The Magz 002 - Winter 2015/2016 by Magda Danysz

THE MAGZ ISSUE 002. WINTER 2015/2016

C R E AT I V E & F U L L I N S P I R AT I O N

THE EYE OF THE ARTIST The Magz

A special focus on photography around the world. How can Art try to change the world or at least give a sensible vision.

Winter 2015

CONTENTS

44 Liu Bolin The Hacker Series

Maleonn The heart of Shanghai

The collectorâ&#x20AC;&#x2122;s eye with Charles Guyot

Erwin Olaf Emotions and Life

Stephane Bisseuil Nowhere

Live from Hong Kong with Lauren Every Wortman

JR The image memory

Les Bains, Paris

In the heart of the Elysee Museum with Tatyana Franck

The 14th Istanbul Biennial

Bubbly Ron

Insights with Paul Di Felice

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Calendar

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EDITORIAL

Paris, dans ma ville natale, traditionnellement le mois de novembre est celui de la Photographie. Aussi loin que je m’en souvienne, dès mon enfance, c’était l’occasion de voir de très belles expositions consacrées au médium. A Shanghai, la photographie est un domaine plus récent pour les institutions qui commencent tout juste à l’exposer comme Art. Mais le chemin parcouru ces quelques dernières années est étonnant. Ainsi par le patient travail des commissaires d’exposition et des institutions de nombreux photographes de talents ont été reconnu pour leur pratique artistique. Aujourd’hui à travers le monde le champ de la photographie ouvre de nouvelles perspectives et des horizons étonnants. Du néerlandais Erwin Olaf au très shanghaien Maleonn, chacun offre un retour sur sa propre culture, artistique, historique et voire même personnelle. Chacun nous offre un peu de son monde, des émotions, ou encore comme le dirait Erwin Olaf « ce micro instant, intense et riche en émotion qui ne dure que le temps d’un battement de cils ».

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GUEST CONTRIBUTORS

Paul Di Felice

Lauren Every Wortman

Tatyana Franck

Paul is the most active art critic in photography in Luxemburg. As such he joined The Magz adventure by agreeing to share his thoughts on photography today. #luxemburgart

Young energetic Lauren was happy to answer the call and talk about her vision of the Hong Kong art scene these days. #hocarocks

Always smiling and joyfull Tatyana wrote about the challenges she faces in Lausanne as the newly appointed director of the ElysĂŠe Museum. #girlpower

StĂŠphane Bisseuil

Ying Xing

Charles Guyot

Passionate about photography Stephane offered to humbly present what drives him to relentlessy shoot the places he is travelling in. #jta

Young chinese scholar Ying decided to follow The Magz team from Shanghai to Paris and edited all the chinese parts of the magazine. #shanghaiteam

As an avid collector for so many years Charles has always been amazingly generous about his passion, sharing it with his friends and helping others to start collecting. #happybirthdaycac

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EDITORIAL

n Paris, my hometown, traditionally the month of November is the month of Photography. As far as I remember, in my childhood it was the opportunity to see beautiful exhibitions dedicated to the medium. In Shanghai, photography is a newer field for institutions that are just starting to show it as Art. But the path undertaken in these past few years is amazing. It is the patient work of curators and institutions that made the photographers’ works recognized for their artistic value. Now, all around the world, photography opens new perspectives and amazing new horizons. From Dutch photographer Erwin Olaf to the very Shanghaiese Maleonn, each of them offers an insight on their own culture, from an artistic, historical and even personal perspective. Each offers a bit of his world, emotions, or like Erwin Olaf seeks to capture “this tiny moment, rich and intense in emotions, that lasts only the time of a blink of the eyes.”

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主编寄语

在我的出生地巴黎，传统地说，十一月是摄影月。我还记得，从我的孩童时代起，就看到过许多美丽的摄影展览。在上海，摄影对于那些刚开始把摄影作品当成艺术展出的机构来说仍是一个比较新的领域。但这几年摄影的变化是十分惊人的。而且，通过展览专员以及机构的努力，很多有天赋的摄影师都已经被大众所承认。当今世界的摄影领域有了一个新的面貌以及一个惊人的视野。从荷兰摄影师Erwin Olaf到马良，他们都回归到他们的文化、艺术、历史、甚至是个人，向我们展示他们的世界、情感。就像Erwin Olaf所说：“ 使用这个即时、情感丰富的麦克风只需要一眨眼的时间。”。

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FOCUS ON

THE HEART OF SHANGHAI

Maleonn, Book of taboo 8, photography, ed./15, 2006

Iconic Shanghai photographer Maleonn embodies the heart of a city that has such a rich and intense history

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Maleonn, Last tango in Shanghai 4, photograhy, ed./8, 2009

Maleonn, Amber 8, photography; ed. /8, 2008

aleonn (Ma Liang in Chinese), born in 1972, is one of the most iconic photographer of the photographic contemporary Shanghai art scene. He grew up only minutes away from his state-of-the-art studio in Shanghai. Through his photographic work Maleonn pays a tribute to China and its rich history.

Maleonn’s generation grew up during the last years of China’s Cultural Revolution, when thousands of artists were persecuted. His mother was an actress and his father was a director of the opera. He says they also suffered during that time. “I feel so much for my Mum and Dad,” he says, “I really wanted to know what they’ve been through.” “I’m interested in the memories that these photos evoke,” he says, “the things that are forgotten, the things that should not be forgotten.” Maleonn adds: “I remember at the end of each month, my parents and I would empty each and every pocket of every coat. Even if we found a penny, my mum would be over the moon, because dinner was sorted!” Today, both parents are proud of Maleonn’s achievements.

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Compared to his parent’s generation, Maleonn feels he has a lot more flexibility with his work. But he wants young artists in China to be encouraged more to express their thoughts. “Artists these days enjoy more freedom,” says Maleonn. Today Maleonn has gained recognition for his photographic work is being exhibited in most of the Chinese museums and shows about Chinese contemporary photography. Yet one should never forget his world is much richer. “Although I am essentially a photographer, I also draw,” he says, “I also do installation and video arts.” Maleonn’s world is an endless journey in time and space. A way to rediscover the deep roots of China.

aleonn (Ma Liang en chinois), né en 1972, est l’un des photographes les plus emblématiques de la scène artistique contemporaine à Shanghai. Il a grandi à quelques minutes seulement de son atelier actuel à Shanghai et reste toujours aussi attaché à sa ville natale. A travers son travail photographique Maleonn rend hommage à la Chine et sa riche histoire.

Maleonn, Days of the cotton candy 1, photography, ed./15, 2006

Maleonn, Days of the cotton candy 3, photography, ed./15, 2006

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La génération de Maleonn a grandi dans les dernières années de la Révolution culturelle chinoise, celle la même où des milliers d’artistes ont été persécutés. Sa mère était une actrice lyrique et son père était un directeur de l’opéra. Maleonn se souvient à quel point ils ont souffert pendant ces temps. « Je me sens tellement touché par le destin de mes parents» dit-il, «j’ai toujours voulu rendre hommage à ce qu’ils ont vécu. » «Je suis intéressé par les souvenirs que les photos évoquent » dit-il, «les choses qui sont oubliées, les choses qui ne doivent pas être oubliées. » Maleonn ajoute: «Je me souviens, à la fin de chaque mois, mes parents et moi nous vidions nos poches et si nous trouvions une pièce, ma mère était aux anges, parce que le dîner était assuré !» Aujourd’hui, ce sont ses deux parents qui sont fiers de Maleonn.

Maleonn, Book of taboo 5, photography, ed./15, 2006

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Par rapport à la génération de ses parents, Maleonn sent qu’il a beaucoup plus de libertés quant à son travail. Mais sans relâche il enjoint les jeunes artistes en Chine à exprimer d’avantage leurs émotions et leurs pensées. «Les artistes de nos jours jouissent de plus de liberté», assure Maleonn. Aujourd’hui Maleonn a acquis une reconnaissance pour son travail photographique qui est exposé dans la plupart des musées chinois et les expositions de photographie contemporaine chinoise. Pourtant, il ne faut jamais oublier que son univers est beaucoup plus riche qu’il n’y parait. « Même si je suis essentiellement un photographe, je dessine aussi » dit-il, « je fais aussi des installations et de la vidéo. » Le monde de Maleonn est un voyage sans fin dans le temps et l’espace. Une façon de redécouvrir les racines profondes de la Chine.

Maleonn, Book of taboo 10, photography, ed./15, 2006

Maleonn, My Circus 10, photography, ed./15, 2005

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马良 (Maleonn）出生于1972年，是上海当代艺术舞台上最具象征性的摄影师之一。他在离他上海工作室只有几分钟距离的地方长大，与他出生的城市总是保持着密切的联系。通过他的摄影作品，马良向中国悠久的历史致敬。

和马良同年代的人都是在文化大革命最后几年的背景下成长起来的。文化大革命迫害了数以千计的艺术家。马良的母亲是一位演员，而他的父亲则是京剧的导演。马良回忆起当时候是怎么受苦的，他说：“我父母的命运使我受到了很大的感触”。他始终想向他亲身经历过的事致敬。“我总是对那些被照片唤起的回忆所吸引。那些被人们所忘记但却不应该被忘记的事。”，马良又说。他还说：“我记得，在每月末，我父母和我翻遍了我们的口袋，如果我们能找到一个硬币，我妈妈就会很开心，因为我们的晚餐有着落了。”。如今，马良的父母都以马良为荣。相比起他父母的那个年代，马良感觉到他的艺术工作有更多的自由。但他仍然不知疲倦地呼吁中国的艺术家表达他们的情绪和想法。马良认为：“现在的艺术家拥有着更多的自由”。现在，马良凭借他在中国众多博物馆以及当代摄影展览中所展出的摄影作品被大众所认识。然而，大家千万不要忘记他的领域十分丰富。“即使我本质上来说是一个摄影师，但我也画画，也做装置和摄像。”，马良说。马良的世界就像是一场在时间和空间上都无止境的旅行。这是一种重新发掘中国深厚的根的方式。

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Maleonn, Little flagman 1, photography, ed./15, 2008

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I want to be able to shoot this very natural moment when emotions are uncontrolled, hence very real, and fugitive like the blink of the eyes

Erwin Olaf, Vogue NL 5, 2014

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FOCUS ON

ERWIN OLAF EMOTIONS & LIFE

utch photographer Erwin Olaf is a master at staged photography. Yet the decor is not all. Emotion are essential in his way of capturing the world. Very active on the international artistic scene since the beginning of the 90s, this world recognized aesthete offers a vision of photography which mixes codes and times. His pictures are real icons in which he establishes the contemporary society’s portrait through sophisticated set ups. Erwin Olaf has been an image creator for more than 25 years. A master at the art of recreating environments, he creates his own

Erwin Olaf is a real star today. In 2011, he won the Johannes Vermeer’s Prize for the high quality of his whole work in photography. He has exhibited in many museums throughout the world, The Ludwig Museum in Köln, the Kunsthal in Rotterdam, the Chelsea Art Museum in New York City or the European House of Photography in Paris. In the Netherlands, he’s also the official photographer of Princess Maxima. His retrospective at Magda Danysz Gallery in Shanghai is the occasion to presentan amazing set of unexpected works for the first time in China. Through a very rich selection of works of all periods, pieces of emblematic se-

Erwin Olaf, Berlin, Altes Stadthaus Mitte, 8 Juli 2012

stages making up a real atmosphere. He creates true visual cases for his models which he raises to the rank of icon. By developing his characters in a narrative and dreamlike universe, Erwin Olaf’s visions are disturbing. In his former series as Hope or Rain or in his more recently works, Erwin Olaf sculpts the light gives an original depth to his pictures. In Germany in 1988 ha was awarded with the Young European Photographer for his series Chessmen where he already played with his favorite concept of modern myth, The Magz

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ries as Royal Blood, Grief, Dusk, or the more recent Berlin, the show offers an exhaustive retrospective of a great beauty of the work of this virtuoso photographer but also more unexpected series or ways of highlighting the work through the years, like the still lives. A unique occasion to discover an intense and very personal universe, a relevant and always fascinating vigorous spirit.

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Erwin Olaf, IDEAT, 2014

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Erwin Olaf, Vogue NL 1, 2014

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Erwin Olaf, People of the Labyrinths, 2005

Erwin Olaf, Kasteel van Gaasbeek Stilleven met hart graaf van Egmond, 2012

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Erwin Olaf, Moooi Still Life 01, 2008

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Erwin Olaf est un créateur d’images qui troublent notre regard

Très actif sur la scène artistique internationale depuis le début des années 1990, Erwin Olaf, cet esthète de renommée internationale offre une vision de la photographie qui brouille les codes et les époques. Ses clichés sont de véritables icônes dans lesquelles il dresse le portrait de la société contemporaine à travers des images sophistiquées.

Erwin Olaf, Vogue NL 6, 2014

Erwin Olaf est un créateur d’images depuis plus de 25 ans. Maître dans l’art de la mise en scène, il crée de véritables décors constitués de toutes pièces dans lesquels il étudie chaque détail avec précision. Il crée ainsi de véritables écrins visuels pour ses modèles qu’il élève au rang d’icône. En faisant évoluer ses personnages dans un univers narratif et onirique, Erwin Olaf ne manque pas de troubler notre regard. Dans ses séries plus anciennes telles Hope ou Rain ou ses travaux récents, Erwin Olaf sculpte la lumière et donne ainsi une profondeur inédite à ses clichés. Récompensé dès 1988 en Allemagne du premier prix du concours Young European Photographer pour sa série Chessmen où il jouait déjà du concept de mythe moderne qui lui est si cher.

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Erwin Olaf est une véritable star aujourd’hui. En 2011, il remporte le prix Johannes Vermeer pour la grande qualité de l’ensemble de son œuvre en photographie. Erwin Olaf expose dans de nombreux musées à travers le monde, le musée Ludwig de Cologne, le Kunsthal de Rotterdam, le Chelsea Art Museum à New-York ou la Maison européenne de la Photographie à Paris. Au Pays-Bas, Erwin Olaf est aussi le photographe officiel de la princesse Maxima. Sa récente rétrospective en Chine (à la Galerie Magda Danysz de Shanghai) est l’occasion de présenter ses œuvres pour la première fois en Chine. A travers une sélection très riche d’œuvres de toutes les périodes, de pièces des séries aussi emblématiques que Royal Blood, Grief, Dusk, ou la récente Berlin, Erwin Olaf offre une rétrospective exhaustive mais aussi étonnante d’une grande beauté. Une occasion unique de découvrir un univers fort et très personnel, un esprit pertinent et énergique qui fascine autant qu’il interpelle.

