Septiembre Nยบ 10
VI DO JO ATIVA OR IZA N R O BO CA S ESS OT M F U L O A IA R ER N D P A TOT POLIC I I A T L M T P RA JO LUD TO UN E O S I C B N A JA TAVO TH L M LOJ LITOS E I S RE RDE GU TI SM T EL T T N GA E A J S P ON O H N L A JO NNON REZ A A V SH AL A Y PIT R ALB FLO
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Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi Redacción: Victoria Clementi Andres Valdez Marina Miguel Eugenia Ceballos Rodrigo Pizarro Ariel Britos Guido Cambareri Lila Martínez Melisa Galli Tavo Ledesma Rocío Marruco Fotografía: Lila Martínez Laura Torres Rodrigo Pizarro
STAFF
IND
Pág. 10. La reina blanca del blues / Janis Joplin Pág. 16. “No trates de persuadirme voy a seguir en esto / Gustavo Ceratti Pág. 22. Rebelde Rocanrol / Pity Alvarez ahora Pág. 28. Joan Jett / Homenaje en su cumpleaños Pág. 34. Patti Smith / La madrina del punk Pág. 40. En ascenso / Flor Alba Pág. 44. 15 años sin Shannon Hoon / Homenaje
Pág. 50. Back in show Pág. 52. Una vuelta triunfal / Bon Jovi en Argentina Pág. 58. Eruca Sativa / Presentación de “Es”
E
DIC
Pág. 64. Dub de alto vuelo / Mad Professor en Córdoba Pág. 70. “Boluda total en café con ser” Pág. 76. El mató a un policía motorizado / Fiesta indie Pág. 82. El Reloj en Babylon / Crónica Pág. 88. Fiesta Sudaka en el abasto / Los Gardelitos
Happy Birthday John (09/09/1949 - 08/12/1980)
EDITORIAL
BIENVENIDOS Llegamos a la Lobo Suelto Nº 11 con muchisimo material para ustedes, cada vez nos agrandamos más y con todo el esfuerzo tratamos de mejorar cada mes. En este número te ofrecemos varios homenajes como a Janis Joplin, Joan Jett, Gustavo Ceratti, entre otros. Además cubrimos recitales y shows del mes de septiembre, apra que te enteres que pasó. Estuvimos en el regreso de Bon Jovi a la Argentina, Mad Professor, El reloj, Los Gardelitos y más. Por otro lado hicimos una división de la revista para que puedas leerla más cómodamente, por un lado lo que te contamos hasta ahora y por el otro una sección con discos, DVD’s de recitales y peliculas. Que la disfrutes! LOBO SUELTO
Como t sorte odos los m amos eses d corte sía de os remeri ta Cher noby s l Roc Esta k! vez d e Soda l fant Stere ástico o Fijat e com o par ticipa r!
40 Aﾃ前S SIN ELLA
LA REINA BLANCA DE L BLUES Por Victoria Clementi “Cuando canto me siento como enamorada. Es más que sexo. Es el punto en que dos personas llegan a eso que llaman amor por primera vez, multiplicado por todo el público”. Esta fue una de las frases que quedaran clavadas en el tiempo de la talentosa Janis Joplin. El pasado 4 de octubre se cumplieron cuatro décadas de la perdida de la cantante, menos de un año después de la muerte de Hendrix. Se fueron en una misma época varios de los estandartes del rock, que daríamos la vida por verlos en carne y hueso, pero que sólo podemos revivirlos en esos vinilos, CD’S o míticos recitales en cinta de cassette o DVD’s. Nadie pudo creer la noticia de que Janis Joplin había muerto de una sobredosis de heroína en Los Ángeles, donde había ido a grabar su nuevo disto “Pearl”. Se dice que era una droga de una pureza impecable, y que posiblemente haya había alguien más en la habitación, porque las jeringas habían desaparecido. Morir a los 27…
desde estas épocas se gestaba el “vive rápido, muere joven”. Una vida de amor y desamores, una mujer rebelde que buscaba a sus sueños y ser feliz, dicho por ella misma: “Aquí estoy, amigo, para celebrar una fiesta, la mejor posible mientras viva en la tierra. Creo que ese es también tu deber”.
Creciendo al ritmo del Blues Janis nació un 19 de enero de 1943 en Texas, sus padres hubieran querido que sea una buena maestra, pero los caminos la llevaron para otros destinos mas raros y recónditos. Ya en la secundaria comenzó a resaltar y diferenciarse del resto, se juntaba con jóvenes onda beat, lo que la convirtió en una marginada por los demás compañeros y la acusaban por ser amiga de los negros. En esta época fue que comenzó a familiarizarse con la música, en especial el blues y soul, y sus dotes artísticos comenzaron a aflorar naturalmente. Después de este período empezó a estudiar Bellas Artes, y en su tiempo libre cantaba en bares de la zona por lo que comenzó a hacerse conocida, aunque aún más le ocurriría al trasladarse a San Francisco. En esta ciudad hizo buenos contactos como Ron “Pigpen” McKerman, que luego sería su amante y más
tarde miembro de Grateful Death; y Jorma Kaukonen, futuro guitarrista de Jefferson Airplane. Es en esta etapa cuando inició el consumo de drogas y se hechó al abandono, hasta que en 1965 se enamoró de un hombre llamado Peter Leblanc, que la incentivó a sentar cabeza y le propuso matrimonio, por lo que volvió a estudiar a Texas, aunque tiempo después él la abandonó, lo que afectó profundamente a Janis. Irradiando talento Intentando superar la ruptura, la cantante volvió a San Francisco con un productor que conoció en Texas: Chet Helms y se unió en la banda Big Brother and Holding Company en el año 66’. Con este grupo grabó su primer álbum firmado por una discográfica y actuó con grandes personajes como The Grateful Death, Jefferson Airplane y Jimi Hendrix. El disco “Cheaps thrills” salio en
el 68’ y fue muy bien criticado; la personalidad de Joplin se respiraba en él, a través de su imponente voz y el sentimiento que irradiaba en cada canción. Pero como la prensa se centraba demasiado en ella y los gustos de Janis se inclinaban más al blues y el soul comenzaron roces con la banda, por lo que la dejó. Un nuevo grupo, en el año 69’, se formo junto a ella y se llamó “Kozmic Blues Band”. Con ella grabó un nuevo disco con el nombre “I got dem ol’ Kozmic Blues again mama!”, que no tuvo buena recepción en EE.UU., ya que era muy distinto a lo que venía haciendo. En abril partió con la banda a Europa, donde giro en varias ciudades con muy buen acogimiento de la gente, pero igual se sentía sola por lo que siempre decía: “Me siento tan inútil acá abajo, sin nadie a quien amar. A pesar que he buscado por todos lados, no puedo hallar a nadie que
me ame, que sienta mi cariño”, “En el escenario, le hago el amor a 25000 personas diferentes, luego me voy a casa sola”. Por esto se hundió en la heroína y a finales de ese mismo año decidió tomarse un descanso y dejó el grupo. En febrero del 70’ viajó a Río de Janeiro para respirar otros aires y conoció a David Niehouse de quien se enamoró y anduvo de aventura por las selvas de Brasil. Tiempo después de volvió junto a él a San Francisco. De regreso formó una nueva banda: Full Tilt Boogie Band, con los que congenió muy bien y tocaron en vivo un par de veces. Con ellos fue que comenzó a grabar ese último disco: “Pearl”. Desgraciadamente luego pasó lo que todos sabemos, y el disco se lanzó en el 1971 con mucho éxito, tanto que se mantuvo 14 semanas número uno en ventas. v
- Janis dejó en su testamento 10.000 dólares para que sus seres queridos organizaran una gran fiesta celebrando su muerte. - Dicen que se llevaba muy mal con Jim Morrison y que una vez quiso acosarla y ella le partió una
Curiosidades:
botella en la cabeza. - Sí se llevaba bien con Hendrix, con el que tuvo varios encuentros sexuales en los camerinos. - El legendario Jhon Lennon recibió, días después de la muerte de la artista, una cinta donde ella le cantaba el feliz cumpleaños. - La película La rosa (1979), protagonizada por Bette Midler, está inspirada en la vida real de Janis Joplin. - Amy Adams, la protagonista de Crepúsculo, encarnaría a Janis en una película biográfica sobre la cantante� Aunque no muchos confían en su actuación.
