OtoĂąo 2011 Londres nĂşmero 1
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free casa I la maquina tanguera I cultura graffiti I vintage
Dirección creativa y editorial Silvia Demetilla silvia@latundra.com
Diseño gráfico Silvia Demetilla - Antonio Di Pierro
Columnistas y colaboradores Elizabeth Faitarone Luz Martí Jav 113- Ilustraciones Marta Pino- Comics Paula Rodríguez Pardo Isabel Marazina Natalia Méndez
Foto de tapa
Editorial- Años Luz del mundo La idea de hacer una revista rondaba mi cabeza hace mucho. Muchísimo. Cuando todavía vivía en Argentina, cuando veía el mundo con ojos idílicos y Londres no era más que una ciudad muy moderna a la cual jamás hubiera pensado en emigrar. Una escala en un vuelo a Europa lo cambió todo. Vida, sueños, proyectos, ideas, música y demás. Mi historia es la de tantos... Hoy vuelvo a creer en la revista que imaginé y la dejo tomar vuelo. La tundra parece ser uno de los lugares más difíciles para la supervivencia. Como ustedes, yo quiero volver a encontrar aquellos fuegos que dejé encendidos en tantísimos inhóspitos parajes. “La tundra” en español para que juntos volvamos a conectarnos de manera certera, creativa y sincera. En nuestro primer número los invito a acompañarnos en este recorrido que comienza por Londres. Destino final, desconocido. El fuego está encendido... Silvia Demetilla
Graffiti en Bogotá- Colombia Stinkfish www.stink.tk
Fotografías de este número Buytronic Stinkfish Silvia Demetilla Gustavo Goñi
Marketing y publicidad Sara Beavis sara@latundra.com
Agradecimientos Ana María Shua, Angela Lee, Jorge Macchi, a todos nuestros entrevistados, colaboradores y a quienes creyeron en este proyecto. A Sara que se puso el trajecito de la alegría.
Impresión Evonprint www.latundra.com info@latundra.com
La Tundra ISSN 2047-0851 Número 1- Otoño 2011 Londres Los artículos y anuncios publicitarios, así como las opiniones de los entrevistados, no reflejan necesariamente la opinión del editor. Se prohíbe la reproducción parcial o total del contenido de esta revista sin previa autorización por escrito del editor. Todas las fotografías e ilustraciones son publicadas con permiso de sus correspondientes autores. La información es correcta al momento de la impresión.
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la tundra
“La tundra” es una revista estacional publicada cuatro veces al año en Londres. El papel de esta revista proviene de medios sustentables.
© La tundra- Londres 2011
contenidos OTOﾃ前 EN LA TUNDRA
04- postales de viaje punta del diablo- uruguay
Columnas
06- trajecito de amianto 08- extra extra 14- espacios de teatro 15- pensando el malestar de la epoca
moda 22- vintage 25- joyas de autor
jav 113
entrevistas
10- daniel goldman- casa 16- la maquina tanguera 18- cultura graffiti
26- agenda 29- la sueﾃｱera 30- oveja negra
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PUNTA DEL DIABLO- URUGUAY POSTALES DE VIAJE SILVIA DEMETILLA
Donde todavía es posible encontrarse con uno mismo, disfrutar del silencio, recorrer calles de tierra, ver pasar la hora a través del lento reloj que rige su tiempo. Transitar las ansias de otra forma. Amaneceres azules ávidos de poesía escrita en cualquier rincón sin importar el qué dirán. Benedetti- después de todo- tiene derecho propio de ser leído por todo el mundo. Punta del Diablo tal vez sea uno de los secretos que mejor guarda Uruguay.
Volvamos, antes que nos descubran.
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la boba se murio escribe: Luz Marti
“Trajecito de amianto” Un desafío para recuperar los sentidos
¿Cómo te podés comer eso? - Le pregunté a mi hija que no paraba de masticar unas galletas como infladas que parecían un pedazo de poliestireno. Están buenas - me contestó con esa amplitud de vocabulario que emplean los adolescentes - No tienen gusto a nada, son medio dulces, es como comer aire - remató. Con el aire no engordás y con eso te vas a poner como un chancho, para eso comete algo rico- dije temiendo de repente provocarle un desorden alimenticio con mi aseveración. La chica me miró de reojo y siguió su camino con la bolsa de galletas sin hacerme el más mínimo caso y yo me quedé pensando en cómo los gustos y el gusto han variado en los últimos tiempos. En cómo han variado los cinco sentidos.
La vista ocupa sin duda el primer puesto. Todo se ve, todo
Aprendimos a pedir más mega píxeles y más High
Definition. Tenemos videos de cumpleaños, de casamientos, de asados, de vacaciones, de hoteles por horas, partidos de fútbol, de cámaras ocultas, cámaras de seguridad y, como si fuera poco, los subimos a redes para que otros desconocidos los vean.
No dejamos nada para nuestra privacidad ni para la ajena:
somos capaces de seguir por televisión las alternativas de la vida de doce tarados encerrados en la Casa de Gran Hermano que además de no hacer absolutamente nada durante el día y de roncar toda la mañana tapados con acolchados así hagan 47°C, no son capaces de articular una frase entretenida en todo su cautiverio.
se filma, se fotografía. Todo se guarda sin editar en montones de CD sin saber qué tiempo permanecerán allí esas imágenes sin borrarse (todavía no conocemos la duración de estas tecnologías), sin pasarlas al papel, sin miedo de perderlas.
Como si no alcanzara con el uso externo y social de
En los viajes
todavía pero me atrevería a decir, está acotando sus funciones: se oye lo que se quiere oír, generalmente música, metida dentro del cuerpo en unos auriculares diminutos que colaboran doblemente con el uso que queremos darles: entren la música, aíslenme del resto. Hasta elementos que eran privativos del oído han dejado entrometerse a la vista: los teléfonos celulares y los porteros eléctricos han anexado cámaras que los hacen mucho más atractivos y nos permiten ver aún más cosas.
podemos hacer infinidad de tomas digitales y verlo todo a través de un lente o en una pantalla, olvidando el contacto con el lugar y con todo lo que podríamos sentir si bajáramos esa cámara por un rato y miráramos a la gente a los ojos, habláramos con ellos, oliéramos el olor del mar, del aire de montaña, probáramos los platos más simples del lugar, jugáramos con la arena finita y suave o, a escondidas, nos sacáramos los zapatos para sentir bajo los pies el pasto fresco y mullido de una plaza desconocida.
