The Magz - Spring 2016 by Magda Danysz

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ISSUE 003. SPRING 2016

C R E AT I V E & F U L L I N S P I R AT I O N

ART IN THE CONTEXT The context as an inspiration and a subject to contemporary artists. Get on board for a full range of amazing discoveries.

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CONTENTS 59

The Nature of Things Sculptures Outside

Siu Hung Tang From Landscapes to Rabbit Holes

Charles Pétillon : Invasions

DSL Collection Passion China

41 15 Alexandre “Vhils” Farto : Debris and artistic globalization

Discover a talent Daleast

Ludo Shanghai Dust

Alberto Giacometti A move towards freedom

Institutions Live from the Carribean La Fondation Clement

Marion Peck The new fairy tales

Focus : About Pop Surrealism

Calendar of events

Zhang Dali : Upon the ashes of reconstruction

Cover Credit : Igloo 2, from the Invasions serie, by Charles Pétillon

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Instagram Moments

EDITORIAL

ART IN THE CONTEXT

nce asked on live national TV “What is Contemporary Art ?” I was taken of guard and could only think about this magical fit between an artist and the context. The artist has this amazing capacity, as Promotheus, to be in line with his or her environment, see it with the right light, and express him(her)self accordingly. Context is key; context shapes the mind as well as the inspiration and it even shapes the medium used by the artist. With our history, in our environment and with the tools we are given we are able to produce artifacts that are above all a mean of expression, a take on what is going on in our world, either poetic or strongly opposing some of the currents society goes through. In some contemporary art forms, like urban art, the context is at the same time the physical background, the intellectual set of value to react to, as well as the medium and the canvas itself. On the other hand, some monumental sculptures can appear as sticking out from an environment, shedding an opposite light on things that at first the viewer would not see, playing on the contrasts. Other monumental sculptures will appear to be the pure outcome of their surroundings, like if they’ve always been meant to be here. Context is the soil for art, context is a trigger for artists, context is a set of ideas for the art lovers to freely accept art in their heart. z

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GUEST CONTRIBUTORS

Stéphane Bisseuil

Clémence Wolff

Dominique & Sylvain Lévy

As a photographer he has followed for The Magz the opening of the Fondation Clement, shot collectors Dominique and Sylvain Lévy in their own environment, sharing with us those special moments.

Always ready to get the best of each artist, Clemence Wolff has scored this season for us an exclusive interview with Los Angeles based pop surrealism star Marion Peck

Passionate about Chinese art Dominique & Sylvain Lévy share with us their passion for Chinese Art and tells us more about how they collect.

Ruiyu Huang

Alex Wang

Clémence Ormières

Active in the art field both in China and France Ruiyu shared her insight with articles related with the emerging chinese art scene as Siu Hung Tang among others.

Young chinese scholar Alex Wangjoined the MD Publishing team in Shanghai and shares with us her energy.

Member of the Paris team of MD Publishing Clémence Ormières has been following all the artistic adventures of in this issue.

TEAM MD Publishing / MnA Communication - 78 rue Amelot - 1st Floor 75011 Paris – France + 33 (1) 43 57 79 78 contact@mnacommunication.com EDITOR IN CHIEF Magda Danysz

PRODUCTION Camille Merklen Sophie Nehoult

PHOTOGRAPHY & ART DIRECTOR Stéphane Bisseuil info@stephanebisseuil.com

GRAPHIC DESIGNERS MnA Communication

WRITERS Clémence Wolff Wang Shuang Alex Wang Ruiyu Huang Amandine Zhang

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ADVERTISING MnA Communication clemence@mnacommunication.com Printed in Italy in March 2016

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EDITORIAL

ART IN THE CONTEXT

n jour sur un plateau télé, en plein direct, la présentatrice me demande de but en blanc « Qu’est ce que l’Art contemporain ? ». Quelle question d’entrée de jeu ! Comme si la réponse tenait en une phrase simple… Dans l’urgence la seule réponse qui me vint à l’esprit reposait sur ce lien quasi magique entre l’artiste et son contexte. L’artiste a cette capacité étonnante, tel Prométhée, d’être en ligne avec une certaine vérité, celle de son environnement, comme si il ou elle avait la lumière, et de s’exprimer en résonnance avec ce qu’il perçoit. Le contexte est primordial, il modèle les esprits tout comme il nourrit l’inspiration, mais il défini aussi le medium que va choisir l’artiste. De part notre histoire, de part ce qui nous entoure et grâce aux outils existants à ce moment précis, nous avons en tant qu’êtres humains la capacité de produire des artefacts qui sont avant tout un moyen d’expression, une réaction au monde, un miroir de ce qui se passe dans ce monde, que cela soit poétique ou revendicatif ou encore purement conceptuel. Dans certaines formes d’art contemporain, comme l’art urbain, le contexte est à la fois l’environnement, mais aussi l’ensemble des valeurs qui a mené à l’émergence de cette forme d’art, ainsi que le support même (les murs) des œuvres réalisées. Ailleurs, des sculptures monumentales peuvent se poser en totale rupture avec le lieu où elles sont et attirer l’attention sur un sujet particulier. A l’inverse, d’autres sculptures vont sembler tellement en accord avec un lieu que l’on croirait presque qu’elles ont naturellement poussé là. Le contexte est un terreau pour l’Art, il est aussi une inspiration pour les artistes, ainsi que cet ensemble de valeurs et d’idées qui permettent à tout à chacun de s’ouvrir à l’Art et l’accepter sincèrement dans son cœur, quelle qu’en soit l’interprétation. z

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- CATWALK

AN EXHIBITION DESIGNED BY ERWIN OLAF FEB 20 - MAY 16, 2016 The Magz

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曾几何时被全国电视直播采访时问起：到底什么是真正的当代艺术？我思忖良久后只能默默惊叹艺术家和其氛围之间神奇的契合。譬如普罗米修斯，艺术家们总有这种惊人的能力，能与他们所处的氛围相互链接，细嗅蔷薇，并借此表达他们自己。所以，氛围是关键因素，w氛围能塑造思想提供灵感，是艺术家表达的媒介。就我们的历史，我们所处的环境和我们使用的工具来看，我们有能力创造高于所有表达方式的艺术。这其中一种是呈现这个世界正在发生什么，另一种是以诗意的或强烈的情绪批判现实。在一些当代艺术形式中，例如城市艺术，氛围也就是指物理的环境，艺术家赋予它价值，包括所有作品使用的媒介本身。就像一些雕塑在其伫立的环境中十分醒目，它们周身散发出一种让观众初看难以察觉的对立气息，傲然地表达着它们的差异性；而另一些雕塑则与它们所处的环境浑然一体，好似它们本该被安放在此。氛围是孕育艺术的土壤，氛围于艺术家就如同触发灵感的扳机，氛围能让艺术爱好者们源自内心地，自由地，玩转艺术。

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FOCUS ON Charles Pétillon, Mutations 2, photography, Lambda print, dimensions : 111x146 cm & 60x78 cm (each in edition of 5)

INVASIONS CHARLES PETILLON After taking Covent Garden in London with his monumental installation made of 100,000 baloons, Charles Pétillon introduces his photographic work with shows in Paris, London and Shanghai.

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View from Charles Pétillon’s installation in Covent Garden, London, 2015

Born (1973) and raised in France, Pétillon’s passion for photography started at the early age of 11 when he was given his first camera. His photography is characterized by its simplicity and attention to detail. There is nothing to explain or interpret, just the mystique and poetry his vision entails. Pétillon leaves nothing to chance. He has a perfect command of light, subject and possibilities. His vision is extremely contemporary, his still lives are very organic and he possesses a veritable plastic intention that characterizes his work. Pétillon creates his sets himself, frequently combining his all-round creative vision with his passion for materials, especially for origami. He began his editorial career collaborating with Numero, Vogue Russia and Muse Magazine.

the consideration of the place photographed. He goes on a real immersion in the environment to create installations made of balloons linked together in a real structured way. He evokes child memory, he also talks about disappearance of nostalgia, about his fear of things which were important yesterday and which are slowly disappear today. His structures, as light as invasive, fill empty or abandoned places offering a new vision of the site. The profound memories of childhood, games and naivety are conjured up in Souvenirs de famille (Family memories). Beneath the features of the family sanctuary, we reflect on the role of memory as a symptom of transmission, with which the burden of tradition and emotional ties form by their symbolic force, a challenge on collective memory.

In his latest serie Invasions, balloon invasions are metaphors. They aim at changing the point of view towards what we do not pay attention to anymore. It is our view that he tries to sharpen and to move from a practical perception to visual emotion. Pétillon sets up images and follows a specific protocol ruled by the analysis and

The photos are the testimony of Pétillon’s ephemeral installations. He makes us live a visual experience and at the same time reflect about the world. These are works embody the relationship between time and space. At the end photography surpasses the white and luminous installation which seems more like pretext in order to sublime a space. Play-

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grounds are the focus in Playstation, which alludes to the development of public play areas. From slides to football fields Pétillon questions those places that now are disappearing to the benefit of virtual video games. On another had, CO2, for instance, expresses one of the illusions of our times. We seek to acquire more and more in order to be content with our image ? The car is an object of desire that only reflects our need to have power over others and ourselves. Yet it is difficult to do without it as its use had become essential. This image is a metaphor for the excess of the individual in the collective daily life, mirroring the scars it has left on the world. Pétillon gives a set of clues stimulating the poetic singularity of the objects to define one of the possible ways of reflection about our world. In his work we discover a set of forms and signs composing the first pages of a travel diary. z

Né en 1973 à Paris, Charles Pétillon découvre la photographie dès l’âge de 11 ans. Ce n’est cependant que plusieurs années plus tard, qu’il va se consacrer pleinement à cet art. A partir de 2002, Charles Pétillon va rapidement développer sa propre sensibilité basant, au cœur de ses recherches esthétiques, une idée de la beauté qui serait présente dans la simplicité et les détails. Sous son œil, le beau semble s’extraire de chaque objet et de chaque lumière, au sein de la nature comme des constructions humaines. Très influencé par le Land Art, ses photographies seront la parfaite alliance entre objets et constructions humaines et paysages naturels. Ce travail de recherche esthétique se couple dès lors avec une action de mise en œuvre et de mise en scène de ses photographies, qui sont créées selon un protocole précis, à partir d’installations complexes que le résultat final tend à cacher. Il tire son inspiration auprès d’autres formes d’art, comme le cinéma d’où il puise le cadrage et la mise en scène. Mais également la musique, qui, en étant intégrée dans le processus de création de la photographie, lui confère une atmosphère onirique et invite au voyage.

Charles Pétillon, Souvenirs de famille, photography, Lambda print, dimensions : 111x146 cm & 60x78 cm (each

Charles Pétillon, Conversations, photography, Lambda print, dimensions : 111x146 cm & 60x78 cm (each in edition of 5)

Charles Pétillon, Outrances, photography, Lambda print, dimensions : 111x146 cm & 60x78 cm (each in edition of 5)

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Si un élément devait être retenu pour décrire les photographies de Charles Pétillon, c’est bien les ballons qui envahissent ses images. Dans chacune de ses photographies, ces ballons sont attachés ensemble, par dizaines, centaines et même parfois milliers, illuminés par des pieds de lumière. Ces installations, complexes et immenses, qui peuvent atteindre jusqu’à 6 mètres de hauteur, sont le résultat de nombreuses d’heures de réflexion, de perception, et de conception. Ces ballons nécessitent plusieurs heures de gonflage, et d’installation, et correspondent à l’élément principal de l’image. Ainsi, la photographie finale repose sur un très long processus, qui s’étend sur plusieurs étapes jusqu’à ce que la scène finale soit en accord avec ce que Charles Pétillon souhaitaite et que la prise de vue finale soit effectuée. Rien n’est laissé au hasard. Dans son processus de création photographique, l’improvisation n’a pas sa place : chaque détail, couleur ou texture est envisagée, calculée, travaillée, dans une volonté d’harmonisation de l’ensemble. Et si le résultat est tel, une fois sur le support, c’est bien parce que ses photographies personnelles répondent de la même rigueur que les commandes publicitaires qui lui sont passées.

Chaque photographie résulte d’un processus long. Ce ne sont guère plus de simples images capturées instantanément par l’appareil photographique, mais bien des installations que le photographe met en place, dans le but d’obtenir une scène où chaque élément participe de l’ensemble. Le procédé créatif se développe au cours de plusieurs étapes d’imagination de l’image, de repérages des lieux, de demandes d’autorisation si besoin est. Il dépend de contraintes matérielles et surtout météorologiques, car la lumière prend une place essentielle dans ses photographies, qu’elle soit naturelle ou artificielle, comme celle qui émane des pieds de lumière qui retiennent et maintiennent les ballons ensembles. Dans les photographies de Charles Pétillon, il existe une relation double au temps. Il paraît à la fois suspendu dans le simple acte photographique qui fige la scène. Il est également en mouvement, s’étirant par la présence de ces ballons qui envahissent l’espace, alors que le temps passe. Même l’acte photographique, qui permet de figer l’image ne semble plus pouvoir arrêter la course du temps. La scène reste la même, les constructions humaines demeurent et malgré le temps qui passe, celles-ci semblent inchangées, comme immortelles et intemporelles.

Métaphores qui ne sont pas sans rappeler l’absurde, les photographies de Charles Pétillon sont des énigmes visuelles sur l’homme et son empreinte sur son environnement. Chaque objet apparaît comme un indice que le photographe va laisser pour guider le lecteur dans sa réflexion. Charles Pétillon le dit lui-même « C’est notre regard que j’essaye de rénover, d’aviver, permettant ainsi de passer d’une perception pratique à une expérience esthétique, une émotion visuelle ». C’est l’idée, dans cette série de photographies, de faire oublier les images elles-mêmes, leur composition et mises en scènes, pour amener vers un ailleurs de l’ordre du sensoriel. Il invite chacun à oublier un instant la création de l’œuvre, pour ne plus voir que l’œuvre. Il s’agit d’une image d’un monde qu’il imagine, et dont il offre à chacun la possibilité de s’y plonger. C’est une recherche esthétique, qui dépasse le cercle même de la réalité, afin d’emmener le spectateur à entamer une réflexion universelle sur l’homme et sur soi. C’est une invitation à se détacher des objets physiques ou matériaux, pour laisser son esprit voguer vers d’autres contrées, où le sensible, l’onirisme et l’esthétique sont les paysages principaux. z

Charles Pétillon, Igloo 2, photography, Lambda print, dimensions : 111x146 cm & 60x78 cm (each in edition of 5)

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Charles Pétillon, Cloud Computing, photograph, , Lambda print, dimensions : 111x146 cm & 60x78 cm (each in edition of 5)

从2002年开始，记录自然生命逐渐充斥他的工作，因为在许多广告拍摄过程中他都以萧瑟的大自然作为背景。在广告业工作之余，Charles Pétillon 快速展开了注重个人审美感受的，讲究简约与细节的发展。在他看来，“ 美”不能脱离事物本身或光线而单独存在，深受地景艺术的影响，他的作品也与人文建设和自然景致完美结合。艺术家对审美的探索通过他的摄影构思与呈现，并保留了所有幕后复杂装置是如何稳固或隐藏等相关细节的纪录。他的灵感也其他的艺术表现形式，例如部分电影也激发了他关于取景的灵感。音乐也同样在影响他的摄影创作，营造了一场梦境中的旅行。如果只能选择一个元素来形容Charles Pétillon 的作品，那就是图像中满盈的气球。在每一张照片上，这些气球经过繁杂并多次地充气，数十个绑在一

Charles Pétillon, Folklore, photography, Lambda print, dimensions : 111x146 cm & 60x78 cm (each in edition of 5)

Charles Pétillon 1973年出生于巴黎，11岁的时开始接触摄影。然而期间几载曾从事保险行业，这也为他接下来的艺术生涯提供了丰富的题材。自学摄影，从摄影棚助理开始，尤其在Jean Larivière 带领下掌握了技术的核心，长期参与Longchamp，Dior等法国一线品牌的广告宣传，并于多家杂志社出版，例如 Mixte, Muse 或Numéro月刊等。 The Magz

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起的，甚至有时候成千地摆在一起，光源来自于被遮盖的底部。这些大量的装置累积起来可高达6米，是经过多次试验，校对，感受，最后拟定的成果。综上所述，“气球”无疑是艺术家作品的代表元素。如此一来，这一系列摄影作品从起草到定位是否与艺术家理想的预期相符，并完成最后的拍摄，经过了反复调整，是一个很长的过程。在他的拍摄过程中，没有任何即兴创作或者临时决定的情况，所有细节，颜色，结构组织，都经过了缜密的计算与搭配。都为了使整体看起来更协调，更自然。这般严谨对待自己的艺术创作也来自于从前在广告业工作的习惯。每一张照片都有一个漫长的制作过程，因为他们不仅仅是简单地按下快门抓住某一个瞬间，更是幕后的布置并且等待其各就各位后的摆拍，每个

元素都将得到充分发挥。并且需要用到图像的能力，确定物体摆放的位置，有时候也要征求到当地负责部门的允许。不仅如此，它也受到材料设备的限制，尤其是气象因素，因为“ 光”是他摄影作品里不可或缺的亮点，无论是自然光还是设备光线。尽管摄影技术和形式是他创作中极其重要的一部分，但是他的想法、观念仍然是核心。在他的《Invasions》（中文译为“涌入” ）系列中的24张作品，都突出体现了以人，人的活动举止，以及人与环境，与时间的关联。在图片中，我们可以看到这些日常生活里随处可见的物体，一栋房子，一辆汽车或者一个电话亭，都是人类的生活痕迹。人们将不为所用的抛弃，然而这都是他们曾存在于此的证据，当然，也见证了他们如今的不存在。气球和建筑物是被留下的仅有的东西，除此之外画面空空如也，只剩人去楼空后的清寂。这样永恒的、宁静的景色里却被一团紧促的白气球侵入、打扰，漂浮在空气中，引人入胜。气球的不堪一击，让我们联想到回忆里的那些脆弱，还有人们抛弃时候的毅然决然，却又是如此瞬息万变的决定。画面呈现的就是一种仙境般的朦胧，像那些已经模糊的过去还在脑海中周而复始。在这“秘密”的景象里，唯有静悄悄消逝的时光。 Charles Pétillon 的照片里，关于时间，存在一种矛盾的、双重的关系。当相机定格的瞬间，图像生成的那一刻犹如一切都静止了，与此同时在画面中呈现出的气球又是这般灵动飘摇，仿佛伴随气球逐渐涌入，时间也在不断溜走。尽管相机能截取视图，却无法凝固时间。在物是人非里，这