esperando signos
“NO TRATE S DE PERSU ADIRME VOY A SEG UIR EN EST O” Por Maria Miguel Todos sabemos por el momento que está pasando Gustavo Cerati, y no sólo Argentina entera, sino que gran parte de la América Hispana se encuentra conmovida aún, por el estado de salud de uno de los músicos más geniales que tiene nuestro país. Y como no lo hicimos antes, y ya lo hicieron todos los medios, Lobo Suelto, que forma parte de ese movimiento de la comunicación, le dedica desde sus hojas un espacio de fuerza y bendición a él, que con su música llenó de Magia y Fuerza Natural a más de uno. Evitar conmoverse es imposible, mucho menos prestando determinada atención a sus canciones. “Determinada”, porque cuando antes las escuchabas, las relacionabas a tu vida, o encontrabas cosas muy locas, pero en este momento la concentración implica entender un poco más a dónde puede estar
Gustavo en este momento… Su cuerpo está ahí, pero su alma en la magia de la vida, en un camino hacia encuentros inexplicables, o indudablemente, entre las abstractas melodías. Aún no sabemos que tan lejos lo llevará el Convoy espacial, y a Dios gracias porque con una mínima evolución que se da a conocer,
reforzamos la esperanza de que Gustavo, al menos “va a seguir en esto”. Cayendo un poco sobre la superstición, es impactante la sutileza con la que se encontraba conectado en algo inexplicable en este momento, pero que él sintió que tenía que escribirlo, dejando Signos de esperanza en cada palabra. Fuerza Natural es un conjunto de Magia que se amolda a todo lo que le está pasando a Gustavo, e indudablemente más de uno se apoya en eso para darle más y más fuerzas. Incluso desde la biografía de su página web, se asombran de que el día de
la presentación oficial del disco, una fuerte temporal impidió que se realizara, pero al día siguiente, el radiante sol les iluminó el camino para poder hacer efectivo el recital, o sea que las coincidencias de este tipo, indican algo totalmente especial. Es el disco más espiritual de todos, no el único, pero haciendo un repaso, lo anterior hablaba más de amor y cuestiones más reales de la vida, comparado a lo que encontrás en este último. Y como muchos han escrito por ahí en su facebook oficial, da la certeza de que esta muy conectado con Dios, pero no despidiéndose… nada de eso, si no en un previo diálogo interno para seguir en esto de verdad, y poder sobrepasarlo, ya que el viento sopla a su favor. Como un rezo a su deseo de seguir apostando a la vida como músico, porque muchos lo necesitan así, y de golpe y porrazo, como todas
las cosas del ser humano, suceden estas cuestiones inesperadas que logran llegar a la reflexión a más de uno, y unir las fuerzas de todos los que buscamos que Gustavo salga adelante. Y el último mensaje que él escribió en facebook, fue “Hoy Caracas! ������������ ultimo show de este tramo”… “este tramo” indica que hay más tramos por recorrer Gustavo. ¡Volvé pronto de ese viaje! Que tal como lo dijiste en tu canción, podés equivocarte, tenés todo por delante y nunca te sentiste tan bien… solamente son chicos del espacio que juegan en tu jardín. ¡Volvé! Conexión Sideral Encontrarse con él en uno de sus últimos recitales como solista, era una conexión exclusiva, un sonido impecable, sumado a ese espíritu positivo que derramaban él y toda
su banda, que por cierto, una de las mejores que tuvo, en la que por fin le pegó al ángulo con los coros (ya que venían errando bastante después de Ceci Amenábar), y se notaba el deseo de todos los músicos que lo acompañaban, por dejarlo bien parado. Desde sus corazones podían generar sensaciones de confort tan “especiales-espaciales”, diferenciadas de todas las bandas nacionales, estando él tan dotado de un talento
que iba más allá de todo, influenciado por todas esas músicas de otras partes de esta tierra, tan psicodélicas, electrónicas-pop y bien rockeras que lo dejaron ser. Y Soda Stéreo… vivir (y revivir para muchos), lo que hizo con una de las bandas más importantes del país, fue el mejor regalo de todos. Las luces del escenario, su combinada explosión de flashes con los sonidos de su guitarra, y la emoción de estar
de vuelta viendo a esos tipos que por un ciego orgullo y otras salsas, decían que nunca más se iban a juntar. Y cae el Sol, cantar y gritar Cae el Sol. Recordar todas aquellas épocas en las que nuestros padres también escuchaban Soda. Gustavo tenía la clave para sacarte de cualquier melancolía, y para hundirte en la dulzura, la clave que tienen los buenos músicos: la poesía en una canción.
Si algo queda claro es que lo disfrutaste Tan enamorado de la vida (y de muchas mujeres), transitó un camino por la música que lo llevó a trabajar con personas tan talentosas como él, creando piezas conceptuales dentro de la historia musical. Recorrió el mundo, lo contempló, lo disfrutó y lo dejó escrito. Una vida maravillosa, en la que lo mínimo que podía afectarlo, eran los conflictos con otros humanos, propios de cualquier persona. Se rodeo de fiestas, de fama, de ambientes buenos y malos. Tropezó con hermosas redes, y lo transmitió, con la capacidad de encontrar las palabras justas para cada momento. Es padre de dos hijos traídos al mundo por amor, disfrutó placeres que no muchos alcanzan, y ahora le tocó pasar por una prueba de fuego. Que sin lugar a dudas, en un camino de 51 años de vida, la experiencia, la
sabiduría y el conocimiento lograrán que la pase. Se bancó durante toda su carrera las típicas críticas que lo defenestraban, por “cheto glamoroso” lo mataron en vida con el cantito más conocido de los recitales de Rock, precisamente de ricoteros y fans de Sumo, que con bronca por la muerte de Luca, le tiraron la bola a él y no tenía por qué ligarla, ni nadie merece que le deseen la muerte ni en broma (con excepciones a la regla, del tipo “fraudes/hipócritas/políticos/ empresarios/mercenarios”). Dijo cosas cuestionables al respecto, mucho antes del cantito que lo mataba, y se creó otra división más: “Si escuchas los redondos, no escuchas Soda”… El más estúpido de los conflictos musicales, la música es música, y uno elige lo que quiere escuchar mediante un estado de ánimo reflejado en el momento que pasa cada uno, más la identificación
sentimental que busca generar la conexión musical. Y no escuchas lo que te diga la hinchada. Pero así es la “hinchada”. En el único lugar donde se desenlazan esos conflictos es en la madurez del corazón, la mente y el oído. Hay momentos para Patricio Rey, para Sumo y para Soda Stéreo… Y acá estamos deseando que no se vaya, como nunca antes, porque ese optimismo que lo caracterizaba, no se encuentra por cualquier lado. Si hay algo que queda claro es que “algo” existe… Podría ser un Lago en el Cielo, una conexión Universal, un Alma musical en pausa, un triste golpe para analizar como retomar lo que viene detenidamente, la ruta que indica
el destino o, con una mirada más terrenal/objetiva/científica, un músico ultra famoso y rico, que se golpeo fuerte con los excesos de todo tipo y está padeciendo las consecuencias de un accidente pronosticado, que se pudo haber evitado. ¿Quién lo sabe? Gustavo, Dios y el Universo, pero por ahora debemos esperar el próximo indicio desde la televisión.
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Por Melisa Galli
Drogas, robos, detenciones, enfrentamientos policiales, rebelión y desenfreno, son algunos de los ingredientes del cóctel que conforma al líder de Viejas Locas. Un vistazo a la vida y obra del músico, considerado por muchos como “el último héroe del Rock and Roll”. Lo dice todo el mundo: El rock está muerto. Pero a pesar de declaraciones de este tipo, podemos encontrar algunos Jedis que insisten en seguir
transitando ese camino contestatario y rebelde, que trazaron los pioneros del rock, tales como Charley García y tanguito. Y uno de ellos es sin lugar a dudas el cantante de Viejas Locas, Pity Álvarez. Su vida escandalosa y llena de incidentes violentos y oscuros, trascienden la música para acercarnos el retrato de uno de los últimos incomprendidos del escenario musical argentino. Personaje del año, amo y señor de hits que sonaron fuerte, tales como “esta saliendo el sol” con más de
15 mil discos vendidos, y “una vela”, canción que fue censura por el CONFER, este personaje controvertido nos viene a demostrar que no todo es cuestión de Rock and roll, sino también de actitud y rebelión, dos cosas que Pity derrocha sin preocuparse por herir sensibilidades. Dueño de un carisma avasallante y de un prontuario abultado, no duda en meterse en problemas con las autoridades, lo que ha llevado a Pity a verse envuelto en escándalos y episodios confusos, muchos de ellos relacionados con armas de fuego,
como el ocurrido el pasado 10 de Agosto, cuando baleo, al parecer de forma accidental a uno de sus productores musicales en la pierna, el cual debió ser internado en un hospital de Buenos Aires, por heridas leves. Si bien el productor dijo que la herida había sido producida por el líder de Viejas Locas, aseguró que se trato de un accidente, que el arma se disparó sin intención mientras el músico la manipulaba por diversión. No se presentaron cargos, pero estalló el escándalo. Otro incidente similar, señala al Pity como agresor de una de sus fans y su madre, a las cuales habría apuntado con la misma arma, la cual por cierto tiene permiso para portar. Sus cruces con la policía son numerosos, le llueven denuncias por agresiones y mal comportamiento, él mismo asegura que sus vecinos hacen todo para echarlo de su domicilio, ya
DESDE EL INFINITO
que el cantante tiene por costumbre jugar con su arma dando tiros al aire, lo que no lo convierte en un vecino modelo precisamente. La vida al Límite Vive como si cada día fuera el último, siendo que prefiere la vida, no le teme a la muerte, esta preparado para “que la Tierra nos trague a todos. Que se haga reversible. Que quede la corteza tirando fuego, enfriándose de nuevo” declaraciones como esta nos maravillan y nos aterran a la vez. El es como es, y se hace cargo de ello. ¿Será esa la razón por la cual sin ser la banda que más llena lugares en la escena del rock argentino, fue nombrado personaje del año? Y es que ser un contestatario irremediable no es poca cosa, compañeros… Nacido el 28 de junio de 1972 en el barrio porteño de congreso, comienza su carrera musical, como integrantes del cuarteto Viejas Locas, formado
por primera vez en el año 1986, pero que encontraría su formación definitiva recién en el año 1989, con Mauro Bonome, Bachi y Diego Cantoni. La banda debutaría el 3 de noviembre de 1990, convocando a 60 personas. Ya desde sus inicios, comenzaba a destacarse la presencia escénica de Pity. Además de los covers, tocaron dos temas de su autoría: “Descansar en paz” y “Buey”. Sin embargo, y pese a que la banda iba en ascenso, los problemas personales de Pity comenzaron a afectar al grupo, debido a sus adicciones a drogas duras, como la pasta base, que el mismo Álvarez confesaría tener en un programa de radio, años más tarde. Hacia finales del año 2000, decide separarse de su grupo. Intoxicados es la banda que nació tras la disolución de Viejas Locas y, al igual que ella, tiene como líder a Pity Álvarez.