Tenemos filmaciones del acto de fin de año de Juancito, del parto de Juancito, de cuando Juancito se sentaba en la pelela, aunque después haga tres días que Juancito no venga a dormir y no sepamos dónde está a pesar de que tenga nueve años.
Es como si viviéramos la vida con atraso: registro el hecho
con una máquina, después, cuando quiero, miro el reflejo de aquél momento. Tanto hablar de vivir el presente, parece que hubiéramos perdimos la noción de “ahora” creyendo que es algo que sucederá cuando lo decidamos.
nuestras fotos y filmaciones, en la videoteca tenemos la artroscopía y la colonoscopía, verdaderos paradigmas de la Cámara Oculta.
El oído, que necesita cada vez más decibeles, funciona
El gusto y el olfato también han perdido gran parte de sus
capacidades. Ni siquiera el cine o la música los recuerdan. Ya no hay más títulos sugestivos como “El Olor de la Papaya Verde” o “Sabor a Ti”. El primero, el más perjudicado, ha caído en picada vencido por la comida chatarra, la manipulación genética, el exceso de riego y de hormonas que han convertido a frutas y verduras en unas plastilinas insípidas y secas de distintos colores que usamos para saciar el hambre pero nunca la vieja y querida gula.
En las ciudades se ha perdido el aroma de la comida
casera. Las carnes saben todas igual: a feed lot. (Es casi imposible diferenciar el cerdo del cordero o de la vaca.
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Comen todos el mismo alimento balanceado de basuras
trituradas, no caminan, no eligen de acuerdo con su especie). El resto tiene gusto a plástico, a esencias artificiales, a sacarina. Antes hasta lo más insignificante se podía identificar por el gusto. Una Melba en el recreo tenía un intenso sabor a chocolate amargo compensado por la crema dulce del relleno; la Rumba, en cambio ofrecía un dejo a naranja o almendra mezclado con un chocolate más suave. No en vano siempre existieron los partidarios fervientes de unas y de otras. Hoy comer Rumbas, Melbas * u Oreos da igual, es como meterte en la boca un pedazo de tierra marrón ligeramente dulce, nada más.
El olfato se salva por la cosmética. Se aromatizan
shoppings y se venden perfumes, cremas, jabones y colonias para perros y autos. Las flores contrariamente, van perdiendo sus aromas característicos pero ganan en aspecto y color. Los jazmines del cabo ya difícilmente se abran ni perfumen una habitación entera. Algunas fresias y las varas de nardos todavía resisten afanosamente desde el puesto de la esquina.
Al tacto lo hemos confundido hasta volverlo casi loco.
Reconoce frío y caliente, áspero y rugoso, suave y pinchudo pero no mucho más… símil seda, símil visón, símil corderito, símil terciopelo… todo símil sin saber cómo era el original, sin saber si la imitación está bien hecha o no. Me resisto a que llegue un día en que digamos “símil piel humana”, que hayamos perdido la capacidad de reconocer, junto con otras cosas, las más lindas texturas que tenemos al alcance de la mano, del tacto. El cuerpito desnudo de un bebé al que bañamos, la piel de nuestra pareja bajo las sábanas, el pelo suave de un hijo a quien acariciamos la cabeza mientras lo consolamos.
Pongámonos caprichosos y tratemos de no perder todo
lo que todavía está ahí, saquémonos el trajecito de amianto, porque no sólo hay imágenes sino olores que recuperar, sabores, texturas, sensaciones, música, voces amigas, y risas queridas para prestarles atención.
Son pequeñas cosas. Como es pequeña nuestra escala.
La humana.
* Rumba y Melba son marcas tradicionales de galletitas de chocolate en Argentina.
Luz Martívive en Argentina, es escritora y autora del libro “Como madre sos una bestia”, Editorial Autores Editores.
extra, extra!
¡
¡Hola gente! ¿Cómo os trata Inglaterra? A los que recién aterrizan o a los que están aquí hace tanto tiempo que ya ni fu ni fa… Y así me encuentro en estos momentos, como nuestros primos Italianos dirían me ne frega con el mejor de los sentidos obviamente. Este año vengo bien, queriendo que me vaya muy bien, pero el monosílabo me alcanza por ahora. Para presentarme les cuento que soy argentina y trabajo de extra para una compañía inglesa. Me llaman cuando quieren y me divierto conociendo el mundillo de artistas y directores. Hice varias cosas desde mis inicios. Voy a tratar de contar alguna de mis experiencias a lo largo de esta columna.
Mi sueño hecho realidad…
Bo Peep perdida en Jubilee Line
Un musical acerca de un barbero asesino, Sweeney Tod, en los estudios Pinewood, trabajé una semanita y conocí a Johnny Depp, le dije: ¡Hey! ¿Qué le iba a decir? Lo mismo que le dicen miles de otras mujeres: ¡Ay sos divino? ¿Dame un autografo? Estará hastiado de escuchar la misma huevada. Así que decirle “Hey” fue lo más apropiado, realmente. En esta producción me dieron un walk-on! Aunque tuve que pelearla un poco. Hice de “mamá” en una escena en el mercado y me dirigió Tim Burton. Cuando eso pasa significa “cachín-cachín” más platita pa'mí. También estaba Helena Bonham Carter, que mirándola a ella y a Depp es como si mirases a una pareja hecha el uno para el otro, o como si fueran hermano/hermana. Increíble. ¿Quién más estaba? Sacha Baron Cohen, el muchacho que hizo Borat y que estuvo en el video “Music” de Madonna con su personaje Ali G, el que hace de taxista. ¿Lo tenés ahora? ¡Bueno, ese es otro! ¡Re-alto! Es casi un Freddy Mercury moderno.
