LaCarne Magazine N97

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Nº97 - JUL 2020 - AÑO 9

Inia en sintonía con la música y la naturaleza ENTREVISTAS

EXPERIENCIAS Katatonia

investigación Little Richard

Savage’s Torment - Festivales en Extremadura - Araña Festival Amazonas Andes - No Guerra - Cadáver Putrefacto - El Mundo de Sofía - Cashate

N97 aÑo 9 jul 2020

SUMARIO

la nueva normalidad experiencias 06 Katatonia y su nuevo trabajo City 32 Araña, metal sin más adjetivos Burials 36 Festival Amazonas Andes, un

investigación 10 Little Richard, a ritmo de Rock & Roll

entrevistas 22 Savage’s Torment, Death Metal extremo y demoledor

26 Festivales en Extremadura y

festival sustentable

44 No Guerra, 15 años de Metal, Hardcore y Thrash

48 Cadáver Putrefacto, Death Metal clásico de los 90

54 El Mundo de Sofía, ampliando horizontes musicales

62 Cashate, Metal lleno de energía y buenas vibraciones

16 Inia

en sintonía con la música y la naturaleza

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

jorge ares, la chica boom, omar vega, ángela sumy, Eva maría aroca * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Katatonia

y su nuevo trabajo City Burials LEER MÁS

U

na vez más os traigo una reseña. En esta ocasión voy a hablar del nuevo álbum de la banda procedente de Estocolmo, Katatonia, una banda que personalmente me atrae bastante desde que los descubrí con su canción “Right Into The Bliss”.

Cuatro años han pasado desde su último álbum, The Fall of Hearts (2016). Y, tras un parón personal y musical, y varios cambios dentro de la banda, regresan con un álbum en su más puro estilo pesado y oscuro.

Esta banda de Doom Metal nos presenta City Burials. Este nuevo álbum nació el pasado 24 de abril de 2020, con 12 temas que analizaremos a continuación: Nos da la bienvenida a la “ciudad de entierros” (City Burials) el tema “Heart Set to Divide”.

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Con buenos riffs al comienzo, para seguir con el misticismo de sus melodías y la voz calmada del líder vocalista Jonas Renkse, y armonía en el estribillo que me resulta fácil de recordar y seguir cantando durante el día.

“Behind the Blood” es el segundo tema, y empieza realmente bien, muy pegadiza, con un sonido de guitarra clásico pero bastante movida. ¡Me gusta!

Continuamos con “Lacquer”, con la que volvemos a sumergirnos en la vibra oscura y profunda con la que estos chicos saben cómo remover nuestras emociones, aunque diría que incluso tiene un toque sensual.

Una canción que te incita a la calma y respirar hondo. Sinceramente, me resulta muy buena esta canción.

Tras tres canciones, me va gustando cada vez más este nuevo trabajo…

Damos paso a “Rein”, que empieza fuerte, más depresiva y oscura, más metal en su me-

lodía. Lo que más me gusta de esta canción es el sonido de la batería, es potente e intenso, y eso me encanta.

“The Winter of Our Passing” no suena nada mal. Siguen en su estilo. Mucha melodía, pero a mi parecer le faltan más guitarras. No me disgusta, pero no me llama mucho la atención.

Le sigue “Vanishers”, muy lenta y emocional, con coro femenino que me resulta realmente muy agradable al oído. Su lado Doom quizá es lo que más me guste de esta banda.

canciones.

“City Glaciers”. Quizá este tema musicalmente va de la mano de “The Winter of Our Passing”. No suena nada mal, pero tampoco me ofrece nada nuevo. No tienen esa chispa que he notado en otras de sus

“Flicker” es musicalmente muy bueno, combina los riffs y sintetizador de una forma espectacular. Volvemos a la batería potente. Eso me flipa, la verdad. Emocionalmente me lleva a la frustración. Este nuevo álbum está lleno de altibajos emocionales…, como la vida misma.

Volvemos a introducirnos en la depresión de la mano de “Lachesis”, que es breve e intensa.

Nos levantamos el ánimo nuevamente con el décimo tema del álbum (¿ya vamos por el décimo tema?), pegadizo, metalero, para hacer un ligero “Headbanging”. Así es “Neon Epitaph”.

Ver en Youtube Me encanta la voz de Jonas en “Untrodden”.

Este tema me enamora, es una canción calmada vocalmente, pero con sus guitarras pesadas de fondo, y un riff que le pone el broche de oro.

“Me ha encantado el regreso de Katatonia. Muy emocional, con muchos altibajos: alegría, depresión, frustración, y momentos en los que no pasa nada grandioso, pero que no se está tan mal, y aprecias un poco la estabilidad.“ Y para finalizar el álbum, un gran tema como “Fighters”, que nos recuerda que todos somos luchadores. Todos hemos pasado por tiempos malos (y más en la actualidad).

Caeremos, pero nos levantaremos más fuertes. Esta canción metalera y motivadora es una gran forma de acabar un álbum que se me ha pasado súper rápido.

Me ha encantado el regreso de Katatonia, y el nuevo álbum City Burials, que sin duda voy a escuchar mucho. Muy emocional, con muchos altibajos: alegría, depresión, frustración, y momentos en los que no pasa nada grandioso, pero que no se está tan mal, y aprecias un poco la estabilidad.

Supongo que esto último son esas dos canciones en las que dije que no suena nada mal, pero tampoco me parece nada nuevo. Pero globalmente este álbum es muy bueno. Una gran forma de volver. Ojalá la situación actual pase pronto y podamos verlos de nuevo sobre los escenarios. No olvidéis seguirlos en las redes sociales y escuchar su música disponible en plataformas digitales.

Espero que os haya gustado esta nueva reseña, y recordad: ¡Somos unos luchadores! Un abrazo muy fuerte.

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Little Richard a ritmo de Rock & Roll

de este artista en dos artículos, que sois unos vaguetes y os venís abajo si hay mucho que leer.

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hop bop b-luma b-lop bam bom!!!!! Y se fue Little Richard... El pasado 9 de mayo nos dejaba una de las personalidades más importantes y carismáticas de la historia de la música moderna.

Un PERSONAJE (sí, con letras bien grandes) que no dejó a nadie indiferente, y que expandió el sonido negro hasta convertirlo en una forma de vida. Vamos a darle un merecido homenaje a la auténtica Reina del Rock and Roll. little richard Y para ello vamos a dividir la extensa carrera

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En una primera parte nos vamos a centrar en los inicios de nuestro artista, para pasar en la segunda entrega a la época de reconocimiento y honores. Comencemos.

Infancia y Juventud

Richard Wayne Penniman nació el 5 de diciembre de 1932 en la ciudad de Macon, Georgia. Era el tercero de los doce hijos de un diácono de la iglesia, además de dueño de un club nocturno, el Tip In Inn. Se crió en el barrio de Pleasant Hill y, como todos nuestros artistas, comenzó cantando Góspel en la iglesia. Su familia, era muy religiosa,

conciertos de Góspel de la ciudad.

Esto le permitió conocer a muchos artistas. La gran oportunidad le vendría en 1947, cuando, en uno de los ensayos del Auditorio, Rosetta Tharpe le escucha cantando una de sus canciones, y le invita a abrir su propio espectáculo.

Por esta época ya se estaba familiarizando con el piano, pues estaba bastante flipado con la introducción que hacía Ike Turner en Rocket 88.

Los primeros años en la música

En 1949 comenzó a actuar de manera itinerante en el espectáculo del Doctor Nubille, en quien se inspiró para crearse esa estética tan particular suya, basada en turbantes y capas y mucho brillo. Además, le dijo que tenía tal talento que llegaría a ser mundialmente famoso, pero que debería marcharse de su ciudad.

Y eso hizo, uniéndose al Show de Medicina del Doctor Hudson. En su primera aparición interpretó de manera tan carismática «Caldonia», de Louis Jordan, que dejó al público completamente extasiado. Durante esta época también estuvo trabajando como Drag bajo el nombre de Princesa LaVonne. y pertenecía a varias comunidades.

Muchos de sus hermanos acabaron como ministros de Dios; sin embargo, nuestro protagonista disfrutaba más en las iglesias pentecostales, donde la música en directo era la propia ceremonia en sí.

Rápidamente adquirió una potente voz de canto (que para muchos era gritar) con la que se ganó el apodo de War Hawk. Sus principales referentes, por supuesto, eran cantantes de Góspel: Rosetta Tharpe, Joe May, Mahalia Jackson, o Marion Williams.

Sus años de instituto, como estudiante, fueron nefastos; sin embargo, pronto se apuntó a la banda y aprendió a tocar el saxofón. Muy suelto, es contratado a media jornada en el Auditorio de la ciudad como promotor local de los

En 1950 pasó a formar parte de la que sería su primera banda, la Orquesta de Buster Brown, donde ya aparecía con su nombre artístico. Fue una época de rular por el país, hasta que finalmente se estableció en Atlanta, Georgia, donde empezó a familiarizarse cada vez más con los sonidos Blues y R&B de la escena local, muy influenciado ahora por Roy Brown y Billy Wright.

Decidido a convertirse en una estrella de R&B, empieza a maquear su aspecto a la manera de Wright: peinado con tupé, bigotillo de lápiz, maquillajes que le hacían más histriónico, y vestimenta muy llamativa.

Además, imitaba las maneras de Esquerita, un pianista y cantante con una fuerza arrolladora sobre el escenario. Todo el mundo estaba impresionado por la voz de Little Richard, por LaCarne Magazine

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lo que sus primeras grabaciones no tardaron en hacerse populares entre las radios locales de música negra.

Consiguió 8 canciones para la RCA Victor, donde se incluía «Every Hour», el primer éxito de nuestro colegui. Sin embargo, el gran éxito no le llegaba, por lo que decidió mudarse a Houston.

Esta banda se hizo rápidamente muy popular, y comenzó a girar con mucho éxito. Una curiosidad, la banda se quedó sin bajo, y el batería se vio obligado a golpear más duro en su bombo para obtener un efecto de bajo. Este sonido será algo revolucionario, y un paso más para el desarrollo del Rock and Roll y toooodos sus hijos.

Allí, en Houston, formó una banda de Góspel, Tempo Toppers, que se dedicaba a actuar en clubes del Sur. Consiguieron un contrato discográfico, pero no conseguían alzar el vuelo.

Consigue librarse del contrato anterior que tenía, y empieza a trabajar con Robert «Bumps» Blackwell, un importantísimo productor de música negra que vio en Little Richard la respuesta ante el brutal éxito de Ray Charles.

En 1954 regresa a Macon. Luchando contra la pobreza, se puso a trabajar como lavaplatos en Greyhounds Lines. Abandonó la formación de Tempo Toppers, y creó una banda nueva, pero esta vez con un registro diferente, más cercano al Blues: The Upsetters.

Así le mandó a Nueva Orleans a que se empapase de sonidos sureños, y allí mismo grabaron una serie de canciones con músicos del mismísimo Fats Dominó (el Rey del R&B de Nueva Orleans).

El duro camino hacia el éxito

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desinhibidos y muy salvajes, y toda la banda se adaptaba a su genial maestro de ceremonias.

Durante los años 50, lo normal era que los artistas fueran contratados por paquetes turísticos con los que recorrían todo el país.

La mayoría de los músicos negros permitían que su público fuese cruzado (es decir, no hacían un espectáculo para blancos y otro para negros) aunque segregado; sin embargo, con las actuaciones de Little Richard esto era casi imposible, el público extasiado bailando acababa rompiendo las barreras.

En más de una ocasión fue atacado en televisión, tanto él como el R&B, por grupos supremacistas por unir a las razas.

Ya veis, estas actuaciones eran pura dinamita.

Little Richard se dejaba llevar poniendo extrañas y sensuales (incluso obscenas) posturas, se subía al piano, se recorría infinidad de veces el escenario, bajaba a platea, interactuaba con el público… por no hablar de lo que se curraba los estilismos: capas, bien de lentejuelas y brillibrilli, piedras preciosas…

Estas grabaciones no tuvieron mucho éxito, pero una noche en el club Drew Drop Inn, Little Richard se subió al escenario y se sacó de la manga un R&B tan sucio y subido de tono que se convirtió en todo un éxito, y además en un himno para la posteridad.

La canción en concreto era «Tutti Frutti». La lanzarían meses después, pero con letra readaptada a todos los públicos, y se convertiría en un auténtico bombazo, llegando a ser nº 2 en las listas de R&B, y nº 1 en Inglaterra.

Pura dinamita

El paso al viejo continente estaba hecho y con satisfactorios resultados. Tras este tema vendrían muchos más: «Long Tall Sally», «Lucille»…

Así mejoró la banda y empezó a girar por todo EE.UU. Sus espectáculos eran pura dinamita,

Se hizo tan popular que podríamos decir que fue el primer artista en tener groupies que le tiraban la ropa interior al escenario, y se lanzaban frenéticas para poder tocarle.

Y él, pues encantado con esa popularidad.

Será el momento de grabaciones tan geniales como «Slippin&Slidin», «Rip It Out», «Ready Teady», «Keep A- Knockin» o «Jenny Jenny».

En 1957 sacaría su primer álbum Here Little Richard, que llegó a nº 13 en las listas de Billboard.

Bueno, y hasta aquí vamos a llegar en esta primera entrega sobre el genial Little Richard.

Os espero el mes que viene con la firme promesa de que os queda lo mejor de las excentricidades de este tipo, y todo ello a ritmo de Rock and Roll… Es que mejor ¡no os lo puedo ofrecer!

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entrevistas

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Inia

en sintonía con la música y la naturaleza

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oxana Gimenez “Inia” es una DJane/ productora boliviana, que a lo largo de su vida ha sabido equilibrar y conjugar sus dos pasiones: la naturaleza y la música.

Roxana empezó su carrera musical a muy temprana edad, tocando batería durante su época de colegio. Varios años después, en el año 2013, fue que realizó su incursión en la música electrónica como DJane: “En el 2013 he lanzado mi carrera como DJ en Cochabamba, pasando unos cursos de DJ en Oxid Bar, de la mano de Rodrigo Reyes y Sebastián Balderrama, y desde ahí lanzo mi

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carrera explorando diferentes géneros musicales, tocando más que todo en la escena local de inicio, y posteriormente comenzando a viajar hacia La Paz, Santa Cruz, Sucre y Oruro”.

