VENDU—SOLD 2019 by Les éditions Esse

Encanbénéfice

Benefit auction

VENDU SOLD

21 novembre 2019

November 21, 2019

Encanbénéfice

Benefit auction

21 novembre 2019

November 21, 2019

Musée des beaux-arts de Montréal Pavillon Jean-Noël Desmarais 1380, rue Sherbrooke Ouest, Montréal

Montréal Museum of Fine Arts Jean-Noël Desmarais Pavilion 1380, Sherbrooke St. West, Montréal

Vendu–Sold en coulisse à 17 h (billets VIP et Mécène) Cocktail dinatoire à 18 h Début de l’encan à 19 h 30

Vendu–Sold Backstage at 5:00 p.m. (VIP and Patron ticket) Cocktail reception at 6:00 p.m. Auction at 7:30 p.m.

Pour plus d’information sur les œuvres mises à l’enchère, consultez le site internet.

For more information on the works in the auction, visit our website.

514 521-8597 encan@esse.ca

Les éditions Esse

VENDU — SOLD 2019

L’encan-bénéfice Vendu–Sold permet de soutenir Les éditions Esse dans la promotion et la diffusion de l’art contemporain. Tenu annuellement dans les salles du Musée des beaux-arts de Montréal, Vendu–Sold offre aux collectionneurs et aux amateurs d’art la possibilité d’acquérir des œuvres d’artistes canadiens reconnus, tout en contribuant au déploiement de la revue Esse. Une partie des profits est remise aux artistes participants. Vendu–Sold fait appel à une équipe de spécialistes afin de garantir la qualité de l’évènement et des œuvres sélectionnées. Dans le catalogue, les œuvres apparaissent suivant l’ordre de leur mise aux enchères. Le site encan. esse.ca fournit de l’information complémentaire et un lien vers la billetterie. Un formulaire d’ordre d’achat est aussi disponible en ligne pour les personnes qui désirent miser mais ne peuvent être présentes à la soirée. Les éditions Esse remercient chaleureusement leurs fidèles partenaires, les artistes et les galeristes de leur généreuse collaboration.

The Vendu–Sold benefit auction raises funds to support Les éditions Esse in its promotion and diffusion of contemporary art. Held annually at the Montréal Museum of Fine Arts, Vendu–Sold offers collectors the opportunity to procure works by well-known Canadian artists, while contributing to the financing of Esse magazine. Part of the proceeds also go to the participating artists. To guarantee the quality of the event and the works up for auction, Vendu–Sold calls on the expertise of an accomplished selection committee. In the catalogue, the artworks are presented in the order that they will go under the hammer. The encan.esse.ca website provides additional information as well as a link for purchasing tickets and an absentee bid form for those unable to attend the event in person. Les éditions Esse extends its warmest thanks to its loyal partners, artists and gallery owners for their generous collaboration.

BILLETS

TICKETS

Information, billets et formulaire d’ordre d’achat : encan.esse.ca

Information, tickets, and absentee bid forms: encan.esse.ca

RÉGULIER — 65 $

REGULAR — $65

Ce billet inclut le cocktail dinatoire et le catalogue Vendu–Sold 2019. Un reçu fiscal de 45 $ vous sera remis.

The regular ticket includes the cocktail reception and a copy of the official Vendu–Sold 2019 catalogue. A receipt for $45 will be issued to you for tax purposes.

VIP — 150 $

Ce billet inclut l’activité Vendu–Sold en coulisse qui débutera à 17 h le soir de l’encan. Les membres du comité de sélection y présenteront quelques-unes des œuvres de l’enchère. Le billet inclut également un exemplaire de la revue Esse, le cocktail dinatoire, le catalogue Vendu–Sold 2019 et un sac cadeau. Un reçu fiscal de 120 $ vous sera remis. MÉCÈNE — 300 $

Ce billet vous offre la possibilité de voir les œuvres de votre choix avant la tenue de l’évènement*. Le billet inclut également un abonnement d’un an à la revue Esse, l’activité Vendu–Sold en coulisse, le cocktail dinatoire, le catalogue Vendu–Sold 2019 et un sac cadeau. De plus, il vous permet d’obtenir 10 % de remise à l’achat d’une œuvre et un reçu fiscal de 250 $. * Soit aux bureaux des Éditions Esse ou chez nos encadreurs, sur rendez-vous et sous réserve de la disponibilité des œuvres.

VIP — $150

The VIP ticket includes the Vendu–Sold Backstage activity, which will take place at 5 p.m. on the evening of the auction. Members of the selection committee will present some of the works at auction. The ticket also includes a copy of Esse magazine, the cocktail reception, the official Vendu–Sold 2019 catalogue, and a gift bag. A receipt for $120 will be issued to you for tax purposes. PATRON — $300

The patron ticket offers you the possibility to view certain works prior to the auction.* The ticket includes a one-year subscription to Esse magazine, the Vendu–Sold Backstage activity, the cocktail reception, the official Vendu–Sold 2019 catalogue, and a gift bag. In addition, it entitles you to a 10% premium on works purchased at auction as well as a tax receipt for the amount of $250. * Subject to the availability of the works at Éditions Esse or our framers.

MOT DE LA PRÉSIDENTE D’HONNEUR

A MESSAGE FROM THE HONORARY PRESIDENT

J’ai été vraiment très surprise quand les Éditions Esse m’ont proposé la présidence d’honneur de l’encan-bénéfice Vendu–Sold – étonnée et touchée, parce que je ne travaille pas dans le milieu des arts visuels. Je ne suis pas une collectionneuse renommée, je n’ai pas de titre. Mais je parle d’art chaque jour, sur toutes les tribunes possibles. Je porte l’art dans mes yeux, sur mes épaules, dans mon cœur parce que je l’aime, viscéralement. L’art rend la vie plus belle, me ramène à ce que je suis. L’art me fait réfléchir à ce que nous sommes et me projette dans un univers que je n’avais pas encore imaginé. Le beau, le dérangeant, ce qui semble être hors de ce monde… cela nous définit et nous raconte. « L’œuvre d’art n’est pas le reflet, l’image du monde ; mais elle est à l’image du monde. » (Eugène Ionesco) L’art, c’est nous. C’est une interprétation de nous, intimidante, bouleversante ou choquante. Parfois, on ne se sent pas à la hauteur… Mais l’art vient toujours de nous, même quand on ne le comprend pas. Et quand on se donne le droit de le regarder en face, on grandit, chaque fois. J’ai toujours milité pour que l’art soit accessible à tous. L’art n’appartient pas aux riches, il doit circuler, être partagé entre tous et partout. Parce qu’il nous rappelle nos beautés et nos laideurs, l’art nous force à nous voir pour ce qu’on est, mais aussi pour ce qu’on voudrait être. Il nous porte toujours plus loin. L’art fait de nous un monde meilleur.

I was really very surprised when Éditions Esse offered me the honorary presidency of the Vendu–Sold benefit auction — astonished and touched, since I don’t work in the visual arts milieu. I’m not a renowned collector, nor do I have a title. Yet I talk about art every day, on every possible platform. I carry art in my gaze, on my shoulders, and in my heart because I love it, viscerally. Art makes my life more beautiful, it takes me back to who I am. Art makes me reflect on who we are and propels me into worlds I’d never even imagined. The beautiful, the unsettling, that which seems out of this world… it defines us and tells our story. “A work of art is not a reflection, an image of the world; but it is made in the image of the world.” (Eugène Ionesco) Art is who we are. It’s an interpretation of us — sometimes frightening, deeply moving, or shocking. Occasionally, it leaves us confused… Yet art always comes from us, even when we don’t understand it. And each time we allow ourselves to truly face it, we grow. I’ve always advocated that art be accessible to all. Art belongs not only to the rich; it needs to circulate, to be shared among all of us, everywhere. Reminding us of our beauty and weaknesses, art compels us to see ourselves for who we are, but also for who we strive to be. It always pushes us forward. Art makes our world a better place.

Catherine Pogonat, animatrice à Radio-Canada (ICI Musique)

Catherine Pogonat, host on Radio-Canada (ICI Musique)

MOT DE LA DIRECTRICE

A MESSAGE FROM THE DIRECTOR

Esse souligne en 2019 ses 35 années d’existence. Depuis le début et sans relâche, la revue est portée par un engagement profond envers les multiples enjeux de notre société. Au fil des ans, cet engagement s’est constamment renouvelé par une attention particulière prêtée à l’actualité et aux préoccupations artistiques et citoyennes, toujours dans le but de soulever des réflexions pour mieux comprendre l’art et son contexte, et de proposer de nouvelles façons de penser le monde. L’encan Vendu–Sold a été créé lors de notre 25e anniversaire afin de nous aider à poursuivre notre mission et à relever avec succès les nombreux défis financiers. Plus encore, Vendu–Sold nous a permis de côtoyer un milieu, celui du marché de l’art, qui ne nous était pas familier à l’origine ou nous semblait peu compatible avec notre approche éditoriale. Nous avons pourtant appris à démystifier cet important secteur de l’art contemporain. Mieux, nous sommes parvenus à y contribuer positivement, en faisant connaitre des artistes et des œuvres à un nombre croissant d’amoureux et amoureuses de l’art et en participant à la vitalité locale du collectionnement. C’est avec un immense plaisir, et une reconnaissance renouvelée envers les artistes, que nous présentons la sélection de Vendu–Sold 2019. Comme toujours, l’équipe de Esse s’est entourée de personnes compétentes et dévouées pour présenter cet encan. À vous tous et vous toutes qui nous appuyez, merci de partager nos activités de recherche et d’édition – et surtout notre passion pour l’art.

In 2019, Esse is celebrating its 35 years of existence. Since its beginnings, the magazine has been driven by a deep commitment to addressing key issues facing society. Over the years, this commitment has been constantly renewed through our assiduous attention to current events as well as artistic and public concerns, always with the goal of encouraging reflection to promote a better understanding of art and its context, and to propose new ways of considering the world. The Vendu–Sold auction was created during our 25th anniversary to help us pursue our mandate and successfully address numerous financial challenges. Vendu–Sold has also allowed us to engage with the art market, a domain that was unfamiliar to us at first and that didn’t seem compatible with our editorial approach. Since then, we’ve managed to demystify the important sector of contemporary art. Even better, we’ve succeeded in contributing positively to its development by promoting artists and artworks among a growing number of art lovers, and by adding to the vitality of the local art collecting scene. It’s with great pleasure and renewed gratitude to the participating artists that we present the selection of artworks for Vendu–Sold 2019. As always, the Esse team has surrounded itself with talented and devoted individuals to present this auction. To all of our supporters, thank you for sharing in our research and publishing activities, and above all for sharing our passion for art.

Sylvette Babin

PRÉSIDENTE D’HONNEUR

HONORARY PRESIDENT

Animatrice de radio et de télévision depuis plus de quinze ans, Catherine Pogonat a permis à de nombreux artistes de se faire connaitre grâce à des émissions marquantes comme Bande à part, Sainte-Catherine, Mange ta ville et C’est juste du Web. Catherine Pogonat anime actuellement la quotidienne musicale et culturelle L’effet Pogonat sur ICI Musique (Radio-Canada). Elle fait aussi des séries de grandes entrevues et du documentaire, et a écrit dans plusieurs magazines québécois. De galas en grands spectacles musicaux, on la voit régulièrement sur scène à la barre d’évènements culturels. En 2009, elle a été récompensée par un prix Gémeaux pour l’animation de son magazine télévisé Mange ta ville, consacré aux artistes originaux et aux lieux atypiques de Montréal.

