lamono #107 POST ACID by lamono magazine

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Ya es primavera en el CorteInglés pero in my body solo hay resaca, y escondido en mi calcetín un gramo de polvos de MDMA. El perímetro de actuación ha quedado reducido a la nación cama de un país con un único habitante: el cuerpo paisaje. Mientras espera la llegada del pasadomañana, escucha comiendo techo el inicio de una playlist. “Why won’t you let me go now?” Spring has arrived but my body can only feels the diminishing symptoms of hangover, in the meantime, hidden inside my socks, I keep a gram of MDMA. The action field has been reduced to a bed-wide nation, inhabitants, one: my motionless body. As I wait for the arrival of the day after tomorrow, my eyes have been devouring the ceiling numerous times while a playlist starts. “Why won’t

The Do – Too Insistent (Trentemoller remix) Flashes de la noche anterior se dibujan sobre el gotelé. Todo sucede en los afters pero también deja de suceder. Son interzonas capaces de convertirse en la eternidad más asfixiante del techno o de regalarte comunidades pervertidamente encerradas por un ángel exterminador. Sean del tipo que sean, todos coinciden en su clandestina oscuridad. Persianas y cortinajes negros para proteger a los vampiros que solo son capaces de soportar la luz de neón. Willow Smith – Female Energy “Whatever”. Una vez más, era de noche en el downtown madrileño. Una vez más, nos reunimos las amigas en los bajos de Plaza España. La Plaza de los Cubos es uno de los panoramas del Madriz postapocalíptico bladerunneriano. Un escenario de rascacielos sin cuarta pared, pero a diferencia de los teatros, aquí lo más interesante ocurre entre bambalinas. Bajando las escaleras hay un pasillo a modo de limbo que solo habitamos la turba. En este pasillo, con iluminación salpicada de fluorescentes, duermen homeless, esnifan adolescentes y transitan cinéfilos. Todos ellos yonquis y rebeldes. Los únicos locales que sobreviven son una discoteca y un cine. Ficción y recreación, una simbiosis perfecta que permite la confluencia y convivencia de aquellos que buscamos la emancipación de los sentidos a través del consumo audiovisual y digestivo de estupefacientes. Pura droga para volar a otros lugares, para imaginar otros posibles. Es en ese pasillo donde tomé mi primera pastilla. Él mordió con cuidado la píldora entre los dientes, se comió la mitad y la otra me la metió en la boca. “All I really care is you wake up in my arms”. Ariana Grande – One Last Time Aquel instante como otros tantos configuran la santísima trinidad en la que se fusionan niña, lindo putito y amor universal. ¿Pero qué ocurre después del after? After the after. Si los chills se basan en la compañía vertical, las resacas son obligatoriamente soledades recostadas. Incluso si uno está acompañado. Es un estar intenso con uno mismo. Cuando el exceso de emociones de la noche anterior se transforma en vacío. Suerte saber que es pura alquimia y que pasadomañana la cafetera volverá a hervir. Rss Disco – Des Taxis Pour Les Galaxies Como paliativos queda el agua, la compañía masiva de cam4 y sesiones para un solo bailarín escupida por los auriculares. Me estoy

haciendo una playlist para que me acompañe en este tipo de momentos. La música tiene una presencia física capaz de adentrar más profundo que cualquier doble penetración. Creo que la llamaré “Temitas para un cuerpo enfermo” porque de eso puede ir la resaca, de sucumbir a una enfermedad episódica para compensar los excesos. A veces pienso que sentimos demasiado, que desbordo de amor extasiado y que my body necesita una poquita de slow down. Q Lazzarus – Goodbye Horses “All things pass into the night”. Puede tener que ver también con los tiempos. De cómo en el after todo se sucedió a trompicones y el día después está siendo un letargo. Pero no hablo de depresión. Nada que ver. Sino del afamado bajón tan conocido por nosotras consumidoras. El vacío que antes mencionaba más bien podría tratarse de un vértigo provocado por un cambio drástico de nivel. Parecido a un dolor de oídos tras un aterrizaje forzoso. Dorian – La Tormenta de Arena. “Te dolerá todo el cuerpo”. Es un vértigo que da miedo. Da pánico saber que puedes llegar a sentir tanto. Solo queda una agónica espera a que pase. Porque las cosas pasan, pero también se pasan. Se pasa el mareo, se pasa la náusea, se pasa la nébula, se pasa la angustia… Porque, al fin y al cabo, es tan solo una resaca. Hot Chip – I Feel Better “This is the longest night”. Hay algo de ser consciente de la brevedad del bajón que nos permite regodearnos en él. De comer pizza y torrijas con helado. De bailarse en calzoncillos frente al espejo. De dormir empapado en sudor tóxico. Lo que aparentemente son síntomas del dolor, en verdad son una reacción emocional que condiciona los sentires para poder retomarlos de nuevo al mismo nivel de élite en el que nos manejamos. Y si los momentos de éxtasis son acentuados con un buen acompañamiento musical, así debe ser también durante el día de después. After the after.

Creo que me voy a dedicar a ser DJ de resacas y componer playlists para bailarines derrotados. Glass Candy – Warm in the Winter “That’s right everybody” Nos vemos en el after.

The Do – Too Insistent (Trentemoller Remix) Flashbacks from last night succeed each other over the popcorn ceiling. Anything can happen in an after party, but at the same time, nothing really does. Like a twilight reality, capable of turning into the most smothering techno nightmare, perverted communities are willing to give themselves away to an exterminating angel. They don’t really care to whom; they just merge inside this clandestine obscurity as a single-cellular organism. Black blinds and black curtains protect the vampires who can only withstand neon lightning. Willow Smith – Female Energy “Whatever”. Once again the night arrives to downtown Madrid. Once again we all come together at Plaza España. La Plaza de los Cubos is one of the quintessential landscapes that build up my vision of post-apocalyptical Madrid; a stage filled with three-sided skyscrapers where, unlike theatres, the most interesting part happens behind the scenes. Downstairs there’s a hallway, like a limbo, inhabited by the mob. In this hallway, with splashed fluorescent lights, the homeless sleep, the teenagers snort and the film addicts stroll. The junkies and rebels. The only establishments that have survived are nightclubs and cinemas. Fiction and recreation, the perfect symbiosis that allows the confluence and coexistence of all these characters that look for the emancipation of the senses through audiovisual consumption and narcotics digestion. Drugs in their most pure state used to fly somewhere, and imagine some other. It was in that hallway where I took my first pill. He carefully bit it, splitting it in half; he swallowed one half and put the other one in my mouth. “All I really care is you wake up in my arms”. Ariana Grande – One Last Time That moment, as many others, conform the Holy Trinity where the girl, the little man-whore and he universal love collide. But what happens after the after? If the chills are about vertical companionship, the hangovers must be spent in horizontal loneliness, even if there’s someone by your side. It’s about an intense feeling of self-camaraderie, the moment in which all the extreme emotions from the night before turn into a senseless void. Luckily, it’s pure chemistry, and the day after tomorrow the coffee machine will be running again. Rss Disco – Des Taxis Pour Les Galaxies Water is a palliative and the only company is cam4 as the head-

phones play a dancing session just for one. I’m making a playlist to accompany me in these moments. Music has a strong physical presence capable of running deeper than any double-penetration. I think I’ll name it “Songs for the sicken body”, because that’s what a hangover is, succumbing into an episodic sickness to compensate all of the excesses from last night. Sometimes I think we feel too much, that I overflow of ecstatic love and my body needs to slow down. Q Lazzarus – Goodbye Horses “All the things pass into the night”. Maybe it has something to do with the time we are living in. In the after everything happens so fast, that the next day is just a long lethargy. I’m not talking about depression, not at all, but about the distress that we, the consumers, experience. The void I mentioned before could might as well be a vertigo provoked by a drastic chemical level change. Like the pain you feel in the ears during an abrupt landing. Dorian – La Tormenta de Arena “Te dolerá todo el cuerpo”. This vertigo is scary. It’s terrifying to know that you can feel so much. All what’s left is to wait and se what happens. Because everything comes and goes, though, sometimes, after exceeding itself. The nausea goes away, after exceeding itself; the nebula goes away, the anguish too… Because at the end of the day, it’s just a hangover. Hot Chip – I Feel Better “This is the longest night”. When we are fully aware that the distress doesn’t last forever, we learn to enjoy it. Eating pizza and ice cream. Dancing wearing just our underwear in front of the mirror. Sleeping covered in toxic sweat. What we experience as pain is nothing more than an emotional reaction through which we recondition our feelings and take them back to the same level at where we left them. Because, if the ecstatic moments are enhanced by good music, the day after must be too. After the after.

I think I’ ll become a hangover DJ to make playlists for defeated dancers. Glass Candy – Warm in the Winter “That’s right everybody”. See you at the after.

Un mítico Lincoln americano se encuentra en medio de la calle. Permanece inmóvil mientras un denso humo lo rodea. El conductor mira hacia el vacío. En lo alto, un semáforo en ámbar y una señal que grita “No turn” anuncian la limitación de opciones. Y para complementar la imagen, al margen, una corta pero contundente frase escrita sobre un simple fondo blanco pone el broche que en este caso inicia la historia: “Yo no pienso demasiado acerca de la felicidad”. Esto es solo un ejemplo de lo que es en esencia Gus Powell. Honesto, elegante, sensible, cautivador. Siempre buscando a 1 m. y 98 cm. de altura ese personaje, esa actitud o esa escena diferente en medio de la cotidianidad de las calles de Nueva York. Basándose en referentes como Joel Meyerowitz, Garry Winogrand o Joel Sternfeld para reflejar un mundo real y a la vez extravagante que lleve al espectador y a él mismo un paso más allá. Porque de eso precisamente es de lo que trata su fotografía, de dar pasos, uno tras otro, hasta que de repente, en un instante, todos cobran sentido y se convierten a través de la lente de Gus en un reflejo de la vida contemporánea al que no le queda más remedio que pasar para siempre a la historia. A mythical American Lincoln is parked in the middle of the street. It remains still as a thick smoke surrounds it. The driver just seats there, looking nowhere. Above, an amber-colored stoplight and a “No turn” sign restrict us to a few limited options. To complete the image, on its margin, a short but compelling sentence is written over a white background, the prelude of the story: “I don’t think too much about happiness”. This is just an example of the essence behind Gus Powell. Honest, elegant, sensitive, captivating. A man that strives, at his 6 feet 5 inches, to find that character, that attitude or that scene which is different to all the others that permeate the everyday reality of New York. Joel Meyerowitz, Garry Winogrand or Joel Sternfeld are some of the referents of this photographer who portrays a world that is real but at the same time flamboyant, and takes the spectator, and himself, a step further each time. Because that’s exactly what his photography is about, moving forward, step by step, until suddenly, at any given moment, all of them come together and acquire some kind of sense and transform, thanks to Gus’ lens, into an image of contemporary life that has no other option than to go down in history.

www.guspowell.com

38 GUS POWELL, “WE ARE HERE TO MAKE YOU HAPPY.” FROM THE SERIES THE LONELY ONES, 2015. COURTESY SASHA WOLF GALLERY, NEW YORK

T: LORENA PEDRE

GUSPOWELL INSTANTES DE REALIDAD ADEREZADOS CON PALABRAS

GUS POWELL, “BLUE FRIEZE.” FROM THE SERIES LUNCH PICTURES, 1999-2007. COURTESY SASHA WOLF GALLERY, NEW YORK

Tu padre era director de cine, ¿viene de él tu gusto por la imagen? Mi padre, Peter Powell, era cineasta y realizador. Él me enseñó a usar la cámara con placer e irreverencia, también un gran amor por la gente y sus historias. Pero la verdad es que mi gusto visual me vino más por parte de mi madre, que era diseñadora de moda y una mujer que aportaba un valor estético a todo lo que tocaba. Fue con ella con quien por primera vez caminé por las calles de Nueva York y empecé a señalar todas las cosas que captaban mi atención. Señalar es como la fotografía pero sin cámara. Tus primeras fotografías conocidas son en blanco y negro, al igual que las de algunos de tus referentes como Robert Adams y Koudelka. En realidad mis primeras fotos fueron hechas con la Polaroid SX70 de mis papá. Eran fotografías a color desde un ángulo bajo en las que retrataba las fiestas que ellos hacían. Luego, cuando empecé a estudiar fotografía y hacer verdaderas fotos, fue en blanco y negro, pero la única razón tras ello es que eso era lo que te enseñaban. Es verdad que tuve un periodo en el que veía las cosas en blanco y negro, pero fue breve. Nunca he sido una persona de fuertes contrastes ni dramática. El color, su descripción completa de la experiencia, todos sus tonos grises apagados, siempre me ha convenido. Si algo, el blanco y negro no fueron más que el breve comienzo de mi aprendizaje. Hay ciertos fotógrafos como Robert Adams, y más recientemente Marcos Steinmetz, que me hacen soñar, un poco, en blanco y negro. De tus inicios aún mantienes, en algunas series, el uso del carrete e imprimes tu mismo tus imágenes, ¿qué aporta esto al resultado final de tu trabajo? El proyecto ‘The Lonely Ones’ fue hecho enteramente en medio formato analógico, mientras lo llevaba a cabo traba-

jaba a la vez para clientes editoriales y comerciales con una cámara digital de pequeño formato. Esto me permitía ver cosas que me eran imperceptibles cuando trabajaba en formato digital, en donde debía recurrir únicamente a las sensaciones que me proporcionaba la experiencia. Ahora hago casi todo mi trabajo en digital. Aunque tampoco estoy demasiado apegado a este formato. Me produce buenas sensaciones, confianza e incluso cierto tipo de misterio. La historia de la fotografía es una historia que ha avanzado gracias a la tecnología. Me interesa cómo las imágenes pueden traducir y transformar momentos en historias y nuevas sensaciones, los detalles tecnológicos no me llaman mucho la atención. Naciste y has vivido toda tu vida en Nueva York, ¿crees que las peculiaridades de esta ciudad han influido tu trabajo y, especialmente, en que acabaras haciendo street photography? Tengo claro que soy quien soy y miro de la manera en que lo hago porque soy nativo de Nueva York. Incluso, empecé a hacer street photography antes de saber cómo se llamaba este tipo de fotografía. Si me hubiera criado en la misma familia pero en un lugar diferente, estoy seguro de que sería una persona distinta, y desde luego mi camino como artista y fotógrafo no hubiera sido el mismo. ¿Qué retos supone hacer fotografía de calle? ¿Hay más ahora que hace unos años? Siempre habrá nuevas fotografías que hacer. La vida en el espacio público sigue cambiando. El gran escritor estadounidense Jonathan Franzen ha afirmado que hemos pasado de una cultura de nicotina a una cultura celular. Cuando leí esto, inmediatamente pensé en cómo ahora, a diferencia de hace veinte años o incluso diez , se ven los cuerpos en el espacio público. Tantas caras mirando hacia abajo, inmersas en sus teléfonos, caminando como

zombis, encerrados en sí mismos. No es que prefiera ver a la gente fumando, pero al menos éstos se pierden en sus propios pensamientos mientras levantan sus barbillas y dejan que una cortina de humo los envuelva. Incluso se piden fuego unos a los otros. Antes de que todos estos dispositivos llegasen a nuestras vidas nos movíamos por el tiempo y el espacio de una manera diferente. El cambio es notable. El desafío es hacer imágenes que sigan la gran tradición del street photography, y además construir sobre ella. Para mí se trata de un intento por abrazar la ambigüedad y la poesía en medio de la realidad. Tus imágenes son honestas, tienen un toque elegante y una sensibilidad peculiar, ¿crees que buscar situaciones íntimas en medio de las bulliciosas calles de NY es lo que te ha ayudado a vestir tu obra con ese aura? A mí me gusta tener mis propios momentos privados en el espacio público, quizás por eso busco a otros que estén teniendo esos mismos momentos. Cuando no puedo encontrarlos, intento crear una escena que transmita este tipo de sentimiento. Me gusta la idea de ver un secreto que puede ser compartido o, al menos tal vez, presenciar un secreto que no será compartido. Normalmente tus fotografías no se centran en un único personaje, sino en el conjunto de elementos, el espacio entre ellos, las luces y sombras, cómo se plasma la vida en el espacio urbano, que a fin de cuentas es lo que cuenta la historia. ¿Cómo consigues transmitir lo que quieres sin controlar la escena y los personajes que finalmente protagonizarán la fotografía? ¿Es esa precisamente la magia? Cuando fotografío no tengo el control de la misma manera que lo tiene un realizador o alguien que trabaja siguiendo el estilo de Gregory Crewdson, pero sí controlo absolutamente las cuatro esquinas de mi encuadre. Espero, deseo, anhelo y, finalmente, hago las fotos. A pesar de no salir a la calle con un plan específico, sé lo que quiero cuando está sucediendo y también sé cómo abrirme y sentir lo máximo posible. Lo que más me gusta de la fotografía es el momento en el cual estoy mirando por el visor y disparando. La parte que le sigue es más ardua. Hacer las fotografías es editar la experiencia. Hay magia allí. Editar las imágenes que uno ha hecho es crear una nueva experiencia. Es ahí donde se lleva a cabo una gran parte del trabajo duro. Una de tus series más fascinantes es ‘Lunch Pictures’, ¿ la idea surgió puramente de leer los poemas de O’Hara o hubo alguna otra influencia? Ya llevaba un tiempo tomando fotografías en la calle, pero éstas aún no tenían un foco de atención o un principio de organización. No eran más que observaciones. Cuando llegó a mis manos el libro ‘Launch Poems’ de Frank O’Hara fue como si me diesen una licencia diciendo: sal al centro de Manhattan al mediodía y trata simplemente de sentir algo, cualquier cosa, con eso será suficiente. Eso me permitió tener respeto por lo que estaba viendo (sin importar lo pequeño o lo grande que fuera), como por lo que estaba sintiendo. Tal y como comentas, casi todas las imágenes de esta serie fueron hechas durante tu hora de comer en el centro de Manhattan. Unos días tenías horas y otros, minutos para hacerlas, ¿cómo influyó esta limitación de tiempo en la serie? Estoy convencido de que la limitación de tiempo y espacio me empujó a ver más en menos. Algunos días encontraba algo significativo, como un beso o una caída, pero a menudo simplemente se trataba de gente de camino en la calle. Tampoco fue una misión imposible, las calles de Nueva York son increíblemente generosas y fértiles para sacar fotos, pero tenía que estar listo para presionar el botón en todo momento. Tenía que estar dispuesto a decir SÍ rápidamente.

Pero sin duda, la serie por la que siento predilección es ‘The Lonely Ones’, ¿cuánto influyó el libro homónimo de Willian

Steig en que te decidieras a hacerla? ¿Fue antes o después de empezar a disparar alguna de las fotografías? La mayor parte de las fotografías de ‘The Lonely Ones’ fueron hechas antes de que supiera que se convertirían en ‘The Lonely Ones’. Ninguna de ellas se inspira directamente en el libro, pero como artista a mí sí me ha inspirado William Steig y su ‘Lonely Ones’. Yo quería hacer algo que transmitiera la misma sensación que su obra. Había estado llevando conmigo su libro a todas partes durante unos meses, a la vez que estaba tratando de encontrarle un “hogar” a todas las imágenes de película que estaba haciendo, las cuales eran diferentes a las de ‘The Lunch Pictures’ y ‘The Company of Strangers’. Luego un día tuve la idea de que quería cantar las canciones de William Steig. La primera versión que hice fue un conjunto de mis imágenes pegadas en una copia de su libro. Cada fotografía de esta serie está emparejada con un texto sugerente que incita a un diálogo entre el autor consigo mismo y el lector, ¿cómo y cuándo surge la frase que acompaña a cada imagen? Al principio intenté utilizar el texto original de William Steig, pero sus herederos no lo aporbaron. Cuando la viuda de Steig, Jeanne Steig, me dio esta noticia sugirió que tal vez los textos deberían de ser de mi propia cosecha. Me decepcioné y dejé el proyecto a un lado. Luego, poco a poco, volví a él. Empecé a escucharme y a los demás. Comencé a capturar el lenguaje de la misma manera que capturo fotografías. Hice largas listas. La secuencia de las imágenes se estableció con bastante rapidez. Había vivido con ellas durante mucho tiempo. Y luego los textos empezaron a tomar en su lugar. La voz, el humor, la ambigüedad y la magia se filtraron por sí solos. En el libro de bolsillo que has creado para publicar la serie, este texto aparece antes de la imagen y ésta se debe descubrir abriendo un pliegue, ¿qué intención se esconde detrás de ello? Algunos de los primeros trabajos buenos que hice en la universidad combinaban imagen y texto. Por “buenos” no me refiero a que fueran extraordinarios, pero eran lo más cercano a “honestos” que hasta entonces había hecho. Creo que siempre he querido trabajar con imagen y texto. El hecho de que ‘The Company of Strangers’ se inspirase en la poesía de O’Hara lo demuestra. Pero unir texto e imagen es complicado. El texto gana. Muy a menudo en los museos la gente pasa más tiempo leyendo el texto de la pared que observando la obra. El libro The Lonely One pasó por muchos, muchos diseños diferentes. Cuando probé dicho pliegue fue cuando realmente sentí que por fin había encontrado una manera en la que texto e imagen tuvieran su parte de protagonismo, y a la vez trabajaran juntos para conseguir algo nuevo que solo existe en la mente del lector a medida que va pasando las hojas. También me encanta el hecho de que es una experiencia que sólo se puede vivir cuando tienes el libro en tus manos. ¿Cómo de importante crees que es el título para una fotografía? Obviamente me interesa mucho el lenguaje. Mientras estoy haciendo fotografías en las calles de Nueva York encuentro pocas razones para ponerles un título como, “Quinta Avenida, Nueva York, 2016”. Todavía deseo fervientemente hacer straight photography, o fotografía directa, pero me interesa posicionar este tipo de fotografías de una manera más íntima, narrativa, poética y ambigua, de lo que me permite una simple descripción espacio-temporal. En esta serie has creado un conjunto de imágenes que no están limitadas dentro de contexto espacio-temporal, sino que permanecen conectadas con las emociones y narrativas. ¿Cómo nutre esto a la idea de la soledad? No saber dónde te encuentras y qué hora es, puede hacerte sentir un poco solo, pero también puede ser emocionante. En realidad no sé si estoy tan interesado en la soledad, quizás este no era el título ideal para la serie, pero quería quitarme el sombrero ante William Steig.

