OjodePez by La Fábrica

Miradas sobre la guerra LOOKING AT WAR Photoeditor MONICA ALLENDE Simon Norfolk & John Burke Stefan Ruiz Youtube Soldiers Mishka Henner Jessica Hines Paul Stuart Balazs Gardi Ashley Gilbertson Point of View Joel Meyerowitz presenta / presents Jonathan Smith Work in Progress Katharina Hesse Human Negotiations

Español English

9 771696 009004

E/ € 10 IT/ € 10 PTE CONT./ € 10 D / € 14 AUT/ € 15 BE/ € 13,50 UK / £ 11,50 CH / Chf 20 USA / $ 20 www.ojodepez.org

— 01

Thomas Ruff. Retrato (G. Beltz), 1985/86. Colección Telefónica.© VEGAP. Madrid, 2011

1000 caras / 0 caras / 1 rostro. Cindy Sherman, Thomas Ruff, Frank Montero. 31 de mayo - 24 julio 2011. Lugar: Sala Alcalá 31. Alcalá 31. 28014. Madrid. www.fundacion.telefonica.com

Fundación Telefónica

Colabora:

Xiqi Yuwang

008

Miriam Sánchez Varela

012

José Luis Rodríguez Maldonado

016

Alfio Tommasini

020

Pierpaolo Mittica

024

point of view

Joel Meyerowitz presenta a / presents Jonathan Smith

030

dossier

Miradas sobre la guerra LOOKING AT WAR — Monica Allende

042

SIMON NORFOLK & JOHN BURKE

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Stefan Ruiz

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Soldados de YouTube youtube soldiers

066

Mishka Henner

070

JESSICA HINES

076

Paul stuart

082

BALAZS GARDI

088

Ashley Gilbertson

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work in progress

Katharina Hesse

098

agenda Por / By Ute Noll

junio / june

106

julio / july

107

agosto / august

109

portfolio phe

OdP #25 / INDEX

— 003

INTERFACES

www.phe.es

1 junio - 24 julio XIV Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales

PORTFOLIO PHE

Xiqi Yuwang El pequeño puente sobre el río / The Small Bridge Over the River

Miriam Sánchez Varela Luz profunda / Deep Light

José Luis Rodríguez Maldonado La casa tomada / House Taken Over

Alfio Tommasini Antonio & Paloma

Pierpaolo Mittica Kawah Ijen-Inferno

PHotoEspaña organiza visionados de porfolios desde 1998, ofreciendo a fotógrafos de todo el mundo la posibilidad de mostrar su trabajo a expertos internacionales y a profesionales en Madrid y en Latinoamérica. En la edición de 2011 se ha realizado una selección de fotógrafos entre los más de novecientos candidatos que se presentaron. OjodePez no quiere que nada pase desapercibido: al acceder a los archivos de porfolios, tenemos la suerte de poder seleccionar y mostrar aquí nuevos trabajos documentales de participantes de varias ediciones.

OdP #25 / PORTFOLIO PHE

PHotoEspaña organizes portfolio reviews since 1998, offering photographers from around the world the possibility to show their work to international experts and professionals in Madrid and Latin America. In the 2011 edition, photographers have been selected among more than 900 applicants to participate in the reviews. OjodePez does not want anything to go unnoticed: by having access to the portfolio archives, we are fortunate to be able to select and feature here new documentary works of entrants from various editions.

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Miriam Sánchez Varela —Luz profunda / Deep Light

Miriam Sánchez Varela (México, 1977) presentó a Descubrimientos Guatemala 2009 su proyecto Luz profunda, un ensayo fotográfico que muestra a las personas ciegas inmersas en un mundo acuáticoonírico, tomando como punto de partida la natación. Aquí presentamos ese mismo proyecto, que en 2010 fue seleccionado por la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano, fundada por el escritor Gabriel García Márquez.

«¡Vosotras, las aguas que reconfortáis, traednos la fuerza, la grandeza, la alegría, la visión!» —Rig Veda «Inmersos en el agua, origen de la vida y representación de lo infinito, los ciegos se sumergen en un mundo onírico donde potencian sus sentidos y sus supuestas carencias desaparecen, donde son libres. Esta es mi interpretación de la ceguera: para mí no es la

oscuridad en que convencionalmente pensamos, y no contar con el sentido de la vista no es un límite para el desarrollo pleno de estas personas. Creo que el ciego es aquel que ve otra cosa, aquel que ve el mundo de forma diferente, pero que, finalmente, construye su propia visión».

Miriam Sánchez Varela (Mexico, 1977) presented at Descubrimientos Guatemala 2009 her project Deep Light, a photographic essay that shows blind people submerged in an aquatic dream-world, taking swimming as a starting point. We present the same project that was also selected in 2010 by the Latin American Foundation of New Journalism, founded by the writer Gabriel García Márquez.

“You, the waters that are of great comfort to us, bring us strength, grandeur, joy and vision!” —Rig Veda “Submerged in the water, the origin of life, the representation of the infinite, the blind plunge into a dream-world where they give life to their senses and their disabilities disappear, where they are free. This is my own interpretation

of blindness: I do not see it as darkness in the conventional way, because not being able to see does not restrict the full development of these people. I think that a blind person is someone who sees something else, who sees the world in a different way, but who, ultimately, has a personal vision”.

— 013

OdP #25

— 014

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José Luis Rodríguez Maldonado —La casa tomada / House Taken Over

José Luis Rodríguez Maldonado (Colombia, 1976) presentó La casa tomada a Descubrimientos Cartagena 2010. El proyecto retrata a familias desplazadas durante conflictos armados. «Nuestros ancestros africanos fueron desplazados de su tierra por la esclavitud, nuestros padres fueron desplazados por la guerra bipartidista, nosotros fuimos desplazados por la guerra paramilitar. ¿Quién desplazará a nuestros hijos? La casa tomada es una referencia directa al cuento de Julio Cortázar que lleva el mismo título. Y donde algo o alguien se

apodera de la casa sin más remedio que la resignación de los moradores. Esta vez la realidad ilustra la ficción. La obra fotográfica retrata a familias en sus antiguos hogares que, atrapadas en medio de un conflicto armado, fueron desplazadas de un modo forzoso en el año 2000. Situado en el norte de Colombia, Mampujan es hoy un pueblo desocupado envuelto en la vegetación. Los habitantes de esta comunidad, azotada por la violencia paramilitar, habían perdido sus hogares, pero, según ellos, un milagro de Dios evitó que fueran asesinados. Después de una inmersión profunda en la memoria colectiva

e individual de los habitantes, hallé crudos testimonios donde la vida se sobrepuso a la tragedia. Un caso inusual en el común denominador de la violencia paramilitar colombiana. Existen cerca de veintiséis millones de personas desplazadas en el mundo, de las cuales, tres millones viven en Colombia y muy pocas pueden siquiera volver a las ruinas de lo que fue su antiguo hogar. Estos documentos visuales son testimonio de una realidad que no debe repetirse».

—www.memoriavisible.org

PORTFOLIO PHE

— 017

José Luis Rodríguez Maldonado (Colombia, 1976) presented his project House Taken Over, that depicts displaced families during armed conflicts, at Descubrimientos Cartagena 2010. “Our African ancestors were displaced from their native land by slavery, our parents by the twoparty war, and we were displaced by the paramilitary war. Who will displace our children? House Taken Over is a direct reference to Julio Cortázar’s short story, which bears the same title. It is also the place where something or someone takes over the house with no other alternatives but the resignation of its inhabitants. This time, reality illustrates fiction. The photographic work portrays families in their former homes who, trapped in an armed conflict, were forcibly displaced in 2000. Located in the north of Colombia, Mampujan is nowadays an uninhabited village enveloped

OdP #25

in vegetation. The inhabitants of this community, battered by paramilitary violence, lost their homes but, as they affirm, only a miracle of God prevented them from being assassinated. After a deep immersion in the collective and individual memory of the community, I found harsh testimonies that tell us how life overcame tragedy,

which is a unusual case in the common denominator of Colombian paramilitary violence. There are around 26 million people displaced in the world and 3 million of them live in Colombia. Very few can even return to the ruins of what used to be their former home. These visual documents are the evidence of a reality that must not be repeated.”

