Creadores 2017: Mac Svary, Almudena Fernández Ortega, AAron, Victoria Maldonado, Orlando Rojas y Fer

FE R NAN DO CLE M E NTE PE LÁE Z ALM U D E NA FE R NÁN D E Z ORTEGA OR LAN DO ROJAS G UTIÉR R E Z VICTOR IA MALDONADO AARON MAC SVARY

FE R NAN DO CLE M E NTE PE LÁE Z ALM U DE NA FE R NÁN DE Z ORTEGA OR LAN DO ROJAS G UTIÉR R E Z VICTOR IA MALDONADO AARON MAC SVARY

La Térmica – Málaga 09.06.2017 – 09.07.2017

7 Desde su primera edición el programa La Térmica Creadores ha ofrecido un apoyo fiel a la creación de 6 artistas contemporáneos, en cada una de las ediciones, con el fin de potenciar la promoción de sus trabajos e incentivar un acercamiento del arte contemporáneo a la gente de a pie.

En esta cuarta edición de Creadores, patrocinada por la Fundación Unicaja, los proyectos seleccionados han sido los realizados por AAron, Fernando Clemente, Almudena Fernández, Victoria Maldonado, Mac Svary y Orlando Rojas. Un grupo de artistas de diversas generaciones y procedencia y con trabajos muy dispares entre sí y cuyo nexo ha sido La Térmica, espacio en el que han desarrollado y materializado cada uno de los proyectos que esta exposición revisa.

La memoria es una facultad que permite al ser humano retener y recordar hechos pasados. Hechos o sucesos que tienen

como punto de partida los proyectos de AAron y Almudena Fernández, al igual que de una forma más colectiva aparece en el trabajo de Fernando Clemente. AAron a través de su trabajo «Volcanes de agua», regresa a su infancia sirviéndose, además, del imaginario colectivo para su desarrollo y materialización multidisciplinar del proyecto. Por un lado, analiza la figura de los volcanes llegando a asemejar su forma interior a la de las comunes campanas.

Forma que nos remite al origen del mundo, por su semejanza con la representación primitiva de la feminidad. Como resultado nos encontramos con unas campanas de bronce elaboradas a partir de la forma interior de diversos volcanes. Campanas que no pierden su sentido original como elemento sonoro, sino que el artista deja libertad al espectador para interactuar con las esculturas y así poder crear su propia melodía. Por otro lado, recurre a las clási-

cas balaustradas de madera para crear una estructura articulada, de la que se sirve para que sus propios compañeros, a modo de participantes, intervengan en su propia obra y actúen en la decisión final de su forma de representación. Momentos que a su vez ha inmortalizado y se exhiben en una serie de fotografías.

Recuerdos de niñez a los que vuelve hacer referencia Almudena Fernández en «SETI 1989», donde pone de manifiesto su temprana fascinación por lo desconocido, por el más allá y por la posible vida extraterrestre. Fernández crea una serie de objetos/estructuras/esculturas que podrían servir como reclamo de esa vida extraterrestre, a modo de radiotelescopios.

Objetos/estructuras/esculturas que realiza con elementos cotidianos de su entorno y cuya utilización no solo es el reclamo de otra «civilización», sino que los toma como modelos para su pintura, que finalmente es

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lo que queda de todo este proceso. Pinturas que nos muestran el particular mundo de Fernández y su visión de la astronomía y el más allá e incluso nos hacen replantearnos la existencia de una civilización superior a la nuestra.

Al igual Fernando Clemente recurre a la memoria colectiva, en un primer momento, por servirse del clásico proceso fotográfico en blanco y negro para materializar su trabajo «No lineal, acceso aleatorio», en el que juega con la capacidad que tiene la memoria humana de almacenamiento de recuerdos, cómo es capaz de extraerlos, ampliarlos o modificarlos. De manera que dispone ante el espectador una estructura de fotografías realizadas a modo de diario personal y a través de las que cada uno es libre de interpretar y crear su propia historia, otorgándoles así una independencia de lectura y análisis de la obra en sí.

Estas imágenes creadas por Clemente, en cierta manera, nos recuerdan a las creadas por el parisino Eugène Atget y su

particular forma de ilustrar el viejo París en vías de desaparición. Interpretación que hace Clemente de su propio entorno y a la que somete al criterio aleatorio de lectura de cada espectador.