些景色便成了永恒。 Charles Pétillon摄影中怪诞的暗喻，围绕着人与他们所留下的生活痕迹，平添了一种视觉谜语的色彩。每一样视觉元素都可以被认作是艺术家留下的线索，引导观众的感受。“我在尝试着革新人们的关注方式，将基本的感官体验上升到一种审美的思考，拥有一种感性的视觉。”Charles Pétillon 说道。这也正是他的系列作品希望给予的，一种能穿越，超脱的感觉，让人忘了画面本身，忘了它的结构与表象，被带到另一个地方。他希望每个人看到的不仅是他的作品，更是作品之外的东西，这是他幻想中的世界，并邀我们一起来做客。这是关乎一个对美的越界追求，甚至脱离了现实，引起人们对人性以及对本我的推敲。是一场无关外界所有，只在梦境的深处让灵魂旅游的邀约。在摄影作品中的家具和建筑物揭露的都是人的踪影。当初人们将它们建造在这片土地上，直至有一日人们离去之时，这些产物俨然已经根深蒂固，毫不违和地融入进了这处风景里。这便是人与其环境相处的证据，尽管人去楼空，却仍被视作一种标记。白色是一种中性的颜色，也可以象征不少意义。明度高，甚至将周边的摆设和景色都能相对提亮。于是它固然也能突出作品的核心，引人注目。如果省去这些白气球，或者它们不是白色，整体的效果则会黯然许多，画面也恐怕变得老生常谭。恰巧白色又对应了永生和不朽的意思，平添了一层忘乎时间和空间的迷离和朦胧。 z

Charles Pétillon, Séparation, photography, Lambda print, dimensions : 111x146 cm & 60x78 cm (each in edition of 5)

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By exposing the layers of these leftover objects, I am humanising them and making the people reflect on them

Alexandre Farto, aka VHILS, in Hong Kong

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FOCUS ON

DEBRIS & ARTISTIC GLOBALIZATION ALEXANDRE FARTO (VHILS) During the Art Basel Hong Kong festivities, the HOCA Foundation presents the “Debris” show by contemporary art rising star Alexandre Farto a.k.a. VHILS. In a huge custom made space designed by studio Pedrita and the artist, get to discover his amazing body of works.

pon entering the show one discovers how rich Alexandre Farto’s work is. First, the visitors are invited to go through a huge video tunnel with dimmed light to create an immersive slow motion feeling (reminding us of Alexandre Farto’s collaboration with U2 in their recent video Raised by wolves). At this stage you loose the sense of reality; the retina gets dilated enabling us to go further to the next stage.

produced for the show and placed outside by the sea. This monumental neon installation pays a tribute to a city that has grown upon very diverse influences, cultures and writings. After a few months settling into his studio in Hong Kong, Farto has been dissecting his environment in order to go beyond the visible surface of things. What a better way to discover a city through artworks that allow

VHILS (Alexandre Farto), in situ interventoins in Hong Kong, 2015-16, courtesy HOCA Foundation

Then, in smaller white cubes spaces Farto introduces us to the different techniques he uses: from the scattered hand cut billboard where skylines and faces peek through the ripped layers; metal plates eaten out by acid with lurking faces and letterings; to the hand engraved doors that reveal eyes. The exhibition shows how Farto gets inspired by the urban environment. In Hong Kong, the artist has been able to capture the energy of the buzzing streets and the profusion of colours and lights. An additional monumental piece has been The Magz

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us to see the invisible. A form of abstraction also exists in Farto’s artworks as he subtracts or adds material to his chosen medium. Farto works with derelict objects he finds in the city by cutting them by hand, engraving them and even treating them with lasers. These are real dejections from the city’s digestion and growth process and demonstrate how time passes by and our environment changes. As the artist puts it himself “by exposing the layers of these leftover objects, I am humanising them and making the people reflect on them”.

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Left : VHILS (Alexandre Farto), Fragmentation, Quik ink, javel and acid on paper, 2015, courtesy HOCA Foundation Above : VHILS (Alexandre Farto), in situ interventoins in Hong Kong, 2015 courtesy HOCA Foundation

These are traces of a past already gone to ashes. The objects are the product of our changing environment and add up to the construction layers; to the layers of meaning of what the artist calls “a new globalised culture”.

VHILS IN

ATES A FEW D

ugal ates bon, Port Born Lis of 17 he particip e g Lisbon At the a t show in aint in his firs at the Central S rt A Studies of Art 2004: College al Martins ns Festiv a C e th to d Invite ous n by fam 2008: in Londo SY NK artist BA m Solo Show al) seu u M , Portug First P, Lisbon 2014: D E o e s (Mu

1986: 2003:

The DEBRIS exhibition is set to travel around the world in museum institutions in Shanghai, Rome, Rio, Cincinnati; Hong Kong being the first stop of the journey. In each of the cities, the artist will add new art works enriching this ever-growing show and offering us a global vision of our world.

The HOCA Foundation was inaugurated in 2014 and has been key on the Hong Kong art scene since then with the organisation of shows by JR, Araki and Space Invader. The Foundation’s goal is promoting and developing awareness of contemporary art in Hong Kong. Its main focus is on a younger generation of international artists. z

HOCA Foundation at Central PIER 4, Hong Kong From March 21st to April 4th, 2016 www.hoca.org

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VHILS (Alexandre Farto), in situ interventoins in Hong Kong, 2015-16 courtesy HOCA Foundation

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VHILS (Alexandre Farto), in situ interventoins in Hong Kong, 2015-16 courtesy HOCA Foundation

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VHILS : DEBRIS ET GLOBALISATION ARTISTIQUE A l’occasion de la semaine d’Art Basel Hong Kong, la HOCA (Hong Kong Contemporary Art) Foundation, présente une exposition majeure, intitulée « Debris », de l’artiste VHILS (de son véritable nom Alexandre Farto). L’exposition est l’occasion pour l’artiste VHILS, star montante de la scène contemporaine urbaine, de revenir sur ce qui fait la richesse de son travail. Le visiteur est invité à entrer dans un couloir de vidéo immersive (rappelant le travail vidéo que l’artiste avait récemment fait pour le groupe U2 et leur video « Raised by wolves »). Dans cette première expérience vidéo où chacun perd le sens des réalités, la rétine se dilate et permet ainsi de passer aux étapes suivantes de l’exposition. Cette première étape franchie, dans des cubes savamment dispersés VHILS revient sur toutes ces techniques qu’il affectionne : des croûtes d’affiches découpées où apparaissent des vues

urbaines ou des visages ; des plaques en métal passées à l’acide d’où transparaissent des écritures et des âmes perdues ; des portes en bois gravées à la main où les éclats de bois forment des regards attachants. L’exposition montre à quel point Alexandre Farto s’inspire de l’environnement urbain. De Hong Kong Alexandre Farto a su capter l’énergie des rues grouillantes, le foisonnement de couleurs et de lumières. En fin de parcours de l’exposition, s’ajoute une pièce monumentale en néons produite pour l’exposition, placée dehors, en front de mer, et qui rend hommage à cette ville qui s’est construite sur des cultures et des graphies si différentes. Résultat de plusieurs mois de résidence sur place, Alexandre Farto dissèque son environnement pour aller au-delà de la surface visible des choses. Quel meilleur moyen que de découvrir la ville à travers son travail qui offre à voir l’invisible. Une forme d’abstraction se fait jour dans le fait de soustraire ou ajouter de la matière à tous les supports qu’il trouve. Alexandre Farto travaille sur des matériaux qu’il récupère dans la ville avant d’intervenir

Left & Right : VHILS (Alexandre Farto), Diorama, styrofoam installation, 1000x800 cm, Museuo EDP, 2014

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dessus au cutter, au laser ou au burin. Véritables déjections d’un processus de digestion et de croissance urbaine, ces éléments sont le témoignage du temps qui passe. Comme le partage l’artiste : « Dévoiler les couches successives de ces objets me permet de les humaniser et donner à penser ». Trace d’un passé déjà si rapidement révolu ces objets sont le produit de notre environnement et s’ajoutent aux couches de la construction d’une certaine globalisation culturelle. L’exposition est destinée à voyager à travers le monde dans des institutions de Shanghai à Rome en passant par Rio et Cincinnati, Hong Kong en étant la première étape. A chacune des escales Alexandre Farto enrichit l’exposition d’œuvres réalisées sur place qui viennent faire écho les unes aux autres, et offrir une vision artistique de la mondialisation. z HOCA Foundation at Central PIER 4, Hong Kong Exposition du 21 mars au 4 avril 2016 www.hoca.org

VHILS (Alexandre Farto), Fragmentation 6, Quik ink, javel and acid on paper, 2015 200x150 cm, unique piece, courtesy Magda Danysz Gallery

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VHILS (Alexandre Farto), Fragmentation 5, Quik ink, javel and acid on paper, 2015 200x150 cm, unique piece, courtesy Magda Danysz Gallery

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VHILS (Alexandre Farto), Fragmentation 4, Quik ink, javel and acid on paper, 2015 200x150 cm, unique piece, courtesy Magda Danysz Gallery

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VHILS (Alexandre Farto), Fragmentation 2, Quik ink, javel and acid on paper, 2015 200x150 cm, unique piece, courtesy Magda Danysz Gallery

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VHILS (Alexandre Farto), Defragmentation 1, Quik ink, javel and acid on paper, 2015, 200x150 cm, unique piece, courtesy Magda Danysz Gallery

借助香港巴塞尔艺术周，香港当代艺术基金会 HOCA 将首要展出艺术家 VHILS (艺术家本名，Alexandre Farto) 《Debris》展览，场地选用在超过 1200平方米巴塞尔博览会的会议中心，该项目是由艺术家本人与Pedrita Studio 合作实现的建筑性作品。这次展览对于VHILS，这位当代城市艺术里一颗正在燃起的新星艺术家，是一个回归他最挚爱的主题以及展现在各著名创作系列中具代表性的作品的机会。来宾们将会走入一条充满影像作品的长廊。（艺术家最近为 U2组合新作的影像作品以及他们的《Raised by wolves》。）通过第一步，在这些巧妙分散开来的空间里，VHILS运用起了他一向热衷的手法：被裁切的粗糙干硬的外墙下，展露出城市风景视图和人物面孔的肖像；金属盖板在酸里浸泡过后显现出的文字笔迹以及人们迷失的内心与精神；手工雕刻出的木门以及木头裂片更吸引了人们的视线。这次展览突出体现了城市环境俨然是艺术家 VHILS的视觉灵感的主要来源。在香港，VHILS更采集了街道中车水马龙

的能量，丰富的城市色彩和灯光。在展览尽头，展馆室外安置了一组专为展览而准备的纪念性霓虹灯建筑物，面朝大海，向这座包罗万象，文化及风貌如此宽广的城市致敬。

始发香港。每一中途站，VHILS都将为每一处展览增添一件献给当地的新作品，达到一个与各地展览间作品们的一种呼应效果，呈现一番世界性的艺术视觉。

经过几个月的香港留驻，VHILS 擅长地解析环境，透过事物的表象进入本质，这样的工作为我们提供了一个更佳的方式了解这座城市，给予我们看见种种不可见的可能。各种形式被运用的材料，不断地递增和减少，构成了这般抽象多元的艺术形态。VHILS对他在城市中所采集到的未经过美工刀、激光或刻刀加工的原材料进行研究。这些材料正是这座城市消化吸收，生长发育的过程中所摒弃的垃圾，同时它们也是过往的时间的见证物。正如艺术家本人所说：“ 层层揭开这些物体的表层的时候，便给了我赋予它们生命和思想的机会。” 物体上那些转瞬即逝的过去所留下的痕迹是我们如今环境的产物，并补充到世界文明的一部分中来。

HOCA 香港当代艺术基金会是一个成立于2014年的非牟机构，曾经展出过JR, Araki 等艺术家作品甚至 Space Invader 系列。在类似于永久性常驻文化机构不普及的情况下， HOCA基金会在香港具有着推动当代艺术发展的使命，注重与一众活跃关注当代生活与社会的年轻国际知名艺术家合作。

这将是一个会在世界各地机构举办的巡回展，从上海到罗马，经过Rio 到辛辛那提（美国俄亥俄州城市）， The Magz

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时间： 2016年3月21日 - 4月4日地址： HOCA基金会香港，PIER 4 （会议中心附近，靠海）网址： www.hoca.org

VHILS (Alexandre Farto), Fragmentation Monotype, Quik ink, javel and acid on paper, 2015 120x80 cm, series of 50 unique pieces, courtesy Magda Danysz Gallery

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MARION PECK THE NEW FAIRY TALES DISCOVERY Marion Peck is a leading artist of the Pop surrealism/Low Brow art. As such, she has been frequently invited to present her artworks in renowned museums and galleries. Recently, Marion Peck was the headliner of the HEY show at the Halle Saint Pierre Museum in Paris. Now she presents exclusive and never seen artworks in a solo show at Magda Danysz Gallery this spring, providing an exceptional invitation into her amazingly poetic universe and ultradetailed oil paintings that take up to months to paint.

Marion Peck, The Isle of Joy, 46x60 cm, oil on canvas, 2015-16 courtesy of the artist

“

The represented themes of innocence, with undercurrents of darkness and mystery

ith her brightening palette, associated to her perfect technics, Marion Peck seems to be the heiresses of Italian Renaissance painting. Sharing her life, style and inspiration with Mark Ryden, one can see the influence on their respective work they have had on each other while preserving their own identity. Marion Peck’s painting is an invitation to the borders of a dream which could also be described as a more grounded form of surrealism, infused with a new countercultural pop tone. Her latest artworks are full of fantasy, dreamed landscapes inhabited by circus creatures, fluffy characters or noble ladies. Marion recently stated: “If there is a narrative to emerge from my paintings, I hope it would be just like a very short poem. The Magz

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I imagine my characters as ones speaking slowly, carefully and quietly, not hiding their hesitations or even stumbling. Their awkwardness is, to me, a part of their personalities”. Can you share with us a little more about your own artistic influences and beginnings ? I grew up in Seattle, Washington, in a family that was very supportive of my art. I went to the Rhode Island School of Design. When I graduated, I won a prize that I used to travel in Europe for several months. I spent most of my time in Italy, and fell in love with the country. I returned there for graduate studies and ended up staying there for a couple of years. I feel that time in Italy really influenced me and my art, developing my dual nature of old/new high/low.

About the ar

twork :

Marion Peck Th

e Isle of Joy, oi l on canvas, 20 15. “Each of my pa intings carries miration I have , in a way, the adfor some artis works, which ts, for some stand as inex ar thaustible sour inspiration in ces my work. This one holds a un of position in my ique he to the love I ha art, since it is related, in a way, ve for the pain clearly inspire ter Watteau, who d me in the clowns in my representatio n of paintings. Th e title also re musician Deb fers to ussy, who ga ve me throug piece of mus h th ic, my first “esthe and as far as I can remem is be tic pleasure” as a child, insp r, the represente iring d dercurrents of themes of innocence, with darkness and unmystery”.

e oeuvre :

Retour sur un

ile, 2015.

y, huile sur to

The Isle of Jo

un représente, en es peintures ar m s in de rta ne ce cu “Cha ête à tion que je pr res qui sont uv œ sens, l’admira s ur le rtaines de sable. tistes et à ce iration inépui source d’insp e ection un aff e oi m un ur rte po ple, je lui po em r que ex r ou m pa i l’a -c à Celle t liée re car elle es airement incl a Il toute particuliè . au te intre Wat . De je porte au pe de représenter les clowns la n nt ço do fa sy a us m eb iré D à sp une référence est r si es ai re pl tit rs le ie plus e mes prem rté po ce e ap nn ’a ie m uv musique m’en so ssi loin que je s univers se s iré thétiques. Au sp in e res qui m’ont e part d’ombr sont ses œuv vent garder un sa i qu s nt ce inno ”. et de mystère

What would be your definition of painting? Painting is applying pigment to a flat surface. But just because that’s what it is, it doesn’t have to be only that, just like speech is made of noises and sounds, but it isn’t only that. I am unafraid of the idea of a painting being a precious object that someone takes home and hangs on their wall and looks at and hopefully enjoys. Some people seem to think that’s a bad thing, but not me. You are considered as one of the leaders of Pop Surrealism art, could you explain what this movement represents for you ? I guess what the many different strains of art that are grouped together as “Lowbrow” have in common is that they rebel against art which The Magz

Marion Peck, Chicken Lady, 30x30 cm, oil on canvas, 2015-16 courtesy of the artist

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emphasizes the intellectual, conceptual, academic, elitist side of things, instead engaging more directly with imagination and popular culture. Using oil painting is quite a choice technically speaking, why do you favor this media ? Once you learn to use oil, you never want to go back to that plastic stuff. Oil is so much richer and more versatile than any other kind of paint. And it’s really not that hard to use. Your world is full of fantastic characters, where do you feed you inspiration ? A lot of things come from my dreams, but other things just pop in suddenly from all kinds of random places. You just never know. I try to keep my imagination well fed with lots of images of all kinds. And I love going to the flea market, I see lots of things that inspire me there. Does each of your painting carry a story? Do you characters have something to tell us about our society? My paintings all have stories, which I hope are different for everyone who sees them. I don’t decide about the “meaning” of my paintings. That is for the viewer to do if they so wish, not the artist. I am really not hung up on art as a critic of society. That is one thing art does sometimes, but it doesn’t have to do that to be good art.

Art can also be about beauty, imagination, fun, pleasure. It’s okay, it’s alright for art to give us enjoyment and allow us to relax and contemplate. We have so few places like that in modern life. What makes your paintings so special ? I hope what makes them special is that I put myself into them. I often feel like instead of a painting style, I have a mental illness, and I cannot stop polishing and perfecting an image until I feel I can do no more to improve it. It can be very exhausting. What would you like people to feel in front of one of your paintings ?

Could you give us some tips for keeping this open-minded statement and this curiosity you have ? I remember once I was watching this art critic speak, this intellectual snob who was making me want to vomit with his incessant blabber, and then suddenly it occurred to me that he was just a human being who wanted to be loved, like me and like everybody else. And suddenly I didn’t have to hate him anymore, and I could accept his point of view as being just that, his point of view. That is the power of compassion, it helps you to see so much more, instead of keeping your ego busy battling with what “they” think. z

I hope they feel even a tiny twinge of dream like feeling, of magic. Pleasure mixed with strangeness. Who is your favorite painter ? If I had to name just one, maybe Albrecht Durer. Do other media or artistic form influence you ? If so, what type ? I love the films of Miyazaki. I love old style 3-d animation, like the films of George Pal. I look at a lot of photography, especially old photography. I love old things in general, I guess.

