issue 70 # / XXL

lamono / núm. 70 / febrero ’11

secci贸n

cr猫dito

f: nĂşria rius

staff

il: angela cabal (www.angelacabal.com)

Portada: Luke Ramsey (www.lukeramseystudio.com) Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Aribau, 15 1º1ª (BCN) / Directora: Eva Villazala > eva@lamono.net / Director adjunto: Julio amores > julio@lamono.net / Editora Gráfica y coordinadora de contenidos revista impresa: Núria Rius > fotografia@ lamono.net / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > hverdinelli@gmail.com / Maqueta original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar (bang-bang.ws) / Música: Natalia Brovedanni > natalia@lamono.net / Moda: Xavi Ocaña > xavi@lamono.net / Directora marketing y publicidad: Anthya Tirado +34 615 087 531 > anthya@lamono.net / publicidad@lamono.net / Fotos, blog, vídeos, arte, crítica social & constructiva: yuppi! eff productions (Fran Gallego & Julio Amores) / Redactan: Alba Agustí + Txema Argente + Natalia Brovedanni + Eunis Font + Adriana Giorcelli + Ferenz Jacobs + Andrea Jarales + David Moreu + Òscar Nin + Xavi Ocaña + Isabel Sánchez + Lara Turner/ Fotografían: Mark Rabadán + Núria Rius + Thomas Williams / Ilustran: Javi Aracil / Imprime: Comgrafic S.A. / Depósito Legal: B 516664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com

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actualidad invigente

XXL

t: txema argente / il: el reino de la sandía

Benjamin Pla era hasta hace poco un perfecto desconocido, pero puede llegar a convertirse en esa gran figura, en ese alguien enteramente indescriptible en cuanto a ética, pensamiento y función social.

La historia de Benjamin nace del hartazgo, de la constatación de la enorme pérdida de tiempo que supone ir de compras. ¿Por qué?, nos preguntaremos… porque hay demasiadas opciones, demasiadas dudas. Así que Benjamín emprendió un negocio que a priori estaba condenado al fracaso. Una pequeña tienda en la que solo iba a vender un producto, eso sí, renovando la oferta cada mes. Así que comenzó su arriesgada singladura en un pequeño local en el que ofrecía un único modelo de gorra, de color marrón para más señales. La propuesta sorprendió, pero es cierto que las vendió antes de lo que esperaba. Al siguiente mes ofreció un mechero de calibre mayor al normal, y éste sí que fue un éxito. Para el día 15 ya no le quedaban existencias, con las consiguientes quejas de la clientela. Con el mes de la vela llegó la locura. Aquella vela amoratada de dos centímetros de filamento supuso un antes y un después en su negocio. Curiosamente, la política comercial de Benjamín no era la usura desmedida, sino el servicio controlado. Él calculaba y compraba únicamente el género que una vez vendido le permitiría vivir tranquilamente el mes en curso. Si el producto se acababa el día 5, pues 25 días de fiesta sin problema. Evidentemente, esto generó en su clientela “low cost” un sentimiento desconocido de exclusividad. Al mes siguiente, cuando levantaba el día 1 la persiana para ofrecer la media de rejilla rombificada, la cola para entrar en su negocio daba dos vueltas a la manzana. Al año de abrir, Benjamín ya sólo trabaja un día al mes. Lógicamente tanto éxito ha despertado el interés del resto del sector e incluso ha recibido jugosas ofertas por la venta de su negocio. Pero los planes de Benjamín son otros. Para Junio abre su primer gran centro comercial. El primer mes será el mes del anillo al dedo.

imperdibles

t: xavi ocaña

WRANGLER WELL DONE Sin darnos cuenta, a diario, libramos una batalla interna entre el bien y el mal, entre estas dos maneras de hacer las cosas. Cuando las hacemos mal, las calificamos de error y nuestro estado anímico cae en picado. El problema está en que hacerlas bien, requiere esfuerzo. Un esfuerzo que llevan a cabo temporada tras temporada los chicos de Wrangler en su línea Blue Bell, que nos presentan nueva colección para esta primavera/verano 2011 con denominación de origen: Made in USA, rescatando así para sus nuevas creaciones la esencia del auténtico denim. Los patrones estrechos dominan los jeans que llegan con acabados rígidos, usados, lejiados o rotos. La cazadora tejana se vuelve un must have para combinar con las camisas a cuadros y con estampados florales de la colección.

Todos en colores arena con toques de blanco, azul marino, rojos, naranjas y turquesas que resultan en un look brillante y relajado. Cuesta hacer las cosas bien porque no hay motivos, solo fe, porque el resultado no lo descubres hasta el final. www.wrangler.com

EASTPAK EL SITIO ADECUADO Hay etapas en las que dejamos de ser nosotros mismos, la incertidumbre y las dudas se apoderan de nuestros sentidos y nos sentimos fuera de sitio. Pero esos son los momentos en que más cerca estamos de él, de nuestro lugar. Un lugar que Eastpak parece haber encontrado junto a la firma Quinze & Milan y el diseñador Antoine Peters en la colección Built to resi(s)t. Cansados de buscar el asiento adecuado, se han unido para construirlo en una línea de butacas y sofás en los que se asientan las formas abstractas de la marca de diseño de mobiliario y las características bolsas, cremalleras, asas, tejidos, colores y estampados de Eastpak. La modernidad icónica de una y los clásicos funcionales de la otra se funden en creaciones que te permitirán estar cómodo y guardar todo lo que se te pueda ocurrir (incluidas tus dudas). Incluso algunas de las piezas de la colección han sido utilizadas y customizadas en la última exposición del diseñador Antoine Peters. Y es que tal vez tu lugar sea en el que te encuentras justo ahora y simplemente no te hayas dado cuenta o puede incluso que nunca lo encuentres, pero si dudas es que te estás acercando. www.eastpak.com/quinzeandmilan www.antoinepeters.com

WESC CONTRARIOS SONOROS Con los años, desarrollamos una facilidad casi sicótica para aburrirnos de todo. Hemos hecho de la intensidad la única unidad para medir las cosas y parece ser que la clave del éxito está en aquello de “una de cal y una de arena”. Dar y quitar, estar y desaparecer… la dualidad engancha y los chicos de Wesc lo saben muy bien. En su nueva colección apuestan por la fusión de contrarios: lo romántico frente a lo recto, el trabajo frente a la delicadeza.

Esta primavera/verano, sin renunciar a sus colecciones de ropa urbana y fresca y sus colaboraciones con artistas, la marca presenta sus novedades para los nuevos días de sol: una línea de calzado y dos nuevos auriculares. El básico Banjo y un modelo profesional para Dj’s, los Bassoon. Dos piezas de diseño, los primeros de líneas limpias y suaves disponibles en todos los colores, claros y oscuros, y los segundos en rojo y negro de aire más industrial, con una calidad nítida que te permitirá escuchar todos los tonos, graves y agudos. Puede que el sol, tras la tormenta, brille más y la música, después del ruido, suene mejor. www.wesc.com

HAPPY SOCKS MUERTOS DE RISA Decimos lo que no pensamos, pensamos lo que no hacemos y sentimos lo que no queremos. Ante tal cuadro, la contradicción parece ser lo único claro que al final tenemos. Entones ¿a qué hacer caso? O mejor dicho, ¿por qué hacernos caso? Los chicos de Happy Socks se aplicaron el cuento, se saltaron las normas y decidieron prestar toda su atención a lo que el resto ignoraba: los calcetines, convirtiéndolos en la guinda del pastel de cualquier look. Además de su infinita variedad de modelos, diseños, colores y estilos aptos para todas las mentalidades, esta temporada nos presentan su colección orgánica. Una línea de calcetines reciclados, hechos con fibras de cáñamo y tejidos reutilizados con la personalidad original que caracteriza a la marca sueca.

Una propuesta 100% eco con la que nos anima a re-sockling para cuidar del planeta. Puede que la clave esté en el sentido del humor, en creer que somos una broma y no tomarnos a nosotros mismos tan en serio. www.happysocks.com

t: xavi ocaña

LEE HAMBRE TEJANA El mundo parece estar dividido entre aquellos que esperan encontrar a su media naranja y los que esperan ser una naranja completa por ellos mismos. Pero hay un tercer grupo, el de los que luchan por ser completos para poder complementar a los demás. Este es el caso de Vivienne Westwood y Lee, que vuelven a aunar fuerzas y talento presentando una nueva edición de su colección Anglomanía para esta temporada. La diseñadora inglesa y la marca se encontraron, se gustaron y decidieron hacer algo juntas. Una auténtica love story entre dos estilos que ya eran auténticos por separado: el punk rocker underground de Westwood y el denim de Lee. El resultado es una colección arriesgada y de carácter original, un mundo a caballo entre dos universos habitados por estampados, formas asimétricas y aires retro de los 70 y 80 con sabor a rock&roll. Tal vez seamos una naranja, tal vez media, o incluso hasta un limón, pero mientras sigamos sintiendo el hambre, sea de lo que sea, todo estará bien. Es tu comida ¿no? www.lee.com www.viviennewestwood.com

FEIYUE NUMEROLOGÍA SNEAKER Si para muchos los números son fríos, para otros están llenos de significado. Según la numerología, el 4 es sinónimo de solidez, estabilidad, sinceridad y eficacia y, en el mundo sneaker, esa cifra se traduciría como Feiyue y los cuatro colores monocromáticos en los que llegan sus nuevas Plain Suede para esta temporada. Volando hacia delante desde Shangai y con más de 90 años a sus pies, la marca vuelve con sus nuevas siluetas, fieles al estilo vintage pero renovadas a base de estética urbana y materiales de alta calidad. Un buen ejemplo son sus Plain Suede, con un diseño sencillo pero firme, de líneas limpias y aires suaves, que se convierten en una apuesta segura para derrochar estilo bajo los venideros días de sol. ¿Eres una persona de ciudad, amante de las tendencias, elegante y deportiva a partes iguales? Deja de contar, tu número es Feiyue. Y así fue como mirándonos a los pies descubrimos que era cierto: que todo (incluidos nosotros) se reduce a matemáticas. www.feiyue-shoes.com

DIESEL CAMBIOS POSIBLES Creemos que el cambio es posible, por ello no dejamos de volver una y otra vez a por más. Corremos riesgos, esperando que la posibilidad se haga real y suceda aquello que esperamos. En retos son especialistas los chicos de Diesel: tras ser muy estúpidos y poner a medio mundo a practicar el kick ass, presentan su nueva colección Mission Deep Altitude para esta primavera/verano. Con ella siguen su particular saga Licence To Create y vuelven a vestirnos para una vida de auténtica acción. Los detalles militares y de aviador llegan a sus nuevas creaciones. Nuevos lavados y fits más arriesgados en una colección teñida de tonos pastel y detalles flúor. La línea tejana 5pockets no podía faltar en esta misión, New Dirty Age y Blue Eyecones (que por primera vez llega también para chica) son las renovadas versiones a base de nuevos efectos, materiales y acabados. Lo último de Diesel se convierte en una serie de capítulos de alto voltaje en los que los accesorios son usados como golpes de efecto. El cambio solo se producirá cuando entendamos las acciones que están y no están en nuestras manos. Pero puede que al final, darnos por vencidos sea lo único imposible. Action! www.diesel.com

ADIDAS ORIGINALS EXCUSAS AZULES El ser humano tiene una parte lógica, una emocional y una tercera y las utiliza todas a su antojo: cuando queremos hacer algo recurrimos a la lógica y cuando queremos justificar lo que no queríamos, alegamos un ataque emocional. Con la excusa mitad lógica, mitad emocional de vestirnos de los pies a la cabeza, adidas Originals presentan su Blue Collection para esta nueva temporada de sol que se avecina. Tras el buen sabor de boca que les dejó su colaboración con Diesel, la firma presenta su primera colección de jeans totalmente Originals para chico y chica, el primer paso en solitario de lo que seguro será un largo paseo por el universo denim. Otra de las apuestas fuertes de la marca para la próxima temporada es la línea premium de accesorios, capitaneada por una serie de bolsas de piel. Y aunque la colección rinde homenaje al color bluebird característico de la firma, sus nuevas creaciones se tiñen de colores frescos, nuevas siluetas y juegos de diseño. Las excusas sólo valen la pena cuando el motivo es bueno, el problema es que a veces, no lo descubres hasta que ya lo has hecho. Cuando eso pasa sólo nos queda aprender para la próxima vez ser capaces de distinguir las excusas de los motivos. www.adidas.com/originals

imperdibles

SUPREMEBEING URBAN TRAINNING En el momento en que asimilas que la vida no es una meta sino una carrera de fondo, aceptas que para practicar la vida como Dios manda necesitas un buen entrenamiento. Un training que te haga capaz de vivir el momento y dejarte llevar. Un modus operandi que conoce muy bien Supremebeing y que ha llevado a la marca a una nueva colección dinámica y versátil donde las haya. Apostando por la geometría, llenan sus nuevas creaciones de líneas, juegos, bloques de color y estampados que reinventan sus clásicos y crean nuevas propuestas como los polos extrasuaves y el jersey de cuello Mao para chicos o el mono Play Verbose y las faldas altas Jam Skirt para chicas. Sin pasar por alto su línea de camisetas 100% orgánicas, SBOT & LOT, y su colección de denim, con el mítico 5 bolsillos para él y un nuevo fit de caña estrecha para ella, disponibles en cinco lavados distintos. Tal vez la vida sea un experimento y vivir sea sinónimo de ir probando, haciendo y deshaciendo hasta dar en el clavo con el que llamamos destino feliz. Y es que puede que lo que nos defina no sea lo que somos, sino hasta donde podemos llegar. www.supremebeing.com

FOOT LOCKER LA SNEAKERPEDIA Dicen que nuestro destino está escrito en las estrellas. Eso deja nuestro futuro totalmente a merced de lo que seamos capaces de leer. Si a estas alturas somos capaces de encontrar en el firmamento nuevas constelaciones y convertir Sagitarios en Ofiucos y Piscis en Cetus, ¿por qué no iba a pasar lo mismo con las redes sociales? Foot Locker vuelve la vista al cibercielo para reescribir la historia con la Sneakerpedia, la primera comunidad online para los amantes de las zapatillas. El lugar en el que darle a tus zapatillas la vida social que se merecen: enseñarlas, averiguar quién tiene tu modelo favorito, descubrir otros nuevos y, en definitiva, compartir todos los disgustos y satisfacciones de ser un apasionado de las sneakers. Si en vez de venas, tienes cordones y quieres contribuir a dar vida a la Sneakerpedia convirtiéndote en cofundador de lo que será el mayor archivo de zapatillas de la historia sólo tienes que hacérselo saber a Foot Locker para ingresar en el Club Beta. Y mientras podamos volver la vista arriba y contemplar el cielo, podremos leer nuestro futuro y decidir nuestro destino. www.snearkerpedia.com www.footlocker.com

t: xavi ocaña

HAVAIANAS

VANS

THE EASY WAY No nos damos cuenta y nos hacemos a las cosas.

EXAGERACIONES POSITIVAS No sabemos por qué pero la realidad es que si tenemos tendencia a algo, es a exagerar. Lo hacemos constantemente y sin darnos cuenta vivimos rodeados de exageraciones. Hacemos montañas de granos de arena, nos ahogamos en vasos de agua… Por suerte, quienes dominan esta técnica saben sacarle partido y Vans es uno de ellos. La firma street presenta su línea representante de la máxima calidad, la Premium OTW. Repleta de novedades no buenas, sino exquisitas.