El primer disco de ésta nueva formación se llamó “Buen día”; y según aseguró el mismo Pity, «las letras apuntan a lo social, a lo que pasa en la calle, lo que me pasa a mí o mis compañeros. También cosas que se ven en el lugar en donde vivís. Hablamos de cosas que sabemos, y eso está bueno porque es muy creíble». Pese a sus intentos por mantenerse sobrio y alejado de las drogas, tuvo que ser internado varias veces por sus familiares en clínicas de desintoxicación, tras el episodio que marcó un punto de inflexión en el consumo del cantante y alertó a mas de uno: un cóctel poco ortodoxo de drogas de distinta especie, entre las cuales se encontraría el viagra. El cantante llegó al hospital con una erección que llevaba 24 hs. de duración, y ponía el miembro del músico en serio peligro de ser amputado como consecuencia de una
necrosis muscular. Afortunadamente no fue necesario llegar a tal extremo, pero sin embargo los especialistas no pudieron impedir que sufriera daños irreparables: No podrá volver a tener una erección como consecuencia de la ingesta del nefasto cóctel. Aunque todo esto fue desmentido por el rockero, pero es la palabra de él contra la de los rumores. Luego de este episodio, que dejo a muchos con la boca abierta, el líder de Viejas Locas, banda que vuelve a rearmar luego de diez años de separación, fue internado en un Psiquiátrico por orden de un juez, para tratar y superar sus problemas
de adicción. Siempre en todo y todos hay cosas malas y cosas buenas, y en el caso de nuestro último héroe del rock, encontramos seguramente más de lo primero que de lo segundo. Pero también a uno de los últimos percusores del Rock, que apuesta al cambio y a las personas. Como el mismo lo describe “Me gustaría que todos formen sus propios pensamientos. Sería un mundo re artesanal. Una gran feria de lo humano. Una feria de pensamientos. Eso, para mí, es la nueva religión” un camino que, según Pity, todos debemos transitar. v
DANGER GIRL
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Por Ariel Britos Hace 52 años atrás, un 22 de septiembre de 1958 el mundo se encargaba de recibir a una de esas chicas malas que quedarían para siempre en la historia grande del Rock n Roll: Joan Marie Larkin, nombre con el que figura en su documento. Se mudó desde su Filadelfia natal hasta Maryland cuando contaba solo con 9 años y ya en la secundaria armó su primera banda junto a sus amigas. Sandy West, Micki Steele, Jackie Fox, Cherrie Curie junto a Lita Ford, otra niña prodigio del rock formaban parte de ese proyecto llamado: The
Runaways. Una banda de chicas que llegó a grandes objetivos en el último lustro de la década de los 70s. Grabaron cinco discos en 5 años, tuvieron mucho éxito en Europa, Japón, Canadá, y compartieron escenario con bandas de la talla de Cheap Trick y Van Halen pero nunca lograron pegar en los Estados Unidos, principalmente porque la prensa especializada las subestimaba ya que decían que una banda de chicas tan jóvenes nunca podrían hacer música “seria”. Después de haber sido el alma de esa banda de nenas rebeldes que soñaban llevarse el mundo musical
por delante, a fines de 1979 Joan Jett decide dejar la banda para continuar su carrera en solitario. Los constantes cambios de formación, sumado a las críticas de la prensa hicieron reaccionar a Joan y demostrarle al mundo que ella tenía mucho más para dar. A comienzos de los 80s, con nueva banda, (Joan Jett & the Blackhearts), nuevo productor (Kenny Laguna) y nuevo sello discográfico (Blackhearts records) se convertiría en la primera mujer en poseer una disquera propia y arrasar con todas las listas musicales de la época, en detrimento de las 23 disqueras que se negaron a distribuir
sus nuevos trabajos. El 20 de marzo de 1982, llegaría el primer éxito de Joan solista con “I love rock n roll” una canción que estuvo hasta el 8 de mayo en el puesto numero 1 de Billboard y cuyo disco ha vendido mas de 10 millones de copias en todo el mundo. Durante los 80s, Joan editó otros cuatro discos que no tuvieron mayor éxito en los Estados Unidos, pero que si seguían pegando mucho en Canadá y Europa, donde estaban todos los antiguos fans de The Runaways. Paralelamente su antigua compañera de banda, Lita Ford se convertía en una de las referentes femeninas del hard rock ochentero. En 1990, edita “The Hit List”, un excelente disco de covers, que la lleva nuevamente al exito mundial, incluso en su país de origen. “Love
Hurts”, tema original de los escoceses Nazareth convertida en una hermosa power ballad acorde a la época en la que fue redescubierta por Joan, es el punto más alto de este trabajo que incluye temas de Jimi Hendrix, Iggy Pop, The Doors, The Kinks y Sex Pistols entre otros. Actualmente en Estados Unidos, sigue en cartel la película que cuenta la rica historia de The Runaways, Con Dakota Fanning como Cherrie Curie y Kristen Stewart personificando a Joan. El filme cuenta como estas chicas la lucharon para abrirse camino en el mundo machista del rock n roll, los excesos, las giras y el éxito que les fue esquivo en su país de origen y que en el Reino Unido las llevo a compartir escenario y entablar relaciones con los Sex Pistols en su etapa de mayor apogeo. v
ROCK EN LA SANGRE
PATTU InSM Iis tr TH : L“Anu te MnAcDaRI mNaAs”DEL PUN K Por Rocío Marruco Si hay algo que reconocer, es que la década de los 70, comienza de manera desgraciada en el mundo de la música, con la muerte de Janis Joplin, Jimi Hendrix y Brian Jones, todos por sobredosis. Pero también es señalada como un periodo de surgimiento de grandes artistas como Led Zeppelin, The Who, Pink Floyd, Deep Purple, David Bowie, Black Sabbath entre otros. La experimentación hippie y psicodélica de los 60 dio paso a nuevos géneros como el rock sinfónico, el glam rock, el punk y el heavy metal. Pero entre tanta efervescencia masculina, hubo una mujer que dejó su marca registrada en la música, y hasta el día de hoy sigue vigente. Delgada y casi esquizofrénica, introdujo la poesía en la música rock, componiendo canciones desde un punto de vista feminista e intelectual. Hoy en día es considerada la madrina
del Punk y una exponente de la poesía beat, influyendo a varias generaciones de artistas y contando con casi cuarenta años de carrera. Comienzos Todo comenzó el 30 de diciembre de 1946, Patricia Lee Smith nacía en chicago, Estados Unidos, en el
seno de una familia de clase media y católica. Hija de una cantante de jazz y un empleado de fábrica, Patti pasa su infancia en New Jersey donde recibe una fuerte educación religiosa, abandonándola luego en su adolescencia por encontrarla opresiva y restrictiva. En 1967, tras abandonar sus estudios universitarios en el Glassboro State Teachers College, se muda primero a Nueva York y después a París, donde desempeña diferentes trabajos como empleada de una librería, actriz callejera, poeta, pintora y escritora, “En Nueva York conseguí trabajo en la librería Scribner de la Quinta Avenida. Empecé a dar vueltas por el Pratt Institute of Art, donde
trabajé posando desnuda para los estudiantes”. En nueva york, conoce al fotógrafo Robert Mapplethorpe. “Estaba leyendo todos esos libros románticos sobre la vida de los artistas, y tenía ganas de encontrar a un artista joven, ser su amante y cuidarlo. Entonces encontré a Robert Mapplethorpe. Él tenía diecinueve años y era hermoso. Me empezó a enseñar la disciplina y la estructura necesarias para ordenar mi trabajo”. Al no funcionar como pareja, a Patti y al joven fotógrafo los uniría una fuerte relación de amistad. Patti Smith Group Para mediados de los 70, Patti leía poesía en público. Claro, sus lecturas no eran comunes: en primer lugar, porque eran populares y su público estaba poblado de músicos de
rock; Joey Ramone (cantante de Ramones) recuerda: “Cada vez que leía un poema, rompía el papel, o agarraba una silla y la tiraba contra la pared. Era fantástica”. Smith decidió invitar al escenario al guitarrista Lenny Kaye, sus recitales se parecían cada vez más a conciertos de rock. La banda fue formándose poco a poco para que luego, junto con Ivan Kral en bajo, Jay Dee Dagherty en batería y Richard Soul en piano, se completara la formación de Patti Smith Group. Graban su primer sencillo en 1974, siendo la cara A una versión de la canción de rock escrita por Billy Roberts y la cara B un tema que habla sobre la frustración e ira que sentía Smith al trabajar en una línea de ensamblado de una fábrica, y la salvación que encontró en un libro de poesía francesa del siglo XIX, llam
ado Illuminations de Arthur Rimbaud. Nacimiento de Horses El primer álbum editado por la banda fue Horses con el sello Arista Records, con la producción del ex Velvet Underground, John Cale, en el cual fusionaba el Punk Rock y la poesía hablada, dejando en claro la influencia del free jazz, la tradición rockera y el sonido áspero de nueva york . Una de las versiones más conocidas del grupo y en donde Patti comienza la canción con una frase que quedaría plasmada en la historia del Punk “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos.” La tapa del disco, contaba con una fotografía de Patti en blanco y negro, tomada por Malpplethorpe, en la cual Smith no es hombre ni mujer. Ninguna mujer había llevado a ese terreno el concepto de