Marion Peck, Solo show at Magda Danysz Gallery Paris. Exhibition from March 15 to April 30, 2016 Opening: Tuesday, March 15, from 6 to 9pm.

Marion Peck, Little Shepherdess, 36 x 28 cm, oil on canvas, 2015-16 courtesy of the artist

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The Isle of Joy, huile sur canvas, 2015. “Chacune de mes peintures représente, en un sens, l’admiration que je porte à

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Marion Peck, Playroom, 46 x 35 cm, oil on canvas, 2015 courtesy of the artist

arion Peck est l’une des figures emblématiques du Low Brow art aussi connu sous le nom de pop-surréalisme. En tant que représentante de ce nouveau mouvement elle est régulièrement exposée dans de nombreux musées et galeries du monde entier. Elle est notamment la tête d’affiche de l‘exposition « HEY !» au musée de la Halle St Pierre à Paris. Ses tableaux à l’huile semblent tout droit venir de la renaissance italienne tant sa maitrise de la peinture est parfaite et ses couleurs lumineuses. Marion Peck partage sa vie, son identité picturale et son inspiration avec Mark Ryden, autre leader du mouvement. Leurs travaux, marqués par une influence commune, savent cependant garder une identité forte et propre à chacun.

La peinture de Marion nous invite aux frontières du rêve, lui-même surréaliste, où elle mêle le fantastique aux symboles de la contre-culture populaire actuelle. Dans ses derniers travaux notamment, on retrouve cet univers du merveilleux, de l’extraordinaire peuplé de créatures de cirques, de personnages cotonneux et de gentes dames. « S’il y a une histoire qui née de mes peintures j’espère qu’elle ressemble à un poème très court. J’imagine mes personnages qui s’expriment lentement avec précaution et très calmes, sans cacher leur hésitation allant peut-être même jusqu’à fléchir. A mon sens, cette part d’étrange fait partie intégrante de leur personnalité » a récemment expliqué Marion.

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Est-ce que vous pouvez nous en dire un peu plus sur votre éducation artistique, vos influences et sur vos débuts ? J’ai grandi à Seattle, Washington, dans une famille qui m’a toujours encouragée dans mon art. J’ai été à la Rhode Island School. Une fois diplômée j’ai gagné un prix qui m’a servi à voyager en Europe pendant quelques mois. J’ai passé beaucoup de temps en Italie, je suis tombée amoureuse de ce pays. J’y suis ensuite retournée pour finir mes études et je m’y suis installée quelques années après l’obtention de mon diplôme. Ce temps que j’ai passé en Italie a vraiment inspiré ma vie et mon art, cela a influencé ma dualité entre vieux et neuf, haut et bas.

élitiste des choses. A la place c’est un engagement plus direct avec l’imagination et la culture populaire. Vous utilisez la peinture à l’huile ce qui est un choix technique éloquent. Pourquoi est-il devenu votre outil de prédilection ? Une fois que vous avez appris à utiliser la peinture à l’huile, vous ne voulez plus jamais retourner à une peinture à base de plastique. L’huile est beaucoup plus riche et plus polyvalente que n’importe quelle autre peinture. Et ce n’est vraiment pas si difficile à utiliser. Votre monde est plein de personnages fantastiques, où trouvez-vous votre inspiration ? Beaucoup de choses viennent de mes rêves, mais d’autres surgissent soudainement de n’importe quel type de lieux. On ne sait jamais. J’essaye de continuer à nourrir mon imagination d’images en tout genre. Et j’adore aller aux marchés aux puces, je vois plein de choses qui m’inspirent là-bas. Est-ce que chacune de vos peintures transporte une histoire ? Est-ce que vos personnages ontils quelque chose à nous dire sur notre société ? Mes peintures ont toutes une histoire, qui j’espère sont différentes pour chaque personne qui les voit. Je ne décide pas du « sens » de mes tableaux. C’est au spectateur de le faire s’il le désire, pas à l’artiste. Je ne fais pas vraiment de fixation sur l’art comme une critique de la société. C’est parfois ce qu’il fait mais cela n’est pas indispensable pour en faire du grand art. L’art peut aussi être beauté, imagination, joie, plaisir. L’art peut nous apporter de la joie et l’on peut se laisser aller à la détente et la contemplation. On a tellement peu de chose comme ça dans notre vie moderne. Qu’est-ce qui rend vos peintures si spéciale ? J’espère que ce qui les rend spéciales c’est que je m’investis entièrement en elle. J’ai souvent l’impression

que plus qu’un style de peinture j’ai une maladie mentale : je ne peux pas arrêter de perfectionner et peaufiner une image tant que je ne sens pas que je ne pourrais plus rien faire pour l’améliorer. Cela peut-être très fatiguant. Qu’est ce que vous aimeriez que les gens ressentent en face de l’un de vos tableaux ? J’espère qu’ils ressentent un sentiment, même minuscule, de rêve, de magie. Un plaisir mélangé à l’étrangeté. Quel est votre peintre favori ? Si je devais en nommer qu’un, ce serait peut-être Albrecht Durer. Etes-vous influencée par d’autres médias ou d’autres formes d’art ? Si oui, lequel ? J’adore les films de Miyazaki. J’adore les vieilles animations 3d, comme les films de George Pal. Je regarde beaucoup de photographie, particulièrement des photos anciennes. Je crois que j’aime les vieux trucs en général. Pouvez-vous nous donner quelques astuces pour garder l’esprit ouvert et rester curieux comme vous le faite ? Je me souviens une fois je regardais un critique d’art parler, cet intellectuel snob me donnait la nausée avec son blabla incessant et soudainement je me suis rendu compte qu’il était juste un être humain qui voulait être aimé, comme moi, comme n’importe qui d’autre. Dès lors je n’avais plus à le détester, et j’ai pu accepter son point de vue comme n’étant rien d’autre que son point de vue, juste son avis à lui. C’est le pouvoir de la compassion, cela nous aide à voir beaucoup plus loin au lieu d’alimenter son égo avec ce qu’ « ILS » pensent. z

Marion Peck, Exposition personnelle à la galerie Magda Danysz Paris. Du 15 Mars au 30 avril 2016 Vernissage Mardi 15 mars 2016 de 18h à 21h.

Quelle serait votre définition de la peinture ? La peinture ce sont des pigments appliqués sur une surface plane. Et c’est parce que c’est seulement cela que cela peut devenir beaucoup plus, comme un discours n’est fait que de mots et de bruits tout en étant beaucoup plus. Cela ne m’effraie pas de penser à la peinture comme à un objet précieux que l’on ramène chez soi, que l’on accroche à ses murs, que l’on regarde et apprécie paisiblement. Certaines personnes semblent penser que cela est une mauvaise chose mais pas moi Vous êtes considérée comme une des leaders du Lowbrow art, pouvez-vous nous expliquer ce que le mouvement représente pour vous ? J’imagine que toutes les différentes formes d’art que l’on regroupe sous le terme de “Lowbrow” ont en commun cette rébellion contre un art qui souligne l’intellectuel, le conceptuel, l’académique, un art qui souligne le côté

Marion Peck, Water Spirit, 36 x 30 cm, oil on canvas, 2015-16 courtesy of the artist

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Marion Peck, Procession, 91 x 30 cm, oil on canvas, 2015 courtesy of the artist

您能跟我们说说关于您的学习艺术的成长历程，所受的影响以及您的艺术创作的初期吗？

您被认作Lowbrow 主义的代表人物，这个流派对您来说意味着什么吗？您是如何理解它的？

您的作品中充满了荒诞古怪，鬼马精灵的人物元素，请问素材的灵感主要来源于哪里？

我成长于华盛顿州西雅图的一个对学习艺术非常支持的家庭。我曾在罗德岛学院学习，毕业后赢得了一个奖项，随之利用奖金在欧洲逗留了几个月，其中在意大利待的时间很长，我爱上了这个国度，于是在后来我又回到了意大利，这个让我流连忘返的地方继续我的学业，并获得文凭以后在这里安顿了几年。在意大利度过的这些时光深深地影响了我的生活和艺术，形成了我对新旧高低这种两面性的认识。

我估计所有被定义为Lowbrow 流派的各个形式的艺术作品都有一个共同点，那就是向思想形，概念形，学院形的艺术，向这种“精英”艺术提出质疑并进行反抗。与此同时将其代替的便是一种更直观的想象以及更亲民的艺术。

许多东西都来自于我的梦里，也有些东西就是这样不顾场合地，偶尔时不时地踊跃出来，闪现在脑海，我们无从猜测。我会继续供养我的任何形式的图像想象能力。此外，我也非常喜欢逛跳蚤市场，那里有很多东西都吸引我，激发我的创作。

您对绘画的定义是什么？绘画简单地说就是将颜料色块涂抹在平面上。正是因为这样的简单，它才能变得不简单，变得更丰富。就像一场演讲，充满了声音和喧嚣，但它绝不仅仅只是这些。我也甚至可以很俗气地认为画作也无非就是一件可以将它带回家，挂在墙上慢慢欣赏的宝贝，尽管有人不接受这样的说法。

您运用了布面油画的这样一个富有感染力表达手法，为什么它成了您偏爱的运用形式？一旦接触了油画就不想再用回其他的艺术造型材料。“油”运用起来更加流畅自如，也让画面相较其他具备了更多的可能性，并且它也没有那么难掌握。

Marion Peck, Night Fair, 46 x 60 cm, oil on canvas, 2015 courtesy of the artist

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您的每一幅画是否都具有一个单独的故事？画面中的主人公是否在向当今的社会反映些什么？我的作品中当然都有故事，我希望每个人所看到的所理解的它们都是不同的，我从不为我的作品下定义，而是将这个工作留给观众。我不认为艺术必须具有一个批判社会的身份，尽管这的确是它们一些时候所呈现的，但这并不代表“批判社会”必将成为一件伟大作品中所不可或缺的精神。艺术仍然可以只单纯顾及美的享受、在想象中徜徉，追随快乐。艺术给我带来愉悦，我们也应当放下包袱，心平气和，生活中已经很少再有东西能像它一样了。是什么让您的作品风格独树一帜的呢？我希望能够让我的作品与众不同的原因是来自于我的全心投入。对于我的绘画风格我经常会质疑自己是不是有

精神病：我总是会在画面上不断地修改完善不断地精雕细琢直至我认为再没有什么我能做的了才会停下。但这也的确会增加工作量，比较辛苦。您最期望人们在面对您作品的时体会受到什么？我希望他们捕捉到一种感受，即便是一种非常微弱的感觉，像梦一样，若即若离，也像魔术一样，一种天马行空的喜悦与奇幻。您最喜爱的画家？如果一定要说一个名字的话，我想那就是丢勒。

您能传授我们一些如何让思想保持开放状态，始终保持着一颗好奇心的小诀窍吗？我记得有一次我在看一个嘉宾关于艺术评论的访谈，他没完没了的长篇谬论让我开始的时候非常反感，我甚至认为他就是个哗众取宠的小丑。但就在这个时候，我突然意识到他也不过就是一个希望得到大家的喜爱和认可的普通人，和我们一样的平凡罢了。从这以后我便再没有那么讨厌他，而且还接受了他的不少观点。这是同情和包容的力量，它们能够让你越过自己的主观，去正视他人的想法。 z

您是否也收到过其他艺术媒介形式的启迪？如果有的话，是哪些呢？我非常喜欢Miyazaki的电影，也非常喜欢旧的3D动画片，例如Geroge Pal 的。我对摄影也很感兴趣，尤其是那些老照片。整体来说，个人还是比较倾向旧的有年代感的东西吧。

POP SURREALISME SPOTLIGHT

e time also by but in the sam re ltu ry cu p po d ern irytales, myste ursler (USA) an and vintage fa O rs tic te ny as ris To te m ), ac d SA ar ol is ch rred Spiegelman (U bolism which rt Forum refe ? and also sym man (USA). A rrealism/LowSM l, er LI Su ol Sh p dr EA y is Po nd RR th t. Ci in en SU k P em or w ov PO of m at IS s l ty tic ea AT ili rr ris H ib W sens for su aracte tween high art to “the mutant oses the marfine the exact ch king the wall be op . ea pr br n ow is Br tio t bi w ar hi Lo It is hard to de ex ow lled lleries) and low curated r the br , also often ca mainstream ga - smartly -laden fetish fo om m un fr ea of t e dr ar s and 's ad Pop Surrealism m ne m lis (fi is , p art's , comics book ge of Surrea /Lowbrow Art o, illustrations otesque and Po scenes ria gr tto t cult d (ta ar ar Pop Surrealism t an gh ar d hi ed se iz d fu ic body erot osively bright p-culture-in lar culture an rr po pu co po , a. d, n er ni e un w ee or lo ro lif tw al rg de so), be the sh hern Ca lk art. There ar celebration of in 1970s Sout ed good”. The fine art and fo ag s n ck Lo ee p pa is tw e Po at th be at , th with origins to th t re t ntex first, tu e in doub given over the specific co rlined that “at t critics that ar ine world t ar de ar e rm un m e de so at so un Emerged from al ill tim ts st es gi tis m Art is a le ew York Ti ld seem to surrealist ar N ou p ow w br po re e ow th er ltu , /L e os cu es m r cl th el pula Ang as to Surrealis . Upon a rrealism and po are uncertain s they have on of the world ent and they lism ap- Su t in recent year em ea the fine a sanitized visi Bu ov rr . to m er Su n at p tio w d Po la d ne re at an be oil so see th tions concer ovement in bi m y hi is ne ex th is win D of er re us th look one can al at he an ge st w ealism d Lo ted." brought to nging a world wever Pop Surr d Low are rela ho ectly been , cs an rf ld iti h Pe or cr ig . t w H pears as challe t ar es at ar e lu th m va influproving r that so mainstream m was heavily enced with came so popula To lis t. be flu ea en in values are the rr ow ly em Su br ng ov p ro m d Po st Original tion to this tworks are and hot ro en ar ix e att m e th y er co pa ed n, th d to ut de ils d un ec ta Ry te ro ex rg e de star e Mark enced by unde ce we look at th yle has spread surreal artists lik by these, but on the lowbrow st mething is off day many pop s So A th or Marion . it. ra lre G to ve ltu c e de st cu M t rta ca sour movemen e, Elizabeth is or th Sh s. , lie ld is a sweat and dd e lleries all or To lif w of orks in art ga re the truth around the to different w in r he g ei w in th is e t ch It th bi e. an r hi br nc fo bala be a Peck ex peared oped; there may movements. Surrealism ap . exhibition whole new art The term Pop an en over the world ev of d le id an tit s ns e strand 98 as th ealism is co rr in Su m p eu Po us of first time in 19 M er rt A As the Godfath Contemporary spired with mod at the Aldrich together nearly ered Mark Ryden who is in ng gi in br ) SA Connecticut (U i (Japan), Art : Mariko Mor seventy artists

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QU’ESTCEQ UELEP

OPSURRÉA Mouvemen LISME? t princip à qui ose a le l’undergro s’approcher m en t issu de und califo p lu et y regard s près. Tout rnien des er d le Pop Su est dans le années 70 rréalisme se s détails, la ré e d’une exp ré v èl , e d (a errière une ussi souven osition au le Low Bro alité façade de t appelé w) est un co Aldrich Co tion facile. porary Art co ntemF m u ini les rêves langeant la rant artisti posiMuseum d que mésujet à cau ans le Con d culture du cu ’e n t fa (États-Unis nt, tout es tion et rem n ectidessin anim une vision t ) réunissa is en cause punk du m fiez pas à l’e soixante-d nt près d . Ne vous onde. Berce é avec au qui dort ney, Los A ix a e rt istes dont au d … ngeles a vu Vivant com Mariko M la japonais me dans u émerger des e Diso mettant à ri , e l’a m ér n monde p icain Art S mal une év se mêlent co artistes man, Tony arallèl piegeloca nte monde. Lo Oursler et in d’une vis tion aseptisée du animaux en s de fées, enfants en e où Cindy Sher L e cr it ique d’art d ion populi man. o Surréalism p rm el is u ch , du magazi e vivants, ste, le Pop e s’inscrit d tique goth rum parle ne Art Foune esthéique et des ans la critiq a d’une cultu lo rs d ’u ne « sensib ue so ém les artistes re érigée en tante » et ilité mudu Pop Su otions étranges, valeur abso urde mythes à d’univers la Disney rréalisme empreints u lu n e. m u a C n ri es iv a er ge cultivent passés au s bien à eu « d’un en en sucré-sa tr e un fétichis vitriol, tou x. Forts de sonnalités lé, sont ex hérité du su me oniriq t leurs perriches cert écutée de réprochable rr ue éa li sm ains d’entr e et le Pop façon irdevenus d , souvent à un dose d e eux sont art avec e grands n la peinture e grotesqu tels des pei o m e à sés dans ce s et se son ntures class ». Le New l’h Times sou t impomouvemen York ligne que iques. Le co uile, entre la te « de prim t, tels Mark chnique et Todd Shore ntraste le S u rr éa e abord le R li , sm E y rière goût su li d za e en je et b t , et le la h isse un arPop Art so Mc Grath étrange, dés Marion Pec l’eau et l’h nt comme ou encore k. arçonne et uile (…) m surprend Le terme d ex p o si tions prouv ais désormais des e Pop Surr ent que la éalisme ap la première marge son norme et la parait pou fois en 199 t en fait liés r 8 comme .» titre

Mark Ryden, Magic Circus (#26), Oil on Panel, 2001. 100 x 150 cm Courtesy of the artist. Private collection Mark Ryden, Sweat (#52), Oil on Panel, 2004. 60 x 45 cm,w Courtesy of the artist. Private collection

Sas Christian, M, oil on canvas, 2007, courtesy of the artist, private collection

来说，它更的风格特征，一般确？准义个主一实的现它超关普定义有什么是波代美国加州南部？事实上这很难去于上个世纪70年义源主起实，现术超艺普俗波低什么是或者称为超现实主义艺术家波普超现实主义，洛杉矶有一群波普。的术时艺当看，俗。低象为现成术多的被文化的艺主义。更仔细地来艺术融合当时流行产生了波普超现实下下影响地境化的环文带的些一殊这岸特到海个西，在那样一世界。深深受观的界化世文义流定主新为重观晦后的隐含义士尼价值们不断地打破，就会发现作品背挑战批判那些以迪时种节一细为到作注义关主们实波普超现，但一旦当我品表现的十分完美生活真理之所在。博物而创作出的艺术作平衡的。而这正是尔德里奇当代艺术不是西东些一么那有国康涅狄格州的奥总美，美。在子楚年里酸万 98 的 19 森中在家其是术和的首次出现日本著名艺词如一， ” 家义术主艺道实名 ·马现十芬 “波普超集了近七等。史提影家辛迪•舍曼等览的标题。其中汇摄展女该名为情著作体国中身美览于和展恋对只迷尼·奥斯勒馆举办的，巧妙地策划一场曼，美国艺术家托现格呈的皮式品 ·斯方成特的包阿稽打家滑谓国漫画感以一种蚀那些所 “作品中的多变敏术肤浅的庆典，侵一到艺水提普和坛波油论和是术义像艺主更在诞来夫婚以及对怪化之间看起求文的流义主主和实义高现主与超实俗初，超现证明了低欲的白日梦的》也强调道，“起动和现象只是更加报活时的约览纽展《同。共 ” 者大好世界断推出将二关系。但近年来不传播样无法融合的状态低俗艺术已经蔓延 ” 。和联系的关系文化的强烈辐射。响车同波影赛如互棒就相热。是国动就美运本和新雅到地下漫画是整个艺术受至是甚义别主派实的现同超不外起初波普经衍生到影响。此，象趋发展；这可能已和神话故事的双重日话动童运统（项传此和，化界文到整个世破了所谓高尚艺术到当代波普马克·莱登同时受所谓的低俗艺术打父是艺教就间的也民义义和主主术实实美现现普超波普超雅文化、运动的典型代表。）、通俗文化和高界实等世现等在超画动是漫运也、一义画这主插义征艺术（涂鸦、，他们无法定俗度低态和的）疑注术质关艺着始廊抱否合法不得不开来自主流画仍然对低俗艺术是大，使得艺评家们家扩评渐艺日艺些力实某响现但影超。的普术的高墙现实主义这样的波瑞斯和马里恩派克无论如何，波普超格。置 ·麦位白的莎丽中伊动 , 运艺术 , 托德·肖尔许多像马克·莱登这一群体。如今，作品。的们他出的画廊展术家们在世界各地 The Magz

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LUDO

SHANGHAI DUST By using pencil and oil paint, Ludo has a singular aesthetic recognizable among all. With a certain skill and thoroughness, he combines different mechanical objects and plants in order to transform them into hybrid creatures which only belong to him. As green is his favorite color, he also developed his own tint of green and he uses it on each of his works, no matter of its size or its location.

