#89 BIG by lamono magazine

BY kassia meador

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ELEMENT EDEN total look photo: berta pfirsich 路 www.bertapfirsich.com Model: Nuria V 路 blow models 路 www.blowmodels.com

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Tratar de definir el término ‘grande’ desde unas coordenadas que solo estimen parámetros dimensionales sería demasiado poco ambicioso, y teniendo en cuenta el propio concepto que aquí se expone, qué menos que tirar a lo grande. Esta premisa que niega las medidas como factor de adjetivo, se debe a lo ajeno que tiene el objeto para ser denominado ‘grande’. Una cosa es grande si el término que lo señala es menor que aquella cosa y deja de ser grande si el individuo, en cambio, le supera en tamaño. Queda establecido pues, que la búsqueda de definición de lo grande se basa en la existencia de comparación de dos elementos en el espacio real (el virtual es otro asunto completamente distinto). Así aparecen los adjetivos grande y pequeño dependientes uno del otro, no hay grande sin un pequeño de referencia y viceversa. Pero ambos sucumben continuamente al engaño. Pongamos un ejemplo: si relacionamos una piedra con la montaña, queda establecido que la montaña es el elemento grande y la piedra el pequeño, pero al añadir un tercer factor cordillera, la montaña pierde el trono de grandiosidad. Así se desencadena una red infinita de comparaciones en el que siempre hay un ‘más pequeño’ y un ‘más grande’, con unos límites tan líquidos que llegan a invertirse con la teoría de que nuestro universo podría ser la partícula más pequeña de otra dimensión. Incluso aquello tan abstracto como lo divino, que durante siglos ha supuesto lo Grande por excelencia, ya no es inamovible. Dentro del relato Dios es pequeño incluido en el libro Kille Kille (Historias macabras) de E. W. Heine, se plantea que aquello a lo que llamamos Dios todopoderoso con capacidad de condicionar la Historia, no es más que un microscópico parásito que se alberga dentro del hígado de las cabras. Así no hay forma de acotar. Quizá una manera eficaz de poner pautas sea mantener una referencia única, de tal manera que todo lo mayor a ésta sea lo grande, y todo lo inferior lo pequeño. Y como la especie humana es egocéntrica por naturaleza, es inevitable situar al hombre como pilar. Grande es pues, aquello en lo que pueda habitar una persona. Quizá en esto pensaban los artistas del Land Art al diseñar desde lo pequeño del dibujo sus grandes (nunca mejor atribuido) instalaciones en las que para experimentar hay que adentrarse y no en la galería sino en un ‘fuera’. Pero la magnitud material de Richard Long, Robert Smithson o Gordon Matta-Clark es un acto de rebeldía frente a la línea conceptual que elabora un Arte contemporáneo resultado de librarse de toda aquella grandeza que ha ido absorbiendo el Capitalismo. Así la Historia del Arte ha evolucionado desde el exceso ornamental a representar lo repelente, la abstracción, lo mínimo y por último (y en esas estamos) la idea. Ya no hay objeto que medir, pero aun así sigue siendo todo lo grande que pudo ser la Torre de Babel. Esto atendiendo a lo grande como calificativo. Pero si analizamos la palabra como algo en sí, con existencia propia, estamos pues ante un fenómeno inconcebible, inimaginable o fuera del alcance de la comprensión humana. Algo grande es, en conclusión, aquello que posee capacidad de producir impacto. La humanidad está siempre a la espera de que suceda eso, algo Grande.

· LO GRANDE · THE BIG · tX alejandro cinque · il Roman Kreemos · www.kreemos.com

Trying to define the term ‘big’ from coordinates that only deem dimensional parameters would be too little ambitious, and taking into account the concept presented here, why not throw it in a big. This premise denies measures as factor of adjective, it is due to the foreign that is the object to be called ‘big’. Something is big if the subject that marks it is less than that thing, and ceases to be great, if the subject is bigger. It is understood then, that the search for a definition of big is based on the existence of comparing two elements in real space (the virtual is another matter entirely). Adjectives “big” and “small” depend on each another; there is no “big” without a “small” as reference, and vice versa. But both continually succumb to deception. For example, if we relate a stone to a mountain, it is established that the mountain is the big item, and the stone, the small one. But adding a third factor, Cordillera, the mountain loses the throne of magnificence. This triggers an infinite net of comparisons in which there is always a ‘smaller’ and a ‘bigger’. With the boundaries that support the theory being so liquid, our universe may be the smallest particle of another dimension. Even something as abstract as the divine - that for centuries has meant the ultimate Big - it is no longer fixed. In the story God is small which is included in the book KilleKille(Macabre stories) of E. W. Heine, it is formulated that the thing that we call God almighty, capable of conditioning history, is actually a microscopic parasite which lodges itself in the liver of goats. So there is no way to conclude. Maybe an effective way to document patterns would be to keep a unique reference, so everything bigger than [X] would be “the bigger”, and everything smaller than [X] would be “the smaller”. Furthermore, as the human species is egocentric by nature, it is inevitable to place man as a pillar. Big is, therefore, anything where a person can live. Perhaps this was thought by Land Art artists when they designed from the smallest of the drawing their big facilities (never more attributed), in which to experience them, it is necessary to go into, not a gallery, but an “outside”. But the material magnitude of Richard Long, Robert Smithson, and Gordon Matta-Clark is an act of rebellion against the conceptual line that produces Contemporary Art, to rid it of all that greatness that Capitalism has absorbed. Thus, the history of art has evolved from ornamental excess to represent the repellent, the abstraction, the minimum, and finally the least (and there we are), the idea. There is no object to be measured, but it still remains that it could be bigger than the Tower of Babel. These ideas are thought when considering “the big” as a qualifier. But, if we analyze the word as something in itself, with self-existence, we are in front of an unthinkable phenomenon, unimaginable and beyond the reach of human understanding. Something big is, in conclusion, something which has the capacity to produce impact. Humanity is always waiting for that to happen, something Big.

ph jendavisphoto.com

jen davis

The day after

Steve and I

4 AM

Fantasy Nยบ 1

Untitled Nยบ 7

Jacek Kaczynski www.wuwejo.pl

Esta es otra línea de defensa This is another line of defence Tx Marta Rosella G.D.

Jacek Kaczynski es un artista anarquista, pero no literalmente. Lo es de corazón; no podría ser de otra manera. Wu no vive desengañado, ni esperanzado, ni de forma premeditada. Ha vaciado su casa imperfectamente estructurada de conceptos y colores, y le ha dibujado arrugas y grietas. Es virgen ante cada ilustración que está dispuesto a amar infinitamente cuando entra por su puerta, dice, sin llamar. Siempre te invita a pasar, aunque no te asegura que vayas a encontrarte cómodo. En su alma, su tarjeta de bienvenida, solamente mandan los impulsos y la contradicción. En su cuerpo, el terror y la esperanza se disputan la batalla de sus vidas. Sí, es humano. Un humano seguro de su inseguridad, como demuestra la mirada esquiva de sus personajes, de ojos tímidamente hundidos. Un humano con sobredosis emocional, como nosotros. De corazón intachable con algunos borrones, el artista de nuestra portada perfila su carácter a base de sentido del humor polaco y de cultura folk oriental. Siempre hay una carcajada en sus ilustraciones, ese es su final. Figuratively speaking Jacek Kaczyński is an artist of anarchy. It is in his heart, it couldn’t be any other way. He doesn’t live disillusioned, nor with hope, nor in a premeditated way. He has emptied his imperfect home, which is made up of concepts and colors, and has chosen to focus on the gaps and wrinkles which are often ignored. He always comes afresh to each illustration, which he is capable of loving infinitely once completed. Though there is no assurance that you will feel comfortable in viewing his work, he always beckons you to take a look. In his soul, only impulse and contradiction rule. In his body, hope and fear are in a constant battle. Yes he is human, a human sure of his insecurity. You can see this in the elusive looks of his characters with their deep and shy eyes. He is a human overdosed on emotions, just like us. With his pure heart, the artist on our front cover shapes the nature of his work with a polish sense of humor and oriental folk culture. There is always a smile in his illustrations because that is their purpose.

Has dicho que hay muchas maneras de describir el mundo… ¿Cuál has elegido tú?

La mía, por supuesto. Creo que la gente ve el mundo a su manera. No es una elección. Forma parte de nosotros, algo que comienza en la infancia y crece con nosotros. El modo en que describimos el mundo está limitado por nuestra imaginación, nuestra capacidad de entender y nuestra sensibilidad. Está el universo de Pedro Almodóvar y luego el de Carlos Saura, y muchos, muchos más. Ninguna de estas percepciones es más correcta que la otra. Cuando describo el mundo, solo intento ser yo mismo. La forma y el contenido de tus ilustraciones es, digamos, calmadamente preocupante (o preocupantemente calmado).

Así es. Me alegra que esta contradicción sea visible. Lo literal siempre me deprime, es como una jaula sin salida. El mundo de mis ilustraciones está regido por la tensión pero sin estar definido completamente por ella. Intento llenarlo con energía potencial de cuerdas en tensión, sin saber si se romperá en algún momento o si sonará armónico. No es un lugar seguro. Se asemeja a la suave superficie del agua en la cual acecha la bestia. Lo hago de un modo casi inconsciente, surge de la percepción que tengo acerca del mundo. El fruto de aceptar que hay cosas que no se pueden cambiar es la calma. La preocupación de la incertidumbre e impotencia hacia una fe ciega. Pero también hay restos de esperanza, porque la gente, a pesar de todo, la mantiene. Esto se refleja en la forma. Me fascina la dureza de las estructuras naturales, su originalidad, la perfecta imperfección. Me gustan las arrugas, las grietas, las marcas por el paso del tiempo en las caras y objetos. Las formas inmaculadas parecen objetos sin historia, sin alma, vacías. Tus personajes tienen los ojos vacíos y tristes. ¿Por qué?

Puede que esto se deba a que sus ojos miran hacia el interior. Intento hablar de emociones, de una sensibilidad confrontada con el mundo exterior. Estos personajes no se comunican con el mundo, sino que se defienden ante él. Sus caras parecen máscaras o armaduras. Muchos de ellos están cerrados con fuerza, otros escondidos en algún mundo paralelo. Simplemente no encajan con la versión actual de la realidad. Por otro lado, mis personajes son, por lo general, auto-irónicos o grotescos, no se toman muy en serio. Este es otro método de defensa. Tus ilustraciones derivan en misterios indescifrables (personajes complejos, círculos infinitos…)

Sí, es un comportamiento innato. Aún hay mucha cultura folk en la región de mi madre. La gente que vive allí está acostumbrada a ver las líneas invisibles de la realidad. Pasé mucho tiempo ahí en la infancia e inconscientemente absorbí esta manera de pensar. Comprendo la realidad de un modo mágico. Como he dicho antes, odio lo literal. Adoro la subjetividad, la ambigüedad y la sutileza. Si la ilustración es solo un reflejo del texto entonces está muerta para mí. Una buena ilustración debe comprometerse en el diálogo con las palabras escritas, introduciendo en algún lugar su propia versión apocalíptica de los hechos. Constantemente evito la literalidad en mis diseños, dejando de lado los controles estrictos, haciendo que se descarríen y jueguen. Abro el contenido del subconsciente. Hablo con el dibujo, discuto con él, pero también, escucho lo que tiene que decir. Cuando uso símbolos, su sentido no queda claro inmediatamente, ni siquiera para mí. Empiezo a comprenderlo y a responder al dibujo. Me divierto si me sorprende. Soy feliz si el receptor hace algo parecido, si se molesta en leer, a su manera, la historia entramada. Cada dibujo tiene varias historias que contar.

¿Ves un mundo en blanco y negro?

No soy daltónico (risas). Me encuentro muy a gusto con los tonos grises. A veces trabajo con algo de color, pero siempre vuelvo al blanco y negro. No sé por qué pero a la hora de expresarme, es mi forma favorita. No me fío de los colores. En mis dibujos, siempre lo encuentro algo innecesario, redundante y deshonesto. Me siento cómodo en la propia limitación. ¿Cuál es la intención de tu discurso?

La intención es ser siempre honesto. No planeé dibujar cuadros oscuros. Intento expresar emociones básicas, las cuales me resultan difíciles de expresar de otras maneras. Hablo del humano, su soledad en este mundo ruidoso, su agotamiento, sus miedos, sus obsesiones y sus sueños ocultos. No me gustaría que mis obras fuesen tratadas como objetos de decoración para ser colgados en el salón, así que les privo de esta fácil atracción que distrae la atención del espectador. Las ilustraciones en blanco y negro dejan más lugar a la imaginación. ¿Crees que tus dibujos son un reflejo de ti mismo?

Sí, ¡por supuesto! No podría ser de otra manera. Puedo decir que la mayoría de mis dibujos son autorretratos en un sentido general. Al fin y al cabo, todo empieza en mi cabeza. Es el resultado de mi experiencia personal, la atmósfera de los sitios donde crecí, los cuentos que me contaba mi abuela, las vistas y la espiritualidad de Polonia que es de donde viene mi familia materna. Todos estos acontecimientos formaron mi sensibilidad, mi manera de pensar, mi pequeña naturaleza mística. Es de ahí de donde extraigo, instintivamente, los símbolos y señales. Mis dibujos son parte de mi alma. ¿Qué hay de real y qué de ficticio en tus obras?

Reales son las emociones. Todo lo que experimenta un ser sensible en contacto con la realidad. Vivimos en un mundo que va a toda prisa, nadie sabe ni cuándo ni dónde, todo tiene su precio, los contactos son superficiales y los sueños estandarizados, pero aún así, somos seres espirituales y emocionales. Puede que esto sea lo único que haya prevalecido. El terreno interior que me gustaría descubrir existe (espero). La ficción es el escenario, los trajes, las máscaras, solo es decorado, un fondo para el cuento. A primera vista, esta decoración llama la atención, pero no es lo más importante. Pienso que los espectadores lo notan. Tres adjetivos para describirte a ti mismo.

Impaciente, nada moderno, poco serio. Influencia política y social en tus ilustraciones. ¿Es posible?

En mis trabajos presto atención a todo lo que sea individual, personal e interior. Por supuesto, esto es en contraposición a todo lo que es social, organizado y oficial. Así que por lo visto mi corazón es anarquista. Si tuviera que buscar referencias políticas o sociales en mis dibujos, éstas serian la disconformidad hacia cualquier tipo de esclavitud que una comunidad impone a un individuo. En principio, no hay ninguna referencia directa a ninguna orientación política en mis dibujos. Se pueden sacar algunas conclusiones, indirectamente, por supuesto. La política y el arte no se llevan muy bien. Si tuviéramos que contar una historia sobre ti y tu trabajo, ¿el final siempre sería infeliz?

¿Realmente parezco tan triste? Creo que no. Siempre me alegro cuando alguien ve en mi trabajo algo de sentido del humor. Aunque mis personajes miren al espectador con un ojo que da miedo, con el otro le guiñan de manera jocosa. Nunca soy tan desesperadamente serio. Me gusta reírme de mi mismo al final. Y siempre guardo cierta distancia.

You’ve said that there are many ways to describe the world… which one have you chosen?

My own, of course! I believe that each person sees the world in his or her own way. This is not a choice. It is part of us, something that begins in childhood and grows with us. The way we describe the world is limited by our imagination, openness, and sensitivity. There is the world by Pedro Almodovar and then another, by Carlos Saura, and many, many others. None of these visions are more appropriate than the other. When I describe the world, I just try to be myself. The contents and the form of your illustrations are “calmly worrying”.

