PAPPO:
EL PRIMER ROCKERO BIEN ARGENTO
DAVID BOWIE:
EL REY DEL GLITTER ROCK
PAPPO:
EL PRIMER ROCKERO BIEN ARGENTO
ENTREVISTA:
ALEJANDRO MEDINA
gary moore: LA GUITARRA LLORA
rOCK Y DICTADURA
U2:
UN SHOW DE OTRO PLANETA
CALLE 13:
INfiltrados en el sistema
Septiembre Nยบ 10
LOBO SUELTO
Abril 2011 - Nยบ 14
LOBO SUELTO
INDICE
Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi Redacción: Victoria Clementi Marina Miguel Melina Galli Lila Martínez Ariel Britos Guido Cambareri Tavo Ledesma Rocío Marruco Eugenia Ceballos Roberto Beluzzo Manuel Montali
Fotografía: Lila Martínez
14 8
Pappo
E
INDIC Calle 13
STAFF
20
David Bowie
26
32
Alejandro Medina
41
Rock y Dictadura
Feriado de Carnaval
Pรกg. 58. Noche Daylight / Entrevista Pรกg. 66. Lords of the new Church / Nota Pรกg. 70. El pelado del abasto / Luca Prodan
33
50
Pรกg. 76. Crece el reggae en Cรณrdoba / Reciclaje Fest U 2 -En Argentina Lady Gaga
8
Gary Moore
Editorial Bienvenidos una vez más a Lobo Suelto! Estamos en abril y este es el primer número del año, pedimos disculpas a todos por atrazar la publicación pero acá volvimos más recargados que nunca para brindarles una gama más amplia de contenido. En la parte A, le hacemos un homenaje al legendario Pappo, una revisión de la explosión de Calle 13, un recuerdo a Gary Moore, la covertura al recital de U2, entre otras cosas. En la parte B, les hablamos sobre dos grandes que pisan Córdoba,: Roxette y The Cult. También sumamos una sección para destacar bandas cordobesas, otra sobre arte y diseño y la
última de literatura. Y como siempre te recomendamos peliculas y discos. El mes que pasó y este que vivimos nos trajo noticias que tiñeron de negro este año que comenzó, hablamos especialmente del terremoto y tsunami en Japón. Hechos que marcan tanto a nivel macro y micro, De lo ocurrido en Japón ya pocas noticias se registran en los medios, hasta parece que todo hubiera acabado, pero seamos concientes y demosnos cuenta que esta catástrofe, aunque atenuada después de casi un mes, sigue teniendo efectos gravísimos en todos los ámbitos de la vida a nivel mundial.
ATENCION"!
REPASO 2010
Calle 13: Infiltrados en el sistema Nota: Victoria Clementi Ideología, ritmo y compromiso social define a Calle 13, Residente y Visitante se complementan en una mezcla de sonidos urbanos para demostrar sin tapujos la realidad que se vive hoy en América Latina. Cinco años les bastó para alcanzar una popularidad casi increíble, desde el reconocido y controversial single “Querido F.B.I”, los puertorriqueños siguieron sin callarse nada. El mensaje llega a los jóvenes y hace eco en los medios con críticas a favor y en contra, hasta el punto que se creó un movimiento político denominado “Movimiento Revolucionario Calle 13” que promueve la educación y la unión latinoamericana.
Ni reggaeton, ni Hip Hop: Música para el Pueblo Originarios de Puerto Rico, territorio aún gobernado por la constitución estadounidense, René Pérez Joglar y Eduardo José Cabra Martínez se unieron para crear este grupo de rimas y bases ciclotímicas. Ellos
son medios hermanos y no sabían que muchos años después además de compartir la sangre, los juntaría la música. A ambos los caracteriza personalidades diferentes casi repelentes pero tan distintas como complementarias.
Resaltando del montón Según dice la ya casi leyenda, Calle 13 es la vía donde vivía René, ubicada más específicamente en Trujillo, San Juan. Los mismos protagonistas cuentan que para ingresar al barrio había que decirle al guardia una contraseña: “Residente calle 13”, para el que vivía en ella; y “Visitante Calle 13”, para el ajeno, en este caso Eduardo que vivía en zonas aledañas. Una historia tan simple pero suficiente para entender situaciones contextuales. “Querido FBI”, fue el tema que los llevó a arañar el tapete político y los colocó en el extenso mapa de los artistas revelación. Esta canción provocó una conmoción ya que se publicó en Internet 30 horas después del asesinato provocado por el FBI a Filiberto Ojeda Ríos. Este último era el líder de Los Macheteros, principal grupo de lucha por la liberación de Puerto Rico de los que ellos llaman
“los gringos”. El tema tuvo mucha repercusión en los medios, a esto se le sumó que meses después Calle 13 saca a la venta su primer material discográfico con temas como “Tengo hambre”, de gran contenido ideológico. En nuestro país llegan a hacer boom con el conocido “Atrevete-te-te”, que pertenece a este mismo disco, pero en ese entonces todavía en nuestro país la banda sería conocida sólo como una agrupación más de reggaeton, por lo cual no llega a aceptarse por completo como algo relevante. Mientras, en Puerto Rico ya la repercusión había germinado su semilla. Ese mismo año, el gobernador Aníbal Acevedo, gracias a su hijo que le muestra los temas del Residente y Visitante, invita a la banda a La Fortaleza y les pide la grabación de una canción contra los disparos al aire que son muy comunes
en las celebraciones de fin de año. Es así que accedieron y nació un nuevo single denominado “La ley de gravedad”, que no está incluido aún en ningún disco al igual que “Querido FBI”. Consagración en la constelación Luego de ese primer álbum que lleva el nombre de la banda le siguieron: “Residente o Visitante” (2007) y “Los de atrás vienen conmigo” (2008). Ambos con gran contenido simbólicocultural, de letras y frases filosas, siempre al límite del desparpajo, escupiendo verdades que pocos se atreven a decir. Ya Residente era un blanco de crítica por sus rimas tan directas y simples, pero con realidades plasmadas en arte, por lo que ya millones de fans se habían empapado de Calle 13 en toda América Latina. El grupo como se puede ver está muy comprometido con la sociedad actual,