A radio and television host for over fifteen years, Catherine Pogonat has introduced many emerging artists to a wider audience through highly acclaimed programs, including Bande à part, Sainte-Catherine, Mange ta ville and C’est juste du Web. Catherine Pogonat currently hosts the daily music and culture show L’effet Pogonat on ICI Musique (Radio-Canada). She also presents far-reaching interviews and documentaries and writes for several Québec magazines. From galas to major musical performances, she can regularly be seen at the helm of major cultural events. In 2009, she was awarded a Gemini Prize for hosting her TV magazine Mange ta ville, featuring unconventional artists and little-known places in Montréal.

COMMISSAIREPRISEUR

AUCTIONEER

Laurent E. Berniard est commissaire-priseur chez IEGOR Enchères depuis 25 ans. Spécialiste de l’art canadien et des grands vins millésimés, il s’associe depuis longtemps déjà à plusieurs causes qui lui tiennent à cœur. Ainsi, depuis près de 10 ans, il collabore à la campagne de financement de la Fondation des Étoiles au profit de la recherche sur les diagnostics de maladies rares chez les enfants. Il s’investit également auprès de Leucan. Une curiosité débordante pour les courants artistiques le mène à observer les différents aspects du marché de l’art, l’évolution des tendances et l’inscription des œuvres dans le temps. Dans ce contexte, il s’intéresse particulièrement au renouvèlement constant de l’art et du marché — ou à l’impossibilité de les tenir pour acquis. Sa participation à l’encan-bénéfice Vendu–Sold des Éditions Esse s’inscrit parfaitement dans cette réflexion. Enfin, l’énergie fougueuse avec laquelle il manie le marteau, doublée d’un brin d’insolence, voire d’irrévérence, nous promet une soirée haute en couleur.

Laurent E. Berniard has been an auctioneer at IEGOR Auctions for 25 years. Specialized in Canadian art and fine vintage wines, he has shown longstanding support for several causes close to his heart. In this regard, he has collaborated for nearly ten years on the fundraising campaign for the Foundation of Stars, which supports research to improve the diagnosis of rare childhood diseases. He is also actively involved with Leucan. His intense curiosity about artistic trends has exposed him to diverse aspects of the art market, the evolution of trends, and the enshriment of works in time. In this context, he is specifically interested in the constant renewal of art and the market — or in the impossibility of taking either for granted. His participation in Éditions Esse’s Vendu–Sold benefit auction reflects this interest. Finally, thanks to the feisty energy with which he wields his hammer, as well as his irreverent and mischievous humour, the evening promises to be one full of excitement.

COMITÉ DE SÉLECTION

SELECTION COMMITTEE

Anne-Claude Bacon est titulaire d’une maitrise en histoire de l’art ainsi que d’une maitrise en muséologie de l’Université de Montréal. Elle a dirigé le Fonds Jacob-William (TOHU) avant de devenir responsable de la collection Hydro-Québec en 2004. Présidente des Éditions Esse, elle est également membre du conseil d’administration du centre Optica ainsi que du comité de programmation de la Fondation Giverny pour l’art contemporain.

Anne-Claude Bacon holds a master’s in art history and museology from the Université de Montréal. She was director of the JacobWilliam Collection (TOHU) before becoming curator of the HydroQuébec Art Collection in 2004. President of Les éditions Esse, she also sits on the board of directors for Optica and is a member of the programming committee for the Giverny Foundation for Contempo rary Art.

Julie Bélisle s’est nouvellement jointe au Service de la culture de la Ville de Montréal à titre d’agente de développement culturel en arts visuels. Elle était auparavant responsable de la recherche et du développement des contenus numériques au Musée d’art contemporain de Montréal. Chercheure spécialisée en culture matérielle et en art contemporain, elle est titulaire d’un doctorat en histoire de l’art de l’Université du Québec à Montréal.

Julie Bélisle recently joined Ville de Montréal’s Service de la culture as cultural development agent for visual arts. She was previously head of digital content development and research at the Musée d’art contemporain de Montréal. Specialized in material culture and contemporary art, she holds a PhD in art history from the Université du Québec à Montréal.

Béatrice Cloutier-Trépanier est conservatrice d’une collection privée à Montréal. Elle a travaillé de 2015 à 2017 pour la galerie Battat Contemporary, où elle a organisé, entre autres expositions, Tess Roby – In View et Marion Wagschal – Hexe. Titulaire d’une maitrise en histoire de l’art de l’Université Concordia, elle a entrepris à l’automne 2019 des études doctorales à l’Université Queen’s. Elle a signé des textes dans les revues Esse arts + opinions et Canadian Art.

Béatrice Cloutier-Trépanier is the curator of a private collection in Montréal. From 2015 to 2017, she worked at Battat Contempo rary where she was responsible for exhibitions including Tess Roby — In View and Marion Wagschal — Hexe. She holds an MA in art history from Concordia University and is currently pursuing her doctoral studies at Queen’s University. Her writing has appeared in Esse arts + opinions and Canadian Art.

Marie-Claude Landry est coordonnatrice de la collection d’œuvres d’art de la Ville de Laval. À ce titre, elle gère le développement de la collection d’art mobile et public pour l’ensemble du territoire. Auparavant conservatrice des collections au Musée d’art de Joliette, elle s’est consacrée, de 2017 à 2019, à l’augmentation, au rayonnement et à la gestion des 8 500 œuvres de l’établissement. De 2011 à 2017, elle a occupé le poste de conservatrice de l’art contemporain au sein du même musée.

Marie-Claude Landry has coordinated the Ville de Laval Art Collection since January 2019, managing the development of the mobile and public art collection for the entire region. As curator of Musée d’art de Joliette’s collections from 2017 to 2019, she contributed to the expansion, diffusion, and management of 8,500 artworks. From 2011 to 2017, she served as curator of contemporary art at the same museum.

Véronique Lefebvre assure depuis 2010 la coordination de SéminArts, programme d’initiation au collectionnement de l’art contemporain offert par le Musée d’art contemporain de Montréal (MACM) en collaboration avec la Fondation de la famille Claudine et Stephen Bronfman. Médiatrice dans l’équipe des visites du MACM depuis 1995, elle a collaboré au catalogue Métamorphoses et clonage (2001) et, à titre d’assistante à la conservation, à divers projets d’exposition.

Véronique Lefebvre has coordinated the SéminArts introduction to collecting contemporary art program offered by the Musée d’art contemporain de Montréal (MACM) in collaboration with the Claudine and Stephen Bronfman Family Foundation since 2010. A mediator on the MACM team since 1995, she collaborated on the catalogue Métamorphoses et clonage (2001) and on diverse exhibition projects as a curatorial assistant.

Sylvette Babin est titulaire d’une maitrise en Open Media de l’Université Concordia. Sa pratique artistique l’a menée à participer à plusieurs évènements au Canada et dans une vingtaine de villes en Europe, en Asie et en Amérique latine. Membre du comité de rédaction de la revue Esse arts + opinions depuis plus de 20 ans, elle agit à titre de directrice depuis 2002. Elle a publié des articles dans des revues, des catalogues et des livres d’artistes.

Sylvette Babin holds a master’s in Open Media from Concordia University. Her art practice has led her to participate in numerous events across Canada and in around twenty European, Asian, and Latin American cities. Member of Esse arts + opinions magazine’s editorial committee for over twenty years, she has also been its director since 2002. She has published articles in diverse magazines, catalogues, and artist books.

Les œuvres de l’encan

The Auction Artworks

François Lacasse

Lot 1

Lot 3 Lot 4 Lot 5 Lot 2

Ebrin Bagheri Caroline Mauxion Jackson Slattery Robbin Deyo

Hannah Claus

Lot 6

Françoise Sullivan Lot 8 Lauren Pelc-McArthur Lot 7

Laurence Veri Lot 10 Thea Yabut Lot 11 David Lafrance Lot 12 Matthew Feyld Lot 9

Cynthia Girard-Renard Lot 14 Nico Williams Lot 15 Manuel Mathieu Lot 16 Jessica Peters Lot 13

Marie-Michelle Deschamps Lot 18 Jérôme Nadeau Lot 19 Sarah Osborne Lot 20 Les Ramsay Lot 17

Michael Merrill

Lot 21

Matt Shane Lot 23 Chun Hua Catherine Dong Lot 24 Pierre Durette Lot 25 Jérôme Bouchard Lot 22

Pavitra Wickramasinghe

Lot 26

Meryl McMaster Lot 28 Sylvie Cotton Lot 27

Alexia Laferté Coutu Lot 30 Marigold Santos Lot 31 Adam Basanta Lot 32 Philippe Caron Lefebvre

Lot 29

Jessica Houston Lot 34 Frédéric Cordier Lot 35 Caroline Monnet Lot 36 Mathieu Grenier Lot 33

Dominique Sirois Lot 38 Marlon Kroll Lot 39 Julie Trudel Lot 40 Annie Descôteaux Lot 37

Lot 1

FRANÇOIS LACASSE

Pétales fuyants IX

Cette œuvre appartient à une série de travaux utilisant les réactions physicochimiques du blanc de titane dans une émulsion acrylique. Plusieurs couches de couleurs transparentes sont utilisées pour accentuer l’effet de profondeur et construire l’espace du tableau. Si l’on peut déduire certaines réactions de la somme des expérimentations, une part de hasard intervient et joue un rôle prédominant dans le résultat final. L’objectif est d’explorer les moyens techniques de la peinture tout en dotant l’œuvre d’un pouvoir d’évocation.

2019 Acrylique et encre sur bois 35,6 x 44,5 cm VALEUR ESTIMÉE 2 000 $ Galerie René Blouin Montréal galeriereneblouin.dreamhosters.com encan.esse.ca/fr/ lacasse-francois-2019

François Lacasse poursuit depuis 1992 une recherche qui s’est d’abord concentrée, par 12

l’utilisation de la fragmentation et de la superposition, sur des questions touchant les problématiques de l’image, en particulier sa perte de lisibilité. Au tournant des années 2000, ce travail s’est déplacé vers l’exploration des qualités physiques des matériaux et un intérêt pour la couleur y a pris une place prépondérante. Ses œuvres font partie de collections privées, muséales et d’entreprises, dont celles du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée des beaux-arts de Montréal, du Musée des beauxarts du Canada, de la collection Prêt d’œuvres d’art du MNBAQ, de la Caisse de dépôt et placement du Québec, de la Banque Nationale et d’Hydro-Québec, entre autres.

Lot 2

EBRIN BAGHERI E BR I N BAGH E R I .COM

People You May Know 2019 Ballpoint pen and watercolÂour on watercolour paper 84 x 89 cm ESTIMATE $2,500 encan.esse.ca/en/ bagheri-ebrin-2019

People You May Know is a poetic painting in which the different modes of masculinity are explored and the viewer is engaged with the notion of open secret, visible/ invisible, and the aesthetic of closeted life.

has completed an MFA at York University and holds visual arts degrees from other Canadian institutions, including a BFA from OCAD University and an arts diploma from George Brown College.