42 GUS POWELL, “MISTAKES WERE MADE.” FROM THE SERIES THE LONELY ONES, 2015. COURTESY SASHA WOLF GALLERY, NEW YORK

Your father was a film director. Does your passion for photography and visual taste come from him? My father, Peter Powell, was a cinematographer and a filmmaker. He graciously taught me to use cameras with pleasure and irreverence, and a great love for people and their stories. My visual tastes came more from my mother who was a fashion designer and a woman who brought an aesthetic value to everything she touched. It was with her that I would first walk the streets of New York and point at the things that stood out to me. Pointing is like photography without a camera. Your first known photographs were in black & white, like those of some of your referents (Robert Adams and Koudelka). The very first pictures I took were with my father’s Polaroid SX70. Color squares from low angles when my parents had parties. When I later actually started to study photography and MAKE photographs, it was in black & white for no other reason really than that was on what one learned on. I had a period when I saw things in black & white, but it was brief. I have never really been a high contrast or dramatic person. Color, its full description of experience, all of its muted grays, has always suited me. If anything, black & white was just a brief departure during the training. There are certain photographers like Robert Adams and, more recently and dramatically, Mark Steinmetz that make me dream a little in black & white. You continue to work, in some of your series, with film cameras and still print the photographs yourself. What does this provide to your work? The ‘Lonely Ones’ project was entirely shot on medium format film, while I was also shooting digital small format work mostly for commercial and editorial clients. That allowed me to see something that I had to trust on the feeling when working on digital. At this point I shoot almost exclusively digital. I am not over attached to it either. I now have deep feelings and trust, and even mystery, to working with the digital equipment. The history of photography is a history that has only moved forward with technology. I am interested in how pictures can translate and transform moments into stories and new feelings; the specifics of the technology don’t interest me much. You were born and have lived your whole life in New York. Do you think that the peculiarities of the city have influenced your work and especially that you end up doing street photography? I know that I am who I am and see the way I do because I am a native New Yorker. I was doing street photography before I knew that was what it was called. If I had been raised in the same family but in a different place, I would be a different person, and certainly my path as an artist and photographer would be different. What are the challenges behind street photography? Are there more nowadays than some years ago? There are always pictures to be made. Life in public space continues to change. The great American author, Jonathan Franzen, has said that we have moved from a nicotine culture to a cellular culture. I read this and an immediate thought of how different the bodies look in public space now then they did 20, or even 10, years ago crosses my mind. So many faces in the public space are turned down into their phones. Walking like zombies. Closed off. It’s not that I wish everyone still smoked, but smokers get lost in themselves with their chins up and blowing smoke into the air. They give one another a light. And before all these devices came into our lives we navigated space and time in such a different way. It is noticeable. The challenge is to make pictures that continue the great tradition of street photography that exists, but also build upon it. For me it’s about an attempt to embrace ambiguity and poetry in the midst of reality. Your images are honest, have an elegant touch and a peculiar sensibility. Do you think that pursuing intimate situations amid the bustling streets of NY has endowed your work with this aura? I think I want to have my own private moments in public space and that I seek to either find others who are having such moments, or when I can’t find those, to “make” a scene that has that sort of feeling... I like the idea of seeing something that is a secret to be shared or, perhaps, at least the seeing of a secret that will not be shared.

Usually your images are not focused on a single character, but on all the elements present, the space between them, the lights and shadows, on how life is reflected in public space, which eventually is what narrates the story. How do you manage to convey what you want without having any direct control upon the scene and characters within the picture? Is that magic? I am not in control in the way a filmmaker or someone who works in the style of a Gregory Crewdson is, but I am very much in control of the four corners of my frame. I wait, I wish, I will, and ultimately I MAKE these pictures. Despite not walking out the door or down the street with a specific plan, I know what I want when it is happening and I also know how to open up and feel as much as possible. My favorite part of photography is when I am inside that rectangle pressing the button. The path that follows is more arduous. Making the pictures is editing the experience. There is magic there. Editing the pictures one has made is creating a new experience. That’s where a lot of the heavy lifting work is done. One of your most fascinating series is ‘Lunch Pictures’. The idea came purely from reading the poems of O’Hara, or was there some other influence? I had been making pictures on the street for a while, but there was not a focus or an organizing principle to the work. They were just observations. When I was given Frank O’Hara’s ‘Lunch Poems’ book, it was like I was given a license. It said to me, go out into mid-town Manhattan in mid-day light and try to just feel something, anything was enough. It allowed me to both, respect what I was seeing (no matter how little or how large), and to respect what I was feeling. Just as you mention, almost all of the images from this series were made during your lunchtime in downtown Manhattan; some times you had hours and others, just minutes. How did this time limitation affected the series? I feel strongly that the limitation of time and space pushed me to see more in less. Some days I would see something significant (a kiss, a fall), but more often than not it was simply people on the go. It’s not that I had to make stone soup, the streets of New York are incredibly generous and a very fertile ground for pictures, but I had to be ready to press the button at much less than many others might. I had to be willing to say YES quickly. To be honest, the series for which I feel a big predilection is ‘The Lonely Ones’. How much did Willian Steig’s book influenced you so that you decided to do it? Did you read it before or after you started making the photographs? Most of ‘The Lonely Ones’ pictures were made before I knew they would become ‘The Lonely Ones’. None of them were inspired directly by the book, but I was inspired as an artist by William Steig and his ‘Lonely Ones’. I wanted to make something that had the feeling of his work. I had been carrying his book around with me all the time for a few months and was also trying to find a home for all of the film pictures I was making while working. They were different than the work that was in ‘The Lunch Pictures’ and the book ‘The Company of Strangers’. Then I had the thought that I wanted to sing the songs of William Steig. The first version I ever did was a set of my pictures taped into a copy of his book. Each photograph of this series is paired with a suggestive text that encourages a dialogue between the author, himself and the reader. How and when did the sentence that accompanies each picture emerge? At first I tried to use William Steig’s original text. I tried to go down that road but his estate did not want that to happen. When Steig’s widow, Jeanne Steig, sent me the news of this she suggested that I should perhaps write my own words. I was disappointed and put the project to the side. Then, slowly, I returned. I started to listen to others and myself. I started to collect language the same way that I collected photographs. I kept long lists. The sequence of the pictures was established rather quickly. I had lived with them for a long time. And then the language started to drop into place. The voice, the humor, the ambiguity and the wonder seeped in.

GUS POWELL, “UNGRATEFUL BASTARDS.” FROM THE SERIES THE LONELY ONES, 2015. COURTESY SASHA WOLF GALLERY, NEW YORK

In the pocket book you created to publish this series, the texts appear before the image, which is placed in a gatefold. Was your intention, by using both, image and text, to tell a different story than that with the image alone? Some of the first good work I ever did in college involved image and text. By “good” I don’t mean it was anything remarkable, but it was as close to “true” as I had ever got. I think I have wanted to work with image and text all along. The fact that ‘The Company of Strangers’ was inspired by O’Hara’s poetry speaks to that as well. But making text and image partner together is complicated. Text wins. So often people spend more time reading the wall text at a museum than actually looking at the work. The ‘Lonely Ones’ book went through many, many, many different designs. The arrival of the gatefold was when I felt like I finally found a way for the two to really be their own things but to also work together to make a new thing that only exists in the reader when the pages are being turned. I also love that it is an experience that can only truly be had in the pages of the actual book as it is in your hand.

H ow important do you think is the title in a photograph? I am obviously very interested in language. While I am making street pictures on the streets of New York, I see little reason to title them: “Fifth Avenue, New York, 2016.” I still very much want to be a straight photographer, but I am interested in positioning those types of photographs into a more intimate, narrative, poetic, and ambiguous place than a simple location and time description would permit. In this series you have created a set of images that are not locked to a geographical location or time, but remain connected to emotions and narratives. How does this nourish the idea of loneliness? Not knowing where you are and what time it is could make one feel a bit lonely perhaps, but it could also be a bit exciting. I don’t know if I am that interested in loneliness, in many ways it is perhaps not the ideal title for the body of work, but I wanted to tip my hat to William Steig.

46 GUS POWELL, “YES.” FROM THE SERIES THE LONELY ONES, 2015. COURTESY SASHA WOLF GALLERY, NEW YORK

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Aventurarse al mundo del otro es una misión que requiere de la habilidosa atención de escuchar con los ojos y de la apabullante predisposición de llevar tu ser al límite de la capacidad de percepción. Así, enfundado en un tejido de alta sensibilidad debes poner rumbo no fijo hacia ninguna parte, avanzando atraído por una vida que no es tuya, la del otro, y que incauta de tu mirada se desenvuelve ante tus ojos. Bendetta Falugi nació en la Toscana, Italia y antes de que, en un movimiento innato e irreflexivo el dedo-extensión del tejido sensible haga click, siente un momento de intensa empatía, como si tan lejos hubiera andado y tan hondo hubiera indagado que siente entender al que jamás ha conocido. Quizás esa es la razón que explique por qué sus fotografías son capaces de penetrar en el mundo del otro sin apenas mediar contacto. To immerse yourself in someone else’s world is a tricky endeavor, it requires the skillful ability of listening with your eyes, and the overwhelming disposition of pushing the boundaries of your perception. And so, coated with an ultra-sensitive layer, you set sails towards nowhere, driven by a life that is not yours, which, unaware of your attention, unfolds before your eyes. Benedetta Falugi was born in Tuscany, Italy, and every time before she naturally snaps, there’s a moment of intense empathy, as if she had sailed so far and deep she could understand what she has never know. Maybe that’s the reason why her photographs are able to penetrate someone else’s world without any contact.

www.benedettafalugi.com

T: LLEDÓ ALFAGEME

BENEDETTA FALUGI El tejido de alta sensibilidad

Todos conocemos la historia de cómo descubriste la fotografía, casi de manera espontánea, al tomar fotos de muebles antiguos para venderlos en internet. Cuéntanos acerca de la magia que encontraste allí. Estaba pasando por un momento bastante particular en mi vida cuando descubrí la fotografía. Necesitaba estar sola y, por lo tanto, solía realizar largas caminatas. Al principio hacía muchos autorretratos, y los hacía sólo para mí, así la fotografía se convirtió en un tipo de terapia, de introspección… Creo que esa fue la magia inicial que me atrajo a ella. Existe una sensación de distancia en tu trabajo, capturas las cosas sin perturbarlas, sin embargo siempre logras penetrar su mundo. ¿Cómo lo logras? No lo sé, eso es lo que han dicho los demás de mi trabajo. Para mí sólo se trata de instinto. Me involucro mucho con los sujetos que captan mi atención (y mi corazón) y tal vez eso es lo que se puede ver en mis fotos… no lo sé, eso espero.

Normalmente los ojos del espectador se dirigen hacia el centro del encuadre cuando el sujeto está ubicado en un espacio abierto y casi vacío. ¿Con qué propósito haces esto? Con ninguno, es como veo la “escena”. ¿Cuál es la magia de trabajar en 35mm? Hay muchas cosas que me encantan de trabajar con carrete. Por ejemplo, el tiempo que debo esperar desde que disparo hasta que puedo ver las imágenes, dicha espera es algo mágico y me permite ver con nuevos ojos las cosas que capturo, debido a que ha pasado tiempo y las emociones no siguen siendo las mismas. Aunque esta ventaja es fundamental tras mi elección de trabajar en analógico, también es cierto que todavía no logro capturar fotos hermosas en digital; tiene que ver con el color, no logro que sea el mismo que obtengo cuando trabajo en analógico, esa suavidad, es difícil de explicar.

Puede que sea debido a esta distancia, pero tus imágenes sugieren cierto tipo de melancolía. ¿Hay alguna emoción o concepto que tienes en mente y tratas de transmitir con tus fotografías? No, no hay ningún concepto ni nada por el estilo. Como te decía, no pienso demasiado cuando estoy trabajando, simplemente me dejo llevar por mis emociones; tal vez la melancolía simplemente está dentro de mí y algunas veces me atraen ese tipo de escenas.

¿Cuáles son tus cómplices favoritos cuando se trata de cámaras y por qué las prefieres? Me gustan las cámaras de 35mm que son compactas (tengo muchas), especialmente cuando estoy en la playa, porque no quiero que los demás sepan que estoy haciendo fotos. Son perfectas porque son silenciosas y las puedo utilizar sin necesidad de mirar por el visor, aunque esto ha hecho que aún no conozca bien el rango de un lente de 35mm. Suelo utilizar cámaras SRL cuando voy a hacer retratos o para shoots más pensados.

Los sujetos en tus fotografías carecen de identidad; suelen aparecer de espaldas o con el rostro fuera del encuadre. ¿Cuál es el propósito tras este anonimato? Suele ser por cierto tipo de respeto (especialmente en la playa), pero casi siempre capturo a las personas de espaldas porque eso me permite identificarme con ellas, pueden ser cualquier persona: yo, tú, nadie.

¿Cuál ha sido tu reto fotográfico más grande? Siempre es un reto cuando debo trabajar con otras personas. Mi fotografía suele ser solitaria y esa es la señal que me lleva a capturar una imagen. Cuando siento empatía con la persona o con lo que veo alrededor, algo dentro de mí se mueve y presiono el obturador.

¿ El lo s sa b en q ue e st á n siendo fot og ra f i ado s ? En absoluto.

¿En qué proyectos estás trabajando ahora mismo? Estoy esperando la inspiración.

LA FOTOGRAFÍA SE CONVIRTIÓ EN UNA FORMA DE TERAPIA, UNA VÍA DE INTROSPECCIÓN, CREO QUE ESA ES MÁGICA QUE ME ATRAJO

PHOTOGRAPHY HAS BECOME A KIND OF THERAPY, A WAY FOR INTROSPECTION… I THINK THIS WAS THE FIRST MAGICAL THING ABOUT PHOTOGRAPHY THAT ATTRACTED ME

We all know the story of how you discovered photography, almost in a rather casual way, by taking pictures of antique furniture to sell it online. Tell us about the magic you found in that. I was living a particular moment of my life when I discovered photography. I needed to be alone and I used to take long walks. I used to photograph myself a lot; at the beginning I did this just for myself, hence photography became a kind of therapy, an introspection… I think this was the first magical thing that attracted me about photography. There is a sense of distance in your work, you capture things without disturbing them, but anyhow you always manage to penetrate into the subject’s world. How do you achieve that? I don’t know. That’s what people say about my work. For me is just about instinct. I get involved deeply with the subjects that attract my eye (and my heart) and maybe this is something you can see through my photos… I don’t know, but I certainly hope so.

Frequently, the eyes of the spectator are fixed directly on the centre of the frame when the subject is placed in an open and almost empty space. For what purpose do you compose the image like that? No purpose, it’s just how I see the “scene”. What’s the magic of working with 35mm f ilm? There are many things I love about working with f ilm. For example, the time that I have to wait between shooting and viewing the photos, such wait is something magical and allows me to see with new eyes the things that I photographed, since as some days passed by, the emotions are no longer the same. Although this yield is fundamental behind my choice to shoot in analog, still I fail to get beautiful digital photos; I cannot obtain the same color I do when I work in analog; this kind of softness and ‘ je ne sais quoi’ I can’t put into words.

It can be because of this distance, but your photos evoke some sort of melancholia. Is there a felling or a concept you have in mind and try to convey through your photographs? No, there isn’t a concept or anything like that. Again, I don’t think too much when I’m shooting, I just follow my emotions; maybe melancholia is simply inside of me and sometimes I’m attracted to this kind of visions.

Which are your favorite partners in crime when it comes to cameras and for what do you use each one? I like small compact 35mm cameras (I’ve got many), especially when I’m on the beach, because I don’t want others to see me taking pictures. They are perfect because they’re quiet and I can use them even without looking through the viewfinder, such experience has meant that I roughly know the shooting range of a 35mm lens. I use SLR cameras when it comes to doing portraits or for more “thoughtful” shootings.

The subjects on your photographs lack identity; they usually show their back to the camera or have their face out of frame. What is the purpose of this anonymity? Generally it’s due to a form of respect (especially on the beach), but, more often than not, I capture people from the back because like that I can identify with them, they can be anyone: me, you, no one.

What has been your greatest photographic challenge? It’s always a challenge when I have to shoot with other people. Generally, my photography it’s kind of solitary and that is definitively the sign that makes me shoot the picture. When I feel empathy with the subject, or with what I see around, something moves inside of me and makes me click.

Do they know that are being photographed? Absolutely not.

On which project are you working right now? I’m waiting for inspiration.

En la vida hay actitudes y actitudes. Y los soñadores no pueden evitar estar siempre preparándose para más. Las metas indican la siguiente señal de salida y la preparación es la mejor parte del proceso. Converse lanza las nuevas Chuck Taylor All Star II, pensadas para los que están #ReadyForMore. Y tres de ellos son Federico Marigonda, ilustrador y tatuador, Gabriel Engelke, fotógrafo y skater y Alexis Bukowski, ilustrador y el mejor amigo de sus amigos. Todos ellos nos explican qué han hecho en la vida y para qué se están preparando, sin duda, lo mejor aún está por venir. Todos ellos visten chaqueta, camiseta y zapatillas Converse. Los pantalones son Nudie Jeans. Everything in life is about attitude. And for dreamers it’s impending to always be ready for more. Our achievements are but new beginnings, and being prepared is the highlight of the process. Converse released the new Chuck Taylor All Star II, designed for those who are #ReadyForMore, three of them are Federico Marigonda, illustrator and tattoo artist, Gabriel Engelke, photographer and skater and Alexis Bukowski, illustrator and his friends best friend. All of them told us what they have achieved and for what are they ready, no doubts… the best is yet to come. All of them are wearing Converse jacket, shirt and shoes. Nudie Jeans.

www.converse.com

T: FELIPE DUARTE F: LAIA BENAVIDES

CONVERSE CHUCK TAYLOR ALL STAR II #ReadyForMore

Alexis Bukowski Powerful details and gracious shapes

No sabemos si su vida es un lento paseo en bicicleta como él dice en esta entrevista, lo que sí sabemos es que su paseo está hecho con mucha gracia y carisma natural. Este ilustrador nos tiene el alma robada y su lápiz está siempre #ReadyForMore porque así tiene que ser y porque es la única forma que Bukowski tiene de entender el mundo, no sólo el arte, sino ese que se muestra poderoso en cada mínimo detalle. Él es uno de nuestros embajadores elegido esta tarde, en la que pasean con las Converse Chuck II y nosotros aprovechamos para conocerles un poco más, haciendo todas las preguntas que nos pasan por la cabeza. We don’t know for sure if his life is as relaxed as a bike ride, something he assures in this interview, but what we do know is that it’s colored humorously with his natural charisma. This illustrator stole our heart and his pencil is always #ReadyForMore, that’s how it has to be, since it’s the only way in which Bukowski can understand the world, and not just its artistic aspects, but the whole entity that presents itself powerfully in every single detail. He is one of our chosen ambassadors this afternoon, walking around wearing the Converse Chuck II, allowing us to know him a little bit better, open to answer all the crazy things that roam in our head.

Tu nombre es Alexis Camacho, ¿de dónde sale el Bukowski? ¿Es por Charles? Sí y no. Sale de Charles Bukowski, pero me acabé “apropiando” del mote por culpa de mis colegas del instituto. Yo siempre iba con un libro de Bukowski arriba y abajo, me obsesioné con este tío. Y entonces mis colegas empezaron a llamarme así: “¡Eh, Bukowski, vamos por ahí!”. Cuando me creé la cuenta de Facebook usé Bukowski como apellido, y llegó un punto en el que la gente creía que me llamaba así de verdad. Pero bueno, la conclusión final es esta: no tiene ninguna trascendencia ni relación con mi obra. ¿Cuál es la primera ilustración que recuerdas hacer? La primera ilustración como tal, con un encargo detrás, fue para el ayuntamiento de Santa Coloma de Cervelló. Ilustré la portada de la agenda del instituto. Creo que tenía 18 años o así. ¿Qué pasa? ¡Por algo se empieza! ¿Y cuál fue la primera obra que vendiste? Pues creo que la portada de la agenda del instituto no me la pagaron, pero no me acuerdo bien, así que si el señor alcalde o director del instituto lee esto y sí que me pagaron, lo siento. Si no, eso que os lleváis. ¿Por qué decidiste estudiar publicidad y no artes plásticas? Yo quería estudiar diseño gráfico, pero la pasta no llegaba, así que publicidad era lo que (inocente de mí, pobre alma cándida) creía que más se asemejaría. Ni me planteé estudiar artes plásticas porque no soportaba la idea de dibujar lo que un profesor me dijera que dibujase. Y paradojas de la vida, he acabado siendo ilustrador y dibujando lo que el cliente quiere que dibuje (aunque sea en parte). El dibujo, y por lo tanto la línea, están muy presentes en tus obras, ¿qué artistas o movimientos artísticos han influido en tu proceso y desarrollo como ilustrador? Pues artistas que me influyan realmente son la práctica totalidad del mundo del cómic. Daniel Clowes, Frank Miller, Dave Gibbons, Mike Mignola y un largo y extenso etcétera. Los movimientos artísticos que más me han influido no sabría determinártelos. Creo que todos. O al menos todos por los que me he interesado. Cuando me ha obsesionado el minimalismo de los 60 pues era ese el movimiento que quizás tenía más presente, pero es que a lo mejor al mes siguiente me flipaba con las obras de Hopper o algún expresionista abstracto de Nueva York de los 50. ¿Cuáles consideras los logros más importantes que has conseguido hasta el momento? Que me paguen una factura cuando toca. Nah, es broma. Vivir de esto creo que es algo muy bonito, yo que sé, yo he dibujado siempre, siempre he regalado mis dibujos o los metía en un cajón de mi escritorio, que alguien valore lo que haces o que se

interesen por mi persona como con esta entrevista es bastante guay (siento si os decepciona mi NO-apasionante vida de NO-excesos). ¿Qué es lo que más te gusta de las Chuck II de Converse? La suela. Gracias Converse. Puedo llevar unas zapas vuestras mucho rato seguido y mis pies no me odian. ¿Qué características compartes con Converse? Que mi apellido real también empieza por C. Que noooo, que es broma. El estilo de vida que refleja la marca, sobretodo su vertiente más callejera. Yo he crecido en parques y plazas, jugando en la calle, no tenía PlayStation. ¿Qué ha sido lo más difícil de ser ilustrador? ¿Y lo más gratificante? Decidir ser ilustrador. El momento de dejar un curro estable (relacionado con lo que había estudiado en la universidad) y rechazar un par de ofertas de trabajo para decir: “no, aquí estoy yo, con toda mi imprudencia y chaladura, y decido que voy a vivir de hacer pintarrajos.” Lo más gratificante es ver como absolutamente todo y todos en mi entorno más cercano se han alegrado sinceramente de cada triunfo que he logrado (por pequeño o nimio que pareciera). ¿Sueles ponerte muchas metas para cumplir, eres muy ambicioso? Joder, sí. Demasiado. Precisamente hoy conduciendo tenía a un señor mayor delante que os juro que iba MUY MUY MUY lento con la bici. Cuando lo he pasado le he visto la cara, y la serenidad que desprendía me ha provocado una especie de click. La vida debería ser eso, un paseo lento en bicicleta (o al menos a veces y no sólo 15 días de mierda en verano). ¿En qué sentido estás #ReadyForMore? Échame lo que sea sobre la mesa, te diré que sí. ¿Cuál es el siguiente objetivo que te has propuesto y qué estás haciendo para cumplirlo? Mi primer cómic largo (que tenga más de 4 páginas, vamos). Pues currar como un cabrón hasta las tantas de la noche cuando acabo con todos los encargos que sí que me dan de comer. ¿Qué aspiras haber alcanzado al final de tus días Queda mucho para eso, y como ya os he dicho, quiero ir muy lento en bicicleta, así que ya llegaré. ¿Qué significa para ti estar siempre listo? ¿Cómo lo haces? Café. Lo hago con cafetera italiana, a mi el Nespresso ese no me mola nada.