mas específicamente la situación de nuestra América Latina. El mismo René Pérez, acapara las balas y las amenazas no lo alcanzan, alza la bandera de la educación, que como sabemos es la base fundamental de todos los países aunque muchas veces manipulada y paralizada por el poder. Esto decía el Residente sobre dicho tema a la revista mexicana “Shock”: “Yo sueño con la revolución de la educación. Cuando los presidentes le den a la educación la misma prioridad que le dan a la guerra, a las armas y a la milicia, el mundo va a estar mejor. Yo creo en esa revolución, no en la de las armas. La educación debe ser la prioridad”. Hasta el cantautor cubano Silvio Rodríguez destaco el trabajo de los puertorriqueños en una conferencia brindada en República Dominicana, explicando que ya los grupos actuales no muestran la cultura, los valores humanos ni el respeto, por lo que
deberían emular las actitudes de solidaridad para con el pueblo de Calle 13. Sumados al cubano muchos artistas reconocidos se subieron a la ola, así podemos nombrar a la siempre recordada Mercedes Sosa, Shakira, Dante Spinetta, Café Tacuba, la Mala Rodríguez, Vicentico, entre otros reconocidos. Subiendo escalones El último trabajo del grupo, “Entren los que quieran”, lanzado el año pasado llegó a ponerlos más arriba de lo que estaban y su mensaje comenzó a trascender a ámbitos donde casi se ve materializado. Es así que hablamos del reciente grupo denominado “Movimiento Revolucionario Calle 13”. El fenómeno
se creó en Buenos Aires y se expandió a otros países latinoamericanos que reciben la idea con entusiasmo y alegría. Desde el MRC13 explican que su propósito está inspirado en la idea de un cambio, junto a la necesidad de promover la importancia de la educación, el estudio y el progreso personal. Además creen fervientemente en la independencia y la unión de los países latinoamericanos. Jesica Lachone tiene 23 años es Perito Mercantil graduada y miembro del MRC13, explicó para un medio mexicano: “Calle 13 nos inspira y nos va dejando un mensaje, una enseñanza, que muchas veces es incomprendido o mal interpretado por mucha gente. Demostrando la fuerza
de la palabra, haciéndenos ver otras realidades de las cuales no teníamos mucha conciencia, injusticias que lamentablemente pasan en Latinoamérica y de una variedad de cosas que deberían cambiar”. Se destaca la actividad de este grupo ya que hacía años que la música no lograba ni un cuarto de esta controversia que se acompaña grandes de ganas de cambio. Alguna vez la revolución la marcó el rock, ahora son otras épocas, donde ese género a secas como vanguardia se debilitó pero cobró valor en otras melodías. Podemos decir que Calle 13 “rockea” a su manera y sigue su rumbo sin decir mentiras ni maldecir verdades.
Puerto Rico, pelea la liberación Oficialmente, Puerto Rico es lo que se llama un “Estado Libre Asociado”. Para poder traerlo más nuestra realidad, Estados Unidos tiene relación como este país como Inglaterra con las Islas Malvinas. Desgraciadamente estamos en el 2011 y todavía existen “colonias”. La isla caribeña de Puerto Rico posee un autogobierno para asuntos internos y es territorio no incorporado del país del norte, pero constitucionalmente se rige con las normas, derechos y deberes de esa nación. Esta apoderación de la isla por parte de los EE.UU. ocurre en a partir de 1898 a causa de la Guerra Hispano-Estadounidense, cuando este país invade el territorio y meses después se firma el Tratado de París. Este pacto consistía en que el Imperio Español le cedía a Estados Unidos, Puerto Rico Cuba y Filipinas, quedando en sus manos definitivamente el 11 de abril de 1899. Desde ese momento Puerto Rico pertenece a Estados Unidos, pero no forma parte de ellos, de igual manera la isla compuesta por más de 400.000 habitantes busca la libertad, para así poder desarrollar sin limitaciones su propia identidad.
RECUERDO Nota: Rocío Marruco
El Pri Rockero Bien
“Son muchos pensamientos par cansado de vivir
Nota: Melina Galli
imer n Argento
ra una sola cosa, estoy algo en realidad”
Una de las grandes pérdidas que tuvo el rock y el blues argentino fue la muerte de Norberto “Pappo” Napolitano, el 25 de febrero del 2005, cuando una mala jugada del destino, hizo que perdiera el control de su Harley Davinson, al rozarse con la moto de su hijo. El carpo tenía 54 años y mucha música para darnos. Norberto Aníbal Napolitano nació el 10 de marzo de 1950. De chico, en la escuela, aprendió folklore; fue ahí cuando Pappo mostró su gusto por la guitarra. Un día, cuando tenía unos 14 años, escuchó por la radio a Little Richard, eso fue lo que necesitaba para darse cuenta que nunca más iba a separarse de la música. “Me compré una guitarra eléctrica, un equipo, cantaba los temas de Little Richard y me cagaba de risa” decía el Carpo. Comienzo de la carrera Si bien ya tocaba en algunas bandas del barrio, comenzó su carrera musical de la mano de Los
Abuelos de la Nada, pero decide abandonar ya que no puede darle un tinte blusero como él quería. En 1969, es convocado por Lito Nebbia para sumarse a Los Gatos y con ellos grabo dos discos “Beat Nº1” y “Rock de la mujer perdida”, pero Pappo decide irse nuevamente para concretar nuevos proyectos. Una vez desvinculado de Los Gatos, Pappo forma, junto a Davies (David Lebón) en bajo y Black Amaya en batería, un nuevo grupo, al estilo Hendrix, impulsado por Jorge Álvarez, hablamos de Pappo Blues. Esta grandiosa banda sufrió varias modificaciones en su formación, registrando su primer disco en
1971. Paralelamente Pappo se presentaban como solista y como guitarrista invitado por otros grupos. En 1977 formo Aeroblus, pero no tuvieron éxitos por los constantes reencuentros de Pappo Blues, con el cual había grabado y diez discos. En los 80 fundó su segunda y mítica banda, Riff, donde dejó de lado el blues, para acercarse más al heavy metal. Al año siguiente, bajo el sello “Tonodisc” salió el primer LP del grupo, “Ruedas de metal”, con la formación: Pappo en primera guitarra y voz, Vitico en bajo y voz, Michel en batería y voz y Boff en segunda guitarra. Algunos temas para destacar son “Ruedas de metal”, “No detenga su motor” y “Necesitamos más acción”, de los que se hicieron los primeros videoclips de la Argentina. “Mucho por hacer”, compuesta y cantada por Vitico, fue otro tema de los más recordados y regastados en cuanto recital armaba