Erwin Olaf, Berlin, Stadtbad Neukรถlln, 23 April 2012

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唐妮诗画廊将推出荷兰摄影师埃尔温· 奥拉夫在中国的首个早期作品展览。这位自九十年代初就活跃在世界艺术舞台的著名艺术家为大家展示一个扰乱了时代和法则的摄影视觉。他的照片是一些真实的标志性图像，而在这些图像中，他通过一些讲究的画面勾画出一个当代社会的面貌。埃尔温·奥拉夫作为一个图像创作者创作已经超过25年。作为一个艺术场景大师，他创造出许多逼真的布景，布景里的每一件装饰的每一个细节都经过他细致的考究。同时，他也为具有象征性意义的模特创作出一个真实的视觉宝盒。在发展他这些叙事世界以及梦幻世界里的人物的同时，埃尔温·奥拉夫也不忘吸引我们的眼球。在他过去的系列，如《希望》、《雨》，或者是他更近期的一些作品中，埃尔温·奥拉夫斟酌光的使用，赋予他的照片一种前所未有的深意。早在1988年，他在德国就以《棋子》系列获得了欧洲青年摄影师的金奖。

在这个系列里，他已经开始注入现代神话的概念，也是因为这个概念，让他的作品如此价值连城。到了今天，埃尔温· 奥拉夫是一颗真正的明星。2011年，由于他为摄影界带来了一众高质量的作品，他又获得了Johannes Vermeer奖。他曾在世界众多的美术馆展出作品，如科隆的 Ludwig博物馆，鹿特丹的Kunsthal博物馆，纽约的Chelsea艺术博物馆或是在巴黎的欧洲摄影之家。在荷兰，他还是荷兰 Maxima王妃的御用摄影师。此次的作品回顾展是埃尔温·奥拉夫首次在中国的展览。通过选取一系列不同时期丰富的、如《皇室血统》，《悲伤》，《黄昏》，《柏林》般具有代表性的作品，唐妮诗画廊举办一场能够深入呈现这位才华横溢的摄影师的美妙作品的展览。这是一次探索一个强大而私密的领域以及充满能量的思想世界的独一无二的机会。与此同时，埃尔温·奥拉夫将以唐妮诗画廊的名义出席上海艺术影像展

Erwin Olaf, Berlin, Porträt 15, 23 April 2012

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NOWHERE

STEPHANE BISSEUIL DISCOVERY Voyages en terres familières, par voie de terre ou dans le ciel, à la redécouverte de ces environnements pourtant oubliés.

owhere is a very personal photographic work undertaken for over a decade, born from the photographer’s frequent solitary traveling. All these hours he spent in trains or planes, were moments when his eye was getting lost in landscapes we never really pay attention to. Places that seem familiar but that we all soon forget. These are landscapes that belong to no one, as everyone already has a deja-vu impression, but their monotony makes them impossible to really remember. They are “nowhere”.

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This series is divided into different chapters. Nowhere by train and Nowhere by plane are the first act, and tell the experience of the flying skies. Nowhere eventually introduces another chapter and comes as a conclusion. Like the the end of the road. For Stéphane Bisseuil, photography reveals the sadness, the poetry, the beauty of landscapes, these places marked by their apparent banality. These simple photographs are meant to keep a trace in our memory. They also have another function, that of appropriating these places, to create a link between these views taken from an airplane or a train window. Lost

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Photography reveals the sadness, the poetry, the beauty of these landscapes, these places marked by their apparent banality.

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Born in 1971 in Toulouse, Stéphane Bisseuil has been practicing photography for the past 25 years in Paris and New York where he lived in the 90s. Always carrying his M6 and M9 Leicas feeds an almost obsessive approach. Bisseuil has worked extensively on graffiti, with a goal of “archiving” street art, an art known for its ephemeral side, guided by a certain fascination for the technique of these artists able to make their art despite of the legal constraints. Some of his photographs were published in the anthology of street art “From Style Writing to Art”. His approach continues today with his Iphone series done in the Paris subway. Continuing the archiving process, Stéphane Bisseuil draws a portrait that is both tender and lucid of today’s society. Stephane Bisseuil, Nowhere eventually, 2010

in this ocean of clouds, over the ocean of loneliness, lost in the trees, or miraculously spared in the middle of a field, one can feel the immensity of these places... The viewer is free to pick up the pieces, or isolate them. He is free to believe that he has already seen the scenery somewhere between Avignon and Marseille or between Boston and New York. But whatever. These landscapes exist. The’re just “nowhere”.

Stephane Bisseuil, Anyone, 2013

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owhere est un travail photographique très personnel entrepris depuis plus d’une dizaine d’années. Il est né des voyages, vécus comme des itinérances, des parenthèses de solitude propices à une certaine mélancolie du photographe Stéphane Bisseuil. A travers quelques heures passées dans les trains ou les avions, il vit ses migrations l’œil perdu dans les paysages que l’on traverse sans jamais vraiment les regarder, qui nous semblent parfois familiers mais que l’on oublie aussitôt. Il s’agit de ces paysages qui n’appartiennent à personne, que tout le monde a déjà l’impression d’avoir vu et revu, mais dont la monotonie ne permet ni de les situer, ni de les garder en mémoire. Ils sont « nowhere » (nulle part). Cette série se décompose en plusieurs parties au départ bien distinctes. Nowhere by train et Nowhere by plane constituent le premier acte, et racontent cette expérience des paysages, de ces cieux, de ces endroits traversés en fonction du moyen de transport emprunté. Le second chapitre, Nowhere eventually est une conclusion du voyage entrepris, juste pour rappeler, ou plus exactement se convaincre que ces « Nowhere » traversés ont une conclusion. Ils sont le bout du chemin.

De ces paysages, de ces endroits marqués par leur platitude apparente, la photographie est là pour témoigner de leur mélancolie, de leur poésie, et de leur beauté si facilement ignorée et si vite oubliée par le voyageur. Ces photographies viennent jouer le rôle premier de l’acte photographique, au-delà de l’esthétique, de garder un trace, une preuve et ainsi devenir l’outil qui viendra les encrer dans notre mémoire. Elles ont aussi une autre fonction, celle de s’approprier ces lieux, de créer un lien entre ces vues prises au travers d’un hublot d’avion ou d’une fenêtre de train, de leur trouver un lien presque fraternel, de retrouver dans ce nuage perdu au-dessus de l’océan la solitude de cet arbre égaré, ou plus exactement miraculeusement épargné, au milieu d’un champ, de ressentir l’immensité d’un ciel traversé d’un trait de nuage comme l’explosion d’une vague qui vient déchirer la ligne d’horizon d’un l’océan.

Né en 1971 à Toulouse, Stéphane Bisseuil pratique la photographie depuis plus de 25 ans de Paris à New York où il a vécu dans les années 90. Armé de Leica M6 et M9 il nourrit une démarche quasi obsessionnelle. Stéphane Bisseuil a beaucoup travaillé sur les graffitis, avec pour objectif premier «l’archivage» d’un art de la rue connu pour son côté éphémère, guidé non seulement par une affinité artistique mais aussi par une certaine fascination des techniques d’artistes en mesure de réaliser leur art en dépit de «formidables» contraintes légales. Une partie de ses clichés a été publié dans l’anthologie du street art « From Style Writing to Art ». Sa démarche se prolonge aujourd’hui avec une série réalisée à l’Iphone dans le métro parisien. Poursuivant la démarche d’archivage qui lui est chère, Stéphane Bisseuil dresse un portrait à la fois tendre et lucide de la société actuelle.

Le spectateur est libre de recoller les morceaux, ou de les isoler. Il est libre de se persuader qu’il a déjà vu ces paysages entre les gares d’Avignon et de Marseille alors que ce petit arbre perdu survit en réalité entre Boston et New York. Mais peu importe. Ce paysage existe. Il est juste «Nowhere».

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而“Nowhere”是则是一组十分个人的照片，着手拍摄超过了十年，诞生于他的旅途，这些旅途就像是忧郁的孤独的漫游和插曲。在火车或飞机中度过的几个小时，他的视线涣散在一些人们从未认真观察过的风景中。这些风景对于人们来说很熟悉，却又很快地忘记。这是一些不属于任何人但所有人都有印象曾经看见过它们的风景，然而这些风景的单调性不足以让它们停留在人们的记忆中，它们就是“nowhere”。这个系列分成从开始就已经区分好的两部分。由Nowhere by plane以及Nowhere by train组成的第一部分，讲述这些以乘坐交通工具的方式下看过的风景和跨越过的地方的经历。第二章，Nowhere eventually作为对这些旅行的一个总结，它只是为了提醒，又或者是自我说服这些跨越过的“Nowhere”有一个结果，它们是路的尽头。

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在这些外表平庸无奇的风景和地方中，摄影是用以见证它们如此容易被旅游者忽略和遗忘的忧郁、诗意、美丽的。这些摄影扮演着它除了美学的功能外本质的角色——保留痕迹，证据，甚至成为一种记忆的工具。摄影还有另外一个功能，那就是把这些地方私人化，把这些透过飞机或火车的窗拍下来的景色联系起来，为它们找到一个亲如手足般的联系，重新在云朵中海洋上找到神奇地保留在一个田野中间的迷失的树的孤独，让我们重新感受被一道云划过的天空的广阔，这朵穿越天际的云宛如一道划过海洋地平线的爆发的浪花。观众既可以把这些碎片重新组合起来，又可以把它们分开来看。人们可以很自由地说我已经在阿维尼翁或是马赛的火车站看过这些风景，然而这棵迷失的树事实上却继续存在在波士顿和纽约。但无论如何，这些风景存在着，它们只是“nowhere ”。 31

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Stephane Bisseuil, Nowhere by plane, 2015

Le spectateur est libre de recoller les morceaux, ou de les isoler. Il est libre de se persuader qu’il a déjà vu ces paysages ...

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Stephane Bisseuil, Nowhere eventually, 2015

Stephane Bisseuil, Nowhere by train, 2015

生于1971年图卢兹，Stéphane Bisseuil在巴黎和纽约从事摄影超过25年。他在九十年代的时候生活在纽约。使用莱卡M6和M9，他滋养着一个偏执的行动。Stéphane Bisseuil专注于涂鸦摄影多年，最初的目的是想为这种昙花一现、有着艺术的精细却又带着街头艺术家为了实现他们的艺术而跨越法律界限的高超技能的街头艺术拍摄第一部“档案”。他的一部分底片出版在街头艺术的文选《From Style Writing to Art》。他的行动一直延续到现在 —— 他用 Iphone拍摄了一个巴黎地铁的系列。不断追求着对于他来说很珍贵的档案记录，Stéphane Bisseuil 建立起一幅既集中又清晰的现实社会画面。

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Stephane Bisseuil, Nowhere by plane, 2015

Stephane Bisseuil, Nowhere by train, 2015

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但无论如何, 这些风景存在着它们是 “nowhere”

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THE IMAGE MEMORY

Through the UNFRAMED series, the photographer JR stands at the crossroads of different issues and questions about the presentation and representation of photography.

ike many artists, from Edouard Levé to Ariel Reichman, who work on the decontextualization in photography, JR questions in his own way photography. Being granted access to photographic archives of different sources he decided to pick some iconic photographs, print them in large scale and repaste them in unexpected places in a totally different format. By doing so JR questions what makes the strength of a photograph. Does the size of the print and the way/place where it is shown matter? Avoiding the usual museum spaces, JR chooses to fit into unusual locations, like walls on the streets or abandoned places. He opens a dialogue with other elements, with architecture, with the city itself, its passers-by, etc. Faithfull to his initial statement JR also questions through this series the impact of images whether coming from the media or from prestigious photographic collections. He also questions the presentation of the photographic works. JR focuses in UNFRAMED on what historian Nicolas Offenstadt calls images that “operate as icons rather than talk about a context”. Very often historians warn us against these images that make history and yet are published in school books without the proper credits, changing the perception one should have of historical events and their context. JR for example pasted in 2010 the famous image by Man Ray on the Vevey Bell Tower (Switzerland) totally changing its perception and iconic status.

After travelling with this project around the world, confronting it to different contexts, more recently JR has completed a new chapter of UNFRAMED on Ellis Island (this island just by the other one, Staten Island) and where immigrants were disembarked and put in quarantine before reaching the Promised Land that represented the United States. Ellis is a place of memory. In the series UNFRAMED-ELLIS, Ellis is a voice and millions of faces. Through his work JR was able to embody, give a soul to a place that had lost life. Being the entry door to the United States from 1892 to 1954 for millions of immigrants, this small island in the vicinity of Manhattan, adjacent to the Statue of Liberty, had been rendered useless due to the change of the way of managing migration flows. With time it was turned into the Immigration Museum and the place became alive again. It is a tribute to those who have managed to reach their promised land, but also to those who perished on the way. These are also the faces of their descendants who, by the miracle of life, embody and perpetuate their traits, even if the history of the migrations of their ancestors fades with time. The memory fades, and yet what happened is lurking at the bottom of our souls whether we are the migrants or one of their descendants. This series speaks to the immigrants’ children, those who forget sometimes, too often, were they come from even though they were raised The Magz

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in another language, different from the one of the country they live in. The series brings together these emotions with the photographs of JR’s collages on Ellis Island, but also through the short film that accompanies it. Robert De Niro plays the main and only role, the role of his life. Maybe it is not the most important of his career but actually it is his life too, as the grandson of Italian immigrants who did the journey long time ago from Italy to America. JR who had access to the Ellis Island photographic archives pasted the portraits of migrants in the hidden places of Ellis Island. Those places were kept intact and yet exude a strange feeling, as if the ghosts of all the people who stopped by here were still on the island. The impact of UNFRAMED-ELLIS is huge in a world where flows of refugees do not cease. All this is not about the past. Sadly enough it is still our very present reality. And if JR succeeds at showing us the journey the migrants were going through back then while arriving to America, he also points the relentless present human tragedy. The story of one, is the story of so many. And what can we say about this place where migrants were this close to their dream and the Statue of Liberty was standing there, with its arm up in the air, yet turning its back to Ellis Island…

UNFRAMED, Man Ray revu par JR, Femme aux cheveux longs, 1929 vertical, Vevey, Suisse, 2010

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LA MEMOIRE DE L’IMAGE

travers la série UNFRAMED les clichés de JR se tiennent à la croisée de différentes problématiques et questionnements sur la présentation et la représentation de la photographie. A l’instar de nombreux artistes d’Edouard Levé à Ariel Reichman qui travaillent sur la décontextualisation en photographie, JR, à travers cette série, questionne à son tour ce rapport à la photographie. Ayant accès à des archives photographique de tiers il décide de recoller, en changeant le format et le cadre, des reproductions, souvent monumentales, de ces clichés dans des endroits inattendus. Dans ce travail il s’agit de décontextualisation de la photographie elle-même. JR remet la photographie en question dans sa présentation même. La conservation et son rapport au public est ici au centre même de la préoccupation de cet artiste qui remet en cause les espaces usuel de monstration de la galerie à l’institution muséale. La photographie existe-t-elle par son format, son mode de présentation, ou peut-elle s’en abstraire et se confronter à un changement drastique de format et de monstration ? Les travaux de JR s’insèrent dans des espaces d’exposition inhabituels et dialoguent avec les autres œuvres, l’architecture, la ville, les passants, pour déployer un dispositif artistique.

UNFRAMED, An immigrant family views the Statue of Liberty from the Ellis Island Immigration Station dock revu par JR, courtesy of National Park Service, Statue of Liberty National Monument, U.S.A., 2014

Fidèle à son travail habituel JR invite aussi à une réflexion sur l’impact de l’image qu’elle soit dans les médias ou issue de collections photographiques prestigieuses. Au-delà du questionnement lié à la présentation des œuvres, JR touche aussi dans UNFRAMED à ce que l’historien Nicolas Offenstadt appelle «le fonctionnement en icônes plus qu’en contextes». L’historien nous met en garde contre ces images de tranchées, de combats publiés sans légendes adéquates dans de les manuels scolaires. JR en collant par exemple en 2010 un cliché de Man Ray sur le clocher de la ville de Vevey (en Suisse) permet cette prise de conscience.