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escribe: Elizabeth Faitarone
Mis días en “Cranford Chronicles”, una serie dramática de cinco
capítulos basada en las novelas de Elizabeth Gaskell, merecen un párrafo aparte. Allí conocí a la majestuosa Judi Dench o mejor dicho Dame Judi Dench. Un título muy merecido.
Me tocó hacer de dwelle- algo así como moradora o pueblerina- y aunque sólo fui extra me pagaron más porque en una escena ¡nos bañaron con agua! Todo ayuda. No fue nada glamoroso y nos hicieron laburar pero también tuve unos días muy tranquila donde hice poco y casi me caigo en una de las tumbas donde estaban filmando. Lo más loco de todo fue cuando me preguntaron si estaba libre para trabajar otro día en Cranford y dije que sí. Fui al lugar y me sentí perdida. Por empezar todo el mundo parecía amigable, esto huele a gato encerrado, pensé. Me puse a mirar para todos lados a ver si reconocía a uno de mis colegas y nada. En eso me dice un AD que me vaya a maquillar y me meta en un camarín a esperar. Entonces pregunté dónde estaban los otros extras. ¡Y me dice esta mujer que yo soy la única! ¿A qué estarán jugando? Así fue como personifiqué a una “Lady In Waiting” o Dama de Compañía. Me vistieron de negro. A decir verdad al final, no hice nada, me pasé toda la mañana sentada en el set de filmación leyendo un libro y mirando como filmaban. De repente dicen It's a wrap! Y yo como campesina en medio del Obelisco digo: ¿Ah? Así estoy, sin una pista de lo que pasa en este ambiente, más perdida que encontrada.
Dylan Thomas Una de las experiencias más interesantes que tuve fue haber conocido a la hija del poeta Dylan Thomas. Desde que llegué al set de filmación y me senté para esperar mi turno y cambiarme de ropa, vi a esta mujer frágil y dulce sentada frente a mí y extrañamente sentí conocerla. Al final del día fui a tomar un cafecito y nuevamente Aeronwy Thomas, estaba frente mío. Entonces me animé a preguntarle porqué la estaban entrevistando. Nos pusimos a charlar y Aeronwy me preguntó si sabía de qué se trataba la película y le dije “¡por supuesto! es del poeta Galés Dylan Thomas. Sonrió, entonces le conté que también escribo poesía pero que nadie me conoce. Dylan Thomas se hizo muy popular por haber escrito “Under Milk Wood”. La película salió con el nombre “The Edge of Love” y Kiera Knightley fue una de las actrices protagónicas. Aeronwy Thomas falleció en el año 2009, aparentemente un tanto desilusionada, según un artículo de The Sunday Times, por no haber sido incluída en la historia que dio lugar al film.
¿Como descubriste que querías ser actor y posteriormente director? Como muchos por accidente. Estaba estudiando Literatura Española y Portuguesa en Cambridge, con mucho interés en la literatura de América Latina. Ocurrió que había una obra francesa y necesitaban actores. Yo hablo francés porque soy medio francés, y era un actor horrible. Tan malo que es increíble pensarlo. Hice la obra y descubrí que me encantaba. Al año siguiente me pidieron que dirija otra obra francesa, y fue allí que descubrí esta pasión. Además como estaba estudiando castellano y portugués tenía que pasar un año en el extranjero. Un poco por amor a Borges decidí irme a Buenos Aires, y en vez de ser asistente de inglés en una escuela decidí ir a una escuela de teatro, pensando que no habría mejor lugar para practicar el idioma. Fui a “Andamio 90” una escuela muy renombrada en Buenos Aires, la escuela de la gran actriz argentina Alejandra Boero. Tuve la suerte que ella me diera una clase – AB falleció en el 2006 - y el director Alejandro Samek también muy importante en el panorama teatral. El primer día Alejandro me preguntó ¿Qué hacés acá? Le dije que quería dirigir, que me interesaba explorar la posibilidad de ser director. A lo que él me respondió – Si querés ser director tenés que actuar, entrenarte como actorAsí terminé haciendo doce horas corridas, seis días por semana, porque hice tres cursos en un año. Fue una experiencia increíble. Descubrí que el trabajo está por encima del talento. El teatro es 95 % trabajo y 5% talento.
¿Decís que con técnica un mal actor puede actuar? No con técnica, sino con trabajo. Un mal actor que quiere ser mejor puede mejorar. Obviamente que también hay genios de la escena y ellos tienen algo especial pero este algo tienen que trabajarlo, como los deportistas, podés tener todo el talento del mundo pero si no trabajás no llegás. Al regresar de Buenos Aires supe que quería hacer teatro. Terminé mis estudios en Cambridge y fui a la escuela de teatro Lecoq en París, muy conocida en el mundo del teatro físico donde pasé dos años entrenándome.
¿ El ingreso a Lecoq es tan difícil como se dice en el ambiente? Lo difícil no es ingresar, sino mantenerse. En mi primer año éramos 118 y eligieron solamente 32 para pasar a segundo año. El nivel es muy alto. No es una escuela ni para actores, ni directores, ni escritores, tenés que tener un poco de todo. Lo que buscan son creadores de teatro. Después de Lecoq no volví a actuar, de esto hace seis años y no tengo ningún interés en volver a hacerlo.
Tu objetivo de todos modos era dirigir… Yo lo hacía con el objetivo de actuar, dirigir, escribir, un poco de todo, pero salí siendo director, escritor, productor, menos actor. Dejé a un lado la actuación y no me arrepiento.
“Tenemos una responsabilidad importante para no confirmar estereotipos sino romperlos compartiendo la riqueza de este teatro”.
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el teatro en casa
entrevista y fotos Silvia Demetilla
un viaje a argentina cambio su vida para siempre. al regresar, el director ingles, Daniel Goldman, fundo el primer festival de teatro latinoamericano- Casa Latin American Theatre- en londres.