la banda. Entres discos de estudio y en vivo, la banda cuenta con 11 producciones. Pappo alterno su carrera principalmente entre Riff y Pappo Blues, además de formas pequeños proyectos y seguir tocando, paralelamente, como solista e invitado en otras bandas. Mitad de carrera: El regreso y B.B. King Luego de varios viajes a Europa y Estados Unidos, forma la banda Widowmakers, con músicos estadounidenses, no siendo bien recibida por el público. La banda regresa a Estados Unidos sin Pappo, teniéndose que quedar acá debido al fracaso de la compañía “Napolitano Hermanos”. Para ayudar a su familia, decide integrarse nuevamente al taller mecánico que lo había visto crecer. Pappo cuentaba: “Yo ni me imaginaba que iba a volver a tocar como profesional: había llegado la
hora de colgar los guantes y los botines. Empecé a trabajar en el taller, me armé una casa rodante, me armé una Chevy para correr... Juanse venía siempre a visitarme, hasta que un día me dijo: “¡Salí de debajo de los autos, ponete algo como la gente, que nos vamos a Vélez a tocar de soporte de Keith Richards..!”. Yo no pensaba tocar más. Y ahí empecé a tocar de vuelta.”. Es así que los días 15 y 16 de Junio de 1990 Riff vuelve a Obras, ante un público muy numeroso y excitado. Dos años más tarde, Pappo decide rearma su grupo “Pappo’s Blues”, con el que realiza diferentes presentaciones en diferentes pubs, según él “Sólo por diversión”. En ese mismo año, la leyenda del blues, B. B. King llega a la Argentina. Pappo’s Blues es la banda telonera y al final del show B. B. King, sorpresivamente invita
a Pappo para que suba a tocar. Pappo cuentaba sobre este suceso: “Terminé de tocar, me puse en bolas y me tiré en la pileta de los basquetbolistas que hay en el vestuario; entonces, al rato me llamó Miguel Ángel, que era un asistente, y me dijo: “Carpo, te está llamando el negro del escenario, vestite, apurate”. Tenía mojados los pantalones de cuero y no me los podía subir; me puse una camiseta y subí al escenario con medio culo al aire, y al segundo paso que di el pantalón hizo “plic” y subió, y ahí le di la mano a B. B. King y le dije: “Nice to meet you, sir; thank you”. Empezó a pedir que me dieran una guitarra; yo pensé: “¿Qué le pasa a éste?”. Empecé a tocar y no me di cuenta: yo estaba ahí arriba, fue como estar en Fórmula 1. El público empezó a gritar “¡Pappo!”: yo le
agradezco al público que apoyó en ese momento. El que menos se imaginó que iba a estar ahí fui yo, que me agarraron con los lienzos bajos... Maravilloso”. Ultima vuelta Pappo no solo teloneo a B.B. King, sino también a Guns and Roses y The Rolling Stone. Es que el Carpo se merecía eso y mucho mas, es considerado uno de los padres fundadores del Rock argentino e icono de gran influencia, dejándonos su legado de Rock y Blues. Como solista grabó 7 álbumes; y en toda su carrera, entre discos de estudio y en vivo, mas de 30 producciones discográficas. Más de 3 mil fanáticos y amigos despidieron su restos, todos gritando a coro “y Pappo no se va”.
El Rey Del Glitter Rock Nota: Marina Miguel
David Bowie merece y tiene un lugar privilegiado en la historia de la música. Su nombre no se puede catalogar ni en el Pop, ni en el rock, él es “rock and pop”. Empezó por un lado y desembocó en otros, y parte de su discografía es un popurrí de mezclas sonoras. Un verdadero bohemio, artista como ningún otro, que abarcó lugares en la música, la actuación y las artes plásticas. En esta ocasión Lobo Suelto te invita a leer “algo más” sobre este tipo único en su especie. David Bowie merece y tiene un lugar privilegiado en la historia de la música. Su nombre no se puede catalogar ni en el Pop, ni en el rock, él es “rock and pop”. Empezó por un lado y desembocó en otros, y parte de su discografía es un popurrí de mezclas sonoras. Un verdadero bohemio, artista
como ningún otro, que abarcó lugares en la música, la actuación y las artes plásticas. En esta ocasión Lobo Suelto te invita a leer “algo más” sobre este tipo único en su especie. Las últimas novedades de David Bowie son dos grandes noticias
que tienen que ver con discos del autor. Primero, está por salir en abril Birthday Celebration – Live in NYC 1997, en el que participarán Robert Smith de The Cure, Lou Reed, Dave Grohl de Depeche Mode, Foo Fighters, Sonic Youth, Billy Corgan de los Smashing Pumpkins y Frank Black de Pixies. El disco registra un concierto del 9 de enero de 1997 en el Madison Square Garden de New York y cuenta con temas como ‘Scary Monsters (And Super Creeps)’ y ‘Fashion’ con Frank Black, ‘Hallo Spaceboy’ con Foo Fighters, ‘Seven Years In Tibet’ con Dave Grohl, ‘The Last Thing You Should Do’ con Robert Smith, ‘I’m Afraid Of Americans’ con Sonic Youth, ‘Queen Bitch’ con Lou Reed, entre muchos más. Además, hace diez años atrás Bowie grabó un disco que se llamaría “Toy”, pero
POP KING Nota: Lila Martinez
por complicaciones con su discográfica no pudo salir a la luz. Pero hace unas semanas esta placa se filtró por internet, y por ende está disponible para todos sus fans. “No hay Nadie como Tú” Un personaje rubio con un ojo de cada color, otro excéntrico de pelo rojo y maquillaje a lo “La empleada pública” de Antonio Gasalla, llamado Ziggy Stardust, y luego un flaco totalmente adicto a la cocaína que adoptó el apodo del Duque Blanco, simpatizaba por el nazismo y creía que el Reino Unido se beneficiaría con líderes fascistas, fueron los personajes más destacados y protagonizados por David Bowie, de quienes le costó desprenderse por mucho tiempo, y no supo separar entre lo real y lo ficcional. Pero todos estos intérpretes le dieron el lugar
de artista intelectual en lo que fue su historia dentro de la música, tanto por lo que significaba en el plano escenográfico, como el valor que tenían sus piezas musicales y su voz particular. Más allá de haber protagonizado tantos personajes, uno sólo es su nombre: David Bowie, en su conjunto, es una pieza magistral en todo sentido. Con caras y contracaras que lo favorecieron y otras que no fueron tan bien vistas, pero supieron ensamblarse en lo que hoy significa nombrarlo. Hizo lo que quiso desde sus comienzos, pero siempre soñó con ser Director de Cine, vio al rock como una manera de entrar a la fama, y al meterse en ese círculo le fue bastante difícil salir, hizo cine, pero la música lo mantuvo en pie en lo económico, y vio en el pop algo fantástico y que iba con su manera de ser, ya que para él,