En este apartado de la memoria colectiva podríamos incluir los trabajos de Orlando Rojas Gutiérrez, quién ha llevado a cabo un análisis de las diferentes culturas que se han ido sucedido en nuestro país hasta nuestros días, haciendo especial hincapié en los caracteres de la escritura árabe. Caracteres que utiliza como patrón y que repite en diversos de sus trabajos.

Además, continúa con sus investigaciones sobre los procesos interculturales contemporáneos y la experimentación en la pintura.

Mientras tanto, Mac Svary influenciado por los medios, la sociedad y la cultura hiphopera norteamericana, crea su propia estética y universo pictórico, en el que no solo recurre a imágenes colectivas, sino que frecuentemente incluye a los miem-

bros de su familia en sus creaciones. Las imágenes que componen «Guetto symphony» no solo se quedan con lo anecdótico de estas tribus urbanas, se convierten en una suerte de manifiesto en pro de la multiculturalidad, a la vez que se detienen en analizar la identidad de una sociedad en declive.

Finalmente, encontramos «Weltinnenraum –el cobijo–» proyecto en el que Victoria Maldonado lleva a cabo la búsqueda de un mundo interior que reinterpreta como paisajes utópicos. Paisajes que materializa en esculturas cerámicas, en las que el azar y el hallazgo casual forman parte clave de la creación. Situándonos ante una serie de objetos que crean ese utópico paisaje, en continua búsqueda de ese no lugar que acompaña en la aventura de la creación de Maldonado.

Paloma González Dotor Mayo 2017

AARON

AAron (San Fernando, 1970) estudió Bellas Artes en la Universidad de Sevilla donde posteriormente también se doctoró y formó parte de varios grupos de investigación. En la actualidad trabaja como profesor en el Dpto. de Escultura e Hª Artes Plásticas en la Universidad de Sevilla.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales: «Lebensformen. Diario para una biografía fósil» (Casa de la Provincia. Diputación de Huelva, 2016); «Andamios de Hueso y Carcoma» (Galería JM. Málaga, 2011), entre otras.

Como exposiciones colectivas cabe destacar: «Solidown. Exposición subasta» (2016); «Made in Spain» (CAC Málaga, 2015); «Imago Mundi» (Fundación Giorgio Cini, Venezia, 2015); «Tierra batida. El Butrón» (Sevilla, 2015); «Tiafair Art Toronto (Canadá, 2007), entre otras.

Ha sido seleccionado en una gran cantidad de becas, ayudas, estancias y ha recibido premios como el «I premio de Instalación Art Salamanca 2009 con El mundo es un escenario Teatralidad y Narración en el arte contemporáneo o el «Premio III Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí», Córdoba. AAron tiene obras expuestas en la colección permanente el CAC Málaga, en la colección permanente DA2 en Salamanca, en la Diputación Provincial de Cádiz y Huelva, entre otras colecciones.

Volcanes de agua Destruye, construye… juega

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Cuando apenas contaba con 3 años, recuerdo un inmenso cráter circular desde cuya cresta descendía un camino, un carril de tierra volcánica que conducía al fondo, hacia una pequeña casa rodeada de plataneras. Al cabo de los años he reconocido el lugar. Era la caldera de Bandama, a unos kilómetros al sur de Las Palmas de Gran Canaria, tierra natal de mi padre. Una imagen constante, permanente. Un cráter apagado, una caldera dormida, sin lava, ni fuego, hueco fértil y volcánico que asocio a su recuerdo. Un volcán de agua.

Mi imaginario, al igual que el de cualquier persona, se construye continuamente desde múltiples vivencias. La visión vitalista sugerida en una explosión de alegría, luz y música tras aquella gran montaña en la película Encuentros en la tercera fase (S. Spielberg, 1978), es una de las primeras.

Probablemente asocio aquel momento a los juegos que con mis hermanos hacíamos al elevar construcciones por doquier.

Unas veces los llenábamos de agua, o los rodeábamos de canales que inundaban su interior, o bien los convertíamos en múltiples fumarolas de fuego. Siempre rodeados de montículos que erigíamos aquí y allá.

