Nico International #3 2009

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Faces: Paris

by Philippe Graff

Minimal French Tailoring

Jean Touitou

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Art Pop

Stéphane Manel

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Action Collective

Fashion Group Paris

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Carnival Bauhaus

Andrea Crews

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Pure Sophistication

Lutz

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L’anartiste

Kim Chapiron

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Comme un homme…

Junya Watanabe

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Une classe à part

Quai de Valmy

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Source de lumière

Cosmic Wonder Light Source

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Divertissant et révoltant à la fois

Loïc Prigent

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My name is Britta…

Britta Uschkamp

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Les artistes surfent aussi parfois

Brad Rida

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The art of graphism

Ill Studio

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A new fox in town

Kitsuné

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Tout ce qui n’est pas vêtement est accessoire Yaz Bukey

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Street Couture

Pain O Chokolat

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Very Pop Elegance

Berengère Claire

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Une brève histoire de l’art

agnès b

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Interviews Coco de Mer, Erotic Luxury

Sam Roddick

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Jean-Paul Lespagnard

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Makiko Sugawa

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Sandra Backlund

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Bart & Lucy

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Kris Van Assche

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by Angelina A. Rafii

Le Petit Prince de Wallonie

by Philippe Graff

A Boudoir of One’s Own

by Sara Nicole Prickett

The Dreaming

by Justin Morin

Thank God it’s Friday

by Merel Kokhuis

There must be an angel

by Philippe Graff

Lions, pencils, dots and gongs…

Design Awards seen by Angus Hyland 110

by Steven Bateman

Unsexy eroticism with a smile

Knotan

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Sølve Sundsbø

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Vassilis Zidianakis

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by Boyd Van Hoeij

Beauty in Motion

by Philippe Graff

Paper Dolls

by Céline Coubray

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Fashion Heidi

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by Anoush Abrar & Aimée Hoving

What’s a girl to do

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by Fred Jacobs

Denim or Deny

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by Valérie Archeno

The Truth is Outside There

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by Steeve Beckouet

Translations

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My 2009

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Masthead Cover Illustration by Makiko Sugawa

Published by

Managing Editor & Creative Director: Mike Koedinger mike@mikekoedinger.com

www.mikekoedinger.com

Managing Editor Paris: Philippe Graff philippe@nicomagazine.com Fashion Editor & Coordination: Angelina A. Rafii afsi@nicomagazine.com Art Director: Guido Kröger guido@INgrid.eu Interviews by Steven Bateman, Celine Coubray, Philippe Graff, Merel Kokhuis, Justin Morin, Sarah Nicole Prickett, Angelina A. Rafii, Boyd Van Hoeij.

Portrait Photography by Sebastien Agnetti, Christian Aschman, Serkan Emiroglu, Pierre Even, Louise Hilton, Takeshi Miyamoto, Luke Stephenson.

Fashion Photography by Anoush Abrar & Aimée Hoving, Valérie Archeno, Steeve Beckouet, Fred Jacobs, Sofia Sanchez & Mauro Mongiello.

Style by Thomas Clodine-Florent, Celine de Selva, Annabelle Jouot, Sorrel Kinder, Yoko Miyake, Mauricio Nardi.

10 rue des Gaulois, L-1618 Luxembourg (Europe) Phone: 00352 – 29 66 18 Fax: 00352 – 26 18 74 77 Write to: PO Box 728, L-2017 Luxembourg (Europe) E-mail: office@mikekoedinger.com Advertising TEMPO – www.tempo.lu Associate Manager: Aurelio Angius Associate Sales Manager: Francis Gasparotto Phone: 00352-27 17 27 27-1 Fax: 00352-26 29 66 20 E-mail: info@tempo.lu Worldwide Subscriptions: www.nicomagazine.com Printed in Luxembourg by Qatena Papers: Luxosamt 100 grs Types: Mrs. Eaves, Janson Text, The Sans.

Distribution: France: MLP, Stephane Caillard, caillard@mlp.fr Ofr, info@ofrpublications.com Belgium: AMP, Bert Engelen, bert.engelen@ampnet.be The Netherlands: Betapress, Hubert Schrijver H.Schrijver@betapress.audax.nl Spain: Actar D, Carla Renau, clara@actar.com Rest of the world: PML, Steve Hobbs, shcirculation@ntlworld.com.

Illustrations by Stéphane Manel Production and editing: Nathalie Lemaire, Angelina A. Rafii Layout produced by INgrid – www.INgrid.eu

Or send an email to: distribution@mikekoedinger.com © Editions Mike Koedinger SA 2008 Luxembourg (Europe)

Call for entries – writers, photographers, creatives visit www.nicomagazine.com and submit your work.

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Contributors Christian Aschman Christian Aschman has his roots in Luxembourg but is based in Brussels.

He has shot fashion stories for Madame Figaro, ELLE Belgique, Votre Beauté, Têtu, and Nico. He recently shot a series for Kaiserin magazin and has been ina number of exhibitions from Luxembourg, to Warsaw, Lodz, Poznan and New York.

Anoush abrar & Aimee hoving Anoush from Iran and Aimée a Dutch national, started working together in 2004 after having finished art school.

Their work has been exhibited in several museums and galleries, including: “Musée de l’Elysée”, Switzerland, “Harold’s Gallery”, in LA and “Maison européenne de la photographie”, in Paris. Their photographs have been featured in W magazine, French and Japanese Vogue, Vogue Hommes International, L’Officiel, Slash Magazine, New York Magazine, Tokion Magazine, Colors, Libération, Frame Magazine, Die Weltwoche, Das Magazin, Frog, and Bolero. They are represented by Carole Lambert. For Nico the duo went to the Swiss Alps to shoot the fashion series Heidi.

