Catalogue, édition 2021

ARLES 2021

LES RENCONTRES DE LA PHOTOGRAPHIE

PARTENAIRES INSTITUTIONNELS

GRANDS PARTENAIRES

PARTENAIRES MÉDIAS

LES RENCONTRES D’ARLES SONT AUSSI ORGANISÉES AVEC LE SOUTIEN SPÉCIAL DE PRIX PICTET, FONDATION JAN MICHALSKI POUR L’ÉCRITURE ET LA LITTÉRATURE, LËT’Z ARLES (LUXEMBOURG), FONDATION LOUIS ROEDERER, TECTONA, ACTES SUD, DEVIALET, ADAGP, SAIF, FNAC, LUMA ARLES, COMMUNAUTÉ D’AGGLOMÉRATION ARLES CRAU CAMARGUE MONTAGNETTE.

LE SOUTIEN DE CONFÉDÉRATION SUISSE, ÉDITIONS LOUIS VUITTON, DUPON‑RC GROUP, PRO HELVETIA FONDATION SUISSE POUR LA CULTURE, FONDATION SWISS LIFE, MALONGO, CHAMMAS & MARCHETEAU, RIVEDROIT AVOCATS, HAHNEMÜHLE FINEART, VII ACADÉMIE, JEAN‑FRANÇOIS DUBOS, POLKA, FISHEYE, LIBÉRATION, VICE, AMA, BRITISH JOURNAL OF PHOTOGRAPHY, LOUIE MEDIA, FUJIFILM, MÉTROBUS, PICTO FOUNDATION, PROCESSUS, CIRCAD, DEUXIÈME ŒIL, ATELIER SHL & GAMBIER, ANITA SAXENA INTERPRÉTARIAT.

LA COLLABORATION ACTIVE DE BARBICAN CENTRE, APERTURE, INA, INSTITUT POUR LA PHOTOGRAPHIE, ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE DE LA PHOTOGRAPHIE, ASSOCIATION DU MÉJAN, MONOPRIX ARLES, MUSEON ARLATEN – MUSÉE DE PROVENCE, ABBAYE DE MONTMAJOUR, MUSÉE RÉATTU, MUSÉE DE LA CAMARGUE, FONDATION MANUEL RIVERA ORTIZ, CARRÉ D’ART – MUSÉE D’ART CONTEMPORAIN DE NÎMES, CARRÉ D’ART – BIBLIOTHÈQUE DE NÎMES, COLLECTION LAMBERT AVIGNON, FRAC PACA, MUCEM, CENTRE PHOTOGRAPHIQUE MARSEILLE, MUSÉE ESTRINE, CENTRE DE LA PHOTOGRAPHIE DE MOUGINS, ASSOCIATION JEAN VILAR.

PROGRAMME

P. 20

IDENTITÉS/ FLUIDITÉS

P. 22

MASCULINITÉS LA LIBÉRATION PAR LA PHOTOGRAPHIE

P. 30

SÉBASTIEN LIFSHITZ GARÇONS SENSIBLES

P. 32

CLARISSE HAHN PRINCES DE LA RUE

P. 38

DÉSIDÉRATION (ANAMANDA SÎN) DU DÉSASTRE AU DÉSIR : VERS UNE AUTRE MYTHOLOGIE DU SPATIAL

P. 44

PUISQU’IL FALLAIT TOUT REPENSER LE POUVOIR DE L’ART EN PÉRIODE D’ISOLEMENT

P. 52

THE NEW BLACK VANGUARD PHOTOGRAPHIE ENTRE ART ET MODE

P. 60 ÉMERGENCES

P. 62 SIM CHI YIN UN JOUR NOUS COMPRENDRONS

P. 66

ALMUDENA ROMERO THE PIGMENT CHANGE

P. 70

LEBOGANG TLHAKO SIBADALA SIBANCANE

P. 74

ANYSSIA BIDOUT, EMMA RIVIERA & CÉDRINE SCHEIDIG UNE ATTENTION PARTICULIÈRE

P. 78

PRIX DÉCOUVERTE LOUIS ROEDERER 2021

THE THIRD LINE / HELENA ANRATHER FARAH AL QASIMI

GALERIE FRANK ELBAZ KETUTA ALEXIMESKHISHVILI

DISPLAY MARIANA HAHN

MABA FONDATION DES ARTISTES ILANIT ILLOUZ

UNIVERSITÉ DES ARTS FOLKWANG JONAS KAMM

AS IS.LA GALLERY TARRAH KRAJNAK

FONDATION A STICHTING MASSAO MASCARO

GALERIE WEBBER ZORA J MURFF

THE PILL AYKAN SAFOĞLU

BERLINISCHE GALERIE – MUSÉE D’ART MODERNE DE BERLIN ANDRZEJ STEINBACH

GALERIE PRAGOVKA MARIE TOMANOVA

P. 126

ATLAS

P. 128

THAWRA! RÉVOLUTION ! SOUDAN, HISTOIRE D’UN SOULÈVEMENT

P. 134

PIETER HUGO ÊTRE PRÉSENT

P. 140

STÉPHAN GLADIEU

RÉPUBLIQUE POPULAIRE DÉMOCRATIQUE DE CORÉE, PORTRAITS

P. 146

ANTON KUSTERS BLUE SKIES

P. 150

CHOW ET LIN

SEUIL DE PAUVRETÉ

P. 154 ÉTAT D’ESPRIT AFRICAIN VILLES HYBRIDES

P. 160

ENRIQUE RAMÍREZ

JARDINS MIGRATOIRES

P. 164

RELECTURES

P. 166

CHARLOTTE PERRIAND COMMENT VOULONS‑NOUS VIVRE ? POLITIQUE DU PHOTOMONTAGE

P. 172

SABINE WEISS UNE VIE DE PHOTOGRAPHE

P. 178

JAZZ POWER ! JAZZ MAGAZINE ,  VINGT ANS D’AVANT GARDE (1954 1974)

P. 182

ORIENT-EXPRESS & C ie ENTRE HISTOIRE ET MYTHOLOGIE

P. 186 HOMMAGE

P. 188

RAYMOND CAUCHETIER NOUVELLE VAGUE

P. 192 ARLES BOOKS

P. 194 NEUF DE A À Z DELPIRE AVANT DELPIRE

P. 198

LES PRIX DU LIVRE 2021

P. 199

LUMA RENCONTRES DUMMY BOOK AWARD 2021

LES SATELLITES

P. 200

ARLES ASSOCIÉ

P. 202

LËT’Z ARLES DANIEL REUTER LISA KOHL

P. 206

LES AILLEURS INCARNATIONS

P. 208

FONDATION

MANUEL RIVERA-ORTIZ ÉCHOS SYSTÈME

P. 212

ASSOCIATION DU MÉJAN

JEAN LUC BERTINI

JEAN MICHEL ANDRÉ REEVE SCHUMACHER PAULINE FARGUE

MAGNUM ET LA STREET PHOTOGRAPHY

P. 222

MUSÉE DE LA CAMARGUE CECIL KA

P. 224

GRAND ARLES EXPRESS

P. 226

AVIGNON, COLLECTION LAMBERT JÉRÔME TAUB

PURPLE AMERICA

ASSOCIATION

JEAN VILAR CÔTÉ JARDIN

JEAN VILAR ET AVIGNON

MOUGINS LE CENTRE DE LA PHOTOGRAPHIE ISABEL MUÑOZ

1001

P. 227

MARSEILLE CENTRE PHOTOGRAPHIQUE CAMILLE FALLET FOR WHOM THE BELL TOLLS (GO)

MUCEM ILARIA TURBA LE DÉSIR DE REGARDER LOIN

FRAC PROVENCEALPES-CÔTE D’AZUR KATIA KAMELI ELLE A ALLUMÉ LE VIF DU PASSÉ

CLARISSE HAHN LOS DESNUDOS

P. 228

NÎMES BIBLIOTHÈQUE CARRÉ D’ART MICHEL GLAIZE CONVERSATIONS AVEC MUYBRIDGE

CARRÉ D’ART TARIK KISWANSON MIRRORBODY

JEFF WEBER

P. 229

SAINT-RÉMY-DE-PROVENCE MUSÉE ESTRINE MICHEL SIMA

FRANÇOISE GILOT, PABLO PICASSO DANS L’ŒIL DE MICHEL SIMA

P. 238 ARLES & C o .

ASSOCIATION DU MÉJAN

JEAN-PIERRE FORMICA

MUSÉE RÉATTU

GRAZIANO ARICI

DOROTHEA LANGE

P. 242

SEMAINE D’OUVERTURE NUITS ET JOURS PRIX WOMEN IN MOTION

P. 250 ÉDUCATION & FORMATION

STAGES DE PHOTOGRAPHIE ÉDUCATION

AUX IMAGES

P. 256

ARLES HORS

LES MURS

ITINÉRANCES

JIMEI x ARLES

INTERNATIONAL

PHOTO FESTIVAL

SERENDIPITY

ARLES GRANT

P. 262

GÉNÉRIQUE

PARTENAIRES

REMERCIEMENTS

CONSEIL

D’ADMINISTRATION

ÉQUIPE

LE MOT DU PRÉSIDENT

HUBERT VÉDRINE PRÉSIDENT DES RENCONTRES D’ARLES

Plus que jamais, nous avons besoin de nous retrouver et de célébrer la culture. En 2020, année sans festivals, la 51e édition n’a pas pu avoir lieu. En 2021, nous vous offrons donc la 52e, juste équilibre entre des expositions phares qui n’ont pas pu voir le jour l’année dernière et de nouvelles et passionnantes propositions. Il s’agit ainsi d’un programme de transition entre deux directions, puisque nous avons accueilli en septembre 2020 Christoph Wiesner à la tête du festival : bienvenue à lui.

Il nous tient à cœur d’être présents dans l’écosystème culturel arlésien, alors même que celui-ci se fait de plus en plus riche. La culture se développe fortement à Arles, pour notre plus grand bonheur. En témoigne l’ouverture de Luma, prévue cet été, que nous saluons, attendue bien au-delà d’Arles.

Le rayonnement du festival aux niveaux local et régional n’est plus à prouver. Le Grand Arles Express, notamment, connaît chaque année un succès grandissant. En 2021, les Rencontres d’Arles se déploient une nouvelle fois dans un réseau d’institutions amies.

Encore plus loin, les coopérations à l’international sont toujours d’actualité, avec la 7e édition du Jimei x Arles International Photography Festival à venir au mois de novembre, et une nouvelle collaboration avec la Serendipity Arts Foundation, basée en Inde. Celle-ci a donné lieu à la création d’une importante bourse pour la photographie, la vidéo et les nouveaux médias, le Serendipity Arles Grant. Grâce à cette dotation, c’est un jeune artiste indien qui va pouvoir développer son projet et le présenter aux Rencontres d’Arles en 2022.

Les Rencontres ne seraient pas ce qu’elles sont si elles n’incluaient pas dans leur aventure, chaque année, des personnes éloignées

de l’emploi. Les Rencontres jouent ainsi un rôle d’acteur social majeur sur le territoire arlésien.   Je peux vous assurer que l’équipe des Rencontres est ravie de vous accueillir cet été à Arles.

Merci à nos fidèles partenaires !

Les Rencontres d’Arles remercient le ministère de la Culture, le ministère de l’Éducation nationale, de la Jeunesse et des Sports, la direction régionale des Affaires culturelles Provence-Alpes-Côte-d’Azur, la région Provence‐Alpes‐Côte d’Azur, le département des Bouches-du-Rhône, la ville d’Arles ainsi que l’ensemble de nos partenaires publics dont le soutien durable a été réaffirmé cette année. Pour cette nouvelle édition, les Rencontres d’Arles sont heureuses de s’associer à de grandes institutions internationales et nationales, telles que le Barbican Centre à Londres, Aperture New York, l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles, l’Institut pour la photographie de Lille, et de s’inscrire dans le cadre de la Saison Africa2020.

Nous tenons à saluer nos mécènes et partenaires privés pour leur générosité et leur confiance renouvelée, au premier rang desquels la Fondation Luma, BMW Art & Culture, SNCF Gares & Connexions, Kering, la Fondation Jan Michalski pour l’écriture et la littérature, le prix Pictet, Lët’z Arles (Luxembourg), la Fondation Louis Roederer, la Confédération suisse, ainsi que tous ceux qu’il ne nous est pas possible de citer ici.

Nous souhaitons souligner le précieux soutien apporté par nos partenaires de lieux en particulier la Ville d’Arles, la communauté d’agglomération Arles Crau Camargue Montagnette, la Fondation Luma, mais aussi la SNCF, Monoprix Arles, l’association du Méjan, et cette année pour la première fois le Museon Arlaten – musée de Provence qui nous ouvre ses portes pour inaugurer la chapelle des Jésuites.

Enfin, nous nous réjouissons de confirmer le soutien de nos grands partenaires médias qui diffusent auprès de tous l’image du festival : France Inter, ARTE, Konbini, LCI, Le Point et Madame Figaro

UN ÉTÉ DES LUCIOLES

CHRISTOPH WIESNER DIRECTEUR DES RENCONTRES D’ARLES

Fallait-il inventer un nouveau rite de passage en ce moment si particulier ? Substituer à cette année blanche une nouvelle édition en Technicolor ? Dans l’urgence du présent, il s’est agi avant tout d’un engagement. Celui des Rencontres d’Arles auprès des photographes, artistes, commissaires, des partenaires et des institutions avec lesquels le festival a noué des liens si forts depuis de nombreuses années. Loin d’envisager une tabula rasa nous invitant à rompre avec ce temps en suspens induit par la pandémie, il a fallu réfléchir à actualiser un héritage, celui de l’édition de 2020 construite par Sam Stourdzé autour du thème de la résistance, de cette photographie qui, selon ses mots, « se dresse, s’oppose, dénonce […] ré-enchante ». J’ai souhaité établir la programmation à partir de ces prémisses, en traçant des prolongements, des variations, des échos, de nouvelles complémentarités ou courts-circuits permettant de saisir aussi une intensité, une urgence à ce que les Rencontres d’Arles prennent le pouls de l’état du monde. Si l’horizon n’est pas encore dégagé, si la lumière sera cet été encore tamisée, il faut rendre perceptibles les éclats démultipliés saisis par les photographes et artistes invités.

Si Pier Paolo Pasolini avait saisi combien la tension entre les puissantes lumières du pouvoir menaçait les lueurs survivantes des contre-pouvoirs, Georges Didi-Huberman nous redonne l’espoir dans la Survivance des lucioles (2009). Il s’agit avec lui de « reconnaître dans la moindre luciole une résistance, une lumière pour toute la pensée ». La photographie continue à émettre des signaux lumineux et à ouvrir l’espace pour de nouveaux modes de résistance. Au cœur de l’été arlésien, cette année sera comme une constellation, faite de mille feux illustrant la diversité des regards, la polyphonie des récits et symbolisant

la survivance à travers l’image des espoirs et des prises de conscience.

Les lieux choisis pour le festival cette année offriront autant de scènes que d’atmosphères différentes, en résonance avec la diversité de la programmation. Celle-ci investira des lieux historiques et patrimoniaux du centre-ville, l’atelier de la Mécanique au parc des Ateliers, le Monoprix et Croisière, et ira jusqu’à habiter plusieurs jardins de la ville.

Au cœur d’Arles, dans l’église des Frères-Prêcheurs, l’Émergence prendra cette année ses nouveaux quartiers avec le Prix Découverte Louis Roederer dans un format repensé. Chaque année, un nouveau ou une nouvelle commissaire d’exposition insufflera dorénavant sa vision des tendances de la jeune création contemporaine. L’édition 2021 a été confiée à Sonia Voss, qui s’appuiera sur un nouveau concept scénographique mettant les projets en dialogue les uns avec les autres.

Notre promenade dans les espaces modernistes du bâtiment du Monoprix nous conduira à la découverte d’univers où identité et fluidité se côtoient. Exploration multi-sensorielle avec Désidération de SMITH, qui nous entraîne à la croisée des pratiques, où photographie, narration, fiction et dispositif ne font plus qu’un ; voyage vers un cosmos poétique, qui posera à chacun d’entre nous la question essentielle de notre existence au-delà des genres et des frontières. De même, alors que la pandémie nous amène à nous interroger sur les limites de notre humanité, Puisqu’il fallait tout repenser nous introduira à la scène latino-américaine à travers les pratiques féministes, sondant le corps mais aussi la société sous tous ses aspects. Le questionnement de la représentation est également abordé par l’exposition

The New Black Vanguard qui célèbre celle du corps noir dans ses diversités à la croisée de l’hybridation des disciplines entre art, mode et culture.

Ces regards multiples sur le monde trouvent par ailleurs un écho dans l’introspection à laquelle se livre Pieter Hugo dans Être présent. Cette mise en lumière de la pratique du portrait nous conduira en divers lieux de la planète, mais nous fera toujours soutenir le « regard de l’autre ». Se tourner vers l’autre, vers des horizons lointains, c’est une autre proposition que nous vous faisons avec la séquence Atlas. Là encore, il s’agit d’une invitation au voyage, ainsi que d’une cartographie aussi bien géographique, historique, sociologique que mentale. Regards venus d’Afrique du Sud, donc, mais aussi du Soudan, du Chili et qui nous transporteront dans le monde entier.

Les Rencontres, ce sont aussi des retours sur l’histoire du médium et ses acteurs et actrices. Ainsi, l’ouverture des archives de Charlotte Perriand nous permettra de découvrir que photographie et photomontage ont joué un rôle décisif dans son processus créatif, tant pour son développement esthétique que pour son engagement politique dans les années 1930. Et puis, comment ne pas mentionner Sabine Weiss, qui fête cette année ses 97 ans et dont les œuvres viendront habiter la chapelle des Jésuites du Museon Arlaten, nouveau lieu que les Rencontres investissent cette année.

Ce ne sont là que les premières lumières que ces Rencontres d’Arles offrent cet été. Nous vous attendons donc avec la directrice adjointe du festival Aurélie de Lanlay et toute l’équipe pour découvrir ensemble le reste de la programmation dès le 4 juillet à Arles.

LES COMMISSAIRES DES EXPOSITIONS

JULIETTE AGNEL

Née en 1973 à Paris, France. Vit et travaille à Paris.

Juliette Agnel est unique dans le paysage photographique français. C’est dans une approche philosophe globale que cette artiste s’est mise en quête de la compréhension du monde. Cette exploration la mène du ciel, inspirée par le rapport au cosmos et les forces telluriques, à la terre, dans sa relation à la géobiologie et l’expérience mystique des portes de la nature, et aujourd’hui sous terre, avec l’exploration de grottes préhistoriques. Elle photographie donc ce qui est invisible, et tente par son travail de transmettre ce qui est de l’ordre du ressenti et de l’intériorité. Il n’y a pas de vérité photographique dans les images de Juliette Agnel. Le calme qui en ressort en est l’exemple le plus concret, elles sont une machine à traverser le temps, qui portent aussi l’empreinte d’une évidence écologique. Juliette Agnel est représentée par la galerie Françoise Paviot.

EXPOSITION : THAWRA ! RÉVOLUTION !, SOUDAN, HISTOIRE D’UN SOULÈVEMENT — P. 128

STUART ALEXANDER

Né en 1955 dans le Michigan, États-Unis.

Vit et travaille à Paris, France.

Stuart Alexander est directeur éditorial chez delpire & co. Au début de sa carrière, il a travaillé pour de nombreux musées, notamment le Center for Creative Photography qui publiera en 1986 son livre Robert Frank: A Bibliography, Filmography and Exhibition Chronology 1946–1985.

Il a été l’archiviste de l’Estate Brassaï, et a participé à de nombreux projets d’exposition et d’édition, dont plusieurs avec Robert Delpire, au Centre national de la photographie. Il a organisé de nombreuses expositions en collaboration avec éditeurs, collectionneurs et musées du monde entier. De 2005 à 2015, il a été vice-président et expert en photographie chez Christie’s à New York. Il siège au conseil d’administration de la Fondation Josef Koudelka.

EXPOSITION : NEUF DE A À Z, DELPIRE AVANT DELPIRE — P. 194

MONICA ALLENDE

Née en 1968 à Bilbao, Espagne. Vit et travaille à Londres, Royaume-Uni.

Monica Allende est conservatrice indépendante, directrice artistique, consultante et éducatrice. Elle est la conservatrice de The Blues Skies Project, une installation multidisciplinaire des artistes Anton Kusters et Ruben Samama présélectionnée pour le prix de la Fondation Deutsche Börse. Elle a été la directrice artistique du festival international GetxoPhoto de 2017 à 2019 et assure aujourd’hui la direction artistique du festival Landskrona Foto. Elle a travaillé avec WeTransfer en tant que consultante et productrice artistique, et avec le festival international de photographie FORMAT17 en tant que directrice.

EXPOSITION : ANTON KUSTERS, BLUE SKIES — P. 146

DAMARICE AMAO

Née en 1984 à Montpellier, France. Vit et travaille à Paris, France.

Damarice Amao est historienne de la photographie et docteure en histoire de l’art. Elle a été co-commissaire des expositions Éli Lotar (Jeu de Paume, 2017), Photographie, arme de classe (Centre Pompidou, 2018) et Dora Maar (2019). Elle est aujourd’hui attachée de conservation au cabinet de la photographie du musée national d’Art moderne – Centre Pompidou.

EXPOSITION : CHARLOTTE PERRIAND, COMMENT VOULONS-NOUS VIVRE ? POLITIQUE DU PHOTOMONTAGE — P. 166

Portrait Yisang Shin.

Portrait Marguerite Bornhauser.

Portrait Terri Weifenbach.

Portrait Avec l’aimable autorisation de la commissaire.

FEDERICA ANGELUCCI

Née en Italie. Vit et travaille au Cap, Afrique du Sud.

Après avoir obtenu un diplôme en sciences politiques, Federica Angelucci a travaillé pour Peliti Associati, à Milan, et Magnum Photos, à Paris. Elle est actuellement associée principale chez Stevenson, une galerie qui possède des espaces au Cap, à Johannesburg et à Amsterdam. Depuis qu’elle a rejoint Stevenson en 2007, elle s’est concentrée sur le programme photographique de la galerie et sur la production de monographies et d’expositions personnelles pour les artistes photographes représentés : Edson Chagas, Pieter Hugo, Zanele Muholi, Mame-Diarra Niang, Jo Ractliffe, Viviane Sassen et Guy Tillim. Parmi les projets récents, citons Photographs : 1980s to now de Jo Ractliffe, La Cucaracha de Pieter Hugo, Venus and Mercury de Viviane Sassen et Somnyama Ngonyama de Zanele Muholi.

EXPOSITION : PIETER HUGO, ÊTRE PRÉSENT — P. 134

CLARA BASTID

Née en 1989 à Marseille, France. Vit et travaille à Paris, France.

Après des études en sciences politiques et visual studies, Clara Bastid fonde Profession Photographie et anime des rencontres régulières à l’INHA sur le marché de la photographie. Elle a travaillé à la Fondation Cartier, à Luma Arles puis a contribué à la diversification des activités au sein du groupe Le Monde : un passage dans les médias qui résonne avec Jazz Power, son premier projet en tant que commissaire d’exposition. Aujourd’hui responsable du développement de la Gaîté Lyrique, elle a impulsé [AFK], un think tank dédié à la nouvelle génération.

EXPOSITION : JAZZ POWER ! JAZZ MAGAZINE , VINGT ANS D’AVANT-GARDE (1954-1974) — P. 178

VIRGINIE CHARDIN

Née à Paris, France. Vit et travaille à Paris.

Virginie Chardin est commissaire d’exposition indépendante, spécialiste d’histoire de la photographie. Elle a été commissaire des expositions Willy Ronis à Paris et Paris en couleurs, des frères Lumière à Martin Parr à l’hôtel de ville de Paris, Images d’une capitale au musée Folkwang à Essen en Allemagne, Denis Darzacq au Pavillon Carré de Baudoin, Pierre de Fenoÿl, une géographie imaginaire et Sabine Weiss au Jeu de Paume-Château de Tours, Antonin Personnaz au musée des Beaux-Arts de Rouen. Elle a été chargée de mission au musée Nicéphore-Niépce, responsable des prix des Rencontres d’Arles, déléguée du Mois de la Photo à Paris et autrice des Photo Poche Séeberger Frères, Ernst Haas et Sabine Weiss.

EXPOSITION : SABINE WEISS, UNE VIE DE PHOTOGRAPHE — P. 172

FRANÇOIS CHEVAL

Né en 1954 à Belfort, France. Vit et travaille à Chalon-sur-Saône, France.

Formé à l’histoire et à l’ethnologie, François Cheval exerce la fonction de conservateur de musées depuis 1982. De 1996 à 2016, il a dirigé le musée Nicéphore-Niépce à Chalon-sur-Saône. Il y a entrepris de débarrasser la photographie de ses présupposés et de présenter l’originalité du « photographique » à travers une muséographie et un discours renouvelés. Il poursuit aujourd’hui ses activités de directeur artistique et de commissaire d’expositions, s’attachant à remettre en cause les certitudes du médium et du milieu de la photographie, tout en créant des moments de découverte, d’interrogation et, peut-être, de plaisir. François Cheval est directeur artistique de la Résidence BMW depuis sa création en 2011.

EXPOSITION :

ALMUDENA ROMERO, THE PIGMENT CHANGE — P. 66

Portrait  Pierre Fahys.

Portrait Jérôme Collin.

Portrait Olivier Panier des Touches.

Portrait Avec l’aimable autorisation de la commissaire.

EKOW ESHUN

Né en 1968 à Londres, Royaume-Uni. Vit et travaille à Londres.

Ekow Eshun est auteur, critique et commissaire d’exposition. Ancien directeur de l’Institut des arts contemporains de Londres (ICA), il est aujourd’hui président du Fourth Plinth Commissioning Group. Ekow Eshun est l’auteur de Africa State of Mind (Thames & Hudson) et Black Gold of the Sun (Penguin), sélectionné pour le prix Orwell. Il a également édité Africa Modern (KT Wong) et participé à plusieurs ouvrages collectifs : Masculinities (Barbican), Between Worlds (National Portrait Gallery), Linda McCartney: The Polaroid Diaries (Taschen), ainsi que les catalogues consacrés au travail de Duro Olowu, Chris Ofili, Kehinde Wiley, Wangechi Mutu et John Akomfrah.

EXPOSITION : ÉTAT D’ESPRIT AFRICAIN, VILLES HYBRIDES — P. 154

JULIEN FRYDMAN

Né à Paris, France. Vit et travaille à Paris.

Julien Frydman est éditeur. Il dirige depuis 2020 delpire & co, maison d’édition et librairie située à Saint-Germain-des-Prés. Il a été le directeur de six éditions de Paris Photo de 2011 à 2014, à Paris au Grand Palais et aux Paramount Studios à Los Angeles, manifestations pour lesquelles il a initié de nombreuses expositions et publications. Il a par ailleurs travaillé pendant près de dix ans au sein de l’agence Magnum, dont il a été le directeur de 2006 à 2010.

EXPOSITION : NEUF DE A À Z, DELPIRE AVANT DELPIRE — P. 194

ANDREA GIUNTA

Née en 1960 à Buenos Aires, Argentine. Vit et travaille à Buenos Aires.

Andrea Giunta est écrivaine, commissaire d’exposition et professeure à l’université de Buenos Aires, où elle a obtenu son doctorat. Elle est chercheure au CONICET et chercheure invitée à l’université du Texas.

Elle a reçu plusieurs bourses, notamment du Guggenheim, de la fondation Rockefeller, de l’université du Texas (Harrington) et de la Fondation Tinker, ainsi que de nombreux prix, dont le prix Konex. Elle est l’auteure de plusieurs ouvrages sur l’art latino-américain. Elle a été co-commissaire des expositions Extranjerías, au MUAC (2012), Verboamérica, au MALBA (2016), Radical Women. Latin American Art, 1960–1985, au Hammer Museum, Brooklyn Museum et à la Pinacothèque de São Paulo (2017-2018). Elle a aussi notamment été commissaire de la Biennale 12 du Mercosur, à Porto Alegre (2020).

EXPOSITION : PUISQU’IL FALLAIT TOUT REPENSER, LE POUVOIR DE L’ART

ÉVA GRAVAYAT

Née en 1985 à Paris, France. Vit et travaille à Berlin, Allemagne.

Diplômée d’un master en sciences et techniques de l’exposition à l’université Paris I Panthéon-Sorbonne, Éva Gravayat a été chargée de production des expositions des Rencontres d’Arles (2007-2011) avant de s’installer à Berlin en 2012. En Allemagne, elle a été correspondante pour L’Œil de la Photographie puis directrice adjointe du Fotobookfestival Kassel (2014-2018) et chargée du développement de la Collection Regard et de l’Estate Hein Gorny à Berlin. En 2017, elle cofonde le site thephotoexhibitionarchive.com, un recueil de vues d’expositions à destination des étudiants, artistes et commissaires.

EXPOSITION : ORIENT-EXPRESS & CIE, ENTRE HISTOIRE ET MYTHOLOGIE — P. 182

Portrait Hervé Hôte.

Portrait Xavier Antoinet.

Portrait Rob Verf.

Portrait Antonio Olmos.

SAM I-SHAN

Née en 1977 à Singapour. Vit et travaille au Cambodge et à Singapour.

Sam I-shan s’intéresse à la photographie, à la politique et aux arts médiatiques. Dotée d’une expérience de quinze ans dans le milieu artistique, Sam I-shan a travaillé à National Gallery

Singapore, Singapore Art Museum et Esplanade Visual Arts. Elle a organisé des expositions monographiques fondées sur la recherche, parmi lesquelles Ng Teng Fong Roof Garden Commission: Cao Fei, et Georgette Chen: At Home in the World Elle a aussi coordonné l’exposition Afterimage: Contemporary Photography in Southeast Asia. Elle a également dirigé plusieurs initiatives dans le domaine du film et des images en mouvement, se spécialisant dans les films d’artistes, et co-programmé le festival du film d’Asie du Sud.

EXPOSITION : SIM CHI YIN, UN JOUR NOUS COMPRENDRONS — P. 62

ARTHUR METTETAL

Né en 1985 à Besançon, France. Vit et travaille à Ivry-sur-Seine, France

Arthur Mettetal est historien, spécialisé en histoire économique et patrimoine industriel. Depuis plusieurs années, il s’intéresse aux traces matérielles et immatérielles de l’industrie et mobilise le médium photographique dans chacun de ses projets. Après avoir travaillé en immersion sur la mémoire ouvrière du site Metaleurop en 2011, il conduit une réflexion sur la place des cheminées d’usines dans les paysages urbains et ruraux du nord de la France en 2015. Co-commissaire de plusieurs expositions documentaires (Usine des mémoires, Signal industriel), il est actuellement administrateur-directeur du Fonds de dotation Orient Express et conduit parallèlement une thèse au centre de Recherches historiques de l’EHESS.

EXPOSITION : ORIENT-EXPRESS & CIE, ENTRE HISTOIRE ET MYTHOLOGIE — P. 182

FULUFHELO MOBADI

Née en 1988 à Johannesburg, Afrique du Sud. Vit et travaille à Johannesburg.

En 2012, Fulufhelo Mobadi a obtenu le diplôme de photojournalisme et de photographie documentaire du Market Photo Workshop de Johannesburg. Elle s’intéresse aux combats quotidiens des femmes sur le continent africain, en particulier en Afrique du Sud. Photographe engagée socialement, elle cherche à rendre visible l’invisible et le non-dit. Fulufhelo Mobadi est coordonnatrice de cours et de formation au Market Photo Workshop.

EXPOSITION : LEBOGANG TLHAKO, SIBADALA SIBANCANE — P. 70

DUHA MOHAMMED

Née en 1993 à Omdurman, Soudan. Vit et travaille à Bahri, Soudan.

Assez réservée, Duha Mohammed a pris conscience de son amour pour la photographie lorsqu’elle s’est rendu compte qu’elle préférait montrer plutôt que dire. Designer industrielle, Duha Mohammed trouve du réconfort dans les arts visuels et envisage sa pratique comme une aventure existentielle et une exploration d’ellemême. Elle s’est prise de passion pour la photographie narrative en 2014, lors d’un atelier organisé par le Goethe-Institut Soudan à la Mugran Foto Academy, et cela ne l’a plus quittée depuis lors.

EXPOSITION : THAWRA ! RÉVOLUTION !, SOUDAN, HISTOIRE D’UN SOULÈVEMENT — P. 128

Portrait avec son aimable autorisation.

Portrait Xavier Antoinet.

Portrait Avec l’aimable autorisation de la commissaire.

Portrait Gemma Garman.