Ebrin Bagheri is an Iranian-Canadian visual artist currently living and working in Toronto. Working primarily in drawing and painting, he has been exploring issues pertinent to Middle Eastern culture and identity. He uses portraiture in particular to explore themes of masculinity and gender. In this work, he alludes to historical notions of pre-modern desire and gender norms that depart from current Western models. Bagheri 13

Lot 3

CAROLINE MAUXION CAR OL I N E M AUX I ON.COM

Colère de Diane 2018 Impression à jet d’encre 33 x 49,5 cm 2/5 VALEUR ESTIMÉE 670 $ Galerie Simon Blais Montréal galeriesimonblais.com encan.esse.ca/fr/ mauxion-caroline-2019

Cette composition fait référence au mythe de Diane et Actéon conté par Ovide dans Les Métamorphoses. Le chasseur Actéon surprend Diane se baignant nue dans la rivière, entourée de ses nymphes. Furieuse, la déesse transforme Actéon en cerf ; il finira dévoré par ses propres chiens. Caroline Mauxion s’intéresse au passage d’un état intangible à sa manifestation visible. S’inspirant de microphénomènes, d’expériences physiques ou de lectures marquantes, elle provoque des rencontres entre une représentation et son support. Son travail concerne surtout l’image photo graphique dont elle explore la matérialité. Ses images sont des

compositions simples, faites de restants d’atelier ou de matériaux trouvés. Si ses premiers projets privilégiaient l’abstraction, son travail actuel évolue vers une recherche sculpturale plus figurative. Ses projets récents créent des liens entre la photographie, le procédé d’écriture de Virginia Woolf et Les Métamorphoses d’Ovide. Elle a reçu le prix Sylvie et Simon Blais pour la relève en arts visuels et compte plusieurs expositions individuelles à Montréal (Les Territoires, Galerie de l’UQAM, Optica, Galerie Simon Blais, Galerie B-312). Ses œuvres figurent dans la collection Prêt d’œuvres d’art du MNBAQ.

Lot 4

JACKSON SLATTERY JACKSONSL ATTE R Y.N ET

Dre no. 2 2019 Oil on linen 25 x 21 cm ESTIMATE $2,900 encan.esse.ca/en/ slattery-jackson-2019

In his work, Slattery attempts to balance indifference with sincerity; over time, he has established a lexicon of veiled references that indicate the subjects’ connection to his personal life. His latest subject is one of his girlfriend’s best male friends, Dre. In these paintings, he avoids the distancing or framing devices that he has previously employed. These naked works develop his overall project of exposing his vulnerability as an artist by exploring categories and genres that appear loaded or problematic. Working through a situation not coded by either a typical male gaze (a heterosexual male artist painting a woman) or a homoerotic one, in Dre, Slattery is attempting to simply look, with

as much attention and tenderness as possible. Jackson Slattery’s paintings are realistic renderings of subject matter usually drawn from photographs and often integrated into compositional structures that involve (or mimic) collage techniques. For Slattery, photorealism poses a challenge that extends from the predicament of painting in general, as he questions why we are compelled to make and look at paintings, and why images produced by hand still fascinate us. He has recently had solo exhibitions at Gertrude Glasshouse (Melbourne) with André Piguet, Sutton Gallery (Melbourne), and soon.tw (Montréal). 15

Lot 5

ROBBIN DEYO BLU E R OBBI N.COM

Meditation (k) 2016 Watercolour on paper 50.5 x 60 cm ESTIMATE $2,250 Ellephant Montréal ellephant.org Paul Kuhn Gallery Calgary paulkuhngallery.com encan.esse.ca/en/ deyo-robbin-2019

Meditation (k) is one of the mandala-like watercolour paintings from the series Twelve Hearts. Each piece was created by repeating one of the quintessential forms produced by the childhood toy Spirograph, four circles with a heart-shaped centre drawn twelve times. The washes of colour were applied while Deyo meditated on someone close to her. Meditation (k) was developed while she was caring for a friend during her illness. The artwork is a symbol of universal love. Robbin Deyo has lived and worked in Montréal for over twenty years. She completed an MFA at Concordia University. Her art practice is autobiographical and material

based. Educated as a painter, she has developed bodies of work that include unique objects and hand-made multiples, drawings, paintings, videos, sculptures, and works that straddle these media. Her work has been presented across Canada, the United States, and Europe. Recent exhibitions include Manif d’art (Musée national des beaux-arts du Québec), Op! Le vertige optique (Maison des arts de Laval) and Still Moving (Ottawa Art Gallery). Her art is included in the Canada Council Art Bank, Collection Prêt d’œuvres d’art of the MNBAQ, and private collections.

Lot 6

HANNAH CLAUS HAN NAHCL AUS.N ET

reflections on time and space through material production iii 2019 Digital print on Entrada textured paper 26 x 121.9 cm 1/3 ESTIMATE $4,300 encan.esse.ca/en/ claus-hannah-2019

In dialogue with objects from the McCord Museum’s First Peoples collection, this work is one of a series of photographic prints in which details of beaded objects are reflected, reversed, and multiplied to express new ways of seeing or understanding time and space. The process of creating the image speaks to the process of bead-working and design. The overlay of circular forms creates another layer through which to engage and complicate the rhythm of these inherent relationships. Hannah Claus examines relationships with memory, space, and time through material exploration in her practice, which reflects her Kanien’kehá:ka (Mohawk) and

English heritage. Often integrating a collaborative approach into her projects, she highlights the importance of process through repetition and accumulation to express an Indigenous perspective. She graduated from the University of Ottawa, the Ontario College of Art and Design, and Concordia University. She has exhibited in Canada, Switzerland, Germany, Mexico, Chile, and the United States. She has upcoming exhibitions at the National Gallery of Canada (Ottawa), the Koffler Gallery (Toronto), and in the Eiteljorg Fellows Exhibition (Indianapolis). Her works are in private and public collections. She is a member of the Mohawks of the Bay of Quinte (Tyendinaga Mohawk Territory, Ontario). 17

Lot 7

FRANÇOISE SULLIVAN

Pastel no. 2

La production au pastel de Françoise Sullivan demeure méconnue du public. Vision extatique de pulsations colorées, Pastel no. 2 pousse l’abstraction dans ses retranchements et surprend par ses décisions tactiles. Il y a, dans les pastels de Sullivan tout autant que dans ses tableaux, « quelque chose de l’ordre de l’empreinte première, celle du corps et du mouvement, et quelque chose de l’ordre de l’emprise, celle du sang et du rythme ». (Louise Déry et Monique Régimbald-Zeiber)

1997 Pastel sur papier 40 x 37 cm VALEUR ESTIMÉE 4 330 $ Galerie Simon Blais Montréal galeriesimonblais.com encan.esse.ca/fr/ sullivan-francoise-2019

Françoise Sullivan est née en 1923 à Montréal. Artiste polyvalente et singulière, elle s’illustre comme danseuse, chorégraphe, sculpteure et peintre. Aux côtés 18

de Paul-Émile Borduas, elle fait partie des membres fondateurs de l’automatisme, et signe en 1948 le manifeste Refus global. Ses œuvres ont fait l’objet d’innombrables expositions individuelles et collectives, notamment au Musée d’art contemporain de Montréal, en 1981, au Musée national des beaux-arts du Québec, en 1993, et au Musée des beaux-arts de Montréal, en 2003. Lauréate du prix Paul-Émile-Borduas en 1987, elle a reçu deux diplômes honorifiques. À l’automne 2018, le Musée d’art contemporain de Montréal lui consacre une exposition rétrospective qui voyage depuis lors dans plusieurs musées au Canada.

Lot 8

LAUREN PELC-MCARTHUR L AU R E N PE LCMCAR THU R . CO M

The Stance 2019 Oil, acrylic, and Flashe vinyl paint on canvas 122 x 122 cm ESTIMATE $3,600 Patrick Mikhail Gallery Montréal / Ottawa patrickmikhailgallery.com encan.esse.ca/en/ pelc-mcarthur-lauren-2019

In her work, Lauren PelcMcArthur reflects on technological and organic interconnectivity and its power to create and annihilate. Systems and micro-macro relations populate her work. Her paintings provoke optical effects through high-chroma fluorescence, rhythm, and pattern. Visual overload, sci-fi tropes, and psychedelic flotsam and jetsam are all mediated through screen aesthetics in her paintings to build imagined spaces in states of flux. In The Stance, a central structure, reminiscent of a flag pole or sail, dominates the canvas: a marker for a claim of influence. Marks alluding to currents and charges puncture and gyrate around the structure.

Lauren Pelc-McArthur lives and works in Montréal. She received her BFA from OCAD University in 2012 and will receive her MFA from Concordia University in late 2019. She received the 2019 Nancy Petry Award in Painting, and in 2018 she was nominated for the RBC Canadian Painting Competition. She is the recipient of numerous grants and scholarships. She has participated in exhibitions at Art Mûr, The Power Plant, Projet Pangée, and Project Gallery. Her first two projects with Patrick Mikhail Gallery are slated for fall of 2019. Her works are in numerous private collections, and those of both Desjardins Bank and Equitable Bank.

Lot 9

LAURENCE VERI L AU R E NCEVE R I .COM

Bain d’oiseau 2018 Grès émaillé 25 x 58 x 58 cm VALEUR ESTIMÉE 2 400 $ encan.esse.ca/fr/ veri-laurence-2019

Bain d’oiseau tient d’une volonté de fusionner contemplation et intimité avec le monde naturel. Le bain, marqueur d’un changement spirituel, tout comme le lépidoptère émergeant de la chrysalide, évoque inversement un acte d’immersion au sein de forces inconscientes. Au centre, un papillon de grès et d’ilménite révèle dans toute sa force et sa fragilité l’autorenouvèlement, la temporalité et le désir. Laurence Veri fonde son travail sur la nature cyclique de la croissance et du délabrement. Alors que les structures se révèlent et se métamorphosent, elles s’étendent dans la forêt, énigmatiques, mais offrent une invitation. La mort et

la décadence étant nécessaires à la résurgence de la vie, l’ajout de fragments composites à l’argile contribue à une réflexion sur la manière dont le temps et les éléments interviennent dans la formation de la matière. C’est à travers un savoir-faire artisanal que l’artiste suggère une interaction avec la nature, où la concordance des pièces et de la transformation organique vient troubler les conventions de l’objet en céramique. Son travail a été présenté à Épisode Laurier, à la Galerie Laroche/Joncas, ainsi qu’au Centre international de recherche en céramique de Guldagergaard, à Skælskør, au Danemark.

Lot 10

THEA YABUT TH EAYABU T.COM

thenar 2018 Paper, pigment, glue, joint compound, graphite, clay 55.9 cm x 46.5 cm ESTIMATE $2,000 L’Inconnue Montréal linconnue.biz/exhibitions/vibrissa encan.esse.ca/en/ yabut-thea-2019

thenar is titled after the group of muscles that connects the thumb to the palm of the human hand, reflecting Yabut’s practice of using her hands to create intuitive and organic patterns composed of blended old drawings and studio scraps. Thea Yabut is a visual artist based in Montréal. The inscribed surfaces of her works bring identity to an intimate process of materiality, pattern, and improvisation. Recent works incorporate a paper-based mush that is made from water and blended studio remnants: scraps, old drawings, pencil shavings, powdered graphite, chalk pastel, and bonding mediums. As she uses her hands to draw and

imprint the material into abstract forms, the work embodies the physical act of its construction. Yabut has presented her work in galleries and museums across Canada. Recent exhibition venues include Tiger Strikes Asteroid (Brooklyn), Cassandra Cassandra (Toronto), L’Inconnue (Montréal), and Cooper Cole (Toronto). She has received numerous grants from the Ontario Arts Council, including the Emerging Artist Grant. She holds an MFA from Western University and a BFA from the Alberta University of the Arts.