“Como director no siento ningún límite” ¿Por qué decidís fundar CASA? En principio fue una decisión personal. Tal vez sea que lo pasé tan bien en Argentina descubriendo un teatro tan distinto durante mi viaje en el 2001/2002, coincidiendo seis meses antes y seis meses después de la crisis. Vi un teatro muy político y social, con un público muy involucrado, un teatro que desconocía porque en Inglaterra el teatro es más de entretenimiento y diversión. Yo soy el director que soy por mi experiencia en Argentina. Hago un teatro que es divertido, inglés en estilo, pero que tiene un mensaje político social, y esto viene de mi tiempo en Argentina. Había una ausencia y me dio pena que el público local se perdiera la oportunidad.
¿Encontrás cierta similitud entre las obras de los distintos países que se presentan en el festival? La similitud es que recibimos muchas solicitudes de grupos de teatro de pocos recursos pero con un trabajo del imaginario que es enorme. Logran una verdadera conexión con el público, con la materia de contar historias.
¿Cual es el público de CASA? 40/45 % latinoamericanos, 20% españoles y portugueses, el resto británicos y europeos que no tienen una conexión idiomática pero están interesados en la cultura latinoamericana. El objetivo es crecer en la audiencia y trascender los idiomas y culturas. A través de CASA queremos que el teatro sea accesible para la comunidad latina en Londres.
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¿Cuál es la programación del festival CASA 2011? Tendremos dos obras de gran contenido político. Casi todos los años hay un tema fuerte de inmigración y exilio, como dos lados de una misma moneda. Una de las obras es “El inmigrante, El Nica” un unipersonal de gran calidad artística de César Melandez de Costa Rica, que cuenta la experiencia de un costarricense que emigra a Nicaragua y sufre todo el abuso, el prejuicio y los problemas de alguien que proviene de un país más chico a otro más rico. Otra obra es “Passport” de Gustavo Ott de Venezuela que habla de una situación absurda de una mujer que intenta cruzar una frontera de dos países latinos míticos, una frontera imaginaria. Estas dos obras hablan de situaciones universales, las fronteras que ponemos por todo el mundo, el abuso del poder, y que van mas allá de un contexto latino.
¿Las compañías de teatro viajan desde sus países de origen? Durante los dos primeros años del festival hicimos obras latinoamericanas, traducidas y actuadas por actores locales, pero ahora invitamos a compañías de América Latina que hacen teatro en su idioma original con subtítulos en inglés. Este año tendremos teatro de Argentina, Brasil, Costa Rica, Chile y Venezuela.
¿Cómo fue evolucionando el festival? Como Festival uno de nuestros principales objetivos es presentar lo mejor del teatro latinoamericano en el Reino Unido. Queremos traer obras que muestran América Latina hoy, que sean una ventana para conocer lo que está pasando. Tenemos una responsabilidad importante para no confirmar estereotipos sino romperlos compartiendo la riqueza de este teatro.
De todos modos ¿creés que en Londres hay otras compañías de teatro latinoamericano o teatro en español que tienen un nivel adecuado para representarnos? Si, y también trabajamos con ellos. Por ejemplo en la programación de este año hay dos obras de artistas que viven en Londres, Vicky Adaico Casas de México con “Juana in a million”, y una obra dirigida por Gäel Le Cornec de Brasil. Es muy importante para nosotros descubrir, apoyar y desarrollar el talento latino que vive en esta ciudad.
¿Cuál es el futuro de CASA?
Cada año es más difícil hacer el festival. Tengo un equipo que me ayuda pero cada vez el esfuerzo es mayor. Lo increíble del festival es la intimidad que logramos. El Oval House Theatre es un espacio muy íntimo donde llegamos a conocer al público. La pregunta es como crecer sin perder la esencia.
“Para nosotros es la mejor forma de darle al público una idea honesta y verdadera de lo que está pasando en el teatro Latinoamericano”. Daniel Goldman ilustrado
Autores preferidos: Tito Cossa, Ariel Dorfman, Arístides Vargas, Germán Rosenmaher. En literatura, Borges es mi héroe, no como persona pero sí como escritor. Obra que quisiera presentar: “Réquiem para un viernes a la noche” de Germán Rosenmaher. “Hace 9 años que estoy enamorado de esta obra que habla de una familia judía que explota una noche, se autodestruyen un viernes a la noche”. Acento argentino por opción: “En Buenos Aires se me pegó el acento argentino. Lo prefiero al madrileño y me da mucha gracia cuando los españoles me preguntan si soy argentino. Lo fuerzo un poco para no perderlo. Los argentinos se dan cuenta y me dicen “sos inglés pero hablás bien”. Me da placer hablar castellano así y cuando vuelvo a Argentina mejora”.