— 018

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Alfio Tommasini —Antonio & Paloma

Alfio Tommasini (Lodano, Suiza, 1979) presentó a Descubrimientos Madrid 2009 su trabajo sobre una pareja gitana que, al comienzo de los noventa, llegó a Madrid desde Asturias a «buscarse la vida». «Un día más amanece rozando el río Manzanares. Entre viviendas, puentes, obras, una fábrica de cerveza y un estadio de fútbol hay un contenedor en donde desde hace tres años viven Antonio y Paloma. Antonio tiene 53 años. Sus horas las marcan los rayos del sol: desayuna, se asea y se dirige al trabajo. Pasea por Madrid su sonrisa y su carro lleno de chatarra. Antonio es un hombre de costumbres, va a los mercadillos donde ofrece su mercancía recién recopilada y regresa a su hogar

tras su viaje a buscar, quizás, la levedad perdida. Paloma tiene 43 años y, al igual que Antonio, su vida se construye sobre el día a día. Paloma es ama de casa y entre sus labores principales está la de cuidar a su marido, además de esperarlo con ansia cuando no está. Por la tarde descansa, al lado de Antonio, y pasa horas entreteniéndose muy involucrada en las telenovelas. Tienen cuatro hijos a los que siempre dedican el último pensamiento antes de dormir. Por mi parte, yo buscaba diferentes modos de asentamiento en la ciudad y una rendija que diera paso a la instauración de una nueva relación humana. El destino y la suerte me hicieron encontrar un lugar donde dos personas se abren y comparten conmigo su casa, un ambiente a veces

duro, pero siempre colmado de sencillez y ternura. He pasado días y noches con ellos, en un espacio tan reducido que propicia la intensidad y la cercanía. Un hogar hecho a medida donde lo importante es lo que se vive, y Antonio y Paloma se tienen un amor que vas más allá del sitio donde abren los ojos cada mañana».

Alfio Tommasini (Lodano, Switzerland, 1979) presented to Descubrimientos Madrid 2009 his work on a gipsy couple that, in the early 90s, arrived in Madrid from Asturias to make a living. “Another day dawns by the Manzanares River. Among buildings, bridges, works, a beer factory and a football stadium, there is a container where Antonio and Paloma have been living for three years. Antonio is 53 years old. His hours are marked by the rays of the sun: he has breakfast, gets washed and makes his way to work. He takes his best smile and his cart full of scrap for a walk through Madrid. Antonio is used to a routine; he goes to the flea markets where he offers his recently

compiled goods and returns home after his journey to find, maybe, his lost lightness. Paloma is 43 years old and, just like Antonio’s, her life is built day by day. Paloma is a housewife and, as well as waiting anxiously when he is not in, looking after her husband is among her main chores. In the afternoon, she rests at Antonio’s side and she spends her time completely involved in different soap operas. They have four children to whom they devote their last thoughts before falling asleep. I was looking for different kinds of settlements in the city and for a spot that yielded to the establishment of a new human relationship. Fate and fortune took me to a place where two people opened their hearts and shared their house with me, a harsh atmosphere

at times, but always filled with modesty and tenderness. I spent days and nights with them, in such a small space that intensity and closeness were favoured. A made-tomeasure home, where feelings and emotions are what really count — and Antonio and Paloma love each other, regardless of the place in which they open their eyes every morning”.

—www.alfiotommasini.com

OdP #25

— 022

PhotoNews

Cambia de objetivo, cambia tu historia Pensar en fotografía es pensar en Canon. La calidad de su imagen, los accesorios y herramientas que ofrece la firma y las facilidades de uso hacen del aficionado y del profesional fieles seguidores de la casa. Desde que apareció el primer objetivo EF de Canon, se han sucedido sin descanso las novedades y mejoras técnicas que responden a las necesidades del fotógrafo. Hoy en día, la firma cuenta con más de 60 objetivos EF dotados de los mayores avances tecnológicos.

Retratos EF 85 mm f/1,2L II USM resulta idóneo: el fondo pasa a segundo plano y el retratado es el verdadero protagonista de la imagen. Los paisajes, en cambio, necesitan una longitud focal entre 17 y 24 mm para que la profundidad y los detalles del lugar proporcionen la misma sensación que recibe el ojo en vivo, lo que se consigue con el objetivo para Paisaje EF 24 mm f/1,4L II USM. A la hora de fotografiar objetos muy cercanos o muy pequeños, hay que elegir un objetivo de la gama Macro, que hará posible apreciar la gota de rocío en el pétalo de una flor o los detalles del insecto más pequeño. Si una imagen vale más que mil palabras, en este caso los vídeos combinan palabra e imagen para explicar todo lo necesario (y mucho más) sobre cada objetivo Canon. Descúbrelo, porque está claro que cambiando el objetivo, cambia la historia. ¿A qué esperas?

A la hora de ponerse a fotografiar, en primer lugar es importante la creatividad. A continuación, una vez decidido el qué y cómo de la foto, lo siguiente es escoger el tipo de objetivo que se usará, pues es una pieza clave en el resultado final. Para ello, el fotógrafo puede acudir a la web de Canon, www.canon.es, donde encontrará todo un microsite dedicado a los objetivos. En él, una serie de vídeos tutoriales explican de forma sencilla cómo usar cada uno para obtener los mejores resultados con el mayor aprovechamiento de los equipos. Son cinco los vídeos a los que se puede acceder y en los que se señalan todas las características técnicas, todas las recomendaciones referentes a la velocidad, luminosidad, obturación o profundidad, y muchos otros detalles. Todo, al alcance de un click. Más fácil, imposible. Algunos ejemplos: para los fotógrafos que se dedican a capturar momentos importantes desde una cierta distancia, sea la caza de un predador o sea el gol decisivo de un partido de fútbol, es perfecto el objetivo para Deporte y Naturaleza EF 300 mm f/2,8L IS II USM. Gracias a su gran abertura y alcance, los resultados son espectaculares. En el caso de los primeros planos, el objetivo para

OdP #25

www.canon.es/ObjetivosEF

— 028 — 028

point of view

JOEL meyerowitz presenta a / presents

Jonathan Smith La noche y la ciudad Night and the City

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—POINT OF VIEW Jonathan Smith

[ p.030-031 ] Coche aparcado, puente Queensborough, 2005. Parked Car, Queensborough Bridge, 2005. Noche #127, 2008. Night #127, 2008.

OdP #25

— 032

—POINT OF VIEW Jonathan Smith

Jon Smith es ese inusual fotógrafo contemporáneo a caballo entre los dos mundos que conforman la polémica fotográfica actual. Mantiene un claro y poderoso vínculo con los valores de la vieja generación de fotógrafos que cree ver el mundo tal y como es y se sabe capaz de extraer conclusiones de sus percepciones y observaciones, las cuales les permiten ahondar en su conocimiento acerca de la vida y el arte. Pero Jon también se abre a enfoques más conceptuales con los que tiene a bien comprometerse, enfoques vitales para las ideas que hoy imperan en torno a la fotografía. Es su vocabulario lo que le hace interesante a este respecto, pues contempla sus objetos fotográficos desde un punto de vista poético, aunque no comprometedor. Quizá lo que más me emociona de su afinado sentido poético es, precisamente, que la mayor parte de la fotografía contemporánea trata de anular este sentido, como si debiéramos evitar conmovernos al interpretar de ese modo la existencia cotidiana; tal y como las generaciones anteriores creyeron que debía esquivarse la idea de la belleza. Jon no habla todavía en nombre de su generación, pero avanza en dirección a un tipo de conocimiento que le dará a su voz un alcance mucho mayor. — Joel Meyerowitz

* La obra del reconocido fotógrafo Joel Meyerowitz ha participado en más de 350 exposiciones de museos y galerías de todo el mundo. Nació en Nueva York en 1938 y comenzó a fotografiar en 1962. Es un «fotógrafo de calle», sujeto a la tradición de Henri Cartier-Bresson y Robert Frank, cuya obra realiza exclusivamente en color desde mediados de los sesenta. Meyerowitz desempeñó un papel fundamental en el cambio de actitud hacia esta especialidad fotográfica, que pasó de la renuencia generalizada a la aceptación universal. Su primer libro, Cape Light, es considerado un clásico de la fotografía en color y ha vendido más de 100 000 ejemplares en treinta años de vida. Actualmente está editando un libro retrospectivo, Taking My Time: An Autobiography in Pictures, que publicará Phaidon en 2012. Su obra se conserva en las colecciones del MoMA y el Boston Museum of Fine Art, entre otros muchos museos.

Jon Smith is that rare contemporary photographer who straddles the two worlds of current photographic argument. He is clearly connected, and deeply so, to the values of an older generation of photographers who believed in seeing the world as it is, and in taking their cues from their perceptions and observations in ways that deepened their understanding of both life and art. But Jon is also open to, and engaged by, conceptual approaches vital to today’s ideas about photography. But it is his vocabulary that makes him interesting in this regard, because he sees whatever it is he is photographing from a poetic yet uncompromising point of view. Perhaps what is most moving to me about his finely tuned sense of the “poetic”, is that much of contemporary photography avoids it, as if being touched by this reading of ordinary existence is something to be avoided, much as the idea of “beauty” was to an earlier generation. Jon is not yet speaking for his generation, but he is on his way toward the knowledge that will give his voice a far greater reach. — Joel Meyerowitz

* Joel Meyerowitz is an award-winning photographer whose work has appeared in over 350 exhibitions in museums and galleries around the world. He was born in New York in 1938 and began photographing in 1962. He is a “street photographer” in the tradition of Henri Cartier-Bresson and Robert Frank, although he works exclusively in color. As an early advocate of color photography (mid-60s), Meyerowitz was instrumental in changing the attitude toward the use of color photography from one of resistance to nearly universal acceptance. His first book, Cape Light, is considered a classic work of color photography and has sold more than 100,000 copies during its 30-year life. Meyerowitz is currently at work editing his retrospective book Taking My Time: An Autobiography in Pictures to be published by Phaidon Press in 2012. His work is in the collection of the Museum of Modern Art, the Boston Museum of Fine Art and many others.