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Steven Bateman Steven has worked in the design industry for over ten years. As a freelance copywriter he’s worked with leading design companies including NB: Studio, ico, Pentagram, Purpose, &SMITH, Dowling Design & Art Direction, Wladimir Marnich and Studio8 Design.

He was assistant editor of C/ID: visual identity and branding for the arts and Picture Book: contemporary illustration, and assistant curator of the awardwinning exhibition Ballpoint. He is a regular contributor to Grafik magazine and also works with the Museum and Contemporary Collection at Central Saint Martins in London. In this issue of Nico, Steven took a look at Design Awards.

Steeve Beckouet Steeve Beckouet is a fashion photographer based in Paris working only on men. He tries to have a high and clear vision of fashion for men, in a modern and poetic way. Before becoming a photographer, he was a pianist, learning classical music at the Conservatory of music and and studying musicology at the Sorbonne. For Nico he shot the truth is outside there.

Sébastien Agnetti Sébastien Agnetti was born in Geneva in 1976, he lives and works between Paris and Switzerland. He works on a regular basis for Citizen K, The Wire, Vibrations, Amusement, Das Magazin and is involved with a number of art centers. For Nico he shot the first ten Paris Faces.

Thomas Clodine-Florent Born in Créteil, Thomas Clodine-Florent, has only one addiction: the beauty of concrete and metal. He is a model with Karin in Paris, and is interested in everything ranging from photo, to styling. With Sebastien Agnetti he worked on the production of the Paris portraits.

Valérie Archeno A photographer capturing music, fashion and advertising, Valérie currently resides in Paris and collaborates with a number of fashion magazines.

She has also in parallel developed her personal projects focusing on characters on the verge of the absurd, which were often featured in exhibitions. She has recently diverted her attention to video work. For Nico she shot Denim or Deny.

Céline Coubray Céline is an art historian, specialized in contemporary creation. Before joining Mike Koedinger Editions as the Group’s Fashion & Design Editor, she served as a conference guide at the Pompidou Center & project manager at the Frac Nord-Pas de Calais where she worked on numerous projects and exhibitions combining design, contemporary art and fashion. In this issue, Céline uncovered the paper fashion exhibits.

Serkan Emiroglu Serkan Emiroglu was born just outside of Istanbul, where he later moved as a teenager. He left his studies in electrical engineering to study photography and began assisting in still-life studio.

While finishing his studies, he soon began shooting fashion for local and international magazines in Turkey.

For the last few years he has been based in Europe, residing in Brussels.

Serkan’s editorials have been published in Nico, Addict Magazine, Marie Claire Turkey, Elle Turkey, Ikidebir, Harper’s Bazaar Turkey.

Pierre Even Pierre Even was born in 1967. He graduated from Ecole Nationale de la Photographie in Arles and lives in Paris.

He spends his time doing personal projects, fashion images, portraits and advertising. Pierre has contributed since the beginning to Frog, Numéro, Numéro Homme, Paradis and Purple Fashion just to name a few. His advertising clients include leading brands like Hermès and Dior Joaillerie. He has photographed many high profile celebrities such as Alber Elbaz, Stephano Pilati, Clemence Poesy, Sonia Rykiel and Olivier Theyskens. For Nico he shot Kris Van Assche.

Louise Hilton Louise graduated from Camberwell College of Art with BA Fine art/ Graphic design.

During that summer she assisted photographers and met heros Nick Knight and David Bailey. In 1998 she joined her father’s design business based in London, designing anything from cd packaging to corporate identity to fashion illustration and magazines such as ELLE, NME and Smash Hits.

Louise is an occassinoal presenter on London’s first Art’s radio station, ResonanceFM. In 2006 she decided to return to London College of Fashion to study MA fashion photography which has been a lifetime passion. She has been enjoying working as a fashion, music and portrait photographer since. She met up with Sandra Backlund in London to shoot her beautiful portrait.

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Boyd Van Hoeij Boyd is a Europe-based freelance arts and film writer. He is a contributing critic for US trade paper Variety and also writes for a host of other publications and websites. At college, he taught photography, which came in handy for his Nico interview with Swedish photographer Knotan.

Annabelle Jouot Annabelle Jouot, a fashion stylist based in Paris, works for many international fashion magazines such as Dazed & Confused, Metal, Jalouse, Odds & Ends. When she is not shooting fashion stories with talentuous photographers (Ellen Von Unwerth, André Wolf, Hasse Nielsen), she’s practicing classical ballet and singing on Vega, the new LP from her singer husband Julien Ribot.

For Nico, she styled the truth is outside there, with photographer Steeve Beckouet.

Sorrel Kinder Sorrel Kinder is a freelance stylist based in London; she previously worked at international design bible Wallpaper, working for 6 years on cutting edge fashion shoots in far-off places. Taking her ideas to a whole new level, Sorrel turned freelance earlier this year, still contributing to Wallpaper and working on commissions from the likes of You magazine, Burberry and Stumuli. Sorrel met up with Anoush and Aimee to bring you Heidi.

Merel Kokhuis Merel Kokhuis is working as a managing editor of the international design magazine Frame. She does not only do freelance design interviews for Nico, but she has also recently started a pr company for designers with two friends, called DesignPR. They teamed up to help young designers get their work published and produced. In this issue, she met up with creative duo Bart & Lucy.

Stéphane Manel Stephane Manel, an illustrator, was born in 1971. His career began in 1997.