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CASA Latin American Theatre Festival 17 al 23 de octubre 2011- Londres Oval House Theatre www.casafestival.org.uk
teatro Cuando el espacio habla de la historia Una visita a “The Railway Children” por Natalia Méndez
Tradicionalmente, el comienzo de la creación de un proyecto teatral se realiza a partir de la obra escrita por el autor y de la “caja negra”, es decir, el espacio vacío sobre el cual el escenógrafo despliega toda su creatividad. Existen distintas corrientes y una de ellas propone salir de esta caja negra, en busca de un mayor realismo que le otorgue una nueva significación al espacio. Ya no se trata, entonces, de concebir el espacio en función de una historia, sino al revés, pensar la historia en función del espacio. En estos casos la escenografía, o el lugar físico donde se representa, asume el papel protagónico en la obra. No sólo se la utiliza como recurso para lograr realismo sino que también puede ser utilizada para hacer propaganda sobre un sitio determinado, siempre y cuando éste haya cumplido una función histórica. Un ejemplo claro podemos encontrarlo en Londres, donde se ha creado un “teatro” exclusivamente para The Railway Children, libro de literatura infantil, escrito por Edith Nesbit en 1906. Esta historia rescata la solidaridad entre las personas a pesar de la pobreza, un padre que es encarcelado por una falsa acusación y se muda luego con su familia a un pueblo cercano a las vías del tren, donde sus tres hijos se entretienen saludando a la gente que viaja y entablando amistades. La producción teatral londinense de esta obra es realmente impecable. El escenario, montado en la estación de Waterloo se ha preparado y adaptado, sin quitarle sus características propias, sobre el andén, y sobre las plataformas se ha armado la platea para el público. Si bien a largo de la obra el andén juega un rol sumamente relevante, dado que es en el propio railway donde los tres niños pasan el tiempo, el papel principal lo tiene aquí el legendario tren a vapor Stirling single No.1 de 1870, que entra en escena para participar en el emotivo final del reencuentro del padre con su familia. Es importante destacar que estos antiguos trenes se pueden conocer y visitar en detalle en el National Railway Museum de la ciudad de York, el más grande del mundo, y lugar al que somos bienvenidos desde la extensa entrada al teatro. “The railway children” en Waterloo hasta el 8 de diciembre 2012. The Railway children www.railwaychildrenwaterloo.com la tundra National Railway Museum www.nrm.org.uk
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psicología Pensando el malestar de la época isabel mazarina
Una de las grandes cuestiones que interrogan a un psicoanalista es la de detectar por donde pasa el malestar de la cultura en que vivimos. Siguiendo la precisa indicación freudiana, entendemos que cada época y cultura trae aparejada una manera de vivir y por lo tanto, formas de sufrimento y goce que le son propias. Así como en la Edad Media esas formas giraban en torno de la idea de un Dios cotidiano, del pecado, la culpa y la salvación, hoy encontramos otros referentes para pensar el sufrimiento y la pasión por vivir. Va mi invitación para recorrer algunas de ellas haciendo una salvedad importante: hoy, las formas clínicas del malestar son designadas por el poderoso recurso de nombrar de la psiquiatria moderna. Las ramas de la ciencia se otorgan la atribución de ampliar cada vez más el campo de influencia de su discurso considerando como trastornos a aquellos fenómenos psíquicos corrientes, siendo así acreedores de “tratamiento” , en general mediante el uso de medicamentos. La depresión es considerada como una de las mayores causas de sufrimiento y morbilidad en el planeta, muy cerca de las enfermedades cardiovasculares. El ataque de pánico se disemina como una epidemia psíquica. ¿Podemos pensarlos como síntomas contemporáneos? Esta es la propuesta. Isabel Marazina. Psicoanalista. Maestra en Psicología Clínica. Analista Institucional. Vive y trabaja en San Pablo, Brasil.
www.manos.com.uy
La máquina tanguera Martin Maldonado y Maurizio Ghella se presentaron en Rivertango - Londres. Una vuelta por los caminos originarios del tango.
Cuando imaginamos una pareja de tango vemos a los típicos bailarines. El, con aire de malevo, posturas exageradas, movimientos decisivos y autoritarios. Ella, sensual y febril siguiendo, aceptando, rechazando, negándose, seduciendo a quien pretende guiarla… Pero en su origen el tango fue una danza de hombres solos, compadritos que lo bailaban formando parejas entre ellos. La coreografía se asemejaba a una riña de gallos, un pleito malevo. ¿Qué los llevó a volver al tango bailado por una pareja de hombres? ¿Fue una búsqueda personal? En realidad no fue ni siquiera una búsqueda personal, fue primero un deseo que surgió de entrenar juntos… el entrenar se convirtió en placer. Un día accidentalmente estábamos bailando socialmente en una milonga y un organizador nos contactó preguntándonos si nos interesaba hacer un festival. Luego –y por suerte- ya no lo pudimos parar.
El tango inauguró en el Río de la Plata un nuevo lenguaje fruto de la unión de dos corrientes excluidas, el gaucho – hombres del interior, nómades que vivían fuera de la ley y comenzaron a acercarse a la ciudad a raíz de cambios socio económicos del momento como la privatización de los campos, y por otro lado los inmigrantes europeosespañoles e italianos- que también venían del campo buscando una vida mejor en el continente. Es decir que en principio fue una voz en contra del sistema, un acto de rebeldía y de resistencia mostrándose de una manera que no era bien vista por el resto. Ambos vienen de formación clásica ¿Cómo fue ese encuentro de estilos? Al principio, aunque sea difícil de creerlo, nos costó muchísimo pues queríamos reproducir algo con una mirada que no era la del tango. El movimiento lo podíamos entender, pero llegar a darle el carácter y sobre todo la correcta intención y la ejecución fue el producto de una ardua búsqueda y una fusión que nos marcó de allí en adelante.