Indeed. I’m happy if this contradiction is visible. Literalness always depresses me; it is like a cage with no way out. The world of my illustrations is ruled by tension and not entirely defined by it. I try to fill it with the potential energy of taut string, without knowing if it will break in a moment or if it will sound harmonic. It’s not a safe place. It resembles the smooth surface of the water in which the unknown beast is lurking. I make it almost unconsciously. It just stems from my perception of the world. The calm comes from accepting the things that cannot be changed, the worry from uncertainty and powerlessness to blind fate. But there is also a little bit of hope, because people live with hope, in spite of everything. This is also reflected in the form. I am fascinated by the roughness of natural structures, their uniqueness, and their perfect imperfection. I like wrinkles, cracks, the traces of time on faces and other things. Spotless forms seem to be items without history, soulless, just empty. We notice that your characters have empty, sad eyes. Why?

Do you see a black and white world?

Physically, I’m not color blinded :). In my works, I feel very comfortable with grey shades. From time to time I do something in colors, but I always go back to black and white. I don’t know why, but it is my favorite form of expression. I do not trust colors. In my drawings it always seems to be something unnecessary, redundant, and dishonest to me. In self-limitation I feel comfortable. What’s your intention with this kind of work?

My intention is always to be honest. I did not plan to draw dark pictures. I try to express some basic emotions, which are hard for me to express in other ways. I’m talking about the human, his/her loneliness in the noisy world, their weariness, fears, obsessions, and hidden dreams... I would not want my drawings to be treated as a decorative gadget to hang in a living room, so I deprive them from this kind of easy attractiveness, which distracts the viewer’s attention. Black and white illustrations give more space for imagination. Do you feel that your drawings are a reflection of yourself?

Yes, of course! It cannot be another way. I can say that most of my drawings are self-portraits in a broad sense. It all starts in my head after all. It is the result of my personal experiences, the atmosphere of the places where I grew up, the stories that my grandmother told me and the landscape and spirituality of the eastern Poland, where my mother’s family comes from. All these events and places formed my sensibility, my way of thinking, and my slightly mystical nature. I have used symbols and signs instinctively since that time. My drawings are part of my soul. Which part is real and which is fiction in your work?

Perhaps this impression comes from the fact that their eyes are turned to the inside. I’m trying to talk about emotions, about sensitivity confronted with the outside world. These characters do not communicate with the world, but defend themselves against it. Their faces are similar to masks or armor. Some of them are tightly closed, others are hidden in some parallel world. They just don’t fit in the current version of reality. On the other hand, my characters are often auto-ironic or grotesque and they do not take themselves too seriously. This is another line of defense.

The emotions are real. All that a sentient being has experienced who is in touch with reality. We live in a world that is rushing, nobody knows where and why, everything has its price, contacts are superficial and dreams standardized, but we are still emotional and spiritual beings. Perhaps this is the only real thing we remain as. Inner lands which I would like to discover are real, I hope. Fiction is the scenery, the costumes, masks, and props, because it’s just decoration - background for the tale. On a first glance this decoration captures your attention, but it is not the most important. I believe that viewers feel it.

Your drawings become indecipherable mysteries (complex characters, infinite circles…).

If you had to describe yourself with three adjectives what would they be?

Yes, it’s instinctive behavior. In my mother’s home region, there is still much folk culture. People who live there are accustomed to seeing the invisible lining of reality. I spent a lot of time there when I was a little girl, and unwittingly absorbed this way of thinking. I understand reality in a magical way. As I said before, I hate literalness. I love subjectivity, ambiguity, and understatement. If the illustration is only a simple reflection of the text then it is dead for me. A good illustration must engage in a dialogue with the written word, smuggling somewhere its own apocryphal version of the tale. I consistently avoid literalness in my graphics, giving up the strict control, and letting them go astray and cavort. I open the contents of the subconscious. I talk with the drawing, quarrel with it, but I also listen to what it says to me. When I use symbols, their meaning is not immediately clear, even to me. I’m starting to understand it and respond to the drawing. I have fun if the picture surprises me. I’m happy if the recipient does something similar when he sees a picture, if he takes the trouble to read, in his or her own way, the tale recorded there. Each picture has many stories to tell.

Impatient, unfashionable, and unserious.

Political and social influence in your illustrations. How is this mix possible (if it is)?

In my works I pay attention to everything that is individual, personal, internal. This is of course in opposition to everything that is social, organized, and official. So it appears that in my heart I am an anarchist. If I were to seek political or social references in my drawings, this would be the disagreement between all forms of enslavement forced upon individuals by a community. In principle, there are no direct references to any political orientation in my drawings. Some conclusions can be drawn indirectly of course. Politics and art do not like each other too much. If we could tell a story about your work, would the end always be unhappy?

Do I really look so grim? I guess that is not so bad for me. I’m always happy when I hear that someone sees, in my work, a sense of humor. Although my characters peer in a scary way at the viewer with one eye, they also wink to them jokingly with the second. I am never so desperately serious. I really like to laugh at myself in the end. I always keep my distance.

gardenerism

tX lorena pedre

ARTE SOCIAL social art adam batchelor www.adambatchelor.co.uk La obra de Adam Batchelor destaca por su compromiso con la sociedad. Y es que cada uno de sus trabajos es una clara reivindicación de las injusticias sociales y una exploración del conflicto existente entre el hombre, sus creaciones y la naturaleza. Sus temas más recurrentes son el capitalismo y el consumismo, y la amenaza que ambos suponen para los derechos de los pueblos indígenas, el sector agrícola, la corrupción, la salud o la guerra. Una auténtica llamada de atención que pretende incitar a la reflexión y a la acción de cada uno de nosotros. Adam Batchelor’s work stands out for its commitment to society. In each of his works there is a clear vindication of social injustice and an exploration of the conflict that man faces between his creations and nature. His recurrent themes are capitalism and consumerism and the threat that they both pose to the rights of indigenous people, the agricultural sector, corruption, health, and war. It is a real wake-up call which seeks to encourage discussion and action in us all.

one percent

man eater

Tus trabajos están realizados con lápices mecánicos y otros de colores suaves, ¿por qué te decantas por estos utensilios?

¿Cuál fue tu primera experiencia importante en el mundo del arte y cómo supiste que estaba hecho para ti?

Mi primera exposición individual fue en un Centro de Arte en Norwich, una pequeña ciudad en el este de Inglaterra. El director me dio la oportunidad de compartir mis ideas, así que generé una gran colección que se dirigía y miraba hacia muchas cuestiones. Supuso un aprendizaje enorme para mí. Sin esa oportunidad no habría sido capaz de desarrollar mi trabajo para ponerlo a prueba frente a un público más amplio. Hacer arte y ser artista ha sido lo mío desde hace mucho tiempo, es en lo que he sido bueno desde que era joven, no puedo imaginarme haciendo otra cosa. ¿Te acuerdas de la primera pieza social que creaste?, ¿cuál era su mensaje?

Creo que hay algo increíble y especial en el uso de estas herramientas tan simples para realizar el trabajo que hago. El dibujo es un enfoque muy democrático del arte y a la gente de todo el mundo le encanta dibujar. Las ideas que transmito en mis obras son para que todos puedan pensar y discutir acerca de ellas, no hay elitismo involucrado, no importa quién eres o tu posición social o tus intereses, quiero compartir mi trabajo y las ideas con todo el mundo. Al trabajar de esta manera espero poder animar a más gente a hacer cualquier obra sobre temas sociales o simplemente difundir estas ideas y mensajes. Puede que al estar influenciados por un artista que también dibuja se sientan alentados a hacerlo ellos también. Espero poder contribuir a este movimiento de creación y discusión. Tus ilustraciones son detalladas, sin embargo, su tamaño es reducido, sueles dejar mucho papel en blanco, ¿cómo te ayuda esto a transmitir cada mensaje?

Creo que es un método muy eficaz para transmitir el mensaje de manera audaz y directa. No es en absoluto una idea nueva, hay muchos artistas que utilizan el espacio negativo para resaltar y contextualizar las ideas en su trabajo. Creo que lo mantiene conectado a la tierra en la práctica de dibujo y me permite concentrarme en una sola cosa, en lugar de tener que considerar el fondo también. Además también me ayuda a conceptualizar la idea en la materia.

Cuando volví del voluntariado de Nepal participé en una exposición en Londres que trataba sobre temas globales. Hice una serie de dibujos de la basura que se encuentra en las calles de una pequeña comunidad nepalí. No tienen un sistema de eliminación de residuos, ni personas que recojan los desechos, tampoco sistemas de alcantarillado. La basura se tira al suelo, se quema en la calle o se vacía en los ríos. Es un gran problema que quise compartir con otras personas. Solemos dar muchas cosas por sentado, y normalmente no pensamos en ellas más allá, pero en realidad la mayoría son increíblemente vitales y complejas. Aquí fue donde comenzó una nueva perspectiva en mi obra y a partir de ese momento he evolucionado mis ideas en este sentido.

Me gustaría hacer obras de arte que se detuviesen en un tema más concreto y poder examinar así determinadas cuestiones detalladamente. También quiero hacer piezas más grandes y otras mucho más políticas, creo que éste podría ser el siguiente paso.

Cada trabajo que realizas parece que cuenta una historia, ¿cómo la creas?

Tu trabajo es directo, invita a la reflexión, ¿crees que alguna de tus piezas ha conseguido cambiar algo?

Busco temas e ideas que me parecen importantes, invitan a la reflexión o tienen un interés especial para mí. Luego genero imágenes utilizando fotografías que de manera meticulosa recreo o modifico ligeramente con lápices mecánicos y lápices suaves de colores sobre papel de algodón de pH neutro. La narrativa es muy importante. La idea y el tema es más fuerte cuando una narración puede ser forjada en el dibujo. Por eso definitivamente me gustaría desarrollar más la narración de historias en mi trabajo.

Espero que sí. Algunas personas me han dicho que mi trabajo les ha hecho parar y pensar sobre la magnitud de las cosas. Mi intención es utilizarlo para hablar sobre el mundo que nos rodea e invitar a todos a expresar su opinión, creo que es algo muy importante. Yo sólo soy una persona que contribuye, pero cada vez hay más gente que quiere cambiar las cosas. Sólo haciéndolo juntos podemos conseguirlo.

¿Cuáles son las fuentes que consultas más asiduamente?

Colecciono revistas de National Geographic, tengo cientos, son un gran banco de imágenes. Además me mantengo al día de las noticias e intento mirar con frecuencia sucesos de todo el mundo, Al Jazeera es una fuente importante. También consulto webs como Survival International, que es una organización dedicada a proteger los derechos de los pueblos indígenas.

Intentas reflejar el conflicto entre la humanidad, la naturaleza y el hombre utilizando recursos como la imaginería pop o las cámaras de la serie Perpetuations, ¿con qué te reinventarás próximamente?

Vivimos dominados por las grandes empresas y los grandes mercados, ¿cuál crees que es la mejor arma que tienen los grupos sociales más desfavorecidos para luchar?

Las grandes empresas y los grandes mercados solo se preocupan por el lucro, no se detienen en ayudar a la gente o en mejorar sus vidas. La única manera de resolver este conflicto es a través de la comunicación y la organización. Tenemos que hacer saber a estas corporaciones y a los gobiernos que no nos controlan. ¿Cuál crees que es en estos momentos la mayor amenaza del capitalismo y el consumismo sobre nuestro mundo?

La apatía.

What was your first important experience in the world of art? How did you know it was for you?

My first solo exhibition was at an Art Centre in Norwich, a small city in the east of England, the director of the Art Centre gave me the opportunity to share my ideas and I created a large collection of work that addressed and looked at many issues. It was a massive learning curve, and I wouldn’t have been able to develop and progress without that chance to test out my drawings to a wider audience. I’ve known that making art and being an artist was for me for a long time now, it’s been the one thing I’ve been good at since I was young, I can’t really picture myself doing anything else. Do you remember the first social piece that you created? What was its message?

When I came back from volunteering in Nepal I took part in an exhibition in London about global issues, I made a series of drawings of rubbish found on the streets of a small community in Nepal. Nepal has no waste disposal system, no bin men, no sewer systems, nothing like that, rubbish is either thrown on the floor, burnt on the side of the street or emptied into rivers; it’s a big problem and I wanted to highlight and share this with other people. We’ve learnt to take these things for granted, and sometimes we don’t think about them anymore, but they are in fact incredibly vital and complex. This was the start of a new outlook on my artwork and I developed my ideas from this. Every work that you make seems to tell a story. How do you create it?

I research certain subjects and ideas which I think are important, thought-provoking or of a special interest to me and then create imagery using appropriated photographs that I either meticulously recreate or alter slightly using mechanical pencils and soft coloured pencils on pH neutral cotton paper. Narrative is really important and I

feel that the idea and subject is strongest when a narrative can be forged from the drawing. I think it conveys more meaning to the viewer and story-telling in my artwork is definitely something I would like to develop further. Sources are very important in your work. Which do you consult more regularly?

I collect National Geographic Magazine, I’ve got hundreds, they are a great source of imagery. I keep up to date with the news and try to look at global news frequently. Al Jazeera is a great source. I also consult websites such as Survival International which is an organisation dedicated to protecting the rights of indigenous peoples. Your works are created through the use of mechanical pencils and soft colour pencils. Why do you choose these utensils?

I believe there is something amazing and special about using such simple tools to create the work I make, drawing is a very democratic approach to making artwork and everyone around the world loves to draw. The ideas I talk about in my artwork are for everyone to discuss, there is no elitism involved, no matter who you are or your social standing or interests; I want to share my artwork and ideas with everyone. By making work this way I hope I can encourage more people to either make artwork about social issues or just simply spread these ideas and messages. I was encouraged by influences from other artists who draw as well. I hope I can contribute to this ongoing movement of creation and comment. You produce your illustrations with a great amount of detail, reducing the size to leave a lot of empty space on the paper. How does this help you to transmit every message?

I think it’s a very effective approach in delivering the message in a bold and direct way. It is by no means a new idea and there are many many artists using negative space to

carrier

highlight and contextualise ideas in their work. I think it keeps it grounded in the drawing practise and allows me to concentrate on just one thing, instead of having to consider the background as well, I think it also helps me to conceptualise the idea in relation to the subject matter. You try to reflect the conflict between humanity, nature, and man using resources such as pop imagery or the chambers of your Perpetuations series. What is going to be your next step to reinvent yourself?

I would like to make artwork that focuses on a more particular subject so I can really examine very detailed issues. I want to also make larger artwork and more political work, I feel that this could be the next step for me. Your art is direct and invites people to reflect. Do you think you have made a change somehow through your work?

I hope so, I’ve had many people who have said to me that my work has made them stop and think about things. I want to use my work to talk about the world around us and invite everyone to have their say. I think that’s very important. I am just one person contributing, it takes more and more people to change things and we can only do it if we do it together. rhino

We live dominated by the big companies and markets, from your point of view what is the best way for the disadvantages social groups to combat it?

Big business and big markets only care about profit, they don’t care about helping people or improving their lives, and the only way to solve that is through communication and organisation, we have to let these corporations and governments know that they don’t control us. What do you think is currently the main threat of capitalism and consumerism on our world?

Apathy.

sensacionalism

“Tenemos que hacer saber a estas corporaciones y a los gobiernos que no nos controlan.” “We have to let these corporations and governments know that they don’t control us.” 63

TOMMY GUERRERO www.tommyguerrero.com

skatewarrior

Tx Alina Lakitsch

Mediaban los setenta y un niño de nueve años se subía por primera vez a una tabla de skate para deslizarse por las colinas de su barrio. Adrenalina, velocidad y los chicos de Dogtown en el imaginario. Luego llegaron los ochenta, la portada en Thrasher Magazine y un vídeo por año. Entonces el niño se hizo grande y se volvió leyenda. Hablamos de Tommy Guerrero, uno de los riders de la Bones Brigade que también es un melómano empedernido, músico instrumental y ya no tiene ganas de hacerse daño patinando. Nos citamos con él en la House of Vans durante la pasada edición de Bright Tradeshow. In the mid 70s and a 9-year-old boy first took to his skateboard and glided down the hill in his neighbourhood. Adrenaline, speed, and the Dogtown boys in the back of his mind. Then came the 80s, the cover of Thrasher Magazine, and a video a year. So the child grew up and became a legend. We’re talking about Tommy Guerrero, one of the Bones Brigade skaters. Also an avid music lover, an instrumental musician and a guy who has no desire to hurt himself skating anymore. We met him at the House of Vans during the last edition of Bright Tradeshow.

