LaCarne Magazine N90

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europa y latinoamérica

Nº90 - DIC 2019 - AÑO 9

nanouna rubio pasión eterna EXPERIENCIAS

Horteralia - Nuestro Teatro - alexandre lacaze - cine de hoy - ulises fernández ritmo y cadencia improvisación libre

investigación

Ragtime - america - billy joel

ENTREVISTAS

la dancetería live - bautismo de fuego - senogul - isabel corullón - metania

N90 aÑo 9 DIC 2019

SUMARIO

experiencias 06 Horteralia 2019 - Toda la info

investigación 30 Ragtime: origen, desarrollo y

10 ”Nuestro Teatro”, una iniciativa

34 America y el Folk Rock de los 70s 38 Billy Joel, el rey del pop rock

para ti

con mucho arte

14 Alexandre Lacaze: Le Temps de Grâce

16 ”Cine de Hoy” dio comienzo en noviembre

muerte

entrevistas 52 La Danceteria Live, una iniciativa

20 Ulises Fernández y la magia de su

con mucho futuro

22 ”Ritmo y Cadencia” aúna Copla y

raíces folklóricas

último concierto Flamenco

26 Limitaciones en Improvisación Libre

58 Bautismo de Fuego, Heavy Metal y 64 Senoguly sus evocaciones sonoras 72 Isabel Corullón, y la improvisación libre

76 Metania y su agresivo Thrash Metal

44 Nano Rubio,

una pasión eterna

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, rafael dorado, María Eugenia Rincón, j.g. entonado

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Horteralia 2019 T

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odos sabemos que cada año el festival que parte la pana, Horteralia, tiene un pregonero. Esta vez tenemos de anfitrión al grandísimo Leonardo Dantés, cuya trayectoria ha sido fundamental para la creación de dicho festival. No sabemos si los chicos de AmantesDementes aceptarán nuestra propuesta, pero no estaría mal que el pregonero de la 11º edición fuera alguno de los miembros de los desaparecidos Los Ganglios. Es la mejor manera de rendir tributo a las eminencias extremeñas.

Es el festival referente nacional donde el humor y la música van de la mano. No hay evento de tales características en ninguna parte del Estado, y si lo hay, han surgido a raíz del festival cacereño.

Da igual si eres un gafapasta, un pijo, un hippie o un hipster, en este festival tienes abiertas las puertas para desenfadarte y dar rienda suelta a tus complejos, liberarte y disfrutar con todos los hortefans desde el mediodía hasta la madrugada. Pero date prisa, porque las entradas se acaban y el aforo es limitado.

Además, cumple 10 años, y estamos seguros que habrá muchas sorpresas. Ojalá dicha propuesta siga creciendo. Es importante que su recinto no solo se amplíe, sino que también mejore. Para ello quizás una implicación mayor por parte de las administraciones públicas a la hora de ceder el lugar sería interesante, y así triplicar el número de asistentes, y por tanto los beneficios para la ciudad.

En Cáceres son muy de verbenas (véase el Womad), y este festival tiene ese componente festivo como para saciar a los más adictos a los guateques. Además, el festival repite la

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fórmula de fiesta de bienvenida. Seguramente contaremos con la presencia de algún dj y todos aquellos hortefans que vienen de fuera de la región dispuestos a llenar de color la ciudad medieval, y disfrutar de la exposición previa a cargo de artistas locales y afines a la iniciativa.

A continuación, os haremos un repaso por los artistas más destacados del cartel de este año.

LADILLA RUSA

Los de Cerdanyola del Vallés son el grupo del momento. Tienen una perfecta conexión con el público, y sus canciones tienen todos los componentes de lo que es Horteralia: Rumba, electrónica bailable, pop, aire retro, desparpajo, y mucho humor. Recientemente acaban de presentarnos “Kitt y los coches del pasado” con la colaboración de los extremeños Los Ganglios, y el cantautor y libre pensador Joan Colomo. Ya los tuvimos hace 3 años, y su carrera musical es impresionante, ya que no han parado de hacer conciertos y festivales desde entonces.

Entre sus colaboradores tenemos a Adriá Salas de La Pegatina, que ha cantado con ellos Macaulay Culkin, o la actriz Itziar Castro, que es una más de la formación a base de performance, coreografías y acompañando a la voz de Victor Clares y Tania Lozano.

LAS KETCHUP

Las hermanas Muñoz dejaron Córdoba para conquistar el mundo con su música. Llevan Andalucía allá por donde van, y fueron referente musical nacional por todo el planeta con su hit Aserejé. Rocío, Lucía, Lola y Pilar fueron el referente del flamenco/europop durante la primera década del siglo XXI. Tal fue el éxito, que nos representaron en Eurovisión, recibieron premios Ondas, Amigo, Bildboard latinos y ocuparon el puesto 103 de los sencillos más vendidos de la historia de la música a nivel mundial.

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Si los ingleses tenían a las Spice girls, nosotros teníamos las competidoras ideales con música pegadiza y coreografías facilonas, todo para alegrarnos las vacaciones estivales, nuestros guateques de amigos, y las fiestas populares del verano.

Sólo tienen dos discos a sus espaldas: Las hijas del tomate (2002), y Un BlodyMary (2006). Ambos tienen temazos de la música ligera que no han sonado tanto, pero que harán bailar a los hortefans. Hablamos de canciones como “Kusha las payas”, “Alegrías de mi Tanga”, “Tengo un novio tántriko” o “Se me escapó el maromo”.

OJETE CALOR

Carlos Ojete y Aníbal Calor son los máximos representantes actuales del subnopop o el tontipop. Ha costado tiempo traer a los manchego-madrileños, expertos en llenar de ironía y burlarse de todo a base de canciones tecnopop de sarcasmo bestial, junto con una visión comercial de las melodías vintage.

Las lentejuelas, las nintendo guitarras, las pelucas, los colores chillones, los vestidos, las gafas de culo de botella, en definitiva, son de lo mejor que ha dado este país en clave de

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humor, dominan la satírica en el ámbito audiovisual, y su disco Pataky es un regalo para nuestros oídos.

Cabezas de cartel que si en Muchachada Nui, Museo Coconut o La Hora Chanante nos hacían troncharnos de risa, ahora también nos harán saltar y bailar. Esperadísimos y muy deseados.

LOS FRESONES REBELDES

Traer a Horteralia a la formación barcelonesa es el tributo a Inés Bayo, cantante de la primera etapa de la formación, y voz en el hit de la banda «Al Amanecer» que nos abandonó el pasado verano tras una enfermedad. No ha habido fiesta o discoteca que no hayan pinchado la mítica canción de los catalanes, pero es que además la relación de la banda con Extremadura viene desde hace mucho tiempo, cuando el grupo era una de las formaciones favoritas de Contempopránea.

Además, los hortefans siempre piden la presencia de algún grupo «indie» que llene de pop la pista de baile del pabellón multiusos de Cáceres. Felipe y los suyos son los máximos representantes del pop naif, colorido y brillante, que tan importante huella dejaron en la música y pop español de los noventa.

muchas ganas de bailar es la propuesta del extremeño. Incorpora coreografías a sus canciones, introduciendo mucha farándula, folclore, confeti, lentejuelas, y carisma en cada uno de sus temazos.

Sus sesiones son sinónimo de liberación, desenfado, diversión, irreverencia, desahogo, esparcimiento y gallardía.

Es un referente artístico en el colectivo LGTBI, y prueba de ello es su presencia en varias ediciones de Palomos, Fancine Gay, o presencia en festivales como Contempopranea u Horteralia.

PRIVAN DE CAMP

MONTERROSA

A Rocío Chillers la pudimos disfrutar el año pasado con su banda Las Chillers en Horteralia, a Snórquel comprobamos su set como dj. Lo que no sabíamos es que de aquel festival surgiría la megafusión de los dos llamándose Monterrosa. Como ellos mismos se definen: «el primer grupo de España formado por una bollera y un maricón», y nosotros añadimos, y haciendo tecno-pop.

El dueto recoge mucho del tecno noventero de OBK, Fangoria e incluso Meteosat. Sus letras están destinadas a reinvidicar el colectivo LGTBI o el acoso.

Uno de sus sueños es salir en Telva y tocar en Benidorm. De momento, en la cuna del horterismo ya han estado, ahora sólo les queda conquistar la revista. Para ello los hortefans debemos ayudarles en su cometido, y ya de paso abrirles las puertas para que su disco Latencia suene en Los Palomos 2020.

Tokio dj & The Mamarachers

Dj veterano de la escena pacense. Tokio ha sabido perfectamente incorporar su personalidad a sus sesiones djs. Pop, electrónica y

El mismo se define como «El peor dj de España». Detrás de este habitual de Horteralia está el actor y cantante JC Corrales. Varias ediciones del festival a sus espaldas lo convierten en una apuesta segura por su versatilidad, teatralidad y su puesta en escena.

El de Torrejoncillo es un showman que se acompaña de Miranda Pa Cuenca y Queen Bee. El extremeño lleva el arte en sus venas, y fruto de ello es su gran trabajo en LaBotika Teatro y productor de EX3 Producciones.

Si todavía no lo has disfrutado en Palomos u Horteralia, es el momento de que no te lo pierdas.

CHERRI COKE

Conocido dj de la escena cacereña. También es un habitual de Horteralia y de las fiestas organizadas por el colectivo LGTBI. Se codea con todo el mundo, desde djs de renombre hasta concursantes de GH o triunfitos, es lo que tiene ser alguien tan carismático como él.

Sus sesiones son impredecibles pero elegantes y cuidadas, ya que alterna las mezclas con su faceta como speaker. ¶

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“Nuestro Teatro” una iniciativa con mucho arte

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iputación de Cáceres presentaba el pasado miércoles el programa de “Nuestro Teatro”, que llevará las representaciones teatrales de varias compañías a un total de 19 localidades, dará comienzo el viernes 8 de noviembre y finalizará el 8 de diciembre.

Este programa se suma a otras iniciativas llevadas a cabo por la Diputación de Cáceres que pretenden llevar la cultura a todos los rincones de la provincia, como es el caso del ciclo “Cine de Hoy” que también se desarrollará durante las mismas fechas.

Las tardes y noches del otoño se llenarán de actividades culturales a lo largo y ancho de toda la provincia de Cáceres. Actividades culturales de todo tipo, para todos los gustos y también, para toda la familia.

Con todos estos ciclos y programas la Diputación de Cáceres quiere cumplir ese objetivo de llevar la cultura a todos los rincones de la provincia, independientemente del tamaño de la localidad.

Tal y como comentaba Francisco Grande Cano, diputado de Cultura y Deporte, a través de este ciclo “queremos dar la posibilidad a los habitantes de pueblos grandes y pueblos más pequeños de disfrutar de compañías teatrales con una consolidada trayectoria profesional y que, además, cuentan con un elenco de actores y actrices muy selectos, con numerosos reconocimientos”.

En la presentación, el diputado estuvo acompañado por la alcaldesa de Aldehuela del Jerte, Irene Herrero, y por una de las componentes de la compañía De Amarillo Producciones, Gema González.

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Irene Herrero destacaba que, si no fuera por estos programas e iniciativas llevadas a cabo por la Diputación de Cáceres, en localidades más pequeñas como la suya no podrían disfrutar de este tipo de actividades culturales.

Por otro lado, Gema González celebraba la existencia de este programa y otros que llevan a cabo desde la Diputación de Cáceres.

Comentaba que de este modo se valora y se da a conocer a las compañías teatrales tanto profesionales como amateur.

La cultura llegará a través de las representaciones teatrales a 19 localidades de la provincia: Aceituna, Ahigal, Alcollarín, Alcuéscar, Aldea del Obispo, Aldehuela del Jerte, Arroyo de la Luz, Cadalso, Caminomorisco, Casas de Millán, Casas del Castañar, Eljas, Monroy, Peraleda de San Román, Puerto de Santa Cruz, Talaván, Valencia de Alcántara, Villanueva de la Vera y Zarza la Mayor.

Serán un total de 17 compañías teatrales las que llevarán a todas estas localidades sus representaciones.

Aquí os dejamos las compañías y el espectáculo que cada una de ellas llevará a cabo así como la programación completa por localidades.

ALBADULAKE: “Genoma B” DE AMARILLO PRODUCCIONES: “La vida secreta de Petra Leduc” DE LA BURLA TEATRO: “Los miserables” EL AVISPERO PRODUCCIONES : “@lone” EL DESVÁN TEATRO: “El otro” EMULSIÓN TEATRO: “Enredos de familia” INSERTUS Y CIA: “El lucero de las sombras” JACHAS TEATRO: “Miserere” LA ESTAMPA TEATRO: “Homenaje inesperado” MALTRAVIESO TEATRO: “Vis a Vis” RAQUEL PALMA: “Cuando manda el corazón”

SURIPANTA TEATRO: “Caimanes” TAPTC? TEATRO: “De Lázaro a lazarillo” TEATRAPO: “Marco Aurelio” TEATRO DE PAPEL: “El burgués gentilhombre” TEATRO GUIRIGAI: “El pícaro Ruzante” Z.TEATRO: “Farsantes de ida y vuelta”

PROGRAMA COMPLETO «NUESTRO TEATRO» ACEITUNA Fecha: 23 noviembre Emulsión Teatro: “Enredos de familia” Hora: 19:00h.

Lugar: Nave municipal

AHIGAL Fecha: 30 noviembre Jachas Teatro: “Miserere” (obra ganadora del “XV Premio de Textos Teatrales Raúl Mo- reno Molero”) Hora: 20:00h.

Lugar: Casa de Cultura Filcunea ALCOLLARÍN Fecha: 1 diciembre De La Burla Teatro: “Los miserables” Hora: 18:00h.

Lugar: Centro Cultural

ALCUÉSCAR Fecha: 30 noviembre Albadulake: “Genoma B” Hora: 21:00h.

Lugar: Casa de Cultura ALDEA DEL OBISPO Fecha: 1 diciembre Taptc? Teatro: “De Lázaro a lazarillo” Hora: 20:00h.

Lugar: Casa de Cultura ALDEHUELA DEL JERTE Fecha: 17 noviembre Teatro de papel: “El burgués gentilhombre” Hora: 18:30h.

Lugar: Nave Municipal ARROYO DE LA LUZ Fecha: 7 diciembre Jachas Teatro: “Miserere” (obra ganadora del “XV Premio de Textos Teatrales Raúl Mo- reno Molero”) Hora: 20:00h.

Lugar: Cine Teatro Municipal CADALSO Fecha: 16 noviembre Insertus y Cía: “El lucero de las sombras” LaCarne Magazine

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Hora: 19:00h.

Lugar: Salón Multiusos MONROY Fecha: 6 diciembre Maltravieso Teatro: “Vis a vis” Hora: 19:00h.

Lugar: Polideportivo PERALEDA DE SAN ROMÁN Fecha: 6 diciembre Suripanta Teatro: “Caimanes” Hora: 19:30h.

Lugar: Nave Municipal PUERTO DE SANTA CRUZ Fecha: 8 diciembre Teatro Guirigai: “El pícaro Ruzante” Hora: 20:00h.