Para esta primavera los chicos de la casa toman la silueta de las Authentic para crear un nuevo modelo, el Woessner, más fino, ligero y sofisticado. Un diseño que podrás combinar con el resto de prendas y accesorios (incluido un sombrero) que forman la línea para ir equipado con un total look de Vans de aires urbanos y sabor a punk-rock. ¿Una exageración? Puede, pero si somos genios en multiplicar lo malo, ya va siendo hora de hacer justicia, empezar a hacer lo mismo con lo bueno y vivir un viaje de género constante: de la comedia al drama y viceversa. www.vans.com

De repente, la costumbre te atrapa y hace que olvides el resto. En el club de lo complicado, no hay cabida para lo simple. Estamos tan acostumbrados a interpretar la realidad, que ya no la distinguimos de la ficción. Mientras la mayoría hemos olvidado que lo simple existe, los chicos de Havaianas toman como filosofía el easy way.

En breve brillará el sol, con él las complicaciones se derretirán y llegará el momento de sacar nuestras Havaianas del armario.

Para esta primavera/verano la firma vuelve con nuevos modelos y colores. Los tonos más vivos de Brasil llegan directos a sus clásicas sandalias y a la Soul Collection, que nos permite lucir las creaciones de la marca en todas las épocas del año. Como nos lo permite una de sus nuevas siluetas, la Spadrille. Y con el sol, llega también el recuerdo de que lo simple existe, de que un mundo natural en el que las cosas funcionan sin esfuerzo, es posible. Sólo tenemos que entenderlo. www.havaianas.com

imperdibles

t: xavi ocaña

D.A.T.E. Distancias creativas Aunque es difícil echar la vista atrás cuando no dejamos de avanzar, visualizar el punto de partida se torna algo importante cuando de conocernos se trata. Y es que entre ese punto y el lugar en el que nos encontramos existe una distancia. Un camino que nos será más fácil recorrer con lo nuevo de D.A.T.E., la zapatilla MOOD. La combinación de las siluetas de dos clásicos de la firma, la Tender y la Sport, da como resultado un nuevo modelo con la parte superior en piel de ante y nappa, customizada con agujeros rectangulares para los cordones, una legüeta muy heavy y correas de quita y pon. Además, la marca juega con materiales y colores para presentarnos quince versiones distintas del nuevo diseño. Todo este derroche creativo de alto nivel llega en forma de una edición limitada de 500 pares que sólo saldrá a la venta en las principales capitales de la moda. Y es que esa distancia que hemos caminado (con o sin sneakers), la diferencia entre la partida y el destino, ese recorrido, es donde podemos ver lo que realmente somos. www.date-sneakers.com

SPLIT RETOS CALIFORNIANOS Cuando el problema no es saber lo que quieres, lo difícil es averiguar cómo conseguirlo. Los laberintos nos acechan por dentro y por fuera y aunque a estas alturas ya deberíamos saber cómo lidiar con ellos, no dejamos de sorprendernos cuando volvemos a toparnos con uno. Los chicos de Split querían crear algo único y de esa forma sus gráficos llegaron al surf, al snow y al skate. Lo que empezó como un experimento de camisetas y shorts, hoy es una reconocida marca de lifestyle para chico y chica en el universo de los board-sports. Sus colecciones se inspiran en el equipo de surfers y skateboarders de la marca y toman prestada su funcionalidad y estética street. Con todo, Split desembarca esta primavera 2011 en Europa, directamente desde su California natal, con un look fresco, desenfadado y lleno de esos aires de tipo duro que tanto gusta a los chicos de ciudad. Puede que los retos nos persigan o puede que los busquemos, pero la diferencia reside únicamente en la experiencia, porque aunque nos sorprendan, ya tenemos bien aprendido que siempre hay una forma de superarlos. www.splitusa.com

imperdibles

t: xavi ocaña

55DSL & ADIDAS ORIGINALS DIFERENCIA ORIGINAL Creemos que en lo grande está la diferencia porque es lo que vemos con más facilidad, pero la mayoría de las veces lo sutil es lo que distingue la realidad. Cuando alguien pregunta a unos padres si quieren a todos sus hijos por igual, lo que en realidad buscan saber es cuál es su favorito, porque son conceptos ligeramente distintos. La mami Adidas Originals y el papi 55DSL han concebido una nueva colaboración juntos. Aún queriendo a sus nuevas camisetas, zapatillas y al resto de hijos/creaciones por igual, tienen una favorita: la J-ADIDAS55, una chaqueta en la que la silueta más mítica de los chicos Originals, la Experience Enhancer Device II, que rinde homenaje al boxeo, ha sido reinterpretada por el equipo 55. Desde la ilustración de la parte trasera hasta los parches que ponen el punto italiano al diseño. Y es que mientras la originalidad viva, existirán los favoritos y mientras los favoritos nos hagan sentir mejor, disfrutaremos de la diferencia. www.adidas.com/originals www.55dsl.com

GAS EXHIBICIÓN TEJANA Todos escondemos un pequeño exhibicionista en el interior, esa parte amateur que nos empuja a desnudarnos. Cada uno tiene su propia forma de mostrarse al mundo, para unos es la pintura, para otros la música, para otros su blog y para los chicos de Gas, sus jeans. Su nueva colección es un canto a la simplicidad individual, a ser uno mismo, sin más.

La firma tiene tan claro que la moda no es nada sin las personas, que en su última campaña deja sus nuevas creaciones en segundo plano para centrarse en ellas. Por ello los cuatro modelos escogidos para esta campaña tienen nombre, ideas, sueños, pasiones y una personalidad que llega a nosotros en cada una de las fotografías de la nueva colección y en el vídeo filmado durante el Photo Shooting. Todo eso y algo de moda es lo que encontraremos en el nuevo mini-site de la firma. Pocas sensaciones son igualables a la de desnudarse ante los demás, porque el momento en que lo haces es el instante en que te despojas de todo y empieza tu libertad. Get naked! www.gas.com www.standupforsimplicity.com

CROCS SNEAKERS… JUMP! Dicen que las relaciones deben cuidarse para que funcionen, el problema está en cómo saber si queremos o no que una relación funcione. La respuesta está en el salto, en averiguar si esa pareja nos hace elevarnos, aunque para que eso pase, debemos antes desprendernos de nuestros propios lastres. Por eso Crocs lanza para esta temporada una nueva colección de sneakers ultra ligeras (de apenas 170grs.). Con un diseño casual pero cuidado y a todo color, lo nuevo de la firma se convierte en zapatillas aptas para cualquier ocasión. Crocks sabe que los sneakers son la pieza clave del look de cualquier chico de ciudad, por lo que han cuidado todos los detalles, desde los cordones hasta la plantilla Croslite™, que aumenta el soporte y el confort, haciéndote más fácil que nunca despegar los pies del suelo y elevarte sin problemas. Si te hacen saltar… ¡que dure! www.crocspain.com

imperdibles

t: xavi ocaña

RallitoX Manipulated Society RallitoX es un artista polifacético reconocido especialmente por sus intervenciones urbanas, tanto en formato street art como por diversas performances que incitan a la reflexión social mediante la generación del caos y la confusión. Su obra es una prueba constante a él mismo y a su entorno. El artista crea mediante situaciones que incitan al análisis de esquemas preconcebidos y reacciones aprendidas. RallitoX busca el límite casi de forma natural para descubrir otras visiones del amor, las estructuras de poder, el dinero, el sexo y la muerte. Su nuevo libro, Manipulated Society, editado por The Private Space, es una revisión a su obra desde sus inicios hasta el día de hoy. En él encontramos una muestra tanto de su trabajo en la calle, como en lienzos y performances artísticas que buscan una reacción ante el caos y lo incomprensible, impulsando de esta forma una reflexión frenética y por esta razón mucho más auténtica.

Manipulated Society. RallitoX, editado por The Private Space Books. 250 pags. 29 € www.rallitox.org www.theprivatespace.com

Inocuo

Ekozak

Miscelanea cumple años El pentagrama cósmico El cinco es poder, vida e invulnerabilidad. Tenemos cinco dedos en la mano y cinco son las puntas del pentagrama que definen el orden del cosmos. Cuando algo llega al número en cuestión, significa que ha pasado por el uno, el dos, el tres y el cuatro, lo cual es un gran paseo por la naturaleza cósmica. El mismo que ha realizado Miscelanea en estos cinco años de vida en el Raval. Un acontecimiento así requería una celebración en toda regla y para ello no había mejor auto-homenaje que lanzar una publicación en forma de caja donde invitan a participar a todos los que han vivido y sentido el proyecto. Con una serie limitada a 200 copias, el libro contiene serigrafías con obras de 20 artistas nacionales e internacionales, ilustraciones de artistas como Ilia Mayer, Manu Griñón, Juju’s, Nacho Magro, -V- studio y gastón liberto, pintura de Andrea Luschi, Camille Lavaud, Quitolomalo, Joaquin Jara, street art de Andrea Michaelsson, Btoy, Zosen, Sakristan, Marco Zamora, Mr. Case & Olivia, diseño de Comte d’Urgell, Emil Kozak, Martin Allais, Inocuo y Gamebombing y textos de Lluc Mayol, Julio Arriaga, Aisha Prigann, Marta Puigdemasa, Abraao Vicente, Emile Hallard, Eva Villazala, Alex Brahim, Rigo Pex y la Miscelanea Crew. En todos ellos recae la responsabilidad de plasmar a su forma la memoria de un proyecto que ha recorrido un intenso camino del 5 al 10. Para nosotros esta andadura se resume en la premisa de que el arte es la única forma que tenemos de cambiar el mundo. ¡Y ellos lo cambian a cada paso! www.miscelanea.info

l-r-g.com

colette.fr goodhoodstore.com

pepakarnero.com

feiyue-shoes.com oddmolly.com

ilbussetto.it

happysocks.com

lee.com

woodwood.dk

saskia-diez.com peseta.org

protest.eu

il: javi aracil (javiaracil.com)

adrianmustelin.com

vans.com

www.eastpak.com/artiststudio www.radikaldesigns.com/es/subastaeastpak.php www.marianao.net/aulataller/biciboi/el_taller_biciboi.html

A bag that’s as original as you are…

Hay al menos una cosa que es innata e inevitable en el ser humano. Algo que hacemos despiertos y dormidos, de forma consciente e inconsciente, a posta y sin querer. Soñar.

Imaginar, creer que la fantasía es posible. Una religión de la que son fieles devotos los chicos de Eastpak. Tras más de tres décadas predicando esta filosofía con sus mochilas por las ciudades de todo el mundo, hoy presentan su templo: el Eastpak Artist Studio, una iniciativa que reúne a 77 personalidades y artistas de Europa y Asia invitados a imprimir su sueño de lo bello e inquietante en la clásica silueta de la mochila Eastpak. Entre ellos, diez artistas españoles han usado la bolsa como lienzo para dar rienda suelta a su imaginación creando auténticas obras de arte originales. Las bolsas interpretadas con el sello de cada artista, diseñador e ilustrador serán objeto de una exposición y posterior subasta en beneficio del proyecto Biciboi, en el que jóvenes de 16 a 21 años se forman como mecánicos reciclando bicicletas en desuso para donarlas a entidades y países en que son un medio de primera necesidad para tener acceso a la

sanidad o la educación, por ejemplo. Sus creaciones pueden verse en la exposición de la tienda Radikal Designs de Barcelona desde el 18 de febrero al 10 de marzo, pero si la ciudad condal no te pilla a la vuelta de la esquina, siempre puedes echarles un vistazo en la web de la marca. Además, durante los días que dure la muestra, podrás pujar por la mochila que mejor conecte con tus propias ilusiones en la subasta online a través de la web de Radikal. Los beneficios irán directos al proyecto Biciboi de la Fundación Mariano de Sant Boi de Llobregat. Eastpak soñaba con un mundo lleno de algo más que mochilas y así lo ha creado. Y es que lo bueno de soñar e imaginar es que aprendes a vislumbrar la realidad y construirla. Los soñadores españoles que han participado en el Eastpak Artist Studio customizando sus bolsas son: Almudena Gil (Circo Jewellery), Andreu Buenafuente, Bimba Bosé, Borja Garmendia Pensando en Blanco™ & La Tapisseria ©, Diego Ramos, Freddy Cordón, Johann Wald & Miranda Makaroff, The New Raemon, Senyor Pablo y David Delfín. Aquí te los presentamos a todos.

lamono / núm. 70 / febrero ’11

ALMUDENA GIL

ANDREU BUENAFUENTE

Esta madrileña iba para arquitecta de interiores, pero no tardó en hacer caso a su instinto y graduarse en la fabricación de joyas especializándose en el metal. Es la mente creativa de la firma Circo Jewellery, desde su propio taller diseña y fabrica artesanalmente piezas que son exportadas a Europa, Japón, Rusia y los Emiratos Árabes. En el adn de cada una de sus creaciones encontramos grandes dosis de color, feminidad e ironía. La diseñadora presenta dos colecciones al año que se convierten en el amuleto que abre la puerta que comunica lo heavy de la ciudad con los cuentos de hadas. Una puerta que esta vez toma forma de bolsa. Una de las mochilas con el diseño más inquietante, cubierta de una capa de cuerdas que mantiene escondido y a salvo su interior, invitándonos a descubrirlo. Un diseño custodiado por dos joyas en forma de calavera. www.circojewellery.com

Conocido periodista, reconocido presentador y respetado productor de televisión, es presidente de El Terrat, una de las productoras televisivas más importantes del país. Acostumbrados a sorprendernos con sus monólogos, esta vez el descubrimiento es artístico: Andreu lleva más de quince años practicando el placer de la fotografía, la pintura y el dibujo, por lo que tiene una amplía trayectoria como artista.

Sus obras han protagonizado exposiciones, colaboraciones con marcas, portadas de discos, ilustraciones y publicaciones en medios como The New York Time, Finerats o Bostezo. Hoy su abstracto mundo de caricaturas, humor e ironía customiza la silueta de la mochila Eastpak con una auténtica explosión de personajes y conceptos. Un diseño de esos en que el descubres algo nuevo cada vez que vuelves a mirarlo. www.andreywings.com www.andreubuenafuente.com

Heavy Metal

Dibujos sorpresa

BIMBA BOSÉ

Bim, bam… boom La creatividad de Bimba es como una bomba que nunca sabes cuando va a explotar y cuando lo hace puede tomar forma de moda, música o negocios.

Modelo cantante y empresaria, ha posado para los mejores fotógrafos y revistas, como Bruce Weber, Mario Testino o Vogue Italia. Junto al diseñador David Delfín, forma un tándem creativo perfecto del que ha nacido la marca Davidelfín y es la vocalista del grupo Cabriolets, proyecto en el que focaliza todas sus energías. Su filosofía de vida se rige por dos principios: discreción y estar alerta. Dos motivos que inspiran el diseño de la artista y dota de sentidos a su Eastpak, forrada con velcro suave que permite adherir diferentes motivos. Los suyos, tres conceptos muy claros: oír, ver y hablar o callar. www.thecabriolets.com

BORJA GARMENDIA PENSANDO EN BLANCO™ & LA TAPISSERIA©

Sabor catalán

Borja Garmendia y Aurora Polo son los responsables del estudio dedicado a la dirección de arte y asesoría de imagen en diseño gráfico Pensando en Blanco™.

Para la ocasión, ambos han unido creatividades con La Tapisseria, auténticos maestros tapiceros de mueble antiguo y moderno, autores de infinidad de proyectos de interiorismo, diseño de mobiliario y moda. Su propuesta llega fabricada en materiales y tejidos primarios y es todo un homenaje al Empordà.

