocer los géneros que se escuchaban. Por eso, con este evento, queremos enseñar un poco sobre los géneros existentes”, explica Skipi.

Dicho evento fue realizado en el denominado “casco viejo” de la ciudad de La Paz, lugar en el cual se concentran los principales edificios gubernamentales de la sede de gobierno. El Centro Cultural Cruz del Sur fue recientemente inaugurado el pasado mes de mayo con el objetivo de cobijar y brindar el espacio

“Concebimos el concepto para que se pueda escuchar artistas muy buenos como Allvars y Arruina que tocan en vivo, que se puedan apreciar las producciones nacionales de productores locales como son Sakim y Redken Panda, apreciar a DJ’s nuevos y con trayectoria como DJ JAM y nosotros, Skipi & Sezé, y para la parte de los visuales, Vj DNA”, relata Sergio.

“CABLES SUELTOS”: UNA NUEVA FORMA DE ENTENDER LA MÚSICA ELECTRÓNICA Eran las 8:30 pm y un cielo totalmente despejado, característico del invierno paceño, daba la bienvenida a los asistentes en el patio del Centro Cultural Cruz del Sur. Una fogata en medio del mismo brindaba una sensación cálida y diferente a cualquier otro evento de música electrónica. El escenario, ubicado en la parte delantera, y los ‘mappings’ o visuales proyectados en el muro posterior ofrecían un ambiente diferente.

Poco a poco las personas iban llegando, congregándose alrededor de la fogata para mitigar el frío junto con buena música. necesario a todo tipo de expresiones culturales realizadas por parte de artistas bolivianos: “La inauguración del centro cultural Cruz del Sur fue hace poco más de un mes, e invitaron a representantes de colectivos musicales.

Nosotros fuimos como invitados, y al mismo tiempo que inauguramos el centro Cruz del sur nos dieron un reconocimiento por nuestra trayectoria musical, y desde ahí tenemos una estrecha relación con ellos. Pasó una semana y me preguntaron si podríamos empezar a promover la movida electrónica, y pensando en hacerlo más cultural se nos ocurrió hacer una exposición electrónica”, explica Sezé.

Géneros y estilos para todos los gustos

“Cables sueltos: Exposición de música electrónica” contó con la presencia de DJ’s/productores bolivianos de diversos géneros y estilos:

José Andrés Montecinos, “DJ JAM”, una de las nuevas revelaciones de la escena electrónica paceña, fue el encargado del ‘warm up’ del evento, mezclando diversos géneros electrónicos como el Big room, Electro house, Future Bounce, entre otros, mostrando algo distinto a lo acostumbrado por él, que usualmente se inclina por géneros más ‘underground’ dentro de su participación en los eventos de BMT. Hizo su entrada Álvaro Villarroel, “Allvars”, músico, compositor y productor de música electrónica, quien brindó un “live set” con varios instrumentos como la guitarra, el teclado y el charango, mezclándolos con sonidos electrónicos. Además de ello, interpretó algunas canciones de su autoría como ser Brillante, Don´t Wanna Know y Mi Flor de los Andes.

Allvars es un especialista en la realización de música electrónica experimental, constantemente combinando y creando nuevos sonidos.

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Posterior a ello, hizo su ingreso Víctor Suárez, “RedKen Panda”, Dj/productor quien deleitó al público con varias mezclas y producciones propias con su estilo característico orientado al Tropical Bass, Moombahton, entre otros.

Además, realizó el estreno de su nuevo EP, “Street Knowledge”. Como en cada una de sus presentaciones, este artista puso el ‘fuego’ y ritmo latino-electrónico a la pista, con los creativos y “pegadizos” ‘beats’ a los cuales está acostumbrado.

Luego hicieron su entrada los DJ’s y organizadores del evento, Sergio Quisbert “Sezé” y Adrián Muñoz “Skipi”, quienes con su característico B2B hicieron disfrutar a los asistentes de lo mejor del Techno y House. Y como es usual, en cada presentación suya, Skipi y Sezé demostraron esa pasión por la mezcla electrónica en cada uno de sus sets, transmitiendo a su público la misma emoción que ellos sienten a la hora de conectarse con la música.

Ya daban las 11:30 pm, y como penúltimo número hizo su entrada Álvaro Pillco, “Sakim”, Dj/productor, quien además de mostrar sus propios edits y bootlegs de tracks clásicos como What is love, Blue, entre muchos otros, también demostró la calidad de sus propias producciones, entre las que destacaron “One Love”.

Para finalizar la noche, “Arruina” realizó un “live act” mostrando una nueva forma de crear

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música electrónica, utilizando una interesante aplicación del celular con la cual creaba sonidos enmarcados dentro de la Electronic Body Music (EBM), innovando con un estilo poco conocido en el medio boliviano.

De esa forma, “Cables Sueltos” brindó lo más variado de la música electrónica, desde “live sets” con música electrónica experimental, música fusión boliviana-latina, hasta mezclas electrónicas de diversos géneros y producciones propias.

Se espera la realización de más versiones del evento, con el objetivo de mostrar el talento boliviano de música electrónica, y que de esa forma este género musical tan diverso, con cientos y cientos de subgéneros y estilos pueda ser más conocido en la ciudad de La Paz. “Queremos que sea la primera de varias sesiones, precisamente porque el lugar tiene las puertas abiertas y nosotros tenemos las ganas de hacerlo. No hay el más mínimo fin de lucro, se trata solamente de demostrar la música y demostrar que hay varios artistas en La Paz, que hay nueva gente, nuevos talentos y que hay una escena que está creciendo”, concluye Adrián. ¶

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Lyfordeath

Black Metal Progresivo en su nuevo disco

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uando escuché por primera vez “Nullius in Verba”, el álbum debut de los portugueses Lyfordeath, pues he que-

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dado algo sorprendido, no sólo por la calidad en cuanto a su sonido, también por ese estilo que hacen. Bueno, tuve que escucharlo varias veces para poder saber la propuesta en que están involucrados, la verdad.

Lyfordeath surge en agosto del 2011, y este material, “Nullius in Verba”, es el resultado de años de trabajo de este quinteto. Un álbum

de mucha variedad, donde encontramos partes Thrash, como de Death y hasta del sonido americano del Groove, pero el fuerte lo es el Black Metal. Pero no me refiero al crudo black metal radical, es un black más rico en instrumentaciones, algo a lo que ellos mismos han catalogado como Black Metal Progresivo.

“El estilo musical es algo que nunca nos ha preocupado, lo único que queríamos era expresar nuestra esencia, pero categorizando.

El estilo que mejor nos define es ese Black Metal Progresivo…”, según palabras de su vocalista, Gil Días.

Lyfordeath y su Black Metal Progresivo.

Analizando su álbum “Nullius in Verba” El disco abre con el intro Prophetia, para dar paso al tema Tenebrae, muy pesado, a lo thrash death clásico americano, tanto por su sonido como por el registro de su vocalista.

Un interludio titulado Luminé da paso al siguiente tema, Dawn of Souls, cuya estructura mantiene la misma línea que el tema anterior, pero con un enfoque más épico.

Mortal es un tema súper largo, pues pasa de los nueve minutos de duración, pero lo considero uno de los mejores temas del disco, y demuestra por qué han calificado a su banda Lyfordeath como una agrupación de Black Progresivo.

a la carga. Un tema bastante diferente a los anteriores, pero muy bien estructurado, muy rico en la instrumentación y los trabajos de guitarras.

Y para cerrar el disco, el tema que le da título al álbum, Nullius in Verba, pero dividido en dos partes y cantado en su idioma, el portugués.

En Nullius in Verba-act 1 encontramos un cambio en el registro de su vocalista, y trabajos de instrumentación al sonido black.

Para el Nullius in Verba-act 2, su vocalista recita el tema en su idioma con un fondo musical que comienza y acaba en plan acústico, pero el ambiente black agresivo está a mitad de tema, donde Gil (su vocalista) vocifera al más puro estilo black.

Relacionado al concepto lírico de sus temas, pues la banda comentó: “En términos líricos intentamos exponer el universo, exterior e interior, los miedos, dudas, la fragilidad y del poder del ser humano”, dice Gil. Y continua: “El álbum, hablando tanto musical como a nivel lírico, nos sumerge en un viaje desde el inicio de los tiempos hasta la actualidad. También nos habla de la posición de la humanidad y del universo presente en cada uno de nosotros”.

Al escuchar el siguiente tema, Carved in the Bones, también están presente los elementos característicos del black metal, velocidad y riffs a lo puro black. Pero hay partes habladas y pasajes muy épicos, al más puro heavy, y esto es lo que hace tan especial esta banda, los cambios y contraste de géneros.

Sé que este material a muchos le será algo extraño y de difícil encasillamiento en algún género en específico, pero me ha agradado, como esos interludios entre algunos temas, utilizados como para darle ese ambiente adicional a su propuesta. En el disco encontramos pasajes de oscuridad, sus riffs atmosféricos, y mucha variedad.

Otro género que involucran estos portugueses es el doom, lo apreciamos en el tema The Day the Hell Froze, el cual también esta precedido del interludio Igniӧ, pero sólo algunos tintes de doom, y es al comienzo del tema, lo demás es oscuridad al más extremo metal.

El álbum fue lanzado a finales del 2018, en el mes de diciembre. Actualmente Lyfordeath está compuesto por: Carlos Moreira y Joao Rocha a las guitarras, Luis Moreira en la batería, Gil Días en la voz, y Emanuel Ribeiro al bajo. ¶

Con Deus ex Machina el thrash death vuelve

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Estivalia 2019

todo listo para su XXXI edición

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stivalia es uno de los programas estrella de la consejería de cultura de la Diputación de cáceres y el día 5 de agosto dio comienzo la que será la XXXI edición.

El pasado 22 de Julio, el diputado de Cultura, Fernando J. Grande Cano, presentó oficialmente el programa de Estivalia 2019 que recorrerá un total de 20 municipios de la provincia de Cáceres.

La música y el teatro llenarán las calles y plazas de los pueblos de la provincia de Cáceres gracias a la programación que ha llevado a cabo el área de Cultura de la Diputación de Cáceres.

Estivalia 2019 nos hará disfrutar en esta edición de representaciones teatrales, de sonidos cubanos, del género folk y del flamenco entre otros muchos estilos musicales.

Grande Cano, Diputado de Cultura, hizo un repaso histórico del programa Estivalia desde sus inicios hasta llegar a la edición de este año. Al mismo tiempo destacaba que gracias a este programa, Estivalia, la Diputación de Cáceres ha logrado durante tres décadas hacer llegar a todos los rincones de provincia la cultura, la música y el teatro.

Estivalia 2019 recorrerá en esta edición 20 municipios de la provincia de Cáceres en los que habrá una actuación por cada localidad.

Las localidades por las que pasará el XXXI edición de Estivalia son: Alcuéscar, Arroyo de La Luz, Cañamero, Carcaboso, Garrovillas, Hervás, Jaraíz de La Vera, Madroñera, Malpartida de Cáceres, Malpartida de Plasencia, Miajadas, Montehermoso, Moraleja, Piornal, Puebla de Argeme (Coria), Talayuela, Trujillo, Valdecín (Torrejoncillo), Valencia de Alcántara y Valverde del Fresno.

Estivalia comenzará el próximo 5 de Agosto y finalizará el 8 de Septiembre, periodo en el que disfrutaremos de las actuaciones de Tree House, Aurelio Gallardo, La Familia Cantero, Acetre, Orquesta Femenina de Cuba Anacaona, Klezmer de Melech Mechaya, El Naán, Entavía y Zagala, La Tarambana, The Patty Farmers, Los Tai Tabú, Los Chunguitos, Tirando Sillas y El Negri.

En cuanto a representaciones tetrales, serán 5 compañías las encargadas de hacernos disfrutar del teatro: Suripanta, Maltravieso Teatro, Asco producciones, Teatrapo y Verbo producciones. Todas ellas llevarán a escena sus últimos trabajos que son una muestra perfecta de la buena salud de las artes escénicas en nuestra provincia.

Estivalia 2019 – Música Orquesta Femenina de Cuba Anacaona

Los orígenes de esta gran Orquesta femenina se remonta al año 1934 y durante los años 40 y 60, estas mujeres recorrieron el continente americano de norte a sur, Francia y el Caribe.

Desde aquellos años han pasado por la OrLaCarne Magazine

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questa tres generaciones de mujeres músicos que han logrado continuar con la labor de sus primeras fundadoras.

vocal e instrumental de la banda es capaz de abrir nuevos horizontes en la música inspiradas en el folk más tradicional.

Actualmente está compuesta por 14 mujeres que interpretan musica tradicional cubana fusionándola con estilos más contemporáneos.

«Cuando Cantan las Mujeres» es el nuevo espectáculo que están presentado en el que encontramos la voz de la mujer como hilo conductor, el papel tan importante que ésta ha desempeñado como portadora y trasmisora de los cantos de raíz más tradicionales.

Miriam Cantero Grupo de Arte Flamenco

En este Grupo de Arte Flamenco se unen tres generaciones de la Familia Cantero. El espectáculo que nos ofrecen conecta rápidamente con el espectador haciendo aflorar todo un elenco de emociones.

Interpretan los distintos palos del flamenco tradicional pero, con especial atención a los cantes autóctonos de Extremadura.

En este cuidado espectáculo podremos disfrutar de la voz de Eugenio Cantero, Raquel Cantero y Miriam Cantero, el baile de Carmen Osado, la guitarra de Rodrigo Fernández y la percusión, palmas y coros de César Cantero y Alberto Moreno.

Tree House

Pablo Yuste (guitarrista y cantante), Sergio Moreno (batería) y Samuel Batle (bajista) son los componentes de Tree House, un proyecto en el que se embarcaron en el 2016 y que no ha hecho más que crecer.

Tree House te van a sorprender, pues han sabido empastar muy bien el sonido del rock con el sonido de la guitarra acústica y todo ello, acompañado de unas fantásticas melodías.

Esta genial banda es más que un grupo de rock. Compruébalo tu mismo y no te pierdas la fuerza de su directo.

Acetre

Dentro del panorama folk de Extremadura, Acetre es uno de los grupos más representativos y emblemáticos.

Acetre cuenta con una extensa y experimentada trayectoria musical y por él han pasado grandes músicos y cantantes. La gran calidad

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Cantos grupales asentados en rituales profanos y religiosos, cantos amorosos y satíricos, romances y antiguos cantos de bodas llenos de melismas, etc… No os podéis perder este gran espectáculo.