ALONA PARDO

Née en 1974 à Londres, Grande-Bretagne. Vit et travaille à Londres.

Alona Pardo est commissaire d’exposition à la Barbican Art Gallery depuis près de quinze ans. Elle a organisé et édité de nombreuses expositions et publications centrées sur le film et la photographie, parmi lesquelles : Masculinities: Liberation through Photography (2020) ; Trevor Paglen: From Apple to Anomaly (2019) ; Dorothea Lange: Politics of Seeing (2018) ; Vanessa Winship: And Time Folds (2018) ; Richard Mosse: Incoming (2017) et Strange and Familiar: Britain as seen by International Photographers (avec Martin Parr, 2016). Elle a contribué à plusieurs ouvrages et magazines, dont Modern Forms: A Subjective Atlas of 20th-Century Architecture, du photographe contemporain Nicolas Grospierre (Prestel, 2016) et Vitamin P3: New Perspectives in Painting (Phaidon, 2016). Elle porte un intérêt particulier à l’art qui associe activisme, esthétique et identité.

EXPOSITION : MASCULINITÉS, LA LIBÉRATION PAR LA PHOTOGRAPHIE — P. 22

MARIE ROBERT

Née en 1974 à Lyon, France. Vit et travaille à Paris, France.

Marie Robert est conservatrice en chef au musée d’Orsay, chargée de la photographie. Auteure d’une dizaine d’accrochages de la collection marqués par les sciences sociales, elle a également été co-commissaire des expositions Misia, Reine de Paris, splendeurs et misères. Images de la prostitution et Qui a peur des femmes photographes ? Avec Luce Lebart, elle a codirigé en 2020 Une histoire mondiale des femmes photographes, aux éditions Textuel. Ses recherches actuelles portent sur les relations croisées entre la photographie et d’autres médias. Après avoir réintroduit en 2019 le cinéma des premiers temps dans le parcours permanent du musée, elle prépare avec Dominique Païni et Paul Perrin une exposition qui y sera présentée en septembre 2021, Vivement le cinéma !

EXPOSITION : JAZZ POWER ! JAZZ MAGAZINE , VINGT ANS D’AVANT-GARDE (1954-1974) — P. 178

ANTWAUN SARGENT

Né en 1988, Chicago, États-Unis. Vit et travaille à New York, États-Unis.

Antwaun Sargent est écrivain, éditeur et commissaire. Ses écrits ont paru dans le New York Times, le New Yorker et diverses publications d’art et de musées. Sargent est l’auteur de The New Black Vanguard: Photography between Art and Fashion (Aperture, 2019) et rédacteur en chef de Young, Gifted and Black: A New Generation of Artists (2020). Il est également directeur de la Gagosian Gallery.

EXPOSITION : THE NEW BLACK VANGUARD, PHOTOGRAPHIE ENTRE ART ET MODE — P. 52

SAM STOURDZÉ

Né en 1973 à Paris, France. Vit et travaille à Rome, Italie.

Sam Stourdzé est spécialiste de l’image contemporaine et des relations entre art, photographie et cinéma. Il est commissaire de nombreuses expositions et auteur de plusieurs ouvrages de référence. Ancien pensionnaire de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis en 2007 dans la section cinéma, Sam Stourdzé a été directeur des Rencontres d’Arles de 2014 à 2020 après avoir dirigé le musée de l’Élysée de Lausanne en Suisse entre 2010 et 2014 et assuré la rédaction en chef du magazine de photographie ELSE. En 2020, Sam Stourdzé est nommé directeur de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis. Son projet s’articule autour de l’idée de mobilité, qu’elle soit artistique, sociale ou européenne.

EXPOSITION : RAYMOND CAUCHETIER, NOUVELLE VAGUE — P. 188

Portrait Avec l’aimable autorisation du commissaire.

Portrait Daniele Molajoli.

Portrait Nicolas Krief.

Portrait Jenny Lewis.

SONIA VOSS

Née en 1978, Paris, France. Vit et travaille à Paris et Berlin, Allemagne.

Sonia Voss est auteur et commissaire d’expositions. Elle a présenté entre autres : Isabelle Le Minh : Cristal réel (Goethe Institut Paris & Fondation Alfred Ehrhardt Berlin, 2020), Corps impatients : Photographie est-allemande 1980-1989 (Rencontres d’Arles, 2019), Alfred Ehrhardt : The Forms of Nature (Kyotographie, 2019), ainsi que deux expositions au musée de la Chasse et de la Nature à Paris : Sophie Calle, Serena Carone : Beau doublé, Monsieur le marquis ! (2018) et George Shiras : L’intérieur de la nuit (2017). Elle a également accompagné Anton Roland Laub, nommé avec Mobile Churches pour le Nouveau Prix Découverte en 2018. Elle a dirigé des ouvrages aux éditions Xavier Barral, Koenig Books, Filigranes et Kehrer.

EXPOSITION : PRIX DÉCOUVERTE LOUIS ROEDERER 2021 — P. 78

Portrait Patrick Chiha.

IDENTITÉS / FLUIDITÉS

Jamal Nxedlana, Johannesburg , 2019.

MASCULINITÉS LA LIBÉRATION

PAR LA PHOTOGRAPHIE

Bas Jan Ader (1945-1975), Laurie Anderson (1947), Kenneth Anger (1927), Knut Åsdam (1968), Richard Avedon (1923-2004), Aneta Bartos, Richard Billingham (1970), Cassils (1975), Sam Contis (1982), John Coplans (1920-2003), Rineke Dijkstra (1959), George Dureau (1930-2014), Thomas Dworzak (1972 Hans Eijkelboom (1949), Fouad Elkoury (1952), Rotimi Fani-Kayode (1955-1989), Hal Fischer (1950), Samuel Fosso (1962), Anna Fox (1961), Masahisa Fukase (1934-2012), Sunil Gupta (1953), Peter Hujar (1934-1987), Liz Johnson Artur (1964), Isaac Julien (1960), Kiluanji Kia Henda (1979), Karen Knorr (1954), Deana Lawson (1979), Hilary Lloyd (1964), Robert Mapplethorpe (1946-1989), Peter Marlow (1952-2016), Ana Mendieta (1948-1985), Annette Messager (1943), Duane Michals (1932), Tracey Moffatt (1960), Andrew Moisey (1979), Richard Mosse (1980), Adi Nes (1966), Catherine Opie (1961), Elle Pérez (1989), Herb Ritts (1952-2002), Kalen Na’il Roach (1992), Collier Schorr (1963), Paul Mpagi Sepuya (1982), Clare Strand (1973), Mikhael Subotzky (1981), Larry Sultan (1946-2009), Hank Willis Thomas (1976), Wolfgang Tillmans (1968), Piotr Ukla ński (1968), Karlheinz Weinberger (1921-2006), Marianne Wex (1937-2020), David Wojnarowicz (1954-1992), Akram Zaatari (1966)

Masculinités : La libération par la photographie explore les nombreuses façons dont la masculinité a été vécue, performée, codée et construite socialement, à travers l’expression et le témoignage de la photographie et du cinéma, des années 1960 à nos jours.

La célèbre phrase de Simone de Beauvoir « on ne naît pas femme, on le devient » est un utile point de départ pour examiner ce que signifie être un homme aujourd’hui et comment la photographie et le cinéma façonnent la masculinité. Ce qu’on appelle « masculin » a beaucoup varié au cours de l’histoire et à travers les cultures. La tradition de la domination masculine a établi une hiérarchie de genre qui, jusqu’à aujourd’hui, sous-tend les sociétés du monde entier.

En Europe et en Amérique du Nord, les traits et les rapports de pouvoir associés à la masculinité dominante – historiquement définis comme la stature physique, la force, l’assurance et l’agressivité – bien que toujours très répandus, commencent, dans les années 1960, à être remis en cause et transformés. Dans un climat marqué par la révolution sexuelle, la lutte pour les droits civiques, une montée de la conscience de classe, le développement du mouvement gay, le développement de la contre-culture de l’époque et l’opposition à la guerre du Vietnam, de larges pans de la société revendiquent un relâchement du carcan des définitions de genre.

Avec #MeToo en toile de fond, la masculinité désormais sous haute surveillance et les termes « masculinité toxique » et « fragile » répercutés à longueur de colonne, il est temps d’enquêter sur ce vaste sujet, surtout à l’heure où des chefs d’État posant en hommes « forts » déterminent la politique mondiale. Abordant les identités queer, les politiques raciales, le pouvoir et le patriarcat, la perception des hommes par les femmes, les stéréotypes hétéronormatifs, la masculinité hégémonique et la famille, les œuvres de cette exposition présentent la masculinité comme une identité performative mouvante conditionnée par des forces sociales et culturelles. Parce qu’elle soutient l’idée qu’il existe de multiples masculinités plutôt qu’un unique idéal masculin, l’exposition défend une vision de la masculinité débarrassée des attentes sociales et des normes de genre.

Catherine Opie, Bo de la série « Être et Avoir », 1991. Collection de Gregory R. Miller et Michael Wiener. Avec l’aimable autorisation de Regen Projects, Los Angeles, de la Thomas Dane Gallery, Londres, et du musée Solomon R. Guggenheim, New York.

Pages suivantes Thomas Dworzak, Portrait de Talibans. Kandahar, Afghanistan. 2002. Collection T. Dworzak/ Magnum Photos.

Masahisa Fukase, Rangée arrière, de gauche à droite : A, un mannequin ; Toshiteru, Suzeko, Masahisa. Rangée du milieu, de gauche à droite : Akiko, Mitsue, Hisashi Daikoji. Rangée avant, de gauche à droite : Gaku, Kyoko, Kanako, et un portrait commémoratif de Miyako, 1985, de la série Famille, 1971-1990. Archives Masahisa Fukase.

Rotimi Fani-Kayode, Sans titre, 1985 Avec l’aimable autorisation d’Autograph, Londres.

Adi Nes, Sans titre, série Soldats, 1999. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de Praz-Delavallade Paris, Los Angeles.

Sam Contis, Sans titre (Cou), 2015, série Deep Springs, 2017. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

SÉBASTIEN LIFSHITZ GARÇONS SENSIBLES

Sébastien Lifshitz

Né en 1968 à Paris, France. Vit et travaille à Paris.

Après des études d’histoire de l’art à l’École du Louvre, Sébastien Lifshitz se tourne vers le cinéma et réalise en 2000 son premier long-métrage, Presque Rien. Suivront le documentaire La Traversée (2001) sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs, puis Wild Side (2004) et Bambi (2016), tous deux primés au festival de Berlin. Après Les Invisibles (2012) en sélection officielle au festival de Cannes et Les Vies de Thérèse (2017) à la Quinzaine, il réalise deux documentaires : Adolescentes, primé au festival de Locarno, prix Louis-Delluc du meilleur film et heureux lauréat de 3 césars en 2021 puis Petite Fille, présenté au festival de Berlin 2020. Sébastien Lifshitz a également été commissaire des expositions Mauvais Genre (2016) aux Rencontres d’Arles et de L’Inventaire Infini (2019) au Centre Pompidou.

Jusqu’à la fin des années 1960, l’homosexualité a été totalement absente de toute représentation et même de toute évocation à la télévision française. Il faudra attendre le début des années 1970 pour que soit proposée, pour la première fois, une émission traitant de l’homosexualité et que le mot soit enfin prononcé.

Pour autant, cette invisibilité n’est pas toute l’histoire. Malgré la censure opérée par la télévision, l’homosexualité a réussi à s’y frayer un chemin. Bien sûr, ces rares manifestations étaient codifiées, pleines de sous-entendus. Elle pouvait s’incarner à travers le témoignage d’une personnalité illustre (un écrivain, un peintre, un acteur) ou par le biais de chanteurs populaires ou de sketches burlesques, souvent homophobes, mais qui n’en révélaient pas moins un certain point de vue sur l’homosexualité. Certains sujets historiques comme l’Antiquité ou des reportages sur l’armée, pouvaient clairement proposer une représentation homo-érotique.

Pour nous raconter les résistances d’une époque pas si lointaine, où l’homosexualité n’avait pas droit de cité, Garçons sensibles fait converser toutes ces archives rassemblées aujourd’hui dans une même continuité.

Projection coproduite par l’INA et les Rencontres d’Arles.

Avec le soutien de Sézane.

Projection présentée à la Mécanique générale.

Portrait Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

En haut

Permanente pour homme, Actualités françaises, 1953.

Au centre à gauche

Le slip, Dim Dam Dom, 1968.

Au centre à droite Émission médicale sur l’homosexualité, 1973.

En bas

Concours du plus bel athlète, Actualités françaises, 1946.

CLARISSE HAHN

PRINCES DE LA RUE

Clarisse Hahn

Née en 1973 à Paris, France. Vit et travaille à Paris.

Clarisse Hahn est une artiste et réalisatrice. À travers ses films, ses photographies et ses installations vidéo, elle poursuit une recherche sur des communautés telles que la bourgeoisie protestante, les Kurdes, les acteurs de films porno, la communauté SM, le personnel hospitalier. Elle est professeure à l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris et a collaboré en tant que critique d’art aux revues artpress, Omnibus et Bloc-Notes. Son travail a été exposé au musée d’Art moderne de la Ville de Paris, au Mamco à Genève, au Reina Sofía à Madrid, au Palais de Tokyo et au centre Georges Pompidou à Paris, au Museo de Arte Raúl Anguiano de Guadalajara, entre autres.

Un quartier populaire à Paris, son marché, ses trafics, ses kebabs, les corps qui se croisent et parfois s’exhibent. L’argent circule aussi vite que les regards. Les vendeurs de cigarettes règnent sous le métro aérien de Barbès. Les hommes y sont des as de l’observation, rien ne leur échappe. Les Princes de la rue s’inscrivent dans les Boyzone, travail au long cours dans lequel Clarisse Hahn observe ces situations où le corps des hommes chorégraphie leurs rapports à l’espace public comme dans l’intimité.

Des corps, des regards : les films et les photographies de Clarisse Hahn consacrés aux communautés et aux rituels vont au-delà du consentement de l’Autre à être regardé. Ils montrent comment l’être social peut faire du regard que l’on porte sur lui un moyen d’expression : se donner à voir sans se faire avoir.

Artiste et non ethnographe, documentariste puisque le terme est le mieux adapté, Clarisse Hahn ignore toute attitude égotiste : elle disparaît au plus près des corps pour leur laisser la place d’exprimer leur force, leur fragilité et leur douleur – mais aussi leur histoire.

Mobilisant les images d’archives, Clarisse Hahn crée une désynchronisation qui témoigne de généalogies invisibles. Ces jeunes hommes sont les descendants de héros français recrutés au temps des colonies. Ironie ou ruse de l’Histoire, héros et antihéros ne font ici plus qu’un. Barbès, cour des miracles, abrite les anciens comme les exclus. Ceux-là portent à leur tour les stigmates d’une histoire qui peine à cicatriser. Les chairs sont meurtries tout comme les mémoires.

Nombre de cultures du monde abritent des Boyzone : dans la joie, l’incarcération, la dévotion, la manifestation, la survie ou le labeur, des hommes parlent le langage de leur anatomie. Un cortège d’attitudes souples et brutales défile dans la rue, Clarisse Hahn scrute des « hommes entre eux ». Son expérience de documentariste permet la construction d’une présence invisible. Le regard des hommes est ici pris pour objet, leur corps érotisé. Le male gaze s’est évaporé dans le froid des matins. Il a neigé sur Barbès cet hiver, il neigeait aussi à Alger.

Michel Poivert

Tirages Laboratoire Cyclope, Paris.

Encadrements Circad, Paris. Avec le soutien de KADIST.

Exposition présentée à la Mécanique générale.

Portrait Autoportrait de Clarisse Hahn.

DÉSIDÉRATION

(ANAMANDA SÎN)

DU DÉSASTRE AU DÉSIR : VERS UNE AUTRE MYTHOLOGIE DU SPATIAL

Désidération : Polycéphalie

Photographe, plasticien, metteur en scène et chercheur, SMITH explore la pratique et la pensée de la métamorphose : transition de genre, d’ère et d’état, plasticités, hybridations, mutations et travail du rêve jalonnent ses propositions depuis Löyly, sa première exposition aux Rencontres d’Arles en 2012. SMITH observe les porosités cosmiques de l’identité humaine avec Désidération, imaginé en 2017 avec l’astrophysicien Jean-Philippe Uzan et l’écrivain Lucien Raphmaj, et mis en espace avec le designer DIPLOMATES. S’y hybrident à présent les interventions du compositeur Gaspar Claus, des performeuses

Nadège Piton, François Chaignaud et Adrian Gebhart, de la créatrice textile Zélia Smith, de la commissaire d’exposition Anna Milone – à la manière d’un blob s’étendant dans toutes les directions de l’imaginaire.

Éprouvant la perméabilité des pratiques artistiques, scientifiques, philosophiques et des narrations spéculatives, Désidération (Anamanda Sîn) propose une autre mythologie du spatial, à travers la pensée d’une humanité interstellaire en quête de nouvelles alliances avec son cosmos originaire.

La « désidération » joue sur le trouble de son étymologie, qui oscille entre le regret de la perte des étoiles (de-sideris) et le désir de leur retour. Face au désastre contemporain, la désidération désigne à la fois une proposition de diagnostic et de remédiation. Le fait discret de la disparition de notre rapport au ciel étoilé, apparaît comme le révélateur des destructions matérielles et spirituelles de nos sociétés, et nous invite à formuler une nouvelle configuration de l’imaginaire, une zone à rêver où se forment de nouvelles mythologies peuplées de figures hybrides, pour inventer un nouveau pacte avec le cosmos.

Anamanda Sîn est l’une de ces figures désirées et désidérées de cette nouvelle mythologie : ce personnage incarne et exprime l’appel du terrestre vers la dimension céleste, appelée Levania. L’exposition est conçue comme une immersion dans la psyché et dans la sensibilité d’Anamanda Sîn, où les météorites constituent le lien entre le passé et l’avenir, la terre et le ciel, l’art et la science, le non-humain et l’humain, la mélancolie et le désir. Ainsi, chaque visiteur déambule-t-il dans cet espace que structurent des ruines futuristes, reliefs énigmatiques du vaisseau intérieur d’Anamanda, selon les pôles magnétiques de sa propre expérience. Captation de fréquences radio disséminant des bribes d’un récit sinueux, collision avec des fractions de météorites, voyage immobile autour de cratères d’impacts, émotion d’une migraine chamanique, contemplation d’anamorphoses, partage d’un sommeil collectif, archives d’un laboratoire endocosmologique…

L’espace interstitiel du Monoprix accueille cette mythologie pénétrable et fragmentée, propice à l’esquisse d’un parcours transitionnel vers ce qui nous dépasse.

Un projet mené par SMITH, Diplomates et Lucien Raphmaj. Avec François Chaignaud, Gaspar Claus, Nadège Piton, Zélia Smith, Anna Milone, Adrian Gebhart, etc.

Publication Désidération (Anamanda Sîn), SMITH et Lucien Raphmaj, Éditions Textuel, 2021

Tirages Picto, Paris.

Avec le soutien de Picto Foundation et de la galerie Les Filles du Calvaire, Paris.

Retrouvez le prolongement de l’exposition Désidération (Anamanda Sîn) en gare d’Avignon TGV, avec le soutien de SNCF Gares & Connexions.

Exposition présentée au Monoprix.

Photographie SMITH.

Sans titre, série Désidération, 2000-2021. Avec l’aimable autorisation de la galerie Les Filles du Calvaire [pour toutes les photographies].

PUISQU’IL FALLAIT TOUT REPENSER

LE POUVOIR DE L’ART EN PÉRIODE D’ISOLEMENT

María José Arjona (1973), Ananké Asseff (1971), Colectivo Nosotras Proponemos (2017), Nicola Costantino (1964), Milagros de La Torre (1965), Vivian Galban (1969), María Teresa Hincapié (1956-2008), Adriana Lestido (1955), Florencia Levy (1979), Marcos López (1958), Liliana Maresca (1951-1994), Joiri Minaya (1990), Marta Minujín (1943), Aline Motta (1974), Rodrigo Orrantia (1975), Jackie Parisier (1968), Cristina Piffer (1953), Santiago Porter (1971), Dalila Puzzovio (1942), José Alejandro Restrepo (1959), Silvia Rivas (1957), Celeste Rojas Mugica (1987), Graciela Sacco (1956-2017), Juan Travnik (1950)

Nous traversons aujourd’hui une période de pandémie inédite. Un état exceptionnel qui génère des images de vie et de mort. Une époque étrange qui interroge le concept même d’humanité ; la solidarité, l’empathie, l’écoute de ses répercussions émotionnelles sur nous, mais aussi sur les autres. Le moment est arrivé où la raison et l’organisation du temps et des ressources requièrent des stratégies délicates et adaptées.

Tout peut être repensé, à partir de l’expérience d’une émotion liée au désir de redistribuer les relations humaines et symboliques, ou encore du monde animal et de la nature ; la rencontre des espèces (« When Species Meet »), selon les mots de Donna Haraway. La théorie et la pratique féministes sont rhizomiques et abordent aussi les questions de l’après et de la mise en commun de la production. Une théorie de l’affect et du corps, des affaires publiques, de la transformation des relations sociales, mais aussi la base d’un observatoire pour une nouvelle politique économique du vivant. C’est un féminisme qui rejoint la remise en cause profonde des conséquences actuelles du capitalisme mondialisé et émerge pour observer les notions de communauté, l’effondrement des modèles anthropocentristes et de l’exceptionnalisme humain. Le féminisme perçu comme l’articulation d’outils herméneutiques nouveaux.

À quelle expérience physique voulons-nous revenir ? Cherchons-nous à rétablir le monde tel qu’il était avant ce temps d’isolement ?

Nous voulons repenser, avec un regard attentif, les significations sous-jacentes d’œuvres créées dans des contextes différents. Revoir les archives et porter notre attention sur les résonances que ces images produisent. Chaque objet, chaque photographie, chaque film présenté dans cette exposition crée un champ magnétique qui entre en contact avec tout ce qui s’approche de lui. Chaque œuvre apporte un matériau à partir duquel repenser les formes possibles du monde.

Buenos Aires, le 1 er avril 2020 — aujourd’hui.

Commissaire de l’exposition

Andrea Giunta, en collaboration avec Florencia Giordana Braun, Julieta Tarraubella et Florencia Rugiero.

Exposition produite par Rolf Art, en collaboration avec les Rencontres d’Arles.

Publications

Puisqu’il fallait tout repenser, delpire & co, 2021 (édition française) ; Rethink Everything, delpire & co, 2021 (édition anglophone) ; Pensar todo de nuevo, Ediciones Larivière, 2021 (édition argentine).

Encadrements Circad, Paris.

Avec le soutien de l’Institut français d’Argentine, de l’ambassade d’Argentine en France, du ministère argentin des Affaires étrangères, du commerce international et des syndicats.

Remerciements

MALBA, Buenos Aires. Exposition présentée à l’espace Van Gogh.

Graciela Sacco, Sans titre, série Bocanada, 1993.

Adriana Lestido, Mère et Fille parmi les Mères de la place de Mai, 1982.

En haut à droite Celeste Rojas Mugica, série Inventaire iconoclaste de l’Insurrection chilienne, 2020.

En bas à droite Silvia Rivas, Résistance, série Plein d’espoir, 2002.

Aline Motta, (Autres) Fondations, #3, 2017-2019.

50 Santiago Porter, série Bruma II, 2008.

Liliana Maresca, Sans titre. Liliana Maresca et son travail, 1983.

THE NEW BLACK VANGUARD

PHOTOGRAPHIE ENTRE ART ET MODE

Campbell Addy (1993), Arielle Bobb-Willis (1994), Micaiah Carter (1995), Awol Erizku (1988), Nadine Ijewere (1992), Liz Johnson Artur (1964), Quil Lemons (1997), Namsa Leuba (1982), Renell Medrano (1992), Tyler Mitchell (1995), Jamal Nxedlana (1985), Daniel Obasi (1994), Ruth Ossai (1991), Adrienne Raquel (1990), Dana Scruggs, Stephen Tayo (1994)

Œuvres supplémentaires de AB+DM (Ahmad Barber et Donté Maurice), Djeneba Aduayom, Lawrence Agyei, Rasharn Agyemang, Araba

Ankuma, Bafic, Daveed Baptiste, Malick Bodian, Kennedi Carter, Jorian Charlton, Christian Cody, Faith Couch, Delphine Diallo, Rhea Dillon, Philip-Daniel Ducasse, Christina Ebenezer, Yagazie Emezi, Cary Fagan, Justin French, Alexandre Gaudin, Erica Génécé, Kenny Germé, Denzel Golatt, Yannis Davy Guibinga, Travis Gumbs, Tyrell Hampton, Seye Isikalu, Adama Jalloh, Manny Jefferson, Kreshonna Keane, Ekua King, Joshua Kissi, Casper Kofi, Olivia Lifungula, Myles Loftin, Mahaneela, Ronan Mckenzie, Tyra Mitchell, Fabien Montique, Sierra Nallo, Manuel Obadia-Wills, Travys Owen, Amber Pinkerton, Marc Posso, Caio Rosa, Silvia Rosi, Lucie Rox, Makeda Sandford, Cécile Smetana Baudier, Justin Solomon, Texas Isaiah, David Uzochukwu, Juan Veloz, Isaac West, et Joshua Woods.

The New Black Vanguard présente des artistes dont les portraits vifs et les images conceptuelles fusionnent la photographie d’art et de mode et font tomber des frontières établies de longue date. Leur travail a été largement diffusé dans des magazines de mode et de société, des campagnes publicitaires et des musées, ainsi que sur leurs propres réseaux sociaux, réinsufflant le vocabulaire visuel contemporain autour de la beauté et du corps avec une vitalité et une substance nouvelles. Ces images ouvrent la conversation autour de la représentation du corps noir et de la vie des Noirs en tant que sujets. Collectivement, elles célèbrent la créativité noire et l’hybridation entre art, mode et culture dans la construction d’une image. Cherchant à remettre en question l’idée que le monde noir est homogène, les œuvres servent de forme d’activisme visuel. C’est une perspective souvent retrouvée dans ce mouvement libre de talents émergents, qui créent des photographies dans des contextes très différents – New York et Johannesburg, Lagos et Londres. Les résultats –souvent réalisés en collaboration avec des stylistes et créateurs de mode noirs – présentent de nouvelles perspectives sur le médium de la photographie et les notions de race et de beauté, de genre et de pouvoir.

Cette exposition comprend une sélection d’œuvres de ces photographes contemporains révolutionnaires, ainsi qu’un mur d’images créées par d’autres jeunes photographes noirs qui contribuent au mouvement. Des vitrines de publications, passées et actuelles, contextualisent ces images et retracent l’histoire de l’inclusion, et de l’exclusion, dans la création de l’image commerciale noire, tout en proposant un avenir brillamment repensé.

Commissaire de l’exposition Antwaun Sargent.

Exposition produite par Aperture, New York, en collaboration avec les Rencontres d’Arles.

Remerciements Airbnb Magazine et Tasweer Photo Festival, Qatar.

Avec le soutien de Dupon-RC Group.

Exposition présentée à l’église Sainte-Anne.

Campbell Addy, Sans titre, Londres, 2016.

Pages suivantes Dana Scruggs, Nyadhour, Elevated, Vallée de la Mort, Californie, 2019.

Daniel Obasi, Instants de jeunesse, Lagos, Nigeria, 2019.

Renell Medrano, Slick Woods, Brooklyn, 2018.

Nadine Ijewere, Sans titre, 2018.

ÉMERGENCES

Cédrine Scheidig, série A Life in Between , 2020-en cours.

SIM CHI YIN

UN JOUR NOUS COMPRENDRONS

Sim Chi Yin

Née en 1978 à Singapour. Vit et travaille à Singapour et à Berlin, en Allemagne.

Fondée sur la recherche, la pratique de Sim Chi Yin inclut la photographie, les archives et la performance à partir d’un texte. L’artiste s’intéresse tout particulièrement à l’histoire, aux conflits et à la mémoire. Parmi ses expositions solos les plus récentes, on trouve Most People Were Silent, Institute of Contemporary Arts, LASALLE College of the Arts, Singapour (2018), Fallout, musée du prix Nobel de la paix, Oslo (2017), et Rat Tribe, 15e Biennale d’Istanbul, Turquie (2017). En 2017, Sim Chi Yin a été engagée comme photographe par le prix Nobel de la paix. Elle est représentée par Zilberman Gallery à Berlin et la Hanart TZ Gallery à Hong Kong. En 2018, elle a rejoint l’équipe de Magnum. Elle achève actuellement un doctorat en arts visuels au King’s College de Londres.

Le projet de Sim Chi Yin remet en cause les historiographies du prétendu état d’urgence en Malaisie (1948-1960), lorsque les jungles, les villages et les plantations se sont mués en champs de bataille où s’affrontaient combattants anticoloniaux et soldats britanniques et du Commonwealth. Grande exportatrice d’étain et de caoutchouc, deux ressources clefs, la Malaisie revêtait une importance stratégique pour les Anglais. Dans ce pays, l’un des premiers à avoir connu la guerre froide, mais aussi l’agent orange et les techniques de contrôle de la population – réemployés durant la guerre du Vietnam –, l’état d’urgence est considéré comme une contre-insurrection exemplaire.

Lorsqu’elle a conçu la série Interventions, présentée pour la première fois au public, Sim Chi Yin a passé au peigne fin les archives du British Imperial War Museum, photographiant les tirages et leurs négatifs afin de les réunir en un plan unique. Ce processus intra-caméra a permis de révéler des notes et des marques cachées, créant ainsi de nouvelles mises en scène qui mettent en lumière les mécanismes de la construction du sens dans l’archive coloniale. Utilisées par les autorités pour mener une guerre psychologique et médiatique, les images originales juxtaposaient les euphémismes « banditisme » et « urgence » dans l’intention de justifier les actions militaires contre les insurgés. Les transformations de Sim Chi Yin interrogent l’indexicalité des preuves matérielles exploitées pour comprendre le passé et le présent.

Sim Chi Yin enrichit les perspectives de la gauche anticoloniale avec deux autres séries : Vestiges montre des paysages de Malaisie et de Thaïlande où subsistent des traces du conflit. Dans l’installation vidéo Requiem, des exilés et d’anciens déportés vivant en Chine, à Hong Kong et en Asie du Sud-Est se réapproprient l’histoire de leur participation politique avec leur propre voix, entonnant des chants révolutionnaires tels « Goodbye Malaya » et l’Internationale.

L’assemblage que fait Sim Chi Yin d’histoires étouffées, de récits personnels, de collections privées et de sites altérés forme une contre-archive aux comptes rendus de guerre produits par les États coloniaux et postcoloniaux. Son projet à multiples facettes est autant un travail de mémoire qu’un acte de résistance.

Commissaire de l’exposition Sam I-Shan Tirages, collages et encadrements Atelier

SHL, Arles.

Lauréate du prix Jimei x Arles Discovery Award 2020.

Avec le soutien du National Arts Council de Singapour.

Portrait Joel Low.

Vestiges #4, Perak, Malaisie, 2017.

En haut

Extrait de l’installation photographique Interventions, 2018.

En bas

Requiem, 2016-2018.

Extrait de l’installation photographique Interventions, 2020.

LAURÉATE DE LA RÉSIDENCE BMW ALMUDENA ROMERO THE PIGMENT CHANGE

Almudena Romero

Née en 1986 à Madrid, Espagne.

Vit et travaille à Londres, Royaume-Uni.

Almudena Romero est une artiste plasticienne. En 2020, elle a travaillé comme professeure de photographie dans le cadre du programme d’études à l’étranger de l’université de Stanford à Florence. Elle est membre de l’Académie de l’enseignement supérieur britannique, titulaire d’un troisième cycle en art, design et communication ainsi que d’une maîtrise en photographie de l’University of the Arts de Londres. Son travail a été exposé notamment à la Tate Modern-TATE Exchange, à la London Art Fair, au Tsinghua Art Museum, au Cent-Quatre Paris, à Unseen Amsterdam et à la Fundación MAPFRE. En 2021, elle est nommée pour le Prix Pictet.

Nous pouvons observer depuis quelques années un intérêt croissant pour la matérialité de la photographie. Avec son projet The Pigment Change, Almudena Romero, dixième lauréate de la Résidence BMW, s’appuie sur une conscience écologique, et sur l’utilisation de matériaux végétaux qui renvoie à une esthétique de la fragilité, voire de la disparition. Ce projet, en quatre séries, Faire une photographie, Family Album, Offspring et The Act of Producing, impose un nouvel usage « artistique » du temps présent, une préconisation de durabilité.