He has collaborated with numerous publications such as The Face, Citizen K, les Inrocks, Jalouse, Elle, Esquire, Playboy... and exhibits his work in the USA, Japon and in Europe. He has made visuals ranging from events: Respect - Ete d’Amour to album covers for Burgalat, Houellebecq, Gainsbourg, Sebastien Tellier and Pacific. His animation work for Pacific and Chromeo has definitely not gone unnoticed. This last experience will lead him to filming shortly while still retaining his love of illustration. In this issue Stephane drew three Nico openers.

Takeshi Miyamoto Takeshi Miyamoto started to practice portrait and landscape photography during his five-year experience in the airline industry, based in Tokyo and Hong Kong. He actively began working as a freelance photographer during his studies in Melbourne, Australia from 2002. He is currently based in Tokyo and continues to explore hispassion in editorial portraits and landscape photography through his work and exhibitions. In this issue of Nico Takeshi met up with the illustrator Makiko Sugawa in Osaka.

Justin Morin Whether preparing an exhibition or writing an article, Justin is always on the go. For Nico, he met up with the charming designer Sandra Backlund who was last years Hyères Festival winner. The interview reminds us that behind the glamour of fashion there is still a lot of hard work and passion.

Maurizio Nardi Trained at the “cours Berçot”, Mauricio Nardi, at just 29 years has already lived through having his own ready-to-wear brand. He has also worked at Ungaro and then Chloe.

He is now focusing on strong collaborations in photography and has worked for edgy publications such as A Magazine. Born in Switzerland to a Brazilian father and an Italian mother, he is fascinated with the Latin American sensuality that is romantic yet sober.

He is always in search of emotion in intense forms of expression. In Vamos Con Dios he illustrates tattooed bodies as if they were open books.

Sarah Nicole Prickett Sarah Nicole Prickett is a 23-year-old writer-about-town, the town in question being Toronto. She lives in miniskirts, coffee shops, and daydreams.

She’s a Libra and can’t decide whether that means anything. For Nico she was able to get a glimpse of Makiko Sugawa’s world.

Céline de Selva Céline de Selva has worked with a number of important publications such as Elle (France & US), Vogue Spain, and Air France Madame. She was the fashion editor of the latter for a period of two years. With her video directing siblings, she decided to create Studio Abel 14 where we shot the fashion series Denim or Deny which she incidentally also styled.

SOFIA SANCHEZ & MAURO MONGIELLO Based in Paris, Sofia & Mauro met in Buenos Aires (Argentina). Sofia was studying cinema while Mauro was playing music in a rock band. They met and decided to take pictures together.

Their photographic career began when they won the Picto price for young photographers then they started to exhibit in Palais de Tokyo and at the Museum of “Arts décoratifs” in Paris.

They are now working with Numéro, New York Times, New Yorker, Flair, Russian Vogue, Ten, Citizen K. They had the great opportunity to shoot a lot of artists’ portfolios for the New York Times magazine where they did a special Almodovar portfolio and young Hollywood stars portraits. Sofia & Mauro have also developed important relationships with main fashion houses such as Paul Ka, Ungaro, Missoni, Louis Vuitton just to name a few. In Nico you will find their Dior shoot Vamos Con Dios.

Luke Stephenson Luke Stephenson was born on New Years day, 1983 in Darlington, North East England, and now lives and works in London. Luke’s work has been featured in such publications as Dazed & Confused, Art Review, the New York Times Magazine and Kilimanjaro Magazine.

He has exhibited work at Exit gallery in London, The Festival Internationale Mode et de Photographie in Hyéres France, 2006 and the Jerwood Photography Awards 2005. In this issue he met up with Coco de Mer owner, Sam Roddick and Angus Hyland from Pentagram.

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Faces: Paris

Illustration by StĂŠphane Manel

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La mode française est plutôt synonyme de sophistication et d’extravagance. L’ ex-trotskiste Jean Touitou prouve depuis 20 ans que sobriété et french style font aussi bon ménage.

Les Japonais adorent!

Texte & production par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

Stylisme & casting par Thomas Clodine-Florent.

Jean Touitou est un passionné, sincère! Et tant pis si quelques-unes de ses sorties passent dans les annales, il dit tout ce qu’il pense, et comme sa culture est vaste – disons de Brian Jones à la pédagogie des tout-petits dont on reparlera ici – il est prudent de lui consacrer du temps, on ne le regrette pas d’ailleurs. La photo de Bob Dylan qui accueille le visiteur dans son QG façon loft new-yorkais? «Elle a été prise par un assistant de Jerry Schatzberg. Le regard de Bob Dylan contient toutes les contradictions de l’artiste, son ambiguïté, son incroyable intensité.»

Loin d’une anecdotique pose savamment marquetée, la passion du créateur pour ce cliché revêt une haute valeur symbolique: elle illustre le lien boulimique et miraculeusement intact du bonhomme né à Tunis avec la culture rock au sens le plus large – qui comprendrait aussi bien une certaine vision de l’urbanité, de la vie en société, du «goût des autres» et du reggae par exemple, soit un méli-mélo d’altruisme et de contre-culture.

Ne s’est-il pas fait «incendié» lors de ces premières collections pour son minimalisme très postsoviétique avant de devenir le chouchou des fashionistas version down­town de Tokyo à Soho, NYC? La musique, ça n’a pas été un coup (APC produit des CDs et en vendait dans ses magasins, baptisés auparavant Magasins Généraux), plutôt le fer de lance d’une vague mondiale de conceptstores qui vendent aujour­d’hui un style de vie plus que des vêtements ou autre – «notre plus

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Minimal French Tailoring grand succès dans ce domaine a été la réédition des BOs des films de Godart».