Lugar: Nave Multiusos TALAVÁN Fecha: 30 noviembre La Estampa Teatro: “Homenaje inesperado” Hora: 20:00h.

Lugar: Casa de Cultura Hora: 19:00h.

Lugar: Casa de Cultura CAMINOMORISCO Fecha: 23 noviembre El Avispero producciones: “@lone” Hora: 20:00 Lugar: Centro Social CASAS DE MILLÁN Fecha: 6 diciembre De Amarillo Producciones: “La vida secreta de Petra Leduc” Hora: 20:00h.

Lugar: Casa de Cultura CASAS DEL CASTAÑAR Fecha: 6 diciembre Zteatro: “Farsantes de ida y vuelta” Hora: 20:00h.

Lugar: Casa de Cultura ELJAS Fecha: 8 diciembre Raquel Palma: “Cuando manda el corazón”

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VALENCIA DE ALCÁNTARA Fecha: 8 noviembre Teatrapo: “Marco Aurelio” Hora: 20:15h.

Lugar: Casa de Cultura VILLANUEVA DE LA VERA Fecha: 5 diciembre Jachas Teatro: “Miserere” (obra ganadora del “XV Premio de Textos Teatrales Raúl Mo- reno Molero”) Hora: 20:00h.

Lugar: Casa de Cultura La Corona ZARZA LA MAYOR Fecha: 5 diciembre El Desván Producciones: “El otro” Hora: 20:00h.

Lugar: Casa de Cultura Más información en los siguientes enlaces:

web Diputación de Cáceres Facebook

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I

ba en el metro leyendo las redes sociales, cuando leí de mano de José Carlos García que el descanso de Alexandre Lacaze había llegado. La sensación de escalofrío me recorrió todo el cuerpo.

Alexandr Le Temps de Grâce

Un vacío enorme, la incredulidad, la rabia y sentimientos contradictorios mientras mi mirada vacía veía pasar cada una de las líneas de metro en dirección a mis clases (compartíamos inquietudes educativas y musicales).

Todos teníamos la esperanza de que vencerías, que nada podría contigo, de que alguien como tú sería eterno por ser un ejemplo de superación, de vida, y de humanidad.

Alexandre Lacaze: Le Temps de Grâce

Recuerdo perfectamente la primera y única vez que te vi: Don Benito, The Rincón Pio Sound, allá por el 2013, a plena luz del día, con tu guitarra y pedales, aquel momento tan especial de Chanson Rock, sensibilidad, cariño, bondad, y la poesía de Alexandre Lacaze que maravillaba a cualquiera.

Más tarde llegó tu programación en el Minifestival Independent de Barcelona por el 2016, y tras hacer yo varios comentarios (era el malagueño francés afincado en Extremadura el que venía a Barcelona, mi nueva casa), finalmente nos hicimos amigos virtuales.

Alexandre, entraste en mi vida a partir de entonces, tu música y tus versos: «Y el universo entero respira en tu aliento» «Mi padre es un muerto que me lleva en sus brazos, él sonríe a la gente que nos mira detrás del espejo» «Para qué sirve el camino, si nadie te da la mano… para que sirven las promesas, los recuerdos, las equivocaciones»

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Cada texto de Alexandre Lacaze, cada canción, cada punteo de guitarra, cada sonoridad, enganchaban por su preciosidad, su belleza innata y su emoción. Íbamos a coincidir en el Parque Sonoro, allá por el 2016, pero apareció la enfermedad y aquel festival se convirtió en un homenaje a tu persona. Recuerdo aquellas camisetas y aquel logo de ¡Vamos, Álex! que todos difundimos. Tu lucha comenzaba y todos queríamos aportar nuestro granito de arena.

En aquella época te escribí para ofrecerte el contacto, y, en consecuencia, los consejos de un familiar que trabaja en oncología y con

re Lacaze

experiencia en dichas enfermedades. En una corta conversación agradeciste mis palabras con mucho cariño.

Después me enteré de que habías tenido de alumno a Pablo Ráez, y vivimos cómo tú hacías visible tu lucha contra la enfermedad para precisamente impulsar una campaña de donación de médula ósea. Profesor y alumno, dos héroes unidos contra un enemigo feroz, dos personas que daban vida a la canción de David Bowie.

En tus buenos momentos seguiste escribiendo y dando conciertos, vinieron festivales como Contempopránea, Disco Grande, Acústicos al Fresquito y otros tantos.

Fueron pasando los días, meses, y entre luces y sombras toda una comunidad estábamos en vilo por Alexandre Lacaze. Nos encomendábamos a Dios, la luz, la naturaleza, o a quien fuera para que todo se acabara y salieras victorioso. Definitivamente saliste victorioso, no en esta vida, pero sí en la que ahora estarás viviendo en la que, junto a Pablo y otras grandes personas, estaréis influenciando de alguna manera sobre los terrestres para luchar contra ese enemigo común, y dejando un legado universal en la Tierra en forma de música y poesía, que quién sabe si algún día tu hija les dará vida en directo.

Adiós, Álex. ¶ LaCarne Magazine

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“Cine de Hoy”

dio comienzo en noviembre

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l pasado Martes 5 de Noviembre tuvo lugar la presentación del ciclo de la Diputación de Cáceres, «Cine de Hoy».

Éste tendrá lugar del 8 de Noviembre al 8 de Diciembre y recorrerá un total de 12 localidades de la provincia: Campo Lugar, Garciaz, Herreruela, Madrigalejo, Madroñera, Navaconcejo, Talaveruela de la Vera, Torrecillas de la Tiesa, Torrejonciillo, Valdelacasa de Tajo, Valdehúncar y Valverde del Fresno.

La iniciativa cinematográfica surgió hace ya 10 años, pero es ahora cuando renace con el nombre de «Cine de Hoy«. Con este ciclo la Diputación de Cáceres llevará el cine más actual y de calidad a todos los rincones de la provincia.

Además se instalarán pantallas adecuadas para las proyecciones de películas de alta resolución.

Desde la Diputación de Cáceres, Fernando Grande Cano, diputado de Cultura y Deporte, comentaba que esta iniciativa “trata de acercar la cultura cinematográfica actual de la cartelera a nuestros pueblos con un doble objetivo: por un lado, ofrecer una oportunidad para proyectar cine de estreno y de calidad y, por otro, incidir en los aspectos que puedan interesar al público de nuestros municipios”.

También declaraba que “si alguien pensara en llevar este tipo de actividad esperando alguna rentabilidad, entonces no llegaría a muchos municipios, por eso, desde la Diputación sí lo hacemos porque queremos que la cultura llegue a todos los rincones, independientemente del tamaño o número de habitantes; si no lo hiciéramos nosotros, nadie lo haría”.

“Cine de Hoy” llevará ocho proyecciones cine-

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matográficas a 12 localidades de la provincia de Cáceres, dos en cada localidad, una para mayores de 7 años y otra para mayores de 12 años.

Este años las películas seleccionadas que se proyectarán son: “Aladdin”, “Campeones”, “El Reino”, “Handia”, “Miamor perdido”, “Mi querida cofradía”, ”Mula” y “Perdiendo el este”.

Recordad, del 8 de Noviembre al 8 de Diciembre podremos disfrutar del ciclo “Cine de Hoy”.

Para que no os perdáis nada aquí os dejamos todas las localidades y la cartelera de cada una de ellas:

PROGRAMACIÓN CICLO “CINE DE HOY”

CAMPO LUGAR Día 29 de noviembre Hora: 17:00h. Campeones (todos los públicos) Día 30 de noviembre Hora: 19:00h. Handia (mayores de 12 años) Lugar: Casa de Cultura GARCIAZ Día 22 de noviembre Hora: 20:00h. El reino (mayores de 12 años) Día 5 de diciembre Hora: 19:00h. Perdiendo el este (todos los públicos) Lugar: Salón de Actos del Ayuntamiento HERRERUELA Día 23 de noviembre Lugar: Polideportivo Hora: 17:00h. Aladdin (todos los públicos) Hora: 20:00h. Miamor perdido (mayores de 12 años) MADRIGALEJO Día 6 de diciembre Lugar: Casa de Cultura

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Hora: 17:00h. Mi querida cofradía (todos los públicos) Hora: 20:00h. Mula (mayores de 12 años) MADROÑERA Día 8 de noviembre Lugar: Antiguo Colegio Marciano Curiel Hora: 18:00h. Campeones (todos los públicos) Hora: 21:00h. Handia (mayores de 12 años) NAVACONCEJO Día 10 de noviembre Lugar: Casa de Cultura Hora: 16:00h. Perdiendo el este (todos los públicos) Hora: 18:30h. El reino (mayores de 12 años) TALAVERUELA DE LA VERA Día 9 de noviembre Lugar: Casa de Cultura Hora: 18:00h. Aladdin (todos los públicos) Hora: 20:30h. Miamor perdido (mayores de 12 años) TORRECILLAS DE LA TIESA Día 8 de diciembre Lugar: Casa de Cultura Hora: 18:00h. Perdiendo el este (todos los públicos) Hora: 20:00h. El reino (mayores de 12 años) TORREJONCILLO Día 24 de noviembre

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Hora: 20:00h. Handia (mayores de 12 años) Día 29 de noviembre Hora: 20:00h. Campeones (todos los públicos) Lugar: Casa de Cultura VALDEHÚNCAR Día 7 de diciembre Hora: 17:00h. Mi querida cofradía (todos los públicos) Día 8 de diciembre Hora: 19:00h. Mula (mayores de 12 años) Lugar: Casa de Cultura VALDELACASA DE TAJO Día 7 de diciembre Hora: 17:00h. Aladdin (todos los públicos) Hora: 20:00h. Miamor perdido (mayores de 12 años) Lugar: Centro Cultural La Laguna VALVERDE DEL FRESNO Día 15 de noviembre Hora: 19:00h. Mi querida cofradía (todos los públicos) Día 16 de noviembre Hora: 20:00h. Mula (mayores de 12 años) Lugar: Casa de Cultura Más información en los siguientes enlaces:

web Diputación de Cáceres Facebook

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Ulises Fernández

y la magia de su último concierto

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l pasado 20 de septiembre pudimos estar presentes en el concierto de Ulises Fernández, organizado por el Centro Cultural “Los Amigos”, una iniciativa arriesgada, encaminada a llevar la cultura y el entretenimiento en el barrio “Los Amigos” de la localidad de Olivenza, en la región de Extremadura.

Es destacable este tipo de eventos por su importancia de cara al futuro. Llevar la cultura a barrios prácticamente dormitorios, y ofrecer

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una alternativa cultural a pequeños y mayores es gracias al mérito de su gestor, Julián Portillo, que se ha propuesto llevar la odisea de enriquecer y ampliar la oferta de ocio quizás escasa en la barriada.

Ulises Fernández es una de las voces más carismáticas y veteranas del pop pacense y extremeño. Esta vez contaba con el acompañamiento de Javi Mojave, probablemente el mejor percusionista de la región, que ha formado parte de formaciones musicales extremeñas de prestigio nacional como Perroflauta, Gecko Turner, Luis Pastor o Bebe.

Era el clima perfecto para escuchar la sensibilidad del cantante pacense.

Fue puntual, y sobre las 22:30 empezó el directo que duró aproximadamente una hora.

Hubo algunos problemas iniciales en cuanto al sonido, las cosas del directo, pero que rápidamente se subsanaron, dando tiempo a que llegaran más interesados en el evento del barrio.

Y mientras tanto, Javi Mojave nos daba una clase magistral de cómo crear instrumentos de percusión a partir del reciclaje y materiales diferentes.

Pensábamos que les acompañaría Cira (cantante y su hermana), pero probablemente el cambio de residencia de ella lo impidió. Eso sí, disfrutamos del homenaje a Enrique Fernández, su padre y maestro del rock extremeño.

Nos tocó “Confundido”, un lujo de canción digno de su antecesor. Cómo no, nos cayó alguna que otra versión de sus artistas preferidos.

Esta vez nos brindó con “Pero a tu lado” de los Secretos.

Nos hizo pensar en lo fascinante que sería verlo en el festival Acústicos al Fresquito, aunque echamos de menos alguna canción que Ulises ha compartido con su gran amigo Nacho Campillo, como “Colores” o “Como lo oyes”, creadas por su padre “Henri”. Otro temazo fue “Tiraos en la hierba”, en la que pudimos disfrutar de su maravillosa guitarra acústica y la excelencia a la percusión de Javi.

Ulises Fernández y la magia de su último concierto Era un concierto al que teníamos ganas de asistir. A Ulises lo conocemos desde hace muchos años, y hemos visto su evolución desde sus primeros pasos con su formación Running Potatoes, cuando estudiaba magisterio en la UEX, sus conciertos en Barcelona, sus diferentes actuaciones con su hermana Cira (destacar la del López de Ayala con Cira y yo), y ahora de nuevo en una pequeña plaza de un barrio de Olivenza.

Fue una buena noche, tranquila, con un grupo no muy numeroso de oliventinos en una plaza pequeñita, Plaza de la República Dominicana.

En definitiva, Ulises nos brindó una buena despedida del verano con pasión y sentimiento, presentándonos su último trabajo El Hombre Araña.

Podéis escuchar las 10 canciones de su último trabajo en las diferentes plataformas digitales, y estad atentos a la agenda musical del artista para disfrutarlo en directo aquí: https://www.facebook.com/ulisesfernand Toda la programación del Centro Cultural Los Amigos lo podéis encontrar aquí: https://www.facebook.com/CulturaLosAmigos/ LaCarne Magazine

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“Ritmo y Cadencia” aúna copla y flamenco

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l pasado 13 de noviembre tuvo lugar la presentación oficial del nuevo programa de Diputación de Cáceres “Ritmo y Cadencia”, que se celebrará del 15 de noviembre y finalizará el 14 de diciembre.

El ciclo pasará por un total de 16 municipios de la provincia de Cáceres: Acehúche, Alcántara, Almaraz, Casas del Monte, Escurial, Galisteo, Guijo de Granadilla, Hernán Pérez, Herrera de Alcántara, Jerte, Peraleda de la Mata, Plasenzuela, Portezuelo, Salvatierra de Santiago, San Gil y Villar del Pedroso.

“Ritmo y Cadencia” tiene sus raíces en un programa que Diputación de Cáceres puso en marcha en el 2016 llamado Coplas y Bulerías y que vuelve con una nueva edición renovada.

El diputado de Cultura y Deporte, Fernando Grande señalaba que “En esta nueva versión se aúnan la Copla y el Flamenco, dos géneros con un fuerte arraigo en la población, intemporales y capaces de reinventarse de forma espontánea generación tras generación, lo que les hace ser merecedores de tener un ciclo dedicado exclusivamente para ellos”.

“Ritmo y Cadencia” se suma de este modo a la iniciativa de la Diputación de Cáceres cuyo objetivo es llevar la cultura a todos los rincones de la provincia independientemente de su tamaño.

En esta nueva edición disfrutaremos del arte y talento de artistas ya consagrados así como de las jóvenes y nuevas promesas de la región: Alberto Moreno, Álvaro Díaz, Carmen Tena, Celia Romero, Estela de María, Esther Merino, Familia Vargas, Javier Conde, La Kaiata, Miguel de Tena, Nayara Madera, Plaza Chica, Rocío Durán, Rosario Abelaira, Solima y Zaira Gómez.