The series Fly me to the Moon - Shanghai Dust is a project created in situ, in the heart of the city, following Ludo’s first trip ever to Shanghai. Upon a first trip, lived as a visual shock by the artist, he decided to come back immediately to China to work on the gushing inspiration that never left him. The city acted on his creative ideas as a catalysis enabling him to come up with an instant project and multifaceted series. The series was conceived as a lively ballet of futuristic and buzzing bees, which the artist depicts like a post-apocalyptic choreography that comes up as a salvation process. Ludo is not looking at blaming the frantic pace of industrial growth, but instead he’d rather pay tribute to this particular Shanghai energy. Shanghai is patchwork of various neighborhoods, both “hyper modern” and made of old lanes and housing. The city oozes this magical breath, sort of a stardust on the musical theme of Fly me to the moon. Ludo is not talking about the end, but about new beginnings. Thanks to the Shanghai people’s laughter Ludo captured the poetry of a city that wakes up every day in a frenzy. Breathing is like getting a second life, and angel wings are what give to Ludo’s curious insects – a recurring character in his art - the urge to twirl. It gives us a dose of this dynamism typically from China at the dawn of 21st century.

Around the bee central figure, Ludo worked relentlessly to carry out the full series in China. The silkscreen base of his paintings is more artisanal and adventurous that we can imagine. Upon this base Ludo used – for the first time in his work - a mixed media technique, working on various upcycled materials. Creating layers of texture one can be reminded of Anselm Kiefer’s techniques. Indeed, each bee was created individually, enhanced by all the things the artist was able to forage in the city through his travels. Thus, the second life/renewal is based on the fact that the serie is entirely made from recycled materials: dust collected in the old neighborhoods, recovered objects from ruins, picked up wreckage on construction sites, etc.

One would certainly ask the artist for the reason of this creative urge. In this environment which seems to change every day, the idea of capturing the moment but also the movement is crucial. The soul of places is also linked to their rhythm. The bee, an endangered species, seems to know how to adapt itself and finding the way for its survival without facing any trouble. The abundance of elements is a metaphor of the multiple resources used. Similarly, highlighting his works with “neon green” (or shall we rather say “Ludo green”) reflects a transfer of energy to the artwork. An explosive energy… z

Giving a second life to all these materials symbolizes to the artist’ eyes more than a breath of fresh air. It also symbolizes an escape, like living in a new area, one in the artist’s imagination. All these objects and wreckages, full part of the paintings, are therefore magnified and raised to the status of artwork. At first sight, the bee wearing an oxygen mask could refer to the image of a sweltering city, in conflict with its own demons. However, inspired by this creative emergency, the artist insists it is more about the people’s amazing adaptability to this daily life in motion. The mutation is running exactly like in the work of the artist, the organic universe and the insects are mixed with the technological world. LUDO, Shanghai Dust 5, 2014 Acrylic, pencil, dust and collage on canvas, 110 x 130 cm, unique piece

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LUDO, Shanghai Dust collage in the city, 2014

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LUDO, Shanghai Dust, 2014 resin sculpture 22 x 30 x 50 cm

« Fly me to the Moon - Shanghai Dust » est un projet réalisé in situ, au cœur de la ville, né d’un premier voyage de l’artiste à Shanghai et qui a été révélateur pour lui. Riche du choc visuel qu’il expérimente, l’artiste décide de revenir immédiatement en Chine pour travailler cette inspiration bouillonnante qui ne le quitte plus. La ville a agi sur les idées créatives de Ludo comme un catalyseur lui permettant de faire naître un projet immédiat de série à la fois très complète et protéiforme. La série a été conçue comme un opéra vivant, ballet d’abeilles futuristes et bourdonnantes, que l’artiste met en scène dans une chorégraphie post-apocalyptique, ou plutôt, selon ses dires, « salvatrice ». Car il ne s’agit pas là de dénoncer trop aisément le rythme effréné d’une croissance industrielle, mais bien au contraire, de rendre hommage à l’énergie si particulière de l’ensemble urbain qu’est Shanghai. Entrelacs de quartiers, à la fois «hyper modernes» et anciens, Shanghai exsude de ce souffle magique, comme une poussière d’étoiles sur le thème musical de « Fly me to the moon ». Loin de l’idée de fin il s’agit ici pour l’artiste de témoigner du renouveau de la Chine. Au son des rires des gens qu’il a pu rencontrer Ludo a su capter la poésie d’une ville qui s’éveille tous les jours dans une frénésie comme nulle autre ailleurs. Un souffle salvateur, comme une seconde vie, et des ailes d’ange sont ce qui donne aux curieux insectes de Ludo – figures récurrentes de son art – l’envie de virevolter. Il nous offre une dose de ce dynamisme si caractéristique de la Chine à l’aube du XXIème siècle. Autour de la figure centrale de l’abeille Ludo a travaillé d’arrache pied pour réaliser la série entièrement en Chine. La base sérigraphique de ses toiles est des plus artisanales, objet de multiples aventures et rencontres à Shanghai. A cette base il a appliqué, soulignons le pour la première fois dans son œuvre, une technique mixte de collage, travail de matière, création de texture rappelant le travail d’un Kiefer. En The Magz

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effet, chaque abeille a été travaillée individuellement, enrichie de tout ce que l’artiste a pu butiner dans la ville au gré de ses pérégrinations. Ainsi, la seconde vie, le renouveau, constituent le thème central de la série qui a été entièrement réalisée à partir de matériaux de récupération : poussière de quartiers traversés à la hâte, objets récupérés dans les ruines, débris ramassés sur des chantiers de construction. Donner un second souffle à toute cette matière symbolise aux yeux de l’artiste plus qu’une bouffée d’oxygène mais aussi une évasion, comme pour in fine vivre dans un nouvel espace, celui de l’imaginaire de l’artiste. Tous ces objets et débris, partie intégrante des toiles, sont ainsi magnifiées, élevés au statut d’œuvre d’art. L’abeille affublée de son masque à oxygène pourrait de prime abord renvoyer à l’image d’une ville en prise avec ses démons. Pourtant, dans cette urgence créative, l’artiste insiste plus ici sur l’étonnante capacité d’adaptation des gens à ce quotidien en mouvement. La mutation est à l’œuvre tout comme dans le travail de l’artiste l’univers organique, les insectes se morphent avec l’univers technologique. Pourquoi cette urgence créative ? pourrait on demander à l’artiste. Dans un contexte qui semble changer tous les jours l’idée de capter le moment mais aussi le mouvement est clé. L’âme des lieux est aussi liée à leur rythme. L’abeille que l’on dit en voie de disparition semble ici savoir s’adapter et trouver la voie de sa survie sans peine. L’abondance des éléments est comme la métaphore des multiples ressources mises en œuvre. De la même façon le fait de surligner de « vert fluo » (à moins qu’il ne s’agisse du « vert Ludo ») les œuvres témoigne de l’énergie à l’œuvre. Une énergie explosive… z

LUDO, Shanghai Dust collage in the city, 2014

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LUDO, collage in Hong Kong, 2014-15

LUDO, Shanghai Dust collage in the city, 2014

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LUDO, detail from Shanghai Dust 5, 2014 Acrylic, pencil, dust and collage on canvas, 110 x 130 cm, unique piece

« Fly me to the Moon - Shanghai Dust »是一个在市中心真实环境下完成的一个项目，源于艺术家的一次上海之旅，此项目对于他而言具有揭露现实的意义。丰富的视觉冲击让艺术家决定立刻再次回到中国，去实践心中无法忘却的一个蠢蠢欲动的灵感。上海这座城市为Ludo赋予的创造力就像是催化剂一样使他迅速实现了一个丰富完整的项目。这个系列就像是一场歌剧演出，未来主义蜜蜂嗡嗡作响地来回飞动，艺术家着重表现的是这种世界末日后翩翩起舞舞的感觉，更像是如他所说的“拯救”。因为它不是一场关于工业增长疯狂节奏的揭露，而恰恰相反，它是对上海整个城市如此特殊的

活力致敬。对于艺术家来说，这不是关于末日，而是展示中国的复兴。在人们的笑声中，Ludo敏锐地捕捉到了这座每天在如若无人的疯狂中苏醒的城市的诗歌。拯救者的气息就像一次重生，天使的翅膀激起了Ludo对昆虫的好奇，——这也是他创作中反复用到的元素——一种不知疲倦的东奔西跑。他向我们以此展示了中国二十一世纪初的这种活力。所有的以蜜蜂为主题元素的大量系列作品都是Ludo在中国完成的。他选用丝网印刷这种对手工考究的技艺，表现了很多在上海遇到和探索到事物。这是他第一次在作品中使用混 The Magz

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LUDO, detail from the studio

合材质与粘贴技术，他对画面组织的创新让人不禁想到了Kiefer的作品。事实上，每一只蜜蜂都被单独地精细制作过，画面中其他的元素也是艺术家每次在这座城市里走走停停中采集的。所以，“第二次生命”和“复兴”的理念共同构成了这组全部以回收材料为基础完成的系列作品：街区的粉尘、废墟中的回收利用物、建筑工地上捡到的残片。这些废墟的二次利用对于艺术家来说不仅是一次再造，也是一种解放和创新，让它们生活在一片全新的环境中，在Ludo的想象世界里。蜜蜂违和地戴着有氧面具让画面在第一时间就提出了一种城市间存在

LUDO, detail from Shanghai Dust 7, 2014 Acrylic, pencil, dust and collage on canvas, 110 x 130 cm, unique piece

着危险的预警。然而，在这个即兴创作里，艺术家突出体现了人们对不断曲折演变的日常环境惊人的适应力。这种变动在艺术家的实践中根据昆虫的形态和人类科技的宇宙得以发挥。对此我们当然要问了，是什么原因选择了这个即兴创作？我们的环境在日新月异地变化着，能够捕捉时光的想法是重要的，但能够记录下进展和演变也是意义所在。一个地方的灵魂和它的节奏是息息相关的。 The Magz

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眼看就要消失殆尽的蜜蜂在这里似乎懂得适应并找到了一条没有痛苦的生存之道。画面上丰富的组成部分也是对作品中所运用的迥异多元的元素的暗指。与此同时，绿色荧光笔标出了作品希望表达的一种能量，一种爆发的能量...... z

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It’s that wide freedom of movement that Giacometti’s walking man conveys to me Budi Tek owner of the Yuz Museum

Alberto Giacometti, Walking Man I, 1960 Bronze, 180.5 x 23.9 x 97 cm, Collection Fondation Alberto et Annette Giacometti, Paris, inv. 1994-0186 © Estate Giacometti (Fondation Giacometti + ADAGP) Paris, 2015

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EVENT

ALBERTO GIACOMETTI A MOVE TOWARDS FREEDOM

The world acclaimed sculptor Alberto Giacometti is the symbol of the 20th century’s quest for freedom. Born at times when the world was majorly shifting, he has gone through the first and the second world wars without ever letting of sight the elevation of the human being. His iconic walking man can be taken as a great symbol of this specific century.

For the China premiere exhibition of the greatest sculptor of the 20th century, Alberto Giacometti, the Yuz Museum in Shanghai is presenting 250 masterpieces ranging from 1917 to 1966, in a comprehensive overview of the artist’s life-length career with a presentation of the artist’s time. Alberto Giacometti is widely regarded as the embodiment of the spirit of modernism. Giacometti’s work is the depiction of the postwar human psychology and the humanistic spirit of the century, and have become immortal masterpieces in the art history. As one of the spokesmen of the modern art of the 20th century, Giacometti has profound impact on the development of the postwar modern art, and has inspired numerous artists of the East and West. In 1939, as the second world war burst out, Giacometti started making figures from memory. But each time he tried to create the image of someone he knew he figure ended up smaller and smaller. When he left the occupied French capital back to his native Switzerland, Giacometti would do the same sculptures as he was trying to do in Paris and watch it shrink under his fingers, resulting in tiny, very subtle, pure and fine objects. Still he persisted knowing that he was looking for more. Thin men and women, elongated, improbably fragile are Giacometti’s first distortions and that is what makes them instantly recognizable today. These skinny striplings, with sometimes no arms, no real knees, no flesh, have a much fuller dimension. They are almost like pencil drawings, nearly dematerializing and

yet heavily rooted to the spot. In his drawings Giacometti goes even beyond and shows us gracefully how he sees the human body. It is how Giacometti perceives the human being. “If you sit for me, you become a perfect stranger, even if I know you” says Giacometti, filmed in the silvery gloom of his studio. In this sense Giacometti is an existentialist, all lays in the human subject, not merely the thinking subject, but the acting, feeling, living human individual. Mankind is unknowable, unbearably solitary and complex, and Giacometti is in a way the Sartre of sculpture. In his entire career, from the Cubist and Surrealist periods all the way to the prolific 1960s Giacometti has work towards freedom of movement. To understand this it is important to remember that Giacometti was born at the brink of the 20th century, in 1901 to be exact. All the works exhibited, such as portrait drawings, paintings, manuscripts and other archival material, provide abundant clues for a comprehensive understanding and appreciation not only of Giacometti’s art but also of his times. The extremely tiny works that the artist created in his 23-square-meter studio in Paris and the later works - huge monumental bronze sculptures created for New York Chase Manhattan Plaza, all convey an existential spirit and humanism. The exhibition is not only a comprehensive review of the artist`s creation career, but also tries to reflect the culture and life of an exciting era after the war.