— www.joelmeyerowitz.com

POV By JOEL meyerowitz

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—POINT OF VIEW Jonathan Smith

Noche #100, 2008. Night #100, 2008.

OdP #25

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—POINT OF VIEW Jonathan Smith

Noche #159, 2008. Night #159, 2008.

POV By JOEL meyerowitz

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—POINT OF VIEW Jonathan Smith

Noche #120, 2008. Night #120, 2008.

OdP #25

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—POINT OF VIEW Jonathan Smith

Noche #186, 2008. Night #186, 2008.

POV By JOEL meyerowitz

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—POINT OF VIEW Jonathan Smith

La noche y la ciudad Night and the City t/ Jonathan Smith

La noche transforma los lugares que fotografío habitualmente en espacios diferentes donde lo familiar pierde su familiaridad. Las cosas no tienen el aspecto que uno espera: el umbral de una puerta iluminado bajo una predecible autopista franquea la entrada a un mundo de misterio irresoluble. Una valla publicitaria vacía, que amenaza desde el cielo oscuro sin revelar más que su propia superficie blanca y luminosa, nos devuelve una mirada fija, sin parpadeo. He querido documentar otra visión de la realidad urbana. Fotografiando la noche he ganado en sensibilidad a la hora de captar los matices de la arquitectura y el paisaje. Cuando el sol desciende, todo se ralentiza y se empiezan a captar sutiles detalles en el entorno: el dibujo que hacen los ladrillos de un muro, las letras del cartel de un comercio, un árbol solitario en una esquina parece, de repente, tener cierto significado. Todo ello se nutre del agudizado sentido que adquieren las cosas gracias a la tranquilidad y a la oscuridad del entorno. Night and the City [La noche y la ciudad] es un estudio acerca de una ciudad a la vez despierta y dormida. Rastrea los callejones silenciosos, las fábricas y las tiendas después de echar el cierre, los parques vacíos y las somnolientas aceras que titilan con luminiscencias bajo un manto de oscuridad. Me siento atraído por la luz que parpadea justo donde no alcanzo a llegar y me pregunto: ¿quién vive en esa casa? ¿Quién tiene esa luz encendida, en esa ventana de ahí arriba? Estas fotografías son preguntas que no necesariamente tienen respuesta. Jonathan Smith está patrocinado por Kodak y utiliza la película negativa de color Ektar 100.

Jonathan Smith (Reino Unido, 1978) estudió en el Kent Institute of Design, en Reino Unido, y en el International Center of Photography de Nueva York. Su primera muestra en solitario tuvo lugar en septiembre de 2010, cuando la galería Rick Wester organizó Untold Stories. Ha expuesto internacionalmente y ha sido galardonado con diversos premios, como el Hears Biennial, el Flash Forward de la Magenta Foundation, el premio anual PDN y el Photography Book Now de Blurb. Su obra ha aparecido en numerosas publicaciones, como las revistas Metropolis, View, PDN, Art and Architecture y The Royal Photographic Society Magazine.

Nighttime transforms the everyday places I photograph into another space where the familiar becomes unfamiliar. Things don’t appear quite the way one expects them to: a lit doorway under a foreboding highway offers entrance into a world of unsolvable mystery; an empty sign looms in the dark sky revealing nothing as its blank canvas of light stares back, unblinking. I have sought to document another view of the reality of the city. Through photographing at night, I have become increasingly sensitive to the nuances of architecture and landscape. As evening descends, everything slows down and one starts to notice subtle details in the environment; patterns on a brick wall, lettering on a storefront sign, a lone tree on a street corner suddenly seems somehow significant. All these things take on a heightened sense of meaning in the quiet darkness of their surroundings. The Night Project is a study of a city that is both asleep and awake. It traces the quiet back streets, the factories and stores when the doors are closed, the empty parks and sleepy sidewalks that twinkle with light under a dark canopy. I find myself drawn to these illuminations that flicker just out of reach and I wonder, who lives in this house? Who has that light on in the window overhead? These photographs are questions that don’t necessarily have answers. Jonathan Smith is sponsored by Kodak and uses Ektar 100 color negative film.

Jonathan Smith (United Kigdom, 1978) studied in the United Kingdom at the Kent Institute of Design and the International Center for Photography in New York. He had his first solo show, titled Untold Stories, at Rick Wester Fine Art Gallery in September 2010. He has exhibited internationally and has been the recipient of a number of awards, including The Hearst Biennial Award, The Magenta Foundation, Flash Forward Award, the PDN Annual Awards and the Photography Book Now Blurb Award. His work has appeared in numerous publications including the magazines Metropolis and View, PDN, Art and Architecture and The Royal Photographic Society Magazine.

— www.jonathansmithphotography.com

OdP #25

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—POINT OF VIEW Jonathan Smith

Sin título #19, 2006. Untitled #19, 2006.

POV By JOEL meyerowitz

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PhotoNews

«In Principio», fotografías con aroma a café

El fotógrafo brasilero Sebastião Salgado, representante especial de UNICEF, lleva cinco años volcado en «In Principio», un proyecto de 60 imágenes destinadas a rendir homenaje a la cultura del café y a la historia y las tradiciones de los caficultores, aquellos hombres y mujeres que trabajan en los países de donde procede el café verde que adquiere illycaffè. El fotógrafo ha retratado su día a día en el campo: son más de 25 millones de familias las que trabajan en ellos, y para ellos y sus familias, como es fácil imaginar, el café es el bien más preciado. El viaje de Salgado por Brasil, India, Etiopía, Guatemala y Colombia le permitió retratar en detalle los rostros, los paisajes y los esfuerzos que desembocan en la producción del café, y a la vez ilustrar todos los pasos del proceso, desde la recolección del fruto hasta su traslado a Italia en sacos de yuta.

1,6.- Aricha © S.Salgado / Contrasto 2,4.- Guatemala © S.Salgado / Amazonas images 3.- Brasil © S.Salgado / Contrasto 5 .- Sisota © S.Salgado / Contrasto

El reportaje muestra, además, el compromiso de illycaffè con los productores locales, a los que apoya, incentiva y paga de forma justa para lograr por un lado la excelencia en el café, y por otro la sostenibilidad en los procesos de producción, tanto económicamente como en lo social y lo medioambiental. En este campo, illycaffè tiene experiencia, pues ya Ernesto Illy promovió, hace 20 años, el Premio Brasil de Qualidade do Café para

OdP #25

Espresso (que reconoce anualmente la labor de los productores del mejor café), así como la Universidad del Café de Brasil y el Clube Illy do Café, iniciativas que han servido de estímulo para instituciones públicas y privadas, no sólo en el sector del café. Así pues, desde hace 20 años, la manera de trabajar de illycaffè con los caficultores (mano a mano con ellos, atendiendo sus necesidades y asistiéndoles en sus problemas) es ya marca de la casa. Gracias a esta relación de la firma con sus cultivadores y proveedores, illcaffè ha sido la primera compañía en recibir el Estándar DNV del «Proceso de sostenibilidad en la cadena de suministro de café verde». Esta distinción certifica un proceso de producción responsable, y es otorgada por la prestigiosa fundación independiente internacional Det Norske Veritas. La lente de Salgado ha capturado eso que el consumidor no ve, pero que siente en cada taza de café: todos los sabores, todos los aromas, y también todo el trabajo y todos los esfuerzos que hay detrás de illycaffè. ¡Que lo saborees!

www.illy.com

— 040

dossier

Miradas sobre la guerra LOOKING AT WAR

Photoeditor MONICA ALLENDE

SIMON NORFOLK & JOHN BURKE Historia de dos ciudades A Tale of Two Cities

Stefan Ruiz the malicia indigena Soldados de YouTube youtube soldiers

Mishka Henner Desde aquí fluye la arteria de la vida From here flows the artery of life

Jessica Hines La guerra de mi hermano My brother's war

Paul Stuart De civil a soldado Civvie to Soldier

Balazs Gardi Basetrack: uno-ocho BASETRACK: ONE-EIGHT

Ashley Gilbertson DORMITORIOS DE LOS CAÍDOS BEDROOMS OF THE FALLEN

Desde el nacimiento del fotoperiodismo, la humanidad se ha nutrido de una aleccionadora dieta compuesta por inquietantes y conmovedoras fotografías bélicas. Como resultado, las imágenes de la guerra flotan ante nuestros ojos a diario. Los fotógrafos que aquí se presentan desafían los enfoques tradicionales de la fotografía de guerra, sin perder de vista la historia del género. En cuanto a la fotografía de guerra: ¿para qué sirve? Las imágenes documentales rezuman humanidad y nos recuerdan a todos los horrores de la guerra. —Mónica Allende es redactora gráfica de The Sunday Times Magazine.

