PORTAFOLIO - HISTORIA DEL ARTE - MARIA FERNANDA GOMEZ HERQUINIO by María Fernanda

PORTAFOLIO 2021-1

HISTORIA DEL ARTE

325

Profesora: Cristina Isabel Dreifuss Serrano

MARIA FERNANDA GOMEZ HERQUINIO 20202986

Facultad de Ingeniería y Arquitectura

Carrera de Arquitectura - Área de historia y teoría de la arquitectura Ciclo 2021-1

CRITERIOS RIBA Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas.

CG2

Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

CG3

Comprensión de los métodos de investigación y preparación de un sumario para un proyecto de diseño.

CG7

TABLA DE CONTENIDOS 1

EXTRAÑOS COMIENZOS EP1 - CG2 / CG3 / CG7

PODER EP1 - CG2 / CG3 / CG7

PLACER EP1 - CG2 / CG3 / CG7

PODER Y PLACER EN LA ANTIGUA EP1 - CG2 / CG3 / CG7

SÍNTESIS DE LA ANTIGUEDAD EP1 - CG2 / CG3

ISLAM EP1 - CG2 / CG3

ROMÁNICO Y GÓTICO EP2 - CG2 / CG3 / CG7

RENACIMIENTO

EP2 - CG2 / CG3 / CG7

LUZ EN EL BARROCO

EP2 - CG2 / CG3 / CG7

PREIMPRESIONISMO

EP2 - CG2 / CG3 / CG7

NEOCLÁSICO

EP2 - CG2 / CG3 / CG7

TRABAJO FINAL

EF - CG2 / CG3

PORTAFOLIO EF - CG2 / CG3

1EXTRAÑOS COMIENZOS EP1 - CG2 / CG3 / CG7

2 PODER EP1 - CG2 / CG3 / CG7 La escultura muestra a dos personajes y una clara figura jerárquica masculina: Perseo, está levantando la cabeza de medusa manifestando poder ante una clara victoria. El hombre de pie con una postura erguida determina seguridad plena. La simbología del arma demuestra una vez más poder, instrumento con el que puede acabar una vida.

Perseo con la cabeza de medusa Escultura de Benvenuti Cellini Fecha: 1545 - 1554

Además, Perseo se encuentra pisando el cuerpo sin vida de medusa, demuestra absoluta autoridad. Esta acción de pisar a alguien vendría a ser una humillación al personaje Autor: Max Nina derrotado. Fecha: Noviembre 2020

La parte superior de el Palacio de Justicia y la bandera que está en ella parece apagada y sombría, la cual representaría la ausencia de un estado ideal. Tomando el contexto de la historia de esta imagen, podemos comprender el poder que ejercen los peruanos contra el estado al no aceptar el nuevo gobierno. Asimismo, de la misma manera que se representa el poder del pueblo, también se puede apreciar otra fuerza presente, que vendría a ser el de los policías que trataron de reprimir las protestas.

Título: La familia de Carlos IV Autor: Francisco de Goya Fecha: 1800-1801

La jerarquía en esta pintura se puede notar en la dama del centro, puesto que las direcciones visuales de las personas que la rodean, en su mayoría están hacia ella. Además, la dirección de los cuerpos de las personas las cuales la rodean hacen que sea el punto de atención. Por último, se podría decir que si dividimos la pintura en tres partes verticalmente, la dama quedaría en el centro, brindándole así, una jerarquía extra.

El color rojo vivo de la bandera resalta y representa a todo un pueblo.

Policías que representar la opresión

3 PLACER EP1 - CG2 / CG3 / CG7 EDAD ANTIGUA Desde aproximadamente el siglo IV a.C los epicúreos, mientras trataban de descubrir cuál era el camino a la felicidad, fueron los primeros en ver al placer como un objeto de estudio y a la vida misma como la finalidad del pensar. Tomaron al hedonismo como objeto de estudio, y la describieron que el deseo humano (el placer) era todo aquello que tuviera una “ausencia del dolor”, la cual en su mayoría cambió unas cuantas veces, pero los filósofos lo entendieron mejor que nadie y buscaron explicarlo con argumentos que a veces nos gustan y otras… no tanto. Epicuro 341 a.C - 270 a.C https://elplanetaurbano.com/2014/04/breve-historia-del-placer/ PLANETA URBANO- La breve historia del placer publicado en abril 2014

EDAD MEDIA En el período comprendido entre 1000 y el 1100 Hugo de San Víctor scrisse: "El cuerpo tiene cinco sentidos: la vista, el gusto y el tacto, para los que se abre el alma de una manera apropiada a las cosas fuera visible y produce todo lo que es agradable, útiles y necesarias para el cuerpo, así como a la razón y de la contemplación el alma va al mundo invisible. El hombre está compuesto de una doble naturaleza, en el interior está equipado con el derecho, que está orientado a la contemplación de lo invisible, exterior tiene la Victor sensación de que se regocija en la contemplaciónHugo delSan mundo Año 1000/1100 visible”. http://www.italiamedievale.org/portale/piacere-ne l-medioevo/?lang=es Revista: Italia Medievale Publicado en marzo del 2005

EDAD MODERNA En el momento donde se presenta una distancia entre un bien al que se tiende (inclinación —o tendencia— y deseo) y su posesión efectiva, el placer surge cuando se obtiene o se satisface el objeto de dicha inclinación: por ejemplo, se siente un especial gozo cuando se consigue un premio al que se aspiraba.