Lot 11

DAVID LAFRANCE DAVI DL AF R ANCE.N ET

Blame it on the weather no. 02 2019 Acrylique sur bois 53 x 69 cm VALEUR ESTIMÉE 2 000 $ Galerie Hugues Charbonneau Montréal huguescharbonneau.com encan.esse.ca/fr/ lafrance-david-2019

Cette œuvre tire son titre de celui d’un livre qui retrace certains évènements météorologiques marquants ayant changé la vie des gens au Canada dans les dernières décennies. La série dépeint le caractère perturbant du climat dans une représentation plus classique du paysage. La technique de transfert d’images employée participe à l’aspect détérioré de la scène. Cette composition illustre un champ de monoculture en hiver, au sud de Montréal. David Lafrance est candidat à la maitrise à l’Université Concordia. Son univers se déploie dans la peinture et la sculpture depuis près de 20 ans. Le paysage convie une affluence de symboles qui, issus de

l’histoire et de la culture populaire, activent tantôt la mémoire collective, tantôt la mémoire personnelle de l’artiste. Dans son nouveau corpus d’œuvres, l’almanach réfère au temps qui passe, de la température qui change et des jours fastes et néfastes. Son travail a été présenté au Canada, aux États-Unis et en France, notamment à la Galerie Hugues Charbonneau, au Musée d’art contemporain des Laurentides et au Musée des beaux-arts de Montréal. Ses œuvres figurent parmi des collections privées et publiques, dont la collection Prêt d’œuvres d’art du MNBAQ, de Loto-Québec, d’Hydro-Québec et du Mouvement Desjardins.

Lot 12

MATTHEW FEYLD

Untitled

Russian birch, 16 x 16 inches (40.64 x 40.64 cm), 10 oz canvas, 77 staples, gesso, sanded, acrylic paint, dry pigment, acrylic mediums, 60 — 80 layers, horizontal brush strokes, vertical brushstrokes, four dots, 7/16” (11.11 mm), half-inch from each corner, 2017–19.

2017–2019 Acrylic, pigments, and modelling paste on canvas over panel 40.6 x 40.6 cm ESTIMATE $3,500 Gray Contemporary Houston graycontemporary.com encan.esse.ca/en/ feyld-matthew-2019

Matthew Feyld is an artist living and working in Montréal. His work has been exhibited in Canada and in such countries as Australia, Belgium, Denmark, England, France, Germany, Japan, Mexico, the Netherlands, Ukraine, Scotland, Sweden, Switzerland, and the United States. His work has been included in solo and group exhibitions at venues

including Berggruen Gallery (San Francisco), Geukens & De Vil (Antwerp), the Mikhail Bulgakov Museum (Kiev), Lange + Pult Gallery (Zurich), 57W57ARTS (New York), Gray Contemporary (Houston), FF projects (San Pedro, Mexico), Sunday-S Gallery (Copenhagen), PS Projectspace (Amsterdam), Birch Contemporary (Toronto), Krets (Malmö), and Galerie René Blouin (Montréal).

Lot 13

CYNTHIA GIRARD-RENARD CY NTH I AGI R AR DR E NAR D.CA

C’est la fin du monde De la série Amour et anarchie 2017 Acrylique sur toile 124 x 150 cm VALEUR ESTIMÉE 5 500 $ encan.esse.ca/fr/ girard-renard-cynthia-2019

Ce tableau fait partie du dernier projet de l’artiste, intitulé Amour et anarchie. Il s’inspire d’un film de la cinéaste italienne Lina Wertmüller, dont l’action principale se déroule dans un bordel sous l’Italie fasciste de Mussolini. L’artiste a concocté une série de six tableaux érotico politiques où des personnages interespèces s’ébattent dans des jouissances carnavalesques, malgré les jours sombres et les scénarios apocalyptiques de l’époque. Refusant la passivité et le statuquo, les figures polymorphes – qui se tissent entre l’animal, le végétal et l’humain – copulent et exultent. Cynthia Girard-Renard est artiste visuelle et poète. Sa pratique allie peinture, installation, sculpture

et performance. De nombreuses expositions individuelles lui ont été consacrées, notamment à la Douglas Hyde Gallery (Dublin), au Musée d’art de Joliette, à la Esker Foundation (Calgary), au Künstlerhaus Bethanien (Berlin) et au Musée d’art contemporain de Montréal (MACM). Mentionnons aussi de nombreuses expositions collectives à Catriona Jeffries (Vancouver), la Biennale canadienne 2017 (Musée des beauxarts du Canada) et la Triennale québécoise (MACM). En 2018, elle a reçu le prix Louis-Comtois ainsi que le prix Takao-Tanabe. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections muséales, institutionnelles et particulières.

Lot 14

NICO WILLIAMS N I COWI L L I AM S.COM

Bad Boys 2017 Delicas and porcupine quills 10.2 x 10.2 x 2.5 cm Unique edition ESTIMATE $2,000 encan.esse.ca/en/ williams-nico-2019

Bad Boys comes from Williams’s first solo exhibition series of hyperbolic squares. This particular work is a reflection on Indigenous individuals incarcerated in Canadian penitentiaries. The work is woven with imported high-quality glass from Japan and sewn together with quillwork — bridging new materials with traditional ones.

(BACA). In 2018, he was a part of an article and film spot in National Geographic. In January 2019, Williams joined the Contemporary Geometric Beadwork team at the Massachusetts Institute of Technology in a research and creation session, “Art, Architecture and Models of Hyperbolic Energy.”

Nico Williams, ᐅᑌᒥᐣ is Ojibwe from Aamjiwnaang First Nation. He has participated in solo and group exhibitions across Canada and internationally. He is an active member of the Montreal Indigenous Community NETWORK and a board member of the Biennale d’art contemporain autochtone 25

Lot 15

MANUEL MATHIEU MANU E L MATH I EU.COM

The Promised Land 2019 Fusain, crayon de couleur, stylo, aquarelle 20,3 x 26,6 cm VALEUR ESTIMÉE 2 800 $ Kavi Gupta Gallery Chicago kavigupta.com Maruani Mercier Bruxelles / Knokke / Zaventem maruanimercier.com encan.esse.ca/fr/ mathieu-manuel-2019

Au coin inférieur gauche de la composition se trouve un portail qui s’ouvre sur une étendue de terre, « la terre promise » du titre. C’est un lieu sacré que nous devrions préserver, plutôt que de le façonner dans le but de combler nos désirs insatiables. The Promised Land n’est pas un lieu qui nous est familier, mais l’œuvre fait allusion au caractère sacré que nous devrions accorder à notre terre. À quoi ressembleraient nos paysages si nous suivions le rythme de la nature, si nous la laissions dicter notre manière de vivre ensemble ? Manuel Mathieu est un artiste interdisciplinaire né en Haïti et basé à Montréal. Ses tableaux explorent l’obscurantisme, les histoires de

violence et les cultures visuelles haïtiennes de la présence physique, de la nature et du symbolisme religieux. Mariant des techniques abstraites et figuratives, ses compositions nous offrent un espace de réflexion sur l’histoire transformatrice d’Haïti, tout en nous invitant à réfléchir aux différents futurs que crée l’acte de commémoration. Il est titulaire d’une maitrise de l’Université Goldsmiths à Londres. Son travail a été exposé au Musée des Amériques (Washington), au Grand Palais (Paris) et au ICA (Londres). Ses œuvres figurent dans des collections privées, des musées et des entreprises : JPMorgan Chase (New York), Musée de la civilisation, Musée des beaux-arts de Montréal et Hydro-Québec.

Lot 16

JESSICA PETERS J ESSI CAPETE R S.N ET

L’Exode 2019 Acrylique et peinture en aérosol sur bois 102 x 152 cm VALEUR ESTIMÉ 2 750 $ Galerie Simon Blais Montréal galeriesimonblais.com encan.esse.ca/fr/ peters-jessica-2019

L’Exode est un tableau inspiré des nombreux lotissements de maisons en rangée qui se construisent à l’extérieur des grands centres urbains. L’étalement urbain est un phénomène qui se propage et qui a son lot de conséquences sur l’environnement et les communautés. Ce tableau représente la transformation du paysage autour de chez l’artiste, son évolution et la perte d’identité. Jessica Peters explore, à travers la peinture et le dessin, différents phénomènes socioculturels ayant un impact sur le paysage et ses infrastructures. Dans ses « paysages », la dualité entre la fluidité de la matière et les découpes précises évoque à la fois la nature

et l’architecture. L’artiste s’intéresse principalement à l’adversité et à la coexistence de ces deux entités dans différents contextes actuels. Peters a participé à de nombreuses expositions solos et collectives au Québec, à Toronto et tout récemment à New York, à la Nancy Margolis Gallery. Elle a reçu une subvention du Conseil des arts et des lettres du Québec dans le cadre du partenariat territorial des Laurentides, et a participé à la 10e Foire d’art contemporain de Saint-Lambert. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections publiques et privées, notamment celles de Loto-Québec, de la Ville d’Ottawa et de la Ville de Montréal.

Lot 17

MARIE-MICHELLE DESCHAMPS M M DESCHAM PS.I N FO

Verglas #1 2019 Émail vitrifié sur feuille de cuivre 27,9 x 21,5 cm VALEUR ESTIMÉE 1 700 $ Parisian Laundry Montréal parisianlaundry.com Galerie Gregor Staiger Zurich galerie.gregorstaiger.com encan.esse.ca/fr/ deschamps-marie-michelle-2019

Verglas #1 est une feuille de cuivre émaillée, format lettre. Lors de la cuisson, de petites lignes aléatoires se sont inscrites dans la fine couche de verre où sont apparus des reflets vert-de-gris, figeant ainsi le temps sur la page blanche. Marie-Michelle Deschamps explore la problématique du processus de signification et joue avec les frontières fragiles qui organisent le monde. Ses installations dissèquent, déconstruisent et réinventent le langage pour mieux interroger la relation entre les mots et les choses, et ce, en donnant à voir, entre les lignes du texte, le langage comme expérience.

Elle est titulaire d’une maitrise de la Glasgow School of Art. Son travail a été exposé à Oakville Galleries, à la Parisian Laundry, à Diagonale, à l’Ausstellungsraum Klingental (Bâle, Suisse), au MUDAM (Luxembourg) et à la Fonderie Darling. Ses œuvres se retrouvent dans les collections de la Caisse de dépôt et placement du Québec, de la Banque Royale du Canada, du Musée Voorlinden (Pays-Bas), de Lafayette Anticipations – Fondation d’entreprise Galeries Lafayette (France) et de la Collection Banque Nationale, entre autres. Elles figurent également dans de nombreuses collections privées en France, au Canada, en Italie, en Grande- Bretagne et en Suisse.