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Giacometti is an artist acclaimed by the world’s community of artists because he embodied the spirit of modernism into his epoch. Compared to other modern art exhibitions, this show is dedicated to presenting a “contemporary” Giacometti. Bringing this modernist master into a contemporary art space, which is converted from a huge aviation hangar, to have an open conversation with today’s audiences and the contemporary art world. The exhibition will also provide strong historical context support to the Yuz Museum’s rich collections of contemporary art : 50 Chinese artists will participate in the countdown activity “50 ways to see Giacometti”, which will provide a vivid reference and inspiration for the audience to understand and appreciate Giacometti. z

Giacometti Retrospective Presented by Yuz Museum & Fondation Giacometti Curated by Catherine Grenier & Christian Alandete From Mar 22 to July 31, 2016 Yuz Museum, No.35, Fenggu Road, Xuhui District, West Bund, Shanghai

二十世纪最伟大的雕塑家阿尔贝托贾科梅蒂的中国首秀在余耀德美术馆举行。纵览艺术家漫长的艺术生涯，美术馆展出了艺术家从 1917年到1966年间250件艺术品。阿尔贝托贾科梅蒂，二十世界最伟大的雕塑家之一，被看作是现代主义精神的集中体现。其作品反映了战后人们的心理和二十世纪的人文精神，已成为不朽名作。作为二十世纪现代艺术的代言人之一，贾科梅蒂对战后现代艺术的发展产生了深远影响，并激发鼓舞了东西方的众多艺术家。 1939年，随着二战的开始，他开始从记忆中创造形象。但每次当他试图创造不是源于生活的，已知的或是曾经见过的形象，这个形象会变得越来越小。当他离开被占领的法国首都回到他的家乡瑞士，贾科梅蒂希望创作与他在巴黎时相同的雕塑，看着他们一个渐次于一个地变小，变成微妙的、纯粹的、美好的形象。他一直坚持地追寻着更多。

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Tout tient à un fil, on est toujours en péril. Alberto Giacometti

Alberto Giacometti Tall Woman IV 1960 Bronze 270 x 31.5 x 56.5 cm Collection Fondation Giacometti, Paris inv. 19940174 © Estate Giacometti (Fondation Giacometti + ADAGP) Paris, 2015

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纤长脆弱、不堪一击的男女形象是贾科梅蒂的首创，至今已为人们所熟知。这些干瘦的年轻形象，有时没有手臂、没有膝盖或者没有肉体，但拥有一个更加饱满沧桑的内涵。他们更像是铅笔画，几乎没有物质形态，但却深深植根于地面。在他的画作中境界超然，展示了他如何优雅地看待人体，与此同时也是他对人类的态度。“如果你为我坐下，即使你我已相识，你仍然会成为一个完美陌生人。”在他银色幽暗的工作室拍摄时，贾科梅蒂如是说。从某种意义上来说，贾科梅蒂是一个存在主义者，即奠定了人的主体，不仅仅局限于思维的主体，也是行动、感觉、生存的人类个体。人类是不可知的，终究无法忍受孤独和复杂。从已知的文体和作品来看，贾科梅蒂可谓是雕塑界的萨特。从立体主义和超现实主义到后来的1960年代的整个职业生涯中，多产的贾科梅蒂始终致力于对自由的表达。值得注意的是贾科梅蒂出生于1901年，二十世纪的边缘。所有展出的作品，如人像素描，绘画，手稿等形式，不仅给贾科梅蒂提供了灵感和素材，也为全面理解和欣赏其所在时代的文化艺术提供了线索。不论是艺术家在他23平方的巴黎工作室创作他的微型作品，还是而后为纽约大通曼哈顿广场创作大型纪念铜像，都传达了存在主义的人文精神。本次展览不仅是对艺术家创作生涯的全面透视，还试图在二十世纪战争结束后，展现一个令人兴奋的新时代。贾科梅蒂是世界上广受赞誉的一位艺术家，因为他展现的现代主义精神具有划时代的意义。与其他现代艺术展览相较，这次展览着力推出“当代”的贾科梅蒂，将这位现代主义大师置于当代艺术的时空中，在当下的当代艺术世界中与当今的观者展开一轮全新的对话。本次展览也为余耀德美术馆所藏颇多的当代艺术提供了强有力的背景支持：五十位中国艺术家将参与倒计时活动“五十种方式解读贾科梅蒂”，为观众理解和欣赏贾科梅蒂提供一次生动的借鉴。 z

Rétrospective Giacometti Présenté par le Yuz Museum & la Fondation Giacometti Co-organisée par Catherine Grenier & Christian Alandete Du 22mars au 31 juillet, 2016 Yuz Museum, No.35, Fenggu Road, Xuhui District, West Bund, Shanghai

余德耀美术馆与贾科梅蒂基金会联合发布凯瑟琳·格雷妮尔与克里斯坦·阿兰迪特联合策展 2016年5月22日至7月31日余德耀美使馆，西岸，徐汇区丰谷路35号

GIACOMETTI : LA LIBERTE DE L’ETRE

Pour la première exposition en Chine du plus grand sculpteur du 20e siècle, Alberto Giacometti, le Yuz Museum de Shanghai présente 250 chefs-d'œuvre allant de 1917 à 1966, offrant ainsi une vue d'ensemble de la carrière de l'artiste et de son époque. Alberto Giacometti, est largement considéré comme l'incarnation de l'esprit du modernisme. Le travail de Giacometti est la représentation de la psychologie humaine d'après-guerre et l'esprit humaniste du 20ème siècle. Ses sculptures sont devenues à ce titre des chefs-d'œuvre immortels de l'Histoire de l'art. En tant que porte-parole de l'art de son siècle, Giacometti a un impact profond sur le développement de l'art moderne d'après-guerre, et a inspiré de nombreux artistes occidentaux comme d’ailleurs. En 1939, alors que la deuxième guerre mondiale a commencé, Giacometti commence par faire des sculptures de personnes qu’il connait de mémoire. Mais chaque fois qu'il s’essaye à créer l'image d'une personne qu’il a pourtant déjà vu, sa sculpture résulte en quelque chose de plus en plus petit. Sous l’Occupation, il quitte la capitale française pour revenir en sa Suisse natale. Làbas Giacometti essaye de faire les mêmes sculptures qu’à Paris, toujours en les voyant rétrécir sous ses doigts. En résultent de minuscules, subtils et fins objets. Pourtant, il persiste en sachant au plus profond de lui ce qu'il cherche à réaliser ainsi..

Ces hommes et ces femmes minces, aux silhouettes élancées, invraisemblablement fragiles peuvent être vues comme des distorsions, fruit de sa mémoire taquine ou visionnaire. C’est précisément cette caractéristique qui en fera un artiste à la touche reconnue entre toutes. Ses sujets trop maigres, parfois sans bras, ni genoux, sans chair, offrent en fait une dimension bien plus profonde. Ils sont presque comme des dessins au crayon, près à se dématérialiser et pourtant solidement ancrés sur place. Dans ses dessins Giacometti va même au-delà de la forme en la déstructurant, nous dévoilant comment il voit le corps humain. Giacometti perçoit l'être humain au-delà de son esprit et même de son corps. "Si vous posez pour moi, vous devenez un parfait inconnu, même si je vous connais », confie Giacometti filmé dans la pénombre argentée de son atelier. En ce sens, Giacometti est un existentialiste, tout importe dans le sujet humain, non seulement en tant que sujet pensant, mais aussi ses actions, ses sentiments. L'humanité est insondable, insupportablement solitaire et complexe, et Giacometti, selon cette idée, est en quelque sorte le Sartre de la sculpture. Tout au long de sa carrière, traversant les périodes cubistes et surréalistes aux années 60, Giacometti s’évertue à travailler la liberté de mouvement. Pour comprendre cela, il est important de se rappeler que Giacometti est né à l’orée du 20e siècle, en 1901 pour être exact. Toutes les œuvres exposées, comme les dessins The Magz

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Alberto Giacometti with Tall Woman IV in the courtyard of his studio, 1960 photo Annette Giacometti

de portraits, peintures, manuscrits et autres documents d'archives, fournissent des indices abondants pour une compréhension globale et l'appréciation non seulement de son art, mais aussi de son temps. Des premières œuvres minuscules que l'artiste a créé dans son atelier de 23 mètres carrés à Paris aux travaux ultérieurs - d'énormes sculptures monumentales en bronze créées pour New York Chase Manhattan Plaza - toutes véhiculent un esprit existentialiste et humaniste. L'exposition est non seulement un retour complet sur une carrière, mais offre également une vision de la vie d'une époque passionnante. Giacometti est un artiste acclamé parce qu'il incarne l'esprit du modernisme de son époque. Comparé à d'autres expositions d'art moderne, celle-ci offre une présentation très « contemporaine ». Présenter ce maître moderniste dans un musée d'art contemporain offre une nouvelle lecture de son travail et permet une conversation ouverte avec le public d'aujourd'hui. L'exposition propose aussi, sur une initiative du Yuz Museum, un dialogue avec l'art contemporain: 50 artistes chinois participeront à "50 façons de voir Giacometti", une façon supplémentaire, s’il en fallait plus, d’apprécier Giacometti sous un jour nouveau. z

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Zhang Dali, Demoltion Series, 2000, C-print

NEWS OF THE WORLD

ZHANG DALI DEMOLITION Zhang Dali, Autoportrait AK-47, bronze

hang Dali, a contemporary Chinese artist, has had a long-term interest in the rapidly changing face of China’s urban environment. His first significant artworks focused on the demolition of old neighborhoods in Beijing and the displacement of their long-term residents. Yet regardless of his stated interest in other people as the subject of his art, the work itself, especially in the early phase, seems clearly focused on his own mind. Zhang Dali is a conceptual artist with a diverse practice. He began his artmaking as a painter but now uses a range of different media and materials in order to express his concept. His work includes painting, photography, sculptural installations and text. In the early 90s Zhang Dali, who had discovered graffiti art in Italy in 1984, placed an image of his own bald head on buildings in Beijing scheduled for demolition, in paint initially and later through other means. In the example on the left we see his head, the details around are echoing the pattern of neurons and dendrites in the brain. Thus, even when he places the images next to an official decree scheduling the building for demolition and even though he himself has great concern for the poor individuals affected, the actual subject of his art is his own self.

Internationnaly famous artist Zhang Dali has always had at heart his country eventhough some of its recent changes left him dazzling and confused. Zhang Dali testifies about the marks changes leave on his own inspiration

In 1995 he began to make documentary photographs of the graffiti works that he had been making in Beijing. The “Dialogue and Demolition” series includes photography of his graffiti as well as his writings on the spread of development and changing face of China’s capital. Zhang Dali spray-painted silhouettes of his head on walls of condemned traditional structures throughout Beijing. Other works take the form of the same silhouette punched through the brick wall to create the head in profile as the negative space. He was motivated by the destruction of the older communal neighborhoods that were being replaced by skyscrappers and the rise of materialism. Zhang Dali’s works have been concerned with the vast social and cultural changes that occurred since the initiation of economic reforms in 1980s. His intention was to include documentation about the issues that his work evoked through a dialogue with his audience. The engagement with audience is part of the conceptual practice of the artist. A hollowed out profile provides a window to a view of the Imperial Palace, the Forbidden City, in the photograph from 1998 reproduced hereafter. It makes a striking contrast with the partly demolished walls of the traditional hutong communities that have lived just outside the palace walls for centuries. There is a great sense of loss in Zhang Dali’s works.

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Zhang Dali argues: “I believe that humans are the product of their environment. I am concerned about the changes in our living environment that have been imposed by money and power”. Zhang Dali’s tag “AK-47” also appeared on the walls marked for demolition. An AK47 is the widely used name of an assault rifle, developed by the Soviets, and used in many illicit coups worldwide. To the artist, AK-47 is the only symbol that appropriately conveys the scale of the violence that the power inflicts upon the individual. The AK47 tag was used as a motif in a series of paintings, the repeated motif defining the features of the portrait. later on he transformed the AK47 letters by chinese characters from slogans. The people depicted in Zhang Dali’s AK-47 and Slogan portraits are migrant workers who move in to China’s booming cities in search of work and higher wages. Because they are poor and uneducated they are subject to widespread discrimination and oppression. Zhang Dali’s intention is to give them a face to highlight their plight. z

Zhang Dali, Demolition: Forbidden City, Beijing, 1998, from the series “Dialogue and Demolition”, C-Print

张大力，中国当代艺术家，对于在快速发展和不断变化里的中国城市环境一直保持着多年的兴趣和关注。在他早期的作品里大多围绕北京城市建设过程中关于老城区的拆迁这一主题。张大力是一位涉猎于多个艺术领域的观念艺术家，最早以绘画开始他的艺术生涯，但现在则更注重通过多元的媒体和材料来表现他的观念。其中作品形式也包括了摄影，雕塑装置和文章作品等。在上世纪九十年代初的时候，张大力在意大利发现了涂鸦艺术，受到启发，后来他找到北京要被拆迁的房屋建筑，在那些破败的墙上画上他的人像侧影涂鸦，然后用照片记录下最后这个特殊环境下的效果。我们可以看到一栋建筑，也许是座庙，仿佛在这个人像的脑袋里生长，建筑物就形同人脑结构中的神经元细胞和树突。最后，虽然他将自己的头像公然画于被政府指定的拆迁房上，虽然他对这些不幸的势单力薄的平民百姓感到深深地同情，但他作品中真正的核心是，他在这个世界所扮演的角色和所站的位置。

1995年，他开始为他在北京创作过的涂鸦作品制作照片纪录片，为其归档。其中“对话与拆迁”系列就包括了他关于涂鸦作品的照片，以及他为首都北京这种无节制地建设和传播以及千变万化的城市面貌留下的文字。其他的制作是将砖墙挖空，塑造出相同的头部侧面轮廓，看上去就像一张照片的负片一样。当这些老城区里的旧建筑被摧毁破坏，取而代之的是不断崛起的高楼大厦和唯物主义，艺术家从而深深受到触动有感而发。随着八十年代经济改革初期，社会的进步和文化的更迭，张大力的作品也在改头换面，逐渐成型。他的目的就是希望通过这种纪实的表现形式与群众对话，并唤起人们对当今社会问题的关注。这是他艺术工作的核心观念之所在。透过一个镂空的人像我们可以看到的是皇宫紫荆城里的风景，艺术家在这里着重体现的就是一种强烈的感官和情绪的冲击，这些上百年守护着皇城的老胡同如今却面临着愚昧又机械的拆迁。张大力的作品表现了一种被抛弃的悲伤和荒凉。

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张大力说道，“我认为人是环境的产物，为此如今纸醉金迷钱权当道的环境深深地令我感到担忧。”张大力还有另一个人标识那就是 “AK47”字样，同时喷绘在墙上，AK47是产自前苏联最有代表性的军用枪支。不过对于艺术家而言，它是暴力的扩散最终伤及无辜个体的象征。“AK-47”字样被艺术家在系列作品里作为主要元素反复排列，以此拼凑出一个个人像。这些人物都是来自于中国农村的农民工，为了能够挣到更多的钱，他们不断地涌入大城市去打工。只因他们很穷，且大多没有受到过正规教育，便成为了一个受到广泛歧视和不公正压迫的弱势群体。张大力的作品则希望通过展示他们的面孔强调他们所处的困境。z

Zhang Dali, Demolition, C-print

hang Dali, artiste chinois contemporain, nourrit un intérêt particulier pour l’évolution rapide de l’environnement urbain en Chine. Ses premières œuvres importantes prennent pour sujet la démolition des vieux quartiers de Pékin et la délocalisation de leurs résidents de toujours. Zhang Dali est un artiste conceptuel avec une pratique diversifiée. Il a commencé sa création artistique en tant que peintre, mais utilise depuis une gamme de supports et de matériaux différents : photographie, installations, sculptures et textes. Au début des années 90 Zhang Dali, qui a découvert l’art du graffiti en Italie dans les années 80, a peint la silhouette de son propre crâne sur les bâtiments de Beijing voué à la démolition et qu’il a ensuite pris en photo dans ce contexte très particulier. Nous voyons un bâtiment, peut-être un temple, qui pousse dans sa tête, son architecture fait écho à la structure des neurones et des dendrites dans le cerveau. Ainsi, même s’il place son profil à côté d’un décret officiel de démolition et même s’il nourrit une grande compassion pour les personnes pauvres, le sujet réel de son art est lui-même : sa place dans ce monde.

En 1995, l’artiste commence à documenter ces graffiti qu’il avait fait à Pékin. La série « Dialogue et démolition » comprend la photographie de ses graffitis, ainsi que ses écrits sur la propagation effrénée du développement urbain et le visage changeant de la capitale chinoise. Ces silhouettes peintes à la bombe sur les murs de structures traditionnelles condamnées prennent sens. D’autres réalisations prennent la forme de cette même silhouette mais poinçonnée par des trous dans les murs de briques pour créer comme un espace négatif. Zhang Dali est inspiré par la destruction des quartiers anciens qui ont été remplacés par de grands buildings et la montée du matérialisme. Les œuvres de Zhang Dali sont mues par les vastes changements sociaux et culturels qui ont eu lieu depuis le début des réformes économiques des années 80. L’engagement fait partie de la pratique conceptuelle de l’artiste. Un profil creusé fournit une fenêtre avec vue sur le Palais impérial, la Cité Interdite. Il joue ainsi sur le contraste frappant entre les murs partiellement démolis des hutong (ces quartiers aniciens de Pékin) qui ont vécu à l’extérieur des murs du palais pendant des siècles. Il y a un grand sentiment d’abandon dans les œuvres de Zhang Dali. Zhang Dali affirme : « Je crois que les humains sont le produit de leur environnement. Je suis The Magz

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préoccupé par les changements dans notre environnement qui ont été imposées par l’argent et le pouvoir ». Le tag de Zhang Dali «AK-47» est également apparu sur les murs marqués pour la démolition à cette époque. «AK-47» est à la fois fusil d’assaut des Soviétiques, mais pour l’artiste il est le symbole qui de l’ampleur de la violence que le pouvoir inflige à l’individu. Le tag «AK47» a été utilisé par l’artiste comme motif dans une série de ses tableaux, le répétant à l’infini jusqu’à en faire apparaître un portrait. Les personnes représentées dans ces portraits de Zhang Dali sont des travailleurs migrants qui affluent vers les villes en plein essor de la Chine à la recherche de travail et de salaires plus élevés. Parce qu’ils sont pauvres et sans instruction, ils sont soumis à une discrimination généralisée. L’intention de Zhang Dali est de leur donner un visage et mettre en évidence leur sort. z

Zhang Dali, Slogan, 120X150cm, acrylique on canvas 2010 courtesy of the artist

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Zhang Dali, Slogan, 120X150cm, acrylique on canvas 2010 courtesy of the artist

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THE NATURE OF ART SCULPTURE IN QUESTION

Yayoi Kusama, Polka Pumpkin in Naoshima in Benesse Art Center

Outdoor monumental sculpture offers a different understanding of space. Many sculpture park projects have managed with time and patience to reinvent how art is shown, as well as its interaction with the public and its inscription in time. The time of nature is often not the same as that of the mere museum exhibition. Also, the perception of the space around us changes when looking at such artworks. Nature and aesthetics have long had a special relationship in Japanese culture, with the centrality of the landscape in Shinto Buddhism. Numerous artists from all around the world enjoy confronting their artworks to Nature. Famous sculptor Henry Moore’s conviction was that “sculpture is an art of the open air” and better appreciated outside: he was defending a very organic vision of art.

Jaume Plensa, at the Yorkshire Sculpture Park, UK

Zhang Huan Evoking Tradition at Storm King’s Outdoor Sculpture Park, USA

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A holistic approach is developed in many impressive sculpture park projects, especially in Japan where the concept was developed quite early on. In 1969, the Hakone Open Air Museum was one of the first outdoors museum. On a lot of land exceeding 70,000 square meters in the mountain valleys all started with the largest collection of Henry Moore’s sculptures. The collection was then enriched with about a hundred works of the biggest artists’ names in sculpture, such as Rodin and Miro. Japan because of its philosophy of respect for nature has many other sculpture parks. One is done at the scale of an entire island: Naoshima. Naoshima is a small town of less than 40,000 inhabitants, situated on one of the many islands of the Seto Inland Sea. At first it might seem a strange choice to create there what will become one of the most ambitious artistic projects nowadays. In 1992, billionaire Tatsuhiko Fukutake founded the Benesse (the word meaning “welfare” in latin) Art Site on the island. In contrast to the rapid urbanization, Fukutake advocates a return to the deeper meaning of things, nature and art. From the beach to the abandoned houses, all the places around the island accommodate art works by major artists. Yayoi Kusama polka dots pumpkin sculpture stands out against the background of this beautiful sea.