Juan José Sanguineti 1946 http://www.philosophica.info/archivo/2014/voces/pl acer/Placer.html Philosophica: Enciclopedia filosófica on line Publicado en el 2014

El discóbolo, copia de Mirón, siglo V a. C. Representa el lanzamiento de disco

En cuanto a mí se refiere, escogí esta escultura porque es una de las esculturas mejores conservadas de esta cultura y es un placer poder ver todo el perfeccionismo presente y cada detalle de ella, desde el tallado, su piedra lisa en la parte de la piel, las marcas de su cuerpo, hasta la textura de su cabello y en la posición específica en la que se encuentra De igual manera, en la antigua Grecia, uno de los principales placeres de los helenos era practicar distintos deportes, y eso está claro ya que cada año celebraban sus juegos olímpicos. Esta actividad es muy representada en varias obras de arte como en esculturas, pinturas en vasijas, en tallados en piedra, etc. Asimismo, el hecho de que ellos practicaran el deporte también estaba conectado con su afán por la belleza y el perfeccionismo en cuanto a sus cuerpos.

Afrodita de Cnido Artista: Praxíteles

Ubicación: Obra original perdida Creación: 360 a. C. Afrodita de Cnido, una de las esculturas que marcaron un hito en la historia del Arte de Grecia. ¿Por qué razón? Fue la primera estatua de una figura femenina desnuda, una ilustración de la diosa Afrodita en figura humana. Expresión “primer desnudo femenino”. Es una obra que a pesar de haberse extraviado, fue tan famosa que tiene cientos de réplicas!

Como cita Hugo San Víctor, el placer se percibe tanto interiormente como al exterior a través de los cinco sentidos que poseemos. Considero que esta escultura te plantea distintas interrogantes orientado a la intención invisible de aquella escultura: ¿Están tratando recatadamente de tapar sus partes? ¿Acaso apuntan en dirección a lo que el espectador desea ver más que nada? ¿O es simplemente una provocación? Ya que, Praxíteles plantea esta tensa relación entre una figura femenina y un supuesto espectador masculino. Por lo tanto, en mi caso, más allá de lo visible: una mujer de tamaño natural perfectamente tallada con los rasgos bastantes detallados causa un placer visual, una sensación de agrado. Por otra parte la interrogante sobre aquella intención genera una contemplación más allá de lo evidente.

Templo de Zeus Olímpico 561-527 a.C - Atenas, Grecia Realizado por Antistais, Kallaischros, Antimachides y Formos Hecho de Mármol del monte Pentélico

Escogí este templo por el hecho de que la arquitectura me parece algo fascinante, como es que con solo las columnas se puedan delimitar espacios y cómo es que en ese tiempo esta obra de arte fue dedicada a Zeus. Con tan solo verla me produjo una gran impresión y cuando conocí la historia detrás de esta obra, simplemente me pareció algo fascinante. Una de las razones por las cuales esta obra de arte produjo placer en ese tiempo fue que al verla construido, los arquitectos sintieron que su obra fue realizada y aún más sabiendo que fue y es un templo en honor al padre de los Dioses. El hecho de que comenzó siendo una idea y luego verla hecha realidad, es una gran satisfacción. Otra de las razones por las cuales se sintió el placer, es porque esta obra tiene “ausencia de dolor”, es decir, lo único que trajo en ese momento fue felicidad de los atenienses, tanto así que incluso en forma de agradecimiento, en honor a Adriano pusieron una estatua de él en la parte posterior del templo, puesto que él fue quien comenzó con esta idea de un templo en honor a Zeus.

4PODER Y PLACER EN LA ANTIGU EP1 - CG2 / CG3 / CG7 Bronze statuette of Jupiter Capitolinus

Autor: Desconocido (Cultura Romana) Creación: 1st–2nd century A.D. Ubicación: Metropolitan Museum of Art, New York, NY Material: Bronce

Esta escultura es una clara ilustración de las ideas de placer y poder. Si bien sabemos, los romanos adoptaron gran parte de la cultura grecia como el placer griego: realismo. Se buscaba y practicaba nuevas técnicas en busca del este acercamiento realista. Asimismo, los dioses griegos en forma humana como Zeus, es equivalente al principal dios de la cultura Romana Júpiter. Cabe decir que además del significado, el poder del dios Júpiter, la presente estatua nos transmite esa sensación de poder representada en la postura y ayudado de simbología (un rayo). Por otro lado nos causa placer visual más allá de la increíble técnica con Bronce, el acercamiento tan grande al realismo y los detalles de la vestimenta con la casi perfecta representación de la tela cayendo.

Augusto de prima corta

Autor: Desconocido Creación: Siglo I d. C. Ubicación: Museos Vaticanos, Roma Material: Mármol

Una idea muy similar ocurre con esta escultura romana, placer por el mismo hecho de su belleza y realismo, nos sorprende cómo es que los humanos hemos avanzado tanto a través del tiempo hasta el punto de crear sorprendentes obras de artes. Se nota claramente el poder e importancia de esta estatua al ser un retrato de augusto, el cual representa una de las victorias de este emperador. al aparecer en pie con una vestimenta militar y como si estuviera sosteniendo un bastón de mando, se puede apreciar la autoridad que él tenía sobre el resto. En esta corriente pictórica romana resaltan temáticas mitológicas y epopeyas.