androginia. Las estrellas de rock, si eran chicas, tenían que ser sexys. En Complete, Patti Smith incluye un relato acerca de aquella foto: “Había dormido demasiado ese día y me puse la ropa que solía usar todos los días, como un uniforme, en la calle y en el escenario. Robert trabajó silenciosamente. Tenía un estilo nervioso, pero confiado. Nada de asistentes. Quería un triángulo de sombras. La luz estaba cambiando, y el triángulo se desvanecía. Me pidió que me quitara el saco, porque le gustaba el blanco de mi camisa. Me puse el saco al hombro, como Sinatra, tratando de capturar algo de su desafiante espontaneidad.” Durante este periodo Patti Smith group grabo tres discos más: Radio Ethiopia (1976), Easter (1978) y Wave (1979). Ausencia y regreso Ya en los 80, Patti se caso con el
guitarrista Fred “Sonic” Smith, y estuvo la mayor parte del tiempo retirada de la escena musical, en un suburbio de Detroit, editando un solo álbum, Dream of Life (1988). Mucha gente se sorprendió, pero no James Grauerholz: “Detrás de toda su imagen revolucionaria, del Yo Soy Rimbaud, había algo secreto. Ella era Billie Holiday: el arte estaba ahí, pero era obvio que iba a dejarlo todo, tarde o temprano, por su hombre”. Recién volvería a las giras en 1995, luego de un periodo trágico en su vida, tras la muerte de su esposo, su hermano y el tecladista Richard Shol; Smith decide volver a Nueva York, donde sus amigos Michael Stipe de R.E.M. y Allen Ginsberg (a quién había conocido en sus primeros años en Nueva York) la instaron a volver a hacer giras para recuperarse, por lo cual, se embarcó en una pequeña gira junto a Bob Dylan en diciembre de 1995. Vuelve a los estudios de grabación y editan
los siguientes álbumes: Gone Again (1996), disco en el que incluye un tema, About a boy, tributo a Kurt Cobain, del cual Patti era admiradora y Peace and Noise (1997). Se lanza un primer disco recopilatorio: The Patti Smith Masters (1996) y luego ya a partir del 2000: Gung Ho (2000), Land (2002, otro disco recopilatorio), Trampin (2004) y Twelve (2007). Patti fue incluida en el salón de la fama del rock, el 12 de marzo del 2007. Hoy, Patti Smith de 63 años, es una artista multifacética y visionaria, capaz de hipnotizar al público desde el escenario, mientras transmite con su voz, con sus manos y con su cuerpo el mensaje de su arte. La lista de quienes han sido influenciados por Patti, cuenta con los siguientes artistas: U2, R.E.M., Shirley Manson, Sonic Youth, The Smiths entre otros. No caben dudas, Patti Smith lleva merecidamente su título como La Madrina del Punk.. v
EN ASCENSO
LO U QnUEtrSis E tVeIE NuEn “n :c Fa LOm RaAsL”BA Por Ariel Britos
Flor Alba se viene con todo. Esta mendocina de 24 años, desde niña supo que su amor era la música. A los 15 años comenzó a estudiar canto lírico y popular y cuando terminó el secundario abandonó su provincia natal y “Valkyria” fue su banda de power metal para probar suerte como solista en la gran ciudad. “Con Valkyria estuve como vocalista de 2003 a 2005, tuvimos mucho éxito en Mendoza, hacíamos shows de manera continua, teníamos un público que nos seguía a todos lados y formamos parte del Metal
Invasion 2005 en el que compartimos escenario con muchas bandas como Lorihen, Twilight, Santuario, Seis de basto, Encarnación, Asgard, Vestigio, Profanus y Mannheim, entre otras”.
adolescente por GnR me hizo cambiar al pop bubblegum por el hard rock, de ahí pasé al heavy metal de Sabbath, Judas Priest y Pantera...también tuve mi etapa power metalera y me di el gusto con Valkyria de hacer covers Hoy Flor ya lleva 5 años sobreviviendo de Nightwish, Angra, Stratovarius, etc. en la jungla porteña. “Entre mis Ahora en lo que hago, predominan el influencias están Motorhead, Ozzy, Glam, el postpunk y rock alternativo, Dio, Maiden, Metallica, Elvis, Johnny todo eso con latigazos pop, algo en lo Cash, Patty Smith, Heart, Alice Cooper, que en un principio no pensé”. Joan Jett, Ramones, Sumo, Virus, The En su corta vida y relativamente corta Smiths, Misfits, Motley Crue, Purple, trayectoria, Flor ya conoce bien lo que Zeppelin y muchas otras que tampoco son las giras. En noviembre de 2008 tienen nada que ver entre sí. El amor fue convocada para cantar y hacer
coros en la gira sudamericana de “Barry Smith´s experience”, la banda del ex The Platters, Barry Smith. “Viajamos por Chile, Brasil, Perú, Venezuela y Ecuador durante dos meses y fue un flash porque significó cantar con un artista muy sabio y humilde, aprendí mucho. Además se trata de una persona que vivió cosas muy copadas. Él se crió en el sur de Miami y cantaba en un club donde tocaba Hendrix, hay una anécdota que nos contó a mi y al resto de los músicos que viajamos, en la que él, como era menor de edad, no lo querían dejar entrar a ese club y se quedó esperando en la calle a que Hendrix salga para pedirle que lo deje cantar algo, por lo que se hicieron amigos... Y así fue como Jimmi presentó al pequeño Barry a la gente del club cuando ya fue mayor para que pudiera cantar ahí” Compartir escenarios con un grande
de la música como Barry Smith, fue para Flor un mundo nuevo lleno de desafíos y que la hace soñar en grande para el futuro: “Como solistas admiré siempre al flaco Spinetta, a Fito, y aunque no estén a Pappo, Luca Prodan, Federico Moura y Maria Gabriela Epumer. Me gustaría compartir escenario con los Massacre, también con Barilari de Rata o Giardino, aunque lo que haga no tenga nada que ver con los que ellos hacen”. v
Una bocanada de aire fresco para el rock nacional, podes escuchar a Flor en http://www.myspace.com/ florkillerqueenalba
NOVENTOSOS
15 AÑOS S IN SHANNO N
Por Ariel Britos
Richard Shannon Hoon había nacido el 26 de septiembre de 1967 en Lafayette, Indiana. Desde pequeño mostraba aptitud por los deportes en su escuela, por ese lado canalizaba su hiperactividad, hasta que concluyó el secundario, cuando se interesó por la música, ya para ese entonces había tenido varios problemas con la ley por drogas. Amigo de la infancia de Axl Rose, decidió ir a probar suerte a Los Ángeles, la capital de la música en marzo de 1990, allí se encontró con el bajista Brad Smith y el guitarrista Roger Stevens, quienes habían llegado un año antes y formaron una banda con una vocalista femenina, cuando
HOON
vieron cantando a Shannon en una fiesta, inmediatamente despidieron a la chica, y lo sumaron al nuevo proyecto. Más tarde se sumaron el segundo guitarrista, Cristopher Thorn y Glenn Graham en batería. Nacía Blind Melon. Cuando estaban en el estudio grabando su primer disco, Shannon se reencuentra con su amigo Axl, quien en ese momento también se encontraba grabando los Use Your Illusion. Axl lo invita a Shannon a participar grabando coros en dos temas de los Guns: “The Garden” y “Dont cry” e incluso a participar en el video, recordemos que cantan a dúo en la terraza donde se muestra el “vivo” de la banda. Después del espaldarazo y la
bendición por parte de Axl, Shannon ya era un tipo conocido en el ambiente y en septiembre de 1992, sale a la venta “Blind Melon”, el disco debut de la banda que tenia un sonido bien particular y diferenciado a todo lo que sonaba en la época, con una voz nasal, femenina y rasgada y un estilo bien folkie, sonaba más a un disco de los 70s que a uno de los 90s. El éxito les llegó con “No Rain”, el segundo corte, donde en el video se muestra a una niñita regordeta disfrazada de abeja, a la que todos se le burlan, un video inolvidable y de los más rotados por MTV en esa década. El single anterior “Tones of home” pasó desapercibido y en un primer momento se pensó que el disco sería un fracaso. En la gira de promoción, durante 1993 se encargaron de abrir shows para Soundgarden, Ozzy y los Guns. En
este momento se evidenciaron los graves problemas de adicción que ya presentaba Shannon. Se lo veía errático, cantaba mal, tenía actitudes extrañas, cometía desmanes en el escenario y orinaba fans, lo que le valió más de un arresto policial. Durante 1994 participaron en el festival Lollapalooza y seguían con multitudinarias presentaciones aunque la disquera los presionaba para grabar un nuevo álbum y demostrar que no eran una banda “one hit wonder”. A la banda le resultaba muy difícil componer y meterse en el estudio ya que Shannon estaba cada vez peor. A comienzos de 1995 y con el disco “Soup” a medio terminar, Shannon se interna en rehabilitación lo que posterga aún más la edición del nuevo trabajo de la banda. A pesar de no haber logrado el objetivo de
rehabilitarse, sale del instituto para terminar con el trabajo, sus recaídas eran una constante, pero finalmente el disco está listo en julio y sale ala venta en agosto. El resultado es un disco oscuro y sombrío que se diferencia notablemente del anterior, en el que todo el ambiente hippie de amor y paz se desmorona para dar paso a letras existenciales, desgarradoras y autodestructivas bien a lo grunge. La critica no vio con buenos ojos el disco, a pesar de que su primer single “Galaxie” fue un éxito. Apurando las cosas como presagiando la tragedia que se avecinaba, la banda vivió pasada de vuelta esos meses en el que llegaron a grabar 3 videoclips en 3 meses: “Galaxie” en agosto, “Toes across the floor” en septiembre y “Mouthful of cavities” a principios de octubre, además de numerosas presentaciones en vivo y en programas de televisión. Un acompañante terapéutico estuvo al lado de Shannon
constantemente hasta mediados de octubre, momento en el cual fue despedido porque él siempre se drogaba a escondidas. El ritmo de la banda era frenético y los último días de Hoon fueron lo más parecido a un reality show. Blind Melon estaba en todos lados. El final El 20 de octubre de 1995, actuarían en Houston. El show fue un desastre y Shannon se veía que no daba más. Al día siguiente tocarían en Nueva Orleans. En viaje hacia allí, en el colectivo de la gira, durante la noche y mientras sus compañeros de banda dormían, el cuerpo de Hoon, pasado de cocaína dijo basta. Cuando fueron a despertarlo alas 9 AM ya estaba fallecido. Se iba así otro ícono de la música de los 90s debido al abuso de drogas. Un cantante prometedor, talentoso y único… Se lo extraña. v