Sí. Siempre resultaba ser el momento justo para construir. Parecíamos una mente. Éramos una sola mente. Montañas de arena y montañas de sal. Volcanes, salinas, chimeneas de tierra, cabañas de ramas,

hogueras de piedras… y aquellos primeros dibujos en los que descubrí el mundo interno de la tierra, que imaginaba lleno de colores intensos, rojos, amarillos y los azules del mar.

Bauman dice que las identidades se asemejan a una costra volcánica que se endurece, vuelve a fundirse y cambia constantemente de forma. Éstas parecen estables desde un punto de vista externo, pero al ser miradas por el propio sujeto aparece la fragilidad y el desgarro constante.

De hecho, a medida que construimos el ahora modificamos, moldeamos, reinventamos, redefinimos nuestro pasado, en un continuo proceso de creación-destrucción cuyos juegos y flujos generan la cultura. La ilusión de permanencia cultural, ensoñación y reconstrucción como signos de identidad personal y colectiva. El volcán sobreviene en este proyecto como un elemento identitario en continua construcción-destrucción.

Como esa montaña en estado de permanente inquietud, que me permite revivir aquellos universos cargados de experiencias primigenias, ingenuidad, simbolismos y vitalidad.

«Volcanes de agua» combina aquellos episodios de la infancia donde el vitalismo y lo lúdico fueron leitmotiv, con las experiencias e intercambios que se han desarrollado durante esta beca residencia, incidiendo en el sentido participativo que lo define. Una

fusión entre el imaginario simbólico colectivo y mi propio imaginario vivencial.

Las serie fotográfica Toma de contacto está compuesta por fotografías de gran formato configuradas por fragmentos corpóreos que quedan engarzados en acciones realizadas en distintos espacios de La Térmica con la colaboración de mis compañeros. El engarce como código, donde el gesto y el contacto con los otros resulta el lugar donde se articula el lenguaje. Los juegos y contrucciones colectivas que propone la serie Fluidos Objetuales evocan la idea de composición cambiante y multiposicional. Estas piezas instalativas y participativas aluden a los modos de construir colectivamente. A modo de paisaje sonoro, a través de elementos como la sonoridad y el silencio, he configurado la pieza Sinfonía Volcánica mediante una serie de volcanes-campana fundidos en bronce y de dimensiones variables.

Este proyecto ha tenido lugar gracias a la colaboración de los demás artistas becados en esta edición Creadores 2017, los cuales lo han hecho posible, participando, jugando, construyendo, modificando y activando las piezas y series que lo integran.

A todos ellos gracias.

AAron 17.05.2017

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Volcán de agua. Sinfonía volcánica (2017) ∞ Bronce policromado ∞ Dimensiones variables. Serie de 11 piezas

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Toma de contacto. Construcción policéfala 02 (2017) ∞ Serie fotográfica. Dimensiones variables

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Construcción policéfala (2017) ∞ Serie fotográfica. Dimensiones variables

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Fluido Objetual II. Agua y lava (2017) Madera de pino policromada ∞ Dimensiones variables

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Fluido Objetual. Cromatismo quebrado (2017) ∞ Madera de haya policromada ∞ Dimensiones variables

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Fluido Objetual. Cromatismo quebrado (2017) ∞ Madera de haya policromada ∞ Dimensiones variables

ALMUDENA FERNÁNDEZ

Almudena Fernández (Sevilla, 1984) cursó la licenciatura de Bellas Artes con especialidad en Pintura y Conservación-restauración en la Universidad de Sevilla. Es técnica en Serigrafía y técnica superior en Artes Aplicadas al muro.

Vivió en un entorno rural hasta los 26 años, trabaja dos años en Évora y Lisboa y vuelve a España en 2013. En su pintura afloran sus experiencias biográficas en la zona comprendida entre Las Pajanosas, Aznalcóllar y La Nava, lugares donde su padre trabajó como minero y apicultor.

Le interesa la ciencia, sobre todo los temas relacionados con la astronomía, la geología y biología, filtrados estos a través de las vivencias de su infancia más silvestre.

Entre sus últimas exposiciones destacan en 2016: Bienal Fundación Rafael Botí (Córdoba), «Libro de Bolsillo» comisariada por Elena Caranca (ArtMarbella), «We are fair, 3 Comisarios/3 Artistas», seleccionada por Sema D’Acosta (3K ART, Madrid), «Neighbours III», comisariada por Fernando Francés (CAC Málaga), entre otras.