Lot 18

JÉRÔME NADEAU J E R OM E NADEAU.COM

The Dice Man 2019 Épreuve argentique, huile sur épreuve argentique 25,4 x 20,3 cm Œuvre unique VALEUR ESTIMÉE 1 200 $ encan.esse.ca/fr/ nadeau-jerome-2019

Le travail de Jérôme Nadeau se développe autour d’une suite cryptique d’enquêtes examinant le potentiel physique et philosophique de l’image contemporaine. Mélangeant diverses approches techniques dans une méthodologie de recherche et d’accumulation, il traite chaque image à la fois comme une source d’information et un matériau brut. Des liens suggèrent que quelque chose d’elliptique joue dans la fabrication et la circulation des images, qui laissent ainsi derrière elles des traces indicielles d’elles-mêmes, comme deux miroirs se faisant face et se reflétant à l’infini. Jérôme Nadeau propose par sa pratique artistique une réflexion sur le

statut de l’image photographique dans son rapport à la matérialité et à ses qualités inhérentes, situées à l’intersection des supports. Il explore, au-delà de leurs usages prédéterminés, la malléabilité des processus de production et de reproduction des images. Son travail a été présenté lors d’expositions individuelles et collectives à la Galerie René Blouin, à Occurrence, à la Galerie Leonard et Bina Ellen, à la Parisian Laundry, aux Typology Projects (Toronto), à la Gallery Monitor (Göteborg, Suède) et à la Gallery 44 (Toronto). Il est lauréat des bourses d’études supérieures en photographie Mildred Lande and Margot Lande (2013) et Roloff Beny (2015). 29

Lot 19

SARAH OSBORNE SAR AHOSBOR N E.CA

Garden Boot 2017 Huile et acrylique sur toile 102 x 76 cm VALEUR ESTIMÉE 2 750 $ Projet Pangée Montréal projetpangee.com encan.esse.ca/fr/ osborne-sarah-2019

Ce tableau fait partie d’une série intitulée The Midnight Plums, créée dans le cadre de l’exposition de fin de maitrise de Sarah Osborne. Il interroge le motif floral comme emblème ainsi que la complexité du vêtement féminin. La chaussure à talon haut est récurrente comme sujet et comme figure dans la pratique d’Osborne, pour qui elle est un symbole discutable et paradoxal de féminité, de résilience et de force. Sarah Osborne crée surtout des tableaux qui s’orientent autour du féminin. Son travail est influencé par les réseaux sociaux, Internet, la mode et sa connexion paradoxale avec la nature. Sa peinture interroge la prise de position et

l’autoreprésentation féminine dans l’histoire de la peinture, mais aussi dans les médias sociaux. L’autoportrait, la nature morte et le nu féminin, grandes traditions picturales, sont d’une importance majeure dans son travail. Osborne a obtenu en 2018 une maitrise en beaux-arts de l’Université Concordia, avec une concentration en peinture et dessin. En 2019, son travail a été présenté à la foire Papier et au centre d’artistes Occurrence. Elle a participé à une résidence d’artiste à Los Angeles en 2018-2019.

Lot 20

LES RAMSAY

Two Vases

Two Vases is the precursor painting study to the recent Brushstroke series that Ramsay began in summer 2018. In the artist’s words, “This work is significant because of its shift in gears, its energy and looseness. It’s a picture of the celebration of the dance of making.”

2018 Oil and acrylic on canvas 157.5 x 121.9 cm ESTIMATE $5,000 Galerie Antoine Ertaskiran Montréal galerieantoineertaskiran.com encan.esse.ca/en/ ramsay-les-2019

Les Ramsay was born in Vancouver and currently lives and works on the Sunshine Coast of British Columbia. He received his BFA at Emily Carr University of Art + Design, did a six-month exchange at Universitat de Politecnica in Valencia (Spain), and completed his MFA in painting at Concordia University. Ramsay creates his works by recycling the excess of everyday domestic objects using

constructive and deconstructive strategies. With a layered multi-media studio practice, he draws inspiration from domestic craft, textiles, folk art, and digital drawing, forming groups of large oil paintings, fabric assemblages, sculptures, and framed needlepoints. His works can be found in many private and corporate collections, including Medcan, the Claridge Collection, TD Bank Group, Royal Bank of Canada, and Scotiabank. He has exhibited in Canada, Spain, Sweden, Switzerland, Germany, and the United States.

Lot 21

MICHAEL MERRILL M I CHAE L M E R R I L L .CA

Studio 2017 Oil on linen 20 x 20 cm ESTIMATE $1,650 Galeries Roger Bellemare et Christian Lambert Montréal bellemarelambert.com encan.esse.ca/en/ merrill-michael-2019

This work is one of the first paintings from a series using the studio as a subject, which started as practice for a project to paint plein air. The studio became the default subject as it is Merrill’s immediate environment. As the paintings accumulated, the studio became more intriguing as a subject. The initial project to paint plein air fell through, and he was free to continue the studio works and develop them into a double exhibition in 2018. Michael Merrill has been painting and exhibiting since 1975. He has exhibited nationally and internationally, including Cologne, Berlin, Paris, and the inaugural Québec Triennial, organized by

the Musée d’art contemporain de Montréal in 2008. Other exhibitions include Espace/Outer Space and Espace intérieur/Inner Space, at the McClure Gallery and the Montréal Museum of Fine Arts, respectively, in 2011. He participated in the exhibition Builders at the National Gallery of Canada in 2012 and in The Painting Project at Galerie de l’UQAM in 2013. His works are in various collections, including the Musée national des beaux-arts du Québec, the Musée d’art contemporain de Montréal, the Montréal Museum of Fine Arts, the National Gallery of Canada, Claridge Collection, and Deutsche Bank, and in private collections.

Lot 22

MATT SHANE MATTSHAN EAR T.COM

5445 Studio 2018 Ink on watercolour paper 56 x 76 cm ESTIMATE $1,750 Galerie Deux Poissons Montréal galeriedeuxpoissons.com encan.esse.ca/en/ shane-matt-2019

This work is part of a series of ink drawings based on Google Earth screenshots. Shane is reconstructing the view if one could see through the walls looking northwest from his former studio at 5445 Ave. de Gaspé. Using a spectrum of ink washes, he recreates Google Earth’s version of where he was located when he was making the drawing, replete with photographic distortions, crooked contour lines, and digital noise. Matt Shane makes paintings, drawings, and room-sized collaborative installations that are anchored in the realm of landscape. His pictorial worlds follow a Romantic lineage, but arrive at a mercurial ground, at the border

of wilderness and civilization, perception and fantasy. Shane obtained an MFA from Concordia University in 2013. He has received numerous grants and awards and has co-organized seventeen massive collaborative drawing installations alongside his best friend, Jim Holyoak. He has toured widely and done residencies and had exhibitions on three continents. His most recent collaborative work was shown as part of Manif d’art 9 at the Musée national des beauxarts du Q uébec. Shane’s work can be found in the collections of the Musée d’art contemporain de Montréal, Caisse Populaire Desjardins, Bank of Montreal, and many others. 33

Lot 23

CHUN HUA CATHERINE DONG CHU N HUACATH E R I N E DONG.COM

I Have Been There 2018 Performance photograph 72 x 90 cm 1/5 + 1 AP ESTIMATE $3,150 Patrick Mikhail Gallery Montréal / Ottawa patrickmikhailgallery.com encan.esse.ca/en/ dong-chun-hua-catherine-2019

I Have Been There is an ongoing performance in which Dong makes a duvet every time she travels to a place. Covered by the duvet, she lies still on ground of historical sites, landmarks, and tourist attractions as a sign of negotiating and/or engaging with cultures and spaces. This work is inspired by a funeral tradition in her hometown in China. When an elder person dies, daughters of this person make duvets with silk fabrics to cover their parent’s body. For Dong, as a person living abroad without family, the question of who will bury her after she dies sometimes bothers her. Therefore, she makes her own shrouds and buries herself wherever she goes, celebrating her

death — in other words, her existence — publicly and repeatedly. Chun Hua Catherine Dong is a Chinese-born artist. Dong often uses her own body as a primary material in her work to activate social commentary on gender, race, and immigration. She has performed and exhibited her works in multiple venues including Kaunas Biennial, Musée d’art contemporain du Val-de-Marne (Paris), Dong Gang Museum of Photography (South Korea), and 7a*11d (Toronto). She received the Franklin Furnace Award for contemporary avant-garde art in New York (2014).

Lot 24

PIERRE DURETTE PI E R R E DU R ETTE.COM

S.N.3. 2018 Porcelaine et matériaux mixtes 58 x 70 x 70 cm VALEUR ESTIMÉE 3 500 $ encan.esse.ca/fr/ durette-pierre-2019

S.N.3 est issu des dernières recherches sculpturales de l’artiste. Le travail débute par la collecte de plantes et de fleurs, qui sont trempées dans une porcelaine liquide. Lors de la cuisson, la plante brule pour laisser une coquille de porcelaine. Les coquilles sont assemblées par accumulation, créant un effet d’enveloppement des objets par la flore, d’où découle un questionnement sur la pérennité de notre civilisation. L’œuvre tente de recréer le temps qui passe, sorte de vestige futuriste de Pompéi ou d’un autre site où la nature a eu (ou aura) le dessus sur l’humain. Pierre Durette crée des œuvres qui sont des incursions dans un univers iconographique où chaque

pièce peut être objet de culte et nomenclature – celle d’une société présente, mais lointaine. Dans sa pratique, l’artiste a travaillé différentes techniques, convaincu que le choix judicieux du procédé accentue le propos et enrichit la sémantique de l’œuvre. Il a été semi-finaliste au concours de peinture RBC (2009) et lauréat de plusieurs prix et bourses. Il a reçu en 2017 le prix Créateur de l’année au Bas-SaintLaurent du Conseil des arts et des lettres du Québec. Ses œuvres ont été exposées au Musée d’art contemporain de Montréal et à la Cuadro Art Gallery à Dubaï. Elles figurent dans plusieurs collections privées et publiques, au Canada et à l’étranger. 35

Lot 25

JÉRÔME BOUCHARD

Re-tramer

L’artiste a choisi d’imprimer sur papier Backlit la photographie d’une plaque d’aluminium brut, matériau qui présente une forte conductivité. Il y a inscrit en soustraction, dans l’encre d’impression, des marques provenant de la cartographie d’ondes électromagnétiques captées dans son atelier. Ces marques qui étaient censées représenter des ondes déploient de nouvelles relations entre les aspérités perçues du matériau brut photographié et les interventions de l’artiste sur la photographie. La conductivité qui caractérise la plaque d’aluminium permet d’interroger ici le rapport entre le support, sa représentation et l’intervention de l’artiste.