Zagala

Zagala está compuesto por varios músicos con diferentes andaduras musicales pero con un denominador común: el gusto por la música de raíz.

Zagala busca el encuentro de sonoridades, de intrumentos y ritmos de diferentes traduciones pero sin cerrar la puerta a composiciones propias.

El sonido de la banda es muy característico por su fuerza vocal y por el uso de intrumentos tradicionales como por ejemplo, percusiones ibéricas como el pandero, panderetas, tamboril, cucharas, almirez y sartenes; o también, el sonido de los violines, la guitarra y la mandola.

Aurelio Gallardo

Aurelio Gallardo es un artista de esencia flamenca pero abierto a una gran variedad de estilos musicales.

Cuenta con una larga trayectoria como músico y ha acompañado a grandes artistas a lo largo de su carrera y ha recorrido numerosos escenarios a lo largo de toda España.

Pero ahora ha decidido emprender su carrera en solitario interpretnado no sólo flamenco y copla, sino otros estilos musicales como por ejemplo el pop, el reggaeton, el electrolatino, y la rumba.

El Negri

Enrique Heridia, “El Negri”, pertenece a la cuarta generación de una de las familias más importantes para el desarrolo de la música y el arte flamenco.

El Negri es un icono de lo que actualmente conocemos como «jóvenes flamencos» y un auténtico referente musical en cuanto a la fusión de estilos, pues durante la década de los 90 marcó a una generación cuando fue el líder y vocalista de La Barbería del Sur. El Negri ha demostrado con 10 discos publicados que existen nuevos caminos a la hora de cantar, componer y producir.

Tirando Sillas

Maria Rosa Sans (violín, viola, voz, coros), Joana Curto (voz, coros), Daniel Espinet (bajo, flauta, guitarra), Jordi Gallofré (cajón, percusiones), Sergio de Frutos (voz, guitarra, arreglos) y Alejandro Márquez (guitarra), son los componentes de Tirando Sillas.

Aunque su estilo es difícil de catalogar, se mueven por sonidos como el rock, la rumba y el flamenco.

Actualmente se encuentran de gira presentando su nuevo trabajo «En la esquina de la calle nueva», y en esta edición de Estivalia podremos disfrutar de su directo.

Los Tai Tabú

La madrileña banda Tai Tabú cuenta con un directo cargado de energía en el que nos harán disfrutar con una fusión de estilos que van desde el funk, la rumba o el rap entre otros estilos.

Pudimos verles en el pasado Escenario Ijex Womad y vimos cómo hicieron bailar al público durante todo su espectáculo.

En su directo nos presentarán los temas de su último trabajo publicado. No os los podéis perder

Los Chunguitos

Jose y Juan son actualmente los dos componentes de la mítica banda Los Chunguitos que, como sabemos, cuenta con una extensa y larga trayectoria.

Canciones como «Dame veneno», “¡Ay,! Qué dolor» o «Carmen» entre otros muchos, son los temas más que conocidos por tod@s. Seguro que hemos bailado más de una de estas canciones.

Los hermanos Salazar harán que el público disfrute una vez más del flamenco y la rumba.

The Fatty Farmers

The Fatty Farmers nos traen a Estivalia los sonidos del folk, el country, el rock y el punk, todo ello mezclado con fiesta, baile y mucho buen rollo.

Cuentan con una trayectoria cargada de experiencias y giras por España, Italia, Dinamarca y Portugal; y en esta edición de Estivalia tendremos a estos «granjeros» desplegando su característico y particular sonido.

La banda hará que el público sea partícipe directo del espectáculo, pues incitan durante sus actuaciones a que todos los asistentes canten y bailen sus desenfrenados temas.

Entavía

«Raíces con Alas» es el título del último trabajo de la banda Entavía.

Entavía nos traen los sonidos del folclore, de la tradición oral peninsular, ritmos con aires de flamenco y copla, y la música de raíz, la música europea, el jazz y el blues, entre otros.

Entavía nos trae un directo que seguro nos va a soprender.

El Naán

Siete músicos compenen El Naán, una banda que nos hará viajar a través del sonido de los instrumentos ancestrales, de la música étnica, del jazz y el blues, y todo ello con aires musicales contemporáneos.

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Han pasado por numerosos escenarios y festivales, tanto de España como de otros paises como Hungría, Polonia, Inglaterra o Portugal El Naán es más que un grupo de música, hace que su espectáculo sea una experiencia única, emocionante y fascinante para el espectador.

No te puedes perder su paso por esta edición de Estivalia.

Melech Mechaya

Desde el país vecino, Portugal, llegan Melech Mechaya, una banda que nos trae una propuesta original y muy divertida.

Melech Mechaya te sorprenderá por su original propuesta en la que nos muestran los sonidos de la música klezmer, un género musical muy extendido entre la comunidad judía de Europa Central y Oriental.

Han pasado por muchos festivales y escenarios y han recorrido países como Alemania, Austria, Suecia, Finlandia, Brasil, Bélgica, Croacia, Portugal, España…

Estivalia 2019 – Teatro

Melech Mechaya siempre dejan al público con una sonrisa en la boca y seguro que harán lo mismo con el público de Estivalia.

La compañía Suripanta Teatro es una de las más longevas de Extremadura, ya que cuenta con más de 33 años desde su andadura.

MELECH MECHAYA 8 sept.- Alcuéscar Plaza de España/21:30 h.

La Tarambana

La Tarambana es el proyecto en solitario del bajista de Los Delincüentes y Smiling Bulldogs, Daniel Quiñones «Bigfut».

El último trabajo de La Tarambana lleva por título «La Batalla de los tontos» y contienen 12 cortes en los que encontramos sonidos que mezclan el rock latino y el ska.

Seguro que en Estivalia darán un buen espectáculo. No os lo perdáis!

LA TARAMBANA 8 sep.- Malpartida de Cáceres Plaza Mayor/23:00 h.

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Suripanta Teatro «Los Pelópidas»

Llevan a cabo distintas representaciones teatrales que van desde la temática clásica hasta el teatro más contemporáneo, produciendo y distribuyendo sus propios espectáculos.

Para esta edición de Estivalia representarán «Los Pelópidas», una sátira del teatro clásico con algunas pinceladas de la actualidad que harán reir al público.

Maltravieso Teatro «Hipólito»

«Hipólito» es la tragedia griega que Maltravieso Teatro representará en esta edición de Estivalia.

Aunque hay dos versiones de Hipólito escritas por Eurípides, la compañía se ha centrado en ambas versiones.

En ella encontramos como temática básica un

clásico contemporáneo, el amor trágico, pero también haciendo referencia la intolerancia, a el qué dirán y a la mujer que el personaje de Fedra representa.

Asaco Producciones «Custodios»

Asaco Producciones representarán en esta edición de Estivalia su última producción «Custodio».

Llevan más de 20 años haciendo reir a través de las artes escénicas, el clown y el circo.

En sus representaciones tratan temas humanos universales, sociales, emocionales,en ocasiones hacen referencias a la actualidad y a temas presentes en nuestra sociedad, siempre desde un punto de vista cómico, poético o transgresor.

Teatrapo «Marco Aurelio»

La compañía Teatrapo es otra de las más longevas de Extremadura, ya que cuenta con una trayectoria de 30 años y 29 representaciones.

En Estivalia nos traerán el clásico «Marco Aurelio», una obra en la que aparecen los conflictos que han atormentado durante siglo al

hombre, el difícil equilibrio entre el la razón y el fanatismo.

A través de este espectáculo, la compañía recupera la vida del que fuera uno de los grandes emperadores de Roma, su tragedia vital, sus ideas, su filosofía…

Verbo Producciones «Una Comedia Rusa»

Verbo Producciones nació en el 2006 con el objetivo de llevar a cabo proyectos de hábito y público variado con quienes compartir sus creaciones.

En esta ocasión para Estivalia nos traen la representación de «Una Comedia Rusa», una obra cómica en la que sus protagonistas no paran de discutir por cualquier cosa.

Cada personaje tiene sus peculiaridades lo que hace que surjan diferencias entre ellos y al mismo tiempo provoquen situaciones cómicas.¶

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Festival Folklórico d Pueblos del Mundo 2 L

a Federación Extremeña de Folklore junto a la la Diputación Provincial de Cáceres presentaron el pasado 23 de Julio el Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo, que recorrerá un total de 8 municipios cacereños.

Extremeña de Folklore.

El Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo se viene celebrando en la región desde hace algunos años. El festival está organizado por la asociación El Redoble en colaboración con el Ayuntamiento y la Diputación de Cáceres.

El Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo tendrá lugar del 4 al 14 de agosto y pasará por los municipios de Portaje, Galisteo, Serradilla, Campo Lugar, Casas del Castañar, Baños de Montemayor, Hernán Pérez y Herreruela.

Hace ya algunos años fue la Junta de Extremadura la que tomó las riendas del festival junto con la colaboración de la Federación

El diputado de cultura destacaba que gracias a este festival, se consigue contribuir al conocimiento y difusión del folklore internacional

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La novedad de esta edición es que, por vez primera, la Diputación de Cáceres en colaboración con la Federación Extremeña de Folklore, extenderá el festival a 8 municipios.

de los 2019 y acercar a tod@ los ciudadan@s la cultura, manteniendo de este modo el acervo cultural y etnográfico.

Este año el Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo cumple 33 años y tal y como comentaba Pedro García, presidente de la Federación Extremeña de Folklore, este festival “es uno de los festivales de referencia y más consolidado con el que disfrutar de una gran gama de tradiciones que llegan a los pueblos”.

Al mismo tiempo, Pedro García, agradecía a la Diputación el extender el festival a 8 municipios y destacaba que era una iniciativa fantástica porque, muchas veces el festival no llega

a localidades que, por diversas consideraciones, no puede albergar este tipo de festivales.

En ese caso, Diputación ha aportado esas 8 localidades que lo que hacen indudablemente es engrandecer el protagonismo que tiene el Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo de Extremadura en esta 33º edición.

Te recordamos que el Festival tuvo lugar del 4 al 14 de agosto.

Más información sobre el el Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo:

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Janis Joplin la auténtica diva hippie

Además, es una de mis artistas favoritas.

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lores en el pelo, paz y amor, comunas, desnudos, música, psicodelia y drogas, muchas drogas. En esta entrega os propongo un auténtico viaje a través de los 60 más hippies de la mano de la dama de Woodstock, Janis Joplin. Una mujer que, con su corta trayectoria profesional (no le dio tiempo a más de tanto que quiso comerse el mundo), se convirtió en icono del Rock y el Blues femenino, así como una representante máxima de una generación que supo expresarse a través de la música.

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Janis Joplin, la niña rara Janis Lyn Joplin nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, Texas. Procedente de una familia acomodad de la típica ciudad sureña tradicional, pronto se convirtió en el blanco de las burlas. Tuvo una infancia y adolescencia un tanto complicada, fue acosada y excluida debido a su ligera obesidad y sus problemas de acné. Así, la niña rara empezó a refugiarse en la música que representaba su dolor: el Blues, siendo sus primeras referentes Ma Rainey, Bessie Smith o Lead Belly. Durante esta época empezó a cantar Blues en la Thomas Jefferson High School Band, y comen-

Francisco era la auténtica sede del movimiento hippie y de la contracultura norteamericana, donde los instintos más salvajes de Janis se liberaron a través de la vida bohemia que respiraba la ciudad (y de las drogas). Y de allí para acá, en 1964 ya estaba grabando, junto a Jorma Kaukonen (el futuro guitarrista de Jefferson Airplane, una de las bandas psicodélicas por excelencia), una serie de estándares de Blues, con temas como Long Black Train Blues o Daddy, Daddy, Daddy. También se relacionaba con Ron “Pigpen” MacKernan (el mítico guitarrista de The Grateful Dead).

Janis y las drogas Por esta época ya era bastante asidua a todo tipo de estupefacientes: heroína, metanfetamina, cocaína, LSD… En estos años la peña se volvió completamente loca con el consumo de químicos. Si bien es verdad que fue un momento importante de cambios en Estados Unidos (y a partir del cual surgieron grandes movimientos sociales), la gente se pasó con las drogas y mucho… aquí comienza la leyenda negra del club del 27, y a éste sólo pertenecen gentes conocidas (Brian Jones, Jimmy Hendrix, Jim Morrison, Kurt Cobain, Amy Winehouse…), imaginaos la de desconocidos que se quedaron por el camino con tanto viaje de ácido. zó a cultivar un carácter rebelde que era el vivo reflejo del de sus heroínas musicales. Su principal objetivo era abandonar el Sur. Al salir del instituto se matriculó en la Universidad de Austin. Sin embargo, no completó sus estudios. Eso sí, empezó a relacionarse con gente que la entendía y tenía sus mismas inquietudes, y también empezó a experimentar con las drogas. La primera canción que existe de Janis Joplin, What Good Can Drinkin’ Do, fue grabada en 1962 en una cinta en casa de un amigo de la universidad.

En 1963, ella y su amigo Chet Helms, hicieron el petate, se echaron a la carretera, y, haciendo autostop, llegaron a North Beach, San Francisco. Estaban en territorio hippie. San

Flipad, incluso durante unos meses circuló un autobús psicodélico, posesión de Ken Kesey, el autor de Alguien voló sobre el nido del cuco, y conducido por Neal Cassidy (carismático protagonista de On the Road de Jack Kerouac), que recorría Norteamérica haciendo un Acid Test, es decir, experimentar con LSD en diferentes sitios.

Volviendo a Janis, preocupados por ella, sus amigos consiguen que vuelva a casa en 1965.

Estaba totalmente demacrada (llegó a su casa pesando 35 kilos).

En 1966, marcha a San Francisco. En este momento comenzó como vocalista de la Big Brother and The Holding Company, grabando un disco con el mismo nombre. Hacían un combo casi perfecto, porque pronto se quedaLaCarne Magazine

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ron cortos al lado de la energía que desprendía Janis. Además, tocaba con otras bandas y actuaba en muchos festivales al aire libre. Sin duda, mítica es su interpretación de Ball and Chain de Big Mama Thornton en el Festival de Monterey, en 1967, un macro festival donde se juntaron las mejores formaciones musicales del momento, entre otros, Otis Redding, de quien quedó tan fascinada y al que llamaba My man, que desde entonces intentaba utilizar sus “sacudidas musicales”… El directo de Janis fue incendiario.