Même si ses premières collections concernaient l’homme, plus sobre et monomaniaque, Jean Touitou prend aujourd’hui le plus de plaisir à habiller la femme, avec passion et un caractère indépendant bien trempé: «APC est une marque totalement indépendante, de quelque groupe international que ce soit ou des gros courants de la mode. On suit notre propre chemin, avec des hauts et des bas. On a atteint des sommets au Japon et aux Etats-Unis, nos plus gros marchés, mais aujourd’hui on subit en plein le coût de l’Euro et la crise dans ces pays.» Cette inclination pour une démarche personnelle, dont Jean Touitou savoure la liberté et mesure les limites – «parfois on se plante et on arrête» – se décline dans tous les aspects de la marche d’APC. «Pour nos boutiques – 25 en propre et 100 multimarques, plus 10 licences dont Berlin – on applique cet esprit, on a beaucoup misé sur le minimalisme brut en déco, puis c’est devenu un cliché, du coup on s’est tourné vers quelque chose de plus travaillé et plus intimiste à la fois. Seule la boutique de Soho a été conservée telle quelle, elle avait été conçue par Julian Schnabel pour Azzedine Alaia. A New York, tout change tous les six mois; du coup, conserver cet espace m’a paru plus pertinent. Cette boutique est touchante parce qu’elle est vieille justement, comme un restau de quartier un peu kitsch auquel on serait attaché.»

Collection après collection, notre «chef de famille»

selon ses propres termes décline un style fait d’une rigueur bien tempérée et d’un goût assez Rive Gauche pour un understatement anglo-saxon – «pour moi, le summum du cool reste le style américain, pas un déguisement, juste une attitude et deux trois pièces qui font le chic.»

Ciel! Serait-ce donc ça le style APC, un avatar du casual chic? «J’aime l’idée de décliner un style, faire fonctionner, perdurer quelque chose avec une dimension créative. On est capables de faire des choses radicales mais je suis aujourd’hui comme un père de 300 enfants, avec une responsabilité de pas faire trop d’erreurs.»

Même s’il est arrivé à l’âge de raison, Jean Touitou fourmille encore d’idées et de projets: une collection parallèle tout d’abord, baptisée Madras, «pour vivre au soleil», et un projet de déve­ lopper des écoles maternelles, privées: «tout en respectant les programmes académiques, elles accorderont une très large place à l’enseignement de la musique, du théâtre ou du dessin, avec un enseignant pour huit élèves.» Aurait-on retrouvé le Petit Prince, devenu grand? www.apc.fr

Model Joachim c/o Bananas porte une veste en coton et laine, une chemise en coton satiné et une cravate en soie; denim vieilli; derby en cuir. Total look APC

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L’illustrateur STéphane Manel représente, à son corps défendant, un certain graphisme néo-pop que les amateurs, japonais en tête, ont vite catalogué French Touch, une certaine classe française en somme.

L’artiste, lui, se verrait bien dessiner des soldats en Afghanistan. Les clichés ont la vie dure.

Texte & production par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

Art Pop Repéré depuis plusieurs années par les magazines de mode (Citizen K, Elle, The Face), Stéphane Manel fait de l’illustration depuis 10 ans, avec une prédilection pour l’univers de la musique. «Mon premier boulot a été la pochette d’une réédition en série limitée du Poinçonneur des Lilas de Gainsbourg en 97.»

Autant dire un coup de maître, qui l’associe fissa avec la production pop française, alors en pleine vague French Touch. Passé assistant directeur artistique chez Virgin, il rencontre Bertrant Burgalat, qui vient de fonder son label Tricatel: «J’ai fait toutes les pochettes, et notamment la cover d’une compilation avec des titres de Valérie Lemercier et Michel Houellebecq, qui a mis le label sur orbite.» Il n’en faudra pas plus pour que l’adolescent qui rêvait en regardant les pochettes devienne le fer de lance d’un style qui tient autant du Pop Art (revisiter les icônes, dessiner comme sur des photos) que de la ligne claire, plus du côté d’un Guy Pellaert que de la bd belge cependant. Stéphane Manel, pas avare

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de références, placerait son travail dans la lignée des graphistes français des années 60, l’âge d’or des affiches politiques et des situationnistes.

Celui qui dessinait des livres pour enfants à ses débuts alimentaires se retrouve rapidement à produire des portraits et silhouettes de jolies filles: même si les égéries font partie de son jardin secret – il a à ce sujet un projet d’exposition en commun avec son ami David Blot – il aimerait ne pas se cantonner à un univers aseptisé, tel que ses plus fidèles admirateurs le lui demandent. «J’aimerais beaucoup réaliser des affiches de film, mais à la différence des années 50 ou 60, le cahier des charges est aujourd’hui beaucoup trop strict, trop commercial.»

Du coup, l’univers enchanté et pop du «french guy» s’exporte, au Japon, en Grande-Bretagne, partout où un certain goût pop français fait des émules – une image que ses logos pour les soirées Respect ne viendront pas entamer. Son dernier coup: «La pochette et le clip de Pacific, un groupe sué-

Stéphane, chez lui, porte un Jean Acne et des baskets Le Coq Sportif

dois qui a une sorte d’évidence pop.» Next step? Un clip encore, cette fois-ci pour le groupe canadien Chroméo: «J’ai signé pour eux via le producteur français Partizan, je dois dessiner pour ce clip 500 dessins en moins d’un moi s. Je les ai photographiés puis je redessine tout, un sacré casse-tête.»