2015 Impression à jet d’encre et grattage sur Backlit 67 x 76 cm VALEUR ESTIMÉE 3 300 $ Galeries Roger Bellemare et Christian Lambert Montréal bellemarelambert.com encan.esse.ca/fr/ bouchard-jerome-2019

Jérôme Bouchard vit en Belgique et au Canada. Dans le cadre de récentes résidences au Tokyo Arts Center (Japon) et aux RésidencesAteliers Vivegnis International (Belgique), ses recherches ont porté sur la représentation du paysage, plus précisément sur la dégradation d’objets souvent invisibles à l’œil nu dans l’environnement. Depuis peu, l’artiste fait progresser un travail en peinture dans lequel il adopte délibérément des moyens technologiques jumelés à d’autres, plus traditionnels, rendant parfois incertaine la présence de la main dans le processus de création. Son travail fait partie de plusieurs collections publiques et privées au Canada, aux États-Unis et en Europe.

Lot 26

PAVITRA WICKRAMASINGHE PAVI TR AW.COM

Line Poem — Alchemy of Light #2 — 3, 2, 4 2013 Laser-cut paper pads 27 x 24 cm (each) Edition of 2 ESTIMATE $2,400 encan.esse.ca/en/ wickramasinghe-pavitra-2019

This series of work is made with light (lasers). For the past few years, Pavitra Wickramasinghe has been preoccupied with the idea of giving a physical form to light, shadow, and projection. These works start off as automatic drawings done with pen on paper. They are then scanned and traced to create vector drawings, translating the organic hand gestures into hard-straight lines. Pavitra Wickramasinghe is a multidisciplinary artist concerned mainly with new ways of conceptualizing the moving image and conventions of seeing. Her work has been exhibited in numerous local, national, and international venues, including Chroniques,

International digital arts biennial (France), Oboro (Montréal), Kunst Kraft Werk (Germany), Yeosu International Art Festival (South Korea), Cable Factory (Finland), Centro Cultural del Matadero (Spain), and Access Gallery (Vancouver). She is the recipient of numerous residencies, awards, and grants, including Art Omi (New York), UNESCO-Aschberg Bursaries Programme for Artists, Changdong Art Studio, National Museum of Modern and Contemporary Art (South Korea), and the Claudine and Stephen Bronfman Fellowship in Contemporary Art.

Lot 27

MERYL MCMASTER M E R Y L M CM ASTE R .COM

Caitlin 2010 Digital chromogenic print 91.4 x 91.4 cm 2/5 ESTIMATE $4,150 Pierre-François Ouellette art contemporain Montréal / Ottawa pfoac.com Stephen Bulger Gallery Toronto bulgergallery.com encan.esse.ca/en/ mcmaster-meryl-2019

Caitlin, from the Second Self series, reconsiders identity within traditional portraiture and self-portraiture by incorporating drawing and sculpture to evoke a world not normally seen by the naked eye. McMaster had blindcontour self-portrait drawings done by her subjects as a process that she felt was telling of selfconcept or betrayed the distortions of self-perception. Using wire, she re-created these drawings as sculptures that then became masks that subtly concealed and changed the subjects’ perceived identities. Second Self provides an opportunity to comment on the challenges of accurately representing identity through portraiture.

Meryl McMaster’s distinct approach to photographic portraiture and self-portraits has a performative quality: she explores questions of self through land, lineage, history, and culture. Her work has been exhibited at the National Gallery of Canada, Montréal Museum of Fine Arts, Prefix Institute of Contemporary Art, and the Smithsonian National Museum of the American Indian. Her awards include the Scotiabank New Generation Photography Award (2018), Reveal Indigenous Art Award (2017), and the 2016 Sobey Art Award long list. Her work is in the collections of the National Gallery of Canada, Museum London, and the National Museum of the American Indian, among others.

Lot 28

SYLVIE COTTON SY LVI ECOTTON.CA

Gabrielle, Sabrina, Nicolas, Mauï De la série Les Perruques 2016 Crayon sur papier Quatre dessins de 25 x 20 cm VALEUR ESTIMÉE 2 600 $ encan.esse.ca/fr/ cotton-sylvie-2019

La série Les Perruques a été produite dans le contexte d’une rencontre avec des étudiant.e.s en arts visuels du Cégep de Granby qui amorçaient un projet de fin de session. Cotton, qui a toujours voulu faire des arts plastiques à l’école, s’est transformée en étudiante pour la durée du cours dans le cadre d’une résidence au 3e impérial de Granby. Son projet consistait à dessiner les chevelures stylisées des étudiants qui l’entouraient. Sylvie Cotton s’intéresse à la présence et à ses modes d’apparition, d’incarnation et de disparition. Son travail porte essentiellement sur l’aventure de cette présence, à soi et aux autres ainsi qu’aux

phénomènes matériels ou immatériels, subtils ou manifestes. Ses recherches privilégient le matériau biographique et s’inscrivent le plus souvent in situ et in socius, mais aussi dans ce qu’elle nomme « in spiritu » : en union avec l’état d’esprit du moment créatif. Elle exploite divers supports : performance et art action, dessin, livre d’artiste, photographie, installation, écriture. Ses projets ont été présentés au Québec, aux ÉtatsUnis, en Europe, au Mexique et au Japon. Elle a publié quatre livres d’artiste, une monographie sur la pratique en résidence, Désirer résider, et, avec l’historienne de l’art Nathalie de Blois, un livre sur sa démarche artistique.

Lot 29

ALEXIA LAFERTÉ COUTU AL EX I AL AF E R TECOU TU.COM

Monument national : versant sud 2018 Verre coulé, sable 5,1 x 48,3 x 40,6 cm Œuvre unique VALEUR ESTIMÉE 2 800 $ encan.esse.ca/fr/ laferte-coutu-alexia-2019

Cette sculpture fait partie du corpus de l’exposition Leurs ombres centenaires (Galerie de l’UQAM, 2018) ; projet issu d’une pratique de moulage à même la surface de bâtiments historiques. Les gestes et les marques de doigts cristallisés dans cette pièce translucide proviennent d’une pression d’argile fraiche sur la pierre ensoleillée du Monument national, lors d’un matin très froid de février. Alexia Laferté Coutu conçoit la sculpture comme un vecteur lui permettant de prendre contact avec le monde. Reposant sur un va-et-vient entre intervention sculpturale et installation, son travail est habité par les principes de transfert, de recueillement et

de réanimation. En rehaussant les qualités haptiques des sculptures et des dispositifs muséographiques qu’elle donne à voir, puis en usant de titres qui nous renvoient hors champ, l’artiste tente d’éveiller chez le regardeur un rapport sensoriel et intuitif à l’histoire et à sa matérialité. Son travail soulève ainsi la question de l’héritage en l’ancrant dans la sphère de l’expérience sensible et singulière. Ses œuvres ont été présentées à Projet Pangée, à la Galerie de l’UQAM, à l’Espace Cercle Carré et à la Other Music Academy (Weimar, Allemagne). Elle a été lauréate de la bourse JeanMarc-Eustache en arts visuels et médiatiques.

Lot 30

MARIGOLD SANTOS MAR I GOL DSANTOS.COM

of breaking, of rooting, of uprooting (blue palo verde, monzogranite pebbles) 2017 Acrylic on canvas 76.2 x 76.2 cm ESTIMATE $2,600 Galerie D’Este Montréal galeriedeste.com Jarvis Hall Gallery Calgary jarvishallgallery.com encan.esse.ca/en/ santos-marigold-2019

This work and others in the series in this drought, flood my hollow heart continue Santos’s ongoing examination of the theme of empowered selfhoods. Geological forms and foliage remnants become characters within surreal landscapes, activated by the artist to embrace fragmentation and multiplicity of personal identity as informed by lived experience and impressed upon real or imagined landscapes. Marigold Santos was born in the Philippines in 1981. In her practice, she traverses drawing, printmaking, sculpture, animation, ceramics, and sound, questioning and exploring issues of identity and the construction of

personal myth. She has participated in numerous solo and group exhibitions across Canada and internationally. In 2019, she had solo exhibitions at the Art Gallery of Alberta and at Montréal, arts interculturels (MAI). She participated in the Alberta Biennial and Art Toronto in 2017, at the Superchief Gallery (Los Angeles) in 2016, and in s everal recent editions of the Papier art fair. She was a finalist in the Claudine and Stephen Bronfman Fellowship in Contemporary Art in 2012 and has been the recipient of several prizes and grants from the Canada Council for the Arts and the Conseil des arts et des lettres du Québec.

Lot 31

ADAM BASANTA ADAM BASANTA.COM

80 % _match: Ulla Pedersen “cut up canvas I.1”, 2017 2018 Self-generated scanner painting, inkjet print on canvas 98 x 72 cm Unique edition + 1 AP ESTIMATE $4,000 Ellephant Montréal ellephant.org encan.esse.ca/en/ basanta-adam-2019

This work was produced as part of the installation All We’d Ever Need is One Another, which self-generates images using two automated flatbed scanners with scanning surfaces pointing at one another. Each image created is analyzed by machine-learning algorithms trained on a database of contemporary artworks in economic and institutional circulation. When an image matches an existing artwork beyond a certain percentage, it is “validated” as art and titled to refer to the nearest similar artwork. The resulting prints play on notions of technological automatization and originality in the context of cultural consumption and the economics of artistic production.

Adam Basanta explores technological practices as multi-sensory performances distributed through a variety of entangled cultural and computational agencies. He has exhibited in galleries and institutions including Fotomuseum Winterthur (Switzerland), National Art Centre Tokyo, Carroll/Fletcher Gallery (UK), american medium (New York), and Edith-Russ-Haus für Medienkunst (Germany). He has received the Prix PierreAyot (2018), the Japan Media Arts Prize (2016), and was longlisted for the Sobey Art Award (2018). His work is in the collections of the Musée d’art contemporain de Montréal, Musée national des beauxarts du Québec, and the Museum of Transitory Art (Slovenia).

Lot 32

PHILIPPE CARON LEFEBVRE PH I L I PPECAR ON L E F E BVRE. CO M

Rêves et cauchemars 2019 Image trouvée, carton, filtre coloré, papier irisé 40 x 30 cm VALEUR ESTIMÉE 1 250 $ Galerie Nicolas Robert Montréal galerienicolasrobert.com encan.esse.ca/fr/ caron-lefebvre-philippe-2019

Relevant d’une approche taxonomique, cette œuvre fait partie d’une série de collages mettant en scène des images qui juxtaposent nature, histoire de l’art, architecture et science-fiction. À la manière d’un carnet de notes ou d’un journal de rêve, l’artiste associe images et matériaux dans le but de créer des essais évocateurs. Ces collages utopiques permettent des associations inusitées entre différentes représentations et explorations formelles. Chaque œuvre est une fenêtre sur le temps et une manière de soulever une multitude de spéculations.

matérialité, à l’histoire de l’objet et à l’influence de la science-fiction sur la culture. Originaire de SaintSauveur, l’artiste vit à Montréal. Il est titulaire d’un baccalauréat en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal ainsi que d’une maitrise en arts visuels de l’Université Concordia. Caron Lefebvre expose activement son travail au Canada, aux ÉtatsUnis, au Mexique et au Japon. Ses œuvres font partie de la collection du Musée d’art contemporain des Laurentides, de la collection Alice et Tom Tisch (New York) et de collections privées.