Dans Automne et Printemps de la série Faire une photographie, des plantes sont soumises à des régimes de lumière spécifiques pour forcer un changement pigmentaire des feuilles, tandis que dans Family Album, Almudena Romero expose des négatifs de ses archives familiales directement sur des panneaux de semences de cresson pour faire « pousser » des tirages photographiques. Dans The Act of Producing et la série Offspring, elle utilise des plantes entières comme toiles photographiques pour enregistrer des images.

The Pigment Change est la conséquence des qualités intrinsèques de la plante, et notamment de son exposition à la lumière et à des longueurs d’onde particulières. Le résultat de cette expérimentation prend la forme d’objets-images d’une grande force visuelle, de moments photographiques qui explorent un sens expansif du médium. En cela, l’emploi du végétal comme matière remet en cause la notion de progrès, une conséquence du savoir accumulé par le flux des images. La photographie est aussi cause de déprédation du réel. Sa critique par l’utilisation de matériaux végétaux est, pour le moins, l’étape nécessaire à la reconstruction du médium.

Commissaire de l’exposition François Cheval.

Exposition produite par BMW Art & Culture, avec le soutien de GOBELINS, l’école de l’image et BenQ France.

Publication The Pigment Change, coédition BMW Art & Culture/De l’air, des livres, 2021.

Exposition présentée au cloître Saint-Trophime.

Portrait Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Family Album, Carle, 2020 / Résidence BMW 2020.

LEBOGANG TLHAKO SIBADALA SIBANCANE

Lebogang Tlhako

Née en 1988 à Katlehong, Afrique du Sud. Vit et travaille à Johannesburg, Afrique du Sud.

Lebogang Tlhako a achevé le programme avancé du Market Photo Workshop de Johannesburg en 2012. Elle travaille principalement en argentique. Lebogang Tlhako est fascinée par le street style de l’Afrique du Sud, les différentes cultures et les paysages sociaux. Elle est actuellement membre de l’équipe éditoriale de Nice Magazine En 2018, elle a participé à l’exposition Unseen à Amsterdam. L’artiste a été sélectionnée en 2020 pour Lampost Luminaries, un programme de bourse d’une durée de dix mois destiné aux jeunes femmes photographes et vidéographes.

Dans le cadre de la bourse de recherche curatoriale des Rencontres d’Arles, j’ai choisi d’étudier la manière dont l’Afrique australe et orientale considère la photographie contemporaine en relation avec la photographie documentaire et ce que cela signifie pour les femmes photographes africaines.

Sibadala Sibancane, la série de Lebogang Tlhako, dresse un portrait intime de ces thèmes, cependant c’est le processus de création qui frappe le plus dans son travail.

Toutes prises avec une pellicule 35 mm, les photographies de Sibadala Sibancane évoquent la relation qu’entretenait Lebogang Tlhako avec sa mère et la façon dont celle-ci a façonné et influencé la jeune fille. La série n’est pas sans rappeler la culture de la fin du xixe siècle, quand il était coutumier pour les femmes de la classe moyenne de tenir un album photo. À l’époque, les femmes de haut rang ayant du temps et de l’argent consignaient leurs souvenirs dans un album, retraçant ainsi leur histoire personnelle ainsi que celle de leur famille. Tlhako fait revivre cette nostalgie en créant des collages qui superposent les images tirées des archives de sa mère à des paysages ou des portraits découpés d’enfants issus de sa propre communauté.

Sibadala Sibancane (« nous sommes vieux, nous sommes jeunes ») englobe le passage de la photographie documentaire à la photographie contemporaine dans un monde où l’art de composer des albums est en train de disparaître.

À l’instar d’autres artistes africaines, telles Lebohang Kganye ou Joana Choumali, Thlako a mis au point un procédé novateur afin d’exploiter l’instrument photographique. En transformant des photos physiques en images radicalement différentes, elle apporte une contribution individuelle importante au courant actuel de la photographie contemporaine en Afrique.

Fulufhelo Mobadi

Commissaire de l’exposition Fulufhelo Mobadi, lauréate de la Bourse de recherche curatoriale – projets Afrique des Rencontres d’Arles et de l’Institut français.

Tirages, collages et encadrements

Atelier SHL, Arles.

Exposition présentée dans le cadre de la Saison Africa2020, avec le soutien de son comité des mécènes. Exposition présentée au Jardin des voyageurs.

Portrait Autoportrait de Lebogang Tlhako.

ANYSSIA BIDOUT, EMMA RIVIERA & CÉDRINE SCHEIDIG

UNE ATTENTION PARTICULIÈRE

Les travaux des trois diplômées de l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles (ENSP) qui, selon le jury de cette année, méritent Une attention particulière dans le cadre des Rencontres d’Arles 2021 évoquent, chacun à sa manière, l’existence d’un commun partagé dans un temps, un espace et une activité.

Le travail d’Anyssia Bidout s’articule autour de l’objet automobile : sa construction, sa réparation, et son esthétique. Rues, garages, casses, ateliers sont des lieux où se façonne une véritable culture visuelle dont la voiture sert de support. L’essentiel de sa production s’élabore dans un espace bien particulier, celui de l’atelier de peinture en carrosserie. La série Filmogène propose un regard sur ce lieu comme espace de réparation mais surtout d’expérimentation esthétique, qui permet d’embellir ou de rendre absurde la voiture, véritable cathédrale de symboles. L’artiste, à travers cette série, cherche à dépouiller la voiture de ses représentations sociales, politiques et culturelles.

La série d’Emma Riviera, Des idées fausses, amorcée en 2018, met en exergue la complexité de Fos-sur-Mer. Son paysage méditerranéen est marqué par l’industrie pétrolière, le port et les grandes routes qui la coupent. Cette contradiction se retrouve aussi dans une commune riche des taxes perçues des entreprises établies sur son territoire mais dont les habitants, aux revenus modestes, subissent les conséquences sanitaires, écologiques et sociales de cette activité économique. Emma Riviera a souhaité dépasser cette représentation de la ville et aller à la rencontre des Fosséens dans leur vie quotidienne, rythmée par des fêtes populaires, des temps libres à la plage ou encore sur des ronds-points, symbole de leur engagement militant de Gilets Jaunes.

A Life In-between, de Cédrine Scheidig, est un projet photographique qui explore la « troisième île » constituée par les populations caribéennes habitant les périphéries parisiennes. En effet, près de 200 000 personnes nées dans les Antilles vivent en France métropolitaine, soit près d’un Antillais sur quatre. Naviguant dans cette autre forme d’insularité – urbaine et bétonnée –et ses espaces d’échappée, la photographe explore les notions d’identité, d’histoire et de mémoire et les imaginaires émergents du déracinement, entre urbanité et nature, entre ici et ailleurs.

Exposition coproduite par l’École nationale supérieure de la photographie et les Rencontres d’Arles.

Jury composé de Marta Gili, Clarisse Hahn et Christoph Wiesner.

Exposition présentée à l’École nationale supérieure de la photographie.

Portrait d’Anyssia Bidout Robin Lopvet.

Portrait d’Emma Riviera Léo Aupetit.

Portrait de Cédrine Scheidig Avec son aimable autorisation.

Scheidig, série

Emma Riviera, Fos rond-point, 2018.

PRIX DÉCOUVERTE LOUIS ROEDERER

Depuis leur création, les Rencontres d’Arles défendent la photographie et l’ensemble de ses acteurs : photographes, artistes, commissaires d’exposition, éditeur·rice·s... C’est dans cette volonté que les Rencontres d’Arles associent le Prix Découverte Louis Roederer à tous les lieux d’expositions : les galeries, les centres d’arts, les espaces associatifs, les lieux indépendants et les institutions, qui sont souvent les premiers à accompagner les artistes émergent·e·s.

Pendant la semaine d’ouverture, un jury décerne le Prix Découverte Louis Roederer qui récompense un·e artiste et la structure porteuse du projet à travers une acquisition d’un montant de 15 000 euros et le public décerne le Prix du Public à travers une acquisition d’un montant de 5 000 euros.

Cette année, les 11 projets retenus sont considérés comme une seule et même exposition, pensée, de la sélection à l’accrochage, par une commissaire, Sonia Voss. C’est dans un lieu emblématique du festival, l’église des Frères-Prêcheurs, qu’elle et la scénographe Amanda Antunes vont mettre en valeur la scène émergente, de manière innovante et éco-responsable.

Le choix des artistes retenus pour le Prix Découverte Louis Roederer répond cette année au désir d’une exposition collective dans laquelle un large spectre de propositions entre en résonance.

Les onze projets, sélectionnés parmi de nombreuses candidatures, rendent compte d’une volonté d’interroger et repenser les techniques et les genres et témoignent d’une préoccupation pour le corps, son ancrage dans le monde, autant que pour la matérialité et l’histoire de la photographie.

Photographes, vidéastes, plasticiens, archivistes, explorateurs d’outils numériques, ces artistes proposent des récits, personnels, collectifs ou transgénérationnels, réels ou fantasmés ; ils bousculent le médium par une mise en abyme de ses procédés, de ses canons et de ses gestes et le font déborder dans l’espace physique ou, a contrario, dans le virtuel.

Leur engagement et leurs perspectives sur leur environnement se traduisent tantôt par l’abstraction et l’invention de dispositifs, tantôt par le déploiement narratif, révélant une humanité à la fois mobile et sous tension.

Sonia Voss

Commissaire de l’exposition Sonia Voss.

Avec le soutien de la Fondation Louis Roederer et de Polka.

Exposition présentée à l’église des Frères-Prêcheurs

Massao Mascaro, série Sub Sole, 2017-2021. Avec l’aimable autorisation de l’artiste

LES 12 LIEUX D’EXPOSITION PROPOSANT UN PROJET

THE THIRD LINE DUBAÏ, ÉMIRATS ARABES UNIS

Fondée en 2005 par Sunny Rahbar, Claudia Cellini et Omar Ghobash, The Third Line est une galerie d’art basée à Dubaï qui représente des artistes contemporains locaux, régionaux et internationaux. The Third Line accueille par ailleurs des programmes alternatifs à but non lucratif afin d’accroître l’intérêt pour l’art et le dialogue dans la région.

HELENA ANRATHER NEW YORK, ÉTATS UNIS

Helena Anrather a ouvert ses portes dans le quartier chinois de New York en 2017. La galerie travaille avec une communauté d’artistes, des plus émergents aux plus établis, et s’engage à ajouter de nouvelles voix et perspectives à la pratique de l’art contemporain, offrant de premières expositions personnelles à de nombreux artistes.

ARTISTE PRÉSENTÉE : FARAH AL QASIMI

GALERIE FRANK ELBAZ PARIS, FRANCE

La galerie frank elbaz a ouvert ses portes en 2002 à Paris et présente chaque année des expositions consacrées à des artistes vivants, français et internationaux, ainsi qu’à des artistes historiques. En 2016, la galerie a inauguré un nouvel espace à Dallas, au Texas, renforçant par là son attachement à la scène américaine. En apportant son soutien à des artistes émergents, la galerie démontre enfin son intérêt constant pour la jeune création.

ARTISTE PRÉSENTÉE : KETUTA ALEXI-MESKHISHVILI

DISPLAY BERLIN, ALLEMAGNE

Display est un espace de pratiques artistiques et commissariales expérimentales créé en 2015 à Berlin. À travers de multiples collaborations, Display s’engage à réviser les systèmes d’images et les dispositifs, à explorer les relations entre les différents corps dans l’espace avec l’idée sous-jacente de « zone de contact ». Display a été récompensé par le prix des espaces d’art de la ville de Berlin en 2018 et 2020. Il est dirigé par Marie DuPasquier.

ARTISTE PRÉSENTÉE : MARIANA HAHN

LA MABA

NOGENT‑ SUR ‑ MARNE, FRANCE

La MABA est un centre d’art contemporain créé en 2006 à l’initiative de la Fondation des Artistes. Destinée à promouvoir et diffuser la création contemporaine, à encourager l’émergence de projets expérimentaux, elle organise trois expositions par an. Sa programmation privilégie deux médiums, la photographie et le graphisme, tout en s’intéressant à d’autres disciplines qui questionnent la relation au monde et à la société contemporaine, à l’histoire et à la mémoire, comme au territoire… pour construire un regard citoyen « éclairé ».

ARTISTE PRÉSENTÉE : ILANIT ILLOUZ

UNIVERSITÉ DES ARTS FOLKWANG

ESSEN, ALLEMAGNE

Depuis près d’un siècle, l’université des arts Folkwang à Essen est l’une des principales institutions académiques pour l’enseignement de la théorie et de la pratique de la photographie dans les pays germanophones. Son travail s’appuie sur deux lieux d’exposition différents : la Gallery 52, un espace artistique qui propose trois types de salles d’exposition (white cube, foyer et black box), et le bâtiment SANAA qui offre un espace pour les grandes installations et est utilisé deux fois par an.

ARTISTE PRÉSENTÉ : JONAS KAMM

AS-IS.LA

LOS ANGELES, ÉTATS UNIS

as-is.la s’intéresse à une cohorte d’artistes peu connus et sous-estimés qui ont travaillé à Los Angeles des années 1960 à nos jours ; l’intention est de perturber subtilement les récits familiers de l’histoire de l’art construits autour de jugements établis sur la qualité, l’influence et l’importance qui nous sont parvenus comme choses acquises. as-is.la est un projet de Mok Wai Wan en collaboration avec Tom Jimmerson.

ARTISTE PRÉSENTÉE : TARRAH KRAJNAK

FONDATION A STICHTING BRUXELLES, BELGIQUE

Créée à l’initiative d’Astrid Ullens de Schooten, la Fondation A Stichting ouvre ses portes à Bruxelles en 2012. Elle a pour vocation de soutenir la création, la connaissance et la conservation de l’image photographique. Son objectif consiste à explorer les enjeux et les contradictions de l’image-document afin de questionner ce monde du tout visuel que nous habitons. Depuis 2015, la Fondation A Stichting consacre également une exposition par saison à un jeune créateur.

ARTISTE PRÉSENTÉ : MASSAO MASCARO

GALERIE WEBBER LONDRES, ROYAUME UNI

La galerie Webber est un espace photographique contemporain au cœur de Fitzrovia à Londres, dédié à la célébration de la diversité du médium. Depuis 2014, le programme innovant d’expositions, de conférences d’artistes et de lancements de livres de la galerie a exploré des thèmes photographiques contemporains, allant de présentations solos d’œuvres narratives à des présentations de groupe expérimentales.

ARTISTE PRÉSENTÉ : ZORA J MURFF

THE PILL ISTANBUL, TURQUIE

Située dans une ancienne usine, The Pill est une galerie d’art contemporain. Fondée en 2016, elle opère comme une plateforme internationale et représente des artistes émergents, locaux et internationaux. Elle vise à créer un environnement fertile pour les pratiques contemporaines multidisciplinaires et à accroître la visibilité de la scène turque. Depuis sa création, elle a réussi à s’imposer comme l’un des acteurs les plus influents de la région en ancrant ses artistes dans des collections publiques et privées du monde entier.

ARTISTE PRÉSENTÉ : AYKAN SAFOĞLU

BERLINISCHE GALERIE – MUSÉE D’ART MODERNE DE BERLIN BERLIN, ALLEMAGNE

La Berlinische Galerie est unique en son genre : elle collecte, préserve et expose des œuvres d’art moderne et contemporain réalisées à Berlin. Sa collection est interdisciplinaire et comprend peinture, sculpture, dessins, photographie et architecture. Avec quelque 73 000 œuvres, la Berlinische Galerie possède l’une des plus importantes collections de photographies d’Allemagne, qui reflète l’évolution de ce médium.

ARTISTE PRÉSENTÉ : ANDRZEJ STEINBACH

GALERIE PRAGOVKA PRAGUE, RÉPUBLIQUE TCHÈQUE.

Au printemps 2016, la galerie Pragovka, un nouveau concept collaboratif, à but non lucratif et géré par des artistes, a été fondée dans une ancienne usine de la Prague industrielle. Sa mission est de créer une plateforme pour l’art contemporain, de servir d’incubateur créatif pour permettre un échange fructueux d’idées entre les communautés, et de proposer des activités culturelles au grand public – expositions, performances, conférences et ateliers.

ARTISTE PRÉSENTÉE : MARIE TOMANOVA

ARTISTE PRÉSENTÉE PAR THE THIRD LINE ET HELENA ANRATHER

FARAH AL QASIMI

MIRAGE DE LA VIE

Farah Al Qasimi

Née en 1991 à Abou Dabi, Émirats arabes unis. Vit et travaille à Dubaï, Émirats arabes unis et Brooklyn, États-Unis.

Étudiante en photographie et musique à l’université de Yale, Farah Al Qasimi obtient son master à la Yale School of Art en 2017. Au moyen de la photographie, de la vidéo et de la performance, elle examine les structures postcoloniales de pouvoir, de genre et de goût dans les États arabes du Golfe et intègre à sa pratique une dimension de critique sociale, à travers l’observation précise des environnements multiples dans lesquels elle travaille. Son actualité récente compte plusieurs expositions personnelles et collectives, notamment aux galeries Helena Anrather et The Third Line, ainsi qu’au MIT List Visual Arts Center (Cambridge, Massachusetts) et à la Sharjah Art Foundation (Dubaï).

Pour réussir un houmous parfaitement soyeux, il faut d’abord débarrasser chaque pois chiche de sa membrane. Ce rituel long et exigeant révèle le légume dans toute sa plénitude et sa glorieuse nudité. C’est avec cette métaphore que Al Qasimi nous invite à la question de l’intimité et de la séparation entre espaces privé et public, au centre de son travail. Avec humour et au moyen d’un usage subtil et audacieux des couleurs, elle nous conduit dans des intérieurs – le sien, entre autres –, typiques de la classe bourgeoise de son pays d’origine, les Émirats arabes unis. Les éléments de décoration traditionnels y côtoient les objets utilitaires modernes, l’usage familier se fond dans la représentation sociale, l’esthétique propre au golfe Persique se mêle à celle héritée du colonialisme.

Pour mettre en lumière cette hétérogénéité de goûts et de valeurs, l’artiste joue habilement avec les stéréotypes. Le résultat, hybride, saturé, à la fois joyeux et troublant, reflète les évolutions ultrarapides d’une toute jeune nation. La problématique culturelle, politique et religieuse de la visibilité des femmes, et plus généralement de la représentation des corps, est aussi au centre de ses photographies qui, par leur caractère suggestif et leurs cadrages sophistiqués, contournent le tabou de la figuration en s’attachant à des objets érotisés – linge féminin, vaporisateur de parfum, canapé portant la marque corporelle d’une présence récente – et mettent au premier plan les femmes, ainsi que leurs interactions sociales au sein des espaces qu’elles habitent.

S

et A au téléphone, série Mirage de la vie, 2020-2021. Avec l’aimable autorisation de The Third Line, Dubaï, et Helena Anrather, New York [pour toutes les photographies].

Membranes de pois chiches, série Mirage de la vie, 2020-2021.

Vaporisateur de parfum, série Mirage de la vie, 2020-2021.

ARTISTE PRÉSENTÉE PAR

LA GALERIE FRANK ELBAZ

KETUTA ALEXIMESKHISHVILI ORNEMENTS GÉORGIENS

Ketuta Alexi-Meskhishvili

Née en 1979 à Tbilissi, Géorgie.

Vit et travaille à Berlin, Allemagne.

D’origine géorgienne-américaine, Ketuta Alexi-Meskhishvili est diplômée en photographie du Bard College à New York, où elle a étudié auprès de Stephen Shore, AnMy Lê et Barbara Ess. Ses photographies, méticuleusement composées, sont réalisées sur des supports analogiques et résultent, dans de nombreux cas, de processus de modification manuelle ou numérique. Son approche expérimentale s’appuie sur une mise en abyme du médium photographique et des questions de représentation qui lui sont liées. Elle a récemment exposé à la galerie LC Queisser à Tbilissi (2020) et à la galerie frank elbaz à Paris (2019).

Familier et impersonnel tout à la fois, le sac plastique est au centre du plus récent travail de Ketuta Alexi-Meskhishvili. Fascinée par cet objet à la fois fragile et durablement polluant – ce « fossile du futur » selon l’artiste –, elle le collectionne depuis quelques années. En Géorgie, dont elle est originaire, certains de ces sacs à usage touristique portent des motifs ornementaux traditionnels, semblables à ceux que l’on trouve dans les églises byzantines. Alexi-Meskhishvili y voit une analogie avec son pays et la relation conflictuelle qu’il entretient avec sa propre histoire, entre ancrage nationaliste et religieux d’une part, valeurs progressistes et néo-libérales de l’autre ; entre carcans conservateurs et jeunesse libertaire.

Le rideau présenté ici est caractéristique de la méthode de l’artiste : issu d’un négatif 4 x 5 pouces auquel elle a apposé un sac plastique éclairé au doigt lumineux – accessoire en vogue chez les clubbeurs –, il est adapté à la nature et aux dimensions du site d’exposition. La matière translucide du textile et son drapé tombant renvoient à l’attachement de l’artiste pour les jeux de transparence et de lumière, ainsi qu’au motif de la fenêtre qui apparaît dans nombre de ses œuvres, tandis que les bords noirs rappellent l’analogie entre le rectangle de la photographie et la fenêtre qui s’ouvre sur le monde.

Portrait Albrecht Fuchs.

Vigne, série Ornements géorgiens, 2020-2021. Adagp,  Paris, 2021. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie frank elbaz, Paris  [pour toutes les photographies].

Soleils, série Ornements géorgiens, 2020-2021. Adagp, Paris, 2021.

ARTISTE PRÉSENTÉE PAR DISPLAY

MARIANA HAHN ÉROS ET THANATOS EURENT UN ENFANT

Mariana Hahn

Née en 1985 à Halle-en-Souabe, Allemagne. Vit et travaille à Paris, France.

Après des études d’art dramatique à l’ETI de Berlin, Mariana Hahn obtient son diplôme d’arts visuels à Central Saint Martins, Londres, en 2012. Sa pratique mêlant photographie, vidéo, écriture et installation est motivée par l’exploration de la relation entre le corps et la transmission de la mémoire et du savoir. Les cheveux, le sel et le cuivre font partie de ses recherches sur les matériaux et les modes de fabrication de l’image, les archives et les supports de la mémoire. Son travail a été présenté principalement en Allemagne (en particulier à Display en 2019) et en Chine.

Éros et Thanatos eurent un enfant est une installation mixte reflétant la diversité des techniques utilisées par l’artiste : photographie, film, sculpture, matières et objets travaillés de façon processuelle par fossilisation, pourrissement, corrosion. Prenant pour point de départ un moulage réalisé dans les fouilles de Pompéi, l’œuvre est comme un hommage à la photographie, art dont on a pu dire qu’il puisait son origine dans les premières traces de figures humaines. Le corps, enseveli il y a près de 2 000 ans, se présente à nous tel un instantané.

Le sel et le cuivre présents dans l’installation renvoient également à une histoire matérielle du médium, tandis que les images animées, obtenues à l’aide d’une caméra Super 8 débarrassée de son objectif, ont l’aspect granuleux des premières épreuves héliographiques, sur lesquelles la figure humaine n’est encore qu’un fantôme. C’est ici celui d’un pêcheur, tissant un filet avec lequel il entend recueillir les récits perdus en mer afin de les restituer aux vivants. Le son de deux morceaux de bois, frappés l’un contre l’autre à intervalles réguliers, donne la mesure du temps qui régit la vie et la mort : la mer engloutit et nourrit les hommes aussi bien que les récits ; le sel conserve et ronge à la fois ; le cuivre accueille les images tout en leur superposant celle de qui les regarde. Autant de supports de transmission qui relient les hommes à leur histoire et résonnent avec l’art de la mémoire et de la trace qu’est la photographie.

Portrait Philippe Chancel.

Sans titre, installation Eros et Thanatos eurent un enfant, 2020-2021. Photographie de Chroma.

Empreinte d’une jeune femme, installation Eros et Thanatos eurent un enfant, 2020-2021, diapositive, anonyme, non datée. Photographie de Philippe Chancel.

En bas Sans titre, installation Eros et Thanatos eurent un enfant, 2020-2021. Photographie de Philippe Chancel.

Photogramme du film It isn’t easy but it is, 2016, installation Eros et Thanatos eurent un enfant, 2020-2021.

ARTISTE PRÉSENTÉE PAR LA MABA

ILANIT ILLOUZ

WADI QELT, DANS LA CLARTÉ DES PIERRES

Ilanit Illouz

Née en 1977 à Paris, France.

Vit et travaille à Paris.

Diplômée de l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy en 2005, Ilanit Illouz a développé une pratique basée sur des processus de reproductions photographiques et mécaniques, parfois inédits. Son travail est traversé par la question du récit, toujours appréhendé par le biais du hors-champ ou de l’ellipse, et s’appuie sur l’arpentage, l’enquête, l’observation, techniques dans lesquelles la mémoire est physiquement mise à l’épreuve. Elle a récemment exposé à l’Institut pour la photographie de Lille et au CRP/centre régional de la Photographie Hauts-de-France et prépare actuellement sa première monographie, à paraître chez EYD Paris.

Wadi Qelt, dans la clarté des pierres s’appuie sur une recherche au long cours autour des éléments naturels et propose une étude photographique expérimentale de la vallée éponyme, située dans le désert de Judée entre Jérusalem et Jéricho, à proximité de la mer Morte. Ce territoire porteur de récits immémoriaux, marqué par les tensions politiques, menacé par l’exploitation des ressources, est aussi lié pour l’artiste à l’histoire de la photographie ; il recèle le fameux bitume de Judée qui, au début du xixe siècle, servit d’enduit photosensible aux premières reproductions par contact réalisées par Nicéphore Niépce. L’assèchement dramatique du lac a transformé la région en une zone lunaire, rongée par le sel. Celui-ci, ramassé à même le sol du désert, est ensuite utilisé par l’artiste dans son atelier pour fossiliser ses tirages et leur conférer une qualité sculpturale. À la fois image et composant structurel, il fait scintiller l’œuvre en même temps qu’il la fige, rappelle le caractère vivant de la matière minérale aussi bien que sa beauté hiératique, suggère un paysage à contempler et un écosystème menacé. La marche et la collecte sont également au cœur de la pratique photographique de l’artiste. Elles posent la question du regard qui cadre le paysage, de la main qui prélève le fragment, du pied qui foule le sol : autant de gestes et de mesures humaines qui déterminent la relation de l’homme et de l’artiste au territoire et à sa représentation.

Portrait Vincent Thomasset.

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Wadi, série Les Dolines, 2016-2021. Avec l’aimable autorisation de l’artiste [pour toutes les photographies].

En haut

Poser, Désert de Judée, bois et palme, série Les Dolines, 2016-2021.

En bas

Poser, Désert de Judée, brindille cristallisée et asphalte, série Les Dolines, 2016-2021.

ARTISTE PRÉSENTÉ PAR L’UNIVERSITÉ DES ARTS FOLKWANG

JONAS KAMM

LES HABITANTS

Jonas Kamm

Né en 1990 à Bad Reichenhall, Allemagne. Vit et travaille à Berlin, Allemagne.

Jonas Kamm obtient son diplôme de photographie à l’université des Arts de Folkwang à Essen en 2020. Son travail évolue à l’intersection de la sculpture et de la peinture, de l’informatique et de la photographie, ainsi que de diverses stratégies picturales traditionnelles et contemporaines, et questionne nos grilles culturelles de réception. À l’aide d’effets spéciaux numériques, il crée un univers d’images et de situations dans lequel objets et espaces se rencontrent, créant des micro-récits énigmatiques dont la signification reste suspendue.

La série Les Habitants résulte d’un processus de production hybride, à la croisée de l’architecture, de la sculpture et de la photographie. Ces images – des rendus bidimensionnels issus de l’espace virtuel 3D – prennent naissance dans un espace initialement modélisé par l’artiste au moyen d’un logiciel informatique. Kamm sculpte ensuite des figures à l’aide d’outils virtuels et d’une texture qu’il a d’abord « prélevée » photographiquement dans son environnement physique. Une fois les figures réalisées, le programme, imitant les outils de la photographie, permet à l’artiste de choisir un angle et, parmi un spectre de possibilités quasi illimité, de régler ses sources lumineuses, sa focale, son ouverture, etc. Néanmoins, à la différence de la photographie qui nécessite toujours la présence d’un référent physique, nous assistons ici à l’émergence d’une forme tirée du néant, générée à la fois par la main de l’artiste et l’ordinateur, mais aussi par le hasard.

Les figures de Kamm, vaguement anthropomorphiques, sont comme des médiateurs flottant entre monde réel et monde dématérialisé. La granularité de leur surface minérale, qui évoque la pierre et le crépi mais trahit par certains détails le traitement informatique dont elle a fait l’objet, renvoie à un temps archaïque – à l’instar des objets tirés de son Archéologie paramétrique –en même temps qu’elle révèle l’hypertechnicité qui les a rendues possibles. La réduction qui caractérise ces images, l’indécidabilité de leur statut font d’elles les vecteurs de récits non formés, les porteurs d’un sens potentiel mais encore imprécis, mystérieux, ouvrant un espace que nous sommes invités à remplir.

Portrait Damian Rosellen.

Série Les Habitants, 2020. Avec l’aimable autorisation de l’artiste [pour toutes les photographies].

ARTISTE PRÉSENTÉE PAR LA GALERIE AS-IS.LA

TARRAH KRAJNAK

RITUELS DE MAÎTRES II : LES NUS DE WESTON

Tarrah Krajnak

Née en 1979 à Lima, Pérou. Vit et travaille à Los Angeles, États-Unis.

Tarrah Krajnak est diplômée du master de photographie de l’université de Notre-Dame. Elle est lauréate du programme de bourse de la Harpo Foundation en 2018 et du prix 2020

Dorothea Lange-Paul Taylor (Center for Documentary Studies, Duke University).

Son travail met en jeu divers matériaux historiques, renvoyant à la réalité socio-politique de Lima à la fin des années 1970 comme au legs des canons modernistes dans l’histoire de la photographie. Elle prépare actuellement une exposition personnelle à la galerie as-is, prévue pour l’automne 2021, ainsi que sa première monographie chez Dais Books. Krajnak est par ailleurs professeure d’art associée au Pitzer College à Claremont, Californie.

Le travail de Tarrah Krajnak se réfère étroitement à l’histoire de la photographie d’une part et à l’identité féminine et latino-américaine de l’autre. Dans la lignée de son premier hommage critique à Ansel Adams, elle propose ici un deuxième volet, consacré à un autre « maître » nord-américain, Edward Weston, dont elle reconstitue les fameux Nus (réalisés à partir de 1927 et réunis sous forme d’ouvrage en 1977). Elle y prend la place des modèles Bertha Wardell et Charis Wilson.

Tout en reproduisant les poses de ces dernières, elle se met en scène comme auteure des photographies, déclencheur à distance en main.

Rétablissant à l’image ce que Weston a laissé hors champ – certaines portions de corps et surtout les visages, dont l’oblitération tend à faire oublier l’identité des deux femmes et leur participation au processus de création – ou mettant en évidence les choix de cadrage – d’exclusion – de Weston au moyen de simples panneaux de bois, Krajnak rejoue un chapitre significatif de l’histoire de la photographie en la recentrant sur le rôle du modèle féminin. Mais au-delà, ce sont aussi les canons féminins créés et véhiculés par la photographie qui sont mis en cause : un idéal blanc, façonné par des figures tutélaires masculines. Par son acte performatif et photographique, Krajnak affirme son identité latino-américaine et son corps de couleur et établit par sa présence et son geste de reconstruction de l’image un dialogue avec son prédécesseur, Weston, aussi bien qu’avec le regardeur contemporain.

Portrait Autoportrait de Tarrah Krajnak.

Autoportrait en Weston/en Bertha Wardell, 1927/2020, série Rituels de maîtres II : les Nus de Weston, 2020. Avec l’aimable autorisation de l’artiste [pour toutes les photographies].

Pages suivantes Autoportrait en Weston/en Charis Wilson, 1936/2020, série Rituels de maîtres II : les Nus de Weston, 2020.

ARTISTE PRÉSENTÉ PAR

LA FONDATION A STICHTING

MASSAO MASCARO SUB

SOLE

Massao Mascaro

Né en 1990 à Lille, France. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique.

Après des études à l’ESA Le Septante-Cinq à Bruxelles, Massao Mascaro est diplômé en photographie à l’école Blank Paper (maintenant Dynamo Visual Lab) à Madrid en 2016. À la croisée de l’autobiographie, de la topographie et de la politique, son œuvre gravite autour des lieux et de la notion de territoire : la Calabre de ses ancêtres (Ramo), les rues et parcs de Madrid ( Jardin), les côtes méditerranéennes (Sub Sole). Il s’apprête à publier Sub Sole aux éditions Chose Commune.