Pour se détendre, l’homme qui dessinait les femmes a réalisé la pochette de Sébastien Tellier pour le Japon: «La pochette française représente une femme nue accroupie dont on voit les poils pubiens. Impossible au Japon (de montrer les poils ndr), j’ai donc fait quelque chose de très sexuel, très suggestif, mais en enlevant complètement les poils.» French Touch? Plutôt French Lover… www.stephanemanel.com

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Magda Danysz et Hubert Barrère à la Galerie Magda Danysz.

Magda Danysz porte un bustier Hubert Barrère.

On connaissait Paris capitale du luxe et de la mode. Les perfides Milan, Londres et New York prétendent lui disputer ce titre?

La résistance s’organise. Son arme sera le Fashion GroUp Paris. Plus pacifiquement, la galeriste Magda Danysz nous explique.

Texte & production par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

Action Collective

«En fait le Fashion Group Paris existe depuis 1957 en France, sur le modèle du Fashion Group américain. Aux Etats-Unis, il apparaît depuis sa création en 1928 comme un groupe de lobbying réunissant des femmes (uniquement) en vue de promouvoir les activités et les personnes de la mode à une époque où ce secteur subissait encore ostracisme et scepticisme. D’une manière bien américaine, le groupe, fondé par Edna Woolman Chase, rédactrice en chef du Vogue de l’époque, s’est organisé comme un groupe de pression, noyautant les arcanes du pouvoir et s’impliquant dans des actions caritatives.»

Un vrai lobby, en somme!

Question prestige et pouvoir, le Fashion Group en impose, un véritable name-dropping, version glamour: autour de sa fondatrice, on retrouve bientôt Eleonor Roosevelt, l’épouse du président démocrate, Estée Lauder, Elisabeth Arden,

Helena Rubinstein et Carmel Snow. Aujourd’hui le Group n’est pas en reste avec dans les plus hautes sphères de décision les figures tutélaires de Diane von Fürstenberg et la très influente et crainte Anna Wintour, du Vogue américain.

Tout ça ne semble ni très utile ni très généreux? Erreur grossière! Magda Danysz nous éclaire: «En France, on a moins cette culture du lobbying, ou du moins de façon moins assumée. Depuis la nomination du corsetier de prestige Hubert Barrère à la tête du Group (un homme! les temps changent et le Group aussi), nous souhaitons nous impliquer davantage et de manière plus visible dans l’aide à la création dans le domaine de la mode. Les temps sont durs, le secteur très concentré et dominé par les grands groupes, nous prétendons pouvoir aider, par notre réseau de personnalités et de compétences, les jeunes talents. Nous ne nous contentons pas de financer

comme le fait tel ou tel festival, nous suivons la création d’une collection de A jusqu’à Z en y apportant l’accompagnement et l’expertise de nos réseaux. On pourrait appeler ça du mécénat de compétences.»

Après s’être ouvert à la gente masculine (depuis un bail), le FGP entend désormais tisser des liens ténus avec les autres domaines de création, au rang desquels l’art contemporain – précisément le rôle de notre charmante hôtesse.

Le 12 juin dernier, le Fashion Group Paris réunissait tout le gratin de la mode et de l’art au Palais Galliera, fantaisie néo-renaissance dévolue aux expositions de costumes. Une aube nouvelle se lève sur le Fashion Group Paris, avec de nombreux projets dans ses cartons. www.fashiongroupparis.org www.magda-gallery.com

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Ce curieux patronyme, le nom de sa dernière collection, résume bien la créatrice Andrea Crews, quelque part entre exubérance psyché et avant-garde.

Un nom à part dans le petit monde ouaté de la mode.

Texte & production par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

Carnival Bauhaus

Après avoir roulé sa bosse dans le stylisme de magazine et pas mal de soirées parisiennes, la créatrice d’Andrea Crews a traversé le miroir et décidé de créer elle-même la mode qu’elle voulait (voir) porter.

Pour qui l’a fréquentée un peu, on connaît son goût pour l’extravagance et les superpositions de couleurs qui ne sont pas sans rappeler la vague fluo, qui a déferlé des clubs new-yorkais aux magazines anglais, avec détour par les hauts lieux parisiens des fashionistas. Un goût plus tout à fait assumé: «Le fluo, c’est juste de l’extrême couleur et je ne veux pas encore d’enfants.»

De fait, plutôt que d’aller chercher des références dans la déjà surfaite vague nu-rave, l’œil averti verra dans ses vêtements géomé­triques et aux tailles uniques des réminis­cences modernistes et post-ethniques, revisitées en d’autres temps par un Picasso ou un Jean-Paul Goude (celui des années 80). Maroussia – c’est son prénom – aime d’ailleurs les beautés noires. Pour étayer sa thèse, le journaliste de ces lignes a remarqué dans son Carnival Bauhaus des dessins d’artistes et découpes graphiques, ce qui relie la créatrice, au-delà des poses provocatrices, aux grands noms du siècle passé, dont le regretté Yves Saint-Laurent. Mais ce qui dynamite les pièces vendues dans la petite boutique-manifeste de Pigalle, ce sont les détournements d’accessoires incongrus, à base de cuir, cordes et broderies.

Savoir-faire et contre-culture donc…

Pour ce qui est d’un activisme revendiqué, Maroussia ne manque pas d’images: «Je fais danser les petits et les grands dans des situations sexy et bouleversantes. Je suis une femme amoureuse!»