Ha sido galardonada con el primer premio Málaga Crea 2017.

SETI 1989

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El proyecto pictórico «SETI 1989» pretende materializar mi inquietud más temprana hacia lo desconocido desde la práctica del juego, enfocado hacia la astronomía más furtiva y fantástica relacionada con los ovnis y los diferentes modos que existen para contactar con inteligencias alienígenas.

Esta idea toma como referencia el programa SETI, Search for ExtraTerrestrial Intelligence, o Búsqueda de Inteligencia Extraterrestre, es un proyecto financiado por la NASA en los años 70-80 que trata de encontrar vida extraterrestre por medio del análisis de señales electromagnéticas, captadas a través de radiotelescopios colocados en diferentes partes del mundo, o

bien emitiendo señales desde la Tierra para ser contestados por seres de otros planetas (METI). Esta propuesta artística se remonta a mi primer contacto con la astronomía, en la aldea de La Nava (Sierra de Aracena), donde solía dar paseos nocturnos con mi familia por las afueras del pueblo y donde mi tío más joven tenía en casa de mis abuelos un pequeño telescopio para ver la Luna. En esas excursiones de verano me di cuenta de que las estrellas siempre estaban a la misma hora en el mismo lugar, y entonces escogí una para mí, tenía entonces 5 años (1989). Desde aquella aproximación a la astronomía siempre desee ver algún ovni, acontecimiento que felizmente ocurrió en dos ocasiones años más tarde.

Esa inquietud que se despertó en mí sobre lo desconocido a finales de los 80, se materializa actualmente como un juego infantil, trasladando a pintura objetos que se acercan visualmente al cielo nocturno, versiones de ilustraciones de libros antiguos de astronomía, composiciones con piedras y rocas que podrían parecer de otros planetas y estructuras hechas con tapetes y retales de las cortinas alpujarreñas de mi abuela materna, natural de Granada, que introdujo este tejido típico al imaginario de mi infancia y de La Nava. Estos llamativos objetos SETI sirven a modo de radiotelescopios y así llamar la atención de los extraterrestres y poder conocerlos.

Objeto SETI 13 (2017) Óleo sobre lino 100 × 81 cm

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El milagro verde (2017) Óleo sobre lino 27 × 22 cm

Objeto SETI 4 (2017) Óleo sobre lino 195 × 150 cm

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B & B (2017) ∞ Óleo sobre lino ∞ 100 × 100 cm

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Reunión SETI 8 (2017) ∞ Óleo sobre lienzo ∞ 46 × 55 cm

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Encélado (2017) Óleo sobre lino 35 × 27 cm

Aquí (2017) Óleo sobre lino 27 × 22 cm

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FERNANDO CLEMENTE

Fernando Clemente (Málaga, 1983) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, ha realizado un postgrado en Medios audiovisuales en la Universidad de Granada y es técnico en Construcción de Escenografía y tramoya (Málaga).

Ha realizado exposiciones y proyecciones como la exposición colectiva en Planta Baja «Producto» en 2006 o la emisión de la videocreación «Caliptra» en el programa Paraíso de Onda Azul. Con la misma videocreación fue finalista en el Festival Internacional de jóvenes realizadores de Granada en 2008.

Ha diseñado y construido escenografías y decorados para diversas obras: Así que pasen, Cuando el verde se tragó un sueño y Princesa Bari para Mu Teatro. Don Juan Tenorio para Escénica Técnica. Ha diseñado y construido «Las medusas», decoración de la calle Larios para la Noche en Blanco 2015, entre otros.

Fernando tienen experiencia como docente en diversos cursos sobre fotografía, revelado, multimedia y vídeos interactivos.

No lineal, acceso aleatorio

34 «No lineal, acceso aleatorio» es una composición artística donde la imagen fotográfica es el elemento central, realizada sobre soportes de madera y acompañada por libros en diferentes formatos.

La obra fotográfica se muestra como un discurso onírico que juega con la construcción de una nueva memoria a partir de recuerdos existentes, de la deriva de pensamientos del autor. Pretende contar una historia a partir de imágenes elegidas por su carga emocional, imágenes sencillas y como en un juego, entrecruzar todos sus elementos de forma aparentemente aleatoria y así poder dar al observador una nueva visión del recuerdo, quizás adaptando sus propias experiencias. La intención es compartir las imágenes con el espectador, hacerlas suyas y de esta forma continuar caminos nuevos.