Sub Sole (du latin : sous le soleil) est un travail photographique mené de 2017 à 2020 autour de la mer Méditerranée en suivant l’itinéraire mythologique du voyage d’Ulysse : Ceuta, Naples, Athènes, Palerme, Istanbul, Tunis et Lampedusa. Carrefour de cultures, berceau de mythes fondateurs, la région méditerranéenne est, aujourd’hui plus que jamais, marquée par les migrations, l’exil et le déplacement. Au fil de sept voyages et de nombreuses rencontres de hasard, Mascaro va au-devant de la jeunesse qui habite et traverse cette région. Les récits littéraires qui ont nourri l’artiste sont les compagnons invisibles des photographies. Elles imprègnent de leurs sources anciennes les images contemporaines. Fragments de gestes, traces infimes, brèves rencontres entrent en résonance avec la vastitude de la mer qui n’est jamais loin et dont le va-et-vient des vagues relie le passé au présent, amplifie de sa puissance les échos de chaque mouvement, de chaque présence, puis les fait refluer, les rendant à leur fragile solitude. Enjeux politiques, économiques, existentiels, poétiques se croisent sous le soleil ; sous la lumière dure et chaude de la Méditerranée qui imprime son rythme aux vies humaines.

Portrait Jade Varidel.

Série Sub Sole, 2017-2021. Avec l’aimable autorisation de l’artiste [pour toutes les photographies].

ARTISTE PRÉSENTÉ PAR LA GALERIE WEBBER

ZORA J MURFF

EN AUCUN POINT INTERMÉDIAIRE

Zora J Murff

Né en 1987 à Des Moines, États-Unis. Vit et travaille à Fayetteville, États-Unis.

Zora J Murff est diplômé en arts visuels à l’université de Nebraska-Lincoln et en psychologie à l’université d’État d’Iowa. Sa pratique photographique met en lumière les intersections entre l’art et divers systèmes sociaux. Murff est également co-commissaire du collectif Strange Fire, un groupe interdisciplinaire d’artistes, écrivains et commissaires d’exposition, et professeur assistant à l’université d’Arkansas. En aucun point intermédiaire a fait l’objet d’une monographie en édition limitée récemment publiée chez Dais Books et a remporté le prix du livre photographique de la Lucie Foundation dans la catégorie de l’édition indépendante.

En aucun point intermédiaire prend pour sujet le quartier noir de North Omaha, dans le Nebraska ; associant portraits de ses habitants et paysages urbains, la série évoque un environnement social profondément déterminé par les successives politiques racistes et l’injustice qui y règne de longue date. Murff, lui-même collectionneur de photographies et d’artefacts, met ses propres prises de vue en relation avec des images trouvées et fait ainsi apparaître la continuité qui lie le cadre de vie de ses ancêtres aux structures régissant les existences de ses contemporains.

Mêlant enquête humaine et topographique d’une part, travail d’analyse d’archives de l’autre, Murff met l’accent sur l’enchevêtrement complexe des violences qui ciblent la communauté noire de la ville : celle des crimes les plus odieux, tels le lynchage de Will Brown (1919), l’assassinat de Vivian Strong (1969) ou les récentes violences policières dont les vidéos ont largement circulé sur les réseaux sociaux ; mais aussi celle, systémique, des décisions gouvernementales aux effets sournois non moins dévastateurs, menant à l’exclusion sociale et économique, comme la ghettoïsation programmée du quartier par les politiques d’urbanisme. Les corps et les lieux qu’ils habitent portent tous deux les stigmates du racisme qui, aujourd’hui encore, participe de façon dominante de la condition noire aux États-Unis.

Intersection, série En aucun point intermédiaire, 2019. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Webber, Londres [pour toutes les photographies].

ARTISTE PRÉSENTÉ PAR THE PILL

AYKAN SAFOĞLU

SIRIUS SE COUCHE

Aykan Safoğlu

Né en 1984 à Istanbul, Turquie. Vit et travaille à Berlin, Allemagne et Vienne, Autriche.

Aykan Safoğlu est diplômé du master « Art in Context » de l’université des Arts de Berlin, ainsi que du master de photographie de la Milton Avery Graduate School of the Arts (Bard College, New York). Il poursuit à l’heure actuelle un doctorat à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne. À travers son travail qui associe divers médiums – film, photographie, performance –, il explore les questions des identités culturelles, des liens de parenté et de la créativité. Outre sa dernière exposition personnelle à la galerie The Pill à Istanbul (2020), il a récemment participé à la Biennale d’Art Contemporain de Berlin (2020) et à la Biennale d’Art Contemporain Sesc_Videobrasil, São Paulo (2019).

Tout commence avec la chute d’un arbre, une nuit, sous la fenêtre de l’artiste. À partir de cet événement et du souvenir déclencheur de vacances estivales passées avec ses parents sur l’île d’Imbros, l’artiste déroule le récit de sa propre expérience du déracinement. Turc, éduqué au lycée allemand d’Istanbul, celui-ci s’est exilé à Berlin au moment de ses études, suivant les traces de ses tantes et de son oncle ; l’absence de ce dernier, mort en Allemagne, étant associée pour la famille à un souvenir douloureux. Les études au lycée allemand, censées déboucher sur une vie meilleure, mettent au jour le déchirement entre deux cultures, deux pays dont l’actuelle relation complexe ne peut être séparée de celle qui a existé entre l’Europe et l’Empire ottoman avant la Première Guerre mondiale. La Prusse avait alors financé l’armée ottomane, créant les conditions d’une dépendance politique et économique qui, de l’enrôlement de jeunes soldats turcs sous le drapeau prussien aux générations successives de travailleurs immigrés en Allemagne, ne s’est jamais dénouée. Les sentiments de culpabilité et d’humiliation, inséparables de l’expérience du jeune lycéen, en constituent le legs.

Le récit intime, celui d’une réconciliation familiale et personnelle, s’appuie sur des archives photographiques personnelles, matériau de prédilection de Safoğlu, dont le travail repose sur le maniement d’images existantes, le palimpseste, la mise en relation avec l’oralité. Ici les photographies semblent être passées à la broyeuse. Leur trame reconstituée, elles défilent comme sur un tapis roulant évoquant une route, rythmées par les pas de l’artiste qui en accompagnent le mouvement narratif.

Photogrammes tirés du film Sirius se couche . Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de The Pill, Istanbul [pour toutes les photographies].

ARTISTE PRÉSENTÉ PAR LA BERLINISCHE GALERIE – MUSÉE D’ART MODERNE DE BERLIN

ANDRZEJ STEINBACH

L’APPAREIL

Andrzej Steinbach

Né en 1983 à Czarnków, Pologne. Vit et travaille à Berlin, Allemagne.

Andrzej Steinbach obtient en 2013 son diplôme de photographie à l’Académie des Beaux-Arts de Leipzig, où il étudie également plus tard auprès de la photographe allemande Heidi Specker. Il est récipiendaire du prix fédéral de Bonn pour les étudiants en art (2017-2018). Son travail questionne les conventions du portrait photographique, ainsi que nos grilles de lecture, la variabilité des apparences et la façon dont signes et gestes sont décryptés. Outre sa participation à plusieurs expositions collectives internationales, il a exposé dernièrement au Fructa Space à Munich. Chacun des volets de sa série de portraits a fait l’objet d’une publication chez Spector Books.

Troisième volet d’une série de portraits s’attachant aux questions de la représentation et de notre perception du modèle photographique, L’Appareil met en scène la figure d’une – ou d’un – photographe en pleine action. La neutralité sexuelle du modèle l’assimile à l’appareil photographique, dont il est comme une continuité : l’appareil du titre est tout autant l’objet mécanique que le corps qui le fait fonctionner et le met en mouvement. Le regard et le corps sont interconnectés. Reproduisant une situation de casting ou d’observation scientifique, Steinbach fait simuler au modèle diverses stratégies photographiques, gestuelles et attitudes, crée des variations à l’aide d’un jeu réduit d’accessoires, tout en laissant systématiquement hors champ l’action ou l’objet vers lequel l’appareil est dirigé. S’agit-il d’une scène de guerre, d’une manifestation ? L’habillement du modèle indique une tension certaine – gilet pare-balles, casque à visière, etc. Si les clichés renvoient à des usages très codés de la photographie et, en creux, à des genres précis, ils rappellent aussi le processus à l’œuvre dans leur fabrication, généralement effacé par l’image elle-même. Si chaque photographie met en jeu une panoplie de codes et de pratiques hérités et reproduits – tout un appareil en somme –, elle nécessite aussi un engagement. Le flux continu et démesuré des images dans notre monde contemporain menace de conduire à l’ignorance, voire au mépris, des corps investis dans leur production – Steinbach leur donne ici le rôle principal.

Portrait Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Série L’Appareil, 2019. Avec l’aimable autorisation de la galerie Conradi, Hambourg [pour toutes les photographies].

ARTISTE PRÉSENTÉE PAR LA GALERIE PRAGOVKA

MARIE TOMANOVA

CE FUT JADIS MON UNIVERS

Marie Tomanova

Née en 1984 à Valtice, République tchèque. Vit et travaille à New York, États-Unis.

Originaire de Moravie du Sud à la frontière de la République tchèque et de l’Autriche, Marie Tomanova rejoint les États-Unis en 2011, après avoir obtenu un master de peinture à la faculté des Beaux-Arts de l’université de Technologie de Brno. Elle se tourne alors vers la photographie et commence à explorer les thèmes du déplacement, de l’identité et de la mémoire. Sa série Young American, regroupant des portraits de la jeune scène artistique new-yorkaise, a fait l’objet en 2019 d’une exposition à la galerie Pragovka et d’une publication chez Paradigm Publishing. Son deuxième ouvrage, New York New York, va paraître chez Hatje Cantz.

Ce fut jadis mon univers est le récit autobiographique d’un retour au pays natal après une décennie d’absence. Revenue de New York à Mikulov, village tchèque de Moravie-du-Sud, et à la ferme familiale, Tomanova documente ses retrouvailles avec ses proches. Pourtant l’inquiétante étrangeté domine. La maison regrettée, remémorée, fantasmée – refuge imaginaire dans les difficiles moments de l’exil – est devenue un cadre insolite, disloqué, dans lequel elle ne trouve plus sa place. Les sentiments de désorientation et de perte d’identité, étroitement liés au déracinement, sont éprouvés de façon plus conflictuelle encore lorsqu’ils marquent comme ici le retour tant attendu « chez soi ».

La série prolonge l’exploration du genre de l’autoportrait cher à l’artiste. Mais celle-ci emprunte par ailleurs les chemins retrouvés de l’enfance, nimbés d’une lumière magique ; ressort des placards les vêtements oubliés comme autant d’anciennes mues ; s’arrête sur les objets et les animaux domestiques, devenus étrangers voire fantastiques. Le timbre dateur de l’appareil photographique renvoie au temps, celui de la prise de vue qui, dans sa précision, s’oppose au temps confus du souvenir. Tel le héros de Brigadoon, l’artiste est prise dans un anachronisme, un décalage subtil et puissant entre nostalgie et expérience vécue. Car la vie se poursuit, avec ses seuils nouveaux et ses perspectives fragiles de bonheur. Et le portail du domaine se referme sur les secrets enneigés de l’enfance. Était-ce seulement un rêve ?

Avec le soutien du Centre tchèque de Paris, de Fotonova et de la ville de Mikulov.

Portrait Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Le manteau de ma mère, série Ce fut jadis mon univers, 2018-2019. Avec l’aimable autorisation de l’artiste [pour toutes les photographies].

En haut

Mes cheveux, les cheveux de ma sœur, série Ce fut jadis mon univers, 2018-2019.

En bas

Sans titre, série Ce fut jadis mon univers, 2018-2019.

En haut

Nouveaux mariés, série Ce fut jadis mon univers, 2018-2019.

En bas

Sans titre, série Ce fut jadis mon univers, 2018-2019.

ATLAS

Pieter Hugo, Sans titre , San Francisco, 2014, série  Californian Wildflowers .

THAWRA ! RÉVOLUTION !

SOUDAN, HISTOIRE D’UN SOULÈVEMENT

Ahmed Ano (1993), Suha Barakat (1986), Saad Eltinay (1995), Eythar Gubara (1988), Metche Jaafar (1998), Hind Meddeb (1978), Duha Mohammed (1993), Ula Osman (1998), Muhammad Salah (1993)

Après trente ans de dictature religieuse et militaire et des années de guerre civile, le 11 avril 2019, les Soudanais ont entraîné la chute d’Omar el-Bechir, l’homme qui leur avait imposé un règne sans partage depuis son coup d’État en 1989.

Le soulèvement populaire soudanais débute en décembre 2018. Malgré le risque de se faire arrêter et torturer par la police politique du régime, pendant cinq mois, les Soudanais descendent par milliers dans la rue.

Portée par le désir de documenter la résistance et la répression, une nouvelle génération de photographes se distingue. Ils ont entre 19 et 30 ans, diffusent leurs images sur les réseaux sociaux, et sont à la fois acteurs et observateurs de ce moment historique. De cette scène émergente, l’exposition montre le travail de huit photographes. Bravant tous les dangers, ils sont les témoins des différentes étapes du soulèvement : des premières manifestations contre le régime jusqu’à l’émergence d’un immense sit-in démocratique qui s’étend sur plusieurs kilomètres carrés à Khartoum. Pour la première fois depuis trente ans, les Soudanais venus de toutes les régions du pays et issus de toutes les tendances politiques débattent ensemble, unis autour de leur rêve de liberté. Suite à ces échanges, on assiste à l’explosion d’une scène artistique. Cette ville dans la ville, les Soudanais la baptisent Al Qiyadah (le commandement) car ils l’ont établie le long du quartier général des forces armées ; ils l’appellent aussi midan al-itissam, la « place de l’attente », car ils ont décidé qu’ils n’en bougeraient pas avant d’avoir obtenu le transfert du pouvoir aux civils. Leur slogan : taskut bas (« dégage, c’est tout »).

Le 3 juin 2019, le sit-in est brutalement démantelé par la junte militaire. Après plusieurs semaines de terreur, des centaines de milliers de personnes redescendent dans la rue pour demander justice. À force de persévérance, le peuple soudanais arrache aux militaires l’instauration d’un gouvernement citoyen. De cette période de transition fragile, la cinéaste Hind Meddeb documente les étapes, aux côtés d’une jeunesse prête à défier les forces militaires et religieuses.

Commissaires de l’exposition Juliette Agnel et Duha Mohammed.

Textes Hind Meddeb.

Tirages Janvier, Paris.

Collages Deuxième Œil, Paris.

Encadrements Circad, Paris.

Exposition présentée dans le cadre de la Saison Africa2020, avec le soutien de son comité des mécènes.

Avec le soutien de l’Institut français régional du Soudan, Hahnemühle FineArt, et la VII Académie.

Exposition présentée à l’église des Trinitaires.

Metche Jaafar. Une jeune fille regarde si la route est dégagée par la police et les services secrets afin que les manifestants puissent quitter sa maison en toute sécurité. El-Abaseya, Omdurman, février 2019.

Muhammad Salah. Halima Ishaq, militante sociopolitique, prononce un discours sur le Darfour et la justice transitionnelle lors du sit-in du quartier général de l’armée, Khartoum, 19 avril 2019.

Ahmed Ano. Des civils escaladent d’énormes panneaux publicitaires pour crier « liberté, paix et justice ». Sit-in, quartier général militaire, Khartoum, 19 avril 2019.

Saad

Eltinay. Pendant le sit-in, des manifestants dorment dans la mosquée de l’université de Khartoum, photo prise après minuit, fin avril. Les dirigeants de cette mosquée soutenaient le régime précédent et les étudiants progouvernement. Utilisée pour y cacher des armes blanches, elle était le lieu d’affrontements avec des étudiants protestataires.

PIETER HUGO ÊTRE PRÉSENT

Pieter Hugo

Né en 1976 à Johannesburg, Afrique du Sud. Vit et travaille au Cap, Afrique du Sud.

D’importantes expositions personnelles de Pieter Hugo ont eu lieu au musée Berardo, au musée de Wolfsbourg, au musée de la photographie de La Haye, au musée de l’Élysée, au musée Ludwig, au Fotografiska, au MAXXI et à l’Institut d’art moderne de Brisbane, entre autres. Hugo a participé à de nombreuses expositions collectives dans des institutions telles que Huis Marseille, le musée national d’Art moderne et contemporain de Séoul, la Barbican Art Gallery, le Rijksmuseum, la Tate Modern, le musée Folkwang et la Biennale de São Paulo. Son travail est représenté dans des collections publiques et privées majeures.

Être présent rassemble plus de 100 portraits en buste réalisés par Pieter Hugo depuis le début des années 2000, offrant un large aperçu de l’engagement de l’artiste dans cette tradition particulière du portrait.

Les photographies sélectionnées abordent les lexiques de la criminologie, de la surveillance et des typologies tout en gardant au cœur un fort humanisme.

Selon les mots d’Hugo : « Mon travail porte sur le fait d’être un étranger : j’ai l’impression d’habiter moi-même cet espace et d’adopter cette notion afin de m’engager avec les personnes que je photographie. Je commence presque toujours mon travail en me présentant : je regarde, et on me regarde en retour. Quand on crée un portrait, le cynisme disparaît pendant un bref instant. Il y a de la beauté à être tenu dans le regard de l’autre. »

Une intimité émerge de cette présence, et ce qui ressort de ces images est un moment d’immobilité et de connexion séparé de tout ce qui s’est passé avant ou après. Il s’agit d’une collision silencieuse entre les attentes du photographe et celles du modèle, un instant lors duquel le regard d’Hugo lui est rendu. Le résultat est souvent inattendu et poursuit son propre voyage quand le spectateur remplace le photographe dans cette dynamique.

L’effet de ce moment se répercute sur l’image : on est toujours regardé, et le point culminant devient un nouveau point de départ. Selon Hugo : « La rencontre entre le photographe et le modèle devient l’image ; cependant, la photographie vit alors de nombreuses vies dans les yeux de ses spectateurs. »

Commissaire de l’exposition

Federica Angelucci.

Tirages

Magnus Opus, Le Cap.

Collages et encadrements

Anton, Le Cap.

Exposition présentée dans le cadre de la Saison Africa2020.

Avec le soutien de la galerie Stevenson, Le Cap.

Exposition présentée au palais de l’Archevêché.

Portrait Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

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Shaun Oliver, Le Cap, 2011, série Kin Avec l’aimable autorisation de l’artiste [pour toutes les photographies].

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Alexandra, Londres, 2020, série Solus

André Hugo, Nature’s Valley, Afrique du Sud, 2020.

Mimi Afrika, Wheatland Farm, Graaff-Reinet, 2013, série Kin

STÉPHAN GLADIEU

RÉPUBLIQUE POPULAIRE DÉMOCRATIQUE DE CORÉE, PORTRAITS

Stéphan Gladieu

Né en 1969 à Bagneux, France.

Vit et travaille à Boulogne-Billancourt, France.

Stéphan Gladieu a commencé sa carrière en 1989 en couvrant les conflits et les questions sociales à travers l’Europe, l’Asie centrale et le Proche-Orient. Reporter à ses débuts, il a très vite enrichi son écriture photographique en recourant au portrait pour témoigner de la condition humaine dans le monde. Aujourd’hui, il continue de collaborer avec des magazines internationaux, mais se concentre principalement sur son travail personnel et artistique qui joue sur le caractère iconique de l’image frontale et sur la frontière entre le réel et l’irréel. Ses dernières séries ont été réalisées en Asie et en Afrique.

La Corée du Nord a toujours été une énigme pour moi. Comment se fait-il qu’elle n’ait jamais vacillé alors que tant d’autres régimes autoritaires se sont disloqués sous l’effet des secousses provoquées par la chute du mur de Berlin, de la modernité, des réseaux sociaux ? Elle a survécu au bloc communiste qui assurait pourtant sa stabilité politique et économique ; elle a tenu bon malgré les embargos internationaux qui la faisaient suffoquer ; elle a dépassé les crises successives, qu’elles soient économiques, climatiques ou alimentaires ; elle n’a connu aucun soulèvement massif de son peuple en dépit d’un système de contrôle et de répression permanent. Toutes ces questions n’ont fait que renforcer mon désir de comprendre de quel métal inoxydable est modelé ce peuple. Le portrait s’est imposé pour ce projet. J’avais en référence le travail du photographe allemand August Sander dont le projet Hommes du xxe siècle détaille scrupuleusement la société allemande à travers des portraits d’individus. Sander les saisit dans la frontalité la plus crue, comme un cadre anthropologique de référence avec lumière constante, vue frontale et regard direct. Le cadre varie peu, le modèle s’installe dans son espace, soigne son apparence. Le photographe ne cherchera jamais à le surprendre. August Sander mélange ainsi photographie documentaire et pratique artistique à travers ce « portrait-miroir » que j’affectionne particulièrement.

Les autorités nord-coréennes ont été déroutées par ma proposition de réaliser des portraits individuels. Ma démarche « révolutionnaire » bousculait leur culture collectiviste. Pourquoi ont-elles accepté ? Dans une volonté d’ouverture, sans doute, mais aussi, je crois, parce que le concept de pose frontale, le cadre rigoureux de mes portraits leur était familier et compréhensible ; et puis le dispositif, qui flirte volontairement avec les codes de l’image de propagande, me rendait statique, prévisible et contrôlable.

Mon autre défi était celui de ma liberté d’expression artistique dans le cadre contrôlé qui me serait imposé. Et c’est en surjouant mon dispositif de studio de rue que je me suis offert cette liberté d’expression.

Avec le soutien de la School Gallery, Paris. Exposition présentée au Jardin d’été.

Portraits de Nord-Coréens, Corée du Nord, Pyongyang, octobre 2017. Kim Un Ju et Ri Sol Hwa à l’hôpital ophtalmologique de Ryugyong. Avec l’aimable autorisation de School Gallery / Olivier Castaing [pour toutes les photographies].

Portraits de Nord-Coréens, Corée du Nord, Pyongyang, juin 2018. Kim Yun Gyong, Han Sol Gyong, Kim Won Gyong, Kang Sun Hwa et Kong Su Hyang au cinéma 3D du SCI Tech Complex.

Portraits de Nord-Coréens, Corée du Nord, Pyongyang, juin 2017. Le dimanche au printemps ou pendant les vacances, les familles de Pyongyang aiment pique-niquer dans le parc Mansudae.

Portraits de Nord-Coréens, Corée du Nord, Pyongyang, juin 2017. Une famille pose dans le zoo central de Pyongyang.

ANTON KUSTERS

BLUE SKIES

ANTON KUSTERS

Né en 1974 à Hasselt, Belgique. Vit et travaille en Belgique et à Tokyo, Japon.

Anton Kusters est un artiste visuel multidisciplinaire dont le travail explore les difficultés à représenter le trauma, la perte de l’expérience des lieux et les actes de commémoration. Il est titulaire d’un master en Sciences politiques obtenu à l’Université catholique de Louvain. En 2019, The Blue Skies Project, son installation multimédia créée sur un temps long au travers de plusieurs plateformes, a rejoint le United States Holocaust Memorial Museum. Son travail fait partie des collections publiques du V&A Museum (Londres), de l’ICP Museum (New York) et du FOMU (Anvers). En 2020, il a été finaliste du Prix de photographie de de la Deutsche Börse Foundation. Il poursuit des recherches sur l’importance du spectateur et de la position de sujet.

The Blue Skies Project évoque la représentation mentale d’un traumatisme et s’interroge sur la manière dont un souvenir peut être conservé avant de sombrer dans l’oubli. À mesure que les réminiscences et les expériences directes d’un traumatisme se fanent, les témoignages deviennent irrémédiablement associés aux données factuelles, photographies historiques, adaptations, documents contrefaits et informations mensongères emblématiques de notre époque numérique post-vérité, alimentant ainsi une mémoire archivistique collective. Exposer la fragilité de cette mémoire dans toute sa complexité transforme la quête consistant à appréhender un événement passé en acte de réflexion.

Six ans durant, Kusters a exploré l’ancien Troisième Reich, parcourant 177 828 km pour capter le ciel bleu surplombant chacun des 1 078 camps de concentration nazis répertoriés. À ce jour, de nombreux sites demeurent inconnus. Afin de localiser chacun d’eux et de s’assurer que le ciel au-dessus était bleu, Kusters consultait un GPS et des images satellite infrarouge en temps réel, gravant les coordonnées du camp et le nombre estimé de victimes sur ses images.

Pour mener ses recherches détaillées, Kusters s’est servi des sept volumes de l’Encyclopédie des camps et des ghettos 1933-1945 publiée par le musée mémorial de l’Holocauste des États-Unis. Le projet est chargé d’une grande quantité de données numériques et l’installation évoque la mémoire de chaque victime par le biais d’une œuvre audiovisuelle générée par ordinateur par Ruben Samama. D’une durée de presque treize ans – le temps qui s’est écoulé entre l’ouverture du premier camp et la fermeture du dernier –, l’œuvre entre en dialogue avec les Polaroid exposés. L’œuvre de Samama génère une note par victime, avec une variation de ton selon le camp dans lequel cette dernière était enfermée.

Les ciels bleus finiront par s’effacer, cependant leur nombre demeurera. Tenter de saisir un souvenir dans sa totalité ne permet pas forcément de le comprendre. L’installation ouvre un espace de réflexion autour du hiatus entre la spécificité circonstanciée du Polaroid et sa trace abstraite, les ciels bleus au-dessus des camps.

sonore Ruben Samama.

Kirchham près de Pocking | 0000496 | 48.363448, 13.282170 (EX), série The Blue Skies Project. FP-100C film instantané. Adagp, Paris, 2021. [pour toutes les photographies].

En haut

Taucha | 0001261 | 51.377620, 12.477593 (EX), série  The Blue Skies Project

En bas

Auschwitz II - Birkenau | 1471595 (est.) | 50.034568, 19.181185 (EX), série The Blue Skies Project

En haut

Aurigny (îles Anglo-Normandes) (SS-BB I) | 0000700 (est.) | 49.704799, -2.218568 (EX), série The Blue Skies Project

En bas

Danzig (Schulemann) | 0000025 | 54.349522, 18.641100 (AP), série The Blue Skies Project

CHOW ET LIN

SEUIL DE PAUVRETÉ

Chow et Lin

Stefen Chow, né en 1980 à Kuala Lumpur, Malaisie. Huiyi Lin, née en 1980 à Singapour. Vivent et travaillent à Pékin, Chine.

Le duo est formé de Stefen Chow, artiste spécialisé dans les arts visuels, et Huiyi Lin, économiste diplômée de l’université Tsinghua et du programme international de MBA de la MIT Sloan School. La pratique de Chow et Lin est axée sur une méthodologie des techniques statistiques, mathématiques et informatiques, à travers laquelle les artistes examinent les principaux enjeux mondiaux depuis 2009. Adoptant une approche photographique et typologique, leurs projets s’inspirent des contextes discursifs de l’économie, des politiques publiques et des médias. Les travaux du binôme ont été pris pour référence par la Banque mondiale et présentés dans le cadre des festivals Lianzhou Foto, Les Nuits Photographiques et Gexto Photo, ainsi qu’au CAFA Museum, au musée de l’Ermitage, au NUS Museum et aux Nations unies.

L’exposition Seuil de Pauvreté analyse, à travers le prisme de la nourriture, les choix quotidiens auxquels nous devrions faire face si nos revenus étaient équivalents au seuil de pauvreté. Au cours des dix dernières années, les deux artistes ont parcouru 200 000 kilomètres, afin de constituer des études de cas à travers 36 pays et territoires, sur six continents.

Le chiffre indiqué pour chaque pays représente le montant par personne et par jour, calculé à partir du seuil de pauvreté officiel. Pour les économies à revenu moyen ou élevé, ces artistes ont pris en compte les dépenses alimentaires moyennes des ménages à bas revenu, tandis que leur calcul est basé sur la totalité des ressources journalières d’une personne pauvre dans le cas des économies à revenu faible. Les aliments ont été achetés sur les marchés locaux avec les sommes mentionnées. Chaque étude de cas comprend différentes catégories d’aliments, notamment les légumes, les fruits, les céréales, les protéines et les en-cas.

Par leurs dimensions uniformes, les œuvres invitent à une observation minutieuse, tout en appelant à tirer un sens de leur ensemble. Pris isolément, chaque cliché d’aliments éclairés de façon spectaculaire semble souligner la dimension existentielle d’un régime de bananes, de grains de riz éparpillés ou d’une cuisse de poulet.

Des journaux constituent la toile de fond monotone, surchargée de titres internationaux aguicheurs. Ce choix traduit notre obsession permanente pour l’information, sous un format dont la pertinence est cependant remise en question. Entre 2004 et 2018, 1 800 périodiques locaux ont mis la clef sous la porte ou ont été rachetés aux États-Unis. Ce bouleversement sismique dans la diffusion de l’information n’a pas été sans conséquences pour son accessibilité, dans une civilisation connectée et distraite. Seuil de Pauvreté est un dialogue en construction, qui interroge notre conception de la pauvreté et de l’inégalité. À travers les cultures et les systèmes économiques, le projet confronte le public à des observations objectives et rationnelles de notre propre condition, figurée en regard du fragile équilibre des structures, de la croissance et des fractures sociales, enchevêtrées dans la mondialisation.

Publication Le Seuil de pauvreté, Actes Sud, 2020.

Projet lauréat du Luma

Rencontres Dummy Book Award 2019.

Avec le soutien du National Arts Council de Singapour.

La publication de ce livre a été rendue possible par la Fondation Luma, Les Rencontres d’Arles avec la collaboration des Éditions Actes Sud. Et le soutien de Lars Müller Publishers et de la marque Ayam.

Exposition présentée au Jardin des voyageurs.

Portrait

Autoportrait de Stephen Chow et Huiyi Lin.

Émirats Arabes Unis, Dubaï, septembre 2014.

11,08 AED (3,02 USD ; 2,30 EUR) pour l’alimentation.

Myanmar, Yangon, août 2016. 1 030 MMK (0,88 USD ; 0,80 EUR).

États-Unis, New York, octobre 2011. 4,91 USD (3,60 EUR) pour l’alimentation.

ÉTAT D’ESPRIT AFRICAIN VILLES

HYBRIDES

État d’esprit africain : Villes hybrides explore la métropole africaine en tant que site de transformation sociale rapide. L’exposition rassemble les images d’une nouvelle vague de photographes originaires de toute l’Afrique. Leur travail est tourné à la fois vers l’extérieur et vers l’intérieur, évoquant des visions palpitantes de l’environnement urbain qui reflètent le passé colonial et le présent mondialisé du continent. Leur travail révèle l’Afrique en tant que territoire de l’imagination – un état d’esprit autant qu’un lieu physique.

Villes hybrides dépeint la ville africaine au milieu d’un développement accéléré. D’ici 2030, plus de la moitié de la population africaine vivra dans des zones urbaines pour la première fois dans l’histoire. Les trois plus grandes villes du continent – Kinshasa, Lagos, et Le Caire – peuvent déjà être classées comme « mégapoles », des agglomérations de plus de 10 millions d’habitants. Ce nombre devrait doubler au cours de la prochaine décennie.

Au sein de cette urbanisation rapide, caractérisée par des flux incessants de personnes, de marchandises et de capitaux, règne un état de changement permanent. Dans le chaos apparent des rues bondées, les photographes de l’exposition découvrent des formes inattendues de motifs et de couleurs. Dans l’étalement de la métropole, ils saisissent la ville africaine comme un lieu de paradoxe, de possibilité et de beauté quotidienne, sans cesse régénéré. L’exposition s’inscrit dans le cadre d’un projet plus vaste : Africa State of Mind (Afrique 21e Siècle en français) de l’écrivain et commissaire Ekow Eshun.

Emmanuelle Andrianjafy (1983), Girma Berta (1990), Guillaume Bonn (1970), Andrew Esebio (1978), Hicham Gardaf (1989)

Guillaume Bonn. Appartements avec vue sur le centre-ville de Maputo.

Emmanuelle Andrianjafy, série Rien n’est vain, 2015.

Girma Berta, Ombres mouvantes II, XII, 2017. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et Addis Fine Art.

Hicham Gardaf, Khouribga, 2015. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et Galerie 127.

En bas

Hicham Gardaf, Homme avec un chariot, Tanger, 2015. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et Galerie 127.

Andrew Esebio, série Mutations, 2015-en cours. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et Tiwani Contemporary.

ENRIQUE RAMÍREZ JARDINS MIGRATOIRES

Enrique Ramírez

Né en 1979 À Santiago, Chili. Vit et travaille à Paris, France, et Santiago.