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Aquí os dejamos toda la programación completa para que no os perdáis nada.

PROGRAMACIÓN COMPLETA “RITMO Y CADENCIA” ACEHÚCHE Grupo: Miguel de Tena (flamenco) Fecha: 6 diciembre Lugar: Pabellón Polideportivo Hora:20:00h.

ALCÁNTARA Grupo: Alberto Moreno (copla) Fecha: 5 diciembre Lugar: Salón Municipal Hora: 20.00h.

ALMARAZ Grupo: Rosario Abelaira (copla) Fecha: 1 diciembre Lugar: Casa de Cultura Hora: 19:00h.

CASAS DEL MONTE Grupo: Álvaro Díaz (copla) Fecha: 16 noviembre Lugar: Salón Cultural Hora: 18:00h.

ESCURIAL Grupo: Esther Merino (flamenco) Fecha: 14 diciembre Lugar: Casa de Cultura Hora: 19:30h.

GALISTEO Grupo: La Kaíta (flamenco) Fecha: 7 diciembre Lugar: Casa de Cultura Hora: 19:30h.

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GUIJO DE GRANADILLA Grupo: Rocío Durán (copla) Fecha: 13 diciembre Lugar: Pabellón de las Escuelas Hora: 19:00h.

HERNÁN PÉREZ Grupo: Estela de María (copla) Fecha: 17 de noviembre Lugar: Casa de Cultura Hora: 20.00h.

HERRERA DE ALCÁNTARA Grupo: Zaira Gómez (flamenco) Fecha: 23 de noviembre Lugar: Casa de Cultura Hora: 19:00h.

JERTE Grupo: Celia Romero (flamenco) Fecha: 14 de diciembre Lugar: Pabellón Municipal Hora: 20:00h.

PERALEDA DE LA MATA Grupo: Javier Conde (flamenco) Fecha: 29 de noviembre Lugar: Salón San Isidro Hora:21:00h.

PLASENZUELA Grupo: Solima (copla)

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Fecha: 6 de diciembre Lugar: Centro Cultural Hora: 19:30h.

PORTEZUELO Grupo: Familia Vargas (flamenco) Fecha: 8 de diciembre Lugar: Nave Multiusos Hora: 20:00h.

SALVATIERRA DE SANTIAGO Grupo: Nayara Madera (copla) Fecha: 8 de diciembre Lugar: Casa de Cultura Hora: 20:30h.

SAN GIL Grupo: Plaza Chica (flamenco) Fecha: 16 de noviembre Lugar: Nave Multiusos Hora: 20:00h.

VILLAR DEL PEDROSO Grupo: Carmen Tena (copla) Fecha: 15 de noviembre Lugar: Nave Multiusos Hora: 20:00h.

Más información en los siguientes enlaces:

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Improvisación Libre LEER MÁS

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ace ya tiempo, unos dos años, que estoy planteándome la cuestión de grabar improvisación libre con grupos en los que utilizo sólo un instrumento, o muy pocos instrumentos. Desde siempre he estado acostumbrado a grabar yo solo, y utilizar muchos instrumentos para conseguir las obras que se me pasan por la cabeza. Éste es un nuevo reto: grabar sólo con un instrumento, y, además, no utilizar la voz. La voz siempre me ha “protegido” y me hace estar en una zona de confort. Como ya digo, es todo un reto para mí el intentar crear algo utilizando únicamente un instrumento, y que no sea la voz. Siempre me ha resultado cómodo tener el papel de “solista”, puesto que la voz y el cuerpo (para la performance) son unos instrumentos ideales para ello.

En cambio, el papel de “acompañante” me resulta mucho más complicado. Aunque en la improvisación libre estos papeles fluctúan, dependiendo del instrumento que utilices te amoldas más a un papel que a otro. Eso me pasa a mí al menos. Así que cuando, en enero de 2019, Gregorio Kazaroff y Chema Pastor me propusieron formar parte del proyecto Los 3!, me pareció la oportunidad ideal para desarrollar esas ideas.

Creo que conseguí salir del paso con soltura más o menos (aunque también toqué en algún momento corneta eléctrica), y que ayudé a conseguir sonidos y pasajes interesantes, y tocar la guitarra de una manera heterodoxa y arrancar sonidos distintos y persuasivos (suenan bocinas de coche y motores de motocicle-

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tas, ruidos espaciales y repetitivos, y alguna vez hasta parece que canta alguna marciana) durante más de dos horas con la ayuda de destornilladores, pelotas de golf, tarjetas de crédito y otros cachivaches. La guitarra la toco siempre sin afinar, no me interesa para nada afinarla de una manera convencional (de hecho, ningún instrumento que yo toque lo afino previamente).

Me interesa más crear texturas de apoyo o ritmos que ayuden a los otros instrumentos a desarrollar una idea. A partir de ahí he ido acostumbrándome a ese nuevo papel, y a aportar un lenguaje distinto al que estaba acostumbrado, aunque el concepto básico sea el mismo que he tenido siempre.

En definitiva, hicimos una sesión de la que salimos bastante contentos Los 3!, y lo hemos plasmado en un par de CDs publicados en La Tatucera. He de decir que esta grabación es bastante “atmosférica”, por definirla de alguna forma. Últimamente nos estamos decantando por hacer sesiones más rítmicas, con patrones de ritmo más “convencionales”. Ya he dicho más de una vez que nuestro concepto de improvisación libre es “integrador”, no “integrista”, y no le hacemos “asco” a elementos musicales como el ritmo, por ejemplo, y más desde que Chema está con nosotros.

Les dejo los enlaces para que escuchen si lo desean el fruto de esas sesiones de Los 3!: José María Pastor (batería, percusión), Gregorio Kazaroff (electrónica, cassettes, corneta, gong, objetos) y Javier Entonado (Guitarra, corneta eléctrica): http://latatucera.bandcamp.com/album/los-3 Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó

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Ragtime

origen, desarrollo y muerte LEER MÁS

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n esta nueva entrega, vamos a dar un salto atrás en el tiempo (más si cabe) para explicar el desarrollo de una música que sería la matriz de los posteriores sonidos negros que ya controláis como buenos lectores de La Chica Boom que sois. Vamos a hablar de Ragtime, considerado el primer estilo musical norteamericano propiamente dicho.

Pero pongámonos en situación: Nos encontramos en los albores del siglo XIX, la abolición de la esclavitud ha llegado a casi

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toda Norteamérica, y las comunidades negras empiezan poco a poco a integrarse en la sociedad. Por otro lado, cada vez son más frecuentes las influencias llegadas de Europa al continente americano.

Musicalmente llegan nuevas composiciones que rompían los esquemas de la música clásica tradicional con respecto a melodía, ritmo y forma, como ocurría con Stravinski o Schönberg (expresionista que producía un tipo de música bastante abstracta, usando el cromatismo y armonías disonantes).

Todo esto marcó una revolución musical en Estados Unidos, que se vio en la proliferación de un sinfín de estilos musicales pioneros, entre ellos nuestro protagonista, el Ragtime.

Los primeros intérpretes de Ragtime que nos encontramos fueron vagabundos anónimos del Sur y Este del país, que tocaban el piano en locales de comida rápida, cafetines, tugurios y demás, por míseros salarios o, simplemente, por las propinas.

Casi ninguno de estos pioneros sabía leer música, pero esto les llevó a estimularse aún más, creando un estilo nuevo basado en el piano a partir de ritmos sincopados adaptados a las antiguas melodías de baile, a las composiciones europeas del tipo himnos, óperas y marchas, y a las canciones de negros de ministriles (tradición musical africana).

Los primeros ejemplos fueron llamados Coon Song (canciones de negros). Como no sabían música, estos nuevos intérpretes tocaban sus piezas en directo, y éstas eran transcritas por los arreglistas de Tin Pan Alley (grupo de compositores y arreglistas famosos a finales del Siglo XIX). Lo hacían a la vez que los músicos tocaban, perdiéndose, aparte de muchas canciones, un sinfín de matices armónicos.

Serían muy famosos Chris Smith e Irving Jones.

El Ragtime en el siglo XX

El origen de un nuevo estilo

Con la abolición de la esclavitud, muchos negros comenzaron a comprarse pianos, un instrumento que anteriormente habían tenido prohibido. Al liberarse expresaban su independencia utilizando objetos prohibidos anteriormente. Y a partir de este instrumento empezaron a surgir ritmos nuevos.

No debemos olvidar que una de las consecuencias de la esclavitud era el aislamiento y separación de comunidades negras, que acababan por desarrollar una cultura (también musical) propia. Además, los miembros de estas comunidades rara vez sabían leer música, por lo que inventan sus sonidos a partir de la improvisación.

A comienzos del Siglo XX ya había canciones de Ragtime bastantes populares circulando por el país, como My Ragtime Baby de Fred Stone, que además dio a conocer a los europeos este sonido. Algunas de las canciones más populares de la época serán Cuban Cake Walk, de James T. Brymn; Under The Bamboo Tree o Didn’t The Ramble de Cole de Rosamond Johnson.

Poco a poco el estilo se fue haciendo más popular, y pronto pasó de ser un estilo desarrollado para el divertimento de las comunidades negras, a una música de baile propiamente dicha: pasó de la improvisación a ser una música de autor.

Scott Joplin, el rey del Ragtime

El mayor representante del Ragtime fue Scott Joplin, denominado el Rey de Ragtime.

Creador de un sinfín de composiciones, conLaCarne Magazine

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jugaba elementos afroamericanos con formas y técnicas europeas, todo ello dispuesto a la manera de las marchas militares, y todo ello sincopado. Para que os hagáis una idea, era una mezcla entre la tradición del baile popular negro y los bailes típicos de sociedad (estos de Lo que el viento se llevó y las grandes casas europeas).

Nuestro Rey del Ragtime nació el 24 de noviembre de 1868 en Texarkana, Texas. Procedente de una familia liberada de obreros y de Carolina del Norte, siendo niño pudo estudiar con el profesor de música local Julius Weiss, un músico teórico alemán formado en clásica, y que marcó profundamente en la manera de ver la música de Joplin. Este profesor reconoció enseguida el genio creador de Joplin, a quien nunca cobró una clase, y a quien ayudó a conseguir su primer piano. Joplin nunca olvidaría a su maestro, y, siendo ya famoso, se encargó de su manutención económica hasta el final de sus días.

Hacia 1884 ya estaba tocando de manera profesional, y en 1885 se instalaría en St Louis, Missouri, una de las cunas del Ragtime, donde se desarrolló de manera vertiginosa, y donde nuestro protagonista alcanzó una fama extraordinaria. Aquí comenzó a trabajar en la taberna Silver Dollar, propiedad de John Turpin, un auténtico mecenas del Ragtime. Esta familia, los Turpin, eran una especie de familia mafiosa local que controlaban los barrios negros de Chestnut y Market Street, donde se movía la diversión. Los Turpin tenían bastantes locales y clubes, donde, aparte de promocionar la música, se acogía a todos los músicos que por allí pasaran.

El éxito del Ragtime

Uno de los hijos del clan, Thomas Milliam Turpin, fue incluso llamado el padre del Ragtime de St Louis. Fue dueño de varios clubes (su local Rosebud se convertiría en el referente musical de la época, y lugar de encuentro principal para músicos de Ragtime de todos sitios), y además escribió muchas piezas, destacando Harlem Rag, Bowery Buck, A Ragtime Nightmare o St Louis Ragtime.

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En 1895, nuestro protagonista se encontraba instalado en Sedalia, Missouri, el otro centro principal de desarrollo del Ragtime. En esta ciudad, nuestro protagonista tuvo una labor importante. Con una actividad musical brutal en la ciudad, a parte, fue director de una academia de música, corneta en la Banda de Conciertos de Queen City, además estudió profundamente teoría y composición en la Escuela Superior George Smith para negros, y sacaba tiempo para hacer giras con el Cuarteto Pot-pourris, un grupo vocal de Texas.

Por esta fecha publicó sus primeras composi-

so fue la composición de dos óperas rag: A Guest of Honor y Treemonisha. Gastó muchas energías en presentar estas dos obras, algo que finalmente hizo sin ningún tipo de apoyo económico. Fue un fracaso. Habría que esperar hasta 1972 para conocer su estreno mundial.

La muerte de una era

En 1907 marchó a Nueva York, donde su actividad musical se movió en varios ámbitos: fue director de una academia de música, grabó varios discos de pianola, publicó muchísima música, creó una editorial musical, y ofreció varias giras de vodevil.

En 1916 es internado en un psiquiátrico a cuenta de una demencia producida por la sífilis, muriendo el 1 de abril de 1917 con 48 años.

Su muerte supuso el fin de la era del Ragtime como música de moda, que daría el testigo al Jazz y el Stride. El Ragtime sería redescubierto en la década de los 70, en parte por el éxito de la película El Golpe, cuya banda sonora es principalmente de Scott Joplin.

ciones, y en 1899 publicó uno de sus mayores éxitos comerciales, Maple Leaf Rag, que llegó a vender más de un millón de copias, y que estableció un modelo para Ragtime clásico, que sería imitado por todos los autores del momento. Esta pieza abrió las puertas a un nuevo estilo muy virtuoso que requería gran brillantez técnica, convirtiendo a Joplin en una institución musical a partir de ese momento.

También sacó tiempo para crear un ballet inspirado en música popular, The Ragtime Dance, que interpretó una única vez en el Teatro Woods de Sedalia. Su proyecto más ambicio-

Scott Joplin y el Ragtime representan la tradición musical más arraigada de Norteamérica, que abrirá el camino para posteriores estilos de música negra. Representa el nacimiento de una nueva era (principalmente para los antiguos esclavos negros), que nos habla de influencias extranjeras, de virtuosismo y de formación musical. Hablamos de la primera forma musical verdaderamente estadounidense, la primera música seria norteamericana tal vez, y cuando digo seria me refiero a que fue creada para ser escuchada concienzudamente.

Todos los críticos y estudiosos musicales coinciden en que el giro musical que se crea con el Ragtime estaba a la altura de las revoluciones musicales de Chopin o Brahms. La pena es que casi no nos quedan restos originales, algún disco de pianola y un enorme legado en partituras que os invito a escuchar, y así hacer un viaje por el principio de siglo de un pueblo que experimentaba con la música, así como con su recién estrenada libertad.

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America

y el Folk Rock de los 70s LEER MÁS

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n la canción Tim Man, el grupo America supo delinear muy bien las diferencias marcadas con respecto a la esencia del hombre de hojalata del clásico El Mago de Oz. Este personaje no podía sentir emociones y no tenía corazón, ya que estaba elaborado de lata, a diferencia de lo que se plantea en este increíble tema, donde las emociones y la magia están a flor de piel, tal como se evidenció en la época donde nace ésta increíble agrupación musical.

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Esto es America, una extraordinaria banda que marcó de manera significativa y muy especial la música de la década de los setenta, época de grandes revoluciones existenciales, donde el amor y la paz en todas sus dimensiones fue el único y gran planteamiento central.

Aquí les dejo una entrega mágica y estelar de esta súper banda, su trayectoria artística, su discografía completa, así como sus videos más destacados.