Visualmente la instalación es una suerte de composición fotográfica, un gran

mapa lleno de caminos y variables. Entre estos podemos encontrar las imágenes navegando, creando vínculos entre ellas, forjando nuevos caminos.

Las imágenes han sido tomadas en los últimos diez años, forma parte de archivo analógico de recuerdos guardados en hojas de contactos, de viajes, momentos decisivos, fotografías del camino, tomadas con el tiempo suficiente.

El concepto de la obra está basado en la manera que tiene la memoria de almacenar los recuerdos, capaz de extraerlos, ampliarlos, modificarlos. Esto me llevó a un símil con la edición de vídeo no lineal.

Con esta referencia «No lineal, acceso aleatorio» he querido jugar con el concepto utilizado en los medios audiovisuales, más concretamente en los sistemas de edición que se utilizan desde los años 60 y que no han parado de evolucionar hasta la fecha.

El término «edición de vídeo lineal» es una práctica de edición de vídeo utilizada desde mediados del siglo XX hasta los comienzos del siglo XXI. El sistema de grabación se realizaba de forma analógica sobre cintas magnéticas donde los clips se montaban unos tras otros sin alterar nunca esa disposición, siempre con un orden. Más tarde llegó la edición no lineal «sistema de edición no lineal de acceso aleatorio» impulsado por la evolución digital. El usuario podía editar en cualquier punto de la composición con total libertad, moverse por los tiempos de una forma más plástica y en consonancia con la forma del recuerdo. Esta forma de alterar lo recordado es un símil a la forma en la que compongo la fotografía y de ahí que tomase su nombre como referencia.

No lineal 02 (2017) Gelatina de plata, papel fibra. Montaje madera de pino.

45 × 35 × 5 cm

No lineal 03 (2017) Gelatina de plata, papel fibra.

Montaje madera de pino.

45 × 35 × 5 cm

No lineal 34 (2017) Gelatina de plata, papel fibra.

Montaje madera de pino.

21 × 16 × 2 cm

No lineal 30 (2017) ∞ Gelatina de plata, papel fibra. Montaje madera de pino ∞ 21 × 17 × 2 cm

No lineal 07 (2017) ∞ Gelatina de plata, papel fibra. Montaje madera de pino ∞ 27 × 20 × 2 cm

No lineal 41 (2017) Gelatina de plata, papel fibra.

Montaje madera de pino.

27 × 20 × 2 cm

No lineal 01 (2017) Gelatina de plata, papel fibra.

Montaje madera de pino.

45 × 35 × 5 cm

ORLANDO ROJAS GUTIÉRREZ

Orlando Rojas Gutiérrez (Cúcuta, 1982) obtuvo el título de Técnico en Artes Plásticas en el Instituto de Cultura del Norte de Santander cuando cursaba estudios de bachillerato. Se graduó como maestro en Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia con grado meritorio. En el año 2007 fue seleccionado por la Universidad Nacional de Colombia en conjunto con la Universidad Complutense de Madrid para asistir a la beca-curso iberoamericana «La imagen de la naturaleza y la naturaleza de la imagen», otorgada por la Fundación José Félix Llópis y la Fundación Carolina en la isla de Contadora, Panamá.

Recientemente cursó el Master de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid, gracias a la prestigiosa beca Fundación Carolina – Fundación Endesa 2014/15.

Su actividad artística se ha desarrollado principalmente a través de la pintura, el dibujo, la intervención pictórica, así como a través de proyectos de experimentación sonora y musical, los que en ocasiones ha combinado con su obra plástica por medio de instalaciones o acciones colectivas.

Desde el año 2006 realiza talleres de Arte y Arte-terapia para diferentes sectores sociales, su trabajo ha recibido el premio Arcos Dorados de Pintura Latinoamericana 2013, su obra es presentada en numerosas y relevantes exposiciones nacionales e internacionales desde 1999 y ha sido adquirida por importantes colecciones de arte como la Colección Gómez.

El mestizaje cultural sudamericano con sus dinámicas, potenciales y conflictos sociales internos y las relaciones que establece con otros procesos globales; me ofrecen una amplia variedad de puntos de vista y contrastes. Es ahí que establezco el terreno donde cultivo mi lenguaje pictórico.