Enrique Ramírez a étudié la musique populaire et le cinéma au Chili avant de rejoindre en 2007 le Studio national des arts contemporains-Le Fresnoy. En 2013, il a remporté le prix des Amis du Palais de Tokyo, Paris, France. En 2020, il est nommé au Prix Marcel Duchamp. Il a notamment exposé au Palais de Tokyo, au Centre Pompidou, Paris ; Museo Amparo, Puebla, Mexique ; Musée de la mémoire et des droits de l’homme, Santiago, Chili ; Centre Culturel MATTA, Buenos Aires, Argentine et au Grand Café à Saint-Nazaire. En 2017, il est invité par Christine Macel à participer à l’exposition Viva Arte Viva de la 57e exposition internationale de la Biennale di Venezia.

Dans l’ensemble du travail d’Enrique Ramírez, la mer est le lieu de l’instabilité par excellence : un territoire mémoriel en perpétuel mouvement, un espace de projections narratives où s’entrecroisent le destin du Chili et les grands récits de l’Histoire liés aux voyages, aux conquêtes et aux flux migratoires. Ayant grandi sous la dictature d’Augusto Pinochet, l’artiste ne cesse d’évoquer ce vécu personnel et collectif à la fois, comme dans ses films Brisas (2009) et Los Durmientes (2014).

La sélection d’œuvres présentées au sein de l’exposition Jardins migratoires s’enrichit d’une nouvelle pièce éponyme, coproduite et coréalisée avec l’artiste et 7 étudiantes et étudiants de l’école. Cette œuvre est le résultat d’un travail de réécriture poétique à partir d’un échange épistolaire entretenu par les étudiantes et étudiants auprès d’une centaine d’habitants d’Arles, en novembre 2020, au cours du second confinement. Les questions étaient : Quel est votre souvenir le plus lointain ? Que demanderiez-vous à la mémoire ? Quel est le premier lieu que vous voyez lorsque vous fermez les yeux ? Quelles sont les images que vous aimeriez faire exister ? Quelle est l’image qui vous évoque un sentiment de joie ?

En empruntant des mots écrits et des images convoquées dans plusieurs réponses reçues, Jardins migratoires prend la forme d’une reconstitution visuelle et narrative, à la fois poétique et politique, à propos des espaces imaginaires, qui habitent la mémoire, le désir et le vécu.

Commissaires de l’exposition Charlotte Arthaud, Estelle Blenet, Mariano Bocanegra, Léonard Contramestre, Jingyu Cao, Elena Corradi, Marta Gili, Franck Hirsch, Thomas Pendeliau, Juliette Vignon.

Exposition produite par l’École nationale supérieure de la photographie.

Exposition présentée à L’École nationale supérieure de la photographie.

Portrait Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Jardins migratoires, 2021. Adagp, Paris, 2021. [pour toutes les photographies].

Para construir un jardín necesitamos de la tierra y la eternidad, 2019. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de Michel Rein, Paris/Bruxelles.

El intento de un mar, 2017. Vidéo, couleur, son, 7 min 42 s. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de Michel Rein, Paris/Bruxelles.

CHARLOTTE PERRIAND

COMMENT VOULONS ‑ NOUS VIVRE ? POLITIQUE DU PHOTOMONTAGE

Charlotte Perriand

Née en 1903 à Paris, France. Décédée en 1999 à Paris.

Designer, architecte, photographe, Charlotte Perriand est associée à l’atelier de Le Corbusier de 1927 à 1937 pour l’aménagement intérieur. Elle collectionne et utilise la photographie sous toutes ses formes, pour étudier l’architecture, la nature, et défendre sa vision d’une vie meilleure. Au Japon et en Indochine en 1940-1946, elle participe à son retour en France à la reconstruction, se consacre à la station de ski des Arcs durant les années 1960. Elle conçoit du mobilier, des aménagements d’intérieur, pour des particuliers aussi bien que pour des musées, jusqu’à la fin de sa vie.

Charlotte Perriand a consacré son existence à améliorer les conditions de vie du plus grand nombre, créant un « art d’habiter » en lien avec la nature. Elle a utilisé la photographie comme outil d’observation du réel, mais aussi pour défendre sa conception d’un monde nouveau. En résonance avec nos préoccupations actuelles, elle utilise, au cours des années 1930, le photomontage géant pour dénoncer l’urbanisme insalubre et donner sa vision de conditions de vie meilleures.

Elle met en avant le rôle des campagnes et prône l’avènement de jours heureux, dans l’esprit du Front populaire et de mouvements progressistes comme l’Association des écrivains et des artistes révolutionnaires à laquelle elle adhère. Ses fresques photographiques témoignent de la modernité de son approche, que ce soit La Grande Misère de Paris (1936), la salle d’attente du ministre de l’Agriculture (1937), ou le pavillon du ministère de l’Agriculture (1937), composé avec Fernand Léger. Elles allient, dans des photomontages percutants, des clichés d’anonymes d’agences de presse, des clichés de photographes comme François Kollar ou Nora Dumas, à des statistiques et des textes poétiques.

Comment voulons-nous vivre ? Politique du photomontage propose une plongée dans sa conception du monde à travers sa méthode de travail et son incroyable collection de photographies – tirages d’époque, négatifs, magazines découpés, photographies personnelles –, archives pour la première fois montrées au public, mises en regard de la reconstitution de ses photomontages monumentaux.

Commissaire de l’exposition

Damarice Amao, avec la complicité de Sébastien Gokalp et des Archives

Charlotte Perriand.

Publication Charlotte Perriand, Politique du photomontage. Comment voulons-nous vivre?, sous la direction de Damarice Amao et Emmanuelle Kouchner, Actes Sud, 2021.

Wallpapers Processus, Paris.

Encadrements Circad, Paris.

Sauf mention contraire, tous les documents et tirages originaux présentés dans cette exposition sont issus des Archives Charlotte Perriand.

Exposition présentée à Monoprix.

Portrait Pierre Jeanneret.

Entrée du « diorama » composé par Charlotte Perriand et Fernand Léger pour le pavillon du ministère de l’Agriculture lors de l’Exposition internationale des arts et des techniques dans la vie moderne, Porte Maillot, Paris, 1937. Photographie de François Kollar. Collection Archives Charlotte Perriand (AChP) / ADAGP, Paris, 2021.

Charlotte Perriand, Fernand Léger, Photomontage pour le pavillon du ministère de l’Agriculture, Exposition internationale des arts et techniques de la vie moderne, Paris, 1937. Panneau de droite de l’entrée, La France industrielle. Restitution contemporaine des couleurs de l’époque. Archives Charlotte Perriand (AChP) / ADAGP, Paris, 2021.

Détails de La Grande Misère de Paris (1936) dans une reconstitution contemporaine par Jacques Barsac (2010), à partir de documents et de photographies d’époque, avec une restitution des couleurs d’après la charte des Congrès internationaux d’architecture moderne. ADAGP, Paris, 2021.

Pages suivantes

Vue de l’aménagement de la salle d’attente du ministère de l’Agriculture, Paris, 1936. Fresques photographiques composées par Charlotte Perriand. Mobilier André Arbus. Photographie de François Kollar. Collection Archives Charlotte Perriand (AChP) / ADAGP, Paris, 2021.

SABINE WEISS

UNE VIE DE PHOTOGRAPHE

Sabine Weiss

Née en 1924 à Saint-Gingolph, Suisse. Vit et travaille à Paris, France.

Sabine Weiss est une photographe humaniste connue pour son observation de la vie et des émotions humaines ainsi que pour ses photographies de rues. Son œuvre a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles, notamment à l’Art Institute of Chicago, à la Fondation Nationale de la Photographie, aux Rencontres d’Arles, à la Maison Européenne de la Photographie, au Jeu de Paume-Château de Tours et au Centre Georges-Pompidou, ainsi que d’expositions collectives au MoMA de New York, à la Bibliothèque Nationale de France ou au musée d’Art moderne de la ville de Paris. Elle est représentée par Les Douches la Galerie à Paris et destine ses archives au musée de l’Élysée à Lausanne.

Sabine Weiss est depuis plusieurs années reconnue et honorée en tant que dernière représentante de l’école humaniste française. Ses expositions et livres, ses interventions dans les médias, son optimisme, sa longévité joyeuse ont suscité l’enthousiasme du grand public. Peu de gens connaissent pourtant la richesse de ses archives soigneusement conservées dans la petite maison-atelier où elle vit depuis plus de soixante-dix ans.

À 96 ans, celle qui se revendique photographe-artisan et témoin plutôt qu’artiste n’en a pas moins construit un véritable monument photographique, de façon libre et indépendante. Née Weber à Saint-Gingolph en Suisse en 1924, elle entre à 18 ans comme apprentie au studio Boissonnas à Genève, puis devient assistante du photographe Willy Maywald à Paris en 1946. Elle s’y installe définitivement et se lance comme free-lance en 1949 au moment de sa rencontre avec le peintre américain Hugh Weiss. La décennie qui suit, marquée par l’explosion de la presse illustrée et de la société de consommation, lui procure un travail intense et ininterrompu, tant en France qu’à l’étranger. Elle se recentre dans les années 1960-1970 sur la publicité et les commandes en couleurs, avant de reprendre, des années 1980 aux années 2000, un travail personnel en noir et blanc et des voyages lointains.

Présentée dans la chapelle des Jésuites du Museon Arlaten récemment restaurée, l’exposition met en lumière les dominantes d’une œuvre en constante sympathie avec l’être humain, en même temps que les à-côtés du métier de photographe. Reportage, illustration, mode, publicité, portraits d’artistes, travail personnel : Sabine Weiss a abordé tous les domaines de la photographie comme un défi, un prétexte de rencontres et de voyages, une façon de vivre et un mode d’expression de soi. Par une sélection renouvelée d’images, de films et de documents personnels, l’exposition rend compte de cette passion d’une vie.

Commissaire de l’exposition Virginie Chardin.

Publication Sabine Weiss, Actes Sud, 2021. Texte de Virginie Chardin.

Tirages argentiques L’Atelier Publimod et La Chambre Noire, Paris.

Documents et fac-similés Processus, Paris.

Encadrements Circad, Paris.

Sabine Weiss a reçu le prix Women In Motion pour la photographie 2020, décerné par Kering et les Rencontres d’Arles pour l’ensemble de sa carrière.

Avec le soutien de la Confédération suisse et de Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture.

Sauf mention contraire, tous les tirages argentiques modernes présentés dans cette exposition ont été réalisés sous le contrôle de Sabine Weiss.

Exposition présentée à la chapelle du Museon Arlaten – Musée de Provence.

Portrait Joel Saget / AFP.

Félix Labisse, peintre décorateur, Neuilly-sur-Seine, 1952.

En haut

Travestis, Pigalle, Paris, 1959.

En bas Dun-sur-Auron, colonie familiale pour aliénés, hiver 1951-1952.

JAZZ POWER !

JAZZ MAGAZINE , VINGT ANS

D’AVANT‑ GARDE (1954 ‑1974)

« Nous mettrons les musiciens de jazz dans une situation où l’on plaçait, dans d’autres magazines comme Match, les vedettes de cinéma », déclare Daniel Filipacchi, en 1956, lorsqu’il prend la tête de Jazz Magazine.

À l’époque des lois de ségrégation raciale aux États-Unis, en vigueur jusqu’en 1964, et du difficile processus de décolonisation entamé par la France, rarissimes sont les publications de la presse hexagonale qui mettent en valeur des Afro-Américains. Aussi le ton est-il donné dès le premier numéro de Jazz Magazine en décembre 1954 : le visage de Lionel Hampton s’impose en couverture, sans que son nom soit indiqué. Est-ce parce qu’il est déjà célèbre ? Est-ce une invitation à découvrir ce géant du jazz, dont les propos sans équivoque affirment que sa musique est celle de la colère ?

D’emblée, la jeune équipe de la revue, fondée par Nicole et Eddie Barclay, se fait l’apôtre des emprunts musicaux et des échanges culturels, témoignant ardemment des luttes pour les droits civiques en Amérique, comme des discriminations subies par les Afro-Américains des deux côtés de l’Atlantique. Le mensuel devient rapidement le terrain d’expérimentation et de prise de position des deux rédacteurs en chef, Frank Ténot et Daniel Filipacchi, amis fougueux et ambitieux fascinés par le jazz et la contre-culture afro-américaine, qu’ils diffusent auprès d’un public français jeune, hédoniste et avide de modernité américaine.

Entourés de passionnés, ils participent activement à la construction des « légendes » en France, entre sacralisation et humanisation des musiciens et chanteurs, entre mise à distance des stars et révélation contrôlée des coulisses d’un club très exclusif. Livrant des impressions, rapportant des savoir-être et publiant des images inédites d’une Amérique fantasmée, journalistes et photographes inventent aussi de nouvelles formes d’écriture journalistique et façonnent le « jazzfan », ou l’amateur idéal.

Le temps de deux décennies, ils légitiment le jazz comme pratique culturelle, le consacrent et en révèlent la dimension éminemment politique.

Clara Bastid et Marie Robert

Clara Bastid et Marie Robert, lauréates de la Bourse de recherche curatoriale des Rencontres d’Arles, assistées de Jade Jollivet.

La Bourse de recherche curatoriale des Rencontres d’Arles reçoit le généreux soutien de Jean-François Dubos.

Exposition présentée à Croisière.

En haut à gauche

Thelonious Monk par Jean-Pierre Leloir. Jazz Magazine n° 71, juin 1961. Archives Jazz Magazine [pour toutes les photographies].

En bas à gauche

« Du côté de l’Amérique noire » par Jean-Marie Périer, Jazz Magazine n° 190, juillet 1971.

En haut à droite

Dizzy Gillespie par Giuseppe Pino. Jazz Magazine n° 183, novembre 1970.

En bas à droite

Charles Mingus par Abbas. Jazz Magazine n° 188, avril 1971.

Billie Holiday à l’Olympia, Paris. Photographie de Jean-Claude Bernath tirée de l’article « Billie à l’Olympia, émouvante et fatiguée », Jazz Magazine n° 44, janvier 1959.

En haut

Concert de Charles [Chuck] Stewart, public heureux, États-Unis, vers 1955. Tirée de l’article « Rock’n’Roll », par Leonard Feather, Jazz Magazine n° 12, décembre 1955.

En bas

« Crazy Babs », Jazz magazine n° 99, octobre 1963. Photographie de Jean-Marie Périer.

& C ie

ENTRE HISTOIRE ET MYTHOLOGIE

Objet technique devenu icône culturelle, l’Orient-Express a cristallisé une multitude de récits et de représentations basés sur des faits réels ou inventés. Certains devenus mythes ont participé à la dilution d’une réalité historique au sein d’une histoire fantasmée. Or, avant de devenir un objet culturel, l’Orient-Express est d’abord le train d’une compagnie ferroviaire : la Compagnie internationale des wagons-lits. Exploité entre 1883 et 1977 et reliant Paris à Constantinople puis Istanbul, il est le premier d’une série de trains de luxe internationaux. Sa création a constitué un tour de force diplomatique et économique à une période où le chemin de fer est utilisé comme un instrument au service du pouvoir politique des empires et États.

Constantinople n’avait pas été choisie au hasard : la ville incarnait la porte d’un Orient fantasmé par les artistes et écrivains voyageurs à la fin du xixe siècle. De par sa destination, ce train représente un formidable outil de communication et d’image pour la compagnie.

Les photographies présentées dans l’exposition Orient-Express & Cie sont issues du fonds d’archives de l’ancienne Compagnie internationale des wagons-lits, des archives d’entreprise. Sauvegardés par d’anciens salariés au fil des restructurations de la société, épreuves photographiques, mais également plans, cartes, dessins techniques ou encore brochures publicitaires inscrivent l’Orient-Express dans son contexte historique global. Bien que parcellaire, le fonds abrite des archives iconographiques d’une grande valeur : albums photographiques, photos industrielles et commerciales. Si la plupart sont anonymes, d’autres sont signées de célèbres ateliers tels Paul Nadar, Albert Chevojon ou encore Sébah & Joaillier. Certaines images publicitaires ont déjà été largement diffusées, d’autres sont dévoilées pour la première fois. Cet ensemble documentaire permet aujourd’hui une relecture de l’histoire de l’Orient-Express, industrielle et incarnée.

En bas

Construction de voitures-lits et voitures-restaurants par la Mashinen und Waggonbaufabrik de Vienne-Simmering pour la CIWL. Photographie : Wilhelm Wagner, Atelier für industrielle und technische Photographie, 1930.

En haut

Brigade du train Ankara-Express posant sur un quai de la gare d’Haydarpa şa à Istanbul.

Photographie : Studio Iskender, 1956.

En haut à gauche

Photographie publicitaire pour la promotion des nouvelles voitures-lits P (pour Pillepich, concepteur et ingénieur en chef des services techniques de la Compagnie), 1959.

En haut à droite

Voyageurs à bord d’une voiture-restaurant de la compagnie, vers 1930.

En bas

Passagers du train Taurus-Express à destination de Bagdad, 1969.

HOMMAGE

Raymond Cauchetier, Une femme est une femm e, Jean-Luc Godard. Paris, 1961.

Anna Karina (Angela Récamier). Mesure de la lumière par le caméraman.

RAYMOND CAUCHETIER NOUVELLE VAGUE

Raymond Cauchetier

Né en 1920 à Paris, France. Décédé à Paris en 2021.

Raymond Cauchetier découvre la photographie à 25 ans lorsqu’il crée le service de presse des unités de l’Armée de l’air en Indochine. Son premier album, Ciel de guerre en Indochine, publié en 1953, connaît un vif succès. Son œuvre est dès lors présentée au Japon – où il est considéré comme un photographe majeur – et aux États-Unis. La Smithsonian Institution lui consacre en 1961 une exposition, Faces of Vietnam, qui parcourra le pays pendant deux ans. À la fin des années 1950, il commence à photographier les plateaux de cinéma et devient en quelques années le photographe attitré de la Nouvelle Vague. Ses photographies de cinéma font aujourd’hui l’objet d’expositions dans le monde entier.

De Raymond Cauchetier, nous connaissons d’abord les photographies des icônes de la Nouvelle Vague : Jean Seberg et Jean-Paul Belmondo descendant les Champs-Élysées dans À bout de souffle, Jeanne Moreau au sourire qui s’envole entre Jules et Jim – image qui deviendra l’affiche du film – et leur course sur la passerelle de Valmy, les portraits d’Anouk Aimée dans les habits de Lola… Photographe de plateau pour Godard, Truffaut, Demy, Rozier et Chabrol, Raymond Cauchetier incarne aussi l’insolence de la Nouvelle Vague en réinventant les contours de la photographie de plateau : il pénètre dans le champ, fait rejouer des scènes, documente ce qui précède ou accompagne la prise. Avec lui, nous entrons sur les tournages : aux côtés de Godard poussant le chariot où est recroquevillé le caméraman pour un travelling de subterfuge, avec l’équipe technique d’Adieu Philippine aussi, entassée sur la 2CV, « idéale pour remplacer les traditionnels chariots de travelling, à condition de la lester lourdement et de dégonfler les pneus », nous racontait-il.

Entre la fin des années 1950 et le début des années 1960, une jeune génération de cinéastes font leurs débuts de metteurs en scène en réalisant leurs premiers longs métrages qui contournent les règles habituelles de la production cinématographique. Une révolution dans le mode de réalisation du cinéma, qui prône un travail sur le vif, marque de fabrique de la Nouvelle Vague – et de Cauchetier, photographe-reporter sur le plateau qui saisit la naissance de ce nouveau cinéma en train de se faire. Ses photographies, restées figées pendant plus d’un demi-siècle dans les cartons des sociétés de production pour la plupart, témoignent aujourd’hui de ce cinéma qui a construit et imposé un nouvel imaginaire, une mythologie moderne.

Cette exposition propose un parcours au fil de ses images de cinéma réalisées sur les tournages des films de la Nouvelle Vague, les plus mythiques et celles encore à découvrir, alors que Raymond Cauchetier nous a quittés cette année.

Commissaire de l’exposition Sam Stourdzé. Tirages et wallpapers Dupon, Paris.

Encadrements Circad, Paris.

Remerciements à Boogie Woogie Photography. Exposition présentée à l’abbaye de Montmajour.

Portrait Autoportrait de Raymond Cauchetier.

Jules et Jim, François Truffaut, 1962. Mercredi 26 avril 1961, 9 heures, passerelle de Valmy, Charenton-le-Pont.

En ces temps anciens, je continuais à travailler avec le Rolleiflex qui m’avait fidèlement servi pendant la campagne d’Indochine. Pour photographier cette scène devenue célèbre, je devais, faute de moteur, tourner la manivelle de l’appareil après chaque photo. Je n’ai donc pu prendre qu’une photo de l’arrivée de chacune des quatre courses successivement tournées par François Truffaut. Comme les photographes de sport, j’ai dû choisir chaque fois le 500e de seconde qui me semblait le meilleur. La dernière prise fut la meilleure.

Adieu Philippine, Jacques Rozier, 1960. Pour ceux qui l’ignorent encore, un travelling est une sorte de petite voie de chemin de fer sur laquelle circule, poussé par des machinistes, un plateau roulant portant la caméra et l’opérateur. Ce système permet de filmer avec fluidité les comédiens lorsqu’ils se déplacent. Mais ce matériel est lourd, encombrant, et sa location est très onéreuse. La Nouvelle Vague a dû inventer des solutions plus économiques pour obtenir les mêmes résultats. Roger Mathelin, le chef opérateur d’Adieu Philippine, a découvert que la suspension de la 2 CV Citroën était idéale pour remplacer les traditionnels chariots de travellings à condition de la lester lourdement, et de dégonfler les pneus. C’est pourquoi il a fait monter à bord de la voiture toute l’équipe technique, pour tourner sur un chemin cahoteux de la petite ville corse de Calvi. Quand on n’a pas beaucoup d’argent, il faut avoir des idées.

À bout de souffle, Jean-Luc Godard, 1960. Chambre 12, Hôtel de Suède, Paris, 1959. Jean Seberg (Patricia Franchini), devant la reproduction de Jacqueline avec des fleurs (1954) de Pablo Picasso.

ARLES BOOKS

NEUF DE A À Z

DELPIRE AVANT DELPIRE

1950, Robert Delpire a 24 ans. Étudiant en médecine, il crée la revue NEUF, diffusée par la Maison de la Médecine. Accompagné de Pierre Faucheux et de Michel Ragon, c’est le début d’une aventure éditoriale unique qui durera trois ans et neuf numéros. Des textes signés Guillaume Apollinaire, André Breton, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Henry Miller, Jean-Paul Sartre côtoient les illustrations de Savignac, André François, Raoul Dufy, et les photographies de Brassaï, Doisneau, Cartier-Bresson, Robert Frank, Izis… Cette revue illustrée, initialement réservée à une audience de médecins supposés s’intéresser à l’art et aux « images », se mue en moins de deux ans en édition de livres de photographes et d’artistes, et donnera naissance aux éditions Delpire.

L’exposition NEUF de A à Z raconte à travers 26 mots choisis (Brassaï, Cirque, Masque, Réclame, Jeux, Sport…) et autant d’histoires, les fondements de l’édition photographique et l’élan créatif sans précédent qui anima les années d’après-guerre.

Grâce à une approche visuelle et typographique associant une centaine de doubles-pages emblématiques de NEUF, mais aussi des exemplaires originaux et des documents d’époque, l’exposition restitue l’esprit et la lettre de la revue et raconte les débuts dans l’édition de Robert Delpire. Une découverte jubilatoire qui dévoile sous différents angles sa pratique fondatrice, ses collaborations et amitiés, les sujets et passions qui l’accompagneront durant toute sa carrière.

Couverture Revue NEUF n° 8, consacrée à Robert Frank, décembre 1952. Photographie de Robert Frank. Avec l’aimable autorisation de delpire &co [pour toutes les photographies].

En bas

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Double-page extraite de la revue NEUF n° 3, consacrée au jeu. Photographies de Robert Doisneau.

Double-page extraite de la revue NEUF n° 5, consacrée à Brassaï. Photographies de Brassaï

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Double-page extraite de la revue NEUF n° 8, consacrée à Robert Frank. Reportage « Indiens des Hauts-Plateaux », photographies de Robert Frank.

Double-page extraite de la revue NEUF n° 4, consacrée au sport. Image de gauche : « Prix de la meilleure photo d’amateur, USA, 1950 ».

LES PRIX DU LIVRE 2021

Créés pour soutenir l’extraordinaire développement de l’édition photographique et contribuer à sa plus large diffusion, les prix du Livre des Rencontres d’Arles récompensent trois catégories d’ouvrages : le prix du Livre d’auteur, le prix du Livre historique et le prix Photo-texte. Soutenu et encouragé par la fondation Jan Michalski pour l’écriture et la littérature, ce prix célèbre les relations entre textes et images.

Chaque prix est doté de 6 000 euros et récompense les meilleurs ouvrages photographiques publiés entre le 1er juin 2020 et le 31 mai 2021.

Les ouvrages présélectionnés ainsi que les lauréat·e·s des prix du Livre sont désignés par un pré-jury et un jury composés d’expert·e·s du livre photographique.

Chaque ouvrage reçu est déposé à la bibliothèque de l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles. La présélection est présentée au public dans un lieu dédié durant toute la période du festival et les lauréat·e·s des prix du Livre sont annoncé·e·s pendant la semaine d’ouverture du festival.

Grand partenaire : Fondation Jan Michalski pour l’écriture et la littérature.

Avec le soutien de la Fnac pour le prix du Livre d’auteur.

Les livres présélectionnés sont présentés à l’espace Van Gogh.

DUMMY BOOK AWARD 2021

Les Rencontres d’Arles proposent depuis 2015 un prix d’aide à la publication d’une maquette de livre.

Doté d’un budget de production de 25 000 euros, ce prix est ouvert à tout·e photographe et artiste émergent·e utilisant la photographie sur proposition d’une maquette de livre n’ayant jamais fait l’objet d’une publication. Une attention particulière est portée aux formes éditoriales expérimentales et novatrices.

En 2020, le Dummy Book Award a récompensé le travail de Yto Barrada et Bettina pour Bettina. En 2019, c’est Chow et Lin pour The Poverty Line, qui avaient été récompensés et qui font l’objet d’une exposition cette année dans le cadre du festival (voir p. 150). En 2018, c’est Marina Gadonneix qui a reçu le prix pour Phénomènes et une mention spéciale a été attribuée à Indré Urbonaité pour State of Shame. En 2017, le prix a été attribué à Olga Kravets, Maria Morina, Oksana Yushko et Anna Shpakova pour Grozny, Nine Cities. L’année dernière, 194 ouvrages en provenance de 34 pays ont été réceptionnés. Le ou la lauréat·e 2021 sera annoncé·e durant la semaine d’ouverture.

Les livres sont présentés à l’espace Van Gogh.

LES SATELLITES ARLES ASSOCIÉ

Daniel Reuter, Sans titre , série Providencia , 2020.

LËT’Z ARLES

DANIEL REUTER PROVIDENCIA LISA KOHL

ERRE

Daniel Reuter

Né en 1976 à Trèves, Allemagne. Vit et travaille à Reykjavik, Islande, et au Luxembourg.

Le travail photographique de Daniel Reuter aborde les notions de paysage, d’espace et de lieu dans leur relation au récit, au regard et à l’expérience subjective. Son premier livre, History of the Visit, a été sélectionné pour le prix Paris Photo-Aperture Foundation 2013, suivi de Circle Square (2017), Beachhead (2020) et Providencia (2020).

Lisa Kohl

Née en 1988 à Luxembourg. Vit et travaille à Leipzig, Allemagne, et au Luxembourg.

Formée à l’École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre (Bruxelles), Lisa Kohl donne à sa pratique artistique des formes diverses : séries photographiques, installations sculpturales et performances vidéos-sonores. Réalisé sur des territoires singuliers en Grèce, Californie ou à la frontière mexicaine, son travail photographique a été reconnu par divers prix : sélection pour l’Edward Steichen Award (2019) ; lauréate du prix Pierre Werner (2020).

Providencia – la providence – dans son sens biblique, décrit l’intervention de Dieu dans l’univers, hors du contrôle humain. Le quartier Providencia, à Santiago du Chili, donne à la fois le cadre et le titre de cette nouvelle série de Daniel Reuter. Son regard explore les marques d’un contexte de divergence récemment porté à la surface, à partir d’une urbanité visuellement prosaïque : détails architecturaux, structures de fortune, arbres et feuillages, clôtures de chantier obstruant la vue. Au lendemain de manifestations civiles, nous rencontrons des protagonistes confinés dans la complexité de leur existence. En résonance avec ses sujets de recherche tels que l’identité et la mémoire, l’artiste prend appui sur cette topographie chargée et traduit sa texture, son reflet et sa lumière. À la chapelle de la Charité, douze images de grand format entrent en conversation à travers un dispositif hexagonal inspiré d’un kiosque moderniste du quartier Providencia.

Les œuvres de Lisa Kohl parlent de fuite, d’exil, de non-lieu de vie ou de survie, d’invisibilité et d’absence. Avec audace, elle réussit à lier le réel à la poésie. Par l’esthétique poétique des images, elle nous invite à la réflexion sur l’identité, la patrie, le passage des frontières, la futilité et l’espoir. Présence et absence, le travail se heurte à une contradiction – il s’agit de changer de perspective : montrer l’invisible et donner une voix –, l’artiste cherche un équilibre dans le décalage et la transition. Elle avance en créant des images, des expériences à partager, des traces à suivre.

Son projet Erre pour la nef latérale de la chapelle de la Charité à Arles est une installation composée de trois œuvres inédites. L’installation vidéo-sonore Haven (2021), projetée au plafond entre en dialogue avec deux séries de photographies : Shelter (2019) et Passage // 32°32’04.7’’N 117°07’26.3’’W (2019), présentées sur des supports rétroéclairés.

Commissaires des expositions

Michèle Walerich et Danielle Igniti.

Expositions produites par Lët’z Arles asbl (Luxembourg).

Publications

Providencia, texte

Alejandro Zambra, coédition Skinnerboox, CNA (Centre national de l’audiovisuel) et Lët’z Arles, 2020.

Erre, texte Danielle Igniti, coédition CNA (Centre national de l’audiovisuel) et Lët’z Arles, 2020. Expositions présentées à la chapelle de la Charité.

Portrait de Daniel Reuter Kári Sverriss.

Portrait de Lisa Kohl Romain Girtgen.

Daniel Reuter, Javiera, série Providencia, 2020.

En haut

En b as

Lisa Kohl, série Shelter, Los Angeles, États-Unis, 2019. Adagp, Paris, 2021.

Lisa Kohl, Passage// 32°32’04.7’’N 117°07’26.3’’W, Border Field State Park, États-Unis, 2019. Adagp, Paris, 2021.

Page précédente Daniel Reuter, Sans titre, série Providencia, 2019.

LES AILLEURS INCARNATIONS

QUAND LA PHOTOGRAPHIE PREND CORPS

Avec la prise de vue volumétrique, ou photogrammétrie, la création d’images photographiques rêve en volumes, espaces, expériences.

Autrefois réservés à la cartographie ou l’archéologie, les scanners 3D, capteurs LIDAR et autres outils photogrammétriques équipent désormais nos téléphones. En se mariant aux appareils photo, ce que nous avions l’habitude de considérer comme des captures du réel prend la forme d’images incarnées, ou « hyperimages », comme les appelle Alan Warburton, assemblages toujours plus complexes de lumière et d’algorithmes. En captant les surfaces photo-réalistes du cinéma et de la photo, en les combinant avec les formes multidimensionnelles et digitales des jeux vidéo, la captation volumétrique semble être le trait d’union qui manquait jusqu’ici. Entre la « troisième voie » chère à Ludwig Wittgenstein et la « colonne absente » de Maurice Merleau-Ponty, un nouveau chemin de perception du réel se trace désormais.

En compagnie de photographes devenus plasticiens, l’exposition navigue entre nuages de points et polygones qui dessinent des écologies virtuelles, avatars-portraits, corps hybrides, et racontent de nouveaux récits incarnés. Chemin faisant, on y découvre que les lignes qui semblaient séparer représentation et objet se troublent, dans un techno-animisme questionnant les fondements de notre compréhension binarisée du monde. Qu’est ce qui constitue le réel ? – le virtuel ? – semble demander ces images-mondes.

En multipliant les points de vue d’artistes, l’exposition situe ces nouvelles représentations dans la culture contemporaine et répond à notre besoin de mieux comprendre, déconstruire et sentir ces manières de voir.