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Après avoir fait voyager ce projet à travers le monde, confrontant différents contextes et photographies historiques, plus récemment JR a réalisé un chapitre d’UNFRAMED sur l’île d’Ellis, ce lieu mythique voisin de la statue de la Liberté et où les immigrants étaient débarqués et mis en quarantaine avant d’atteindre la terre promise que représentaient les EtatsUnis. Ellis c’est un endroit, un lieu de mémoire. Dans la série UNFRAMED-ELLIS de JR, Ellis c’est aussi une voix, et des millions de visages. A travers son travail JR a réussi à incarner, donner une âme, à un lieu qui avait perdu de sa vie. Porte d’entrée des Etats-Unis de 1892 à 1954 pour des millions d’immigrants, cette petite île aux abords de Manhattan, avait été rendue inutile du fait du changement de la façon de gérer les flux migratoires. Le lieu dépouillé de toute vie, fut pourtant sanctuarisé en musée. Enfin ces vies reprennent possession de l’endroit. De ceux qui ont réussi à atteindre leur terre promise, mais aussi de ceux qui ont péri en chemin. Ce sont aussi les visages de leurs descendants qui par le miracle de la vie incarnent et perpétuent leurs traits, même si l’histoire de la migration de leurs aïeuls s’estompe avec le temps. Le souvenir se fane, l’histoire s’évoque de moins en moins et pourtant ce qui s’est passé est tapi au fond de nos âmes que l’on soit migrants ou un de leur descendants. A un moment, tous ont du se cacher, tenir dans la traversée et survivre. Comme l’eau garde la mémoire, l’humain a aussi de cet ADN du vécu. Et même chez ceux qui ont voulu oublier, ce gène immatériel subsiste, un gène de la survie qui a été à un moment activé ou qui le sera un jour… Cette série parle aux enfants d’immigrés, de ceux qui l’oublient parfois, trop souvent, mais qui pourtant ont été élevés dans une autre langue que celle de leur pays d’accueil, qui font partie à vie d’une tribu silencieuse, immuablement nomade et dont les rangs gros-

UNFRAMED, Children treated in the Ellis Island hospital revu par JR, courtesy of National Archives, U.S.A., 2014

sissent irrémédiablement. La série réunit à travers les photographies de ses collages, mais aussi à travers le court métrage auquel qui l’accompagne, des émotions. Robert De Niro y tient le seul rôle, tout en y jouant le rôle de sa vie. Peut être pas le plus important, mais bel et bien celui d’un enfant de l’immigration. Il est aussi l’un d’eux par ses grands parents, immigrés italiens ayant eux-mêmes fait l’harassant chemin depuis l’Europe vers les Etats-Unis. Passage obligé de tous les immigrants venus cherché par bateau la terre promise, cette île, aujourd’hui musée, est avant tout le lieu de tant de souvenirs et la maison de fantômes qui veillent et gardent la porte des Etats Unis. JR ayant eu accès aux archives photographiques du lieu, portraits de tant

d’immigrés parfois même anonymisés et qui pourtant sont le sang de l’Amérique aujourd’hui. Il les a ensuite remis en situation réalisant des collages dans les parties non ouvertes au public d’Ellis. Ces lieux devenus fantomatiques car vides aujourd’hui gardent pourtant une empreinte très forte, en les visitant il est impossible de ne pas sentir la présence des fantômes du passé. La portée d’une série photographique comme UNFRAMED – ELLIS est immense dans un monde où les flux et les reflux de réfugiés n’ont de cesse de strier les cartes du monde, comme une fatalité dont la nature humaine ne saurait se défaire. Si JR a le pouvoir de nous faire revivre l’arrivée des migrants, et le passage en quarantaine, sur le sol des Etats-Unis The Magz

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après des semaines de bateau, il pointe aussi du doigt la tragédie humaine qui n’a de cesse de se répéter. Universelle, la série porte la voix d’un seul, mais aussi de tous. Que dire de ce lieu où les migrants en attente voyaient, si proche, la Statue de la Liberté tendre le bras, majestueuse, et pourtant encore, le temps de la quarantaine, leur tourner le dos…

UNFRAMED, Czech grand mother in Ellis Island revu par JR, courtesy of National Park Service, Statue of Liberty National Monument, U.S.A., 2014

UNFRAMED, Immigrants about to head back to their starting point revu par JR, courtesy of the Library of Congress, Ellis Island, U.S.A., 2014 UNFRAMED, Immigrants group in Ellis Island revu par JR, courtesy of National Park Service, Statue of Liberty National Monument, U.S.A., 2014

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UNFRAMED, Lucia Moholy revue par JR, Bauhaus, Dessau, 1925-26, Vevey, Suisse, 2010

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UNFRAMED, Doctors and nurses performing surgery in an operating room in the Ellis Island Main Hospital revu par JR, courtesy of National Park Service, Statue of Liberty National Monument & National Archives, U.S.A., 2014

生命的记忆 UNFRAMED, Ferry Ellis Island in front of the Ellis Island Main Immigration Building revu par JR, courtesy of to be found , U.S.A., 2014 UNFRAMED, Hygiene Conference Delegates revu par JR, courtesy of The Library of Congress, Ellis Island, U.S.A., 2014

通过UNFRAMED系列，JR的底片向摄影的表达和展现提出不同的疑问。就像许多艺术家致力于摄影的去背景化一样(如Edouard Levé ，Ariel Reichman) ，JR通过他UNFRAMED系列，向摄影提出背景与摄影的关系这个疑问。在翻阅了许多摄影档案之后，通过改变尺寸，框架的方式，他决定在一些令人意想不到的地方重新粘贴他那些壮观的照片的复制品。这项工作是关于去背景化的。JR甚至把照片的展现也变成了一个疑问。作品的保存以及它和公众的关系对于这位艺术家来说处于中心的位置，甚至到了忧虑的地步。艺术家责难那些展示的常用空间，包括画廊以及博物馆机构。摄影依靠他的规格，展现的方式而存在 ? 还是它能够凝思这些规格、展现的方式以及能够面对它们的改变？为了展开一个艺术部署，JR的作品深入那些不寻常的展览场所，向其它的作品对话（建筑、城市、过路人）。对于他之前的作品十分忠诚的JR 也对在媒体中或是来自于著名摄影收藏的图像的影响作出思考。除了对作品的展示有疑问外，JR在UNFRAMED里面也触及

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UNFRAMED, Nurses at Ellis Island Hospital revu par JR, courtesy of Ellis Island Immigration Museum,USA, 2014

了历史学家Nicolas Offenstadt所说的“在象征上的功能大于在背景上的功能”。这位历史学家警告我们要反对这些在教科书里面破碎的、没有恰当的说明文字就出版的图像。JR的作品有这种意识。（例如，在 2010年，他把一张Man Ray的底片贴在 Vevey的城市钟楼上。）在使这个项目环游了世界之后，通过对照不同的背景和历史照片，JR最近在纽约的爱丽丝岛上实现了UNFRAMED 的一个章节。这个神奇的地方，是自由女神像的邻居，也是移民登陆以及在获得美国准许证之前接受移民局审查的地方。爱丽丝岛是一个记忆的地方。在 UNFRAMED-ELLIS系列里面，爱丽丝岛是一个声音，是千万张脸孔。通过他的这些作品，JR成功地给予一个失去了它的生命的地方一个灵魂。1892年至1952年移民进入美国的第一扇门，这个在曼哈顿旁边的小岛、自由女神像的邻居后来由于移民管理方式的改变而荒废。然后，它后来变成了博物馆。最后，生命重新拥有这个地方。

这些生命指包括那些成功获得了准许证的人，也包括那些在路上死去的人。他们的后代的脸孔也令这些生命的痕迹变得永恒，即使他们祖父母的移民历史随着时间的消逝而变得模糊不清。回忆在凋谢，历史勾起的回忆越来越少。然而，过去的事情埋藏在移民或者是他们后代的灵魂的深处。在某个时候，所有人都需要隐藏自己，然后继续存活。就像水有记忆一样，人类也有这种生存的本领。即使有些人想要忘记，这个非物质的障碍一直存在着，这种幸存的障碍已在某个时刻被激活或即将被激活。

爱丽丝岛总部从90年代开始就成为了移民博物馆。这是移民们想要获得居留准许证的必经之路，但这个小岛最重要的还是一个承载了记忆的地方，以及是看守美国大门的屋子。

这个系列讲述的是移民的孩子，他们在一个和英语不一样的语言环境下长大，是一个沉默部落生活的一部分，是不变的游牧者，然而这些游牧者的行列正在不可收拾地变大。这个系列聚集了拼贴图片以及充满情感的短片两种手段。Robert De Niro 在里面担当着唯一的角色，本色出演。可能他不是最重要的一个，但是他是移民人群的孩子的一员，他的祖父母——意大利移民，从欧洲到美国，也走过了一条很艰辛的路。

对于一个难民潮和难民变迁不断地在世界地图上划下痕迹的世界来说，像 UNFRAMED-ELLIS这样一个摄影系列的意义是十分大的，就好像是一种人类的本性不知道摆脱的命运。如果JR有能力给我们再现移民的到来、隔离的通道、坐几个星期的船才能到达的美国土地，他也同时把矛头指向这种不断重复的人类悲剧。这个系列为一个人同时也为所有人发声。这是一个移民们期待近距离观看自由女神像庄严地伸出她手臂的地方，然而另一边，隔离的时间却向他们扭过头。

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JR看过这个地方的摄影档案—— 众多无名移民者的肖像，然而今天他们都是美国的儿女。他把拼贴照片贴在爱丽丝岛不对公众开放的地方。这些地方由于空旷而变得幽灵一般。今天，它们保持着一种很强的印记，当参观它们的时候，完全不可能感受不到过去的鬼魂的存在。

Liu Bolin, The Hacker Series (the French Embassy in London website), 2015

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View from the French Embassy in London website

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DAUCI PERDIET

LIU BOLIN THE HACKER SERIES Internationnaly famous photographer Liu Bolin has taken a step forward in his controversial work. Recognized as the “Invisible Man” for years he has decided now to hide in images hacked on institutional websites.

View from the French Embassy in LondonSea Shepherd website

L Liu Bolin, The Hacker Series (the Sea Shepherd website), 2015

iu Bolin, the internationally famous artist, whose the nickname is “the invisible man”, made a new series of photographs : THE HACKER SERIES. As the artist shares “in my latest solo show I explore what, in an era of intense virtualization, remains real. Is what we see really what we get?” For this series Liu Bolin has hacked institutional websites where some images have been changed. He has taken away the original image to replace it with one of his. Barely visible the artist hides in those pictures. The only thing one can see is the light in his hand. It is a light he tries to shed on reality. “With this new step I am no longer the “Invisible Man”, I am more an art whistleblower trying to raise the awareness of people about the power of images”, adds Liu Bolin. By hacking institutional websites and changing one of their images Liu Bolin wishes to reflect upon the internet era and where the real power lays. The series is like a performance inside the worldwide web. Internet changes the way people communicate and how they get the information. “It is the beginning of a new world”, says Liu Bolin, the “Network Age” will have humans change. In opposition to our traditional philosophy, people are now facing a new challenge in terms of ethics and legal values. It is a dive into the unknown. Liu Bolin adds : “There is always a deeper meaning to an image, it questions the human soul and spirit. In this new series I challenge the The Magz

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power of the images changing the original ones. It is an attempt to start a war against the images”. Liu Bolin is part of this generation of Chinese artists who are very sensitive to political, economic, social and environmental transformations of their country. With his series “Hiding in the City”, started in 2005, he became a national and international symbol, sometimes admired, sometimes controversial. From this period he is still working on this approach and he paints himself from head to toes in order to hide himself in various places. Each time he chooses supermarkets, historical monuments or jewels of architecture which become symbols of the contemporary society. His works, between “photography and performance” according to art critic Philippe Dagen, reveal the delicate balance of our modern world. In this new series, Liu Bolin continues his own thinking on the evolution of the society and gives us a look particularly relevant on the contemporaneity. Nowadays recognized all over the world as one of the most famous photographers of his generation; Liu Bolin doesn’t lack of daring.

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Liu Bolin, The Hacker Series (the Sea Shepherd website), 2015

â&#x20AC;&#x153;Beware of the internet. In an era of image we have to be able to criticize the images that are given to us. What you see is not what you get !â&#x20AC;? warns us Liu Bolin The Magz

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ans sa dernière série THE HACKER SERIES l’artiste chinois Liu Bolin pirate des sites internet institutionnels dont il capture les images pour les modifier avant de les insérer en ligne à nouveau. A peine visible, l’artiste se cache dans les images d’origine sur les sites de la mairie du 13ème arrondissement de Paris, de l’ambassade de France en Angleterre ou encore de l’établissement culturel du CENTQUATRE. L’artiste explore ainsi « ce qu’il reste de réel dans une ère d’intense virtualisation » et pose au public une question « est-ce que ce que nous percevons est réellement ce que nous vivons ? » « Avec cette nouvelle étape, je ne suis plus ‘l’homme invisible’, je suis plus comme un lanceur d’alerte de l’art essayant de sensibiliser les gens au pouvoir des images » ajoute Liu Bolin. Il lance une réflexion sur l’ère du tout internet, s’interroge sur ce réseau dont le pouvoir s’étend sans que l’on en mesure nécessairement toutes les conséquences. Construite telle une performance artistique réalisée sur la toile mondiale, cette série marque le pas d’une nouvelle ère en termes de pouvoir. « C’est le début d’un nouveau monde » partage Liu Bolin, « l’âge des réseaux qui va transformer l’humanité ». En rupture avec notre philosophie traditionnelle, les gens font désormais face à de nouveaux challenges en termes d’éthique et de valeurs morales. C’est

un plongeon dans l’inconnu. Liu Bolin ajoute : « Il y a toujours un sens plus profond dans une image quelle qu’elle soit, elle questionne l’âme humaine et l’esprit. Dans cette série, je mets au défi le pouvoir des images en les transformant. C’est ma tentative de guerre contre les images. » Liu Bolin fait partie de cette génération d’artistes chinois très sensibles aux transformations politiques, économiques, sociales et environnementales. Avec sa série « Hiding in the City », initiée en 2005, il est devenu un symbole national et international, tantôt admiré, tantôt controversé. Depuis ses débuts, il n’a cessé de travailler sur cette approche et il se peint lui-même de la tête aux pieds dans le but de se cacher dans divers lieux. Ses oeuvres, entre ‘photographie et performance’ pour reprendre les mots du critique d’art Philippe Dagen, révèlent l’équilibre fragile de notre monde moderne. Dans cette exposition, Liu Bolin poursuit sa propre réflexion sur l’évolution de la société et nous propose un regard particulièrement pertinent sur la contemporanéité. Aujourd’hui reconnu dans le monde entier comme l’un des photographes les plus célèbres de sa génération, Liu Bolin ne manque pas d’audace.