Nuestro mestizaje es nuevo en relación histórica respecto a la mayoría de otros procesos como éste en el planeta.

El mundo conoce la existencia de nuestro continente Amerindio —al menos abiertamente— hace pocos siglos. Lo mismo sucede en sentido inverso, es decir, para el continente Amerindio se abre la totalidad del mundo recientemente. La importancia de esta novedad de nuestro mestizaje y la escala de ese acontecimiento no ha sido estudiada aún lo suficiente. Para nosotros se encuentran inexploradas nuestras propias perspectivas. Seguimos sin transitar cabalmente nuestros propios caminos como mestizos conscientes. Nuestra tarea identitaria sigue pendiente.

Aquello que Occidente comprende dentro de la noción de arte, para el mestizo latinoamericano se expande en una paleta más basta y diversa. Pues constituye de fondo una «porción» activa más —entre

otras—, de la ampliada esfera de creación propia. Por ello, una noción posible de la palabra Arte, comprendida desde una despierta conciencia mestiza sudamericana, constituirá quizás una fracción de un concepto más extenso articulado a las demás nociones de arte que nos habitan, como herederos de heterogéneas y milenarias construcciones humanas de sentido: | arte - … - … - |. Estamos vislumbrando, creando, apremiando otros nombres en la medida en que vayamos transitando diversos estadios de madurez cultural de autoreconocimiento o de gradual conciencia colectiva, que nos permita valorar y cultivar libres de todo colonialismo, nuestras propias visiones y nuestros propios sentires.

Desde un imaginario personal que establece puentes con los procesos sociales y culturales, he venido así cultivando y construyendo con el tiempo una suerte de idioma pictográfico, una especie de multiverso pictórico en el que los elementos que interactúan en su interior yuxtaponen alusiones a diversas identidades en juego.

Una poética mixta que explora alternativas expresivas propias que permitan un diálogo creativo permanente con otros lenguajes culturales. Emergen de esta manera una

suerte de «ecuaciones pictóricas», como sustitutos de conceptos, modos, códigos y fases de comunicación intercultural. Traducciones plásticas de aquellas dinámicas socioculturales, estéticas, epistemológicas, en simbiosis, en fricción… Señalando la actual fase efervescente de nuestro «laboratorio cultural».

Exploro desde esa creciente conciencia algunas posibilidades de consensos o disensos socioculturales a través de la pintura, como escenario análogo. Surgen variaciones de entronques culturales traducidas en composiciones que se instauran en fisuras, permitiendo alternativas plásticas de confrontación, o despejando zonas de tolerancia ontológicas que permitan imaginar momentos de articulación, armonía o danza pluricultural, como contrapeso a una realidad rígida global, que se opone a la libertad de expresión de las culturas.

Se atisba allí, el surgimiento de un lenguaje mestizo que reconoce la multiculturalidad de su origen y que se expande, integra y camina entre escombros y viejas resistencias hacia un horizonte múltiple común.

Tuteca atemporal (2017) ∞ Aerosol y esmalte sobre tela estampada ∞ 180 × 180 × 2.5 cm

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Nebulosa  (2017) Tinta china sobre papel 100 × 150 cm

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Cópula cosmonáutica (2017) Tinta china y acrílico sobre papel 100 × 150 cm

VICTORIA MALDONADO

Victoria Maldonado (Málaga, 1989) es doctoranda en la facultad de Bellas Artes de Málaga donde previamente ha cursado el máster en Producción Artística Interdisciplinar y el grado de Bellas Artes.

Ha impartido numerosos talleres y conferencias y ha formado parte de numerosas exposiciones colectivas entre las que destacan: «Under 35» (Galería GACMA, Málaga, 2016), «Tiempo de luz» (MUPAM, Málaga), «Días para contar» (CAC Vélez-Málaga, 2015).

Además ha realizado exposiciones individuales como «Something must break» (Sala Santa Inés. Beca Iniciarte Sevilla, 2016) o «Vestigio e impotencia» (Facultad de Bellas Artes, Málaga, 2016).