Enfin, en écho aux œuvres exposées, l’exposition se fait également didactique et décrypte les technologies et processus de reconstruction de ces images volumétriques, rendant accessible au public des Rencontres d’Arles une grille de lecture indispensable à l’heure où ces réalités virtuelles constituent une part grandissante de notre

réel.

Les Ailleurs est une évolution du VR Arles Festival, cofondé avec les Rencontres d’Arles.

Commissaires de l’exposition Fabien Siouffi et Victoire Thevenin. Une exposition produite par Fisheye.

Avec le soutien de Tik Tok, l’Institut français, la Région SUD – ProvenceAlpes-Côte d’Azur, GRETA-CAF Provence et Le Point

Lauren Moffatt, Compostl_DigitalRender_2021

Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

FONDATION MANUEL

RIVERA-ORTIZ

ÉCHOS SYSTÈME

Mathias Benguigui (1991), Jean-Christian Bourcart (1960), Jérôme Cortie (1992), Hoël Duret (1988), Alberto Giuliani (1975), Agathe Kalfas (1989), Elsa Leydier (1988), Philip Montgomery (1988), Manuel Rivera-Ortiz (1968), Niina Vatanen (1977), Anno Wilms (1935-2016), Barbara Wolff (1951), Collection Chaussee 36, Collectif LesAssociés, ParisBerlin>fotogroup.

Échos système est un programme d’expositions envisageant le vivant, un vivant incertain, en transformation et en mutation. Ce vivant s’entremêle dans des contextes territoriaux marqués et singuliers. Les artistes nous plongent, par différentes approches, dans des problématiques actuelles en lien avec les migrations (Les Chants de l’Asphodèle, Mathias Benguigui et Agathe Kalfas), la mémoire (Sauvegarde retrouvée 2.0, Jérôme Cortie ; Cuba, Manuel Rivera-Ortiz), le féminisme (Les Marques, Elsa Leydier) ou encore le décolonialisme.

Images analogiques, numériques, réalité virtuelle, augmentée (Au bord du réel, Jean-Christian Bourcart) et archives (Time Atlas, Niina Vatanen) façonnent une vision et une perception renouvelées du vivant et des relations sociétales qui en découlent. Des récits-fictions pour trouver notre place, exprimer nos désirs et apprivoiser nos peurs (D’ici, ça ne paraît pas si loin, LesAssociés) ou les subir en les exprimant par la violence ou l’exaltation (American Mirror, Philip Montgomery).

Ces visions explorent les facettes de l’individu face à lui-même et son environnement, qu’il soit géographique ou social, telle la solitude (Metropolis, Barbara Wolff), le genre (Identité et masque, Anno Wilms) ou l’érotisme (Behind Desire, Chaussee 36). Autant d’aspects développés par la thématique de Fotohaus, Persona, qui met en évidence la notion du masque que tout individu porte pour répondre aux exigences de la vie sociale.

Un ensemble protéiforme faisant écho à l’humain et à l’environnement, un système interrelié face aux multiples problématiques actuelles, telles que les crises sanitaires (Sauver les corps, ParisBerlin>fotogroup/LesAssociés), écologiques et politiques (Drop out, Hoël Duret). Ces approches documentaires, par la photographie et le film, nous éclairent sur un monde en mouvance et nous questionnent sur l’avenir de l’humanité (Surviving Humanity, Alberto Giuliani).

Commissaires des expositions

Marc Barbey, Florent

Basiletti, Anne-Marie

Beckmann,

Programmation

Fondation

Christel Boget, Lionel Charrier, Klaus Kehrer, Luce Lebart, Mathilde Leroy, Chiara Ruberti, Enrico Stefanelli.

Manuel Rivera-Ortiz & Fotohaus.

Expositions présentées à la fondation Manuel Rivera-Ortiz.

Niina Vatanen, Atlas du temps .

MÉJAN JEAN-LUC BERTINI AMÉRICAINES SOLITUDES

Né en 1969 à Saint-Germain-en Laye, France. Vit et travaille à Ivry-sur-Seine.

Portraitiste reconnu, Jean-Luc Bertini poursuit plusieurs projets au long cours qui le font régulièrement voyager d’est en ouest. Que ce soit pour son premier livre (Solovki, la bibliothèque perdue) ou bien pour celui qu’il a consacré aux écrivains américains (Amérique, des écrivains en liberté), son travail interroge la place fragile de l’homme au cœur de son environnement.

Durant dix ans, de 2008 à 2017, Jean-Luc Bertini a photographié les États-Unis au fil de la route, par à-coups et en variant les saisons. Mais peut-on encore photographier ce pays, compte tenu de son encombrement visuel ?

Avec Américaines solitudes, le photographe parcourt cette fois les États-Unis sans parti pris aucun, sinon celui, formel, de travailler en couleur à l’aide d’un moyen format 6 × 7.

Dans une veine humaniste héritée de la tradition française qui lui permet de contourner le « tableau photographique américain », Bertini observe comment les Américains habitent un espace dont ils ont certes l’aisance, selon la formule de Baudrillard, mais une aisance qui se racornit à force d’engendrer anonymat, solitude et iniquité. Parce que la solitude favorise l’observation, elle prédispose enfin le photographe à croire aux visions, aux orchestrations, aux histoires, de sorte que ces images semblent parfois transcender les scènes ordinaires qu’elles révèlent.

JEAN-MICHEL ANDRÉ BORDERS

Né en 1976 à Nantes, France. Vit et travaille à Tourcoing, France.

Diplômé de l’école des Gobelins en 2000, Jean-Michel André poursuit un travail de création photographique au croisement des lectures plastique et documentaire. Sa démarche repose sur une vision politique et poétique du territoire. Il interroge ses limites, sa mémoire et ses évolutions. Diffusé dans le cadre d’expositions, de résidences et de publications en France et à l’étranger, son travail est représenté par la galerie Sit Down.

La série Borders de Jean-Michel André est un projet sur plusieurs années qui questionne le rêve d’un nouvel Eldorado par des hommes et des femmes ayant fui leur pays. Comme dans ses précédents travaux, le photographe explore les notions de flux économiques et migratoires.

De Calais à l’île de Lampedusa en passant par l’Espagne et la Tunisie, il montre le courage de personnes privées de leurs familles, déplacées en raison de conflits religieux, de catastrophes climatiques ou économiques. De la rencontre avec l’écrivain Wilfried N’Sondé naît une relation amicale épistolaire d’où jaillira une mise en regard entre écrits et photographies d’une profonde humanité.

Si la solitude, l’isolement et la peur ponctuent les récits de ces destins brisés, chacun peut toutefois y trouver une lueur d’espoir. Observateur engagé auprès des populations en errance, Jean-Michel André livre ici un geste de résistance. Celui qui consiste à repenser inlassablement la place de l’humain à l’heure des grands questionnements mondiaux. Pour mieux nous rappeler l’existence fragile de nos civilisations.

Béatrice Andrieux

213 Jean-Luc Bertini, Amish, Lincolnville, Maine, 2008.

214 Jean-Luc Bertini, Shelby, Montana, 2012.

En haut

Jean-Michel André, Borders #22

Avec l’aimable autorisation de la galerie Sit Down.

En bas

Jean-Michel André, Borders #21. Avec l’aimable autorisation de la galerie Sit Down.

MÉJAN PAULINE FARGUE PANOPTICON, 2019 ‑ 2021

Née en 1975 à Paris, France. Vit et travaille à Paris et Mas-Thibert, France.

L’œuvre de Pauline Fargue est traversée par la photographie qu’elle détourne et fait resurgir au fil de pages, d’écrans et d’installations. Après un DEA de philosophie de l’art, elle bascule définitivement dans l’image lorsqu’elle rencontre Chris Marker qui l’encourage à poursuivre sa pratique photographique. Elle intègre alors une école de photographie. Elle est lauréate du Prix Découverte des Rencontres d’Arles en 2015.

Panopticon est un travail en cours. Une tentative dérisoire d’élaborer un énoncé tout à la fois critique et poétique au cœur même de la syntaxe, pour ainsi dire carcérale, d’Instagram. En marge des minuscules séquences en boucles perpétuelles de 6 × 6 cm conçues exclusivement pour le smartphone avec les contraintes fonctionnelles de l’application instantanée, c’est bien de la question du pouvoir et du champ rétréci des libertés individuelle et collective dont il s’agit.

Le dispositif qui en découle, présenté pour la première fois aux Rencontres d’Arles, est une installation vidéo opérant un détournement de la photographie dans son usage connecté. La scénographie, structurée autour de la boucle et de l’écho, met en relation des montages au rythme tantôt extatique, tantôt frénétique. Recherche au long cours risquée dans l’œil du cyclone d’un réseau social dont la structure même est dénuée de tout contenu existentiel. Glissement infime, addictif.

Pauline Fargue

REEVE SCHUMACHER ÉTUDES EN VIBRATION

Né en 1981 À Minneapolis, États-Unis. Vit et travaille à Arles, France.

Reeve Schumacher est artiste et musicien compositeur. Né aux États-Unis, il grandit sur la terre des Indiens du Minnesota et du Dakota du Sud. En 2003, il obtient son diplôme des Beaux-Arts à l’université de Miami et se tourne définitivement vers la musique et les arts plastiques. Installé à Arles depuis 2010, il cofonde LHOSTE, un espace alternatif consacré à l’art contemporain et au son expérimental.

Fasciné par l’image de Mireille Mathieu, Reeve Schumacher accumule depuis quelques années des exemplaires de ses vinyles avec la frénésie du fan ou du collectionneur. Il en possède à ce jour plus de 300, qui attendent les métamorphoses de sa lame. Revisitées sous forme de collage pixélisé, les pochettes de 33 tours de la star planétaire jettent un pont anachronique entre une matière première de l’ère analogique – le disque vinyle – et un rendu numérique.

Les deux installations réalisées in situ s’inscrivent, elles aussi, dans le prolongement de l’art optique et cinétique. Phare est une œuvre en rotation qui associe le son et la lumière sous forme de flashs stroboscopiques. Amarrages en suspension, Écho offre une visualisation monumentale de la réverbération d’une onde sonore. Comme toujours chez Reeve Schumacher, la dimension organique se mêle aux mathématiques, le recours aux courbes et aux fractales engendre des volumes qui se déploient pour converger souvent vers la spirale, forme obsessionnelle de son travail, ouverture sur l’infini.

Commissaire des expositions Mélanie Bellue. Expositions présentées à Croisière.

Portrait de Pauline Fargue Benoît Rassouw.

Portrait de Reeve Schumacher Florent Demarchez.

Reeve Schumacher, En direct de l’Olympia (Red) détail, 2019. Photographie de Florent Demarchez. Avec l’aimable autorisation de Lhoste.

MÉJAN MAGNUM ET LA STREET PHOTOGRAPHY

La street photography – l’art de saisir l’inattendu, le singulier et l’extraordinaire dans l’espace public – est inscrite dans l’ADN de l’agence Magnum depuis sa création en 1947.

Pour comprendre le lien originel qui unit Magnum et la photographie de rue, il nous faut revenir à la figure d’Henri Cartier-Bresson, qui, avec l’apparition de l’appareil photo portatif Leica, devine que le photographe peut désormais s’insérer dans le flux humain et rapporter des images jamais vues.

Ainsi le vit-on, âgé d’à peine plus de 20 ans, courir l’Europe et le Mexique avec un nouveau Leica équipé d’un objectif 50mm, réalisant ces instantanés aujourd’hui considérés comme fondateurs de la photographie de rue.

L’exposition est extraite du livre Magnum et la street photography paru aux éditions Actes Sud, sous la direction du photographe Stephen McLaren qui revient avec les photographes de l’agence sur des clichés souvent inédits, et partage avec nous leur expérience de photographes de rue. Cette immersion dans les archives nous permet de comprendre l’évolution du genre depuis son créateur et ses pairs comme Sergio Larrain, jusqu’aux photographes contemporains tels que Christopher Anderson, Raymond Depardon, Olivia Arthur, Susan Meiselas, Bruno Barbey, Inge Morath et Gueorgui Pinkhassov. Magnum étant avant tout un collectif de photojournalistes, on ne s’étonnera pas que leurs meilleures photographies de rue apparaissent souvent au détour d’un reportage d’actualité.

En bas

Gueorgui Pinkhassov, Le Nouveau Métro, Tokyo, Japon, 1996. Avec l’aimable autorisation de Magnum Photos.

Christopher Anderson, Quartier de la Bourse, New York, États-Unis, 2008. Avec l’aimable autorisation de Magnum Photos.

MUSÉE DE LA CAMARGUE CECIL KA FLAMENCA !

Cecil Ka

Née en 1973 à Arles, France. Vit et travaille à Arles.

Cecil Ka est photographe et a reçu une formation universitaire en sciences humaines spécialisée dans l’étude des représentations et des images mentales. Après plusieurs formations, à l’ENSP notamment, elle fait de l’identité un de ses principaux sujets, qu’elle envisage par le prisme de l’enfance, la fête, la mort, ce qui donnera lieu à plusieurs séries et expositions dont Celebration Day et Fourth Dimension. En déployant des dispositifs simples et rigoureux Cecil Ka met en évidence des phénomènes de célébration qui lui permettent de réaliser des représentations de la société occidentale contemporaine.

Il y a vingt ans, étudiante à l’université de Séville, Cecil Ka a travaillé sur les similitudes et différences entre le Parc naturel régional de Camargue et le Parc national de Doñana, situé au sud de Séville. Deux espaces naturels protégés où les représentations mentales ont forgé des identités fortes, et dont le costume régional est l’une des expressions.

De 2017 à 2019, elle a photographié celles et ceux que le costume sévillan contemporain transforme en une autre version d’eux-mêmes les jours de fête. Afin de montrer les transformations induites par l’incarnation de l’identité reflétée dans le costume, la photographe fait aussi poser la personne au naturel, simplement vêtue d’un tee-shirt gris. Cecil Ka se place juste avant la fête, lorsque les corps sont disponibles et déterminés, leurs prunelles dans les nôtres.

Les images vont par deux, elles nous parlent par paire, mais elles sont en vérité triples. Une image interstitielle se forme dans le manque, dans la tête du regardeur.

Photographe du visible et de l’invisible – de l’entre-deux –, Cecil Ka délaisse la question de l’instant au profit de la mise en relation : nous les regardeurs et elles : les images.

Replaçant les enjeux du portrait dans le champ de l’art contemporain, Cecil Ka tisse le lien entre eux et nous, entre la tradition du genre et sa postérité. Des images impossibles, et pourtant en nous. Les images ont toujours été là, les corps, les visages, les regards ont toujours tourné autour d’elle.

Est-ce grâce à l’incertitude de notre être au monde que les photographes travaillent à donner au visible des visages ?

Est-ce pour calmer les tressautements de l’existence que Cecil Ka place des femmes (et quelques hommes) au-devant d’elle ? Des femmes parées de leur lumineuse simplicité ou de leurs plus somptueuses tenues de célébration.

Elle construit une matriarchie superbe et universelle de Brooklyn aux rues de Séville, des dimanches à Arles aux barrios de Mexico ; là où la mort et la fête se mêlent comme une évidence.

Commissaire de l’exposition Estelle Rouquette. Scénographie Studio Cécile & Thibault.

Exposition présentée au musée de la Camargue. Portrait Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

En haut

Luisa, série Flamenca, 2019.

En bas Juan-Francisco, série Flamenca, 2019.

LES SATELLITES GRAND ARLES EXPRESS

AVIGNON

COLLECTION LAMBERT JÉRÔME TAUB PURPLE AMERICA

La série Purple America naît d’un projet de voyage visuel au cœur de l’Amérique. Avec cet anti-roadtrip à travers les États-Unis n’empruntant que les Interstates, l’artiste déploie une vision polymorphe qui convoque à la fois l’esthétique du documentaire, la photographie conceptuelle ou la lumière d’un cinéma d’avant-garde en même temps qu’il les tient à distance ; comme si persistait en surface un système de références commun propre à l’imagerie américaine que l’artiste nous rappelle pour mieux le dépasser. Commissaire de l’exposition : Stéphane Ibars.

ASSOCIATION JEAN VILAR

CÔTÉ JARDIN

JEAN VILAR ET AVIGNON, PROMENADE PHOTOGRAPHIQUE AU JARDIN DES DOMS

Il y a cinquante ans, Jean Vilar nous quittait. Il laissait Avignon, son festival, ses acteurs, son public comme orphelins. Côté cour, l’aventure s’est poursuivie, réinventée. Agnès Varda, l’amie sétoise, Maurice Costa, le fidèle témoin local et de nombreux autres photographes nous révèlent l’autre côté du plateau, les coulisses des nuits avignonnaises : le travail, l’esprit d’équipe, la fatigue, le jeu, le repos, la famille, et toujours la présence clairvoyante de Jean Vilar qui dirige et invente en toute nécessité, le théâtre sous le soleil, le théâtre loin de Paris.

Commissaire de l’exposition : Jean-Pierre Moulères assisté d’Adrian Blancard et Margot Laurens.

MOUGINS LE CENTRE DE LA PHOTOGRAPHIE DE MOUGINS ISABEL MUÑOZ 1001

Reconnue internationalement, Isabel Muñoz se distingue par l’emploi de formats extra-larges et par ses tirages au platine. La série Japon est le résultat de sept voyages réalisés entre 2017 et 2020. Photographies inédites pour la plupart, où l’on découvre une galerie surprenante de personnages qui, tous, conservent la trace d’un enracinement dans une culture alternative japonaise, entre respect et dépassement de la tradition.

Commissaire de l’exposition : François Cheval

LE CENTRE PHOTOGRAPHIQUE MARSEILLE CAMILLE FALLET FOR WHOM THE BELL TOLLS (GO)

Si vous regardez Glasgow en vue aérienne, elle vous semblera bombardée. Ce qui fut la deuxième ville de l’Empire britannique, son grand port du métal, de la construction navale et de l’ingénierie ferroviaire, n’est plus aujourd’hui qu’une ruine restaurée à la sauvette. J’ai photographié Glasgow pour l’essentiel à la chambre photographique 4 × 5 en m’attachant à ce que chaque lieu et objet que je transcris le soit comme l’indice le plus exemplaire et le plus éclatant de son esprit.

Commissaires de l’exposition : Christophe Asso, Camille Fallet et Érick Gudimard. Exposition coproduite par le Festival Photo Marseille.

MUCEM ILARIA TURBA LE DÉSIR DE REGARDER LOIN

L’exposition d’Ilaria Turba s’est nourrie des trois années de travail réalisé à l’invitation du Zef-Scène nationale de Marseille. Elle y relie le désir avec la vue et la recherche d’horizons nouveaux. Pour l’artiste, ce sentiment parle d’une volonté collective de changement, dans un moment de crise mondiale, qui passe par l’individu et sa capacité à s’orienter autrement dans son quotidien.

Commissaire de l’exposition : Émilie Girard.

FRAC PROVENCEALPES-CÔTE D’AZUR KATIA KAMELI ELLE A ALLUMÉ LE VIF DU PASSÉ

Elle a allumé le vif du passé est une exposition monographique de l’artiste et réalisatrice franco-algérienne Katia Kameli. Sa pratique se fonde sur une démarche de recherche : le fait historique et culturel alimente les formes de son imaginaire plastique et poétique.

CLARISSE HAHN LOS DESNUDOS

« Los Desnudos », c’est un groupe de 400 paysans mexicains que le gouvernement a chassés de leurs terres. Ils réclament justice depuis des années, mais personne ne fait attention à eux, comme s’ils n’existaient pas. Ils ont alors réfléchi à une nouvelle forme de lutte, pour mettre fin à cette indifférence : ils manifesteront entièrement nus dans les rues de Mexico, deux fois par jour, jusqu’à obtenir gain de cause.

Commissaire de l’exposition : Eva Barois de Caevel.

NÎMES

BIBLIOTHÈQUE CARRÉ D’ART

MICHEL GLAIZE CONVERSATIONS AVEC MUYBRIDGE

Dans Conversations avec Muybridge, Michel Glaize offre une interprétation contemporaine de la série Animal Locomotion produite par Eadweard Muybridge de 1872 à 1885, et surtout de l’expérience intime du triangle modèle-auteur-spectateur au sein de cette série de décomposition de mouvements. Cette installation pluridisciplinaire et interactive invite ainsi le public à une expérience tangible de complicité avec le célèbre photographe britannique, après en avoir rappelé la place singulière dans l’histoire de la photographie.

CARRÉ D’ART TARIK KISWANSON MIRRORBODY

Le travail interdisciplinaire de Kiswanson englobe la sculpture, l’écriture, la performance, le son et la vidéo. L’exposition que lui consacre le Carré d’Art rassemble des œuvres qui abordent des questions de déracinement, de transformation, de multiplication, de désintégration, de mémoire et de temps – autant de considérations centrales dans l’exploration continue par l’artiste de la condition humaine.

Commissaire de l’exposition : Jean-Marc Prévost.

JEFF WEBER

En 2013, Jeff Weber entreprend un voyage initiatique avec l’artiste Snejanka Mihaylova en vue d’étudier le christianisme copte et plus spécifiquement sa composante gnostique. Cette idée de la gnose comme cheminement personnel vers la connaissance est entrée en résonance avec son projet photographique Tentative d’une Épistémologie Personnelle qu’il poursuit depuis 2009 et qui constitue une tentative de définition du lieu paradoxal où opère l’artiste, au croisement entre savoir objectif et expérience intime. Le corpus des photogrammes abstraits Untitled (Neural Networks) résulte quant à lui d’une spéculation sur l’activité neuronale et sa transposition dans un circuit numérique.

Commissaire de l’exposition : Jean-Marc Prévost.

SAINT-RÉMYDE-PROVENCE

MUSÉE ESTRINE

MICHEL SIMA FRANÇOISE GILOT, PABLO PICASSO

DANS L’ŒIL DE MICHEL SIMA

Michel Sima, Polonais d’origine, débarque à Paris au début des années 1930 pour y suivre des cours à la Grande Chaumière. Sculpteur mais également photographe, il se lie d’amitié avec de nombreux artistes de Montparnasse, Picasso, entre autres... Sima sera le témoin privilégié de sa vie dans le Sud avec Françoise Gilot et leurs enfants. Ce sont quelques-uns de ces clichés exceptionnels qui seront présentés en écho à l’exposition consacrée à Françoise Gilot.

Le Centre de la photographie de Mougins, Isabel Muñoz, Sans titre, 2017.

FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur, Clarisse Hahn, Los Desnudos, série Notre corps est une arme, 2012, vidéo, couleur, sonore, 16/9, 13 min. Collection Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur.

Carré d’Art, Jeff Weber, Snejanka Mihaylova (église SainteBarbara), Le Caire, 2013. Avec l’aimable autorisation de la galerie Erna Hecey et de l’artiste.

En haut

Mucem, Ilaria Turba, Collectif Jeunes de la Busserine, 2019, Marseille, série Le Désir de regarder loin

En bas

FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur, Katia Kameli, La Tortue et les deux canards, 2016.

Photographie d’Aurélien Mole. ADAGP, Paris, 2021.

En haut

Association Jean Vilar, Maurice Costa, Jean-Pierre Darras et Philipe Noiret, jour de relâche à Tout-Vent, Sorgues, 1959.

En bas

Carré d’Art, Tarik Kiswanson, Passing, 2020.

Photographie de Gunter Lepkowski. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et carlier | gebauer.

Centre photographique Marseille, Camille Fallet, Man waiting for a delivery in front of an old entrance along railway bridge, Dubarton Road, [Un livreur attend adossé à une vieille porte d’entrée le long du pont de chemin de fer sur Dubarton Road], Glasgow, 2019.

Pages précédentes Collection Lambert, Jérôme Taub, Diptyque 03, Sans Titre, Saint Joseph, Missouri, 04/05/18 / Saint George, Utah, 23/05/18.

En haut

En bas

Musée Estrine, Michel Sima, Michel Sima dans l’atelier de Pablo Picasso, château Grimaldi, 1946.

Bibliothèque Carré d’Art Michel Glaize, Muybridge, trace contemporaine #2.

ARLES & C o.

NOS COUPS DE CŒUR HORS PROGRAMME

(Tarif privilégié sur présentation du forfait des Rencontres).

ASSOCIATION DU MÉJAN JEAN-PIERRE FORMICA

L’ÉMERGENCE DU VISIBLE

Jean-Pierre Formica présente sur les deux étages de la chapelle du Méjan un monde plongé dans la mémoire fait de sculptures de sel, de céramiques et bien sûr de peintures. On y découvrira les derniers grands formats Dedans Dehors et des installations in situ telle une archéologie contemporaine.

→ Mai — 15 août

MUSÉE RÉATTU

GRAZIANO ARICI

NOW IS THE WINTER OF OUR DISCONTENT

Le musée Réattu présente une sélection du travail personnel de Graziano Arici faite parmi des séries emblématiques – Carnival, Intérieurs, Angels, Als der Kind War, The Winter of Our Discontent, Lost Objects, The State of Things, Le Grand Tour, The Heart of Darkness – réalisées entre 1979 et 2020, soit près de 400 images d’une archive du monde, un « état des choses ».

→ Juin — octobre 2021

DOROTHEA LANGE

LES RAISINS DE LA COLÈRE, LA DONATION SAM STOURDZÉ

En 1998, l’hôtel de Sully à Paris accueillait l’exposition Dorothea Lange dont le commissariat était alors assuré par Sam Stourdzé. Il avait fait réaliser pour l’occasion 36 tirages argentiques d’après les négatifs conservés par le Oakland Museum of California. Particulièrement attaché à Arles, Sam Stourdzé a proposé de faire don de ces tirages au musée Réattu. Ils couvrent la période 1933-1940, des premières photographies de rue réalisées par Dorothea Lange à San Francisco jusqu’aux ensembles correspondant aux missions qu’elle remplit à partir de 1935 pour la Resettlement Administration.

→ Juin — octobre 2021

En haut à gauche

Dorothea Lange, Migrante mère de famille. Cueilleuse de petits pois. Sans ressources. Mère de sept enfants. Âge : 32 ans, 1936 (tirage moderne).

The Dorothea Lange Collection, Oakland Museum of California.

En haut à droite

Graziano

En bas

Jean-Pierre Formica, Garçons et filles, 2009.

Arici, série Le Grand Tour, Venise. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

SEMAINE D’OUVERTURE

Liz Johnson Artur.

NUITS ET JOURS

DANS TOUTE LA VILLE, JOUR ET NUIT, PHOTOGRAPHES ET COMMISSAIRES DU PROGRAMME RENCONTRENT LE PUBLIC LORS DE SOIRÉES DE PROJECTIONS ET DE DÉBATS.

LES NUITS AU THÉÂTRE ANTIQUE

LUNDI 5 JUILLET

PRIX DU LIVRE

PHOTO TEXTE, HISTORIQUE, AUTEUR

Les lauréat·e·s des meilleurs ouvrages photographiques publiés pendant l’année.

Grand partenaire des prix du livre : Fondation Jan Michalski pour l’écriture et la littérature.

Avec le soutien de la Fnac pour le prix du livre d’auteur.

ALMUDENA ROMERO

La lauréate de la Résidence BMW emploie le végétal comme matière photographique et critique le flux d’images.

Par BMW Art & Culture, avec le soutien de GOBELINS, l’école de l’image et de BenQ France.

SABINE WEISS

Hommage à la lauréate du Prix Women In Motion 2020, qui, à 96 ans, se revendique toujours comme photographe-artisan plutôt qu’artiste.

PRIX WOMEN IN MOTION

POUR LA PHOTOGRAPHIE 2021

LIZ JOHNSON ARTUR

Kering et Les Rencontres d’Arles décernent à Liz Johnson Artur la troisième édition du Prix Women In Motion pour la photographie. Le travail de Liz Johnson Artur s’inscrit dans un processus d’engagement et de rencontres.

BERTRAND BELIN TRIO

À l’occasion de la 52e édition des Rencontres d’Arles, l’auteur-compositeur et interprète Bertrand Belin offre au théâtre Antique une expérience unique et singulière en revisitant en musique la programmation du festival.

JEUDI 8 JUILLET

PRIX PICTET

Présentation des artistes sélectionné·e·s pour la neuvième édition du prix dont le thème est le feu.

PRIX DE LA PHOTO MADAME FIGARO

ARLES 2021

Ce prix dédié aux femmes photographes vient récompenser le travail d’une artiste de la programmation des Rencontres d’Arles.

COLLECTIONS PHOTOGRAPHIQUES DE LA CROIX-ROUGE

Prémices à l’exposition Un monde à guérir qui sera présentée à Genève en 2021 puis à Arles 2022, une plongée inédite dans les archives photographiques du Mouvement international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge.

Avec le soutien de la Confédération suisse, du canton et de la Ville de Genève.

PHOTO SLAM !

Les Rencontres d’Arles ont invité Antwaun Sargent, auteur et commissaire de l’exposition The New Black Vanguard à orchestrer le premier Photo Slam mondial. Suite à un appel à participation, le plus ouvert et inclusif possible, lancé auprès des photographes émergent·e·s, les sélectionné·e·s ont l’occasion de montrer leur travail sur la scène du théâtre Antique avec la plus grande liberté. Avec le soutien de Konbini.

SAMEDI 10 JUILLET

LUMA RENCONTRES DUMMY BOOK AWARD

Prix qui récompense la meilleure maquette de livre.

Avec le soutien de la Fondation Luma.

PRIX DÉCOUVERTE LOUIS ROEDERER

Les Rencontres d’Arles associent le Prix Découverte Louis Roederer aux galeries, centres d’art, espaces associatifs, lieux indépendants et institutions. Les onze projets retenus cette année interrogent et repensent les techniques et les genres et témoignent d’une préoccupation pour le corps, son ancrage dans le monde, autant que pour la matérialité et l’histoire de la photographie.

Avec le soutien de la Fondation Louis Roederer et Polka.

LE LIVE MAGAZINE DES RENCONTRES

Live Magazine est une idée folle, un spectacle unique et éphémère. C’est sans doute l’ingrédient de son succès. En inventant un journal vivant, en faisant monter des photographes, des journalistes, des artistes sur scène, Live Magazine redonne toute leur puissance aux histoires vraies : leur capacité à captiver, à transmettre de l’émotion, à embarquer un public. Sur la scène du théâtre Antique, ils et elles racontent en images, en sons ou à voix nue, une rencontre inoubliable, une passion dévorante, une enquête menée pour la première fois. Des récits 100 % inédits, 99 % vrais.

LE JOUR

PHOTO FOLIO REVIEW

Lancé en 2006, Photo Folio Review propose des lectures de portfolios pendant la semaine d’ouverture du festival. L’événement est ouvert sur inscription et  s’adresse aux photographes professionnel·le·s, étudiant·e·s en école de photographie ainsi qu’à tout·e amateur·rice ayant déjà une pratique avancée de la photographie. Les lectures sont effectuées par des expert·e·s venu·e·s du monde entier. Chaque année, ils votent pour leur portfolio favori et élisent un·e lauréat·e dont le travail est exposé l’année suivante. Cette année, en raison du contexte sanitaire, les Rencontres ont fait le choix de proposer, exceptionnellement, des lectures de portfolios en ligne.

Photographie de Romain Protin.

PRIX WOMEN IN MOTION

LIZ JOHNSON ARTUR

LE PRIX WOMEN IN MOTION ET LE WOMEN IN MOTION LAB

Décerné au cours d’une soirée au théâtre Antique d’Arles, le 5 juillet, le Prix Women In Motion, vient saluer la carrière d’une femme photographe remarquable. Ce prix est doté d’un montant de 25 000 euros en acquisition d’œuvres de la photographe lauréate qui iront enrichir la collection des Rencontres d’Arles. Il a été remis, pour sa première édition en 2019, à Susan Meiselas, et, en 2020, à Sabine Weiss. À ce prix s’ajoute le Women In Motion LAB, dédié ses deux premières années à un projet de recherche sur la place des femmes dans l’histoire mondiale de la photographie.

Le travail de Liz Johnson Artur s’inscrit dans un processus d’engagement et de rencontres. Une fois prises, ses photographies, ses images ne sont pas finies, mais restent en mouvement constant. Elle crée des surfaces et des structures, essayant de visualiser un contexte, et la possibilité de vivre ces images également de manière tactile.

Elle s’intéresse beaucoup à la normalité, et fréquente ainsi les lieux publics qui sont accessibles à tous. Pour elle, la normalité signifie que, quel que soit votre milieu, il n’a pas d’importance. La normalité qui consiste à faire certains choix de vie est souvent réservée à un certain type de personnes, c’est pourquoi Liz Johnson Artur estime que la notion de normalité se doit d’être occupée, et que sa définition doit être renouvelée à tous les niveaux.