en declaraciones anteriores, “el rock es la música del demonio”. Todo artista de este tipo empieza desde chico queriendo hacer cosas por el arte. Así fue que comenzó cantando en coros escolares y sobresaliendo entre todos, porque así son las estrellas iluminadas por el éxito por venir. Habilidades no le faltaron, y con ellas supo tocar la flauta, un saxofón, el piano y hacer con ellos todo tipo de piezas musicales. Bowie desde niño fue un artista que paso a paso se fue convirtiendo en lo que hoy es. ¿Y por qué es tan raro que hasta un ojo de cada color tiene? Eso es lo que logra hacer el destino con algunas personas. Con una simple anécdota de la infancia, quedó marcada en su personalidad la diferencia y su excentricidad. Por culpa del loco destino se ligó una trompada que marcaría
su imagen; tal es así que en el colegio al que recurría, un amigo llamado George Underwood le pegó una piña en su ojo izquierdo, en una discusión que tenía en el medio (como en la mayoría de las riñas entre hombres) a una chica. Con Underwood siguen siendo amigos, y ese amargo golpe que sufrió en aquel entonces, luego se convirtió en un rasgo peculiar de su personalidad. ¡Stop! Google// David Bowie // Wikipedia = Allí está toda la biografía completa de este ídolo de la música. Por lo que si seguimos contando anécdotas de este tipo caeremos en la facilidad de la escritura “periodística” de la que cualquier ciberlector puede darse cuenta. Entonces… ¿Por dónde seguimos? Mejores puestos de sus canciones… No. Mejores películas en las que actuó… No. Ninguna fue tan
buena, lo que no quiere decir que él haya sido un mal actor. No quedan dudas que sus mejores personajes en la música han sido interpretados de una manera maravillosa, y que sin lugar a dudas toda su performance es llamativa, intelectual y con mucho valor. ¿Qué más se puede decir desde acá de David Bowie, cuando ya está todo dicho? Una mera opinión más, un simple reconocimiento argentino a su figura. Bowie influenció a muchos de los que hoy son tan buenos músicos: Los Pixies, The Cure, toda la era new wave, los músicos industriales como Nine Inch Nails, y hasta la tan conocida canción “The man Who sold the world” fue interpretada nada más y nada menos que por Nirvana en su Unpluggued de MTV, que hasta a veces es más conocida por estos
últimos que la verdadera de David Bowie, como suele pasar con los covers. ¡¡Y Marilyn Manson se parece a Ziggy Stardust!! El cantante que por un tiempo se “alimentó” con leche y cocaína es hoy en vida uno de los artistas que más legados dejó en lo que vino después. Ahora… ¿Qué está pasando con la música mundial que hoy en día se olvidan de todas esas bandas de la hostia que siguen marcando pasos? Cuando dejen de existir todos los músicos que hoy en día llenan estadios completos con sus megashows en vivo ¿Quiénes los van a suceder? Contados con las manos... Y demasiado escondidos. Y parece que la música de aquella época tenía que pegar ese salto de revolución para que más de uno se quede pasmado estudiando la historia que dejaron y preguntándonos qué
le está pasando a la música de ahora, que no tiene este tipo de trabajos artísticos tan valorables, se llena de copias o sólo parece estar interesada en salir en el estereotipo del rock porque es “Cool” y no porque es arte. Habrá que esperar unos 30 años para ver qué pasa con la originalidad, ya que de verdad, pareciera que está todo agotado. Y más de uno debe creer que del 2000 en adelante los “nuevos artistas” están en decadencia, y los viejos siguen deslumbrando. Una pena que Bowie se haya retirado de las giras y el reggaeton siga invadiendo las radios, pero por suerte, no todo es tan pesimista, y la magia de las opciones permite a todo el mundo elegir qué es lo que quiere escuchar, y esa música que se hizo en aquel entonces, hoy sigue tan viva y compañera como siempre.
ROCK Y DICTADURA
El Rock En Los Tiempos
Del Horror Nota: Eugenia Ceballos
A 35 años de la última y más feroz dictadura militar que vivió nuestro país el Rock nacional, hijo huérfano de esa época, sigue siendo un testimonio vivo para ya nunca olvidar. Luis Alberto Spinetta
Tanto desastre organizado En marzo de 1976, para algunos, la noticia de un nuevo golpe de estado no fue tan desalentadora. “Ya no aguanto escuchar gritar a Isabelita ni ver que López Rega le dicta en el oído pedazos de los discursos dijo el flaco Spinetta según retrata Sergio Pujol en su libro Rock y Dictadura. Quizás todavía no sospechaba que lo que se vendría sería mucho peor. Si bien el golpe en concreto sucedió a mediados de la década,
los ´70 ya venían bastante convulsionados y traían cola el golpe de Onganía, el Cordobazo, la vuelta del General y su muerte. Todo esto sumado a la Triple A, prima y antecesora de la crueldad y las torturas que luego sucederían. El Rock o música progresiva, como lo llamaban algunos, venía creciendo y haciéndose escuchar de a poco en las esferas jóvenes. Habían pasado ya algunos años desde que Los Gatos, Moris y
Tanguito moldearan los primeros esbozos del movimiento, este ya incorporaba los primeros sintetizadores analógicos y melotrones. Charly garcía dejaba atrás el gran éxito de Sui Generis para calmar las aguas con una máquina que inventaría pájaros, y el Flaco Spinetta disolvía Almendra y formaba Invisible. El Reloj, Alas, Porcheto, Pastoral, Crucis, Polifemo y por su puesto León Gieco eran otros de los artistas que hacían