Bienvenidos!!

Nacimiento de la súper Banda

America se forma a finales de los años 1960

acústica.

America presenta un planteamiento musical de melodiosas composiciones en un ambiente acústico, donde prevalecerían las armonías de las voces. Los géneros en los cuales esta banda se destacaría serían el Soft-Rock y el Folk-Rock, ambos de corte muy melódico.

Ya en la década de los años 70, America comienza a cosechar grandes éxitos y popularidad en Gran Bretaña. Compañías discográficas británicas le dan a America la oportunidad de aperturar conciertos con figuras de la talla de Elton John.

El camino al éxito de America

En el año 1971 la banda firmaría con la compañía Warner y lanzarían su primer álbum, al que denominaron America. Éste fue producido por Ian Samwell, donde se encuentran los destacados temas: A Horse With No Name y I Need You. Estos extraordinarios temas obtuvieron un avasallador éxito a nivel comercial, llegando a alcanzar el puesto número 1 en las listas estadounidenses.

En el año 1973 lanzaron su segundo álbum titulado Homecoming, álbum que les otorgó extraordinarios éxitos debido a los temas allí contenidos como Ventura Highway, Only In Your Heart o Don’t Cross The River, estos por demás emblemáticos de la agrupación. en Inglaterra, y desde sus inicios se conforma por Gerry Beckley, Dewey Bunnell y Dan Peek. Estos tres músicos eran hijos de militares norteamericanos que tenían residencia permanente en bases británicas.

Los inquietos jóvenes músicos comienzan a ejecutar en diversos sitios de Londres su repertorio de Folk-Rock, como una manera de proyectar la música nativa de su identidad estadounidense. Es por ello que deciden colocarle a la banda el nombre de America.

Esta banda se vió fuertemente influenciada musicalmente por artistas tales como Buffalo Springfield, Crosby, Stills & Nash, James Taylor y Joni Mitchell, músicos estos pertenecientes a finales de la década de los sesenta, y cuyo instrumento principal fue la guitarra

Su tercer álbum, Hat Trick, significó un retroceso tanto en lo comercial como en lo artístico para America, seguido de su álbum Muskrat Love, el cual tampoco aportó éxitos significativos para la Banda.

En el año de 1974 sucede un acontecimiento único que supuso la redimensión de America, y fue la llegada de George Martin, el productor de los Beatles, para colaborar activamente en la nueva producción de la agrupación, como lo fue Holiday. Tal fue el éxito avasallador que tuvo dicho álbum, que logra situar a la banda en los primeros puestos de las listas británicas y estadounidenses con temas como Lonely People y Tin Man. LaCarne Magazine

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En el año de 1975, bajo la producción del destacado George Martin, America lanza el álbum Hearts, el cual incluía el tema Sister Golden Hair, tema éste que los sitúa en el puesto número 1 en formato single.

Este increíble álbum siguió manteniendo a la banda entre las agrupaciones más exitosas del género Soft-Rock. Ya para el año de 1975, lanzan un álbum recopilatorio que se tituló History. Aquí se incluirían las mejores composiciones de la banda.

En las producciones siguientes de los años 1976 y 1977 de los álbumes Hideway y Harbor, George Martin seguiría produciendo con America de la mano de Geoff Emerick, ingeniero de sonido.

En Hideway se incluyeron temas como Today’s The Day, Lovelight Night o Amber Cascades, los cuales fueron muy aceptados entre los millones de seguidores de la banda.

En cuanto a Harbor, el mismo marcó la partida de Dan Peek de America para dedicarse a géneros musicales de corte espiritual.

Ya para el año de 1979, Gerry Beckley y Dewey Bunnell graban su nuevo álbum, Silent Letter. Éste no tuvo el éxito de sus anteriores producciones. Tiempo después, George Martin dejaría la producción de America.

En el año de 1982, America lanza al mercado el álbum Alibi, y luego en el año de 1983

publican View From The Ground, el cual fue producido por Argent Russ. Este álbum contiene el exitoso tema You can do Magic, que fue escrito por el productor de la agrupación, tema en el cual nuevamente America se coloca en los primeros puestos de las listas estadounidenses.

En los álbumes Your move y Perspective de los años 1983 y 1984 respectivamente, basaron estos trabajos musicales en el uso de sintetizadores, pero no dieron los resultados esperados, y esto dio pie a la ruptura de la banda. Reuniéndose 10 años más tarde para lanzar un nuevo álbum que se tituló Hourglass en el año de 1994. En este álbum se incluiría el éxito anterior, You Can Do Magic.

El último álbum grabado en estudio por America fue Human Nature en el año de 1998.

Este álbum es un recopilatorio de los conciertos de la banda en vivo con los temas memorables de los años 70, temas que los dieron a conocer y muchos éxitos.

De aquí en adelante se editarían del grupo America un gran número de álbumes. Actualmente en este año 2019, el sello Rhino publicó en un doble vinilo el recopilatorio America – 50Th Anniversary.

Y con estos datos he llegado al final de este apasionante post acerca de America, una de las agrupaciones más memorables del mundo de la década de los 70.

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Billy Joel

el Rey del Pop Rock LEER MÁS

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quí les traigo una increíble entrega del extraordinario Billy Joel, el rey del Pop Rock en el mundo. Qué gusto volver a encontrarme con ustedes, queridos lectores y seguidores!!! ¿Quién, de las personas que vivimos la década de los 70, 80 y 90, no bailó y cantó las increíbles composiciones de este extraordinario músico? ¿Quién no se enamoró con «I Just The way you are»? ¿O disfrutó el álbum “Flores en el ático”?

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En este artículo te dejaremos la biografía de este extraordinario profesional de la música, su discografía completa, así como los videos de sus canciones más memorables.

Les he redactado con pasión este post, esperando que les guste. Ahora los dejo para que puedan disfrutar su cita con Billy Joel!!

Billy Joel,una estrella llega al planeta

William Martin, mejor conocido como Billy Joel, nace el 9 de mayo de 1949 en Hicksville, Estados Unidos. El futuro compositor y pianista crece en el sur del Bronx en New York, y luego se mudaría con su familia a Long Island.

Billy Joel es de padre judío y madre británica

de descendencia judía, y tiene un hermanastro que también se formó como pianista clásico, siendo además director de orquesta afamado en Europa.

rada como una de las canciones más destacadas del Pop Rock.

Desde muy pequeño, Billy Joel se interesó por la música, especialmente en el ámbito de la música clásica. Comienza sus clases de piano a los 4 años de edad.

Este álbum lo hizo acreedor de un premio Grammy por mejor disco del año, donde se destacaría con mucha fuerza el tema I Just The Way you are.

En la adolescencia, Billy estuvo en clases de boxeo, y figuró en el circuito amateur del “Golden Gloves”, pero este interés por el boxeo duraría un corto tiempo, ya que abandona este deporte debido a una rotura en la nariz.

La primera banda que conforma Billy Joel fue The Echoes, que imitaba el estilo de la legendaria banda de Rock, Rolling Stones.

Luego cambiaron su nombre a The Lost Soul en el año de 1965. Ya para el año de 1966 se denominaron The Esmerals Lords, y en el año de 1967 vuelven a cambiar el nombre de la banda, llamándola The Hassles.

El artista estudió en la escuela secundaria, graduándose en el año de 1967.

Luego de graduarse decide emprender su trayectoria musical, tocando con diversas bandas con las cuales no obtuvo mayor éxito.

Pero sucede algo inesperado e importante que daría el impulso necesario para despegar en su carrera musical, y fue en el año de 1971, cuando graba un álbum con el cual se da a conocer. Pero no fue sino hasta el año de 1973 cuando lanza el álbum Piano Man, que lo catapultaría a la cima del éxito.

Billy Joel, catapulta al éxito

El éxito Piano Man le da al músico el impulso y proyección que andaba buscando con persistencia. Piano man actualmente es conside-

En el año de 1977 lanza el álbum The Stranger.

Dicho tema se convertiría en uno de los más grandes clásicos de Billy Joel de todos los tiempos.

El álbum The Stranger apareció dentro de los mejores 100 álbumes de todos los tiempos en la revista Rolling Stone.

De igual manera sucedería con el siguiente álbum de Joel 52nd Street, el cual lo lanza de manera irreversible al estrellato.

En los inicios de la década de los 80, Billy Joel decide darle una nueva dimensión a sus composiciones, y ahora del Pop Rock enérgico que el autor expresaba en sus temas, pasa a un estilo más romántico y profundo en su lírica, como se evidencia en los temas Seen The Lights Gone Out On Broadway, New York State of Mind o Allentown.

Esta parsimonia y tranquilidad de sus composiciones, las fue transformando, a medida que transcurrían los años ochenta, por un estilo desmesurado en alegría eufórica. Simplemente Billy Joel tuvo que adaptarse al mercado musical de los ochenta.

Y en ese orden de ideas, el autor lanza el tema Good night Saigón, que fue compuesto en homenaje a los soldados estadounidenses caídos en combate en la guerra de Vietnam.

Finalizando los años ochenta, Billy Joel vuelve a cambiar a su estilo clásico, donde cuenta historias al estilo años 70, por demás muy originales y pegadizas.

Ya en el año de 1983, el músico lanza su extraordinario álbum An innocent Man, el cual LaCarne Magazine

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venía cargado con temas que se convertirían en grandes éxitos como Uptown Girl, rememorando a Frankie Valli, y rememorando al “The Four Seasons” con The Longest Time.

En el año de 1985 produce su álbum The Greatest Hits, el cual recopila sus éxitos desde el año de 1973 hasta el año 1985.

En 1986 Billy Joel lanza su álbum The Bridge. Este álbum tiene un tema que obtuvo un gran éxito: Matter of Trust. Ya en 1989 lanza el álbum Storm Front, el cual obtuvo gran éxito con el tema “We Didn’t Start the Fire”, que hace alusión extraordinaria a todos los acontecimientos que ocurrieron en el mundo entre los años 1949 hasta el año 1989, sobre todo en el campo bélico, ideológico y artístico.

En el año de 1987, el músico con su banda fue el primero en realizar una gira por la Unión Soviética, cuando se iniciaba el Glasnot en Rusia. Billy Joel fue el primer artísta de Rock estadounidense en pisar suelo ruso.

Además, es importante señalar que el músico ha realizado conciertos y giras conjuntas con el extraordinario Elton John.

Ya para el año 1993, y con gran madurez musical, Billy lanza su album River of Dreams, el cual fue de larga duración y significó su último álbum de estudio. En adelante se grabarían álbumes recopilatorios de los más grandes éxitos del artista, además de remasterizaciones.

En el ámbito personal, Billy Joel se ha casado tres veces, y de dos uniones matrimoniales nacen sus tres hijas.

La hija mayor del artista, Alexa Joel, de 29 años de edad, ha seguido los pasos musicales de su padre, ya que es una extraordinaria pianista, además de cantante de Soul.

Premios a su labor

El gran Billy Joel ha sido considerado uno de los mejores pianistas y cantautores en el género Rock Pop. Billy Joel a lo largo de su extensa carrera ha

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obtenido los siguientes galardones: – En el año de 1978 recibe su primer Grammy por “Grabación del año” con la canción “I Just the way you are”.

– En el año de 1979 recibe dos Grammys: Canción del año con “52nd Street” y “Mejor vocalista Pop masculino”.

– En el año de 1980 recibe un Grammy como “Mejor vocalista de Rock”.

– Recibe el premio “American Music Awards” en el año de 1981 por mejor álbum con Glass Houses.

– En el año de 1990 a Billy Joel le fue otorgado el “Grammy Legend Award” por su aporte en el campo de las grabaciones de estudio.

– En el año de 1997 recibe el premio “Ascap Founders”.

– En mayo de 1997 recibe un “Doctorado Honoris” en letras, de la Universidad de Hofstra.

– En el año 2013 recibe el galardón más alto que confiere el gobierno de los Estados Unidos a sus ciudadanos, como lo es el “Kennedy Centers Honors”. Éste fue otorgado por su contribución a la cultura estadounidense en el ámbito de las Bellas Artes.

Billy Joel es uno de los artistas de Rock Pop que tienen éxitos en el «Top Ten» de las décadas de los años 70, 80, y 90, y además es el sexto artista con más ventas en millones de copias en los Estados Unidos.

Y de esta manera hemos llegado al final de este articulo, realizado con la pasión de un fan de Billy Joel, un artista completo y vanguardista, el cual supo encontrar su forma genuina y particular de expresión a través de la música.

Espero lo hayan disfrutado!!

Nos vemos muy pronto!!

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nano rubio una pasión eterna Texto por Pedro Gallardo

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ano Rubio lanza el single Descansa Amor con la presentación de un emotivo videoclip sobre la soledad y la pérdida de nuestros seres queridos Tras tres años recorriendo España con su disco Alma de Papel, Nano Rubio lanza un nuevo trabajo, un single que vio la luz el día 5 de noviembre, y que lleva por nombre DESCANSA AMOR. Un canto agónico sobre la soledad en la madurez y el amor desde otra de sus aristas, un trabajo impecable de este gran artista extremeño afincado en Madrid.

Ver video La producción del tema ha corrido a cargo del propio artista en su totalidad, quien se ha involucrado en todas las facetas de dicho trabajo: desde la composición, grabación y mezcla del tema, hasta la realización del videoclip que lo acompaña.

A día de hoy, Nano Rubio está acompañado por músicos de primera fila, e iniciará la gira de promoción de su nuevo single Descansa Amor en breve.

Os dejamos la entrevista que quedó tras charlar y pasar un buen rato juntos...

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“Soy de los que piensan que las canciones nos encuentran a nosotros, y no al revés.”

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nano rubio una pasión eterna Texto pot S. Plata Estamos muy contentos de poder hablar contigo, Nano, y tienes muchas cosas que contarnos. Pero antes queremos que los lectores te conozcan un poco más. Sabemos que empezaste en la música muy joven. ¿Quiénes eran tus referentes y por qué querías dedicarte a esta profesión?

He pasado por muchas etapas, desde Camarón, hasta Queen. Lo único que he tenido claro desde siempre es que la música era mi pasión, y quería compartir esa pasión con más personas.

Tienes un pasado musical con la banda Savia Joven, donde eras el guitarrista principal, hasta que, unos años después, decides emprender tu carrera en solitario. ¿Cuándo viste la señal de “es el momento”? ¿Cuáles fueron las reacciones a tu alrededor (grupo, amigos, familia, tú mismo…)?

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Fue una decisión difícil, pero necesitaba hacer mi música. No fue una señal que me iluminase el camino, fue algo muy meditado y que vino con el tiempo. Y en cuanto a la gente de mi alrededor, he tenido la suerte de que siempre han confiado en mí, y así las decisiones son mucho más sencillas de tomar. ¿Cuál es el mejor recuerdo que tienes de esa primera etapa como músico? ¿Qué aprendiste de aquella época?

Una de las cosas que con más gusto recuerdo de tocar en grupo es sentir que la presión se repartía entre más personas, lo que me hacía sentirme mucho más a gusto antes de tocar.

De esa época me quedo con haber aprendido a entender un poco más al público. Desde la guitarra veía las cosas con más perspectiva y objetividad.