Victoria ha sido galardonada con el Premio Nocapaper.Comisariado por Carlota Loveart en la feria MARTE (Castellón) en 2016. Ha recibido la beca Fundación Viana (Córdoba) de producción en la Fundación BilbaoArte (Bilbao) en 2016. En el mismo año recibió el premio a mejor habitación en Art & Breakfast Málaga.

WELTINNENRAUM —el cobijo—

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Veintiocho años viviendo en el barrio de Santa Paula, La Luz-La Paz. Si no estás familiarizado con la zona, te diré que vivo a cinco minutos de la Térmica, la que en estos últimos cuatro meses se ha convertido en mi zulo, mi trinchera, mi cobijo.

Sincerándome un poco más contigo, te contaré que lo más que me acerco al paisaje en mi día a día es al parque de mi barrio. En este caso, al jardín de la Térmica e, incluso, al transitar por los pasillos de la planta principal, los cuales están decorados con azulejos de ornamento floral.

He crecido y me mantengo en un entorno puramente urbano —cada cual con sus circunstancias—.

En su libro Granos de polen el poeta Novalis viene a decirnos (o más bien a mí) que el universo está en nosotros mismos,

no conocemos las profundidades de nuestro espíritu: el camino del misterio se dirige hacia dentro. Y, la verdad, no puedo empatizar más con él.

No es que quiera hacer apología proletaria con todo lo que te estoy contando pero, como te he dicho antes, cada cual con sus circunstancias.

«Weltinnenraum —el cobijo—» es una conclusión inacabada, un intento de acercamiento —no sé si frustrado— a la poesía del Romanticismo Alemán. Weltinnenraum significa «mundo interior». El mundo que experimento en mi taller —zulo, cobijo—, me introduce en una naturaleza salvaje que deviene del proceso de trabajo con barro y porcelana. Soy consciente de que los paisajes que genero son puramente utópicos.

Paisajes que parten de mi cotidianidad, de mi contexto urbano.

Dichos planteamientos me hacen potenciar aspectos que me interesan, como profundizar en la doble temporalidad de la escultura. Por un lado, el azar y la serendipia que surgen en el proceso y, por otro, el tiempo dilatado del estudio, de las huellas que se dejan en el acto, abordando la dialéctica entre el arte como algo efímero y el dejar una impronta: la contraposición de la experiencia del caminar como huella fugaz enfrentada a la huella física que se deja en el proceso escultórico.

No sé qué más contarte, puede que me haya sincerado demasiado contigo o puede que todo se traduzca en contingencia... este es un trabajo que tienes que acabar tú.

Atentamente.

Victoria Maldonado 14.05.2017

WELTINNENRAUM —el cobijo— (Detalle, pieza central) (2017) ∞ Porcelana y cerámica esmaltada ∞ 36 × 21 × 10 cm

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WELTINNENRAUM —el cobijo— (2017) Porcelana y cerámica esmaltada Medidas variables

WELTINNENRAUM —el cobijo— (Detalle, pieza derecha) (2017) ∞ Porcelana y cerámica esmaltada ∞ 28 × 19 × 10 cm

WELTINNENRAUM —el cobijo— (Detalle, pieza izquierda) (2017) ∞ Porcelana y cerámica esmaltada ∞ 45 × 17 × 7 cm

M A C S VA RY

Mac Svary (Murcia, 1994). Tras realizar el bachillerato artístico se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Granada. Javier Parra o Mac Svary es un artista visual enfocado a la creación pictórica y a la producción de contenido audiovisual. En 2016 recibió el primer premio Alonso Cano en la modalidad de Nuevas tecnologías de la Imagen y en el mismo año fue nominado por la facultad de BBAA de Granada para acceder a la selección del festival Neu Now de la European League of Institutes of the Arts.

Ha realizado numerosos cursos sobre pintura figurativa y ha realizado exposiciones en el Teatro Villa de Huercal (Almería), en el Fondo Cultural Espín (Lorca) y el CIC El Pósito (Loja), entre otras.

Guetto Symphony

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«Guetto Symphony» es un proyecto en el cual se plantea la creación de una estética y universo personal teniendo como punto de partida la cultura del hip hop estadounidense, elementos de la cultura pop internacional y la manipulación, apropiación y descontextualización de identidades.