Your real name is Alexis Camacho, why did you choose Bukowski then? Was it because of Charles? Yes and no. It comes from Charles Bukowski but I ended up ‘owning’ that nickname because of my high school friends. I was always walking around with a Bukowski book under my arm; I became obsessed with that guy, hence my friends started calling me so: “Hey Bukowski, lets go! ” When I opened my Facebook account I decided to use Bukowski as my last name, until people started believing that was my real name. But anyway, the final conclusion is that it doesn’t have any transcendence or relation with my work. Which is the first illustration you remember doing? The first illustration as such, commissioned, was for the town hall of Santa Coloma de Cervelló. I illustrated the cover for the high school agenda. I think I was eighteen years old or so. So what? You have to start somewhere. And which was the first piece you sold? If I remember correctly, I wasn’t paid for the illustration for that high school agenda, though I’m not sure. So if the mayor or high school director sees this, and they did pay me, I’m sorry. If they didn’t, well, that’s what you get. Why did you decide to study advertisement and not fine arts? Actually I really wanted to study graphic design, but it was too expensive, so advertisement was what (my innocent and poor kind soul thought) resembled the most. I didn’t even thought about studying fine arts, I couldn’t stand the idea of drawing what the teacher wanted me to. Paradoxically, I ended up becoming an illustrator and drawing what the clients want me to (even if it’s just sometimes). The line is very present in your pieces, hence the drawing is very visible, which artists or artistic movements have influenced your process and evolution as an illustrator? Well, the artists that have really influenced me are almost all the ones within the comic art movement: Daniel Clowes, Frank Miller, Dave Gibbons, Mike Mignola and a very wide and large etcetera. As for the artistic movements, I cannot determine precisely which, though I believe all of them, or at least all the ones that have caught my attention. When I was obsessed with the minimalism of the sixties, it was notoriously present in my works, yet, a month later I could be going nuts with the pieces of Hopper or some other abstract expressionist from the 1950’s New York. Which do you consider the biggest accomplishment you have achieved so far? Having an invoice paid on time. Nah, I’m kidding. I think it’s beautiful to make a living out of this, I don’t know, I’ve been drawing since forever, and I have always given away my draw-

ings or stored them in a draw in my desk, so the fact that someone values what you do or that they are interested in you, as with this interview for example, it’s really cool (I’m sorry if you’re disappointed with my excess-less, un-passionate life). What do you like the most about the Converse Chuck II? The sole. Thanks to Converse I can wear the same shoes for a long time and my feet won’t hate me. Which characteristics do you share with Converse? That my real last name starts with C. Naaaaaa, I’m kidding. I think the lifestyle inherent to the brand, especially its more urban side; I grew up in parks and squares, playing on the street, I had no PlayStation. Which has been the biggest difficulty, and the biggest reward, being an illustrator? The biggest difficulty was to decide to be an illustrator. The moment in which you decide to quit your stable job (related to what I had studied in college) and reject a couple of work offers to say, “No, here I am with all my recklessness and craziness, and I decide I’ll make a living out of doodling”. What’s been most rewarding has been to see how absolutely everyone around me has been honestly happy with every accomplishment I have achieved (no mater how small or trifling it seemed). Are you really ambitious and usually set plenty of goals for yourself? Fuck, yes. Excessively. Precisely, today as I was driving and there was this old man ahead of me and he was going VERY, VERY, VERY slow on his bike. As I passed ahead of him I saw his face, and the serenity he conveyed provoked in me some kind of click. Life should be like that, a relaxed bike ride (at least every now and then, and not just for fifteen shitty days during summer). In which way are you #ReadyForMore? Put me anything on the table and I’ll say yes. Which is the next goal you have set for yourself and what are you doing to achieve it? My next goal is to do my first large comic book (with more than four pages, come on). I’ve been working on it like a dog until forever o’clock at night when I finish all the commissioned pieces that allow me to eat. What do you hope to achieve by the end of your days? There’s plenty of time left for that and, as I have said before, I want to ride my bike as slowly as possible, but I’ll get there. What does it mean to you to be always ready and how do you achieve so? Coffee. I achieve it thanks to an Italian coffee-machine; I really don’t like Nespresso or anything like that.

Federico Marigonda Corazón tan blanco

La primera impresión cuando conoces al Fede es que es un tipo serio. Y lo es. Serio, tímido y tierno. Está siempre #ReadyForMore porque es un soñador innato. Me lo imagino como esos niños que estudian insectos en cualquier lugar donde sus padres lo han puesto para que pase el rato. Y de ese estudio nace un mundo nuevo que solo su imaginación entiende. Cuando se es así desde la cuna, ya no se cambia. Y lo mejor es que el resto del mundo confabula para que ese cambio no se produzca jamás. Fede es un apasionado de Converse y no podía faltar a nuestra cita de confesiones con las nuevas Chuck Taylor II. Su color preferido es el negro pero él es muy blanco. The first impression you get when you meet Fede is that he is one serious dude. And he is: serious, shy and sweet. He has always been #ReadyForMore, as every innate dreamer is. I can picture him as a kid, studying insects anywhere his parents left him, open to a new world full of creativity. And as a result from those random activities, a universe only his imagination understands was conceived. When you’re born like that, nothing will change you, and what’s best is that the world will synchronize so that you remain forever the same. Fede is really passionate about Converse, therefore he couldn’t miss our confession session with the new Chuck Taylor II. His favorite color is black, though his heart is all white.

¿Cuál recuerdas que haya sido la primera meta que te propusiste y cumpliste? Llegar a Barcelona hace ya casi nueve años, vine porque no quería ser uno más, otro del pueblo que lo primero que hace después de currar es irse al bar y contar lo mismo cada día, ¿qué aburrido no? Yo quería más. Siempre quise más, tener historias interesantes que contar, aventuras, hechos reales, míos. Algo que contar a mis nietos. El primer año aquí me lo tomé como venía, sin pensar, sin plantearme un futuro, hasta el día en que mi padre me dijo “Federico ahora toca que te hagas una vida, un futuro”. Tras escuchar esas palabras me prometí que antes de los 30 sería tatuador, y lo conseguí a los 28, así que primer objetivo cumplido. ¿Cuándo supiste que querías ser tatuador? Siempre me ha gustado la cultura americana, los tatuajes de marineros, cómo marcaban su cuerpo con sus historias de viajes, aventuras, amores. Me gusta el hecho de poder tener tu vida escrita en el cuerpo. ¿E ilustrador? “Dibujo desde que tengo uso de razón, creo que nací con un lápiz en la mano”. Estas palabras son las que siempre repito cuando me preguntan desde cuando dibujo. Lo de decidir acercarme al mundo de la ilustración fue gracias a esta ciudad, al llegar aquí me encontré con muchos estímulos y con gente que tenía ganas de promover el arte, a artistas nuevos, te daban voz, posibilidades para hacer una expo, enseñar tu trabajo, uno de estos agentes, sois vosotros, siempre habéis confiado en mí, empujando mi arte desde el principio. ¿De qué te sientes más orgulloso en cada caso? De las dos disciplinas. A veces me paro y pienso: “No nací aquí, ni si quiera en este país, pero conseguí hacerme un hueco y ser alguien en esta ciudad que hoy considero mi casa y amo.” Pensar esto es lo que me motiva cada día y me hace sentir orgulloso de la posición en la que estoy. ¿Cuál es, o cómo definirías, tu estilo? Mi estilo, básicamente, es el tradicional, pero intento siempre ponerle un toque para que se pueda reconocer que es un “Fede”. ¿Cuál fue el primer tatuaje que hiciste y a quién? El primer tatuaje que hice fue en mi pierna, pero fue una prueba, no tiene mucha importancia. El que considero mi primer tatuaje de verdad lo hice a mi mejor amigo. Vino a visitarme y lo primero que me dijo fue: “Tatúame, me da igual lo que hagas, como quede, quiero que me tatúes. Confío en ti”. Así que me toca a mí ahora: “Grazie Franz! Ti devo una!”

¿Qué debe tener, sí o sí, un buen tatuador? Buena energía y no ser un capullo. De los tatuajes que tú tienes, ¿cuál es tu favorito? ¿Por qué? Todos son mis favoritos, no hay ninguno que no me guste pero hay uno que resume toda mi vida. Y es el primero. Un equilibrista sobre una cuerda donde pone “el equilibrio es imposible”. Luego si lo piensas, el equilibrio no es imposible, lo imposible es mantenerlo. ¿Qué es lo más importante para poder alcanzar tus metas? Seguir siendo la persona que soy. ¿A qué tatuador admiras? A nadie en especial. A los que admiro son a mis “compañeros de trabajo”, del estudio: 19:28 tattoo Parlour, mi segunda casa, “mi familia”. Cada día aprendo algo de ellos, y viceversa. Creo que cuando se tiene un ambiente así, no hace falta admirar a nadie de fuera. Muchas veces necesitamos el apoyo de alguien cuando las dudas y los problemas empiezan a surgir. ¿Sin el apoyo de quién no estarías aquí? Uff... esto es muy personal (risas). No, en serio llevo muchos años aquí, llegué cuando sólo tenía 23 años y he pasado por varias fases de vida en esta ciudad. Pero sobretodo no habría podido hacer esto sin el apoyo, la admiración hacia mi padre que siempre ha sido un modelo a seguir, Sandra que buscó y encontró mi sueño en esta ciudad y Wahid que creyó y volcó toda su confianza en mí desde el primer día, sin todo esto creo que no estaría ahora mismo donde estoy. Así que creo que estoy en deuda con más de uno. ¿Cuál es tu próxima meta? ¿Mi próxima meta? La verdad eso no lo sé. Cada día es un reto. Soy un chico con muchas inquietudes. ¿Y tu sueño más descabellado? Soy un tío muy sencillo, aunque no lo parezca, así que mi sueño es tener una casa en la playa, con un jardín, un gran árbol donde pueda sentarme a dibujar y mirar el porche y ver como de allí sale la mujer de mi vida con mis hijos, y suspirar de alivio sabiendo que esa es mi vida, real. ¿Qué opinas de la nueva Converse Chuck II? ¿Cuál es tu color favorito? ¡Me encantan! ¡Negro por supuesto! (risas). ¿Estás #ReadyForMore? ¡Siempre estoy listo! (o casi siempre).

Do you remember which was the first goal you set out for yourself and accomplished? Moving to Barcelona almost nine years ago. I came because I didn’t want to be ‘another one’, another guy in town that the first thing he did was to go to the bar after work to repeat the same stories day after day. That’s pretty boring, don’t you think? I wanted more. I have always wanted more; have interesting stories to tell, adventures, real anecdotes that are only mine, something to tell my grandchildren. My first year here I took it slow, not thinking too much, without worrying about the future, until the day my father told me, “Federico, it’s time for you to make a life for yourself, build a future”. After listening to those words I promised myself that before I turned 30 I was going to be a tattoo artist, and I achieved it when I was 28, so objective #1: achieved. When did you realize you wanted to be a tattoo artist? I have always liked the American culture, the sailor tattoos, how they mark their bodies with their stories from travels, adventures and romance. I like the fact of having your life written on your body. And an illustrator? “I’ve been drawing ever since I can remember, I think I was born with a pencil in my hand”. Those are the words I repeat every time someone asks me for how long I’ve been drawing. I grew closer to the world of illustration thanks to this city; when I arrived here I found plenty of incentives and people interested in promoting art, new artists, they offered you a voice, possibilities to do an exhibition, show your work, one of those agents were you guys, you have always believed in me and supported me, promoting my art since day one. And what really makes you proud about each discipline? I’m really proud of them both. Sometimes I stop and think: “I wasn’t born here, not even in this country, nevertheless I managed to find a place for myself, become someone in this city, which now I love and consider home”. Thinking about this is what motivates me day after day, and makes me feel proud of the position I am in. Which is, or how would you define, your style? My style, basically, is traditional, though I always try to add something special so that people can tell it’s a “Fede”. Which was the first tattoo you did and to whom? The first tattoo I did was on my leg, but it was practicing, so it’s not too important. The one I consider my first real tattoo, I did it to my best friend. He came to visit me and the first thing he said was, “Tattoo me, I don’t care what you do, how it results, I want you to tattoo me. I trust you”. Now it’s my turn, “Grazie Franz! Ti devo una!”

What must, no matter what, a tattoo artist have? Good energy and don’t be an asshole. From the tattoos you have, which one is your favorite? Why? They’re all my favorites, I like all of them, but there is one that summarizes my whole life; it’s the first one I got. It’s a tightrope walker doing his thing, and it has written, “Balance is impossible”. Then, if you come to think about it, balance is not impossible, it’s just impossible to maintain it. What’s the most important thing in order to achieve your goals? Keep on being yourself. Is there any tattoo artist you admire? No, no one in particular. The ones I admire are my colleagues at 19:28 Tattoo Parlour, my home away from home, my second family. Every day I learn something from them, and vice versa. I think that when you work in an environment like that, you don’t need to look up to anyone else. Many times we find ourselves in the need of support when the doubts arise and the problems start to succeed each other. If it weren’t for the help of whom you wouldn’t be where you are? Damn… this one is personal (laughs). Honestly, I have been here for a long time, I arrived when I was only 23 years old, and I have passed through different phases in this city. But, above everything, I couldn’t have done this without the support and admiration I have towards my father, who has always been a role model, Sandra, who found and discovered my dream within this city, and Wahid, who believed in me and offered all his trust since the first day. If it wasn’t for them, I think I wouldn’t be where I am. So I think I’m in debt with more than one. Which is your next goal? My next goal? I honestly don’t know. Every day is a challenge. I have many interests and concerns. And your wildest dream? I’m a simple guy, though it doesn’t look like it. So my dream is to have a house by the beach, with a garden, a big tree where I can seat and draw and look at the porch, to see the love of my life coming out with my kids, and breath relieved knowing that’s my life, for real. What do you think about the Converse Chuck II? Which if your favorite color? I love them! Black of course! (laughs) Are you #ReadyForMore? I’m always ready! (Or almost always).

Gabriel Engelke Donde el universo te lleve

Hay gente que tiene una paz interior que puede captarse antes de mediar palabra alguna. Gabriel Engelke es un claro ejemplo de ello. Siempre ha estado #ReadyForMore porque se desliza por el viaje de los acontecimientos vitales con una naturalidad ejemplar. Le apasionó el mundo del skate desde que vio un patín y no se ha separado de él. Lo mismo con la fotografía. Vivir estando seguro del camino elegido es fundamental para no perder la fuerza ni la energía de empuje. Elegimos a Gabriel Engelke como uno de nuestros ejemplos a seguir en la actitud Converse Chuck II. ¡Y lo que está por venir! There are some people that radiate an inner peace so palpable you can sense it without them even opening their mouth. Gabriel Engelke is a clear example of that. He has always been #ReadyForMore, due to his natural ability to slide along the crucial occurrences of life. Since the first time he saw a skateboard, he became passionate about this ephemeral art, keeping one next to him at all time. The same happened with photography. Living assured on the path chosen is fundamental to not lose the strength and energy within the drive. We chose Gabriel Engelke as one of the role models that represent the Converse Chuck II attitude, a guy that keeps on looking forward, prepared for what comes up next!

¿Cómo te enganchaste al skate y a la fotografía? Desde que vi por primera vez a los skaters locales de mi ciudad supe inmediatamente que aquello era lo mío. Luego, naturalmente, a través del patín encontré la fotografía, empecé a utilizar la cámara para capturar los viajes y el estilo de vida propio del skateboarding. ¿Qué te mantiene motivado y listo para más? Si encuentro la felicidad en lo que hago, eso me motiva y me mantiene enfocado haciendo lo que me gusta.

How did you get hooked up to skateboarding and photography? Since I saw the local skaters in my town I knew directly that was my thing. And then, naturally, through skating I picked up a camera to shoot my travels and the skateboarding life-style. What keeps you motivated and ready for more? If there is happiness within what I do, that’s what drives me and keeps me doing what I like.

¿Cuál es tu siguiente meta? Seguir yendo con la corriente; ya veremos.

Which is the next goal you have in mind? Keep on going with the flow - we will see.

¿Recuerdas cuál fue la primera meta que te propusiste, y la más reciente? No suelo fijarme metas en la vida, normalmente el universo decide por mí y yo simplemente voy con él.

Do you remember which were the first goal you set yourself to accomplish and the most recent one? I still haven’t set myself any goals in life, the universe normally decides for me and I go with it.

¿Qué sesión de fotos recordarás por siempre? La primera vez que experimenté haciendo fotografías de larga exposición. Fue alucinante ver la luz que pueden llegar a tener algunos paisajes, completamente imperceptible para el ojo.

Which photo shoot you will always remember? The first time I experienced shooting long exposure. It was mind-blowing to see how the landscapes have such a light that the eye cannot see.

¿Has tenido alguna vez una gran decepción? ¿Cómo hiciste para levantarte y seguir adelante? No puedo recordar ninguna gran desilusión, creo que así fue como me levanté y la superé: olvidándola.

Have you ever had any big disappointment? How or what did you do to pick yourself up and keep on going? I can’t remember any big disappointment; I guess that’s how I picked my self up – forgetting about it

¿Qué planes tienes para lo que queda de este año? Voy a terminar la renovación que le he estado haciendo a mi apartamento y luego disfrutar de éste con mi familia, y, por supuesto, seguir patinando y tomando fotos.

What plans do you have for what’s left of this year? I’m going to finish a renovation that I’ve been doing to my apartment and then enjoy it with my family and, of course, keep on skating and shooting pictures.

T: ALEX PUIG ROS

THOMAS SAUVIN CHINA EN 35mm

Cualquier romántico de la fotografía coincide en que la problemática principal de la era digital siempre se ha centrado en la banalización de la fotografía en sí, reduciéndola a la hora de disparar con una cámara. La facilidad con la que tomamos y borramos fotos ha acabado por convertir la fotografía convencional en un juguete, más que en una práctica capaz de captar instantes únicos de nuestra vida. Antaño, cada fotografía tenía un valor único y las imágenes no se reducían a un cúmulo de entes que flotaban en un espacio virtual. Y ni mucho menos eran susceptibles de ser completamente eliminadas en décimas de segundo con la muerte de nuestro espacio de almacenamiento. Las imágenes físicas, construidas en papel de 35mm, plasmaban un recuerdo palpable de la vida de cada uno y, en conjunto, de generaciones y costumbres enteras. Así lo descubrió Thomas con su proyecto ‘Beijing Silvermine’ cuando encontró en un vertedero en China, una inacabable colección de fotografías que plasman a la perfección el día a día del país a partir de mediados de los años ochenta, hasta la muerte del carrete. Un amplio testimonio físico de la arraigada cultura fotográfica de la China comunista del que se ha hecho eco por todo el mundo. Hace unos días, tuvimos el placer de hablar con él y aprender un poco más sobre su trabajo. Any photography idealist agrees that the main problem of the digital era resides in how photography has been trivialized and reduced to the mere instant the fingers press the shutter. We snap and erase so easily that it resembles a game more than a practice that allows you to capture unique moments in life. Before, each photograph had an intrinsic value; images were not reduced to an excess of bites floating in the cloud. They couldn’t be deleted in a matter of seconds, as our hard drive collapsed. Those physical images, built on 35mm film, possessed a palpable memory of a person’s life and, all together, of generations and cultures. That’s what Thomas discovered with his project Beijing Silvermine when he found in a landfill in China a never-ending collection of photographs that portray the everyday life of the country, from the mid-eighties until the death of film; a wide physical evidence of the photographic culture present in communist China and which has been echoed all over the world. A few days ago we had the opportunity of talking with Thomas and learning about his work.