Cuando iniciaste tu carrera como cantautor, ¿por dónde empezaste? ¿Cómo fue el proce-

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so de creación de Nano Rubio, el artista?

El proceso fue paulatino, iba surgiendo a medida que crecía musicalmente. Necesitaba hacer mi música, y, después de unos años tocando para otro grupo, decidí dar el paso. ¿Tenías claro desde el principio qué estilo o género musical querías hacer?

Aún no lo tengo del todo claro. Intento no encorsetarme en ningún estilo, ni predefinir mi música con ninguna etiqueta. Me apasiona la música en general, y no me gustaría renegar de ningún género para contar una historia con ella. Como decía Camarón, lo importante es transmitir.

Tu primer trabajo como Nano Rubio, “Alma de papel”, tuvo muy buena aceptación entre el público, y has estado girando varios años con él. ¿Qué ha significado para ti este primer trabajo? ¿Qué balance haces de este disco?

Como en cualquier ámbito de la vida, la primera vez siempre es especial, aún con sus errores y sus imperfecciones, pero, a fin de cuentas, en eso consiste la vida, en errar y aprender. Siempre el segundo trabajo es mejor que el primero, y el tercero que el segundo… Lo importante es que una parte de mí se quedó en esas canciones.

El pasado 5 de noviembre presentaste el single/videoclip de una canción que lleva por título “Descansa Amor”. Hablemos primero de la composición de este tema. ¿Surgió de manera espontánea, o hacía ya tiempo que rondaba en tu cabeza?

Fue totalmente fortuito. Soy de los que piensan que las canciones nos encuentran a nosotros, y no al revés.

“Descansa Amor” es una canción que contiene un claro mensaje para los que la escuchan.

Para aquellos que aún no han tenido la oportunidad de escucharla, ¿podrías decirnos qué es lo que quieres transmitir con esta canción? ¿Qué significa este tema para ti?

Diría que habla de aquello que se queda cuando nosotros nos vamos, y que puede reflejarse en una foto, en el beso de una madre, o en un amanecer: EL AMOR, pero quería explorarlo desde otra perspectiva, y dotarlo así de cierta

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peculiaridad. Por eso quise hablar de un amor que se fragua con los años, la confianza y la experiencia, y de lo agónico que puede resultar perder a aquella persona que has amado durante tantos años.

En cuanto a la producción y grabación, tenemos entendido que sueles hacerlo tú mismo. ¿Hay algún motivo en especial? ¿Ha sido así con “Descansa Amor” o has contado con alguien más?

Sí, me gusta implicarme en todas las fases por las que pasa la canción. Creo que de esta forma puedo moldearla, y adecuar cada proceso a mi forma de entender la historia. He contado con la ayuda, como músico y coproductor, de Gabriel Hérnandez.

“Descansa Amor” viene acompañada de un videoclip que muestra claramente el mensaje de esta gran canción. Cuéntanos, ¿tenías una idea previa de cómo querías hacerlo?

Desde que terminé de componer el tema tenía muy claro cómo debía ser el videoclip, al menos los detalles más importantes. Tenía claro que el peso del mensaje debía ser de la canción, y por lo tanto no quería crear un videoclip muy literal, sólo lo justo para que hubiese una concordancia narrativa entre ambos.

En este caso, imaginamos que te habrás rodeado de un gran equipo. ¿Quiénes han trabajado contigo en este videoclip? ¿Estás contento con el resultado?

Siempre cuento con la inmensa ayuda de JJ producciones y de Marta Montejo, que ha sido la directora del videoclip. El resultado es perfecto, y no me refiero a la parte técnica, sino al mensaje. Queríamos emocionar con él, y lo hemos conseguido.

Tanto el single como el videoclip se presentaron al mismo tiempo, y queríamos saber si hay algún motivo especial por el que haya sido así.

La canción trata varios temas sensibles, y para entender el mensaje de una forma adecuada, necesitábamos un soporte visual que ayudase a encauzar dicho mensaje por la vía que nosotros queríamos mostrar.

Ahora que la presentación ha pasado, dinos, LaCarne Magazine

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¿cómo estabas el día de la presentación? ¿Nervios, tranquilidad, expectación…? ¿Salió todo como esperabas?

Muchos nervios. Era un trabajo del que esperaba grandes cosas, y así está saliendo. Ya va a llegar a las 10.000 reproducciones en menos de un mes, y estamos muy felices por los comentarios que nos llegan de España, e incluso de países de América latina.

Ya has presentado el single y el videoclip, pero seguro que guardas algún proyecto en secreto. ¿Habrá nuevo disco próximamente? ¿Qué puedes adelantarnos?

Nuestra idea es lanzar canciones de forma individual. Creemos que hoy en día ésta es la mejor forma de trabajar, además de que nos podemos permitir dar más énfasis en todas las canciones, y así matizarlas todo lo necesario. ¿Y qué puedes decirnos de los directos? ¿Tienes fechas cerradas antes de que acabe el año?

Por ahora sólo estoy pensado en sacar canciones, y así trabajar en los directos con temas nuevos de cara al verano que viene.

El 2020 está ya a la vuelta de la esquina, y nos gustaría saber qué planes tienes. ¿Cómo se presenta el 2020 para Nano Rubio? ¿Tienes planes a largo o a corto plazo? Cuéntanos…

Creo que va a ser un año lleno de alegrías.

Tenemos muchas sorpresas preparadas, pero habrá que esperar. Sólo puedo adelantaros que a principios de año tendréis la primera.

Te deseamos mucha suerte y éxito con este nuevo single, y con todo lo que venga después. Aquí estaremos esperándote para que nos cuentes cómo te ha ido ;-) Gracias por tu tiempo, Nano.

Os invito a todos a que os paséis por mi canal de YouTube (Nano Rubio) a escuchar y ver “Descansa amor”. Espero que la disfrutéis tanto como yo haciéndola.

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La Danceteria Live

una iniciativa con mucho futuro

idea y su futuro.

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a Danceteria Live es uno de los proyectos culturales más interesantes de los últimos tiempos surgido en Extremadura.

Liderado por Karlos Concá, Juan Carlos Terrón y Juande Rodes, son amantes de la música electrónica que se decidieron a impulsar una iniciativa inaudita en Extremadura, y completamente auto gestionada.

Hemos quedado con ellos en un paraje de la tierra para preguntarles sobre su magnífica

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La Danceteria Live, una iniciativa musical con mucho futuro

Antes de que nos comentéis el proyecto, los tres procedéis del underground electrónico extremeño, habladnos de vuestra faceta musical y presentaros.

Karlos Concá: Hola, me llamo Carlos López Durán. Soy un entusiasta, Dj y melómano. Escucho música desde finales de los 90.

Comencé tocando la percusión con amigos, y escuchando las radios alternativas de rock, disco, y otros géneros como el reggae o el funk.

Descubrí lo que era ser un “Dancer” influenciado por los sonidos como el house, o el rave.

Comencé a comprar vinilos desde principios del 2000, y me compré dos platos Akiyama, pues no tenía dinero para un technics.

char en el programa, y más tarde formando parte de este interesante proyecto, del cual me siento orgulloso y agradecido.

Empezamos a hacer fiestas e intentábamos buscar siempre los sitios más salvajes. La verdad que pinchar al aire libre es especial, aunque el club también tiene su encanto.

Juande Rodes: Hola, mi nombre es Juan de Dios Rodríguez. Tengo 32 años y mi acercamiento con la música electrónica es de hace muchos años, cuando tenía unos 15, gracias al trabajo como dj de la discoteca de mi pueblo.

Construimos un colectivo llamado Muzak en Badajoz, donde personas de varios géneros nos reuníamos con el fin de exponer una agenda cultural diferente a la ciudad, pero tan solo tardamos un año en cerrar.

Este se encuentra en el medio rural de nuestra queridísima provincia, y el acceso a este tipo de música tampoco era fácil, ni siquiera trabajando en una discoteca, pero si me ayudó a generar más entusiasmo por ella.

Era difícil de mantener y había muchas ideas que no llegaron a fraguar. Y desde entonces he seguido con este proyecto de La Danceteria hasta estos días. 3 años trabajando con ilusión y constancia, y espero que podamos brindar por muchos años más.

Poco a poco fui consiguiendo mi pequeño y barato equipo. Con la ayuda de unos amigos comencé a mezclar de forma amateur, y así sigo, jeje enamorado del house y el techno sobre todo.

Juan Carlos Terrón: Ante todo agradeceros esta entrevista. Me llamo Juan Carlos Terrón, nacido en Badajoz.

Mi curiosidad por la música empieza desde muy pequeño. Creo recordar por el año 1995 comprando cintas de casete de los temas de la época, recopilatorios de música dance y house.

Más tarde pude comprarme un equipo dj de dos platos y una mesa, pasé muchas horas practicando en el estudio. En los comienzos es cuando te das cuenta que te gusta transmitir y hacer bailar a los dancers.

Empezé a comprar vinilos de música dance, progresive para después pasar por el house y el techno.

El primer set que hice en directo fue en una fiesta de Badajoz People, también pinché en la sala Praia, y montando raves y fiestas.

Pasado un tiempo conocí el proyecto La Danceteria en MuzakLab, donde conocí a Karlos Concá y a Juande Rodes, empezando a pin-

Y ahora sí, explicadnos ¿en qué consiste La Danceteria –Live?

La Danceteria – Live es un canal Streaming donde emitimos generalmente una vez al mes LiveStream, invitando a diferentes artistas de la zona e intentando buscar diferentes escenarios, mostrando la riqueza que tenemos en Extremadura con sus paisajes y sus artistas.

Colaboramos con el colectivo de Portugal Out To Dance (OTD) en el programa de Waves

by Diogo, emitido desde Toronto (Canadá), y el segundo Miércoles de cada mes estamos en radio Rewind It de Londres, emitiendo 2 horas F.M para Guarda Records, donde invitamos a artistas de todos los géneros, desde el afrobeat, reggae, funk, hasta la música más de baile como el techno, electro, house, d&b…

Por último, todos los veranos organizamos una Boat Party única en Extremadura, donde navegamos por el gran lago de Alqueva entre España y Portugal.

Juande Rodes: Para mí, La Dancetería significa mucho más que la retransmisión streaming de sesiones musicales.

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Significa el amor incondicional que nuestro amigo Carlos empeñó hace mucho tiempo por mostrar y dar apoyo a los artistas locales en toda su variedad de estilos, y es una estupenda labor cultural que ayuda a romper los estereotipos vinculados a la música electrónica en general, mostrar al resto del mundo que no sólo es fiesta nocturna, que por supuesto también lo es, pero, a los que nos gusta de verdad lo hacemos a cualquier hora del día o la noche, y si podemos mostrar lugares con encanto de nuestra tierra, pues aún mejor.

El hecho de colaborar en este tipo de proyectos me ayuda a crecer musicalmente, y es ma-

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ravilloso poder conocer gente de tu alrededor con gustos similares.

Cada momento que dedicamos al proyecto es un chute de adrenalina que te motiva aún más.

Sin duda vuestro proyecto nos recuerda a lo que ya conocemos todos en el mundo electrónico internacional como las iniciativas de Captcha Family o Boiler Room. ¿Aspiráis a conseguir el mismo impulso?

La Danceteria: En realidad no queremos parecernos a nada de lo que ya hay. Sí que es verdad que nuestros videos tienen parecido con algunos de los canales como mencionas.

Cuando vimos el primer video con la aparición del Puente de Ajuda en Olivenza como lienzo para la sesión de música electrónica, alucinamos por la hermosura de la creación audiovisual. Pensamos que era la iniciativa de Arte en Ruinas mezclado con un Boiler Room a la extremeña, algo realmente fascinante. Promoción turística y musical todo en uno. ¿Cómo elegís los parajes, edificios o lugares donde realizáis las grabaciones? ¿La elección del lugar va directamente relacionada con el artista electrónico que actúa?

La Danceteria: Somos unos viajeros, nos apasiona conocer el mundo, las diferentes culturas, como también nos encanta nuestra tierra, Extremadura, la cual posee muchos rincones que muchos extremeños no conocen.

Incluso nosotros, que nos hemos movido mucho por nuestra zona, seguimos descubriendo rincones maravillosos y de una belleza indescriptible.

Cuando vemos la posibilidad de trasladar el equipo de cámaras, sonido, etc, elegimos un escenario, nos movemos con nuestros medios hasta el lugar, e intentamos contactar con artistas de la zona, pensando en la idea de qué estilo musical sería el más acertado para realizar la grabación del video.

Nos gustaría llegar a todos los «Dancers» posibles, y conseguir cada vez más aceptación y apoyo.

De momento nos conformamos con que nuestro entorno lo disfrute y lo valore, por el cariño, esfuerzo, y empeño que se aplica. Estamos trabajando despacio y con sentido.

Nos gustaría que pasaran todo tipo de artistas y djs por el programa, e intentar ofrecer una carta variada de estilos, y escenarios, dándole la oportunidad a artistas jóvenes como también a djs más populares.

¿Cada cuánto tiempo realizáis una Danceteria? ¿Qué horarios tenéis?

La Danceteria: Como antes mencionábamos, actualmente tenemos tres partes en el programa: el LiveStream, que lo emitimos una vez al mes; el programa de Waves By Diogo; y el segundo miércoles de cada mes, en radio Rewind It (F.M) de Londres, desde las 22:00 hasta las 24:00.

Dado que básicamente promocionáis músicos electrónicos y lugares con encanto, lo que en definitiva es promoción turística y cultural, ¿habéis pensado en ofrecer vuestro proyecto a las administraciones públicas, tanto Ayuntamientos, Junta o Diputaciones?

La Danceteria: Son ya tres años que llevamos con La Danceteria, y creemos que es el momento de consolidar el proyecto pasando a LaCarne Magazine

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un nivel más profesional.

Aparte, es necesario hacerlo, pues a la hora de hacer videos en áreas urbanas o lugares que son patrimonio de la Humanidad es mucho más sencillo llegar con un proyecto legal y registrado en alguna administración. Estamos en ello.

Sería un paso para profesionalizaros y un gran plan para Extremadura. ¿Habéis pensado en realizar alguna campaña de crowfounding o un verkami para captar fondos?

La Danceteria: La verdad que nunca pensamos en lucrarnos con el proyecto, aunque a veces es difícil seguir adelante.

Nuestros medios no son profesionales, y cada vez necesitamos equipos más especiales para grabar videos que sean óptimos de calidad, y que ofrezcan una mejor visión de los lugares donde emitimos Streaming.

No descartamos hacer alguna campaña para poder financiar los medios que hemos comentado. ¿Qué artistas han pasado por la Danceteria live? ¿Con quién os gustaría contar en vuestras futuras sesiones?