In Fukutake’s eyes, the best place to see contemporary art is not the museum’s white cube in New York, Paris or Tokyo. “Most city museums are just places to hang beautiful works. The art, the building and the environment should compete together to awaken the visitor. In Naoshima, it is a spiritual experience, “ shares the septuagenarian. One of Fukutake’s ambitions is that this collection continues well beyond his own life: “Through this project I seek a form of eternity. I want the project to be important at any age. “ In the United States there are also interesting similar projects. The Storm King Art Center located in New York, is all together a contemporary art outdoor museum, a sculpture garden and a “sculpted landscape” as in the Land Art. It covers a huge park of 200 hectares. This unique place was created in 1960 by Ralph E. Ogden and Peter Stern, to be initially the Hudson River Valley painters’ museum. It was quickly expanded to accommodate thirteen monumental sculptures by David Smith settled on the hills of Mountainville. In 1972, the permanent collections were enriched with modern works of Alexander Calder, Henry Moore, and Louise Nevelson. In England, the Yorkshire Sculpture Park (YSP), established in 1977, is an outdoor museum which showcases works of British artists such as Henry Moore and Barbara Hepworth also insisting on the nature of art. Its founder Peter Murray recalls: “The idea to start here was for the children, particularly to offer them a kinesthetic experience and sense of sculpture, to be able to walk around, to see the change in quality of light, etc. “ he shares. Artists who have so much to express and share through their sculpture inspire those builders into reveling the “Nature of Art”. Chinese sculptor Wang Keping works on big tree trees. They inspire his hands and as he always says: “It is the wood itself that guides me and tells me what to do.” The nodes of the tree lead the expert hand of the artist and make voluptuous shapes, which reveal another aspect of nature. Keping’s giant figures carved in wood take us back to our own humanity but also make us reflect upon ourselves. On another hand, Israeli artist Brigitte Nahon shares a more unconventional look, playing with nature rather than following its path. Nahon’s works, whether in wood, glass or stone, shed a light on the inherent imbalances in the world. An open cut in a stone reveals yellow pigments, as an unexpected treasure. A labyrinth wall of glass balls diffracts light and gives a distorted view of the apparent reality. Everything is perception in Nahon’s work, fragility and context.

Up : Wang Keping, Le Cri Left : Wang Keping, Untitled Sculpture on wood

Chinese artist Liu Bolin also created several sculptures in stainless steel with a mirrored surface. The mirror surfaced sculpture blends into the environment, and almost disappears. The artwork is more difficult to grasp as it reflects its surroundings. On ancient Chinese chairs sunflowers (symbols of the human following silently the sun) grow, subtly showing the contrast between past and present. A fist heavily crashing to the ground, reflects its surroundings. In both works the inscription in the context makes the message subtler and introspective.

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Spring 2016

Young French artist Prune Nourry created hands in bronze shaped like an insect, a spider more specifically. It is a work that can be understood in different ways depending on where it is placed. In natural surroundings it shows our animal nature, and we are also invited to think of us, human beings, in a new light. Art and nature surpass the Human figure, bringing it back to its reality, its temporality, mortality, and we are projected into infinity. In the well spoken words of Fukutake all this can be seen as a spiritual quest. z

LA NATURE DE L’ART La sculpture monumentale extérieure propose une appréhension de l’espace différente. De nombreux projets de parcs de sculpture ont su avec temps et patience réinventer le rapport de l’œuvre d’art à son lieu de monstration, mais aussi son interaction avec le public ainsi que son inscription dans le temps. Le temps de la nature n’étant souvent pas le même que celui de la simple exposition muséale. La sculpture monumentale extérieure souligne une nature renouvelée de façon inattendue. La perception de l’espace qui nous entoure en est modifiée. La nature et l’esthétique entretiennent un rapport spécial depuis longtemps, en particulier dans la culture japonaise où le paysage tient un rôle central dans le shintoïsme. Nombreux sont les artistes de tous les horizons qui aiment confronter leur sculpture à la nature. Le célèbre sculpteur du 20ème siècle Henry Moore nourrissait la conviction que « la sculpture est un art de l’extérieur » et ne pouvait qu’être ben apprécié placée dehors, défendant ainsi une vision quasi organique de l’art. une approche holistique est ainsi développée dans de nombreux projets globaux impressionnants, en particulier au Japon où le concept a été développé très tôt. Ces volontés étonnantes de développeur de parcs de sculptures sont l’illustration de ce rapport étonnant que la sculpture peut avoir avec son public. En 1969, le Hakone Open Air Museum est le premier musée d’art en extérieur. Sont présentées dans ces vallons montagneux, sur plus de 70 000 m², à la fois la plus grande collection

de sculpture d’Henry Moore et une centaine d’œuvres des plus grands noms de la sculpture du monde entier, tels Rodin ou Miro. Le Japon du fait de sa philosophie de respect de la nature érigée en art de vie, compte encore de nombreux parcs de sculpture tels que celui développé à l’échelle d’une île entière à Naoshima. Cette petite ville, de moins de 40 000 habitants, située sur l’un des nombreux îlots de la mer intérieure de Seto, peut paraitre un choix bien étrange pour créer ce qui va devenir l’un des projets artistiques les plus ambitieux de nos jours. En 1992, le milliardaire Tatsuhiko Fukutake fonde ainsi le Benesse (« bien-être » en latin) Art Site sur toute l’île. En opposition avec une urbanisation effrénée, Fukutake prône un retour au sens des choses, de la nature et les œuvres d’art. De la plage aux maisons abandonnées, il n’est d’endroits omis pour accueillir des œuvres d’art d’artistes majeurs. Ainsi, la citrouille à pois de Yayoi Kusama se détache sur fond de cette belle mer intérieure. Pour ce milliardaire le meilleur endroit pour voir de l’art contemporain n’est pas le cube blanc des musées de New York, Paris ou Tokyo. « La plupart des musées en ville sont juste des endroits pour accrocher de très belles œuvres. L’art, le bâtiment et l’environnement devraient concourir ensemble à éveiller le visiteur. A Naoshima, il s’agit d’une expérience spirituelle » déclare ce septuagénaire. Une des ambitions de Fukutake est que cette collection perdure bien au-delà de sa propre vie : « A travers ce projet je cherche une forme d’éternité. Je veux que le projet soit important à n’importe quelle époque ».

De la même façon aux Etats-Unis les artistes sont souvent invités à créer des œuvres pour des parcs de sculpture. Le Storm King Art Center situé dans l'État de New York, est tout à la fois un musée d'extérieur d'art contemporain, un jardin de sculptures, et un « paysage sculpté » au sens du Land art. Il s'étend sur un gigantesque parc de 200 ha. Ce lieu unique a été créé en 1960 par Ralph E. Ogden et Peter Stern, pour être initialement le musée des peintres de la vallée de l'Hudson River. Il fut très rapidement agrandi pour accueillir treize sculptures monumentales de David Smith installées sur les collines de Mountainville. À partir de 1972, les collections permanentes furent enrichies d'œuvres modernes d'Alexander Calder, Henry Moore, et Louise Nevelson. En Angleterre, le Yorkshire Sculpture Park, établi en 1977, est un musée en plein air où sont présentées des œuvres d'artistes britanniques tels que Henry Moore et Barbara Hepworth en insistant aussi sur le rapport à la nature de l’art. Son fondateur Peter Murray se souvient : « L'idée de le faire ici était au départ pour les enfants, en particulier pour leur offrir une expérience kinesthésique, du mouvement corporel et des sens, de la sculpture, pour être en mesure de marcher autour, pour voir le changement de qualité de la lumière, etc. », dit-il. Ce sont au départ des artistes qui inspirent à ces bâtisseurs l’envie de partager plus que l’amour de l’art, l’expérience de l’art. Le sculpteur chinois Wang Keping travaille ses troncs

Prune Nourry, Papa, 2014, Imbalance Serie, Bronze

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Spring 2016

Brigitte Nahon, Le Passage on The Champs- Elysées, Paris, 1999, Water, stainless steel, plexiglass white light, wood, 216x132 cm (9x71x45 feet) Photo : Mariwak, Paris © Brigitte NaHoN.

de bois qui l’inspirent en rappelant toujours « c’est le bois lui-même qui me guide et me dit quoi faire ». Les nœuds de l’arbre dirigent la main experte de l’artiste et font apparaitre des formes voluptueuses, qui révèlent un autre aspect de la nature. Ses personnages géants sculptés dans le bois nous ramènent à notre propre humanité mais aussi à nous interroger au plus profond de nous-même de « quel bois » nous sommes fait. A l’inverse l’artiste israélienne Brigitte Nahon porte sur le monde de la nature un regard plus décalée. Ses œuvres qu’elles soient en verre ou en pierre, nous éclairent plutôt sur les déséquilibres inhérents au monde. Une pierre ouverte en deux révèle du pigment de peinture jaune, comme un trésor inattendu. Un mur labyrinthique de boules de verre diffracte la lumière et nous donne une vision déformée de la réalité apparente. Tout n’est que perception dans son travail, fragilité et contexte.

Le chinois Liu Bolin a créé quant à lui plusieurs sculptures donc l’apparence en miroir fait qu’elles se fondent dans l’environnement, jusqu’à presque disparaitre. La matière même de l’œuvre lui confère cette propriété qui fait que l’œuvre est plus difficile à appréhender tant elle réfléchit ce qui l’entoure. Sur des chaises chinoises anciennes poussent des tournesols (symboles de l’humain qui suit sans mot dire le soleil), montrant subtilement l’opposition entre passé et présent. Un poing s’écrase lourdement sur le sol, tout en réfléchissant les alentours. Dans ces deux œuvres l’inscription dans le contexte rend le message à la fois plus subtil et introspectif. La jeune artiste française Prune Nourry créé avec ses mains en bronze en forme d’insecte une œuvre qui elle aussi peut être appréhendée de façons différentes selon où elle serait placée. Dans la nature elle reprend son caractère animalier, et nous invite aussi à nous penser, en tant qu’êtres humains, sous un nouveau jour. The Magz

Spring 2016

Art et nature surpassent l’Homme le ramenant à sa réalité, qu’il s’agisse de sens ou de temporalité, de mortalité, et nous projette dans un infini qui comme le disait bien Fukutake est de l’ordre de la quête spirituelle. z

Brigitte Nahon, Devoted Being, 2006, Glass, granite Opened Life, 2006, Tamil Nadu Granite, Tumeric ÂŠ Brigitte NaHoN

Liu Bolin NO.13, sculpture stainless steel, 2008 220 cm x 140 cm Edition de 6 ex + 2 AP

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Spring 2016

室外大型雕塑与其摆放空间是否契合尤为重要。越来越多雕塑公园经过时间和经验总结出不仅应当建立起艺术品与展览地点之间的关联，也应当注重与观众的互动。自然的时态往往不同于展览的时态。将雕塑安置室外也烘托出了一种它被创新的方式所改革的自然状态。我们周围有关于空间的感知正在改变。很长时间以来，自然与美学维持着一种特殊的关系，尤其是在日本文化中，“风景”在神道主义里扮演着一个核心角色。来自各个平台的众多艺术家都喜欢将他们的雕塑与自然相对照。二十世纪著名雕刻家Henry Moore 培育了一种《雕塑艺术是一种室外艺术》，只有安置在室外才能欣赏，才能保护住艺术品散发出的一种原汁原味的视觉效果。如此一来，“ 整体主义”便在许多题材项目中逐渐发展，尤其在最早深入这个理论的日本。这些强烈希望能够发展雕塑公园的心愿便是对室外雕塑艺术与大众们之间良好互动取得的效果的最佳阐释。

1969年，Hakone Open Air Museum 是第一个室外艺术博物馆。占地在超过七万平方米的山谷中，同时是Henry Moore的雕塑品最大藏家，以及藏有其余上百件来自世界各地著名雕塑家的作品，例如罗丹、米罗等。日本的哲学体系里认为生命艺术应当建立在尊重自然的基础上。其中包括了许多类似于以一个岛屿为规模的雕塑公园，例如Naoshima，低于四万人口的小城市，是坐落在Seto内海的众多小岛中的一个。难以想象为何当初选建在这里且还成为了当今最具有野心抱负的艺术项目。 1992年，亿万富翁Tatsuhiko Fukutake 在全岛建立了“贝恩斯”（译为“惬意”）艺术区。与疯狂而无节制发展的城市建设相悖，Fukutake崇尚的是万物、自然与艺术的意识的轮回。从海滩到废弃的房屋，无一处不用来迎接艺术品。就像，草间弥生的波点南瓜一样，在整片美丽的内海海域背景下脱颖而出。对于这个亿万富豪来讲，观看当代艺术的最佳地点不是纽约、巴黎或东京的博物馆的白色四方体里。这位七十岁的老人说：“大部分的城市博物馆都仅仅是一个悬挂漂亮作品的地方。艺术品、建筑物和环境应该共同促进启发参观者，在Naoshima，这是一次精神上的体验。”Fukutake的愿望之一就是这个收藏能够超越他的生命，永远这么持续下去。“以此寻找一种永恒的方式，可持续发展的方式。我希望它将来无论在什么时候依然都会是一个引人重视的项目”。 z

Liu Bolin NO.3, sculpture stainless steel

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Spring 2016

SIU HUNG TANG EMERGING TALENT

A NEW TAKE ON CHINESE INK

Siu Hung Tang, Rabbit Hole, Shanghai, courtesy of the artist

Born and raised in Nottingham, UK, British Born Chinese artist Siu Hung Tang (1977) has spent most of his adult life in Asia. Firstly in Hong Kong and now Shanghai, a place he calls home as well as his main inspiration.

Siu Hung Tang in action

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Spring 2016

Siu Tang started from a very early age on to paint. “I started painting when I was very young. My parents always said I loved to draw. It is later on though that I actually took up sculpting and then started to experiment more with my personal style and find my own voice.” He draws his inspiration from the city he resides in, focusing on the constant change between old Shanghai steeped in its traditions and heritage and the new Shanghai, aspirational and dynamic an ever-changing urban sprawl. His modern take on traditional Chinese “mountain and clouds” water color painting makes his work stand out. His link to traditional ink painting has even confused people who saw him doing murals: “Locals would ask me what I was writing as they couldn’t read it!”

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It is important to introduce work which a large audience can connect with immediately

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The artist’s style is about lines. With calligraphy as a cultural heritage, Siu Tang rejuvenates traditional ink paint and at the same time offers an new take in urban art. His black ink lines are controlled yet not stiff and rigid. They tell the new story of China today. Inspired by the actual context and the city that surrounds him, Siu Tang shifted from the mountains and clouds painting to new shapes he calls the “rabbit holes”. These draw attention to the walls around shanghai but rather than create vast scenic views this time he invites the viewer to use their imagination of where these painted holes in the wall might lead. “The rabbit holes of today are more about how I can adapt to different wall surfaces and materials to make them come to life in different surroundings”. From then on his style became even more refined and abstract, gained in colors and subtle shadings. The use of colors came as an addition to the traditional use of black, giving more layers to the work.

Now that Siu Tang has taken his work outside, his large abstract waves stand out from the mundane walls that cover Shanghai’s landscape. “I really enjoy the idea of just making people’s days a little less boring with art” On his link with the street art scene, Siu Tang shares that “it has played a huge part on how I paint and what I want to show the world. As a kid I watched street art from the sidelines always thinking it was for bad people, as that’s what we are led to believe, that these people are doing something criminal. I would always even as a kid create my own tags and draw on everything but never ventured to paint on walls. Until I came to Shanghai and the community here was so inviting. I went to paint around Shanghai’s old neighborhoods in search of new and interesting areas. And that’s when I met the old folk near cool docks area. They were super friendly and told me their stories of being relocated it was sad and moved me to paint some beautiful images as a last farewell memory of their time in the old neighborhoods. Moreover, I gained in freedom spatially speaking: Street art allowed me to do big pieces, there’s no limitations.” z

Né et élevé à Nottingham, au RoyaumeUni, l’artiste chinois Tang Siu Hung (1977) a passé la majeure partie de sa vie d’adulte en Asie : tout d’abord à Hong Kong, puis Shanghai qui est devenu sa ville. Siu Tang a très tôt peint. « J’ai commencé à peindre quand j’étais très jeune, mes parents racontent souvent que j’ai toujours aimé dessiner ». Plus tard il s’adonne à la sculpture et d’autres expérimentations, tout en recherchant son style personnel, « ma propre voix » comme il aime à dire. Il puise son inspiration dans cette ville où il réside en mettant l’accent sur le changement constant entre l’ancien Shanghai riche en traditions et patrimoine, et la nouvelle Shanghai : dynamique et ambitieuse, dont l’emprise urbaine est en constante évolution.

Son approche moderne de la peinture chinoise traditionnelle « de montagnes et de nuages » (appelée le shanshui) rend son travail spécifique. L’emploi ainsi de la peinture à l’encre traditionnelle rend son public de la première heure confus de prime abord : « Les habitants des lieux où je faisais des peintures murales me demandaient ce que j’écrivais car ils ne pouvaient pas le lire ». Le style de l’artiste est fondé sur la ligne. Avec la calligraphie comme un patrimoine culturel, Siu Tang rajeunit la peinture à l’encre traditionnelle et en même temps offre une nouvelle piste en art urbain. Ses lignes à l’encre noire sont tout en contrôle, et pourtant elles ne sont ni raides, ni rigides. Elles racontent la nouvelle histoire de la Chine d’aujourd’hui.

Siu Hung Tang, Rabbit Hole, Shanghai, courtesy of the artist

Inspiré par le contexte actuel et de la ville qui l’entoure, Siu Tang a ensuite évolué des montagnes et nuages vers de nouvelles formes qu’il appelle les « terriers ». Ceux-ci attirent l’attention sur les murs de Shanghai. Mais au lieu de créer de vastes vues panoramiques, cette fois-ci l’artiste invite le spectateur à utiliser son imagination et visualiser l’endroit où ces trous peints dans le mur pourraient conduire. « Les terriers d’aujourd’hui traitent de la façon dont je peux adapter ma peinture à différentes surfaces et matériaux pour rendre le tout le plus vivant possible ». Dès lors son style devient plus raffiné et encore plus abstrait, s’enrichissant de couleurs en dégradés et de nuances de plus en plus subtiles. L’utilisation de couleurs est comme un complément à l’utilisation traditionnelle du noir, donnant de la profondeur à son travail.

A présenter aussi son travail à l’extérieur, Siu Tang travaille sur la confrontation et le contraste entre ses grandes vagues abstraites et les murs banals qui font le paysage de Shanghai. « J’apprécie vraiment l’idée de rendre le quotidien des gens un peu moins ennuyeux avec de l’art » admet l’artiste. Sur son lien avec la scène Street Art, Siu Tang partage que le mouvement « a joué un rôle énorme sur la façon dont je peins et ce que je veux montrer au monde. En tant que gamin, je regardais cela un peu depuis les coulisses en pensant que c’était réservé aux criminels. J’avais mon propre tag, mais je n’osais pas l’apposer sur à mur, et ce jusqu’à mon arrivée à Shanghai. La communauté artistique ici a été tellement accueillante que j’ai pu rapidement aller peindre dans les vieux quartiers de la ville.