OdP #25

Since the birth of photojournalism, mankind has been fed a sobering diet of haunting and poignant conflict photography. As a result, images of war float before our eyes on a daily basis. The photographers presented here challenge traditional approaches to war photography without losing sight of the genre’s history. Looking at war photography: what purpose does it serve? Documentary images are steeped in the human spirit and reminds us all of the horrors of war. —Monica Allende is the Picture Editor of The Sunday Times Magazine.

— 042

—LOOKING AT WAR

DAÑO COLATERAL Extracto de una conversación acerca de la fotografía de guerra contemporánea entre Paul Lowe y Harry Hardie .* PL: Existe un problema fundamental al respecto de las imágenes que retratan enfrentamiento y brutalidad: a menudo se les acusa de revictimizar y de estetizar el sufrimiento, la anestesia de la compasión y la explotación. Así pues, para esquivar tal contrariedad, los fotógrafos se afanan en trabajar con imágenes que no ilustren el acto violento en sí, sino las circunstancias que sirvieron a este de contexto. Este tipo de imágenes de lo que podríamos llamar ausencia de violencia visible pueden empujar al espectador a enfrentarse imaginariamente a la naturaleza de la atrocidad y de quienes la perpetran. HH: Así surgió la idea de que el fotógrafo estudiase el conflicto mostrando no los tiros y la violencia en sí, sino un reflejo de esta. De algún modo parece algo novedoso, pero ¿lo es en realidad? PL: Los fotógrafos siempre han hecho referencia al rastro dejado por la guerra. Así, tenemos fotografías como El valle de las sombras de la muerte, realizada por Roger Fenton durante la guerra de Crimea, que tan solo muestra un camino sembrado de bolas de cañón tras la batalla. También observamos este punto de vista en las fotografías que Capa realizó durante el asedio a Barcelona, en la Guerra Civil española. En una de sus impresionantes imágenes, vemos a una mujer que toma a su hija de la mano y alza la mirada temerosa hacia los bombarderos alemanes que se aproximan por el cielo: en esa fotografía uno palpa el miedo y la tensión de la guerra, pero no la guerra en sí. HH: Se trata de una fotografía de conflicto en la que el conflicto per se queda fuera del encuadre, donde se excluye la acción en favor de algo más bien imaginado. Lo que me interesa de todo esto es la idea de que el periodismo gráfico suele ser fundamentalmente reactivo: algo ocurre y el fotógrafo lo capta para contarle al mundo lo que pasó. [...] El problema radica en que la imagen de un tanque en llamas es la imagen de un tanque en llamas: no lleva al espectador a ningún lado. En cierto sentido, la fotografía de guerra corre el riesgo de caer en esa misma trampa, la de mostrarnos lo que ya conocemos, a saber, la imagen obvia que no deja hueco a la reflexión. El tanque en llamas puede pasar sin pena ni gloria debido a la anestesia de la compasión pero, más allá de eso, es obvio que no obliga al espectador a trabajar ni a pensar un ápice. PL: Yo cuestionaría todo ese concepto de «anestesia de la compasión». De hecho, creo que es más un mito que otra cosa. En realidad, son escasos los indicios que hagan pensar que el espectador se haya hecho realmente insensible a las imágenes del sufrimiento. Todo lo contrario: cuando las ONG utilizan perturbadoras imágenes de niños desnutridos obtienen siempre una mayor respuesta al pedir la colaboración ciudadana. No es la presencia de ese tipo de imágenes la que resulta problemática, sino la ausencia de imágenes de otro tipo y de otros puntos de vista. Creo que esa es la razón por la que estos temas resultan tan atractivos últimamente a los fotógrafos. [...] HH: Sí, los fotógrafos siempre han utilizado ausencia para mostrar presencia, para encontrar algo que pueda ser fotografiado. [...] Cada vez son más los fotógrafos documentales que se dedican a cubrir conflictos desde un punto de vista personal. Han ganado presencia allí donde

DOSSIER / MONICa allende

apenas eran una raya en el agua. De este modo, todas y cada una de sus acciones se hacen relevantes, no solo el decidir dónde colocarse y dónde apretar el obturador, sino el reflexionar sobre el lenguaje y la estética de la imagen, sobre el contexto al igual que sobre el contenido. Así pues, se tiene en cuenta a los fotógrafos mucho más que antes. PL: Sí, no se trata de reaccionar contra algo que aparece ante ellos sino de realizar una intervención más activa en la escena, controlando los elementos que se presentan para confeccionar un argumento. ¿Crees que sigue siendo posible realizar ese tipo de intervención en la línea del frente? HH: Un buen ejemplo de ello es el trabajo sobre los soldados que duermen, llevado a cabo por Tim Hetherington en Afganistán (véase OdP 17). Sabíamos que los soldados están en el frente, sabíamos que luchan, pero nunca los habíamos visto durmiendo. ¿Sueñan? ¿O tienen pesadillas sobre lo que les espera al día siguiente en la línea de fuego? Este trabajo plantea una interesante pregunta: ¿deberíamos humanizar a los soldados, alegar que también son personas? [...] PL: Lo más interesante es que, en este sentido, cada fotógrafo está utilizando una estrategia visual distinta. Dan diversas respuestas emocionales a cada situación, lo que ofrece al espectador la oportunidad de reaccionar también de diferente manera. [...] HH: La idea de que las cosas ocurran fuera de la fotografía no se refiere únicamente a la reacción del espectador. Existe un elemento de performance en este tipo de obra artística. [...] También es muy interesante considerar cómo muchos de estos artistas adoptan el rol de fotógrafo como recopilador, coleccionista o comisario expositivo. Son muchos los que despliegan su trabajo en extensas series que incluyen muchas imágenes similares, como catálogos lexicográficos de la guerra. [...] PL: Muchas de estas piezas son, en efecto, instalaciones, aunque se presenten desde las páginas de un libro o en una galería. Se trata de objetos definidos, en cierto modo indivisibles. HH: Sí, y eso nos lleva a plantear la siguiente pregunta: ¿a quién se destinan estas obras? En realidad, no a los escaparates: estas obras ocupan un espacio diferente. Creo por mi experiencia que los redactores gráficos de los periódicos nacionales quieren nuevos contenidos, nuevas maneras de mostrar. Confiemos en que el público sepa trascender los estereotipos. PL: Tienes razón. Yo opino, sin embargo, que al presentar su trabajo a través de una gama de diferentes espacios divulgativos, desde galerías a libros pasando por revistas, webs o galerías de coleccionistas privados, estos artistas tratan de hacer una declaración más compleja sobre dichos asuntos. [...] Tal y como ha afirmado Gilles Peress, debemos «asediar la conciencia» del público por todos los medios para provocar el cambio.

Paul Lowe es profesor titular de Fotografía en la University of the Arts London. Representado por Panos Pictures, ha sido reconocido con diversos premios. Harry Hardie es profesor y fundador y director de Here, que publica, expone, enseña y fomenta la fotografía. www.hereontheweb.co.uk *Para leer la conversación completa entra en www.ojodepez.org

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—Miradas sobre la guerra

COLLATERAL DAMAGE Extract from a conversation about contemporary war photography between Paul Lowe and Harry Hardie.* PL: There is a vital and problematic issue regarding images of atrocity and conflict in that they are often accused of re-victimization, aestheticization of suffering, compassion fatigue and exploitation. So, to circumvent some of these problems, photographers are now trying to work with images that don’t depict the actual act of violence or the victim itself, but rather depict the circumstances around which such acts occurred. These kinds of images of what we might call the absence of visible violence can lead the viewer into an imaginative engagement with the nature of atrocity, and the nature of those who perpetrate it.

PL: Yes it’s not reacting to something that is put in front of them but making a more active intervention into the scene, controlling the elements that are presented to make an argument. But do you think it’s still possible to make that kind of intervention in the front lines? HH: A good example of that is Tim Hetherington’s sleeping soldiers work from Afghanistan (see ODP17). We know soldiers are at the frontline, we know they fight, but we haven’t seen them sleeping before; are these soldiers dreaming of the soldiers or are they having a nightmare about the next day in combat on the front line? This work raises the interesting question of whether we should be humanizing soldiers, whether we should be arguing that they are people, too. [...]

HH: We have this emerging idea of photographers looking at conflict without actually showing the bang-bang, the violence itself, but rather a reflection of it. In some ways this seems like a new thing, but has this always been the case?

PL: It’s interesting that different photographers are using different visual strategies in this way. They are each using a variety of emotional responses to the situations, which gives the viewer the opportunity to react in a variety of ways. [...]

PL: Photographers have always referred to the traces of warfare, so you have something like Roger Fenton’s photograph of the Valley of the Shadow of Death from the Crimean War, that just shows a trail littered with cannonballs in the aftermath of a battle. Even in Capa’s photographs of the Spanish Civil War during the siege of Barcelona you see this; there is the tremendous image of his, where a woman is clutching the hand of her child and looking fearfully up into the sky where German bombers are approaching; in that picture you get the fear and tension of war but not the thing itself.