Los tonos terrales y la sobriedad de sus paisajes bañan su mochila, un canto al valor de la sencillez que te permitirá llevar a cuestas la esencia de esta comarca catalana. www.pensandoenblanco.com www.latapisseria.com

lamono / núm. 70 / febrero ’11

DIEGO RAMOS

JOHANN WALD & MIRANDA MAKAROFF

Este diseñador industrial fundó su estudio con sede en Barcelona en 2006, tras haber cultivado su talento en la ciudad condal y en el Royal College Art de Londres. Su creatividad no tiene límite, siendo autor de gran variedad de productos que van desde packaging hasta mobiliario. Con su trabajo el catalán pretende explorar nuestro día a día y cuestionar los límites del diseño en nuestro entorno. Un juego que le ha llevado a protagonizar exposiciones nacionales e internacionales y contar en su haber con una larga lista de premios. La huella de la civilización, lo urbano y la industria deja su huella en el diseño y los acabados de la Eastpak del diseñador. Bañadas con el color de tres de los metales nobles (oro, plata y cobre), su look inspira a las piezas de las grandes maquinarias. www.diegoramos.es

Johann Wald es presentador y Vj de MTV España desde 2002. Confeso patinador desde que era un niño, recuerda cómo cogía su mochila Eastpak color verde para ir a patinar por las calles de Málaga. En la bolsa llevaba lo necesario para el camino de regreso a casa tras haber disfrutado de un gran día. Los paisajes que fueron escenario de ese pasado sobre ruedas llegan a su propuesta para el proyecto de la marca. Una mochila que ha realizado con ayuda de su amiga Miranda Makaroff, actriz e hija de diseñadora, con un gran talento y una creatividad muy gótica. Sus mochilas Eastpak tienen un punto siniestro que nos atrae llenándose de edificios vacíos, insectos y detalles como el un clip naranja o un trozo de la correa de un pase VIP de la MTV. www.mtv.es www.hermanasmiranda.blogspot.com

Arte industrial

Recuerdos de niño

FREDDY CORDÓN

THE NEW RAEMON

Es uno de esos jóvenes tesoros que se esconden en el mundo del graffiti y el diseño. Un artista visual nacido en 1992 que, tras estudiar arte en la Nova School de Fort Lauderdale de Florida, aterrizó directo en la escuela Groc de Barcelona para estudiar diseño. Ha participado en varios proyectos de arte urbano en Girona y Barcelona, ciudad en la que reside. Actualmente su estilo sólido y urbano forma parte de la plantilla de artistas de aerografía de Radikal Designs. En su mochila para Eastpak, Freddy ha volcado todo su estilo a base de un diseño muy geométrico de líneas rectas combinadas con motivos que parecen sacados del expresionismo abstracto de Pollock, bloques de intensos colores y contrastes con los que el artista ha conseguido un look fresco y dinámico. www.radikaldesigns.com

Mientras unos guardan sus tesoros a buen recaudo, otros los comparten con el mundo. Ese es el caso de Ramon: lidera el grupo Madee, canta en Ghouls’n’Ghosts, puso voz y guitarra eléctrica al espectáculo Staff de la compañía La Intrusa, dirige el sello discográfico Cydonia Records y su última ocupación creativa es The New Raemon. Canciones con letras únicas e insólitas donde la ironía se topa de narices con su genuina melancolía. Además tiene un blog de ilustración (El sonido afecta) y está preparando una novela gráfica junto a la ilustradora Cristina Bueno. En blanco y negro y de diseño simple, así es el hombre que habita su Eastpak. Si lo observas con detenimiento podrás ver en su mirada reflejada la hiperactividad mental, nostalgia, curiosidad inagotable y ganas de aprender del artista. Un hombre y un dibujo que cuando más saben, más felices son. www.thenewraemon.com

El joven urbano

Tesoros creativos

lamono / núm. 70 / febrero ’11

SENYOR PABLO

DAVID DELFÍN

Senyor Pablo es un vivo ejemplo de cómo lo importante no es el principio sino el final. Empezó trabajando en producción, vestuario y atrezzo en publicidad, cine y televisión, un mundo que abandonó decidido a dedicarse a la pretecnología, a la búsqueda del equilibrio mental. De un tiempo a esta parte se hizo con una tricotosa. Su punto llegó a la firma Carlos Díez Díez y a nueve ediciones de la pasarela Cibeles. En la actualidad presenta su primer proyecto de chaquetas vaqueras con mangas jacquard, Knitted Chamarras. El artista ha prometido forrar de punto todo lo que pille y su Eastpak no iba a ser la excepción. Cubierta con punto, nos presenta el modelo más cálido de todos. Un diseño que te hará sentir bien, calentándote la espalda en invierno, dejándote recostar la cabeza o llevando a las calles de la ciudad el recuerdo del hogar. www.senyorpablo.com

David Delfín quería plasmar sus inquietudes y ello lo llevó de la pintura a la moda, medio en el que encontró su forma de expresión. Junto a Bimba Bosé y los hermanos Postigo creó Davidelfín, un proyecto multidisciplinar en el que se juntan moda, fotografía, arquitectura y vídeo. Sus diseños, con las emociones como motor, lo han hecho merecedor de numerosos premios, además de desfilar en la Cibeles Madrid Fashion Week y, desde hace tres años, en la New York Fashion Week. Sí, Dios los crea y ellos se juntan. El diseñador, en su propuesta para Eastpak se rinde homenaje a él mismo, a su apellido, reproduciendo una serie de delfines que inundan su mochila como si de mar abierto se tratara. www.davidelfin.com

Y punto

Equipo inquieto

disparador automático

t: eva villazala / f: núria rius

Pese a su corta edad y breve experiencia en los muros, su trabajo es XXL, y no sólo por el tamaño.

Nos declaramos fans absolutos del concepto, la creatividad y la explosión macabra de color de GR170. Por eso lo hemos elegido para estos contenidos de gran formato, para que nos hable de vísceras, vida, grandes paredes y sueños sin retorno. ¿Quién es GR170?

Un tipo que recoge botes de plástica de los containers y no le quedan camisetas sin manchas de pintura.

¿El tamaño importa?

Se trata de aprovechar las paredes al máximo. Si puedo elegir a mí me gusta a lo grande por el impacto visual. Pero al final lo que más importa de un muro es el resultado, ya sea grande o pequeño, lo que vale es lo contento que se queda uno con el trabajo.

Color y vida en lugares abandonados, ¿cómo eliges las localizaciones para tu obra?

Se buscan o te dicen. Cuando no puedes pintar en la ciudad te buscas la vida. La verdad es que con la crisis nos va bastante bien, lugares no nos faltan…

Personajes a corazón abierto, que muestran sus tripas…

En el interior las tripas y las vísceras se mezclan con nuestras obsesiones y locuras.

¿Todo tiempo pasado fue mejor?

En Barcelona hay un antes y un después de las leyes de tolerancia 0, pasamos de una ciudad llena de color a los muros grises de hoy pero, con o sin prohibiciones, la gente sigue pintando fuerte. Las leyes han fomentado una evolución del bombardeo en la ciudad muy potente y cuando la gente quiere pintar tranquila hace kilómetros en busca de sitios donde no venga la policía. Hablo del movimiento de Barcelona y la periferia, que es el que conozco, y que para mi está en plena forma. Esto no se puede parar tan fácilmente.

Cuéntanos cómo ha sido tu colaboración con Herokid en Concrete Walls.

La gente de Herokid está luchando para tirar la marca adelante, he hecho un par de colaboraciones con ellos porque aparte de que son amigos me gusta su idea de marca. Concrete Walls es un proyecto de máxima calidad que no existe en la escena nacional, vamos a ver su recorrido capítulo a capítulo. Van a dar qué hablar.

¿Qué nuevos proyectos tienes en mente?

Ahora mismo acabar con los curros aburridos, pagar el alquiler y conseguir más tiempo para pintar lo que me gusta.

Si te dejaran pintar en cualquier pared, de cualquier lugar ¿cuál elegirías y qué pintarías en ella?

No tengo muchas manías, cualquier sitio con buenas paredes donde no me echen me vale. Tengo ganas de viajar a Sudamerica.

Un sueño XXL: Un grito: Un pensamiento con olor a pintura: Tolerancia cero: La crew: El color: Banda sonora de GR170:

una grúa elevadora aparcada delante mi casa. cuantos más mejor. sólo pintura podrida. a la tolerancia cero. amigos. mezclado pero no revuelto. grind core ninja reggae punk.

GR170

No hace falta gritar alto para que se te oiga mejor www.gr170.com

www.gr170.com

vecinos

t: alba agustĂ­

Tres artistas autosuficientes

lamono / núm. 70 / febrero ’11

Cuando hablamos de nosotros mismos siempre le ponemos un poco de ficción. ¡Qué aburridos serían nuestros recuerdos si los contáramos sin añadir ni siquiera un granito de exageración!

Las ilustraciones que salen de la editorial Biografiktion tienen precisamente esta mezcla tan apetecible: una base de realidad, con unos polvos de ficción. Así cuentan sus historias los tres miembros de este grupo y lo hacen mediante sus divertidas y vivas ilustraciones.

En Biografiktion nada ha pasado, pero podría haber ocurrido perfectamente. ¡Además editan una colección de comics a tamaño XXL! ¡Y ellos mismos se hacen los ejemplares!

Biografiktion es… un colectivo de tres ilustradores que trabajan juntos, además de auto-publicar sus trabajos en comics. El nombre Biografiktion proviene de nuestra primera serie, que empezamos en 2008. Es un mote compuesto por dos palabras en alemán, Biografie (Biografía) y fiktion (ficción). En nuestras historias usamos hechos biográficos y añadimos ideas de ficción para contar tramas que tienen un significado especial.

estamos constantemente hablando de nuestro trabajo. Obviamente algunos profesores, otros estudiantes y algún artista que nos gusta, nos han marcado.

Nombrar ahora sólo unos cuantos no sería representativo de todas las influencias que han formado nuestro gusto, o la manera de entender la ilustración.

De momento, Biografiktion ha editado… Dos comics de la colección Biografiktion y dos más de Human News, otra colección que tenemos. En ambas trabajamos los tres juntos. Pero además cada uno de manera individual publica otras colecciones y comics. El número de ejemplares es limitado, ya que la imprenta nos la hacemos nosotros mismos con técnicas muy complejas como la serigrafía.

Un objetivo ya conseguido… ¡Seguimos trabajando juntos y nos seguimos queriendo mucho!

Un objetivo por conseguir… Disfrutamos mucho con nuestra manera de trabajar y sacar el producto adeDetrás de Biografiktion se encuentra… Ana Albero, lante. Tenemos libertad de decidir qué queremos dibuPaul Paetzel y Till Hafenbrak. Dos ilustradores alema- jar, qué queremos decir y cómo representar nuestro nes y una española que además de trabajar y vivir en arte. Hacemos nuestras propias publicaciones y eso Berlin, son muy amigos. las distingue formalmente de las publicaciones editadas por las grandes compañías. Creemos que el lector Biografiktion nació… en Berlin. Nos conocemos de puede ver el amor, la dulzura y las lágrimas que están las clases de ilustración en la Universidad de Artes. dentro de nuestros productos. No obstante, el dinero A todos nos gustaba mucho el trabajo del otro así que que ganamos vendiendo nuestros libros lo gastamos en decidimos juntarnos para un mismo proyecto. Fue el financiar las próximas publicaciones. Así que un objeprimer tema de Biografiktion. Una noche nos juntamos tivo podría ser llegar a tener un cierto éxito comercial en un bar, donde Till y Ana tuvieron la idea de escoger para poder continuar haciendo exactamente lo mismo que hacemos ahora. un personaje famoso e inventar historias sobre él.

Biografiktion quiere contar, decir, representar… Es muy difícil especificar el género de nuestro trabajo, pero esperamos que nuestras historias e ilustraciones transporten al lector hacia algún tipo de interpretación y sentimiento. Por supuesto también queremos entretenerlo. ¡Lo mejor es que lo averigüéis vosotros mismos!

Un referente de Biografiktion… Los tres nos sentimos influenciados con el estilo de cada uno porque

A Biografiktion le encanta… Aqualandia en Benidorm.

A Biografiktion le encantaría… Ser pronunciado correctamente (risas).

Si tuvierais que contar una historia bajo el título XXL, Biografiktion dibujaría… Paul una historia sobre una doble hamburguesa gigante con extra de mostaza. Till sobre un bigote gigante. Y Ana sobre una mujer muy grande.

Queremos una frase para lamono… Seguid así, ¡muy buen trabajo! http://biografiktion.blogspot.com

t: eunĂ­s font

Off Temple

el de portada

Luke Ramsey Ark

LUKE RAMSEY

Cosechando arte Artista como pocos, Luke Ramsey lleva una peculiar vida junto a su esposa en la granja de arte que fundaron en Canadá. Con un estilo muy propio y algo influenciado por la abstracción de la Psychedooolia su trabajo se caracteriza por estar lleno de detalles y ser de grandes proporciones.

Como dice él mismo “Radical trust in art farming harmonic chaos” en la version XXL del ilustrador.

Hace unos cuatro años empecé con la fundación de Islands Fold. Se trata de una especie de granja de arte, una residencia artística que cosecha la colaboración y promoción de la salud y el bienestar y sobretodo la producción de arte y el apoyo a la creatividad. Tengo 31 años, me llamo Luke Ramsey y vivo en este complejo artístico en Pender Island, Canadá. Ahora puedo afirmar que mi trabajo se basa en el equilibrio de la armonía y el caos. Unos ocho años atrás decidí que quería tomar conocimiento del arte como una práctica a tiempo completo. Y desde que fundamos Islands Fold no tengo una jornada laboral con-

vencional. Me di cuenta de que no podía dar el 100% de mí mismo a mis jefes, así que decidí ser honesto con ellos y conmigo y dar el 100% en mi propio trabajo. He sido autodidacta; nunca fui a ninguna escuela de arte. Cuando terminé la educación secundaria decidí salir a viajar. En mi página web escribo “La mente es mi amenaza. El corazón es mi héroe.” Este lema explica en parte mi filosofía y es que con mi trabajo digo muchas cosas sobre el corazón y la mente. Siento que la mente es una amenaza cuando deja de ser una herramienta y se convierte en una ilusión. El corazón es un héroe porque es un buscador de la verdad.

Globe

Así es como me guío en mis trabajos; desde que pienso una idea hasta que la termino mis procesos artísticos son muy instintivos. Trabajo en casa y me distraigo fácilmente. Así que cuando me meto en un surco artístico le doy cuerda a la música y dibujo durante horas con un Staedler Pigment liner, sea el momento del día que sea. Si se trata de un proyecto comercial le doy algunas vueltas antes de empezar a entintar el dibujo pero la mayoría de mis obras son con pocos pensamientos. Pinto en las paredes con la finalidad de crear grandes murales.

Ocasionalmente también me enfoco en el dibujo sobre papel. Mi trabajo se expone tanto en galerías como en la calle, pero siempre he preferido los medios impresos y el arte público. Cuando trabajo en la calle por lo general tengo un tema. Durante este último año, he pintado sobre las serpientes como representantes del infinito. Lo que yo hago no es graffiti, lo respeto pero no es una inspiración para mí. Me gusta el arte de la calle, es una forma diferente de expresión. Parece menos sobre el ego y más acerca de la conexión con el público de manera que el mensaje es más evidente y menos alienante. El graffiti es etiquetado como vandalismo y, lamentablemente, puedo entender porqué la gente lo ve de esa manera. La mayoría de los críticos no aprecian lo genial de los grandes

trabajos que hay ahí fuera, por lo que el graffiti obtiene una respuesta negativa. Mi dibujo más grande y el que merece la etiqueta de XXL fue un mural que hice en colaboración con Josh Holinaty en Edmonton, Canadá. Nos tomó un par de semanas hacerlo, necesitamos asistentes y hasta un elevador mecánico. Fue un trabajo duro pero divertido. ¿Qué si el tamaño importa? Aunque en realidad creo que no, me gustaría hacer piezas más grandes ya que permiten al espectador entender mejor tu compromiso como artista. Y no diría que estoy comprometido con un movimiento en particular, pero sí que debo reconocer la influencia de la Psychedooolia. Este movimiento es un término acuñado por el artista Marc Bell, que ha ejercido una influencia positiva en mi trabajo.