Pintura del Anfiteatro. Cazador con leona Autor: Desconocido (Cultura Romana) Creación: Late 1st century A.D. Ubicación: Museo Nacional del arte Romano, Mérida

Esta pintura fue descubierta en una Aquella postura de tumba fuera del impulso tiene una gran anfiteatro y se similitud a la escultura encontraba cubierta griega de poseidón por una losa de piedra revisada en clase, lo cual explica su buen instante previo a una estado. acción. Esta pintura representa la escena de un Venatio, un espectáculo romano que se celebraba en los Anfiteatros y Circos Romanos. Se puede apreciar una vez más el placer griego del realismo en esta pintura, se tiene una noción de lejanía. En adición a esto, encontramos el placer visual de la belleza, cómo es que al existir esta pintura, aún somos capaces de poder verla en un excelente estado, llegándose a apreciar el color. Es fascinante y los detalles que tuvo para esa época. Por lo general, las obras pictóricas romanas son imitaciones o variaciones de las griegas ya que, como se mencionó anteriormente, los romanos adoptaron gran parte de esta cultura después de su conquista. El cazador se encuentra en una postura decisiva y de impulso, es una imagen previa a la muerte de esta leona. En la expresión se percibe seguridad y sensación de poder acompañado de una simbología (lanza). Los romanos también hacían uso del arte para hablar de sí mismos y el poder. A comparación de las culturas de Egipto y Mesopotamia, el centro era el hombre. Estas pinturas empiezan a formar parte del diseño interior de los palacios y edificios de la cultura romana.

¿DE QUÉ MANERA LOS ANTIGUOS ROMANOS TRANSFORMAN LA IDEA DE PODER Y LA ADECÚAN A SUS PROPIAS NECESIDADES?

La columna Trajana Al cambiar el arte en la antigua Roma, surgieron nuevas tareas para los artistas y así, nuevos métodos y necesidades. Los artistas representaban la esencia del poder de una persona a través de esculturas, le otorgaban apariencia de vida, pero sin caer en lo trivial. Además, para que se quede en la historia el triunfo y poder que estaban obteniendo, se creó una gran columna en la cual había una crónica donde se podía apreciar a los romanos saqueando y combatiendo antes de llegar al poder en Dacia.

REFERENCIAS Y BIBLIOGRAFÍA • https ://artsandculture.google.com/asset/bronze-statuette-of-jupiter-capitolinus/SgH 8M76irot5dA • https://www.metmuseum.org/art/collection/search/250566 • https://es.wikipedia.org/wiki/Augusto_de_Prima_Porta • https://www.crehana.com/ar/blog/dibujo-pintura/arte-romano-pintura/ • Gombrich, E. (1995). La historia del arte. Editorial Diana https://historiadelarteuacj.files.wordpress.com/2016/08/gombrich-ernst-h-historia -del-arte.pdf • https://arteviajero.com/articulos/venatio-pintura-romana/

5SÍNTESIS EN LA ANTIGUEDAD EP1 - CG2 / CG3 Arte Rupestre - Cuevas de Chauvet 34 000 a.C. aprox.

Las cuevas de Chauvet albergan más de 1000 dibujos y grabados, donde los animales son los protagonistas de los paneles. Esta cueva está ubicada en el departamento de Ardechè en Francia. Tiene más de 250 metros de largo y miden 17 metros en su punto más alto. De la misma manera, la cueva fue clasificada y dividida en varias salas, de las cuales, “La sala del fondo” es la que mejor conserva sus pinturas rupestres. En esta sala se dibujaron en la pared derecha, pero es en la izquierda la que presenta las obras de arte más importantes. La mayoría de estos se sitúan a ambos lados de una hornacina donde en un lado se aprecia La Gran Escena y en el otro lado están dispersos en la pared.

Escogimos esta pintura porque nos parece interesante e increíble como es que las personas pensaban que al pintar o plasmar una imagen podrían tener un cierto tipo de poder o control sobre estos, ya que, la pintura en esta época era realizada con un fin mágico o espiritual. Muchos estudios proponen que estas pinturas se hacían con la intención de poder atraer el alma de estos animales y cazarlos respectivamente, ya que con tan solo pintarlos ellos creían que los animales verdaderos sucumbirían también a su poder. Asimismo, este arte era realizado solo por un grupo pequeño de personas y lo hacían en una parte muy adentrada de la cueva donde se cree que hacían una especie de ritual sagrado.

El Libro de los Muertos - Cultura egipcia, 1500 a.C

El libro de los muertos es un texto funerario compuesto por un conjunto de sortilegios, que ayudaban al difunto, en su estancia en la Duat(inframundo en la mitología egipcia), a superar el juicio de Osiris, y viajar al Aaru, para esto, se tenía que comparar el peso de una pluma con el alma, si ambos no estaban en equilibrio, lo esperaba la bestia Ammyt, la Devoradora, lista para engullirlo y mandar la vida de la persona para el más allá, a un poco placentero final, según la Mitología egipcia. Algo que se puede representar en esta imagen es la obsesión que tenían los egipcios con la idea del más allá. Se podría decir que las personas vivían para morir y ese era el caso de los faraones, pasaban su vida pensando en el más allá. Además de esto, los artistas siempre solían representar lo que querían desde el ángulo individual que ellos creían lo hacían más entendible. Para este tiempo, las pinturas aún no eran tan realistas.