Cuéntanos un poco sobre tu ‘Silvermine Project’. ¿Cómo encontraste estas fotografías? El proyecto ‘Silvermine’ comenzó en mayo del 2009, cuando conocí a un hombre llamado Xiaoma, él trabaja en una zona de reciclaje al norte de la ciudad, a donde llega una buena parte de la basura de Beijing. Allí, algunos se especializan en plásticos, otros en tapas de botellas de cerveza, él se encarga únicamente de la basura que contiene nitrato de plata, lo que prácticamente son radiografías de hospitales, discos compactos, pero también negativos fotográficos. Antes de sumergir todo esto en una gran piscina de ácido para recolectar este preciado químico, é accedió a venderme negativos por kilo, y así fue como empezó el proyecto ‘Beijing Silvermine’. Desde entonces he repetido este proceso cada mes, y el archivo ahora cuenta con un poco más de medio millón de negativos. Estas bolsas de arroz llenas de rollos húmedos, apestosos, polvorientos, rayados y estropeados de negativos, me han dado acceso a un universo visual altamente codificado, donde los sujetos siempre están de pie con la espalda recta en el centro de la imagen, mirando a la cámara. En estas fotos existe una paradoja entre la falta total de espontaneidad, por un lado, y la complicidad inherente entre fotógrafo y fotografiado, por el otro. En China hacer fotos es un ritual en donde siempre se debe posar y, haber el consentimiento necesario de parte y parte. El resultado son estas imágenes modestas, en muchas ocasiones graciosas y siempre entrañables. Has encontrado un verdadero tesoro. ¿Qué fotografía ha sido la que más te ha impactado? Al revisar el archivo varias veces, siempre me encuentro buscando estos ‘clichés’ que resaltan en esta forma de arte que es la fotografía para el recuerdo. Me acuerdo de la de un hombre sentado sobre una luna creciente hecha de piedra y con vista a la ciudad, o la de esta mujer en un vestido verde manzana de pie en medio de una mortal lucha entre un tiburón y un pulpo, o ésta otra, de una mujer escondida en un campo de margaritas de cinco metros de alto. Nunca me he topado con lo que se puede considerar una imagen chocante; se trata más de lo deliciosamente inesperado. ¿Encontraste alguna tendencia en estas fotografías? Nos enteramos de que te impresionó como en muchas de ellas aparecen mujeres junto a sus refrigeradores. El proyecto ‘Beijing Silvermine’ es un retrato fotográfico único de esta capital y de la vida de sus habitantes después de la Revolución Cultural. Cubre un periodo de veinte años, desde 1985, cuando los carretes de nitrato de plata comenzaron a ser utilizados de manera masiva en China, hasta el 2005, año en el que la fotografía digital se posicionó definitivamente. Durante estos veinte años se dio la apertura económica en China, las personas empezaron a gozar de una prosperidad nueva, comenzaron a viajar, a consumir, a divertirse. Y de hecho sí, algunas series inesperadas comenzaron a surgir, como la que mencionas. Hacia finales de los ochenta, a medida que las casas en Beijing comenzaban a modernizarse, era bastante común fotografiarse junto a tus adquisiciones más recientes… Por lo tanto tengo una cantidad alarmante de retratos de personas posando junto a sus refrigeradores… A través de estas fotos podemos entrar en las casas de las personas para descubrir afiches de Marilyn Monroe, James Dean y Sylvester Stallone… Estas imágenes son muy importantes, no sólo artísticamente, sino también para la historia. ¿Qué descubrimientos y conclusiones pudiste sacar de ellas con respecto al estilo de vida en China durante los años ochenta y el panorama comunista de la época? El escenario era aquel de una época en donde China se estaba comenzando a abrir al mundo. A través de todas estas fotografías caseras tomadas por personas comunes y corrientes, en realidad estamos presenciando el nacimiento de la China post-socialista. Este proyecto es

realmente importante porque muestra una cara del gigante asiático que nunca hemos visto antes. Desde el punto de vista occidental, cuando intentamos representar la China de los ochenta y noventa, los trágicos eventos de junio de 1989 tienden a darnos una imagen triste de opresión. A través de estas fotografías hechas por ciudadanos cualquiera, descubrimos algo muy diferente, vidas llenas de amor, amistad y humor. ¿Por qué crees que estas imágenes son tan poderosas? ¿Crees que se debe a la cantidad de rostros e historias desconocidas que yacen detrás? Creo que lo que hace que estas imágenes sean así de poderosas, más allá de los rostros e historias que puedan contener, es lo que cuentan. Es una experiencia bastante intensa el mirar imágenes sabiendo que fueron tomadas momentos antes del colapso, y poder observar pedazos de vidas, los cuales fueron tirados a la basura es bastante inusual y tiende a intensificar la conexión sentimental que desarrollamos con ellas. ¿Has conocido a algún sujeto o fotógrafo que haya participado en estas imágenes? Extrañamente no, o al menos no personalmente. Estas imágenes estuvieron durante un tiempo por todas partes en internet en China, y de hecho si me encontré con comentarios como, “Oh, la foto del niño sentado sobre la motocicleta, ¡soy yo!”. Sin embargo, buscar a estas personas nunca fue mi intención; el proyecto terminó siendo más un retrato anónimo de un lugar y un tiempo, y eso me gusta. Este proyecto es muy grande y ha tenido un gran cubrimiento por parte de los medios de comunicación. ¿Qué significa esto para ti y tu carrera? ¡Significa que debo pasar mucho tiempo respondiendo entrevistas y enviando archivos en alta resolución! Fuera de chiste, la difusión que ha tenido el proyecto en los últimos años ha sido fantástica, y eso me ha motivado a seguir haciéndolo. No tiene sentido hacer algo durante siete años de tu vida si no es para compartirlo. En cuanto a mi carrera (una palabra que no me gusta mucho), espero que me dé nuevas oportunidades para interactuar con grandes cantidades de imágenes olvidadas, ¡el mundo está lleno de ellas! ¿Encontraste algo relacionado con las demostraciones en Tiananmén o cualquier movimiento en contra del partido comunista? Sí, encontré algunas imágenes de personas en la Plaza de Tiananmén durante las demostraciones, no de activistas políticos involucrados, pero de personas comunes y corrientes que iban a ver lo que estaba sucediendo. Son imágenes alegres ya que fueron tomadas para recordar momentos felices de las vidas de estas personas. Por lo tanto el resultado son imágenes muy diferentes a aquellas hechas por los fotoperiodistas de la época. Gracias a la fotografía analógica podemos disfrutar de estas imágenes. ¿Qué opinas de la fotografía digital? Como artista, ¿te beneficia de alguna manera? Sólo tengo buenos comentarios con respecto a la fotografía digital. Soy un adicto al medio, sin importar si es analógico o digital. Te digo una cosa, la persona que en cincuenta años decida hacer algo parecido con las imágenes de Instagram, seguro que se divertirá mucho, puede que se vuelva un poco loco, pero sin duda construirá algo con un gran valor histórico. ¿Tienes en mente algún nuevo proyecto? Sí, algunos, incluido un libro fotográfico en el cual he estado trabajando por los últimos dos años… tal vez podamos hablar de él en otra entrevista. El monotema de esta edición es ACID, ¿qué es lo más ácido que te ha sucedido? Creo que tener un hijo.

Tell us a little bit about your ‘Silvermine Project’. How did you find these photographs? ‘Beijing Silvermine’ started in May 2009 out of my meeting with a man called Xiaoma, who works in a recycling zone north of town, where part of the city’s garbage ends up. Over there, some specialize in plastics, some in beer bottle caps, but he solely concentrates on trash containing silver nitrate, which essentially means hospital x-rays, CD-ROMs, but also negative film. Before drowning it all in a big pool of acid in order to collect this precious silver, he agreed to sell me negative film by the kilo, and that’s how the ‘Beijing Silvermine’ project was born. Ever since, I have been repeating this collecting process every month, and the archive now counts a little more than half a million negatives. These rice bags filled with thousands of rolls of slobbery, stinky, dusty, scratched, crumpled and humid negative film, have allowed me to access a highly codified visual universe, where the subject is always standing up straight at the center of the image, looking into the objective. In these photos, there is a paradox between this total absence of spontaneity, on one hand, and on the other, the inherent complicity between the photographer and the photographed; in China taking pictures is a ritual, it always involves posing and a necessary consent. The results are these unpretentious, often quite funny, and undoubtedly endearing images. You‘ve found real treasures here. Which photograph has shocked you the most? While reviewing this archive several times, I was constantly looking for these few ‘clichés’, which stand out in this art form that is souvenir photography. I’m thinking of a man sitting on a crescent moon made of stone looking out towards the city, or a woman in an apple-green dress standing in the middle of a deadly fight between a shark and an octopus, or another hidden in a field of 15-feet-tall daisies. I’ve never found what we can call shocking images; it’s rather about the deliciously unexpected. Did you discover any social photography trend? We’ve read that the number of images that you found with women by their fridges amazed you. ‘Beijing Silvermine’ is a unique photographic portrait of the capital and the life of its inhabitants following the Cultural Revolution. It covers a period of 20 years, from 1985, namely when silver film first started being used massively in China, to 2005, when digital photography started to start over. These 20 years are those of China’s economic opening, when people started prospering, traveling, consuming, having fun. Indeed, a number of unexpected series naturally started to stand out, as the one you mention. At the end of the eighties, as Beijing households started modernizing, it was quite usual to be photographed next to your latest purchases... I therefore have a tremendous amount of portraits of people posing next to their refrigerator... Through these photos we enter people’s homes only to discover posters of Marilyn Monroe, James Dean, Sylvester Stallone... These images are really important, not only artistically, but historically as well. Which discoveries and conclusions can we draw about the Chinese lifestyle of the eighties and the communist panorama at that time? The scenario was that of a time when China is only starting to open up to the West. Through all these souvenir snapshots taken by the anonymous and everyday Chinese, we’re in reality witnessing the birth of post-Socialist China. What I find truly important with this project is that it shows a face of China that hasn’t been shown before. From a western point of view, when we

try to portrait the Chinese from the eighties and nineties, the tragic events of June 1989 tend to give us an image of darkness and oppression. Through these images taken by everyday Chinese, we discover something very different, lives filled with love, friendship and humor. Why do you think these images are so hunting? Is it because of the unknown faces and stories that hide behind? I guess what makes these images so hunting, above the faces and stories they may unveil, is the tale behind them. I believe it’s a rather intense experience to look at images knowing they were shot on the very dawn of destruction, and to be able to witness pieces of lives that were thrown away, this unusual situation tends to intensify the sentimental connection we have with them. Have you ever met somebody that appears on or took any of these photographs? Strangely no, or at least not personally. These images were for some time all over the Chinese internet and I did find comments where people would write ‘Oh, the photo of the kid sitting on a motorcycle, it’s me!’ This being said, tracking down the people in the photos was never part of my goal, the project turned out to draw an anonymous portrait of a place and a time and I like it that way. This project is so huge and has had a great diffusion in the media. What does it mean for you and your career? It means I have to spend a lot of my time answering interviews and sending high-resolution files! Joke aside, the media coverage of the project over the past years was fantastic indeed, and it has always encouraged me to keep on digging. There is no point about investing seven years of your life in such a project if it’s not to share the fruits of this work. Concerning my career (a word I quite dislike), I hope it will give me new opportunities to deal with large amounts of discarded images; the world is full of them! Did you find anything related with the demonstrations at Tiananmen or any kind of movement against the communist party? Yes, I did find some images of people having their photo shot at the Tiananmen Square during the demonstrations, not political activists involved in the protest, just everyday people who would go to have a look. They are happy images because people shot them to recall happy moments of their lives; it therefore results in images that are very different from the ones taken by a photojournalist at the time. Thanks to analog photography we can enjoy these photographs. What do you think of digital photography? As an artist, it benefits you someway? I think nothing but good things about digital photography. I am addicted to the medium no matter if it’s analog or digital really. I can tell you one thing, the person who in fifty years of time will do a similar project with the Instagram database will have a lot of fun, might go slightly insane, and can surely build something of a strong historical value. Are you thinking about any new projects right now? Yes, quite a few, including a photo book I’ve been working on for the past two years… Maybe something we can discuss in another interview?! This issue’s theme is ACID. Which is the most acid thing that has ever happened to you? Having a kid I suppose.

A veces, es más importante lo que callas que lo que dices. Lo que no está, que lo que realmente está. El significado de las cosas va más allá de su forma física o material. El ojo humano está preparado para analizar lo que ve, pero hay que educarlo para que sepa ir más allá de lo perceptible. Alexis Vasilikos es una de esas personas que siente pasión por lo que no se ve. En sus fotografías, el vacío es el protagonista. Y no es que lo ande buscando, es que simplemente lo ve, nunca mejor dicho. Al igual que la ausencia, la de etiquetas y de ideas preconcebidas. Para él, como decía el escritor y compositor George Gurdjieff, “la libertad es primero de todo, liberarte de toda identificación”. Por eso, cuando te pongas ante las obras de este fotógrafo griego, libértate de todo. Olvídate de la información que te transmiten los objetos o lugares que ves y mira más allá. Fíjate en lo que no está y visualízate como si fueras una hoja en blanco. Cuando llegues a una conclusión propia será cuando hayas exprimido la experiencia sensorial al máximo. Felicidades. Sometimes it’s more important what you hush than you what say, what’s missing than what it’s actually there. The meaning of things goes beyond their physical shape or matter. The human eye is prepared to analyze what it sees, but it must be taught to go further than what’s perceptible. Alexis Vasilikos is truly passionate for what he sees. In his photographs, void is the protagonist. And not because he is looking for it, he just detects it, simple as that. Just as the absence of labels and preconceived ideas. For this Greek photographer, the words of writer George Gurdjieff, resound, “Freedom is first of all freedom from identification”. This means that for the next time you look at one of his photographs, free yourself from everything, forget all the information provided by your physical reality, go farther. Focus on what’s not there and picture yourself as an empty canvas, embrace the sensorial experience to the fullest and then, just then, you’ll be able to arrive to you own conclusions, free of judgments. Congratulations.

www.alexisvasilikos.net

T: ANTONELLA SONZA

Alexis Vasilikos La importancia de lo que no se ve

Primero debemos ser libres, y luego en realidad no importa si triunfas o no, porque sin identificaci贸n estar谩s bien bajo todas las circunstancias

Tu trabajo fotográfico tiene fuertes ápices de misterio. ¿Por qué te sientes atraído hacia los espacios vacíos y la grandeza de la realidad cotidiana? Los espacios vacíos y la grandeza de la realidad cotidiana suenan bastante bien. ¿Por qué no estar atraído a ellos? En realidad, no soy consciente de esto de manera objetiva, simplemente es mi flujo natural desenvolviéndose, no salgo en busca de estas cosas, se manifiestan misteriosamente ante mí, sin embargo, hay cierta grandeza en la vida que está presente en cada una de sus infinitas expresiones y yo estoy feliz y agradecido de poder revelarlas a través de mi trabajo. También existe cierto misterio sobre ti. ¿Es la fotografía el amor de tu vida? ¿Cómo te iniciaste en ella? No, la fotografía no es el amor de mi vida, aunque la amo. Empecé con la fotografía hace muchos años como un medio para acallar la mente, como un tipo de meditación, y continué practicándola de esta manera por muchos años más, hasta que se convirtió en un movimiento espontáneo. Ahora, ha pasado a ser parte de mi funcionamiento diario, sólo sucede, no tengo la sensación de hacer nada al respecto. ¿Para ti qué es más importante, la fotografía en sí o su significado? ¿Intentas hacer que las personas se olviden de sus conceptos anteriores y las miren como son, tan libres de prejuicios como es posible? Lo más importante no es ni la fotografía ni su significado, sino descubrir quién es el fotógrafo. Yo no intento hacer que las personas olviden, sólo resalto el hecho de que tenemos la opción de tener una percepción directa y no-conceptual, pero también reconozco y respeto que muchas personas disfrutan del pensar, así que depende de ellas el camino a seguir, puedes ver las imágenes sin proyectar ningún concepto sobre ellas, o puedes pensar lo que quieras de ellas, las imágenes no tienen ningún significado inherente. Hace veinte años que te dedicas a la fotografía. Haciendo un balance, ¿cuáles han sido los puntos más destacados en tu carrera? No lo sé, estas charlas se me asemejan a un obituario, y para mí es muy difícil responder ya que al hacerlo implicaría que tengo una idea fija sobre mí, y eso es algo que no tengo. Como dice Mooji, “al definirte a ti mismo te estás confinando a ti mismo”.

Cuéntanos algo que te obsesione últimamente. Soko – I thought I was an alien (Álbum Completo (2012) Cuéntanos acerca de tu rol como editor en Phases Magazine. ¿Qué atributo aprecias más cuando estás seleccionado portafolios? En Phases Magazine compartimos aquello que consideramos hermoso dentro de la fotografía contemporánea. El rol de editor es parecido al rol de DJ; estás intentando crear un ambiente, un campo energético donde las personas disfruten al escuchar, en este caso, al ver. No se trata de un solo atributo, pero si tuviese que escoger uno, diría que la autenticidad es el más importante, ya que si un trabajo es auténtico, quiere decir que viene directo del corazón, y cuando viene del corazón su potencial es trascendental. Desde tu experiencia, ¿qué consejo le darías a alguien que está intentando triunfar en el mundo de la fotografía? No le aconsejaría a nadie intentar triunfar en ningún mundo, la satisfacción duradera no existe cuando se asocia a alguna forma. Es por esto que lo más fundamental para el ser humano es recordar que tiene la posibilidad de no identificarse con nada. Gurdjieff dijo esto de una manera hermosa, “la libertad es en un principio estar libre de identificación”, así que primero debemos ser libres, y luego en realidad no importa si triunfas o no, porque sin identificación estarás bien bajo todas las circunstancias. Cuéntanos acerca de tus próximos proyectos. Acabo de terminar una exposición en solitario llamada “Here Is All There Is” (Aquí Está Todo Lo Que Es), que está actualmente exhibiéndose en la Galería Can Christina Androulidaki. También, el mes pasado dictamos un taller con George Salameh sobre Fotografía Peripatética, así que por el momento no hay proyectos, es hora de descansar un poco, tal vez viajaré al norte de Europa para visitar algunos amigos. El monotema de esta edición de la revista es ACID. ¿Qué es lo más ácido que te ha sucedido? Conocer a mi Gurú, Sri Mooji, en Rishikesh en el 2004. ¡Gracia ácida!

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First we need to be free, then it doesnâ&#x20AC;&#x2122;t matter so much if you make it or donâ&#x20AC;&#x2122;t make it, because without identification you are fine under all circumstances

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There is a great sense of mystery in your photography. Why do you feel attracted to empty spaces and the greatness of everyday reality? Empty spaces and the greatness of everyday reality sound good. Why not be attracted to them? Honestly, I’m not really aware of it in an objective way, it’s just my natural flow unfolding itself, I don’t go out looking for these things, they are mysteriously manifesting in me, but there is a greatness in life which is present in its infinite expressions and I’m happy and grateful if it can be revealed through my work. There is a kind of mystery about you too. Is photography the love of your life? How did you get into it? No, photography is not the love of my life, although I love it. I started to use photography many years ago as a way to still the mind, a form of meditation, and I continued to practice it in this way for many years, until it became a kind of spontaneous movement. Now, it’s internalized in my daily functioning, it just happens, I don’t have a feeling of doing anything about it. For you, what’s more important, the photograph itself or its meaning? Do you try to make people forget about a previous conceptualization and just look at it as free of prejudices as they can? What’s most important is nor the photograph or its meaning, but to find out who is the photographer. No, I don’t try to make people forget, I just point out that we have the option of direct, non-conceptual perception, but I also acknowledge and respect that many people enjoy thinking, so it’s up to you which path you’ll follow, you can see the images without projecting concepts on top of them or you can think what you like about them, the images don’t have any inherent meaning in themselves. You have been a photographer for 20 years now. Doing some balance, which have been the highlights of your career? I don’t know, this kind of talks feel like an obituary to me, and it’s also hard to tell because to answer to this question it would imply that I have a fixed idea for myself and that is something that I don’t have. As Mooji says, “to define oneself is to confine oneself”.

What obsesses you lately? Soko - I thought I was an alien (Full Album) (2012) Talk us about your role as an editor in Phases Magazine. Which attribute do you appreciate the most when you are selecting portfolios? In Phases Magazine we are sharing what we feel is beautiful in contemporary photography. The role of the editor is a bit like the role of the DJ; you are trying to create an environment, an energy field where people can enjoy listening, in this case seeing. It’s not about one single quality, but if I had point one out, I would say authenticity is the most important because if a work is authentic, it means that it comes straight from the heart, and when it comes from the heart it has a transcendental potential. From your experience, what piece of advice could you give to anyone that’s trying to make it in the world of photography? I wouldn’t advise anyone to try to make it in any world, there is no lasting satisfaction coming from the association with any form. This is why the most fundamental thing for a human being is to remember that we have the possibility of not identifying with anything. Gurdjieff put it beautifully when he said: “Freedom is first of all freedom from identification”, so first we need to be free and then it doesn’t matter so much if you make it or don’t make it, because without identification you are fine under all circumstances. Tell us about your upcoming projects. We just finished working on a solo show in Athens, which is called “Here Is All There Is“ and it’s currently on view at Can Christina Androulidaki Gallery. Also, last month we dictated a workshop with George Salameh on Peripatetic Photography, so for the time being, there are no projects going on, it’s time to rest a bit, maybe I’ll travel to the north of Europe to visit a few friends. The theme of our next issue is ACID. Which is the most acid thing that has ever happened to you? The meeting with my Guru, Sri Mooji in Rishikesh, in the year 2004. Acid Grace!