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siempre jovenes
BON JOVI U ENnAtRrGisNtEe “n TINuAn: cUa ma NA s”EL VU
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Nota: Melisa Galli Fotos: /todorock.pe y Melisa Galli
Los integrantes del grupo estadounidense Bon Jovi tocaron por tercera vez en la Argentina, en el marco de “The Circle Tour”, que también los llevó a México, Costa Rica, Perú y Chile, mientras que el próximo destino será Brasil. Más de 45 mil personas llenaron el estadio de River Plate el 3 de Octubre para ver al legendario Bon Jovi. Y no es para menos, hace más de 15 años que no veían a nuestro país, y el reencuentro con el público argentino, se vivió con mucha intensidad. El tan ansiado día había llegado por fin. Cientos de fanáticos comenzaron a congregarse desde tempranas horas de la tarde en es estadio de fútbol, para hacer la cola para ingresar al recital. Reinaba plena excitación y el
entusiasmo entre las filas que serpenteaban interminables por varias cuadras a la redonda. El héroe del rock estaba por fin a solo unos metros de distancia, y esa noche prometía pasar a la historia. El estadio se llenó rápidamente, sin
contratiempos ni esperas eternas, lo que habla a las claras de la excelente organización con la que contaba el evento. La banda telonera comienza a sonar. Los tipitos, banda de rock argentino liderada por Raúl Ruffino, empiezan a tocar las primeras notas que sonarían aquella tarde, arrancando aplausos y anticipando lo que se acercaba. Empieza a caer la noche en el Monumental, el publico espera, expectante, a ver a sus ídolos tocar las canciones que los convirtieron una leyenda, y les abrió las puertas al
salón de la fama. Finalmente, a las 21:00 en punto, Jon Bon Jovi, el guitarrista Richie Sambora, el tecladista David Bryan y el baterista Tico Torres, hacen su aparición en el escenario, provocando los aplausos y silbidos de un público enloquecido y entusiasta, que aplaudió a rabiar. “Blood and blood” comenzó a sonar en los parlantes, provocando una espectacular energía que se sentía hasta en los huesos. La gente saltaba, cantaba y gritaba a más no poder, comprobando de esta manera, que su música y sus letras, han traspasado generaciones, fronteras e idiomas. El propio Jon Bon Jovi, lo ha dicho en diversas ocasiones: “Le debemos mucho a nuestros fans que tienen hijos y que ahora también son nuestros seguidores”. Le siguieron luego los temas “We Weren´t Born to Follow” (de The Circle) y “You Give Love a Bad Name”
(de Slippery When Wet ). Yendo del pasado a las canciones más recientes, mientras Jon aseguraba “esto es lo que ustedes quieren de nosotros” y lo conseguimos plenamente: una noche de rock intenso, de rock del bueno. Luego de “Born to Be My Baby” y “Lost Highway”, Jon paró las rotativas. Y es que el público en el campo que
debía permanecer sentado en las localidades VIP, se había desplazado hacia el escenario, aplastando contra las vallas de seguridad a varios de los fans, lo que provocó una advertencia del líder de la banda quien señaló: “Desde aquí estoy viendo a una chica muy linda aplastada contra la valla (en ese momento enfocaron en la pantalla gigante a la susodicha, que
pareció sufrir algún tipo de shock traumático, seguramente no como una consecuencia del apretujamiento, sino por haber llamado la atención de Jon y ser tildada de bella por él, pero francamente no podemos culparla, a cualquiera nos hubiera pasado lo mismo en su lugar) “Calma. –Continuó- Será una larga noche, tenemos previsto tocar tres horas.
No quiero esto para un recital de Bon Jovi. Vayan hacia atrás” Luego de la advertencia, la agrupación siguió rockeando con los más contemporáneos “In These Arms”, “Captain Crash and the Beauty Queen From Mars”, “Who Says You Can´t Go Home”, “Superman Tonight”, “We Got it Going On”, “It´s My life” y “Bad Medicine”, este último fusionado con versiones de “Pretty woman”, de Roy Orbison, y “Shout”, de “The Temptations”. Un dato interesante del recital, es que fue el primer concierto ecológico, en donde se utilizó biocombustible para proveer la energía. Lindo, talentoso y con conciencia ecológica. ¿Qué más podemos pedirle a un ídolo? Además, el recital contó con tres pantallas gigantes de una calidad excelente, que contaban con casi 1 millón y medio de megapíxeles que mostraban una resolución
que lo dejaban a uno pasmado, por no hablar de los visuales que acompañaban la banda, impecables e inmejorables. Llegamos a la recta final, anunciada con la potencia de “Raise Your Hands”. Luego arrancó con la mítica “Runaway”, y antes de empezar a tocarla comento: “Lo deberíamos jubilar”, haciendo referencia a que
el tema es el primer gran éxito de la banda. Siguió con “I´ll Sleep When I´m Dead” y “Keep the Faith”. Y por supuesto la canción que como él mismo dijo “Nunca debe faltar” fue “Living on a Prayer” Las luces comienzan a apagarse, la banda amenazó con retirarse, pero Jon vio un cartel alusivo y tocó “These Days”, al que agregaron “Have
a Nice Day”. Entonces, sí, se fueron, pero regresaron al poco tiempo, con Jon vistiendo la camiseta celeste y blanca de Argentina, lo que arrancó en los presentes salvajes aplausos, y estoy segura que más de uno se fue a su casa con las manos sangrando de tanto aplaudir. Así vestido, y con el logo de la banda en la parte trasera de la camiseta, cantó “Someday I´ll Be Saturday Night”. Desaparecieron. Pero volvieron. La gente pedía a gritos que continuara el show. “¿Otra más? Váyanse a sus casas”, pidió, pero no obstante aceptó tocar una más, “Bed of Roses”. Cumplió con su promesa: fueron tres horas con lo mejor de su música, en un show impresionante, que nos convenció a todos de que la espera de 15 años, valió la pena.v
LEVANTANDO VUELO
EURnUC Ae TI“VnAu. ES tA risSt nca mRaEsA ”L Nota y fotos: Rodrigo Pizarro Ante un Teatro Real repleto, la banda cordobesa dio a conocer su más reciente disco: “ES” Uno de los momentos más importantes de un show es el primer golpe de batería. En ese impacto inicial se define, en gran parte, el resto del espectáculo. Esto no significa que si no ocurre ese instante de adrenalina el resto del espectáculo sera malo, pero cuando una batería arranca precisa y contundente está anunciando que el resto de la noche también lo será. Lo anterior es precisamente lo que ocurrió el pasado 23 de septiembre en la sala Carlos
Jímenez del Teatro Real, cuando Eruca Sativa presentó ante más de 700 personas su más reciente material discográfico. Cuando Gabriel Pedernera dio sus primeros baquetasos a los parches de su batería, más de uno debe haber sentido cómo se quebró el aire de una manera tan abrupta que el golpe se sintió bien en el centro del pecho. A la contundencia de aquel momento le seguiría la aparición del bajo de Brenda Martin, que ejecutado con un virtuosidad increíble, conformaba una base sólida y poderosa. Finalmente los primeros acordes de la distorsionada
guitarra de Lula Bertoldi terminarían por completar el sonido demoledor que caracteriza al power trío cordobés. Unos segundos después Lula da unos pasos hasta plantarse frente al micrófono y pegar un grito, al mejor estilo Brian Jonson, para luego arrancar con las estrofas del primer tema. El show había comenzado y ya no había manera – como si alguien quisiera - de escaparse de él. Durante poco más de una hora y media de espectáculo Eruca Sativa recorrió todo su nuevo disco y, por supuesto, varios de sus “viejos” temas. Rock pesado, Funk, algún que otro jugueteo con el hard rock y
lo stoner, y hasta baladas acústicas y rap’s fueron los estilos que se desplegaron desde arriba de las tablas. El show arrancaría con los temas más nuevos. Así asomaron temas como “Paraíso Retro” , “Mi apuesta”,”Hoy” y “La Carne”, todos fieles exponentes del nuevo disco, en el que se da una combinación perfecta entre potencia y melodía. Promediando el espectáculo los tres músicos tomarían cada uno una guitarra acústica para sentarse cerca del público e interpretar “Mi canción”, la “balada” de “ES”. Los invitados y amigos de la banda no podían faltar en una fecha tan importante y tras el anuncio de Lula – y la ovación del público – aparece el Titi Rivarola para una interpretación magistral de la canción de folklore “Amor ausente”. Acto seguido viene el tema “Desatalo” – también del disco ES – con un solo increíble, de esos que el Titi sabe hacer. Otro invitado
aparecería un par de temas después. Se trata del baterista Fernando Caballero que sube al escenario para complementar con percusiones a Gabriel en el tema “Para Ser”. Ya para el final quedaron los temas más coreados por los seguidores de Eruca. Así sonaron “Frío Cemento”, “Marca tus marcas”, “Para nadie” y “Para que sigamos siendo” en donde los coros de la gente daban cuenta de que el power trío cordobés está haciendo historia. El público vivó y disfrutó cada canción que se interpretaba en el escenario, siempre acompañando con coros y palmas. Arriba del escenario se vivió como abajo. Lula, Brenda y Gabriel desparramaban energía en cada estrofa, acorde y golpe. En ningún momento ocultaron la felicidad y el asombro que tenían al estar al frente de su gente, sus amigos, familiares y un mar de medios; todos testigos de cómo estos tres músicos van concretando paso a paso sus sueños.