Elegimos esta obra de arte porque nos pareció interesante cómo es que a pesar del tiempo, tengamos obras como estas en la cuales narran historias sobre lo que pasaba en ese tiempo y es algo que queda para el resto de siglos. En adición a esto, es importante saber sobre la cultura que tenían en siglos pasados para así ver cómo es que hemos evolucionado desde ese tiempo hasta el actual.

Afrodita de Milo - Alejandro de Antioquía, 130 a.C.

Escultura griega perteneciente al periodo helenístico. Este último periodo es resaltante, ya que los griegos dejan de lado el realismo que consiguieron en el periodo clásico para hacer una intensificación de lo que ya lograron y exagerar las expresiones. Al ser una escultura del periodo helenístico podemos resaltar la evolución griega al realismo. Además, los griegos definen una belleza de equilibrio, esta imperfección de la tela con la perfección tanto del rostro como el cuerpo. La belleza griega consistía en la mezcla de la perfección y la imperfección realista.

Esta obra de arte fue elegida debido a que una de las ideas más importantes en Grecia era la adoración a los dioses pertenecientes a la mitología griega (dioses en forma humana), como lo es en este caso Afrodita (diosa del amor). En esos cultos se celebraban fiestas, oraciones, rituales, plegarias, ofrendas, sacrificios y libación en honor del dios o la diosa, conjuntamente con los conocidos juegos olímpicos. El arte de la cultura griega se resume en rendir homenaje a sus dioses, ilustrar escenas de los mitos y buscar la belleza.

SÍNTESIS DEL ARTE EN LA ANTIGUEDAD Para poder sintetizar de manera eficiente la evolución, el cambio o el progreso del arte con el paso de los años y según las diferentes culturas en la antigüedad, escogimos diferentes obras, las cuales van desde el comienzo de el arte en sí, hasta Grecia y Roma. Para poder hablar del arte tenemos que empezar por el primer vestigio que este ha podido dejar. En 1994, se descubrió lo que probablemente sea la obra de arte más antigua hasta el momento, con 36 000 años de antigüedad aproximadamente. Las cuevas de Chauvet, presentan alrededor de 1000 pinturas o grabados de distintos animales, donde muchos estudiosos proponen que las pinturas se realizaban con un fin mágico o sagrado, ya que ellos creían que con tan solo pintarlos los animales verdaderos sucumbirían también a su poder. Asimismo, este arte era realizado solo por un grupo pequeño de personas y lo hacían en una parte muy adentrada de la cueva donde se cree que hacían una especie de ritual sagrado. Si avanzamos hasta la aparición de la cultura egipcia, aproximadamente en el año 3150 a. C., podremos ver que en la mayoría de sus obras veremos una similitud en su forma de dibujo o pintura con la manera en la que lo hacían los primeros pobladores con el arte rupestre que hay en Chauvet. Asimismo, al igual que en la prehistoria, le daban un sentido divino y espiritual, solo que los egipcios, al tratar de perdurar ciertas leyendas o historias, también hallaron una forma de comunicación con los dibujos, creando así los jeroglíficos. Un claro ejemplo de esto, y en nuestra opinión la más importante de la cultura, es el Libro de los Muertos en la cual se narra la historia sobre lo que pasaba cuando uno moría. Unos cuantos años después, con la aparición de Grecia, se fueron dejando de lado poco a poco el antropoformismo y tomó al hombre como el centro de todo. Por lo cual, comenzaron a perfeccionar las técnicas para que las obras fueran quedando lo más perfectas posibles entorno al hombre, se fue agregando movimiento, puesto que las culturas egipcias siempre retrataban a los faraones o figuras divinas de una forma muy lineal - y se destaca su evolución al realismo. En este caso, La Afrodita de Milo muestra que el arte de la cultura griega se resume en rendir homenaje a sus dioses, ilustrar escenas de los mitos y buscar la belleza y perfección. Si queremos ir un poco más allá en la historia del arte, podemos tomar como ejemplo a Roma, que adaptó una mezcla de varias culturas a su arte, ya sea arquitectónicamente, como con el Coliseo Romano y sus

REFERENCIAS Y BIBLIOGRAFÍA https://es.wikipedia.org/wiki/Venus_de_Milo http://refugiomagico.blogspot.com/2011/09/concepto-general-de-formas-d e-adoracion.html https://artsandculture.google.com/story/iwWhvjYgTvHJ3w https://historia.nationalgeographic.com.es/a/libro-muertos-egipcios_6238/ 5 https://artsandculture.google.com/exhibit/2gISd7pZumeaIQ?hl=es https://es.wikipedia.org/wiki/Cueva_de_Chauvet# https://archeologie.culture.fr/chauvet/es/mediatheque/pared-izquierda-sal a-del-fondo