Crecí en San Francisco, la ciudad que una vez un escritor describió como un pequeño pedazo de Europa en América. Y así es, pienso que es una de las ciudades más progresistas y con más diversidad y visión de futuro de los Estados Unidos. Sin embargo, me es difícil describir cómo fue vivir mi niñez allí, porque San Francisco es básicamente mi casa. Mi hermano y yo pasábamos gran parte del tiempo solos, porque mi madre trabajaba fuera. Éramos niños muy independientes, he aprendido mucho sobre mí mismo. Me metí en esto del skate en 1975. A un amigo le regalaron una tabla y no le gustó, así que me la dio. Y justo en ese momento yo vivía en una colina. Imagínate, un niño de nueve años con un skate en una colina. ¡Me quedé completamente enganchado! Y aunque geográficamente San Francisco es una ciudad muy pequeña, se convirtió en el epicentro mundial del skate en colinas. Fue la revista Thrasher la que la puso en el mapa. En este sentido, el paisaje y el entorno cultural de esa ciudad han jugado un rol importante en mi vida y en mi carrera. La diversidad y el hecho de que haya tantos pioneros allí del mundo del arte y la cultura me ayudaron a forjarme una identidad y a entender que el mundo es un lugar mucho más grande que mi país. En cuanto al skate, mi hermano, algunos amigos y yo, fuimos los primeros en la ciudad. Yo no había visto a otro skater en mi vida hasta que me topé con una tabla. Pero fue realmente a través de las revistas que fuimos conociendo a los pros de esa época: Tony Alva, Jay Adams y Stacey Peralta, todos los chicos de Dogtown que admirábamos. Poco después (aunque ya hace mucho tiempo), me hicieron mi primera foto para una revista. Y fue para Thrasher Magazine, que para nosotros era como la Biblia, nuestra religión, si estabas en la portada de Thrasher ya no te podía pasar nada mejor que eso. Fue un gran honor, aún a día de hoy estoy muy agradecido por aquella foto, me dio un nombre y un lugar en este ambiente. Hablando de nombres, es curioso cómo tus héroes se transforman en tus compañeros con el tiempo. En ese sentido, te vuelves contemporáneo, pero más como amigos, como pares, porque ellos respetan lo que has hecho. Es curioso, mis amigos son mis héroes. En el documental Bones Brigade: An Autobiography nos reunimos algunas grandes leyendas del skate para mostrar los orígenes de esta cultura. Fue Lance Mountain quien promovió la realización de la película, y quien empujó a Stacey Peralta, que no quería hacerla. Así que tuvimos un par de reuniones y todos estuvimos de acuerdo en que sería algo genial estar involucrados y promover la cultura del skateboard lo mejor que pudiéramos. Hicimos algunas entrevistas, pero yo no tenía ni idea del resultado final, ni siquiera vi ninguna de las ediciones en bruto. No supe nada

de la película hasta que se presentó en el Sundance Film Festival y la miré en una sala repleta de gente. Fue bastante esclarecedor, porque no sabía nada de las otras historias. Y todo fue hace tanto tiempo que casi me siento fuera de ese momento. Es como ver la vida de otro. Es cierto que por ese entonces fui un pionero del street style skateboarding y sé que he influido en las nuevas generaciones de skaters. Es difícil saberlo, pero creo que eso puede deberse a mi estilo, producto de haber crecido en San Francisco y de la adaptación a ese entorno montañoso. Mis amigos y yo crecimos haciendo skate cuesta abajo, y eso implicaba velocidad. Así que cuando patinábamos en concursos o en cualquier sitio, siempre lo hacíamos rápido. Lo que había entonces era un montón de gente haciendo trucos, aunque muy lentamente. En cambio, a nosotros nos gustaba hacer esos mismos trucos, pero con más velocidad y gracia. Así que pienso que quizás la gente me asocia con un estilo más fluido patinar, que viene con la velocidad y el movimiento. La esencia del skateboarding es siempre la misma. No creo que haya cambiado mucho desde sus inicios hasta la actualidad. Es pura diversión. Además de skater, también soy músico. Hago música desde que tenía doce o trece años. Empecé con mi hermano metiéndonos en el punk-rock, luego, en los 90, comencé a hacer mis primeras cosas en solitario -principalmente ritmos hip-hop-, hasta que finalmente me pasé a la música instrumental. Comencé a grabar alrededor de los 19 años por necesidad, porque estaba muy ocupado viajando con el skate. Pasaba fuera la mayor parte del año, por lo que tenía que crear música por mí mismo. Y fue esa ética DIY tan propia de la cultura skater la que influyó en mi música. Porque creo que ésa es justamente la belleza del street skateboarding. Es lo mismo que ser un músico solista. Es imposible estar en un grupo para mí, pero reconozco tiene su lado bueno, sobre todo la interacción con los otros músicos. Es como una sesión de skate, como tener una conversación con amigos, otro modo de interactuar, y eso es realmente genial. Sí, definitivamente creo que hay algo con el skate y el arte que hace que muchos optemos por hacer las dos cosas. Es una especie de liberación creativa. La música puede ser física también, y muy exigente, pero no tanto como el skateboarding. Los riders son personas creativas y, de algún modo, siempre lo serán. Da igual si se trata de artes visuales, música, escritura o skateboarding; es solo otra manera de expresarse y de exorcizar los demonios que necesites exorcizar. En mi caso, mi proceso creativo en lo musical tiene mucho que ver con el momento que estoy viviendo. La mayoría de los artistas hacen demos, etc., pero yo no. Solo hago música y eso es todo. Lo que se escucha es lo que he grabado en ese momento.

No hay nada antes de eso. Es lo que es, algo muy espontáneo. En cuanto a mis proyectos, el año pasado lancé un álbum en Japón y voy a relanzarlo para los Estados Unidos y el resto del mundo, probablemente en verano, aunque será una versión diferente al primero. ¿Que qué prefiero, una gira musical o un road trip de skaters? Bueno, la música es menos dolorosa. Hace poco tocamos en The Berrics, un nuevo skatepark cubierto en Los Ángeles y no llevé mi tabla. Sólo tenía conmigo mi clásico par de VANS Slip-On, pero yo era un skater en una pista de skate y eso es como una droga, no puedes resistirte. Así que me subí a una tabla prestada y me hice daño en el talón. Ahora estoy solo un 80% recuperado. Ya no tengo ganas de hacerme daño, aunque los road trips son muy divertidos. Por lo general suelo patinar los fines de semana, con mi hijo, que me ha hecho volver a este mundo más intensamente. ¿BIG? Mmmm, lo que viene a mi mente cuando oigo esta palabra es “problema”, “grandes problemas”. Prefiero pensar en pequeño.

I grew up in San Francisco, the city that once a writer described as a little piece of Europe in America. Because of this, I think it’s one of the most diverse, forward thinking, and progressive cities in the States. However, it’s hard to describe how growing up was there, because to me it’s just my home. I guess it was like anyone growing up in an urban city. Me and my brother were very much on our own a lot of the time because my mom would work. We were very independent kids, I learnt a lot on my own. I got into skateboarding in 1975. A friend got given a skateboard and he didn’t like it, so he gave it to me and, at that point, I lived on a hill. So, imagine, a nine year old boy with a skateboard on a hill, I was completely hooked! Although San Francisco is geographically a very small city, I think it became the world’s epicentre for hill skating. Thrasher Magazine really put it on the map. In this sense, the landscape and the cultural environment of San Francisco have played an important role in my life and career. The diversity and the fact that there are so many pioneers in the art world and culture helped me to forge an identity and to understand that the world is a much bigger place than America. As for skateboarding; me, my brother, and some friends were the first skaters in the city. I had never seen another skater in my life until I stepped on a skateboard. But it was really through the magazines that we saw the pros of that time: Tony Alva, Jay Adams, and Stacey Peralta - all the Dogtown boys who we looked up to. Soon after (but a long time ago), I got my first picture in a magazine.

It was in Thrasher Magazine, which for us was like the bible. It was our religion and so to get the cover of Thrasher, well you couldn’t get bigger than that. It was such an honour. Still to this day I’m extremely grateful for that picture, it gave me a name and a place in this environment. Speaking of names, it’s funny how your heroes become your compatriots throughout time. You become contemporaries in that sense. More like friends, equals, now they respect what I’ve done. In the documentary Bones Brigade: An Autobiography, all these great legends of skateboarding and I, have gathered to show the beginnings of this culture. It was Lace Mountain who instigated the making of the film, and who pushed Stacey Peralta to do it, because he didn’t want to. We had a couple of meetings and we all agreed that it’d be something cool to be involved in, and that we’d promote it the best we could. We did some interviews, but I had no idea what the end result of the film was going to be, I hadn’t seen any of the rough edits. I hadn’t even seen the film until it went to Sundance Film Festival and I watched it with a whole audience of other people. It was really enlightening because I didn’t know all the other stories. It was so long ago that I almost feel removed from that time. It’s like watching someone else’s life. By that time I was a pioneer in street style skateboarding and influencing new generations of skaters. It’s hard to say but I think it’s just through my style of skating, which came from growing up in San Francisco and adapting to the hilly surroundings. We grew up skating down hills and that meant you skated fast. So whenever we would skate contests or anything, we always skated fast. You’d see a lot of people doing tricks but going slow. We’d try and apply them more with speed and grace. So I think people kinda remember me for a more fluid style of skating which comes with speed and movement. The essence of skateboarding is always the same. I don’t think it has changed a lot from its inception until now. Everyone still has fun. But besides skating, I’m a musician. I’ve been playing music since I was twelve or thirteen. Me and my brother started making punk rock music a long, long time ago and it just progressed from there. Then it progressed to me doing my solo stuff in the early 90s when I was making hip-hop beats, and then onto instrumental music. I started recording around the age of 19 out of necessity because I was so busy travelling for skateboarding. I couldn’t be in a band because I was gone most of the year. Therefore, I needed to create music myself. It was the D.I.Y ethic of doing it yourself of skate culture which influenced my music. I think that’s the beauty of street skating. It’s the same with being a solo musician. It’s impossible to be in a band for me, but it has its good side, like interacting with the other musicians. It’s similar to skating in the sense that it’s like having a session or having a conversation with your friends. It’s another way to converse, and that’s really cool. I think there’s something about skateboarding and the arts which attracts people to do both. It’s a creative release. I think maybe skaters gravitate towards music but there’s a lot of visual artists too. Though not quite like skateboarding, music can too be a very physical thing, and very demanding. Skaters are creative people, and they’re always gonna be creative in some way. Whether it’s visual art, audible art, written art, skateboarding; it’s just another way to express yourself and to exorcise whatever demons you need to exorcise. In my case, my creative process of music making is very spur-of-the-moment. Most artists make demos, etc., but I don’t do this, I just make music and that’s it. What you hear is what I recorded at that time. Just last year I released an album in Japan and I’m gonna rerelease it for the U.S. and the rest of the world maybe in the summer but it’s gonna be a different version of the record. Which is better for me, a music or a skate road trip? Music is less painful. We played at The Berrics, a new indoor skate park in L.A., I didn’t bring my board and only had my Slip-On Vans but I was a skater at a skate park and it’s like a drug, you can’t resist. So I skated and I hurt my heel. I’m still only about 80% recovered. Skating is a lot more painful and I don’t really feel like getting hurt anymore. Road trips are really fun though. I usually skate on weekends with my son. He got me back into skating more. BIG? The thing which comes to my mind when I hear this word is “trouble”. Big trouble. I like to think small, I don’t like to think really big.

EL ALQUIMISTA THE ALCHEMIST tX Ane Pujol

Ian Ruhther www.ianruhter.com Las cosas más grandes de nuestra vida a veces aparecen por casualidad, sin esperarlas, y cuando las encuentras pasan a formar una parte de ti. No puedes vivir sin ellas porque tú eres ellas, y vives a través de ellas. Algunos tienen la suerte de encontrar ese motivo pronto; otros no llegan a encontrarlo nunca. Ian Ruhther (Los Angeles) es de los afortunados. Encontró su voz a través de la fotografía y descubrió aquello que perseguía en sus sueños. Entonces se convirtió en Alquimista. The biggest things in life sometimes show up by chance, when you least expect them, and when you find them, they become a part of you. You can’t live without them because you are them; you live through them. Some people are lucky enough to find their motive early in life. Others never get to find it. Ian Ruhter (Los Angeles) is one of the lucky ones. He found his voice through photography and he discovered it through pursuing his dreams. Then he became an Alchemist.

La fotografía es mi voz La alquimia es una parte principal dentro del proceso del colodión húmedo. Esta es una razón por la que me refiero a mí mismo como Alquimista. Pero el motivo principal es que la lectura del libro El Alquimista me inspiró profundamente. Es una historia sobre cómo perseguir tu destino. Cuando empecé con la fotografía pensaba que solo sería un hobby, pero me di cuenta de que era mucho más potente. Fue la primera vez que sentí que tenía una voz. Era La Pieza que había estado buscando toda mi vida. Ahora llevo trabajando como fotógrafo durante diez años.

Las imágenes se convierten en una parte de mí Empecé a emplear el proceso del colodión húmedo hace tres años. Estaba buscando un tipo de película que me encantaba y descubrí que ya no existía. Precisamente este proceso me permite crear película a partir de materias primas. Después de aprender esta técnica me di cuenta de que nadie podría arrebatarme lo que había estado buscando siempre. El proceso del colodión húmedo funciona vertiendo el líquido de película en una superficie de metal o cristal. Entonces se sensibiliza la placa y una solución de plata. Después de la exposición, se revela y se fija. Una de las mayores dificultades que encontré trabajando con las placas húmedas es ser paciente. Lo que más me gusta de trabajar con este medio es que tengo la posibilidad de crear imágenes únicas, que no pueden ser duplicadas. Al elaborarlas con tus manos, cualquier pequeño movimiento cambia el resultado final. Las imágenes se convierten literalmente en una parte de mí. Además, la plata refleja la luz de una manera que no consigue otro tipo de fotografía.

A las sesiones me acompaña un camión, al que me refiero como la Máquina del Tiempo Me permite viajar de la manera que hago en mis sueños. Puedo experimentar el mundo de forma muy diferente a la vida real. No es una cámara obscura, es de hecho una verdadera cámara con lente, y tiene los mismos movimientos que una cámara de gran formato. Es tan grande que incluso pude poner el cuarto oscuro dentro de ella. Otra nota interesante es que cuando estaba imaginándome cómo hacer que todo funcionara, se me ocurrió una idea que lo hizo posible: yo mismo debería convertirme en parte de la cámara. Mis manos y mis pies son como las piezas que se mueven dentro de una cámara. Mi cerebro es el ordenador.

Viajar y aprender sobre el significado de la vida También he usado alguna vez una cámara Holga para tomar imágenes. Fue muy divertido y me gustó cambiar un poco y no usar el camión todo el tiempo. A parte de fotos también hago vídeos ahora, empezamos grabando la creación de la Máquina del Tiempo, y parece que poco a poco se está convirtiendo en una manera de documentar nuestros viajes y mi vida. De momento sigo trabajando en el proyecto Silver & Light. Nuestro objetivo es viajar y aprender sobre el significado de la vida. Estoy absolutamente convencido de que éste es mi proyecto más grande.