Si bien Inia no fue una de las primeras DJanes en la escena nacional, a lo largo de los años y desde su inicio, se mantuvo muy constante en su carrera, aprendiendo y mejorando cada día: “Probablemente puedo entrar en la categoría de las DJanes más consecuentes, constantes, pero no las primeras.

No me puedo olvidar que, si vamos a hablar de todos los géneros musicales electrónicos en Bolivia porque la escena es pequeña, hay muchas DJanes que han iniciado su carrera

proyectos que son del género Psytrance. Uno de ellos es Inia, que es mi nombre de DJane, con el que he comenzado mi carrera mezclando música.

Inia es el nombre de un delfín rosado de río que tenemos en Bolivia, una especie amenazada que me gusta mucho, y es en honor a ese delfín que escojo el nombre.

Paralelamente tengo dos proyectos en el área de producción que he comenzado en el 2017, año en el cual, junto con mi pareja, lanzamos el proyecto conjunto denominado Chakana, que mezcla muchos sonidos chamánicos con sonidos propiamente electrónicos y fuertes, intensos, muy veloces, mayormente nocturnos y casi siempre indicados más para el aire libre que para el club.

Y mi otro proyecto, que ya es el personal, recibe el nombre de Ametrina, que es mi alterego como productora. Es aún un proyecto que se está concretando para llegar a ser un Live Act, pero ya tengo mis producciones tanto como ‘Chakana’ como ‘Ametrina’ lanzadas en distintas plataformas musicales.

antes que yo, como Nina Schatz, Hanny Knaudt, Meschwitz, también algunas colegas de fuera del país.

Pero sin duda me considero como una de las que ha logrado mantener su profesionalidad del trabajo en el tiempo”, explica.

Inia, Una artista multifacética

La pasión de Roxana por la música la ha llevado a experimentar y conformar varios proyectos. Es de esa forma que ella cuenta con su faceta de Djane Inia, y la de productora Ametrina, además de dos proyectos alternativos.

El primero de ellos realizado con su pareja, denominado Chakana, y uno reciente que lleva por nombre Skywalker: “Yo trabajo principalmente en una serie de

Y finalmente tengo un proyecto llamado Skywalker, enfocado a otro género como es el Chill Out o World Music (música del mundo), que es música más tranquila, mezclada con géneros latinos, y ese proyecto se ha presentado en muchos festivales nacional e internacionalmente, y es netamente de mezcla”, explica.

Pero el trabajo de Roxana va mucho más allá de sus proyectos musicales. Además de lo anteriormente mencionado, Inia trabaja en conjunto con Andean Tribe Records, un sello musical boliviano del cual forma parte hace ya varios años: “Los tres proyectos de Psytrance los firmo bajo el sello de ‘Andean Tribe Records’, que es uno de los pocos sellos discográficos funcionales que hay en el país.

Es un sello que lleva desempeñando sus funciones de producción, distribución de música, LaCarne Magazine

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organización de eventos, y todo lo que engloba este movimiento desde hace ya unos 10 años.

Tiene integrantes de todos los continentes, contamos con una buena cantidad de productores y DJ’s del país, así como de Brasil, Europa e India”.

Finalmente, también es parte de la organización del Festival Amazonas Andes, un evento sustentable y amigable con la naturaleza, proyecto en el cual Roxana se encuentra trabajando año tras año.

Forest Psytrance: Una conexión con la naturaleza

Inia se declara una melómana, y afirma que por ello tiene una apertura hacia todo tipo de música: “Mi principal característica es que soy muy melómana. Me gustan todos los géneros, todos los estilos. La música siempre tiene algo bueno que ofrecer en todas las vertientes, y por eso yo tengo artistas preferidos en todos los géneros, y puedo escuchar todo tipo de música.

Pero si pudiera nombrar algunas bandas más de mi preferencia, o géneros que escucho con mayor frecuencia, podrían ser el rock, el blues, el pop y las músicas latinas ‘chamánicas’. También podría mencionar a Pink Floyd, Rage Against The Machine, Robi Draco Rosa, Grillo Villegas, The Mars Volta, Los Beatles”, enumera.

Sin embargo, en sus facetas como DJane y productora tiene un género definido para cada uno de sus proyectos: “El género al cual yo me dedico es el Psytrance, y más propiamente el Forest Psytrance, que está caracterizado por tener muchos sonidos y elementos de un bosque, o ese tipo de ambientación”.

La razón en la elección de este género está muy ligado a la infancia y crecimiento de Inia con y en la naturaleza, pero también está rela-

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cionada a características de su propia personalidad y forma de ser: “La elección se da a raíz que desde muy pequeña empecé a tener esa conexión con la naturaleza. Fui ‘niña scout’, y ése fue el principio de todo. Ya en la universidad estudié la carrera de Biología, y esto me ha permitido mantenerme mucho en contacto con la naturaleza y estar en el campo, porque siempre he sido apasionada por todo lo natural.

Es por eso que dentro de mi faceta de DJane he escogido al Psytrance, porque me permite participar en eventos que son un poquito diferentes a los que son más de club.

O sea, me gusta mucho más la oportunidad de poder conocer lugares en el campo, lugares lejanos, lindos, paradisíacos, donde normalmente se realizan este tipo de eventos, y ése es el motivo final de la elección de mi género.

Sin embargo, hay otros motivos a nivel musical, como el hecho de que me gustan las altas velocidades porque soy una persona hiperactiva, me gusta bailar rápido, y hacer bailar rápido a la gente”, comenta.

Inia, Inspiración en lo ‘chamánico’ y nocturno

Entrando más a detalle en el estilo musical de esta DJane, ella afirma que tiene una atracción por los sonidos nocturnos, y he ahí el resultado de su estilo: “Mi estilo musical podría denominarse Dark Forest Psytrance porque es en la noche, es más nocturno. Utilizo sonidos más serios, más oscuros. Yo lo denominaría música inteligente porque te inspira a través de diferentes frecuencias chamánicas”.

Partiendo de ese gusto por lo nocturno y lo chamánico es que Inia afirma que su principal inspiración la encuentra en los sonidos naturales e indígenas: “A la hora de realizar, ya sea Dj Set o producciones propias, lo que me gusta mucho y me inspira más que cualquier cosa son los soni-

dos de mi propia tierra, Bolivia, y los alrededores de mi Latinoamérica amada.

Me gusta usar muchos elementos de vientos, cánticos de mis antepasados indígenas, porque tienen demasiada magia, demasiado poder. También me gustan mucho los sonidos de bosque, por eso lo que hago se denomina Forest Psytrance.

Además, característicamente este género de mi preferencia tiene unas velocidades más altas de lo regular, oscilando entre los 150 y 165 BPMs”.

La música: un camino lleno de esfuerzo y recompensa

Y es que haber elegido la música como forma de vida, le trajo muchas alegrías a Inia, quien logró conocer varios países gracias a su trabajo. Viajes que, además, le han permitido crecer tanto en la parte artística como en la personal: “Estoy tan agradecida por ese lado… He tenido la oportunidad de conocer varias ciudades

del territorio de Bolivia, pero también he tenido la oportunidad de llevar mi trabajo a países de Sudamérica, como Argentina, Perú y Brasil.

En Argentina conocí Buenos Aires, donde fui a tocar una sola vez. A Perú he ido en repetidas ocasiones, unas cinco o seis veces, más que todo a Cuzco y sus alrededores.

A Brasil ya no sé ni cuántas veces he tenido la oportunidad de llevar mi trabajo. He conocido muchas ciudades, estados y sus alrededores, lindos y paradisíacos.

He estado en las playas de Bahía, el lugar más lindo en el que he podido tocar, en un festival que se llama ‘Universo Paralelo’, que dentro del género Psy Trance es el tercero más grande del mundo, y tiene siete escenarios, y he tenido la oportunidad de llevar mi música allá.

Pero hay unos lugares que me han gustado mucho más que otros, y son los que he podido conocer dentro de Bolivia, es decir, a los que he llevado mi música. Por ejemplo, Samaipata, el Lago Titicaca, varios valles alrededor de lo que es La Angostura en Cochabamba, TaraLaCarne Magazine

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ta”, afirma emocionada.

Sin embargo, y como en todo camino, Roxana tuvo que enfrentar varios obstáculos para llegar al lugar en el cual se encuentra hoy.

Ella se refiere sobre todo a la falta de apoyo de parte de autoridades y entidades gubernamentales/municipales hacia la formación artística/musical en nuestro país, y el machismo en la profesión de DJ: “Uno de los primeros obstáculos, y no me van a dejar mentir mis colegas, es la falta de apoyo de cualquier autoridad municipal o entidad gubernamental ante cualquier organización de eventos, ante varias cosas referentes a los artistas desde el hecho de la educación artística, que es bastante reducida en comparación de otros países.

No hay muchos lugares donde se pueda estudiar a profundidad géneros tan innovadores como los electrónicos, y eso es un poquito frustrante. Por ejemplo, yo he tenido que ser muy autodidacta, porque no he encontrado la posibilidad de realizar cursos o cosas así, los he tenido que buscar fuera o por Internet. Entonces ése sería quizá el principal obstáculo.

Por otro lado, he sentido que en muchas oca-

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siones la escena está un poquito invadida por el machismo, pero es que no sólo es la escena, sino el mundo el que está invadido por el machismo.

Entonces creo que todas las mujeres a nivel profesional tenemos ese extra peso en las espaldas. No es que quiera entrar en detalle en situaciones concretas, pero sí se puede percibir”, refiere.

A pesar de ello, Inia ha logrado consolidar un lugar importante en lo que significa no sólo la escena electrónica boliviana, sino también en Latinoamérica.

Una artista completa y multifacética, que logró unir su pasión por la música y la naturaleza en proyectos que transmiten sus sentimientos, pasiones, y sobre todo magia a toda persona que la escucha y la conoce.

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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Savage’s Torment Death Metal extremo y demoledor

po, que fue respondida por Oscar Martínez y Andrew Chaves.

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E

l Death Metal es lo que cultivan estos colombianos de nombre Savage’s Torment.

Es una agrupación con varios años de trayectoria, y por donde han transitados muchos músicos.

Cada uno de ellos ha dejado huella en la banda, proponiendo nuevas ideas, o creando nuevos retos.

El objetivo de Savage’s Torment es claro: brindar un sonido extremo, enfermo y demoledor, sin dejar de lado su prioridad, que es dar al oyente un sonido devastador pero entendible.

Os dejamos con la entrevista a este gran gru-

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Saludos. ¿Cómo está Savage’s Torment en estos momentos?

Saludos! En estos momentos la banda está en proceso de composición, grabación, y producción audiovisual. Esto hace énfasis en canciones, vídeos y fotografía.

La banda se formó hace ya muchos años.

Háblanos sobre estos inicios. ¿Cuál ha sido siempre el objetivo principal de Savage’s Torment?

El objetivo principal siempre ha sido expresar a través de la escatología, y los descubrimientos que hace la astrofísica, la visión que tenemos acerca del universo, su evolución, y predicción de fin.

Savage’s Torment, con tantos años en escena, me imagino que han tenido algunos cambios de alineación. ¿Quiénes integran actual-

mente la banda?

Así es, y estos cambios han conformado la mejor alineación: Andrés Chaves (voz líder), Oscar Martínez (guitarrista), Carlos Urraya (baterista y productor), Mario Sandoval (guitarrista), Johan Espitia (bajista), y Edwin Caballero (teclados). ¿Sus integrantes están de lleno en la banda, o tienen algún otro proyecto paralelo?

Nuestros integrantes están de lleno. Sin embargo, algunos son músicos de sesión en otras bandas, lo cual ha ayudado a que el sonido de la banda sea más versátil en cuanto a composición.

Eschatology fue un demo editado en el 2010, ¿qué datos importantes nos podrías señalar de este trabajo?

El dato más importante que podemos resaltar de dicho EP es el desarrollo musical reflejado en el mismo, ya que cada músico aportó ideas nuevas para llegar a un sonido más extremo y

a la vez técnico, logrando con ello lo que hacemos hoy en día: ¡Technical Brutal Death!

Si no estoy equivocado, su primer álbum fue Wake Up The Horror. ¿Este disco tuvo la aceptación que esperaba la banda por medios y fanaticada?

Fue un álbum del cual se puede decir que fue mejor elaborado, teniendo en cuenta el nivel musical al que ya habían llegado los músicos en general.

En el aspecto comercial, éste fue un producto que se vendió tanto dentro como fuera del país. Incluso algunos músicos de Vital Remains, Hate Eternal, Symphony X, o Internal Suffering, entre otros, llevaron el disco.

Háblanos sobre este disco, ¿qué me puedes decir de su ficha técnica, dónde se grabó, cuántos temas, portada…?

Este disco se grabó en Soundtech Studios bajo la producción de Sander Bermúdez, funLaCarne Magazine

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dador de aquella productora, y quien además hizo parte de Savage’s Torment como baterista.

Sander estuvo a cargo de la producción y masterización del álbum. Este álbum hace referencia a lo escatológico, como se explicó anteriormente. Para concluir, el diseño visual fue realizado por Daniel Rodríguez.

En cuanto a líricas, ¿cuál es el tema preferido en el que se inspiran?

Ufología, el tema en el que nos esconden la verdad, como seres de otro universo, y la posible teoría de que podemos ser un experimento.

Escatología, relacionado con el tema de la degradación del ser humano, y muchos temas místicos e historia con el pasar de los tiempos seculares.

La temática lírica del álbum Wake Up The Horror aborda la problemática que presenta la humanidad. Coméntanos sobre los tópicos que manejan en sus letras.

Eminentemente la muerte, el juicio del destino de la humanidad con un fin en realidad, apocalipsis seculares, tiempos de conflictos violentos, enfermizos y destructivos en el mundo y su historia. ¿Cómo ves la escena Death Metal en Colombia, qué le falta, qué tiene de positivo, qué debe mejorar desde tu óptica personal?