Philippe Caron Lefebvre s’intéresse aux phénomènes naturels, à la sculpture dans son rapport à la 43

Lot 33

JESSICA HOUSTON J ESSI CAHOUSTON.N ET

Familiar Waters 2018 Collage 28 x 36 cm ESTIMATE $1,650 Art Mûr Montréal / Berlin artmur.com encan.esse.ca/en/ houston-jessica-2019

The collages reconfigure images of exploration and colonialism at the North and South poles and underline the geopolitical strategies at play in these regions. Historical images are juxtaposed with contemporary views, and narratives are interrupted by colour gaps. Their making involves cutting together/apart the entangled events that have shaped polar spaces and the anthropocentric ideologies that have engendered the current environmental crisis. Abandoned explorers’ tents, resource extraction, and altered migrations are a few examples of the material consequences of human and non-human relations.

Jessica Houston has traveled from pole to pole—using objects, oral narratives, photography, and painting—to evoke entanglements among colonialism, globalism, and the current environmental crisis. Her projects often include site-specific oral histories that amplify the memory of a place and evoke land as a living process. She has worked on projects involving communities and their relationship with their environments in the Canadian Arctic, Antarctica, Greenland, Iceland, and Italy. Her works are in the collections of Prêt d’œuvres d’art of the MNBAQ; Bibliothèque et Archives nationales du Québec; Bank of Montréal; and the Consulate General of Monaco in Montréal.

Lot 34

FRÉDÉRIC CORDIER F R E DE R I C -COR DI E R .CA

Falls 2018 Linogravure 106 x 106 cm Édition de 10 VALEUR ESTIMÉE 2 450 $ Galerie Laroche/Joncas Montréal larochejoncas.com encan.esse.ca/fr/ cordier-frederic-2019

Falls s’inscrit dans la série Vedute (« les vues »). Chaque image gravée par Cordier est une création mêlant observations sur le vif, photographies et imagination. Celle-ci amorce un travail qui se tourne davantage vers la nature et le paysage, dans le contexte actuel de sensibilité exacerbée à l’écologie. À l’aide d’un vocabulaire formel extrêmement simple, il traduit des phénomènes naturels tels que la vapeur, l’écoulement de l’eau et le scintillement. Frédéric Cordier est un artiste canado-suisse. Les représentations proposées dans ses scénographies de sites industriels synthétisent formellement de gigantesques architectures qui

s’inscrivent frontalement dans le paysage urbain ou se camouflent dans la campagne. Les éléments géométriques, comme les lignes et les points de ses estampes, donnent vie à la froideur mécanique des structures métalliques des usines, installations portuaires et oléoducs où les minerais, les conteneurs, le pétrole ou le gaz transitent, circulent, s’échappent dans la nature. Lauréat de plusieurs prix, il a été finaliste aux Swiss Art Awards 2019. Au Québec, il a participé au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul en 2016, à la foire Papier 2018 et a présenté une exposition solo à la Galerie Laroche/Joncas en 2018.

Lot 35

CAROLINE MONNET CAR OL I N E M ON N ET.CA

Deer in Headlights 02 2019 Ciment, textile 15 x 15 x 15 cm VALEUR ESTIMÉE 2 500 $ Galerie Division Montréal / Toronto galeriedivision.com encan.esse.ca/fr/ monnet-caroline-2019

Deer in Headlights 02 parle des politiques agressives du gouvernement canadien visant la répression politique des peuples autochtones. Caroline Monnet est une artiste multidisciplinaire dont les œuvres communiquent des idées complexes concernant l’identité autochtone. Son travail est souvent minimaliste et chargé d’émotion. Elle exploite des matériaux industriels, alliant le vocabulaire des cultures visuelles populaires et traditionnelles aux tropes de l’abstraction moderniste pour créer des formes hybrides uniques. Monnet est toujours au stade de l’expérimentation et de l’invention, tant pour elle-même que pour son art.

Ses œuvres ont été présentées à la Whitney Biennial (New York), à la Walter Phillips Gallery (Banff ), à Axenéo7 (Gatineau), à la Winnipeg Art Gallery, au Musée McCord, à Arsenal Contemporary (New York), au Sundance Film Festival, au Festival de Cannes, au Palais de Tokyo (Paris) et à la Haus der Kulturen Der Welt (Berlin). Elles figurent dans plusieurs collections, dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec et du Musée d’art contemporain de Montréal.

Lot 36

MATHIEU GRENIER MATH I EU GR E N I E R .CA

Once Again, Before and After (Sol LeWitt’s #821) 2018 Impression à jet d’encre sur papier 78 x 120 cm 1/3 + 2 E.A. VALEUR ESTIMÉE 4 000 $ Galerie René Blouin Montréal galeriereneblouin.dreamhosters.com encan.esse.ca/fr/ grenier-mathieu-2019

Ces photographies sont une série de plans rapprochés de deux dessins muraux de Sol LeWitt. Le grain du film négatif et la texture du dessin et du mur dans l’image font que les deux surfaces se rejoignent ou se reflètent. L’artiste photographie des parties de ces œuvres de façon à absorber et/ou à refléter un espace où une autre partie du processus créatif se déroule et prolonge l’expérience. Dans cette esthétique renouvelée, la photographie agit comme un filtre. Elle devient une fenêtre sur cet espace parallèle de sens et d’affect. Mathieu Grenier vit entre Austin (Texas) et Montréal. Il poursuit actuellement des études de

maitrise en arts visuels à l’Université du Texas à Austin et participe à un programme d’échange avec le Royal College of Art de Londres. Par l’intermédiaire de l’image imprimée, des procédés alternatifs de photographie et du travail du métal, il crée des installations dans lesquelles les notions d’image et d’espace photographique se détachent de la surface bidimensionnelle et se retrouvent dans un dialogue sculptural de l’image. Son travail a été présenté au Canada, aux États-Unis, en France et au Royaume-Uni. En 2014, il a reçu le prix Charles-Pachter pour les artistes canadiens de la relève. Ses œuvres font partie de plusieurs collections privées et publiques au Canada et en France. 47

Lot 37

DOMINIQUE SIROIS DOM I N I QU ESI R OI S.N ET

Plis, clairobscur I 2018 Crayons de couleur et à mine, graphite, pigments sur papier Stonehenge 56 x 46 cm VALEUR ESTIMÉE 1 200 $ encan.esse.ca/fr/ sirois-dominique-2019

Ce dessin provient d’une série ayant comme point de départ des photographies d’une bourse en cuir fabriquée par l’artiste. Attirée par les qualités formelles des plis, des creux et des jeux de lumière, celle-ci leur a associé d’autres éléments dans sa reproduction au crayon à mine. Le premier degré d’un contenant pour des pièces de monnaie est suppléé par une allusion au sexe féminin, que ne démentit pas l’image fragmentée d’un corps nu à l’arrière-plan. Avec cette superposition d’images, Sirois mène en fait une réflexion sur l’énergie : pécuniaire, sexuelle et solaire. L’énergie est pensée comme une force créatrice, dans son mouvement et ses cycles.

Dominique Sirois pratique un type d’installation qui prend la forme d’ensembles composés de céramiques, de sculptures, d’assemblages, de dessins et d’impressions sur tissu. Sa démarche lie la dimension d’un savoir-faire artisanal à un ancrage conceptuel. Elle déploie dans ses projets des espaces mentaux faits d’associations entre des référents économiques, esthétiques, archéologiques, technologiques ou minéralogiques, entre autres. Son travail a été diffusé dans plusieurs centres d’artistes au Canada, dont le Centre Clark, Axenéo7 et Latitude 53, et lors d’expositions de groupe, à la Galerie Division et à la Parisian Laundry.

Lot 38

MARLON KROLL CAR GO COL L ECTI VE.COM/MARLO N AN D KRO LL

Blooming Planes 2019 Coloured pencil on sized muslin over panel 40 x 30 cm ESTIMATE $1,400 encan.esse.ca/en/ kroll-marlon-2019

This work was part of Kroll’s solo show Thirsty Things at Clint Roenisch in Toronto. Part of a constellation of works, it presents a scene of hopeless pause, as the eponymous Thirsty Things try to reach the poisoned and barricaded watering well. For this show, Kroll traced the ways in which simple forms can imply more than what they are and the ways they speak to each other and share similarities. In Blooming Planes, he plays with the form of a mouth, a room, a cabinet, a tongue, and a well, showing how things echo each other, showing difference and common ground. Marlon Kroll is a German- Canadian artist working in

Montréal. He proposes that we think of life as a form of drawing, a way to be more deliberate and thoughtful in our daily actions. Using the vernacular of people’s possessions and surroundings, his work is a form of speculative anthropology, tracing the uncanny connections between things and forms and documenting what they say about us. He was chosen for the Darling Foundry’s 2019–22 Montréal Studio Program and has had solo shows at Clint Roenisch and Parisian Laundry. His work has been shown at Interstate Projects (Brooklyn), Galerie Antoine Ertaskiran, Central Park (Los Angeles), Galerie René Blouin, 8eleven (Toronto), and soon.tw. 49

Lot 39

JULIE TRUDEL J U L I ETR U DE L .CA

Rectangle courbé J + R + B 2019 Feuilles d’acrylique coloré pliées et assemblées 97 x 97 x 20 cm VALEUR ESTIMÉE 2 100 $ Galerie Hugues Charbonneau Montréal huguescharbonneau.com encan.esse.ca/fr/ trudel-julie-2019

Rectangle courbé J + R + B fait partie d’un corpus récent de tableaux tridimensionnels dans lesquels Trudel poursuit son exploration de la couleur en transparence. La composition géométrique du tableau accorde la matière et la lumière pour faire transparaitre la couleur. Réalisé avec un plexiglas dit fluorescent – dont les arêtes projettent de la lumière –, le tableau résulte d’une fabrication artisanale rigoureuse, découverte au fil d’expérimentations sur la matière plastique. Le résultat génère une complexité visuelle qui reflète notre époque où l’écran est omniprésent. Julie Trudel privilégie l’abstraction et s’attarde à la couleur dans sa

dimension matérielle, cherchant à la présenter sous une forme inédite. Ses recherches dépassent donc un questionnement sur la peinture comme matière colorée pour l’aborder tout autant comme pratique et comme discipline. Elle a exposé au Canada, en Europe et aux États-Unis. Son travail figure dans deux importants panoramas de la peinture actuelle : Entangled: Two Views on Contemporary Canadian Painting, à la Vancouver Art Gallery (2017), et Le Projet Peinture, à la Galerie de l’UQAM (2013). Elle a été finaliste du concours de peinture pancanadien RBC à deux reprises (2011, 2012) et lauréate du Prix de la Fondation Joseph Plaskett en peinture (2013).

Lot 40

ANNIE DESCÔTEAUX AN N I E DESCOTEAUX .COM

Cold Breakfast 2017 Collage sur impression numérique 89 x 117 cm VALEUR ESTIMÉE 2 600 $ encan.esse.ca/fr/ descoteaux-annie-2019

L’analogique et le numérique se disputent un buffet où l’on ne sert que des œufs au plat et des bananes. Annie Descôteaux assemble, en les juxtaposant par collage, sculpture et tissage, des éléments faits main ou « trouvés » aux consonances tantôt humoristiques, tantôt sérieuses. Convoquant le monde des idées et celui de ses expériences personnelles, elle tente de comprendre l’environnement matériel où elle vit. Elle conçoit, accumule et présente des objets et des images évoquant le jeu, autant de charades, rébus et clins d’œil aux sociétés contemporaines ou à des notions historiques

qui rendent énigmatique le plus banal des quotidiens. Elle est titulaire d’un baccalauréat en arts plastiques de l’Université Concordia et candidate à la maitrise au même établissement. Récipiendaire de bourses en recherche et création du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec, elle s’intéresse à la valeur inoculée aux objets familiers, ainsi qu’aux hiérarchies et autres constructions sociales qu’elle représente en un langage pluridisciplinaire proche de l’abstraction. Son travail a été diffusé au Québec, au Royaume-Uni, à Paris, à Bruxelles et à Brooklyn.