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MD画廊很荣幸能够推出艺术家刘勃麟的新作“黑客”系列，此次展览将于2015 年9月3日在伦敦展出。在这个作品系列中刘勃麟利用黑客技术进入并修改了一些政府机构网站。伦敦的法国大使馆网站就是其中之一，该网站中的一些图片被他所替换，他将原本的图片更改为了他自己的一些艺术作品，一如他的以往作品，艺术家的身体依然隐藏与背景之中，看得清楚的只有手里拿着的一盏灯。他试图用这盏灯照亮真实的世界。 “我在新的作品中探讨什么是真实，在国权虚拟化的时代，什么是真实的命题？我们的所见就是我们的所得吗？”刘勃麟如是说。在新的作品里我不再是‘隐身人’，我是唤醒人们认清图像权力的揭发者”刘勃麟解释。通过黑客技术把网站上原有图片换成自己的新作品，在网络时代艺术家希望人们能思考什么是真实。刘勃麟称自己的黑客技术是网上的行为艺术。互联网改变了人们的交流方式和信息获取方式。 “这是新世界的引入级的开始”刘勃麟说，互联网时代会改变人类。与传统哲学理论相反，人们面临着新的道德规范和法律价值的挑战。这一切将我们带入未知的领域。刘勃麟说“图像背后都会有一个深深的主题或者说是问号，都是带着对人类灵魂或者精神来源的探索的询问。我改变图片成为我的作品，这是在挑战具有了权力的图片，试图在图像之间的发动一场战争的游戏。

Liu Bolin, The Hacker Series (the French Assembly website), 2015

”作为当代中国艺术家，刘勃麟对政治经济的巨变和社会环境产生的影响有着十分敏锐的嗅觉。自2005年开始创作的系列作品“城市迷彩”，令他成为国内外炙手可热的艺术家，他的作品被人们所喜爱，但是也不可避免地为他招来许多非议。从这之后，他一直坚持着用这种方法把自己从头到脚伪装起来，让自己完全隐藏到身后的背景中。他每次选择的场景不同，从超级市场到历史古迹，亦或是一些当代建筑，他的选择都与当今时代高度契合。他的作品既是摄影作品，又是行为艺术作品，用知名艺术评论家Philippe Dagen 的话来说，是对中国传统和现代之间微妙平衡的回应。本次展览展出的作品是刘勃麟对当代社会思考的延续，充满与时俱进的思想。作为当今国内外最知名的摄影艺术家之一，刘勃麟不乏胆识。此次展览也为MD画廊提供了一次很好的机会，在伦敦第一次为大家展现这位著中国艺术家的作品。

View from the French Assembly website

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Liu Bolin, The Hacker Series (the Paris City Hall - 13th district- website), 2015

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Liu Bolin, The Hacker Series (the Volklinger UNESCO heritage website, Germany), 2015

View from the Volklinger UNESCO heritage site website

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LIVE FROM HONG KONG LAUREN EVERY-WORTMAN IS HONG KONG CONTEMPORARY ART FOUNDATION [HOCA]’S CURATOR AND EXHIBITIONS MANAGER, AND SHARES AN INSIGHT ON THE HONG KONG ART SCENE ESPECIALLY IN PHOTOGRAPHY.

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Nobuyoshi Araki, Marvellous Tales of Black, 1994, Courtesy of Taka Ishii Gallery

PHOTOGRAPHY

ow would you define the Hong Kong art scene these days ?

I think the scene is continually growing, but there is still a significant lack of educational programming. The Hong Kong Art Museum has been shut for renovation, and we’re still waiting for M+ to be finished. Most of the art scene is commercially focused at this point, except for a few notable nonprofits. Who are according to you the most interesting actors on this scene ? Para-site is doing some great non-profit exhibitions, and Spring Workshop is doing an amazing job hosting artists-in-residence. In general, it’s a small scene so people are really willing to help each other out which makes for a very nurturing and encouraging environment.

“

it is important to introduce work which a large audience can connect with immediately

“

What does the recently opened in Hong Kong HOCA foundation brings on the city’s culutral landscape ? HOCA is hoping to bring exactly that educational aspect that I said Hong Kong’s art scene was lacking. Our exhibitions are focused on international artists that are either up and coming or have been highly influential in their medium. I think a lot of people in Hong Kong are intimidated by the art scene because it is so sales focused. They think that if they can’t afford an artwork, they won’t be welcome in the gallery. We want to provide exhibitions and events that are free and open to the public and where everyone is welcome. What is the aim of the Foundation ? and its upcoming projects and exhibitions ? The aim of the foundation is to promote contemporary art in Hong Kong through educational programming, exhibitions, and cata-

logue publications. Our programming will be pretty eclectic but there is a strong focus on pop art and street art, and artists who are engaged with contemporary culture. As the curator of the Foundation what do you wish to bring to the public ? I’m personally drawn to art that is able to speak to a wide range of people. As you can tell from our previous exhibitions this includes a lot of street art, and art made with pop culture as its muse. I think when bringing large scale exhibitions, it’s important to introduce work which a large audience can connect with immediately. Hopefully this will increase their appetite to learn more about other artists and genres as well. Tell us about your Up Close : Erotic Japanese Photography exhibit Up Close is an exhibition featuring the erotic works of three of the most influential postwar Japanese photographers - Eikoh Hosoe, Daido Moriyama, and Nobuyoshi Araki. It explores Japanese photography’s shift from social documentary towards a medium for contemporary experience. The exhibition was conceived as a narrative development of the practice of photography through a common theme of eroticism. These photographers works vary greatly, but all three explore the concept of Eros (life/sex juxtaposed with Thantos or death in Freudian psychoanalysis) and the portrayal of sexual experience as a metaphor for life. In the photography field, do you have any photographer spotted in Asia you’d advise to follow ? My favorite photographic body of work is by Japanese photographer Miwa Yanagi, entitled “Elevator Girl,” but that work is from nearly 20 years ago now! More contemporary would be the magical realist environments of South Korean photographer Koo Sung Soo, and Chinese multimedia artist Yuan GoangMing.

Daido Moriyama, KAGEROU(Mayfly), 1972, Courtesy of Taka Ishii Gallery

Comment définiriez-vous la scène artistique hong kongaise aujourd’hui ?

s’entraider, ce qui en fait un environnement très inspirant et encourageant.

Je pense que la scène artistique locale est en constante évolution, mais il existe encore un manque patent de programmes éducationnels. Le Musée des Arts de Hong Kong (Hong Kong Art Museum) est fermé pour rénovation et nous attendons encore que les travaux du musée M+ soient achevés. A part quelques institutions sans but lucratif, la plus grande partie de la scène hongkongaise est encore très orientée vers le marché.

De part sa récente inauguration, qu’est ce que la HOCA Foundation souhaite apporter à ce paysage culturel ?

Qui sont selon vous les acteurs les plus intéressants de cette scène ? “Para-site” est une organisation à but non lucratif qui fait de très bonnes expositions. “Spring Workshop” fait un travail remarquable de residence d’artistes. Comme la scène ici est assez réduite les gens ont tendance à

C’est justement ce soutien éducationnel que la HOCA Foundation souhaite apporter. Nos expositions sont destinées à montrer des artistes internationaux qui sont soit en train d’émerger, soit ont une influence notable dans leur medium. Je pense que nombre de personnes à Hong Kong sont intimidées par l’art car ici il est tellement orienté vers les ventes. Ils pensent que s’ils ne peuvent pas acheter des œuvres ils ne sont pas bienvenus dans les galeries. De ce fait nous voulons pouvoir offrir des expositions et des événements qui soient gratuits et ouvert au public, que tout le monde se sente bienvenu.

Quels sont les objectifs et projets à venir pour la Fondation ? L’objectif de la Fondation est de promouvoir l’art contemporain à Hong Kong à travers un programme éducationnel, des expositions et des publications. Notre programmation se veut éclectique avec une attention particulière portée au pop art, le street art et les artistes engagés en matière de cultures contemporaines. En tant que commissaire d’exposition de la Fondation que souhaitez vous apporter au public ? Je suis personnellement attirée par de l’art qui parle au plus grand nombre. Comme le montre nos précédentes expositions cela inclus beaucoup de street art et d’art dont la culture pop est l’inspiration. Je pense que lorsque l’on produit des expositions d’envergure il est

primordial de montrer des œuvres auxquelles le public puisse se sentir connecté de façon immédiate. J’espère que cela accroîtra ensuite leur envie d’en savoir plus sur d’autres artistes et d’autres genres artistiques. Parlez nous de votre exposition sur la photographie érotique japonaise : Up Close Up Close est une exposition qui présente les travaux érotiques de trois des plus importants photographes japonais d’après guerre : Eikoh Hosoe, Daido Moriyama et Nobuyoshi Araki. L’exposition explore le tournant de la photographie japonaise d’une pratique documentaire à une expérimentation contemporaine, à travers le thème commun de l’érotisme. Le travail de ces photographes varie énormément, mais les trois on en commun d’explorer le concept de l’Eros (la vie, le sexe en juxtaposition avec Thantos ou la mort dans la psychanalyse freudienne) et la représenta-

tion de l’expérience sexuelle comme une métaphore de la vie. Dans le champ de la photographie, avez vous des photographes que vous avez découvert en Asie que vous conseillez de suivre ? Mon œuvre photographique favorite est le travail du japonais Miwa Yanagi, intitulée “Elevator Girl”. Mais c’est une œuvre qui a déjà près de 20 ans! Dans les démarches plus actuelles je conseille de suivre les environnements réalistes du sud-coréen Koo Sung Soo, et le travail multimédia de l’artiste chinois Yuan Goang-Ming.

Eikoh Hosoe, Man and Women, 1960, Courtesy of Taka Ishii Gallery

关于Lauren Every-Wortman 策展人、展览经理，HOCA Lauren Every-Wortman是香港当代艺术基金会（HOCA）的策展人以及展览经理，负责策划基金会的展览和活动。在就职于HOCA之前，Lauren EveryWortman在美国和亚洲的当代艺术领域都有过经验，其中包括两年作为画廊经理在香港Above Second工作的经验。以极优等的成绩毕业于美国宾夕法尼亚大学，她在视觉系拿到了双学位：艺术史的学位以及艺术实践与技术的学位。当在宾夕法尼亚大学就读的时候，她就协助策划和实现 Philagrafika 2010中的“Medium Resistance”展览。Above Second是一个用于展示当代城市艺术的艺术空间。当Lauren 在那里工作时，她在组织画廊的展览的同时也做延展性的画廊主要区域外的“offsite”展览，如在2013与Swire Properties 合作的“Work in Progress”，以及特约场地展览，如在香港西湾河协青社和Cyrcle 合作的展出以及在香港PMQ in central与 D*Face合作的展出。

您对近年来香港艺术舞台是怎么看的？我认为这个舞台仍在持续发展，但缺少关于这方面的重大的教育性的计划。香港艺术馆闭馆翻新，我们目前也仍在等待 M+艺术博物馆完工。大部分的艺术场所都着重在商业这个点上，除了一些少数非盈利性的地方。对于您来说，哪一位是这个舞台最有趣的演员？ Para-site艺术空间正在做一些很好的非营利性的展览，Spring Workshop也在做一个很棒的的艺术村工作。总的来说，这是个很小的舞台，所以人们愿意互相帮助来营造一个更成熟和更鼓舞人心的环境。香港的HOCA基金会最近为这座城市的文化舞台带来什么表演？ HOCA希望可以为香港带来教育方面的贡献，这方面就是我刚刚所说的香港艺术舞台上所缺失的。我们的展览把目光注视在新兴的或是在各自领域上很有影响力的国际艺术家。我觉得很多人都被香港的艺术舞台吓到了。因为在这里，人们非常关注销售。人们会认为如果他们买不起艺术品，就不会被画廊所欢迎。我们想提供一些免费的展览和活动给大众，在这里，所有的人都是受我们欢迎的。这个基金会的宗旨是什么？未来的计划和展览又是什么？基金会的宗旨是通过教育性的计划，展览以及图录的发行，在香港推广当代艺术。我们的计划将是不拘一格的，但会强烈着眼于波普艺术和街头艺术，以及那些从事当代文化的艺术家。

作为基金会的策展人，您希望为大众带来些什么？我个人很希望艺术可以有更多的观众。就像你说的那样，我们之前的展览很多都是与街头艺术和波普艺术有关。我认为在做大规模展览的时候，展出一些让观众能够立刻联想到作者的作品十分重要。希望这样可以激起他们对其他艺术家、其它类型作品的胃口。跟我们说说您最近的日本性爱摄影展览“Up Close”。 “Up Close”是三位战后日本最具影响力的摄影师的性爱作品的展览。这三位摄影师是：Eikoh Hosoe, Daido Moriyama, and Nobuyoshi Araki。它探索了日本摄影是怎么从社会记录到一个当代媒介的过程。这次展览通过一个性爱的主题展示摄影活动的叙述性发展。这些摄影师的作品不一，但都是对性爱概念的探索（与Thantos对照的生活/性，或者是弗洛伊德精神分析里的死亡）以及对隐喻生活的性经验的描绘。在摄影的范畴，您有向我们推荐的亚洲摄影师吗？我最喜欢的人体摄影作品是来自于日本摄影师Miwa Yanagi的，名为“Elevator Girl”，但那件作品已经是20年前的了。更现代一点的要数来自南韩的环境摄影师Koo Sung Soo以及中国多媒体艺术家 Yuan Goang-Ming。

Eikoh Hosoe, Ordeal by roses, 1970, Courtesy of Taka Ishii Gallery

Daido Moriyama, A Journey to Nakaji, 1984, Courtesy of Taka Ishii Gallery

Mel Burri, Renée. D.R.

IN THE HEART OF THE ELYSEE MUSEUM T

atyana Franck has been appointed as the new director of the Swiss Elysée Museum specializing in photography and shares here with us her ambitions for this institution. The Elysée Museum holds one of the most important and diverse collections in Europe covering the entire history of photography and its many different aspects. Its collections are made up of almost a million items related to photography. And great news for the photography world : as it has just been announced a new building for the museum will be constructed and opened in 2020.

ow was created the Lausanne photography Elysée Museum? The place where the museum is currently was built between 1780 and 1783, by architect Abraham Fraisse. Among the famous guests of the house, Madame de Stael gave performances there in 1807 with Benjamin Constant and Madame Recamier. The place also had two notable owners, the banker William Haldimand (1784-1862) and Victor Constant (1814-1902), the brother of Adrien Constant. But the institution as we know it today started in 1971, when the house was purchased by the Vaud county, and made into a museum. The The Magz

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addition of the “Cabinet cantonal des estampes” set a second milestone (between 1980 and 1985). And then in 1985 when transferred to Vevey Charles-Henri Favrod decided to turn it into a museum for photography in October 1985: the Elysée Museum was born! In terms of conservation, what challenges do you face ? The museum has important collections, representing almost all the photographic processes and media from the mid-nineteenth century to major contemporary digital formats. Due to the extreme sensitivity of photographic material to light, pollutants and weather conditions, and because certain media like nitrate and acetate self destroy, the museum aims at adapting its conservation and workspaces to international standards. A few highlights of the collection ... I would point the Gabriel Lippmann’s “Still life”, Nicolas Bouvier’s “Student Back, Sado Island, Japan” (March 1965) and René Burri’s “Zürich, Switzerland” (1980) pieces. In addition the Elysée Museum has nearly 20,000 photo books. The photography book became a collectible object and a research topic. Aesthetic and graphic are united in these, image, typography and text, all come as one and appear to be the best source for photography history and to show the evolution of an artist.

In an unprecedented way, photographic books take a new dimension thanks to scanning. In collaboration with the Digital Laboratory of Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne (EPFL), the museum, aims at digitalizing its entire collection of books and make it available on the Internet. There are mainly monographs of photographers and artists, as well as thematic books on landscape, portraits and surrealist photography. Can you share how the musuem collections are built? What do they represent to date? What is the purchasing policy today and how does it work ? The Elysée Museum determines and manages significant sets of photographers known internationally as Mario Giacomelli, Gilles Caron, Geraldo de Barros and Pieter Hugo and Swiss photographers like Paul Vionnet, Constant Delessert, Hans Steiner and Jean Mohr. With its expertise, the museum is also internationally known for managing comprehensive photographic collections. Its collections are enriched every year by purchases, deposits and donations. All this includes the Ella Maillart Fund, as well as the Nicolas Bouvier Fund , the Charles Chaplin Archives, Marcel Imsand the Fund or the René Burri Fund. The Elysée Museum aims at welcoming new funds. It also committed to young contemporary creation, it supports Swiss artists over the long term or for specific projects. After nearly 30 years of activity what are the new challenges to come for the Museum ? The Elysée Museum aims at being the global standard for photographic museum. We have many challenges for the years to come. We want to reach out to the general public as well as photography professionals. The Elysée Museum has many strengths such as the richness of its collection, its prestigious brand, thanks to its own exhibitions as well as traveling exhibitions, and various events, publishing efforts, partnerships and its photography prize (the Elysée Prize). The challenges for the future are the fact that the Museum has to account for the diversity of artistic practices related to photography, meet the expectations of a public increasingly diversified both in terms of taste, age, cultural background. It also has to be able to adapt flexibly of its premises to

accommodate changing formats and be responsive to current design enabling modular exhibits quickly. The outside projects are also a challenge as currently there are 200,000 visitors for the museum’s extramural project and 80,000 visitors in the museum itself per year. The Elysée Museum has established itself as a place of scientific research in the field of photography, becoming a center of excellence for research and photographic motion pictures (video). On the short term, the Elysée Museum aims at becoming the benchmark in the treatment of photography with its expertise in the history of photography, to fulfill its mission of “detector” skills and offer a contemporary understanding of photography.