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K I L L E R A C I D Y su psicodelia infantil

T: FELIPE DUARTE

Hace ya treinta minutos que aquel agrio sabor inundó la boca. Los químicos ahora corren libres por el cuerpo, galopando por el torrente sanguíneo en una carrera interminable, su misión es apoderarse del sistema nervioso. Un nuevo mundo emerge, donde los sonidos se materializan en formas y bailan mientras los sabores adquieren color y la luz, antes sólo percibida por los ojos, ahora toca la piel como una caricia brindada por Dios, cálida y reconfortante. Renacida y despierta, la mente empieza a vagar; el ego ha muerto y vuelto a nacer, abierto a la inspiración y sin ningún prejuicio, dispuesto a absorber y darlo todo. El mundo de Killer Acid es crudo, infantil y mágico, algunas veces violento, mas siempre agresivo, se adhiere a la mente impidiendo que los ojos aparten la mirada. Colores y formas psicodélicas, escenas grotescas llenas de encanto, imágenes procedentes del mundo onírico, traídas a la vida gracias a la expresión honesta del corazón de este artista, y es precisamente eso lo que hace su trabajo excepcional. It’s been thirty minutes since that sourly taste flooded the mouth. The chemicals now run free through the body, galloping through the bloodstream in a never-ending race, aiming to seize the nervous system. A new world emerges where, where sounds materialize into shape and dance, flavors become colors and the light that once was just perceived through the eyes, now touches the skin as a gentle caress provided by God. Awoken and reborn, the mind starts to vague; the ego has died and a new one is conceived, open to inspiration and free of prejudices, willing to absorb and give it all. The universe of Killer Acid is raw, childish and magical, sometimes violent and always aggressive, it sticks to the mind hindering both eyes to look away. Colors and psychedelic forms, sinister scenes of grotesque wonder, images from the dreamworld brought to life by this artist as an honest expression of his heart, that’s what makes it true and sincere.

www.killeracid.com

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¿Qué significa para ti la palabra ACID, en términos generales y artísticos? Mientras crecí tuve un grupo de amigos muy cercano. Por ese entonces los ácidos no estaban de moda como hoy en día. Nosotros éramos las únicas personas que conocíamos que estuviesen experimentando. No vivíamos en California. Esto era Delaware, un estado pequeño y muy conservador cerca a Filadelfia. Durante los años noventa todo tenía que ver con Nirvana, Pearl Jam y Mariah Carey. Nosotros éramos los raritos. Escuchábamos principalmente garage rock, rock clásico, o gangsta rap. Mi banda favorita era The Chocolate Watchband. Todos mis amigos venían de hogares rotos. Éramos nuestra propia familia. Yo probablemente era el más artista; tímido, imaginativo, delgado y con el pelo largo y ondeante. A menudo, sentado en la parte de atrás del Chrysler New Yorker, dibujaba extraterrestres y monstruos, intentando plasmar todas las entrañas coloridas de mi cabeza en papel. Estábamos muy interesados en el uso de las drogas como método expansivo de la mente; estilo Jim Morrison. No tengo dudas de que el haber ‘tripado’ cuando tenía 17 o 18 años alteró mi percepción y probablemente me dio el coraje para mandar a la mierda el status quo, para entender que la vida moderna es una trampa, una marcha sistemática condenada de antemano a la muerte. Allí, acostado sobre el césped tibio, viendo aviones cortar el cielo azul de octubre, sangraba en miles de copias menguantes, como si estuviese mirando a través de un kaleidoscopio. Para mí eso era real. Entonces, la pregunta pasó a ser, ¿ahora qué? ¿Qué puedes hacer con el ácido en términos prácticos? Muchas personas traducen arte ‘ácido’ o ‘trippy’ como una criatura que se derrite o gotea. Para mí se parece más a una máquina, a un insecto, una fusión futurista entre hombre y máquina. Muchas veces alucino pensando que las paredes respiran, y el papel tapiz y los árboles se mueven como en una matriz ante mis ojos. Cuando miro el interior de mi mente veo ruedas o espirales de insectos bailando, mandíbulas verdes, patas, antenas, ojos. Creo que nunca he logrado capturar por completo en papel la verdadera sensación que me producen los ácidos. Siempre termino dibujando caricaturas divirtiéndose con la experiencia psicoactiva, o conmigo mismo. Algunas de tus obras me recuerdan a Basquiat, especialmente en cuanto al uso del color y la composición, también en el expresionismo infantil, por ejemplo en ‘Head of Bart’. ¿Podrías explicarnos tu proceso y método cuando trabajas? Me encanta dibujar pequeños personajes corriendo por ahí o poblando cabezas más grandes. Head of Bart fue una pieza muy divertida de crear porque no hice ningún boceto ni plan previo, la realicé de una vez. Amo el uso del color de Basquiat. Algunas veces me gustaría poder ser así de suelto o expresionista (risas). Mi trasfondo es más cercano a las serigrafías, y suelo pensar más en términos de ‘¿cómo quedará esto impreso?’ o ‘¿cómo puedo hacer para que esto se vea genial?’ Algunas veces es agradable desordenar todo. En la vida adulta se supone que todo debe tener un orden, debes alcanzar un éxito mesurable, tener metas, comprar cosas, casa y coche, vacaciones, trabajo. En cambio, la mente infantil no se preocupa por estas cosas prácticas. Para ésta, todo es sensorial, se basa en los sentimientos, deseos, vibraciones. Claro, con esto no pagarás las cuentas, a menos de que seas Basquiat. Aunque él no parecía estar muy feliz. Su vida fue más bien trágica. Si yo debo estar aquí, en la Tierra, quiero ser feliz. Es bueno mantener esa fantasía infantil viva, pero sin perderte en ella. Dibujo todos los días. Algunas veces lo que dibujo es una basura. Algunas veces intento ser gracioso o autocrítico. En ocasiones me siento realmente enojado y me dan ganas de hacer algo más significativo. Algunas veces me siento lleno de amor y quiero estar relajado y tranquilo. Mi proceso suele empezar con una palabra, o tal vez una frase. Puedo jugar con una idea por meses, aunque casi siempre las mejores obras salen por sí solas, como mierda mental. Muchas de tus serigrafías tienen la habilidad de transmitir cierto tipo de dolor, físico y mental, ¿esto se debe a una purga que experimentas mientras las creas o a algún miedo que te guía? Si no, ¿de dónde viene esta inspiración? Me mudé a la ciudad de Nueva York cuando tenía veinte años y casi no conocía a nadie. Experimenté mucho dolor, soledad, y muerte, casi demasiado como para durar mucho tiempo. Intento no quedarme atado en el pasado, pues eso puede ser un verdadero coñazo mental. Tal vez el dibujar cosas extrañas / mie-

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dosas / oscuras me ayuda a sobrepasar estas experiencias negativas. Así como la música blues. ¿Cuál es la importancia de lo grotesco en tu obra y por qué decides recurrir a ello? Algunas veces las personas dicen que mis piezas son oscuras, o espantosas. Para mí son normales. Creo que mi trabajo no es más que una expresión honesta de donde está mi cabeza en ese momento. Algunas veces hago serigrafías más grandes con significados más complejos, pero otras veces sólo quiero hacer comics, o bananas conduciendo una motocicleta, o un vaquero extra-terrestre. Cuéntanos la historia detrás del nombre Killer Acid. Tiene dos significados. Uno, “esto está realmente bueno, qué buen ácido”. El otro es en realidad el químico tóxico que quemaría tu cara. Yo crecí cerca de la sede del conglomerado químico de la Compañía DuPont. Por lo tanto, siempre estábamos asustados de tener cáncer por tomar agua del grifo. El término Killer Acid viene originalmente de mi antigua banda, Mixel Píxel. Hay una canción que se llama At The Arcade en la cual dice “We just scored some killer acid / Acabamos de conseguir un ácido increíble”. Eres músico también, ¿cuáles son las diferencias entre componer una canción y hacer una obra de arte? Para hacer arte no necesitas un amplificador ni una banda, ni un agente ni una furgoneta, no necesitas percusión ni un técnico de sonido, mucho menos un sello discográfico. Sólo me necesito a mí mismo y a algunos amigos cercanos para intercambiar ideas. Es una tarea mucho más solitaria (risas). Algunos días extraño las sesiones de grabación. Me encantaba levantarme por la mañana y sólo pensar en canciones. Creo que mis ganas de hacer música fueron destruidas por la industria musical. Pero logré sacar ocho álbumes. Eso es suficiente. Has dicho que parte de tu inspiración viene de los sueños y las pesadillas. ¿Tienes alguna pesadilla recurrente o que recuerdes vívidamente? Uno de los sueños más vívidos que he tenido fue justo después del 11 de septiembre. En ese entonces solía vivir en Manhattan, a sólo kilómetro y medio del World Trade Center. Vi cómo las torres se caían mientras caminaba al trabajo. Esa experiencia me ofreció muchísimos escenarios apocalípticos, y puede que ese sea el objetivo del terror, invadir no sólo tus pensamientos conscientes, sino también aquellos en tu subconsciente. En todo caso, en el sueño estoy corriendo por la isla de Manhattan a medida que objetos cada vez más grandes caen del cielo, al principio son libros, buzones, luego animales, sillones, coches, buses, aviones, cohetes. A medida que estoy corriendo noto cómo el escenario viaja en el tiempo hacia el pasado. Los rascacielos se convierten en edificios altos, luego en casas de piedra, chozas de madera, cabañas y, finalmente, en carpas. Al final de sueño, estoy de pie en la costa en la parte sur de la isla. No hay personas ni casas, sólo árboles y arena. Puedo escuchar los grillos y a las aves en la distancia. El sol se pone. Mi pies están en el agua y miro hacia el río. En el sueño siento como si hubiese vencido al tiempo. Que estoy a salvo. Muchas de tus obras pueden ser consideradas como parodias a la cultura pop. ¿Qué atributos crees necesarios para que una parodia sea brillante o asombrosa? Creo que hay maneras muy originales de girar la cultura pop. Me encanta como Ermsy lo hace, con la mezcla perfecta entre lo sentimental y lo urbano. Sus dibujos parecen simples, sin embargo algunos de sus personajes son realmente complejos. También me fascina Ray Johnson, The Hairy Who, Paper Rad, todos ellos son maestros de la parodia pop. La gente se equivoca cuando simplemente dibujan un Bart Simpson aburrido, aunque lo cambien un poco. Creo que es necesario realmente sentir aquello que estas usando, incorporarlo dentro de tu trabajo, y que pase a ser parte de un universo más grande. ¿Qué metas te quedan por cumplir como artista? Me gustaría mucho viajar más por trabajo. Tal vez podría hacer más murales alrededor del mundo. También quiero intentar aumentar el tamaño este año; es liberador pasar de un cuaderno a una pared de seis metros, o pasar de un computador a una pantalla de cine. Quiero concebir por completo el universo de Killer Acid y saltar en el ácido sin chaleco salvavidas.

ALLÍ, ACOSTADO SOBRE EL CÉSPED TIBIO, VIENDO AVIONES CORTAR EL CIELO AZUL DE OCTUBRE, SANGRABA EN MILES DE COPIAS MENGUANTES, COMO SI ESTUVIESE MIRANDO A TRAVÉS DE UN KALEIDOSCOPIO

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What does the word ACID means to you in general and artistic terms? I had a very tight knit crew of friends growing up. Acid wasn’t in style like it is today. We were the only people I knew who were experimenting with it. We didn’t live in California. This was Delaware — a small, conservative state right near Philadelphia -. In the 90’s it was all Nirvana, Pearl Jam and Mariah Carey. We were weirdos. We mostly listened to garage rock, classic rock, or gansta rap. My favorite band was The Chocolate Watchband. All my friends came from broken homes. We were our own family. I was probably the most artsy— shy, imaginative, skinny, with long wavy hair— often sitting in the back seat of the Chrysler New Yorker, drawing aliens, monsters and trying to cram the colorful insides of my head onto a notebook page. We were super into the concept of drugs as mind expansion— a very Jim Morrison stereotype -. I have no doubt that tripping when I was 17 and 18 altered my perception, and probably gave me the guts to say fuck the status quo, to realize that modern life is a trap, a preordained systematic march to death. Laying on the warm grass, watching airplanes cutting through blue October skies, bleeding out into 1000 diminishing copies, like looking through kaleidoscope eyes. To me that was real. Now the question becomes, what’s next? What do you do with acid in a practical sense? A lot of people translate ‘acid’ or ‘trippy’ art as a melted or drippy creature. I don’t find acid to be particularly melty, or at least not drippy for the sake of drippy. To me, it is more machine, more insect, something like the future fusion of man and machine. I often hallucinate that rooms are breathing, wallpaper or tree bark is moving like a matrix of eyes. When I look inside my mind I see wheels or spirals of dancing insects— green mandibles, legs, feelers, eyes -. I don’t think I’ve ever fully captured anything close to the real feeling of acid. I usually end up just drawing cartoons poking fun at the drug experience, or myself. Some of you works remind me of Basquiat, especially when it comes to the use of color and composition, maybe also in the childlike expressionism, for example ‘Head of Bart’. Could you explain to us your process and method when creating a new piece? I love to draw little characters running around or populating bigger heads. I think the ‘Head of Bart’ drawing was really fun because I didn’t sketch it or plan it out— just drew it in one sitting. I really love Basquiat’s color usage. I sometimes wish that I could be as loose or expressionistic as him (laughs). I come from more of a Screen Printing background, and tend to think more in terms of ‘how will this translate into a print?’ or ‘how can I make this thing look super slick?’ It’s nice sometimes to just make a huge mess. Everything in the life of an adult is supposed to be order, measured success, life goals, buying things, house and car, vacation, work. The mind of a child isn’t so concerned with these practical things. To him or her, it’s all sensory, feelings, desires, vibes. Of course, all that won’t pay the bills— unless you’re Basquiat -. He never seemed very happy though. His life was rather tragic. If I have to be here on Earth, I really want to be happy while I am here. It is good to keep that sense of childhood fantasy— just not to get lost in it -. I draw every day. Sometimes the stuff I draw is garbage. Sometimes I try to be funny, or self-deprecating. Sometimes I feel really angry and want to make something more meaningful. Sometimes I feel very full of love and want to be very chill and California. My process often begins with a word, or maybe a phrase. Sometimes I will play with an idea for months, but usually the best stuff just slides out, like mental poop. Several of your prints posses the ability to convey some kind of pain, physical and mental, is this due to a purge you experience while creating them or a driven sense of fear? If not, from where does this inspiration arise? I moved to New York City when I was twenty and I barely knew anyone. I experienced a lot of pain, loneliness, and death— enough trials and emotional damage probably to last a long time -. I try to not get so caught up in the past. It can be a

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real mind fuck. Maybe drawing weird / scary / dark stuff helps to get beyond these bad things. It’s like blues music. What is the importance of the grotesque in you work and why do you recur to it? Sometimes people say my work is dark, or scary. To me, it seems normal. I think my work is just an honest expression of where my head is at. Sometimes I do bigger prints with more complicated meanings. But sometimes I just want to draw comics, or bananas riding a motorcycle, or an alien cowboy. What’s the story behind the name Killer Acid? I think it has two meanings. One— “this is some good shit, some good acid” -. The other— this is actually some toxic chemical that will burn your face off -. I grew up near the chemical dynasty of the DuPont Company. We were always freaked out about getting cancer by drinking the water. The term Killer Acid originally comes from my old band, Mixel Pixel. There is a song called ‘At The Arcade’ where it says ‘“We just scored some killer acid”. You are a musician too, what are the differences between making a song and a piece of art? For making art I don’t need an amp and a band and a booking agent and a van and drums and a soundman and a record label. I just need myself and a few close friends, who I can bounce ideas back and forth. It’s a way more lonely endeavor (laughs). I miss recording music sometimes. I used to love waking up every day and thinking about songs. I think my spirit for making music was killed by the music industry. But I put out about 8 albums. That is enough. You have said that some of your inspiration comes from dreams and nightmares. Do you have any recurrent nightmare or one you vividly remember? One of the most vivid dreams I had was right after 9/11. I lived in Manhattan at the time, about a mile uptown from ground zero. I watched the towers fall while walking to work. That experience gave me a ton of doomsday scenario nightmares— guess maybe that’s the point of terror— to invade not only our waking thoughts, but also our dreaming minds. Anyway, in the dream I was running down the island of Manhattan. Larger and larger objects were falling from the sky, starting with books, mailboxes, animals, couches, cars, buses, airplanes, rockets. As I was running, I noticed that the scenery was moving back in time. Skyscrapers gave way to tall buildings, brownstones, tenement houses, then wooden shacks, crude huts, and finally tents. At the end of the dream, I was standing on the beach at the very bottom of the island. There were no people, or houses, only trees and sand. I could hear the sounds of crickets and distant birds. The sun was setting. My feet were in the water, looking out at the river. I feel in the dream that I have outrun the time. That I am safe. Many of your pieces can be considered as parodies to pop-culture, what attributes do you think make a parody amazing or brilliant? I think there are very original ways to twist pop culture. I love how Ermsy does it— like a perfect blend of sentimental and street -. His drawing seems effortless, yet some of his characters are really complex. I also really love Ray Johnson, The Hairy Who, Paper Rad — all masters of pop parody -. Where people go wrong is when they just draw a boring ass Bart Simpson, even if they twist it a little. I think you need to really feel the thing you are using, and incorporate it whole heartedly into your work— making it part of a larger world -. What goals are left for you to accomplish as a visual artist? I would really like to travel more for work. Maybe I could paint more murals around the world. I want to try and increase the scale this year— it’s always liberating to go from a notebook to a twenty-foot wall, or to go from a computer screen to a movie screen -. I want to fully realize the world of Killer Acid, and jump into the acid with no life jacket.

LAYING ON THE WARM GRASS, WATCHING AIRPLANES CUTTING THROUGH BLUE OCTOBER SKIES, BLEEDING OUT INTO 1000 DIMINISHING COPIES, LIKE LOOKING THROUGH KALEIDOSCOPE EYES

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T: EVA VILLAZALA

JOAN TARRAGÓ PURA VIDA Y además de verdad. Lo de este artista es vivir rápido y sencillo. Escuchándolo parece que el estrés del movimiento continuo no está reñido con el modo zen que se necesita para captar conocimiento y seguir creciendo en y por el mundo. Viajar y dibujar son sus dos grandes metas, las que cultiva y riega cada día con una energía que transmite a cada paso. Una forma de ser y estar en la vida que marcamos como ejemplo. Él es el artista elegido por lamono para plasmar el concepto de movimiento en la ciudad, en esta ocasión subido a una bicicleta y el resultado es la ilustración que Oakley regala con este número de lamono para que te lleves un trocito de Joan Tarragó a casa. De él y de su energía plasmada en símbolos. Porque todo es lo que parece, solo hay que saber mirar.

This artist keeps his life fast and simple, also honest, true to his beliefs. When he speaks, it seems like the everyday stress that comes from being on the run does not permeate his zen reality, through which he keeps on learning and growing as he cruises the world. Traveling and painting are his two main desires, which he cultivates and nourishes each day through his unique energy. In other words, this guy sets an example. In lamono we chose him to represent the concept of movement within the city, and he did so riding his bike to later create an illustration Oakley is offering with this issue, so you can take a piece of Joan Tarragó home with you, a piece of his energy embodied through symbols. Because everything is what it seems, if you look the right way.

joantarrago.com

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¿Háblanos de tus inicios, cuándo supiste que el lápiz formaría parte de ti? Fue muchos años atrás, hace tantos que ya no lo recuerdo con exactitud pero era pequeño, siempre iba con un lápiz encima y aunque no destacaba por mi forma de dibujar lo hacía sin parar. Aunque dejando mi infancia de lado la cúspide de mi interés por la ilustración fue en el viaje de Erasmus a Grecia (año 20032004) cuando el dibujar se convirtió en una obsesión. Cualquier situación y cualquier lugar se convertían en idóneos para plasmar mis impresiones del viaje. Así que manteles de papel de un bar, paredes del barrio de Monastiraki o incluso mi propia ropa se convirtieron en cómplices de esa obsesión. Y para mí eso era mucho más intenso y significativo que acumular fotos o archivos en un disco duro. ¿Cuál es tu fuente de inspiración a la hora de crear? Inicialmente comencé inspirándome en el simbolismo de la magia “marabu” por un viaje que realicé a Mozambique en el 2002 para visitar a mi hermano. Tuve la suerte de asistir a un ritual Marabú bastante intenso y fue una de las experiencias más auténticas que jamás he vivido. Me alucinó el secretismo de la naturaleza del voodoo y la tradición de pasar sus historias de generación en generación. En esos rituales se utiliza un lenguaje visual amplio y muy rico, ellos dibujan en el suelo y hablan hacia los dioses de arriba. A raíz de esta experiencia me interesé por esos dibujos ritualísticos y primitivos de formas geométricas antiguas. De hecho, muchas de mis tipografías hechas a mano están inspiradas en ese imaginario. Después viajé todo lo que pude: Marruecos, Colombia, Vietnam, Camboya, Thailandia, etc.. en busca de lenguajes gráficos antiguos con la idea de entenderlos, filtrarlos y llevarlos a mi campo de trabajo. Por ejemplo, recuerdo un proyecto con una marca de surf bien conocida, donde mezclé los tatuajes tradicionales de la polinesia con el imaginario voodoo, contrastando lo orgánico con lo sintético, lo urbano con lo natural, lo antiguo con lo moderno. Me gustan esos contrastes. Por otro lado hay una carga de inspiración que viene directamente de la fauna y flora que nos rodea. El mediterráneo y los pirineos son una fuente grandiosa de inspiración para sacar una infinidad de texturas y formas orgánicas. Tus piezas tienen mucho de old school, de tatuaje, de moto custom, ¿con qué estética te identificas? Creo que mis piezas son el resultado de mezclar varias estéticas como la gráfica skate de los 80’s, la pisco-delia, el simbolismo, el tatuaje y el leguaje primitivo actualizado. En esta ocasión, la obra que has realizado para Oakley está inspirada en el Urban Cycling, ¿estás metido en este mundo? Pues iba bastante en bici hace un tiempo, y lo gozaba bien hasta que tenía que subirla a un cuarto piso... Ahora voy más en moto, aunque echo de menos esos paseos. ¿Qué es lo que más te gusta del mundo de la bici urbana? La bici es una forma muy libre de desplazarte y lo que más me ha molado es esa sensación de re-descubrir la ciudad a tu aire. Nuestro próximo monotema es Post Acid, ¿Qué es lo más ácido o lo más locamente surrealista que te ha pasado nunca? Pues hay unas cuantas, ahora mismo la primera que se me ocurre es también en el 2002 en Mozambique, visitando a mi hermano. Él vivía en un pueblo bastante pequeño y después de una semana de estar por allá conociendo la movida local, nos invitaron a hacer una excursión al río Limpopo. La verdad, que no nos esperábamos nada más que ir a tomar unas cervezas y darnos un baño. Así que sin pensarlo mucho, nos metimos en su coche y comenzamos el trayecto. El lugar era brutal, y de pronto el coche se paró y el local que nos llevaba a aquel supuesto viaje de chill out se bajó del vehículo con una

escopeta en mano. Muy sórdido todo. De repente nos encontramos rodeados de hipopótamos, animales bastante agresivos, y con el tipo que se puso a dispararles. Africa is Random. Muy surrealista. (*Después de toda la aventurilla nos enteramos de que la orden de la caza del animal estaba dada por el ayuntamiento. La bestia sirvió para alimentar a todo el pueblo.) ¿Qué proyectos has realizado últimamente? Hace no mucho, he vuelto de un viaje por Tailandia donde he estado pintando bastante. La idea principal era asistir a unos festivales de muralismo por Thai y India, aunque al final se convirtió en un viaje free style. Para mí, la mejor forma de viajar. Working holidays, traveling studio. Durante dos meses y medio, he estado pintando en centros culturales, guests houses y restaurantes. Una parte de los murales los realicé a modo de trueque y la otra fueron trabajo comisionados. Ha sido brutal, jungla, montaña, ríos, animales, templos, playa, muros, pintura y muchos kilómetros. Ya de vuelta a Barcelona, me he metido en proyectos de estudio. Entre ellos, el diseño del logotipo de “La Familia Surfcamp” para mis hermanotes de la Familia Collective (La Familia Tattoo + La Familia Surfcamp). Es un proyecto que no para de crecer y realizar la gráfica para ellos es un honor. Por otro lado, hemos seguido colaborando con el restaurante Metric, desarrollando el Metric World Project. Para esta ocasión, he estado realizando una ilustración, una pieza única en formato de estampación continua. En muy poco saldrá el resultado de esta colaboración y creo que valdrá mucho la pena ir a verlo. ¿Qué tienes por delante para este año? Pues hay un proyecto colaborativo con un montón de otros artistas, para crear un producto bastante cachondo. Mi aportación será una ilustración. Por otro lado, estoy trabajando con el restaurante japonés Nobuko, para realizar una serie de intervenciones en el espacio donde la madera, la escultura y el muralismo jugarán un rol bien importante. Me flipa, cuando la ilustración crece en el espacio y éste es un proyecto en el que eso se hace realidad. Paralelamente, hemos empezado una colaboración con una nueva editora de muebles/piezas únicas francesa llamada Artzain, en la que tendré la suerte de colaborar. Lo mejor de este proyecto, es que otra vez la idea y la ilustración a parte de coger funcionalidad, también cogerá volumen. Uno de los aspectos más molones de esta colaboración será poder plasmar mi lenguaje personal en materiales de altísima calidad para realizar productos con un acabado artesanal hecho a mano. En el aire también hay, por supuesto, un par de viajes para pintar, ¡working holidays, traveling studio! ¿A dónde te gustaría llegar con tu obra, cuál es tu sueño o tu meta? Pues el sueño está en seguir viajando y pintando y conocer el máximo de lugares que sea posible. Eso sí, teniendo una buena base aquí. Una casa de madera en la montaña rodeada de árboles, huerto, gallinicas, un estudio de grabado y serigrafía y una conexión wi-fi del carajo. Y a vivir y seguir produciendo. ¿A qué artistas admiras y tienes siempre de referente? De la cultura surf y skate de los 80’s admiro a Jim Phillips y Rick Griffin. Tengo un respeto absoluto por sus trabajos. Han dejado un legado gráfico super rico, el listón muy alto. Me flipa como aplicaban su arte a productos del mundo de la tabla. Creo que han dejado una buena huella a la gente de mi generación. Del mundo de la psicodelia, el artista japonés Keiichi Tanaami me alucina. ¿Qué ciudad o ciudades te inspiran especialmente? En Tailandia me quedaría con Chiang Mai y Pai, por el ambiente relajado y chill, lugar perfecto para producir. Buscando estrés del bueno e input creativo, New York y Richmond, en EEUU. A nivel Europeo, Berlín, tuve la suerte de vivir en esta ciudad y es puro power.