HH: This idea of things happening outside of the picture is not just the audiences’ reaction, but there is an element of performance in this type of work. [...] I think it’s really interesting, too, the way in which many of these artists are adopting the role of photographer as aggregator, as a collector or a curator. So many of them are deploying their work in extended series, where they put together lots of similar images, like catalogues from a lexicon of warfare. So we move from the moment to a kind of extended present. With Capa’s Civil War picture of the falling man, it’s a one off picture, of just that moment, but in all of the work we are engaging with today it is vital that it’s part of a series. [...]

HH: So it’s conflict photography where the conflict itself is out of the frame, where the action is excluded in favor of something more imagined. What interests me is this idea that photojournalism normally is essentially reactive; something happens so the photographer photographs it in order to tell the world that it happened. [...] So the problem is that a picture of a burning tank is a picture of a burning tank, it doesn’t take the viewer anywhere else. In some ways, conflict photography is in danger of falling into the same trap of showing us what we already know, the obvious image that doesn’t leave us any room for the imagination. The burning tank potentially suffers from the problems of compassion fatigue, but more than that it’s obvious, it doesn’t make the viewer work, think at all. PL: I would question the whole concept of compassion fatigue; in fact, I feel it’s more of a myth than a reality. There is actually very little evidence to suggest that audiences do really “turn off” to graphic images of suffering, quite the contrary: When NGOs use the distressing images of starving children, they always get the most response to appeals for funds. So it’s not the presence of that kind of image that is problematic, but rather the absence of other kinds of images, other narratives. And I think that is why this area is becoming so interesting to photographers. [...] HH: Yes, photographers always dealt with absence to show presence, to find something that can be photographed. [...] More and more documentary photographers are covering conflict, in a personal way, where perhaps in the past the photographers saw themselves as a fly on a wall, they now have become more present. So every single action becomes relevant, not just where to stand and where to press a button, but considering much more the language and the aesthetics of the image, the context as well as the content. So photographers are much more considered than they were in the past.

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PL: So many of these pieces are in effect installations, even if they are presented in a book or a gallery, they are discrete objects that are indivisible in some way. HH: Yes, and that leads to the question of who is this work for — it’s not really for the front page: all this work occupies a different space. However, in my experience I do believe that picture editors for national newspapers want new content, new ways of showing. Let’s give the audience credit for being able to go beyond the stereotypes. PL: You are right, but I think that by presenting their work across a range of different disseminative spaces, from galleries to books to magazines to the web to the walls of private collectors, these artists are trying to make a more complex statement about the issues. [...] As Gilles Peress has said, we need to “besiege the consciousness” of the audience by all means necessary to effect change.

Paul Lowe is a Senior Lecturer in Photography at the University of the Arts London, and an award-winning photographer represented by Panois Pictures. Harry Hardie is a Lecturer and the founder and director of Here, that publishes, exhibits, teaches and supports photography. www.hereontheweb.co.uk *For the full conversation see www.ojodepez.org

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SIMON NORFOLK & JOHN BURKE Historia de dos ciudades A Tale of Two Cities

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[ p.046-047 ] Luces de seguridad y antenas de comunicación en Camp Leatherneck, Helmand. Foto / Norfolk Security lights and communications antennae at Camp Leatherneck, Helmand. Photo / Norfolk Izquierda Parte del equipo de Operaciones de Comunicación, incluida la unidad de Cámara de Combate, Camp Bastion, Helmand. Foto / Norfolk Left Some of the Media Operations team, including a Combat Camera Unit, Camp Bastion, Helmand. Photo / Norfolk Arriba Soldados del Regimiento 72 (Duke of Albany’s Own Highlanders). Un equipo heliógrafo, equipado con las primeras lámparas Aldis y espejos reflectores, utilizado para las comunicaciones a larga distancia entre las altas montañas y la India Imperial. Foto / Burke Above Soldiers of the 72nd (Duke of Albany’s Own Highlanders) Regiment. A heliograph team, equipped with early Aldis lamps and signalling mirrors, deployed for long-distance mountain-top to mountain-top communications back to Imperial India. Photo / Burke

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Izquierda «Camiones publicitarios» pakistaníes tras un largo viaje de Karachi a las puertas del Campo Aéreo de Kandahar, donde esperan para ser escaneados, pasados por rayos X y registrados. Únicamente las personas, municiones y equipos de emergencias llegan en avión. Las compañías de seguridad de los propios líderes militares pueden cobrar $15.000 por camión para proteger los convoyes, pero gran parte de este dinero se paga a los talibanes como chantaje. Foto / Norfolk Left Pakistani “jingle trucks” end their long journey up from Karachi at the gates of Kandahar Air Field, where they wait to be scanned, X-rayed and searched. Only people, ammunition and emergency requirements come by aircraft. Warlord-owned security companies protecting convoys can charge $15,000 per truck, but a large part of the fee is paid to Taliban protection rackets. Photo / Norfolk Arriba El Puente de Mackeson. Largas recuas de animales de carga llevaron todos los suministros británicos desde la India hasta Afganistán a través de los puertos de montaña. Se utilizaron hasta 40 000 camellos. De hecho, se requisaron tantos del norte de la India que se cree que esta pérdida retrasó el desarrollo económico en la región durante décadas. Foto / Burke Above Mackeson’s Bridge. Long trains of pack animals carried all the British supplies from India through the passes into Afghanistan. Up to 40,000 camels were employed. In fact, so many were requisitioned from northern India it is thought their loss set back economic development in the region by decades. Photo / Burke

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Arriba El Comandante Cavagnari, C.S.I., y el jefe Sirdars con Kunar Syud. Foto / Burke Top Major Cavagnari, C.S.I. and chief Sirdars with Kunar Syud. Photo / Burke

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Abajo Un equipo de desactivadores de minas del centro de detección de minas en Kabul con un policía alemán que le está entrenando. Foto / Norfolk Bottom A de-mining team from the Mine Detection Centre in Kabul with a member of the German Police mentoring them. Photo / Norfolk

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Arriba El futuro liderazgo afgano de las Fuerzas Aéreas con Maj. Jason A. Iglesia de los Marines de Estados Unidos, que está entrenándolos y financiándolos. Foto / Norfolk Top The future leadership of the Afghan Air Force with Maj. Jason A. Church of the U.S. Marines, who is training and funding them. Photo / Norfolk

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Abajo Terratenientes y trabajadores. Foto / Burke Bottom Landholders and Laborers. Photo / Burke

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—Miradas sobre la guerra simon Norfolk

Simon Norfolk fue por primera vez a Afganistán en el año 2001 y consiguió fotografiar una serie de imágenes sensacionales del periodo que siguió a la guerra y la destrucción: capa tras capa de ruinas espantosas en escenas vacías, desprovistas de toda presencia humana. El tan esperado final de la guerra nunca llegó, por supuesto, pero fue solo al encontrar un nuevo «vehículo» para ver Afganistán cuando decidió volver en el año 2010. Esa inspiración era el fotógrafo victoriano John Burke (1843?-1900), el primer fotógrafo en Afganistán, cuyo trabajo es prácticamente desconocido. A diferencia de sus coetáneos, Burke introdujo la poesía en sus imágenes de guerra, y creó álbumes en blanco y negro impresos en increíbles copias de albúmina. A pesar de que solo se conservan algunos álbumes, estos muestran un ojo fotográfico extraordinariamente generoso y humano y un registro del encuentro colonial excepcionalmente completo. Norfolk compara las imágenes de Burke de paisajes y campamentos militares con situaciones similares actuales. A veces ofrece la misma imagen transformada por el tiempo, otras, lo hace más vagamente, preguntándose: «¿qué estaría Burke fotografiando ahora si estuviera aquí?». Tal y como lo hizo Burke, Norfolk construye grupos de retratos a pesar de que, a diferencia del primero, el retrato de la ciudad de hoy incluye sobre todo a extranjeros, que se encuentran en el país para, supuestamente, reconstruir la infraestructura de Afganistán. Ambos fotógrafos ilustran los repetidos ciclos y lecciones sin aprender de la historia del imperialismo. Muestran paralelismos entre la arquitectura de ocupación; el superpuesto paisaje artificial creado por las bases militares (que son, de hecho, ciudades en sí mismas) y la ciudad de Kabul, un vertedero para cuya reconstrucción son necesarios miles de millones de dólares. «Historia de dos ciudades, nauseabunda e insostenible», dice Norfolk. – Texto vagamente inspirado en la conversación entre Paul Lowe y Simon Norfolk en Burke + Norfolk: Fotografías de la guerra de Afganistán, por John Burke y Simon Norfolk.