Buenas propuestas musicales en cuanto a bandas y músicos, finalmente ofreciéndonos una calidad de música y espectáculos.

Nos falta más apoyos económicos para forjar entidades, escuelas, formaciones para comprender y emprender la música en sus diferentes presentaciones.

La banda se ha movido por diferentes partes del territorio colombiano, y compartido con muchas agrupaciones. ¿Cuál crees que hasta ahora ha sido su mejor presentación y por qué?

Rock al Parque del 2013, una de las mejores presentaciones, ya que tuvimos la oportunidad

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de alternar con grandes bandas y músicos, disfrutando de dicho festival, considerado uno de los más grandes y con mejor organización en Latinoamérica. ¿Algún sello discográfico se ha interesado en la banda? ¿Continúan haciendo toda la promoción y distribución de forma independiente?

Sí, en algún momento fuimos contactados por un sello discográfico de Inglaterra llamado Kings Of Decay (decidimos seguir trabajando independientemente y nos encargamos de la distribución y demás con algunas entidades para dicha distribución). ¿Cuáles son las principales diferencias que ves entre los temas del disco Wake Up The Horror y los que actualmente están creando?

Alineación nueva, cambios de estructura musical, y mejor nivel, además de la incorporación del teclado como eje atmosférico.

Según tengo entendido, ustedes estuvieron fuera de escena un breve tiempo. ¿Es cierto esto? ¿A qué se debió?

Sí, debido a pérdidas de tiempo al acoplar o encontrar músicos comprometidos. Es algo relativo, por ello se hacen cambios como una industria.

paso de Savage’s Torment? (algún disco, giras…)

Esta vez venimos con la mejor energía trabajando en el tercer álbum, acompañado de unas giras programadas para éste y el otro año, también trabajos audiovisuales, merchandise, y muchas sorpresas que habrá para los fans.

¿Qué medios utilizan para relacionarse con el underground?

Emisoras y páginas virtuales, revistas y entidades relacionadas con el metal nacional e internacional.

Bien, gracias por tus respuestas para La Carne Magazine. ¿Podrías darnos algunas palabras finales?

Agradecimientos a la revista LaCarne Magazine por este espacio tan importante (Omar Vega), a nuestros seguidores que siempre han estado a la expectativa creyendo en la banda, y a otros músicos y público en general.

Luego del disco Wake Up The Horror, ¿han realizado algún nuevo material?

Sí, dos sencillos: Artificial Dissemination en 2014, y Completed Cycle Of Suffering en 2017, bajo la producción de Soundtech Studios.

Musicalmente hablando, ¿cuál es el próximo

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Festivales en Extremadura y la nueva normalidad LEER MÁS

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a «nueva normalidad» musical extremeña? ¿Cómo serán los festivales en Extremadura a partir de ahora?

Seguimos en un periodo de incertidumbre en muchos aspectos de la vida desde que apa-

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reció en nuestras vidas el dichoso Covid 19.

Las consecuencias en el ámbito de la salud ya las conocemos diariamente, y todo apunta que habrá una crisis mundial, tanto económica, como laboral y de otros aspectos como la del 2008.

A nosotros nos compete saber que, con la nueva normalidad, el sector de la música, en concreto la de Extremadura, hacia qué camino continuará, y para ello preguntamos a progra-

madores, músicos, organizadores, o djs importantes de festivales y salas de Extremadura sobre el futuro de esta disciplina.

VALEN RODRIGUEZ (PATXI)

Una de las personas claves, musicalmente hablando, como referente musical en la provincia de Cáceres. Valen domina todos los ámbitos de la música de Extremadura, tanto en el escenario, detrás del escenario, o bien en los despachos. Repasamos su carrera antes de someterlo a nuestro test.

En 1993 formó Koma Etiliko (Maqueta + 1 disco), donde además de tocar con la banda, gestionaba la contratación del grupo.

En 1997 crea la productora Fatkroketing Producciones, encaminada a llevar grupos de diferentes estilos dentro del Rock a toda la zona norte de Extremadura En 1997 formó Los Jacobos, una de las bandas Punks más importantes de Extremadura, con la que sigue actualmente tocando.

Vayamos a su faceta detrás y en los despachos. Stage manager de los festivales NavalÑam, Rock In Pino, Picota&Roll, SummerGil, Mayorga Rock, Rolling Custom Rock…

Como promotor de conciertos, ha contratado con Fatkroketing a grupos de diferentes estilos: El Koala, Lendakaris Muertos, Malevaje, Dos Tenores Def, Escuela de Odio, DDT, The New Raimon, Fanta, Los Reactivos, Airbag, La Gripe, EUKZ, Mama Ladilla, Estirpe, etc.

Ha trabajado en producciones de eventos, la productora responsable del Extremúsika, tales como: El Drogas, Victor Manuel, La Guardia, Ismael Serrano, La Orquesta Mondragon, Marea, Mojinos Escozios, La Hungara, Rulo y la Contrabanda, Los Brincos, Maldita Nerea, Taburete, etc.

Una vez que hemos descubierto la trayectoria y profesionalidad de Patxi, vayamos al test:

Eres trabajador y colaborador de Mayorga Rock, festival organizado por Amantesdementes y Piñata Productions, ¿qué futuro deseas para el festival?

Pues espero que sea un futuro maravilloso. Ya es un referente en el norte de la provincia, y la gente lo espera con muchas ganas. Por el festival han pasado pesos pesados y grupos míticos que ni en 7 vidas hubiésemos pensado los “mayorgeros” que veríamos.

La Banda Trapera del Rio o Decibelios pueden ser un ejemplo de lo que quiero decir. Este año está complicada la cosa con el Covid19, y si tenemos que esperar al 2021, pues no quedara más remedio. Esperemos que el Ayuntamiento de Plasencia siga confiando en el festival, y lo vea como escaparate de la ciudad. ¿Se puede sobrevivir desde una región como Extremadura de la música?

En mi caso no. Tengo que hacer malabares y agarrarme a otros trabajos para poder arrimar el hombro a fin de mes. Cierto es que son también relacionados con la música, como pegada de carteles y producciones en teatros, pero ni de coña¡¡ Mi mujer tiene un trabajo serio (risas), y es la que sostiene los palos del chozo. En estos tiempos imagínate lo que puedo aportar. Ya lo digo yo: NADA, cero.

En cuanto a gente que tiene grupos y que conozco, pues lo mismo. Tienen curros que los fines de semana les permiten salir a tocar, pero ni de coña para vivir. Tal y como está la situación actual, veo muy difícil que un grupo se pueda profesionalizar. ¿Hay que pagar por la música o la cultura?

Parafraseando a los Aviador DRO: SÍ, POR SUPUESTO. Primero porque así se valora al grupo, que es lo principal.

Para poder pagar los gastos que conlleva el organizar un concierto, que son varios, y la gente a veces no lo sabe, y que no se me olvide, y es muy importante: si pagas por un concierto evitas muchas situaciones que dan LaCarne Magazine

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vergüenza ajena, como dejar entrar a una despedida de soltero y que le pidan al grupo “La Ramona pechugona”, o una canción de “Los tal y cual Pascual”, o ver cómo la gente habla sin prestar atención al grupo o artista.

Ya con eso, el que ha pagado la entrada te lo agradecerá de por vida. El valor de la entrada es el valor que le da la persona a la música, al grupo, y al promotor. ¿Prefieres grupos originales o de versiones? ¿Debe la administración pública programar grupos tributo?

Pues si monto yo el concierto ORIGINALES, pero el hostelero de turno, la sala, o el ayuntamiento prefiere VERSIONES. Los grupos de versiones dejan más dinero para los 2 primeros, y para el tercero deja la sensación de que como no pueden tener al auténtico y original, tienen una copia.

El alcalde o concejal contento, y el pueblo (que no paga) también. Siempre que puedo meto un ORIGINAL antes del grupo de versiones. Es mi manera de reivindicar a los grupos que tienen canciones propias.

Peliaguda pregunta, amigo (risas). No debería, pero la gente es la que manda. Me gustaría que la administración apostara por dar más dinero a los festivales pequeños, y que estos vayan subiendo escalones. ¿Cuesta mucho programar en nuestros pueblos, ciudades, o en nuestra región en general?

Sí, mucho. Bastante, diría yo. En mi caso, dispongo de solo 2 salas que me apoyan a “las duras y a las maduras”, y a las que les agradezco enormemente esa confianza. Son la Sala Impacto y el Pub Tarántula. También he organizado en Cáceres en la Sala Barroco.

3 días no podemos hacer nunca seguidos, solo dispongo de 2 (viernes y sábado), y normalmente los sábados los grupos se los reservan para capitales de provincia o localidades más grandes que Plasencia o Piornal. Por tanto, a muchos grupos no les interesa el norte de

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Extremadura.

El asunto de organizar festivales en localidades con ayuntamientos cada vez está más complicado, porque en algunas localidades hay ya gente joven que tiene ganas de organizar y se tiran al barro.

También me suelen dar trabajo como stage manager, lo cual les agradezco de corazón.

A veces sirvo de lazo de unión para algunas contrataciones y como asesor.

Las ganas de organizar conciertos creo que se llevan en la sangre. En mi caso no se hace por dinero (que bienvenido es cuando se gana), lo hago porque es una forma de ver la vida, la cultura y las relaciones con las personas. Alguien tiene que hacerlo, pues bien, el destino quiso que yo fuera uno de ellos.

JOSE FRANCISCO VALLE

El pacense, a medio camino entre Extremadura y Cataluña, es el colaborador de la programación y organización del Granirock.

Además de eso, es un melómano con unas décadas en esto de la música, de gustos variados y diversos, donde lo mismo escucha a Barricada que a Radiohead, The Cure, o su musa, Janis Joplin.

Un referente por experiencia y elegancia musical, que cogió las riendas del festival hace pocos años. Le preguntamos sobre el futuro musical de la región: ¿Qué futuro le espera al Festival Granirock?

En principio va a seguir, pero pensamos que este tipo de eventos no van a poder celebrarse en mucho tiempo, y creemos que carece de sentido establecer “distancias”. No me imagino un pogo telepático. Ya veremos qué pasa en 2021.

Si la normalidad, no la nueva, la de antes, vuelve, celebraremos Grani en 2021.

Más allá creemos que seguiremos, pero dependerá su formato y cartel de las ayudas, que son pocas, y entendemos que la situación

actual nos obliga a destinar recursos a otros temas más vitales. ¿Se puede sobrevivir desde una región como Extremadura de la música?

No. En relación a los Grupos, salvo casos muy contados, no, o eso creemos.

En cuanto a los eventos, creemos que tampoco, salvo los muy puntuales que puedan recibir una ayuda importante, el resto está difícil. Es simplemente densidad de población, comunicaciones, alojamientos…

Granirock forma parte de la oferta cultural del Ayuntamiento de Quintana. Por tanto, es algo diferente. Da un poco igual los números, aunque es evidente que se controlan totalmente todos los gastos. Es dinero público, de todos.

Hasta ahora ha sido completamente asumible.

Dar ese evento a Quintana de la Serena, a la Comarca, a Extremadura, con esa repercusión económica y de intercambio de ideas y de cultura, es algo que se tiene que valorar mucho.

Los pequeños festivales, tipo los que hacen los Belloteros (Bellota Rock), creo que sí tie-

nen más posibilidades mientras se mantengan en ese tamaño. Creo que Asociaciones como Bellota Rock son importantísimas, y deberían recibir más ayuda.

Granirock colabora con ellos (y ellos con nosotros) de una manera casi natural, sin protocolos establecidos. Pero es muy interesante y le estamos muy agradecidos.

Toda esta respuesta ha quedado bien, ¿verdad?, pues luego llega Camela, sin apenas publicidad, sin mucha historia, y te llena un campo de fútbol con más de 800 personas en la calle sin poder entrar, que no llenó ni Bad Religion, ni Rosendo, y, si acaso, casi lo consigue Calle Trece. Y se te queda una cara que no veas. ¿Hay que pagar por la música o la cultura?

Por supuesto que sí. Es un trabajo, un arte, un esfuerzo. Claro que hay que pagar. ¿Prefieres grupos originales o de versiones? ¿Debe la administración pública programar grupos tributo?

Sin duda alguna grupos originales. Granirock no tendrá tributos en principio, y pensamos que la Administración no debe pagar grupos LaCarne Magazine

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tributo.

Otra cosa son las Bandas Covers, pero no para festivales. Quedan bien y hacen su función en las Fiestas patronales. Algunas son buenísimas y divierten, porque todo el mundo se saben las canciones. Pero en un Festival creemos que no.

Un X aniversario en Cáceres con cerca de cinco mil personas, y una edición especial en el WiZink Center de Madrid con dos mil entradas vendidas en menos de un mes. Una bendita locura. Un sueño que ahora está en pausa. Así que toca esperar a ver qué pasa, y cómo salimos de ésta.

¿Cuesta mucho programar en nuestros pueblos, ciudades o en nuestra región en general?

Buf, tengo cita en la peluquería, que vaya pelos tengo. Es una pregunta que quiero pensar bien, así que luego la contesto.

Si podemos seguir con el modelo anterior de eventos, nuestra propuesta es clara: un evento grande pero cercano, sostenible medioambiental y económicamente, y en el que nuestro público se sienta como en su casa. Si no puede ser así, tocará reinventarse.

Bueno, estoy. Cuesta creo igual que en cualquier sitio. Dar con el cartel perfecto es complicado, depende de tu presupuesto, fechas. Tienes que pensar en grupos de la Comunidad, en bandas nuevas. Para esto último tenemos el Concurso de Bandas de Bellota Rock. Muy bueno y con un enorme nivel.

¿Se puede sobrevivir desde una región como Extremadura de la música?

Por supuesto. Hay muchos proyectos y artistas que lo confirman. Eso sí, es más difícil.

Somos periferia, estamos mal comunicados y tenemos poca población, y, además, dispersa.

Eso tiene sus pros y sus contras.