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entrevista: Silvia Demetil a foto: Gustavo Goñi
“Lo que nos pasa con el tango es maravil oso, es un volver a descubrir o reinaugurar sensaciones y emociones que se desencadenan en movimiento”. ¿Cual fue el paso decisivo que los unió y cómo dieron inicio a “La máquina tanguera”? Fueron los grandes cambios en nuestras vidas. Renunciar a nuestros trabajos en Rosario -que es de donde veníamos y ciudad natal de Maurizio- para comenzar una nueva vida en Buenos Aires. Fue con muy poco en el bolsillo pero con la firme convicción que no podríamos llevar a cabo un proyecto artístico con la proyección que deseábamos si no era en contacto con otra realidad, la de vivir en la capital invirtiendo lo que teníamos y en lo que creíamos. Fue duro pero al fin lo hicimos. Para muchos el tango de hoy en día está lejos de aquellos principios que le dieron inicio. ¿Les parece que todavía existe alguno de aquellos códigos? Bueno siempre depende en el circuito en el que uno se mueva, porque como decimos en Buenos Aires “podés recorrer una serie de milongas y jamás encontrarte con otros milongueros”. Entonces el contexto guarda ciertos códigos, de los cuales algunos nos parecen apropiados y otros ya innecesarios y realmente no a tono con una nueva generación que necesita otra cosa. ¿Quien escucha y baila tango hoy en día? ¿El tango es para intelectuales y nostálgicos de más de 50 años? Hoy el tango lo escuchan jóvenes y adultos. La milonga es el lugar preciso donde la diferencia generacional se borra o pasa más desapercibida. Fusionan el tango con movimientos de danza clásica. La fusión es como un diálogo entre los cuerpos y la música, sólo estamos atentos a escuchar las necesidades de ambos. ¿Cómo son recibidos por el público y sus colegas en general? El público de “La máquina tanguera” es básicamente gente con sensibilidad, personas que se permiten emocionarse y ser parte de lo que sucede aquí y ahora. El público y nuestros colegas son una parte fundamental de nuestra continuidad en este rubro, los primeros porque nos dan la oportunidad de expresarnos y los segundos porque algunos de ellos nos enseñaron, otros nos inspiraron y muchos compartieron. Tradicionalmente el hombre guía y la mujer se deja guiar. ¿Es diferente el tango bailado por dos hombres? Sí, totalmente. En una pareja donde una de las partes es una mujer- lugar que es irreemplazablees un tipo de energía que es completamente diferente a cuando dos hombres bailan. En nuestro caso es una propuesta alternativa que cambia de acuerdo a quien de nosotros “lleva”, termino que nosotros preferimos cambiar por “propone”, dando al espectador una sensación energética diametralmente opuesta. El tango que se genera es muy diferente, somos el uno del otro de distinta forma. Se podría decir que nos sentimos como opuestos complementarios, en donde dependiendo de como se combine la toma de rol se desencadena una historia intensa y diferente a cada transformación del abrazo. ¿Qué lugar tiene la improvisación en el tango? Fundamental, sin ello y el abrazo no habría tango. ¿Qué tipos de tangos y autores prefieren transitar? Depende mucho de nuestro humor y también de lo que necesitemos mostrar en la performance. Nuestros autores predilectos son muchos, yendo desde D'Arienzo, pasando por Varela, escuchando las voces de Florio, Podestá, maravillándonos con Piazzolla y enloqueciendo lindamente con Astillero.
“La máquina tanguera”
www.lamaquinatanguera.com
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cultura graffiti El movimiento del graffiti en Latinoamérica se despereza. SUBEN - arte Latinoamericano emergente con base en Barcelonalos reunió en su libro “Nuevo mundo”. Estuvimos en la presentación en Pictures on Walls en Londres y hablamos con Maximiliano Ruiz -director de SUBEN-, y los artistas, Buytronic y Stinkfish.
Buytronic en Oaxaca México
entrevistas: Silvia Demetilla fotos: Stinkfish/ Buytronic
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BUYTRONIC DF- México ¿Como es la movida del graffiti en el Distrito Federal? En graffiti probablemente sea de lo más grande que está pasando en Latinoamérica. Sin llegar tanto a la onda de los Estados Unidos, pero están muy avanzados en cuanto a estilos, pintas, atacan el metro, las bombas, está pesado. ¿Son perseguidos por la policía? Si, es muy castigado, en cuanto sea en propiedad privada y esas ondas. ¿Cómo es la respuesta del público en general? Hay mucha gente que apoya la movida y otra que está en contra cien por ciento. ¿Creen que es vandalismo? Sí. Yo creo que últimamente le han abierto las puertas, y se va viendo como la onda de valorar la idea y creatividad de los jóvenes. Ya también se perdió la onda del graffiti tan clásico que se hacía en México, hay nuevas ideas y técnicas. ¿Cuáles son las técnicas para hacer un graffiti? La técnica básica y elemental es el aerosol y el controlcan con la mano, no es más que eso. Ahora hay mucha gente que usa plantillas, rodillos, rotulismo, ilustración, posters, calcomanías, que quizá no es como el graffiti elemental pero forma parte también de la calle. ¿Cómo se concibe el diseño? En el graffiti clásico la improvisación tiene mucho que ver y el freestyle. Pero si se tiene un buen dibujo, algo organizado, pues la idea es muy importante… El nombre que que los identifica ¿es un nickname o un nombre artístico? Es un mote.
Buytronic
“Yo colecciono mis apodos. Tengo más de 20 nombres diferentes. Una especie de broma que resulta ser muy seria. . .”
Buytronic
¿Qué nombre usás en el libro? En “Nuevo mundo” soy Buytronic, que es la combinación de buitre con algo electrónico, un animal ya robotizado. ¿Hay una cierta edad para pintar graffiti? Desde que se puede agarrar una crayola y pintar una pared hasta cualquier gente de edad que lo desee hacer. Yo no creo que tenga edad para nada. ¿Es una pasión? Yo no me imagino sin pintar. Apenas ayer me preguntaban si coleccionaba algo. Mi afición máxima es coleccionar fotos de mis composiciones. Creo que es como una adicción. ¿Pensás que vas a seguir haciéndolo? Sí, yo creo que sí. Ya pasé por el momento de querer dejarlo y no pude. ¿Lo definís entonces también como una adicción? Sí, claro. Una necesidad. Desde chiquillo pintaba. Luego complementó la calle con el dibujo, las líneas, los colores… Me siento súper bien. En Londres sería mucho mas difícil... Pienso conseguir algunos muros conocidos con permiso, adaptándome a la forma en la que trabajan acá. No pienso irme sin pintar algo. Flickr: photos/propagansta
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Maximiliano Ruiz
www.subenysuben.com
director de SUBEN
STINKFISH Bogotá- Colombia
¿Cual es el objetivo principal de SUBEN? El objetivo de SUBEN es promover el trabajo y la obra de jóvenes artistas emergentes internacionales. Artistas que transgreden los estándares que suelen enmarcar al arte contemporáneo. Me gusta pensar que SUBEN existe para ayudar a romper las barreras elitistas del arte moderno.
www.stink.tk
“Nuevo mundo” reúne un grupo de verdaderos talentos del graffiti en Latinoamérica, ¿existe algún punto en común entre todos ellos? “Nuevo Mundo” presenta el trabajo de artistas que trabajan en las calles de Latinoamérica, estos realizan tanto Graffiti como Street Art. No pueden todos estos artistas agruparse o definirse con algunos parámetros plásticos o estéticos en común, lo que si puede leerse en común en el trabajo de todos estos es el diálogo y expresión que incorporan desde las calles y el pueblo Latino, digamos que la aceptación que le da la gente es algo que se da en toda Latinoamérica y es algo que influye por igual a todos los artistas de la calle.