sonar las púas del tocadiscos a mediados de la década. Paradójicamente el ´76 fue un año en que se dieron muchos recitales, La Bola Loca, el Teatro Coliseo, el Astral y el Luna Park fueron los centros de reunión, cunas donde se gestó el rock progresivo. Cientos de jóvenes se reunían a disfrutar de la buena música, acatándose de que a la salida los acordes recién escuchados durarían solo unos momentos más en la cabeza, luego tendrían que esquivar a los policías y a algunos tanques estacionados en las esquinas. Los músicos y sus seguidores no eran el blanco principal para quienes pretendían reorganizar la nación pero contando que la Secretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires consideraba que la cultura ha sido y será el medio mas apto
para la infiltración de ideologías extremistas” los pibes que llevaban pelo largo y jeans gastados debían empezar a cuidarse. A los muchachos que manejaban Falcon Verdes les costaba un poco discernir, hasta los amigos del barrio podían desaparecer. Apenas Sobreviviendo En el ´75 antes de la despedida de Sui Generis (en la cual el dueto metió más de 26 mil personas en 2 Luna Parks), Charly y Nito fueron secuestrados en Uruguay y golpeados por tocar “Botas Locas”, cuya letra mencionaba explícitamente a los milicos: “…Los intolerantes no entendieron nada/ Ellos decían guerra , yo decía no gracias/Amar a la patria bien no exigieron/Si ellos son la patria yo soy extranjero…” El rock traía consigo una actitud contestataria y venían
a contramano de todo lo establecido. En el disco “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones” (1974), Sui Generis se fue de cabeza contra la Iglesia, los militares y hasta la familia. Las instituciones tal como estaban no representaban la vida que el joven quería vivir. Claro que dos años antes del golpe, todavía se podían decir algunas cosas, el panorama aún no estaba tan oscuro. Ningún músico fue asesinado ni desaparecido, (si muchos escritores e intelectuales del ámbito cultural) pero varios se comieron más de una noche en cana y muchas canciones no pasaron la censura. Entre ellas, “El Fantasma de Canterville” de Porsugieco y “Las golondrinas de Plaza de Mayo” de Invisible. Más allá de las prohibiciones y las letras recortadas en los discos, siempre quedaba la chance de
la versión en vivo, un gusto del que ninguno de los intérpretes se privaba. En el `77 después de haber disuelto invisible, Luis Alberto Spinetta fue detenido y en las paredes sucias del calabozo en donde estaba encontró escrito con lápiz la letra de “Cementerio Club” (de Pescado Rabioso) grabada en el muro por algún secuestrado que quién sabe cuál fue su destino. Seguramente para ese entonces el flaco ya había cambiado de opinión sobre que tan bueno había sido q bajaran a la viuda de Perón. El Rock argentino se transformaba en una especie de bastión de resistencia para toda una generación. En la época más sombría del país, las letras de las canciones gambeteaban la situación metaforizando los más horribles hechos, la impotencia de muchos y lo que la mayoría no Charly García
Litto Nebbia
quería ver, ya sea por miedo o comodidad. “…No cuentes lo que hay detrás de aquel espejo, no tendrás poder\ ni abogados, ni testigos.\ Enciende los candiles que los brujos piensan en volver\ a nublarnos el camino…” dibujaba Serú Girán (David Lebón, Pedro Aznar, Oscar Moro y Charly García) en “Canción de Alicia en el país” (1980). Quizás en una de las canciones que con la mayor sutileza, describe el más nefasto horror. En Inglaterra y Los Ángeles unos flaquitos con chupines comenzaban a hacer furor con el Punk, la fiebre de Argentina campeón del mundial del ´78 nublaba muchas vistas mientras en las calles algunos se exiliaban y otros tantos desaparecían. Ya no era “El país de la libertad” del que hablaba León.
Lo que el whisky nos dejó Pasados ya casi 6 años desde que la Junta Militar tomó el poder, gracias a una borracha decisión, en 1982 Argentina se implicó en un conflicto bélico con Inglaterra. Cientos de jóvenes se fueron a luchar a Malvinas en el nombre de “la patria”, la misma que los hizo desaparecer ahora los hacía morir de frío. En las radios se prohibió la música anglosajona y se priorizaba la producción nacional, este absurdo hecho paradójicamente fue un puente hacia la masividad en el rock del país. El Festival de la Solidaridad Latinoamericana se dio lugar en el estadio Obras Sanitarias y reunió más de 60 mil personas y muchos más siguieron las transmisión en vivo del concierto de Gieco, Spinetta, Mestre, Rada, García y Lebón (estos dos últimos
ya habían desarmado Serú Girán en marzo), entre otros. Quizás una parte de la gran cantidad de alimentos y abrigo que se juntaron en aquella ocasión llegaron a destino. En 1983 se restauró la democracia, desde allí a esta parte los caminos del Rock en Argentina serpentearon la denuncia, el olvido, la distracción y el volver a recordar. A 35 años del golpe, con algunos de sus mentores reciente y justamente condenados la música sigue dando batalla porque forma parte de la cultura de los pueblos. Aquellas canciones, verídicos testimonios del terror que constituyen la memoria colectiva de una generación devastada, aún siguen circulando para ya nunca olvidar.
ENTREVISTA
Alejandro Medin El Domesticador D Nota: Roberto Beluzzo Fotografías: Ricardo Barreto
Alejandro Medina, ex bajista de Manal, banda fundacional del rock argentino, habla de su nuevo trabajo solista, “Yo soy”, que va a estar a la venta en dos semanas, y nos comenta sobre su proyecto de radicarse en la provincia de Córdoba. Accede a una nota con la condición de “hablar de futuro y no del pasado”, Mítico bajista de bandas que son parte importante en la historia del rock argentino como Manal, Aeroblues, Pappo’s Blues y La Pesada de Billy Bond, Alejandro Medina nos recibe en su barrio, Morón, y luego de saludarnos se larga a hablar de
na: De Notas Nota: Melina Galli
su nuevo proyecto: “El disco se llama “Yo Soy”, lo voy a vender de manera independiente dentro de 15 días y ya se puede pedir por Facebook, donde hoy ya tenemos más de 1500 pedidos de reserva”. Además de su banda, integrada por Claudio Rodríguez en guitarra, Javier Boleda en batería y Lola Medina en voz y coros, el nuevo trabajo cuenta con la participación de músicos invitados como Luis A. Spinetta, Charly García, Carlos Cutaia, Carlos Patán Vidal, Juan José Hermida y Juan Tordó (ambos de Mississippi), entre otros.