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MY WORKS ARE THE RESULT OF MIXING VARIOUS AESTHETICS, FOR EXAMPLE, THE GRAPHICS OF THE EIGHTIES SKATEBOARDS, THE PSYCHEDELIA, SYMBOLISM, THE TATTOOS AND THE PRIMITIVE LANGUAGE, THOUGH, THIS LATTER ONE, UPDATED

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Tell us about your beginnings, when did you figure out drawing was part of your being? I have known it since so many years ago, I cannot remember precisely when; all I know is I still was a little kid. I always had a pencil with me, and even though I didn’t excel because of my drawings, I was doing it non-stop. Later on, the climax of my enthusiasm for illustrating came during an Erasmus trip to Greece, in the year 2003 or 2004. It was then when drawing became an obsession for me. Any time, any place, they were all perfect scenarios to portray my impressions of the journey. It could be on paper tablecloths in a bar, walls on the Monastiraki neighborhood or even my own clothes, they all became accomplices of my obsession. For me all those drawings were way more significant than storing photographs and files in a hard drive. From where does your inspiration come? At the beginning, most of my inspiration came from all the symbolism present in the “marabu” magic, which I discovered thanks to a trip I made to Mozambique in the year 2002, to visit my brother. I had the opportunity to go to a Marabu ritual and it was pretty intense, it actually was one of the most intense experiences I have ever had. All the secretiveness and the nature behind the voodoo really appealed to me, as well as its tradition of telling stories generation after generation. For these rituals they use a wide and rich visual language, they make drawings on the floor and speak to the gods above. Due to this experience I got really interested in those ritualistic and primitive images made out of antique geometric shapes. Actually, most of my handmade typographies are inspired by them. After that, I traveled all I could: Morocco, Colombia, Vietnam, Cambodia, Thailand, etc., looking for antique graphic languages, striving to understand them, filtrating and adapting them into my work. For example, I remember a project I made with a well-known surfing brand, where I merged the traditional tattoos from the Polynesia with the voodoo imagery, contrasting the organic with the synthetic, the urban with the natural, the antique with the modern. I really like those contrasts. As well, I’m really inspired by the flora and fauna that surrounds us. The Mediterranean and the Pyrenees are a great source of inspiration to obtain an infinite amount of textures and organic shapes. Your pieces strongly convey the old-school style, very characteristic in tattoos and custom motorbikes. Which aesthetics characterize your work? I think my works are the result of mixing various aesthetics, like, for example, the graphics of the eighties skateboards, the psychedelia, symbolism, the tattoos and the primitive language, though, this latter one, updated. The piece you have created for Oakley is inspired in Urban Cycling. Are you into this movement? I used to bike a lot some time ago, and I really enjoyed it, until I had to take the bike up the stairs until to a fourth story… Now I use a motorbike, though I miss cycling. What do you like the most about urban cycling? The bicycle is a free method of transportation, and the best thing about it is the way in which you rediscover your city, at your own pace in the open air. This issue’s theme is ACID, what is the most acid thing that has ever happened to you? Well, I have some acid stories. The first one I can remember happened in Mozambique that time I visited my brother. He was living there in a small village, and after a week or so of being there and getting to know the area and the locals, we were invited to an excursion to the Limpopo River. Honestly, we thought that we were going to drink some beers and take a bath, nothing else. So without much analysis, we said yes and jumped in the car. The place they took us to was great. Then, out of the blue, the car stopped abruptly and the guy that was driving got out with a shotgun. It was

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a very sordid scene. Suddenly, we were surrounded by many hippos, which actually are very aggressive, and this guy started shooting at them. Africa is random. Very surrealist. (*After the whole adventure was over, we found out that there was an order given out by the town hall which allowed the hunting. The animal was then eaten by the villagers.) Which projects have you been working on recently? Not long ago I arrived from a trip to Thailand, where I spent a lot of time painting. My main idea there was to assist to some festivals about Thai and Indian muralism, though eventually it turned out to be a free-style journey, my favorite kind. Working holidays, traveling studio. For a period of two months and a half I was painting in cultural workshops, guesthouses and restaurants. Some murals I made in exchange for food or lodging, others were commissioned. It was an amazing experience; jungle, mountains, rivers, animals, temples, beaches, painting and many miles covered. Now, that I am back in Barcelona, I’ve been working on studio projects. Amongst them there is the design of the logo for “La Familia Surfcamp”, my Familia Collective (La Familia Tattoo + La Familia Surfcamp) brothers. It’s a project that has grown continuously, and having the chance of designing the graphics for them is a true honor. As well, we have been working with the restaurant Metric, developing the Metric World Project. For this I’ve been working on an illustration, a one of a kind piece. The result of this collaboration will be ready soon and I think it’s really worth seeing. And what do you have in mind for what’s left of this year? There is this collaborative project, with a whole lot of artists, to create a mind-blowing product. My contribution will be an illustration. On the other hand, I’m working with the Japanese restaurant Nobuko, to do a series of interventions where wood, sculpture and muralism come together. It really excites me when an illustration grows within space, and in this project that is exactly what is happening. In parallel, we started a collaboration with a new furniture and unique pieces manufacturer called Artzain. The best thing about this project is that, again, the illustration will be able to have functionality and shape. I really like that I’ll be able to embody my personal language into high-end materials that will later become crafted hand-made products. In my mind I also have, of course, a couple of trips, working holidays, traveling studio! What would you like to achieve in your career, what is your dream or goal? My dream is to keep on traveling and painting all over the world, visiting as many countries as possible. Establishing, of course, my headquarters in Barcelona. A wooden house in the mountain, surrounded by trees, an orchard, a hen house, with a silkscreen printmaking studio and amazing wi-fi connection. And keep on living and working. Which artists do you admire and are your referents? From the surfing and skateboarding culture from the eighties I admire Jim Phillips and Rick Griffin. I really esteem their work. The graphic legacy the have left behind is incredibly rich. It amazes me how they applied their art into board products. They have really caused an impression on my generation. From the psychedelia imagery, I adore the Japanese artists Keiichi Tanaami. Which cities inspire you? In Thailand I would say Chiang Mai and Pai, because of their relaxed and chilled vibe, they are the perfect place to work. When it comes to positive stress and creative input, nothing like New York and Richmond, in the United States. In Europe, Berlin, I had the chance of living there and it’s raw power.

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T: EVA VILLAZALA / F: LUIZA LACAVA

DON PENDLETON ETERNA JUVENTUD

Inspirado por artistas como Miró, Don Pendleton revolucionó en su momento los gráficos que predominaban en el mundo del skate. Con una paleta de colores que cambia según su estado de ánimo, este artista de Ohio crea mundos profundos con personajes que podrían parecer livianos pero que transportan una pesada carga a sus espaldas, la de la reflexión. Él es el elegido para la colección cápsula de Volcom que fuimos a conocer a Burdeos. Nos contó cómo tras diseñar la colección, se fue una semana a Montana con su buen amigo Jeff Ament, bajista de Pearl Jam, para quienes diseñó la portada del álbum Lightning Bolt, a patinar, pintar y seguir inspirándose. Así ha llegado a Darwin, la localización casi recién estrenada de la ciudad francesa donde expuso su obra y realizó un livepainting para acompañar el evento. Un placer conocerte Don. Inspired by great artists such as Miró, Don Pendleton changed forever the world of skateboarding graphics back in the nineties. With a palette that varies according to his state of mind, this artist from Ohio creates profound worlds with characters that may seem superfluous but actually convey the heavy burden that comes along with the awakening of consciousness. He was designated to create the latest capsule collection of Volcom, which we had the pleasure of witnessing at first hand in Bordeaux. He told us how, after designing the collection, he went for a week to Montana with his good friend Jeff Ament, Pearl Jam’s bassist - a band for which Pendleton designed an album cover (Lightning Bolt) - . There he painted, skated and kept on obtaining inspiration for future projects. We met in Darwin, the selected location in this French city, where he exhibited some of his works and created a live painting throughout the event. It was a pleasure Don.

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Hola Don, estamos encantados de conocerte disfrutando de esta exposición que has preparado para presentar tu colaboración con Volcom. Cuéntanos, ¿cómo empezó este proyecto? Tanto Volcom como yo tenemos nuestras raíces en el skate. Empecé a patinar en el año 1994, y Volcom nació unos años antes, así que nuestros inicios son similares, tenemos mucho en común en cuanto a nuestra conexión con el skate, el arte y la música, por lo que tenía todo el sentido que trabajásemos juntos. Ellos me contactaron y discutimos el potencial que tendría una colaboración, qué haríamos y cómo, y a partir de ahí simplemente intenté ser creativo y crear algo que tuviese sentido, que se relacionase con mi arte y con Volcom, como marca. Fue un proceso muy natural, todo tomó forma muy rápido. ¿Por qué decidiste trasladarte a Montana con Jeff Ament para promocionar la colección? ¿Fue debido a la influencia que tiene la música y el arte en Volcom? Sí, tiene mucho que ver con eso. Era una manera de juntar todos estos aspectos culturales de una manera natural. He trabajado con Jeff Ament, bajista de la banda Pearl Jam, y él tiene una casa en Montana, por lo que pensamos, allí, que hay bowls para patinar, mucha naturaleza y músicos, podemos combinar todas estas cosas. Así que fuimos unos artistas y riders a pasarlo bien y a documentarlo. Para entonces ya habíamos definido lo que íbamos a hacer y los productos estaban prácticamente hechos, así que se trató más de una celebración por haber cumplido con el trabajo. Allí hablamos de cómo lo promocionaríamos, qué haríamos para darlo a conocer. ¿Cómo fue tu rutina estos cuatro días? Fueron casi como unas vacaciones. Algunos pros estaban allí, Pedro Barros, de Brasil, y Louis Lopez, filmaban y hacían fotos. Yo pinté mucho, también había una piscina, con agua, no sólo el bowl. Así que fue como una fiesta, no una fiesta loca, sólo divertida (risas). ¿Y cómo es el tour que estás haciendo con Volcom? Ahora estáis en Burdeos, pero antes estuvisteis en Los Ángeles... Sí, hace un par de semanas, aunque yo no pude asistir, por lo que sólo envié las pinturas. Me enfermé el día en que volaba y me tocó quedarme en Ohio. Son unas cinco horas de viaje, desde donde vivo a Los Ángeles, así que organizamos todo por teléfono. La exposición estuvo bastante bien, Volcom quedó contento, la asistencia fue muy buena, así que creo que fue un gran evento para el lanzamiento de la colección. ¿Barcelona es la siguiente parada? (Risas) ¿Sabes qué? Se suponía que iba a ir a Taiwán y a Hong Kong también, pero mi agenda está bastante llena desde hace un tiempo y me es difícil organizar viajes. Incluso venir aquí por cinco días fue complicado; no es fácil dejar el taller. Ahora mismo tengo proyectos que fueron agendados hace seis meses. Una de las razones por las cuales quería ser artista era para tener tiempo libre y poder viajar, y es difícil encontrar el balance entre eso y el trabajo. Cuando empezamos a organizar los eventos supe que quería venir a Francia, así que esto estuvo perfecto. Remontándonos a tus inicios, empezaste con el skate y luego pasaste a la pintura, ¿fue una transición natural? Es una mezcla bastante orgánica, ¿no? Así es, y creo que mi transición personal se parece a la manera en la cual se desarrolló este proyecto, demuestra cómo al empezar con algo, puedes llegar a encontrar otra cosa. Por ejemplo, puedes descubrir música a través del skate, y luego conocer artistas gracias a los gráficos de las tablas, y tener todas estas cosas juntas. Yo empecé con el skateboarding y esto me llevó a conocer los gráficos de la época, los cuales eran bastante icónicos, aquellos de principios de los ochenta, y luego me adentré en la música. Ahora que lo mencionas, es bastante curioso que no hubieras trabajado con Volcom antes. Siempre he sido fan de la marca desde la primera vez que la vi. La industria en América es bastante pequeña,

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así que si vas a un Tradeshow conocerás a todas las personas que trabajan en ella; fue allí donde conocí realmente a Volcom. Sí es extraño que hayamos tardado tanto tiempo en trabajar juntos. Creo que eso lo hace aún más especial, ya que los dos tenemos un pasado bastante similar, poder ponerlo en común, y divertirnos con ello, es genial. Lo que más me impresionó fue como para todos los que participamos fue una gran experiencia que nos hizo muy felices, el proceso fue muy divertido, en ningún momento sentimos que estuviésemos trabajando, era como un juego. Es extraño poder hacer algo en una escala tan grande y que no sea estresante. Cuando empezaste con el skate, ¿creíste que tu camino sería así? ¿Estás feliz con el resultado? Sí, lo estoy, porque esas son las únicas cosas que en realidad me importan, el arte y el skateboarding me apasionan. Estudié diseño gráfico porque no sabía qué más hacer, tenía dieciocho años y todo lo que quería era patinar, pero no quería mudarme a California e intentar ser un profesional. Así que lograr hacer gráficos para tablas por tanto tiempo y seguir patinando es genial, soy muy afortunado. No muchas personas pueden seguir haciendo eso que les apasionaba mientras crecían, por lo que estoy muy agradecido. Algunas veces me levanto y sé lo que debo hacer durante el día, y, como te dije, nunca lo siento como un trabajo, nunca ha sido estresante… bueno, casi nunca. ¿Cuál crees que es la clave para lograr esto? Creo que sin importar el campo, sea skateboarding, arte, música, moda o arquitectura, si te importa, siempre lo harás, y esa es la clave, seguir haciéndolo, así evolucionarás y mejorarás, y sabrás qué funciona para ti, desarrollarás tu estilo personal. Y cuanto más lo hagas y más te importe, más gente lo notará. Lo importante es hacerlo siempre. Siempre llevo un sketchbook conmigo. Nunca me he sentido obligado y me pasa igual con el skate y la música. Muchas veces he conocido artistas que parece como si no se divirtiesen, y me pregunto por qué no harán otra cosa, porque no importa lo que te apasione, siempre podrás encontrar una manera de hacer dinero con ello, de vivir de ello. A veces requiere demasiado esfuerzo, eso sin duda. Sí, porque algunas veces cuando no tienes dinero y estás intentando por todos los modos hacer tu arte, puede llegar a ser duro y terminar trabajando en cualquier otra cosa. (Risas) Es cierto, yo tuve trabajos terribles al principio. Trabajé en un periódico, en un lugar aislado en la mitad de la nada, en un pueblo pequeño, no ganaba mucho dinero y no tenía coche, y en los Estados Unidos lo necesitas, el transporte público no es bueno. Por ese entonces tuve días en los que pensaba, ‘tiene que haber otra manera, una mejor opción’, pero simplemente continué haciendo lo mío, nunca me detuve, pude haber tenido momentos duros, pero también fui muy afortunado. Arriesgué mucho y algunos de esos riesgos fueron beneficiosos, me dieron el empuje que necesitaba para mantenerme en mi camino y no seguir aquél que se considera como aceptable. Es extraño mirar hacia atrás, puesto que te das cuenta de que todo pudo haber salido muy mal (risas), afortunadamente no fue así. Los momentos duros fueron divertidos también. Hoy en día tengo una lista estable de clientes, no me tengo que preocupar por buscar galerías para mis exposiciones, como dije, soy muy afortunado pues todo pudo haber salido muy mal. Te lo mereces. Oh gracias, gracias, te lo agradezco. He podido viajar, conocer mucha gente que admiraba cuando estaba creciendo y trabajar con algunos de ellos, y para mí esa fue una de las mejores cosas, poder conocer gente que admiraba e idolatraba cuando era más joven, riders profesionales y diseñadores gráficos de ciertas compañías. Todavía me fascina todo eso, todavía me importan algunas cosas que me importaban cuando tenía catorce años. No sé si eso es bueno o no, pero hay una parte de mí que se todavía se emociona por la pasión que tengo hacia el arte y el skate.

MUCHAS VECES HE CONOCIDO ARTISTAS QUE PARECE COMO SI NO SE DIVIRTIESEN, Y ME PREGUNTO POR QUÉ NO HARÁN OTRA COSA, PORQUE NO IMPORTA LO QUE TE APASIONE, SIEMPRE PODRÁS ENCONTRAR UNA MANERA DE HACER DINERO CON ELLO

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A LOT OF TIMES I MEET ARTISTS AND THEY DON’T SEEM LIKE THEY’RE HAVING FUN AND I WONDER WHY AREN’T THEY DOING SOMETHING ELSE, BECAUSE WHATEVER IT IS THAT YOU HAVE PASSION FOR, NO MATTER WHAT IT IS, YOU CAN FIND A WAY TO MAKE MONEY AND A LIVING OUT OF IT

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Hi Don, we’re pleased to meet you as we enjoy this exhibition you have prepared to present your collaboration with Volcom. Tell us how this project began. Well, we both, Volcom and myself, have our roots in skateboarding. I started skating around the year 1994; Volcom came around a few years earlier, so we have similar beginnings. We have a lot in common as far as our connection with skateboarding, art and music goes, so it made sense for us to work together. They approached me and we discussed the potential behind the collaboration, what we would do and how we were going to do it, and from then on I was just trying to be creative and come up with something that made sense, related to my art and also to Volcom as a brand. It was all very natural; everything came together quite easily. Why did you guys decided to go to Montana, along Jeff Ament, to promote the collaboration? Was it because of the influence music and art has on Volcom? Yeah, very much so. I mean, it was a way of bringing all these different aspects of culture together. I have worked with Jeff Ament, who is the bassist of the band Pearl Jam, and he has a place in Montana, so we thought, there are bowls out there to skate and there’s nature and there are musicians, we can bring all these together. So we had artists and skateboarders come there to have fun and then we documented it. At that point we had already figured out what the line of the collection was going to be, and all the products were practically done, so it was more of a celebration of having finished. There we talked about how we were going to promote it, how we were going to get the word out. How was your routine these four days you were there? It was almost like a vacation; there were some pro-skaters there, Pedro Barros, from Brazil, and Louie Lopez, and those guys were filming and getting photos, and I painted a lot, and there was a pool, actually with water, not just the bowl. So it was like a little party, not a crazy party, just a fun party (laughs). And how is this tour you are doing with Volcom? Right now we are in Bordeaux, and before you were in L.A.… Yes, we were in Los Angeles a couple of weeks ago, though I wasn’t able to assist to the exhibition, so I sent some paintings. I got sick the very same day I was supposed to fly there, so I was stuck in Ohio. It’s like a five-hour flight from where I live to L.A., so we organized everything over the phone. It went pretty well, Volcom was happy, a lot of people attended, so it was a good event and I think it was a proper launch for what we did. Is the next stop Barcelona? (Laughs) You know what? I was supposed to go to Taiwan and Hong Kong too, but my schedule was already full since some time ago and it’s hard for me to fit in trips. Even coming here for five days was quite hard; it’s hard to be away from the studio. I have projects right now that were scheduled six months ago. I wanted to be an artist to have free time and to be able to travel and its tough to balance work and then also have free time. I did want to come to France when we started talking about doing promotions and events, so this was perfect. Changing the subject and going back to your beginnings, you started first skateboarding and then moved on to painting, was this an organic transition? It’s kind of a natural mix, isn’t it? Yeah, and I think my personal transition resembles the way in which this project developed, it shows how you can, starting with one thing, end up moving on and finding something else. Like for example, discovering music through skateboarding, and then being exposed to certain artists through skateboarding graphics, and having all these things merged together. I did begin with skateboarding and then was exposed to the graphics from that time, some of which were really iconic, the ones from the early eighties, and then I got into music. Now that you mention it, it’s kind of surprising that you didn’t work with Volcom before. I have always been a fan of the company since the first time I saw it. The industry in America is pretty small,

so if you go to a tradeshow you’ll meet everyone that works in it there; that’s how I was exposed to Volcom and met the people that worked with them. So yes, I think it is kind of strange that it took us a while to work together, though I think that made it way more special, because we both have this long similar background, and then to finally be able to put it together, and to have fun with it, is great. The most impressive part was that everybody out there I think were really happy and had fun during the process, and I did too, it never seemed like work to me, it just seemed like playing. It’s strange that we are able to do something on a scale this big and for it not to be stressful. When you started skateboarding, did you think that your path was going to be like this? Are you happy with how things turned out? Yeah, I am, because those are the only things that I have ever really cared about, art and skateboarding, it’s what I’m passionate about. I went to school for graphic design, because I didn’t know what else to do, I was eighteen and all I wanted was to ride my skateboard, that’s all I needed, but I didn’t want to move to California and try to become a pro, so to be able to do skateboard graphics for so long and to keep on skateboarding has been great, I’m really fortunate. Not many people get to keep on doing what they care about when they’re growing up, so I’m really grateful. Sometimes I wake up and I know what I have to do that day, and, as I said, it never feels like work, it has never been stressful… hmm or mostly never. What do you think is they key to attain this? I think whatever the field is, skateboarding, art, music, fashion or architecture, if you care about it you will always do it, and that’s the key, just to keep on doing it. Eventually you’ll evolve and you’ll get better, you’ll get a feel for what works for you and your style will develop in a real personal way. As you do it more and you care about it more, people will take notice of it. The important thing is just to always do it. I have always had a sketchbook with me and it has never felt like work, I never had to make myself do it, and it’s kind of the same way with skateboarding and music. A lot of times I meet artists and they don’t seem like they’re having fun and I wonder why aren’t they doing something else, because whatever it is that you have passion for, no matter what it is, you can find a way to make money and a living out of it. Sometimes it takes a little lot too much, that’s definitely a part of it… Yes, because sometimes when you don’t have money and you’re trying and trying to work on your art, it can be hard, and then you can end up working in a bank or something. (Laughs) Yeah, I got really bad jobs in the early days, I mean, I worked in a newspaper; it was isolated and in the middle of nowhere, in a small town, I didn’t make any money and I didn’t have a car, and you need a car in America, there’s no good public transportation. I had days and times when I thought, ‘there’s got to be a better way or a better option”, but I just kept on doing it, never stopped. I could have had rough times, but I was also fortunate, I took a lot of chances and some of them paid off and I think that gave me the excitement I needed to take a different road instead of the accepted path. It’s weird looking back, just because you notice it could have gone really bad (laughs), but fortunately it didn’t. The tough times were fun too. Today I have a steady list of clients and I don’t have to worry about finding galleries for upcoming shows, like I said, I’m very fortunate, but it could have gone really bad. You deserve it. Oh thank you, thank you, I appreciate that. I’ve been able to travel, I have met a lot of people I looked up to when I was growing up and I’ve been able to work with some of these people, and to me that’s one of the best parts, getting to meet people that I look up to and idolize when I was younger, the professional skateboarders and the people that did graphics for certain companies. I’m still fascinated by all that stuff; I still care about the same things I cared about when I was fourteen. I’m not sure if that’s good or not, but there is a part of me that still gets excited by the fascination and passion I have for art and skateboarding.