Stinkfish en amsterdam- cortesia del artista
¿Qué espacio ocupan los artistas emergentes de Latinoamérica en el mapa de las galerías de arte a nivel local e internacional? El arte Latino sin lugar a dudas está en alza en el circuito de arte internacional. Hoy día casi cualquier galería se muestra interesada a recibir proyectos que incluyan artistas Latinos. Y desde ya esto se ve motivado por el interés de coleccionistas internacionales en los artistas Latinos y sobre todo emergentes.
“Puedo pintar hoy en el norte, otro dia en el sur y en el centro sin que haya problemas”.
¿Qué países participan en este proyecto? Argentina, Brasil, Colombia, Perú, Uruguay, Venezuela, Chile, Cuba, Trinidad y Tobago, México y Paraguay. Como curador de “Nuevo mundo” ¿cual fue el concepto para la selección de los artistas? La premisa fue elegir a lo mejor de las escenas mientras se abarcaba todo el abanico de formas y estilos posibles. ¿Donde se puede conseguir “Nuevo mundo” y otras publicaciones de SUBEN? “Nuevo Mundo: Latin American Street Art” así como “Graffiti Argentina” y mi próximo libro - que saldrá en Octubre- “Walls & Frames: Fine Art from the Streets” pueden conseguirse en grandes librería como Fnac, Virgin, etc. Incluso en la librería del Tate.
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nuestra portada por stinkfish
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presentacion en pictures on walls
SUBEN www.subenysuben.com
stinkfish
¿Qué es lo que te acercó al graffiti? Yo empecé hace como 8 años en Bogotá, y básicamente fue tener una necesidad de mostrar lo que estaba haciendo visualmente, quería que lo viera mas gente. Me gusta estar en la calle, conocer gente, ver que pasa, caminar. ¿Como es la situación para la gente que hace graffiti en Bogotá? En general Colombia no es un país que tenga una legislación muy clara sobre lo que pasa en la calle, al igual que en casi toda Latinoamérica y eso te permite hacer cosas relativamente fácil. ¿Qué tipo de lugares elegís? Depende de lo que vaya a hacer. Manejo diferentes tipos de imágenes y de duración en lo que hago. En los últimos años trato de sacar mis cosas a barrios que no estén tan contaminados de imágenes comerciales. Prefiero los barrios donde hay una vida de barrio real, donde la gente sale todos los días al parque o a la tienda, a la esquina. ¿Lo reconocen como una manifestación artística como cualquier otra? Alguna gente, pero hay otros que siempre lo ven como vandalismo. Digamos que es normal, para mí el graffiti debe tener ese contenido. No puede ser decoración. ¿Es contestatario? Si, claro, el solo hecho de salir a la calle y pintar una pared ya es contestatario frente a la manera de pensar con la que crece casi todo el mundo. ¿Los llaman eventualmente para exponer en galerías de arte? Es muy limitado el mundo de las galerías en Colombia, y mucho menos en lo que se refiere a arte urbano.
Hacer graffitis en la calle no te da un sustento, no te reconocen como un artista entre comillas, al que puedan pagar, que te de de comer... Lo que tiene el graffiti es que es un gesto muy sincero y personal llevado a lo público. Se hace por gusto, la motivación inicial es llevarlo a la calle y la mayoría de la gente que conozco nunca está pensando en generar un ingreso a partir de eso. De pronto fuera de Latinoamérica hay un movimiento muy ligado a lo comercial pero en Colombia todavía no. Obviamente hay un momento en que hay que mediar entre tu trabajo frente a como vives. Necesitas comer, pagar un alquiler, vestirte, entonces hay que llegar a un equilibrio en esa dinámica. ¿Puede alguien que hace graffitis tener un trabajo a tiempo completo y salir a pintar por las noches? Claro, esa es otra cosa muy interesante del graffiti. Yo conozco gente que trabaja todo el dia en una oficina, de corbata y pinta en la noche, o gente que se dedica solo al graffiti, estudiantes universitarios, gente que tiene hijos, cualquier persona puede hacerlo. ¿Es una forma de vida? Cada persona lo vive de forma diferente. No existe una Biblia del graffiti o leyes que digan que una persona que lo hace es así o así. Una vez escuché que la eleccion de un alias es por una cuestion de seguridad... Hay muchas razones... Una es por seguridad y por esa misma idea de tener tus desiciones. ¿Como es el trato entre ustedes? Hay muchas escuelas del graffiti, por ejemplo la que proviene de Norteamerica se basa en la competencia y territorialidad. Pero hay otras maneras de entenderlo, eso no es importante.
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VIAJES EN CAMISON fotos y estilismo: s demetilla modelo: elizabeth faitarone gracias: angela lee
NO son de este tiempo, camisones vintage. Una aventura a la luz del dĂa. . .
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joyas de autor METROPOLIS
silvina soria
LA ESCULTORA Y ARTISTA PLASTICA DE BAHIA BLANCA (AR) ESTRENA EN LONDRES SU NUEVA PASION, UNA COLECCION DE ANILLOS, BROCHES Y COLGANTES EN PLATA.
“La organicidad en las piezas de COLGANTE
soldadura trabajadas a partir de hilo de plata genera muchas veces la idea de ramas o juncos entrelazados en forma de anillos y colgantes. En estas piezas, lo aleatorio cumple un papel fundamental, en tanto el fuego define la forma final convirtiéndolas en únicas e
ANILLO CORAL Y PLATA
irreproducibles. Por otro lado, una serie geométrica realizada a partir de la técnica de fundición mediante la cual se posee un control absoluto sobre las piezas, permitiendo su reproducción. Me interesa el concepto de piezas de autor por lo cual limito la producción a un número no mayor de 10, obligándome a buscar nuevas formas continuamente”.