- El disco gira en torno a temas de la esencia misma del hombre, de sus vivencias, con sus cuestiones sociales en las que está inmerso, de sus visiones, sentimientos, reflexiones, y hasta de esas ganas de escapar de todo que nos dan a veces, que se reflejan en canciones como “Escapa conmigo” o “Ya mi nave partió”. Y sobre todas estas cuestiones prevalece lo que importa y nos termina salvando: el Amor. ¿Escucharemos mucho blues? - Blues, funky, rock… Escucharemos música. Porque todo es música y nuestros oídos deben abrirse a todas las vertientes. La música es el primer elemento de nuestra vida. Viene de lo más lejos, del Bing Bang, de la creación. ¿Cómo es trabajar de manera independiente?
- Trabajar de manera independiente tiene sus pros y sus contras, dado que de esta manera tengo que encargarme de todo: convocar a los músicos, contratar estudio, días, horarios, arte de tapa, etc. Por lo que a veces se me arman unos quilombos bárbaros, que no los tendría si fuese contratado por una compañía. Pero una vez finalizado todo el proceso siento el placer de manejarme con mayor libertad y con menos compromisos comerciales. ¿También te vas a encargar de la distribución? - En principio sí. Voy a ir a los barrios del conurbano, desde donde me hagan los pedidos, les voy a entregar el disco con mi firma a los fans. Después veré si aparece alguien que me haga una oferta interesante lo analizaré.
Pero las primeras distribuciones, a mis seguidores más fieles, las quiero hacer de manera más personalizada, en cercanía con ellos. Su postura de no hablar sobre el pasado cede en algún momento para comentar que “Manal no está valorado en el árbol genealógico del Rock Nacional y no tiene el lugar que se merece en la consideración de la prensa ni de las compañías discográficas”. ¿Qué significó haber vuelto a tocar el 12 de marzo en La Perla de Once? - Nada. Haber tocado hace poco ahí para mí no significó nada, porque en realidad ese lugar es un mito sobredimensionado. Además te dije: A mí me gusta mirar para adelante. Uno siempre quiere hacer más y no hablar de lo que ya hizo. Por ejemplo, si hoy
vinieran Javier Martínez y Claudio Gabis (ex integrantes de Manal) para juntarnos, no diría que no, pero sí lo haría por un proyecto que valga la pena; como hacer una acción solidaria, ayudar gente, algo que significara crecimiento.. Hablemos del presente entonces. ¿Qué bandas argentinas de hoy te gustan? - Divididos, Ciro Martínez y Almafuerte. También Motor Blues una banda de Córdoba. Cuando menciona a la banda mediterránea, habla de otro de sus proyectos: el de radicarse en la provincia de Córdoba: “Me gustaría vivir allí, en Traslasierra o Cumbresita, porque estoy cansado de cómo está viviendo la gente de las grandes ciudades, muy acelerada. Yo estoy
en busqueda de una mayor tranquilidad que no me dan el ruido y la rutina del Gran Buenos Aires. Quiero que mis nietos tengan un lugar tranquilo fuera de la ciudad”. La charla continúa sobre distintos temas, pero elige cerrar la charla con una anécdota de las tantas que tiene este pionero del rock argentino. ¿Cómo surgió el apodo de “el domesticador de notas”? - Surgió de tantos divagues con amigos, en los que filosofamos largas horas sobre la música. Y a mí una vez se me ocurrió decir que en la música, las notas son salvajes. Y en el aire están dando vueltas, muy locas. Y cuando me preguntaron qué hacía yo cuando las veía ahí, tan locas: ‘Las atrapo, las domestico y las uno’, dije. Y ahí comenzó, un poco en broma, lo del domesticador de notas.
Para reservar el nuevo trabajo de Alejandro: http://facebook.com/alejandromedinaband / alejandromedinaband@yahoo.com.ar Estos son los temas de “Yo Soy”: Solo sé que soy Cosmos Paraíso perdido Se vienen los gringos Blues, el mate y mi perro El lunes no perdona Maldito cabrón Tibio sol matinal Amor es amor Corazón de piedra Escapa conmigo Ya mi nave partió Gracias al cielo Yo que sé
POLEMICA
Excentricismo Al Estilo Gaga
Nota: Rocío Marruco
Cuerpos hermosos y esbeltos, mucho maquillaje y glamour, atuendos llamativos, coreografías perfectamente sincronizadas y canciones pegadizas que no podés parar de escucharlas en la radio o ver sus videos en MTV. La usina de artistas Pop es por excelencia Estados Unidos, que cada año bombardea al público y lanza al estrellato cientos de cantantes para el consumo masivo. Por eso uno de los mayores desafíos para estos hijos de este género, es mantenerse como artistas vigentes y no ser simplemente estrellas fugaces.
A la que hasta ahora el éxito le sienta bastante bien es a Lady Gaga, que desde que salió su primer álbum “The Fame”, en el 2008, no ha parado de ser fuente de controversias, elogios y críticas. Lady Gaga sabe bien cómo mantenerse en boca de todos y no pasar desapercibida; algunos de los más conocidos acontecimientos que causaron revuelo son: el vestido que utilizo en los premios MTV, hecho de un material que simulaba ser carne, acción que le costó una fuerte crítica de la Asociación pro-animales PETA. El video “Alejandro” causo el descontento por parte de la Liga Católica Americana ya que nos les gusto para nada, que la cantante se retorciera semidesnuda con símbolos católicos; también se levantaron sospechas sobre si era hermafrodita, rumor que Lady
Gaga rechazo rotundamente; uno de los últimos escándalos fue su nuevo look: la cantante apareció con implantes en su frente y pómulos, desatando la duda si eran superficiales o no. Lady Gaga ha sido acusada de plagiar a Madonna, de ser demasiado excéntrica, o bien de ser una excelente artista y causar tendencia, entre otras cosas; lo que es innegable es que es los medios no paran de hablar de ella. Además, ha emprendido en el negocio de la ropa, cosméticos y perfumes. Obviamente, cada uno de estos productos causa revuelo, como su perfume con un pequeño toque de su propia sangre y semen de vaya a saber quien. Para muchos, Lady Gaga se ha ganado el cielo y para otros el infierno. ¿Originalidad o exageración? Sólo parece tenemos Gaga para rato.