Mel Lippmann, Gabriel. D.R.

Just this month the portuguese architects Manuel and Francisco Aires Mateus won the project for the new museum to open in 2020 . As the museum director what are your wishes for the museum in this new phase of its development? I wish to open the museum to all technical and scientific discoveries around the image, especially thanks to our partnership with the EPFL. It is also important to be a place that talks about the present world. And thanks to the visionary eye of the artists try to understand the world of tomorrow. We also have to ensure our international development. Some of our projects are going to be shown at the Amparo Museum in Mexico, at the Museum

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of Contemporary Art in Santiago de Chile and in China. On another side we also want to develop new technologies and services to improve access to disadvantaged groups such as the disabled (“Blind Project”). In the new museum design the storage capacity will triple so we will have enough space to host new collections in very good conditions. In terms of contemporary photography what are your more recent discoveries? The work of the Swiss photographer Manon Woertenbroek (Mental images of Manon) is amazing. She builds her images by accumulating layers and then photographing them as portraits. As if she needed to restore the materiality of the person, the inner, complex and unstable energy. All the preparatory work, sculpture like, takes a crucial place. The artist cuts various shapes in paper. Then she finalizes the process by shooting the result. The work of the collector-turned-artist Thomas Sauvin, based in Beijing, is a powerful and poetic world displayed in a handmade box. “Till death do us part” shows the cigarette usage in Chinese weddings. It is customary for the bride to light a cigarette for each male guest attending. Then the newlyweds are invited to play games with cigarettes. This work focuses on a tradition where love and death are intertwined. In the “Silvermine” project the artist has saved about half million negatives from a recycling plant in the suburbs of Beijing, where they were recycling the silver nitrate. In “Silvermine” Thomas Sauvin presents a unique photographic portrait of the Chinese capital and life of its inhabitants from 1985 to 2005 (when digital photography took over). These memories not only evoke the birth of post-socialist China but also traditions that prevail. How should one collect photography ? There has to be a real crush… Rubbing shoulders with photographers when they are still alive is key. Go and see exhibitions. One also has to learn how to watch and then meet other people and private collectors to exchange views and ... favorites !

Le livre photographique prend une nouvelle dimension, grâce à la vaste campagne de numérisation, totalement, inédite, que lance le musée. En collaboration avec le, Laboratoire des humanités digitales de l’Ecole, Polytechnique Fédérale de Lausanne (EPFL), le musée a, pour ambition de numériser l’ensemble de sa collection, de livres et de la rendre disponible sur Internet. Il s’agit principalement de monographies de photographes et d’artistes, ainsi que de livres thématiques, sur le paysage, le portrait ou la photographie surréaliste, par exemple.

Thomas Sauvin, Untitled, Extract Pages, D.R.

omment a été créée l’institution dédiée à la Photographie qu’est le Musée de l’Elysée à Lausanne ? La maison de maître dans laquelle est actuellement logée le musée de l’Elysée a été construite entre 1780 et 1783, dont les travaux furent dirigés par l’architecte Abraham Fraisse. Parmi les hôtes célèbres de la maison, Mme de Staël y a donné en 1807 des représentations d’Andromaque, avec Benjamin Constant et Mme Récamier. Citons également deux propriétaires notables, le banquier William Haldimand (1784-1862) et Victor de Constant (1814-1902), frère du photographe Adrien Constant de Rebecque, dit Constant Delessert (1806-1876), assez reconnu ici. La première étape qui tend à la création de l’institution que nous connaissons aujourd’hui apparaît en 1971, lorsque la maison est achetée par l’Etat de Vaud, qui la restaure et l’aménage en partie en musée. Deuxième étape décisive, entre 1980 et 1985, elle accueille le Cabinet cantonal des estampes. Finalement, lorsque celui-ci est transféré à Vevey, au Musée Jenisch, Charles-Henri Favrod y fonde un musée pour la photographie, en octobre 1985 : Le Musée de l’Elysée était né ! Face au médium qu’est la photographie quels sont les enjeux de conservation ?

Le musée conserve d’importantes collections, réunissant pratiquement tous les procédés photographiques, des premières inventions sur divers supports (cuivre argenté, papier, verre, …) du milieu du XIXe siècle aux grands formats numériques contemporains. En raison de l’extrême sensibilité des objets photographiques à la lumière, aux polluants et aux conditions climatiques, et de la spécificité de certains supports s’autodégradant (nitrate, acétate), le Musée de l’Elysée souhaite adapter ses espaces de conservation et de travail aux normes internationales actuelles. Quelques highlights de la collection ... Je choisirais : Gabriel Lippmann, Nature Morte ; Nicolas Bouvier, Retour de l’étudiant, île de Sado, Japon, mars 1965 et René Burri, Zürich, Switzerland (1980). Le Musée de l’Elysée conserve aussi près de 20 000 livres de photographie. Le livre de photographie est devenu objet de collection et, sujet de recherche. Esthétique et graphique, unissant, l’image, la typographie et le texte, il est l’une des, meilleures sources de l’histoire de la photographie, permettant de suivre l’évolution d’un artiste, de, comprendre une période, d’appréhender les genres et les, thématiques qui font la complexité et l’intérêt de la, photographie. The Magz

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Au fur et à mesure comment se sont constituées les collections ? Que représentent-elles à ce jour ? Quelle est la politique d’achat aujourd’hui et son fonctionnement ? Le Musée de l’Elysée détient une des collections les plus importantes et diversifiées d’Europe couvrant toute l’histoire de l’art photographique et ses aspects les plus divers. Ses collections sont composées de près d’un million de tirages, négatifs, planchescontacts et diapositives, ainsi que d’un grand nombre d’albums. Le Musée de l’Elysée conditionne et gère des ensembles significatifs de photographes connus à l’échelle internationale comme Mario Giacomelli, Gilles Caron, Geraldo de Barros ou Pieter Hugo, ainsi que de photographes suisses tels Paul Vionnet, Constant Delessert, Hans Steiner ou Jean Mohr. Grâce à son expertise, le musée est également internationalement connu pour la gestion de fonds photographiques complets. Ses collections s’enrichissent d’année en année par des achats, des dépôts et des dons. Il compte ainsi le Fonds Ella Maillart, le Fonds Nicolas Bouvier, les Archives Charles Chaplin, le Fonds Marcel Imsand ou encore le Fonds René Burri. Le musée de l’Elysée a pour vocation d’accueillir de nouveaux fonds. Le Musée de l’Elysée s’engage également auprès de la jeune création contemporaine, qu’il soutient en accompagnant certains artistes suisses sur le long terme ou pour des projets spécifiques. Après près de 30 ans d’activité quels sont les nouveaux défis du Musée ? Le Musée de l’Elysée ambitionne d’être la référence mondiale en matière de musée photographique, avec un rayonnement tant auprès du grand public qu’auprès des professionnels de la photographie. Aujurd’hui le Musée de l’Elysée doit rendre compte de la diversité des pratiques artistiques en lien avec la photographie mais aussi répondre aux attentes d’un public de plus en plus diversifié tant en terme de goût, d’âges, d’origines culturelles.

Par ailleurs, le Musée doit savoir adapter avec flexibilité ses lieux pour accueillir des formats changeants et être réactif à l’actualité en permettant de concevoir des expositions modulables rapidement. Au-delà de l’enceinte du musée, du lieu d’exposition, il lui faudra aussi aller à la rencontre de nouveaux publics par le biais d’une stratégie hors les murs que cela soit par Internet ou par le biais de partenariats avec les acteurs culturels du bassin lémanique et des acteurs du monde de la photographie en Suisse allemande, en Europe et dans le reste du monde (actuellement 200’000 visiteurs hors les murs / 80’000 visiteurs au sein du musée par année en moyenne). Enfin, le Musée doit s’imposer comme un lieu de recherche scientifique dans le domaine de la photographie en devenant un pôle de compétence en matière de recherche photographique et d’images animées (vidéo). Alors que vient d’être dévoilé le nouveau projet architectural pour le musée attribué aux architectes Aires Mateus (Portugal) et qui verra le jour en 2020, en tant que directrice quels sont vos envies pour cette nouvelle phase du développement du musée ? Parmi les objectifs à venir il s’agit de l’ouvrir à toutes les nouvelles découvertes techniques et scientifiques autour de l’image, Le musée doit aussi être témoin du monde d’aujourd hui. Et grâce à l’oeil visionnaire des artistes, de celui du monde de demain. En matière de développement à l’international il nous faut favoriser l’exportation de reGenerations3 dans de nouveaux musées tels que le Museo Amparo, Puebla, Mexico ou le Musée d’art contemporain de Santiago du Chili ou bien en Chine Nous avons aussi à cœur d’approfondir la politique éditoriale avec une collection de livres en partenariat avec un éditeur réputé, de développer de nouvelles techniques et services permettant d’améliorer l’accès aux publics défavorisés tels que les handicapés (“Blind Project”). Enfin, il nous faut aussi accélérer l’archivage scientifique des dépôts pour avoir une indexation de premier ordre. Le nouveau musée dispose de capacité de stockage triplée donc nous avons la capacité d’obtenir de nouveaux dépôts. En matière de photographie contemporaine avez vous eu des coups de cœur récents ? Le travail de la photographe suisse Manon Woertenbroek, Les images mentales de Manon qui construit ses images en accumulant les couches et les sujets pour ensuite les photographier sous forme de portraits. Dans ce besoin de redonner de la matérialité,

Thomas Sauvin, Untitled, Extract Pages, D.R.

une énergie intérieure, complexe et instable, le travail préparatoire de sculpture occupe une place centrale. L’artiste découpe des formes dans du papier, qu’elle réfléchit ensuite sur un écran d’ordinateur. La finalisation du processus intervient dans la prise de vue, manière d’encadrer l’espace expressif créé et de circonscrire ces émotions. Le travail du collectionneur Thomas Sauvin, basé à Pékin, a développé en devenant artiste, un puissant univers et une manière poétique de disposer ses images dans une boîte fabriquée à la main. Until death do us part [Jusqu’à ce que la mort nous sépare] montre le rôle inattendu des cigarettes dans les mariages chinois. La coutume veut que la mariée allume une cigarette pour chacun des hommes invités, en marque de reconnaissance. Puis, les mariés sont invités à jouer à des jeux incroyablement ingénieux avec les cigarettes. Cette publication rend hommage à une tradition dans laquelle l’amour et la mort sont intimement liés. Ces images prises par des Chinois anonymes font partie du projet “ Silvermine “, une archive basée à Pékin constituée d’un demi-million de négatifs rescaThe Magz

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pés depuis quelques années d’une usine de recyclage dans la banlieue de Pékin, où leur traitement permettait d’en récupérer le nitrate d’argent. Le projet “Silvermine” de Thomas Sauvin constitue un portrait photographique unique de la capitale chinoise et de la vie de ses habitants pendant vingt ans – de 1985 avec la généralisation du film argentique en Chine, jusqu’à 2005 et l’avénement de la photographie numérique. Ces souvenirs n’évoquent pas seulement la naissance de la Chine postsocialiste mais aussi celle d’une tradition qui pourrait perdurer à l’avenir. A votre sens comment collectionner la photographie ? Par des coups de coeur... Côtoyer des photographes quand ceux-ci sont encore vivants. Voir des expositions. Apprendre à regarder. Rencontrer d’autres collectioneurs publics et privés pour échanger des points de vue et... des coups de coeur !

这个名为爱丽舍宫博物馆的摄影机构是怎么创建起来的？

爱丽舍宫博物馆现在坐落的宅邸始建于1780年到1783年，由建筑师 Abraham Fraisse主持。这座宅邸有过众多著名的主人，包括于1807年联手Benjamin Constant以及Récamier女士在这里作出了Andromaque表演的de Staël 女士、著名银行家William Haldimand (1784-1862)以及Victor de Constant (1814-1902) （知名摄影师Adrien Constant de Rebecque，也称Constant Delessert (1806-1876)的弟弟）。想要创建这个机构的想法始于1971年。当时，这座宅邸被l’Etat de Vaud购买，他把它的一部分重新修葺，用作博物馆用途。之后，决定性的一步是在1980年到1985年间诞生的。在这段时间，这座房子是Cabinet cantonal des estampes 的展览场所。最终，当Cabinet cantonal des estampes被转移到Vevey的 Jenisch博物馆之后，Charles-Henri Favrod便马上成立了一个摄影博物馆。就在 1985年10月，爱丽舍宫博物馆诞生了。对于摄影这种媒介，保存的关键是什么？这个博物馆保存了重要的收藏品，集合了所有的摄影手法、19世纪中页的首次在不同材质上（镀银铜、纸、玻璃等）实现的大尺寸的数码创作。由于摄影作品对光、污染物（挥发性的有机化合物、其他活性成分）、气候条件（温度、大气湿度、变化）以及一些素材固有的特殊性（

硝酸盐、醋酸盐）十分敏感，爱丽舍宫博物馆希望令它保存作品和工作的空间（查阅、盘存、展览准备等）符合当今的国际标准（气候、安全、光、无污染材料/ 无挥发性的有机化合物-COV，等等）。请给我们举例一些亮点的收藏。 Gabriel Lippmann，《静物; Nicolas Bouvier，《Retour de l’étudiant》，Sado岛，日本，1965年3月; René Burri 《苏黎世》，瑞士（1980）. 爱丽舍宫保存着近20000本摄影书。摄影书已经变成了一样藏品和研究的话题。美学、图形、图像、排版、文字，摄影书籍是了解摄影史的其中一样最好的资源，令我们追踪艺术家的成长，了解一个时期，领会不同的题材和领会让摄影的趣味和复杂性得以体现的主题。多亏了数字化的发展，让摄影书籍可以为博物馆开启一个新的维度。通过与洛桑联邦理工大学数字人类实验室的合作，博物馆使它所有的藏品数字化，并把它们放到网上。藏品是怎么逐步建立起来的？如今，它代表了什么？当今的购买条款和程序是怎么样的？爱丽舍宫博物馆持有一系列欧洲最重要的和最不一样的藏品，涵盖了整个摄影艺术的历史和摄影的不同方面。保存、记录、使摄影增值是博物馆其中一个首要的任务。它的藏品由大约一百万的印刷、底片、分镜头表、设备以及十分多的摄影集组成。爱丽舍宫博物馆管理一大批世界级摄影师的作品，如Mario

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Giacomelli，Gilles Caron，Geraldo de Barros或者是Pieter Hugo的作品，以及一些瑞士摄影师如Paul Vionnet， Constant Delessert，Hans Steiner或者是 Jean Mohr的作品。由于博物馆的专业性，它在国际上还以摄影基金的管理而著名。它的收藏通过购买、存放、捐献而日益丰富起来。其中，它管理的摄影基金包括le Fonds Ella Maillart，le Fonds Nicolas Bouvier，les Archives Charles Chaplin，le Fonds Marcel Imsand、le Fonds René Burri。爱丽舍宫博物馆将继续努力不懈迎接新的基金的到来。此外，以长期支持一些瑞士的艺术家或者一些特定的项目为方式，博物馆还着手年轻的当代创作的工作。已经建立了三十年，博物馆的新挑战是什么？爱丽舍宫博物馆渴望成为世界范围内摄影博物馆的参考，辐射范围从普通大众到摄影领域的专业人士。优势：爱丽舍宫博物馆拥有众多王牌，例如丰富的藏品，远扬的品牌名声等，这都是多亏了它的馆内展览、巡回展览、活动（图像之夜、会议/圆桌会议、摄影集读书会）、它出版的政策（ELSE、展览手册、专题报告等）、合作伙伴（当地的、国家的、国际的）以及它获得的摄影上的奖项（Prix Elysée）。挑战： - 它将成为一个让摄影消除阻隔的文化之地，通过把摄影推向造型艺术，通过对当代社会提出尖锐且大胆的看法，通过对时事的高敏性（摄影是瞬间的记录）的方式。所有的这些方式，