Photography is my voice Alchemy is a major part of the wet collodion process. That is one reason why I refer to myself as an Alchemist. But the main reason is that in reading the book The Alchemist I was inspired deeply. It is a story about how to pursue your destiny. When I started out in photography I thought it was just a hobby, but I realized that it was much more powerful. It was the first time I felt like I had a voice. It was the missing piece I had been looking for my whole life. I have now been working as a photographer for the past 10 years.

The images become a part of me I started using the wet plate collodion process three years ago. I was looking for a type of film that I once loved and realized it no longer existed. Precisely this process allows me to make film from raw materials. After I learnt this technique I realized no one could ever take away what I had been looking for forever. Currently, I am focused on wet plate collodion photography. The process works by pouring a liquid film onto a metal or glass surface. Then you sensitize the plate and a silver solution. After exposure, you reveal and fix it. One of the major difficulties I encountered working with wet plates is to be patient. What I like about working with this medium is that I have the ability to create unique images which cannot be duplicated. By developing them with your hands, any small movement changes the outcome. The images literally become a part of me. In addition, the silver reflects light in a way that no other photograph achieves.

I go to the sessions with a truck, which I refer to as the Time Machine It allows me to travel the way I do in my dreams. I can experience the world very differently from real life.Â It is not a camera obscura. In fact it is a camera with a lens and it has the same movements as a large format camera. The camera is so big that even I could be put inside of it. Another interesting note is that when I was figuring out how to make it all work, I had an idea that made it all possible. I, myself, should physically become part of the camera. My hands and feet are like the moving parts inside the camera, my brain is the computer.

Travel and learn about the meaning of life I have also sometimes used a Holga camera to take photos with. It was fun and I liked to change things up and not use the truck all the time. Aside from photos, I also make videos now, we started recording the creation of the Time Machine, and it seems that that is slowly becoming a way to document our travels and my life. At the moment I am working on the Silver & Light project. Our goal is to travel and learn about the meaning of life. I am absolutely convinced that this is my biggest project.

CRUISY DAY

Beanie Fallen / t-Shirt Brixton

Photographer: Adrian Morris / www.thisismowgli.com 路 Models: Th茅o De Gueltzl & Lydia Graham / Models 1 UK 77

Lydia: Beanie Fallen / t-Shirt Brixton / Shorts RVCA / Socks Stance 路 Theo: Button-Up Vans / Pants Quiksilver

Lydia: Beanie Fallen / t-Shirt Brixton 路 Theo: Beanie Obey / t-Shirt Brixton

Lydia: Beanie Obey / Jumper Brixton / Pants RVCA 路 Teo: Jacket Brixton / Button-Up Quiksilver / Pants Scotch & Soda / Bag Quiksilver / Shoes DVS

Lydia: Hat Brixton / Jumper Brixton / Pants RVCA / Shoes Converse 路 Teo: Jacket Brixton / Button-Up Quiksilver / Pants Scotch & Soda / Shoes DVS

Lydia: Beanie Fallen / t-Shirt Brixton / Pants RVCA / Shoes Vans 路 Theo: Button-Up Vans / Pants Quiksilver / Shoes DVS

STOCKLIST: Obey www.obeyclothing.com / Brixton www.brixton.com / DVS www.dvsshoes.com Quiksilver www.coffinoncake.com / Vans www.vans.es / Converse www.coffinoncake.com Scotch & Soda www.scotch-soda.com / Fallen www.coffinoncake.com / Stance www.stance.com / RVCA www.rvca.com

Grotescas mafias para grotescas ciudades grotesque mafias for grotesque cities Anton Kusters antonkusters.com

Tx InĂŠs TroytiĂąo

Parece mentira, pero es lo que hay. Los tiempos son los tiempos y corren tan deprisa como la palabra que los define de forma original. Cuando hablamos –una vez más- de fotografía, lo hacemos de múltiples disciplinas, ya sabéis, la parafernalia de las mil técnicas, el color o el no color, etc. La temática, el mensaje, la elección del mismo o de su ausencia. Hay diferencias marcadas que cohabitan de forma explícita en el arte de fotografiar pero que, aun así, permiten la existencia de la categorización dentro de este arte. El photoshop, visto como algo que altera la realidad, se convierte en eje elemental en la categoría de fotografía fantástica. El uso menguante del mismo programa hace que cada negativo haga de su imagen una realidad palpable –estaríamos hablando, entonces, de una categoría realista de la fotografía-. Anton Kusters puede encasillarse –en parte- dentro de la última categoría que, sin duda alguna, roza más la realidad que la ficción. Por muchas que sean las veces que se han podido enmarañar las dos cosas. Yakuza es un proyecto que entraña las contradicciones vitales de cualquier mafia en general tratando la japonesa en concreto. El resultado de varios años de negociaciones para penetrar en el corazón de una familia inaccesible al público e intocable para cualquier mortal japonés que se precie. Son los mandos de control de un tokio corrupto, y Anton, junto su hermano Malik, le echan un par para ser los primeros forasteros en entrar en el núcleo de los Yakuza. No son solo realidades sino también las sutilezas que emanan de llevar una vida partida en dos, entre la moralidad y la no moralidad, las crisis de valores y las grandes familias corruptas que campan a sus anchas imponiendo su realidad como máxima es lo que penetra por los poros del espectador a partir del trabajo de los hermanos, una sinergia exitosa para enseñar al mundo que no es oro todo lo que reluce.

When we talk about photography we refer to multiple disciplines and thousands of techniques. The use of colour, the theme, and the message are all the result of choices made by the photographer. There are extreme contrasts which coexist within the world of photography, but these differences allow for categorization within this medium. Photoshop, seen as something which alters reality, has become an elemental focus in the category of fantasy photography. The declining use of this programme means that every imperfection makes your photo seem more real and is categorised as photographic realism. Anton Kusters is most definitely in the latter category. He is certainly more preoccupied with realism than fiction, although he sometimes mixes the two. Yakuza is a project which combines the contradictions associated with the Mafia and traditional Japanese society. It is the result of several years of negotiations which have made it possible to enter into the heart of an inaccessible family who are virtually untouchable to any normal Japanese person. They are the ones who are in control of a corrupt Tokyo, and Anton, together with his brother Malik, have taken a risk to become the first outsiders to penetrate the core of the Yakuza. His photographs show not only facts but also nuances that come from a life split in two; morality and immorality. They show a crisis of values in this corrupt family who do as they please, imposing their presence. The images most definitely have a powerful impact on the viewer. The work demonstrates a successful synergy; it shows a world where all that glitters is not in fact gold.

¿Quién es Anton?

¿Qué reacción esperabais por parte del grupo mafioso?

Anton es un fotógrafo especializado en proyectos a largo plazo. En este momento de su vida, siente que la fotografía y las palabras le permiten expresar de la mejor forma las historias que quiere explicar. Eso puede cambiar en el futuro, pero ahora Anton se divierte con la fotografía.

Yo esperaba mucha violencia pero no fue así, viven más que con una violencia abierta con una presión invisible, ya que deben atender a unas reglas estrictas bajo el paraguas de una interacción social delicada.

¿Por qué Japon?

Primero porque mi hermano vive allí con su familia. Y también porque estoy intrigado por su aparente cultura introvertida y sus delicadas interacciones sociales. ¿Por qué la mafia?

Quería entender la dificultad de esta subcultura criminal en Japón, de sus miembros, que viven con un pie fuera de la sociedad y otro dentro. ¿Cuando te empezó a interesar la corrupción social como temática fotográfica?

No estoy interesado en la corrupción social per se. Estoy interesado en la cultura y la subcultura y tuve la oportunidad de experimentar el interior de una subcultura criminal en Japón. ¿Por qué ellos, los Yakuza?

Porque uno de sus miembros entró en el bar donde yo estaba con mi hermano. Su apariencia nos intrigó y decidimos intentar entender por qué los Yakuza tienen esta especie de extraña posición en la sociedad japonesa, no están escondidos, pero al mismo tiempo, tampoco visibles. ¿Cuánto tiempo pasó desde que os planteasteis la idea hasta que empezasteis a llevarla a cabo?

Desde que lo pensamos hasta planearlo transcurrieron solo diez segundos. Mi hermano y yo nos miramos el uno al otro y lo decidimos inmediatamente. Pero desde que lo planeamos hasta que pudimos ejecutarlo estuvimos diez meses negociando y construyendo nuestra credibilidad y aceptación con los Yakuza. ¿Qué se necesita para realizar un proyecto fotográfico de esta magnitud?

Lo más importante es paciencia, apertura, disponibilidad para entender al otro y ser claro en la historia que deseas contar. ¿Es un proyecto tuyo o podemos incluir a tu hermano en los resultados del mismo?

Él está íntimamente involucrado ya que negoció la confianza que los Yakuza pusieron en mí para que pudiera fotografiarlos, durante todo el tiempo él se responsabilizó de mi seguridad. Por supuesto, durante el proyecto hablamos mucho, pensando en lo que estaba pasando o lo que iba a pasar y sobre la dirección que la historia podía tomar. Sin él nunca hubiera podido realizarlo. Sin él, nunca hubiera querido hacerlo

“El tatuaje es algo más que presente y convive con el smokin.”

Los trajes que visten los Yakuza tienen su origen en un deseo de integrarse en una sociedad como miembros activos, emplean mucho tiempo en su aseo personal, seleccionando cuidadosamente su atuendo. Los tatuajes se introdujeron como un estigma cientos de años atrás y poco a poco se han convertido en una marca de unidad de los Yakuza. Cada tatuaje es personal y está lleno de significado para el que lo lleva. Normalmente se hacen de la forma tradicional.

Yakuza no un proyecto periodístico, sino un documento personal.

Cuando empiezas un trabajo, sueles tener un mensaje que dar al espectador, en este caso, ¿cuál era?¿ Qué era lo que querías decir?

Mi mensaje inicial fue intentar aprender acerca de los Yakuza sin prejuicios, también mostrar mis propios sentimientos en las imágenes a medida que avanzaba en el proyecto. Dejé muy claro que no era un proyecto periodístico, sino un documento personal. Hacer un libro con la recopilación de vivir vidas ajenas ¿Para qué?

Porque quiero aprender del mundo, de la gente, de las culturas y de las subculturas. Cuando lo presentas, ¿cuáles son las reacciones? ¿Son las esperadas o hay alguna que otra sorpresa?

Las reacciones del público han sido muy positivas. Ha supuesto un gran avance en mi carrera como fotógrafo y estoy muy agradecido de que los editores me hayan dado la oportunidad de publicar un libro, entendiendo que se trataba de un proyecto de arte, de una historia personal. ¿Te someterías a otra experiencia parecida?

Me gustaría repetir una experiencia similar, pero no centrándome necesariamente en el mismo tema. He fotografiado a los Yakuza por dos años. Mi vida es corta y hay muchos otros proyectos hermosos que quiero hacer, completamente diferentes pero igual de importantes para mí. Cuéntanos sobre ellos.

He empezado dos nuevos proyectos. El primero se llama “Heavens”, en él trato de comprender la gravedad y la injusticia del Holocausto en la Segunda Guerra Mundial. Es muy conceptual, consiste en captar imágenes de los cielos. El segundo es “Dislocate” y aquí trato de entender al homeless explorando la sensación de no tener un hogar de verdad. A modo de conclusión: uso la fotografía como una forma de reflexionar y entender las cosas en mi vida y para contar mi historia a los demás.

Who is Anton?

What was your brother’s reaction to your idea?

Anton is a photographer specializing in long term projects. At this moment in his life, he finds that photography and words allow him to express the stories that he wants to tell in the best way. But that might change in the future. Though right now, he is having fun being a photographer.

We had the idea together, and we decided to do the project together immediately, like two brothers who are curious about learning a new subculture, something unknown to us.

Why Japan?

Japan because first of all my brother lives there with his family. And also I am intrigued by the apparent introvert culture of Japan and the delicate social interactions. Why mafia?

I wanted to understand the difficulty of this criminal subculture of Japan; the members who live with one foot outside society, and one foot inside. When did you start being interested by social corruption in photography?

I am not interested in social corruption per se. I am interested in culture and subculture, and this time I had the chance to experience the inside of a criminal subculture in Japan. Why them, I mean, The Yakuzas?

Because a Yakuza member walked into the bar where I was with my brother. His appearance intrigued us and we decided to try and understand why the Yakuza has such a strange position in Japanese society; not hiding, yet, not visible at the same time. How long did it take to think of the project and how long was the planning process?

From thinking to planning was only 10 seconds... My brother and me looked at each other and we decided immediately. But from planning to execution was 10 months. We needed to negotiate and build trust and acceptance. What do people need to start such a project?

Most of all patience, openness, and a willingness to understand the other, and being clear in the story you wish to tell. Is your brother very involved?

He is intimately involved as he is the one who negotiated the trust for me so that I would be able to photograph... and at all times he was responsible for me and my safety. Of course, during the project, my brother and me talked always, thinking about what was happening or what was going to happen, and in which direction the story would evolve. Without him, I would have never been able to do the project. Without him, I would never have wanted to do the project.

What did you expect from The Yakuzas?

I expected a lot of violence but instead I learned that there was not so much “overt” violence, but much more invisible tension and pressure, and that they live by strict rules with delicate social interactions. Tatoo vs. Suit. Anything to say about it?

The suits they wear originate from wanting to integrate into society as upstanding members, so the Yakuza take care to always groom themselves and dress in suits. The meaning of the tattoo originates as a stigma several hundred years ago and has slowly become a mark to unite the Yakuza. Every tattoo is personal and full of meaning to the bearer and are usually made in a traditional way. When you begin a work, it tends to have something to say, a message. Was there, in Yakuza, a message?

My initial message to the viewer was that I started to learn about the Yakuza but without prejudice, and that I try to show my feelings in the images as I go along. I made it clear that it was not journalistic but a personal diary, a personal documentary project. Any reason for making a book about foreign lives?

Because I want to learn about the world, the people, the cultures, the subcultures. I want to try to understand. What was the public reaction?

Public reactions have all been extremely positive, and I am very glad about that. It has been a breakthrough for me as a photographer, and I am very grateful that the many photo editors gave me a chance to be published, and that they understood that this was an art project, a personal story. Would you repeat a similar experience?

I would like to repeat a similar experience, but not necessarily a similar subject. I have now photographed the Yakuza for 2 years, my life is short, and there are many more other beautiful projects that I want to do, that are completely different but equally important to me. Do you have any projects in mind?

I am now doing two new projects: The first project is called “Heavens”, where I try to understand the weight and the unbearable injustice that happened during the Holocaust in the second world war. This is a very conceptual project which involves pictures of the heavens. The second project is called “Dislocate” and here I try to understand and explore the feeling of being homesick, the feeling of not having a real home. As a conclusion: I use photography as a way for myself to think about and understand things in my life, and to tell my story to others along the way.

Yakuza was not a journalistic work, but a personal diary, a personal documentary project.

Los Yakuza viven m谩s que con una violencia abierta con una presi贸n social invisible. The Yakuza live more with an invisible social pressure than with an open violence.