Et si Andrea Crews était tout simplement généreuse? Cet altruisme, elle le partage avec ses amis les Fluokids, qui ont créé un blog – musical mais pas seulement –, portent ses fringues et font courir le Tout-Paris dans leurs soirées. Andrea Crews résume elle-même: «Je n’aime pas la décoration, la sophistication, ni les trucs girlie, l’image fantasmée des petites filles sur la mode. J’aime me déguiser pour m’amuser, me parer pour sortir, me looker pour m’exciter! Je ne veux pas créer de la mode, je veux créer un mouvement!» www.andreacrews.com

Andrea Crews porte sa collection : robe satin et soie imprimé léopard; colier coton denim et montres.

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Lutz porte un top en fil d’écosse (nouvelle collection homme)

Lutz - Depuis quelques années déjà, un petit bonhomme discret se fraye un chemin atypique, des années londoniennes aux hourrahs des podiums… enfin!

Texte & production par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

Pure sophistication La mode est un monde impitoyable. Qui n’a pas une personnalité flamboyante ou quelques solides appuis doit lutter pour faire reconnaître un style dans la jungle des podiums. Diplômé de la londonienne Saint Martins School (le terreau de toutes les futures stars de la mode), Lutz Huelle est de la trempe des artisans déterminés et discrets; à force de collections plus per­sonnelles qu’opportunistes, ceux-ci brûlent moins vite mais plus longtemps.

La preuve, après passage par la Maison Martin Margiela, il a fondé sa marque Lutz (en 2000, en association avec David Ballu) et imposé un style, collection après collection, dans le petit monde fermé des créateurs parisiens. La patte de notre

blond créateur (il est allemand, ça aide!) a fini par faire mouche, un concentré assez efficace de modernité, d’épure et de petites touches excentriques. «Mes influences vont d’Almodovar pour le mélange des genres à la mode des années 60 pour les lignes pures et la modernité.»

Un mot d’ordre: dynamiter les codes, mais en douceur, sans en mettre plein la vue. Un peu la révolution, mais de l’intérieur. En fait, Lutz entend réinterpréter à sa manière les grands classiques d’une garde-robe, à grands coups de lignes sobres et pures, de contrastes inattendus… pour des vêtements dont on retient au final le confort et la fonctionnalité. Ses défilés déclinent ce mani-

feste: pas de scénographie artificielle, on va droit à l’essentiel, sans pour autant tomber dans le rébarbatif.

La vraie vie est dans les coupes et les matières: les plus grands magazines ne s’y sont pas trompés qui, de Vogue à Vanity Fair, ont repéré le petit bonhomme talentueux. Son nouveau défi: «Lancer une collection homme (automne-hiver 08/09 ndr) en appliquant les principes de la collection femme.

Réinterpréter les grands classiques de la garde-robe masculine, le mix and match des détails, brouiller les pistes.» On juge sur pièce! www.lutzparis.com

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Kim Chapiron - Mis sur orbite par le succès de son premier film Sheitan, l’ex- trublion de Kourtrajmé* passe à une autre dimension: un second film aux accents humanistes, conçu, réalisé et produit aux Etats-Unis.

Texte & production par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

L’anartiste Peux-tu revenir sur le succès inespéré de Sheitan?

Sheitan est sorti il y a trois ans. Les choses sont allées très vite depuis. On ne savait pas à l’époque si le film allait marcher. Les réactions ont été mitigées en France, en revanche le film fait l’objet d’un véritable culte dans de nombreux pays.

Il est sorti dans 42 pays exactement; on a d’ailleurs fait un tour du monde pour promouvoir le film, dans des conditions parfois délirantes. Sheitan a été un carton en Russie et au Mexique, où il s’appelle Sena con el diablo. Il a fait la clôture du Festival de Toronto (après que Borat eut fait l’ouverture, grosse pression), a été projeté au Tribeca Film Festival (le film s’appelle Midnight Madness aux USA).

C’est à Cuba que l’on a reçu l’accueil le plus chaleureux et incroyable: projeté à l’Institut Lénine devant des officiels et des étudiants ravis, nous accueillant comme il se doit par un salut martial.

Le film a également pas mal de copies pirates, diffusées sous le manteau en Thaïlande, en Birmanie ou au Mali et dans le Maghreb. En France, on a projeté le film dans des prisons, la Centrale de Châteaudun par exemple, et participé à des émissions de radio internes aux prisons. (Radio-Evasion, ça ne s’invente pas) Cela t’a sensibilisé à l’univers carcéral, où se déroule ton prochain film? Peux-tu nous expliquer la genèse de Dog Pound?

Pendant ces trois années de tour du monde, je me suis attelé à l’écriture de Dog Pound – la fourrière en anglais. Je l’ai écrit avec Jeremy Delon, qui n’est pas le fils caché d’Alain Delon. (Le pitch est inspiré du film coup de poing anglais Scum, d’Alan Clarke,

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ndr). Ça nous intéressait de plonger dans cet univers, qui n’est pas du tout ce que l’on croit, il y a beaucoup de dureté et de frustration, c’est vrai, mais aussi un réservoir immense d’humanité, particulièrement chez les adolescents. Je suis moi-même passionné par l’univers de l’enfance, ce sont des ados de 13 à 17 ans qui vont être les personnages de mon film. Dog Pound se passe dans un Juvenile Center, une prison pour ados (aux USA, les adolescents peuvent aller en prison; en France le sujet est débattu…).

Comment se sont enchaînées les choses? C’est ton premier film américain?