6 ISLAM EP1 - CG2 / CG3 Atauriques - Cultura Islámica

Los atauriques, también denominados “Arabescos”, son decoraciones con formas geométricas complejas que imitan las formas de hojas, flores, frutos, animales que aparecen en ciertas construcciones árabes como son las mezquitas, empleandose en frisos, zócalos y cenefas. Los atauriques juegan un papel importante en la decoración de la arquitectura, el material utilizado es casi siempre el yeso y en algunas ocasiones el dibujo es pintado. . La ciudad de califal de Medina Azahara, es un claro ejemplo de los atauriques, puesto que realiza su técnica como su simbología de una forma muy precisa. Por ejemplo, cuando se expresan artísticamente, utilizando como unidad base la flor, tratan de dar la sensación de inmortalidad y existencia. Es importante recalcar que algunos arabescos occidentales se derivan del arte islámico, pero otros se basan estrechamente en las decoraciones romanas antiguas.

Ataurique de la sala del Mexuar - Palacio de Nazaríes. Granada, España Siglo XIV.

La sala del Mexuar, también conocido con el patio del cuarto dorado fue probablemente construido por Ismail I en 1314 a 1325. Este era el lugar en donde se reunía la sura o el consejo de ministros y donde el sultán impartía justicia, y quedaba dentro de el palacio de Nazaríes en España.

REFERENCIAS Y BIBLIOGRAFÍA •https://www.glosarioarquitectonico.com/glossary/ataurique/ •https://www.alhambradegranada.org/es/info/palaciosnazaries/mexuaral hambra.asp •https://www.hisour.com/es/arabesque-18938/ •https://www.facebook.com/290363494485896/posts/293097080879204 / •https://www.guiasgranada.com/mexuar-guia-alhambra.html •https://es.wikipedia.org/wiki/Arabesco •https://www.alhambra-patronato.es/edificios-lugares/mexuar-oratorio

7ROMÁNICO Y GÓTICO EP2 - CG2 / CG3 / CG7 CRUCIFIXIÓN EDAD MEDIA: ROMÁNICO

ARTE

Autor: Anónimo

Creada: 1200 a 1220. Técnica: Pintura al temple sobre tabla Dimensiones: 20.5 x 230.5 cm

EDAD MEDIA: ARTE GÓTICO

Ubicada: Museo Nacional de Arte de Catalunia Autor: Simone Martini Creada: siglo XIV Técnica: Pintura sobre tablero Dimensiones: 24.4 x 15.5 cm Ubicada: Museo Real de Bellas Artes de Amberes

ARTE ROMÁNICO

Debido a la pérdida del avanzado arte romano, el arte románico tuvo una evolución bastante lenta a comparación de los romanos. Trabajan con lo que tenían al alcance (materiales del lugar) razón por la cual la paleta de colores era bastante limitada.

Expresión neutra

Desproporción

• Los pobladores románicos tenían la creencia de que Dios los recompensaría por sus buenas acciones, lo que se traduciría en su arte. Gran mayoría de su arte está ligado al cristianismo. • En esta época de la edad media, gran parte del conocimiento de roma se perdió, razón por lo que las figuras humanas pierden su esencia realista. Cabe resaltar que es un arte simbólico, el acercamiento al realismo no era su prioridad. Un claro ejemplo es la escala de Jesús con respecto a los demás para fortalecer la jerarquía. • Normalmente, Jesús en la la etapa románica se encuentra sin signos de padecimiento ni sufrimiento, mantiene una expresión de absoluta serenidad.

ARTE GÓTICO •El arte gótico, a comparación del románico es más limpio y detallado, es decir, hay más realismo y eso se puede notar en las expresiones de las personas que rodean a Jesús y en él mismo. •El Cristo es un reflejo de la época gótica, puesto que hubo bastante sufrimiento. Esto se puede representar en esta pintura, puesto que se nota claramente el sufrimiento de Jesús y de la Virgen María, al ver a su hijo siendo crucificado. •Se prefiere a un Cristo humano sufrido y doliente que comparta las penurias de la gente de esa época.

Fuerte expresión de dolor

Pinceladas limpias y detalladas

Mayor realismo

EVOLUCIÓN DEL ARTE ROMÁNICO AL GÓTICO

• Una de las más claras diferencias entre el arte románico y el arte gótico es que, a medida que el arte fue evolucionando el realismo se vió más presente, ya que, la pérdida del avanzado arte romano, el arte románico tuvo una evolución bastante lenta a comparación de los romanos. Trabajan con lo que tenían al alcance (materiales del lugar) razón por la cual la paleta de colores era bastante limitada a comparación de la del gótico. • Por otro lado, el arte románico fue dejando atrás a la antigua Roma y se abrió paso al cristianismo, hasta llegar al punto donde esta se volvió la única religión. Al igual que el gótico, está solo incrementó la creencia en la época, hasta implementar este estilo en estructuras como iglesias, catedrales, entre otras.