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Tx Xavi Ocaña

Tiziano Angri piccolaunitadiproduzione.blogspot.com.es

bizarro entra mejor Bizzarre fits better El tamaño. Cuántos ríos de tinta (y de otros líquidos igual de respetables) habrá hecho correr el tema. Seguramente, tantos como sangre se pierde en una relación. Lo grande no tiene por qué ser proporcional a la intensidad o la calidad, pero si tuviésemos que agrandar algo, por probar (quién sabe si tendríamos suerte y crecerían a su vez otras cosas), superando cualquier respuesta fácil, lo mejor sería tener la cabeza grande. Bien grande. Gigante. Tanto como para que el corazón fuese un mero juguete. Como para hacernos una caricatura con todos esos sentimientos que nos hacen humanos y colgarlos en la pared de nuestra habitación, justo delante de la cama, a modo de diana, para reírnos a carcajada limpia de ellos cada noche. No lo vamos a negar, el tamaño importa, sí. Y cuanto antes lo vayamos asumiendo, mejor. Al menos, no se nos quedará cara de tontos cuando nos topemos de frente con emociones que no caben en una habitación o con cabezas tan grandes que no entran en una ilustración, todas ellas, obra y gracia de Tiziano Angri. “La cabeza es la parte más interesante de dibujar” y ese es el Big Bang de todos sus dibujos, de un viaje guiado a los extremos más irrisorios de la realidad, donde todo es posible, donde los pies son tan grandes que se ponen fuera de los tiestos y todo se sale de madre. Para el camino, a escoger entre sarcasmo e ironía. The size. How many rivers of ink (and other equally respectable liquids) would have the topic caused to flow. Surely, as much as the blood that is lost in a relationship. Bigness does not have to be proportional to the intensity or the quality, but if we would have to enlarge something, just to try (who knows if we would be lucky and get other things also grown), and avoiding easy answers, the best choice will be to have a big head. Very big. Huge. Such as big as heart would become a mere toy. Big enough to turn all those feelings that make us human into a caricature and hang them on the wall of our room, right in front of our bed and use them as a dartboard to laugh out loud at them every night. We won’t deny it, size matters, yes. And the sooner you assume this, the better. At least, we won’t be left looking stupid when we meet face to face with emotions that don’t fit in a room or with heads that are so big that they don’t enter into an illustration, all of them, by the work and grace of Tiziano Angri. “Head is the most interesting part of drawing” and that is the Big Bang of all his drawings, a guided tour to the most ridiculous extremes of reality, where everything is possible, where feet are so big that everything gets out of hand. For the journey, you can choose between sarcasm and irony.

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Poster Combine

Eurotofobia Logos

My characters listen to some Krautrock Psychedelic 70’s or a current topic of post-rock or space-rock

Automatonofobia Logos

Mis personajes escuchan alguna canción psicodélica de Krautrock de los años 70 o un tema actual de post-rock

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Angri es un joven ilustrador de Nápoles. Su lápiz es uno de los más versátiles que podéis encontrar en el país de la bota. Seguramente, porque bebe (y se pone ciego) de la realidad de “todos los lugares en los que he vivido de Italia. Todos son similares y diferentes al mismo tiempo”. Con un estilo “amablemente grotesco”, coge lo más crudo y se burla de ello. Sin tapujos. Él solo tiene que “sacar a pasear al niño que habita en su mente” para que situaciones del todo surrealistas pongan entre la espada y la pared los instintos de unos personajes que hablan de “la devastación medioambiental, la obsesión religiosa y la esquizofrenia”. Aunque cuando su creador está distraído y nadie mira, se ponen a escuchar “alguna canción psicodélica de Krautrock de los años 70 o algún tema actual de post-rock o space-rock”. A ellos también les va la experimentación, de tal palo, tal astilla.

Angri is a young illustrator born in Naples. His pen is one of the most versatile that you can find in the boot-shaped country. Surely, because he draws on the reality of every place of Italy he has lived in. “All are similar and different at the same time”. With a “ kindly grotesque” style, he grabs the depths and mocks them. He’s straight as an arrow. He just has to “take the child that lives in his mind for a walk” to make surreal situations got his characters’ instincts – characters who talk about “environmental devastation, the religious mania and schizophrenia.”– between the devil and the deep blue sea. Although when their creator is distracted and nobody is looking, they listen to “some Krautrock Psychedelic 70’s song or a current post-rock or space-rock theme”. His characters also like experiments, like father, like son.

Sus obras llegan cargadas con dosis de acidez (casi) corrosivas y para ello él mismo reconoce que solo necesita “un pincel, tinta y acuarelas para el color. En los tres últimos años me he concentrado en el uso de tinta negra aunque es cierto que el color siempre ha sido una parte muy importante de mi proceso creativo. La cuestión es que realizar comics en color requiere mucho tiempo”. Y su nervio creativo no da tregua, ni falta que le hace. Sus trazos son tan directos que no necesitan de más para clavarse (hasta el fondo) en el intelecto de quien se cruza a su paso. “No suelo hacer ningún tipo de retoque digital, soy muy meticuloso con la creación del original”. Es ese tipo de artista que, como los padres perfectos, no hace diferencias con sus obras, “las odio y las amo a todas ellas por igual, seguramente, por los motivos equivocados”.

His works are charged with a dose of acidity (almost) corrosive, and to do this he recognizes that he only needs “a brush, ink and watercolors.” “In the last three years I have concentrated on the use of black ink while it’s true that the color has always been a very important part of my creative process. The point is that to make colored comics requires a lot of time.” His creative nerve gives no respite, and, certainly, it doesn´t have to. His strokes are so direct that they don´t need anything else to stick (to the bottom) in the intellect of the one who crosses their path. “I don’t usually do any digital retouching, I’m very careful with the creation of the original”. He is that kind of artist who, like perfect parents, he makes no difference between his works, “I hate and I love them all equally, surely, for the wrong reasons.”

Defiende que “una ilustración está bien hecha si funciona en cualquier formato”. Aunque sus obras “están llenas de significados y, cuanto más grandes son, mejor se leen”. Es lo curioso del tamaño: cuanto más grandes son las cosas, más importancia cobran los pequeños detalles. Y los suyos hablan del paso del tiempo, de la contradicción, de ser víctima y verdugo, de la traición de la cabeza al corazón (y viceversa), de que aquí no se ha vivido todo lo bien que se esperaba (o sí, según se mire). Y así, como por arte de magia, cuando la cosa se llena de significado, lo banal desaparece y solo queda una cosa: la realidad en blanco y negro. Y aunque él mismo dice que “la caricatura es algo del todo despreciable”, el negro siempre ha sido el mejor color para el humor.

He argues that “an illustration is well done if it works in any format.” Although his works “are full of meaning, and the bigger they are, the better they’re read.” What is curious about the size is that the bigger the things, the more important the little details. And his little details speak about the trace of time, contradiction, being both victim and executioner, betrayal of the head to the heart (and vice versa), and about how people had lived here not as well as they expected (or yes, depending on the look). And so, as if by magic, when the thing is full of meaning, banality disappears and there’s only one thing left: the black and white reality. And although he says that “caricature is something quite despicable”, black has always been the best color for humor.

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TX Roberta Phillips

www.ryantatar.com Mirando sus fotos, puedes imaginarte inmediatamente “On the Road” como Jack Kerouac y The Lords of Dogtown Z-Boys. Sus fotografías poseen un aura de los cincuenta y los setenta, con cierta naturaleza nómada y con California como marco. Apareciendo en una especie de espejismo, borroso y psicodélico, sus fotografías te llaman desde la página, seduciéndote para transportarte a un lugar en el que el cielo es púrpura, verde o naranja, el sol brilla más fuerte que nunca y el surf es lo único que importa. Scanning through his pictures, one can imagine being ‘on the road’ with the likes of Jack Kerouac and the Lords of Dogtown Z-Boys. His photographs possess an aura of the fifties and seventies with their nomadic nature and Californian setting. Appearing as a type of mirage - hazy and psychedelic –they call you from the page and allure you to go to such a place where the sky is bright purple, green or orange, the sun is bright, and the surf is most definitely up.

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Tus fotos destacan por su belleza, ¿solo disparas en analógico? ¿Qué cámara usas?

Gracias. Sí, solo trabajo con fotografía analógica desde 2009. Empecé a usar viejas reliquias que encontraba online y a través de amigos y familia, como la Canon FTB y una vieja Argus rangefinder. Sin embargo, a lo largo de los años he ido invirtiendo en un equipamiento mejor, aunque totalmente manual, como la Nikon F o la Hasselblad 500C/M. Aún utilizo una Nikonos de 1960 para disparar en el agua, pero está bastante destrozada. Es muy difícil hacer fotos con ella y tardo el doble de tiempo cambiando un carrete pero el resultado es único y muy divertido, que al fin y al cabo es lo más importante. Tus imágenes tienen una estética nostálgica y un estilo único, ¿por qué te gusta este look?

Me siento atraído por una era del surf en la que aún no era un deporte de competición (quizás porque me considero un surfista del montón), y para mí el surf no es un campeonato o un concurso. Es una manera de desconectar de la sociedad, de dejar atrás el estrés y olvidarte por un momento de todo lo que tenga que ver con el trabajo o la responsabilidad, conectando con la Tierra y con uno mismo. Mirando fotos antiguas de Ron Stoner y Leroy Grannis comencé a soñar despierto sobre cómo sería mi vida en esa era pasada, cuando las ciudades playeras de California eran lugares tranquilos donde las familias de clase trabajadora se podían permitir veranear y el potencial de esa parte de la costa aún estaba siendo explorado por pequeños grupos de amigos que pasaban los días surcando olas. ¡Y quién no sonríe cuando piensa en un Chevrolet viejo con longboards de una sola aleta atadas en el techo, conduciendo durante la puesta de sol en un perfecto día californiano! Por alguna razón, esa época me produce una vibración que me evoca tantas cosas… ¿Cuál es tu lugar favorito para fotografiar?

Creo que los lugares con una cultura surfera rica: Bali, Australia (Byron Bay o Noosa), un viaje en moto que empieza en Portugal y acaba en el País Vasco entre Francia y España, especialmente Biarritz. Tus fotografías me han hecho pensar en la novela de Jack Kerouac, On The Road, después vi que citabas una frase del libro en tu blog. ¿Lo has leído, y si es así, te sientes identificado con las situaciones y experiencias de los personajes?

Efectivamente, soy fan de Kerouac. Recientemente he acabado su primera novela, The Town and The City. En este momento he empezado On The Road, aunque intento leerlo cuando me siento inspirado o físicamente en el camino. Ya sé que suena algo cursi, pero creo que necesito estar mentalmente preparado para asimilarlo en el momento adecuado, no cuando esté ocupado o estresado. Sí, me siento identificado en algunas cosas, especialmente en el deseo de echarme a la carretera y ver mundo. La sociedad moderna en la que vivimos pone difícil hacer algo así a menudo, pero es factible si eres creativo y estás dispuesto a algunos sacrificios por vivir aventuras. ¿Puedes imaginar la vida sin surfear o sin sentir en la piel el sol californiano?

Sí, sí que puedo. Es algo triste y depresivo. Después de comenzar a surfear, he estado algunas veces lejos del mar por razones familiares o económicas y me he podido dar cuenta de lo importante que es el océano para mi felicidad. La vida, a veces, va sobre saber comprometerse, pero no siento que pueda alejarme mucho otra vez. Afortunadamente tengo mucha suerte de poder estar haciendo lo que me gusta con el mar cerca. ¿Hay algún otro lugar donde quisieras vivir?

Sí, muchísimos lugares. Me encantaría vivir la experiencia de conocer Europa, sobre todo su cultura cafetera, un tema que me gusta mucho. Solo he pisado Europa durante una serie de viajes

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cortos. Los americanos no tenemos muchas vacaciones, lo que es una pena. También, en algún momento de mi vida, me gustaría vivir en algún lugar exótico con aguas calientes y grandes olas como Bali o Hawaii. Tu blog se llama Sharks and Single Fins, ¿te has encontrado alguna vez con un tiburón?

En realidad se llama Shakas and Single Fins. Una shaka es un gesto que se hace con las manos cuyo origen está en Hawaii, muy común entre los surferos y los hawaiianos para saludarse, significa amistad y entendimiento. Pero sobre lo que me preguntas de los tiburones, he visto algunos tiburones leopardo en el agua. Una vez en La Jolla un tiburón enorme pasó por debajo de mí, muy lentamente, lo que me aterrorizó. Después de aquello, no surfeé en un par de semanas. Creo que los tiburones son muy importantes para mantener el equilibrio en el océano, pero espero no encontrarme a ninguno en el agua nunca más. A parte de las siete series que tienes en tu web, ¿cuál es tu serie favorita y porqué?

Sea Tribes es mi principal serie. Es lo que más he perseguido en la vida. Las otras son sub series incompletas de foto ensayos enseñando una geografía específica de la cultura y el lifestyle del surf, cerca de donde he vivido o en lugares que he visitado, aunque desgraciadamente no he tenido la oportunidad de conseguir suficientes imágenes para contar la historia real, por eso considero que están incompletas. Dicho esto, estoy muy feliz de cómo ha quedado Campfires & Ukuleles. Cuando vives en California, estás a un corto viaje de avión de Hawaii, que es uno de los lugares más bonitos de la Tierra y donde nació el surf. Muchos amigos cuando piensan en Hawaii, imaginan grandes resorts, Mustangs de alquiler convertibles y un montón de turistas. En el mundo del surf, la gente lo asocia con el norte de Oahu o el gran oleaje de invierno que atrae a la industria del surf a sus playas cada año. Cuando estuve conduciendo por Maui, después de casarme con mi preciosa esposa, vi a gente acampando en playas y haciendo surf, con ropa tendida y toallas secándose, cerca de la carretera y de los puestos de fruta fresca. Inmediatamente pensé en hacer un road trip a través de las islas en una vieja furgoneta VW, surfeando olas escondidas y alejándome del ajetreo de la ciudad, y por la noche disfrutar de una cerveza fría bajo las estrellas frente a una hoguera, en la playa con amigos. Para mí, eso es el paraíso. Muchas de tus fotografías parecen que hayan sido dañadas por el agua, ¿es este un efecto que consigues a propósito o es accidental?

Algunas de las fotos tienen filtraciones de luz porque a veces golpeo la parte de atrás de la cámara para crear efectos experimentales. En mis Polaroids también se ven algunos efectos, la película es discontinua y caducada, y algunas veces, cuando disparas en lugares húmedos, se pegan o se adhieren a lo que sea. No hay mucho que puedas hacer más que intentar proteger la imagen. Sin embargo, estos inconvenientes también pueden mejorar la foto, por lo que tampoco soy muy cuidadoso. A veces, hacen que la foto parezca amateur, pero de manera positiva. Mucha gente, sobre todo compañeros que también dispararan con película y no en digital, no entienden esto, pero para mí, es un gran añadido al cuerpo del trabajo, casi como descubrir el viejo álbum de fotos de tu padre con instantáneas de sus aventuras a través de toda una vida, al contrario de lo que serían fotografías de gran técnica digital que puedes ver abriendo cualquier revista. ¿Cuál es tu agenda para 2013?

En realidad poca cosa. Voy a seguir haciendo lo que hago. Intentando planear un viaje a Bali o a Europa, pero nada concreto aún. Espero seguir haciendo fotos y compartiéndolas con mis amigos o extraños que sean afines a mi modo de ver las cosas. Seguramente para este año me esperan grandes viajes y olas espectaculares.

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The quality of your photos are beautiful, do you only shoot on film? What camera do you like to use?

Thank you. Yes, I only work with film now since about 2009. I started working with old relics I found online and through friends and family like a Canon FTb an old Argus rangefinder. However, over the past few years I’ve invested in better (but still fully manual) equipment like a Nikon F series and Hasselblad 500C/M. I still shoot with a very beat up early era Nikonos from the 1960s for my water shots. It’s really hard to shoot with and takes twice as long to change out a roll... but I think the results are very gritty and unique and it’s a lot of fun which is the main point of doing it all anyway. Your images have a nostalgic, stylized aesthetic, why do you think you are drawn to this look?