Marc usó el vocablo para describir un libro compilatorio titulado Nog un DOD que ofrece una variedad de artistas contextualizados en el mundo de los fanzines, el arte electrónico y sobretodo de los ilustradores. Colaboré con Marc y varios artistas más en esta colección. Tales interacciones me inspiraron para hacer un montón de trabajos más. Aunque si tengo que hablar de inspiración, ¡debería hacer una lista muy larga! Me encuentro siempre revisando Jon Boam, REMED, EKTA, Sweeney Will y Chris Johanson. Si miro hacia atrás en el tiempo, tengo que reconocer que cuando comenzaba a bombear en el arte estaba muy influido por Barry McGee y Marc Bell. Ha pasado ya cierto tiempo desde que empecé y durante todo este periodo he ido compaginando mi vida artística y laboral con momentos de relax y conexión con la naturaleza. Mi vida en Islands Fold ayuda bastante en eso. Me gusta mucho ir de excursión, ser sociable y conocer gente nueva. ¡Y beber cerveza! Me paso mucho tiempo saliendo con mi esposa y me encanta ver películas. Es más, en invierno veo una película nueva cada noche. Y mirando hacia el futuro… de momento voy a estar en la Indy Ink Gallery, Denver, Colorado, para una exposición que se llamará It’s not a black and white world en Junio.

También estoy trabajando en un libro ilustrado de ciencia ficción y colaborando con algunos artistas para la selección de este libro. Estoy muy emocionado con la gente que está a bordo de este proyecto, pero es un secreto por ahora. Espero poder darlo a conocer en 2012 y… ¡quién sabe que más nos deparará el futuro!. lukeramseystudio.com

Cone Worlds

arte

t: adriana giorcelli

Göla

Arte con conciencia Naïf, aunque llenos de intensidad expresiva, psicodélicos, visionarios con toques gore. Animales genéticamente modificados, rebeldes a la condición antropocéntrica que los considera como material que debe ser manipulado. Estos monstruos son los protagonistas, así como portavoces de la voluntad del autor de una realidad más justa y divertida.

lamono / núm. 70 / febrero ’11

Entonces… ¿por dónde empiezo? Nací en el Amazonas hace muchos años, de la unión de mi madre, una rana azul, con mi padre, un barril de gasolina para las máquinas de deforestación. Crecí en la selva. Los animales y los espíritus que la poblaban eran mis amigos y guías. De mayor, me uní a una amiga llamada Mononoke para luchar juntos contra el hambre de vida de las máquinas y del ser humano.

Considerando que nuestra lucha debía hacerse más fuerte y difundirse, decidí entonces volverme artista, para llevar al resto del planeta el semen de nuestra lucha y devolver la conciencia de que los seres humanos formamos parte del equilibrio de la biosfera y que los daños que estamos viviendo podrán llegar a ser mucho más extremos si no se deja pronto la voluntad de dominar y entramos en comunión con el planeta. Cuando llegó la hora de decidir un camino, después de haber acabado el colegio, no vi otra posibilidad que la de emprender la senda del arte. Entonces empecé bachillerato artístico, después continué mi carrera en la academia de Bellas Artes, el último año en Barcelona. Esto me permitió experimentar varias técnicas, conocer varios autores del pasado y estudiar junto a personas creativas.

Pero durante mis estudios no encontré mi manera de expresarme, tenía varias ideas pero no conseguía expresarlas como yo quería. Cuando llegué Barcelona, volví a acercarme a la realidad de el graffiti, que había abandonado cuando era más pequeño ya que en Rimini en los ’90, graffiti significaba letras americanas y competición. La libertad de los colores y la actitud punk del arte callejero de Barcelona fue una revelación para mí. Mis grandes amigos Maze, a.k.a. Pyu y Extra el pájaro loco me abrieron los ojos al movimiento que hoy considero la verdadera vanguardia artística de nuestro tiempo, con su exuberancia y sus sueños. A raíz de ahí empecé mi viaje. Un signo simple y colorido que mezclé con lo que había aprendido durante mis estudios y mi sensibilidad generando así mi estilo. Para mí crear representa la posibilidad de enviar un mensaje social, a veces político de una forma colorida. Trasformar la rabia que las injusticias me provocan en una imagen que pretende acercar al espectador a los temas de los que soy portavoz.

También representa una manera de trabajar con lo que me gusta, emocionarme, ser feliz. Mejor dicho, es un estilo de vida. Me permite tener una existencia nómada y trabajando en este o aquel proyecto entro en contacto con nuevos estímulos y nuevas realidades que siguen alimentado mi imaginación y mi trabajo. Creo que viajar es importante para cualquier persona, para un creativo más, no input no output. En mí todo nace de una imaginación muy efervescente

y articulada. Las imágenes y las ideas se crean en mi cabeza continuamente, estas ideas empiezan a danzar y a hacer el amor entre ellas generando así nuevas imágenes.

Muchas veces pienso un concepto que quiero expresar y lo transformo mentalmente en una imagen, después pienso otro y lo coloco al lado, así voy construyendo un mapa visual que sucesivamente trasformo en una pieza de arte. Mis obras tienen siempre un carácter simbólico, me gusta pensar que la gente tiene que investigar el valor metafórico.

Todas mis obras están cargadas de significados, pero quien las observa tiene que ser libre de sacar sus propias conclusiones. Cuando dibujo, incluso cuando pinto en superficies XXL me gusta dejarme llevar por el momento, por la imaginación, por los cambios inesperados. Por este motivo no suelo planificar demasiado cómo voy a desarrollar mi obra.

Sólo me ayudo con pequeños bocetos, siempre muy rápidos, pocas líneas. Tengo una referencia conceptual muy fuerte, la corriente Post human y la Transgenic Art and Culture. Artistas como Eduardo Kac, el colectivo Tissute Art, O.G.M. ect o Alexis Rockman. Y varias influencias. Creo que he estado muy influenciado por los dibujos animados, por ciertos mangas japoneses y por la ilustración médica.

Pero una de las cosas que más me ha influenciado es el amor por el reino animal. Otra parte importante de la creación de mi estilo fue un viaje a la India, el encontrarme una cultura visual impresionante empezando por la imagen sagrada de la cultura hindú hasta llegar a los colores flúor en las publicaciones pintadas a mano, pasando por los colores de la ropa, la manera de combinarlos… Mi última gran influencia son los amigos, trabajar juntos: gran privilegio del street art. Los que pintamos en las calles estamos acostumbrados a juntarnos con amigos, incluso con personas que apenas se conocen, para pintar juntos. Los estilos se mezclan y uno aprende del otro. Sobre mi manera de pintar… Últimamente estoy desarrollando una relación maníaca con el detalle. El detalle es profundidad de investigación ¡NO DETALLE, NO FUN! No consigo pintar sin detalles, y siempre pinto por niveles, no trazo todo y después relleno, dejo que las cosas lleguen unas sobre las otras, tanto en tela como en paredes XXL. ¡Uff si tuviera que decidir cuál de mis obras es mi preferida sería difícil! ¡Las quiero a todas ellas! La verdad es que cuando acabo de hacer un cuadro nuevo lo quiero mucho, es tipo el niño de mis ojos.

Pero después llega otro muro y el ciclo continúa. Una obra a la que quiero mucho es Il Tramite, una instalación con pintura que se transforma en escultura, y ahora estoy trabajando en un monstruo de peluche de seis metros de

altura. ¡Él va a ser uno de los hijos que va a heredar mi enorme castillo! (risas). El color, evidente en mis cuadros, es para mí la manera de comunicar a los demás la gran alegría y la voluntad de ser feliz que siento. Es el deseo de aventura contínuo, de emociones fuertes y de amistad. El color también es una buena arma para llamar la atención, las personas se acercan a la obra y allí yo entro con el mensaje. Creo que una buena pieza tiene que funcionar tanto de lejos como de cerca. Gritar fuerte de lejos y contar una historia interesante de cerca. Siempre que puedo pintar en un espacio grande me lanzo a esa aventura, es como un reto conmigo mismo. Las superficies XXL tienen un gran poder comunicativo, pueden llamar desde lejos y se pueden desarrollar más historias. Suelo representar mucho a animales, personalmente me siento más cerca de ellos que de los seres humanos. Cada especie tiene una manera de relacionarse diferente pero los animales están en equilibrio con el ambiente en el que viven y difícilmente generan guerras contra ejemplares de la misma especie. El ser humano, hasta hoy incapaz de encontrar un equilibrio con la biosfera, se siente dueño de todo y libre de poner las manos donde quiere. Los animales que yo represento son símbolos de cosas abstractas. Por ejemplo el gorila que dibujé en Montreal representa el instinto del hombre. Otras veces los

animales son guías chamánicas, otras veces son víctimas de los experimentos humanos. Hablo de la relación entre nuestra especie, las otras y el lugar donde vivimos, el planeta. Mi pintura puede ser considerada naÏf pero no es sólo eso, es un mix entre pintura infantil, intensidad expresiva con un dato visionario psicodélico acentuado y pequeños momentos de gore. Viviendo en la postmodernidad es difícil que las cosas no sean una mezcla de varios elementos y lenguajes. La gente tiene internet, viaja más, tenemos una cultura visual mucho más compleja respecto a las generaciones precedentes. Es una de las cosas buenas de esta época de globalización. En este momento estoy trabajando en Brasil, en la ciudad de Curitiba. Trabajo, junto a un amigo, Auma, en una exposición que se inaugura en marzo.

La exposición se llamará Hibrido y será una doble visión sobre los seres híbridos y el concepto de hibridación.

Estamos realizando varias piezas, algunas a cuatro manos, una instalación de peluche de seis metros y varias paredes formato supersize, para quien no este aquí publicaremos todo en la web del proyecto www.hibridoarte.net y www. hibridoart.blogspot.com, pero si podéis, ¡venid a Brasil que es más divertido! En el futuro inmediato estaré en París, en abril, con mis hermanos brujos del proyecto Ritual (Kenor, H101, Zosen) haciendo una exposición. En un futuro más lejano me gustaría continuar viajando a países que no conozco, descubriendo, trabajando, emocionándome...

Pero “secretamente” os digo que estoy considerando la opción de montar mi base aquí en Brasil o en sudámerica. Y me gustaría hacer muchas más cosas que todavía no he hecho, como estudiar árabe, nadar ente medusas inofensivas, que viven en un lago de Indonesia de cuyo nombre no puedo acordarme, cantar con las ballenas, ver la aurora boreal, conocer África, celebrar la llegada del 2012 en Machupichu, estar abierto a amar cuando llegue el momento, oler una Rafflesia Arnoldii en el Amazonas y muchas cosillas más… En fin os dejo con las que han sido las obras de arte más importantes para mi desarrollo como persona. Si fuera música seria Anarchy UK de Sex Pistols (me gustaría haberla escrito yo), si fuera película seria Mononoke Hime de Hayao Miyazaki (mi corazón llora todas las veces que la veo), si fuera arte figurativo… mmm… que difícil… hay varias obras que me gustan, no sabría… quizás… ¡la vida misma!. www.golanimal.com

Camisa de cuadros Nudie Jeans

Camiseta Levi’s · Falda de cuadros escocesa American Apparel · Zapatillas Converse

Photography: Núria Rius Styling: Ivona Yvon Model: Belize Nicolau Kazi (www.myspace.com/ohcakethecookie)

Mono American Apparel 路 Gafas de sol Wilde Vintage Sunglasses 路 Botas de agua de la estilista

Chaqueta vintage para Holala! 路 Jersei F&M 路 Leggings Wood Wood para Paco Rueda 路 Zapatillas Converse

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American Apparel_+34 933 012 632 Converse_+34 913 198 244 Diesel_ +34 934 453 554 Franklin & Marshall_+34 972 226 9200 H&M_+34 932 608 660 Henrik Vibskov_+49 30 420 19 266 Holala!_+34 934 122 307 Levi’s_+34 932 276 900 Nudie Jeans_+34 972 226 9200 Paco Rueda_+34 933 100 674 Wilde Vintage Sunglasses_ Wood Wood_+49 30 420 19 266

TenerlA mรกs arte

t: ferenz jacobs

grande Fat Monkey (Sao Paulo) f: Florentijn Hofman

es mejor

Rubber Duck (Osaka, 2009) f: Florentijn Hofman

Florentijn Hofman Veintidós casas

pintadas de color azul cobalto en el centro de Rotterdam. Un conejo verde de doce metros de altura con un biberón de golosinas. Una calle de un kilómetro de longitud pintada de color amarillo. Un patito de goma de veinticinco metros y un mono de quince metros hecho con havaianas. Esto es el universo de Florentijn Hofman. Con obras inusuales, llamativas y asombrosas, sorprende y afronta la experiencia diaria. La obra de Florentijn es grande. De tamaño grande y con un gran impacto. El mundo es su caja de arena XXL.

crèdito

Signpost 5 (2006) f: Ilja Zonneveld

Dushi (2009) f: Jhoeko

sección

De alguna manera la escala de los materiales que uso siempre se aumenta a un tamaño de doce a quince metros. La obra tiene referencias humanas, porque a menudo utilizo materiales inusuales que están hechos a esa escala. Más grande es mejor. Se transmite más. Se puede ver desde una gran distancia y se adapta a la ciudad y los grandes espacios. Es adictivo hacer una producción donde no hace falta concentrarse en cada acción, sólo en el relleno de una superficie, los métodos sencillos y la repetición. ¡La obra se libera durante el proceso!

Además muchos de mis trabajos, como Beukelsblauw, son efímeros. Si una obra desaparece repentinamente,

comienza tal vez la parte más importante. La ausencia de una obra. Eso es muy importante. Demuestra que se le coge cariño, que tiene un sitio en tu corazón y que mueve emociones. Tal vez es la mejor parte de una obra, se convierte en un icono, un hito que se quedará en la conciencia de la gente. Es lo contrario de la dirección que tomaban antes: estatuas de bronce, hormigón, obras en almacenes. El estado temporal sin duda mantiene fresca esta época de cultura visual de la cual yo también soy un producto. En octubre estuve en Sao Paulo. Es una jungla de hormigón. Una ciudad en la que se debe ser flexible, oscilando entre sus opciones donde la ley de la selva prevalece. Un mono de quince metros me pareció una buena metáfora de esta selva que gruñe. ¿Puedes manejar la presión? ¿Estás relajado y acostado con la barriga llena como un mono satisfecho? ¿O se cayó de un rascacielos? Me pidieron ofrecer una charla en el Pixel Show para dos mil personas y, por otra parte, hacer una intervención pública. Utilizar havaianas como píxeles me parecía interesante, así que empecé a utilizarlas a ver si funcionaba. ¡Funcionó! La gente estaba muy entusiasmada y antes de darme cuenta ya habían muchos medios de comunicación. Después de la conferencia hemos intentado regalar la mayoría de las chanclas a los transeúntes.

Para realizar mis proyectos trabajo con un gran equipo. Si trabajo con un equipo fijo o no, varía según la obra. En Brasil tenía 150 solicitudes de participación. He seleccionado diez alumnos, un productor y mi propio asistente.

Trece personas pues. De momento están trabajando seis personas con el oso de diez metros en Amsterdam y cinco personas con el conejo de once metros. Por lo general, tengo en el mismo lugar a dos o tres voluntarios, a veces más, a los que, por todo su entusiasmo, intento dar trabajo. Así se convierten en discípulos, apóstoles y promo-

Beukelsblauw (2006) f: Rick Messemaker

tores de la obra en el área local. La idea detrás del patito de goma fue la globalización. Los océanos del mundo son nuestra bañera. Todo el mundo reconoce al patito de goma, desde Japón hasta el Polo Norte. El pato de goma no conoce fronteras. No discrimina a las personas y no tiene una connotación política. Además el patito flotante puede aliviar las tensiones mundiales, así como las definen. El pato de goma es suave, agradable y apto para todas las edades. Bueno, alguien llevó su coche al agua después de ver el patito. Por la emoción se había olvidado de poner el freno de mano, cuando quería hacer una foto.