En 1968 marchó a Nueva York, donde grabó el primer disco, Cheaps Thrills. Rápidamente se convirtió en disco de oro, y las críticas fueron excelentes, pero se centraban únicamente en la voz y el estilo de Janis, por lo que el grupo se deshizo por desavenencias. Se puso a buscar a los mejores músicos, y en 1969 había ya formado la Kozmic Blues Band, y

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salía su segundo disco I Got Dem OI’ Kozmic Blues Again Mama!, un disco maravilloso que es mezcla de Blues, Rock y Soul, con auténticos temazos como Maybe o Try, que rozan el ser obras de arte.

Janis Joplin, la diva hippie Y comenzaron los éxitos, y una brutal gira por Europa, Woodstock… Sin embargo, a finales de ese año, Janis estaba totalmente destrozada, y la banda finalmente acabó disolviéndose.

Los 70 empezaban con una Janis desintoxicada de la heroína (se fue a la selva amazónica con un noviete a limpiarse), y con la formación de una nueva banda, Full Tilt Boogie Band.

Con esta nueva formación grabaron Pearl!, un discazo que nuestra artista no vio salir a la luz.

Después de una buena sesión de grabación, todos salieron a celebrarlo.

Al día siguiente Janis no se presentó a la grabación, y el representante, preocupado por la ausencia, fue a buscarla, encontrándola muerta en el suelo de su habitación del hotel Landmark Motor. Había muerto por una sobredosis de heroína. Todos quedaron muy sorprendidos, porque pensaban que ya estaba limpia.

Sin embargo, Janis siempre fue una persona complicada, sus relaciones amorosas siempre fueron muy tóxicas, y ésta parece que fue la causa de la pasada de esa noche, un mal de amores con su novio del momento.

Seis semanas después salía a la venta Pearl!, con temazos como Me And Bobby McGee, que llegó a número uno durante varias semanas.

Janis Joplin supuso una insignia para la liberación de la mujer. Pensad que en la cultura norteamericana (especialmente la sureña), la

mujer estaba educada en valores de conducta femenina con un enorme trasfondo religioso y moral, algo que también pasaba en el movimiento hippie, no os creáis, donde ellas eran amas de casa de suburbio, que se encargaban de la limpieza de la comuna y cuidado de los hijos. Sin embargo, Janis se salía de la norma: era bisexual, vestía como le daba la gana, incluso se paseaba con su porsche psicodélico, se relacionaba con quien quería y cuando quería, azuzaba a las masas en sus conciertos, provocaba a los policías insultándolos desde el escenario… En sus propias palabras: “cada noche hago el amor con 25.000 en el escenario”.

Y ésa era Janis Joplin, la pasión en el escenario, una diva hippie que supo transformar la tradición negra del Blues a través del Rock, del R&B, y de una potente y desgarradora voz blanca. ¶ LaCarne Magazine

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el regreso del músico * Fotografías por Tonio.Tonio (THLS.Studio) * Un Viaje a través de AUTOMATICA por Miguelito Hernández * El regreso del Músico por S. Plata

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Un Viaje a través de AUTOMATICA por Miguelito Hernández

“Busca siempre la belleza en este asqueroso mundo” (Ramón Trecet)

N

ada más terminar de realizar la primera audición del recientemente publicado álbum debut de mi amigo Javi, y de su proyecto Automatica, me puse en contacto con él.

Lo primero que hice fue mostrar mi agradecimiento y mis felicitaciones por tener la osadía y el empuje para crear esta obra.

A continuación, y tras comentar detalles varios que definían el auténtico deleite que había su-

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puesto para mis oídos, le hablé del «chute» de emociones y cómo había conseguido hacerme viajar a través de su escucha.

Acto seguido, Javi me hizo una propuesta que, en principio, me dejó descolocado. Javi me invitaba a que plasmase en texto dicho «viaje».

Desde el primer momento que tuve constancia de este proyecto, no dudé ni un sólo momento en echar una mano en lo que humildemente pudiese aportar. Así que, no me llegué a pensar dos veces aceptar aquella bonita proposición de plasmar todo lo que esta música me sugiere.

Hacemos, por tanto, una segunda escucha y… enfundado en mi traje de vaquero galáctico, comenzamos el Viaje.

Iniciando desde Zero: Es la primera composición que suena en el despegue de este viaje, como insinuando sutilmente lo que está por llegar. Va impregnando mi cuerpo como el mejor de los perfumes.

Pero, de repente y sin previo aviso, siento turbulencias en mí interior y me dejo llevar…

Zero se presenta suave, pero el desconcierto de la extraña conversación del Apollo XI comienza a sumergirnos en un mar de actitudes.

Atravesando Lunar: Pasadas ya las turbulencias, hace acto de presencia el momento ingrávido por excelencia.

Dejo caer mi cuerpo al fondo de la nave, y disfruto como con el mejor de los regalos…

Lunar es inquietante y enigmática.

La distopía de 1984: ¿Hola? ¿Alguien me escucha? Al parecer, atravieso una zona de asteroides y las masas no oyen mis cantos de sirena. Además, me acompaña el sentimiento de que todo lo que aquí acontece no es realmente lo que parece, cual Winston en la novela de Orwell. Javi consigue plasmar en 1984, aquél fatídico escenario, con gran destreza.

Visitando Microcosmos: …pequeño universo en el que acabo de aterrizar. Jamás tuvieron mis ojos el placer de observar este muestrario de bellísima y extraña vegetación. Sin duda, en este lugar se atisba una perfecta conexión con mi lugar de origen.

Microcosmos nos recuerda que, pase lo que pase, la vida es maravillosa. El tempo, con el que nos guía, es como si te golpeara el corazón queriendo salir de tu cuerpo. Nos hace ver que aún seguimos vivos.

De regreso a Terra: …algo me está avisando de que estamos listos para el descenso. Es hora de hacer un alto en mi travesía para recobrar fuerzas en el, siempre agradable, reposo en el hogar.

Terra me inspira luz, agua, viento, paz, armonía… En definitiva, vida en estado puro.

Retomamos el Viaje, comienza Ascension: Dejado atrás el planeta Terra, nos embarcamos hacia Nuevos Horizontes. Vamos ajustando todos los controles de tan magna nave transportadora…

Con Ascension llega el sonido Automatica en estado puro. Esos teclados tan característicos te lo van diciendo. También me encanta ese sonido agudo, como de agujas, que induce a algo celestial.

La emoción de Kaleidoscope: Me hallo en un paraíso que también me recuerda a algo terrenal. Es un compendio caleidoscópico que parece aglutinar todo Oriente en un sólo y único lugar. No sé si quiero quedarme o partir de aquí…

Kaleidoscope, ¿qué decir de esta maravilla?

Que me produce tristeza y alegría al mismo tiempo. Es como si lucharas con tu Yo interior más primitivo.

En mis sueños con Discovery: Mi Viaje me lleva hacia la puerta de los sueños, que es la Puerta a las Estrellas. Me adentro, sin ningún miedo, para que me reciban mil LaCarne Magazine

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criaturas desconocidas para mí…

Creo que si hay que ponerle banda sonora a un sueño, ésa sería Discovery. ¡Esto es Egypt!: …¡pero!… …¡¿qué civilización es esta?!…

Volvemos a encontrar un nuevo mundo que nos es profundamente familiar. La sociedad y la política del Antiguo y del Nuevo Egypt. En Egypt, Javi me recuerda al Jarre de sus comienzos, pero con una impronta muy personal que me encanta. Esa base dubstep, que le va como anillo al dedo, junto a esa fantástica melodía…, son como si una bruma de incienso bañara mi alma.

De vuelta a las Estrellas, la travesía nos acerca a Solar: Nos volvemos a sentir cómodos. Esta vez, de pasada por el paraje más orgánico. Siento, de nuevo, el calor y la esperanza. Oportunidad para recargar mis pulmones…

Me atrevo a decir que Solar es la anteposición de Lunar. Entre ambas se crea el perfecto equilibrio.

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Viaje espacio-temporal, estamos en Deja Vu: Me encuentro en un lugar en el que sé que ya estuve anteriormente. No sé si será porque tengo las «baterías» llenas, con la recarga en Solar, o por cualquier otra razón; pero el caso es que he vuelto a un momento de especial energía y plenitud…

Deja Vu es, sin duda, la composición optimista del disco. Ésa en la que en un día de “bajón» necesita cualquier ser humano. Un «Himno».

Lo salvaje de Brazil: …parece que el viaje ha terminado… Al menos esos coros al inicio me lo quieren decir.

No sé, pero necesito correr…, escapar de todo aquello que un día conocí, y hoy no quiero recordar.

Llamo a la puerta, pero nadie contesta. Creo que todo este tiempo he estado equivocado… …y, por contra, el Viaje no ha hecho más que comenzar… Brazil, lo deja claro.

Todo queda abierto. Aún no está todo contado.

Nada más que añadir, por ahora. ¶

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el regreso del músico por S. Plata

A

utomatica es el nuevo proyecto de Francisco Javier Esteban, un trabajo que nace realmente de la necesidad vital de seguir haciendo música, reinventándose y contando nuevas historias en forma de música instrumental.

Hemos escuchado y viajado con este compendio de sonidos y estilos que huyen de clichés establecidos, y que no se puede definir de otra manera sino como la personalísima identidad de Javier Esteban a través de su propio mundo.

Acompáñanos en esta fantástica entrevista para conocer mucho mejor a Automatica!

Javi, es un placer poder hablar contigo y conocer en profundidad tu proyecto Automatica.

Antes de meternos de lleno en materia, nos gustaría que nos contaras tu pasado como músico. Sabemos que has formado parte de otras bandas. Cuéntanos tu experiencia, y tu pasado musical.

Antes que nada, el placer siempre es mío.

Pues sí, para hablar un poquito de mi carrera musical hay que remontarse unos cuantos años atrás, y vamos a hacer un pequeño ejercicio de memoria.

Pernada fue mi principal y más personal proyecto, al menos hasta 2010, momento en que mi actividad musical se detuvo durante un largo periodo de tiempo. No sólo fui cantante y bajista de esta banda de rock alternativo, el peso de mi labor en esta banda también pasaba por la composición de la prácticamente totalidad de las canciones. Publicamos dos discos oficiales a través del reconocido sello

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Zero Records, perteneciente a Warner Music Spain, compartiendo de esta forma, «casa», escenarios y colaboraciones con grandes bandas de la escena del rock.

El recorrido que tuvo este proyecto podríamos datarlo entre 1996 -si nos vamos a su punto más primitivo- y 2004, que, por diversas razones, derivó en su total disolución. Poco tiempo después me incorporé a la, también longeva, banda Maleek como bajista, y donde también pude hacer uso de mis dotes como compositor. Durante mi paso, participé en la grabación de uno de sus discos, y, además de vivir grandes momentos en la trayectoria de esta banda, también pude disfrutar de tocar en los mejores festivales nacionales, entre ellos el reconocido ViñaRock.

En 2010 decido salir de esta banda, cediendo mi lugar y provocando la búsqueda de un nuevo integrante.

Tras tu paso por estas bandas, decidiste abandonar la música y todo lo que la rodea. ¿Qué te llevó a tomar esa decisión?

Quince años te hacen ver todo lo bueno y lo malo que existe en este controvertido mundo de la música. Hacer música por placer es de las cosas más bellas que uno puede vivir. Ahora, pretender que eso sea tu forma de vida te puede llevar a que, en ciertos casos, no sólo los esfuerzos no se vean compensados, sino que el tiempo de disfrute no sea mayor que el de sacrificio. En mi caso, la balanza ya no estaba equilibrada.

Tras varios años de inactividad, decides emprender tu carrera en solitario con un nuevo proyecto: Automatica. ¿Qué te motivó a ello?

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¿Cómo y cuándo surge Automatica?

Entramos en esta nueva etapa, y ahora te hablaré de la otra cara de la moneda.

No puedo negar que este tiempo de desconexión y descanso ha supuesto toda una revolución para mí a todos los niveles. Pasados seis años, vuelve a aparecer la necesidad de conectarme con la música, pero esta vez siento que debo reinventarme, y con algo totalmente diferente.

Automatica, para mí, surge tras un año con la mente puesta en ordenar ideas, y la búsqueda de nuevos métodos para poder llevar a cabo el nuevo proyecto. Para el resto del mundo, Automatica se muestra con el lanzamiento del álbum publicado el pasado 17 de mayo.

También nos gustaría que nos contaras el motivo de llamar tanto al proyecto como al disco Automatica (sin tilde). ¿Cómo salió el nombre? ¿Barajaste otros nombres?

Cuando decidí que iba a trabajar este tipo de música instrumental, busqué un nombre que definiese un poco todo el sonido que estaba empezando a plantear. Así que, de forma rápida y bastante temprana, ese nombre vino a mi mente y me pareció perfecto. Además, el uso de éste sin tilde, como bien indicas, lo hace más ambiguo, o, mejor dicho, no lo relaciona tan directamente con un idioma. Lo cual también encaja con mi búsqueda de algo más universal, como lo es la música instrumental. La sonoridad, que también me recuerda a «Metallica», le añade un plus de atractivo para mí.

La decisión de titular este primer álbum también como Automatica responde a algo que alberga bastante sentido. Como ya te comenté anteriormente, este proyecto sale a la luz con el lanzamiento del disco, así que no hay nada que, en este momento, defina más al proyecto que el propio disco.

Automatica es musicalmente muy diferente en comparación con otros proyectos de los que has formado parte. ¿Ha sido difícil para ti ese cambio de perspectiva musical? ¿Te has encontrado con alguna dificultad?

La dificultad vino principalmente por la meto-

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dología de trabajo, y las herramientas a usar para dar forma a esta nueva idea. La tecnología actual me ha permitido poder bucear en este mundo de experimentación, y a la vez me ha obligado a reciclarme y a aprender de cero muchísimos aspectos.

En cuanto a la composición, creo que esta música estaba dentro de mí desde hace muchos años. Aunque el rock siempre ha sido parte de mi forma de vida e inspiración para proyectar mi música, siempre gusté disfrutar de la escucha de otros muchos estilos.

Tu primer trabajo homónimo cuenta con 12 canciones instrumentales. ¿Qué ofrece este tipo de música? ¿Por qué decidiste que este primer trabajo fuera instrumental?

Mucha de la música que siempre he escucha-

do, principalmente en soledad, es de carácter instrumental. Hablamos de músicas del mundo, clásica, new age, electrónica, ambient…

La música es un medio expresivo y, la música instrumental en concreto, propone un juego más libre. Tú imaginas, ves cosas, mientras compones, pero no tiene por qué ser lo mismo que imagina o ve el que escucha. El oyente también pone su parte y requiere una mayor atención.