Conferencia de Prensa Luego del recital Lula, Brenda y Gabriel dieron una conferencia de prensa en la que, al igual que durante el show, agradecieron a todos por el apoyo. Muy emocionados y sorprendidos por lo sucedido hablaron sobre lo que significó para ellos la presentación. “Hay un antes y un después de hoy” dijo Lula quien luego agregó “tener esta respuesta en nuestra propia casa es realmente emocionante”. Gabriel por su parte añadió que desde la grabación del disco estaban muy ansiosos por volver a casa, y encontrarse con ese recibiemiento no tiene palabras. “Antes del show me asomé al escenario y cuando ví me pregunté ¡¿Qué paso?!”. Hablaron de que este tipo de sorpresas en cuanto a convocatoria también la están teniendo en otras provincias en especial en Santa Fe y en San Juan, en donde en un año tocaron una vez durante media hora en un festival, y al volver el año siguiente lograron llenar un
teatro sin ningún tipo de promoción. Finalmente se mostraron muy felices por concretar uno de sus sueños: lograr su propio sello discográfico. Marca tus Marcas es el nombre que Eruca Sativa le dio a su sello, bajo el cual editaron su segundo disco. Esperan de esta forma trabajar mucho más libre en cuanto a lo artístico y en con la distribución y difusión del material. Además desean en algún momento producir más material de las bandas de Córdoba para ayudar en lo que puedan a que el rock local siga creciendo. En cuanto al futuro, la banda nacida en Córdoba mencionó que aún les restan varias fechas para terminar su gira por varias provincias Argentinas, pero que tienen pensado – y casi todo listo - para el 2011 emprender una gira por el exterior, más precisamente en México y esperar que de esa experiencia vuelvan cargados de energía para un iniciar con un tercer disco.
MAD PROFESSOR
DUUn Bt DrEisAtLeTO “nu VU nEcLaOmEaNs”CÓ RDOBA! Por Tavo Ledesma El profesor del dub pasó por Córdoba, y Lobo Suelto estuvo ahí para contarte la noche en que la tierra tembló con el loco más loco del universo dub. El primer día de Octubre arrancaba frío y se hacía sentir en la ciudad de Córdoba. Llegando al Abasto la brisa golpeaba mas duro y las pocas caras pasaban resguardadas, casi inadvertidas. Ya rondaba la medianoche y el Abasto todavía no estaba en el pleno movimiento nocturno propio de un viernes. Alrededor de Casa Babylon, algunos todavía trataban de conseguir
entradas para ver a una leyenda viviente junto a Alika y Karen Fleitas en el mismo escenario. La noche prometía un show impactante. Al entrar a Casa Babylon lo primero que se distinguía era una pantalla gigante que ocupaba todo el fondo del escenario, pegando de lleno con imágenes psicodélicas. La Vj Nuve Voladora sincronizaba las visuales mientras Dj F-Zublow (Fabián Zurlo) largaba con un set rock steady, subiendo de intensidad para dar lugar al dub y dubstep que de a poco se iba apoderando de la noche. Pasada la una de la madrugada los locales “L’Écho”, conformado por
los Dj’s Andrés Oddone y Cristóbal Paz, junto a la voz de Leandro Frías, empezaron con una impecable versión de Natural Mystic de Bob Marley. El trío de dub y electrónica experimental aplicó un show corto, sutil, con beats dub minimalistas, más los textos leídos por Leandro Frías. El show de L’ Écho demostró que en Córdoba hay buenos artistas dispuestos a aportar a la escena local distintas y buenas propuestas. Terminado el show de L’Écho, la espera de Mad Professor y su hijo Joe Ariwa (que toma el apellido del nombre de la discográfica del Dj y productor británico) estuvo
amenizada por el Dj F-Zublow, que desplegó un set de reggae y roots que puso a Casa Babylon en calor.
sorpresa para muchos, ya que no estaba previsto que Alika se sume al show, con lo cual le dio un plus al set
Llegaría la hora indicada para que el profesor del dub se adueñara de
conducido por el británico. Alika interpretó algunos de sus
Córdoba. Casi a las dos y media se subió Mar Professor con Joe Ariwa,
temas tal como “El Rugido del León”, mientras Joe Ariwa lanzaba los beats
y en escasos 10 minutos de show ya tenia a todo Casa Babylon en las manos. Mad Professor salió con las tapones de punta a base de dubs súper potentes que, gracias al sistema de graves, hizo vibrar todo el lugar.
y Mad Professor provocaba magia en la consola. Además, interpretaron ciertos temas que grabaron juntos en el 2009, que fueron editados en el disco “Mad Professor Meets Alika”. Luego de la presentación reggae dub
Literalmente, todo, absolutamente todo vibraba con los graves y los
de Alika, Mad Professor largó con un clásico: “I Chase The Devil”. Increíble
beats de Mad Professor y Joe Ariwa. Con el público en llamas, la integrante
versión dub del tema que popularizó Max Romeo en los ’70.
de Actitud María Marta, Karen Fleitas, subió al escenario, y demostró porque es una de las voces mas intensas de la escena nacional. Como si no fuera poco, luego se subiría Alika, ex integrante de Actitud María Marta, y desde hace varios años en una creciente carrera solista. Una
A partir de allí, el show fue en alza, presentando algunos de sus mejores clásicos como “Kunta Kinte dub”. Extraordinaria versión que sumada a las visuales y a las luces, provocó un éxodo en masa al espacio exterior. Sin que la base caiga, el profesor del dub tomó el micrófono y en un breve:
“Check this!” (“Chequeen esto!”) soltó “Fast Foward Into Dub” (del disco “It’s A Mad, Mad, Mad, Mad Professor” del ’95). Con el show vibrando alto, volvió al escenario Karen Fleitas, que realizó una inesperada versión en castellano de Something, de The Beatles. Sencillamente se puede decir que Karen Fleitas tiene una voz prodigiosa. Entregó lo mejor de sí con su voz potente y a la vez pujante, que sumado a los efectos de Mad Professor y Joe Ariwa, lograron que el público la despidiera envuelta de aplausos. El mas loco del dub siguió con un set implacable, y Joe Ariwa tomaba el micrófono para exaltar al público dando lugar a Alika nuevamente. Al grito de “levanten las manos, que no soy policía”, y exponiendo toda su capacidad en la rima, Alika también se despedía en aplausos de los cordobeses presentes.