Y en Bélgica, el pato inflable fue pinchado. Mi primera reacción fue iconoclasia, un reflejo de la sociedad. Los autores nunca han sido capturados, pero casi empezó una tercera guerra mundial. En realidad no tengo nada especial con los animales. Me decanto más por los objetos encontrados. Hace años que busco imágenes que me inspiren en mercados de pulgas y mercadillos. Hay muchos objetos con la forma de un animal que utilizo como icono. Los animales tienen algo humano y las personas algo animal. Esto es lo que nos atrae y repele. Al cambiar los roles de tamaño la perspectiva se transforma y se producen algunos momentos interesantes. El arte en el espacio público añade algo y no es en sí mismo.

No hay que olvidar que nadie compra una entrada para el espacio público y por lo tanto no hay que hacer arte populista. He elegido Rotterdam como mi ciudad de residencia por amor. Después de mi graduación en artes plásticas del ArtEZ Zwolle y un máster en Berlin sólo había una ciudad en los Países Bajos y era Rotterdam. Hasta la fecha de hoy, la decisión ha sido la correcta. Es una ciudad llena de oportunidades para mí. En este momento estoy trabajando mucho. Muy divertido. También he conseguido un nuevo taller para los siguientes diez años, un almacén de 900 metros cuadrados. Ahora empiezo con la renovación. Me encantaría hacer algo en España. Vamos a ver. ¿Hay espacio para el arte contemporáneo en el espacio público? Según las últimas noticias la economía española está estancada. Pero siempre estoy más que interesado en nuevos lugares, personas e imágenes. www.florentijnhofman.nl

t: lara tuner

Steps #4 (2009) Poitiers, Francia.

arte

Lang/Baumann

Excediendo el espacio Dicen que el concepto XXL responde perfectamente a su filosofía artística. Es fácil corroborar esta afirmación al ver sus instalaciones arquitectónicas. Algunas juegan con enormes tubos hinchados que atraviesan edificios y abrazan fachadas. Otras utilizan grandes escaleras y las ubican en emplazamientos poco habituales. Dos propuestas artísticas diversas que buscan lo mismo, transformar los espacios tratando de respetar la arquitectura existente. Hay más propuestas y todas son fruto de un proceso de trabajo minuciosamente planificado. Sus creadores nos las presentan para que veamos que en el arte de grandes dimensiones también se puede cuidar el detalle.

Más es más. Así se podría definir la filosofía de nuestro proyecto artístico Lang/Baumann. Somos Sabina Lang (Berna, 1972) y Daniel Baumann (San Francisco, 1967), una pareja que vive y trabaja en Suiza.

Colaboramos desde 1990 y nuestros inicios estuvieron marcados por la experimentación con la fotografía, la pintura, la performance, las colaboraciones con músicos, las instalaciones, los murales y los proyectos públicos. Tras varios años trabajando con todo tipo de formatos artísticos, nos fuimos interesando más y más en la transformación de espacios. Actualmente continuamos en esta línea, tratando de desarrollar proyectos ya sea en la calle como dentro de las paredes de un museo. Ambos espacios nos parecen interesantes. Por una parte, la calle nos ofrece la posibilidad de enfrentarnos a un público menos sensibilizado con el arte. En este

sentido, compartimos un poco la filosofía de los street artists que apuestan por mostrar el arte allí donde la gente está realmente. Por otra parte, también nos gustan los paisajes silenciosos donde el arte crea una atmósfera completamente diferente. Quizás esta dualidad hace que nos veamos a nosotros mismos de un modo bastante clásico, como artistas que trabajan dentro y fuera del cubo blanco. También sentimos curiosidad por la experimentación con técnicas y materiales muy diversos. Un buen ejemplo de ello son nuestras intervenciones con objetos hinchables. Éstos nos permiten llenar un espacio, cambiarlo totalmente sin dañarlo. Sólo es aire así que simplemente basta con deshinchar estos objetos para que toda la obra desaparezca. Creemos que esta forma de creación efímera nos aporta una enorme libertad porque sabemos que la

obra, aunque no debe permanecer para siempre, puede vivir en la memoria de aquellos que la vieron.

Recientemente hemos desarrollado diversas instalaciones que se incorporan a nuestra serie Comfort –como las realizadas en 2010 para la Nuite Blanche de París y para el Setouchi International Art Festival de Megijima (Japón)– en las que utilizamos tubos rectos hinchados, metidos a presión en la arquitectura. Al final, son la presión del aire y el propio edificio los que crean las formas.

Es fácil, pues, deducir que la arquitectura y el paisaje son dos elementos que juegan un papel muy importante en todos nuestros proyectos. Es primordial que nuestras piezas artísticas encajen perfectamente en el emplazamiento elegido, respetando el espacio existente e integrándose en él, a veces, como si siempre hubieran estado allí. Los lugares donde desarrollamos nuestros proyectos –fachadas y azoteas de edificios, espacios naturales o campos de fútbol, entre otros– pueden parecer insólitos aunque, en realidad, no lo son. Es más el equilibrio entre nuestro trabajo y el emplazamiento lo que consigue crear una atmósfera insólita. Como en el caso de Beautiful steps #2, una intervención realizada en 2009 que une mediante una escalera dos puertas colocadas en el exterior de un alto edificio, y de la que estamos muy orgullosos. Quizás no será nuestra favorita para siempre, porque esto es algo que va cambiando, pero de momento nos sigue gustando mucho. Si nos preguntan acerca de la arquitectura firmada por arquitectos estrella, pensamos que la calidad no es una cuestión que esté estrictamente ligada al tamaño de un estudio o a la fama de un arquitecto, esto depende de cada proyecto. Aunque hay que reconocer que los arquitectos estrella son capaces de idear ciertos edificios que normalmente no serían posibles. Por eso son estrellas. El Guggenheim de Nueva York de Frank Lloyd Wright, muchos proyectos de Oscar Niemeyer o de Le Corbusier, o más recientemente la Torre CCTV en Beijing de Rem Koolhaas y las Termas de Vals en las montañas suizas de Peter Zumthor son algunos ejemplos de edificios sensacionales. Creemos que son tristes los casos en los que un gran nombre es sólo utilizado como marca, propiciando la construcción de obras que no dejan de ser más que copias malas del propio lenguaje desarrollado por estos arquitectos. Un problema que también existe en el mundo del arte. A pesar de esto, muchos de estos arquitectos y artistas han sido y siguen siendo inspiradores para nosotros. Por ejemplo, nos agrada el trabajo del

artista gráfico suizo Olivier Mosset y también podríamos nombrar películas como Simón del desierto de Luis Buñuel, La naranja mecánica de Stanley Kubrick y Wild Style de Charlie Ahearn, o libros como In praise of shadows de Jun’ichiro Tanizaki y Vampyroteuthis infernalis de Vilem Flusser que han sido fuente de inspiración para nuestras obras. También amamos el trabajo de Serge Gainsbourg, David Bowie y Patti Smith. En general, nos gusta la música hardcore, la electrónica abstracta, el rap old school y el rock’n’roll. El ritmo de nuestro día a día lo marcan nuestra hija de siete años y sus horarios escolares. Desde hace un tiempo tenemos nuestro estudio, nuestra oficina y nuestro apartamento en el mismo sitio así que solemos trabajar también por las tardes y por las noches. Y aunque nos encanta soñar despiertos, una de nuestras mayores obsesiones es tenerlo todo perfectamente planificado a la hora de trabajar. Gracias a esta actitud, sólo en 2010 hemos tenido experiencias profesionales muy variadas como la creación de una pintura que cubría las calles de un pequeño pueblo de montaña llamado Vercorin (Suiza), la realización de una exposición individual en la Galería Foksal de Varsovia (Polonia) o el desarrollo de dos intervenciones en un castillo austríaco, además de las mencionadas antes en París y Japón. Todavía tenemos un enorme archivo de proyectos por realizar pero, de momento, para el 2011 estamos planificando una pequeña incursión en un museo y otra en un espacio de Buenos Aires (Argentina).

Quizás volvamos a España donde anteriormente habíamos trabajado para la desaparecida galería KBB de Barcelona o para La Noche en Blanco de Madrid con dos instalaciones de la serie Comfort. Y si nos pedís que definamos nuestro trabajo artístico con sólo tres adjetivos, pues seguramente escogeríamos los siguientes: hermoso, irritante y real. También volveríamos al inicio de nuestra conversación y os diríamos que, puestos a elegir entre menos o más, nuestra opción siempre es XXL, siempre es más. A ver si estáis de acuerdo. langbaumann.com

Comfort #4 (2010) Paris, Francia.

Comfort #3 (2005) Barcelona, Espa単a.

Ejaculation, 2008.Color photograph. 150 x 120 cm.

Realidades desproporcionadas

fotografía

t: isabel sánchez / f: cortesía petros chrisostomou & galerie xippas, paris/atenas

Petros Chrisostomou www.petrosc.com

Imágenes dramáticas cargadas de preguntas. Un huevo o unos zapatos de tacón fotografiados por el artista inglés son mucho más que eso, desafiando al espectador, Chrisostomou juega con los espacios y tamaños, sacando de contexto a lo más común y dotándolo de un sentido totalmente nuevo. Escultura, iluminación y su inseparable cámara analógica juegan a favor de la construcción de su particular mundo, que bien podría ser sacado de las ilustraciones que Sir John Tenniel realizó para Alicia en el País de las Maravillas.

Supongo que empecé a hacer fotos a los diez años, cuando conseguí mi primera cámara, antes de eso me dedicaba básicamente a dibujar. Mi madre fue una gran influencia, ella era mi heroína y me inspiró mucho.

Cuando yo era pequeño solía crear cosas para mí, nos disfrazábamos, construíamos casas en los árboles o ponía una manta sobre dos sillas y dentro de ese espacio teníamos una cueva, una nave espacial e íbamos donde nuestra imaginación quisiera. También me compró mi primera cámara real, nunca podré agradecerle lo suficiente que me apoyara tanto. La idea de una fotografía de naturaleza muerta nace quizás de la tradición del bodegón, no lo sé... puede que la respuesta esté en un libro de historia del arte. Trato de hacer hincapié en el ego del objeto para que tenga algo que decir más allá de su condición social mundana, por lo que al presentarlo de una manera extravagante, creo que puede amplificar el volumen de la voz de los objetos. Para crear este mundo, uso la fotografía y la escultura, donde los dos métodos forman parte del mismo proceso, se necesitan mutuamente para existir y son igual de satisfactorios artísticamente. Mis fotos son completamente analógicas, sin manipulación digital, quiero que mi trabajo sea totalmente sincero y sin mentiras. Las pistas están ahí mirando directamente al espectador, mi intención es simplemente persuadir al que mira para que tenga un poco de fe y pase por alto lo obvio, que entre en la fantasía y anular su incredulidad. Yo sugiero una idea, un punto de vista, pero cómo interpretar la obra está totalmente en manos del que observa. Si se

inspiran de alguna manera entonces estoy agradecido, pero si lo que sienten es rechazo, puedo sentirme muy satisfecho igualmente. Me gusta mucho cuando la gente ve algo en mi trabajo dirigido específicamente a ellos que yo ni había visto ni planeado, ya que esa circunstancia acaba hablándome de mí mismo. Es muy enriquecedor porque siento que he conectado con otra persona.

Estoy reconstruyendo mi propio mundo, una parte está hecha de los ambientes en los que he vivido y basados en recuerdos de la infancia. La otra faceta está copiada de imágenes que he descargado de internet, espacios reales que existen, pero en los que nunca he estado.

Recreándolos soy capaz de entenderlos y revivir estas experiencias. El tercer elemento es un espacio totalmente ficticio al que aspiro. De alguna manera hay una lógica en el método, aunque es bastante esquizofrénico.

El cuadro es metafórico, veo la situación social desde la caja, es simbólico y por lo tanto deben haber paredes y límites a fin de demostrar la idea. Mis mayores fuentes de inspiración son la exclusión social, el aburrimiento, la pobreza, las distinciones de clase social, y el ridículo.

Artistas como Giuseppe Arcimboldo y el movimiento del post-estructuralismo han influido definitivamente en mis creaciones. Me gustaría trabajar con mucha gente, tal vez colaborar con algunos diseñadores de moda sería genial también: Christian Louboutin, Balenciaga, McQueen, Prada, Valentino... Ahora me he alejado de Londres y vivo en Nueva York, voy a ver lo que me depara el futuro. Siento como si estuviera empezando desde cero de nuevo.

Hero, 2006. Color photograph. 150 x 120 cm.

Wasted Youth. 2008. Color photograph, diasec. 150 x 120 cm.

SEBASTIAN NEITSCH ≥ El espacio cambiante arte

t: meritxell bonastre / f: florian reimann (www.flickriver.com/photos/diskoscheisze)

El minimalismo es su principio. Cambiar el entorno es su objetivo.

La relación entre los humanos y el espacio físico es su obsesión, y la luz su herramienta. El artista alemán nos sorprende con su nueva instalación video-mapping, una invitación a interactuar con una proyección que juega con los contornos de cada superficie del edificio Goethe-Institute, dando la posibilidad que la presencia humana la transforme en un mapa gráfico minimalista.

Ars Electronica Linz 2010

Quadrature

Empecé a experimentar con la luz al utilizar el ordenador. Debido a la manera en que usamos estas máquinas, casi siempre estamos limitados a la luz de productos como las pantallas y los proyectores así que me acabé encaprichando con la luz de éstos, ya que para modificar la apariencia de la arquitectura, resulta muy simple y conveniente usarlos. De hecho, me encantaría mover material real en lugar de proyectar y entonces jugar con su forma, cosa que ya hago algunas veces. Pero hasta ahora, practicar esto ha sido muy complicado y caro. Es importante saber que no estoy tan interesado en la luz en particular, ésta funciona más como una herramienta que utilizo para cambiar nuestro entorno. Los humanos somos una especie muy caracterizada para responder a lo visual y tampoco podemos ver nada sin luz, es de suma importancia para nosotros. Todas las emociones y sentimientos que tenemos en un espacio pueden cambiar drásticamente si variamos, aunque sea un poco, la iluminación. Mi primer trabajo importante basado en la proyección de la luz fue ‘’impasse’’, realizado junto a mi antiguo compañero de la escuela Stefan Schwabe. Se trataba de una proyección interactiva en un suelo cubierto de arena. La gran diferencia en relación a lo que había hecho antes radicaba en que el espectador ya no se quedaba quieto observando la proyección o la pantalla, sino que se situaba en medio de la luz que iba cambiando gracias a sus movimientos, es decir, los visitantes modificaban la configuración de la sala simplemente con su presencia.