Es por ello que, con este tipo de música, sabes que va a resultar mucho más difícil llegar a una gran extensión de público, pero es una auténtica satisfacción pensar en esa conexión, esa simbiosis especial que se puede llegar a tener con el oyente que decide viajar con tu música.

Hablemos del trabajo de composición. ¿Cómo es tu metodología? ¿Cuánto tiempo has estado trabajando en la composición de este disco?

Mi estudio es como un laboratorio donde aplico esa máxima que nos citó Picasso: «que la inspiración te encuentre trabajando».

Así que, todo se va dibujando a través de un secuenciador. Los temas se van creando y construyendo a raíz de ideas que, a su vez, vienen de andar jugando y experimentando con sonidos. En ocasiones, las melodías principales surgen sobre esas mismas estructuras que voy creando, y otras veces simplemente aparecen en mi cabeza, obligándome a tararearlas y llevármelas más tarde a ese entorno.

Por otro lado, y respondiendo al tiempo dedicado, debo decir que las líneas que separan las distintas fases de composición, grabación y mezcla son bastante difusas. Trabajar a fuego lento, con multitud de capas y detalles, hace difícil determinar el tiempo dedicado exclusivamente a la composición de un trabajo que me ha llevado algo más de dos años en su totalidad.

Predominan los sonidos electrónicos y nos gustaría que nos dijeras qué tipo de instrumentos has utilizado para su realización. ¿Es tu primera vez con estos instrumentos? ¿Cómo ha sido para ti esta experiencia?

Me encanta que hablemos de sonidos, porque aquí es donde reside la principal revolución de este proyecto. ¿Qué decir de lo que han supuesto los sonidos electrónicos o sintetizados al mundo de la música moderna?

Pero, en mi caso, tanto peso tienen éstos como los sonidos sampleados de instrumentos reales. No voy a negar que yo no sé tocar muchos de los instrumentos usados en la creación de este disco en su formato físico, pero las posibilidades que te ofrece un secuenciador para poder tocarlos y articularlos tú mismo, y aportarles vida aplicando tu propia expresión, es realmente bestial.

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En cuanto a los sonidos utilizados, en mi caso no hay límites. Tanto es así, que incluso me permito tal grado de procesamiento, transformando unos sonidos en otros, e incluso creando nuevos sonidos difíciles de definir.

Bien es cierto que, por mi condición de bajista, sí que me ha apetecido incluir algunas líneas grabadas con mi bajo eléctrico orgánico. Aunque, finalmente, también ha acabado bastante procesado. Y es que el entorno digital te ofrece tantas posibilidades…, desde fantásticas emulaciones de sintes a infinidad de módulos y efectos.

Nos hemos encontrado con estilos muy distintos, como pueden ser la electrónica, el rock o la experimentación, entre otros. Háblanos sobre el estilo de Automatica. ¿Hay alguno predominante? ¿Está pensado para un tipo de oyente en concreto?

Pues, como te comentaba antes, ésa es la magia de trabajar sin clichés establecidos, sin dogmas, y llevando la experimentación por bandera, para mostrar una amalgama de estilos que sólo acaban basándose en mis propias influencias.

Quizá ésa sea la esencia de Automatica: la dificultad de ubicar su música, en cuanto a un estilo concreto, y pudiendo mostrar pinceladas de varios a la vez, a caballo entre lo electrónico y lo orgánico.

Cualquier persona que ame la música, sean cuales sean sus gustos musicales y con mente abierta, puede ser susceptible de disfrutar de la escucha de este ecléctico álbum.

Cada uno de los títulos de estos 12 temas son muy significativos, como por ejemplo “Zero”, “Lunar”, “1984”, “Deja Vu”, “Kaleidoscope”… ¿Están los temas relacionados unos con otros? ¿Es un disco conceptual? Cuéntanos cómo está estructurado el disco.

Los tracks fueron titulados a posteriori basándome, principalmente, en lo que a mí me sugería cada composición, y buscando, en segunda instancia, esa «generalidad» de la que hablaba en un principio con el nombre de Automatica.

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Pero, como también citaba anteriormente, la interpretación, y lo que cada cual imagina, puede ser distinto. Así que cada cual podría llamar a cada tema de forma distinta, restando, en consecuencia, importancia a los títulos en sí.

Mucha más importancia tiene, como indicas, la estructura del disco. Si bien no es un álbum conceptual como tal, sí que es un álbum que se ha construido de forma tradicional. Vivimos en un mundo en el que se empieza a consumir la música en forma de «singles», y el álbum, como concepto, ha perdido importancia.

En el caso de «Automatica» como disco, hemos recuperado (y hablo en plural porque aquí la inestimable ayuda de Isaac Fàbregas ha sido clave) esa esencia que tenían los discos de antaño. Recuperamos el concepto de dos bloques, o cara A y cara B. Recuperamos el encanto del sentido que tiene cada track en su posición, haciendo que tenga importancia cual precede o antecede, en cada caso. Y, aunque cada tema puede funcionar de forma aislada, el disco se disfruta en su forma máxima en conjunto y de una vez.

Y quiero hacer énfasis en ello, porque es la forma de realizar el viaje sonoro, totalmente personal y particular, que planteamos, con todos sus picos y valles, y con todos sus momentos de energía y descarga.

El entorno donde has trabajado este disco ha sido en tu propio estudio, situado en la ciudad española de Murcia. Como sabemos, Isaac Fàbregas ha colaborado en este primer trabajo de Automatica como productor desde Barcelona. Cuéntanos cómo habéis podido llevar este proceso desde la distancia que os separa, y qué ha significado para ti trabajar con Isaac, tanto en lo personal como en lo musical.

Aquí hay que contar un poquito de historia…

Conocí a Isaac en un máster sobre mezcla técnica que cursamos en Barcelona. Hablamos de los proyectos que llevábamos ambos entre manos, y el punto en el que estaban. Más tarde, la tecnología en forma de streaming, y el LaCarne Magazine

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incuestionable feeling entre nosotros, propició que pudiésemos trabajar juntos en este proyecto a pesar de la distancia.

Los doce tracks estaban ya compuestos y en proceso de mezcla a nivel técnico. Isaac fue el que me hizo ver las posibilidades que tenían

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esas composiciones en forma de disco, y me aportó todo su saber en cuanto a mezcla creativa se refiere, principal catalizador para que este disco hoy sea una realidad.

La idea de base fue que yo contase con otro elemento más para añadirle vida y mucha más personalidad a mi música. Ahí es donde Isaac se gana el adjetivo de co-productor -que lo es junto a mí- de esta obra, tras un largo año de videosesiones.

Su visión es contada en la entrevista que esta misma casa publicó el pasado mes de agosto.

Una vez terminado mi trabajo, tanto en mezcla técnica como creativa, Isaac puso la guinda al pastel con las labores de mastering del álbum.

Y, aunque tenemos el disco que es más cien por cien «yo» de mi carrera, quiero recalcar la importancia de Isaac Fàbregas para que esto pueda ser así. Además de agradecer su maestría y su labor como consejero, no puedo dejar de lado la magnífica amistad que ha ido bañando todo el proceso, y que hoy nos queda.

Ahora que el disco ya está listo y preparado para que todos puedan escucharlo, ¿cuál es el siguiente paso? Nos encantaría poder verte en directo. ¿Será posible?

Pues, para poder responder a la primera pregunta, debo responder parte de la segunda.

Precisamente porque Automatica no dispone de formato de directo, la única forma en la que Automatica se puede mostrar al mundo es a través de ésta, su opera prima. Por tanto, asumo que los siguientes pasos están concentrados en dar a conocer esta obra, y que, comenzando desde cero, va a ser un proceso de largo recorrido. Y en esas estamos. Ahora, ¿podremos ver a Automatica en directo? Es algo que me he planteado, pero dada la particularidad del proyecto, siento que para poder llevarlo a cabo he de verme forzado a ello.

Será, entonces, la aceptación y la evolución del proyecto lo que marcará ese destino. Y, en tal caso, os aseguro que se mostrará de la forma más interesante.

El disco bien podría ser la BSO de alguna película, serie, o documental. ¿Te lo has plan-

teado?

Poco me voy a extender aquí. Lógicamente, sería un placer -y un reconocimiento hacia mi trabajo- el que se contase con la música de este disco, o con mis servicios para crear algo nuevo, como banda sonora para cualquier audiovisual de los que has citado. Y no son pocos los músicos que crean álbumes instrumentales y trabajan a su vez este campo. Sin ir más lejos, se me viene a la mente mi admirado Mike Oldfield, como ejemplo.

Tras tu primera experiencia en solitario, dinos, ¿tienes más proyectos musicales en mente, colaboraciones, un nuevo trabajo de Automatica…? Cuéntanos.

A medio plazo, volveré a encerrarme en el estudio para volver a hacer lo que más me divierte, y lo que es mi necesidad real: jugar con la música.

Ahora estoy apostando fuerte por este proyecto, y la intención principal, sin duda, es realizar nuevas creaciones para Automatica.

La música que haces, a fin de cuentas, es un espejo real de lo que es tu momento, y es por ello que nunca se sabe cuál puede ser la evolución o la senda que va a tomar. Pero si hay algo que tengo absolutamente claro, es que música es lo que hago, y música es lo que quiero seguir haciendo.

Javi, te deseamos mucho éxito con Automatica, y esperamos disfrutar muy pronto de tu directo. Recomendamos a todos nuestros lectores su escucha: es un disco fantástico. Esperamos volver a hablar contigo en un futuro cercano y que nos cuentes cómo te va. ¡Un fuerte abrazo!

Muchísimas gracias! Sois un equipo genial.

Y tampoco puedo dejar de mostrar mi agradecimiento a aquellos, vuestros lectores, que decidan realizar el viaje a través de mi música. ¶

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Hempírika

luchando desde Ecuador

C

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omenzaron haciendo Metal Progresivo, y con el transcurso del tiempo se fueron orientando hacia el Metal Sinfónico, que es lo que hace en la actualidad Hempírika, esta agrupación originaria de Quito, Ecuador.

Con una trayectoria de casi una década, esta banda ha recorrido gran parte del territorio de su país, presentándose en varios conciertos y eventos donde siempre el recibimiento por parte del público ha sido el mejor.

La siguiente entrevista a Hempírika la responde Luis Hernández, manager y fundador de la banda.

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Hempírika, luchando desde Ecuador Hempírika es una agrupación que se formó hace alrededor de 10 años. Para dar inicio a la entrevista, sería bueno que comentaras sobre aquellos inicios de la banda.

En sí la banda nace del gusto por el Metal entre varios compañeros de colegio, aunque fue luego de graduarnos y entrar a la universidad cuando decidimos concretar este sueño.

Creo que como todos los metaleros, nuestra situación económica nunca nos favoreció, y tuvimos que conseguir empleos pequeños o de medio tiempo para comprar nuestros instrumentos poco a poco. Luego, como todo grupo, empezamos a amalgamarnos con algunos covers de nuestras influencias principales, y durante eso también completamos toda la

vers de Stratovarius, Angra, Sonata Artica, Hamerfall, o Dream Theater, más que nada porque en ese entonces teníamos voz masculina en el grupo. Sin embargo, por razones de estudios, el vocalista tuvo que abandonar la banda, hicimos varias audiciones y se nos complicó bastante encontrar un reemplazo.

Dentro de dichas audiciones se presentó una soprano, y al grupo nos agradó bastante ese contraste de la voz. Luego decidimos incorporar a dicha vocalista a la banda, y obviamente tuvimos que cambiar de a poco nuestro estilo, y comenzamos a probar temas de grupos como Nightwish, Within Temptation, Therion, Epica, etc. Nuestros temas propios comenzamos a componerlos en ese estilo, y así de a poco llegamos a consolidar el género que hacemos hoy en día.

formación de la banda. Meses después, los amigos y conocidos que llegaban a los repasos nos decían que estamos sonando muy bien, y que deberíamos empezar a buscar conciertos. Dicho eso, comenzamos a presentarnos y a enrolarnos en el medio del metal en nuestro país. A los organizadores les gustó mucho nuestra propuesta. Después ya se fue haciendo necesario componer temas propios, preparar material inédito, grabamos nuestros primeros demos, entrevistas, y comenzamos a trabajar también de manera más profesional en la imagen de la banda.

Su actual propuesta es el Metal Sinfónico. ¿Desde su formación comenzaron haciendo este género, o fue con el paso del tiempo que se fueron orientando al Metal Sinfónico?

La banda en sus inicios tenía más un estilo progresivo y power metal. Según lo mencionado en la anterior pregunta, tocábamos co-

En cuanto a la alineación de Hempírika, ha variado mucho con el pasar de los años y es algo que los ha golpeado. ¿Quiénes están hoy en día en la banda?

En efecto, creo que ése es el problema principal que afecta a cualquier banda. En nuestro caso, el punto débil han sido los bateristas, ya que por nuestras filas han pasado 6 integrantes que, por diversos motivos, no han podido mantenerse en la banda. Es hasta hace unos 4 años que por fin logramos encontrar un baterista que se haya quedado de manera estable en la banda. Nuestra vocalista actual, Evelyn, también se incorporó a la banda hace unos 5 años atrás. El resto del grupo ha conservado la alineación original.

Obviamente, es en este tiempo cuando más hemos podido avanzar con la producción de nuestro material.

La formación actual de Hempírika es Evelyn Jiménez (voz), Luis Hernández (guitarra, guturales), Javier Chagna (bajo), Alexander Cruz (teclados), y Juan Santos (batería).

Cuentan con una vocalista, y, según he leído, con una excelente voz. ¿Qué piensas acerca de las mujeres en el movimiento del metal?

Justamente contar con una vocalista mujer se ha convertido en el identificativo de nuestro grupo acá en el medio. Fuimos de los primeLaCarne Magazine

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ros grupos en nuestro país en dar oportunidad a las mujeres dentro del metal. Al comienzo sí fue un poco duro, ya que el público no estaba acostumbrado a eso en los conciertos, y algunas veces ciertos espectadores lanzaban improperios a la vocalista. Pero con el pasar del tiempo, y también con la influencia de la escena internacional, ahora creo que es muy normal la participación de las mujeres dentro de la cultura metalera y en la música en general. En la actualidad es muy normal incluso ver bandas netamente femeninas en el medio, por lo que se podría decir que por fin hay igualdad de género en la música.

Hempírika estuvo un tiempo algo alejada de los escenarios debido a un lamentable y trágico incidente por el que pasó la banda. Coméntanos.