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T: ANTONELLA SONZA

GeoffRowley Teach them how to bleed

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En una entrevista para Thrasher Magazine, Geoff Rowley dice a cámara: “enjoy the interview, motherfuckers”. Tomaba el rol de entrevistador ante un Lemmy Kilmister en su reino, su querido Rainbow en pleno Sunset Boulevard, whisky en mano. Después de una charla inicial, el rider le da las gracias al líder de Mötorhead por crear música que ha influido a tantos skaters a la hora de patinar, y le anima a probarlo alguna vez. “Es demasiado tarde para mis brazos y mis piernas, ¿no crees?”, dice Lemmy. Así es Geoff Rowley, un tío de contrastes. Igual se planta ante la cámara con una actitud desafiante, o ante el patín sin temer absolutamente a nada, que se muestra humilde y cercano, siendo considerado uno de los skaters más apreciados del star system actual. El pasado 18 de marzo lo tuvimos ante nuestros ojos en la celebración del 50 aniversario Vans en Londres, y lo primero que saltaba a la vista es su increíble profesionalidad. En su larga trayectoria en el mundo del patín, las ha visto de todos los colores y siempre se le ve suelto, sereno y con ganas de saludar a todas esas personas que se acercan para pedirle un autógrafo o una foto. En un momento dado, estaba sentado en el comedor charlando, mientras pudimos escuchar a un padre contándole a su hijo: “él es Geoff Rowley, es una leyenda”. Y no es para menos: empezó a patinar a los 12 años, allá en Liverpool, ciudad que le enseñó que si te caes, tienes que levantarte otra vez, no importa lo duro que haya sido la caída. Ahora, con 38 años, lleva toda su vida viviendo el sueño, no sin llevarse algún que otro golpe por el camino. Su ética de trabajo se resume en la consistencia. Si un día acaba con la cara aplastada en el asfalto intentando un truco, sangrando y dolorido, no pasa nada: al día siguiente tendrá otra oportunidad, y así hasta que lo consiga. Quizás por esa cabezonería y por ser de los primeros skaters en plantearse grandes trucos como algo diario y no solo para grabar el video de turno, ha conseguido desarrollar una técnica única que muchos han querido imitar, y que lo ha llevado a ser nombrado como Skater del Año por Thrasher Magazine en el 2000 o a ser una de las piedras angulares del team Vans. En 1999 sacó su primera Signature shoe, volviendo a revivir la tendencia de las zapatillas vulcanizadas en la práctica del skate, y fue re-editado años más tarde debido al éxito. Miles de skaters de alrededor del globo lo admiran, han visto sus videos mil veces y aspiran a ser como él, así como él una vez viajó a Estados Unidos para ser como Danny Way y esos chicos que veía en las revistas. Y ahora, mirando hacia atrás, puede decir que lo ha conseguido. A pesar de las lesiones, algunas graves como la de rodilla, espalda e hígado en el rodaje de Propeller, para Vans, nada puede parar ni cambiar de opinión, porque una vez se imagina el truco, ya no hay marcha atrás. Y ahora, con 38 años, lejos de parar, enfrenta otra etapa de su carrera profesional en la que quiere nuevos retos y en la que piensa un poco más en su castigada integridad física. Como diría Lemmy, si piensas que eres muy viejo para rockear, es que lo eres. Y hay Geoff Rowley para rato. Some years ago, as he was doing an interview for Thrasher Magazine, Geoff Rowley looked into the camera and said: “enjoy the interview, mother fuckers”. His interviewee was no other than Lemmy Kilmister, in his kingdom the Rainbow Room at Sunset Boulevard -, with a whiskey in his hand. After the initial chitchat, Rowley thanked the Mötorhead’s leadman for creating the amazing music that has inspired so many skaters when it comes to… well, skate, and encourages him to try a board some time. “It’s too late for my arms and legs, don’t you think?” he answers. Geoff Rowley is like that, a high contrast person; a guy that when he stands in front of the camera, he does it with a defying attitude, and that every time he is on top of the skateboard, fear is nowhere to be seen, it has left the scene. Regardless, he remains humble and is one of the most appreciated skaters anywhere. Last Friday the 18th of March, we had the opportunity of meeting him during the celebration of Vans 50th anniversary in London, and the first impression we got about him was how professional he is. All along his career, he has met many circumstances and he always looks cool, chill and willing to greet all the people that come up to him asking for an autograph or a photo. I remember when he was sitting in the dinning room and a father nearby told his kid: “that’s Geoff Rowley, he is a legend”. He started skating when he was twelve, in Liverpool, the city that taught him that if you fall, you pick yourself up, fuck pain. Now, at his 38, all his life he has been living the dream. His work ethics rely on constancy. If one day, he ends up with his ass broken on the ground trying to land a trick, bleeding and in pain, he will stand up as if nothing happened… yeah, we are all sure that already happened, and what happened next, he landed the trick, it doesn’t matter if it was an hour later or the next morning. This tenacity, or stubbornness, call it what you want, works perfectly with his raw style, which has been evolving with the passage of time, leading him to win in the year 2000 the “Skater of the Year” award, given by Thrasher Magazine or hitting milestones like Staples Center, which converted him in a cornerstone inside Vans Team. This happened in the year 1999; it all came together with his first signature shoe with the brand, which brought back the vulcanized model, and probably changed forever the history of skateboarding footwear. Besides all this, there are plenty of other reason’s why he is admired by thousands of skaters all over the world and kids see his videos hundreds of time and dream about becoming a legend like him. Because, looking back in history, that’s what he is, despite all the bad injuries, like the one in his knee, back or liver, which he suffered while recording he Propeller video, for Vans. Once you imagine a trick, there’s no turning back, nothing can stop you until that son of a bitch is landed. And this guy if far from stopping, he actually is facing a new phase in his career, in which he strives to accomplish new challenges, having in mind his body isn’t getting any younger. As Lemmy would have said, if you think you’re too old to rock’n’roll, you are. We still have plenty to enjoy from this rider.

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REVIEW / PUNTA CANA / 15TH - 22TH JUNE 2016

RON BARCELÓ DESALIA 2016 T: FELIPE DUARTE

www.viveahoradesalia.com Todo empezó un lunes de madrugada, dejé Barcelona rumbo a Madrid para dirigirme a Punta Cana, donde lamono Magazine fue invitada a cubrir el festival Desalia 2016. Tras ocho horas de vuelo con la emoción a flor de piel llegamos al cielo: habitación con terraza para mí solo y una pulsera que me daba acceso a un buffet increíble. De momento, las puertas el Edén comenzaban a abrirse de par en par. El primer día lo pasamos en la playa, conociéndonos, tomando ron y preparándonos para la primera fiesta oficial que nos tenían preparada. Coco Bongo, ese es el nombre de la discoteca. Llegamos, mesa privada en un balcón con vista al escenario y a bailar. Toda la noche estuvo genial, incluidos los espectáculos que tenían montados allí. Pasando por una reinterpretación del musical Chicago, a un tío que me hizo creer que Freddy Mercury no había muerto, llegando a un cuarteto que interpretó “Lady Marmalade” como si Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mya y Pink estuvieran allí. Al día siguiente realizamos una visita al museo del ron con la idea de descubrir cómo se hace esta bebida que reemplazaría el agua durante la próxima semana. Estábamos en el Caribe, y el ron significa el comienzo. Allí, en aquel sitio, nos mostraron cómo, a partir de la caña de azúcar, se fabrican los diferentes tipos de ron que ofrece Barceló, una actividad didáctica que nos enseñó a conocer los entresijos de este elixir dorado. Aquel que enamoró a Hunter S. Thompson no muy lejos de aquí. Salimos de allí camino a Salvaleón de Higüey para participar en una de las actividades más interesantes de la semana: los chicos del colectivo Boa Mistura haciendo una intervención espectacular, ya llevaban una semana allí, en este pequeño pueblo, regenerándolo a través del arte. Su proyecto se enfocaba en unas casas únicas en el mundo: las victorianocaribeñas. Éstas cayeron en la desgracia y, hoy en día, las pocas que quedan están camino de desaparecer. La pobreza ha llevado a sus dueños a derribarlas cuando se empieza a pudrir la madera con la que están hechas, y en su lugar, ellos mismos construyen unas edificaciones que se parecen más a las favelas de Río de Janeiro. Casas hechas a retazos, inseguras y nada estéticas, pues su planificación es inexistente. Con Ron Barceló como mecenas, se logró llevar a cabo este proyecto de desarrollo social y cultural para darle vida a un barrio que lastimosamente yace deprimido en esta paradisíaca isla. Allí, todos los asistentes cogimos un pincel y nos pusimos manos a la obra. Lo pasamos genial pintando un mural hermoso que esperemos le dé vida, y ponga una sonrisa en la cara de cada uno de los habitantes de este barrio. El jueves nos encontramos a las ocho de la mañana en el lobby del hotel para una excursión a Saona, una isla a una media hora en lancha de Punta Cana. Pero lo mejor fue que cambiamos esa media hora en lancha, por un viaje de hora y media en catamarán. Nos metimos de lleno en el papel: reggaetón a todo volumen, un paisaje que nunca se ha visto en Europa y cada uno de nosotros volviéndonos a encontrar con el ron. Mientras todos bailábamos bajo el sol caribeño, abrimos el apetito para llegar a la isla a comer lo que nos ofrecían los isleños. Disfrutamos de un gran almuerzo, un baño en ese mar que jamás estará frío, para luego visitar unas hermosas piscinas naturales en la mitad del camino entre Saona y Punta Cana. Mar azul turquesa sobre unos bancos de arena que hacían de hogar para estrellas de mar que paseaban por nuestros pies. El viernes llegó con el verdadero preview de lo que sería la gran fiesta del sábado: una pool party en el Club Pearl donde pincharon algunos de los artistas principales del cartel. Después de la sesión de Dulceida, quien inició la fiesta, llegaron las Crush DJs para subir el nivel. Con una sesión light y llena de hits, pusieron a todo el mundo a bailar. Para ser honesto, yo las esperaba algo escéptico. Para los que no saben de quién les hablo, se trata de la modelo Cristina Tosio y la DJ Katy Sáinz, quienes se unieron hace unos años para formar un dúo que se ha paseado por toda España con una onda que apunta hacia el house y el techno. Cuando hablé con ellas me dieron pistas de cómo crean sus hits. “Nosotras tenemos un estilo y un gusto musical bastante parecido”, me contó Cristina, “es por eso que la nuestra fusión funciona tan bien. Nosotras no conectamos con el EDM, o el Dub en su día, el Progressive tampoco nos gusta. Somos más de tech-house, nos gusta el house bailongo, o el rollo de Solomun, que está pinchando y de repente te mete un tema clásico que no es electrónica, como la de

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LCD Soundsystem: ‘You Wanted A Hit…’ Esa fusión así de DJs que de pronto te la cuelan, mola un montón. Eso nos gusta mucho. De hecho nosotras lo hacemos también”. Y así fue, pues a lo largo de su set colaron un tema grandioso del que todavía me acuerdo: ‘The Sound of Violence’ de Cassius, y ese fue el momento exacto en el que el público se entregó en cuerpo y alma a sus beats. Katy ya me lo había dicho antes: “La música electrónica es un género distinto. Mi padre que es músico, dice que estamos locos porque es música como de neardentales, de monos. Lo oye como ruido, así que en el fondo si escuchas techno por ejemplo, parecemos que todos estamos ahí como masas, botando, vibrando, con unos sonidos y unos ritmos. En realidad, yo lo que creo es que la música electrónica te hace vibrar o te eleva de otra manera a como lo hace el rock o el pop, las sevillanas o el reggaetón, te da un ‘feeling’ muy distinto”. Gracias a su formidable set, el público quedó caliente y listo para lo que seguía: Carlos Jean. El madrileño logró armar otra sesión genial para seguir sumando a lo que ya habían hecho las Crush. Continuaron Albert Neve, Abel Ramos y cerró la noche Alexander Som. Hacía mucho que no me lo pasaba tan bien un viernes. El tan anhelado final llegó con su sabor agridulce: sábado 20 de febrero. Lugar: Playa Cabeza de Toro. Cinco mil personas, todas vestidas de blanco, listas para disfrutar del evento principal. Tras la apertura hecha por Kiido, del Nap Team, llegaron de nuevo las Crush DJs. Supersubmarina llegó después, tirando en otra dirección sin disminuir la fiesta y luchando contra la lluvia. A ellos los siguió Najwajean, el dúo conformado por Najwa Nimri y Carlos Jean, quienes con su onda densa y oscura pero al mismo tiempo melódica, lograron meterse por los huesos hasta llegar a lo más hondo posible, allí donde el ritmo se hace incontenible; desde mi punto de vista se llevaron el galardón a mejor presentación de la noche. Quedé realmente impactado con su propuesta. Siguieron Abel Ramos y Albert Neve con un set bastante similar al de la pool party, para mantener al público comprometido. Fue en ese momento cuando fui al backstage a hablar con Thom Jongkind, quien estaba representando al dúo Blasterjaxx. Diez minutos antes de que subiese al escenario me senté con él a discutir un poco lo que tenía preparado para la noche. Me sorprendió ver lo relajado que estaba, momentos antes de presentarse ante cinco mil personas. “Algunas veces siento nervios, pero eso es bueno. Aunque generalmente me pasa en presentaciones más grandes, como para los EDCs (Electric, Daisy Carnival). En festivales como éste me emociono mucho, siento la buena energía de la gente y eso me pone de buen humor”. Su rollo, a diferencia de las Crush, es completamente EDM (Electronic Dance Music) con temas como “Where we go”, “Fifteen” o “Faith”. Aunque para este festival tenía preparado algo diferente, no es un tío al que le guste repetir y echar mano de sus hits pasados. “En este festival el rango de edad es un poco mayor al que estoy acostumbrado, lo que es genial, porque me permite tocar temas diferentes. En ocasiones como esta preparo mi set utilizando un poco de cosas viejas, pero muy poco. Intento evitar los build-ups básicos, así que la mayoría de mis canciones son re-editadas, y a partir de ahí interactúo con la audiencia. Por ejemplo, para Sudamérica, busqué temas que la gente conociera, así que tengo listo un mash-up de Elvis Crespo. Vamos a ver si lo pincho, puede ser divertido. A la gente le encanta escuchar canciones que conocen. Intento basar mi set con la información que tengo y lo voy construyendo en directo, así que casi nunca suelo saber qué voy a pinchar, sólo conozco mi canción de introducción. Muchas veces ni sé con qué voy a cerrar”. Su set estuvo a la altura y mantuvo el nivel necesario para dar paso al back-to-back con el cual cerraron la noche Alexander Som y JP Candela. Una fiesta digna de culminar una gran semana y con la cual llegamos al domingo destrozados, pero muy felices. La resaca la pasamos en el hotel, con un día de lluvia, cliché de domingo; tocaba hacer balance de todo lo vivido. Así nos despedimos de este paraíso terrenal que se añora cuando se está en la ciudad. Con la esperanza de repetir, soñamos ya con el Desalia 2017, que seguro tendrá para su décima edición un cartel por todo lo alto. Y a quien tenga la oportunidad de ir, le digo algo desde la experiencia: prepárate para la que será, con toda seguridad, la mejor semana de tu vida.

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It all started a Monday morning; I left Barcelona towards Madrid to then climb into another plane heading to Punta Cana, lamono Magazine had been invited to the Desalia Festival 2016. After a flight of eight hours in which the excitement was palpable, we reached heaven: suite with a terrace for myself, and a wristband that gave me access to an incredible buffet. So far, the doors of Eden were opening side to side. The first day we spent in the beach, knowing each other, drinking rum and getting ready for the first party Barceló had prepared for us. The nightclub chosen was no other than Coco Bongo. We got there to find a private table looking towards the stage; it was time to dance. The place was amazing, especially because of its shows. Starting with a reinterpretation of the Chicago musical, to a guy that made me believe Freddy Mercury is not dead, to a group of dancers that enacted “Lady Marmalade” as if Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mya and Pink were there. The next day we visited the Rum Museum aiming to discover how this beverage is made. We were received with a glass of rum, of course, so that we could stabilize our vital signs after last night’s party; here in the Caribbean it all starts with a sip of rum. At the museum we were taught how the sugar cane is transformed into all the different rums Barceló has to offer. An educational activity through which we learned the secrets of this golden elixir, the one that enchanted Hunter S. Thompson not far away, in Puerto Rico. After, we went to Salvaleón de Higüey to participate in probably the most interesting activity of the week. The guys from Boa Mistura were doing an amazing intervention; they had been there for a week already, in this small town, regenerating it through art. The project was focused in the Victorian-Caribbean houses, which are unique in the world. Sadly, as time has passed, they have been forsaken, and the few that remain are on their way to disappear. Poverty has pushed their owners to bring them down when the wood in which they are made starts to rot. To replace them they built constructions that resemble the favelas in Rio de Janeiro; houses made out of recycled materials, dangerous and not very esthetic, since they have no planning whatsoever. Thanks to Ron Barceló, who served as patron, this project was conceived and carried out in order to promote social and cultural development and endow with life this depressed town in this paradisiacal island. For this activity, all of the assistants grabbed a brush and started to paint a mural that we hope will put a smile on the face of the locals and make them once again, proud of their village. On Thursday we met early in the hotel lobby to go to Saona, an island thirty minutes away from Punta Cana. The best thing was that we changed those thirty minutes for an hour and a half in catamaran. Each one of us played our role perfectly, dancing to the reggaeton, drinking rum and enjoying the beautiful landscape you can only see in this part of the world. While we all danced under the Caribbean sun we developed an appetite we were about to satisfy with an amazing lunch made by the islanders. Later we took a bath in that sea that will never be cold and on the way back to Punta Cana we enjoyed of some natural pools that serve as the home for starfishes that roamed around our feet. Friday came with the real preview of the big event: a pool party at Club Pearl where some of the main artists of the line-up performed. After the session of Dulceida, who started the party, the Crush DJs arrived to set the roof on fire. With a light session filled with hits they led everybody to dance. To be honest, at the beginning I was a little reluctant and skeptic about them. For those who doesn’t know who I’m talking about, these duo is conformed by the top model Cristina Tosio and the DJ Katy Sainz, who came together a few years back to create a sound of their own, which lies between house and techno, and travel all across Europe with it. When I talked to them, they gave me some hints on how they create their hits. “We have a very similar taste in music”, says Cristina, “that’s why our fusion works so good. We don’t connect with EDM, nor Dub, the Progressive sound doesn’t appeal to us either. We feel ourselves closer to the tech-house, techno, even house, we like the house music that makes you dance, like

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Solomun; when he’s mixing he can throw in a classic song which is not necessarily electronic music, like “You Wanted a Hit…” from LCD Soundsystem, that fusion that he makes, suddenly mixing a song like that, really connects with us, we really like it. Matter of fact, we do that too”. And they actually do, since along their set they threw in the amazing song by Cassius, “The Sound of Violence”, at that moment the whole audience started dancing, pouring in their bodies and souls. Katy had told me before, “Electronic music is different to any other genre. My father, who is a musician, says we are crazy because it’s like neardenthal’s music. For him, it’s noise, so eventually, when we are listening to electronic music, we all resemble a big mass, bouncing, vibrating, with these sounds and rhythms. Actually, I think electronic music makes you vibrate in a difference wavelength than how rock music does, or pop, or sevillanas or reggaeton, it gives you a very different feeling”. Thanks to their amazing set the crowd was ready for more, and Carlos Jean was next. As usual, he managed to create another amazing session to keep on building upon what the Crush DJs had already done. Albert Neve came next, followed by Abel Ramos, and Alexander Som closed the night. Fridays like this are difficult to experience again. The end arrived with its bittersweetness flavor: Saturday the 20th of February. Place: Playa Cabeza de Toro. Five thousand people all dressed in white ready to enjoy the main event. Kiido, from the Nap Team, was in charge of opening, the Crush DJs followed and Supersubmarina came third, taking the party in a different direction without diminishing the excitement, fighting against the rain. Najwajean came next; this duet composed by Najwa Nimri and Carlos Jean presented us with their dense and obscure vibe, but at the same time melodic, through which they managed to reach deep in every one of us, hitting that place where rhythm becomes irrepressible; for me they were the best performance of the night. Abel Ramos and Albert Neve continued with a set that reminded us of the pool party to keep the audience engaged. In that moment I moved backstage to talk to Thom Jongkind, who was representing Blasterjaxx. Ten minutes before he jumped on stage we chatted about what he had prepared for the night. I was amazed to see how relaxed he was, minutes before performing in front of five thousand people. “Sometimes I feel a little bit nervous, but that’s good, I love that feeling. To be honest, most of the times I feel nervous only for the big shows, like the EDCs, Tomorrowland, like the big, big shows. For a festival like this I just feel a good excitement, a good energy, and that’s important for me”. His style, unlike the Crush DJs, is entirely EDM, though for this festival he had something different planned out. He usually doesn’t repeat or recur to his past hits. “The age range in this festival is a little bit higher to what I’m used to, which is great because I can play some old classics. Sometimes I built my set using old stuff, because I don’t like the basic buildups, so most of the tracks are re-edited or pre-cut, and from there I look what’s the audience like, so for example, here in South America I looked for the tracks I can play here, so I have a mash-up of Elvis Crespo, which is fun, and I know that people here love tracks that they know, and that’s fun to play. So I base myself on that information and then try to build the set up live, so I have no idea what I’m going to play, I know only my intro song, I don’t even know my last song”. His set kept the party on the high note to make way for the back-to-back with which JP Candela and Alexander Som closed the night. A closing event worthy of a great week, and thanks to which we woke up Sunday morning exhausted but happy. We spent the hangover in the hotel with a rainy day; Sunday cliché. It was time for soul searching and making a balance of all we experienced. Just like that, we said goodbye to this paradise we miss everyday. With our hopes set on repeating next year, we dream with the Desalia 2017 Festival, which will for sure have an amazing line-up for its tenth edition. If any of you has the chance of experiencing it, all I can say is: get ready for the best week of your life.