La Guitarra Llora: Gary Moore 1952- 2011 Nota: Ariel Britos
La noticia sacudió el aburrimiento de un domingo por la tarde veraniego; uno de los guitarristas mas virtuosos que haya pisado el planeta moría solo y en silencio. Había llegado a un hotel de Estepona en Málaga, España el sábado 5 de febrero al mediodía y en la madrugada del domingo 6 una trabajadora del servicio de limpieza del hotel lo encontró tendido en el piso sin signos de vida. La autopsia determinó que la causa de la muerte había sido un ataque al corazón.
Nacido el 4 de abril de 1952 en Belfast, Irlanda del norte armó su primera banda siendo un adolescente junto a Phil Lynott a la que llamó Skid Row que nada tiene que ver con el grupo de Por Andrés Valdez Por Andrés Valdez Bach. Peter Green, guitarrista de Fleetwood Mac, al oír esos acordes tan únicos con un estilo tan particular, lo llevó a firmar contrato con su sello discográfico, esa banda solo editó un disco y se disolvió al marcharse Lynott y formar su propio proyecto Thin Lizzy al que luego Moore se sumaría. Diferencias musicales con su amigo Phil hizo que Gary entrara y saliera de la agrupación varias veces, fue recién a fines de los ‘70 que encontró el éxito en lo que fue su segundo disco en solitario, denominado “Back in the streets” en el año 1978. Esta placa
HOMENAJE
contenía “Parissienne walkways”, primer canción en entrar al top 10 del Reino Unido.
compartir escenarios con glorias del género negro como BB King o Albert Collins.
Durante los ‘80 incorpora elementos de la música oriental y celta a sus creaciones. En 1983 edita “Victims of the future” donde colabora phil lynott, su amigo de toda la vida.
En 1990 precisamente es el momento cumbre de la carrera solista de Moore con “Still got the blues”. Esta canción que da título al álbum pasaría a ser un clásico de todos los tiempos, no solo del blues sino de la música mundial. Así es que Gary vencía récords y fronteras imponiendo su obra.
En 1987 edita “Wild frontier” disco memorable en la que nos deja joyas del hard rock y guiños AOR como “The loner”, “Crying in the shadows” u “Over the Hills and far away” y ya en 1989 con “After the war” da un giro notorio hacia el blues, siendo el estilo que impondría en sus álbumes venideros y que lo llevaría a
En 1994 junto a Jack Bruce y Ginger Baker, dos míticos integrantes del notable grupo de los ‘70 Cream, forma BBM, realizando un disco alejado del sonido blusero que venía buscando desde hacía casi una década para explorar nuevos
sonidos, esta obra se tradujo en una placa titulada “Around the next dream”, que se acompañó con gira mundial. Después de unos años de silencio, el nuevo milenio arranca movidito para Moore, en 2001 edita “back to the blues” en una vuelta a sus raíces, y en 2002 se embarca en un nuevo proyecto con el baterista de Primal Scream. Esta nueva aventura llamada “Scars”, contó con un nuevo disco que se llevó numerosos premios al año siguiente y una actuación destacada en el Monsters of rock 2003. Volvió como solista en el 2007 con “Close as you get”, junto a temas nuevos propios entre eléctricos y acústicos que
se completaron con covers de grandes glorias del rock como Chuck Berry o John Mayall. Con una gira prevista para el verano europeo con nueva banda, sus proyectos para este 2011 quedaron truncos y la noticia de su repentina muerte conmocionó a todo el ambiente musical. Por la prolífica y variada obra que nos dejó, Moore se ganó un lugar privilegiado en el olimpo de los dioses de la guitarra. Su legado y su ámbito de influencia es inabarcable. Ahora seguro estará zapando con Hendrix, Vaughan, Zappa o Lynott. Se te va extrañar Gary, descansa en paz.
VIVA LA VIDA
Carn
naval A Todo Color Nota: Eugenia Ceballos
A principios de marzo del 2011 se restauró en todo el país después de 35 años el feriado de carnaval. En esta nota te damos un par de datos para que no pienses que solo son dos días mas en los que no hay que laburar. En noviembre del año pasado por medio de un decreto Presidencial que agregaba 4 feriados mas al calendario, se reestableció los feriados lunes y martes de Carnaval. Mas allá la exaltación de los beneficios del carnaval en el ámbito turístico y económico y a raíz de este nuevo día no laboral seguro que mas de uno habrá pensado o escuchado a mas de uno caer en el gastado cliché de “para que queremos carnaval si
el país es un corso”, seguramente son los mismos que no entienden de lo que se trata.
no poder ya que luego se vendrían 40 días de ayuno, antes de que lleguen las Pascuas.
El carnaval es y ha sido siempre una expresión de la cultura popular. Aunque se remonta a civilizaciones muy antiguas el que se festeja en el país tiene su explicación como fiesta cristiana, son los 4 días antes del miércoles de cenizas, día en que comienza la cuaresma. Sábado, domingo, lunes y martes se festejaba a más
La fiesta nunca fue bienvenida para quienes le temen a las reuniones barriales, a que los vecinos intercambien opiniones y compartan el disfrute. En el año 1844 Juan Manuel de Rosas prohibió los juegos de carnaval, estos tardaron 10 años en reanudarse.
Como quizás no muchos saben, el feriado de carnaval se imprimió en color rojo en todos los almanaques hasta el año 1976. En junio de ese nefasto año la ley 21.329 ejecutada por la Junta militar, prohibió los juegos con agua, las reuniones en las calles de los barrios y con ella cayeron los días festivos. Durante los siguientes 7 años las agrupaciones carnavaleras, las murgas, y el pueblo entero fueron sesgados, silenciados y desaparecidos. En los años que siguieron la democracia no logró reestablecer la alegría, el miedo aún formaba parte del paisaje. Recién hacia fines de los ’80, y fundamentalmente a mediados de los ’90, comenzaron a renacer las agrupaciones de carnaval. El pasado lunes 7 y martes 8 de Marzo, en Córdoba y en todo
el país los argentinos volvieron a sentir eso de lo que hablan muchos abuelos y que gracias a la resistencia de muchas agrupaciones nunca murió del todo. En la antigüedad el carnaval sostenía un espíritu irreverente, se permitía la burla y la trasgresión, en esos días, campesinos, amos y esclavos estaban a la par. En la actualidad el panorama cambia bastante, pero la esencia reside en no tomar a estos dos días como jornadas no laborales sino en tratar de llenar de contenido el nuevo feriado. La flamante concesión implica una recuperación histórica, anhelada y reclamada por agrupaciones y ciudadanos de todo el país, trae consigo la memoria de miles de argentinos que supieron vivirlo
y las ganas de los novatos de empezar a experimentarlos. La práctica carnavalesca va más allá de una alternativa lúdica, permite la recuperación del espacio público por parte de un pueblo que reivindica la necesidad de la fiesta, la alegría y la celebración como componente social y cultural. Muchas de las murgas y comparsas son ejemplo de compromiso político, de resistencia y de crítica social además de servir como herramienta de inclusión para muchos jóvenes Esperemos que año a año crezca esta fiesta popular, que alcance mayor adhesión y desarrollo. Además quien no tiene ganas de salir cada febrero a las calles del barrio y encontrarse de cara con la alegría, con los nenes
jugando en la calle, disfrutar de un espectáculo gratuito y popular y tirar alguna que otra bombucha por ahí.