Sí, justamente en el mes de abril del 2008, tocamos en un concierto el cual terminó en un incendio gigantesco por la irresponsabilidad de los organizadores y de ciertas autoridades.

En dicho incendio perdimos a varios seguidores del grupo, colegas de otras bandas, y público en general. En nuestro caso corrimos con mucha suerte, y logramos salir rápidamente del local del concierto, tuvimos algunas heridas, pero no fueron de gravedad. Fue un día que marcó nuestras vidas, ya que pudimos ver cómo se incendiaba y pedía auxilio la gente dentro del local, y no podíamos hacer nada, ya que el techo se caía y de a poco el humo se fue haciendo negro, imposibilitando la visibilidad.

Esto nos afectó psicológicamente, y nos obligó a plantearnos muchas cosas en nuestra vida. También tuvimos que soportar las críticas de la sociedad, ya que la gente decía que por escuchar ese tipo de música nos había pasado ese accidente. También perdimos nuestros instrumentos musicales, ya que si no los soltábamos, no hubiésemos logrado salir con vida del incendio. Todos estos aspectos nos obligaron a tomarnos un tiempo como banda. ¿Qué los animó a reagruparse y salir a escena nuevamente?

Se podría decir que el tiempo que nos separamos fue algo más que necesario para que

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cada quien pudiera pensar bien y razonar ante lo sucedido. Sin embargo, ya tiempo después, en lo personal sentía “un vacío” por haber dejado de ensayar con la banda, seguir componiendo y demás tema relacionados con la música. Creo que en realidad todos comenzamos a sentir lo mismo. Entonces fue que conversamos entre nosotros, y decidimos retomar los ensayos. El problema era también que se habían perdido varios de nuestros instrumentos en el incendio. Recuerdo que hicimos una rifa y vendimos boletos a nuestros conocidos para poder recolectar algo de dinero para comenzar nuevamente.

Por otro lado, sentíamos “una obligación” de seguir haciendo música en memoria de nuestros amigos que fallecieron y dejaron todo por su ideal, por lo que creemos que también es una forma de rendirles un tributo mientras podemos continuar en este duro sendero del metal.

“Mentiras Disfrazadas de Fe” es su primer álbum, con el cual han obtenido muy buenas reseñas por parte de la prensa metalera. Coméntame sobre este disco. ¿Hay diferencia de aquella banda de los inicios con la actual Hempírika?

Bueno, principalmente nuestro disco ya marca un género bien definido, y con el que nos identifica el público. En sí, como ya lo comentamos en una anterior pregunta, tuvimos que pasar varias etapas e integrantes hasta poder encajar en el género que hacemos actualmente. Sinceramente, sí hay bastante diferencia, hablando técnica y musicalmente, en comparación con los inicios y primeros demos del grupo. ¿Cómo ha sido la repercusión que ha tenido el disco en los diferentes espacios donde lo han promovido? ¿Cómo ha sido la respuesta del público? ¿Es lo que esperaban?

Ya hablando del disco en sí, ha tenido buena aceptación en nuestro medio, y en donde nos ha sido posible presentarlo. Particularmente hemos notado que ha llamado mucho la atención especialmente en países como Colombia, México y España. Tenemos mucho público y amigos que nos siguen de dichos países, y están al tanto de la banda. Nuestro disco está disponible a la venta físicamente en México, EEUU, España, Francia, y Japón, y además está listo para escuchar en la mayoría de plataformas digitales de la actualidad.

En sí, es algo que no esperábamos, al inicio incluso pensábamos producir pocas unidades y poder vender las mismas a nuestros familiares y amigos, pero finalmente, por motivos de costos, decidimos fabricar mayor cantidad de discos, y prácticamente en la actualidad están por agotarse. Nos gustaría llegar más al público europeo, que sabemos es donde más podría ser apreciado nuestro género.

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hempírika ¿De qué hablan las líricas de Hempírika? ¿Cuáles son en general los principales tópicos que abordan en sus letras?

Las letras están enfocadas principalmente en poder brindar un mensaje de conciencia al público, y se conceptualizan mostrando dos escenarios bien definidos: La voz femenina que representa “la belleza” y “sutileza” cuando en las líricas se rinde homenaje a la madre tierra, los hermanos animales, la paz mundial y el respeto entre personas, aunque tengan diferentes creencias.

La voz gutural que representa una “alerta” o una forma de “protesta” ante tanta devastación, guerras, conflictos, genocidios y demás problemas que han estado presentes desde siempre en la humanidad.

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¿Están satisfecho con el sonido y el concepto general de Hempírika, o crees que aún tienen cosas en que adentrarse?

Estamos bastante conformes con el sonido de nuestro disco. Acá en nuestro país no es tan común grabar una banda de metal que además tenga instrumentos orquestales, y un coro de 8 personas que nos colaboraron en ese entonces, por lo que sí fue un trabajo complicado obtener el sonido que queríamos con todos estos obstáculos.

Creo que nos hace falta incursionar en temas de publicidad y marketing con respecto a la banda. En la actualidad puedes tener una súper banda, pero si no te das a conocer de una manera seria y profesional, simplemente nunca te van a escuchar.

Este primer álbum, “Mentiras Disfrazadas de

Fe”, en el 2016 lo sacan en otra versión. Háblanos sobre esta nueva versión del disco.

Justamente cuando estábamos promocionando nuestro disco en las radios y entrevistas, pedían a nuestra vocalista que cantara un tema, aunque sea a capela. Entonces nos dimos cuenta que debíamos preparar nuestros temas, pero en una “versión suave”, justamente para estos apuros. Entonces nos pusimos a trabajar en eso, y a la gente le gustó bastante nuestros temas en versión acústica, por lo que tiempo después grabamos un disco extendido de “Mentiras Disfrazadas de Fe”, pero en versión soft.

En otro ámbito, según tu punto de vista, ¿cómo ves el futuro de la escena metalera en general de tu país, Ecuador?

Sinceramente, acá en nuestro país no es posible vivir de la música, especialmente tocando metal. Cada integrante de nuestro grupo tiene

su profesión y trabajos que nos dan el sustento. Sin embargo, por acá ha crecido mucho la escena, existen gran variedad de bandas, especialmente “jóvenes” que tienen un gran nivel técnico musical que esperamos puedan romper las fronteras de nuestro país y darse a conocer. Hace demasiada falta una productora enfocada en el metal que pueda apoyar y financiar a todas las bandas que tienen música de calidad. ¿Puedes hablarnos de los próximos planes de Hempírika? ¿Para cuándo entrarían a estudio por una nueva grabación?

En la actualidad estamos en proceso de composición de los temas para nuestro nuevo disco profesional. Tenemos planeado entrar al estudio el próximo año, y comenzar ya con la nueva producción visual y musical del álbum.

En cuanto a presentaciones, ¿ya han podido mostrar su propuesta a la mayor parte del país? ¿Hay planes de salir al extranjero?

En realidad, sí. Tenemos la suerte de haber recorrido con nuestra música casi todo el Ecuador. Nos han escrito algunos organizadores de Colombia, Perú y Chile, pero todavía no hemos concretado algún concierto en el exterior, lo que por supuesto nos encantaría, y creo es la meta de cualquier banda musical.

Bien, muchas gracias por su tiempo. Realmente espero que todo marche bien para ti y la banda. ¿Algún mensaje a los seguidores de la banda y para los lectores de LaCarne Magazine?

En realidad, soy yo quien te da las gracias, en nombre de Hempírika, por habernos encontrado, fijarte en nosotros y abrirnos un espacio. Les enviamos un saludo fraterno a todos los hermanos del metal que siguen a vuestra Magazine, y también les deseamos éxitos con la misma. Creo que grupos musicales y medios, todos debemos darnos la mano y seguir para adelante. ¶

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Sociedad Ayacucho habla desde la Llajta boliviana LEER MÁS

L

a historia del Hip Hop boliviano tiene en el corazón de una de sus ciudades (Cochabamba) al que me atrevería a decir es el primer grupo de rap en toda la nación.

Más de 25 años en vigencia desde 1992, y con la firmeza total que solamente los que practican lo predicado saben vivirlo, LMN8 – Sociedad Ayacucho está en la casa. ¿Quiénes integran LMN8 – Sociedad Ayacucho?

Actualmente el grupo está integrado por MC Rata (aka Ratanás, aka Rataro – Christian Ramírez) y MC DoCe27 (aka Sr. 12-27, aka Emecefalo – Jorge Arnez).

Según lo que pude conocer, se inician en 1992 como LMN8. ¿Cuáles son los recuerdos de

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aquella época? ¿Quiénes integraban la banda?

Bueno, como bien sabes, “bro”, en esa época (inicios de los 90’s) la música Rap – Hip Hop era muy poco difundida, particularmente hablando de grupos y/o bandas representativas del movimiento underground allí en EE.UU. En las emisoras locales difundían Rap de MC’s comerciales, y más tirados a la onda Dance/ Pop, como MC Hammer, Vanilla Ice, C+C Music Factory, etc. Para suerte nuestra, teníamos un amigo “pudiente” (por así decirlo) que gozaba de televisión por cable (en esas épocas limitado para la mayoría de la gente en Cochabamba), con la que pudimos conocer y estar al día sobre los orígenes y evolución de este gran género musical y movimiento cultural como es el Rap – Hip Hop, del cual nos enamoramos inmediatamente. Así es que iniciamos nuestro proyecto de grupo LMN8 muy chiquillos (entre 12 y 15 años de edad), siendo los integrantes de entonces MC Rata (C.

Ramírez), Mad Da Bala (C. Mondaca), Mente Rap (C. Valdivia) y Emecefalo (J. Arnez).

Posteriormente, por un periodo muy corto, nos colaboró Neisa Condemaita en los coros.

Se bautizaron como LMN8, que en el trasfondo poético hace referencia a la palabra inglesa “Eliminate”, buscando de alguna manera “eliminar” todo aquello que molesta a la sociedad. ¿Por qué cambiaron el nombre a “Sociedad Ayacucho”?

En realidad seguimos utilizando nuestro antiguo nombre, al cual incorporamos desde 2005-2006 el de Sociedad Ayacucho (LMN8 – Sociedad Ayacucho, o simplemente LMN8 – Sociedad), aunque muchos seguidores y colegas nos conocen más por Sociedad Ayacucho, nombre que hace referencia a esa conocida avenida de Cochabamba, en la cual se desarrolló una segunda etapa (de remodelación) y muchas anécdotas de nuestro grupo, formándose una “Sociedad” que va más allá de la banda de Rap – Hip Hop. Son la banda más longeva en la historia del Hip Hop boliviano en actividad. ¿Cuál es su discografía y videografía hasta la fecha presente?

Ciertamente no tenemos una producción tan prolífica, como la de otros colegas, en nuestra primera etapa debido a limitaciones de dinero y tiempo (teníamos que dedicarlo a estudiar).

Posteriormente, debido a la reducción del grupo, el trabajo, más estudios, la familia, y la dificultad de coordinar tiempos (DoCe27 anda por todo el país, principalmente en La Paz y Rata está en la Llajta*). Sin embargo, siempre tratamos de mantenernos en forma y vigentes en el juego lanzando al menos singles. Asimismo, durante los últimos años hemos colaborado con varios colegas participando de sus temas y videoclips (Manny 912, Fase Lirica, Arte de Kalle, Lizo Mestizo, entre otros).

En 1998 graban el tema “Luz Verde”, que sirve de soundtrack para la película “No escribiré tu epitafio”. Realización 100% cochala* ¿Cómo recuerdan aquellos tiempos de producción?

Pues con mucha nostalgia y también felicidad, porque fue una grabación en un estudio profesional (Terranova Estudios), en el cual espera-

mos nuestro turno de entrar a cabina tras nada más y nada menos que Tupay (jajajaja…).

Además, las guitarras de ese tema las puso un integrante de la banda Sacrilegio, que pegaba bastante en la movida rockera nacional de esos tiempos. Las tomas para el video (Aromo Producciones) se registraron de 20:00 a 06:00 am. en diferentes locaciones, toda una odisea, más aún considerando que alguno de nosotros no tenía permiso en casa para esos horarios (jajaja…). Sabes que en esos tiempos pisar un estudio profesional de grabación y hacer un videoclip costaba un “ojo de la cara”, totalmente limitativo para estudiantes de colegio e inicios de universidad. “Bro”, con lo que costó ese tema (audio y video), hoy tranquilamente se pagaría un álbum completo. Agradecemos mucho a Luis Bredow por ayudar con el financiamiento de nuestra producción, y confiar en nosotros para hacer un Rap que narraba la trama de su película, como tú dices 100% nacional – cochala (ahí actúan, entre otros, unos jóvenes Guery Sandoval “Pocholo”, personaje tan conocido en nuestra Llajta, y Christian Castillo conocido actor de películas nacionales como “Cementerio de Elefantes”), y 100% constructiva en su mensaje social.

Desde sus inicios se han mantenido con el poder de la palabra como vínculo con el arte del Rap y la poesía del Hip Hop. ¿Cómo se identifican dentro de la alta gama de estilos adentro del movimiento?

Los que han escuchado nuestra producción distinguen que su contenido – lírica es cruda, directa y atrevida. Nos enfocamos sobre todo en el análisis y crítica política, social y económica. Buscando generar consciencia de que el Rap – Hip Hop es un medio de expresión propositivo, constructivo y de reflexión. Como alguna vez declaramos: “buscando eliminar de alguna manera aquello que molesta a la sociedad”. Sin embargo, no dejamos de lado el contenido narrativo de nuestras vivencias, lo cual plasmamos en algunos de nuestros temas.

Nosotros hacemos Hardcore Rap – Hip Hop. El Hip Hop es un movimiento y una cultura que está en todo el planeta, sin distinción de credo, de raza, de nacionalidad, o de idioma. El Rap cochabambino hecho a su mejor estilo por LaCarne Magazine

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LMN8 – Sociedad Ayacucho tiene su marca propia. ¿Cómo lograron encontrar su estilo, su flow, su poética y rítmica a la hora de plasmar sus canciones?

Evidentemente, en nuestros inicios nuestro flow y el tipo de instrumentales (beat) que queríamos fueron influenciados por los grupos – bandas y MC’s que escuchábamos. Sin embargo, poco a poco desarrollamos nuestros propios estilos de fluir y rapear, así como las instrumentales y la temática de análisis, crítica y reflexión que actualmente nos caracteriza.