Le Pôle muséal est un de ces fantastiques projets qui offre à la culture une place de premier choix et qui fait rêver. Lausanne va ainsi réunir un seul lieu du Musée cantonal des Beaux-Arts (mcb-a), du Musée de l’Elysée (musée cantonal de la photographie) et du Musée de design et d’arts appliqués contemporains (mudac). La ville disposera ainsi d’un espace unique et totalement dédié à la culture; Image : Aires Mateus

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都保留和混合着历史留给我们的馈赠。 - 爱丽舍宫博物馆必须意识到关于摄影领域的艺术实践的多样性。 - 它必须要迎合不同品味、不同年纪、不同文化的大众的需要和等待。 - 它的场地必须能对不一样的（作品）尺寸作出迅速的调节。 - 在博物馆，展览空间之外，它应该走出去，去面向一些新的观众。达到这个结果，可以通过利用网络的策略，又或者以合作伙伴的方式和莱蒙湖的乃至是世界级摄影的重要参与者合作。（在博物馆外，目前有200000的参观者；而爱丽舍宫博物馆每年平均有80000的参观者。） - 爱丽舍宫博物馆要努力地成为摄影领域的科学研究中心，包括成为在摄影研究和影像研究领域上的有能者。 - 短期内，以摄影史方面的专业能力闻名的爱丽舍宫博物馆旨在成为“摄影处理”的参照；完成它对天赋摄影者的“探测器”的任务；以及对摄影的当代读物作出建议。它的藏品以及展览的保存标准必须是符合最新的环境和气候条件研究的（温度、大气湿度、通风、光、材料）。展展中掘

新开心，

作为博物馆的馆长，您对处在发阶段的博物馆有什么愿望？所有关于图像、创新、研究、档案中心的技术、科学发使它们符合EPFL的要求。

成为世界的范例。多亏了如今艺术家的有远见的眼睛，以及以后世界上有远见的眼睛。在国际上的发展：把reGenerations3出口到新生代的博物馆，如墨西哥的Museo Amparo，智力的当代艺术博物馆，又或者是中国。在与一位有名声的编辑的合作下带来一系列的书籍，促进编辑政策的发展。发展新技术和服务，这些技术和服务可以改善观众到达的不便，如改善给残疾人带来的不便（“盲人计划”）。为了可以得到第一级的索引，加速存放品的科学归档。新的Aires Mateus建筑博物馆（葡萄牙）就拥有3倍的存放能力，所以我们也应该有足够的能力去获得新的收藏。在当代摄影方面，您最近有一见钟情的作品吗？瑞士摄影师Manon Woertenbroek的作品。那是一些由艺术家精神上的图像构成的图像，通过堆积层次和主题，最后把它们以肖像的形式拍摄下来。出于再赋予物质性、内在复杂不稳定的力量的需要，雕塑的准备工作处于一个中心位置。艺术家先用纸切割出一些形状，然后再在电脑屏幕上操作。所有程序的完成都与取景、表达空间的划分以及情感限定的方式有关。以北京为基地的藏家Thomas Sauvin，慢慢地发展为一位有潜力的艺术家。他用

Mel Bouvier, Nicolas. D.R.

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一种十分诗意的方式在一个手工工作室工作。“Until death do us part”展示了香烟在中国婚礼中扮演的令人意想不到的角色。习俗要求新娘为每一位男宾客点燃一支烟。然后新人就要和香烟玩一些很巧妙游戏。这套作品向一个在爱与死亡之间有着微妙相连的传统致敬。这些以无名中国人为拍摄对象的照片是“银矿”项目中的一员。“银矿”是一个由50万张曾经面临被烧毁的底片组成的档案，这些底片原本在北京郊区一个循环再造的工场里，这个工场的操作可以让他们回收银中的硝酸盐。“银矿”计划是对中国首都和居民在20年里的生活的一个摄影描绘——从1985年中国银质电影的年代开始，一直到2005年数码摄影的出现。这些回忆不仅唤回我们对中国后社会主义的出现的回忆，而且让我们见证一个传统的诞生，而这个传统在未来一直发展着。根据您的感觉，该怎么收藏摄影作品？通过一见钟情的方式；当摄影师还活着的时候，走近他们；看展览；学习怎么看摄影作品；与其他的公众藏家或私人藏家交流意见……以及一见钟情！

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Alfred Stieglitz, (American - The Steerage - 1917 D.R.

FAUCIBUS GUIET

Paul di Felice (Luxembourg): Doctor of Visual Arts. Paul di Felice is Senior Lecturer in Art History and Art Pedagogy and in charge of the Visual Arts Laboratory at the University of Luxembourg. His field of research is representation and deconstruction in contemporary photography. He has been a workshop leader of the annual Art Workshop organized by Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain in collaboration with University of Luxembourg, since 1998. He also works as an art critic and as an independent curator of international contemporary photography exhibitions. He is an active member of AICA and co-organizes the European Month of Photography in Luxembourg. Since 1984 he is co-editor and co-publisher of Café-Crème edition, an international art and photography magazine and edition. He has been frequently invited as a curator to international photography meetings and as a jury member for exhibitions and contemporary art biennials.

I travel a lot, do a lot of portfolio readings in Europe, and as one of the curators of the European Month of photography (a festival with 8 European capitals) I see a lot of emerging artists’ works. Sadly enough I make very few discoveries. My vision of photography has always been an open one, open to other media. In the 80s I had to fight to have photography considered as one of the fine arts, and today there is much more media mixing between the different photography genre. One can find photojournalism and documentary photography in contemporary art museum shows. It is also a chance for photography to be able to stop the uncontrolled flow of images by a slow questioning of the media production and presentation. For me, more than ever what is important is the way we present and show photography.

“

It is also a chance for photography to be able to stop the uncontrolled flow of images

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PAUL DI FELICE INSIGHTS

hat is your vision of photography these days?

As a curator specialized in photography for so many years what do you see today as the challenges contemporary photography has to face ? As I mentioned before, photography should not isolate itself. It must meet the challenges of new technologies redefine its boundaries, question the image whether in analog or digital format. Photography can only succeed by opening up to other disciplines such as contemporary art who, but also integrating sociology, politics and science in its formal and aesthetic research. In many international fairs we see great pictures but often they were chosen for their formal quality, for their aesthetics, which is sometimes limited to the spectacular but lacks depth.

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View from the Garry Winogrand at the Maison Européenne de la Photographie courtesy of the M.E.P.

What is a good photographic artwork? For me a photographic artwork is a set of photographs rather than a singular photograph. A good photographic work is an intelligent conceptual work, a committed approach, questioning our world in an innovative and relevant photographic form. You advise collections in their acquisition process: what is the aim of a photography collection? The direction a collection takes depends on the collector. But what unites the majority of the collectors is passion. My experience as a consultant showed me that collectors are primarily art lovers before considering the benefits of a collection in terms of image and prestige. How to collect photography? I think I really could not advise collectors who do not share the same passion as me. This does not mean that I impose my own crushes; on the contrary I love the dialogue and exchange. A contemporary photography collection should not have only famous works. It should also promote and support emerging artists and take risks.

What about the rise of new media and the new methods of communication. Does this have an impact on the apprehension and understanding of photography? I would say that new technologies have fundamentally changed photography, its production as its dissemination. When Alfred Stieglitz took his famous photograph “Entrepont” in 1917 he was not even sure of how it would come out until the arrival of the ship. Today we press the trigger as fast as we erase without thinking about it. Everything happens when selecting the photos. Similarly digital manipulation allows a hyper real perfection by mixing the real and the virtual. It is easier to accept photography as construction of reality than a mere recording of reality. But I’m not sure it really has an impact on the apprehension and understanding of the medium. We have experienced this within the network European Month of Photography with our three editions of exhibitions around the theme of Changes (Mutations) between 2006 and 2011. The result in terms of programming and the quality of the exhibition was excellent but do these exhibits contribute to a better understanding of photography? I don’t know.

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What are the most significant recent exhibitions you have liked lately? I loved the Garry Winogrand exhibition at Jeu de Paume co-organized by the San Francisco Museum of Modern Art and the Washington National Gallery of Art. It was a beautiful retrospective of this great American photographer with many unseen photographs. As for thematic exhibitions, there was the “Conflict, Time, Photography” exhibition at the Museum Folkwang in Essen which was very interesting because it showed the relationship between art and document, questioning the representation of conflicts through the image. What are your favorite photographic institutions? There are many photographic institutions around the world which are among my favorites. Close to my hometown, I have already mentioned, the Folkwang Museum in Essen, Germany, is one of them; but if we stay in France I like the exhibitions at the Jeu de Paume Museum, at Le Bal and the Maison européenne de la photographie (the European House of Photography), our partner for the European Month of Photography.

View from the Garry Winogrand at the Maison Européenne de la Photographie courtesy of the M.E.P.

Quelle est votre vision de la photographie actuellement ? Je voyage beaucoup, je fais beaucoup de lectures de portfolios en Europe et en tant qu’un des commissaires d’exposition du Mois européen de la photographie (réseau de festivals de 8 capitales) je vois beaucoup de travaux d’artistes émergents. Je fais malheureusement très peu de découvertes. Ma vision de la photographie a toujours été une vision d’ouverture du medium à d’autres expressions artistiques. Alors que dans les années 80 j’ai dû me battre pour que la photographie soit reconnue comme un des beaux-arts je vois aujourd’hui beaucoup de facilités de mélanger des genres photographiques. On retrouve même du photojournalisme et de la photographie documentaire dans des expositions thématiques dans les musées d’art contemporain. C’est d’ailleurs la chance de la photographie de pouvoir arrêter le flux excessif et la vitesse des images par un questionnement lent de la production et de la présentation de la photographie. Pour moi plus que jamais c’est une question de présentation et de dispositif d’exposition. En tant que commissaire d’exposition spécialisé en photographie depuis de nombreuses années quels sont selon vous les défis que rencontre aujourd’hui la photographie contemporaine ? Comme je l’ai dit auparavant la photographie ne doit pas s’isoler. Elle doit relever les défis des nouvelles technologies, redéfinir ses limites, questionner l’image qu’elle soit analogique ou digitale. Elle ne peut réussir qu’en s’ouvrant aux autres disciplines comme le fait d’ailleurs l’art contemporain qui sait très bien intégrer la sociologie, la politique et les sciences dans ses recherches plastiques et esthétiques. Dans beaucoup de foires internationales spécialisées dans la photographie

on voit de très belles photos mais souvent elles ont été choisies pour leur qualité formelle, pour leur esthétisme qui se limite parfois au spectaculaire mais qui manque de profondeur. Une bonne œuvre photographique, c’est quoi ? J’entends par une œuvre photographique un ensemble de photographies plutôt qu’une photographie singulière. Pour moi une bonne œuvre photographique c’est un travail conceptuel intelligent, une démarche engagée et un questionnement de notre monde matérialisés sous une forme photographique innovatrice et pertinente. Vous conseillez des collections dans leur démarche d’acquisition : quel est le sens d’une collection de photographie ? Le sens d’une collection dépend du collectionneur. Mais ce qui réunit la majorité des collectionneurs c’est la passion. Mon expérience en tant que consultant m’a montré que les collectionneurs sont d’abord des passionnés de l’art avant de considérer les avantages d’une collection en terme d’image et de prestige. Comment collectionner la photographie? Je pense que je ne pourrais pas vraiment conseiller des collectionneurs qui ne partagent pas du tout la même passion avec moi. Cela ne veut pas dire que j’impose mes coups de cœur, au contraire j’aime le dialogue et l’échange. Une collection de photographie contemporaine ne devrait pas avoir que des œuvres marquantes et confirmées mais aussi promouvoir et soutenir les artistes émergents quitte à prendre quelques risques.

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Quid de l’avènement des nouveaux médias et nouveaux modes de diffusion et de communication. Est ce que cela a un impact sur l’appréhension et la compréhension que l’on peut avoir de la photographie ? Je dirais que les nouvelles technologies ont fondamentalement changé la photographie, sa production comme sa diffusion. Quand Alfred Stieglitz avait pris sa célèbre photo de l’ « Entrepont » en 1917 il n’était pas sûr d’avoir réussi sa composition jusqu’au moment du développement à l’arrivée du paquebot. Aujourd’hui on déclenche et on efface rapidement sans préoccupation. Tout se passe au moment de la sélection. De même pour la manipulation digitale qui permet une perfection hyper réelle en mélangeant le réel et le virtuel. On accepte plus facilement la photographie comme construction du réel que comme simple enregistrement du réel. Mais je ne suis pas sûr que cela ait vraiment un impact sur l’appréhension et la compréhension du médium. Nous avions fait l’expérience au sein du réseau Mois Européen de la Photographie avec nos trois éditions d’expositions autour du thème des Mutations entre 2006 et 2011. Le résultat au niveau de la programmation et de la qualité des dispositifs d’exposition était excellent mais est-ce que ces expositions sur les changements de paradigme different de la photographie ont contribué à une meilleure compréhension de la photographie? Je ne sais pas. Les expositions récentes les plus marquantes ces derniers temps ? J’ai beaucoup aimé l’exposition de Garry Winogrand au Jeu de Paume co-organisée par le San Francisco Museum of Modern Art et la National Gallery of Art de Washington. Une belle rétrospective de ce grand photographe américain avec néanmoins un grand nombre de photographies inédites. Et puis dans les expositions thématiques, il y a surtout l’exposition Conflict, Time, Photography au Museum Folkwang de Essen qui était très intéressante parce qu’elle thématisait la relation entre art et document en questionnant les représentations des conflits à travers l’image actuel. Vos institutions de photographie favorites Il y a beaucoup d’institutions de photographie dans le monde qui comptent parmi mes favorites. Près de chez moi, je l’ai déjà cité, le Folkwang Museum à Essen en Allemagne, mais si nous restons en France j’aime bien les expositions du Jeu de Paume, du Le Bal et de la Maison européenne de la photographie, notre partenaire du Mois européen de la photographie.