J’ai rencontré beaucoup de personnes âgées vivant dans ces quartiers qui ont partagé avec moi l’histoire de leurs vies. Parfois tristes ces histoires m’ont inspiré comme un adieu à une époque révolue. Par ailleurs, le Street Art m’a aussi permis de m’étendre dans l’espace, peindre de façon liberée car il n’y pas de limite. » z

Siu Hung Tang, Rabbit Hole, Shanghai, courtesy of the artist

中国艺术家1977年出生并成长于英国诺丁汉，如今主要活跃于亚洲，先是香港，随后定居上海。 Siu Tang 很早便接触了绘画，“我父母记得，在我还小的时候就一直对画画情有独钟。”此后又热衷于雕塑也涉及过其他尝试，不断地摸索方向，确立并成熟个人风格，发出“自己的声音” ，Siu Tang说道。他的灵感来源于这座他生活的城市，核心是突出旧上海的传统文化、历史遗迹与新上海的朝气蓬勃、锐意进取的不同，以此体现一方水土的生生不息，时刻变化。他将现代表达手法与中国传统“山云”绘画形式融合，尽展其别具一格。这样独出心裁地应用中国传统水墨几乎让所有观众在第一眼都难以斟辨：“当我画这些涂鸦的时候，路过的附近居民都会问我写的是什么，因为他们读不懂。” 艺术家风格的特点重在对于线条的把握，并精心结合书法，Siu Tang 在赋予中国水墨画以新生命的同时，也为街头艺术呈现了一番新面貌。其中，所有用黑墨描画的线条都经过设计和掌控，不僵硬死板。它们有意讲述着中国今天的故事。 Siu Tang 在生活环境和时代背景的引导下，推出了山云新画法，并称之为“洞穴”，这在上海的街头涂鸦中脱颖而出。将宽阔的全景视

觉绘画取而代之的是这些勾勒出的圈圈圆圆，可以结合想象，将人们带到天南地北，任何地方。“我努力让这些‘洞穴’能够在不同的材料不同的平面上尽可能地更活灵活现。”当渐变的颜色越发丰富，色调越发微妙时，他的风格变得更加精湛，抽象。缤纷的色彩应用犹如一贯的黑白中画龙点睛之笔，使其更加立体，形象。再谈他的街头作品仿佛一排排抽象的巨浪与城市的普通围墙对比着，如同一道风景线，点缀着上海这座都市。“我很感激能有这样的艺术作品为人们日常生活中黯然无味的街头带来一丝生机和艺术的气息。”一位艺术爱好者说。 Siu Tang 说：“涂鸦艺术如今已经成了我习惯的一种表达方式，然而当我还小的时候曾以为这是不光明磊落甚至如同犯罪般不可行的举动。我已经有了自己的符号，却不敢将它们画在墙上，直到我来到上海，这里的艺术氛围十分活跃也很热情，很快我便在旧城区附近找到了可以一展身手的地方，在那里结识了不少居住于此的老人，他们也常找我聊天，倾述关于他们的一生。有时候一些悲伤的故事能唤起我对逝去岁月的留恋也提醒着我该有一场终结和永别。除此之外，涂鸦艺术也让我在绘画的空间上得到了充分的满足，我喜欢这种自由自在无拘无束的感觉。” z

Siu Hung Tang, Rabbit Hole, Shanghai, courtesy of the artist

Siu Hung Tang, in situ work, courtesy of the artist

Siu Hung Tang, drawing on magazine, courtesy of the artist

Siu Hung Tang, Rabbit Hole, Shanghai, courtesy of the artist

When did you start collecting and what has been your trigger at first? We started in the 90s by collecting modern and contemporary art and design. The Chinese contemporary collection started later on after a visit to Shanghai. Quite rapidly, we were convinced that art is the mirror of society, and that Chinese contemporary will one day be considered like the historical reflection of this metamorphosis of the early 21st century. This radical change taking place in China for the past thirty years has really reflected on the Chinese art scene. This radical change results in a tremendous energy. Moreover the Chinese art scene lays on fundamentals that can’t be denied : - a 5,000 years rich history of culture - artists who graduated from fine art schools. - these artists are also very savy in new technologies and present on the web - an emerging market with great potential

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Dominique and Sylvain Lévy with their artworks. In the back painting by Zheng Guogu Waterfall (Landscape of the ‘Age of Empire‘), Photo : Stéphane Bisseuil

A PASSION FOR ART DSLCOLLECTION

Collecting is what turns an ordinary life into an extraordinary life

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COLLECTOR’S EYE

At some point, your activity as a collector got more structured. Tell us about this evolution : why did it happen and how do you live your passion now?

Sylvain and Dominique Levy are a couple madly in love with Art. As such they pursue their passion and became in less than a decade important on the Chinese contemporary art scene. In 2005, they started their private collection of Chinese Contemporary Art, entitled dslcollection. The aim of the collection is to promote the Chinese artistic scene, and to reach as much of the public as possible, through both traditional communication as well as digital technology. In 2014, dslcollection was recognized by Larry’s List as one of the top three most visible private collections online. Later on, the dslcollection also received the inaugural Asia Prize from The Art Newspaper. As the collection enters its tenth year Sylvain Levy candidly shares his passion in an exclusive interview with The Magz, telling us about how it started and where it stands now.

The Magz

In 2005, we decided to collect “differently” with what I call the spirit of the “cabinet of curiosities”. With my wife Dominique we decided to actively explore how to develop this collection by closely following two tectonic changes that the world gave us the opportunity to approach: - China changing the face of the world - The digital world transforming the vision and relationships and hence necessarily the art world. Now how can you describe the collection? How many works? What is its scope? We decided to create a unique and singular collection (as the ancestral relations between France and China!). The result is that although DSLcollection is one of the smallest 75

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collection in the world, today it is one of the most visible in the digital world as ranked by the Larry’s list. DSLcollection is developed as a project that needs to constantly reinvent itself in terms of objects collected as tools used to create new experiences in art. We are paying a lot of attention to how the younger generation connects and takes over its own culture. We were the first collectors to create an iPad app enabling the presentation of video artists. During a seminar on art and technologies, which took place in Tel Aviv a few days ago, I was very surprised by the number of young people who want to create startups in the art field. Do you pursue a mission in creating a collection that is so defined and consistent ? “Mission” would not the be the exact word. I would rather talk about the belief that a collection can also be worked on like a bonsai. The time and size factors can create quite a unique collection. For us, the notion of the number of artworks collected results in a difficult decision we took. We decided to limit the collection to 350 works and rotate 15% of it on a yearly basis. Do you have collector’s anecdotes about selection and acquisition to share? Behind each artwork we collect there is a story. Out of the 200 artists represented in the collection, we know almost personally 160 of them. Karen our daughter who speaks Mandarin and has lived in China is very helpful in our desire to be close to the Chinese art scene. And she is from the same generation as the artists themselves. We get into funny situations, artists invite us to go to karaoke and needless to say that we are not very good at singing by just reading the Chinese subtitles…

How do you manage such a collection on an every day basis? It is a great deal of work, especially considering that we do not have an organized structure to manage it. It is a deliberate choice, this collection remains a personal and family adventure. We want to be contacted, be in touch with all directly, especially through social networks. Your favorite recent discoveries ? The word discovery is interesting. For us it translates into “commissions” we do to the artists. Why ? Because when you commission an artwork you can document the entire creative process with photos or videos and sketches. When one day the artwork gets to be exhibited we are able to create a a full experience accompanying it. Discovery is our acquisition process. A dream for the collection ? We dream of transmitting the project to our children, not only transmitting a list of objects but also the whole experience. Because collecting is what turns an ordinary life into an extraordinary life. z

www.dslcollection.com

Your favorite works? It is impossible to pick one favorite. It would be like choosing a favorite amongst your own children. But for sure we can say that mainly go for XXL formats. What is the reason that made you share the collection online ? We are in the 21st century, in a world of sharing, especially with the Chinese public and with all age groups interested in art.

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Sylvain et Dominique Lévy sont deux amoureux à la ville comme dans l’Art. En tant que tels, ils poursuivent leur passion qui en à peine une décennie est devenue clé sur la scène artistique contemporaine chinoise. En 2005, ils débutent leur collection d’art chinois, la nommant la DSLcollection. L'objectif en est la promotion de la scène artistique chinoise, et l’envie de toucher le plus grand public possible, par la communication traditionnelle mais aussi les technologies numériques. En 2014, la DSLcollection a été reconnue par la Larry’s liste comme l'une des collections privées les plus visibles en ligne. S’en suit aussi l’Asia Prize décerné par l’Art Newspaper. Alors même que la collection entre dans sa dixième année, Sylvain Levy partage avec nous sa passion dans une interview exclusive pour The Magz. Il nous raconte comment tout a commencé et ce parcours si intime qui l’a mené jusque là.

Quand avez-vous commencé à collectionner et quels ont été les facteurs déclenchants ? Nous avons commencé à collectionner dans les années 90 l’art moderne puis contemporain puis le mobilier de designers. En ce qui concerne la collection d’art contemporain chinois, c’est à la suite d’une visite à Shanghai que notre collection a débuté. Très vite, nous avons eu la conviction que l’art est le miroir de la société, et que l’art contemporain chinois ne pourrait être que considéré un jour comme le reflet historique de cette métamorphose du début 21ème siècle. Ce changement radical que connaît la Chine depuis trente années est réellement reflété par la scène artistique chinoise. Ce changement radical se traduit par une formidable énergie. Et de toute évidence la scène artistique chinoise présente aujourd’hui plusieurs éléments fondamentaux : - un passé riche de 5.000 ans de culture - des artistes issus de très nombreuses écoles de beaux-arts qui utilisent aussi toutes les nouvelles technologies et sont visibles sur le web - un marché émergeant à fort potentiel

Shen Yuan. The Dinosaur Egg : a Kinder Surprise. 2001-2006. Installation : Fibre de verre 10 x 12 x 1,5 m

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A un certain moment (souvent cité comme ayant eu lieu en 2005) votre activité de collectionneur s’est structurée, racontez-nous cette évolution, pourquoi et la façon dont vous exercez votre passion désormais ? En 2005, nous avons très vite décidé de collectionner « différemment » avec ce que j’appellerai l’esprit du « cabinet de curiosités ». Avec mon épouse Dominique nous avons décidé de découvrir activement comment développer cette collection en suivant de très près deux changements tectoniques que le monde nous donnait l’occasion d’approcher : - La Chine en train de changer la face du monde - Le monde digital transformant la vision et les relations humaines et forcément le monde de l’art. Aujourd’hui comment pouvez-vous décrire la collection ? Combien d’œuvres ? Quel est son champ d’action ? Nous avons décidé de créer une collection unique et très singulière (comme les relations ancestrales entre la France et la Chine !). Le résultat étant que bien que DSLcollection soit l’une des plus petites collection au monde, elle est aujourd’hui l’une des plus visibles au niveau du monde digital selon le classement de la Larry’s liste. DSLcollection est élaboré

Dominique and Sylvain Lévy with their artworks. In front of Sylvain Lévy artwork by chinese artist Shen Yuan, The Dinosaur Egg : a Kinder Surprise, part of the nstallation, fiber glass, 2001-2006. Photo : Stéphane Bisseuil

comme un projet qui se doit de se réinventer constamment tant en termes des objets collectionnés que des outils utilisés pour créer de nouvelles expériences dans l’art. Nous sommes spécialement très attentifs à la façon dont la jeune génération se connecte et s’approprie la culture. Nous avons été les premiers collectionneurs à créer une application pour iPad permettant ainsi de voir les œuvres des artistes vidéastes. Lors d’un séminaire sur l’Art et la Tech qui s’est déroulé à Tel Aviv il y a quelques jours, j’ai été très surpris du nombre de jeunes qui veulent créer des start-ups dans le domaine de l’art. Vous donnez vous une mission en constituant une collection qui soit si resserrée et cohérente dans son champ d’action ? “Mission” n’est pas le mot. C’est plutôt la conviction qu’une collection peut aussi se travailler dans « l’esprit d’un Bonsaï » et que le temps et la taille permettent de créer une collection singulière. Pour nous, la notion du nombre d’œuvres collectionnées se traduit par un exercice difficile de limitation du nombre d’œuvres qui entrent dans la collection. Aujourd’hui, nous avons décidé de la limiter à 350 œuvres et changer 15% chaque année

Avez-vous une anecdote de collectionneur, notamment sur le choix et l’acquisition d’une œuvre en particulier, à partager ? Derrière chaque œuvre collectionnée, il y a une histoire. Sur les 200 artistes représentés dans la collection, nous en connaissons près de 160 personnellement. Karen notre fille qui parle mandarin et qui a vécu en Chine est très précieuse dans notre volonté d’être proche de la scène artistique chinoise. Il s’agit en plus d’une génération d’artistes qui lui sont proches. L’anecdote, c’est qu’au tout début de nos rencontres avec les artistes, ils voulaient très souvent nous proposer de diner et puis d’aller faire un karaoké ensemble. Mais autant vous dire que pour nous chanter avec des sous-titre en chinois c’était des situations plutôt drôles… Vos œuvres favorites ? Impossible de répondre à cette question. C’est comme me demander si je préfère particulièrement un de mes enfants. Mais ce qui est certain c’est que nous collectionnons surtout des formats XXL. Quel a été la raison qui vous a fait rendre la collection consultable en ligne ? Nous sommes au 21ème siècle dans un monde de partage, spécialement avec le public chinois et avec tout public s’intéressant à l’art. The Magz

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Comment se gère une collection au quotidien? Beaucoup de travail puisque nous n’avons pas de structure pour nous aider. C’est un choix volontaire, cette collection devant rester avant tout rester une aventure personnelle, familiale et nous souhaitons être joignable très directement notamment par les réseaux sociaux. Vos plus belles découvertes récentes ? Le mot découverte est intéressant. Pour nous il se traduit par de plus en plus par des commissions demandées aux artistes. Pourquoi? Parce que commissionner une œuvre permet de documenter tout le processus de création soit par des photos soit par des vidéos ou des esquisses et ainsi pouvoir créer autour d’une œuvre une véritable expérience le jour où elle sera exposée . La découverte c’est surtout cela notre processus d’acquisition. Un rêve pour la collection ? Transmettre le projet à nos enfants, et pas seulement des objets, parce que collectionner permet de transformer une vie ordinaire en une vie extraordinaire. z www.dslcollection.com

Dominique Lévy and daughter Karen Levy in front of the China Museum in Shanghai

Sylvain Levy 和 Dominique Levy 是艺术界里的一对知名夫妻，不到十年的时间，他们成为中国当代艺术市场的权威人物。2005年，他们开始了中国艺术品的收藏，命名为DSL收藏。目的是推广中国艺术平台，并有意接触到更多的大众媒体，其中尤其数字媒体。2014年，DSL收藏被列入业内最知名的 Larry list 名单，并被Art Newspaper授予Asia Prize殊荣。在他们进入收藏界的第十年之际，Slyvain Levy 接受了Magz杂志的专访，向我们讲述了他们在事业道路上点滴历程。您是从什么时候开始收藏的？当时出于什么原因？我们是从90年代起从事收藏，收藏范畴从现代艺术到当代艺术再到工艺设计。源于一次在上海的旅行，从此我们开始了中国当代艺术的收藏，也开启了我们的收藏生涯。很快，我们对艺术市场有了更坚定的信念，因为它是社会的一面镜子，中国当代艺术终有一日将为21世纪扭转世界局面添上历史性的一笔。果不其然，在中国近三十年来质的飞跃一般的改头换面当中，艺术发展尤为耀眼。其中，有助于中国艺术市场的腾飞有几个显要的因素： — 中国有闻名五千年的丰富历史。 —很多美院毕业的艺术家并不拘泥于传统受教，相反十分注重创新与开拓，尝试接触多元的表现形式。他们甚至都活跃于网络。 — 很具有潜力的市场氛围。据说您是从2005年开始组织您的收藏机构，您能否说说它的发展，以及为什么是从这个时候开始产生了如此的兴趣，您又是如经营它的？在2005年，我们很快地就决定了收藏不同风格，形式各异的艺术作品，我把它叫作一种“珍藏好奇”的精神。

我与我的丈夫Dominique决定在这日新月异的社会下细心发掘，顺势而为，以下两点是我们最需要把握的时机： — 中国正在开辟世界的新面貌。 — 数字信息的时代将改变我们的视觉甚至审美，也将改变人与人之间的关系往来，更将见证着艺术世界里的斗转星移。您如何形容“收藏”一词？您有多少收藏？它们的范畴？我们一心想打造唯一且独到的收藏事业（这就像历史上法国与中国多年来的关系一样！）。我们的成果就是，DSL收藏从白手起家，直至今天它被著名的Larry’s Liste私人收藏名单纳入排行。 DSL 收藏致力于两方面，其一，不断地更新藏品；另一使命便是根据自身为收藏界提供新的经验。同时，我们对新一代的网络应用也非常关注，为此我们有幸成为收藏界里第一位创建有关艺术家及其作品的I PAD应用的开拓者。在前几天于Tel Aviv开展的“艺术与科技”研讨会中，我很惊讶地发现如今已有很多青年对艺术领域的创业跃跃欲试。 The Magz

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您是否将精确收藏范围并且将一丝不苟纳入藏品视作您的准则？ “准则”这个词不太准确，应该说是一种“理念” 。从事收藏应该具有一种“种植盆栽”的精神，要有耐心，步步为营地建立一个与众不同的收藏体系。对于我们来说，控制藏品数量这方面，一直都不容易，如今我们确定了藏品总数350件，每年更新其中的15% 件。您是否能透露一些关于收藏的细节，尤其关于如何选择以及购入一件特殊的作品，并如何将它推广于大众的这一过程？在每一个藏品的背后都有一个相关的故事。200件作品的艺术家里，有160位是我们认识的。我们的女儿Karen会讲中文，并且在中国生活过，这也是我们对许多中国艺术品产生收藏兴趣的一大原因，其中一部分的艺术家也是与她同时代的。至于细节，比如说在我们与那些艺术家们的刚认识的时候，他们总是邀请我们一起吃晚饭再去唱卡拉OK，但问题是我们看不懂中文字幕，所以有时很尴尬但也很有意思…… 您最喜欢的作品是哪件？这是一个无法回答的问题。就好像在问我更喜欢自己的哪个孩子一样。但能够确定的是我们对大尺寸的作品似乎更感兴趣。是什么原因让您想到要将收藏的作品放到网上的？因为这是21世纪，一个崇尚分享，注重推广的时代。尤其对于中国市场，以及所有对艺术感兴趣的群众。日常中您是如何管理您的收藏的？这是一项非常繁琐的工作，因为没有任何机构的协助。但这也是我们自愿的选择，因为我们认为首先这是私人性的收藏，更关键的是希望能够独自面对相关的挑战，并且能通过网络更直接地获得更多工作机缘。您最近有没有什么一些值得一提的新发现？ “新发现”这一词很有意思。对于我们来说它的意思可以逐渐理解成艺术家的定做作品。为什么呢？因为定做的作品有助于将创作的过程记录归档，通过照片，录像，或者手稿等形式。这样，在作品展出的同时，也有它的创作过程在旁充实。我们有趣的发现即是我们收购作品的过程。您对您的收藏事业有怎样的“期待”？我们希望将它继承给我们的孩子，不仅仅是这些艺术品，更是在从业其间获得的道义，一种将平凡的生活变得不平凡的能量。 z

DALEAST

Daleast, Crashing ego, Johannesburg South Africa,2012, courtesy of the artist

Born in Wuhan in central China in 1984, the artist Daleast carefully remains anonymous. Yet this artist starts to be on everyone’s lips as one of the few Chinese artists to find a personal approach to street art.