Es así que tanto el contenido y/o complejidad de nuestros mensajes fue evolucionando a la par del flow y estructuras, que pasaron de los típicos pareados a estructuras enriquecidas (siempre manteniendo nuestra propia esencia y características) con rimas interiores, rimas multi – silábicas, dobles tempos, etc. ¿Cómo lo sienten y viven al Hip Hop boliviano?

Consideramos que está en evolución. Sinceramente, aún hay mucho por avanzar y desarrollar en lo que respecta al contenido de los mensajes de muchos grupos – bandas y MC’s, pues éste es para nosotros el elemento fundamental cuando haces música Rap – Hip Hop. Por otro lado, el aspecto que aún está en desarrollo es la producción de instrumentales (beats). Sería ideal poder tener una oferta próspera de beats tal como en otros países, considerando que la mayoría de las bandas de Rap – Hip Hop nacional no cuentan con DJ’s productores dentro de sus mismos grupos. A nosotros nos ha tocado producir los beats con talentosos músicos nacionales, pero también hemos tenido que recurrir a productores del exterior. Sería ideal que ese dinero que se invierte en los beats se quede en el país, fomente a productores nacionales y grupos con sonidos propios, que rescaten nuestra esencia musical nacional. Afortunadamente, eso está mejorando, poco a poco aparecen productores nacionales que conocen la onda Rap – Hip Hop y están creando beats.

Con la llegada de las nuevas tecnologías y los medios llamados “redes sociales” es más fácil dedicarse a plasmar las letras, editar singles, y hacerse de vistas en el internet. ¿Cómo ayu-

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dó el nuevo milenio a la música y difusión del grupo?

Nos ayudó bastante, y a todo el Movimiento Hip Hop en general… Nosotros hemos colaborado con colegas, y colegas han colaborado con nosotros a través del envío de los beats y registros vocales vía internet. Tenemos nuestra página web (en proceso de actualización), página de artista de Facebook, Reverbnation, Soundcloud, y canal de YouTube, lo cual obviamente es un apoyo a la difusión de la música y actividades de LMN8 – Sociedad Ayacucho. Hemos intercambiado y enviado material a colegas y bloggers de otros países. Gracias a la web encuentras interesantes ofertas de beats por pago, e incluso de uso libre. Por otro lado, antes estabas amarrado a lo que los medios radiales y televisivos quieran o puedan difundir. Recordamos muy bien, “bro”, que en los 90’s tenías que rogar a los conductores de los programas o dueños de los medios para que programaran nuestros singles, ya que ellos estaban más enfocados en difundir música comercial y tropical. Todo eso ha ido cambiando, a favor de los artistas no comerciales en general, con el desarrollo y

mayor accesibilidad a las nuevas tecnologías, internet, redes sociales, etc. sociedad ayacucho ¿Cuáles son las influencias musicales de la Sociedad Ayacucho? ¿Qué están escuchando en el reproductor de mp3, casetera o CD player actualmente?

Nuestras principales referencias musicales provienen de grupos representativos del Harcore Rap (Cypress Hill, Onyx, Beastie Boys, House Of Pain), Gangsta Rap (NWA, Ice-T, Boogie Down Productions, Naughty By Nature, Kid Frost) y Hip Hop – Rap de contenido político – social (Public Enemy, Run DMC, KRS – One). Sin embargo, tenemos un amplio gusto por otros géneros musicales que también influenciaron el desarrollo del estilo propio de LMN8 – Sociedad. Particularmente nos gusta mucho el Rock y todos sus subgéneros, por lo que algunos de nuestros beats llevan ese toque rockero en las guitarras con la que algunos amigos colaboran (por ejemplo, en el tema “Ambición de Poder”, las guitarras las puso Miguel Andrade de la banda cochala Mandíbula).

Actualmente, y en honor a la verdad, hay muy poco de lo nuevo que sale en Rap – Hip Hop que valga la pena escuchar, pero por mencionar algunos grupos que estamos escuchando: La Coka Nostra, Jedi Mind Tricks, La Etnnia, Immortal Technique, KRS One, que más bien son grupos y MC’s que vienen produciendo desde hace muchos años atrás, y mantienen la esencia del Rap – Hip Hop “real”. Es lo único que consideramos que vale la pena escuchar. También hay colegas nacionales que van produciendo buen material, pero los puedes escuchar casi exclusivamente intercambiando (discos) o por las redes sociales, pues las emisoras de televisión y radio han limitado sus programaciones de música “urbana” al reguetón y trap, géneros que en general no tienen un mínimo de mensaje constructivo. ¿Cuál es la anécdota de los gloriosos 90’s que haya marcado al grupo hasta este nuevo tiempo, que pasa volando sin detenerse?

Los 90’s, considerado por muchos, con los que estamos de acuerdo, fue realmente la era dorada del Rap – Hip Hop. Por la proliferación del género, el florecimiento de subgéneros

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(como el G-Funk, que nos gusta mucho), el enriquecimiento y evolución del flow que en los 80’s estaba caracterizado más por el pareado.

Para nosotros fue una década muy importante por lo que ya mencionamos anteriormente, la grabación del videoclip “Luz Verde”, y anécdotas como las entrevistas en algunos medios de comunicación, presentaciones y shows en la Llajta. Recordamos muy bien la primera (en un colegio), en la cual tuvimos que apoyarnos en una dosis de singanito* para agarrar valor y rapear en público, jajajaja… Seguramente muchos colegas que también se iniciaron como MC’s y grupos de Rap – Hip Hop en los 90’s tienen un cariño muy especial por esa década.

Lo único que se lamenta es que no hubo las condiciones y apoyo para haber podido producir más.

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Cochabamba es la ciudad de mi infancia, puesto que soy de madre cochala, y es el lugar donde aprendí a manejar bicicleta, a nadar, y a jugar con amigos del barrio. La presencia del Hip Hop en la Llajta es mucho más sentida y vívida que en varias ciudades de Bolivia. ¿Cómo está en su actualidad la escena local y su historia dentro de la cultura del Hip Hop? Al igual que en la escena nacional, consideramos que está en evolución. La frecuencia de los eventos es menor a la de unos años atrás, y un aspecto que aún queda por mejorar es el sistema de sonido de los shows. Claro que eso es cuestión de tiempo, pues ya se paga cover (entrada o aporte) y eso ayudará con seguridad a brindar mejores condiciones a los grupos y MC’s que se presentan. Algo destacable es la mayor participación de MC’s femeninas que se plantan en tarima, sueltan barras

Después de un receso algo prolongado, estamos retomando los micros y beats, “bro”. En las próximas semanas lanzaremos un par de singles, y hasta fin de año esperamos tener cocinado y listo el álbum en solitario de DoCe27 (el cypher del que participaste formará parte de este álbum). Posterior a eso retomaremos el siguiente álbum de LMN8 – Sociedad, el cual se quedó con temas pre producidos y en producción desde 2013. No lo pudimos concluir por limitaciones de tiempo nuestro y del Studio con el que trabajábamos. También esperamos poder hacer más colaboraciones con Marraketa Blindada, pues los mensajes que transmite a través de su lírica son bastante constructivos, y es algo que nosotros valoramos mucho de un colega a la hora de hacer colaboraciones.

y flows cada vez de mayor nivel. Hay nuevos colegas que están iniciando su producción y otros veteranos que se mantienen produciendo. Lo que sí ha cobrado mayor protagonismo son las batallas de freestyle en formato de plaza, donde la “Plaza 14 de Septiembre” de la Llajta es el principal escenario de estos encuentros, lo cual en cierta manera apoya a la difusión de la Cultura Hip Hop. En 2012 tuve el gusto de conocerlos en una movida allá en la Llajta, e intercambiamos material discográfico, quedando muy contento con la nueva amistad que sembramos en ese momento, y actualmente participé – gracias a su invitación – de un cypher junto a amigos de la escena local dentro del Rap boliviano. ¿Cómo se está cocinando este proyecto, y qué se viene dentro de la Sociedad Ayacucho?

Un mensaje de aliento y despedida a la gente que los sigue y apoya.

Agradecemos infinitamente a todos los seguidores y colegas que apoyan nuestra producción. Te agradecemos mucho la invitación para esta entrevista. Invertimos bastante (tiempo, recursos, esfuerzos para coordinar horarios, etc.) en la producción de un álbum, pues para nosotros es equivalente a escribir un libro, y nos sentimos muy felices cuando les gusta leerse ese libro, por ello es que demoramos, pero ahí seguimos y seguiremos rapeando hasta que los dientes se nos caigan, jajaja… Nacimos para hacer Rap – Hip Hop. ¶ 1. Llajta*: Vocablo de lengua Quechua que se utiliza para referirse a Cochabamba. Significa “Valle” en Castellano.

2. Cochala*: nacido o perteneciente al departamento de Cochabamba, ciudad de Bolivia.

3. Singanito*: Bebida de grado alcohólico hecha de uva y que forma parte de tradición popular dentro de la cultura boliviana

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The Hellish

el éxito de la mujer en el Rock

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esde México llegan The Hellish, una agrupación compuesta por cinco bellas chicas que decidieron en el 2015 formar una banda. Dos años después de su formación sacan su primer material en formato de EP, y realizan el video clip de su primer single titulado “Betrayers”.

Siempre he sido un seguidor de bandas donde se encuentran chicas, y es algo que demuestra que las mujeres también sienten esa pasión por el rock, donde se combina la belleza con el talento.

La vocalista de la banda, Herci Edlyn, da respuesta a la entrevista.

Los inicios de la banda datan de hace aproxi-

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madamente 4 años, y todo comenzó a cuajar en un taller de carpintería. ¿Qué nos puedes contar al respecto sobre estos inicios?

No teníamos recursos ni equipo propios, así que utilizábamos el taller de carpintería de un amigo como cuarto de ensayo, ya que él contaba con algunos amplificadores y lo mínimo a requerir para hacer a una banda sonar.

Fueron inicios muy difíciles porque la alineación no estaba completa. Fueron aproximadamente 3 meses los que tuvimos que trabajar sin guitarrista (la que teníamos nos abandonó sin previo aviso). Audicionamos a 20 chicas aproximadamente, sin éxito alguno, hasta que llegó Cinthya, guitarrista actual, y desde entonces no hemos parado de trabajar.

Al mundo del metal se lo considera muy machista. The Hellish es una banda mexicana liderada en su totalidad por mujeres. ¿Esto ha influido en el desarrollo de la banda?

Desde luego! El tener una banda de mujeres

en un medio así puede prestarse a prejuicios, tabúes y morbo, pero tratamos siempre de tomar lo mejor de cada cosa. Nos centramos en mejorar nuestro producto y nuestro concepto. No nos define nuestro género, nos define nuestro trabajo. ¿Por qué crear una banda integrada completamente por mujeres? ¿Quiénes son las chicas que integran la banda?

Porque creemos en el talento femenil de nuestra ciudad. Hubo un tiempo en el que incluir a un hombre como baterista parecía la única opción, pues no había ninguna chica para llenar la vacante, pero nos aferramos y seguimos buscando hasta encontrar a la indicada. Es muy importante para nosotras el probar mediante hechos que las mujeres podemos hacer las cosas bien. Somos 5 mujeres aferradas a la idea de que la presencia femenina en el rock tiene que prevalecer, y no precisamente como “grupies”.

Cinthya Bolado y Cristaine Medina en las guitarras, Alex Port es bajista, Dani Pach a la batería, y Herci Edlyn es la vocalista.

Respecto a su música, ¿dónde podemos encasillar la propuesta musical de The Hellish?

Es una cuestión que aún está en proceso porque nos falta mucho por probar y experimentar. Sin embargo, podemos ubicar nuestra música en el Hard Rock/Blues Rock, por decir algo… ¿Qué temática generalmente abordan en sus temas?

Ninguno en especial. Cada canción tiene un carácter y tema propios. Los 5 temas con los que apenas contamos hablan de temas que van desde la religión, sexo, experiencias personales, etc.

En el 2018 lanzan el EP llamado “With Or Against Me”. ¿Cómo fue la aceptación del público y de los medios hacia este material? ¿Mostró LaCarne Magazine

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el potencial de la banda o sólo fue una prueba de lo que podían hacer?

Fue bastante bien recibido. Logró su objetivo, que era ponernos en el mapa. Pero sí, tenemos mucho más que mostrar. Hemos mejorado bastante desde que grabamos “With Or Against Me”. Ése solo fue el comienzo. ¿Cómo ha sido el trabajo de promoción del EP “With Or Against Me”?

Ha sido toda una experiencia de aprendizaje.

Nuestro EP nos llevó a compartir escenario con bandas importantísimas en nuestra escena, y eso nos dio la oportunidad de aprender de todos ellos. Nos puso de frente a nuestra realidad. No importa qué tanto creas que trabajas, siempre hay alguien que trabaja más que tú, y poner a “With Or Against Me” en el mapa nos hizo comprender lo que estábamos haciendo bien y lo que estábamos haciendo mal. El promocionar este EP sólo nos despertó un hambre de producir otro más.

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Sobre las presentaciones que han realizado, sería bueno comentar un poco. ¿Dónde se han presentado, con qué bandas han podido compartir escenario…?

Nos hemos presentado en los foros más importantes de la escena independiente de la Ciudad de México. Hemos compartido escenario con bandas como Strike Master, Lack Of Remorse, Tulkas, Luto, Cartas de Vincent, Introtyl, Jet Jaguar, Voltax, Koltdown, etc. Todos ellos grandes influencias y bandas muy respetadas dentro y fuera de México.

México tiene una de las escenas más fuertes de Latinoamérica. Por esta razón, para una banda relativamente joven como ustedes, ¿es difícil entrar en esta escena? ¿Se sienten respetadas por el medio, o piensan que aún les falta algo para lograr el respeto de todos?

No fue muy difícil entrar, permanecer es el verdadero reto. Creemos que hasta ahora hemos logrado el primer objetivo, que era ser parte de la escena, pero, efectivamente, mantener

el respeto de nuestro público y colegas es otro tema.

Definitivamente nos han respetado y apoyado, de eso no hay duda. ¿Qué piensas sobre la actual escena mexicana?

Va en ascenso. Las bandas se esfuerzan cada vez más por lanzar material de mayor calidad.

Es una constante competencia en la que todos tenemos espacio. Todos aprendemos de todos. Existe un apoyo bastante cálido, al menos para nosotras. Colegas de otras bandas siempre se acercan a brindarnos feedback, a comprar nuestras playeras, a hablar de música, a tomar una cerveza…

La escena en la ciudad es como un pequeño pueblo donde todos se conocen. Es un sentimiento genial ir a los venues y encontrarte con gente que respetas y admiras. Es una sensación increíble.