Elle ne travaille pas avec un sujet ; elle photographie des êtres humains.

« Oui, la plupart des personnes présentes dans mes archives sont noires, mais mes archives sont bien plus vastes que cela. » Elle aime se servir de son travail pour raconter des histoires, que ce soit dans un espace ou dans un livre. « Pour moi, ces histoires ne sont pas liées à qui je suis. Ce sont juste les choses que je vois. »

Ces dernières années, Johnson Artur a exposé une partie de ce qu’elle appelle ses « archives » à l’international, lors d’expositions personnelles au Brooklyn Museum à New York et à la South London Gallery à Londres (toutes deux en 2019), et lors d’expositions collectives, notamment aux Serpentine Galleries à Londres avec A Time for New Dreams de Grace Wales Bonner en 2019, à la 10e Biennale de Berlin en 2018, et à la Photographers’ Gallery en 2016.

Elle a reçu la bourse Turner en 2020, a été présélectionnée pour le prix de photographie Aimia AGO en 2017, et a obtenu la bourse Jane Lombard à la Vera List en 2018. Son travail fait partie de collections publiques et privées aux États-Unis et au Royaume-Uni, et sa monographie chez Bierke Verlag a été classée dans la section « Best Photo Books 2016 » du New York Times. Une nouvelle exposition personnelle aura lieu au FOAM à Amsterdam à l’automne 2021.

Le travail de Liz Johnson

Artur est présenté dans les expositions

Masculinités, La Libération par la photographie et The New Black Vanguard, Photographie entre art et mode.

Portrait Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Photographies de Liz Johnson Artur.

ÉDUCATION & FORMATION

De gauche à droite, et de haut en bas : Klavdij Sluban, Vee Speers, Ludovic Carème, Jean-Christian Bourcart, Yann Rabanier, Antoine d’Agata, Jane Evelyn Atwood, Stéphanie Lacombe, Jean-Christophe Béchet, Bertrand Meunier, Paulo Nozolino, Charlotte Abramow, Éric Bouvet, Léa Crespi, Ambroise Tézenas, Corinne Mercadier, Julien Pébrel, Claudine Doury, Frédéric Stucin, Jérôme Bonnet, Laurence Leblanc, Denis Rouvre, Olivier Metzger, Denis Dailleux, Aurore Valade, Ljubisa Danilovic, Françoise Huguier.

STAGES DE PHOTOGRAPHIE

L’échange entre les plus grand·e·s professionnel·le·s et les praticien·ne·s de tous niveaux est une constante depuis la création des Rencontres d’Arles. Les stages de photographie reflètent cette volonté depuis plus de cinquante ans et permettent chaque année à des photographes amateur·e·s et professionnel·le·s de s’engager dans une démarche personnelle de création, au plus proche des enjeux esthétiques, éthiques et techniques de la photographie.

Les Rencontres d’Arles sont un centre de formation professionnelle continue. En fonction de leur parcours, les participant·e·s peuvent bénéficier d’un financement par un organisme collecteur et différents dispositifs (AFDAS, FAFCEA, Plan de développement de compétences…).

Renseignements et devis : stage@rencontres-arles.com

Avec le soutien technique de Fujifilm.

WEEK-ENDS

MARS – OCTOBRE

Au fil de l’année des stages courts sont proposés les week-ends. De nombreuses thématiques sont abordées : la lumière, la ville, le portrait, le reportage… La direction de ces ateliers est confiée à : Romain Boutillier, Nicolas Havette, Aurore Valade, Yann Linsart, Florent Demarchez…

ACCOMPAGNEMENT À DISTANCE

TOUTE L’ANNÉE

Une expérience passionnante de deux mois pour développer sa pratique, qui alterne des moments d’échanges individuels et collectifs en ligne, aux côtés notamment de Bertrand Meunier, Jane Evelyn Atwood, Yann Rabanier…

STAGES PRINTEMPS ARLÉSIEN

AVRIL & MAI

Les thèmes proposés sont d’une grande diversité : portrait, reportage, expérience personnelle, narration, lumière, réalisation d’un livre de photographie…

Arles est un cadre de travail et un terrain de jeu idéal pour les photographes qui profitent de la lumière et des paysages exceptionnels de la Camargue à cette période. Ils réalisent jour après jour une série personnelle, en alternant séances de prises de vue et analyses des images.

Avec : Jane Evelyn Atwood, Paulo Nozolino, Claudine Doury, Vee Speers, Patrick le Bescont, Yann Rabanier, Klavdij Sluban, Laurence Leblanc, Jérôme Bonnet, Antoine d’Agata.

STAGES ÉTÉ

JUILLET — SEPTEMBRE

Un programme dense se déroule tout au long de l’été, rassemblant de grand·e·s photographes qui, pour la plupart, ont également été exposé·e·s aux Rencontres d’Arles. Photographes et pédagogues hors pair, plusieurs d’entre eux présent·e·s les années précédentes nous font l’honneur de venir de nouveau cet été.

Seront notamment présent·e·s : Corinne Mercadier, Julien Pebrel, Paolo Roversi, Françoise Huguier, Denis Rouvre, Jérôme Bonnet, Fannie Escoulen, Frédéric Stucin, Antoine d’Agata, Jane Evelyn Atwood, Klavdij Sluban, Léa Crespi, Éric Bouvet, Charlotte Abramow, Jean-Christian Bourcart, Patrick Le Bescont, Denis Dailleux, Bertrand Meunier, Jean-Christophe Béchet, Claudine Doury, Ludovic Carème, Stéphanie Lacombe, Yann Rabanier, Ambroise Tézenas, Christian Caujolle, Olivier Metzger, Fabienne Pavia, Mathieu Asselin et Ljubiša Danilović…

LA GALERIE DES PARTICIPANT·E·S

Les Rencontres de la Photographie font le choix de présenter en ligne une sélection de travaux réalisés par les participant·e·s lors des formations printemps et été. La volonté est simplement de donner à voir de nouveaux regards, avec la réelle envie de partager des projets construits avec passion, le temps d’une immersion photographique à Arles.

Les séries sont à retrouver sur workshopsgalerie. rencontres-arles.com

En haut

En bas

Photographie des Rencontres d’Arles, workshop avec Jérôme Bonnet.

Photographie des Rencontres d’Arles, workshop avec Patrick Swirc.

ÉDUCATION AUX IMAGES

DONNER À VOIR APPRENDRE À REGARDER

À l’heure du « tout image », sensibiliser les plus jeunes, leur apprendre à décrypter et porter un regard critique sur les images est un enjeu de citoyenneté et par conséquent un enjeu démocratique majeur dont l’utilité publique n’est plus à démontrer.

Conscientes de tout cela, les Rencontres d’Arles mènent depuis de nombreuses années une politique énergique et dynamique d’éducation aux images, grâce au soutien de nombreux partenaires institutionnels, privés et professionnels de l’éducation.

Depuis près de 20 ans, les Rencontres d’Arles ont ainsi développé de façon exponentielle leur offre en matière d’éducation.

De nombreuses actions de médiation et de formation sont ainsi menées tout au long de l’année. Parallèlement, des outils pédagogiques nomades ont été conçus pour accompagner au mieux cette mission sur l’ensemble des territoires, en métropole et outre-mer.

Le jeu Pause Photo Prose ou encore la plateforme d’éducation au regard Observer-Voir apportent ainsi, à un public toujours plus nombreux et curieux, des clefs de compréhension pour aborder en toute connaissance de cause le monde des images.

LES PARTENAIRES DES ACTIONS PÉDAGOGIQUES :

Ministère de l’Éducation nationale, Rectorats des académies d’Aix-Marseille et Nice, Direction régionale de l’Alimentation, de l’Agriculture et de la Forêt de Provence-Alpes-Côte d’Azur, Ministère de la Culture, Direction régionale des Affaires culturelles Provence-Alpes-Côte d’Azur, Région Sud Provence -Alpes-Côte d’Azur, Conseil départemental des Bouches-du-Rhône, ville d’Arles.

ATELIERS D’ANALYSE & DE CRÉATION S’APPUYANT SUR DES EXPOSITIONS DE LA PROGRAMMATION

#RÉVOLUTION

SMARTPHONES, RÉSEAUX SOCIAUX ET RÉVOLUTION. Comment témoigner d’événements majeurs à l’heure du 2.0. ?

Atelier pédagogique, mené par Juliette Agnel dans le cadre de la Saison Africa2020, autour de l’exposition Thawra ! Révolution ! Soudan, histoire d’un soulèvement avec les élèves de la classe de 3e D du collège Mistral à Arles.

UNE ANNÉE EN IMAGES

UNE RENTRÉE EN IMAGES : ÉDITION SPÉCIALE ANNÉE SCOLAIRE 2021/2022

En réponse à la situation sanitaire actuelle, les Rencontres d’Arles proposent une adaptation de leur événement pédagogique phare Une Rentrée en Images, événement qui consiste à accueillir traditionnellement chaque année au mois de septembre près de 10 000 scolaires au sein de leurs expositions.

Pour 2021, les Rencontres d’Arles ont fait le choix d’aller vers les établissements des académies d’Aix-Marseille et de Nice, en proposant sur le temps scolaire et à partir de l’automne prochain, un dispositif de sensibilisation aux images en lien avec la programmation du festival et les parcours d’éducation artistique et culturelle.

Pour sa première édition, ce dispositif s’appuiera sur les expositions de Sabine Weiss, Une vie de photographe et de Charlotte Perriand, Comment voulons-nous vivre ? Politique du photomontage

RESSOURCES

La plateforme numérique Observer-Voir, développée par les Rencontres d’Arles, propose gratuitement une offre pédagogique et des ressources en lien avec la photographie.

Elle met plus spécifiquement, à destination des publics scolaires et de la communauté éducative, un corpus de 36 photographies sélectionnées parmi les précédentes éditions du festival, des informations sur leurs auteur·rice·s, des pistes de réflexion et des propositions concrètes de séances d’ateliers ludiques à animer à partir de ce corpus. Il est également possible de laisser des retours d’expérience des ateliers menés.

Elle invite ainsi les usager·ère·s à aller au-devant et au-delà des images, en examinant le contexte de production mais aussi en s’interrogeant sur leur diffusion.

Elle propose également, à tous les publics, de nombreuses ressources et contenus permettant de mieux appréhender le monde de la photographie et son écosystème.

PAUSE PHOTO PROSE

UN JEU POUR OBSERVER, ÉCOUTER, ARGUMENTER ET GAGNER EN ÉQUIPE !

Conçu par les Rencontres d’Arles dans le cadre d’une expérimentation, en concertation avec les professionnel·le·s de la photographie, de la formation et de l’animation, le jeu Pause Photo Prose propose de se questionner sur l’origine des photographies, leur polysémie, leurs usages. Véritable déclencheur de curiosité, d’expression, d’attention et d’intelligence collective, il fait appel aux qualités les plus variées : rapidité, observation, esprit d’équipe.

FORMATIONS/ EXPÉRIMENTATIONS

RENCONTRES PROFESSIONNELLES DE L’ÉDUCATION AUX IMAGES

6 E ÉDITION 23 — 25 SEPTEMBRE

Les Rencontres d’Arles invitent chaque année des acteur·rice·s des champs culturel, éducatif, social et tous ceux et celles qui se questionnent sur l’éducation aux images à se retrouver pour trois journées de rencontres articulées autour de conférences, tables-rondes, ateliers de pratiques artistiques, d’expérimentations et de partages d’expérience.

FORMATIONS SUR MESURE & EXPÉRIMENTATION

TOUTE L’ANNÉE SUR TOUT LE TERRITOIRE

Les Rencontres d’Arles proposent chaque année, sur demande, des formations aux outils développés par le festival ou en cours d’expérimentation.

Ces formations, ouvertes à tou·te·s, touchent principalement les publics de la communauté éducative, des réseaux de lecture publique, de structures culturelles et du champ social.

ARLES HORS LES MURS

ITINÉRANCES DES EXPOSITIONS DES RENCONTRES

D’ARLES 2021 ‑ 2022

JIMEI x ARLES

INTERNATIONAL PHOTO FESTIVAL Xiamen (Chine).

→ 26 novembre 2021 — 3 janvier 2022

MAUVAIS GENRE COLLECTION SÉBASTIEN LIFSHITZ

Ryerson Image Centre, Toronto, Canada.

→ Janvier — Avril 2022

CHAPLIN ET LE DICTATEUR , L’HISTOIRE D’UN PETIT POISSON DANS UN OCEAN INFESTÉ DE REQUINS

Chaplin’s World, Corsier-sur-Vevey, Suisse.

→ 12 mars — 29 août 2021

Exposition Chaplin et Le Dictateur, l’histoire

d’un petit poisson dans un océan infesté de requins.

Hynkel rêve de devenir empereur du monde.

Avec l’aimable autorisation de Roy Export Co. Ltd.

JIMEI × ARLES

INTERNATIONAL PHOTO FESTIVAL

26 novembre 2021 — 3 janvier 2022

Jimei x Arles a été cofondé par Sam Stourdzé (directeur de l’Académie de France-Villa Médicis et ancien directeur des Rencontres d’Arles) et le photographe chinois RongRong (cofondateur du Three Shadows Photography Art Centre, premier centre chinois consacré à la photographie).

Chaque année, Jimei x Arles fait voyager une sélection d’expositions des Rencontres d’Arles en Chine et produit plus de 20 expositions de photographes chinois et asiatiques. En 2020, le critique et commissaire chinois Gu Zheng a été nommé directeur artistique de Jimei x Arles. Depuis sa création en 2015, ce festival est devenu un événement incontournable pour les amateurs de photographie de Chine et de toute l’Asie, attirant plus de 350 000 visiteurs au cours des six dernières années.

Pendant des siècles, Xiamen a été l’un des plus grands ports de Chine. De l’autre côté du détroit de Taïwan, connue pour l’île de Gulangyu et son architecture datant de l’époque coloniale, Xiamen est une ville dynamique et moderne qui abrite le monde de la mode indépendante en Chine. Les deux principaux sites du festival (dont le Three Shadows Photography Art Centre de Xiamen, ouvert toute l’année) sont situés à Jimei, le nouveau quartier d’affaires de Xiamen.

À travers son partenariat avec les Rencontres d’Arles, Jimei x Arles fait découvrir en Chine des photographes

internationaux tels que Raymond Cauchetier, Tom Wood, René Burri, Joel Meyerowitz, Matthieu Gafsou et Mathieu Pernot. Le festival est également une plateforme pour les jeunes photographes chinois. Chaque année, dix photographes de talent sont nommés pour le Discovery Award, menant à un prix et une exposition aux Rencontres d’Arles l’été suivant. En 2017, le festival a inauguré le premier prix dédié aux femmes photographes en Chine. La première lauréate était Guo Yingguang pour sa série sur les mariages arrangés, La Joie de la conformité. Pixy Liao a remporté le prix en 2018, représentant son point de vue sur la dynamique des relations homme-femme en posant avec son conjoint pour la série Une relation expérimentale. Luo Yang l’a remporté en 2019 avec la série Youth, qui documente la culture de la jeunesse chinoise contemporaine. Xu Xiaoxiao a reçu le prix en 2020 pour son œuvre Watering My Horse by a Spring at the Foot of the Long Wall, qui explore la relation entre la Grande Muraille et la Chine contemporaine. Chaque année, Jimei x Arles met en avant la scène photographique d’un pays d’Asie. Après l’Inde (2019), la Corée du Sud (2018) et l’Indonésie (2017), Jimei x Arles s’est concentré sur le Japon en 2020.

JIMEI x ARLES XIAMEN

SERENDIPITY ARLES GRANT 2020

LA BOURSE ARTISTIQUE LA PLUS PRESTIGIEUSE DE L’ASIE DU SUD

S’appuyant sur la vitalité des relations culturelles franco-indiennes pour stimuler la coopération régionale, Serendipity Arts Foundation et les Rencontres d’Arles ont créé une importante bourse pour la photographie, la vidéo et les nouveaux médias, une initiative soutenue par l’Institut français en Inde.

Serendipity Arles Grant (SAG) 2020 a désigné le gagnant de la prestigieuse bourse pour la photographie, la vidéo et les nouveaux médias en Asie du Sud : Purushothaman Sathish Kumar, de Kanchipuram, en Inde. Sathish Kumar bénéficie d’une bourse de 1 200 000 INR (environ 15 000 euros) pour développer son projet et le présenter aux Rencontres d’Arles en 2022. Le jury avait retenu dix dossiers parmi des centaines de candidatures

en provenance d’Afghanistan, le Bangladesh, le Bhoutan, l’Inde, le Myanmar, le Népal, le Pakistan et le Sri Lanka.

D’un montant exceptionnel, le dispositif vise à mettre en avant les artistes des pays susmentionnés, à stimuler la coopération régionale et à promouvoir les pratiques culturelles en Asie du Sud. Le jury de SAG 2020 était composé de divers représentants du monde des arts : Christoph Wiesner, directeur des Rencontres d’Arles ; Dayanita Singh, photographe et autrice ; Devika Singh, conservatrice au département d’art international de la Tate Modern ; Ravi Agarwal, artiste, activiste environnemental, écrivain et conservateur ; Smriti Rajgarhia, directrice de Serendipity Arts Foundation & Festival et Tanzim Wahab, conservateur et enseignant.

Purushothaman Sathish Kumar, série Town Boy

GÉNÉRIQUE

À PROPOS DE LUMA

En 2004, Maja Hoffmann crée la Fondation Luma en Suisse. Luma s’intéresse aux relations croisées entre l’art, la culture, les droits humains, les questions liées à l’environnement, l’éducation et la recherche. La fondation s’emploie à créer un espace où différentes disciplines se rencontrent, interagissent et influent les unes sur les autres. Cette vision s’exprime à travers le campus expérimental Luma Arles, un centre culturel qui offre aux artistes la possibilité de rechercher, réaliser et présenter de nouvelles œuvres en étroite collaboration avec d’autres artistes, des curateur·rice·s, des scientifiques, des innovateur·rice·s et le public.

Depuis 2010, Luma a commandité et présenté le travail de plus de 100 artistes, penseur·euse·s et innovateur·rice·s dans de multiples lieux de la cité arlésienne et supervise depuis 2013 la transformation du Parc des Ateliers, un ancien site industriel de sept hectares à Arles, situé à côté des fameux sites de la ville qui figurent sur la liste du patrimoine mondial de l’UNESCO.

Profondément ancré dans le territoire local, l’engagement de Luma génère et nourrit une dynamique porteuse et a acquis au fil des années une reconnaissance solide grâce à ses divers projets et programmes artistiques. Le Parc des Ateliers rassemble six bâtiments industriels historiques, dont cinq ont été réhabilités par l’architecte allemande, installée à New York, Annabelle Selldorf. La Tour Luma, bâtiment iconique du site conçu par l’architecte Frank Gehry complète la diversité des espaces dont la modularité permet de produire ou d’accueillir un programme artistique interdisciplinaire. Les jardins et le parc public environnants, dessinés par l’architecte de paysages Bas Smets, seront aménagés et permettront l’ouverture du parc des ateliers au public à partir de l’été 2021.

BMW ET LA PHOTOGRAPHIE CONTEMPORAINE

BMW Group est fier d’être partenaire des Rencontres d’Arles depuis 2010 et célèbre cette année un double anniversaire : 50 ans d’engagement culturel à travers le monde et les 10 ans de la Résidence BMW en France.

BMW Group France est mécène de la photographie pour offrir un lieu d’expression libre et favoriser l’émergence de talents. L’agilité, la créativité et l’innovation, sont les qualités essentielles pour photographier, comme elles le sont pour inventer une mobilité durable et responsable.

Chaque année, la Résidence BMW offre à un photographe émergent, choisi par un jury de personnalités reconnues, un accompagnement exclusif pour la réalisation d’un projet d’expérimentation.

Initiée en 2011, la Résidence BMW est née du souhait de favoriser les pratiques photographiques contemporaines et de se laisser étonner par de jeunes talents. Outre une bourse de 8 000 euros, le lauréat voit son travail exposé aux Rencontres d’Arles, à Paris Photo et dans un livre édité au sein de la collection BMW Art & Culture.

Pour cette nouvelle édition des Rencontres d’Arles, Almudena Romero, dixième lauréate, présente The Pigment Change au cloître Saint-Trophime.

« Partenaire de la création en devenir, nous donnons chaque année carte blanche à un artiste dont le projet ambitieux prend forme pendant la Résidence BMW pour être montré à Arles.

Almudena Romero a une démarche expérimentale et scientifique originale avec une réflexion engagée sur les rapports entre écologie et production. Sa recherche sur les changements pigmentaires est non seulement technique mais aussi d’une grande force visuelle. Son travail fait totalement écho avec la vision qu’a BMW Group de l’innovation et de la production qui se doivent toujours durables et respectueuses de l’environnement. », commente Vincent Salimon, président du directoire de BMW Group France.

La Résidence BMW est réalisée en partenariat avec GOBELINS, l’école de l’image, qui accueille le lauréat pendant trois mois et lui offre un accompagnement technique, pédagogique et matériel. BMW Group France participe à la politique d’égalité des chances initiée par GOBELINS et offre une bourse à deux étudiants chaque année pour financer leur scolarité.

C’est dans cet esprit d’engagement pérenne et de transmission que s’inscrit le partenariat entre BMW Group France et les Rencontres d’Arles.

Contact presse BMW France : Maryse Bataillard + 33 (0)1 30 03 19 41 maryse.bataillard@bmw.fr bmw.fr/artetculture

KERING | WOMEN IN MOTION

Groupe de luxe mondial, Kering regroupe et fait grandir un ensemble de maisons emblématiques dans la mode, la maroquinerie, la joaillerie et l’horlogerie : Gucci, Saint Laurent, BottegaVeneta, Balenciaga, Alexander McQueen, Brioni, Boucheron, Pomellato, Dodo, Qeelin, Ulysse Nardin, Girard-Perregaux, ainsi que Kering Eyewear. En plaçant la création au cœur de sa stratégie, Kering permet à ses maisons de repousser leurs limites en termes d’expression créative, tout en façonnant un luxe durable et responsable. C’est le sens de la signature du groupe : Empowering Imagination. Depuis sa création, Kering est engagé pour l’égalité femmes-hommes. Parmi ses initiatives, Women In Motion, programme lancé en 2015 par Kering, partenaire du Festival de Cannes, met en lumière la place des femmes et leur contribution inestimable à l’industrie du 7e art, avec pour ambition de mettre en lumière et soutenir concrètement les femmes du cinéma. Le programme s’est depuis étendu aux arts et à la culture, où les inégalités femmes-hommes sont encore trop présentes, alors même qu’ils sont l’un des vecteurs de changement les plus puissants.

Dans le domaine de la photographie, le programme a par exemple soutenu dès 2016 le Prix de la Photo Madame Figaro Arles et Jimei x Arles en Chine.

En 2019, Kering s’est associé aux Rencontres d’Arles en lançant à Arles le programme Women In Motion. Ce partenariat a pour ambition de contribuer à la reconnaissance des femmes photographes et à l’égalité femmes-hommes dans ce domaine artistique. Tout en continuant d’accompagner les jeunes talents à travers le Prix de la Photo Madame Figaro Arles, Kering a créé aux Rencontres d’Arles le Women In Motion LAB, un programme dédié, les premières années, à une recherche d’envergure sur la place des femmes dans l’histoire mondiale de la photographie, et a lancé le Prix Women In Motion pour la photographie qui salue chaque année la carrière d’une femme photographe emblématique.

Women In Motion est une tribune de choix pour contribuer à changer les mentalités, saluer les personnalités marquantes, et réfléchir à la place des femmes et à la reconnaissance qui leur est accordée dans les arts et la culture, tant il est vrai que la question des inégalités traverse aujourd’hui tous les domaines de la création.

Contacts presse : Emilie Gargatte +33 (0)1 45 64 61 20 emilie.gargatte@kering.com

Eva Dalla Venezia +33 (0)1 45 64 65 06 eva.dallavenezia@kering.com kering.com

LA FONDATION JAN MICHALSKI POUR L’ÉCRITURE ET LA LITTÉRATURE

La fondation Jan Michalski pour l’écriture et la littérature a été créée en 2004 à l’initiative de Vera Michalski-Hoffmann, en mémoire de son époux, afin de perpétuer leur engagement commun envers les acteurs de l’écrit. Pensée comme une petite cité, posée au cœur d’une nature inspirante, la fondation Jan Michalski développe de multiples activités visant à favoriser la création littéraire et à encourager le goût de lire. La bibliothèque, multiculturelle, multilingue et ouverte à tous les publics, présente aujourd’hui près de 70 000 ouvrages de littérature moderne et contemporaine. Sont également organisés dans l’auditorium divers événements culturels : rencontres littéraires, ateliers du polar, lectures, représentations théâtrales, concerts, performances, projections… La fondation propose en outre chaque année des expositions temporaires qui donnent à voir l’écriture, la littérature et le livre sous différents angles. Se déclinent ainsi des univers d’écrivains, l’histoire de courants et de genres, des travaux

d’artistes où l’écrit et l’image se côtoient. La résidence d’écrivains, conçue pour offrir un environnement propice à la création, accueille des auteurs, novices ou confirmés, venus de tous horizons pour débuter, poursuivre ou finaliser un projet d’écriture. Par ailleurs, l’attribution du prix Jan Michalski renforce la portée des actions de la fondation, distinguant chaque année une œuvre exceptionnelle de la littérature mondiale. La fondation encourage enfin de nombreux projets à caractère littéraire par l’octroi de subventions.

La fondation Jan Michalski offre ainsi un lieu de culture unique, tourné vers le monde, où se mêlent écrivains, artistes et public.

Fondation Jan Michalski pour l’écriture et la littérature En Bois Désert 10 CH-1147 Montricher fondation-janmichalski.com

LËT’Z ARLES (LUXEMBOURG)

Voilà déjà 4 ans que Lët’z Arles emmène un brin de la création luxembourgeoise aux Rencontres d’Arles. Association de soutien et de promotion de la photographie et des artistes liés au Luxembourg, Lët’z Arles offre chaque année à des artistes un dispositif de création et de diffusion complet. Cette bourse permet la production d’une exposition présentée dans la programmation associée des Rencontres, l’accompagnement des artistes par un commissaire durant plus d’une année, la publication d’un ouvrage et l’itinérance de leur exposition au Luxembourg. Acteur majeur de la photographie luxembourgeoise à l’étranger, Lët’z Arles œuvre également à la diffusion des productions des photographes luxembourgeois dans leur pays.

Pour l’édition 2021, les artistes Daniel Reuter et Lisa Kohl ont été sélectionnés pour leurs projets pensés pour la chapelle de la Charité par un jury international, composé de : Paul di Felice, Marta Gili, Danielle Igniti, Steph Meyers, Sam Stourdzé, Michèle Walerich et Christoph Wiesner, sous la présidence de Florence Reckinger-Taddeï.

Lët’z Arles est soutenue par le Ministère de la Culture du Luxembourg ; le Centre national de l’audiovisuel (CNA) ; le fonds stART-up de l’Œuvre Nationale de Secours Grande-Duchesse Charlotte ; l’initiative LuXembourg – Let’s make it happen et la Ville de Luxembourg.

L’association est placée sous le Haut-Patronage de Son Altesse Royale la Grande-Duchesse Héritière.

Plus d’informations sur : www.letzarles.lu

Facebook : @Letzarles

Instagram : @letzarles

FONDATION LOUIS ROEDERER

La Fondation Louis Roederer a été créée il y a 10 ans pour pérenniser la politique de mécénat menée par la Maison Louis Roederer depuis sa découverte émerveillée de la collection de photographies de la Bibliothèque nationale de France en 2003. Devenue « Grand Mécène de la Culture », la Fondation a complété son engagement fidèle en faveur de la photographie par un ardent soutien au Grand Palais et a choisi tout récemment de s’associer à la Villa Médicis.

Mais, en tous les mémorables moments de beauté qu’elle accompagne dans ces hauts lieux d’intelligence et de créativité, à travers la Bourse de la recherche photographique à la BnF, les Prix de la Révélation au cœur de la Semaine de la Critique à Cannes et au Festival du Cinéma Américain de Deauville, sans oublier le Prix Découverte aux Rencontres d’Arles, la Fondation Louis Roederer ne perd jamais de vue que la plus belle de ses vocations demeure l’intérêt qu’elle porte à l’éclosion des grands artistes de demain.

« Nous savions qu’il y avait un vrai sens à ce que la forte affinité entre notre Fondation et l’art de la photographie culmine à Arles où la photo déploie en toute liberté et dans tant de recoins inattendus la joyeuse suprématie d’un art si vivant. Cette année encore, nous reprendrons le chemin du théâtre Antique pour remettre à un photographe le Prix Découverte Louis Roederer et célébrer l’amitié qui aura guidé depuis sa création les choix de la Fondation. », déclare Michel Janneau, Secrétaire Général de la Fondation Louis Roederer.

Contact presse : L’art en plus +33 (0)1 45 53 62 74 Amandine Legrand a.legrand@lartenplus.com

LA SUISSE

Depuis 2015, la Suisse est partenaire des Rencontres d’Arles. Pourquoi ? Nos artistes et nos institutions n’ont-ils pas suffisamment de talent pour exister par eux-mêmes ? La nationalité doit-elle jouer un rôle dans la programmation du rendez-vous mondial annuel de la photographie ? Y a-t-il une photographie suisse à défendre comme une espèce protégée ?

Après ce partenariat, les photographes, les curateurs, les éditeurs, les écoles et les institutions seront encore à Arles, comme ils y étaient avant. Leur diversité et leur qualité trouveront leur place. Car s’il n’y a pas une photographie suisse, il existe sans doute des marqueurs communs : au-delà de la rigueur helvétique, la singularité, l’envie de comprendre au-delà du premier regard et le besoin de dialogue.

Ce dialogue entre une exposition et son public, mais aussi entre le photographe et son sujet. Ce dialogue qui fait de la Suisse, et en particulier Genève qui accueille tant d’organisations internationales, de l’ONU à la Croix-Rouge en passant par des ONG et des think tanks de tous bords, un endroit où l’échange doit se faire avec toutes et tous. En évitant les effets de filtres.

Depuis 2015, la Suisse, avec la Ville et le Canton de Genève, est partenaire des Rencontres d’Arles. Pourquoi ? Parce que le dialogue est essentiel et qu’il prend du temps. Le temps des Rencontres.

LOUIS VUITTON CITY GUIDE

Indicateur de tendances et prescripteur unique, attentif aux mutations qui agitent le cœur des cités, le City Guide Louis Vuitton explore depuis vingt ans les métropoles les plus en vue. Ce sont aujourd’hui trente villes qui font l’objet d’un regard décalé sur la mode, le design, l’art contemporain, la gourmandise ou la culture. À Paris, New York, Londres ou Tokyo, auteurs et invités venus de tous horizons s’autorisent une vision toute subjective, qui file des plus beaux hôtels aux meilleures tables, des lieux de mode les plus décalés aux lieux historiques les plus réputés.

Le City Guide Louis Vuitton fait escale à Arles et propose une édition en hommage à la ville camarguaise et à son festival de renommée internationale. Illustré de photographies inédites et diffusé en librairie, ce guide sera aussi disponible gratuitement dans l’App Store le temps des Rencontres.

Avec un catalogue d’une centaine de titres, les Éditions Louis Vuitton font figure de pionnières et se concentrent sur plusieurs collections tournées vers le voyage, l’art et la mode : guides urbains, carnets de dessins, albums photographiques, livres d’art et récits littéraires. Parce que le voyage est aussi un art de vivre, les Éditions Louis Vuitton installeront une librairie éphémère à la cave à manger « Le Buste et l’Oreille », au cœur de la ville d’Arles, pendant toute la durée du festival, animée de nombreuses rencontres et séances de dédicaces avec auteurs, artistes et photographes.

Contact Éditions Louis Vuitton

Julien Guerrier +33 (0) 1 55 80 38 75 julien.guerrier@louisvuitton.com

DUPON-RC GROUP

CONFIRME SON SOUTIEN AUX RENCONTRES D’ARLES

Dupon, membre de RC Group est le laboratoire photographique parisien, référent historique de la profession. Il a développé une complicité et un engagement fort auprès des photographes et des acteurs majeurs de la photographie.

Depuis 30 ans, RC Group concentre les compétences de plus de 400 collaborateurs dans les métiers de l’image, au service des plus grandes marques du luxe et de la mode. Le groupe conçoit les outils de communication et de promotion des marques sur les points de vente, physiques ou digitaux. Ses savoir-faire se concentrent autour de : la PLV, le print, les vitrines, le digital, et les objets promotionnels. Vingt sociétés, en France, en Europe et en Asie constituent le groupe.