Lorsque Partizan, la boîte de production qui est implantée des deux côtés de l’Atlantique, m’a contacté pour bosser sur les prisons juvéniles, je suis parti à 100 à l’heure. J’ai fait un véritable road trip aux USA, en essayant de visiter un maximum de prisons, d’autant que chaque état a un système carcéral spécifique.

Comment as-tu ressenti l’univers carcéral?

Dès ma première visite, j’ai tout de suite senti que l’on n’était pas du tout dans l’ambiance des films de prison: un «correctional officer» nous a encadrés et présentés à trois jeunes garçons dont l’un avait écrit «Fuck the world» avec du verre sur son bras. On est restés pas mal de temps avec les personnes rencontrées, 10 jours environ à chaque fois, on logeait à proximité des prisons, parfois au milieu de nulle part, en plein Midwest. Parmi les jeunes que l’on a rencontrés, il y avait pas mal de gang members. Il y a à chaque instant un mélange entre l’extrême

dureté des situations et la fragilité de l’enfance. La première fois, je l’avoue, ça a été très impressionnant lorsque l’on a refermé les grilles derrière nous pour que nous restions avec les jeunes gens que nous avions choisi de rencontrer.

C’est un film de genre, une catégorie très américaine justement?

C’est vrai qu’on peut relier le film à un certain cinéma des années 70, à l’ultra-réalisme. Dog Pound sera une fiction avec un très fort côté documentaire, comme savent le faire les anglo-saxons. Pour autant, j’ai volontairement évité toute référence cinéphilique, notamment aux films de prison, dont on se démarquera très fortement. Ce qui détermine ma vision des choses, c’est l’humain. Je fais ce film avec l’idée, certes une utopie, que l’on n’a pas le droit d’enfermer des enfants.

Peux-tu nous parler du casting?

Je procède au casting en ce moment même. Ce qui est sûr, c’est que le personnage principal est interprété par le chanteur-rappeur canadien K’Naan, une véritable révélation qui est devenue mon âme sœur. Ce type est incroyable: il est né à Mogadiscio en Somalie (son grand-père était un poète indépendantiste), où il a été enfant-soldat.

Evacué in extremis vers les USA, il s’est pendant plusieurs années perdu dans les gangs (une quinzaine d’inculpations aux USA et au Canada) avant de renaître à travers la musique. Il est désormais salué unanimement comme l’un des rappeurs les plus prometteurs de sa génération. Les plus grands, de Damon Albarn des Gorillaz à Mos

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Kim Chapiron, dans les locaux de Kourtrajmé, porte ses propres vêtements

Def, l’ont adoubé. Personnellement, je l’ai rencontré dans sa ville de Toronto, à la fin d’une tournée partagée avec Damian Marley et Mos Def. K’Naan portera littéralement le film, concerné par la violence chez les mineurs qu’il a côtoyée au quotidien, et doté d’un immense charisme. (K’Naan sortira également un album cet été, sur le label A&M qui l’a arraché à la concurrence des plus grandes majors.)

Pour en revenir au cœur du film, le point de départ sera l’arrestation des trois héros. Très personnel, Dog Pound sera également un véritable film américain, notamment au travers de ses personnages, comme ceux que l’on a rencontrés, indiens, noirs, portoricains aussi bien que rednecks. Un mélange d’âpreté documentaire et d’humanité.

As-tu du temps encore à consacrer à Kourtrajmé?

Je n’ai plus vraiment le temps pour des courts métrages, ni même pour des clips. Je reste cependant très lié aux membres de Kourtrajmé. Romain Gavras a réalisé le Clip Stress récemment (interdit de télé, le clip réalisé pour le groupe Justice a été un carton sur You Tube, jusqu’à défrayer la chronique par « sa violence gratuite » ndr). Toumani Sangaré, le représentant de Kourtrajmé en Afrique, prépare un long métrage également. Quant à moi, je n’en ai pas fini avec les projets puisque je travaille également à l’écriture d’une comédie romantique (!) au Brésil, un pays que Vincent (Cassel) m’a fait connaître et aimer.

* Kourtrajmé: collectif de réalisateurs fondé avec Romain Gavras, dont les œuvres et faits d’armes sont un mélange de savoir-faire, d’innovation et de provocation, avec un solide ancrage urbain. Il y a trois ans, Kim Chapiron a réalisé son premier film, produit et

www.kourtrajme.com

interprété par Vincent Cassel.

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Yohan porte un gilet en laine, un pantalon taille haute droit en laine Watanabe Man; bottes vintage

Junya Watanabe ne voulait pas créer pour les hommes. Rei Kawabuko, mythique designer de Comme des Garçons dont il est le protégé, l’y a poussé.

Ses vêtements masculins, sur une voie singulière entre classicisme artisanal et avant-garde, prouvent depuis 2000 à quel point ce fut une bonne idée.

Texte & production par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

Stylisme & casting par Thomas Clodine-Florent.

Comme un homme Initialement plus à l’aise et moins contraint avec la garde-robe des femmes, l’ex-étudiant du Bunka Fashion College de Tokyo, propulsé par Rei Kawakubo, s’est attelé à revisiter, dynamiter pièce par pièce les gimmicks du dressing du dandy globe-trotter des années 2000.

Puisant son inspiration dans les classiques de Bond Street (la rue des tailleurs londoniens) aussi bien que dans certains détails populaires des villes (punk revisited) ou des champs (tissus à fleurs et autres liberty), petit designer est devenu grand: il réutilise à l’envi trenchcoats, chemises blanches ou

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encore les sweaters des jeunes urbains pour en faire des pièces uniques au perfectionnisme artisanal.