8 RENACIMIENTO EP2 - CG2 / CG3 / CG7 ARTE EN LA EDAD MEDIA ROMÁNICO Y GÓTICO Autor: Simone Martini Creada: siglo XIV Técnica: Pintura sobre tablero Dimensiones: 24.4 x 15.5 cm Ubicada: Museo Real de Bellas Artes de Amberes

Autor: Anónimo Creada: 1200 a 1220. Técnica: Pintura al temple sobre tabla Dimensiones: 20.5 x 230.5 cm Ubicada: Museo Nacional de Arte de Catalunia

El arte románico y gótico es un mismo estilo que se diferencia por la evolución del arte, sin embargo al terminar esta etapa siguen siendo notables las desproporciones en la figura humana. •Los personajes cuentan con las mismas facciones (rostro, pelo) y su distinción son las vestimentas (color).

•La paleta de colores evolucionó de lo románico a lo gótico, pero aún era limitada en comparación al renacimiento.

•Desproporciones tanto en brazos como piernas, tenían una idea cercana a representar la expresión (dolencia, sufrimiento).

ARTE EN EL RENACIMIENTO

Autor: Andrea Mantegna Creada: siglo XIV Técnica: Témpera sobre tablero Dimensiones: 67 x 93 cm Ubicada: Musée du Louvre (Paris, Francia) Esta etapa comenzó después de la edad Media. Si bien en la edad Media, había bastante presencia del poder eclesiástico (iglesia), en el renacimiento fue lo contrario, le dieron un mayor enfoque al ser humano puesto que, los sectores civiles empezaron a competir contra la Iglesia y ganaron influencia en varios aspectos (político, cultural, económico y artístico), su voz comenzó a ser escuchada.

• Se empezó a diferenciar a las personas no solo por su vestimenta, si no también por las facciones, el color de cabello y expresiones. • En el renacimiento, a comparación de la edad Media, se puede notar con aún mucho más detalle las facciones de Jesús y de el buen y el mal ladrón que lo acompañan. Se acercó más al realismo enfocándose más en los detalles. También se puede notar el detalle de las costillas marcadas en los torsos de Jesús y los ladrones. • El ambiente de la pintura es más moderno, y se resalta bastante la idea del entorno, un cielo que no era considerado anteriormente. • A comparación de la edad Media, se puede ver que hay una presencia de la perspectiva bastante detallado de manera que la perspectiva es mucho más marcada, además de brindarle más prioridad a la escena de la crucifixión de Jesús.

MAYOR DETALLE

DIFERENCIA DE VESTIMENTA Y CABELLO

COLORES MÁS REALISTAS

PERSPECTIVA Y ENTORNO

9 LUZ EN EL BARROCO EP2 - CG2 / CG3 / CG7 LA JÓVEN DE LA PERLA ESCENA 1

Elegí esta escena debido a que la luz que ingresa por las ventanas, en especial la de al fondo, brinda centralidad a Griet, la mucama. Esto no sería posible sin la sombra, puesto que le resta atención al resto de los objetos que se encuentran en el mismo lugar. En adición a esto, los tonos fríos y cálidos se asocian con las emociones de Griet, refiriéndose a su preocupación por ser descubierta y su curiosidad al descubrir las cosas del pintor.

ESCENA 2

Elegí esta escena debido a que la luz que se presenta en esta, es muy diferente al del resto de la película. Se puede observar la presencia de una luz cálida, que acompaña a los sentimientos de Griet al estar junto a su “enamorado”, puesto que se encuentra de buen humor y calmada a comparación de la mayoría de la película, donde se encuentra preocupada y en su entorno laboral.

10PREIMPRESIONISMO EP2 - CG2 / CG3 / CG7

Artista: Camille Pissarro Tamaño: 81.5 cm x 65 cm Fecha de creación: 1883-1895 Técnica: Pintura al óleo Ubicación: Galería Nacional de Arte Washington DC, Estados Unidos

DIFERENCIAS CON EL NEOCLÁSICO •Usa paletas de colores mucho más claras y suaves •La inspiración para las pinturas mayormente se basan en el campo. •La técnica de pintado usualmente es el punteo. •La luz no acentúa emoción alguna (idea potente del barroco).

DIFERENCIAS CON EL BARROCO •Pinturas que representan escenas costumbristas, no cuenta con historia detrás. •No busca la intención de criticar alguna controversia de la época.

¿CUÁL CREES QUE ES EL ROL DEL ESPECTADOR EN LA PINTURA ELEGIDA? En la pintura se encuentra un pequeño espacio para hacernos parte de ella. Asimismo, el autor trata de mostrarle al espectador el presente y cómo es la vida en el campo y, de alguna manera, hacernos parte de ella. La paleta de colores al ser suave, transmite un sentimiento de calma, brindándole ayuda a la idea de paz en el campo.

BIBLIOGRAFÍA •https://artsandculture.google.com/asset/the-gardener-old-peasant-w ith-cabbage-camille-pissarro/iAFqxTDrdoP0vw

11 NEOCLÁSICO EP2 - CG2 / CG3 / CG7 MUERTE DE SÓCRATES

Imagen 1 Muerte de Sócrates por Jacques-Louis David (1787), Museo Metropolitano de Arte, New York.