I was drawn to an era of surfing before it became a competitive endeavor (maybe because I’m an average surfer on my best day?). To me surfing was not a contest but a way of disconnecting from society, de-stressing and washing away any thoughts of work or responsibility, and connecting with both the earth and my own self. Looking at old photos from Ron Stoner and Leroy Grannis I started daydreaming about what life was like in a past era... when Californian beach towns were sleepy little places that working class families could afford and the coast was just being explored for it’s surf-able potential by small tribes of friends and waveriders.... and who doesn’t smile when they think of an old Chevrolet with single fin longboards strapped to the roof, driving into the sunset on a perfect California day. For some reason that vibe just speaks to me. Where would you most like to photograph?

I’m thinking of a few places with rich surf culture: Bali, Australia (Byron Bay and Noosa), a motorcycle trip starting in Portugal and ending in the Basque area of France and Spain... specifically Biarritz. Your photographs made me think of Jack Kerouacs’ novel On The Road, then I saw that you had a quote from the book on your blog. Have you ever read it, and if so, do you feel like you can relate to the situations and experiences of the characters?

I am indeed a Kerouac fan. I most recently completed his first novel The Town and the City. I’m reading On the Road now actually and am trying to read it when I’m feeling inspired and physically on the road myself. That might sound cheesy, but I feel I want to be in the right frame of mind when I read it so I’m not too bitter if I’m busy working my day job. So in that, I am chipping away at it and almost through it. I can absolutely relate in some ways, especially on the desire to hit the road and see the world. In some ways modern society has made it even more difficult to do something similar, but it is still achievable if you are creative and are willing to make a few sacrifices for adventure. Can you imagine a life without surfing and the Californian sun?

I can. It’s kind of sad and depressing. I have been away from the ocean at times in my life after I started surfing for a variety of family and economic reasons and I realized how important the ocean is to my happiness. Life is about compromise sometimes, but I don’t feel I can live too far away from the ocean again. Hopefully I’m blessed with a little luck to be able to do that. Is there anywhere else that you’d like to live?

Oh yes, so many places. I would love to experience Europe, there is something very appealing to me about cafe culture. I’ve only been there on a handful of short trips. Americans do not get blessed with much vacation, which is unfortunate. I would also

love to live somewhere exotic with warm water and waves like Bali or Hawaii at one point in my life. Your blog is called Sharks and Single Fins (great name by the way), have you ever encountered a shark in the water?

Haha, it’s actually called Shakas and Single Fins. A shaka is a hand gesture with its origins from Hawaii meaning ‘hang loose’... still used today by many surfers and Hawaiians as a salutation of friendship. As to your shark question, I have seen a few leopard and nurse sharks in the water. One time in La Jolla a much bigger shark swam under me, very slowly and it freaked me out. I paddled in and didn’t surf after that for a couple of weeks. I think sharks are very important to the balance of the oceans, but I hope I never see one in the water. Out of your seven sets of work on your website, which is your favourite collection and why?

Well, Sea Tribes is my main set. It’s my lifelong pursuit. The other ones are all incomplete sub-sets of that photo essay showing a specific geography of surf culture and lifestyle near where I lived or visited… although unfortunately I have not had the opportunity to get enough images to really tell the story I’m going for so I consider them all incomplete. That being said, I’m really happy with Campfires & Ukuleles. When you live in California, you’re just a short plane ride away from Hawaii, which is one of the most beautiful places on earth and also the birthplace of surfing. Most folks think of big resorts, Mustang convertible rental cars, and lots of tourists. In the surfing world, most people have the North Shore of Oahu come to mind and the big winter swells that draw the surf industry to its shores (and real estate) every year. When I was driving around Maui (after marrying my beautiful bride there) I saw people just camping on the side of the road and longboarding, with clotheslines and towels drying. Nearby were roadside fruit and juice stands and they had this whole other way of thinking about travel there. Immediately I thought of road trips through the islands in an old VW bus, surfing hidden waves, living off the land a bit, and at night enjoying a cold beer under the stars with a campfire on the beach with friends and other likeminded individuals. Sounds like paradise to me. Many of your photographs look as though they’ve had some water damage, is this an effect you can achieve on purpose or is it purely accidental?

Some of the photos have light leaks, where I pop the back of the camera on purpose to create experimental effects. My Polaroids also have some grit to them, the film is discontinued and expired, and sometimes when you shoot in a humid place, they will stick together or adhere themselves to something. There’s not much you can do, but try and protect the image. However, it can also improve the image in my eyes, so I am not too careful. I think it can make the image sometimes look a bit ‘amateur’, but in a positive way. Many people (especially older folks who grew up shooting film and not digital) might not understand that but to me it adds a great element to the body of work, almost like discovering your dad’s old photo album with shots of his adventures on the road collected over a lifetime vs highly technical shots you can see anytime you pick up an outdoor magazine. What’s on the agenda for 2013?

Nothing really. I’m going to keep doing what I’m doing. Trying to plan a trip to Bali or Europe, but nothing firm yet. I hope to keep shooting and building upon my body of work and sharing it with friends and strangers alike. Hopefully some great trips and some great waves are in store for us this year.

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Californian CHICO Troy Elmore

Tx Roberta Philipps

Imagina ser capaz de deslizarte por la costa californiana mientras escuchas a Jimmy Hendrix a todo volumen. Bueno, a todo volumen al menos en tu cabeza. Hablamos con Troy Elmore: surfista, skater y un californiano todoterreno. Pasa los días encima de su moto, montando olas y patinando por las calles. A Brixton le pareció la mejor elección para actuar como representante de la marca, ya que refleja exactamente su estilo de vida. Continúa leyendo para adentrarte en su universo. Soy de Huntington Beach y me encanta surfear en Blackies, Newport Beach. En comparación con los Estados Unidos, Australia es muy cool, cuenta con un montón de rompientes derecha. En Huntington las olas rompen contra la arena así que estuvo muy bien probar algo nuevo surfeando allí. No me puedo imaginar viviendo en cualquier otra parte que no sea California, pero me encantaría largarme de Orange County, quizá ir hacia el sur, a San Diego. El pasado mes de septiembre me invitaron a la Joel Tudor Duct Tape Invitational. Los eventos de Duct Tape molan mucho, son realmente diferentes a cualquier otra competición. Es todo muy despreocupado, no demasiado competitivo. Simplemente disfrutamos de pasar tiempo juntos y surfear. Diría que se están convirtiendo en algo muy habitual para mí. Es difícil responder a la pregunta de cuál es la diferencia entre longboarders y shortboarders. Tanto unos como otros son surfistas muy completos. A parte de que el longboard es diferente de los shortboards por su tamaño, también se diferencian por la forma como surfeas con cada una de las tablas. Todo se basa en cómo te posicionas en la ola cuando utilizas un longboard. Al menos, esta es mi opinión. Por supuesto, siempre me ha gustado el skate. Aunque no sé si me ayuda con el surf. Diría que el surf ayuda a mi manera de patinar. Creo que la relación con Brixton empezó porque ellos son afines a mi tipo de vida- el hecho de que no solo hago surf, sino que también voy en moto, patino y estoy dentro del mundo de la música . Todas las cosas que me influencian, ellos las apoyan y también están metidos en ellas, así que es perfecto. Realmente pienso que existe una cultura del surf. En cualquier sitio donde hay un evento, la gente viene a animar, pasar el tiempo y formar del lugar. ¡Es increíble! ¡Tengo demasiados ídolos! Músicos, surfistas, skaters, fabricantes de motos, pescadores, amigos. Si tuviera que elegir una canción para motivarme cuando estoy en el agua sería sin lugar a dudas The Wind Cries Mary de Jimmy Hendrix. Joel Tudor tiene una peli llamada Longer y hay una parte en la que están surfeando con esa canción, se quedó para siempre grabada en mi mente.

Imagine being able to glide, twist, and turn your way over the Californian coast whilst listening to Jimmy Hendrix on full blast. Well, full blast in your head at least. We introduce Troy Elmore; Surfer, skater, and all-round Californian chico. He spends his days riding his motorbike, riding waves, and skating the streets - for Brixton, he appeared as an obvious choice to act as a representative for their brand, reflecting just what they’re about. Read on for an insight into the oh-so-attractive culture that surrounds an acclaimed surfer. I’m from Huntington Beach and I love surfing blackies in Newport Beach. Comparing with US, Australia was really rad. Lots of right point breaks. Where I’m from it’s mostly beach breaks so it was cool to be able to surf all the long points. I couldn’t imagine living anywhere other than California, but I would love to get out of Orange County, maybe move down south to San Diego. Back in september I was invited to the Joel Tudor Duct Tape Invitacional competition. The Duct Tape events are really cool, they’re way different from any other surf contest. It’s a very care-free event, not too competitive. Everyone is just stoked to be hanging out and surfing together. I would say they are becoming a very regular thing for me. It’s hard to answer what’s the difference between longboard surfers and showboards in Joel Tudor Duct Tape Invitational, I wouldn’t say we’re long boarders, though I think all the surfers in the event are very well rounded surfers who can ride anything. As far as longboards being different from shortboards apart from the length is the way you surf them; it’s all about wave positioning and staying in the pocket when you’re riding a longboard. At least, that’s my opinion. If I did other boardsports (skating, longboarding…) ?Yeah I have always been really into skateboarding. I don’t know if it helps me with my surfing though. I would say surfing helps my skateboarding though. I think that the relationship with Brixton started because they related to my lifestyle - the fact that I don’t just surf, I ride motorcycles, skateboard, I’m into music - all the things that influence me, they support and are also into so it’s perfect. I definitely think there is such a thing as a surf culture. Whenever there are events everyone comes to support and hangout and be apart of the scene, it’s awesome.I have too many idols! Musicians, surfers, skaters, motorcycle builders, fishermen, friends. If I pick one song to either reflect, or motivate me on the water it would definitely be Jimi Hendrix’s “The Wind Cries Mary.” Joel Tudor has a movie called Longer and there is a part where he is surfing to that song and it is forever stuck in my head, I surf to “The Wind Cries Mary” every time I surf.

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providence

benjaminjj.com www.rvca.com Tx VC + BE PH Sebastien Chebassier

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contraria contrariis curantor

El arte como una forma de vida, como la energía que equilibra opuestos para lanzar la creatividad a la esfera de lo íntimo, lo que realmente enciende una llama. RVCA se rodea de algunos de sus advocates esta temporada 2013 para mostrar los latidos que mueven a sus artistas desde sus propias experiencias vitales. Benjamin Jeanjean, Octavio Barrera, Margaux Arramon-Tucoo, Robin Falxa, Jerome Romain y Lilly Casino son los artistas elegidos por la marca. Todos ellos presentarán este año una serie especial de post-cards, diseñarán una camiseta de edición limitada y protagonizarán vídeos y exposiciones en diferentes partes del mundo, mostrando su arte y todo lo que mueve sus vidas compartiendo una pasión por la ilustración, el surf, la fotografía y cualquier otra forma de expresión que muestre el balance de pensamientos. En esta ocasión hablamos con Benjamin JeanJean, artista y surfer que se deja llevar tanto en su arte como en sus fotografías por una pasión por lo desconocido, lo que se basa en la irracionalidad, rozando la lógica humana y situándose en el absurdo. Sus piezas para la colección de post-cards by RVCA son una invitación al mundo de la abstracción y del surrealismo.

Benjamin reside en la costa Atlántica de Francia buscando las mejores olas para surfear con un Peugeot 404 de 1964. Además, vive en una casa de antigua construcción que él mismo reformó y decoró con muebles de estilo vintage y obras de arte por doquier. Esa es su vida, un continuo feedback entre la realidad cotidiana y su faceta más artística. Sus trabajos con la geometría nos recuerdan que todos los caminos tienen un principio y un final. Y es en ese peregrinaje en el que aprendemos a hacernos preguntas, buscar las herramientas y responderlas. Lo más interesante del movimiento surrealista es la libertad de pensamientos. Los prejuicios, la coherencia y la realidad o no existen o se manifiestan de una forma distorsionada. Es esta reflexión y este absurdo lo que me atrae. Aunque mi trabajo en alguna ocasión tenga algo cercano al hiperrealismo, mi estilo no se puede comparar con el de otros artistas realmente involucrados en ese movimiento. Utilizo varios medios para expresar una idea o algo que tengo en la mente en ese momento, ya sea una ilustración, una fotografía, una pintura o un tatuaje. Realmente no quiero ceñirme a un medio particular. Mi inspiración viene de muchas cosas. Soy una persona realmente curiosa. Me llega de la abstracción del arte contemporáneo a través de la arquitectura y el diseño. A lo largo de estos diez años que llevo dedicándome al arte, no he cambiado demasiado, no hay una gran diferencia, sigo aprendiendo como al principio. Mis días dependen de lo que quiera hacer, disfruto de ese privilegio. Puedo levantarme e ir a ver las olas, sacar fotos o simplemente dibujar o tatuar a mis amigos. O bien pasar un largo día con mis hijos y mi mujer. Realmente no tengo un horario fijo. Me encanta el surf. La historia de este deporte está llena de información, desde subcultura hasta diseño de tablas. Hay muchas influencias y a la vez muchas nuevas cosas por intentar. Todo puede puede combinarse infinitamente: desde el arte o la fotografía, pasando por el diseño. Acabo de llegar de Sao Paulo, donde he presentado The Blind Society, una exposición ligada a la acción que estoy haciendo con RVCA este año, que se realizó en Choque Cultural Art Gallery. Fui con mi buen amigo de Francia Nicolas Leborgne, un artista de pop surrealista y allí conocimos a Znort, un escultor de Sao Paulo. The Blind Society nace del deseo de viajar con mi arte, en lugar de realizar exposiciones individuales en mi propio país, pensé que sería mucho más intresente conocer a artistas locales en otros países, hacer un intercambio de cultura, visiones e ideas, que nos hagan crecer a todos. RVCA es una buena plataforma para ello, ya que están alrededor del mundo con artistas involucrados. Por eso fue un concepto que pude compartir con ellos. La colaboración se está volviendo cada vez más interesante, ya que incluye desde sesiones de fotografía, pasando por diseños en camisetas, hasta proyectos personales.

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Art as lifestyle, as the energy that balances contraries to throw creativity to the intimate sphere, what really lights a flame. RVCA surrounds itself with its advocates this 2013 season to show the beatings that move its artists from their own vital experiences. Benjamin Jeanjean, Octavio Barrera, Margaux Arramon-Tucoo, Robin Falxa, Jerome Romain and Lilly Casino are the artists chosen by the brand. All of them will launch an especial series of postcards, will design one limited editon T-shirt and will star in videos and exhibitions in different parts of the world, showing their art and everything that moves their life sharing the passion for illustration, surf, photography and any other kind of expression type that exhibits de balance of thinking. This time we have talked with Benjamin JeanJean, artist and surfer who is carried along in both his art and his photography by a passion for the unknown, for what is based in irrationality, touching human logic and placing his work in the absurdity. His pieces for the postcards collection by RCVA are an invitation to the world of abstraction and surrealism.