Simon Norfolk (Lagos, Nigeria, 1963) es un fotógrafo de paisajes cuya obra se ha centrado durante los últimos diez años en sondear y poner a prueba el significado del término «campo de batalla» en todas sus acepciones. Así, ha documentado algunas de las más crudas zonas bélicas del planeta y las peores crisis de refugiados, aunque se encuentra igualmente cómodo fotografiando los superordenadores utilizados en el diseño de sistemas militares o de pruebas de misiles nucleares. Su obra ha sido ampliamente reconocida: ganó el premio Dialogue de Les Rencontres d’Arles en 2005, el premio Infinity del International Center of Photography en 2004, el Foreign Press Club of America en 2003 y el European Publishing Award en 2002. Las imágenes mostradas forman parte del libro Photographs from the War in Afghanistan, de John Burke y Simon Norfolk, publicado por Dewi Lewis.

Simon Norfolk first went to Afghanistan in 2001, making a series of stunning images of the aftermath of war and destruction: layer upon layer of dreadful ruins in empty scenes devoid of human presence. The hoped-for end to the war never came, of course, but it was only upon finding a new “vehicle” for seeing Afghanistan that he went back in 2010. That inspiration was Victorian photographer John Burke (1843?-1900), the first ever photographer in Afghanistan, whose work is almost unknown. Unlike his peers, Burke brought poetry into his war images, and created albums of amazing B&W albumen prints. Although only a handful of these albums survive today, they show a remarkably generous and humane photographic eye and a record of a colonial encounter which is unusually complete. Norfolk pairs Burke’s images of landscapes and military encampments to similar situations today, sometimes shooting the same view transformed by time or sometimes more loosely asking “If Burke were here now, what would he be photographing?” Just like Burke, Norfolk constructs group portraits, although unlike Burke a portrait of the city today consists mostly of foreigners, supposedly in-country to rebuild Afghanistan’s infrastructure. Placed together, the two photographers illustrate the repeated cycles and lessons unlearned in imperialism’s history. They show parallels in the architecture of occupation; the artificial, superimposed landscape created by the military bases (which are de-facto cities in themselves,) and the city of Kabul, a dumping ground for billions of dollars of reconstruction aid. “A Tale of Two Cities, both sick and untenable,” says Norfolk. – Text loosely by the conversation between Paul Lowe and Simon Norfolk in Burke + Norfolk: Photographs from the War in Afghanistan by John Burke and Simon Norfolk.

Simon Norfolk (Lagos, Nigeria, 1963) is a landscape photographer whose work over the last ten years has been themed around a probing and stretching of the meaning of the word “battlefield” in all its forms. As such, he has photographed in some of the world’s worst war zones and refugee crises, but is equally at home photographing supercomputers used to design military systems or test launches of nuclear missiles. His work has been widely recognized: he has won Le Prix Dialogue at Les Rencontres d’Arles in 2005; the Infinity Prize from The International Center of Photography in 2004; the Foreign Press Club of America Award in 2003; and he was winner of the European Publishing Award, 2002. The images shown are part of the book Photographs from the War in Afghanistan, by John Burke and Simon Norfolk, published by Dewi Lewis publishing.

— www.simonnorfolk.com

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Un refugio contra misiles y ataques de morteros. Camp Leatherneck, Helmand. Foto / Norfolk A shelter against rockets and mortar attacks, Camp Leatherneck, Helmand. Photo / Norfolk

DOSSIER / MONICa allende

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interesa por los antepasados, la texana es parte de la cultura adolescente actual. Nancy Newberry, por un lado, documenta un ritual que tiene lugar en Texas en otoño. En esta época se intercambian ramilletes grandes y elaborados, llamados mums, compuestos únicamente de flores de seda. Kurt Tong fotografió los rituales chinos que, de forma tradicional, queman papel moneda Joss (el dinero fantasma). La práctica actual también conlleva quemar productos de consumo como bolsos de diseño y motocicletas hechas de papel con el fin de que sus antepasados puedan disfrutar de ello en sus vidas tras la muerte. [ hasta el 27 de septiembre ]

This exhibition brings together two series about cultural heritage, one practiiced in China, the other in Texas, both visual testimonies to celebrate the beloved ones. The Chinese practice is concerned with ancestors, the Texan practice is part of the current teenage culture. Nancy Newberry therefore documents a gift-giving ritual in Texas, where large and elaborate, uniquely decorated silk flower corsages – called mums – are exchanged during the Fall in Texas. Kurt Tong created work about the Chinese, who traditionally burn Joss paper (ghost money). The current practice also entails burning consumer products, such as designer handbags and paper-made motorcycles for their ancestors, so that they can enjoy their afterlives. [ until september 27 ]

Uno Art Space Stuttgart, Alemania / Germany www.on-photography.com

AUGE: IMÁGENES DE CAMBIOS EXISTENCIALES RISE: IMAGES OF LIFE CHANGE P

En el verano de 2010, ocho jóvenes fotógrafos de gran talento viajaron algo más de 85 000 kilómetros por ocho países para documentar el extraordinario trabajo de valientes empresarios sociales, héroes olvidados, que han tenido gran impacto en la vida de casi once millones de personas en el transcurso de los tres últimos años. Auge nos cuenta historias inspiradoras de esfuerzo individual, de personas que encuentran el ingenio y la fuerza para conseguir un cambio en las circunstancias más desafiantes. In the summer of 2010, eight talented young photographers travelled 53,000 miles to eight countries to document the remarkable work of courageous social entrepreneurs — unsung heroes — who have impacted nearly 11 million lives over the course of the last three years. Rise tells inspirational stories of individual endeavour, of people finding the ingenuity and strength to effect real change in the most challenging of circumstances. www.foto8.com

F FESTIVAL / evento FESTIVAL / event

P GIRAR TURN ROUND Simone Demandt

Simone Demandt no se preocupa por reproducir la realidad con la cámara, más bien está interesada en concebir imágenes que reflexionen sobre la esfera social, política e individual de cada observador, desde cuya perspectiva ocurre el proceso de comprensión. Para ella, el fin de la fotografía no es la preservación, el almacenaje, el acuerdo o el reconocimiento. Se trata de un vehículo para cuestionar y crear duda, para examinar la falta de comprensión, para descifrar. Este acercamiento implica la utilización de numerosas técnicas que se pueden ver en los fascinantes trabajos de Demandt. Simone Demandt is not concerned with reproducing reality with her camera. Rather, she is interested in conceiving photographic images that take aim at the social, political, and individual spheres of each viewer, from whose perspective the process of understanding occurs. To her, photography is not about preservation, storage, agreement, or recognition. Instead, it is a vehicle for questioning and creating doubt; it is about examining the fathomless. This approach implies the usage of a multiplicity of techniques, which can be seen in the intriguing groups of Demandt’s works. Hatje Cantz www.hatjecantz.de

07 FESTIVAL DE FOTOGRAFÍA LONDON STREET LONDON STREET PHOTOGRAPHY FESTIVAL F

thousands of incredible street photographs from the 1950s to the 1990s. [ until july 17 ]

Londres, Reino Unido / London, United Kingdom http://londonstreetphotographyfestival.org

21 F CORTONA EN MOVIMIENTO CORTONA ON THE MOVE

La hermosa ciudad de Cortona acoge por primera vez un festival internacional dedicado a la fotografía de viaje: Cortona en movimiento. Las exposiciones de fotógrafos de renombre internacional como Alex Majoli, David Alan Harvey, Antonin Kratochvil, Andrea Pistolesi llenarán las tres principales localidades hasta el 4 de septiembre 2011. Además, durante cuatro días, habrá proyecciones nocturnas y revisiones de porfolios. Como parte de su proyecto en curso sobre el síndrome de Down, Giuseppe Moccia mostrará su obra Off Shore y Gabriele Galimberti nos deleitará con sus retratos realizados por todo el mundo, durante su experiencia couch surfer. [ hasta el 04 de septiembre ]

The beautiful town of Cortona hosts for the first time an international festival dedicated to travel photography: Cortona on the move. Exhibitions by internationally renowned photographers like Alex Majoli, David Alan Harvey, Antonin Kratochvil, Andrea Pistolesi will be held in the three main locations until September 4, 2011; night projections and daily portfolio reviews will crowd the four days. Part of his ongoing project on Down syndrome, Giuseppe Moccia will show his work Off the Shore and Gabriele Galimberti will delight us with portraits from his roundthe-world tour as a couch surfer. [ until september 04 ]

El Festival de Fotografía London Street es un nuevo evento en Londres que defiende a los fotógrafos de calle contemporáneos, homenajea a maestros del pasado y da cuenta de la actual relevancia de este género clásico. El festival ofrece un programa variado de exposiciones, eventos, charlas, paseos y talleres. También resalta el trabajo de Vivian Maier, una niñera de Chicago que realizó miles de increíbles fotografías secretas en las calles de la ciudad desde los años cincuenta hasta los noventa. [ hasta el 17 de julio ]

The London Street Photography Festival is a new event in London, which champions contemporary street photographers, pays tribute to past masters and provides appreciation of the current relevance of this time-honored genre.  The festival offers a diverse program of exhibitions, events, talks, walks and workshops. It also features work of Vivian Maier, who was a Chicago nanny who secretly produced