En cuanto al hip hop, intento abordarlo desde la vertiente más underground hasta la más mainstream. Recorro toda su historia, desde sus inicios en los barrios marginales del Bronx, cuando la sociedad afroamericana buscaba una vía de escape de la realidad llena de pobreza, miseria, drogas, violencia, prostitución y peleas de bandas que les había tocado vivir hasta el día de hoy, cuando ha alcanzado una popularidad inimaginable en sus comienzos, ha creado historia y ha marcado la forma de vida de varias generaciones. De todo este amplio abanico extraigo aquellos elementos que me parecen interesantes y representativos de esta cultura y los incluyo en las composiciones que construyo.

Analizo y descompongo la cultura pop contemporánea para obtener aquello que me interesa y encaja dentro de mi obra.

Establezco un diálogo entre el pop occidental y oriental; ambos se unen para dar forma a mi obra. Estados Unidos y España son los principales focos de atención en occidente, mientras que Japón y Korea acaparan mi máximo interés en cuanto al territorio oriental.

Actualmente, el uso de Internet y de las redes sociales nos muestra cuales son las tendencias actuales, las personas que reciben mayor seguimiento y atención por parte de la población y todo aquello que es aceptado como popular y mainstream por la sociedad, por lo que recurro a Instagram para obtener imágenes que posteriormente descontextualizo y manipulo a favor de la construcción de mi obra.

El tema de la apropiación, manipulación y descontextualización de identidades es fundamental en mi trabajo ya que me permite utilizar imágenes y personajes de las

redes y alterar su significado por completo.

Me apropio de imágenes de personas de Instagram y Snapchat que, bajo mi punto de vista, representan la época que estamos viviendo (sin importar la popularidad o cantidad de seguidores que posean) y las hago partícipes de mi obra. Podemos encontrar modelos, músicos, actores o reconocidos influencers junto a adolescentes cuya mayor aspiración es la de conseguir aumentar sus seguidores y hacerse un hueco en esta sociedad tan dispar en la que vivimos.

También juego con identidades de personas cercanas, como es el caso de mi padre, el cual manipulo, descontextualizo e incluyo en la mayor parte de mis piezas jugando un rol alejado de la realidad. Di forma y creé su personaje, Ronald de Santa, que aparece en la obra adoptando una pose y actitud que guarda similitud con los representantes del gangsta rap.

Mac Svary

Hi Papis (2017) ∞ Técnica mixta sobre tabla ∞ 120 × 120 cm

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PAPI MAC.S (2017) Técnica mixta sobre tabla 60 × 40 cm

Papi MAC.S have made it (2) (2017) Técnica mixta sobre tabla 60 × 40 cm

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Don’t cry my nigga (2017) ∞ Técnica mixta sobre tabla ∞ 60 × 60 cm

Papi Donald (2017) ∞ Técnica mixta sobre tabla ∞ 120 × 120 cm

Papi Mac.s have made it (5) (2017) Técnica mixta sobre tabla 60 × 40 cm

Papi Mac.s have made it (4) (2017) Técnica mixta sobre tabla 60 × 40 cm

Diputación de Málaga presidente

Elías Bendodo diputado de cultura y educación

Víctor Manuel González García director de la térmica

Salomón Castiel

La Térmica Diputación de Málaga Av. de los Guindos, 48. 29004 Málaga t. 952 069 100 | f. 952 239 780 www.latermicamalaga.com

catálogo

exposición

derechos exclusivos de esta edición

producción

La Térmica / Diputación de Málaga © Autores respectivos

La Térmica comisariado

artistas

y dirección de montaje

Fernando Clemente Peláez Almudena Fernández Ortega Orlando Rojas Gutiérrez Victoria Maldonado AAron Mac Svary

Paloma González

textos

Violeta Sánchez Paloma González fotografía

José Báez diseño y maquetación

Miguel Gómez Jacobo Gómez · DSGN.es

diseño gráfico

Miguel Gómez Jacobo Gómez coordinación de la exposición

Yolanda Guadamuro Violeta Sánchez vinilos

Mora Digital vídeo

José Báez Antonio Rodríguez agradecimientos

Fundación Unicaja imprime

Imagraf impresores

montaje

Artemontaje seguro

AON Seguros

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El catรกlogo LA Tร RMICA CREADORES 2017 se terminรณ de imprimir en Mรกlaga, en los talleres Imagraf Impresores, el 6 de junio de 2017