Grani lo que tiene es la suerte de tener a su director e “inventor” del Festival, y actual alcalde de Quintana de la Serena, Raimundo Dávila, que, a mi juicio, sabe también programar muy bien. Ha sido mucho tiempo Concejal de Cultura, y se nota mucho el dominio que tiene en estos temas y en Producción.

El principal problema es que estamos lejos de los grandes patrocinadores. Lo cual genera muchas veces dependencia de lo público. Y lo público tiene la incertidumbre de qué persona lo gestiona, y cómo entiende su labor.

SERGIO MARTÍNEZ

Productor de Mayorga Rock, director de Horteralia, Dj en Caballerizas Bar y copas, director editorial de la revista cultural extremeña Avuelapluma, y miembro fundador de la empresa cultural y de publicidad Amantesdementes. Una de las personas más influyentes actualmente en lo que a cultura se refiere.

Sus proyectos no solo se exportan, sino que son aire fresco en nuestra región, lo cual es de tremenda importancia. ¿Las claves del futuro?

Seguro que él nos da alguna pista: ¿Qué futuro le espera al Festival Horteralia?

Buena pregunta para empezar. El futuro de Horteralia depende del futuro de los eventos de medio/gran formato. Llevábamos una proyección increíble.

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Demasiada inseguridad para trabajar a medio largo plazo. Pero si hacemos productos de calidad, la gente se desplaza a Extremadura porque estamos bien posicionados geográficamente, entre Madrid, Sevilla y Valladolid.

Llevo más de diez años organizando festivales y conciertos, y he tenido de todo. Pequeñas y grandes alegrías, y, también traspiés considerables. Pero lo que tengo claro es que hay que crear productos de calidad. Sólo desde esa premisa puedes crecer y vivir. ¿Hay que pagar por la música o la cultura?

Yo no tengo ninguna duda. Sí. Para mí, uno de los grandes problemas de esta región es la cultura del todo gratis que desde las administraciones públicas se ha promocionado.

Han acostumbrado muy mal al público. Se debería cobrar siempre. Un mínimo. Algo. Aunque sea poco, pero siempre se debería pagar

una pequeña entrada. Detrás del músico y su actuación hay muchas horas de trabajo, y luego mucha gente detrás: está el técnico de sonido, el escenario, el diseñador, la web, el catering… Todo eso hay valorarlo.

Nosotros empezamos con Horteralia gratis, y aunque para la gente fue todo un éxito, nosotros nos dimos cuenta de que era un error.

Nos han dicho de todo por ir subiendo el precio de las entradas, pero ahora somos un festival sostenible que no dependemos del dinero público, y que contrata cada año unas cuarenta empresas, con más de doscientas personas trabajando, y con el que tenemos un impacto económico en la ciudad de casi un millón de euros.

Y todo eso con 15 o 20 euros de entrada por más de 12 horas de música. Eso no sería posible si hubiéramos seguido con un festival gratuito. O sí, si te lo paga la administración. Pero no debemos aspirar a eso. Es un error. Lo que hemos hecho es crecer, evolucionar y mejorar.

Crear industria cultural. ¿Preferís grupos originales o de versiones?

Pues creo que, como todo en la vida, no todo es blanco o negro. Está claro que lo primero es la música original, el crear tu sonido, encontrar tu hueco.

Entiendo que a eso es a lo que aspira todo músico o grupo. A crear su música. Dicho esto, hay grandes grupos de versiones. Y hay grandes canciones interpretadas por muchos músicos distintos.

Como promotor de eventos, prefiero la música original porque creo que un festival tiene la obligación de descubrir talento. En el Mayorga Rock, durante siete ediciones, no hemos repetido una banda, y creo que hemos programado con calidad y atrevimiento. Y ninguna era de versiones. Y a veces el público no nos ha respondido. Esa es la verdad.

A veces el público te castiga porque no quiere salir de su zona de confort. Prefiere ver siempre a los mismos grupos y bailar las mismas

canciones una y otra vez. Pero es un riesgo que si te gusta la música tienes que correr. ¿Debe la administración pública programar grupos tributo?

Sinceramente creo que ése es el menor de sus problemas. Hay que entender que a un pueblo de La Siberia o Las Hurdes nunca irá a dar un concierto Bruce Springteen. ¿Es malo que vaya un grupo que haga sus versiones, o de Fito, o, de Extremoduro a tocar allí? Creo que no.

Lo importante es que la administración púbica defina qué criterios sigue para apoyar unos eventos y no otros. Y cuando lo tenga claro, apostar por ellos a medio plazo. Sólo así se puede trabajar. No empezando cada año desde cero.

La motivación ideológica, el excesivo protagonismo de la propia administración, y el café para todos han hecho mucho daño en la región. Los grandes festivales de la región son casi todos públicos.

Mucha gente con talento se ha cansado de trabajar, y otros con grandes ideas han desistido, y, sin embargo, se apoyan, o que no aportan nada, ni culturalmente a la ciudadanía, ni económicamente al sector. ¿Cuesta mucho programar en nuestros pueblos, ciudades o en nuestra región en general?

El problema es la población. Somos pocos para hacer rentable la oferta. En Cáceres, por ejemplo, cuando coinciden varios conciertos o eventos a la misma vez, no hay público para todo porque somos pocos los que queremos pagar por un buen concierto o un festival.

El reto es crear público. Y no es fácil. Pero el público no se crea haciendo festivales gratuitos cada semana. Al contrario.

BellotaRock Mayorga Rock Extremúsika Horteralia LaCarne Magazine

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Araña

Metal sin más adjetivos Antes de comenzar a platicar, queremos agradecer por darnos este espacio y por mantener vivo el metal.

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D

esde Centroamérica, en El Salvador, encontramos una escena que poco a poco va creciendo y aportando buenas bandas. Una de estas bandas es Araña, que ha sabido lograr posicionarse en buen lugar en su escena. Ganaron la Metal Batalla a nivel Centroamericano en 2014, y participaron en el Festival Wacken de Alemania en 2017.

Por medio de su guitarrista y vocalista, Eduardo Rodríguez, vamos a conocer más sobre esta banda.

Hola, y sean bienvenidos a este medio de promoción. Comencemos hablando sobre los inicios de Araña, así que adelante.

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Araña inicia en 2005 como trío, conformado por músicos de bandas ya conocidas dentro de la escena centroamericana, buscando lograr un sonido potente, y con líricas de alto contenido social. ¿Por qué Araña como nombre para la banda?

Es un nombre muy fácil de recordar. Inicialmente era Savia Negra, y teníamos una canción con el nombre Araña, y luego los cambiamos. El primer demo lleva ese nombre, Savia Negra.

Ese mismo año de formados lanzan un primer demo ¿Este material estaba en la misma línea del actual concepto de la banda?

Sí, la verdad que al terminar los proyectos an-

dicho.

Según tengo entendido, no fue hasta el 2010 que lanzan un álbum de título Teotl, ¿es así?

Coméntanos sobre este disco.

“Teotl” es el Dios de la dualidad, quien enseñaba la luz y la obscuridad, lo bueno y lo malo, la paz y la guerra.

Este disco lleva 10 temas en los cuales si bien resaltamos y enaltecemos de dónde venimos, también hablamos de temas de actualidad, temas sociales, y tratamos de dar nuestra forma de pensar.

En el 2014 ocurre algo muy importante para la banda, ganar la Metal Batalla a nivel Centroamericano. ¿Qué significó esto para ustedes como banda y como músicos?

Esa etapa fue donde comenzamos a vivir un después como banda. Gracias a eso logramos romper fronteras, y poder llevar un mensaje en nuestro idioma a países de Europa.

Conocer cómo se manejan las grandes producciones, y durante más de un mes y medio convivir juntos, o todos en el piso, o todos en la cama.

teriores no dejamos pasar mucho para iniciar con Araña. Entonces ya teníamos en mente, «en ese entonces», qué queríamos lograr.

Y si ya traía algo diferente, pero aún estábamos muy relacionados a nuestros trabajos en bandas anteriores.

En cuanto a su propuesta musical, se nota mucha influencia de otras tendencias, pero sería bueno que nos hablaran sobre su propuesta. ¿Cómo calificarían lo que hacen musicalmente, en qué género lo encasillan?

Creo que sería tonto querer clasificarnos en un segmento dentro del Metal. Al hacer eso estaríamos cerrándonos puertas a lo que nosotros queremos hacer en el momento que lo querríamos hacer.

Nos consideramos Metal, y no agregar adjetivos o ramificaciones de éste por lo antes

Cuéntanos sobre la gira del 2015 por Europa, donde estuvieron en varios países y en uno de los festivales más importantes a nivel mundial.

Cómo te decía anteriormente, fue prácticamente lograr entrar a un curso intenso dentro de lo que se tiene que vivir como banda.

Poder llevar la música a otros países, y poder dedicarte sólo a eso es algo muy gratificante, más cuando las personas dan una muy buena respuesta.

El cambio de integrantes es algo casi inevitable en una banda. ¿Podrías contarnos un poco por qué se produjeron los cambios de alineación en la banda? ¿Qué factores son los que priman para ser miembros permanentes de la banda? ¿Quiénes son hoy en día los integrantes de Araña?

Las razones por las cuales entran y salen integrantes se deben al tiempo. Creo que todos tenemos un tiempo para dar dentro de los proLaCarne Magazine

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yectos. Eso sí, cada quien pone el tiempo.

Creo que es algo muy normal que integrantes entren y salgan de las bandas en general, son muy raros los que llegan a tener 15 años y no han cambiado al menos un integrante, y el único factor y más importante es querer lo que se está haciendo, lo demás llega a su tiempo.

Actualmente somos 4 miembros en la banda: Eduardo Rodríguez – guitarra y voz, Paul Quijada – voz y bajo, Jorge Gómez – batería y percusiones y Daniel Varela – guitarra y coros.

Araña ha tocado junto a connotadas bandas nacionales e internacionales. Estas últimas, tales como Iron Maiden, o Megadeth. ¿Cómo se han sentido y qué experiencia han ganado al compartir escenario con bandas de tanta trayectoria?

La satisfacción es muy grande, pero con los pies puestos en la tierra, que el trabajo duro nos ha llevado a poder compartir escenario con bandas de ese gran nivel. Saber que el trabajo en conjunto va a ser gratificante, te ayuda a continuar.

Según tu punto de vista, ¿cómo ves la escena metalera de tu país en la actualidad?

El Salvador siempre ha tenido muy buenas bandas de rock y metal, la escena se mantiene, pero es cuestión de visión y de perseverar, saber que uno tiene que tomar la iniciativa para hacer las cosas, y no estar esperando que un promotor venga a decirte qué hacer.

Todavía somos una escena inexperta, pero hay que dar más tiempo para que las bandas encuentren el camino que sea correcto para cada una. ¿Qué hay respecto a sus líricas? ¿En qué temática se basan para escribir?

Es la reivindicación de nuestras raíces con una combinación de temas sociales, y últimamente más que todo son vivencias de los que escribimos las líricas.

Si no estoy errado, su último trabajo es el álbum Neuro Toxina Ancestral. ¿Podrías contar-

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nos sobre el proceso de concepción de éste? ¿Qué tal la aceptación y las críticas de los medios?

Ha tenido muy buenas críticas, y el nombre tiene un concepto claro para la banda.

Nosotros somos el antídoto para todo el veneno que, durante siglos, los gobiernos y líderes de civilizaciones han impregnado en nuestras cabezas y formas de pensar sólo para su propia conveniencia.

Crees que, con la salida de este álbum, Araña ha alcanzado una madurez tanto musical como personal, ¿o piensas que aún faltan elementos por explotar?

Es una etapa diferente como otras que ya vivimos, y sí, todavía tenemos mucho por recorrer y experimentar. ¿Araña se encuentra en el roster de algún sello discográfico, o todo lo hacen de forma independiente?

Hoy por hoy somos independientes. Trabajamos con American Line Productions de México, pero somos libres de hacer lo que querríamos con todo nuestro trabajo discográfico. ¿Cuáles son los próximos planes de la banda?

Por esto de la pandemia no tenemos muchas alternativas a corto plazo, más que seguir trabajando música y algún video, trabajar más lo visual en redes de la banda para mantenernos vigentes.

Bien, esto es todo. Agradecido por dedicar este tiempo para conocer de su banda. Por favor, ¿podrías entregar un mensaje a los lectores de la revista?

Sigan adelante con sus sueños, proyectos, trabajos, etc. La perseverancia y tener los pies bien puestos en la tierra nos llevan adonde nosotros querríamos. Abrazos para todos.

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Festival Amazonas Andes un festival sustentable

retornar a la “normalidad” en estas actividades.

E

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n Bolivia, el Festival Amazonas Andes es el evento que ha direccionado toda su organización a la realización de un evento amigable con el medio ambiente y su entorno.

Si bien todos los festivales de música electrónica en el mundo han quedado totalmente afectados por la pandemia del COVID- 19, se espera que el 2021 los organizadores puedan

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Un retorno que definitivamente tendrá muchísimos cambios en la perspectiva, tanto de los espectadores (quienes todavía quedarán con la huella de esta pandemia que hizo del ‘distanciamiento social’ una norma) como de los organizadores, quienes deberán implementar medidas de bioseguridad para los asistentes.

festival amazonas andes

Pero este cambio no solamente deberá estar enfocado a brindar dichas medidas de bioseguridad, sino en cambiar los propios hábitos y

concepciones a la hora de realizar estos eventos para que exista un cambio en la mentalidad de los asistentes.

Según el Foro Económico Mundial realizado en 2018, se advirtió que para el 2050 habrá más plástico que peces en el océano. Tal frase no debería parecernos irreal, tomando en cuenta la contaminación y daño ambiental causado por el ser humano a lo largo de estas décadas.

Algo que no se puede negar es que esta pandemia nos ha mostrado quién es el verdadero virus del planeta. ¿O acaso no ha existido una

drástica reducción de la contaminación mientras las personas estaban en confinamiento?

Hoy más que nunca, todos somos conscientes de esto, y si bien pensamos que toda esta contaminación tiene como matriz a las grandes industrias en los diferentes rubros, nos debemos dar cuenta que, desde el lugar donde estamos y a lo que nos dediquemos, nosotros podemos hacer la diferencia.