La Danceteria: Uff, pues en 3 años son muchos. Esperamos no dejarnos ninguno para atrás: Drum Deluxe, M.C.P.M, Juande, Mattrix , Aime, Dr JekyLL, Jungle Cruz, Ju and Je, Joaqui, Pedro Guerrero, Alem Gago, Suarez, Viktor Royan, Jotak, Rakel Kdna, Loren&Skare, Pitchi Pitch, Dj Talo, Zoylo, Lady J, Geminis, Tomas Grey, Lorena Break, Danny R, Odeca, Vince Van Soth, Aborigen, Snorz, MiguelBlanco, Modernphase, Kaitosh, Luifer, Drumind, AlfredoFreskito, Torviscas, TheFicher, Desonnant, SuperSexySoundSystem+Esperanza, Mooch, Diogo, B.Riddim, FunkTouche, AK47, Ohbravasura, Dani Lewis, Kaefe, M.Vaquero, SitoAgudo, JesusDominguez, San C, Golden Boy, Junior London, Xome, Julz Lever, Muffin Killa&Kit the Kids, Radikal, Carlos Angulo, Nando, Noron, Jarvio.

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Nos gustaría contar con todos los artistas y djs que les apetezca exponer su visión sobre cualquier tipo de música en la que trabajen.

Aparte queremos en futuras ediciones dedicar más espacio a grupos de rock, jazz, alternativo. ¿En qué plataformas o redes sociales os podemos encontrar?

La Danceteria: Actualmente estamos en Facebook e Instagram, donde podéis ver más de cien videos stream y escuchar aproximadamente 28 podcast para radio Rewind It, como también todas las fotos y artistas que han pasado por el programa.

Por último, ¿cómo puede ponerse en contacto con vosotros cualquier persona que esté interesada en participar en el proyecto?

La Danceteria: Muy sencillo. Nos pueden mandar un mensaje privado a la pagina de Facebook de La Danceteria -Live-.

Abrimos las puertas a todas las personas interesadas en mostrar sus trabajos, y a cualquier idea o colaboradores que quieran involucrarse en el proyecto.

Muchas gracias, chicos.

La Danceteria: Muchas gracias a vosotros, LaCarne Magazine, por dedicarnos espacio y apoyar nuestro proyecto en vuestra bonita revista.

Queremos agradecer a todas esas personas que nos apoyan, gracias a Juande y JuanCarlos por su colaboración incondicional, a Jorge Caballero por enseñarnos tanto acerca de la edición de los programas, a Rakel Kdna por animarnos a no dejar el proyecto en nuestros momentos más duros, a Jose Kdna (cadenart_gd) por el diseño de los carteles, a Jorge y Jose de SuperSexy SoundSystem por darnos la oportunidad de realizar esta entrevista, y por supuesto a todos los artistas y “Dancers” que nos siguen, sin ellos esto no sería posible.

Gracias de Corazón!

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Bautismo de Fuego Heavy Metal y raíces folklóricas

principal, y voz de esta banda procedente de Chile.

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autismo de Fuego es una agrupación de Heavy Metal, que, después de algunos cambios de alineación, logran sacar el EP Santiago Repugnante, con el que logran insertarse en la escena local.

La agrupación está en preparación de un nuevo material, que se comenzará a grabar el próximo año.

Pero aquí está la entrevista respondida por Rodrigo Venegas, guitarrista, compositor

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Bautismo de Fuego, Heavy Metal y raíces folklóricas Saludos! Bienvenido a LaCarne Magazine.

Gracias por aceptar esta entrevista. Primeramente, ¿podrías compartir con nosotros cómo y cuándo se creó Bautismo de Fuego?

Bueno, Bautismo de Fuego nació como proyecto en el año 2002, mientras me encontraba en la secundaria de una comuna cercana a Santiago de Chile.

En esa ocasión la conformamos Pablo Venegas (batería), Ivo Aroca (guitarra) y un bajista

frente al sistema de mierda en general.

La literatura con orientaciones revolucionarias fue una primera herida de bala en mi cabeza y mi corazón.

Me parece que el libro que más me inspiró, aparte de las grandes bandas de cabecera, fue “Las Venas Abiertas de América Latina” de Eduardo Galeano (QEPD). ¿Quiénes son los actuales integrantes de la banda? ¿Son músicos con trayectoria en bandas anteriores, o se iniciaron en su carrera musical con Bautismo de Fuego? Coméntanos.

Los integrantes actuales de la banda son Pablo Venegas (batería y coros), Nelson Araya (bajo y coros), Joaquín Campos (guitarra) y yo, Rodrigo Venegas (guitarra y voz principal).

Pablo, Nelson y yo iniciamos nuestra trayectoria musical en esta banda, aunque como algunas veces hemos estado en “stand by”, los chicos han aprovechado para trabajar con otros músicos e incursionar en otros estilos, como el rock-pop.

Joaquín Campos comenzará a estudiar guitarra en una escuela de música popular durante el próximo año. Él es más de “shred” y guitarras a lo Jason Becker. que ahora es cantautor, un género artístico muy lejano al Metal.

Fue durante una fiesta del colegio en donde estudiábamos. Tocamos unas canciones de Metallica. ¿Por qué deciden llamar definitivamente Bautismo de Fuego al grupo? ¿Cuál es el significado que ustedes le asignan a este nombre?

La expresión “Bautismo de Fuego” en la terminología militar simboliza la primera herida de bala que recibe un soldado en campaña, lo que me pareció muy apropiado a lo que ambicionaba con la música que hacía en ese momento: expresar la frustración que me provocaban las mentiras de la religión, y la rabia

Hablando del contenido musical y lírico, Bautismo de Fuego yo la aprecio como una auténtica banda de heavy metal. ¿Cómo definen su propia música y sobre qué hechos o experiencias basan las letras de sus canciones?

Bien, ciertamente nuestra música de cabecera ha sido siempre el Heavy Metal, a la que buscamos dar una identidad enriqueciéndola con recursos propios de otros repertorios, como el de raíz folklórica o la música clásica, por ejemplo.

Buscamos crear un escenario propicio para las letras que hablan de manera muy poética y universal sobre la memoria histórica de nuestro modo de ser latinoamericanos, el que ha vivido varios procesos entre dictaduras y LaCarne Magazine

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gobiernos corruptos.

Su primer trabajo fue un EP en el 2011 titulado Santiago Repugnante. ¿Qué tal fue recibido este material?

Nuestro primer EP, Santiago Repugnante (2011), venía precedido de un demo que circuló entre amigos y gente cercana, pero pronto comenzó a llegar a más oídos, expandiendo nuestro sonido.

Santiago Repugnante sirvió para insertarnos en el circuito local, y para llegar a algunos interesantes concursos de bandas, en los que casi siempre terminábamos ganando.

Durante este período, la banda estuvo muy fuerte y pudimos tocar en lugares alucinantes.

Nuestra música llegó a oídos no estrictamente metaleros, lo que nos sirvió para que nos invitasen a tocar en festivales comunales en donde el público, muy heterogéneo, primero nos escuchaba a nosotros, y luego a la cantante pop de todos los tiempos, jaja.

Luego vendría otro EP en el 2013 con el título de Por la Razón de la Fuerza Bruta. Coméntanos sobre este segundo material. ¿Estos materiales les ayudaron a darse a conocer más ampliamente en la escena chilena?

Este trabajo nos abrió más puertas que el anterior, porque, básicamente, la producción fue de un nivel altísimo.

Trabajamos con Cristian Rodríguez en los 15hz Estudios (Santiago de Chile), y en muy poco tiempo pudimos registrar seis canciones con una mezcla magistral a manos del ingeniero antes citado.

Por la Razón de la Fuerza Bruta nos llevó a tocar por muchos lugares en donde nunca habíamos estado, como Valparaíso, Concepción.

En el fondo nos sirvió para salir del área metropolitana de Chile.

Grabamos por primera vez un “videoclip” sin nada de recursos, que además nos instaló en las RRSS.

En el 2016 la banda tomó un receso. ¿A qué se debió este descanso?

Hubo varios factores que incidieron en esta decisión.

Es muy chistoso además por las locaciones que usamos, porque fue rodado en una sala de ensayo que ocupábamos en ese momento, sala que en realidad era la bodega de una casa en construcción, por lo que había sacos de cemento y cachivaches varios en desuso.

Por una parte, sentía que no podía proyectar nuestra carrera más allá de mis recursos, ya que ningún sello del ámbito underground de nuestro país apuesta por una propuesta como Bautismo de Fuego, que no es muy fácil de encasillar (por un lado, para los metaleros más

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puristas esto es “pop”, mientras que para el oyente medio esto es “muy metalero”. En fin, no se puede dar en el gusto a todo el mundo), lo que redundó en que termináramos completamente desmotivados. Un segundo factor determinante fue que había roces entre integrantes de la banda que hacían muy tenso el trabajo.

Por último, ese año me fui a Europa en un principio para estudiar guitarra eléctrica en Alemania, lo que finalmente me llevó a re-encantarme con las posibilidades de desarrollar una carrera fuera de mi país natal.

La música de Bautismo de Fuego pudo ser oída en países tan lejanos como Alemania o Suecia, hecho que me llenó de energías para volver a reformar la banda apenas cruzara el Atlántico de vuelta a Chile.

Cuando regresaron a escena, lo hacen con más fuerza, pues graban algunos sencillos y videos. Háblanos sobre estos trabajos (sencillos y videos).

Antes de retomar Bautismo de Fuego estuvimos trabajando en un proyecto muy bizarro que hacía metal extremo, con voces guturales y afinaciones infernales, llamado Numerus Klausus.

Con este proyecto alcanzamos a registrar un EP de seis canciones, hasta que el vocalista tuvo que dejar la banda.

Luego de no encontrar reemplazo, retomamos el camino de Bautismo de Fuego tomando prestada una canción compuesta originalmente para Numerus Klausus, que titulamos “Adictos a la Muerte” (una alegoría al ímpetu LaCarne Magazine

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de destrucción que gobierna el corazón de los tiranos).

Fuego se relacione directamente con nuestro sonido.

Para esta canción rodamos un simplísimo video clip en tonos de blanco y negro, que nos sirvió para meternos nuevamente en la escena.

¿En qué momento se encuentra Bautismo de Fuego como banda? ¿Crecimiento, consolidación, evolución, expansión…?

En este momento me encuentro componiendo material para el siguiente disco. Cerramos definitivamente la etapa de las anteriores grabaciones, y ahora vamos por material nuevo.

Los problemas no estuvieron exentos durante este período, y uno de los guitarristas tuvo que dejar la banda para internarse por rehabilitación.

Luego de estabilizarnos como banda, con nuestro actual guitarrista grabamos el video clip de “Menta Negra” en 2019, una canción que habíamos grabado para nuestro EP Por la Razón de la Fuerza Bruta, y que remasterizamos para insertarla como single. ¿Cómo ven, en su opinión, la actualidad de la escena del metal en Chile?

En resumen, hay muchas bandas y el público se ve envejecido.

No hay muchas propuestas transgresoras en el ámbito del metal, y los productores privilegian bandas de Thrash o Death Metal, convirtiéndolo en un formato muy poco modificable, rígido, casi al punto de verse estancado el grado de creatividad, sólo medido en términos comerciales, si es que se puede medir algo así en una escena tan chica.

Hay mucho trabajo por hacer, pero creo que no hay que desgastarse. Creo que se puede invertir mejor el tiempo en proyectar la carrera de una banda chilena en el extranjero. ¿Están satisfechos con el sonido y concepto de la banda, o creen que falta aún más en qué adentrarse?

Creo que siempre puede mejorarse el ámbito de desarrollo artístico en la banda.

De cierta manera, nuestro sonido nos distingue del resto, pero hay mucho por hacer en el ámbito estético y propuesta escénica.

Queremos que el público alucine en nuestros conciertos, y que la imagen de Bautismo de

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Llevo compuestas alrededor de trece canciones, de las cuales escogeremos ocho o nueve para nuestra próxima producción. De hecho, la carátula ya está lista, pero comenzaremos las grabaciones durante el próximo año.

Además, hemos atravesado situaciones familiares completamente nuevas. Nuestro bajista acaba de ser padre, y yo lo fui el año anterior.

Mi hijo es el motivo de un par de nuevas canciones. ¿Cuál es su principal meta como banda? ¿Cómo ves el futuro de Bautismo de Fuego?

La meta principal de la banda es que nuestra música salga de nuestras fronteras. Hemos recibido muy buenas críticas en países como México, Argentina o Perú, pero queremos llegar a Europa y Norteamérica.

Para ello debemos trabajar muy duro, pero llevamos un ritmo tranquilo para lograr componer excelentes canciones y un disco adictivo.

El futuro es nuestro próximo disco, y de ahí que venga todo lo que deba venir.

Bueno, esto es todo. Sinceramente agradezco tu tiempo y tus palabras. ¿Podrías darnos algún mensaje final?

Agradezco profundamente la instancia de expandir nuestra música por parte de LaCarne Magazine, y espero de todo corazón que en el futuro podamos vernos las caras y que las guitarras de Bautismo de Fuego azoten Europa.

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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Senogul

y sus evocaciones sonoras LEER MÁS

S

iempre proclives a la equidistancia, la banda asturiana Senogul se ha caracterizado, desde su obra fundacional de igual título (Mylodon Records 2007), por un fino sentido de la arquitectura sonora para integrar, en un todo homogéneo, influencias musicales de lo más variopinto en un concepto que, ya de por sí, es tremendamente abierto como el de “rock progresivo”.

Este primer disco de Senogul, junto a una formación de quinteto integrada por Pedro A. Menchaca (guitarra, E-bow), Pablo Canalís (bajo, percusión, gralla, voces), Eduardo García Salueña (teclados, shaker, melódica, voces), Israel Sánchez (guitarra, saxo, voces) y Álex Valero «Danda» (batería y percusión), reunía a su alrededor a más de una veintena de músicos, incluyendo un coro, gaita asturiana, trompeta, y acordeón.

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Eso sólo en el aspecto formal, porque el contenido se explayaba de lo lindo desde el sinfonismo más melódico, a recios arrebatos fusión, pasando por alusiones “folkies” o tangueras.

El disco, toda una sorpresa y un acierto por parte del chileno Juan Barrenechea para ficharlos en su disquera Mylodon Records, tuvo un gran éxito tanto a nivel de crítica como de ventas, y situó a la banda en el disparadero internacional con no pocas presentaciones en directo.

De similares hechuras era Senogul III, su tercer registro, publicado en 2011 por la discográfica francesa Musea Parallel, que si bien en sus primeros compases parece escorarse hacia la izquierda de King Crimson en escarceos cercanos al avant-rock, recupera y acaba por imponer la locuacidad y ese gusto aperturista que siempre los ha definido, y que de igual modo alude al gamelán indonesio, al flamenco, y a los ritmos afrocubanos como se interna por intrincados vericuetos rítmicos y

armónicos.

Entre la lista de colaboradores, el insigne guitarrista, omnipresente en el rock andaluz, Luis Cobo “Manglis” (Gong, Smash, Guadalquivir), o el fagotista John Falcone entre más de una decena de colaboradores.

Senogul repite la formación en quinteto del primer disco con la incorporación de Eva D. Toca en la batería. Un gran trabajo sin duda.

Y sí, hemos hablado de Senogul a Senogul III. Y qué pasó entremedias os preguntaréis.

Pues ni más ni menos que la que el que suscribe considera la joya de la corona en la discografía de Senogul, su segundo trabajo, de título tan sinuoso como sugerente y categórico: Concierto de Evocación Sonora Para Conjunto Instrumental (margen Records, 2009).