Esta fue la primera vez que me di cuenta de que a la mayoría de gente le gustaba este tipo de proyección interactiva y que valía la pena continuar experimentado con este concepto. El video-mapping es un término bastante nuevo, pero ya muy común en los medios de comunicación de última generación. En él se describe la posibilidad de proyectar exactamente sobre los espacios definidos por la arquitectura. De este modo, se puede por ejemplo, destacar los bordes de las ventanas o incluso de los muebles. Amplía el espectro de proyección más allá de una pared plana, además de que se pueden crear sombras falsas o ilusiones al estilo 3-D. Primero quiero que se visualice la relación entre los humanos y los espacios. Los dos se influyen mutuamente, pero la mayoría de las veces ni siquiera miramos a nuestro alrededor, sino que sólo pasamos por allí. Por

otro lado, quiero transmitir que los espacios artificiales no tienen por qué ser estáticos necesariamente, pueden cambiar su faceta o incluso su forma a lo largo del tiempo y reaccionar a nuestra presencia. La naturaleza siempre ha estado haciendo esto. La música puede llegar a ser muy importante para el sentimiento que quieres crear, por ejemplo, destacando la imagen visual con los sonidos exactos. El hecho de usar el sonido como el motor para crear una imagen es muy nuevo para mí. Y aún no sé qué pensar sobre ello. Quiero que los espectadores jueguen con la proyección y creen su propia imagen, que se detengan, observen e interactúen. Que sientan que su presencia influye en el espacio y que este espacio afecta a sus comportamientos. Mis trabajos son normalmente muy abstractos y minimalistas, algunos de ellos parecen ser muy funcionales como el diseño al estilo Bauhaus. También hay artistas minimalistas como Richard Sierra que me inspiran muchísimo.

Estudiando a los arquitectos y diseñadores actuales, tengo que decir que admiro a algunos colectivos de Londres como Troika o Randon-Inernational. La iluminación de mi casa es básicamente algunas bombillas sin cubrir, una lámpara de araña muy simple y dos grandes esferas de vidrio procedentes de un edificio antiguo del gobierno austríaco. En un futuro me gustaría diseñar más robots como en mi trabajo Silke. Como he dicho antes, quiero mover el material y cambiar el espacio o habitación. En febrero empezaré a construir muchos juguetes robots: gatos electrónicos, perros, o coches que sigan a la gente o huyan de cualquier intruso. No me he planteado nunca hacer un vídeo audiovisual al estilo abstracto porque no soy un director de cine. Por otro lado, sería divertido ayudar con algo relacionado a la puesta en escena para un teatro o incluso para películas. No soy más sensible a la luz que otra gente, pero me gusta cuando el sol reluce, ¿a quién no?. www.sebastianneitsch.de

tv

“Rest” de KPF.

Estrenando nueva temporada y tras siete años de emisiones, DO o “Denominació D’Origen” es una apuesta por la creatividad y los nuevos talentos, donde la experimentación tiene cabida. Hemos hablado con Pere Gibert, responsable del proyecto, para que nos contara qué hay detrás de esta interesante e innovadora propuesta.

t: isabel sánchez vallejo

“Tu i jo i tots els animals del bosc” de La càmera enamorada.

En la gestación del programa hay dos nombres clave: Lau Delgado, de la Xarxa Audiovisual Local, y Xavier Marcé, el que era responsable de l’Institut Català de les Indústries Culturals de la Generalitat. Ellos firmaron un convenio a finales del 2004 para una nueva línea de emisiones de calidad para la televisión local. Así nació DO. Lo que empezó como estricto programa de televisión es hoy un proyecto multiplataforma en expansión con más sentido que nunca. En la nueva temporada las productoras Key Project y Camille Zonca juegan por primera vez con nosotros. Con KPF hemos coproducido Rest, un proyecto onírico creado por doce profesionales donde cada uno se ha responsabilizado de un capítulo independiente, aunque con coherencia. Con Camille Zonca hemos realizado una iniciativa de ciencia-ficción llamada Projecte Oracle. Por otro lado, vuelve La cámera enamorada con nuevo proyecto de Lluís de Sola bajo el título Tu i jo i tots els animals del bosc. Se trata de una ficción muy particular que explica la vida de una chica con trastorno de personalidad.

También tenemos Concerts Privats, donde incorporamos público en las grabaciones. Será muy íntimo y con Minifilms TV detrás de la aventura. La música es esencial en DO. En esta temporada se incluye también la animación con Diari de l’Últim Home, co-producido por Gusano Films y Señal Colombia, que obtuvo el reconocimiento del Mercat Audiovisual de Catalunya y participó en el Animac Mentors 2010. Los encargados de unir todas las piezas artísticas son Ade Lamas y Roger Amat de Miniature, que junto a su equipo, se ocupan de vestir a DO con creaciones muy particulares de calidad. Son los responsables de su imagen y esencia. WE ARE DO es un grito de guerra, de libertad y, al mismo tiempo, un club de creadores, mentes inquietas con actitud abierta y gran capacidad de expresión artística. Nos gusta jugar con los géneros y los formatos.

Preferimos la ambigüedad y la multiplicidad de interpretaciones. Antes os adelantaba algunas novedades de la primera temporada, pero los meses de primavera también van a ser muy fuertes. Vuelven Crampton y Asmatik con

apuestas radicales. Con Atzucac Films trabajamos en una ficción interactiva que pronto verá la luz. Hay un montón de criterios a la hora de seleccionar los proyectos, en estos años la calidad técnica ha aumentado hasta el punto que se presentan menos propuestas, pero de productoras y realizadores muy preparadas. Esto permite centrarse más en el contenido, aunque todavía falta crítica social. Hoy más que nunca necesitamos ser constructivos. Internet promociona de forma intensa a la televisión, no le quita espectadores. Lo que tendrían que hacer las televisiones es montar plataformas IP para ver contenidos de forma legal, afrontarlo como una herramienta que juega a favor. La multiplicación de pantallas genera nuevas posibilidades, pero la persona que llega cansada a casa después de un día de trabajo duro, se sienta en el sofá y ve la televisión. DO continúa siendo una excepción, un laboratorio de pruebas que convive con otros experimentos. Nuestro objetivo es introducir en televisión proyectos de calidad y contenidos que remuevan al espectador. No queremos transformarla en un museo, nos gusta incluir iniciativas cargadas de humor e ironía que algunos consideran “demasiado” comerciales, aunque justificadas. Hay que crear formatos, no basta con importarlos. En los últimos años, con la fragmentación de audiencias y la multiplicación de canales, parecía que se buscaban nuevos contenidos, pero la oferta sigue siendo la misma aunque en canales temáticos de poco presupuesto, basados en el reciclaje, una lástima. Por suerte el público es activo y sabe buscar. En la red hay buenos contenidos creados sin grandes estructuras y visibles a nivel internacional. Pero lo importante sigue siendo el contenido. Todo el trabajo alrededor de la continuidad del DO de este año va enfocado a la idea del contenido a partir del trabajo de Miniature alrededor de un objeto esencial y minimalista que representa lo que es y representa la televisión…lo podéis ver vosotros mismos en www.wearedo.tv. www.wearedo.tv

t: david moreu / f: mississippi gulf coast CVB + david moreu

GEORGE E. OHR El mundo del arte es una burbuja de sueños que no responde a ningún patrón determinado. Todas las obras que se exponen en los museos y que se venden por millones, únicamente existen gracias al azar. No en vano, los mayores artistas de la historia han sido personajes excéntricos, que se opusieron a las normas y alcanzaron la fama después de su muerte. Este es el caso de George E. Ohr, un genio incomprendido que vivió en el profundo sur de los Estados Unidos y revolucionó el arte de la cerámica con sus creaciones surrealistas. Su vida fue una vorágine de proporciones XXL, plagada de excesos, sueños y fracasos, pero ahora se inaugura un espectacular museo para celebrar la magia de su obra.

THE MAD POTTER OF BILOXI

lamono / núm. 70 / febrero ’11

Toda leyenda tiene un inicio y la de George E. Ohr empezó en el pequeño pueblo de Biloxi (Mississippi) en 1857. Durante su juventud ya demostró ser un personaje inquieto, viajando a New Orleans en busca de fortuna y trabajando en más de catorce profesiones distintas, hasta que descubrió su pasión por la cerámica. Entonces recordó que su vieja profesora del colegió le había dicho “siempre debes hacer lo que realmente desees”, así fue como emprendió un viaje a través de los Estados Unidos para aprender a moldear la arcilla y ver qué hacían otros artistas en ciudades lejanas. En 1883 regresó a Biloxi y abrió un taller de cerámica. Su sueño se hacía realidad, pero solamente era el inicio de una aventura de proporciones épicas. Durante diez años George E. Ohr estuvo moldeando toda clase de vasijas para los vecinos de Biloxi. Era una manera honrada de ganarse la vida, pero él aspiraba a convertirse en una estrella y que sus creaciones fueran verdaderas obras de arte. Seguramente todo habría seguido igual si el destino no se hubiera cruzado en su camino de forma repentina.

El 12 de octubre de 1894 su estudio se incendió y perdió toda su producción bajo el fuego devastador. De aquella catástrofe emergió un artista rebelde e inconformista que empezó a experimentar con la arcilla, mezclando formas imposibles, colores vibrantes y temas escandalosos para una sociedad extremadamente conservadora.

Evidentemente, la élite artística de la época no prestó atención a la obra de aquel excéntrico bohemio, pero él viajó por todo el país mostrando sus creaciones en ferias de artesanía e incluso ganó el premio a la originalidad en la St. Louis Exposition de 1904. Dos años después abandonó por completo la producción de cerámica, desilusionado por la falta de éxito. Aún así, almacenó toda su obra (unas 8.000 piezas) en el trastero de su casa y ordenó a su familia que no la tocara hasta que alguien decidiera comprarla.

Cuando George E. Ohr falleció en 1918, su fama de lunático ya era un recuerdo del pasado. Su obra permaneció en el olvido durante décadas, hasta que un amigo de la familia convenció a sus hijos para que mostraran algunas piezas en la Gulf Pottery Show de 1965. Aunque muy poca gente prestó atención a aquellas vasijas transgresoras, las nuevas vanguardias artísticas y los ceramistas de la era hippy empezaron a reverenciar a George E. Ohr como un auténtico visionario que se había adelantado a su tiempo.

La fortuna del artista cambió por completo al descubrirse la existencia de su obra almacenada en Biloxi y, en 1973, un anticuario de New York adquirió la colección entera siguiendo su última voluntad. Después de tres meses de

limpieza y catalogación, aquellas piezas recuperaron el esplendor de antaño y se mostraron al mundo por primera vez. Evidentemente, los coleccionistas empezaron a demandar su obra y el nombre de George E. Ohr se convirtió en un referente indiscutible del arte norteamericano. A diferencia de otros artistas, George E. Ohr fue diseminando fragmentos de información sobre su persona en forma de textos y de fotografías surrealistas que él mismo manipulaba de forma asombrosa. Puede que fuera un personaje inestable y volátil, pero creía en un futuro brillante y deseaba que, un día, su vida se reconstruyera como un puzle. Esta colección de materiales tan curiosos ha permitido apreciar la magnitud de su obra y conocer su particular filosofía de vida. La historia de un artista multidisciplinar, que influyó a los dadaístas y que hoy se cotiza al alza en las mejores galerías de arte. El pueblo de Biloxi siempre se ha enorgullecido de su artista más internacional y encargó la construcción de un museo que albergara su obra. Pero el 29 de agosto de 2005 el huracán Katrina arrasó por completo aquel sueño dorado. Aunque la fama de George E. Ohr siguió creciendo y las autoridades locales decidieron poner en marcha un nuevo proyecto de museo.

Esta vez se involucró al famoso arquitecto Frank Gehry, ferviente admirador del excéntrico ceramista, y el pasado 6 de noviembre se inauguró el Ohr-O’Keefe Museum of Art. Un final ilustre para una historia incomparable. www.georgeohr.org

El pasado sábado 18 de diciembre 20 elegidos madrugaron para vivir una experiencia cien por cien lamono.

La jornada Follow us fue una cita a ciegas con final feliz.

Lo que ha unido lamono que no lo separe el hombre.

Crónica de un día muy lamono by Xavi Ocaña Fotos by Thomas Williams

> GOOD MORNING @ THE PRIVATE SPACE Las primeras líneas de una historia son las más importantes. Nuestro relato follow us comenzó con miradas de curiosidad, una dosis de folk, desayuno de Buenas Migas y la obra de Nico Baixas en The Private Space, el lugar escogido para dar el pistoletazo de salida a lo que se preveía un día muy intenso. La galería se convirtió en el escenario para el concierto del acogedor folk de Cálido Home. La voz y los acordes de este dúo catalán fueron acariciando y despertando los sentidos poco a poco, a la vez que Buenas Migas ofrecía un desayuno especial inspirado en lamono a base de repostería, yogurt natural y una buena dosis de café. En el preciso momento en el que se repartieron las DIANA de lomography para que toda la experiencia se recogiera en un click, supimos que estábamos en el principio de algo grande. Así fue el comienzo de la historia de FOLLOW US, justo antes de tomar nuestro autocar rumbo a nuestro siguiente destino: la moda.

> PHOTOSHOOTING @ BONZO STUDIO Andy Warhol dijo una vez que en el futuro todo el mundo viviría sus 15 minutos de fama. Para los 20 monos ganadores y protagonistas del día FOLLOW US los 15 minutos se convirtieron en más de dos horas y la fama tomó forma de photoshooting en Bonzo Studio de Barcelona con un equipo profesional de estilistas y maquilladores. Lee, D.A.T.E, Urbanears, Bench, Food&Event, Red Bull, luces, cámara… ¡acción!

El autocar FOLLOW US, conducido por el encantador Armand, nos trasladó a todos de The Private Space a Bonzo Studio, situado en el corazón del barrio de Gracia. Todos nos convertimos en modelos y además teníamos que elegir bien nuestro estilismo porque tanto las prendas de Lee, como el calzado de Date y los complementos Bench iban directos a nuestros armarios. Por unos instantes nos olvidamos de quiénes éramos y nos dedicamos a cautivar el objetivo de Mark Rabadán.

Photoshooting: Mark Rabadán. / Equipo maquilladores: Gloria Peñaranda, Erick Herrera & Yadro Ochoa. / Equipo estilistas: Ivona Yvon, Mariela Mata, Adele Cany & Cassia Campos.

> LOS TOROS, SERGIO MORA Y LUSESITA NOS ABREN SU NAVE ESPACIAL Nunca una bienvenida había sido más salerosa.

Los Toros nos abrieron la puerta de su Nave Espacial con la furia de Los Brincos. Y nos hicieron brincar, a la velocidad de la luz. Dicen que una de las claves para tener un futuro de éxito está en pensar a lo grande. Para confirmarlo, deberíamos preguntar a los activistas del día FOLLOW US que pasaron de eruditos de la moda a estrellas del rock en cuestión de minutos. Con los chicos de Los Toros a las guitarras y batería y su vocalista “detenido” en Miami, algunos de nuestros monos se animaron a poner voz a uno de los temas más emblemáticos del grupo Los Brincos, no sin antes haber aclarado sus voces con alguna que otra Carlsberg. Todo esto recargando pilas a base de la comida mejicana de Chico Chango. Unos tacos, jalapeños y nachos después, el autobús del tour FOLLOW US volvía a recogernos para trasladarnos a nuestra siguiente parada en el camino, sobre ruedas y llena de sprays.

> Street & Skate Art by RVCA & Contemporánea El arte es la única forma de cambiar el mundo. Y cuando viene de Contemporánea y se acompaña de los skaters de RVCA, mucho más. Sprays de Montana en mano y juego del pañuelo incluido, desmontamos el universo. Una cosa nos quedó muy clara a lo largo del día: la realidad siempre supera la ficción. Artkatraz se convirtió en el escenario perfecto para acoger la parada más street de todo el día FOLLOW US. Al cruzar sus puertas, todos pudieron escuchar un sonido que les resultó familiar: el de las ruedas de los riders de RVCA deslizándose por el skatepark y el de los sprays de unos artistas de lujo dejando su huella en los muros del espacio. José Luis Negrin “El pali”, Octavio Barrera y Carlos Neiran ofrecieron a todos los monos presentes una verdadera exhibición de skateboarding, dejando a unos con la boca abierta con cada salto y animando a otros a probar su talento sobre la tabla. Y mientras unos derrochaban espíritu street en movimiento, otros lo hacían a base de arte estático a todo color. Alex Castañeda, Rubén Sánchez y Kram fueron los artistas invitados por la prestigiosa galería Contemporánea. Tres artistas con los que nuestros monos, aerosol de Montana en una mano y Carslberg en la otra, tuvieron la oportunidad de compartir creatividades, justo antes dar comienzo al juego del pañuelo como actividad para sortear un pack de productos de RVCA. Todo este torrente de actividades, al ritmo del sonido y las mezclas de DJ Marcerock.