Paul di Felice（卢森堡）：作为视觉艺术博士，Paul di Felice是艺术史和艺术教育学的高级讲师，并且负责卢森堡大学的视觉艺术实验室。他研究的领域是当代摄影中的代表。从1998年开始，他曾经是由Casino Luxembourg 组织的Art Workshop（一个与卢森堡大学合作的当代艺术论坛）的领导者。除此之外，他也做艺术评论和国际当代摄影展览的独立策展人。与此同时，他还是AICA的活跃成员，以及是卢森堡European Month of Photography的合作组织者，也常常被邀请为国际摄影会议的策展人、展览和当代艺术双年展的委员会成员。从1984年开始，他就是 Café-Crème出版社（一个国际艺术和摄影杂志、出版社）的合作编辑、合作出版人。

您建议以获得的形式来收藏作品，摄影作品的收藏有什么意义？

您最喜欢的作品毕加索的《阿维尼翁的少女》

收藏的意义取决于藏家。但是聚集大部分藏家的是对艺术的热情。我作为顾问的经验告诉我，藏家最初都是先被艺术所吸引，然后再考虑作品的名声、图像所带来的利益。

在一个作品中，您最喜欢的元素颜色！

应该怎么收藏摄影作品？我觉得我不能为那些和我有着不一样热情的藏家提供建议。这并不代表我在收藏的时候强加我对作品的一见钟情，相反地，我喜欢对话和交流。我认为当代摄影的收藏不应该只收藏那些著名的作品，也应该促进和支持那些新生的艺术家，即使这些艺术家的作品的收藏是冒着风险的。新媒体以及新的沟通和传播方式的到来会对人们对摄影的理解和反应有什么影响吗？

您目前对摄影的看法是什么？我常常旅游，也看过很多欧洲的摄影集。另外，作为“European Month of Photography” （一个由八个首都组成的节事组织）的展览专员，我看到过许多新晋艺术家的作品。但很遗憾的是，我只发掘到很少的优秀作品。我的摄影视角是很开放的，它可以联系不同的媒介以及其它的艺术表达。在80年代，为了让摄影被认为是艺术的一员，我不得不自我斗争。而现在，不同种类的摄影的混合越来越容易。我们甚至可以在当代艺术博物馆的主题展览中看到新闻照片以及文献照片。摄影很幸运的是能够减慢图像消逝的速度，因为摄影作品的产出和展示是一个缓慢的过程。对于我来说，展览的展示方式和展览的设备是很重要的。作为一位已经多年专注于摄影的展览专员，对于您来说，当代摄影的挑战是什么？就像我刚才所说的，摄影不应该离群。它应该迎接新技术的挑战，重新审视它的限制，向它类似的或者是数码的照片提出质疑。它只有向其他学科打开大门才能获得成功，就像当代艺术在探索造型或美学的时候也会融合社会学，政治，科学等元素。在许多国际摄影交易会上，我们看到众多十分漂亮的照片，但这些照片是由于它们迎合大众的形式和美学而被选择展出的，它们缺少深度。一张好的摄影作品是怎么样的？相对于一张特别的照片，我更偏向于成组的摄影作品。一个好的摄影作品对于我来说，是一个有着智慧的概念的工作、一个对当代问题表态的步伐以及一份以创新的摄影呈现的，关于我们这个物质世界的问卷。

我觉得新技术的到来彻底地改变了摄影，从它的生产到它的发行。当1917年 Alfred Stieglitz拍摄他名为“甲板”的著名照片时，他并不肯定在客轮到来的那一刻他的构图成功与否，直到他冲洗照片的那一刻才知道。现在，我们可以没有任何顾虑地拍摄、删除，关键取决于选择。同样地，数码可以逼真地呈现结合了真实和虚拟的事物。我们更接受摄影是为了构建真实而不只是对真实作出记录的说法。但我不肯定这些东西真的对摄影的反应和理解有影响。我们在“European Month of Photography”做过三届主题为“20062011的变化”的展览。展览计划的安排以及展览的设备都十分优秀，但是我不知道这些展览中设备等工具的改变对人们对摄影的理解是否有贡献。近年来最突出的展览有哪些？我很喜欢Garry Winogrand在Jeu de Paume的展览。此展览由San Francisco Museum of Modern Art以及National Gallery of Art de Washington合作完成。那是一场这位伟大美国摄影师的美丽的回顾展，且其中有许多照片是未曾公开过的。关于主题展览，在德国Essen的Folkwang博物馆的“Conflict, Time, Photography”展览十分有趣。因为它以艺术和文献为主题，通过图像来对冲突的描绘提出疑问。您喜爱的摄影机构有哪些？世界上很多的摄影机构都在我喜欢的行列里面。在我家附近，就像我在之前提到的，德国Essen的Flokwang博物馆。但如果限制在法国，我喜欢Jeu de Paume、Le Bal、欧洲摄影之家、以及我们的合作伙伴——European Month of Photography的展览。

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Winter 2015

你最喜欢的男艺术家 Alberto Giacometti 您最喜欢的女艺术家 Louise Bourgeois 如果您不是您自己，那么您最想成为哪一位艺术家？ Andy Warhol 您最喜欢的艺术书 « Leo Castelli et les siens » 对于您来说，最好的博物馆是哪一个？蓬皮杜艺术中心以及巴黎城市现代艺术博物馆最好的艺术城市巴黎！您艺术的想法重新感受情绪！您最喜欢的艺术活动当然是参观博物馆和画廊。

CHARLES GUYOT

Your favorite artwork « Les demoiselles d’Avignon » by Picasso. Your favorite qualities in an artwork Color ! Your favorite male artist Alberto Giacometti Your favorite female artist Louise Bourgeois If not yourself, which artist would you be? Andy Warhol Your favorite artbook “Leo Castelli et les siens”

QUESTIONNAIRE DE PROUST

The best museum The Pompidou Center and the Paris Modern Art Museum

Charles Guyot est un jeune collectionneur qui a lancé en 2005 le CAC ( Contemporary Art Club), une association qui regroupe de jeunes collectionneurs d’art contemporain, composée de plus de 300 membres. Passionné d’art il soutient activement plusieurs associations comme les Amis de la Maison Rouge, les Jeunes Amis du Jeu de Paume et les Amis de l’Ecole des Beaux Arts de Paris.

The best art city Paris ! Your idea of art Feel emotions ! Your favourite art occupation Visit museums and galleries of course

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Feel emotions !

Votre œuvre d’art favorite « Les demoiselles d’Avignon » de Picasso. Les qualités qui font une œuvre La couleur ! Un artiste masculin Alberto Giacometti

La meilleure ville d’art Paris ! Votre idée de l’art Ressentir des émotions !

Une artiste féminine Louise Bourgeois Quel artiste aimeriez-vous être ? Andy Warhol Votre livre d’art favori « Leo Castelli et les siens » The Magz

Le meilleur musée Le Centre Pompidou et le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.

Winter 2015

Votre activité artistique préférée. Visiter les musées et les galeries bien sûr.

“The Silence of Ani” by Francis Alys, video installation photographed by Stephane Bisseuil

THE 14TH ISTANBUL BIENNIAL TRAVELLING SECTION

a quatorzième édition de la Biennale d’Istanbul s’inscrit résolument comme une biennale de la résistance. Elle est marquée par la récurrence d’œuvres réaffirmant le refus d’une certaine forme d’érosion culturelle, celle de la culture arménienne en particulier ici. Plusieurs artistes de la Biennale ont ainsi réagi au contexte qu’offrait le centenaire cette année du génocide arménien. Les propositions artistiques sont tour à tour subtiles ou directes, évoquent avec émotion, poésie mais toujours sans concession la blessure de ce génocide et ses conséquences. Comment lutter contre l’effacement culturel si ce n’est en rappelant cent ans plus tard ce que représentait cette communauté pour la Turquie.

La Biennale d’Istanbul 2015 en plat de résistance

active, c’est désormais dans des ruines à ciel ouvert que les enfants jouent à se cacher dans les herbes hautes munis d’appeaux, ces petites flûtes reproduisant le bruit des oiseaux. Le jeu de cache-cache de ces enfants facétieux au départ amusant ne peut manquer de jeter un certain trouble. De qui ces enfants se cachent ils ? Que fuient-ils ?

Ainsi, Francis Alys évoque avec beaucoup de poésie dans sa vidéo en noir et blanc « The Silence of Ani » l’épineux sujet d’une communauté qui doit se cacher. Cette installation, produite pour la Biennale, a été réalisée après un voyage de recherche à Ani, dans la zone frontalière avec l’Arménie. Jadis ville The Magz

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Ailleurs, poussant la réflexion de façon plus directe l’artiste Silvina Der-Merguerditchian a invité plusieurs artistes à réaliser des œuvres miniatures autour des thèmes de la peur, du trauma, des démons intérieurs qui pourraient être liés à la sinistre année de 1915 ou non. Elle-même montre sur un socle blanc une taie d’oreiller immaculée remplie de pierres à la place des plumes que l’on aurait pu attendre. Que ses nuits ont du être dures de ces souvenirs ancrés dans la mémoire familiale. L’artiste Hera Büyüktasciyan évoque le déchirement familial avec un simple fil rouge entre une main en étain accrochée au mur et un autre groupe de trois mains (le reste de la famille ?). Tel le fil des Parques ce fragile lien on le sait va se rompre face au déferlement des événements. Dans un autre site de la Biennale, dans l’ancienne école grecque de la ville, c’est un artiste venu des Etats Unis qui se confronte au sujet. Dans « The flesh is yours, the bones are ours » (la chair est votre, les os notre), Michael Rakowtiz propose une série d’installations évoquant aussi la disparition de la culture arménienne. Rakowitz se concentre sur cette époque précise où Istanbul voit l’architecture Art Nouveau se répandre, mais qui au même moment voit sa population arménienne disparaître. Rakowitz prend pour inspiration un artisan arménien de l’époque Garabet Cezaryiriyan chargé de réaliser les moulages et les frises des façades en construction. Gardien de techniques anciennes, Garabet mélangeait son plâtre avec des os broyés, dont des os canins, inspirant ainsi Rakowitz dans cette nouvelle série. Techniques anciennes qui s’estompent, chiens tués en masse, toutes ces métaphores visent à donner à réfléchir sur ce qui s’est passé il y a un siècle en Turquie. Ainsi, Rakowitz, comme nombre des artistes de cette Biennale, posent ainsi la question de la transmission et du devoir de mémoire.

In his latest production, a black and white video entitled “The Silence of Ani”, Francis Alys addresses the thorny issue of a community that has to hide. This installation, produced for the Biennial, has been produced after a research trip to Ani, on the border with Armenia. This formerly buoyant city is now in ruins. In these ruins children play and hide. In their games they use decoys, these little flutes reproducing the sound of birds. The hide and seek game looks fun at first yet becomes troublesome after a while. Who are these children hiding from ? What are they fleeing? Silvina Der-Merguerditchian installation photographed by Stephane Bisseuil

The Istanbul Biennial 2015 as a main course

he fourteenth edition of the Istanbul Biennial is for sure an act of resistance. Many of the works presented fight against any kind of cultural erosion, yet often referring to the Armenian culture. Quite a few artists of this year’s Biennial have presented projects echoing to the centenary this year of the Armenian Genocide. These artistic proposals, whether in a direct way or a more subtle form, talk about emotion, poetry yet do not shy away from the genocide’s wound and its consequences. How to fight against a culture being erased ?

Hera Büyüktasciyan installation photographed by Stephane Bisseuil

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In another show, the artist Silvina Der-Merguerditchian pushes the envelope and invites several artists to create miniature works around the themes of fear, trauma, inner demons that might be related to the disaster of 1915, or not. A work of her own is made of a white pillow case full of stones, instead of the usual feathers. How hard on her those nights when memories come back to the surface must have been ? Another artist, Hera Büyüktasciyan, alludes to torn families. On one side, one hand holds a red thread whereas on the other side there are three other had (the other part of the very same family ?). What happened to this family shows how fragile is fate. At the Galata Greek School, it is a US basedartist who tackles the subject. In « The flesh is yours, the bones are ours », Michael Rakowtiz presents a sey of various installations, all linked to disappearance of the Armenian culture. Rakowitz focuses on this specific time (at the turn of the 20th century) when Istanbul witnessed the Art Nouveau architecture spread, but at the same time saw its Armenian population disappear. Rakowitz takes his inspiration from an Armenian craftsman of the time called Garabet Cezaryiriyan. Garabet was responsible for doing moldings on the buildings’ facades. As the guardian of ancient techniques, Garabet mixed his plaster with crushed bones, including dog bones and inspiring Rakowitz in this new series. Old techniques that fade away, dogs murdered in mass killings, all these metaphors are intended at make us think about what happened a century ago in Turkey. In the end, Rakowitz, like many artists of the Biennale, raises the question of cultural transmission and the importance of not forgetting this kind

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Michael Rakowtiz, The flesh is yours, the bones are ours, installation photographed by Stephane Bisseuil

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2015伊斯坦布尔双年展第14届伊斯坦布尔双年展坚定地处于一个“抵抗的”双年展的位置。它被一些向文化腐蚀作出抵抗的作品所标识。而这些文化腐蚀，特别指的是对阿美尼亚人的文化腐蚀。双年展的一些艺术家对阿美尼亚人种族灭绝的百年纪念作出反应。他们的艺术表达有微妙的，有直接的，都带着强烈的情感和诗意，但都对种族灭绝带来的后果流露出伤痛。怎么样才可以在一百年后抵抗这个群体的文化的消失？藉此，Francis Alys在他黑白的影片« The Silence of Ani »中为我们带来了无限的诗意 —— 关于一个必须要藏起来的群体的尖锐话题。这个为了双年展设计的装置诞生于一次Ani的探索旅行（Ani处于土耳其和阿美尼亚的交界）。这座昔日的繁荣城市，然而现在孩子们只能在废墟旁高大的草中玩捉迷藏了。同时，孩子们用长笛再现鸟的声音。这些调皮的孩子的捉迷藏游戏背后藏着局促的不安。到底这些孩子在躲谁？他们在逃什么？此外， Silvina Der-Merguerditchian 用更直接的方式表达她的想法。她邀请了一些艺术家共同实现一些微型作品，主题是害怕、创伤、内心的魔鬼是否能与1915 年的灾难联系在一起。她把一个洁白的枕头套装满石头，放在一个展示台上。当她想起这些扎根在家族记忆深处的回忆时，她的夜晚是如此的坚硬和难过。Hera Büyüktasciyan利用牵在一只锡做的手和另外三只手（家庭的剩余者？）之间的一根红绳唤起这些家族的心碎回忆。这条微弱的命运的联系，人们知道它将会被涌现的事物打破。在双年展的另一个地方——伊斯坦布尔的古希腊学院，一位来自美国的艺术家直面这个话题。在《The flesh is yours, the bones are ours》中，Michael Rakowtiz展示了一组令我们回忆起阿美尼亚文化消失的装置。Rakowtiz专注于这个既是伊斯坦布尔的新艺术建筑发展，又是一个阿美尼亚人消失的时期。Michael Rakowtiz以一个叫做Garabet Cezaryiriyan 的负责建筑中模具和檐壁制作的阿美尼亚手工艺人为灵感。保留着传统工艺的做法，Garabet把捣碎的狗的骨头混合到他的石膏里，也正是这点，启发了Rakowitz 的新系列。这种传统的工艺意味着大量屠杀狗只。这些隐喻旨在让人们思考一个世纪前在土耳其发生的事。此外，像双年展许多其他的艺术家那样，Rakowitz向“传达”以及“记忆的义务”提出疑问。 Michael Rakowtiz, The flesh is yours, the bones are ours, details from the installation, photographed by Stephane Bisseuil

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LES BAINS PARIS TRAVELLING SECTION

ctuel propriétaire des lieux Jean-Pierre Marois témoigne : « Proust un bain sulfureux, Joy Division un album live, Warhol la fièvre des samedis soirs, Saint-Laurent des dîners d’after show, Guetta un résident inconnu aux platines, de Niro le monde réinventé dans le back office, Prince les show-cases impromptus… Par leur seul nom, Les Bains font surgir tout un monde de vivantes inspirations et d’expériences inouïes, d’avant-gardes excentriques et de pionniers iconiques. Pour saisir l’esprit des Bains, il faut remonter le temps au point d’embrasser le présent de chaque époque. Jusqu’à la nôtre. » Initiateur de la réinvention de ce lieu mythique de l’architecture et de la scène parisienne, cet hôtelier est à l’initiative de cette folle idée qui est de faire revivre le lustre de ce lieu magique. Depuis 1885, l’âme des Bains a brillé sous l’éclat des créateurs d’étincelles. En 2015 le lieu revit en un hôtel des plus tendances. Avec des chambres chacune uniques, un bar somptueux, un restaurant accueillant, un spa, un club et des espaces qui ont gardé le charme d’antan tel le salon chinois comme si tout droit sorti du XIXème siècle, les Bains sont un lieu étonnant.