E EXPOSICIÓN EXHIBITION

P PUBLICACIÓN PUBLICATION

Cortona, Italia / Italy www.cortonaonthemove.org www.tpw.it

P SENTIMIENTO CHINO CHINESE SENTIMENT Shen Wie

En su primer monográfico, Sentimiento chino, Shen Wei representa un acto radical por derecho propio. En contra de la creencia predominante en Occidente, Shen Wie revela el alcance humano de China: una sola figura observada desde los árboles; la mirada robada de una joven; un momento de reposo en la habitación. Con una mirada matizada y un estilo visual sereno, marcado con ingenio y compasión, las 75 imágenes que componen Sentimiento chino presentan un retrato completo de la China contemporánea. Utiliza el lenguaje de la fotografía de una forma tanto de ensueño como cinemática en toda su dimensión. In his first monograph, Chinese Sentiment, Shen Wei has performed a radical act in its own right. Running against virtually every Western interpretation, Shen Wei reveals the human scale of China: a lone figure observed through the trees; the stolen glance of a young girl; a moment of repose in the bedroom. With nuanced observation and a serene visual style, marked with wit and compassion, the seventy-five images in Chinese Sentiment render a complex portrait of modern China. Employing the language of photography in a manner both dreamlike and cinematic in scope. Charles Lane Press www.charleslanepress.com

Editorial recoge algunas de sus fotos más recientes tomadas en los frentes de Afganistán o las revueltas de Pakistán y Egipto. Photojournalist in the Associated Press agency, Emilio Morenatti understands his work as a means of spreading a message, not as a simply aesthetic sum of images for collectors. This new volume of PHotoBolsillo from La Fábrica Editorial collects some of his most recent photographs, taken in the fronts of Afghanistan or the uprisings in Pakistan and Egypt. La Fábrica Editorial www.lafabricaeditorial.com

AGOSTO / AUGUST

01 P

MORENATTI

Fotoperiodista de la agencia Associated Press, Emilio Morenatti entiende su trabajo como un medio para difundir un mensaje, no como una mera suma estética de imágenes destinadas a coleccionistas. Este nuevo volumen de PHotoBolsillo de La Fábrica

WORKSHOP

04 E BAJO EL CIELO GRIS UNDER A GREY SKY Simon Burch

Realizado a lo largo de cuatro años, el trabajo de Simon Burch explora las empapadas tierras de turba de las llanuras centrales de Irlanda, el paisaje más industrializado del país. En estos paisajes y retratos en color a gran escala, Burch capta las texturas características de esta área única, revelando sorpresas escondidas. El trabajo presenta una

Festival de Fotografía / Argazki Jaialdia

GeTXOPHOTO 2011

eLogio De La

VEJEZ zaharrei gorazarre

Marrie BoT LUiS CoBeLo MaJa DaNieLS K aYLYNN DeVeNeY STePhaNie DiaNi PaTriCK DUNCaN JoSeP eChaBUrU aNa gaLaN SaCha goLDBerger PeTer graNSer ViCeNTe PareDeS WaLTer SCheLS aNNeT VaN Der VoorT aNDreW zUCKerMaN SePTiembre / iraila 1-30

organiza / antolatzailea

patrocinan / babesleak

E LA CULTURA DE LA BELLEZA BEAUTY CULTURE

La exposición ilustra de forma irresistible el poder de un fotograma al dar forma a los ideales culturales y las expectativas sobre la belleza femenina y la innegable influencia de la fotografía en el concepto de uno mismo. Alienta al diálogo social sobre el atractivo y el misterio de la búsqueda de la belleza femenina, así como la exaltación al culto y las industrias millonarias que la rodean. Además de 170 fotografías impresas, también se expondrán casi 500 imágenes digitales así como un documental dirigido por Lauren Greenfield y un vídeo con entrevistas a Greenfield, Melvin Sokolsky, Tyen y Albert Watson. [ hasta el 27 de NOVIEMBRE ]

The exhibition compellingly illustrates the power of the still image in shaping cultural ideals and expectations of feminine beauty – and photography’s undeniable influence on conceptions of the self. It encourages a social dialogue about the allure and mystique of the pursuit of female beauty, as well as the cultlike glorification and multi-billion dollar industries that surround it. In addition to over 170 photographs featured in the print gallery, it will showcase nearly 500 digital images as well as a short documentary film directed by Lauren Greenfield and video interviews with Greenfield, Melvin Sokolsky, Tyen and Albert Watson. [ until NOVEmber 27 ]

The Annenberg Space for Photography Los Ángeles, EE UU / USA www.annenbergspaceforphotography.org

dicotomía entre la soledad y el vacío de estas tierras de turba y la latente energía que tienen para la comunidad. Se trata de espacios negativos que son de una utilidad positiva, aunque sea a costa de su propia destrucción. Se trata también de una intervención oportuna, ya que este paisaje único desaparecerá en los próximos quince años, aproximadamente, cuando la turba se agote y cese la producción. [ hasta el 25 de AGOSTO ]

Made over four years, the work of Simon Burch explores the rain-soaked peatlands of Ireland’s central plain, the most intensively industrialized landscape in the country. In large-scale color landscapes and portraits, Burch captures the distinctive textures of this unique area, revealing hidden surprises. The work presents a dichotomy between the desolation and emptiness of the peatland, and the latent energy it holds for the community. These are negative spaces providing a positive utility, albeit at the cost of their own destruction. It is a timely intervention too, as this unique landscape is set to disappear over the next 15 years, or so, when the turf is depleted and production ceases. [ until august 25 ]

F FESTIVAL / evento FESTIVAL / event

The Golden Thread Gallery Belfast, Irlanda del Norte / Northern Ireland www.goldenthreadgallery.co.uk www.belfastphotofestival.com

[ hasta el 26 de AGOSTO ]

E FRONTERAS DE OTRA NATURALEZA. ARTE CONTEMPORÁNEO FOTOGRÁFICO DE ISLANDIA FRONTIERS OF ANOTHER NATURE. CONTEMPORARY PHOTOGRAPHIC ART FROM ICELAND

Esta exposición introduce ambientes ambiguos en los que los mismos fotógrafos investigan y construyen narrativas visuales sobre la extensión de la tierra o la pérdida de la misma. Aquí el paisaje actúa a menudo como metáfora del deseo, la alienación, el esplendor y el sobrecogimiento, la tradición, la ironía y la rebelión o el logro y el déficit. Se exponen los trabajos de una selección única de fotógrafos islandeses emergentes ya consolidados que se inspiran en los paisajes y el medio ambiente. Los artistas de la muestra son: Bára Kristinsdóttir, Einar Falur Ingólfsson, Haraldur Jónsson, Hrafnkell Sigurdsson, Icelandic Love Corporation, Ingvar Högni Ragnarsson, Katrin Elvarsdóttir, Pétur Thomsen y Spessi. [ hasta el 16 de octubre ]

This exhibition will introduce ambiguous environments in which the photographers themselves investigate and build visual narratives around the expanse of land, or the loss of it. Here the landscape often performs as metaphor for desire, alienation, magnificence and awe, tradition, irony and rebellion or achievement and deficit. On view is a unique selection of emerging and established Icelandic photographic artists. These artists repeatedly draw from the landscape and environment in their work. Artists: Bára Kristinsdóttir, Einar Falur Ingólfsson, Haraldur Jónsson, Hrafnkell Sigurdsson, Icelandic Love Corporation, Ingvar Högni Ragnarsson, Katrin Elvarsdóttir, Pétur Thomsen, Spessi. [ until october 16 ]

Fotografie Forum Frankfurt como invitado en Frankfurter Kunstverein / as guest at Frankfurter Kunstverein www.ffi-frankfurt.de

23 F

KAUNAS PHOTO FESTIVAL

El ganador del año pasado de la competición Kaunas Photo Star, Eric

E EXPOSICIÓN EXHIBITION

Lusito (Francia), acude como invitado a la exposición Tras la pared, que tendrá lugar en la galería fotográfica Kaunas durante el último festival. Además, habrá visionados de los porfolios de sesenta finalistas por parte de veinte expertos en fotografía de los países Bálticos y Nórdicos y otros países europeos.