A partir de allí Mad Professor iniciaba la etapa final de su show en Córdoba. Amagó con irse, pero el público pedía más, y cuando parecía que el británico se retiraba definitivamente, volvió a escena con todo, en un último set impactante. Moviendo los efectos en estereo sobre los sistemas de sonido, Mad Professor abandonaba el escenario. Más de dos horas en las que Córdoba presenció un show internacional de lo mejor del dub mundial. Mad Professor
dio un espectáculo de alto vuelo que dejó impactados a todos los presentes en Casa Babylon. Sin dudas será una noche en que se recordará por mucho tiempo. Una noche en que Mad Professor demostró ser el Dj y productor que con todo su talento le valió el reconocimiento y la colaboración en artistas como Lee Perry, Beastie Boys, Jamiroquai, Depeche Mode o Massive Attack. Mad Professor estuvo en Córdoba, y Lobo Suelto te lo contó. v
BOLUDA TOTAL
BOLUD nAtT TA rO ist LIuVnEcI eL“n aNmCaO s”RDOBA CITY Nota: Victoria Clementi Fotos: Laura Torres
El jueves 23 de septiembre se presentó Fabio Alberti con su personaje “Boluda Total” en La Vieja Usina. Una mezcla de humor, ironía y sarcasmo son las palabras que definen este espectáculo en forma de monólogo teatral que hizo reír a todo el público presente a carcajada suelta.
a la vez más compleja de lo que parecía a nivel recursos. Este grupo de cómicos supo brindar a mas de una generación una manera distinta de reírse de las desgracias humanas y la actualidad argentina. El mismo Alberti dijo a la revista “Acción”: “Siento que aquel humor sigue teniendo actualidad y que va a quedar para siempre, porque los Este actor como muchos saben, fue pibes lo descubren y aprenden. Me junto a Capusotto y Caseros uno pone bien que hayamos hecho una de los transgresores en el área del cosa que fue tan nuestra, porque el humor, utilizando una forma de hacer humor de los 90 lo hicimos nosotros y comedia para esa época simple pero todavía soporta el paso del tiempo”.
Fabio explicó además al mismo medio como surgió la idea del espectáculo exclusivo de Boluda total”: “Para mi significó poder tomar el personaje y correrlo a otro lugar, a un sitio de café concert, que es un espacio que para Coty significa café con yogurt”, ya que la obra se titula “Boluda Total en Café con Ser”. El espectáculo comenzó alrededor de las 22:30 hs. con un público en general mayor de 20 años, que se notaba ansioso por la presentación de Coty Nosiglia en vivo. La “Boluda Total” dio presencia en el escenario luego de la introducción dada por su pianista también sobre las tablas. Apareció en el escenario con un flamante vestido rojo de lentejuelas, un abanico del mismo color en las manos y una boa blanca de plumas en el cuello. Coty es una conductora de un programa barato por cable y tiene varios atributos de alguna que
otra diva en la TV, mucha ironía y exageración en sus palabras. Se podría decir que sí es “las más boluda”. El personaje nació en “Cha cha cha”, era un pequeño fragmento llamado “Mañanas al pedo” donde la Boluda estaba con un pelo más largo y más joven. Luego se hizo una pequeña modificación e ingresó en el programa “Todo x $2” donde brilló con luz propia. El monólogo se iba desarrollando con naturalidad, en una actuación donde el personaje se comía a Fabio y sólo quedaba la Boluda Total en el escenario, con frases como “Estoy yendo a una vidente, no vidente que me lee los pelos del jabón, no saben! Es una genia!”, “Una pregunta que la gente me dice mucho es: ¿Vos sos o te haces?, y yo siempre les digo que no me hice nada! Soy toda natural 100%!”. Se creó una conexión con el público, donde Coty preguntaba algunas cosas
para que alguien responda entre anécdota y anécdota como “Quieren ver una radiografía, siempre traigo una para cuando estoy aburrida, en esa me quebré el cuello en Miami, cuando andando en rollers y me choqué de frente con Mariana de Mello”. Otro de los fragmentos: ¿Ustedes quieren saber por qué me dicen Coty?, Mi nombre completo es Cotilde José Nosiglia, Cotilde porque mamá me queria poner Clotilde y en el registro civil se olvido de la “L” y José, porque mi papá siempre quiso tener un varón. Soy la típica, típica hija única sin hermanos!”. Todas estas frases se acompañan de largas risas que se encadenaban con otras frases que hacían el momento muy llevadero. Una de las partes más graciosas fue la canción dedicada a su marido Jorge, escrita según ella en New York el 11 de septiembre del 2001, “Había un humo… todos gritos, los yanquis corriendo de un
lado al otro… no me gustó Nueva York, mmm quizás iría en grupo con amigas”. Así es que entró a un supermercado y leyó todos los paquetes de toallitas femeninas, dándose cuenta que su marido tenia muchas de sus propiedades, esto dio pie a su canción “Segura y natural”. Realmente había que ser mujer para entenderla completa, las analogías eran realmente para matarse de risa, con frases como: “Porque tú me haces sentir segura brindando sensación de suavidad”, “te adhieren firmemente a mi ropa, evitando un desborde ocasional”, “A mi cuerpo te amoldaste así nomás”, “Y aunque a veces te
el tamaño, etc, todos muy graciosos. Ya llegando al final, otro de los momentos divertidos fue la descripción de sus futuros proyectos, según ella los definió: “Tengo un montón… Mmm, dos. El primero es lanzar mi propia marca, poner un local sientas descartable, me evitas el olor de… autopartes con mi nombre y el y la humedad” y el estribillo cantado segundo es hacer cine, mi sueño es por la Boluda como un jingle de que me dirija trapera, antes que Macri publicidad de jabón en polvo: “Sos los vuele a todos”. Dijo que Jorge, su higiénico, antialérgico, me cuidas de marido estaba escribiendo el guión verdad, confortable sos, siempre libre de su primer película, una historia me haces vivir, con vos… soy segura muy cómica como el titulo “Boluda & y natural”. the city, una prostituta, cleptomana, Además luego hizo subir a una de tartamuda que escribe una columna las chicas del público para probar de sexo en la revista Tiki Tiki, y a los “tratamientos no invasivos”, según ella 20 min. De película se queda ciega, lo llamó “Tapertet, unas siliconas que mirando como un herrero suelda una se aplican, sin dolor, sin matricula y reja”. Una trama particular muy a lo sin garantía, son buenisimas!”. Es así Boluda Total. que a la chica le puso estos inventos El show fue muy entretenido, pero raros de siliconas solamente para en general corto, ya que sólo duró ingresar por debajo e la ropa, uno con aproximadamente 40 minutos, aunque luces de colores, el otro para regular realmente valió la pena. v
fiesta indie
LA FIESTA QUtEris Un NtOeS “PROM nunca ETm Ia EsR”ON, ÉL M ATÓ Nota y fotos: Lila Martinez La banda que más fuerte pisa en la escena indie no se detiene y va por más. Luego de visitar algunas de las principales capitales europeas y lanzar el video de “Día de los Muertos”, de su último material discográfico, el grupo platense El Mató un policía motorizado se presentó en Córdoba en la fiesta Indie Vol. 13, enmarcada en su gira del Nuevo Magnetismo. Para esta ocasión la edición conto también con las actuaciones de 3 pecados, llegados desde el Uruguay y la banda local Ironía con quien ya
han compartido escenario en otras oportunidades. La cita fue en el Club Belle Epoque, lugar prácticamente habitual de seguidores del rock alternativo, género que desde la producción de estos eventos se promueve. El horario pactado fue la medianoche sin embargo el quinteto motorizado se hizo esperar bastante, dejando lugar a las presentaciones de Ironía y 3 pecados que fueron ambientando a un público ansioso por ver a la banda platense que desde el año pasado no se llegaba a la capital cordobesa. Si bien hubo concurrencia de un
importante número de gente, quienes nacimiento la vida y la muerte, la cual U ingresaron fueron solo aquellas n trfinalizo último EP “Día de los iste con “nsuun ca mas” personas con entradas anticipadas. muertos”. Aspecto positivo, en el sentido que Desde que sonaron los primeros permitió a los espectadores disfrutar acordes, la gente se amontono hacía del show con mayor comodidad, a al escenario, y agitaron una y otra vez pesar de otros que lamentablemente a los músicos que muy prolijamente se quedaron con ganas de asistir. ejecutaron sus canciones. Estas, Pasadas las 3 de la mañana, y con simples de estribillos repetitivos y que psicodélicas proyecciones de fondo para nada intentan exhibir virtuosismo a cargo de Santiago Motorizado musical, sino lo contrario. Este (voz y bajo), los integrantes de El grupo se juega por la simpleza, con mató, con la tranquilidad que los sonidos noises, que entremezclan el caracteriza, fueron subiendo uno pop con el punk, creando melodías a uno al escenario, que en pocos frescas con guitarras algo pesadas, minutos vibraría con las melodías y letras bien terrenales con toques de esta banda que ha crecido psicodélicos que trasmiten mensajes significativamente en el último tiempo, implícitos que solo se completan con posicionándose como una de las la particular estética de la banda que mejores bandas de la década según la siempre los ha diferencia del resto, revista Rolling Stone. y la cual ellos mismos mantienen. Comenzaron con “Provincia de Recordemos que Santiago Motorizado Buenos Aires” correspondiente al es quien realiza el arte de tapa de los disco “Un millón de Euros” el cual discos y los magníficos dibujos que forma parte de la trilogía dedicada al constituyen sus flyers y que tanto lo
caracterizan. Continuando con el recital, sonaron algunos de sus mejores temas, como “Viejo ebrio y perdido” y “El día del huracán”, al ritmo de un pogo que no se detuvo ni en los
al público que saltaba y cantaba desbordando el lugar, mientras los guardias de seguridad intentaban tranquilizar el ambiente, sin mucho éxito. Continuaron con canciones como
temas más suaves, coreando todos los temas de principio a final. Le siguieron otros como “Navidad en los santos”, “Doctora Muerte” y “El héroe de la navidad”. No faltaron los solos de guitarra de mano de Niño elefante, ni tampoco el despliegue escénico que de manera natural se fue dando junto a sus composiciones más ruidosas que excitaban al público e hicieron bailar a más de uno en el lugar. El momento pico de la noche fue cuando ejecutaron “Amigo Piedra”, brillante tema dedicado al amor y la amistad, que lleno de euforia
“Día de los muertos”, “Mi próximo movimiento” y “Guitarra comunista” entre otras, al igual que una inédita, que según palabras del vocalista, habían modificado en la prueba de ensayo, y que los fanáticos cordobeses tuvieron la oportunidad de escuchar por primera vez. Llegando al final, alrededor de las 4.30 pasadas, comenzaron a amenazar con retirarse, para tristeza del público que insistía gritando los nombres de otras canciones que no habían realizado. Y los motorizados como acostumbran, cumplieron los deseos de sus seguidores,
tocando; “Prenderte Fuego”, “Noches buenas”, “Noche de los muertos” y “Terrorismo en la copa del mundo”. Para luego retirarse del escenario y volver después de la seguidilla de aplausos que exigía al menos un tema más de despedida, y así fue, cerraron con el clásico “Sábado” para despedirse definitivamente, dejando un público muy conforme tras un recital a completísimo y muy fidedigno con los sonidos y calidad musical que conforman sus discos. Un paso más para esta banda tan halagada por la prensa independiente, y que ha logrado posicionarse entre lo mejor del genero Indie, gracias a su sonar particular que aunque se lo cuestione por su simpleza, no deja de erizar la piel y emocionar a aquellos que la siguen, la escuchan y disfrutan.v
EL RELOJ
HEAVY VIV O EN BABY LON
Nota y Fotos: Mauro Valbuena
La banda de heavy metal El Reloj vino a Córdoba el domingo 26 de septiembre, para sostener su estadía en los escenarios nacionales. Una noche a pura adrenalina con la presencia estelar del Tano Marciello de Almafuerte, que es sus comienzos había tocado con esta banda, por lo que estuvo recordando viejos tiempos compartiendo escenario en Casa Babylon
La Legendaria La noche comenzó con un género diferente al que vendría luego, la banda cordobeza La Legendaria se habrió paso en las tablas desarrollando su lista de ritmos y melodías bluseras. Los componentes
de este grupo esta encabezado por Mario Cejas y Javier Mascarpone en voz y guitarra, richy Cejas en bajo, Andrés Valesio en bateria y Sebastian Cabreiro en armónica. Juntos demostraron un fuerte amor al blues y un agradable y armónico repertorio.