Regresando al tema de las integrantes, ¿están todas de lleno a la banda o algunas tienen proyectos paralelos a The Hellish?

Actualmente todas estamos de lleno en The Hellish. Nuestro corazón le pertenece 100% a este proyecto.

Hablemos acerca del EP nuevamente. ¿Dónde se grabó este material, quién lo produjo? ¿Algún sello discográfico se ha interesado en la banda?

Lo grabamos en un estudio independiente llamado Figuraco Music House, y fue grabado por Nikolay Malajevich.

Ha habido algunos interesados en el proyecto, pero el trato que ofrecen no nos parece pertinente, así que, por ahora, nos mantenemos independientes. ¿Cuál es su principal meta como banda? ¿Cómo ven el futuro de The Hellish?

Nuestro principal objetivo siempre es mejorar como banda, implique lo que implique.

El futuro se ve bastante brillante, aunque incierto. El tiempo dirá. ¿Cuáles son los próximos pasos de The Hellish? ¿Alguna gira, conciertos, presentaciones…?

Nos urge regresar al estudio antes que cualquier otra cosa. Queremos producir algunos buenos singles y regresar a los escenarios.

Tenemos algunas fechas fuera de la ciudad a finales del año, pero nada más.

Bueno, esto es todo. Sinceramente agradezco tu tiempo y tus palabras. ¿Podrías darnos algún mensaje final?

Muchas gracias por la atención brindada. Les mandamos un abrazo cálido hasta Cuba. ¡Sigan rockeando! ¶

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P

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or la Vena es una joven agrupación procedente de Puerto Rico, que sabe hacer a la perfección una fusión de varios elementos del metal y hasta algún que otro toque de ritmos latinos. La publicación de su primera producción discográfica es parte de los planes de la banda para el 2020.

Mike A. Espejel es uno de sus fundadores y guitarrista, y es quien contestó esta entrevista.

La banda lleva pocos años en la escena, así que sería bueno hacer un pequeño repaso sobre los inicios de la agrupación.

Luego de varios años de intentar estar en bandas, tomé la decisión de crear mi propia agrupación con mis amigos de la escuela, y así fue como Por la Vena se fundó en el año 2014. Desde el primer día sabíamos el camino que teníamos que recorrer, y cuál era nuestra meta como agrupación. Por lo tanto, tan pronto hicimos nuestras primeras canciones, nos dedicamos a tocar en vivo en cualquier tipo de show dentro o fuera de la escena de Rock local puertorriqueño. Poco a poco la agrupación ha crecido y ha ganado experiencia en el escenario, ya que desde la fundación no hemos parado de tocar en conciertos y shows locales. ¿Cómo surge y por qué el nombre de la banda Por la Vena?

Tardamos un poco en decidir qué nombre ponerle a la banda porque, aunque sabíamos cuál iba a ser el estilo de música, no teníamos ni idea de qué nombre sería el ideal. Luego de considerar varias ideas y de pensar mucho en que el nombre debe representar el estilo y propuesta musical, surge el nombre Por la Vena.

Por la Vena es una agrupación que fusiona varios elementos del metal y hasta de ritmos latinos. Para despejar dudas, quisiera nos explicaras la autodefinición del estilo musical, y de dónde toma sus principales influencias e inspiración para las composiciones.

Nos autodefinimos como una banda de Metal

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Por la Ven

y su papel en la esce Boricua, ya que, aunque utilizamos varios elementos de los géneros Nu-Metal, Groove Metal, Heavy Metal, la banda se enfoca en que la música debe ser 100% original, puertorriqueña y en español. Queremos crear nuestro propio estilo, y hacer nuestro propio movimiento.

Como inspiración utilizamos nuestras experiencias personales, y usamos como herramienta varios conceptos que eventualmente el público podrá ver.

La mayoría de las bandas siempre sufren algunos cambios de integrantes. ¿Qué nos puedes hablar de los cambios ocurridos en este corto tiempo de la banda? ¿Quiénes integran la banda actualmente?

En Por la Vena solamente hemos hecho dos

na

ena de Puerto Rico cambios de vocalista. Los anteriores, por situaciones personales, no pudieron seguir con la agrupación, pero hoy día contamos con Jay Marrero como vocalista. Los miembros de la banda son los siguientes: Mike A. Espejel (guitarra principal y segunda voz), Aníbal A. Nieves (guitarra), Arnaldo Resto (bajista), Edwin Pedroza (baterista) y Jay Marrero (vocalista). ¿Cómo ha sido hasta el momento la recepción de la banda, tanto por los fans como por la prensa?

La recepción del público en la isla ha sido genial. En cada presentación siempre recibimos el cariño y el apoyo de nuestra gente. En la escena hay revistas “Indie” que en varias oca-

siones nos han hecho entrevistas y contamos con su apoyo.

A inicios del 2019 publican su primer sencillo titulado “Guerra”. ¿Qué tal fue el recibimiento a este primer tema de la banda?

El sencillo “Guerra” lo hemos utilizado como experimento, ya que es nuestro primer tema producido en un estudio independiente. Al momento de producir ese tema, aprendimos mucho sobre el proceso de grabación, y sin duda alguna la calidad de los próximos temas va a ser mejor. El público lo ha recibido bien, en la presentación más reciente varias personas lo cantaron con nosotros, eso para la banda significa mucho.

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¿Cómo se distribuye el trabajo de composición en la banda, es algo colaborativo o más bien tarea de un compositor principal?

Definitivamente es un proceso colaborativo.

Todos los miembros tienen la oportunidad de expresar sus ideas, y como equipo decidimos qué es lo mejor para cada tema. ¿En qué están inspiradas sus letras? ¿Cuál es la temática?

En nuestras canciones hablamos de todo un poco. Vivencias personales, crítica social, historias, hechos históricos, etc., pero al momento nos enfocamos en vivencias personales e historias. ¿Creen que, con su propuesta musical, de alguna forma están haciendo un llamado de atención ante la enfermedad social que vivimos?

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No creo que nuestra propuesta haga un llamado en esa situación, pero sí hacemos un llamado a todo aquel que le guste el metal en español y disfrute de la buena música que se está haciendo. En algunos temas de crítica social trataremos de señalar algunos puntos que nos molestan de la sociedad de hoy, pero por ahora estamos enfocados en hacer buena música para que todo fan de la música pesada en español lo pueda disfrutar.

Cuéntenme un poco sobre sus presentaciones, sé que no son pocas. ¿Qué se puede encontrar un espectador en sus conciertos?

Pasión. Toda persona que vaya a un concierto de Por la Vena será testigo de que hacemos esto porque nos apasiona y lo amamos. Buscamos que nuestra música nos lleve lejos y que algún día sea nuestro trabajo a tiempo completo. Lo queremos todo.

siderablemente. Cada banda, promotor, negocio, sala de conciertos, son parte de este crecimiento. El rock o el metal en la isla no es el género que predomina, por lo tanto, no hay industria. Toda agrupación busca la manera de grabar sus producciones independientemente, y por lo tanto es un poco complicado.

En cuanto a los medios masivos, como el metal no predomina, no hay ningún tipo de apoyo. En la escena hay revistas independientes, blogs, foros, páginas, grupos, podcasts, que apoyan incondicionalmente a las bandas, pero los medios masivos como la radio, la TV o el periódico, hacen caso omiso.

En la escena puertorriqueña hay muchas bandas de diferentes sub-géneros. Entre ellas están Calamity (Thrash Metal), Los Gallos (Deathcore), Fullminator (Crossover Thrash), A Million Souls (Alternative Metal), Cold Times (Hardcore), Irrational Thought (Deathcore), etc…

A parte de la producción del álbum, ¿cuáles son los próximos pasos de la banda?

A parte del EP, nuestra meta es tocar alrededor de la isla, y si podemos salir del país para promover nuestro trabajo, que así sea. Queremos representar el Metal Puertorriqueño en todo el mundo. Luchamos día a día para que eso suceda.

Sé que ya están trabajando en su álbum debut, que si mal no recuerdo llevará por título “Pólvora Roja”. ¿Es así? Sería bueno comentaras un poco sobre este primer material discográfico de la banda, dónde se grabará, productor, cuántos temas, si algún sello lo editará o es de forma independiente…

“Pólvora Roja” será nuestro próximo sencillo.

Nuestro primer disco o EP no tiene título todavía, pero ya tenemos el concepto en producción. Todos los temas los estamos produciendo de forma independiente. Hasta ahora serán 5 temas. ¿Cómo ves la escena en Puerto Rico? ¿Qué bandas destacarías? ¿Hay apoyo de los medios hacia el metal en general? Me refiero a revistas, radios TV… La escena en Puerto Rico está creciendo con-

Bien, esto es todo. Muchas gracias por el tiempo. Algún mensaje, comentario o algo que deseen decir y dar a conocer a los lectores, adelante! Gracias por todo.

Agradecemos a Omar Vega por el interés en entrevistarnos, y agradecemos a LaCarne Magazine por hacer esto posible. A los lectores, esperen mucha música de Por la Vena.

Si les gusta lo que hay, compártanlo con sus amistades y sean parte de la familia. METAL BORICUA PA´ TODO EL MUNDO. ¡GRACIAS! ¶

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El Metal de

Mataleón

sobrepasa Argentina

D

integrantes terminan un antiguo proyecto. Me gustaría comentaran sobre ese proyecto y por qué deciden terminarlo y dar comienzo con esta nueva banda.

Así es. Pablo Giménez (voz y guitarra) y Sebastián Cisneros (bajo y voces) provienen de una banda llamada Fuerza Extrema, la cual perteneció a la escena del metal de Buenos Aires y sus alrededores a principios de los 2000. En 2013 deciden encarar y darle forma a este nuevo proyecto al que llamaron Mataleón. Un tiempo más tarde nos sumamos Daniel Buffalari (batería) y yo (Nacho Rovira, guitarras).

Pronto ya podrán contar con su esperado álbum debut. Aquí están Nacho Rovira (guitarrista) y Sebastián Cisneros (bajo), quienes responden la entrevista.

¿Por qué Mataleón como denominativo de la banda? ¿Puede ser relacionado con el sonido que despliega la banda?

Inicialmente Mataleón está asociado a una maniobra de artes marciales muy conocida.

Algunos de nosotros somos ex-practicantes de ellas, y eso es una influencia que te marca de por vida. El nombre tiene mucha presencia

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esde Buenos Aires, en la Argentina, conocemos a la banda Mataleón, agrupación que se forma por el año 2013.

Su propuesta musical es muy moderna, con un sonido contundente y riffs poderosos. Esto se demostró con su primer EP, el cual fue del agrado del público y muy bien recibido. Algo importante para la banda fue haber sido seleccionada entre las mejores 50 bandas del país en un concurso organizado por el programa televisivo Banda Soporte.

La banda surge luego de que algunos de sus

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y mucha fuerza, lo cual encaja perfectamente con la intensidad de la búsqueda musical que planteamos.

A su vez, el león es el rey de la selva, el más fuerte, y matar al más fuerte es acabar con todo eso que te oprime y te tira para abajo, lo cual encaja también perfectamente con la temática de nuestras letras.

En el 2015 sacan su primer trabajo en forma de EP con el título de “Sangre”. Coméntanos sobre este primer material.

“Sangre” está compuesto por 3 canciones que marcan la primera raíz de lo que hoy llegamos a ser como banda. Ahí ya se vislumbra la búsqueda de riffs pesados e intensos, con guitarras bien al frente y estribillos melódicos.

El estilo musical de Mataleón yo diría que se mueve por varias tendencias del metal. ¿Cómo definirían la propuesta de la banda?

La propuesta musical de la banda se basa en la suma de los aportes de los 4 integrantes.

Cada uno de nosotros tiene sus influencias particulares, y estos confluyen todos en el amor en hacer música y, segundo, en la música pesada. De todas maneras, tratamos de que no quede ahí, de no cerrarnos, e incluir siempre algún elemento de algún otro estilo musical para darle a cada canción su identidad e impronta particular.

En el 2017 lanzan otro EP, “Orgullo”. Detállanos sobre esta producción, ¿dónde se grabó, cuántos temas la componen…?

“Orgullo” es un avance de lo visto en “Sangre”.

Está compuesto por dos canciones, Mi Fortaleza y Esclavo del Rencor. Éstas fueron producidas por Martin Merayo (ex-Clay y actual Director Adjunto de la Orquesta de Buenos Aires), y grabadas en su estudio Nou Pous Records durante 2016, y lanzadas en 2017.

Cabe destacar que ambas canciones tienen su videoclip oficial, el cual pueden encontrar en nuestro canal oficial de YouTube.

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El trabajo audiovisual siempre es algo muy importante para cualquier banda. Mataleón cuenta con algunos videos clips. Desde el punto de vista técnico y de producción, ¿qué podrían comentarnos acerca de estos videos, y cómo estos han contribuido a darlos a conocer y a la promoción de la banda?

No es nada fácil para una banda que recién da sus primeros pasos, tener la posibilidad de acompañar la música con material visual. Para estos videoclips tuvimos la suerte de trabajar con gente muy talentosa, y que supo interpretar la visión musical de la banda y traducirla a una imagen de gran calidad. Por esto pensamos que ambos videos ayudaron muy positivamente en sacar a la banda hacia un público más masivo, y por suerte fueron muy bien recibidos.

Algo muy importante para la banda es haber sido seleccionados y estar entre las 50 mejores bandas de su país en un concurso. ¿Quisiera que me hablaras de este concurso y qué tal les fue esto para ustedes estar entre esas mejores bandas?

El concurso del programa televisivo “Banda Soporte” es muy importante para nosotros, ya que funciona como una gran vidriera para los que recién empezamos nuestro camino. Poder llegar hasta la etapa de los mejores 50 es un premio al trabajo duro que venimos haciendo estos años, a nunca rendirse y a siempre estar empujando a la banda a mejorar en todos los aspectos.

Luego de dos EP, en el 2018 lanzan su primer álbum, “Eres Capaz de Vencer”. ¿Cómo fue la aceptación de este material? ¿Tuvo la aceptación que esperaba la banda por medios y fanaticada?

Para poder darle mayor difusión a las nueve canciones que conforman nuestro primer disco, tomamos la decisión de lanzar las canciones una por una, de a una cada mes. Hoy en día nos encontramos en la mitad de ese proceso, el cual se inició con el lanzamiento del videoclip de la canción que da título al álbum, “Eres Capaz de Vencer”, en mayo de 2019.