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T: ANTONELLA SONZA

JAVIER DE RIBA CAPRICHOS DEL DESTINO www.javierderiba.com

Hagas lo que hagas, el destino tiene sus propios planes. Es inevitable. Puede que te distraigas o encuentres obstáculos que te hagan salir del camino, pero si está escrito, acabará pasando. El ejemplo viviente de esta teoría (que no creencia) es Javier de Riba, artista barcelonés que en sus comienzos tuvo algún que otro encuentro con la duda. En el fondo sabía que quería ser artista, y aunque quiso tirar por el bachillerato artístico y después Bellas Artes, acabó por una rama más tecnológica y matemática. “Mis padres no querían que estudiase arte porque no hay salidas, aunque hay miembros en mi familia que se dedican al diseño. Puede que me perdiese la formación más artística, pero aún así aprendí otras cosas que me son útiles hoy en día. No me arrepiento”. Después, reorientó sus elecciones vitales hacia lo que realmente quería hacer y comenzó un curso ilustración de moda. O al menos eso creía. “Cuando empezó la primera clase, el profesor comenzó a hablar de diseñadores, de pasarela y de moda. No entendía nada, y vi que otro chico tenía la misma cara que yo. Al salir nos dimos cuenta que los dos nos creíamos que íbamos a estudiar ilustración y que simplemente estaba de moda”. Pero aún así, supo darle la vuelta a la situación y recuerda esa época como aquella en la que aprendió toda la técnica necesaria para materializar sus ideas. Al fin y al cabo, un artista en cierta manera es un mago: crea mundos de la nada. Como él en su serie Floors, creando patrones en tecnicolor imitando los suelos hidráulicos en medio del gris abandono. ¿Por qué el suelo? “Porque las paredes se pueden caer, pero el suelo permanece para siempre”. Rehabilitar y reciclar es otra de las constantes en su trabajo. Como uno de los fundadores

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del colectivo Reskate, todo comenzó cuando les invitaron a participar al festival Asalto en Zaragoza, y desde entonces no han parado de dar una segunda vida artística a tablas usadas de aquí y allá. De hecho, con lamono tiene un pasado. “Hace unos años viajamos en furgoneta desde Barcelona a Berlín recolectando skates usados para exponerlos en el Bright. A la furgo le pusimos nombre, Castora, y como dientes tenía dos tablas de skate. Fue divertido”. Recuerda los principios de Reskate con cariño, porque era emocionante, no habían ataduras y eran completamente libres para hacer realidad aquellas locuras que se les pasaban por la cabeza, además de que fue la antesala para coger seguridad y lanzarse en solitario. Y eso es una cosa que valora mucho. “No puedo definirme como artista o dentro de un estilo porque pongo mi arte al servicio de la idea. Me busco la vida para llegar a hacer lo que quiero”. Quizás por eso su portfolio se compone de obras tan multidisciplinares como el arte urbano, el tratamiento de madera, ilustración, lettering, diseño gráfico o dibujo puntillista. “Hice una serie sobre animales por eso de que los gatos lo estaban petando en internet, todo sea por intentarlo”. Es consciente de la importancia de las redes sociales a la hora de impulsar su carrera como artista y es uno de los consejos que da a los que estén empezando, pero sobre todo, el de trabajar en equipo. “Para mí ha sido importantísimo rodearme de personas que me han ayudado, inspirado e impulsado desde el principio, sin ellos no sería quién soy como artista ahora mismo”. Al final, da igual lo que tardes en adivinar hasta dónde quieres llegar, porque el destino siempre tiene la última palabra.

It doesn’t matter what you do, destiny has its own will and it’s unavoidable. You might get distracted or find obstacles along the way, they might even change your path, but if it’s written, it will eventually happen. As living proof of this theory -not belief- we have Javier de Riba, a Catalan artist who has had encounters with self-doubt more than once, but destiny has been there to reassure himself. Deep down he always knew he wanted to be an artist, and though he almost went through an artistic baccalaureate and, later, a Bachelor in Fine Arts, he finally chose something more technique and mathematic. “Mi parents didn’t want for me to study arts, because they see it as a dead end career, though some members of my family are designers. As a result, I missed all of the artistic formation, but in return I learned many other things, which are useful for me today. So I don’t regret it at all”. Later on, he reoriented some of his vital choices towards his real passion; hence he started a course in fashion illustration. Or at least that’s what he thought. “As soon as the first lesson started, the teacher began talking about designers, runways and fashion. I didn’t understand anything, luckily I saw another kid in the class as lost as I was. When we stepped out we both realized we were expecting to learn illustration and this was merely focused on fashion”. Regardless, he found a way to turn the cards around, and he now remembers that time as the one in which he learned all the required technique to materialize his ideas. In the end, an artist is like a magician, building worlds out of nowhere. Like in his series ‘Floors’, where we creates technicolor patterns imitating hydraulic grounds in the midst of abandoned gray spaces. But why did he choose the ground? “Because the walls can collide, but the ground lasts forever”.

Rehabilitating and recycling is another one of his jobs. As one of the founding members of the Reskate collective, he has participated in the Asalto a Zaragoza Festival, where he has led a second artistic life using used skateboards from everywhere to create pieces. Matter of fact, he has a past with lamono. “A few years ago we made a road trip from Barcelona to Berlin collecting used skateboards to exhibit them at the Bright Tradeshow. The van in which we traveled was named Castora, (Beaver), and resembling the teeth, it had two skateboards on front. It was a fun experience”. He reminisces the beginnings of Reskate fondly, because it was an exciting time in his career, free of attachments to develop all the crazy ideas roaming in his head, besides, it was the prelude that helped him to built up his confidence to start working on his own. And that’s something he really values. “I can’t define myself as an artist or within a style because I always align my work to the welfare of the idea. I strive to find a way of making a living in order to do what I want”. That may be the reason why his portfolio is made up of multidisciplinary pieces, from urban art, illustrations, lettering, graphic design to pointillism drawing. “I did a series based on animals at the moment in which cats were the most seen thing on the internet, just to try it out”. He is aware of the importance social media has nowadays when it comes to promote an artist and his/her career, and he advices to use them, though he highlights further the significance of teamwork. “For me it has been really important surrounding myself with people that help me, inspire me and promoted my career since the beginning, without them I wouldn’t be the artist I am today”. After all, it doesn’t matter how long it takes for you to discover where do you want to go, destiny has the last word.

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REVIEW / MISCELANEA / 17TH MARCH 2016

TALK, SHARE & CREATE CON JAVIER DE RIBA T: FELIPE DUARTE

El pasado 17 de marzo, volvimos a la carga con una nueva dosis de inspiración en formato charla. Javier de Riba, artista visual y miembro del colectivo Reskate Arts & Crafts fue el protagonista de esta tercera edición, recogiendo el testigo de Ricardo Cavolo y Grip Face. Una vez más, respondisteis a la llamada y nos vimos en MISCELANEA para una tarde de anécdotas, consejos, secretos y, sobre todo, sinceridad. Con una Moritz en mano, el artista empezó a abrir el baúl de los recuerdos para analizar qué decisiones le llevaron a estar dónde está y a evolucionar en su carrera. Los principios siempre son complicados pero es ahí donde se asientan los primeros cimientos de lo que será tu carrera artística. Javier nos contó cómo aprendió mucha técnica en el grado de ilustración de moda que escogió por equivocación, y cómo consiguió convertir un error en algo totalmente positivo o cómo trabajar en equipo y rodearte de las personas adecuadas puede hacerte sacar lo mejor de ti. Y mientras, en proyección, una serie de imágenes que resumían su historia artística, incluido su proyecto Floors, en exposición en aquel momento en la galería, y que pone color a lugares abandonados, dándoles un nuevo aire. Javier de Riba es un artista que no puede ser definido por un estilo o por una etiqueta, y es que en sus propias palabras, definirse es solo ponerse límites. Y quizás esa es una de las lecciones más valiosas que habrán podido extraer los asistentes de la charla. Porque el arte es precisamente eso, crear al servicio de tu idea, de nada ni nadie más. Gracias a todos los que habéis venido a alguna de las tres ediciones de este ciclo de charlas organizadas por lamono, miscelánea y Moritz, en las que el objetivo era salir de la sala con la suficiente motivación como para impulsar tus propios proyectos. Y a partir de aquí, como comunidad artística hay que seguir compartiendo, cuidándonos e inspirándonos mutuamente. ¡Nos vemos en la próxima! Last Thursday, March the 17th, inspiration was once more served as a talk. Javier de Riba, visual artist and member of Reskate Arts & Crafts, was the protagonist of the third edition of Talk, Share & Create. He picked up the baton from the hands of Grip Face and Ricardo Cavolo. Once again we met at MISCELANEA for an afternoon of stories, advises, secrets and, most important, honesty. With a cold Moritz in one hand, this artist started to unveil his dusty old trunk of memories to analyze which decisions made him reach the place he holds now and evolve in his career. Beginnings are never easy, because foundations require hard work, since they will determine the future. Javier told us how he learned a great deal of technique studying fashion illustration, a career he mistakenly chose. He also told us how he managed to turn that mistake into something positive, all he learned from teamwork and how to surround yourself with the best so they can bring out the best in you. As he spoke, a projection of images was showing us his series of work, in which we could see the Floors project, currently being exhibited at the MISCELANEA Gallery, and through which he manages to give color to abandoned places, endowing them with a new aura. His style cannot be labeled; he doesn’t fit into any particular movement; as he said, that would only put limitations to his self. And that might be the biggest lesson he shared that evening. Because art is exactly that, free. We want to thank all of the assistants that have come to any of the three editions of these talks organized by lamono, MISCELANEA and Moritz, where the main goal was to spread motivation so that new projects arise, become a seed for a community that believes in art and wants to share, contribute and inspire each other. Until next time!

www.lamonomagazine.com www.miscelanea.info www.moritz.com 140

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REVIEW / BORDEAUX / 17TH MARCH 2016

VOLCOM X DON PENDLETON T: FELIPE DUARTE

Dicen que cuando deseas algo con mucha intensidad, tarde o temprano se hace realidad. Y es cierto. Deseábamos conocer en primera persona al artista de Ohaio Don Pendleton y la oportunidad nos llegó a través de Volcom, que nos cogió de la mano y nos llevó al lugar más cool de Burdeos para que charláramos con él. En un golpe de avión (y no va en broma, volamos en pleno temporal) nos personificamos en una de las salas de Darwin, donde el equipo de producción aún estaba acondicionando el lugar para la exposición, concierto y sarao que nos esperaba por la tarde. Nos colamos y enseguida nos localizamos de forma mutua con Don. Así que antes de soltar las maletas ya estábamos comentando la semana que se tiró en Montana junto a Jeff Ament, bajista de Pearl Jam (para los que diseñó la portada de un disco ganando un Grammy) y otros riders de Volcom como Pedro Barros y Louis Lopez. De lo que allí vivieron grabaron un vídeo documentando la experiencia para presentar la colección cápsula que el artista ha realizado con la marca. Además ha realizado una serie de piezas inspirándose en la música y en el background que vincula a ambos, tanto a él como a Volcom con el skateboarding. El resultado es una obra con el sello Pendleton, al que definimos como una especie de Miró irreverente. Además de eso hablamos de metas, dinero, viajes y consejos para otros artistas que quieren ser como él. Todo eso antes de llegar al hotel, soltar las maletas y volver al lugar del evento para disfrutar junto a la familia de Hossegor y de otras partes de Francia del concierto de Cheaap y del live Art de Pendleton. La cosa se alargó tras el evento y nos hubiera ido genial ese Brunch anti resaca, a base de zumo de tomate, que prepararon en la tienda de Volcom, pero nos tuvimos que volver enseguida para atender este intenso mes de marzo que ha estado cargado de emociones y eventos. Seguiremos informando. Gracias Don. Gracias Volcom. It’s true that when you really want something, sooner or later, it happens. We really wanted to meet, face-to-face, Don Pendleton, and the opportunity came thanks to Volcom, who took us by the hand, to the coolest place in Bordeaux, so we could talk to him. We got ourselves ready, jumped on the plane, and sooner than later, we found ourselves in one of Darwin’s rooms at Les Mains Sales, as the production team was finishing organizing everything for the exhibition, concert and party that were about to happen. As soon as we got in, we identified Don, so before even leaving our luggage in the hotel, we were already talking to him about his week in Montana along Jeff Ament, Pearl Jam’s bassist, band for which he designed an album cover earning a Grammy, and the riders from Volcom, Pedro Barros and Louis Lopez. From all the experiences over there, they made a video to present during the launching of the collection designed by Pendleton and Volcom. He told us how the pieces from this collection were inspired by the cultural aspects the brand and he share, such as music, skateboarding and art. His stamp here is clear, as usual, something we have started to call an irreverent Miró. We also had the chance of talking to about goals, money and travels; he also gave us some tips for aspiring artists. Then we had time to go to the hotel and leave our bags, so we could enjoy the event next to the Hossegor family, Cheaap’s concert and Pendleton’s live painting. The night was long and we would have really enjoyed the hangover brunch, based on tomato juice made at Volcom’s store, but we had to run back to keep on working in all the exciting things March had to offer. Until next time. Thank you Don. Thank you Volcom.

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REVIEW / LONDON / 18TH -19TH MARCH 2016

VANS 50TH ANNIVERSARY T: FELIPE DUARTE

Londres, ciudad de contrastes. Es gris y fría, pero a la vez tan cálida y encantadora. Siempre tiene esa capacidad de sorprenderte, cada vez que pones un pie encima de su asfalto, como una especie de declaración de intenciones. Esta vez, la noche londinense nos llevó de fiesta bajo las vías de la estación de Waterloo y cerca del famoso skate spot de Southbank , en un recinto increíble: el House of Vans, un lugar polivalente y subterráneo que es la materialización de todos los ingredientes que hacen de Vans una marca imprescindible en la historia de la cultura y arte urbano, la música y el skate. Y ahí estábamos, celebrando su 50 aniversario, en un lugar increíble y siendo conscientes de que estábamos formando parte de algo que pasará a la historia. Del 16 al 19 de marzo, empezaron las festividades por todo el globo, desde Sao Paulo hasta Kuala Lumpur, pasando por Seúl, Ciudad del Cabo, México, Brooklyn o Londres. En el programa, exposiciones repasando sus cinco décadas de vida a través de fotografías y una muestra de la evolución de sus zapas más icónicas hasta la actualidad (una delicia para coleccionistas), conciertos, sesiones de djs, gastronomía, street market (increíbles las tablas de Lovenskate), proyecciones, y por supuesto, acción en el bowl, en patín y en BMX. Y allá que fuimos, con la cámara colgando del cuello y con los ojos bien abiertos. Cruzando el túnel de entrada, cualquier cosa podía pasar: desde ver a Steve Van Doren haciendo una masterclass de cocina, Christian Hosoi sirviendo alegremente hamburguesas o Tony Alva y Geoff Rowley comiéndoselas, uno más solitario que el otro. Surfers como Pauline Ado o Maud Lecar dejándose ver en seco, o Bruno Rivoire y Benny Urban, más allá de la nieve. En el lugar, había un choque entre espacio y tiempo: por un lado, las leyendas, no solo del team de la marca, sino de la propia historia del patín, que a su vez se mezclaban, como en una especie de relevo generacional simbólico, con pros que no necesitan introducción alguna por ser unos clásicos de nuestras fiestas y páginas como Danny Wainwright, Bastien Douverdier o Sam Partaix. A todo esto se le suman talentos emergentes que lo están petando como Josh Young o Curren Caples, el hombre más buscado del momento. Y en medio, el público, que aprovecharon esos días para uso y disfrute. Los directos de Fat White Family, Ratboy, Dizzie Rascal o el dj set de Julio Bashmore pusieron la guinda del pastel en la dancefloor, en una ciudad también imprescindible en el ámbito de la contracultura. Pero al día siguiente, todos los ojos estaban fijados en la acción en el bowl, donde vimos a las leyendas ripar duro, dejando claro que aún les queda mucho que decir y mucha historia de la que formar parte. Vans cierra así las celebraciones de medio siglo escuchando lo que dicta el asfalto, plasmándolo en modelos como la Sk8-Hi, la Old Skool o la Era, la primera zapatilla de la marca hecha específicamente para patinar, creada en 1977 en respuesta a que a los skaters les gustaba mucho las Vans por su suela de goma. Y el resto, es historia: y es que, a veces, para saber a dónde vas, has de mirar atrás para valorar hasta dónde has llegado. Damos gracias a la marca por habernos dejado formar parte de este brindis a lo grande, y no podemos evitar decir eso de: y por muchos más. Cheers. London is a city built upon a wide range of contrasts. Yes, it can be gray and cold, but at the same time it remains friendly and charming. Plus, its ability to surprise you is overwhelming; every time you set a foot on it’s wet asphalt the possibilities seem to multiply exponentially, specially this time. The occasion couldn’t be any better, we were celebrating Van’s 50th anniversary in an incredible place and completely aware that we were part of something the very possibly will go down in history. At the House of Vans, a polyvalent location cemented in the underground rails underneath the Waterloo Station, and really close to Southbank – one of the cities most important skate spots -, we had the chance to experience London’s nightlife in a completely new, different and exciting way. The party had started a couple of days earlier, from the 16th until to the 19th of March the celebrations succeeded each other all over the world, from Sao Paulo to Kuala Lumpur, hitting Seoul and Cape Town, all the way down to Mexico and up to Brooklyn and, as mentioned, here in London, at this magical space that represents all of the ingredients that have made this brand to be one of the most important in the history of culture, urban arts, music and skateboarding. The program had plenty to offer, starting with an exhibition composed by photographs and the brand’s most iconic shoes, thanks to which we could look back at five decades of history, besides that, concerts, DJ sessions, gastronomy, a street market (with amazing Lovenskate decks), screenings and, of course, action inside the bowl, both, on the board and BMX. From the first moment we crossed the entrance tunnel we knew anything could happen, thus we stood eyes wide open and camera around the neck. The first thing that caught our attention was seeing Steve Van Doren giving cooking classes, like a chef, Christian Hosoi was there serving one hamburger after another, while Tony Alva and Geoff Rowley ate them as fast as they were coming out of the fire, both by themselves, as if loneliness was a needed ingredient to really appreciate their taste. But that wasn’t all; we also had the chance of seeing surfers Pauline Ado and Maud Lecar make a free-wetsuit appearance, Bruno Rivoire and Benny Urban also decided to show up and leave the snow behind for some days. This whole collage made a composition that defied space and time: on one hand, there were all these legends, and not only the ones part of the Vans Team, but all the main legends in skateboard’s history, mingling, in some sort of symbolic generational relief, with many other pros that need no introduction whatsoever, such as Danny Wainwright, Bastien Douverdier or Sam Partaix. To all this we must add the presence of the upcoming talents that are crushing it right now, like Josh Young or Curren Caples, the most wanted guy at the moment. In the middle of all this hustle was the audience, who during these days had nothing else to do than enjoy of a once in a lifetime opportunity. The live performances from Fat White Family, Ratboy, Dizzie Rascal, and Julio Bashmore’s DJ set, were the sugar coated glace present on the dance floor for everyone’s delight. The second day came by with all of the excitement present at the bowl, where we had the chance of seeing all the legends do their magic, as a clear statement that they still have plenty to build upon skateboarding’s fulfilling history. This was the perfect way to end up such an important celebration, with the ear very close to the ground, listening to what the four wheels have to say, and representing that sound with some classic cuts, such as the Sk8-Hi or the Old Skool, even the Era, Vans’ first shoe made specifically for skateboarding in 1977, after the brand experienced a wide demand due to all the skaters that fall in love with the gum sole. The rest, as they say, is history. Sometimes, in order to know where we are heading, it’s necessary to look back and value the covered path. We want to thank Vans for allowing us to be part of this celebration, and, if we had the chance to make a toast, there’s no other thing we could say but, for many more to come! Cheers!

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