PORTFOLIO

he dark imagery in Daleast’s art is undeniably captivating, woven with intricate details while focusing on simple subjects. Each of his art pieces is created with paint, yet they look as made of thousands of metal shards coming together to form beautiful shapes, often animals or objects. Within every piece of Daleast’s art, a pop of color is added in the background bringing his subject to life. At first some may think these are somber subjects. But, the use of fractured imagery and contrasting backgrounds gives his art a breath of energy and a soul. Technically the highlights of certain lines make them pop out from the wall or canvas. And being fragented as they are they become something surreal. The overall artistic effect, with the contrast between a darker base and touches of white on the top and the skillful

Secretive Daleast cultivates his own approach to art layering of lines, leads the viewer to to visually interpret the image in many different ways. When viewing Daleast’s art, there is seemingly magic in his ability to establish illusion with a certain combination of lines. Way back in time impressionists were alreday looking into what lines and spots can do to a painting. Daleast makes wonders here with movement, taking it to the next step. Movement adds a third dimension to mere painting. The moving energy makes them special. It is one aspect of his style and the one that makes Daleast’s art truly The Magz

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amazing. Skillfully he manipulates his splintered lines in order to capture the movement or the stillness. Daleast’s art is meant to capture its audience’s emotion in every way possible. With any graffiti artists, an underlying concern typically exists as to whether they will be interrupted before their piece is completed. Because graffiti and street art are not offered to the public in art houses or museums, artists like Daleast must be concerned with their timing and precision in addition to focusing on their subject. Often seen on building walls, derelict walls or other public spaces, this type of art can often be difficult to master, not just due to time constraints but also due to the available space. The fact that Daleast can achieve such intricate and mastered works of art while under that kind of pressure is simply extraordinary. z

Daleast, Duckayak, San Benedetto del Tronto, Italy, 2013, courtesy of the artist

Daleast, Adago Assai, Los Angeles, USA, 2013, courtesy of the artist

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semblant pour former des images, souvent des animaux ou des objets. Souvent dans ses oeuvres il tient à travaiiller un fond de couleur, créeant ainsi un contraste inattendu qui donne une bouffée d’énergie et une âme à des sujets qui pourrait parfois passer pour sombres.

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Daleast, TKOF wave, Rochester, USA, 2013, Photo : Mark Deff. courtesy of the artist

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there is seemingly magic in his ability to establish illusion

aleast (né en 1984 à Wuhan en Chine) est l’un des artistes urbains les plus prolifique et remarqué du moment, mais aussi un peintre accompli, sculpteur et artiste numérique. L’imagerie sombre des œuvres de Daleast est indéniablement captivante, faite de détails complexes tout en se concentrant sur des sujets simples. Chacune de ses œuvres d’art est créé en utilisant la peinture, ressemblant pourtant plutôt à des milliers d’éclats de métal se ras-

Daleast, Inertance W, Perth, Australia, 2015, courtesy of the artist

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Son travail sur l’effet de ligne est subtil. L’artiste se place dans la ligné des recherches des impressionistes qui jadis cherchaient comment rendre par des touches de peintures l’impression du moment. Dessous ce sont des lignes noires qui ancrent le sujet sur son support. Ensuite l’artiste ajoute des touches de lignes blanches qui apportent relief et mouvement. Le sujet peint semble se détacher du mur ou de la toile dans un curieux effet de 3D. L’illusion est totale dans cette combinaison de lignes et l’emerveillement au rendez-vous. Un autre aspect de son style, qui le rend unique parmi tant d’autres, est le facteur mouvement. Le tumulte, la tempête, un bond ou encore l’envol sont suggerés par ce magique arrêt sur image. Cette caractéristique offre ainsi une dimension supplémentaire au travail. L’artiste garde son public en haleine, suspendu, non pas à ses lèvres, mais à ses oeuvres. L’art de Daleast est destiné à capturer l’émotion de son public par tous les moyens. Le tout est en plus réalisé dans un tour de force certain. Pour les artistes issus du graffiti et du street art, une des préoccupations sous-jacente est généralement de savoir s’ils seront interrompus avant d’avoir terminé leur oeuvre. Ainsi des artistes comme Daleast doivent jouer avec le temps de la réalisation tout en jouant avec la précision. Souvent vu sur les murs des bâtiments ou autres espaces publics, ce type d’art peut souvent être difficile à maîtriser, et pas seulement en raison de contraintes de temps, mais aussi de par l’espace disponible. Le fait que Daleast parachève ces travaux, magistralement complexes, sous ce genre de pression est tout simplement extraordinaire. z

Daleast, Persistent parabola’, Portland, USA, 2014l courtesy of the artist

DAlest 杜翌，生于1984年，来自武汉的一位年轻艺术家，是如今涂鸦艺术家中最多产的，同时他也涉猎于绘画，雕塑以及电子艺术。 DAleast（中文名杜翌) 的作品中幽暗深邃的图像无疑是充满魅力的，小心翼翼地运用将繁琐的细节去描绘一个简单的客观对象。他的每一副作品实则是画出来的然而却都像是无数块碎片汇聚在一起构成的人像或者动物的图案。每一个墙面上的作品都在色彩的拿捏上花费了很多功夫，立体感也由此而来。 DAleast绝大多数的作品以动物为题材。他的许多作品着意于在墙上寥寥数笔制造阴影效果来塑造一个可被称作“前卫”的形象。利用一个较暗的背景色为基础，又用那些零散的笔触和明亮的线条勾勒出主体，赋予了这个图案栩栩如生跃然墙上的活力，冲破黑暗的力量。艺术家对于线条叠加的把握和组织能力令人惊叹，让人们可以从各个角度地欣赏作品。

当看到DAleast的作品时，我们常为他制造出的视觉错觉和繁复的线条组合所惊叹。他的作品总能给我们带来新的惊喜。正是这种风格，使得我们深深折服，他是如此巧妙地操纵着千变万化的线条，来捕捉每个物体的移动、形态、静止或甚至是与主体相匹配的一种气息或感觉。DAleast的艺术作品着实是扣人心弦，无一例外。对于涂鸦艺术家而言，通常有一个潜在担忧就是在作品完成之前会不会被中断。由于涂鸦艺术不是展馆中展出的作品，所以诸如DAleast的艺术家们除了关注题材本身还要关注速度和精确度。我们经常看到在建筑幕墙、废弃的旧墙和其他公共空间区域内，这类作品很难掌握，不仅仅是因为时间，也有空间的问题。难能可贵的是在这种挑战下，DAleast完成的如此迅速并且品质可佳。 z

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Daleast, No 108, Tin Town, South Africa, 2012, courtesy of the artist

Daleast, Defoliation P, Berlin, Germany, 2014, courtesy of the artist

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THE CLEMENT FOUNDATION

THE ISLANDS’ PASSION

AROUND THE WORLD

reshly inaugurated, the Clement Foundation is the first truly modern and contemporary art museum to emerge in the Caribbean. Born from the desire of a man both generous and visionary, the museum opens new perspectives for the Caribbean culture. Located in the town of Le François, the third largest city on the island of Martinique about twenty kilometers from the capital, the museum of the Clement Foundation is in a landscape already dedicated to culture, that of the ‘Habitation Clement’, a heritage site that preserves one of the oldest distilleries of the island. The Foundation is a must to visit as it is in the willingness to share an artistic heritage, culture and common roots too often forgotten about. “Promoting heritage of this region and its artists: that is our goal,” shares its founder Bernard Hayot.

Fondation Clément, Fort de France, Martinique, Photo : Stéphane Bisseuil

The place is a contemporary building that is both innovative and enshrined in the founding will: respect the heritage. Thus, the architect Bernard Reichen designed spaces that nestle alongside with existing old buildings, those of the historical distillery of Clement Rums. By day, the new building exudes a quiet charm with a welcoming glass entrance. At night, its greatness is revealed by a discrete set of lights through the walls recalling moucharabiehs. Inside, 1000 square meters have been built, including 600 square meters of exhibition spaces to which is added a magnificent library with 10,000 historical books about the history of the region. Some space is still available to accommodate more books in the future... The exhibition spaces are smartly dispatched because they do not shadow the artworks, they humbly magnify them. And this makes a big difference, making the inaugural exhibition, a retrospective by pop artist Herve Telemaque, particularly pleasant to visit. But these areas

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view from the exhibition hall, Fondation Clément, Fort de France, Martinique, Photo : Stéphane Bisseuil Fondation Clément, outside view at night, Fort de France, Martinique, Photo : Stéphane Bisseuil

are not intended to receive only large retrospectives. The layout of the halls allows, in the future, more modest shows; different exhibitions held in parallel and thus invent new formats. These new formats will also echo to the sculpture park which adjoins the museum parts. In the beautiful park many sculptures enrich the discovery of the place : totems by Christian Lapie made of burnt wood, a smiling bronze mask by Catherine Ikam and Louis Fléri, one Pablo Reinoso’s bench meets the Bernar Venet’s steel piece or Jeppe Hein’s mirror piece. While the owner shares: “I dream of an innovative Martinique, with artistic infrastructures that would allow this territory to be a player in major events in the art world“, the visitor discovers the Foundation through all its facets. The place itself is a place to rediscover by coming back as often as possible. z

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Fondation Clément, view of the Foundation from outside, at night Photo : Stéphane Bisseuil

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Fondation Clément, inside the exhibition halls, view from the Hervé Télémaque show Photo : Stéphane Bisseuil

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LA FONDATION CLEMENT : LA PASSION DES ÎLES.

raîchement inaugurée la Fondation Clément est le premier véritable musée d’art moderne et contemporain à voir le jour aux Antilles. Né de la volonté d’un homme à la fois visionnaire et généreux, ce musée ouvre de nouvelles perspectives pour la culture plastique caribéenne. Situé dans la ville du François, troisième plus grosse ville de l’île de la Martinique et située à une vingtaine de kilomètres de la capitale, le musée de la Fondation Clément s’inscrit dans un paysage déjà dédié à la culture, celui de l’Habitation Clément, site patrimonial qui préserve une des plus anciennes distilleries de l’île. La Fondation est on peut le dire un must à visiter tant il s’inscrit dans la volonté de partager un patrimoine artistique, une culture et des racines communes trop souvent éludés. « Valoriser le patrimoine de cette région et ses artistes, une profusion de talents, tel est notre objectif », explique Bernard Hayot. Le lieu est une construction contemporaine à la fois innovante et inscrite dans la volonté fondatrice de son mécène, Bernard Hayot, de respecter le patrimoine. Ainsi, l’architecte Bernard Reichen a su concevoir des espaces qui se lovent contre les lieux existants, ceux de la distillerie historique des Rhums Clément. De jour, le nouveau bâtiment exsude un charme discret avec une entrée vitrée accueillante. De nuit, sa grandeur se révèle par un discret jeu d’illuminations à travers ses murs rappelant des moucharabiehs.

Fondation Clément, inside the exhibition halls, view from the Hervé Télémaque show Photo : Stéphane Bisseuil

A l’intérieur, 1 000 mètres carrés ont été construits, dont 600 de salles d’exposition aux quels s’ajoutent une magnifique bibliothèque réunissant à ce jour quelques 10 000 ouvrages historique sur les Antilles. Place est déjà faite pour en accueillir plus… Des espaces d’exposition les premiers visiteurs louent déjà l’intelligence. Intelligents ces espaces le sont car ils n’écrasent pas les œuvres et pourtant ils les magnifient. Etonnant grand écart qui permet de rendre l’exposition inaugurale, d’Hervé Télémaque, particulièrement agréable à visiter. Mais ces espaces ne sont pas destinés à recevoir que de grandes rétrospectives. Le parcours architectural et la disposition des salles permet, pour le futur, la tenue d’exposition plus modestes ; d’expositions différentes réalisées en parallèle et d’inventer ainsi de nouveaux formats. Ces nouveaux formats pourront aussi se penser en écho au parc de sculpture qui jouxte le bâti. Dans le magnifique parc de la Fondation de nombreuses sculptures viennent enrichir encore la découverte des lieux : les magistraux totems de Christian Lapie en bois brulé, le masque souriant en bronze à facettes de Catherine Ikam et Louis Fléri, le banc de Pablo Reinoso qui répond à l’acier de Bernar Venet ou encore les miroirs de Jeppe Hein.

Fondation Clément, inside the exhibition halls, Mr and Mrs Flageul accompanied by Romain Flageul and Magda Danysz. Photo : Stéphane Bisseuil

Alors que son bâtisseur se confie : « je rêve d’une Martinique innovante, d’un tissu artistique lui permettant d’être acteur des grands événements dans le monde de l’art », le visiteur de la Fondation découvre à travers toutes ces facettes la richesse d’un lieu. A l’image de son fondateur le lieu invite à y revenir et découvrir tous ses recoins. z

Fondation Clément, inside the exhibition halls, view from the reading rooms, Photo : Stéphane Bisseuil

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Clement 基金会岛屿之恋近年来成立的Clément 基金会是安的列斯群岛上名副其实的第一个现当代艺术博物馆。创始人前卫的艺术思想使博物馆得以揭开加勒比艺术的新面貌。基金会坐落在法国海外省，马提尼克岛上的第三大城市，弗朗索瓦，距离首都二十余公里的文化风景区。Clément 建筑地处岛屿上年代最古老的酒厂历史遗址之一。Clément 基金会将分享传统艺术这种根深蒂固的却又容易被忽略被规避的文化，奉为宗旨。“弘扬这一地带的本土文化以及艺术家，让我们重新认识到他们的价值与才华，是我们的使命。”Bernard Hayot 先生解释道。场地的建筑风格十分现代、创新。与此同时基金会资助人兼创始人，Bernard Hayot 先生也强调了设计时对历史原建筑的保护。如此一来，建筑师Bernard Reichen便萌生了这样的构思，让原建筑即历史悠久的 RHUMS CLEMENT酒厂被新建筑包裹其中。白天时新建筑外围的落地镜面以及夜幕中从墙里散发出光源的设计凸显出的遮窗格栅，让我们不禁联想到阿拉伯式建筑。这也让展馆的整体风格显得更加别出心裁。馆内占地1000平方米分为600间展厅，并设有一间收集了10000有关安的列斯岛的历史文献藏书馆，且为将来更多的收藏预留了空间。展览馆经过首次展出之后收到一致赞誉，空间的利用更是精湛巧妙，不会局促狭小，使作品看上去似乎无处施展，其实是让其得到了升华。例如在首位举办个展的艺术家Hervé Télémarque 展览期间，作品摆放的间距之合理及宽敞，让场地格外舒适。展馆也不仅用于艺术家的大型个展，建筑线路和展厅的设计同时也可以提供给更多的小型朴素的亦或是形式各异的展览。这些新兴形式的作品与场地外围的雕塑公园里的作品交相辉映。在这基金会的大花园里已有各路雕塑的点缀，例如，Christian Lapie傲人的焦木图腾；Catherine Ikam 和Louis Fléri的青铜笑脸面具，以及Pablo Reinoso的长木椅，Bernar Venet的钢筋圈，还有 Jeppe Hein的镜面。基金会的创始人说道：“我仿佛看到了一个全新的马提尼克岛，一件艺术的衣装将它打造成了全球艺术圣地的一员。”与此同时，基金会的参观访客也向我们表达了对其瑰丽多彩的环境之赞叹，以及对基金会的未来寄予的厚望。 z

Fondation Clément, architect Bernard Reichen presenting the museum. Photo : Stéphane Bisseuil

Fondation Clément, former french wMinister of Culture Jacques Toubon and wife Lise Toubon with Magda Danysz. Photo : Stéphane Bisseuil

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From top to bottom and left to right : 1 : View from the exhibition halls 2 : Serge Lasvignes, President of Centre George Pompidou 3 : Patrick Bonghers (art dealer), Magda Danysz and Alexia Guggemos (Huffington Post) 4 : View from the exhibition halls 5 : Philippe Lavil (composer and singer) 6 : View from the exhibition halls 7 : Alfred Pacquement (former President of Centre George Pompidou) and his wife All photos : StĂŠphane Bisseuil

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CALENDAR OF EVENT SP R I N G 2 0 16

MAR 12 March 2016 : Marion Peck Solo Show Magda Danysz Gallery – Paris MAY

18 March 2016 : Huang Yongping “Bâton Serpent III: Spur Track to the Left Power Station of Art - Shanghai

7 May 2016 : Knock on wood Group Show Magda Danysz Gallery – Paris

20 March 2016 : Olafur Eliasson: “Nothingness is not nothing at all” Long Museum - Shanghai

Until 12 May 2016 : Erwin Olaf Catwalk Rijksmuseum - Amsetrdam

APR 9 April 2016 : Siu Hung Tang Solo Show Magda Danysz Gallery – Shanghai

MAR 22 March 2016 : Vhils Solo Show HOCA Foundation – Hong Kong

APR Until 2 April 2016 : Télémaque Fondation Clément Martinique

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14 May 2016 : Charles Pétillon Solo Show and Installation Magda Danysz Gallery – Shanghai 20 May 2016 : Choices curator: Laurent Le Bon Palais de Tokyo - Paris

MOMENTS

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