Benjamin resides in the Atlantic coast of France looking for the best waves to surf with a 1964’s Peugeot 404. Besides, lives in an old construction house that was reformed and decorated by him with vintage furniture and lots of art pieces. This is his life, a nonstop feedback between the quotidian reality and his most artistic side. His works with the geometry remember us that every path has a beginning and an ending. And it’s in this pilgrimage where we learn to ask ourselves, look for the tools and answer. The most interesting of the surrealism movement is the freedom of thought. The prejudices, the coherence and reality or doesn’t exist or reveal themselves in a distorted way. Is this reflection and this absurd what attracts me. Even my job sometimes has something close to the hyperrealism, my style can’t be compared to other artists’ style who are really involved in this movement. I use different ways to express an idea or something that I have in mind in that moment; either an illustration, a photograph, a painting or a tattoo. I don’t really want to stick to a specific method. My inspiration comes from many things. I am a really curious person. It reaches me from the abstraction of contemporary art through architecture and design. Along these 10 years that I have dedicated to art, I haven’t changed too much, there isn’t a great difference, I still learn as at the beginning. My days depend on what I want to do, I enjoy this privilege. I can wake up and go to see the waves, take pictures or simply draw or tattoo my friends. Or else, spend the day with my sons and wife. I don’t have a fixed schedule. I love surf. The history of this sport is full of information, from subculture to surfboards design. There are many influences and at the same time many new things to try. Everything can be combined limitless: from art or photography, to design. I have just arrived from Sao Paulo, where I have presented The Blind Society, an exhibition bound to the action that I am carrying out with RVCA this year, that was made at Choque Cultural Art Gallery. I went with a good friend of France, Nicolas Leborgne, a surrealist pop artist and we met there Znort, a Sao Paulo sculptor. The Blind Society is born from my desire to travel with my art, instead of making individual exhibitions in my own country, I thought that would be much more interesting to know local artists in other countries, make a culture exchange, visions and thoughts that make us all grow. RCVA is a good platform to it, as they are all around the world with involved artists. So it was a concept that I could share with them. Collaboration it is becoming every time more interesting, because includes from photography sessions, or T-shirts designs, to personal projects.

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aut agerer aut more

Las aventuras viven en el exterior Adventures live in the outdoors ANDREW GROVES www.andrewgroves.co.uk www.miscellaneousadventures.co.uk

tipi

Tx LARA TURNER

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Andrew Groves es…

Un ilustrador, creador de imágenes y un artesano que vive en el bosque. ¿Cómo y cuándo comenzó tu contacto con el mundo de la ilustración y el diseño gráfico?

Supongo que, como todo el mundo, siempre he dibujado cosas sabiendo que sería capaz de ganarme la vida a partir de algo que era bueno. Creo que el skateboard fue quizás mi primer contacto con la ilustración ya que siempre quise diseñar tablas, algo que he tenido la suerte de hacer en varias ocasiones durante mi carrera. Vives en una granja en un bosque de Inglaterra, ¿de qué manera esta forma de vida influye en tu trabajo?

Ciertamente vivir en el bosque influye en mi obra, la mayoría de mis ideas vienen de cosas que observo en el mundo natural así que abrir la puerta y contemplar la naturaleza me proporciona un suministro constante de inspiración. ¿Por qué encuentras la naturaleza tan atractiva?

Porque es siempre cambiante y sorprendente. Me gusta la sensación de no saber nunca lo que puedes ver en ella y hago un esfuerzo por capturar ese sentimiento en mis ilustraciones. Dices en tu página que los temas recurrentes en tu obra son la exploración del desierto o las aventuras, ¿qué otros temas son importantes y por qué?

Ésos son sin duda los temas más comunes en mi trabajo, pero casi todo lo que experimento se refleja en mi obra de alguna forma. Aparte de las cosas que experimento en mi vida diaria, el folklore, la mitología y la historia de los pueblos antiguos y su artesanía también son temas interesantes para mí. ¿Hay en tu obra una cierta crítica hacia aquellos que están destruyendo la naturaleza y los bosques, o es simplemente la representación de tu imaginario particular?

Obviamente éstas son las cosas en las que pienso, pero no creo que mi trabajo sea realmente adecuado para abordar temas tan relevantes. Es cierto que el medio ambiente está en peligro, pero todavía tenemos hermosos paisajes y lugares para observar y prefiero centrarme en los aspectos positivos en lugar de verme arrastrado por los negativos.

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Pequeños hombres, magos, criaturas extrañas y muchos otros animales viven en sus ilustraciones. ¿Cómo definirías a tus personajes? ¿Qué es lo que representan y cuál es su relación con la naturaleza?

Son realmente una extensión de la idea de no saber lo que te encuentras o lo que puedes ver cuando estás al aire libre. Representan el misterio, la magia y lo desconocido. En general, su relación con la naturaleza es positiva. Quizás simplemente es divertido dibujar criaturas extrañas. Los bloques de color, las formas orgánicas y una gama de colores suaves, ¿qué otros elementos característicos aparecen constantemente en tus ilustraciones, cómo defines tu estilo?

Me gusta mucho trabajar con formas geométricas y combinarlas para crear objetos más complejos. También tiendo a trabajar con ángulos específicos y a aplicar un buen enfoque de diseño en la composición. Espero que éstas sean las cosas que definan mi estilo. “Desarrollar un estilo que es, obviamente, el tuyo y seguir con él”, lo mencionaste en una entrevista como una de las claves del éxito. Pero la evolución es algo natural, ¿Cómo ha evolucionado tu estilo en los últimos años?

Crear un estilo que es, obviamente, el tuyo es importante para hacer una obra, por lo que un director de arte o un editor sabe, más o menos, qué esperar cuando te contrata. No debes dejar de experimentar y evolucionar. He trabajado para grandes marcas como The New Yorker, Reebok, Google, Orange, la revista Snowboarder o The Guardian. ¿Cómo llegas a adaptar tu universo mágico y encantador con la identidad particular de esas empresas y publicaciones?

Puede ser complicado, pero, por lo general, recibo encargos de clientes que previamente han visto y les gusta mi trabajo y, por lo tanto, no tengo que cambiar mi estilo para adaptarme a una obra o proyecto. ¿Hay alguna diferencia entre tus obras comerciales y tus piezas más personales?

Por supuesto que hay diferencias en el enfoque. Una obra personal se basa en un sentimiento, en algo que quiero trasmitir o en un objeto que he visto; en cambio, una pieza comercial se basa en algo que alguien más quiere decir, así que naturalmente son diferentes. Trato de apli-

car la misma lógica a la obra y espero que haya una cierta continuidad entre ambas. La naturaleza también está representada en el proyecto Aventuras Varias, que consiste en la elaboración de utensilios de madera y accesorios realizados a mano. ¿Cuál es la magia de este proyecto?

La magia está en el trabajo con la madera. Cada pieza es única y crea un conjunto diferente de desafíos. El proyecto también me permite pasar más tiempo al aire libre, lo que ya de por si es mágico. ¿Qué te gusta del arte y del mundo del diseño?

No estoy particularmente involucrado con el arte y el mundo del diseño, sólo un poco a través de las redes sociales, prefiero centrarme en mis propios proyectos y mantener felices a mis clientes y a mí mismo. ¿Cómo es un día en la vida de Andrew Groves? ¿Qué te gusta hacer cuando no estás trabajando?

Cuando no estoy trabajando, estoy, por lo general, fuera, ya sea tallando madera o haciendo cosas como caminar, mirar debajo de las piedras y de los troncos, cortar leña o hacer surf. ¿Cuáles son tus próximos planes y proyectos?

Tengo pocos planes. Espero dar un curso para enseñar a tallar madera en primavera y expandir la marca un poco más allá. En cuanto a la ilustración, me gustaría seguir trabajando para grandes clientes y creando nuevos proyectos. Tu mayor deseo para este año es...

Comprar una cabaña en el bosque de Suecia.

Andrew Groves is…

An illustrator, image maker and craftsman living in the woods. How and when did your contact with the world of illustration and graphic design begin?

Just like everyone else I suppose. I’ve always drawn things and always knew I wanted to be able to make a living from something I was good at. I think skateboarding was perhaps my first contact with illustration and I always wanted to create graphics for skateboards; something I’ve been lucky enough to work on several times in my career. You live in a barn in the English woods. How does this way of living influence your work?

the good times

Living in the woods definitely influences my work. The majority of my ideas come from things I observe in the natural world so having a woodland on my doorstep provides a constant supply of inspiration.

Me gusta la sensaci贸n de no saber nunca lo que puedes ver en la naturaleza y hago un esfuerzo por capturar ese sentimiento en mis ilustraciones. I enjoy the feeling of never knowing what you might see when surrounded by nature and I make an effort to capture this feeling in my illustrations.

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TRUNK WIZARD

HUCK

Natural world is constantly present in your illustrations. Why do you find nature so attractive?

Nature is ever changing and constantly surprising. I enjoy the feeling of never knowing what you might see when surrounded by nature and I make an effort to capture this feeling in my illustrations. It says on your website that natural phenomenon, wilderness exploration and adventures are the most common themes in your work. What other subjects could be important and why?

Those are certainly some of the most common themes in my work, but nearly everything I experience goes into my work in some degree. Aside from things I experience in my daily life, Folklore, mythology and the history of ancient peoples and their crafts are also interesting themes I like to work from. Is there, in your work, some criticism toward those who are currently destroying nature and forests or is the representation purely imaginary?

These are obviously things I think about but I don’t think my work is really suitable to be tackling such lofty themes. Whilst the natural environment is under threat there are still beautiful places and sights to be witnessed and I prefer to focus on the positives than be dragged down by the negatives. Little men, wizards, strange creatures and many other beasts live in your illustrations. How would you define your characters? What do they represent and what is their relationship with nature?

They’re really an extension of the idea of not knowing what you find or see when in the great outdoors. They represent mystery, magic and the unknown. Generally their relationship with nature is a positive one. Perhaps more than that, it is simply fun to draw strange creatures. Blocks of color, organic shapes and a soft palette. What other characteristic elements appear constantly in your illustrations and define your style?

I really like working with geometric shapes and combining them to make more complex objects. I also tend to work to specific angles and apply quite a design led approach to composition; I hope these are things that define my style. “Develop a style that is obviously yours and stick with it”, you recommended this in an interview as one of your tips for success. But evolution is something natural. How has your style evolved in the last few years?

I think having a style that is obviously your own is important for getting commissions, so that an art director or editor knows roughly what to expect when they hire you.

However, this shouldn’t stop you from experimenting and evolving. You’ve worked for big names like The New Yorker, Reebok, Google, Orange, Snowboarder Magazine and The Guardian. How do you get to fit your magical and charming universe with the particular identity of these companies and publications?

This can be tricky, but usually I’m commissioned because a client has seen and likes my previous work and therefore I don’t have to change my style to fit a brief or project. Are there any differences between your commercial works and your most personal pieces of illustration?

There are definitely differences in the approach. A personal piece is based on a feeling, or something I want to say or an object I’ve seen. But a commercial piece is based on something someone else wants you to say. So naturally there are differences. I do try and apply the same thinking to a commission and I hope there is some continuity between the two. Nature is also represented in your project “Miscellaneous Adventures” which consists of producing hand crafted wooden utensils and accessories. What’s the magic of this project?

The magic lies in working with wood. Each piece is unique and creates a different set of challenges. The project also allows me to spend more time outside which is magical in itself. What do you dislike about the art and design world?

I’m not particularly involved with the art and design world apart from a bit of social networking; I prefer to just focus on my own projects and keeping my clients and myself happy. How is a day in the life of Andrew Groves? What do you like to do when you aren’t working?

When I’m not working I’m usually outside, either carving or making something, walking, looking under rocks and logs, chopping firewood or surfing. What are your upcoming plans and projects? Any exhibitions?

I have quite a few plans for Miscellaneous Adventures; I hope to start teaching woodcarving in the spring and to expand the brand further. As for illustration, I’m hoping to continue working for great clients and keep inventing new projects. Your biggest wish for this year is...

To buy a cabin in the woods in Sweden.

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h s a r c g i b e Th

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Yoon Sul www.yoonsul.com Yoon Sul nació dos veces. La primera fue en Los Ángeles hace 36 años. La segunda vez tenía 15 años cuando se cayó del skate y un coche le pasó por encima. Los bajos del automóvil le hirieron los globos oculares y durante unos minutos pensó que se quedaría ciego para siempre. Fue entonces cuando decidió que no quería perderse todo lo bello que tiene la vida y se propuso que, si salía de esa, se haría fotógrafo. Y lo consiguió con creces. Aunó sus dos pasiones y hoy es uno de los fotógrafos de skate más reconocidos de la escena. Yoon Sul was born twice. The first time it was in L.A. 36 years ago. The second time was when he was 15 years old: he fell when he was skating and a car ran over him. The underside of the car injured Yoon’s eyeballs and for a few minutes he thought he would be blind forever. Right then he decided to become a photographer because he didn’t want to miss all the beautiful things in life. And he managed it. Yoon Sul brought his two passions together and nowadays is one of the most important photographers in the world of skateboarding. Tx IGNACIO URQUIJO

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Tuviste mucha suerte de que ese coche “casi” te dejara ciego…

Nadie te llegó a pagar por tu primera foto editorial, protagonizada por Chris Roberts…

Sí, Creo que las cosas ocurren por alguna razón. De un modo extraño, que me atropellara un coche me salvó la vida.

Es cierto, eso fue antes de que fuera a la Escuela de Diseño Art Center. No estaba siendo tomado en serio porque todavía no tenía un nombre. No sabía muy bien cómo funciona bael mundo de los negocios, simplemente sabía hacer fotos. Ya sacaba imágenes del mundo del skateboarding mientras estaba en la escuela, incluida mi primera entrevista con Danny Supa para Transworld Skateboarding. La entrevista salió una semana antes de que me graduara, y a partir de entonces todo el mundo me empezó a tomar en serio. Después de eso, todo ha sido pan comido.

¿Te dejó alguna secuela el accidente?

Tuve muchos dolores de espalda el resto del año. Y perdí la mitad del noveno curso en el instituto. También tuve la parte blanca de mis globos oculares completamente llena de sangre a causa de la gasolina que derramaron los bajos del automóvil cuando me golpearon. Tuve los ojos ensangrentados casi todo el año. Daba mucho miedo, cuando empecé el décimo curso, todos los mexicanos de mi clase me llamaban “el chino diablo” (en español). Lo gracioso es que en realidad soy coreano. ¿Has intentado buscar a la persona que conducía el coche para decirle: “gracias por esta vida tan genial que tengo como fotógrafo”?

(Risas) Debería. Ella no solo me descubrió la fotografía, sino que pagó un montón por mi educación. ¿Cuál es el significado de tu apodo, Big Poon Kids?

Simplemente es algo que comenzó en el instituto. Estaba emborrachándome en una fiesta con mis amigos. Uno de ellos empezó a llamarme Big Poon [Big Pun fue un rapero norteamericano que cosechó algo de fama en los 90] y el nombre ha seguido conmigo hasta ahora. La parte de “kids” simplemente se refiere a mis amigos. Es un poco infantil, pero este tipo de cosas me mantienen joven. ¿Recuerdas cuál fue la primera imagen que te hizo pensar: “Sí, puedo ser un fotógrafo profesional”?

En un viaje a Nueva Orleans saqué una foto de una casa vudú. Cuando revelé los negativos y los imprimí, me asombré bastante de que hubiera sido yo el que había tomado esa foto. En ese momento supe que quería ser un fotógrafo profesional.

De hecho, ahora estás acostumbrado a codearte con grandes estrellas del skate. Algunas de ellas incluso te deben dinero, como Daniel Castillo…

Cuando empecé a fotografiar a Daniel, él me decía que me daría 10 dólares por esto o 20 dólares por lo otro si no conseguía ejecutar un truco. Y fueron muchos trucos los que no consiguió hacer [risas]. Todavía me debe dinero desde ese día. Mikey Taylor también me debe dinero, y creo que él le debe a Chase Gabor un montón de pasta y a mí una lata de cerveza. Has contado para la revista The Berric’: “Cada cámara tiene una historia diferente”. ¿Cuál es tu historia preferida sobre una de tus cámaras?

Probablemente sea sobre mi Hasselblad. La mejor historia de esta cámara ocurrió cuando fui a Kabul. Todavía tiene arena de Afganistán porque no quiero limpiarla, ya que me recuerda ese viaje. A día de hoy, aún no he enseñado ninguna de las fotos que tomé allí con la Hassey... Es muy personal para mí, pero creo que este año eso va a cambiar. Y The Berric’ ha dicho: “detrás de cada gran skater hay un gran fotógrafo”. ¿Qué se puede encontrar detrás de un gran fotógrafo?