> Comunión MUJERES en casa de Pau Pau Hu Le “nos vendió su casa” y MUJERES se adueñaron de su salón. A estas alturas del juego ya sabíamos que lo más importante para estar vivo es sentir que a veces hay días irrepetibles… Pau fue el merecido ganador del concurso “Véndenos tu casa”. Eso convirtió su comedor en parte de la ruta, en concreto, en uno de los momentos más esperados: el exclusivo concierto de MUJERES. Su rock and roll desenfadado nos contagió a todos con ganas de pasarlo bien dando paso a un incesante desfile de cocktails de Cutty Sark y bailes frenéticos que siguieron incluso más allá del último acorde del grupo. Puede que fuese el efecto de concentrar la magia que se genera en los directos en un espacio tan reducido como un comedor, pero la cuestión es que el concierto de MUJERES dejó a todos con un feeling muy especial y con mono de más.

> Culminación en Razzmatazz Mucho se ha escrito y especulado acerca de la relación amor-odio que mantienen el principio y el final de las cosas, pero para un día que empezó bien y acabó mejor, sobran las palabras. Una jornada increíble se merecía un final a la altura ¿y qué mejor que un triple concierto by the face en Razzmatazz 2? Lasers, Slowreno y Mendetz ponían la música y los cientos de amigos de lamono hacían el resto. El autobús de FOLLOW US nos llevó directos a Razzmatazz 2, donde nos esperaba una zona reservada con catering de Food&Event y barra libre gentileza de Cutty Sark y Red Bull. Las buenas vibraciones y sensaciones acumuladas a lo largo del día, dejaron de contenerse y explotaron contagiando a los cientos de amigos de lamono allí reunidos al ritmo del pop cósmico de Lasers, la energía incombustible de Slowreno y electro-rock más bailable de Mendetz. Pero no fue solo música lo que dimos a los que se dejaron caer por el concierto. Entre actuación y actuación, tuvo lugar nuestra particular (y adelantada) noche de reyes: una lluvia de regalos de Bench, Lee y Urbanears. Finalmente, como una estrella fugaz, FOLLOW US llegó y pasó. Pero supimos aprovechar su paso para llenarnos de energía y deseos de futuro… deseos de más… deseos de que lo mejor aún está por venir.

f: Reni Li Wu

PHOTOSHOOTING @ BONZO STUDIO Photography: Mark Rabadán Photo assistant: Cristian di Stefano Styling: Adele Cany, Cassia Campos, Ivona Yvon & Mariela Mata Hair & Make up: Erick Herrera, Yadro Ochoa & Gloria Peñaranda Todas las prendas son de LEE. www.lee.com Sneakers D.A.T.E. www.date-sneakers.com Complementos Bench. www.bench.co.uk Headphones URBANEARS. www.urbanears.com

Camisa Round Hem (60 €) Jean Marley (85 €)

Jean Blake (80 €) Camisa workshirt (55 €)

Vestido Smock (55 €) Camiseta Popcorn (60 €) Camisa Slim Western (70 €) Jean Jade (85 €)

Camisa Workwear (65 €) Cazadora Rider Jacket (120 €) Jean Daren (90 €)

Jean Scarlett (80 €) Camiseta Tank (25 €) Camisa Worker (65 €)

Camisa Faded Denim (60 €) Jean Scarlett (85 €)

Chica izquierda: Camisa Faded Denim (60 €) Jean Scarlett (85 €) Chica derecha: Camisa de cuadros Cropped Shirt (50 €) Jean Scarlett (85 €)

Camisa Workwear (65 €) Jean Blake (90 €)

Vanesa Linares

On the Block #4. © Susanna Pozzoli 2010.

postits

Vidas ilustradas

SUSANNA POZZOLI

La sociedad moderna a través del dibujo y el collage

On the block. Harlem Private View

Tenemos muy claro que la mejor manera para expresar nuestra opinión, frustraciones o incluso hacer una declaración de amor, es el arte. La innovadora Galería Víctor Lope Arte Contemporáneo comparte nuestra opinión y por este motivo desde su inauguración se han centrado siempre en apoyar a artistas emergentes de todo el mundo. Su próxima exhibición tendrá lugar del 17 de febrero y estará hasta el 30 de marzo, con los paradigmas de la sociedad moderna como tema principal. Jóvenes creadores han plasmado a través del collage y la ilustración su punto de vista, como Vanesa Linares, que aportará un toque naïf al conjunto o Malgosia Jankowska que nos transportará a oníricos espacios. También tendremos la oportunidad de revisar las obras más animales de Dani Buch, aka Roughattitude, Gastón Liberto, Alexandra Kopf y Sean Mackaoui. T: Isabel Sánchez-Vallejo Del 17 de febrero al 30 de marzo.

Galería Victor Lope Arte Contemporáneo.

Tres senyores, 40. Barcelona. www.victorlope.com

Harlem se está transformando a un ritmo acelerado. Este mítico barrio de Nueva York está viviendo un polémico proceso de gentrificación. Mucha gente nueva llega a vivir al barrio con un poder adquisitivo más alto que el de los vecinos habituales haciendo así que suban los precios, especialmente el de las viviendas, y que la población “histórica” tenga que emigrar a otras zonas. On The Block. Harlem Private View es una exposición de la artista italiana Susanna Pozzoli en la que muestra este proceso, del que sabe que es en parte culpable. La artista llegó a Harlem en julio de 2007 por un programa de residencia internacional para artistas emergentes y así, inevitablemente, empezó a formar parte del controvertido proceso de cambio. Una joven artista europea que se dedicaba a llamar a las puertas de las brownstones, las típicas casas de piedra arenisca, de los bares, de la escuela o de la iglesia... fotografiando todos los espacios. La artista reconoce que pasó momentos tensos y situaciones duras con los vecinos que no comprendían su proyecto; esa parte de la comunidad residente que tiene que abandonar sus casas a causa de la subida de los precios. Susanna Pozoli siguió adelante y presenta ahora una colección de sesenta y seis fotografías que trasladan al espectador a Harlem. Las fotografías, tomadas todas con luz natural, destacan por la ausencia de personas, símbolo de la tesis que motivó este proyecto. Una obra que presenta la dignidad de las atmósferas de todos estos espacios de Harlem. T: Eunís Font Del 20 de Enero al 4 de marzo.

The Private Space Gallery. Roc Boronat, 37. Barcelona. www.susannapozzoli.com www.theprivatespacebcn.com

kaisei yamamoto

El mundo de la caligrafía japonesa El próximo día 7 de febrero se estrena en la Galería Aragón 232, la exposición El mundo de la caligrafía japonesa, de la artista japonesa Kasei Yamamoto. El mismo día de la inauguración Kaisei Yamamoto hará un live Painting, de donde saldrá la última obra de la muestra. El proceso creativo de Kaisei Yamamoto es casi un work in progress que comenzó en Japón y culmina ahora en Barcelona con una profunda reflexión sobre el sentimiento del artista hacia la caligrafía japonesa. La artista ha realizado cien obras de pequeño formato para la exposición, con la finalidad de cumplir un deseo y rendir homenaje a su madre que falleció mientras Kaisei se encontraba en el proceso creativo de la obra. La obra numero cien se titula Arigatou (gracias), en agradecimiento al apoyo de su madre a su carrera artística. Esta pintura está trabajada con la técnica Hiragana, las otras 99 con la técnica kanji.

Dou. “Sho” (Caligrafía japonesa con tinta china) sobre papel japonés washi.

Inauguración: lunes 7 de febrero a las 20h.

Exposición hasta el 13 de febrero. Galería Aragón 232. www.galeria-aragon232.com

música

t: natalia brovedanni / f: oscar garcía

Lásers

De paseo por Marte Los puristas acérrimos ya pueden ponerse a llorar. El hervidero local ha decidido meter en una olla tamaño XXL, toda serie de retazos sonoros, vestigios que combinan la métrica internacional con el sentimiento “hecho en casa” bajo el bienvenido manto del trans-estilo. Ya no estamos para hablar de shoegaze, electrónica o punk, ahora es mejor hablar de sensaciones, formas y dejarse de tonterías con las etiquetas. Lásers confirma todo esto. Su sonido repta, se retroalimenta, envuelve el ambiente a golpe de atmósferas cimentadas mediante capas, detalles barrocos y espacialidad. Los ganadores del último Levi’s Unfamous Awards tienen su primer EP entre manos, un disco que recuerda a Animal Collective sin perder identidad y que, quizás, alguna vez escuchemos en Marte. lasersmusic.bandcamp.com

Formamos Lasers en 2009. Alex y yo tocábamos juntos imitando a grupos como A Place to Bury Strangers o My Bloody Valentin”. Después se unió Ángel, que nos inculcó todo su mundo cósmico y después vino Iván a poner las cosas en orden, y así, poco a poco nos fuimos redireccionando hacia un sonido más electrónico y orgánico. Nos gusta todo muy barroco y que tenga un muro de sonido. De cara al nuestro primer EP, que salió el 21 de enero, los nuevos temas tienen elementos más house, como voces o pianos, o percusiones distorsionadas, con todo esto tratado de una forma bastante espacial y atmosférica. Usamos un secuenciador de bajos electrónicos y baterías, un sampler, tres sintetizadores, fuzzs de la marca Death by Audio, un Space Echo y un looper Digitech PDS 1002, además de otros pedales más normales, tipo el Whammy o compresores, según nos apetezca. Además lo típico, batería acústica y 1 trigger lanzado a un módulo, 1 guitarra y bajo. Generalmente hacemos un loop a partir de muchas pistas raras, para luego sacar de ahí un sólo sonido principal que defina la canción, y luego todo el resto.

Usamos generalmente Live, pero muchas veces generamos a partir de tomas que nosotros mismos hemos

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grabado en el local, igual recogemos unos minutos de ruidos y de ahí elegimos un trozo que nos guste. El loop generalmente sale de forma espontánea, aunque otras veces es por melodías que te vienen, o simplemente por un ritmo diferente que te apetece probar. Trabajamos en nuestro estudio y también subiendo los proyectos a un servidor para que luego cualquiera del grupo lo modifique o le de la vuelta según su visión. Después vamos al local y lo ensayamos. ¿Qué escuchamos? De todo. Desde Scott Walker hasta Nathan Fake, Fuck Buttons, Midnight Juggernauts, Junior Boys, El Guincho, Oneohtrix Point Never, etc... clásicos de house, Frankie Knuckles o más alemán clásico, Krafwerk, no sé, pero hay muchos más, Pony Bravo, o lo que sea. No somos expertos musicales ni en estilos ni tenemos una enorme cultura, la verdad.

Vamos descubriendo cosas y nos influencian, ¡gracias a internet en gran parte! El mejor momento fue ganar el Levi’s Unfamous Awards y grabar el disco, y el peor al principio, cuando no sabíamos qué hacer y no nos convencía nada de lo que nos salía, nos costaba bastante llegar a algo que nos gustara, ahora todo fluye más y nos sentimos más cómodos. El primer concierto que dimos sonó a rayos. Estamos contentos y a gusto con

todo, la verdad, porque nos lo pasamos bastante bien haciendo algo que nos llena. De eso se trata. Lo de los festivales, o eres una banda reputada y con recursos o suele ser todo muy a saco y con poco tiempo. Estaría muy bien alguno en Japón, sería la buena. O por ejemplo tocar en directo cuando el hombre llegue a Marte, si seguimos vivos, poniendo música al evento, esto siendo unos flipados, por imaginar. Tenemos preparado un vinilo de 180gr que se podrá adquirir en algunas tiendas y vía internet. Igualmente nos hemos centrado en hacer una distribución digital. El vinilo es un capricho porque nos gusta el formato y nos apetecía presentarlo primero así. Nos hemos centrado también mucho en el artwork, que lo ha hecho Raul Goñi. El 21 de enero empezamos a sacar las canciones vía internet, tres canciones antiguas regrabadas y dos nuevas, que apuntan nuevas vías para nosotros, gracias al sampler que nos compramos, con el que empezamos a probar cosas diferentes. Está grabado por Marco Morgione y masterizado por Yves Roussel. Estamos realmente contentos. En abril entramos a grabar nuestro segundo disco de cinco canciones. Este primero lo sacamos con Hubble round, el sello que hemos creado.

música

t: òscar nin / f: núria rius

LA ORQUESTA DEL CABALLO GANADOR

Conducción vanguardista

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De los postulados más vanguardistas del Free Jazz al trote del Underground.

Edu Pou (Conduction drummer y miembro de ZA!) nos lleva al hipódromo alternativo de la música. De filosofías minoritarias nacieron corrientes mayoritarias en el Arte. Jockey fustigando, caballo ganador. Apuesten.

En 2004 Fernando Junquera (Estrategia lo capto, Balano, Negro) funda la Orquesta del Caballo Ganador siguiendo los postulados de Butch Morris. Bajo la tutela de esta ‘Conduction’ se embarcan los miembros de ZA! y el hermano de Fernando, Marcos. La idea no puede ser más simple y a la vez enormemente complicada: Improvisación conducida. Mediante un código de señales se conduce a la orquesta, esas directrices crean un marco sonoro al cual los músicos dotan de contenido.

Improvisación conducida que hemos hecho nuestra a base de tirar más de “free” que de los postulados iniciales y estrictos de Morris. Cualquier músico de La Orquesta del Caballo ganador puede ser el director del cotarro, cada uno de nosotros tiene una concepción diferente de la música, tenemos nuestro propio código gestual para interactuar con el público y con nosotros mismos. El abanico es tan grande que puede abarcar desde colaboraciones con miembros de Tarántula, hasta gente de conservatorio pasando por dj’s industriales. No podemos ni aspiramos a seguir estelas marcadas por el propio Morris u otras concepciones de Orquestas por el estilo, no somos profesionales y se nos vería el cartón en algún que otro solo, suplimos esas carencias con humor y con buena música. Partiendo de la Vanguardia creo que hemos llegado a un sonido propio, que bebe más del Jazz, el Afro-Beat, el Tropicalismo y el Rock que de cualquier vanguardia al uso. Nos interesa mucho más tocar que teorizar, en ese sentido estamos más cercanos a la concepción clásica de banda de Rock. Tocamos para pasarlo bien, todo lo demás es secundario. Interactuar con el público, que éste sea un agente activo en nuestros conciertos es primordial. Les pedimos que saquen las llaves de casa, que nos insulten, que formen parte viva del evento, que se transformen en un instrumento más, un músico adicional. La cuestión de estar más o menos cercano a un público underground o seguidor de músicas alternativas no me preocupa ni afecta al desarrollo de la Orquesta. Es evidente que nos sentimos mucho más cómodos en el Heliogàbal, por ejemplo, donde la gente prácticamente te está tocando y hay un feeling especial

con el público que en los recintos grandes y públicos mayoritarios, como el de Primavera Sound. Aún recuerdo algunas caras en el Apolo. De todas maneras nuestra puesta en escena bebe, mayoritariamente del Rock.

Reconstruirlo, trabajar sobre él, darle la vuelta, mezclarlo… esa es la idea. ¿Que a algún purista no le acaba de convencer lo del dj? Bueno, tampoco importa tanto eso.

En nuestros proyectos en solitario tampoco estamos acostumbrados a escuchar a críticos estúpidos que hablan sobre ‘capas de sonido ocre’ y cosas por el estilo.