P PUBLICACIÓN PUBLICATION

Winner of last year’s Kaunas Photo Star competition, Eric Lusito (France) is invited to show his work, After the Wall, at the Kaunas Photography Gallery during the current festival. In addition, there are portfolio reviews with 60 finalists and 20 photography experts from Baltic, Nordic and other European countries. [ until august 26 ]

Kaunas Photo Festival Lithuania www.kaunasphoto.info

P FOTOFO. LA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA EUROPEA FOTOFO. THE HISTORY OF EUROPEAN PHOTOGRAPHY 1900-1938

FOTOFO ha lanzado la primera enciclopedia sobre la historia de la fotografía europea en tres volúmenes dirigida por su presidente, el profesor Václav Macek. La enciclopedia, uno de los mayores proyectos internacionales de investigación que abarca toda Europa, contiene textos escritos en inglés por expertos de 34 países, tablas cronológicas de eventos sociales, culturales e históricos, biografías de todos los grandes fotógrafos de la época, mapas e índices de nombres. Se están preparando los volúmenes II (que abarca el periodo comprendido entre 1939 y 1969) y III (desde 1970 a 2000). The publication is the first of a threevolume encyclopaedia prepared by the FOTOFO and its chairman Prof. Václav Macek as one of the biggest international research projects, spanning the whole of Europe. It contains texts writen in English by experts from 34 countries, chronological tables on historical, cultural and social events, biographies of all the important photographers of the era, maps and indexes of names. Volumes two (1939-1969) and three (1970-2000) are being prepared. FOTOFO www.sedf.sk

P PUBLICA TU LIBRO DE FOTOGRAFÍA PUBLISH YOUR PHOTOGRAPHY BOOK Darius D. Himes y Mary Virginia Swanson

Pertenecientes al mundo editorial de la fotografía, Darius D. Himes y Mary Virginia Swanson analizan el panorama actual de este campo y señalan las muchas posibilidades de

WORKSHOP

investigación y los errores que deberían evitarse a la hora de publicar un libro de fotografía. Esta guía experta explica en seis secciones la rica historia del mundo editorial, una visión general de la industria editorial, una mirada íntima al proceso de confección de un libro, una visión general cercana sobre cómo comercializar un libro, una sección sobre monografías basadas en discusiones y entrevistas con fotógrafos publicados, y una sección final que presenta la riqueza de fuentes e información, imprescindibles para entender el mundo editorial. Industry insiders, Darius D. Himes and Mary Virginia Swanson, survey the current landscape of photography book publishing and point out the many avenues to pursue and pitfalls to avoid. This expert guide is organized in six sections covering the rich history of the photo book; an overview of the publishing industry; an intimate look at the process of making a book; a close review of how to market a photo book; a section on case studies built around discussions and interviews with published photographers; and a final section, presenting a wealth of resources and information to aid in the understanding of the publishing world. Princeton Architectural Press http://www.papress.com

31 E EL LADO HUMANO DEL CAMBIO CLIMÁTICO THE HUMAN FACE OF CLIMATE CHANGE Mathias Braschler / Monika Fischer

Mientras los expertos siguen discutiendo las posibles consecuencias y los políticos parecen ser incapaces de hacer nada al respecto, muchas personas luchan actualmente contra el devastador impacto de un clima que se ha torcido. En 2009, Mathias Braschler y Monika Fischer viajaron a dieciséis países de todo el mundo para hacer fotografías y entrevistar a personas cuya existencia se ve amenazada por las consecuencias del cambio climático. [ hasta el 07 de octubre ]

While experts are still discussing the possible consequences and politicians seem to be powerless to do anything about it, many people are currently already struggling with the devastating impact of a climate gone awry. In 2009, Mathias and Monika Fischer traveled to sixteen countries around the world, taking photographs of and conducting interviews with people whose existence is threatened by the consequences of climate change. [ until october 07 ]

Coalmine Gallery Wintherthur, Suiza / Switzerland www.coalmine.ch

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Cuando éramos jóvenes / When We Were Young Bruno Ceschel

Una mirada desde dentro / An Inside View Akinbode Akinbiyi

Premio PHE OjodePez 2010 / PHE OjodePez Award 2010

Ideologías / Ideologies Lars Willumeit

Afuera / Outside Lisa Botos

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Una idea de la India / An Idea of India Devika Daulet-Singh

Las mejores historias del año 2009 / The best histories of the year 2009

Interludio / Interlude Jamie Wellford / Paul Moakley

Somos una familia / We are family Rebeca McClelland

Quiero ser feliz / I want to be happy Ute Noll

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Las mejores historias del año 2008 / The best histories of the year 2008

América / America Aaron Schuman

Un día cualquiera / An Ordinary Day Arianna Rinaldo

Russia / Rusia Irina Tchmyreva

Ilusión, desilusión / Illusion, Disillusion Barbara Stauss

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STAFF

Fundador / Founder Frank Kalero Directora / Director Arianna Rinaldo Dirección Creativa / Creative Direction Pablo Rubio Dirección de Arte / Art Direction Gema Navarro Coordinación / Coordination Producción / Production Naiara Garro ngarro@lafabrica.com

–John Burke’s images: p.049: National Army Museum p.051 y 052: National Media Museum p.053: Wilson Centre for Photography –Mishka Henner Panos Pictures –Paul Stuart Twenty Twenty Agency –Ashley Gilbertson VII Network Depósito Legal: M-17300-2003 ISSN: 1696-0092 PVP - 10 Euros para todo el territorio español

Traducción / Translation Lorena Garro Miguel Marqués Corrección de Textos / Text Correction Montague Kobbe Pilar Sánchez Directora Comercial / Commercial Manager Chelo Lozano chelo@lafabrica.com Jefa de Publicidad / Advertising Chief Pilar Amores pamores@lafabrica.com Director de Comunicación / Director of Communication Álvaro Matías amatias@lafabrica.com Suscripciones / Subscriptions Tamara Torres suscripciones@lafabrica.com Distribución / Distribution Raúl Muñoz raul@lafabrica.com Impresión / Printing Julio Soto Impresor S.A. Foto de portada / Cover Image Mishka Henner Agradecimientos / Acknowledgments Jorge Megías Daniela Finco Bruno Ceschel Serena Prinza Sara Guerrini Andrew Moynehan Créditos / Credit Cortesía / Courtesy –Jonathan Smith Rick Wester Fine Art, New York –Simon Norfolk The Institute For Artist Management

OdP #25

Editor / Publisher Alberto Anaut Directora editorial / Editorial Director Camino Brasa Director de Desarrollo / Development Director Fernando Paz Producción / Producer Paloma Castellanos Organización / Organiser Rosa Ureta La Fábrica Editorial Verónica, 13 Madrid 28014 T. +34 91 360 13 20 e-mail: edicion@lafabrica.com www.lafabrica.com — Las tipografías utilizadas en esta revista son Hoefler Text, Kettler & Akzidenz Grotesk y ha sido impresa en papel Creator Vol 115 gr. The typefaces used in this magazine are Hoefler Text, Kettler & Akzidenz Grotesk and it has been printed on Creator Vol 115 gr. paper. Distribución en España Distribution in Spain Logista Publicaciones S.L. Electricistas, 3. Pol. Ind. Pinares Llanos 28670 Villaviciosa de Odón, Madrid. T. +34 916657158 www.logista.es — International Newsstand Distribution Johnsons International News. Via Valparaiso, 4 20144 Milan T. +39 0243982263 www.johnsons.it

Proveedor de los siguientes países Supplies the following countries: Austria MORAWA PRESSEVERTRIEB GMBH & CO KG T. +43 191076190 Belgium AGENCE ET MESSAGERIES DE LA PRESSE T. +32 25251501 Brazil EUROMAG T. +55 1136419136 China FOREIGN PRESS DISTRIBUTORS Ltd T. +852 25664183 Czech Republic MEDIAPRINT & KAPA Pressegrosso spol. s.r.l. T. +42 0267009111 Finland AKATEEMINEN KIRJAKAUPPA STOCKMANN T. +358 9 121 43 30

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Germany W.E. SAARBACH GMBH T. +49 2233799634 Greece HELLENIC DISTRIBUTION AGENCY LTD T. +30 2112114300 Hong Kong FOREIGN PRESS DISTRIBUTORS Ltd T. +1 85225664183 Italy A&G MARCO S.p.A. T. +39 0227000823 Japan DIP Inc T. +81 3 58429050 Korea WORLD MAGAZINES T. +82 25299123

Esta revista ha recibido una ayuda de la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas del Ministerio de Cultura para su difusión en bibliotecas, centros culturales y universidades de España para la totalidad de los números del año.

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“Zero” Emisiones: Emisiones de CO2 del ciclo de vida útil del vehículo (según el ciclo de vida regulado por NEDC), “oil well-to-wheel” (del pozo a la rueda), Twizy: 7g/km / 32 g/km comparado con un Clio dCi 51kW (70CV): 132g CO2 / km; 133 g/km. * PVP recomendado en Península y Baleares para Renault Twizy Urban 45. Incluye IVA y ayudas del Gobierno en base al Real Decreto 648/2011 de 9 de mayo de 2011, las subvenciones deberán ser solicitadas antes del 30 de noviembre de 2011. PVP sin ayudas del gobierno: 6.990€. Modelo visualizado: Renault Twizy Technic. PVP recomendado en Pen. y Bal. 5.972€. Protecciones laterales opcionales no incluidas en el precio. IVA y ayudas del Gobierno en base al Real Decreto 648/2011 incluidas (8.490€ sin ayudas gubernamentales y sin protecciones laterales). Los PVP no incluyen transporte ni batería. Los vehículos se comercializarán en 2012. Oferta válida hasta el 30/06/11.