Partenaires

Partners

Grand partenaire / Major Partner

Partenaire encadrement / Framing Partner

Musée des beaux-arts de Montréal

Encadrement Tout Autour

Partenaires de l’évènement / Event Partners

Partenaire média / Media Partner

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Intrado

Entreprise familiale Transport Québec-Ontario Camions spécialisés avec température contrôlée Entreposage court et long terme

Family enterprise Quebec-Ontario transport Temperature-controlled specialty trucks Short and long-term storage

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VENDU — SOLD 2019 CONDITIONS DE VENTE

VALEUR DES ŒUVRES L’estimation de la valeur marchande de chacun des lots est fondée sur le prix de vente en galerie. La valeur estimée est fournie à titre indicatif aux enchérisseurs. Tous les lots offerts sont assujettis à un prix de réserve, soit un prix gardé confidentiel sous lequel le lot ne sera pas vendu. VENTE AUX ENCHÈRES À moins d’indication contraire provenant du commissairepriseur au moment de la vente, toutes les mises se font par numéro de lot. Tous les enchérisseurs doivent être inscrits et fournir un numéro de carte de crédit valide. Si vous remportez une enchère, votre carte de crédit sera débitée, à moins que vous ne preniez d’autres dispositions avant la fin de la vente. Vous seront alors transférées la propriété et l’entière responsabilité de l’œuvre achetée ; le transport de l’œuvre pourra également être organisé. Si la mise maximale d’une œuvre n’atteint pas son prix de réserve, le commissaire-priseur peut la rejeter et retirer l’œuvre de la vente. En cas de conflit entre enchérisseurs, ou si on doute de la validité d’une mise, le commissaire-priseur se réserve le droit sans appel de déterminer la mise retenue ou de remettre l’œuvre disputée en vente. Si un tel conflit survient après la vente aux enchères, le rapport sur les résultats de la vente aux enchères aura préséance. RÈGLEMENTS GÉNÉRAUX DE LA VENTE AUX ENCHÈRES Toutes les ventes sont finales. Aucun achat ne peut être retourné, remboursé ni échangé. Tous les objets sont vendus tels quels. Les enchérisseurs gagnants doivent payer leurs achats en espèces ou par carte de crédit (MasterCard ou Visa) le soir de la vente aux enchères. Esse se réserve le droit de retirer une œuvre à tout moment avant la vente. Les œuvres vendues seront exemptées de taxes. COLLECTE Toutes les œuvres devront avoir été payées à la fin de la vente aux enchères. Les acheteurs sont tenus de récupérer leurs œuvres à la fin de la soirée en présentant une preuve de paiement. Ils pourront, à leurs frais, se prévaloir d’un service de livraison professionnel. Les éditions Esse ne sont pas responsables des accidents ou des oublis des manutentionnaires ou des emballeurs des lots achetés, qu’elles les aient recommandés ou non.

MISE PAR ABSENCE* S’il vous est impossible d’être présent, vous pouvez effectuer des ordres d’achat soit par t éléphone pendant la vente aux enchères le jeudi 21 novembre 2019, soit par l’intermédiaire de nos représentants qui miseront en votre absence. Dans les deux cas, veuillez utiliser le formulaire sur notre site web en y inscrivant tous les renseignements exigés notamment le numéro de lot, le titre de l’œuvre et le nom de l’artiste. Veuillez vous assurer de l’exactitude de ces renseignements. Tous les ordres d’achat sont assujettis aux conditions de vente énoncées. Veuillez déposer les formulaires enregistrés dès que possible, au plus tard le mercredi 20 novembre 2019 à 16 h (HNE). Advenant le dépôt d’ordres identiques, le premier reçu aura préséance. AVIS AUX ENCHÉRISSEURS GAGNANTS Les enchérisseurs gagnants seront avisés par téléphone le vendredi 22 novembre 2019 et leurs achats seront portés à leur carte de crédit (Visa ou MasterCard), comme indiqué sur le formulaire qu’ils auront rempli au préalable. Les éditions Esse pourront se charger de coordonner le transport de l’œuvre aux frais de l’acheteur. Les œuvres vendues seront exemptées de taxes. RENSEIGNEMENTS SUPPLÉMENTAIRES Les éditions Esse s’affranchissent de toute garantie ou représentation concernant toute œuvre d’art, y compris, mais sans s’y limiter, toute représentation ou garantie de description, d’authenticité, d’attribution, de provenance, de condition physique et de droit de reproduction, le cas échéant. Les enchérisseurs et les acheteurs ne peuvent s’appuyer sur aucune autre déclaration des Éditions Esse, faite oralement ou autrement, que celles comprises dans les présentes conditions de vente.

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VENDU — SOLD 2019 CONDITIONS OF SALE

VALUE OF WORKS Each lot has an estimated market value based on the gallery selling price. The estimated value is intended as a guide to assist you in your bidding. All lots are offered subject to a confidential reserve bid. LIVE AUCTION All bids are per lot as numbered unless otherwise announced by the auctioneer at the time of sale. All bidders must be registered to bid and provide a valid credit card number at the time of registration. If your bid is successful, your credit card will be charged unless alternative arrangements are made prior to leaving the auction. Title to the purchased lot will then pass to you, whereupon you will assume full risk and responsibility for the work(s) purchased by you. Transportation from the auction site may be arranged. In the event that the highest bid is less than the reserve bid, the auctioneer reserves the right to remove the lot from sale at his discretion. In the event of a dispute between bidders, a missed bid, or doubt as to the validity of a bid, the auctioneer will be the sole and final authority and will e ither determine the successful bidder or cancel existing bids and reopen the bidding at his discretion. Should such a dispute occur after the a uction, the record of the auction proceedings shall be conclusive. GENERAL RULES OF LIVE AUCTION All sales are final. Purchases may not be returned, refunded, or exchanged. All property is sold as exhibited. Successful bidders should be prepared to pay for their purchase(s) by cash, MasterCard, or Visa, on the evening of the auction. Esse reserves the right to withdraw any work of art at any time prior to the auction. Artworks purchased during the auction will be exempt from tax.

ABSENTEE BIDDING* Absentee bids may be placed by phone during the live auction on Thursday evening, November 21, 2019, beginning at 7:30 p.m. or by registered absentee bid. In either case, please use the form on our website and be sure to accu rately record the lot number, description of the work, and all other pertinent information. All bids will be executed and accepted subject to the conditions of sale printed in the auction catalogue. Please place your registered absentee bid(s) as early as possible, but no later than 4 p.m. (EST) on Wednesday, November 20, 2019. In the event of identical bids, the first bid registered will take precedence. NOTIFICATION OF SUCCESSFUL ABSENTEE BIDS Successful bidders will be notiﬁed by telephone on Friday, November 22, 2019 and purchase(s) will be charged to your Visa or MasterCard as indicated on your completed form. Esse can arrange delivery of the work(s) at the purchaser’s expense. Artworks purchased during the auction will be exempt from tax. ADDITIONAL INFORMATION Esse provides no warranties or representation of any kind with respect to any work of art, including but not limited to any description, genuineness, attribution, provenance, or physical condition, nor as to the right of reproduction, if any. Bidders and purchasers may not rely upon any statement from Esse, oral or otherwise, other than as set forth in these conditions of sale.

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PICK-UP All works must be paid for at the close of the auction. Purchasers must pick up works at the conclusion of the evening and provide proof of payment. Professional delivery can be arranged onsite at the purchaser’s expense. Packing and handling of purchased lots are entirely at the risk of the purchaser, and Esse is not responsible for acts or omissions of carriers or packers of purchased lots whether recommended by Esse or not.

SYLVETTE BABIN Direction Direction KAYSIE HAWKE Coordination à la logistique d’évènement Event coordination CATHERINE FORTIN Infographie Computer graphics FEED Conception graphique Graphic design SOPHIE CHISOGNE KÄTHE ROTH Révision stylistique Editing SOPHIE CHISOGNE LOUISE ASHCROFT Traduction Translation CÉLINE ARCAND LOUISE ASHCROFT Correction d’épreuves Proofreading AUDRÉE-JADE RAVARY Marketing et publicité Marketing and advertising JOËL GAUTHIER Administration IMPRIMERIE HLN INC. Impression Printing

Conseil d’administration Board of directors ANNE-CLAUDE BACON (PRÉS.) MICHEL PARADIS (V.-P.) SYLVETTE BABIN (TRÉS.) KARINE ANAÏS DUPRAS (ADMIN.) BASTIEN GILBERT (ADMIN.) BRIGITTE MALENFANT (ADMIN.) ALEXANDRE MCCORMACK (ADMIN.) CLAIRE PAYETTE (ADMIN.) Références photographiques Photographic references SYLVETTE BABIN, P. 5 & 9 : © JEAN-FRANÇOIS BRIÈRE CATHERINE POGONAT, P. 4 & 6 : © JULIE ARTACHO VÉRONIQUE LEFEBVRE, P. 9 : © GABRIEL FOURNIER JÉRÔME BOUCHARD (P. 36), ANNIE DESCÔTEAUX (P. 51), ROBBIN DEYO (P. 16), CYNTHIA GIRARD-RENARD (P. 24) & FRANÇOISE SULLIVAN (P. 18) : © GUY L’HEUREUX

ISBN 978-2-924345-30-6 Dépôt légal - Bibliothèque et Archives nationales du Québec, 2019 Dépôt légal - Bibliothèque et Archives Canada, 2019 Les éditions Esse remercient le Conseil des arts et des lettres du Québec, le Conseil des arts du Canada, le Conseil des arts de Montréal et Patrimoine canadien. Les éditions Esse thanks the Conseil des arts et des lettres du Québec, the Canada Council for the Arts, the Conseil des arts de Montréal, and Canadian Heritage. LES ÉDITIONS ESSE C. P. 47549 Comptoir Plateau Mont-Royal Montréal (Québec) H2H 2S8 Tél. : 514 521-8597 encan@esse.ca encan.esse.ca

Ebrin Bagheri Adam Basanta Jérôme Bouchard Philippe Caron Lefebvre Hannah Claus Frédéric Cordier Sylvie Cotton Marie-Michelle Deschamps Annie Descôteaux Robbin Deyo Chun Hua Catherine Dong Pierre Durette Matthew Feyld Cynthia Girard-Renard Mathieu Grenier Jessica Houston Marlon Kroll François Lacasse Alexia Laferté Coutu

David Lafrance Manuel Mathieu Caroline Mauxion Meryl McMaster Michael Merrill Caroline Monnet Jérôme Nadeau Sarah Osborne Lauren Pelc-McArthur Jessica Peters Les Ramsay Marigold Santos Matt Shane Dominique Sirois Jackson Slattery Françoise Sullivan Julie Trudel Laurence Veri Pavitra Wickramasinghe Nico Williams Thea Yabut