En breve, definiremos una serie de conciertos para mayo, orquestaciones del Caballo Ganador sobre proyecciones que no veremos hasta ese día. Madrid, Barcelona… informaremos en breve cuando el tema esté cerrado.

Sabemos que es difícil contactar con nosotros y obtener información sobre los próximos conciertos en Elche y posteriores; no es una pose underground, es que somos unos dejados. Solucionaremos el tema en breve vía myspace. A ver si nos escucha Pedro Jota y salimos en El Mundo y así tendréis más noticias sobre nosotros. La libertad creativa tanto en ZA! como en la Orquesta del Caballo Ganador es ilimitada. Puedo estar más cerca de June of 44 o Elvin Jones, pero también de Sun Ra o Rage Against The Machine y eso no quita ni pone méritos a mi trabajo aquí o en Pony Bravo. Siempre he jugado con la libertad y la capacidad creativa, ‘Macumba o Muerte’ (Acuarela, 2009) de ZA! sería una buena introducción para un concierto de La Orquesta del Caballo Ganador.

Ahora contamos con Alberto, que ha vuelto del sudeste asiático con unas historias de Camboya y Laos y nos está impartiendo disciplina, de ahí saldrán cosas muy interesantes. Las teorizaciones interesan a muy poca gente, en un escenario si no vales se te nota a la primera de cambio. Nuestras actuaciones son únicas, que después se teoricen a posteriori, pues bien, pero el instante del directo es ese que queda ahí, que no estaba escrito, ni antes, ni después. ¿Vanguardia? ¿Rock? www.myspace.com/putosza www.myspace.com/elcaballoganador

música

t: andrea jarales

Alma Funk The New Mastersounds

Somos cuatro músicos influenciados por bandas similares, que han tocado juntos, creado, vivido y experimentado demasiadas cosas fantásticas en los últimos doce años. Tocamos la música que nos sale de forma natural, la que instintivamente hacemos cuando estamos juntos, con confianza y la meta común que queremos llevar a cabo es sacar lo mejor de nuestras habilidades, así como compartir nuestra energía musical con el mayor número de gente receptiva. En los inicios, nos inspiraban definitivamente los Dj’s de nuestro entorno que pinchaban melodías masculinas de Deep Funk & Soul Jazz.

También estuvimos influenciados por la mayoría de las formaciones de música negra y de música electrónica. Últimamente, desde que estuvimos de gira intensiva por USA, estamos más influenciados por la escena de música en directo de por ahí, ahora hacemos shows más largos, con mayor espontaneidad y con más fe en nuestro trabajo. Cada uno de nosotros escucha estilos de música distintos, desde el jazz tardío de los 60’s, hasta Coltrane, Bobby Hutcherson & Lee Morgan… de todo menos Funk. Nos ha emocionado conseguir nuestra primera inclusión en Hollywood, sin embargo lo que de ver-

dad nos gustaría hacer es una banda sonora completa para una película, incluso si fuese un pequeño film independiente. La semana pasada, durante un día de descanso en la playa de Miami South, un renombrado artista cubano me hizo una pregunta: “dada la ocasión, ¿qué elegirías una guitarra de tamaño medio o de tamaño grande?” Mi respuesta fue “¿realmente tengo que responder a eso?” no porque sea obvio, sino porque realmente no quería contestarlo... sin embargo, la realidad es que me gusta bastante el Ukelele. Nosotros preferimos grupos más pequeños. El problema con una banda mayor, es que la música tiene que ser más organizada y responder a un plan. Es más difícil comunicarte de un extremo al otro del escenario con ocho personas, si quieres de repente cambiar el groove, la sección, los arreglos o lo que sea, esa es la belleza de The New Mastersounds, en cualquier momento del show puedo cambiar, con nada más que una simple señal, lo que me hace sentir como un DJ, siendo posible adaptar el conjunto a como se siente el público, respondiéndoles. www.myspace.com/newmastersounds

Todo empezó en Leeds, una ciudad situada al norte de Inglaterra, donde Eddie y Pete se conocieron en 1993. Fueron presentados por un saxofonista loco que estaba formando una banda llamada The Jupiter Mission, quería que tocaran con monos naranjas y con los nombres bordados en la parte delantera... no duraron mucho. Después se unió Simon, no mucho después de que se formara la composición original de la banda Mastersounds en 1996. Comenzó presentándose a los Shows y pronto reemplazó al batería original. The New Mastersounds se formó en 1999 añadiendo a Bob Birch al órgano Hammond, el único tio que tocaba realmente un Hammond en Leeds por aquel entonces.

Fue reemplazado por Joe en 2006, cuando Bob decidió que la carretera no era para él. Joe había sido un amigo para todos y habían trabajado juntos en bandas diferentes, así que fue un cambio bastante fácil. Comprobaron que era una fantástica adquisición para la banda, tanto en el escenario como en la parte compositiva. Empezaron adentrándose en la escena de los clubs antes de que su música se pudiera escuchar en disco y desde la publicación de su álbum debut Keb Darge presents en 2001, no han parado de sudar y hacernos bailar esos nuevos sonidos con alma funk que tanto les caracterizan.

cd’s

AtletA · Catedrales (Aloud Music) Jaume Pantaleón y Jose Roselló son de los pocos músicos locales con la suficiente habilidad para enfrentarse a un proyecto tan ambicioso y arriesgado como lo es AtletA. Después de lanzar el 7”, Fariseos, los ex-12Twelve se han propuesto aportar a la escena la originalidad que pedía a gritos desde hace tiempo. Casi como si nos hubiesen encerrado en la casa del ácido, Catedrales invita a dejarse caer, a arrastrarse por atmósferas afectadas de psicodelia, el kraut-rock y la electrónica más elegante para terminar entendiendo que si hay un “post” que le pega a AtletA es el post-sensacional porque cada canción ataca directamente al mundo de las sensaciones interiores. Muy prometedor.

La Célula Durmiente · Póstumo (BCore) Es innegable que Joan Colomo tiene mucha personalidad musical. Cualquier cosa que toca se transforma en un material al que echarle ojo. Póstumo es un trabajo ante todo entusiasta, que apuesta por el colorido y el guitarreo constante guiado por melodías de voz casi sectarias fruto del bien logrado engranaje de Inés y Joan. Bajo la fórmula del punk pop y la afección por los sonidos distorsionados, La Célula Durmiente consigue atraparte hasta el final instaurando una pequeña revolución hormonal digna de la más honrada adolescencia temprana.

t: natalia brovedanni

Ainara LeGardon · We once wished (Aloud Music) Cuatro discos se dicen muy rápido. Ainara LeGardon sabe muy bien a dónde quiere ir y así lo demuestra en We once wished, una colección impecable de canciones que, si bien distan de lo que ya conocíamos, muestran su arista más visceral e intensa, como si se estuviese arrancando trozos de sí misma en cada pasaje. Before walking up o Thirsty representan el espíritu de un disco de rock, en el que destacan no sólo las composiciones de Ainara sino el talento de Héctor Bardisa a la batería y una sensibilidad tremenda para desgarrar una canción y hacerla verdaderamente grande.

The Idiot · Far Away, Beyond (Independiente) Si en este país existiera una banda de forajidos musicales quizás esos deberían llamarse The Idiot. A golpe de percusiones cabalgantes y sátira urbana, Far Away, Beyond luce un compendio de canciones refinadas, que bien pueden sembrar un clima festivo, volverse más íntimas y oscuras (Cherry Blue), ambientar una película de los 50 o hacer del free-jazz la herramienta más indicada para que la voz de Gerard fluya entre coros impecables, al mejor estilo Caléxico. Versartilidad y muy buen gusto.

conciertos & sesiones

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1_HEAVY TRASH El incansable Jon Spencer vuelve junto

a Matt Verta-Ray para presentarnos Midnight Soul Serenade, el tercer disco de estudio de la formación.

Aprovechando las vacaciones de The Jon Spencer Blues Explosion, los dos músicos salen a la carretera para contagiarnos con su explosiva mezcla de géneros musicales.

La [2]. Martes 1 de febrero. 18/22€. BCN. Sala Stereo.

Miércoles 2 de febrero. 12/15€. ALICANTE. Sala El Sol. Jueves 3 de febrero. 18/22€. MAD. 2_BAND OF HORSES + Mike Noga & The Gents La esperada banda de Seattle liderada por Ben Bridwell está de vuelta por Europa. Formados en 2004 tras la disolución de Carissa’s Wierd, su última propuesta discográfica: Infinite Arms, vuelve a las raíces de la música americana con el gran Neil Young como referente principal.

Sala Heineken. Martes 8 de febrero. 23€. MAD. Apolo.

Miércoles 9 de febrero. 23€. BCN. 3_SKUNK ANANSIE Diez años después de su disolución, los ingleses Skunk Anansie están de vuelta. Y no de cualquier manera, después de publicar su grandes éxitos y agotar entradas en su última visita de 2009, el lanzamiento de Wonderslustre les sirve como excusa para demostrar la fuerza por la que son conocidos sus shows. La Rivera. Miércoles 9 de febrero. 27€. MAD. Sala Razzmatazz. Jueves 10 de febrero. 27€. BCN. 4_THE SCRIPT Después de vender 1,8 millones de ejemplares hace un par de años, los irlandeses The Script vuelven para presentar su segundo larga duración: Sciende & Faith. Concienciados y preparados para dar lo mejor de su repertorio, el trío emocionará a todo el público con su música, capaz de sorprender y con una gran variedad

que va desde el soul, el pop, el rock e incluso con guiños al R&B. Sala Razzmatazz. Sábado 12 de febrero 23€. BCN. La Riviera. Domingo 13 de febrero. 23€. MAD. 5_FESTIVAL IN-Somni: Mujeres+Fuckin’Bollocks+Ella Electrica Tres de las bandas con más proyección del

país encabezan la última edición del Festival In-Somni en Barcelona. Ella Electrica vuelven después de tres años de silencio con su intenso directo junto a Fuckin Bollocks, la gran esperanza del garage barcelonés, que estrenan Congo Tapes, su primer álbum. Los frenéticos Mujeres encabezan el cartel. Apolo. Viernes 18 de febrero. 16/23€. BCN. 6_THE NEW MASTERSOUNDS Pioneros del Deep Funk Británico, la música de este cuarteto de Leeds es un tributo a los grandes del Soul, Jazz o Funk. Reconocidos como una banda clave en su escena y girando por medio mundo, sus directos están cargados de potencia. Fender Club. Lunes 2 de febrero. MAD. Durango Club. Martes 4 de febrero.

VALENCIA. Boogaclub. Miércoles 5 de febrero. GRANADA. Sala Malandar. Jueves 6 de febrero. SEVILLA. Asklepios.

Miércoles 9 de febrero. VALLADOLID. Café Rock Dom Pedro.

Jueves 10 de febrero. GIJON. Jimmy Jazz Club. Viernes 11 de febrero. VITORIA. La [2]. Sábado 12 de febrero. BCN. 7_WIRE + Weekend Formados en el Londres de mediados de los 70, Wire se dieron a conocer gracias a su sonido atmosférico y rico en detalles en medio de la explosión punk. Influenciando a innumerables bandas posteriores, el grupo ha conseguido crear un estilo propio e inconfundible experimentando incluso con la electrónica y con diversos cambios de formación. Ahora, es el turno de presentarnos Red Barked Tree, su último trabajo editado este mismo año

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del que podremos disfrutar junto a sus temas más conocidos. Sala Moby Dick. Jueves 17 de febrero. 20/23€. MAD. La [2]. Viernes 18 de febrero. 20/23€. BCN. 8_HERCULES AND LOVE AFFAIR Nacidos en Nueva York como proyecto del DJ Andy Butler, Hercules and Love Affair juegan con la mezcla de disco, dance y punk. Blue Songs es su segundo trabajo, que precedido por el éxito de su disco debut y siguiendo su estela, seguro que hará bailar a todo el público. Sala Joy Eslava. Jueves 17 de febrero. 20/24€.

MAD. Sala Bikini. Sábado 19 de febrero. 20/24€. BCN. 9_FESTIVAL MIL.LENI: PATTI SMITH Poco queda por decir de Patti Smith. Poeta, cantante e inspiración para muchos, la artista saltó a la fama con su impactante debut Horses, dando un toque femenino al punk de los 70. Desde entonces hasta Just Kids, su última y aclamada obra literaria, Patti no ha dejado de reinventarse y sus directos siguen cargados del mensaje y la rabia de sus inicios. Una gran oportunidad de ver a uno de los mitos vivientes de la historia de la música. Palau de la Música Catalana. Lunes 21 de febrero. 18/ 58€. BCN. 10_LOVE OF LESBIAN Los Barceloneses Love Of Lesbian cierran su interminable gira 1999. Después de más de

10 años de trayectoria y de estrenar su sexto trabajo, la banda se ha ganado un puesto en el trono del indie nacional.

Melodramáticos, épicos o galácticos, su música triunfa allá donde va. Sala Joy Eslava. Miércoles 2, Jueves 3 y Viernes 4 de febrero. 20/25€. MAD. Sala Razzmatazz. Jueves 24, Viernes 25 y Sábado 26 de febrero. 20/25 €.BCN. 11_FRAN HEALY Lanzándose a la aventura y con disco en solitario bajo el brazo, el cantante y compositor de los escoceses Travis está de gira pasando por dos ciudades españolas. Tras demostrar con su banda que es una de las mejores voces del pop británico, esta vez el artista ha escogido locales más íntimos para presentar Wreckonder, un disco diferente que nos muestra su nueva faceta. Ramdall Music Live. Jueves 17 de febrero. 22€.

MAD. Sala Be Cool. Viernes 18 de febrero. 22€. BCN. 12_STANDSTILL Después de presentar su espectáculo sonoro-visual Rooom por media España, Standstill nos siguen ofreciendo la oportunidad de disfrutar de la propuesta. Dividido en tres capítulos, éstos incluyen cronológicamente todos los temas de su último trabajo: Adelante Bonaparte. Auditori Atrium, Viladecans.

Sábado 26 de febrero. 15€. BCN.

BARCELONA: Sala Apolo. Nou de la Rambla, 113. +34 934 414 001. La [2]. Nou de la Rambla, 111. +34 934 414 001. Sala Razzmatazz.

Pamplona, 88. +34 933 208 200. Sala Bikini. Avinguda Diagonal, 547. +34 933 220 800. Sala Be Cool. Pl. Joan Llongueras, 5. +34 933 620 413. Palau de la Música Catalana. Palau de la Música 4-6. +34 902 442 882. Auditori Atrium Vilaldecans. Av. Josep Tarraellas, s/n.

Viladecans. +34 936 594 160. MADRID: EL Sol. Calle de los Jardines, 3. +34 915 326 490. Sala Heineken. Princesa, 1. +34 915 221 815. La Riviera. Paseo Bajo de la Virgen s/n. +913 652 415. Fender Club. Escaño, 20. Getafe +34 607 979 858. Moby Dick. Avda de Brasil, 5. +34 915 557 671. Joy Eslava. Arenal, 11. +34 913 663 733. Ramdall Music Live. Ferraz, 38. s/n. +34 914 358 508. ALICANTE: Sala Stereo.

Pintor Velázquez, 5. 28. +34 965 143 946. GRANADA: Boogaclub. Santa Bárbara, 3. +34 965 143 946. SEVILLA: Sala Malandar. Torneo, 43. +34 954 370 188. VALLADOLID: Asklepios. Torrecilla, 14. +34 983 251 083. GIJON: Café Rock Dom Pedro. Paseo del Muro, 2. +34 984 491 801. VITORIA: Jimmy Jazz Club. Coronación de la Virgen Blanca, 4. VALENCIA: Durango Club. Llanterners, 35. +34 605 829 497

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f: christian brunnström

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