HISTORIA

Artista: Jacques-Louis David Tamaño: 1,3 m x 1,96 m Fecha de creación: 1787 Técnica: Pintura al óleo Ubicación: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York Período: Neoclasicismo Modelo: Sócrates

Filósofo y maestro de Platón y Jenofonte, Sócrates, fue objeto de admiración y burlas, ya que los discursos de este personaje fueron calificados tanto de escandalosos como para otras personas, especialmente jóvenes, reveladores. Casi a los 70 años de edad, debido a su fuerte cuestionamiento por la religión, el alma y su estrecha relación con Critias y Alcibíades, lo llevaron a ser acusado por delitos de impiedad y corrupción de la juventud que fueron presentadas como: Imagen 2 “Ha sido registrada y jurada la Sócrates, obra de arte siguiente acusación de Meleto, hijo de romana (siglo I d.c) Meleto de Pito, contra Sócrates, hijo de Sofronisco de Alopece: Sócrates dioses que la ciudad tiene registrados. Igualmente un crimen al no adorar a losque quebranta las leyes alcomete corromper a la juventud. La pena le corresponde es la de muerte”.1

1 Álvarez, R. (2020). Sócrates: Una pésima defensa y un final aceptado. La Vanguardia.

Respecto a la acusación, Sócrates no demostró arrepentimiento alguno por lo cual argumentó que los dioses -Según recoge Platón en Apología de Sócrates (400 a.c)- “saben lo que va a suceder y lo anuncia con señales a quien consideran. Los que unos denominan augurios, voces o señales, yo lo llamo genio divino”. Asimismo, él recalcó que no tuvo ningún discípulo, de forma que finalmente murió bebiendo aceite de cicuta, método empleado habitualmente por los griegos para ejecutar las sentencias de pena de muerte.

ANÁLISIS

Muerte de Sócrates por Jacques-Louis David (1787), Museo Metropolitano de Arte, New York.

El pintor realizó una obra de arte basada en la escena en la cual Sócrates se estaba preparando para tomar el veneno, puesto que él prefería morir antes de seguir expandiendo sus conocimientos. En la escena se puede visualizar su última lección a sus estudiantes del lado derecho, en la cual, según él, “la muerte no debe ser temida, si no aceptada como parte natural de la vida”. Jacques-Louis David, al momento de pintar la obra, busca criticar la situación política de Francia tomando la muerte de Sócrates como una similitud. Además, trata de hacer una semejanza de su obra con la de la última cena tomando a Sócrates como referente de Jesús, es por ello que pone a 6 personas a cada lado de él. Si bien Sócrates es el personaje principal de la obra, la centralidad de esta se lo lleva la copa que está por tomar él, así brindándole prioridad en la composición.

Muerte de Sócrates por Jacques-Louis David (1787), Museo Metropolitano de Arte, New York.

La luz juega un papel importante en la composición, puesto que el pintor al ponerle sombra al pasadizo del lado izquierdo, le resta importancia, mientras que Sócrates es la persona que tiene la mayor luz en la pintura, así brindándole más importancia que a los demás. La cadena tiene un significado importante en la obra, esta se puede interpretar como la condena a la muerte de Sócrates y el hecho de que esté abierta, significa la libertad de decisión que él tuvo, puesto que pudo haberse escondido, pero sin seguir expandiendo su conocimiento. En cambio, él decidió morir, puesto que él pensaba que “una vida sin examen, no merece la pena ser vivida” Predominan principalmente los colores cálidos, tanto en el vestuario como el color de piel. El color blanco resalta a ciertos personajes en particular, está presente solamente en la vestimenta de Sócrates y Platón, el color gris acapara toda la habitación ayudando a ilustrar una escena de melancolía.

SÍNTESIS Imagen 3 María Antonieta camino de su ejecución, por François Flameng (1887), Museo de la Revolució n francesa .

Muerte de Sócrates por Jacques-Louis David (1787), Museo Metropolitano de Arte, New York.

Basándonos en el contexto de la época en la cual fue pintado el cuadro, David, además de representar un hecho histórico, busca concientizar a las personas de su época sobre cómo el poder político acaba con la vida de Sócrates, haciendo referencia a la muerte de la Archiduquesa Maria Antonieta gracias a este abuso de poder en la revolución francesa conocido como “ el reinado del terror”, ya que se utiliza el miedo para tomar el control del pueblo. El autor, utiliza con mucha cautela a Sócrates, figura griega, para proponer la democracia, sistema utilizado en la antigua Grecia, en lugar de la oscura y abusiva monarquía francesa.

BIBLIOGRAFÍA

1.Álvarez, R. (2020). Sócrates: Una pésima defensa y un final aceptado. La Vanguardia. Published. https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-antigua/20200703/482054362631/s ocrates-grecia-atenas-juicio-cicuta-filosofia-platon.htm 2. Alcoberro, R. (Desconocido). Sócrates y Jesucristo – Semejanzas y diferencias. http://www.alcoberro.info/assets/s%C3%B3crates-y-jesucristo.pdf 3. Sócrates. (s. f.). Wikipedia. Recuperado 29 de junio de 2021, de https://es.wikipedia.org/wiki/S%C3%B3crates IMÁGENES 1. David, J. (1787). La muerte de Sócrates [Pintura]. https://es.wikipedia.org/wiki/La_muerte_de_S%C3%B3crates 2. Wikipedia. (s. f.). Sócrates [Fotografía]. Busto de Sócrates. https://www.google.com/url?sa=i&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fw iki%2FS%25C3%25B3crates&psig=AOvVaw2fVaWd18KgrGIvSp7Q7icg&ust=16251133 40986000&source=images&cd=vfe&ved=0CAsQjhxqFwoTCNiJzo3BvvECFQAAAAAdAAA AABAD 3. Flameng, F. (1887). María Antonieta camino de su ejecución [Cuadro]. https://www.wikiwand.com/es/Ejecuci%C3%B3n_de_Mar%C3%ADa_Antonieta