Ahora, refiriéndose específicamente a la industria musical, y en este caso a la música electrónica, no podemos dejar de lado a los festivales: eventos en los cuales, si bien la múLaCarne Magazine

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sica une a todos sus asistentes hacia un goce y disfrute colectivo, se debe tomar conciencia del impacto ambiental que éstos tienen.

cual se busca promover el arte musical de una manera totalmente diferente a la de un festival convencional.

Un festival “no sustentable” deja una huella ecológica enorme en el lugar en el que se realiza.

Roxana Giménez, “DJane Inia”, quien forma parte de la organización de dicho evento, nos explica las directrices del mismo:

Dicho impacto tiene relación con todos los aspectos que forman parte de un festival, desde la organización misma (la construcción y decoración del escenario), los baños portátiles, la contaminación que implica el uso de vasos y platos desechables en el lugar, los ‘souvenirs’, entre muchos otros más.

“La cabeza del equipo de organización está a cargo de Jimmy Luksic, y es un evento anual que se caracteriza por ser principalmente direccionado al Psy Trance, pero también tiene un escenario que incentiva a otros géneros electrónicos.

Imaginémonos por un momento cómo quedan los lugares que albergan festivales masivos como Tomorrowland, Ultra Music Festival, EDC, y tantísimos más, que congregan miles y millones de personas durante dos, cuatro o incluso una semana.

Millones de botellas plásticas desechadas, cientos de artículos plásticos que si bien son recogidos del lugar, generan toneladas de basura que no siempre es reciclada.

Pero el ser un festival “sustentable” implica mucho más que generar menos basura. Es todo un proceso que abarca varios aspectos relacionados entre sí, como ser la evaluación del ecosistema o lugar donde se realizará el festival, la alimentación, los desechos sólidos y reciclaje, o el uso del agua, entre otros.

Si bien varios festivales en el mundo (sobre todo en Europa) han tomado conciencia de este aspecto, y han puesto en práctica las acciones necesarias para la realización de festivales sustentables, aún falta mucho para que esta nueva forma de organización consciente se expanda a todos los rincones del orbe.

Bolivia y el impulso inicial

En Bolivia, uno de los eventos impulsores de esta nueva visión en la realización de festivales sustentables, es el Festival Amazonas Andes.

Un evento realizado desde el año 2009, en el

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El Amazonas Andes Festival intenta basarse en principios sustentables y ecológicos, es un festival que se realiza siempre en la naturaleza, y año tras año estamos trabajando en medidas que mitiguen el impacto a la naturaleza.

Brindamos un servicio de calidad, porque en Bolivia no hay muchos festivales, y al ser este

uno de los pocos que hay, por lo menos intentamos que sea respetuoso con nuestra ‘Pachamama’ (Madre Tierra).

El festival consta de dos escenarios, de un área de terapias alternativas y sanación, de un patio de comidas y cafetería con opciones vegetarianas, veganas.

También tenemos un bar que denominamos un ‘eco-bar’, porque intentamos tener todas nuestras medidas con los procesos menos perjudiciales posibles. Intentamos tener vino, cervezas artesanales, hacer todo de la manera más orgánica posible.

Recibimos personas de más de veinte nacionalidades, es un festival que requiere de mucha atención y mucho cuidado, porque al ser de larga duración, contar con todos los permisos de los municipios y comunidades donde se desarrolla, requiere de mucho cuidado”.

El Festival Amazonas Andes se ha realizado en distintas locaciones con gran potencial turístico y cultural en Bolivia, y en este caso, del departamento de La Paz: La Isla del Sol y Coroico.

Es en este punto donde empieza el trabajo del Festival Amazonas Andes en su premisa de ser un festival sustentable, ya que tal como lo explica Roxana, el primer paso es establecer una relación con la comunidad en la cual se va a realizar el evento, y una evaluación del ecosistema.

Es decir, no se trata de llevar un festival totalmente ajeno sin explicación alguna, sino al contrario, se trata de contar con la comunión de las personas que asisten al festival y quienes habitan dicho lugar: “El primer aspecto para realizar estos eventos tiene que ver con la relación con la comunidad: en lugar de ir y simplemente invadir sin

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ningún permiso de los propios comunarios.

Lo que hacemos es trabajar con ellos, intentar que ellos nos brinden su servicio en varias áreas. Los comunarios de las diferentes regiones de nuestro país cuidan mucho el medioambiente.

En el evento último de la Isla del Sol, la playa estaba llena de basura y hemos recogido esa basura de sus playas para recibir a la gente en el festival con el lugar limpio, e incluso para esta versión estábamos pidiendo la donación de material escolar para la comunidad en la cual íbamos a realizar este festival, pero lamentablemente tuvimos que suspenderlo hasta el próximo año”, relata.

Es por ello que esta organización trata de ser amigable y ecológica en todos los aspectos que sean posibles.

Es en este sentido que incluso se promueve la utilización de baños secos en lugar de baños portátiles para reducir el desperdicio de agua, además de la sustitución de material de construcción plástico por material biodegradable disponible en el lugar: “Implementamos lo que son los baños secos en lugar de desperdiciar agua en un baño común. El uso de los materiales en la construcción del evento es sustentable y biodegradable.

Obviamente, cada una de estas áreas no es que las tengamos 100% resueltas, pero paso a paso estamos llegando al ideal”.

Por ejemplo, en lugar de usar plástico, reemplazamos con cosas naturales, conseguimos lonas impermeables para los techos, y que puedan usarse en ediciones próximas del mismo festival.

Otro aspecto esencial que la organización del Festival Amazonas Andes toma en cuenta está relacionada con la alimentación que se brinda durante los días del evento, muy ligada al vegetarianismo:

También utilizamos el material que crece en el lugar, por ejemplo, eucalipto o hay otras regiones donde se puede utilizar bambú, mismos que son de crecimiento rápido y por tanto no contribuyen a la deforestación.

“Siempre tenemos una gran cantidad de opciones vegetarianas y veganas, ya que el vegetarianismo es amigable con el ambiente.

Es importante que los materiales sean lo menos perjudiciales al medio ambiente, que no apoyen el consumo, que no apoyen lo que no sea orgánico y biodegradable.

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Además, cada vez la tendencia es mayor, y si no se motiva y no se incentiva tampoco se incentiva al cuidado del medio ambiente, y el vegetarianismo es un eje fundamental de éste.

Si uno no va optar por esos hábitos, tampoco deben ponerle trabas a los que sí queremos

hacerlo.

personal:

Por ejemplo, en nuestro caso tenemos todo nuestro menú vegano y vegetariano, y tenemos dos opciones con carne para quienes lo prefieran”, explica.

“El tema de la cocina y el bar podría ser la principal fuente de producción de desechos, hablando del plástico, y es ahí donde nosotros hemos decidido usar la técnica del ‘vaso recargable’.

Por el contrario, uno de los temas más descuidados por los festivales “no sustentables” están referidos al uso de vasos, platos y demás artículos de plástico que terminan generando basura: “Los vasos reutilizables evitan el 80% de los desechos generados en un evento. De esta manera reducimos la gestión y el coste de la limpieza del recinto”, refiere Roxana.

Es por ello, que en este festival cada asistente debe alquilar la vajilla para su alimentación, y por supuesto realizar la compra de su vaso

Es decir, las personas llegan al evento y les vendemos un vaso para que lo tengan en lo que dura el evento, que son tres o cuatro días.

De esta manera pueden realizar el lavado de su vaso, y lo mismo pasa con los platos de comida: hemos pensado alquilarles un set de vajilla a la entrada del lugar y devolverles el dinero a la salida del mismo.

Además, esos vasos también sirven como ‘souvenirs’, ya que sirven tanto para bebidas calientes como frías, y no tienen ninguna toxicidad con el organismo como otros materiaLaCarne Magazine

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les”.

minantes.

Al respecto de la parte económica, Roxana afirma que incluso en muchos aspectos, el adoptar medidas sustentables implica una reducción económica en el costo de la organización:

Es por ello, que para quienes realizan este tipo de festivales, ya sea enfocado a música más comercial o música ‘underground’, de ahora en adelante sería ideal tomar en cuenta estos aspectos, y empezar a aplicar el cambio para hacer la diferencia.

“La parte económica puede ser percibida de diferentes maneras. Hay algunas áreas en las que el precio es mayor, y hay otras en las que reducen los precios, yo creo que es igual (a un festival no sustentable) si uno encuentra las maneras.

“Nuestras elecciones no solo son individuales, sino también colectivas, y por eso mismo la industria del entretenimiento debe ponerse en marcha y tomar conciencia en cuanto a sostenibilidad se refiere.

Es decir, en costos no representaría un aumento, por ejemplo, disminuimos las bolsas de basura en una cuarta parte a que si usáramos platos o vasos desechables.

Las empresas organizadoras de festivales de música ya están dando los primeros pasos para reducir el impacto medioambiental de sus eventos, y eso es algo muy bueno.

Entonces convendría mucho comprar estos vasos porque se pagan solos, porque se venden a las personas, ya que antes hemos visto que si les regalas, lo botan. Entonces mejor véndeselos para que ellos intenten conservarlos bien para no pagar nuevamente.

Yo creo que en Bolivia si es rentable realizar festivales sustentables, tratándose de que es un país tan hermoso en lo que son los paisajes, e incluso hay muchas comunidades que necesitan ingresos extras de dinero, y llevarles turismo siempre es llevarles más dinero y poder contar con su apoyo.

Con las botellas hacemos lo mismo, les pedimos 5 Bs de garantía, y si nos devuelven la botella les devolvemos el dinero que dejaron”, afirma.

De esa manera, y con el cuidado y planificación de cada aspecto referente a su organización, es que el Festival Amazonas Andes tiene presente la premisa de sustentabilidad con el medio ambiente, realizando un festival en equilibrio con las comunidades, la ecología y el medio ambiente.

Festivales “sustentables” en Bolivia: De la teoría a la práctica

Bolivia, en años anteriores, ha albergado la llegada de grandes festivales realizados por franquicias internacionales, tales como el Life in Color, Road to Ultra, entre otros, y nunca nos pusimos a pensar: ¿Cuánta basura se generó en estos eventos? E incluso en festivales de menor magnitud realizados en las ciudades capitales por organizadoras nacionales siempre existe esta generación de residuos conta-

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Entonces yo lo veo como una manera muy buena de hacer algo alternativo a lo común y conocido en Bolivia, porque hoy en día en todas las áreas existe la necesidad de ponerle un poquito más de atención al medio ambiente”, finaliza.

Y tal como lo afirma Roxana, el ponerle atención al medio ambiente ya no es cosa de un rubro, sino que es un aspecto al que cada uno de nosotros, como individuos y partiendo desde nuestras pequeñas acciones diarias, debemos ponerle importancia, porque si algo nos está enseñando esta pandemia, es que para vivir bien debemos respetar el lugar en el cual vivimos, respetar la naturaleza, y los recursos que nos brinda la Madre Tierra.

Facebook Aftermovie evento 2019

MĂ S INFO LaCarne Magazine

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No Guerra

15 años de Metal, Hardcore y Thrash LEER MÁS

N

o Guerra es una agrupación procedente de Argentina, y ya los tuvimos en LaCarne Magazine a finales del 2018 (Leer aquí).

La banda está cumpliendo en este 2020 sus 15 años de trayectoria, y también 10 años del lanzamiento de su primer disco.

Cuentan con tres discos de estudio y un DVD oficial, pero ya se encuentran preparando su próximo material discográfico. Su guitarrista y cantante, Jair Rodríguez, da respuesta a la entrevista.

Saludos. Y me gustaría, para dar inicio a la entrevista, poner a los lectores en el contexto de la banda. En tal sentido lo primero que quiero preguntarles es sobre los inicios de la banda,

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cómo se formaron y cuándo.

Los inicios de la banda se empezaron a gestar en el año 2004/2005 con unos amigos del barrio.

Luego tuvimos un cambio de formación, y de ahí empezamos a trabajar en lo que después fue nuestro primer disco de estudio. ¿Qué nos pueden hablar de los cambios ocurridos en el tiempo, y cuál es la actualidad de una de las bandas argentinas más auténticas dentro de este género musical? ¿Quiénes integran la banda actualmente?

Creo que los cambios ocurren a medida que el proyecto va tomando cada vez más seriedad y empieza a demandar más compromiso.

La formación actual es Daniel Merlo en batería, Eky Rodríguez en bajo y coros, Gustavo Campo en primera guitarra, y Jair Rodríguez en segunda guitarra y voz.

Estamos preparando nuestro cuarto disco, y algunos proyectos audio visuales.

más predominante dentro de la música de No Guerra, pero para despejar dudas, quisiera nos explicaras la autodefinición del estilo musical, y de donde toma sus principales influencias e inspiración para las composiciones.

Hacemos Metal por naturaleza. Yo soy fanático de los Ramones, pero a la hora de hacer música me sale hacer metal.

A lo largo de su carrera han realizado muchos conciertos. Quisiera que nos hablaras sobre estas presentaciones. ¿Qué anécdotas nos pueden comentar de estos eventos, y en general cuáles han sido los mejores conciertos ofrecidos por la banda?

Si bien disfrutamos de todos nuestros shows, el que más disfrutamos creo que fue un show que lo hicimos para presentar nuestro DVD en el 2018, en un lugar que se llama Teatro Vorterix.

Es uno de los lugares de Buenos Aires donde cualquier banda de cualquier estilo quiere llegar a tocar. Personalmente pude cumplir un sueño que tuve durante muchos años, y lo mejor de todo fue ver a mi vieja en el palco. ¿Qué nos puedes comentar en relación a la cantidad de trabajos discográficos editados por No Guerra hasta la presente fecha, y qué nos puedes decir en relación al proceso de promoción y distribución de estos trabajos dentro y fuera de Argentina?

Este año, Ahonikenk, nuestro primer disco de estudio, cumple 10 años. Salió un 3 de abril del 2010.