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A partir de 1885, Les Bains Douches, construits puis exploités par la famille Guerbois, accueillent les plus célèbres thermes privés de la capitale. L’espace fut un temple de massages, bains sulfureux, japonais, russes et turcs, on pouvait choisir de nager dans la piscine ou même de se faire porter un bain à domicile ! Marcel Proust aimait y venir prendre des bains de vapeurs, les forts des Halles — toutes proches — allaient s’y doucher et boire un café calva au petit matin. En 1978, l’endroit inédit devient salle de concert rock et temple nocturne du clubbing parisien. Les Bains s’érigent vite en institution culturelle et mondaine à la croisée des modes, lieu-référence du monde des médias, du spectacle et des arts au rayonnement universel. Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Yves Saint Laurent, Karl Lagerfeld, Naomi Campbell, Claudia Schiffer, Bono, Prince, David Bowie, Mick Jagger, etc. La liste est infinie. En 2011, pour réinventer et sauver cette icône de la vie parisienne, La Société des Bains voit le jour sous l’impulsion de Jean-Pierre Marois... C’est ici la toute première page de la nouvelle histoire des Bains. En janvier 2013 la Résidence d’Artistes aux Bains reprend le fil de cette histoire mythique qu’on n’attendait plus à force de l’espérer. Une épopée artistique sous le commissariat d’exposition de Magda Danysz et Colombe de La Taille pour la production et la communication, une parenthèse éphémère qui rend hommage

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Ne soit pas original. Soit unique.

à son ADN artistique ainsi la première page des nouveaux Bains. Des mosaïques de Space Invader aux fresques de l’américain Futura, du plasticien de légende Jacques Villeglé aux 25 printemps du jeune peintre portugais VHILS, en passant par C215, Ash ou Sten Lex, toute la golden class du street art s’exprime sur les 3000 m² de l’ensemble de l’immeuble des Bains. Bombe, pochoir, photographie, affiche, brosse, éponge, craie, marteau-piqueur, installation, le répertoire est éblouissant. Un premier événement coup de poing qui réveille le mythe des Bains toujours bien vivants. En 2015 c’est sous la forme d’un lieu unique mais avant tout lieu de vie parisien, que les Bains rouvrent. De l’aveu du nouveau patron du lieu « Les Bains ne se résument pas à un hôtel de luxe, un lieu d’émulsion sociale et artistique, un club culte de la nuit parisienne ou une néo brasserie chic. Ils proposent l’expérience d’un nouvel art de vivre, vibrant, connecté, ouvert sur le monde. » Le lifestyle unique.

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he current owner of the place Jean-Pierre Marois says: “From Proust’s steam baths, Joy Division’s live album recorded here, Warhol’s wild parties, Yves Saint Laurent’s dinners, the very beginning of then emerging DJ David Guetta, endless talks with Robert de Niro, Prince’s impromptu show-cases ... all this shows how iconic is Les Bains through the ages.” Now the place has been renovated and shaped into a boutique hotel yet to capture the spirit of Les Bains, we must go back in time. Since its birth in 1885, the soul of Les Bains has sparked the imagination of creative people and trendsetters: those who blaze the trail and provide the catalyst for all who follow. Opened in 1885, Les Bains Douches, built and operated by the Guerbois family, became the first and the most renowned bathhouse of the capital. It was a temple; a space sanctified to massages and delights of Japanese, Russian, Turkish and sulphur baths. Customers could choose to swim in the pool or take a bath as they would at home. Marcel Proust loved to come and take steam baths, while the workers from the nearby Les Halles food market came at dawn to shower and drink coffee and calvados after their night’s labours. In 1978, this unique place transformed clubbing into an art and rapidly became a cultural phenomenon; a temple of the Parisian night. It was a centre of gravity, the eye of the storm, a crossroads of fashion, media, show business and arts. Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Yves Saint Laurent, Karl Lagerfeld, Naomi Campbell, Claudia Schiffer, Bono, Prince, David Bowie, Mick Jagger, etc. The list is endless. In 2011, to reinvent and save this icon of Parisian nightlife, La Société des Bains was born under the leadership of Jean-Pierre Marois... This, then, is the very first page of the new history of Les Bains. In January 2013, the Artists’ Residency picked up the thread of a dormant legend which many thought would never rise again. A bold artistic adventure under the curatorship of Magda Danysz, with Colombe de La Taille in charge of production and communication, gave rise to a unique opportunity to pay homage to the artistic DNA and write the first page of the new Bains. From the mosaics of Space Invaders to the frescoes of the American artist Futura; from the legendary Jacques Villeglé to the 25 years old Portuguese painter VHILS, not forgetting C215, Ash and Sten Lex, the whole golden class of street art were given free rein to express themselves upon every inch of the 3000 m² of Les Bains. Aerosol, marker, stencil, photography, poster, brush, sponge, chalk, pneumatic drill, installation; a dazzling repertoire of methods and media. A first punch shock event to reawaken the myth of Les Bains. In 2015, it is a totally renovated place that opened. More than just aboutique hotel it is a very pasian place that comes back to life. As shared by Marois himself “Les Bains is not just luxury hotel, it is more about a place of social and artistic emulsion, a cult night club and a neochic Parisian brasserie. All this offers the experience of a new way of living, vibrant, connected, opened to the world. “

Les Bains Residence d’artistes, view from the 2013 project curated by Magda Danysz. Photo Stephane Bisseuil

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Attitude is a little thing that makes a big difference. Winston Churchill Les Bains Residence d’artistes, view from the 2013 project curated by Magda Danysz. Photo Stephane Bisseuil

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作为les Bains的主人，Jean-Pierre Marois见证了“Marcel Proust的浴缸、Joy Division的现场专辑，Warhol 的周六的狂热，Saint-Laurent的秀后晚餐，Guetta的不为人知的铂金住所，De Niro的在办公室内创造的新世界，Prince 的即兴展示等等。Les Bains诞生了一个充满灵感和新奇体验的、前卫的、标志性的世界。要领悟les Bains的精神，还得要追溯到每个年代的当前，直至我们的年代。”。作为重新打造这个神秘的巴黎建筑的创始人，这位旅馆的主人首创这个疯狂的念头。而这个念头，也让这个神奇的地方重新绽放光芒。从1885年开始，les Bains的灵魂在众多火花创造者的光芒下闪耀着。2015年，这个地方重新回到酒店的角色。有着每个都是独一无二的房间、奢华的酒吧、热情好客的饭店、水疗、俱乐部以及一些保留着过去的风采的空间，如所有东西仿佛都出产于19世纪的中国厅，Les Bains是一个十分让人惊叹的地方。但是，根据这个场地的新老板所说，Les Bains 不能被概括为一个奢侈酒店，一个艺术和社交的场所，一个巴黎的夜晚俱乐部或者是一个优雅而前卫的酒吧。它是关于一个新生活方式的体验，这种生活方式是充满活力的、社交的、向世界敞开的。这是一种独一无二的生活方式。

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â&#x20AC;&#x2DC;London Papardelleâ&#x20AC;&#x2122;, Bronze, Ron Arad, Edition: 4/6, 1992, DR

BUBBLY RON LIFESTYLE

Tel-Aviv born Ron Arad (born in 1951) has studied in Jerusalem and London with Bernard Tschumi as a professor and Zaha Hadid as a classmate. He became famous in the 80s for using new materials and technologies in a non conventional way. Transforming and experimenting everything he touches made him more of a sculptor than a designer. Arad creates pure shapes, loves curves and aims at unique pieces. Function follows form for Arad. Creation comes first. Among many others, he has collaborated with Vitra, Cassina, Driade, Fiam, Kartell, Artemide, Alessi, Flos. In 2008, he designed the Bauhaus Museum in Tel-Aviv. He has also conceived the Design Museum in Holon (2010), the first of its kind in Israel.

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Even the Odd Balls ?, Ron Arad, Edition: 1/3, 2008, MOMA Ron Arad Exhibition 2009

The facetious designer and architect Ron Arad signs an artwork for Ruinart. The Ruinart Champagne introduces a new artistic collaboration with the Israeli architect and designer Ron Arad. This famous artist’s trademark is characterized by curves and unusual material use. His most famous past accomplishments include the Rover Chair, the Bookworm bookshelf, and the Well-Tempered chair. For Ruinart, Ron Arad worked on a champagne mirror like a stainless exclusive vasque. This amazing art object has been done in only five editions, numbered and signed by the art-

ist and presented in a beautiful wooden trunk. Pure elegance and light shape the Ruinart world. Ron Arad has managed to incarnate the Ruinart DNA and made it tangible in this pure contemporary object. One might think this piece of art is a sculpture, but it aims also at being a practical object. The artist, who likes to break free from conventions, has applied his mastery of curves and metal modeling to create a delicate pleated and very contemporary shaped vasque.

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这件兼有实用性的作品，成为了一件美妙而又具有收藏价值的艺术品。

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RonArad于1951年出生于以色列的Tel-Aviv，是一名从八十年代就享有名气的设计师。他曾在伦敦的Architectural Association School of Architecture攻读建筑。当时，Bernard Tschumi是他的老师，Zaha Hadid是他的同事。他是在意大利探索设计的。 Ron Arad 善于使用新式的技术和材料。操作、改造、实验是他创作精神的关键词。摆脱束缚、纯净的形式以及对曲线的喜爱和对曲线的独特见解是他的特色。也正是因为他对曲线的掌控使他能够在设计和建筑两个领域往来自如。事实上，从他创作的作品的独特性和唯一性以及“实用性”并不是他创作过程中位列第一的标准上来说，相比起工业设计师，他更像是一位艺术家。他曾经与Vitra, Cassina, Driade, Fiam, Kartell, Artemide, Alessi, Flos等合作。在2008年，他构思了Tel-Aviv的Bauhaus Museum。同时，在与Bruno Asa的合作下，他也参与了 Museum Holon的设计。落成于2010年的Museum Holon是以色列第一家设计类的博物馆。

既是建筑师又是设计师的Ron Arad 在他为Maison Ruinart新设计的酒盆上签字。香槟世家Maison Ruinart与以色列建筑师、设计师Ron Arad签署了一份新的艺术合作的合约。这位艺术家以他对曲线的完美操控和对材料的精确把握而闻名。他最著名的作品要数Rover沙发椅， Bookworm架子以及Well-Tempered椅子。为了Maison Ruinart，Ron Arad 与 l’Orfèvrerie d’Anjou合作制作一个以锡为原材料的浅口盆。这种不易氧化且可塑性很强的材料能够为作品提供一个十分好的光亮效果。这款浅口盆一共有五只，由艺术家编号且亲笔签名，摆放于一个木做的美丽箱子里。优雅，纯净，光影定义了Maison Ruinart 的世界，它与著名设计师Ron Arad 的合作诞生了一件当代的艺术品。这位喜

欢从条框中跳脱出来的艺术家，跨过了种种的束缚与障碍。他成功地在一只浅口盆上自如地运用曲线和金属，用挤压的方式使它变形，赋予它一道十分现代的精细的皱褶。 Maison Ruinart 和 Ron Arad把浅口盆的制作授予了l’Orfèvrerie d’Anjou。作为l’Orfèvrerie d’Anjou的标志性材料，锡以它容易被塑造、不易氧化、优质的光亮效果脱颖而出，成为制作浅口盆的材料。从锡块的融化、轧制、抛光再到雕刻，l’Orfèvrerie d’Anjou的专业技能都是实现这个大胆计划的王牌。每一个被编号和签字的浅口盆都是独一无二的。这件兼有实用性的作品，成为了一件美妙而又具有收藏价值的艺术品。

on Arad est un designer israélien né en 1951 à Tel-Aviv et reconnu depuis les années 1980. Il étudie l’architecture à l’Architectural Association School of Architecture de Londres où Bernard Tschumi est son professeur et Zaha Hadid sa collègue. Il découvre le design en Italie.

Ron Arad utilise des technologies et des matériaux avec des modalités et des formes tout à fait nouvelles. Manipulation, transformation et expérimentation sont les maître-mots de l’esprit de ses créations. Son design se caractérise par des formes pures, non conventionnelles et un goût pour les courbes qui le place dans la lignée des designers sculpteurs. Sa démarche est en effet plus celle d’un artiste que d’un designer industriel, en témoignent le côté objet unique de ses créations, et le fait que leur fonction n’est pas un critère de premier ordre dans le processus de création. Il a collaboré, entre autres, avec Vitra, Cassina, Driade, Fiam, Kartell, Artemide, Alessi, Flos. En 2008, il conçoit le Musée du Bauhaus à Tel-Aviv. Il a également conçu (avec Bruno Asa) le Design Museum Holon. Inauguré en 2010, ce dernier est le premier musée israélien consacré au design.

Le facétieux designer et architecte Ron Arad signe une œuvre- vasque pour la Maison Ruinart.

a Maison de champagne Ruinart signe une nouvelle collaboration artistique avec l’architecte et designer israélien Ron Arad. Cet artiste haut en couleurs se distingue par la maîtrise des courbes et par son travail des matières. Parmi ses réalisations antérieures les plus célèbres on compte le fauteuil Rover, l’étagère Bookworm, ou encore la chaise Well-Tempered. Pour la Maison Ruinart, Ron Arad a travaillé avec l’Orfèvrerie d’Anjou sur une vasque en étain massif. Ce matériau inoxydable et facilement modulable offre un rendu extrêmement éclatant. Bel objet d’art, cette vasque existe en cinq exemplaires numérotées et signées par l’artiste, placés dans une jolie malle en bois. Élégance, pureté, lumière définissent l’univers de la Maison Ruinart, qui s’est associée au célèbre designer qu’est Ron Arad pour imaginer un objet de service contemporain. L’artiste, qui aime à se libérer des conventions, s’est affranchi de toutes contraintes. Il a appliqué sa maîtrise des courbes et du métal à une vasque qu’il a déformée en la pressant, lui donnant ainsi un plissé délicat et très contemporain. C’est à l’Orfèvrerie d’Anjou que la Maison Ruinart et Ron Arad ont décidé de confier la réalisation de cette vasque. Son matériau emblématique, l’étain massif, a été choisi pour ses facultés à se modeler facilement, son côté inoxydable et son rendu extrêmement brillant. Entre la fonte des lingots d’étain, le laminage, le tournage, le polissage et la gravure, l’expertise de L’Orfèvrerie d’Anjou a été un véritable atout pour permettre la réalisation de ce projet audacieux. Chaque pièce, numérotée et signée, est unique. Tout en restant fonctionnelle, elle devient un objet collector et magique.

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Ron Arad a appliqué dans ce projet sa maîtrise des courbes et du métal.

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Winter 2015

CALENDAR OF EVENT W IN TER 2 0 15

JAN NOV 7 jan 2015 Maleonn Solo Show at the gallery in London

3 nov 2015 : Luxembourg Art Week Art fair 11 nov 2015 : Paris Photo Art fair Maleonn Solo Show 19 nov 2015 : ART021 Art Fair in Shanghai - JR Solo Show

DEC

NOV

21 nov 2015 360째 Group show at the gallery in Shanghai

Magda Danysz Gallery Shanghai 188 Linqing Road x Yangshupu Road

5 dec 2015 La main qui dessinait tout seule at the gallery in Paris 10 dec 2015 Cosmic flush A tribute to Ramellezee at the gallery in London

Magda Danysz Gallery London 61 Charlotte Street London W14PT The Magz

Winter 2015

MAR

19 mar 2015 Marion Peck Solo Show at the gallery in Paris

Magda Danysz Gallery Paris 78 rue Amelot Paris 11

MOMENTS

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