t k c a B
w o h S o the
U2 en Argentina: UN SHOW DE OTRO PLANETA Nota: Melina Galli
Si fuera la última noche en la tierra, como dicen ellos en su canción, muchos moriríamos felices. O por lo menos, morirían felices las más 58 mil personas que colmaron el Estadio Único de La Plata y tuvieron la posibilidad de estar frente al cuarteto irlandés, en el mega show que presentaron el miércoles 31 de marzo, en el marco de su gira 360º. Entre medio de las polémicas generadas por la habilitación de los estadios porteños para realizar recitales, una de las bandas más importantes de los últimos tiempos, anuncia su aterrizaje en nuestro país, lo que puso en una movilización casi instantánea el eje de producción de shows
internacionales. Es de público conocimiento, que las presentaciones que hacen son impactantes, y que requieren de una infraestructura que pueda estar a la altura de las circunstancias. Y esta vez no fue diferente. En principio, la idea de montar
un escenario circular, se debía a que la banda quería hacer honor al nombre de su gira, y que su público tuviera una vista en 360º, que si bien no es la primera vez que se ve algo así en un recital, la ingeniería de la puesta y el despliegue de su estructura, fue dantesca.
house, hasta el final, haciéndonos transitar mientras tanto un camino lleno de contrastes, de ritmos, y de épocas felices, de una historia de más de 35 años, donde ellos formaron y deformaron a su antojo, forjando la leyenda que hoy es conocida a nivel mundial, y que lleva por nombre U2.
Las visuales son otro de los elementos que contribuyen a hacer de este espectáculo algo único y digno de rendir homenaje, y esta vez la inusual pantalla cilíndrica hecha de placas, se ocupo de acompañar la narrativa del show con imágenes de otro planeta.
El delirio se hizo presente en primera fila y desde horas tempranas, el público enloquecía, gritaba y aplaudía, mientras un Bono casi omnipresente desfilaba por puentes giratorios que acentuaban la monstruosidad de la puesta.
Fueron una veintena de temas que hicieron vibrar al público, desde el principio con “Even Better Than the Real Thing”, sacudiéndonos con ese riff de guitarra pseudo-
La grandeza de uno de los show más costosos del plantea, quedo demostrada a lo largo de las dos horas que duró el espectáculo y en donde hubo de todo: Desde momentos sentimentales salidos
de uno de sus discos más antiguos “The Joshua Tree”, que sigue aportando emotividad a sus conciertos, y despiertan la magia con temas como “I Still Haven’t Found What I’m Looking for” donde el público se convierte en la única voz de la banda, y gritan hasta más no poder las primeras estrofas. La entonación de clásicos de otros grandes, es una apelación a una sentimentalidad que causa un efecto emotivo casi instantáneo, y por ende infaltable: Al final del tema, un fragmento de “Three Little Birds” de Bob Marley arranca vítores, “Blackbird” de los Beatles se presenta como el complemento ideal de “Beautiful Day” y “Relax”, el resonado hitazo de synth pop de Frankie Goes to Hollywood, se colará en el final de “I’ll Go Crazy If I Don’t Go Crazy Tonight”, de “No
Line on the Horizon”. No faltaron tampoco los mensajes políticos encerrados en ritmos pegadizos, himnos trascendentales e imágenes de medio oriente que acompañaban las denuncias de Bono, que rindió tributo mediante ellas a activistas como Aung San Suu Kyi (“La Mandela de Asia” como la bautizó el propio cantante), a los mensajes del pastor Desmond Tutu que milita en contra del Apartheid y también estuvieron presentes en las imágenes la agrupación no gubernamental, Amnistía Internacional. La noche intergaláctica se acerca a su fin, el despegue de esta banda monstruosa y toda su infernal infraestructura comenzó
su cuenta regresiva, y con ella nos trajo algunos de los temas que hicieron estallar al público, de la mano de la reina de la noche: “With or Without You . Otro elemento que marcó el detalle fue la alusión al estado de salud de Gustavo Cerati; fue un cierre emotivo para un show alucinante, que toco más de una fibra sensible. No por nada ellos son uno de los más grandes, no por nada hace más de 35 años que vienen sacudiendo al mundo con su música, imponiendo estilos y ritmos. Ellos nos demostraron que para convertirse en leyenda, basta con mixturar talento, compromiso social y amor por lo que hacemos, y de esto, U2 ha dado pruebas más que de sobra.
Teloneros de lujo La banda que abrió la noche, se trató de nada menos que MUSE. Para aquellos pocos que no estén al tanto, diré brevemente que se trata de un grupo de rock originario de Devon, Inglaterra, y en cuya formación encontramos desde sus inicios a: Matthew Bellamy (compositor, voz, guitarra, teclado y piano); Dominic Howard (batería y percusión) y Christopher Wolstenholme (bajo eléctrico, teclados y coros) y la participación de Morgan Nicholls. Sus influencias son tan notables como variadas, encontrando entre sus sonidos algo de Queen, Jimi Hendrix y hasta el mismísimo Federic Chopin. Reconocidos entre otras cosas por sus intensas apariciones en vivo, supieron estar a la altura de las circunstancias brindando un show de calidad y entregando al público alguno de sus hits más vibrantes y potentes, tales como “Supremasive Black Hole”… teniendo en cuenta la difícil tarea que significa preceder musicalmente a una de las bandas más conocidas y escuchadas a nivel mundial, vamos a ponerle a estos chicos ingles un diez felicitado y sobresaliente.
LOBO SUELTO
ABRIL 2011