BROCHE- PLATA
Silvina Soria Jewels silvinasoriajewels@gmail.com
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Mundo nómade
Dangerous waters- Jorge Macchi
22 de septiembre al 13 de noviembre
“The peripatetic School: Itinerary drawing from Latin America” The Drawing Room www.drawingroom.org.uk
Agenda
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23 de Septiembre al 6 de Octubre 7th London Spanish Film Festival
www.londonspanishfilmfestival.com 6 de Octubre
Canning House www.canninghouse.org 17 al 23 de Octubre CASA Latin American Theatre Festival Oval Theatre House www.casafestival.org.uk
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otoño 2011
en el marco del Festival Cultura y Cubania & Black History Month, Eva Tarr (LLAF) presenta el film “Habana Eva.”
21st Latin America London Film Festival 18 al 27 de noviembre
Un grupo de artistas de Latinoamérica comparte su entusiasmo por el paisaje, sea urbano o rural. Específicamente preocupados por el movimiento y la ambulación combinan distintas técnicas de dibujo dando como resultado imágenes de carácter nómade. De esta forma recorren sus barrios, territorios e incluso continentes... El encuentro con el espacio salvaje. “The peripatetic School: Itinerary drawing from Latin America” muestra el paso del hombre por el paisaje y sus consecuencias traspasando los límites de categorización tradicionales. Aquí el papel puede transformarse una escultura y la línea en un video.
micro
un minuto con eva
Eva Tarr-Kirkhope atiende mi llamado con una sonrisa. O por lo menos es lo que yo siento porque su voz suena feliz y elocuente. Para la directora y fundadora del London Latin American Film Festival de origen cubano no existen barreras a la hora de destacar el valor del cine realizado en Latinoamérica. Con planes de llevar a cabo la vigésimo primera edición del festival en noviembre de este año, Eva, quien supo tener dos cines junto a su marido Tony Kirkhope y ser directora de Metro Pictures y Metro Cinemas, desarrolló un inmenso amor por el séptimo arte llevando a cabo hasta hoy en día el festival contra viento y marea, muchas veces incluso sin apoyo financiero de organizaciones gubernamentales. Su trabajo, junto al de un grupo de voluntarios en la organización sin fines de lucro que dirige, trae anualmente a Londres un excelente nivel de cine Latinoamericano a salas del Riverside Studio, The Tricycle, Bolívar Hall, Rich Mix y Movimientos, entre otros. Silvia Demetilla www.latinamericanfilmfestival.com 7 de Noviembre al 17 de Diciembre Yerma- versión con dirección de Natalie Abrahami Gate Theatre www.gatetheatre.co.uk 18 al 27 de Noviembre 21st Latin American London Film Festival
www.latinamericanfilmfestival.com primer viernes de cada mes Descargas
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Vortex Downstairs www.vortexdownstairs.co.uk
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jav 113
ilustracion en boligrafo
una tierra muy lejana
La Sueñera ana maria shua
Fumando, me quedo dormida. Del otro lado, soy felíz: es un buen sueño. El cigarrillo cae sobre la alfombra y la enciende. La alfombra enciende la cortina. La cortina enciende la colcha. La colcha enciende las sábanas. De la casa sólo queda un montón de cenizas. Del otro lado, sigo siendo felíz: ya nada puede obligarme a despertar. Consulto textos hindúes y textos universitarios, textos poéticos y textos medievales, textos pornográficos y textos encuadernados. Cotejo, elimino hojarasca, evito reiteraciones. Descubro, en total, 327 formas de combatir el insomnio. Imposible transmitirlas: su descripción es tan aburrida que nadie podría permanecer despierto más allá de la primera (esta es la forma 328.) En un lugar que a veces es París me tienen secuestrada. En vez de correr hacia la derecha o la izquierda, las calles giran en redondo. Hay un notable exceso de escaleras. Elijo siempre las que van hacia arriba. Sin embargo, por más que subo, no consigo emerger de debajo de la frazada. ¡Es tan duro París para los inmigrantes pobres!. Varias horas permanecí con el termómetro bajo la axila, hasta empezar a sentir los primeros movimientos. Al fin, abrí el brazo suavemente para sacar los restos de la ampolla rota y dejar que los nuevos termometritos se arrastraran hasta mi hombro. Incliné la cabeza hacia ellos: en su dulce media lengua de mercurio me llamaban “mamá”. Ana Maria Shua, escritora argentina con más de cuarenta libros publicados hasta la fecha. En 1980 ganó el premio de la editorial Losada con su novela “Soy Paciente” . Su novela “Los amores de Laurita” fue llevada al cine. En el género microrrelato, ha obtenido el máximo reconocimiento en el ámbito iberoamericano. www.anamariashua.com.ar
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oveja negra
marta pino
30 Marta Pino, dibujante y escritora de Madrid que sue帽a con vivir de su arte. Publica en la revista web Axx贸n, y en propio blog: ratasdelaboratorio.blogspot.com
la tundra
Llegamos con las estaciones, palabras, sueños, trenes, claro, oscuro, vida, lejos, cerca, AMOR, barriletes, tatuajes, viento, poemas, nubes, verano, luz.
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“La Tundra” es una revista independiente realizada íntegramente por seres humanos, donde aprendemos de nuestros errores y nos enorgullecemos de nuestros esfuerzos. Esperamos haberlos alegrado durante un rato, volvemos en diciembre, hasta la próxima.
FIN Contacto: Colaboradores: latundra@latundra.com Anunciantes: sara@latundra.com Editor: silvia@latundra.com
BANDA DE SONIDO -escuchamosWomen of the world acoustic Marta Topferova Devon Sproule- Gustavo Cerati alasVALS- Nick Drake REGGAE vs.
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Volvemos en diciembre. . .