Podemos decir que la repercusión que está teniendo el material que va viendo la luz supera

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día a día nuestras expectativas, acumulando muchas reproducciones en las plataformas en las cuales se encuentra (Facebook, YouTube, Instagram, Spotify), y con muy buenos comentarios que nos hacen llegar cada persona que lo escucha, los medios, gente amiga, familia y colegas. Eso nos motiva y estamos muy agradecidos.

Para este disco contaron con reconocidas personas, tanto para la producción como en la batería. ¿Podrías comentarnos sobre este tema?

Para nosotros es un honor y nos llena de orgullo que gente con mucha trayectoria, experiencia y humildad se sume desde su lado para respaldar este proyecto. Trabajamos con Paulo Torres (ex Pork y D-Mente y profesor de batería de Dany) como drum doctor y productor de las baterías del disco. Él nos ayudó

en la confección del audio final de las mismas.

Para la grabación de voces, bajos y guitarras, y producción (edición y mastering general) contamos con el gran aporte de Martin Merayo y su equipo. Por último, en una de las canciones se sumó Lizardo Álvarez (guitarrista de O´Connor) a grabar algunos arreglos y solos de guitarra.

Los trabajos de Mataleón han sido grabado en los estudios de Nou Pous Records. ¿Por qué la preferencia por este estudio? ¿Se presentan algunas facilidades en el mismo?

Nou Pous Records es el estudio de Martin Merayo. Con la experiencia de haber grabado nuestro EP “Orgullo” con él, no dudamos en volver a trabajar juntos en este proyecto tan importante para nosotros. A Martin lo admiramos como músico, nos aporta opiniones, reco-

mendaciones y conocimientos que suman a la producción de nuestro material. También por su buena predisposición para con nosotros, que no somos músicos profesionales y nos es de una gran ayuda todos sus consejos. Nos sentimos muy cómodos trabajando junto con él y su equipo.

Sé que han compartido escena con importantes bandas de su país. ¿Qué experiencia le ha dejado esto?

En los inicios de la banda buscamos tener publicidad actuando junto a bandas convocantes de la escena nacional argentina, porque no es fácil darse a conocer cuando eres una banda underground e independiente, pero esto no es gratis, ya que te obliga a ingresar al modo de trabajo de productores que no tienen tus mismos intereses. Lo “positivo”, el hecho de poder

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compartir momentos con músicos de trayectoria que admiramos. Desde ese lado siempre se puede aprender. Ya sea de cómo se arma un show, como se preparan, algún consejo técnico… Cualquier cosa es de gran ayuda y genera un gran aprendizaje para nosotros.

Muchas bandas hablan sobre problemas (sociales, psicológicos, personales, ecológicos…) en sus letras. ¿Las letras de Mataleón plantean soluciones?

Las letras de Mataleón son personales, hablan sobre vivencias, experiencias personales, pensamientos, cosas que salen de adentro de nuestro ser y que son comunes a todos. Además, tratamos de dar una visión positiva sobre estos aspectos de la vida. En particular, las letras del disco están marcadas por la lucha interna que todos en algún momento tuvimos que atravesar para salir de un estado de oscuridad hacia la luz, en cualquier circunstancia.

Dada la situación y crisis actual del país, ¿cómo ven en su opinión la actualidad de la escena del metal en Argentina, y cómo esto impacta en el crecimiento y profesionalismo de la misma?

Desde nuestro punto de vista, la escena del metal en Argentina es pequeña, no por la cantidad de bandas, ya que hay muchas y, en general, son muy buenas, sino porque la cantidad de bandas que logra subsistir, y emerger desde un espacio más under hacia algo más masivo, es realmente poca. Ya sea por falta de espacios, de público o de apoyo económico.

Obviamente, este contexto es desfavorable para nosotros. Pero también, desde nuestra forma de ver y hacer las cosas, los momentos de crisis son momentos de oportunidades.

Creemos en el trabajo duro, creemos en sacrificarnos por un anhelo, y creemos que podemos lograr algo con nuestra música.

Probablemente, y desde lo que mencionábamos anteriormente, debamos trabajar más duro para conseguirlo, pero nos alienta mucho saber que cada vez que deseamos algo, luchamos por ello. Una forma de enfrentar la situación económica actual en el underground es planificar shows con otras bandas y unirnos, para que podamos seguir difundiendo y

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manteniendo nuestro arte en la escena under independiente. ¿Cuáles serían los próximos pasos en la carrera musical de la banda? ¿Los aspectos de internacionalización y difusión de la música de Mataleón cómo han sido planificados y ejecutados?

Hoy en día estamos muy enfocados en presentar nuestro nuevo material. Ya sea con shows en vivo, entrevistas, redes sociales y todo espacio que nos ayude a difundir/mostrar nuestra música. Gracias a las redes sociales encontramos que también podemos llegar a distintos países, y han recibido nuestro material de manera muy positiva. Si bien fueron oportunidades que encontramos, no fue planificado, nos demuestra que es una gran herramienta para compartir nuestra música, con colegas, bandas, periodistas y difusores en distintos lugares, con los mismos sueños que los nuestros.

Como en este caso, poder concretar esta entrevista con ustedes, ya que esto nos ayuda muchísimo a darnos a conocer. Humildemente estamos muy agradecidos por su apoyo.

Gracias por el tiempo en responder esta entrevista! Pero no me quiero despedir sin que la banda emita un comentario final hacia los lectores, y en general a toda la escena.

Antes que nada, ¡infinitas gracias, Omar! Por darnos este espacio y esta oportunidad de acercarnos a tus lectores. Muchas gracias a todos los que dieron un ratito de su tiempo para leer estas líneas. Esperamos que puedan sumarse a esta familia que crece día a día que es Mataleón. Y a todos nuestros colegas, sigamos hacia adelante y Viva la Música Unida! ¶

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Zero Tolerance

diciendo las cosas claras desde Chile Os dejo con Zero Tolerance!

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E

stos artistazos, luego de muchos ensayos, deciden ya de forma más seria ponerse de lleno a la banda y crean Zero Tolerance en el 2010, en la ciudad chilena de Quillota. Realizaron su debut ante el público ese mismo año, obteniendo muy buen recibimiento.

Después de mucho tiempo de preparación, logran sacar su primer disco a inicios del 2014, con el cual han obtenido muchas reseñas de medios de varios países.

Pero esto sólo ha sido el aperitivo! Por medio de su baterista, Pablo López, conoceremos más sobre esta agrupación chilena.

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Saludos y sean bienvenidos a este espacio de LaCarne Magazine. ¿Algunas palabras antes de dar inicio con la entrevista?

Hola, y muchas gracias a ustedes, más que nada por el interés de la entrevista y el espacio.

Los primeros pasos de Zero Tolerance fue haciendo covers. ¿Podéis poner a los lectores un poco al tanto de los inicios de la banda?

Bueno, la banda partió con covers, pero eso más que nada en los primeros ensayos y para conocerse como músicos. Siempre tuvimos la idea de hacer material propio, pero obvio hacíamos covers a bandas como Death, Iron Maiden, etc. Eran versiones más a nuestro estilo.

Creo que estuvieron un tiempo inactivos por el 2011. ¿Qué los motivó a reagruparse nuevamente?

de Death/Thrash Metal con varias influencias Groove. Dentro de estas influencias tenemos a bandas como Death, Iron Maiden, Entombed, Quo Vadis, Dimmu Borgir, Pantera…

Esas bandas serían principalmente el punto de congruencia entre todos los que integramos la banda. Hay más influencias personales, pero éstas son las de cabecera. ¿La actual formación de la banda es el mismo line-up de sus inicios? ¿Quiénes en la actualidad conforman Zero Tolerance, y, antes de estar en esta banda, qué experiencia previa tenía cada uno de los músicos?

Sí, conservamos la misma formación desde nuestro origen, salvo el segundo guitarrista que se ha ido alternando en periodos de presentaciones en vivo, pero desde ya hace poco menos de diez años que venimos siendo los mismos en la formación: Diego Jorquera (bajo), Pablo Torres (voz), Jorge Zavala (guitarra) y Pablo López (batería).

Cabe mencionar que Zero Tolerance es la primera banda de todos nosotros, uno que otro ha colaborado con alguna banda amiga, pero ésta fue la primera experiencia para todos.

Claro, ese momento que estuvimos inactivos, que fue casi un año, fue por motivos básicamente de tiempos. Algunos tenían sobrecarga de estudio, trabajo, etc., y eso llevaba a que no se diera un momento de encuentro para hacer música.

Lo que nos motivó a continuar con este proyecto es básicamente las ganas y la necesidad de hacer Metal, de tener algo que entregar, un mensaje, una idea, dar a conocer lo que nos desagrada, y lo que no está bien de una manera que nos acomoda, que es haciendo Metal. ¿Dónde podríamos ubicar la propuesta musical de la banda? ¿Quiénes o qué bandas consideran sus mayores influencias?

Un lugar fijo donde ubicar la propuesta de la banda es difícil, ya que poseemos diversas influencias. Ubicarla o encasillar nuestro trabajo en un solo subgénero del Metal es difícil, pero principalmente nos inclinamos por una mezcla

“Abismal” es el disco que lanzan en el 2014, pero que desde mucho tiempo antes se venía gestando. ¿Por qué se dilató tanto la salida de este primer material?

Esto principalmente se dilató por un tema de tiempo, como te comentaba con anterioridad.

Cuando partimos, teníamos sólo un par de temas hechos. Entonces, al volver a reactivar la banda, nos pusimos a componer de manera intensa hasta lograr lo que queríamos, lo cual se dio de una muy buena manera, y quedamos conformes para ser la primera vez y en las condiciones que se grabó, y salió el disco.

Fue algo que tuvo una buena recepción entre el público, eso fue algo bastante bueno.

Este primer trabajo fue lanzado por un sello chileno-colombiano. ¿Cómo se dio esto? Coméntanos sobre este disco.

Sí, salió mediante WP Records Label & Distro, que es un sello que tengo con Alejo Serna, que es un colega de Colombia. Nos animamos y sacamos el material de nuestras LaCarne Magazine

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bandas bajo esta placa. Pronto esperamos tener trabajos de más bandas bajo el sello.

“Abismal” fue la primera placa que lanzó nuestro sello, y vaya que tuvo una buena recepción, fue un sonido fresco pero que no perdía la esencia del Metal poderoso y potente que queríamos hacer. ¿Cómo ha sido el trabajo de promoción de este primer disco?

El ciclo de promoción del primer disco “Abismal” lo consideramos muy bueno. Tocamos en muchos lados, hubo muchos “reviews” del disco, tanto en Sudamérica como en Europa, incluso en países que no hablaban nuestro idioma. Eso nos sorprendió bastante, pero fue una grata sorpresa el haber repercutido y aportado al Metal con nuestro trabajo. También se lograron vender todas las copias del disco. Es más, un sello de Perú llamado Dark Art Lugubrem Prod. sacó una re-edición de nuestro disco, el cual viene en camino a Chile para quienes aún no lo hayan adquirido, aún hay chance.

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¿Cuáles han sido los conciertos más importantes de la banda, y con quién han tenido el gusto de compartir tarima?

Bueno, estando en el underground creemos que todas las presentaciones o conciertos son importantes. Vayas donde vayas, y haya el público que haya, siempre hay que dar lo mejor de uno. Siempre recordamos un par de veces en Santiago, capital de Chile, en donde la gente nos recibe de muy buena manera y muy entusiasmados a lo que vayamos a mostrar. También mencionar nuestra ciudad natal, Quillota, donde hemos tocado frente a público muy numeroso. Eso siempre es satisfactorio.

Dentro de toda nuestra carrera hemos tenido la suerte de compartir escenario con varias bandas amigas como Quimera, Spectral, Lafaln, Bunker, etc., y además de compartir escenario con las bandas más legendarias del Metal Chileno como Sadism, Torturer, Apostasy, Cerberus, Bunker, y ahora último nos tocará abrir el show para los mundialmente conocidos Pentagram.

¿Qué tal la escena de tu país? ¿Cómo la ves en la actualidad?

La escena chilena en la actualidad es muy buena, muy diversa en cuanto a estilos de Metal. hay de todo y con mucha calidad, me atrevo a decir que es material de exportación, sólo es cosa de aventurarse a salir adelante con esto. Las nuevas generaciones, que es donde de una u otra manera entramos nosotros, hemos tomado bien el recambio en lo musical.

Hay propuestas muy novedosas y recomendables como para echar más de un vistazo a la escena chilena.

En el 2017 sacan un promo-single. Coméntanos sobre este tema.

Claro! Ese track promocional o “single” se tituló “Redentor”, el cual forma parte de nuestro segundo disco, y aún en la actualidad componemos y afinamos detalles. A ese “single” le dimos un sello bastante contestatario, tuvo su propio arte, el cual se trabajó meticulosamente con alguien especializado, y decidimos lanzarlo con un “Lyric-Video”, el cual tuvo una excelente recepción por parte del público.

Ahora bien, ¿podrías adelantarnos algo sobre el nuevo material de la banda y su temática lírica y musical?

Bueno, el material del segundo disco, que aún continuamos afinando detalles, en realidad es bien diverso en cuanto a ritmos. Realmente creo que es una mezcla de potencia y progresión que esperamos entregar de la manera más sincera posible. Nuestras temáticas abordan principalmente a un descontento generalizado con las políticas que nos afectan a diario vivir, y a la religión, además de tratar con temáticas de superación personal, reflejar y hablar de lo que ocurre al día a día, que muchas veces supera la ficción. ¿Qué podemos esperar de Zero Tolerance en el futuro, y cuál es la razón por la que debemos escuchar su música?

En un futuro no muy lejano, se debe esperar nuestro segundo disco que viene muy potente y con muchas cosas nuevas. Ésa es la principal espera que deben tener. Y bueno, por qué deben escuchar nuestra música, porque sinceramente vienen cosas bastante buenas y nuevas en cuanto a la banda. Deben darse el tiempo de conocer nuevas bandas, y de vez en cuando es un buen ejercicio hacerlo, así te puedas llevar una grata sorpresa al oír Metal.

Muchas gracias por la entrevista. Si tienen algo que añadir, o solamente quieren dirigirse al público, éste es el momento adecuado.

Antes que todo, nos gustaría agradecer el espacio otorgado en la entrevista, que sigan apoyando la música pesada a nivel mundial, que aún hay mucho por conocer. Y a todos los que nos siguen, infinitas gracias por su eterno aguante, y que nos vemos pronto en algún escenario, muchachos. ¡Saludos y atentos a lo nuevo que estaremos mostrando! ¶

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