Blindado Más tarde se presentó la banda porteña de Thrash, Blindado, que comenzó a ponerle más potencia a la noche con los temas “No te das cuenta” y “Distorsión” donde subió por primera vez el Tano. La gente se mostraba muy contenta y agitaba cada tema con éxtasis.
El Reloj Cerrando la noche apareció por fin El Reloj, con la intro de teclado de “Obertura” siguiendole el primer tema compuesto por la abnda “El viejo Serafin”. Luego llegó otro clásico como “Blues del atardecer”, que no está demás decir que esta canción es interpretada por Iorio en su disco solista “Ayer deseo, Hoy realidad”. En este momento Bbabylon se encontraba repleto con los dos niveles a full.
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La Locomotora Juan Esposito, tocó la bata en V8 y fue el primero en argentina en tocar con doble bombo, a causa de esto fue apodado por el mismo Pappo como “locomotora”. Aquí se encuentra haciendo su famoso solo.
ano
en “El mandato” cuando ó otra vez el tano y la gente
acionó, tambiés tocaron él “Alguien más en quien
ar”, entre otro.
Para terminar, cerraron con un temazo de Deep Purple, “Highway star”, donde todos los violeros rejuntaron para hacer una versión poderosa del tema.
NOCHE OX Un trist Ie GE“n Nu An Dc AaEm N aEsL ABAST ” O Por Melisa Galli
La noche prometía ser inolvidable. Mucho rock del bueno, agite y entusiasmo por parte de cientos de fanáticos que llenaron Capitan Blue XL el Sábado 25 de Septiembre, para ver una de las bandas que hace mella en la movida del rock nacional. Hablamos de Gardelitos, la banda liderada por Eli Suárez, hijo del mítico cantante Korneta, quien llevó a la banda hasta el 2004, cuando para desgracia de todos los seguidores, falleció dejando un gran vacío en el grupo, que parece no volver a tomar el apogeo que logró hasta esa época. La banda comenzó en 1995, en el
Bajo Flores de Buenos Aires. Korneta Suarez, músico por naturaleza, fue el mentor de todo el grupo; decidió dejar su vida normal y empezar a vivir de la música, junto con sus hijos que supieron acompañarlo muy bien en su desarrollo como artista. Luego de la muerte de Korneta, Los Gardelitos perdieron parte de esa esencia especial que él le daba, hasta el sonido cambió un poco tornándose un rock mas crudo con mayor distorsion. Pero así mismo, Los Gardeles se hacen aún un lugar en el rock nacional y siguen brindando buenos Shows teñidos de esas melodías creadas por ese viejo sabio de barba blanca curtido por la calle.
La hora señalada para largar el show eran las 22:00 hs, pero muchos de sus seguidores comenzaron la previa desde pasadas las 21:00hs, sentados en el piso, tomando unas birras y entonando estrofas de muchas de las canciones que ya son himnos gardelianos. El reloj marcaba exactamente las 22: 30, cuando la concurrencia comienza a levantarse y acercarse al escenario, revoleando las remeras y agitando las banderas, mientras pedían a gritos cada vez más estridentes que aparezcan en escena. No había soportes ni teloneros, pero la música de fondo sonaba insistente en los parlantes al ritmo de “Where is my mind?” de Pixies, para terminar con la legendaria canción “No lo soñé de los Redondos”, que pareció tratarse de una especie de señal premonitoria de lo que se acercaba… Las luces y la música se apagan, la noche se enciende. Comienza a
sonar el mítico tango: “Volver”, de Carlos Gardel, que es entonado por la multitud efusiva, que no paraba de gritar y aplaudir. El tango da paso a los sonidos estridentes de las primeras notas del tema “Oxígeno”, que Eli Suárez le arranca a su Fender Stratocaster acebrada, mientras lo acompañan Fede Carvatti, también en guitarra y voz, Diego Rodriguez en el bajo, y Paulo Bellagamba en batería. Esta banda se basa en su amor a la música, desde sus comienzos se negaron a someterse a los dictados de una discográfica, y grabaron su primer disco, “Rock Sudaca” con la plata obtenida tras la venta de su negocio familiar y su camioneta. Este álbum los posiciona como una banda de Rock verdadero, rock puro que no transa ni se vende, como le sucedió a muchas otras bandas, con una estética musical desbordada de referencias sociales y urbanas,
compromiso político e ideológico con el poder sudamericano, defendiendo siempre los Derechos Humanos y culturales de un país y una región bastardeada y carcomida por la corrupción, el hambre, la pobreza y desocupación. Suena la segunda canción, donde Eli
fueron los elegidos para el transcurso de dos horas que brindaron para los fieles seguidores, que en su mayoría fueron de l último disco “Oxigeno”, pero no faltaron clásicos como “Anabel”, “Gardeliando”, “Los Querandies” “Nadie creé en mi canción” y “Amando a mi guitarra”. nos advierte desde los parlantes “NO Todas las canciones eran coreadas ESCUCHES LA BANDA QUE ESTA DE por el público, que mostraba su MODA, NO BUSQUES EN LIBROS LO conformidad y agrado hacia el QUE NO VES, NO CREAS EN LIDERES espectáculo que les brindaba su NI EN PROFETAS…” banda, estallando en efusivos En estas letras encontramos una aplausos, vítores y chiflidos, mientras reafirmación de sus ideales, de las banderas se alzaban mostrando aquello por lo que luchan y creen, que no solo imágenes de la banda, sino los convirtió en rocanroleros de raza, también de la lengua de los Stones, ganándoles numerosos seguidores, que se dio cita entre los presentes, que los acompañan desde sus inicios, como no podía ser de otra manera. manteniendo esa antorcha que Ya pasan de la 1:00 y la noche encendió Korneta, bajo su mítica frase comienza a tocar su fin de la “Prohibido prohibir” mano de canciones como “Volar”. El show contó con un sonido “Pueden volar y pueden soñar, más impecable y una lista de 25 temas que alto” asegura la estrofa de este
tema, que encuentra eco en las manos levantadas y las repeticiones incesantes de sus seguidores, que acompañan el espectáculo con baile y mucho agite. Afuera, el clima era frío e inestable, pero adentro la fiesta estallaba en cada nueva canción, la gran familia del rock sudaka, se congregó para escuchar y apoyar a una banda que se consagró no por sus apariciones en radios ni afiches callejeros, sino en base a la pasión que despierta su música. El show termina entre gritos y aplausos, ovaciones y pedidos de otras mas! “Los penitentes” marcan el fin, pero esta banda nos señala un camino, una idea de comienzo, en donde la música se vive desde la pasión y el compromiso, una banda que hoy en día, se perfila como un referente de nuestro Rock Nacional. v
OCTUBRE 2010
A
LOBO SUELTO