Hubiera sido fácil repetir los esquemas de su primer disco ante el beneplácito de unos fans entregados, a la vez que haber servido de puente natural hacia Senogul III, álbum, por cierto, en el que repiten la formación de este disco. Pero ése hubiera sido el camino fácil…

El título es explícito. Se trata precisamente de una serie de evocaciones sonoras, esenciales y primarias, de ecos llegados de los más recónditos parajes, para dar forma a una música que es espontánea y abierta a infinidad de referencias, y que plantea un maravilloso viaje, en el que el oyente es parte activa, por ese planeta extraño y todavía inexplorado llamado MÚSICA. Esta obra, seamos sensatos, es casi imposible de encuadrar, que es lo que más nos gusta a los que tenemos el atrevimiento de escribir sobre algo tan intangible como los sonidos.

Si lo intentas, corres el riesgo de enredarte en una sucesión de adjetivos calificativos, pleonasmos y símiles rimbombantes, al mismo tiempo que sólo conseguirás sugerir un 10% de su magia. Intentaré evitarlo, pero no prometo nada.

Resumamos diciendo que Concierto de Evocación Sonora para Conjunto Instrumental es una obra vital, que respira, palpita, y propone una narrativa muy especial, sustentada por una variadísima instrumentación que parece trascender el mero propósito sonoro para acercarnos un mundo de sensaciones extra musicales, casi metafísicas, que invitan a abandonarse al hermoso placer de la escucha sin que medie cualquier interferencia intelectual.

Un disco con “atmósfera” surgido, me atrevería a decir, sin pretensiones de ser lo que acabó siendo, y a la vez una obra intrigante, situada en algún lugar remoto entre lo tribal y lo cósmico, y que parece ocultar mil secretos que vas descubriendo en las sucesivas escuchas.

Y si bien cualquier concepto con estas expectativas suele ser más proclive al desorden que a la heterodoxia, en Concierto de Evocación Sonora hay una estructura invisible, un andamiaje abstracto, como el de ese viejo árbol del que cuelgan infinidad de ramas enredadas con una simetría extraña.

Desgraciadamente, todo hay que decirlo, el disco pasó desapercibido, pero hoy, 10 años después de su edición, sigue concitando el interés y el debate. Y muchos aficionados, que en su momento lo dejaron pasar, preguntan por algún resto de stock para hacerse con su copia.

Sin duda, la mejor virtud de cualquier manifestación artística es su intemporalidad, la que prevalece ante ese juez implacable que es el tiempo, y eso Concierto de Evocación Sonora lo cumple.

Nadie mejor que uno de sus autores, Eduardo García Salueña, para conocer los detalles e interioridades del que para mí es un hito en la nueva música española.

Las Evocaciones Sonoras de Senogul

¿Cómo surgió ese cambio de rumbo después del éxito del primer disco de Senogul? Lo fácil LaCarne Magazine

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hubiera sido dar continuidad estilística al primer álbum.

Hubo un componente muy natural, ya que nuestra dieta musical siempre fue muy omnívora en el caso de varios de nosotros.

El rock progresivo nos unía a los cinco, pero nuestros intereses iban mucho más allá.

Yo en aquel entonces, como estudiante y recién licenciado en musicología, me interesaba mucho por todas las manifestaciones académicas (desde la música antigua a la contemporánea), pasando por las grabaciones de campo de diferentes procedencias.

Pablo Canalís fue desarrollando una fuerte afición a los instrumentos de percusión (y posteriormente a los aerófonos) que acabó desarrollando en paralelo a su interés por la antropología, integrándolas en las sesiones de composición e incluso entrando en algunos de los arreglos finales en estudio del primer disco (como se puede ver en piezas como Dr. Gull 2, por ejemplo).

Pedro Menchaca, por otra parte, siempre estuvo muy próximo a la improvisación y a un tipo de experimentación más libre y desligado de principios melódicos, armónicos o rítmicos convencionales.

Todo ello derivó, además, en la formación paralela del grupo Hábitat en la que militábamos Pedro, Pablo y yo, junto con el saxofonista y flautista Guzmán Argüello, la bajista y vocalista Laura Pire (también miembro del grupo Cuac!), David Menéndez a la batería electrónica, Borja Ferrer a la percusión, y Vanesa Moreno a la danza oriental.

sición/improvisación?

El primer germen del Concierto nació en el seno de la grabación del primer álbum de Senogul, con las piezas Las almas inmóviles (incluida en el tercer movimiento, “Mae Floresta”) y un boceto de Lughnassad, que inicialmente estaba concebido para unirse con La Maha Vishnuda (pieza que sí entró en nuestro primer álbum).

Nuestro repertorio incluía desde versiones de In a silent way o Milagro dos Peixes, hasta improvisaciones con danza en directo.

Ambas piezas llegamos a integrarlas en el repertorio en directo de los conciertos previos a entrar a grabar en estudio el primer disco.

También interpretábamos piezas que luego serían parte del Concierto de evocación sonora.

Cuando tocábamos estas piezas, con un notable refuerzo de la percusión en vivo, fuimos notando que se trataba de algo bastante alejado del resto de material, y que tampoco sentíamos todos los miembros por igual, por lo que no los grabamos.

¿Cómo se diseñó/ejecutó Concierto de Evocación Sonora? ¿Cuál fue el proceso de compo-

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Posteriormente, y con Hábitat ya en funcionamiento, hicimos una primera sesión de grabación en casa de Xavier M. Foks, un compositor y multiinstrumentista amigo nuestro que tiene un papel muy activo en el disco. Y no sólo como músico.

Para nosotros era una inspiración hablar y tocar con él, escuchábamos mucha música juntos, y teníamos una comunicación muy intuitiva y espiritual con él, a pesar de la diferencia de edad que nos separaba.

Cuando entramos a grabar teníamos guiones, la mayoría sobre el papel, con ideas abstractas, emociones, intervenciones de instrumentos, momentos de tensión/distensión y cosas así.

Muy pocos motivos puramente musicales, aunque alguno había. De esas sesiones salie-

ron En permanente estado de vigilia, Mae Floresta y Terra-terreiro. Posteriormente también daríamos forma con él a Lughnassad.

En el caso de Itamaracá y Siete lunas, Pablo ya estaba comenzando a hacer sus primeros experimentos de grabación casera, con equipo propio, lo que posteriormente acabaría perfeccionando en su trabajo en solitario.

Estas dos piezas son dos muestras de esa metodología.

Así nos haría llegar muchas veces bocetos musicales que nosotros terminaríamos dando forma en grupo.

El último proceso compositivo del concierto ya fue con la entrada de Eva Díaz Toca a la batería.

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Swaranjali y De Nooijer tienen un desarrollo más grupal y elaborado.

En el caso de la primera pieza, el germen fue una improvisación sobre el motivo de Lughnassad, en la línea de lo que empezábamos a hacer en algunos directos.

La segunda pieza se construye a partir de gran parte del material musical que Pedro y yo compusimos para la obra de videocreación Sweet Paradise, de Paul & Menno De Nooijer, y que interpretamos varios días en directo con ellos. ¿Cuáles eran los objetivos, si los hubiera, que os planteasteis Senogul al iniciar este viaje?

Percibo que no hay sólo un objetivo estrictamente musical en el fondo, sino casi un componente “extra musical” en la forma de “esculpir” el sonido.

Realmente hubo un fuerte desarrollo del concepto del disco a posteriori, durante, y tras las sesiones de grabación.

Por ejemplo, la estructura de los movimientos en espejo: 2 grupos de 4 piezas (1/2/3/4 y 6/7/8/9) en las que se establecen paralelismos, como la inclusión del mismo tema musical como apertura y cierre (1 y 9), un mayor peso de los silencios y de la abstracción (2 y 8), una composición multi-seccional de índole más tribal (3 y 7), y una intervención más focalizada al concepto de banda (4 y 6).

También era muy importante el uso del término “sonoro”, como una realidad que se abriese a múltiples interpretaciones y a ninguna limitación impuesta por el concepto “musical”.

Así pues, todo tenía cabida: desde lo hablado hasta cualquier tipo de instrumentación, referencias muy abiertas en cuanto a géneros, o incluso el silencio.

Igualmente, la idea del “Conjunto instrumental” como formación indeterminada que fuese en constante cambio era un paso muy importante, tratando de que Senogul fuera un concepto fluctuante.

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Me gustaba mucho la línea del Paul Winter Consort, donde en cada disco hay un personal variable, aunque se mantengan algunos de los músicos. Pero todo ello sin personalizarlo, ni siquiera en nosotros mismos.

Así, la última pieza que cierra el disco está interpretada por Senogul, sin que ninguno de los miembros “oficiales” del quinteto intervengamos en su interpretación.

Paralelamente al desarrollo sonoro del Concierto, muchos de nosotros fuimos desarrollando otras inquietudes que hacían crecer el concepto de este trabajo: Pablo Canalís experimentaba con la fotografía y nos enviaba

imágenes, algunas de las cuales aparecen en el libreto y tienen relación simbólica con el contenido de la obra (por supuesto, la portada y la contraportada entre ellas).

También queríamos darle importancia a la profusión de créditos, enumerando de forma rigurosa la instrumentación utilizada (como a nosotros nos gustaba encontrarnos en los discos que escuchábamos). Un amigo de nuestro guitarrista Israel, Daniel Peláez, al escuchar nuestra pieza Lughnassad creó un poema casi de forma instintiva, que también incluimos en el libreto del disco…

Muchas de estas ideas, y otras tantas que

sirvieron como motivación para trabajar algunos conceptos del disco, las sinteticé en una conferencia que di en el Círculo Hermenéutico del Dpto. de Filosofía de la Universidad de Oviedo, invitando a los oyentes a incidir en el proceso de escucha, y acuñando términos que me han ido acompañando, como la Disconsonancia (o como desdibujar la dicotomía entre consonancia y disonancia).

Y a colación de esto, ¿el diseño sonoro/tímbrico estaba premeditado o surgió espontáneamente?

Estuvo bastante equilibrado, aunque gran parte del resultado final fue superior a nuestras expectativas.

En el caso, por ejemplo, del segundo movimiento (En permanente estado de vigilia), partimos de tres ideas: la dicotomía entre sonido y silencio-contraposición que desarrollamos a través de tres toques de gong iniciales con diferentes segundos de silencio de separación entre sí (transmitiendo el componente expresivo del silencio), y la constitución de un clúster con los 12 sonidos como bordón (trasladando así un sonido pleno al fondo de la mezcla); una progresión de acordes de sintetizador sobre un fondo lluvioso que recreamos con percusión corporal; y la recreación de una pesadilla a partir de diferentes elementos que se iban sucediendo, utilizando como base musical uno de los motivos conductores del disco (que también suena en Swaranjali y Lughnassad).

También hubo mucho azar en la grabación, como cuando se rompió un instrumento de percusión y golpeó varios objetos, quedando así un efecto sorpresa adicional que rompía el ritmo interno de la pieza.

En todo el disco hay muchos ejemplos de estas cosas, como el sonido de la página que se pasa en el mantra cantado por Dhana Lakshmi. Aprovechamos ese sonido incidental para transmitir un avance hacia una nueva sección. ¿Hasta qué punto el oyente es parte activa y no mero objeto pasivo en la “construcción” y desarrollo de esta obra? Me refiero a desarrollo en el sentido de que es una obra que evoluLaCarne Magazine

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ciona con las sucesivas escuchas.

Desde luego, para mí el oyente es fundamental puesto que creo que es una obra que crece mucho con la impronta y la experiencia perceptiva de cada tipo de público.

La mayoría de la gente que se acerca a ella se sorprende por su variedad, en cuanto a estructuras, paleta tímbrica, referencias estilísticas… Cuando se escucha el Concierto completo como un continuo aún se evidencia más todo ello.

Es como un viaje en el que te expones a muchas emociones y sensaciones, siempre es inevitable sentir cercanía y empatía con algunas, desasosiego con otras…

En el caso del público que nos había conocido con el disco anterior y había contactado con nuestro “universo sonoro”, fue una ruptura importante, porque el elemento rock no estaba presente, al menos de forma demasiado evidente.

Sí, evidentemente, el carácter “progresivo”.

Pero hubo quien se dejó llevar por nuestra nueva propuesta. Para las presentaciones en directo planteamos una revisión de la obra con nuevos arreglos más eléctricos, adaptadas al quinteto, y que derivó en nuevos arreglos e ideas que aún hoy valoramos poder grabar algún día.

En el breve texto incluido en el disco se buscaba preparar al oyente para que se acercase a esta obra sin prejuicios, pero la verdad es que nosotros también teníamos nuestros propios miedos con la reacción del público. Recuerdo una anécdota que me ocurrió en un concierto en Madrid en el que coincidimos con Pedro Ruy Blas.

En los camerinos le regalé un disco de nuestro Concierto, y me dispuse a darle varias explicaciones tratando de justificar nuestro distanciamiento del rock progresivo de nuestro primer álbum. Él me miró, sonrió, y me dijo algo así como “No trates de justificar la música. Deja que llegue a sus propias conclusiones”.

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A partir de entonces, dejé de prevenir al oyente. Desde luego, es posiblemente uno de los trabajos más interesantes y maravillosos en los que he estado involucrado.

Al hilo de esto, siempre he definido Concierto como una obra entre lo tribal y lo cósmico, entre lo tangible y lo abstracto. ¿Te parece acertada esta definición?

Cada uno percibe a su manera este trabajo.

No puedo decirte que sea acertada o no, aunque entiendo y comparto tus percepciones. Yo creo en la vida de las composiciones más allá de la idea de sus creadores, en el poder de la recepción, en la transformación del sonido.

Personalmente siempre he visto una fuerte presencia de los cuatro elementos en muchos momentos de la obra, sensación subjetiva que a mí me produce como oyente, puesto que como creadores no recuerdo que trabajáramos con esos conceptos.

También la idea de contrastes, que es algo que siempre ha estado presente en mi vida.

Me gusta mucho mezclar los sabores, alternar diferentes tipos de paisajes, disfrutar de estéticas contrapuestas. Lógicamente, eso también se acaba entreviendo en el tratamiento sonoro.

Una obra como ésta sobre el papel parece más proclive al desorden que a la heterodoxia.

Sin embargo, Concierto posee un hilo conductor que lo hace casi homogéneo en su diversidad. ¿Es fruto de la técnica (postproducción, mezcla y edición) o de la inspiración?

Cuando en Senogul recordamos parte del proceso creativo de este disco, es inevitable que a veces aludamos a un cierto componente “espiritual” que sentimos durante las sesiones, especialmente en las grabaciones con Foks.

Fue en un momento muy preciso de nuestro crecimiento artístico, y a día de hoy sería muy diferente probablemente. No buscábamos romper con nada, simplemente teníamos la necesidad de comunicarnos con otras herramientas, y así lo hicimos.

Estábamos también muy influidos por graba-

ciones de Santana, Miles Davis o Pharoah Sanders, en las que percibías que había una importante química entre los músicos y técnicos que compartíamos la sesión de grabación, más allá de lo que estaba escrito.