Desde ese año hasta el 2014 editamos 3 discos, luego tuvimos cambios de formación, y ahí creíamos que grabar un nuevo disco no era una buena opción, lo que hicimos fue grabar un DVD Oficial en el 2017 repasando nuestra discografía.

Desde el primer disco tuvimos muy buena repercusión, y críticas muy buenas dentro y fuera de Argentina. Un sello ruso editó nuestros 3 discos allá, y gracias a Internet el disco llego a lugares impensados.

El thrash y el hardcore es lo que escuchamos

En este 2020 están celebrando el décimo aniversario de su primer álbum, Ahonikenk, y los 15 años de fundada la banda. Me imagino que son muchas las actividades en agenda para celebrar estos aniversarios, pero debido a la pandemia global del Covid-19 todo debe estar paralizado. Cuéntanos.

Teníamos una gira por todo el país y gestando algunos shows por Latinoamérica, lamentablemente hace unos días decidimos dar de baja a todos los shows confirmados y propuestas hasta abril del 2021.

Digo lamentable porque teníamos muchísimas ganas de celebrar el décimo aniversario de nuestro primer disco. Jamás dejamos de tocar tanto tiempo en todos estos años de actividad, jamás pensábamos que todo esto iba a pasar.

Es una locura, pero esta decisión es por el bien común. Somos muy optimistas y sabemos que todo esto va a pasar pronto.

Mientras tanto, vamos a terminar de darle forLaCarne Magazine

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ma a nuestro cuarto disco y comenzar a preparar uno nuevo para el 2021. Tenemos mucho trabajo por hacer.

En los tres discos realizados por la banda hasta la fecha, siempre han contado con músicos invitados. ¿A qué se debe esto de tener invitados en cada uno de sus álbumes?

Tenemos muchísimos amigos. La música nos dio esa oportunidad. Para nosotros es un placer que participen.

No Guerra tuvo la gran oportunidad de presentarse en The Roxy en Buenos Aires, de donde salió grabado su primer DVD Ésta Es Mi Revolución. Háblanos sobre este DVD. ¿Qué significó esto para la banda, y para ustedes como músicos?

Fue un momento donde nos habíamos planteado comenzar a grabar un nuevo disco, luego creímos que la mejor idea era poder hacer un show diferente, poder experimentar un poco con la tecnología que se viene usando en los shows internacionales.

Teníamos ganas de hacer un show con una puesta en escena diferente a todos los shows, y demostrarle al público que las bandas underground también podemos llevar a cabo un show con esas características.

Fue el puntapié para una nueva etapa de la banda, y un antes y después para toda la escena.

Cuéntanos cómo es el proceso de composición de sus temas. ¿Quién se encarga de las letras, de la música, los arreglos, etc…?

Generalmente, desde el primer disco soy el que compone y escribe la mayoría de las canciones.

En Weychan, nuestro tercer disco, empecé a compartir esto con Gustavo. Desde ese momento él y yo nos encargamos de la parte musical.

Una banda con tantos años, conciertos, y experiencias a sus espaldas, asumimos están siempre pendientes de todo lo que ocurre en la escena de su país, y, en función a ello, esta

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pregunta es casi que obligatoria. ¿Cómo ven la actualidad de Argentina en cuanto a la escena del metal?

Hay muchísimas bandas con un nivel increíble, lamentablemente no hay demasiado apoyo. Somos independientes y no todos tenemos las mismas oportunidades.

No es fácil mantener el proyecto de una banda, pero por encima de todas las cosas celebramos que todo eso no importe, y sigan surgiendo bandas y apuesten todo.

Según tengo entendido, en la actualidad se encuentran en la preparación de su próximo álbum, que llevará por título Galáctica y Victoria. ¿Qué detalles nos pueden dar sobre este próximo disco? ¿Qué es con lo que nos encontraremos al escuchar este nuevo material?

Galáctica y Victoria son 2 singles que usamos como adelanto de lo que estamos grabando.

Es algo con un toque más moderno en cuanto

a lo que veníamos haciendo.

El videoclip es algo que siempre ayuda bastante a la promoción de una banda, y sé que ya cuentan con videos de temas de cada uno de sus discos anteriores. ¿Seguirán trabajando en este aspecto audiovisual?

Siempre apostamos a eso, es algo que viene de la mano con la música. Sale algo nuevo y ya lo pensamos en conjunto al video. Esto no va a cambiar, y mientras la banda siga activa, no vamos a dejar de hacerlo.

En estos 15 años en la escena No Guerra han tenido muchos conciertos. ¿Cómo defines la evolución de la banda a lo largo de estos años? ¿Cuál ha sido su mayor obstáculo como banda? ¿Y el mayor logro?

Cuando empecé este proyecto, jamás pensé que iba a llegar a grabar discos, tocar en otros países, conocer muchísima gente.

No sé exactamente cuál fue el mayor obstáculo, pero lo que sí sé es que la perseverancia hizo que lográramos todo lo que hicimos hasta el día de hoy. Las 4 personas que mantenemos esta banda jamás bajamos los brazos.

Bien, esto es todo. Gracias por el tiempo tomado para responder la entrevista. ¿Algún mensaje o comentario final para los lectores de la revista?

Gracias a ustedes por el espacio, y, a todos los que lean esta nota, manténganse a salvo.

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cadaver putrefacto Death Metal clásico de los 90 Argentina.

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l sonido extremo y pesado del Death Metal es lo que escucharemos en la propuesta musical de la banda Cadáver Putrefacto, agrupación proveniente de

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Con un Demo, dos EP y un álbum, esta agrupación está en preparación de su segundo álbum, y, pese al confinamiento debido a la pandemia del Covid-19, estos cinco músicos desde su casa se mantienen haciendo música.

o Aquí está esta entrevista que ha sido respondida por todos en la banda, pero principalmente por Juan Gómez. ¿Cómo se formó la banda? Cuéntenos un poco cuáles fueron los orígenes de Cadáver Putrefacto.

La banda tuvo su origen a mediados del año 2000, formada por mí en la batería y Daniel

Ledesma en guitarra y voces. El estilo era un Death Metal tirando a Grindcore.

Realizamos ensayos y grabamos algunos temas de manera muy cruda, pero nunca llegamos a tocar en vivo ni realizamos ningún material para difusión. En 2001 la banda quedo congelada hasta que decidimos retomarla en 2015.

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Estuvieron algunos años de inactividad, y es en el 2015 que con algunos nuevos integrantes salen nuevamente a escena. ¿A qué se debió este tiempo de receso de Cadáver Putrefacto?

Así es, en 2015 Daniel me convenció de que era hora de, por lo menos, grabar algo con la banda de nuestra adolescencia, aunque no era la intención por el momento armar una formación como para tocar en vivo, sino que solamente sería para grabar música.

Por esto yo decidí en lugar de tocar la batería hacerme cargo del bajo, y componer junto a él algunos temas.

A su vez se le pidió a Leonel Grismado (vocalista de Rigor Mortis y amigo nuestro de años) que se haciera cargo de realizar las líricas de las canciones, y así terminó también haciéndose cargo de cantarlas, y Daniel se dedicó solamente a la guitarra. Así nació el primer Demo de la banda, que vio la luz en 2016. ¿Cómo ha sido su incursión en el medio metalero? ¿Tuvieron muchos tropiezos para darse a conocer, o todo se dio de buena forma?

Sinceramente, desde que sacamos a conocer nuestro Demo, la recepción fue muy buena. Lo realizamos de manera digital, y luego algunas copias de manera casera.

Hasta un sello de Italia (Viscera Records) nos ofreció realizar algunas copias con una portada un poco más elaborada, y distribuirlas por el viejo continente, algo totalmente impensado cuando decidimos grabar solamente algo de música por gusto.

Y en el ámbito local, nos empezaron a llegar algunas invitaciones para presentarnos en vivo, lo cual hizo que de a poco pensáramos en conseguir un baterista y probar a ensayar para ver cómo se sentía el proyecto como una banda.

Sus primeros trabajos fueron un demo en el 2016, y el EP Macabra Colección en el 2017.

Coméntanos sobre estos primeros trabajos. ¿Estaba en la misma línea que el actual con-

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cepto de la banda?

Luego de realizar el Demo, seguimos componiendo canciones, aunque con un rumbo diferente con Daniel, lo cual llevó a que abandonara el proyecto por su cuenta.

Ya con varios temas como para realizar un disco completo, con Leonel decidimos que lo grabaríamos entre los dos, así que me hice cargo del bajo, las guitarras, y programar las baterías, y Leo de realizar todas las líricas. Así empezamos a grabar de manera casera.

Una vez que los temas estaban listos, quisimos probar con un adelanto, y así lanzamos el EP Macabra Colección con 2 temas propios y 3 covers, donde la orientación de la música se nota más refinada que en el Demo, hacia el Death Metal clásico de los 90.

Toda banda siempre tiene algo de influencias. ¿Dinos qué bandas consideras que han influenciado más a Cadáver Putrefacto?

Se notan mucho las influencias de la banda en la música, principalmente el Death Metal clásico de los 90 como Cannibal Corpse, Deicide, Six Feet Under, etc.

Luego, a finales de 2017, vendría el primer disco debut, La Maldición del Zombi Errante, el cual tuvo un lanzamiento de forma digital.

Danos detalles sobre este disco.

Luego de la salida del EP, que tuvo buena repercusión, nos pusimos en marcha para pulir los demás temas y concluir el disco. Se grabó de manera casera la música y las voces en un estudio.

La producción la realicé con la ayuda de Clovis Avile Torrilla, un amigo que conocí gracias a la repercusión de los trabajos anteriores.

Una vez terminado el disco, realicé la tapa con algunas ideas que provienen de las líricas, y me puse en contacto con algunos canales de YouTube que se dedican a subir música extrema, lo cual nos ayudaría con la difusión, y así lo lanzamos de manera digital en noviembre de 2017.

Este disco debut para el 2018 sale en formato

físico por un sello norteamericano. ¿Cómo lograron ser fichados por Brutal Records, y qué tal ha sido la promoción que le ha dado dicho sello a la banda?

Después de la salida en formato digital y la buena recepción que tuvo, intentamos conseguir un sello de Argentina que quisiera realizar una edición física, pero no tuvimos suerte, así que decidimos hacer una tanda por nuestra cuenta en CD-R. Luego de unos meses, gracias a la difusión que se obtuvo por publicar el disco en estos canales de YouTube, nos contactó el sello Brutal Records de U.S.A. para realizar una edición en digipack, cosa que nos sorprendió muy gratamente.

Es así que llegamos a un acuerdo, y se realizó esta edición en abril de 2018. A partir de ahí la difusión de la banda creció bastante, llegándonos entrevistas de varios países.

No tenemos más que palabras de agradecimiento hacia el sello por darle la oportunidad a una banda básicamente nueva, y que además canta en español.

En cuanto a la alineación, los cambios de integrantes ha ocurrido en varias ocasiones. ¿A qué se han debido tantos cambios de integrantes? ¿Quiénes conforman la banda?

Después de la repercusión que obtuvo el disco, y las constantes invitaciones para presentarnos en vivo, decidimos armar una formación estable para poder hacerlo.

Así ingresó en la batería Pablo Giangreco (también baterista en Stillzone), otro amigo de años, y seguido a él, Clovis Avile Torrilla en la guitarra. Con esta formación debutamos en vivo e hicimos varias presentaciones.

“La ventaja de hoy en día es que podemos estar en contacto permanente, aunque sea de manera virtual, y componemos o grabamos desde nuestras casas y nos mandamos ideas, sobre todo en la situación actual de confinamiento, donde no podemos juntarnos.“ que lo reemplazara, buscamos dos, que era lo que nos parecía más acorde al estilo de la banda, e ingresaron Julio Rosales y Nicolás Wolf completando la banda.

Así que más que cambios en la formación, lo que tuvimos fue una evolución hasta llegar a ser la banda que somos hoy en día, compuesta por 5 integrantes, y con la que estamos componiendo música como una banda propiamente dicha. ¿Cuáles son las actividades personales de los miembros de la banda? ¿Cómo logran complementar su tiempo con el trabajo que hacen en Cadáver Putrefacto?

Todos tenemos nuestros trabajos. Lamentablemente no es un país ni un género musical que te permita dedicarte a vivir de esto. Siempre tratamos de acomodar nuestros horarios para los ensayos y para presentarnos en vivo.

La ventaja de hoy en día es que podemos estar en contacto permanente, aunque sea de manera virtual, y componemos o grabamos desde nuestras casas y nos mandamos ideas, sobre todo en la situación actual de confinamiento, donde no podemos juntarnos.

Después de un año, Clovis decidió dedicarse a su proyecto personal, ReventoR, pero no alejándose de la banda, sino que ahora se dedica a ser nuestro sonidista, y realiza con nosotros las producciones que estamos llevando a cabo.

En la actualidad, la escena del metal en Argentina cuenta con muchísimas bandas. Desde su punto de vista, ¿qué nos pueden comentar sobre la escena de tu país en cuanto a metal extremo?

La escena en Argentina está llena de bandas y de muy buen nivel. En cuanto a la escena extrema específicamente, hay un muy buen nivel en cuanto a bandas, pero no lo es así con el público.

Así es como en lugar de buscar un guitarrista

No hay mucha gente que apoye o concurra LaCarne Magazine

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“El EP Putrefacción Perpetua es el primer material de la banda que lanzamos como una banda propiamente dicha, grabado íntegramente por todos los músicos” a las fechas. Puede ser por el motivo de la cantidad de presentaciones que a veces se realizan en un mismo día, y también la situación económica del país. Es un conjunto de factores.

Ya cuentan con un nuevo EP, Putrefacción Perpetua. ¿Cómo valoran este material en comparación con los trabajos realizados anteriormente? ¿Cómo ha sido la crítica y la reacción de los medios?

El EP Putrefacción Perpetua es el primer material de la banda que lanzamos como una banda propiamente dicha, grabado íntegramente por todos los músicos, y es una especie de adelanto del segundo álbum.

Contiene un tema nuevo, un tema del primer disco regrabado por los nuevos músicos, para demostrar cómo suena la banda hoy en día, y un cover de la primera época de Sepultura.