12 TRABAJO FINAL EF - CG2 / CG3 / CG7 Suspendiendo por un momento criterios éticos y prácticos, si pudieras robarte una obra de arte, ¿cuál sería y por qué? EL ENSAYO DE DEGAS Artista: EDGARD DEGAS Fecha de creación: 1877 Ubicación: Art Gallery and Museum de Glasgow, Escocia

La obra que me robaría sin dudarlo para colgar en mi sala sería “El Ensayo” por Edgard Degas. La primera impresión que tuve sobre esta pintura fue curiosidad, “¿por qué bailarinas?. Esto era porque él valoraba los momentos de esfuerzo y sacrificio que no ve el público, nos retrata algo que no todos ven, los ensayos. Con esta pintura, el autor sale del encuadre tradicional y esto genera una perspectiva que transmite el movimiento y la luz a través de la danza. Hoy, cualquier persona podría estar en una obra o un ensayo de ballet y tomar una foto con su celular. Sin embargo, Degas, considerando la época en la que se encontraba, fascinaba a las personas que veían sus cuadros, puesto que salía de lo convencional. La razón por la cual elegí esta obra es porque de alguna manera, en especial esta pintura, en comparación con otras de el mismo artista, logra captar mi interés, meterme en la pintura y sentir como si yo estuviera ahí. Además, algo personal que comparto con él, es que le interesa el proceso más que el resultado. El sentimiento que me llega a transmitir esa pintura, es fascinante. Definitivamente, es una obra la cual tiene un balance entre armonía y lo móvil con lo inmóvil.

Relata brevemente la historia de un color utilizando tres obras de arte de tres períodos diferentes. BARROCO Las tonalidades intensas y esa mezcla de negro con beige y tonos amarillentos, brinda un ambiente oscuro e intenso al contexto de la obra de arte. Esto permite la percepción del artista y su participación íntima en la llamada de Jesús a Mateo.

“La vocación de San Mateo” 1601 / Caravaggio

NEOCLÁSICO En esta pintura, se trata de contar un hecho histórico donde Napoleón posa de una forma “noble” y el color se usó para enfatizar a la figura humana. Tiene tonalidades frías y opacas, pero que le brindan realismo a la pintura y terminan de darle ese contexto a la historia que se cuenta en la IMPRESIONISMO obra de arte. En esta pintura predominan las tonalidades pasteles, brindándole esa alegría y vida al cuadro. Esto le da energía y permite contar el contexto de la pintura. Los artistas impresionistas acentuaban sus pinceladas mediante empastes con mucho color.

“Napoleón cruzado los Alpes” 1801 / Jacques-Louis David

“El almuerzo de los remeros” 1881 / Pierre-Auguste Renoir

13 PORTAFOLIO EF - CG2 / CG3 / CG7

INFORMACIÓN DEL CURSO NOMBRE DEL CURSO: Historia del Arte

SECCIÓN: 325

PROFESOR: Cristina Isabel Dreifuss Serrano

SUMILLA DEL CURSO: Desarrollar en el alumno las capacidades y competencias para conocer y entender conceptos tradicionales y contemporáneos relacionados al medio ambiente, los recursos naturales, la ecología urbana y al diseño sostenible de ciudades y edificios, así como su adecuación al entorno a diferentes escalas

OBJETIVO GENERAL:

Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS: 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental. 2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida. 3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura. 4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

MARIA FERNANDA ESTUDIANTE DE GOMEZ ARQUITECTURA HERQUINIO FORMACIÓN ACADÉMICA 2015 – 2019 2020 – 20xx

MI PERFIL 20202986

Secundaria Pamer Colegios Pregrado Universidad de Lima

FORMACIÓN COMPLEMENTARIA PROGRAMAS Power Point AutoCad Sketchup Adobe Ilustrator Adobe InDesign Adobe Photoshop

Intermedio Básico Básico Básico Básico Básico

IDIOMAS Inglés Español

Intermedio Avanzado

RECONOCIMIENTOS - Tercio superior durante la secundaria Proyecto Parcial del curso Proyecto de Arquitectura I 2019-1 seleccionado para la onceava exposición anual de arquitectura de la Universidad de Lima

Estudiante del segundo año de la carrera de Arquitectura de la Universidad de Lima. Tercio superior durante toda la secundaria en Pamer Colegios. Hábil para diversas artes como el baile y la fotografía. Responsable, organizada, puntual y creativa; con capacidad de liderazgo y de guiar un equipo en condiciones de alta presión. Siempre dispuesta para aprender y con muchas ganas de trabajar. Facilidad con el inglés por el colegio, estudios en Británico y viajes. Comprometida con el trabajo a realizar, con iniciativa para resolver problemas eficientemente para lograr las metas y objetivos trazados junto a la empresa.

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