Vida.

En la primera foto que sacaste para la portada de una revista apareció el legendario Steve Olson, ¿Cómo te sentiste cuando viste una foto hecha por ti en los kioscos?

También has comentado que los fotógrafos tienen dos opciones, “puedes ser un mentiroso o puedes contar la verdad”. ¿En qué grupo te enmarcas tú?

Fue un sentimiento alucinante. Cualquiera que diga que publicar en una portada no es un gran reto es que nunca ha publicado en una portada. También fue otro momento que me valió para saber que podría dedicarme profesionalmente a la fotografía. Y además fue fantástico porque conocía a Steve desde hacía mucho tiempo. Él es como un segundo padre para mí. El padre al que le encanta darme malos consejos [guiño].

Yo soy un contador de verdades. Quiero que la gente que vea mis fotos sienta como si estuviera allí.

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¿Qué es más sencillo capturar en una fotografía, la realidad o la ficción?

La ficción, porque tú puedes hacerla aparecer siempre que quieras. En cambio, necesitas estar en el momento oportuno en el sitio correcto para capturar la realidad. Puedes pedirle a cualquiera que sonría, pero atrapar a alguien sonriendo honestamente no es tan sencillo.

“De un modo extraño, que me atropellara un coche me salvó la vida.”

Probablemente cualquiera relacionada con el snowboard. Participé una temporada en el programa de televisión Built to Shred y tuve que estar en Utah dos semanas haciendo fotos. Fue un rollo, caminar por la montaña y hacer snowboard con todas las máquinas y a veces desplazarte hasta otra montaña después de haber colocado los focos porque el mejor ángulo está a temperaturas bajo cero. Respeto mucho a todos los fotógrafos de snowboard porque aquello fue un trabajo muy duro.

mayoría de mis clientes quieren digital porque es muy sencillo trabajar con ello, y bueno, ellos ya no tienen la paciencia necesaria para las fotos analógicas. Si no disparara en digital, probablemente no podría estar trabajando. Además, disparar secuencias de fotos es algo normal en el skateboard. Recuerdo los días en los que podía ver en la basura cientos de dólares en carretes gastados. No quiero volver a pasar por eso otra vez. Ahora el carrete lo utilizo para mis fotos personales y para mí eso significa más. Lo digital está aquí, no hay nada que pueda cambiarlo o pararlo.

Y con respecto al skate, ¿qué truco es más difícil de captar con la cámara?

Si tuvieras que elegir una única foto por la que ser recordado, ¿cuál elegirías?

Manuals. Sin ninguna duda. Puedes tardar meses en conseguirlo. Lo sé bien, porque he fotografiado muy concienzudamente a Joey Brezinski para la revista Transworld Skateboarding. La entrevista más complicada que jamás he fotografiado.

Probablemente mi primera portada en Transworld con Lizard King haciendo un backside sobre el muro de un puente. Cuando era niño, solía trabajar en la tienda de vitaminas de mis padres. Siempre había tenido que esperar en la intersección donde está ese puente. Lo observaba todo el rato preguntándome si alguien haría algo cool que pudiera ser fotografiado. Catorce años después, lo encontré y lo fotografié.

¿Y cuál ha sido la foto que te ha costado más capturar?

Normalmente trabajas en blanco y negro, ¿por qué?

Porque adoro el cuarto oscuro. Son mis raíces. Siempre me ha encantado el blanco y negro, por alguna razón, me resulta más real. No puedo explicarlo, simplemente presto más atención cuando la fotografía es en blanco y negro. El fotógrafo Dimitri Karakostas dice: “Si disparas en digital, tus fotos no existen”. ¿Estás de acuerdo con él?

Solía estarlo, pero ya no. Me encantan los carretes, pero los tiempos han cambiado. El juego es adaptarse o morir. La

¿Todavía firmas tus historias como “el hombre desafortunado con más suerte del planeta”?

Por supuesto. No todo el mundo consigue lo que se propone. Yo lo hice, y todo fue gracias a que me atropelló un coche. ¿Cuál es el mayor sueño de tu vida?

(Risas) ¡Creo que lo estoy viviendo!

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You were so lucky that this car ‘almost’ made you blind...

Yeah, I believe things were meant to happen for a reason. In a strange way, getting run over by a car saved my life. Did you suffer any wounds after the crash?

I had a really bad back for the rest of that year. I missed half of 9th grade. I also was being choked underneath the car by a fuel line that caused blood to completely cover the whites of my eyeballs. I had bloody eyes for almost a year, I looked pretty scary, and when I started 10th grade, all the mexicans at my school called me “el chino Diablo”. I believe that means the Chinese devil, funny part is I’m Korean. Have you ever looked for the person who crashed her car into you to say: “thank you for this great life I have as a photographer”?

You told ‘The Berrics’: “Every camera has a different story”. What is your favourite story about one of your cameras?

It’s probably my Hasselblad. The best story that camera could tell is of the time I went to Kabul. It still has the dust from Afghanistan on it because I don’t want to clean it as it always reminds me of that trip. To this day, I haven’t shown any of the photos I shot with the Hasseey there. It’s still very personal to me, but I think that will change this year. And ‘The Berrics’ said: “behind every great skateboarder is a great photographer”. And what can you find behind a great photographer?

Life.

Ha, I should. She not only found photography for me, she pretty much paid for my college education.

According to your words, if you are a photographer, “you can be a liar or you can tell the truth”. In which group are you?

What is the meaning of your nickname ‘Big Poon Kids’?

I am a truth teller. I want people to see my photographs and feel like they are there.

Ha, just something that started in high school. I was at a high school party getting drunk with friends. One of my friends kept calling me Big Poon. It followed me all the way to now. The kids part just means my friends. It’s a bit childish, but being a child keeps me young. Do you remember the first picture that made you think: “Yeah, I can be a professional photographer”?

I went on a trip to New Orleans and took a photo of a voodoo house. When I got the negs back and printed it I was pretty in awe of it - because I shot it. I knew then that I wanted to be a professional photographer. Your first picture to make it as a magazine cover featured the legend Steve Olson. How did you feel when you saw that picture in the newsstand?

It was an amazing feeling. Anyone who says that a cover shot is no big deal is someone who never shot a cover. It was also a very validating feeling, where I knew I could be a professional photographer. It was also an amazing feeling because I’ve known Steve for a very long time. He’s like a 2nd father to me. The father who loves giving me bad advice. Nobody paid you for your first editorial photo featuring Chris Roberts. Were your first steps in the world of the photography a challenge?

Yeah, that was before I went to Art Center College of Design. I wasn’t being taken seriously then because I wasn’t a name yet. I didn’t know the business too well. I just knew how to shoot photos. I shot skateboarding while in Art Center, and actually my first interview was with Danny Supa for Transworld Skateboarding. The interview came out the week I graduated and everyone began to take me seriously. After that, it was a breeze. In fact, now you are getting used to hanging out with the big stars of skating. Some of them even owe you money, like Daniel Castillo. What is the story about that 100 dollars Daniel owes you from a bet?

When I first started shooting Daniel, he would tell me he’d give me $10 here, $20 there, if he didn’t land the trick. There were many tricks he didn’t land when he told me that. He still owes me money to this day. Mikey Taylor does that too. I think he owes Chase Gabor a ton of money and owe’s me a case of beer.

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What is easier to capture in a photograph, reality or fiction?

Fiction, because you can make it up anytime you want. You have to be there at the right time and the right place to capture reality. You can always tell someone to smile, but to catch someone really smiling isn’t as easy. What was the most difficult picture you have ever taken?

Probably anything that involved snowboarding. I took a stint on the show “Built to Shred” a couple years ago, and we had 2 weeks where we were in Utah shooting snowboading. It’s gnarley. Hiking and snowboarding with all your gear and at times hiking to another mountain after you set up your lights because it’s the best angle in freezing temps. I respect all snowboarding photographers now because of that. That’s a tough game. And which skating trick is the most difficult to capture in a photograph?

Manuals. Without a doubt. Those things can take months to get. I know, because I shot Joey Brezinski’s TWS pro spotlight. The hardest interview I ever shot. You usually work in black and white... Why?

Because I love the darkroom. It’s my roots. I’ve always loved black and white because it feels more real to me for some reason. I can’t really explain it, but there’s more attention to be paid for me on a black and white photograph. The skating photographer Dimitri Karakostas said: “If you shoot in digital, your pictures don’t exist”. Do you agree with that sentence?

I used to, but not really anymore. I love film, but times have changed. The game is adapt or die. Most of my clients only want digital because it’s easy to deal with… and well, they don’t have the patience for film anymore. If I didn’t shoot digital, I probably wouldn’t be working anymore. Plus, shooting sequences is a standard in skateboarding. I remember days where I’d look into a trash can and see hundreds of dollars worth of film wasted. I never want to experience that again. What I shoot with film are my personal photographs, and that means more to me. Digital is here… There’s nothing that’s gonna change or stop it.

“In a strange way, being run over by a car saved my life.”

If you had to choose only one photo to be remembered by, which one would you choose?

It would probably be my first Transworld cover with Lizard King doing a backside wall ride on a bridge. When I was a kid, I used to work at my parents vitamin store. I would have to always wait at the intersection that bridge is on. I always looked at it and always wondered if anyone could do that and how cool that photograph would be. Well 14 years later, I found out, and I shot it. Do you still sign your stories with “the unluckiest luckiest man on the planet”?

Absolutely. Not everyone gets what they want. I did… And all it took was getting run over by a car. What is your biggest dream in your life?

Ha, I thought I was living it!

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Art Drops by Element Eden & lamono www.elementeden.com · www.lamonomagazine.com

Hay oportunidades y oportunidades. Nunca sabes cuál va a ser la buena, detrás de qué estrella fugaz se esconderá, pero al caer la noche sigues mirando al cielo, respirando hondo porque el deseo siempre está ahí, latente. Para todas aquellas románticas que han encontrado en la ilustración la forma de seguir persiguiendo sus sueños, Element Eden y lamono presentan Art Drops. Mucho más que un concurso, una auténtica oportunidad para tu arte, ya que puedes convertirte en la nueva embajadora europea de Element Eden. Si resultas elegida la ganadora de Art Drops, diseñarás una colección exclusiva de camisetas de algodón orgánico para la firma y viajarás a Berlín para presentarla en el Bright Tradeshow Summer 2013. Unas semanas después volarás a Los Ángeles para mostrar tu trabajo en una presentación exclusiva con el resto de chicas de la familia Eden. Además, tu creatividad sabrá lo que es contar con el compromiso y el apoyo de una gran firma internacional en todos tus proyectos y exposiciones, dándote cobertura mediática y básicamente ayudándote en todo lo que esté en su mano. Además, disfrutarás de ser la primera en recibir en tu casa temporada tras temporada, una selección de prendas de sus últimas colecciones para que te pasees con ellas de aquí para allá antes incluso de que lleguen a las tiendas. Y todo esto sin contar con que te convertirás en el nuevo miembro de la gran familia de mujeres extraordinarias de Element Eden, que en sus filas cuenta con artistas como Crista Leonard, Juliana Newfield y un largo etcétera de inspiradoras féminas que seguro conoces. Por último (pero no menos importante), presentarás tu obra en una exposición individual en Barcelona y serás entrevistada en nuestro siguiente enúmero de mayo

¿Cómo participar? Muéstranos tu universo artístico. Para ello, solo deberás enviarnos UNA ilustración que respire el mismo aire y refleje la filosofía Live, Learn & Grow de Element Eden. La ilustradora que estamos buscando para ser la nueva embajadora europea de la firma debe beber del romanticismo de las estaciones, de la naturaleza, de los bosques. Una mujer que se viste con sus emociones, que sabe que al aire libre los sentimientos se sienten mejor. Un alma creativa sin miedo a volar, que siente que la expresión de su individualidad es el secreto para inspirar los sueños de los demás. Si tu ilustración vuela en esa misma dirección, eres la artista que las chicas de Element Eden están buscando. Junto con la ilustración con la que te presentas a concurso, que debe medir 620 px de ancho como mínimo (si es más grande no pasa nada), adjunta una breve bio y una fotografía tuya. Tienes hasta el 1 de abril para enviarnos tu propuesta a artdrops@lamonomagazine.com.

There are opportunities and opportunities. You never know which one will be the good one, or behind which shooting star it will be hidden. But when night comes, you’re still looking at the sky, breathing deeply, because your wish is always there, latent. For all you romantic ones who have found, in illustration, the way to keep following your dreams, Element Eden and lamono present Art Drops. Art Drops is much more than a contest, it is an authentic opportunity for your art. If you are the Art Drops winner, you will design a new Element Eden special collection of shirts made from organic cotton and you will travel to Berlin to present your collection at the Bright Tradeshow Summer 2013. A few weeks later you will fly to Los Angeles to show your work in an exclusive presentation with the rest of the Eden family girls. Moreover, your creativity will know what it is to count on the compromise and the support of a big international brand. Element Eden will support you with you your projects and expositions by giving you press coverage and helping you with everything in its power. In addition, you will enjoy being the first to receive, at your home, season by season, a selection of garments from their lastest collections so you can show them off everywhere, even before they arrive in the shops. And, of course, don’t forget you will become a new member of the Element Eden big family of extraordinary women, which is home to artists like Crista Leonard, Juliana Neufeld and a long list of inspiring females. Last but certainly not least, you will present your artwork at a solo exhibition in Barcelona and be interviewed for lamono magazine’s May issue.

How to participate? Show us your artistic universe. You just have to send us an illustration which reflects the Live, Learn, Grow philosophy of Element Eden and breathes its air. The illustrator we are looking for to be the new European advocate has to drink from the romanticism of the seasons, nature, forests… She must be a woman who dresses with her emotions, who knows that feelings are better felt in the open air. A creative soul that is not afraid to fly. A soul who feels that the expression of the individuality is the secret to inspire the dreams of the others. If your illustration flies in this direction, you are the artist who the girls from Element Eden are looking for. Along with the illustration that you submit to the contest, which must measure 620 px wide (it’s ok if it’s larger), attach a brief bio (with your website URL) and a picture of you. You have until the 1st of April to send us your proposal at artdrops@lamonomagazine.com.

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kareena zerefos

[Art·Drops by Element·Eden] Ilustra tu mundo Element Eden y conviértete en su nueva embajadora europea Viajar a L.A. para conocer a toda la familia Element Eden Diseñar una colección exclusiva y presentarla en el Bright Tradeshow Summer 2013 Contar con su apoyo en todos tus proyectos artísticos Recibir prendas de la colección de temporada antes de que lleguen a las tiendas

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# 89 · BIG · MARCH APRIL · 2013 COVER : Jacek Kaczynski · www.wuwejo.pl

DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com Associate Director Julio Amores julio@lamonomagazine.com Marketing Director & Fashion editor Anthya Tirado anthya@lamonomagazine.com 674 005 818 Art & Design Hernan Verdinelli hernan@lamonomagazine.com Redactors Xavi Ocaña / Victor Cardona / Antonella Sonza / Barbara Esteban / Marta Rosella Translation Roberta Phillips / Katie Gatens / Joanne Miralles / María Lujan Torralba Contributors Redactors: Ane Pujol / María Lujan Torralba / Ignacio Urquijo / Lara Turner Lorena Pedre / Alejandro Cinque / Roberta Phillips / Inés Troytiño / Alina Lakitsch Photographers: Berta Pfirsich / Adrián Morris / Alina Lakitsch. GUEST ARTIST: Kassia Meador For circulation customer service please send an email to barbara@lamonomagazine.com For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com subscription / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros

IMPRIME: Grafiques Impub Distribution: Tengo un Trato, S.L www.tengountrato.com DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395

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