Se puede notar bastante la evolución, ya que hay varias personas trabajando en un proyecto, y no solo una. Y ha tenido una buena recepción como los trabajos anteriores, por suerte. ¿Qué los motiva a cantar en español, en comparación de que un gran número de bandas de este género lo hacen en inglés?

Básicamente porque hablamos en español, es nuestro idioma nativo, y estamos orgullosos de nuestro idioma.

Otro motivo puede ser porque no somos una banda que quiera “encajar”, hacemos música por gusto propio. Y, de todas maneras, un sello estadounidense nos contrató para editar nuestro disco.

Creo que eso demuestra que no te van a prestar más atención por el idioma en el que te

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expreses, sino por hacer buena música o no.

Supongo que muy pronto tendremos un nuevo álbum, ¿estoy en lo correcto o aún es muy pronto para hablar de esto?

La verdad es ésta: tenemos el disco totalmente compuesto desde finales del año pasado, tenemos el arte gráfico, y sello arreglado de palabra para una edición física.

Comenzamos a grabarlo, y a la mitad nos agarró esta pandemia y nos dejó con todo a medio hacer, así que no sabemos bien cuándo podremos volver a estar todos juntos para poder terminar las grabaciones.

Por el momento, con lo que teníamos grabado decidimos lanzar un par de adelantos que están en YouTube: un tema instrumental y otro en el que el cantante Leonel nos envió la voz por WhatsApp, jaja. Así que esa es la situación.

Ojalá podamos terminarlo en lo que resta del año, y podamos mostrar el nuevo material, del cual estamos orgullosos. ¿Algo que quieras agregar para terminar esta entrevista? No sin antes agradecerte por tu tiempo para responder las preguntas.

Desde ya muchas gracias por el interés en la banda y la difusión, y agradecer a la gente que nos apoya y nos envía buenos comentarios de diferentes partes. Para una banda underground que está en el culo del mundo es muy gratificante sentir que es considerada.

Y para la gente que nunca nos escuchó y nos pueda conocer por medio de esta entrevista, decirles que se van a encontrar con una banda que toca la música que le gusta escuchar, y no que está tratando de hacer música por encajar. ¡Saludos desde Argentina!

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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El Mundo de Sofía

ampliando horizontes musicales

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l Mundo de Sofía se formó como un power trío, y con una propuesta musical donde encontramos una gran amalgama en su música.

Desde casi sus mismos comienzos, la agrupación El Mundo de Sofía se ha mantenido activa en conciertos, presentaciones, y eventos musicales. Para conocer mucho más de esta banda, contactamos con Sofía Guilarte Reyes (directora, guitarrista y cantante).

El Mundo de Sofía, un power trío de Rock Alternativo

Antes que nada, pon al día a los futuros seguidores de El Mundo de Sofía, y háblanos un

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poquito de cómo se formó la banda, de los orígenes de El Mundo de Sofía.

Comenzando el 2017, un mes después de la finalización de mi anterior proyecto Okulary, me propuse ampliar mis horizontes musicales, adentrándome en otros géneros y estilos.

A principios de febrero, el bajista Víctor Manuel Ponce de León y yo comenzamos a componer canciones juntos.

Tras varios meses de creación, se unió a nuestro proyecto el primer baterista, con el que tuvimos pocos ensayos y no siguió. Luego se unió el segundo baterista en octubre de 2017, Ray Mora Iglesias, conformándose así la banda como tal.

En los ensayos pudimos apreciar que los temas sonaban muy bien con nosotros tres únicamente (Víctor, Ray y yo), por lo que decidi-

Con Ray ofrecimos nuestros primeros conciertos, hasta que no pudo seguir en la banda por motivos de trabajo, aunque sigue siendo nuestro baterista suplente.

En el mes de mayo tuvimos un nuevo baterista, Diego (ex- baterista de Us), con el cual ofrecimos varios conciertos en distintos escenarios. En agosto de 2018, el Guille Vilar (director artístico del Submarino Amarillo) nos propuso formar parte de la Peña, los viernes a las 5:00pm en el Submarino Amarillo.

En septiembre, Diego no pudo seguir en el grupo, y ya en el mes de octubre de 2018 se unió a la banda el baterista Henry Alejandro Ferrán Molina, el cual forma parte de la agrupación hasta el día de hoy. ¿Por qué El Mundo de Sofía como nombre para la banda? ¿Es debido a tu nombre, o por una conocida novela noruega?

El nombre de la banda está inspirado en ambos aspectos, y uno adicional. “El Mundo de Sofía” es el título que da vida a la novela del escritor noruego Jostein Gaarder.

mos dejar el grupo en el formato power trío.

Fue en esta etapa de consolidación del proyecto donde decidimos darle nombre al mismo, naciendo así El Mundo de Sofía.

Con Ray en la banda, tuvimos un gran impulso que nos llevó a debutar en la Peña de la Vieja Escuela en la Casa de la Amistad el 28 de enero de 2018.

Cabe destacar que Stainer (director de Vieja Escuela), y Virgilio Torres (cantante de la misma) mostraron un interés particular en nuestra propuesta musical, y nos propusieron que formáramos parte del escenario de su peña en múltiples domingos durante meses, lo cual hemos cumplido hasta el día de hoy.

Por lo tanto, La Peña de la Vieja Escuela y La Casa de la Amistad se han convertido, desde entonces, en nuestra casa, nuestro refugio.

Asimismo, mi nombre es Sofía, que significa sabiduría, y está muy ligada a la filosofía, pero, además, yo soy graduada de la carrera de Historia de la Facultad de Filosofía – Historia y Sociología de la Universidad de La Habana.

Por tanto, El Mundo de Sofía es utilizado como una metáfora. Es la vida, la propia existencia, la búsqueda de la verdad, el camino que nos guía a más preguntas y cuestionamientos sobre el mundo.

En su propuesta musical se puede encontrar una conjugación de ritmos cubanos, del rock, o el funk, entre otros. ¿Cómo clasificarían la música de El Mundo de Sofía? ¿Por qué apostaron por esta propuesta musical? ¿Alguna importante influencia?

Las influencias y referentes de nuestra agrupación provienen de bandas tan disímiles como Portishead, Nirvana, Síntesis, Muse, The Police, Incubus, Porcupine Tree, Soda Stereo, Red Hot Chili Peppers, Jojo Mayer, entre otras.

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Entonces podemos decir que la música cubana, el Trip Hop, el Funk, y el Rock Progresivo, entre otros, conforman y representan quién es hoy El Mundo de Sofía: una fusión que se acerca, ante todo, a nuestro público más joven, y para aquellos que ya no lo son, tengan la opción también de reencontrarse con sus referentes del pasado expresado de una manera diferente.

Propone entonces un receptor bien variopinto, que va desde el adolescente que está sobre los 15 años, hasta el público que ande arribando a sus 50. Expertos de la música han clasificado el género musical de la banda como Rock Alternativo / Progresivo.

En cuanto al tema lírico, me imagino que toda la temática debe estar enfocada al tema filosófico. Lo digo por el hecho de tus estudios en la Universidad de La Habana. ¿Es así?

Sí. Las letras de la agrupación abordan temáticas referentes a la filosofía de la vida y el existencialismo, incluidas nuestras más profundas emociones como el amor, la falsedad, el dolor, y el instinto humano.

Como tendencia, se trata una visión antropocéntrica, es decir, poniendo al ser humano como centro de nuestras preguntas. En las letras se defiende el amor al hombre como ente existencial, a las potencialidades que desconoce y que no ha podido desarrollar aún, pues los humanos somos seres especiales.

Sin embargo, nos encontramos “…atrapados en las fronteras de esta realidad…” (este es un fragmento de la letra de “Zona Perimetral”, una de nuestras canciones del EP Atrapados Con Salida).

El hombre es capaz de tomar decisiones, puede negarse a cosas como es capaz de crear otras. Por tanto, el mismo cumple un rol fundamental en el sistema de funcionamiento de la naturaleza. El hombre, más que ningún otro, tiene esa gran responsabilidad.

Sofía, antes de formar El Mundo de Sofía, estuviste un tiempo involucrada con Okulary, tu

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primer proyecto. ¿Qué pasó con esta agrupación? ¿Por qué este cambio de género musical?

Te cuento. A finales del año 2016, la agrupación de Metal Okulary que antes dirigía, no continuó por falta de músicos.

Los compromisos de estos con otras agrupaciones profesionales a las que pertenecían (que tienen empresa) impidieron que pudiesen continuar en Okulary, una banda que aún no pertenecía al sistema de empresas del Instituto Cubano de la Música.

Sabes que en Cuba es muy difícil llevar a cabo un proyecto musical que no pertenezca a una empresa musical, no sólo porque escaseen las oportunidades de tocar para dicho proyecto, sino también por la imposibilidad de poder pagarles a los músicos.

Hoy por hoy es muy difícil encontrar músicos que trabajen por amor al arte. Al final nos quedamos Miguel Ángel Moreno Paula (actual bajista de Némesis) y yo solos en el proyecto.

Miguel fue el músico que apoyó a Okulary desde sus inicios. Fue una decisión muy difícil de tomar, pero al final tuve que poner fin al proyecto.

En cuanto a la alineación, ¿quiénes integran en la actualidad la banda?

La alineación actual de El Mundo de Sofía está compuesta por Víctor Manuel Ponce de León (bajista), Henry Alejandro Ferrán Molina (baterista) y yo, Sofía Guilarte Reyes (guitarrista y cantante).

Víctor ha sido miembro de muchísimas agrupaciones musicales en Cuba como Magnum, Sweet Lizzy Project, Saloma, The Shepal, y otras. Víctor es actualmente también bajista de Tanya.

Henry, por su parte, ha compartido escenario con proyectos de distintos estilos como La Reyna y la Real, Primera Base de Hip Hop, y Jade de Pop. En el 2019 ustedes sacan su primer EP que LaCarne Magazine

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lleva por título Atrapados Con Salida. Háblame un poco sobre este trabajo discográfico, temas, la forma en que lo han promocionado…

Atrapados Con Salida es nuestro primer EP, lanzado y puesto a la venta en el año 2019.

Está compuesto por tres canciones: “Zona Perimetral”, “Otro Ser”, y “Eres Especial”.

El nombre del EP engloba la temática general que abordan las letras de los temas: los hombres somos seres gigantes, poderosos, que podemos ser mejores de lo que somos en la actualidad, pero estamos atrapados y sujetos al orden y funcionamiento actual de las cosas, al sistema jerárquico impuesto por la sociedad.

No obstante, tenemos una salida que solo unos pocos han sido capaces de descubrir, pero que todos podemos tener acceso a ella.

“Zona Perimetral” constituye un cuestionamiento a la forma en que pensamos y vivimos.

El individuo que se percata de su “ceguera”, e intenta luchar contra los elementos que le impiden “ver” con sus propios ojos, y no a través de “un cristal”.

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“Otro Ser” trata sobre el miedo que experimentamos los seres humanos al crecer, al pasar de una etapa de la vida a otra, al adentrarnos en lo desconocido, en las nuevas responsabilidades que nos depara la vida. El hombre teme a lo nuevo, a las metamorfosis. A nuestra esencia le disgusta salir de su zona de confort.

“Eres Especial” nos enseña a amar al prójimo como a nosotros mismos, a observar lo que nos hace iguales y no lo que nos hace diferentes, a ser auténticos. Pensar por nosotros mismos, pues somos seres especiales. ¿Este primer trabajo discográfico salió de forma auto-producido e independiente? Ahora bien, ¿han recibido ofertas de algún sello nacional para grabar? ¿Han enviado sus grabaciones a alguno sello discográfico dentro o fuera del país?

Este primer trabajo ha sido auto-producido e independiente, como bien dices, aunque logramos posicionarlo en tiendas digitales como Spotify, Deezer y iTunes. Sin embargo, éste es el primer trabajo de la banda, por lo que no lo hemos enviado a ningún sello discográfico.

Con el nuevo material en producción, más maduro y con un estilo más definido, nos abriremos caminos a nuevas oportunidades.

La otra apuesta por otros aires y búsquedas novedosas, con tendencias guiadas hacia la fusión o las influencias de otros géneros, como la electrónica, la música cubana y otras.

El Mundo de Sofía se mantiene muy activo en cuanto al tema de conciertos y presentaciones, y esto le ha dado la oportunidad de compartir escenario con varias bandas cubanas, y hasta con algunas internacionales. ¿Qué ha significado esto para la banda? ¿Qué experiencias y aprendizajes han obtenido en cada concierto?

Cada concierto ha significado una gran experiencia para nosotros. De cada una de esas experiencias hemos sacado lecciones que nos han permitido mejorar en cada presentación.

Para mí, las dos poseen validez de acuerdo al público que consuma cada una de ellas. Siempre que sean de calidad, y la propuesta sea interesante, me sumo a las dos.

En mi caso, una de las cosas que más disfruto en el mundo del espectáculo es poder tocar en un escenario, frente al público, junto a mis músicos.

Defiendo todos los géneros musicales mientras que sea buena la música, la música que me mueva alguna fibra.

En el escenario confluyen las energías de los espectadores junto con las de nosotros, los intérpretes de la música. Me llena de regocijo poder compartir mi pasión con otros instrumentistas. ¿Cómo ven en su opinión la actualidad de la escena rock y metal en Cuba? ¿Cómo está de salud la escena cubana en la actualidad?

Considero que la escena del Rock en Cuba está en apogeo, si bien la mayor parte de los músicos cubanos no deciden ir por este camino.

En los últimos tiempos han nacido proyectos con ideas novedosas, bandas que no sólo tocan covers para subsistir, sino que defienden también música auténtica, sus propias ideas.

Opino que, poco a poco, el rock and roll en Cuba ha ido renovándose gracias a la aparición del Internet, que ha posibilitado una mayor entrada de información al país.

En cuanto al metal, veo la escena cubana actualmente dividida en dos vertientes principales. Una se encuentra apegada a la defensa del metal más tradicional y radical.

Por mi parte soy capaz de bailar al ritmo de Yoruba Andabo, como de tomarme un buen vino escuchando a Sabina, así como de disfrutar al máximo un concierto de La Vieja Escuela y gozar con gravedad e intensidad a Megadeth, Ill Niño y otros.