Dupon-RC Group, dans la logique de son engagement, a décidé en 2020 de devenir partenaire à part entière des Rencontres d’Arles. Malgré les turbulences, il maintient son soutien et le confirme pour l’avenir.

Dupon et ses équipes, forts de leur expertise accompagnent les équipes des Rencontres pour contribuer au succès de l’édition de 2021.

Dupon soutient plus particulièrement une exposition phare de cette édition : The New Black Vanguard, célébration de la « Black Creativity » entre art et mode, exposition collective sous le commissariat d’Antwaun Sargent.

Cécile Dourmap, directrice générale de Dupon s’appuie sur les équipes de Dupon et de RC Group avec Didier Quilain, conseil en projets photographiques.

SNCF GARES & CONNEXIONS RÉVÉLATEUR DE CULTURES

Fidèle aux Rencontres d’Arles, SNCF Gares & Connexions soutient le festival pour la 12e année consécutive en présentant quatre expositions en résonance avec sa programmation à Paris Gare de Lyon, Marseille Saint Charles, en gare d’Arles et à Avignon TGV.

En 2020, SNCF Gares & Connexions s’est engagé fortement pour permettre au festival d’exister malgré son annulation. Le projet Hexagone porté par les photographes Eric Bouvet & Yan Morvan, qui devait initialement être présenté à l’abbaye de Montmajour, a ainsi été exposé en exclusivité en gares d’Avignon TGV et de Paris Gare de Lyon. Des milliers de visiteurs et voyageurs ont pu découvrir leurs images saisissantes, portraits de Français d’aujourd’hui.

SNCF Gares & Connexions est le spécialiste de la gare, de la conception à l’exploitation, en passant par la commercialisation. Son ambition stratégique : donner envie de gare pour donner envie de train. Avec ses 3 000 gares françaises, ses 4 700 collaborateurs, SNCF Gares & Connexions s’engage pour ses 10 millions de voyageurs et visiteurs quotidiens à constamment améliorer la qualité de l’exploitation, inventer de nouveaux services et moderniser son patrimoine.

Depuis sa création, SNCF Gares & Connexions a choisi de mettre la vie culturelle des régions et des villes au cœur des gares : l’art est un élément essentiel à la vie, à l’enrichissement personnel et au mieux-vivre ensemble. En lien étroit avec les institutions et l’actualité culturelle locales, les gares deviennent ainsi des passerelles vers de nouveaux territoires, elles réinventent pour chacun la notion d’échange, de voyage et de déplacement.

Partenaire référent des plus grandes institutions et manifestations dédiées à la photographie, telles que le Jeu de Paume, LE BAL, Circulation(s), ImageSingulières ou encore La Gacilly, SNCF Gares & Connexions investit également les champs de l’art contemporain et de la musique. Au total, ce sont aujourd’hui plus de cent gares réparties sur l’ensemble du territoire qui animent tout au long de l’année le quotidien des voyageurs et des riverains.

Contact presse : Gaëlle Le Ficher +33 (0)6 17 50 92 53 gaelle.le-ficher@sncf.fr garesetconnexions.sncf/fr #artengare

Exposition Hexagone sur le parvis de la gare de Lyon – Été 2020. © David Paquin – SNCF Gares & Connexions

ARTE

PORTRAITS INTIMES ET POÉTIQUES

Partenaire indéfectible des Rencontres de la Photographie d’Arles, ARTE rend cette année hommage à Gisèle Freund et Hervé Guibert, deux légendes ayant chacune marqué leurs temps.

Le documentaire Gisèle Freund, portrait intime d’une photographe visionnaire dépeint la photographe, sociologue et écrivaine franco-allemande. Gisèle Freund fuit l’Allemagne nazie en 1933 et s’installe à Paris où elle deviendra la pionnière du portrait couleur des artistes et des écrivains. Rare femme reporter ayant intégré l’agence Magnum dès sa création, elle a été à la fois actrice et penseuse de la photographie. À la lueur des archives, la caméra de celle qui fut son amie explore ses photographies inédites, ses planches-contacts, ses reportages et ses écrits.

Hervé Guibert, la mort propagande raconte Guibert avec les images d’Hervé Guibert. Le film est un portrait intimiste dont l’écriture s’appuie exclusivement sur les photographies et les planches-contacts souvent inédites de l’écrivain-photographe, sur des films super-8 d’enfance et les 14 heures de rushes de La Pudeur ou l’impudeur, film-testament transgressif sur son sida et la déchéance de son corps. Le film est un hymne « guibertien » à l’amour, au corps, au sexe et au désir.

Réalisation Teri Wehn Damisch, Production ARTE France, Complices Films, 52mn, 2021.

Réalisation David Teboul, Production ARTE France, What’s Up Films, 64mn, 2021.

Photographie de Hervé Guibert.

FRANCE INTER

France Inter, première radio de France, avec près de 7 millions d’auditeurs quotidiens, sa matinale la plus écoutée et ses millions de podcasts mensuels, assume pleinement sa mission de chaîne généraliste du service public en fédérant un public toujours plus nombreux, dans un monde où l’individualisation de masse et la fragmentation sociale et culturelle s’accélèrent.

Plus qu’une radio, France Inter est aujourd’hui une hyper radio au cœur d’un écosystème puissant et multiforme.

Toute l’année, France Inter soutient la culture et va à la rencontre des plus grandes manifestations culturelles. C’est donc tout naturellement que la chaîne soutient cette année encore le grand festival de la photographie des Rencontres d’Arles.

France Inter, la radio des Festivals, à Arles sur 91.3

Contact presse : Marion Glémet +33 (0)6 23 18 31 74 marion.glemet@radiofrance.com

KONBINI

Konbini c’est le phénomène qui touche chaque mois une audience de plus de 27 millions de personnes en France ! Fondé en 2008 par Lucie Beudet et David Creuzot, Konbini a su s’installer auprès d’un jeune public qui s’est depuis largement élargi pour devenir le média de référence de la pop culture, de la news nationale et internationale, de la musique du cinéma et des arts en général, de la food ou encore du sport.

Présent sur toutes les plateformes, de TikTok à Instagram en passant par Snapchat ou Youtube, Pinterest et évidemment Facebook, Konbini s’adresse à tous les âges pour une jeunesse engagée vers son futur, mobilisée pour la planète, enthousiaste et curieuse du monde qui l’entoure. D’Emmanuel Macron à Kendall Jenner, de Catherine Deneuve à Adèle, de Selena Gomez à Amélie Nothomb, ce sont toutes les personnalités de l’actualité mondiale qui choisissent Konbini pour s’exprimer.

Avec son approche repensée du journalisme et des formats qui mettent la créativité au service du contenu, Konbini est aujourd’hui cité comme « la base » par les jeunes qui sont plus nombreux chaque jour à partager et commenter les vidéos et les articles du média.

Contact partenariats média : Simon Delpirou + 33 (0)6 61 81 59 83 simon.delpirou@konbini.com

LCI

Première chaîne d’information lancée en France, LCI accompagne depuis toujours les grands événements de la scène culturelle française au premier rang desquels figurent Les Rencontres d’Arles.

Pour cette nouvelle édition, la chaîne info du Groupe TF1 tient plus que jamais à apporter son soutien à cet événement incontournable pour tous les professionnels et amoureux de la photographie en France et à travers le monde.

Fondée en 1994, LCI fait du débat d’idées, argumenté et respectueux, une priorité de sa ligne éditoriale. Incarnée par de grandes signatures comme Pascale de la Tour du Pin, Elizabeth Martichoux, David Pujadas, Pascal Perri, Arlette Chabot et des éditorialistes reconnus, LCI tend à mettre en perspective des faits majeurs de l’actualité politique, économique, sociétale ou encore culturelle, avec le regard d’invités aux opinions plurielles et aux sensibilités multiples.

LCI est aujourd’hui une marque forte, reconnue sur tous les supports et sa déclinaison digitale lci.fr est l’un des premiers sites d’information en France.

Contact partenariats médias : Anne Baurez

+33 (0)1 41 41 45 62 abaurez@tf1.fr

LE POINT

Le Point, qui rassemble 1,6 million de lecteurs chaque semaine dans son édition hebdomadaire avec une audience numérique de plus de 11,4 millions de visiteurs uniques chaque mois sur ses plateformes, est fier d’accompagner les Rencontres photographiques d’Arles depuis 2007.

Lancées en 2016, les dynamiques « Rencontres / Le Point », quotidiennes, et animées par l’équipe éditoriale du Point et les différents services de la rédaction, offrent un regard journalistique, culturel, sociétal et géopolitique sur les travaux des photographes présents à Arles, réunis pour l’occasion et en public.

Toujours soucieux d’accompagner les innovations de son époque, et même de les devancer, Le Point est aussi très heureux de s’associer pleinement au festival Les Ailleurs, dédié à la réalité virtuelle. Pour cette 52e édition des Rencontres d’Arles, Le Point déploie un dispositif éditorial exceptionnel tout au long de l’été, à retrouver dans l’hebdomadaire et sur l’ensemble de ses plateformes numériques.

Contact relations publiques : Lola Wangler

+33 (0)6 72 11 44 08 lwangler@lepoint.fr

ADAGP

LE REGARD DU PHOTOGRAPHE

N’A PAS DE PRIX.

CE N’EST PAS UNE RAISON

POUR QU’IL TRAVAILLE À L’ŒIL !

Créée en 1953 par des artistes, l’ADAGP représente près de 200 000 auteurs de tous pays, dans toutes les disciplines des arts visuels : peinture, sculpture, photographie, architecture, design, bande dessinée, manga, illustration, graffiti, création numérique, art vidéo.

Forte d’un réseau mondial de près de 50 sociétés sœurs, l’ADAGP gère l’ensemble des droits patrimoniaux reconnus aux auteurs (droit de suite, droit de reproduction, droit de représentation, droits collectifs), pour tous les modes d’exploitation : livre, presse, publicité, produits dérivés, expositions, ventes aux enchères et en galerie, télévision, vidéo à la demande, sites Internet…

À travers son programme d’action culturelle, l’ADAGP encourage la scène créative en initiant et/ou en soutenant financièrement des projets propres à valoriser les arts visuels et à en assurer la promotion à l’échelle nationale et internationale. Pour soutenir et accompagner les artistes à des moments-clés de leur parcours professionnel, l’ADAGP a mis en place plusieurs aides :

— Chaque année, les Révélations ADAGP encouragent l’émergence des talents dans les domaines des arts plastiques, art numérique / art vidéo, art urbain, bande dessinée, design, livre d’artiste, livre jeunesse, photographie. Les lauréats reçoivent une dotation et bénéficient d’un portrait filmé et diffusé sur le site d’Arte.

— Les dix bourses annuelles « Collection Monographies » aident au financement du premier ouvrage monographique d’artistes membres de l’ADAGP en milieu de carrière.

— Pour contribuer à améliorer la visibilité des artistes de la scène française à l’étranger, les deux bourses annuelles « Connexion », aident

financièrement les lieux de diffusion français à concrétiser un projet de coproduction internationale ou la reprise à l’étranger d’expositions d’artistes de la scène française.

— Les bourses « Ekphrasis » répondent à la nécessité pour un artiste de disposer d’un texte de référence afin d’accompagner un portfolio, une candidature, une exposition ou une publication. En association avec l’AICA France et le Quotidien de l’Art, ces bourses annuelles permettent à 10 artistes de l’ADAGP de bénéficier d’un texte critique, publié dans le Quotidien de l’Art.

Aux côtés des Rencontres d’Arles depuis plus de 10 ans, l’ADAGP est présente pendant la semaine professionnelle pour répondre aux interrogations des auteurs. Des consultations juridiques gratuites au sein des Photo Folio Review, un stand d’information cour Fanton ou encore une photo de groupe des photographes et commissaires invités : l’ADAGP se place au cœur de la création photographique pour défendre au mieux les droits des photographes !

Vous aussi, rejoignez l’ADAGP et percevez vos droits d’auteur.

Contact : ADAGP

11, rue Duguay-Trouin, 75006 Paris +33 (0)1 43 59 09 79 adagp@adagp.fr adagp.fr

SAIF

POUR FAIRE ENTENDRE LA VOIX DES AUTEURS

Créée en 1999, la Société des Auteurs des arts visuels et de l’Image Fixe - Saif est l’une des plus jeunes des sociétés d’auteurs. Née de la volonté des auteurs souhaitant défendre collectivement leurs droits, la Saif est une société civile dont la mission est de défendre, percevoir et répartir les droits des auteurs des arts visuels. Elle regroupe aujourd’hui plus de 8 000 membres dont 5 500 photographes.

En raison de l’impossibilité pour un auteur de gérer seul les exploitations multiples qui sont faites de ses œuvres (photocopies de livres ou de magazines, prêts d’ouvrages en bibliothèques, copie des œuvres à titre privé notamment à partir d’Internet, de la télévision ou de votre smartphone…), la loi impose que ces droits soient perçus et répartis collectivement par des organismes de gestion collective.

Au titre des droits collectifs, ces différentes exploitations qui sont faites des œuvres génèrent des revenus supplémentaires qui sont reversés par la Saif aux auteurs.

La Saif gère également les autres droits d’auteur : — reproduction dans un magazine, un journal, un livre…

— diffusion des œuvres lors d’une exposition, d’une projection publique, sur Internet, à la télévision…

— droit de suite : une rémunération sur les reventes publiques des tirages originaux par des professionnels du marché de l’art.

La Saif est également habilitée à conclure des accords généraux avec les diffuseurs (Internet, télévision…) pour l’ensemble de ses auteurs. À travers sa banque d’images en ligne la Saif fait connaître les œuvres de ses membres et les diffuse dans le respect des droits.

L’action culturelle de la Saif soutient la création contemporaine, notamment la production d’expositions collectives, de manifestations culturelles, de projets éducatifs, de prix et de festivals dédiés aux arts visuels. Elle joue donc un rôle important dans la vitalité artistique et culturelle en France, c’est à ce titre qu’elle est heureuse d’accompagner Les Rencontres d’Arles depuis 13 ans ! Depuis sa création la Saif œuvre pour la protection et la défense du droit d’auteur et entretient un dialogue permanent avec les diffuseurs et les institutions nationales et internationales (ministère de la Culture, Parlement, CSPLA, Union Européenne…) pour faire entendre la voix des auteurs.

Contact : Saif 82, rue de la Victoire 75009 Paris +33 (0)1 44 61 07 82 communication@saif.fr saif.fr

TECTONA

MOBILIER DE JARDIN POUR LA VIE

Créé en 1977, Tectona s’est rapidement imposé comme « la référence » française du mobilier d’extérieur. L’évidence et la simplicité recherchée des formes, le choix exigeant des matériaux, la maîtrise d’un savoir-faire à la fois artisanal et technologique ont, dès l’origine, posé les fondamentaux de la marque. Précurseur, Tectona a ouvert ses portes aux designers dès les années 1990. À l’inspiration du « chic » britannique des débuts succèdent alors de nouvelles créations en phase avec l’évolution de la vie à l’extérieur. Depuis, si la durabilité du mobilier préside à toute création, les notions de légèreté, de facilité d’usage, d’optimisation des espaces ont enrichi le répertoire des formes. Emblématique de la marque, le style « classique contemporain » du mobilier Tectona accorde ses lignes fluides à l’art de vivre à l’extérieur. Discret et sobre, il intègre avec poésie l’environnement végétal des parcs et des jardins ; élégant, il humanise en douceur le paysage minéral des terrasses et des petits espaces urbains ; accueillant, il se prête aux heures de farniente, du bord de la mer au bord de la piscine ; généreux, il décline d’une saison à l’autre, le bonheur de vivre outdoor.

Ouvrir ses sens pour capter l’envoûtante lumière de Provence : le mobilier Tectona, mis à disposition des Rencontres d’Arles, invite les visiteurs à flâner et prendre le temps de s’imprégner de ces merveilleuses Rencontres.

+33 (0)1 47 03 05 05 tectona.fr

LES CAFÉS

MALONGO

Depuis 1934, Malongo commercialise pour les particuliers et les professionnels des cafés haut de gamme en provenance des meilleurs terroirs du monde, issus de méthodes traditionnelles d’agriculture pratiquées par les petits producteurs (arabicas d’altitude, cueillette à la main).

Depuis les plantations jusque dans la tasse des consommateurs, Malongo accorde à ses crus les plus grands soins : réguliers contrôles qualité, torréfaction lente à l’ancienne « en 20 minutes ». Respecter la terre et les hommes qui la cultivent est une valeur fondamentale de la marque, c’est pourquoi Malongo innove pour le développement durable, l’agriculture biologique et le commerce équitable – dont il est le premier intervenant français. La marque s’engage aussi pour la transmission des savoirs nobles liés au café par le biais de ses centres de formation et de sa fondation d’entreprise.

CHAMMAS & MARCHETEAU

MÉCÈNE DE COMPÉTENCE EN DROIT DU TRAVAIL

Chammas & Marcheteau, cabinet d’avocats indépendant pluridisciplinaire en droit des affaires, est engagé avec conviction et de manière durable aux côtés du monde de l’image et plus largement, de la création artistique.

Le cabinet, comptant en son sein des passionnés de photographie, a décidé de s’inscrire dans une démarche de mécénat de compétences auprès des Rencontres d’Arles, mettant à la disposition de celles-ci le savoir-faire de ses avocats.

À PROPOS DE CHAMMAS & MARCHETEAU

Créé il y a plus de 15 ans à Paris, Chammas & Marcheteau est un cabinet réputé qui compte aujourd’hui une quarantaine d’avocats.

Le cabinet propose un large éventail d’expertises, notamment, le corporate (fusions/acquisitions, private equity, structuration de fonds, droit des sociétés), le droit fiscal, le droit social, le droit des entreprises en difficulté, le droit des nouvelles technologies de l’information, des données à caractère personnel et de la propriété intellectuelle, et le contentieux y afférent.

Le cabinet intervient au profit d’une clientèle diversifiée (entrepreneurs, fonds d’investissements, institutionnelle et de grands groupes), sur des dossiers français et internationaux, s’appuyant à la fois sur le profil international de ses associés et sur un solide réseau de partenaires à l’étranger.

Avocat associé en charge du partenariat :

Jean-François Rage

+33 (0)1 53 42 42 50

jfrage@lcdm.law

www.lcdm.law

RIVEDROIT AVOCATS

MÉCÈNE DE COMPÉTENCE EN PROPRIÉTÉ INTELECTUELLE

Depuis sa création, le cabinet Rivedroit Avocats a choisi de prendre une part active à la promotion des arts et de la culture sous toutes ses formes. Rivedroit Avocats met ainsi son expertise juridique au service du festival depuis 2015.

L’équipe Droit de l’Art de Rivedroit Avocats a développé au fil des ans une pratique reconnue en propriété intellectuelle et plus particulièrement dans le secteur du droit d’auteur et des droits voisins.

« Nous sommes fiers et honorés d’accompagner sur le long terme les Rencontres d’Arles, qui constituent aujourd’hui un acteur incontournable du monde de la culture », explique Nicolas Maubert, associé fondateur du cabinet.

À PROPOS DE RIVEDROIT A.A.R.P.I.

Créé en 2009 à l’initiative d’avocats issus de grands cabinets parisiens, Rivedroit Avocats perpétue une tradition de l’excellence par l’engagement auprès de ses clients au sein d’une structure souple et dynamique.

Habitués aux environnements de travail multiculturels, les avocats de Rivedroit Avocats assistent leurs clients en France comme à l’étranger sur tous les aspects juridiques de leurs projets en misant sur la proximité dans leurs relations.

Avocat associé en charge du partenariat : Nicolas Maubert +33 (0)1 40 54 30 40  nicolas.maubert@rivedroit.com rivedroit.com

SAISON AFRICA2020

En s’associant à la Saison Africa2020 – dont les dates ont hélas dû être reportées –les Rencontres de la Photographie d’Arles ont accepté de se faire le relais de l’ambition principale de cette Saison : inviter les Français à regarder et comprendre le monde d’un point de vue africain.

Entre actualité et mémoire, engagement et témoignage, les quatre projets présentés illustrent la pluralité des approches et des esthétiques portées par des photographes du continent. Avec des propositions artistiques fortes, les Rencontres de la Photographie d’Arles contribuent ainsi en 2021 à rendre visible l’un des grands foyers mondiaux de la création contemporaine, le continent africain, et à mettre notamment en lumière la scène photographique soudanaise, peu représentée en France. Le travail des photographes choisis par des commissaires d’exposition originaires d’Afrique et de sa diaspora récente aborde chacun l’un des axes de la Saison Africa2020 : « Oralité augmentée », « Économie et Fabulation », « Archivages d’Histoires imaginaires », « Fiction et Mouvements (non) autorisés » ou encore « Systèmes de désobéissance ».

Avec le chapitre État d’esprit africain, Villes hybrides, le commissaire de l’exposition, Ekow Eshun (Angleterre/Nigeria), explore le travail de photographes qui s’intéressent à la question des métropoles africaines engagées dans une croissance sans précédent, en révélant à la fois les tensions et les possibilités que cela génère. La monographie consacrée à l’artiste sud-africain Pieter Hugo, centrée sur le portrait, montre la coexistence quotidienne de mondes

qui parfois s’ignorent et notre relation ambigüe avec la différence. Fulufhelo Mobadi (Afrique du Sud), lauréate de la première bourse de recherche curatoriale de l’Institut français en 2019, propose l’exposition Sibadala Sibancane de l’artiste Lebogang Tlhako (Afrique du Sud) qui porte sur la matérialité des souvenirs et le temps qui passe. Enfin, avec l’exposition Thawra !   Révolution ! Soudan, histoire d’une révolution, les commissaires Juliette Agnel (France) et Duha Mohammed (Soudan) présentent le fruit d’un partage de visions de photographes soudanais sur la révolution qui a traversé leur pays, des premières manifestations en décembre 2018 au sit-in en avril-juin 2019.

Projet panafricain et pluridisciplinaire initié par le Président de la République française, Emmanuel Macron, la Saison Africa2020 a fait le choix de centrer sa programmation sur l’innovation dans les arts, les sciences, les technologies, l’entrepreneuriat, l’économie. L’éducation est au cœur de la programmation, dans un souci de partage et de transmission des savoirs. Cette Saison mettra également à l’honneur les femmes dans tous les secteurs d’activité et ciblera en priorité la jeunesse. La Covid-19 nous a obligé à décaler les dates la Saison Africa2020. Je me réjouis néanmoins que, pour cette nouvelle édition, les Rencontres de la Photographie d’Arles offrent aux artistes et professionnels du continent la place qu’ils méritent, et remercie tous ceux qui ont contribué au maintien de leur présence à Arles cette année.

N’Goné Fall Commissaire générale de la Saison Africa2020

L’INA À ARLES

UNE ŒUVRE INÉDITE REALISÉE PAR SEBASTIEN LIFSHITZ

Créé en 1975, l’INA, entreprise publique audiovisuelle et numérique, collecte, sauvegarde et transmet le patrimoine audiovisuel français. L’institut est dépositaire de 20 millions d’heures de radio et de télévision.

Producteur de contenus, l’institut accompagne des démarches d’éditorialisation et de création multiples, mais qui toutes portent un regard singulier sur ce patrimoine commun que constituent les archives audiovisuelles.

C’est ainsi que la rencontre avec Sébastien Lifshitz, son approche engagée de nos archives, son souhait de travailler ici le motif (la confrontation des images, leur compilation, contradiction et jeux de miroirs), nous ont convaincus de produire Garçons sensibles

Ce film illustre la volonté forte de l’INA d’accompagner les auteurs dans leur réflexion et leur création autour de l’image.

Cette année encore, l’INA est le partenaire des Rencontres d’Arles. Et le projet imaginé ensemble pour la présente édition, le fruit de cette longue complicité.

REMERCIEMENTS

Les Rencontres d’Arles tiennent à exprimer leur gratitude à tou·te·s celles et ceux qui ont permis la réalisation des expositions de cette 52e édition.

Les Rencontres d’Arles remercient aussi chaleureusement les institutions qui se sont impliquées dans la réalisation de cette édition :

LE CONSEIL D’ADMINISTRATION DES RENCONTRES D’ARLES

Association loi 1901, à but non lucratif, dont le budget est constitué à 27 % de subventions publiques, 18 % provenant du mécénat et du partenariat, et 55 % des recettes de billetterie, boutiques et de vente de stages.

Bureau

Hubert Védrine, président

Françoise de Panafieu, vice-présidente

Marin Karmitz, trésorier

(Constance Rivière, secrétaire)

Membres de Droit

Ville d’Arles

Patrick de Carolis, maire d’Arles

Région Provence-Alpes-Côte d’Azur

Renaud Muselier, président du conseil régional Provence-Alpes-Côte d’Azur

Département des Bouches-du-Rhône

Martine Vassal, présidente du conseil départemental des Bouches-du-Rhône

Ministère de la Culture

François Quintin, délégué arts visuels, direction générale de la création artistique

Bénédicte Lefeuvre, directrice régionale des affaires culturelles

Provence-Alpes-Côte d’Azur

Institut français

Erol Ok, directeur général

École nationale supérieure de la photographie d’Arles

Marta Gili, directrice

Centre des monuments

nationaux

Philippe Belaval, président

Personnalités qualifiées

Maja Hoffmann, Françoise Nyssen, Florence Taddéi-Reckinger

L’ÉQUIPE

Directeur

Christoph Wiesner

assisté de Juliette Collomb

Directrice adjointe

Aurélie de Lanlay

assistée de Marie Couteux

ADMINISTRATION

Administratrice

Agnès Benichou

Chargée d’administration

Lisa Studer

PRODUCTION ARTISTIQUE EXPOSITIONS

Responsable production des expositions

Caroline Courrioux

Cécile Nédélec par intérim

Chargées de la production des expositions

Amélie Samson

Annaëlle Veyrard

assistées de Lucie Colleu, Armande Gallet, Clara Lassudrie-Duchêne

Régie des œuvres

Samuel Da Costa

Scénographie

Olivier Etcheverry

assisté d’Amanda Antunes et Diego Zavala Lizarraga

PRODUCTION ÉDITORIALE

Responsable communication et chargé de production des soirées

Aurélien Valette

assisté de Léa Drevon et Claire Pellé

Contenus éditoriaux

Julia Chiron

Conception graphique et édition

ABM Studio

Nicolas Ledoux

Jean-Luc Lemaire

David Longuein avec Carole Amrane

Fanny Bisiaux

Sophie Cornet et Manon Ferré

assistés de Laurie Paolin

Développement des sites internet

Timothée Rolin

Conception et développement de l’application mobile Art Book Magazine

Olivier Körner

Vincent Piccolo

Traductions et corrections des textes

Sophie Beaulieu

Nino Dufour

Charlotte Faraday

Joséphine Gross

Sophie de Kayser

Elaine Krikorian

Bronwyn Mahoney

Glenn Naumovitz

Juliane Nivelt

Béatrice Pépin

ÉVÉNEMENTS

DE LA SEMAINE D’OUVERTURE

Réalisation des soirées de projection

Laurent Perreau avec Caroline Lepage

Coordination semaine d’ouverture

Juliette Riou

Traductions simultanées

ILO interprétariat et traduction, Anita Saxena et son équipe

MEDIATION PÉDAGOGIE

Responsable du pôle pédagogie

Anne Fourès

Assistante projets pédagogiques

Magali Trinquier assistées de Natalia

Chatzigianni

Photo Folio Review

Marie Andrieu

assistée d’Adèle Mègemont

Enseignante détachée par le ministère de l’éducation nationale

Elsa Acosta

STAGES

Responsable des formations

photographiques

Fabrice Courthial

Chargé d’administration et de production des stages

Loïc Colomb

assistés de Lucille Bottier et Solenn Rouxel

Assistants maîtres de stage été

Lena Besson, Cassandre Colas, Antoine Denoual, Lucie Kerzerho, Valentin Russo

BILLETTERIES ET BOUTIQUES

Responsable des publics, billetteries et boutiques

Alice Charraix-Tullot

Camille Delalle par intérim

Chargé d’administration et de billetterie

Geoffroy Meyer

Assistante billetterie

Françoise Miclot

Assistants logistiques

Grégory Petillon et Vincent Johner

assistés de Aïnhoa

Piola-Urtizberea, Elorah Connil,

Hanaé Galeron, Maxence Vincent et une équipe de 24 agents de vente

ACCUEIL DES PUBLICS

Responsable des agents d’accueil

Olivier Colladant

Et une équipe de 84 agents d’accueil et agents SSIAP1

Secrétariat, accueil

Valérie Canavaggia

Agents d’entretien

Aïcha Remal, Samira

Achahbar et leur équipe

PRESSE ET PROTOCOLE

Relations presse

Agence Claudine Colin

Communication

Claudine Colin

Anne-Sophie

Decronumbourg

Anne Monéger-Laval

Alexis Gregorat

Marine Maufras du Chatellier

Cyril Bruckler

Chargée du protocole

Maud Denarnaud

assistée de Valentine Victor, Clémence Dumarest et  Hugo Rochette

Chargée des hébergements et transports

Alice de Parscau

assistée de Romane

Philippon, Gwenaël Messire, Marine Tarabola et l’équipe des chauffeurs

COMPTABILITÉ

Cheffe comptable

Anna Tetzlaff

assistée de Alexia Chirouse

Cheffe de caisse

Chloé Bousquet

MÉCÉNAT ET PARTENARIAT

Chargées de partenariats

Caroline Brun

Juliette Collomb

assistées de Margaux

Hannart, Lola Pagliai, Matthieu Prin et Walid Ghali

TECHNIQUE

Directeur technique

Antoine Cochain

Régisseur général

Patrice Falcot

Chargé d’administration

Maxime Potigny

Équipes des Rencontres d’Arles et des prestataires

Nawak et Ventilo, Idzia, Sud Side, Tchookar, Les 3 peintres.

Régisseurs

Mathieu Hengeveld

Willy Brodbeck

Menuiserie

Marine Lepeltier

Sophie Dones

Nicolas Barbera

Facundo Gastaldi

Frederic Valls

Montage

Franck Bilella

Emilio Cerda

Mario Bilella

Denis Brailleur

Mathieu Challier

Eric Escudier

Alexis Doussaint

Christophe Mineau

Victor Mineau

Nicolas Ternus

Mise en peinture

Véronique Ferré

Russell Child

Pierre Mathon

Gaël Monnereau

Sarah Tourniaire

Antoine Muller

Sébastien Abot

Thomas Hunninghaus

Hadrien Durand

Emmanuelli

Baptiste Lacombe

Géraldine Blin

assistés de Emilie Ballif

Constat des œuvres

Pierre-Emmanuel Nyeborg

Christine Sibran

Laura Quinonez Paredes

Riccardo Vecchiarelli

Guillaume Muller

assistés de Gaël Sillere, Louise Mutrel, Elsa Martinez

Chauffeurs Œuvres

Louis Perruchaud

Léo Aupetit

Accrochage des œuvres

Françoise Perronno

Cécile Peillon

Anne-Sophie Lemagny

Aurélie Jacquet

Quentin Carrière

Clémence Delabre

Marion Abeille

assistés de Tal Yaron, Lexane

Laplace, Marine Pistien, Juliette Sibran, Morgan

Quirion

Installation des wall papers

Juliette Barat

Victor Jaget

Sonia Mondon

Sacha Ertel

Serrurerie

David Benifla

Eric Proust

Signalétique

Gael Rodier

Christophe Laure

Diego Maraboli

Installations

audiovisuelles

Didier Herbert-Guillon

Thomas Josse

Vladimir Demoule

Benoît Camus

Mise en lumière

Étienne Esnault

Valentin Pinoteau

Jean Marc Remal

Fabrice Valenza

Sylvain Arrighi

Manutentionnaires

Martin Houée

Lucas Martinet

Tomas Wirobnik

Runners Chauffeurs

Alexandre Cassata

Remi Fernandez

Régie soirées et événements

Pascal Letenneur

Vincent Butori

Christophe Laure

Et une équipe de 5 techniciens

Photographie de couverture (détail) SMITH, Sans titre, série Désidération, 2000-2021.

Avec l’aimable autorisation de la galerie Les Filles du Calvaire.

Crédits photographiques des pages 1-4, 240-241, 280-281, 284-288

Anaïs Fournier, Rémy Tartanac, Aurore Valade.

Design ABM Studio.

Photogravure Terre Neuve.

Ouvrage reproduit et achevé d’imprimer en juin 2021 par l’imprimerie EBS à Vérone pour le compte d’Actes Sud, Le Méjan, place Nina Berberova, 13200 Arles.

© Actes Sud 2021 / Les Rencontres d’Arles 2021 pour la présente édition.

Dépôt légal juillet 2021.