Muchas cosas se grabaron en el fragor de la primera toma, y las ideas brotaban en muchos aspectos. Incluso se grabaron algunos fragmentos a oscuras. Luego, el trabajo de postproducción y mezcla también fue un factor muy importante, puesto que ultimó la forma de manera definitiva.

Hubo algunas cosas que incluso desechamos, como unas voces próximas al canto gregoriano y a la polifonía a tres voces que escribimos para la Invocanción, pieza fonética inspirada en Flatus Vocis Trío que interpretamos a partir de una partitura gráfica que elaboré y aún conservo.

Podemos decir que el Concierto nace a partir de un conjunto de ideas e inquietudes, musicales y extramusicales. Se forma a partir de la creación colectiva, grabación y postproducción, y posteriormente adquiere su sentido con el oyente.

Por cierto, y es algo que no sé si ha calado en los oyentes y en la prensa, es la conexión inherente que hay entre Night Chants, último trabajo de Pablo Canalís que reseñamos en

LaCarne Magazine recientemente, y Concierto de Evocación Sonora. Para mí es muy patente. Son como ramas que cuelgan del mismo árbol.

Creo que en el Concierto se desprenden muchas ideas que conectan con los perfiles de cada uno de nosotros, y nuestros posteriores desarrollos.

Nunca hemos insistido en las autorías compositivas porque, aunque haya ideas germinales que han sido el motor de varias secciones y piezas que han tenido un protagonista más implicado a nivel de escritura, en suma es un trabajo muy colectivo.

Pero el oyente que nos haya seguido puede trazar muchos paralelismos. Uno muy evidente, efectivamente, es el establecido por los dos trabajos en solitario de Pablo Canalís.

En mi caso, para este álbum creé varios sonidos de sintetizador que después utilicé en otros proyectos muy diferentes y que quizás reconozcas, como para el disco Agora de Anabel Santiago (https://www.youtube.com/ watch?v=vB715LqlClc), o para el Poema sinfónico para banda de gaitas, quinteto instrumental y recitador (https://vimeo. com/55170730).

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Hablamos con

Isabel Corullón de Improvisación Libre

un artista. Yo a Isabel la considero así, una gran artista.

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I

sabel Corullón apareció hace unos años en los encuentros de improvisación libre organizados por Raras Músicas, y a partir de ahí ha colaborado con bastantes de nosotros.

Muy interesada en esta disciplina, y con unos criterios muy válidos e interesantes a pesar de iniciarse sin tener formación musical de ningún tipo.

Ella representa, en mi opinión, uno de los ejemplos paradigmáticos de que se puede llegar a ser un improvisador muy capaz sin tener una formación «adecuada y ortodoxa». De ahí mi idea de que cualquiera de nosotros tiene algo único que ofrecer, y que nadie más puede igualar esa oferta personal. Joseph Beuys decía que el arte se fusiona con la vida, y a partir de ahora cualquier persona puede ser

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Hablamos con Isabel Corullón de Improvisación Libre

Llegué a la música por azar. El origen de todo está en las clases que recibí de Miguel Ángel Corpas para desarrollar mi capacidad de comunicación. Estas clases, que empezaron en 2006 con una finalidad terapéutica y se prolongaron a lo largo de tres años, me ayudaron a descubrir mi voz, y a partir de ahí tuve una necesidad muy fuerte de expresarme a través de la música.

Corpas me descubrió la conexión entre el cuerpo y la voz, me enseñó también otra forma de escucha, y me inició en la técnica vocal.

Todo esto me facilitó el camino para la experimentación, y para adentrarme en las técnicas de extensión vocal. Al tratarse de clases particulares, yo pude ir marcando mis preferencias, al tiempo que iba definiendo de alguna

manera adónde quería llegar. En 2007 compuse mi primera pieza, Noctáluca noctácula, a la que seguirá en 2008 Sonando sondeando, en la que las técnicas de extensión vocal aparecen utilizadas para sondear lo profundo.

Yo no tenía formación musical de ningún tipo, y lo consideré una suerte porque esto me permitió mucha libertad. No tuve que desprenderme de ningún bagaje previo para desarrollar mi propio lenguaje a través del camino de la experimentación. Desde entonces he realizado numerosos talleres, y en 2012 tomé varias clases con Esperanza Abad, que me han ayudado tanto en el campo de la técnica vocal como en el de las técnicas de improvisación.

A pesar de que mis comienzos fueron en la composición, en 2008 entré en contacto con diversos artistas del campo de la performance, y comienzo a frecuentar Ven y vino, encuentro de performances organizado por el colectivo YEA, que se celebraba una vez al mes.

El contacto con performers, artistas plásticos, poetas y videoartistas, me facilitó el paso a la improvisación, para responder a su demanda, ya fuera para participar en los eventos que organizaban (Tres en Suma, Cautiva luna, Homenaje a Mario Merlino, ARTÓN) o para colaborar en proyectos conjuntos, como es el caso de la videoartista Laura Cabrera.

La forma elegida siempre era la improvisación libre, en solitario, sin partitura previa de ningún tipo, pues mi experiencia de cara al público me decía que la obra preparada puede empobrecer la puesta en escena, hasta el punto de llegar a paralizarte. Consideré que era mejor dejar la puerta abierta a las sinergias que se producen en el ambiente, y dejarme llevar. Conocí la música instrumental de improvisación libre a partir de los conciertos organizados por Música Libre en la Casa Encendida. A través de amigos comunes, conocí a algunos miembros de Raras Músicas, y participé de sus sesiones de improvisación libre a partir de 2013.

Reconozco como una de mis influencias primeras la monodia del canto litúrgico cristiano medieval, sobre todo en el ámbito bizantino, que tiene mucho que ver en cuanto a la forma

de utilizar la voz con la música tradicional del ámbito mediterráneo. Es lo que se aprecia en los cantos de siega, las tonadas cántabras y asturianas, llenas de ornamentos, las jotas….

La voz poderosa, resonante, de esos cantantes, en esas melodías sencillas a las que aplican numerosos ornamentos vocales, siempre me atrajeron. La música tradicional, de carácter culto o popular de otros países, también me ha interesado. He aprendido mucho escuchando a los cantantes iraníes, japoneses y mongoles.

En cuanto a la música vocal contemporánea, mi referente más inmediato al comienzo fue Fátima Miranda, por su maestría en la técnica vocal. Conocí también la obra de Joan La Barbara y Meredith Monk, pero de “las grandes” en este campo la que más me interesó fue Diamanda Galas, porque ponía los recursos de la extensión vocal al servicio de una mayor intensidad expresiva. Esto tiene mucho que ver con la atracción que sentí por la ópera, no desde un punto de vista formal, sino en cuanto a su esencia: la ópera como expresión del subconsciente. A través del canto operístico se expresan todas las pasiones, las pulsaciones más íntimas, los sentimientos extremos…

En cuanto a la improvisación, al principio me dejaba llevar por mi propio instinto, con la libertad que da la performance. Después, las sesiones de improvisación libre y las jam con Raras Músicas han sido mi verdadera escuela para la improvisación, sobre todo porque me enseñaron a desarrollar la capacidad de escucha. También ha sido muy importante realizar talleres impartidos por músicos improvisadores, y asistir a conciertos. Recientemente, gracias a Internet he ido conociendo la obra de otros artistas, como Yoko Ono y de Phil Minton, que me ha interesado mucho.

Gracias a todo ello, mi concepto musical se va enriqueciendo y desarrollando poco a poco. ¿Qué es para ti “espacios en una pieza? Quiero decir, que si te dicen: “vamos a crear una pieza con “espacios”, ¿qué interpretas?

Por “espacios” entiendo aquellos momentos de menor intensidad sonora, que exigen una LaCarne Magazine

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escucha sutil, de la máxima concentración, que puede dar lugar a que todo cambie y generar otro “tiempo” dentro de la misma pieza. ¿Consideras que la improvisación libre es un género musical autónomo?

Sí, considero que lo es. Pero en cuanto a la improvisación vocal, cuando se realiza en solitario, podría hablarse de un subgénero particular, a medio camino entre la música y la performance.

Hay músicos e improvisadores (como yo, por ejemplo) cercanos a la idea de hacer primeras tomas y de dejarse llevar por la intuición, la inmediatez y la espontaneidad. Hay quien dice, sin embargo, que esa forma de entender el arte lleva a fórmulas repetitivas y aburridas, y que el ensayo y la composición son necesarios para evitar esos inconvenientes. En mi opinión, las fórmulas y patrones se repiten en cualquier manifestación artística. ¿Qué opinas?

Yo también creo que la intuición, la inmediatez y la espontaneidad son fundamentales para hacer buena música improvisada. Es cierto que siempre se parte de fórmulas que son una especie de usos consolidados, sin que lleguen a estar definidas previamente. Son como un apoyo, a partir del cual se puede jugar, dejándose llevar por las sinergias que van surgiendo alrededor. En mi experiencia, la composición previa y el ensayo son contraproducentes para la improvisación, pues pueden llegar a paralizarme. En algunas ocasiones en que había preparado algo así como un tema principal en torno al cual podría girar la pieza, al llevarlo a cabo me ha salido un canto que nada tenía que ver con lo previsto. Es por eso que considero que la composición es poco útil a la hora de improvisar. ¿En qué proyectos has participado o estás participando? Tanto de música improvisada como compuesta.

He colaborado en varias ocasiones con la videoartista Laura Cabrera. Formo parte de la compañía Baba de Plata, creada por Marianela León. Se trata de interactuar con la voz en una danza que deriva del butoh, tanto a nivel personal, experimentando con la relación

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entre voz y movimiento, como con el grupo, poniendo música a su danza. Colaboro también con la bailarina Lara Brown en un proyecto acerca de la relación de la voz en la música tradicional con la danza.

Tengo un proyecto iniciado hace años para llevar la improvisación vocal a las iglesias y otros edificios históricos, para experimentar con el espacio y la reverberación. Se trata de espacios situados en áreas rurales. Me interesa experimentar con un público de carácter local, que está en las antípodas de todo lo que tenga que ver con el acercamiento a la música experimental, pero que, sin embargo, puede reaccionar cuando oye una expresión vocal.

Es éste el público más exigente de todos, y se trata de conciertos muy arriesgados, pero son los más gratificantes también, pues es muy bonito llegar a un público amplio.

La improvisación libre en Madrid adolece de este problema: el público lo componen casi exclusivamente los propios músicos y algún aficionado aislado. Estoy trabajando también ahora mismo en un dúo con el percusionista Ingar Zach.

Explica brevemente tu concepto musical.

Mi concepto musical tiene un componente fuertemente orgánico, pues la voz es mi instrumento. Para mí, cantar es ir hacia dentro, sondear mis espacios internos para encontrar sonoridades. Mi música se basa en las texturas y colores que encuentro. Estas sonoridades se realimentan por el propio impacto que tienen en mis oídos al salir al exterior. El brillo y el color me conduce a otros sonidos. Las emisiones largas pueden combinarse con sonidos rápidos y cortados. Lo que es un ejercicio de carácter orgánico y acústico, lleva siempre, aunque no se quiera, una carga de elementos del subconsciente. A veces puede surgir la melodía al final.

La música es escucha hacia dentro, pero también hacia fuera. Es interacción con los sonidos que me rodean, jugando a crear colores, vibraciones y ritmos.

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Metania

y su agresivo Thrash Metal tiene 11 temas.

T

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hrash y Heavy Metal es la propuesta musical de la agrupación Metania, procedentes de Santa Fe (Argentina).

En el mes de julio del 2015 lanzan su primer disco llamado Patria Aniquilada, el cual con-

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Actualmente se encuentran en la preparación de un nuevo material, pero aquí les dejo esta breve entrevista respondida por el guitarrista Joaquín Cardozo.

Bien, para ya ir conociendo algo de Metania, ¿cuéntennos cuándo se forma la banda y bajo qué circunstancias?

La banda se formó en el año 2014 a partir de la idea de Esteban Rolon (voz) por crear, jun-

to a Ariel Centurión (ex baterista), un tributo a Malón, sumando a Joaquín Cardozo (guitarra) y Nickolas Lobato (bajo), llegando así a crear el primer disco, Patria Aniquilada.

La banda en su propuesta incursiona por varios estilos del metal. ¿Entonces cómo definirían su propuesta musical? ¿Hacia qué estilo están más encaminados?

En principio, orientados al Heavy/Thrash Metal. Por consecuencias de diferencias musicales, se integra a Leonel Espíndola (batería), llevando así a cabo un estilo más agresivo sumado a las ideas nuevas, y logrando un nuevo estilo.

La formación de la banda me imagino que en estos casi cinco años ha ido cambiando. ¿Cuál es hoy la formación de Metania?

Esteban Rolon (voz), Joaquín Cardozo (guitarra), Nickolas Lobato (bajo) y Leonel Espíndola (batería).

Según tengo entendido, en el 2015 lanzaron su primer álbum, “Patria Aniquilada”. ¿Qué detalles nos pueden dar sobre este disco? ¿Qué es con lo que nos encontraremos al escuchar este material?

Lo que podemos relatar de este disco es que se ve reflejado en la vida personal de cada integrante.

Nos encontraríamos con un disco bastante logrado, por el solo hecho de ser el principio de la banda.

Actualmente, en la mayoría de nuestra América Latina, la violencia y problemática social está imperante. ¿Esto ha tenido que ver con la temática de sus letras? ¿Qué abordan en las mismas?

Se ve reflejado en la sociedad del día a día por causas económicas, políticas, sociales, etc. metania ¿Creen que, con su propuesta musical, de alguna forma están haciendo un llamado de atención ante la enfermedad social que vivimos?

Y de alguna manera nos gusta gritarlo, transmitirlo, y en lo posible reflejarlo ante nuestra

sociedad. ¿Cómo es la escena en Santa Fe actualmente? ¿Cómo ves la escena en Argentina? ¿Qué bandas destacarías? ¿Hay apoyo de los medios hacia el metal en general? Me refiero a revistas, radios TV… No, lamentablemente en la ciudad donde vivimos no se ve apoyo en los medios y en la sociedad, ya que es otra cultura musical la que se consume.

Bandas destacadas: Osamenta, etc…

Serpentor,

Malicia,

¿Ha sido muy difícil abrirse espacio en la escena metalera argentina?

Sí, es difícil habiendo tantas bandas de buen nivel y no teniendo el apoyo de compañías discográficas.

Y en cuanto a giras, ¿han realizado giras por su país? Y con miras a la proyección internacional de la banda, ¿alguna posible gira a otros países?

Hemos tocados en distintas ciudades del país.

Y en cuanto a giras internacional, hubo propuestas que todavía no han concluido.

Con miras hacia el futuro, ¿para que se prepara Metania actualmente? ¿Hay planes para el lanzamiento de un posible álbum? ¿Están trabajando en algo actualmente?

Actualmente estamos trabajando en un nuevo álbum discográfico que será lanzado a principio del 2020, con un cambio rotundo al disco anterior.

Bien, hemos llegado al final de la entrevista.

Gracias por el tiempo que le dedicaron. Si quieren dejar algún mensaje a los lectores, pues aquí tienen el espacio.

Queremos agradecer a toda la gente que nos sigue y brinda su apoyo, y a los que no, los invitamos a escucharnos y conocernos. Saludos.

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