El Mundo de Sofía resultó finalista en el Concurso Primera Base del Festival Havana World Music. Coméntame.

Fue una experiencia muy importante para la agrupación. En dicho evento pudimos dar a conocer nuestra música ante el público y el jurado de la Fábrica de Arte.

También tuvimos la oportunidad de conocer a músicos de distintos géneros musicales, así como fortalecer lazos de amistad y compañerismo con otros que ya conocíamos desde antes. Con los talleres impartidos durante el Concurso, aprendimos sobre la difusión y promoción de la música en las redes sociales.

Conversar y compartir opiniones con artistas de diferentes ramas de la música cubana me hizo comprender, a mí particularmente, que nuestros deseos, aspiraciones y necesidades artísticas son mutuas.

Por lo que opino particularmente que si el mundo del rock and roll cubano se uniera con el resto de la música en Cuba y viceversa, nacerían de esa unión creaciones artísticas muy interesantes y atractivas.

En diciembre del 2019 recibes la noticia de haber sido seleccionada tu banda para participar LaCarne Magazine

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en la edición 35 del Festival Internacional Jazz Plaza. ¿Qué sentiste en ese momento y cómo fue recibida esta noticia por la banda?

Como mismo expresas, El Mundo de Sofía, en el mes de diciembre de 2019, recibió la noticia de haber sido seleccionado por el jurado del Centro Nacional de Música Popular para participar en el 35º Festival Internacional Jazz Plaza.

Fue el único grupo de rock de todo el país seleccionado para participar en esta edición.

Como parte del mismo, tuvimos dos presentaciones en enero de 2020: una en los Jardines del Mella, junto a Oliver Valdés, Pekka Pylkkanen, y Obini Batá; y la otra en los Jardines del Coopelia, junto a los Muñequitos de Matanzas.

Realmente nos sentimos muy afortunados y agradecidos de poder tocar junto a agrupaciones de tamaño prestigio, y a quienes tanto admiramos.

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A inicios de este año, El Mundo de Sofía ha sido nominado a los Premios Cuerda Viva 2020 en dos categorías. ¿Esperabas estas nominaciones a tu banda? ¿Qué ha representado esto para ti?

En el mes de febrero, El Mundo de Sofía ha sido nominado a los Premios Cuerda Viva 2020 en las categorías de Mejor Banda Nobel y Mejor Banda de Rock. Como parte de esta nominación, hemos participado en diversos programas de radio, de manera promocional y en la TV. Las premiaciones hubieran sido dadas en una Gala realizada el pasado 28 de marzo en el Teatro Nacional, pero, desgraciadamente, el Coronavirus ha paralizado todo, conciertos, todo. Esperemos que pase pronto, por el bien de la humanidad.

Estas nominaciones han significado un gran impulso para nosotros.

¿Y tienes pensado grabar algún videoclip? Ya sabes que los vídeos ayudan mucho a difundir la música de las bandas.

Es cierto que el mundo del audiovisual es fundamental para la difusión de la música de las bandas.

En el caso de El Mundo de Sofía, nuestros videos son realizados dentro de la propia familia. Tengo un gran apoyo de mis padres en este sentido. Ambos son realizadores.

pueda llegar lejos también, al igual que la de todos los músicos que sientan la necesidad de expresarse a través de ella.

Adicional a la promoción del EP, ¿cuáles son otros objetivos de la banda para este 2020?

Como parte de los objetivos que tenemos para este 2020, nos hemos propuesto realizar un mayor número de colaboraciones con músicos de otros géneros musicales.

Mi padre, Javier Guilarte, es actor, editor y director de fotografía. Mi madre, Susana P. Reyes, es graduada del ISA en dirección de Radio, Cine y Televisión. Ambos conforman un gran equipo.

También ir lanzando el nuevo material, y poder conformar nuestro primer álbum. Seguir en la investigación, experimentación sonora, en la búsqueda de una identidad donde se mezclen la esencia de nuestra cultura y la de otros países. Una fusión que logre alcanzar la mayor cantidad de géneros posibles.

En el canal de YouTube de la banda podrán encontrar todos nuestros audiovisuales realizados para promocionar el EP Atrapados Con Salida y otros temas.

Me imagino que estén trabajando o que ya tengan material nuevo para un álbum. ¿Es así?

Así mismo. Estamos trabajando en nuevo material para conformar un álbum.

Entre ellos, se encuentra un video promo del single “Boomerang”, donde tuvimos el privilegio de trabajar con un artista invitado en las tumbadoras: Santiaguito y sus Tambores.

Ya hemos lanzado un EP (Atrapados Con Salida), y dos singles (“Si Tuviera” y “Boomerang”). Los nuevos temas están en camino a alcanzar una mayor consolidación del estilo musical de El Mundo de Sofía.

Por lo demás, tenemos pensado grabar videoclips y promocionales de los temas nuevos que vendrán próximamente. ¿En algún momento imaginaron que este proyecto fuera a ser tan importante como lo es ahora?

Realmente nunca nos imaginamos el rumbo que iba a tomar la banda. Cuando Víctor M. Ponce y yo comenzamos el proceso creativo, no pensamos en otra cosa que no fuera explotar nuestras ideas al máximo.

Comenzamos a juntar ritmos y melodías en un conjunto armónico que representaba nuestras necesidades espirituales. Todo artista tiene un propósito cuando comienza un proyecto: que su arte sea difundido y llegue a ser escuchado por el público.

Su misión consiste en llevar un mensaje, sea cual sea, a la gente. Ojalá nuestra música

Bien, esto sería todo. Muchas gracias por tu tiempo. Para finalizar, aquí tienes espacio para cualquier comentario final.

Quisiera agregar las siguientes conclusiones: Mucho nos falta por crecer, mucho nos falta por conocer, mucho nos falta por crear, pero estamos llenos de deseos, de ímpetu, de curiosidad, y de vitalidad.

El Mundo de Sofía, como la filosofía, seguirá en la búsqueda, en la duda, reinventándose cada día, procurando que el mundo sea un lugar más asequible y el hombre, más grande.

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Cashate

Metal lleno de energía y buenas vibracion respuesta a la entrevista.

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C

ashate se formó en el año 2005 en Buenos Aires, y tras un receso de poco tiempo, comienzan a darse a conocer por todo su país, Argentina.

Han logrado realizar giras internacionales, y compartir con importantes bandas a nivel mundial. En la actualidad se encuentra listo con su nuevo álbum, Hasta El Fin De Los Tiempos.

Su guitarrista y compositora, Eve Korrea, da

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Saludos, amigos! Para los lectores que aún no os han escuchado, ¿qué elementos tomarían de su propuesta si quisieran explicar el concepto musical de Cashate?

Las letras y el sonido. Narramos nuestra visión de muchas situaciones, y buscamos dar aliento al que lo necesite y lo agudizamos con el estruendoso sonido en vivo. ¿Quiénes son los integrantes que están ahora en la banda? ¿Algunos mantienen algún proyecto paralelo, o están dedicado por completo a Cashate?

Fernando Vox (cantante), Eve Korrea (guitarra), Miguel Aguera (bajo), y Emanuel Larta

Rusia.

Entrevistas, reseñas, nuestra primera gira por México abriendo para Soulfly en nuestra primera fecha. Luego tocar con Social Overload de California fue hermoso, un grato recuerdo.

El videoclip es algo que siempre ayuda mucho a difundir la música de las bandas, y sé que ya cuentan con algunos videos. Coméntanos qué tal ha sido la promoción de los mismos.

Ayuda muchísimo, siempre fue para lo mejor con nosotros. Nuestro último clip, «Ritual», llegó a 200.000 visualizaciones en menos de un mes. Lo lanzamos el 9 de enero de este año 2020 y no dejó de sorprendernos. ¿Hacia qué temáticas están enfocadas las letras de sus temas?

La temática es variada, no están enfocadas en algo puntual. Narramos con nuestra visión situaciones o sensaciones de la vida.

Lo puntual siempre es la intención, ahí siempre tratamos de dar aliento, buenas energías al que lo necesite.

nes (batería). Estamos por completo con Cashate.

A inicios del 2014 lanzan el EP Némesis, ¿cómo fue el recibimiento de este material por parte de la escena nacional e internacional?

Fue increíble lo del EP porque necesitábamos plasmar lo que veníamos tocando en ese momento por todo nuestro país, y se nos ocurrió hacer el EP como antesala de nuestro primer disco.

Pero la idea era sacarlo con 3 videoclips, cosa que no era muy normal por ser un EP en esos tiempos, y fue genial. Nos abrió muchas puertas en nuestro país, e internacionalmente desembocó en estar en muchísimos portales de Latinoamérica, Europa, Japón, Malasia y

A este EP le siguió su primer álbum. Háblanos brevemente sobre el disco. ¿Estaba en la misma línea del actual concepto de la banda?

Fue muy importante para nosotros. Logramos un muy buen desarrollo con 5 videoclips, infinidad de conciertos locales, más de 15 conciertos con bandas internacionales, 3 giras por México, una gira por Bolivia, y cerrar la etapa del mismo en el estadio Obras Sanitarias junto a La H No Murió (Hermética) con un sold out. ¡Soñado!

Creo que algo muy importante para la banda fue haber sido seleccionados para compartir escenario con Bullet For My Valentine y Motionless in White. ¿Qué pueden decir con relación a esto?

Ese día no entendíamos todo lo que pasaba, era una ruleta rusa de emociones. Los clubs de fans de las dos bandas estuvieron contentos con nosotros.

Desde el primer momento ayudaron con la difusión de la banda, cantaron nuestras cancioLaCarne Magazine

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nes, coreaban el nombre de la banda, hicieron pogo con nuestros temas todo el tiempo, hicimos bromas todos juntos.

No paramos de divertirnos, fue algo extraordinario. Mientras estábamos tocando, nos alentaba Ricky Horror, guitarrista de Motionless in White, sonriendo y levantando sus brazos.

Y cuando bajamos del escenario nos abrazaron y felicitaron los chicos de Bullet For My Valentine, y ellos nos pidieron fotos a nosotros. Unos genios!

Luego de esto le abrieron más shows a otras grandes y reconocidas bandas internacionales. ¿Qué significo esto para ustedes como banda y en lo personal?

Significa mucho. Se abre la oportunidad a que nuevo publico te vea y puedas presenciar a grandes artistas arriba y abajo del escenario, y hablar con alguno de ellos para aprender mucho de gente muy profesional.

Ustedes han realizado algunas giras, como el tour por México donde compartieron con importantes bandas. Sería bueno que nos co-

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mentaras sobre esta gira mexicana.

Giras por México hicimos 3 ya, y cada vez es mejor. Siempre hacemos nuevos amigos, descubrimos nuevas bandas, aprendemos mucho de su cultura, de su gastronomía, y lo más importante es el cariño que recibimos del pueblo mexicano para con Cashate.

Conforme pasan los años y seguimos yendo, vamos abarcando más ciudades nuevas, por ende, más nuevas amistades.

También estuvieron por Bolivia. ¿Qué tal les fue por ese país?

Los argentinos nos creemos que somos el súper público, coreamos nuestro himno en los mundiales, coreamos los riffs de Megadeth, y tenemos el pogo más grande del mundo, pero cuando llegamos al aeropuerto estaba lleno de metaleros por todos lados.

Agotaron todos los recintos, todas las fechas fueron sold out, y arrasaron con la cerveza. Se sabían todas nuestras canciones, tumbaron las vallas de seguridad, y nos conocían hasta los empleados de los aeropuertos. IMPRESIONANTE. Incluso quedamos sorprendidos

con la cantidad de bandas de Metal argentino que conocían y seguían desde hace años.

guste o no, que está de moda. Es una lucha muy dispareja.

¿Cómo ha sido el trabajo de promoción de Cashate?

Nuestro trabajo de promoción fue de menor a mayor. El paso del tiempo te enseña a adornarte con las tendencias actuales, y a medida que consigues resultados vas entendiendo mejor cómo son las cosas.

¿Podrías comentarnos algo acerca de su próxima producción discográfica (cuándo saldrá, su concepto musical…)?

Sí, estamos muy contentos. Salió este 20 de mayo (20/5/20) en todas las plataformas digitales. Cuenta con 9 temas. El concepto es bastante espiritual y ancestral, la esencia de la banda se mantiene intacta.

Antes todo era más de boca en boca, y había que movilizarse mucho para conseguir algo.

Como bien sabes, hay muchas bandas que con el tiempo han perdido su esencia e identidad. ¿Por qué crees que esto sucede?

No creo que sea específico, pero la industria se desespera por generar ingresos, entonces atosiga a la gente con propaganda de artistas de sus intereses.

Eso quita espacio a otros artistas que no hacen ese género musical, ni están bajo una multinacional, así que el arte queda de lado, y la falta de atención del público por tu música hace que cambies para la tendencia actual, te

El que lo escuche y nos conozca, sabrá que somos nosotros, pero visto desde una nueva óptica. Nos gusta mucho cómo ha quedado porque representa mucho lo que sentimos.

Esperamos les guste tanto como a nosotros. ¿Cómo es la escena metalera de Argentina, para aquellos que por distancia no estamos tan al tanto de lo que allí sucede?

La escena es muy parecida a otras partes porque el espíritu de lucha se lleva muy adentro.

En este género musical se hace todo por pasión, y se trata de lograr hacer lo mejor posible dentro de las posibilidades de cada banda.

Después existen los consagrados, o que están bajo una multinacional, y ahí la cosa cambia.

Está muy difícil a nivel mundial, y así también aquí.

Con miras hacia el futuro, y luego de salir de este confinamiento debido a la Covid-19, ¿para qué se prepara Cashate actualmente?

Reacomodar todo lo que estaba previsto: el tour por el interior del país, en Junio sale nuestro segundo video clip, y algunas sorpresas por confirmar después de esta pandemia.

Muchas gracias por el tiempo que has dedicado a responder estas preguntas, y si tienen unas últimas palabras, pues adelante. ¡Muchas gracias a ustedes y a seguir rockeando!

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