Des vêtements parfois étranges et singulièrement familiers à la fois, de ceux que l’on aime conserver, reporter encore et encore au-delà des effets de mode. Levi’s, Nike et Fred Perry, totems du style sportswear, ne s’y sont pas trompés en sollicitant le bonhomme pour des collaborations exclusives. Son style au final très masculin fait mouche, et sa modernité pas tape-à-l’œil lui promet une longue destinée, dans la discrétion dont la maison Comme des Garçons est coutumière.

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Depuis que l’ artiste Yukinori Maeda a lançé son concept de Cosmic Wonder, de nombreuses déclinaisons ont vu le jour. L’une d’elles est la marque de vêtements Cosmic Wonder Light SoUrce, plus une philosophie de vie qu’une collection textile.

Mais le style est au rendez-vous.

Source de lumière Texte & production par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

Stylisme & casting par Thomas Clodine-Florent.

Yukinori Maeda est un artiste très discret: basé à Osaka, il collabore au travers d’un réseau solide avec des artistes de New York, Tokyo ou Paris autour de la notion de Enlightenment (illumination au sens littéral) mais utilise parallèlement son propre nom pour ses œuvres d’art et sa musique (dont il sonorise ses défilés-présentations).

Loin de tout battage médiatique, c’est dans l’épure et le calme que notre génial Japonais s’épanouit. En conséquence de quoi quelques initiés pourront apprécier la sobriété, avec un brin de malice, de ses créations textiles. L’hiver 08/09, une nouvelle variation sur le thème Cosmic Wonder Light Source, de la lumière et du soleil vient étayer la thèse d’une quête spirituelle qui n’est pas sans rappeler les années hippies (voir les tuniques).

Pour en savoir plus sur son univers, on pourra également se jeter sur sa Cosmic Wonder Free Press, un très beau magazine, non conventionnel et élégant. www.cosmicwonderlightsource.co.jp

Model Alena c/o Metropolitan porte un top en coton et laine, doublure épaulettes suivies armatures métal; caleçon coton en élasthane; escarpins vintage cuir.

Total Look Cosmic Wonder

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Henry Zaks, Isaac Reina et Nori Muramatsu portent la collection Quai de Valmy hiver 08/09

Même si Quai de Valmy revisite avec talent les intemporels de la garde-robe masculine à coups de réminiscences sixties, la nouvelle collection confirme la place exigeante que les trois créateurs entendent occuper.

Rencontre sur le… Quai de Valmy. Atmosphère!

Texte par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

Une classe à part Les connaisseurs le savent déjà: trois personnalités, trois talents distincts et très complémentaires sont à l’origine de l’une des aventures les plus originales des saisons passées. Le Japonais Nori Muramatsu, l’Espa­gnol Isaac Reina et le Français Henry Zaks se sont associés avec l’idée de créer quelque chose d’exclusif et de beau, en rejetant les recettes et modes qui «font de l’argent rapidement.»

Nori, acheteur pour la prestigieuse chaîne de magasins japonais United Arrows, ne trouvait pas de pièces à son goût, même au Japon, et souhaitait habiller les – jeunes – «golden boys» avec autre chose que les gimmicks habituels. Suite à une rencontre avec Henry Zaks, le producteur de la très qualitative mais classique marque de cuir Séraphin, il se décide à investir dans une collection de pièces de cuir, denim et laine haut de

gamme au design original. Ce dernier aspect sera confié à l’affable Barcelonais Isaac Reina, ancien de chez Hermès et Maison Martin Margiela.

Nori, au-delà des collaborations de circonstance, avoue de nombreuses affinités avec le designer, dont la moindre n’est pas le fait qu’ils ont chacun deux enfants en bas âge. Histoire de rappeler qu’il y a une vie en dehors de la mode! Les trois associés se sont donc lancé un défi atypique par ces temps de formatage, avec un esprit et un savoir-faire plus proches de l’artisanat de haut vol que du marketing du luxe – ils avouent d’ailleurs bien volontiers un déficit en communication.

Quai de Valmy serait un peu le porte-étendard d’une «creative class» japonisante, sobre mais pas austère. Inspirées des vêtements de jockey ou encore des courses de voitures, les vestes collent littéralement à la peau et restent infiniment légè-

res et confortables – une prouesse technique et esthétique. Des pulls de la meilleure facture fabriqués en Italie et du denim japonais – remarquez les patches en pécari ou lézard – constituent le reste de la collection.

Steve McQueen n’étant plus de ce monde, c’est aux clients de Colette de se ruer sur la marque, encore confidentielle mais pour combien de temps? L’année prochaine, une boutique en propre devrait ouvrir dans le quartier, désormais vitrine d’une bourgeoisie plus laydown que du côté du Faubourg Saint-Honoré. Au fait, pourquoi avoir choisi ce patronyme? «J’habite à Tokyo au bord de la rivière Futako Tamagawa, le Canal Saint-Martin m’y fait penser», explique Nori. Ou comment naissent les légendes! www.quaidevalmy.fr

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Petit Breton passé vedette de télé et génial commentateur des affres de la mode, Loïc Prigent parle de Marc Jacobs, des blondes, des chiens, des enterrements chic, des coiffeurs et surtout, d’Anna Wintour. Derrière cette énumération à la Boris Vian, une tendresse sincère pour les acteurs d’une Comedia dell Arte version real life.

Loïc Prigent porte une chemise en coton imprimé et un pantalon en coton Paul Smith; T-shirt et Derby en cuir talons incrustés métal 044.

Texte & production par Philippe Graff.

Photographie de Sébastien Agnetti.

Stylisme & casting par Thomas Clodine-Florent.

Divertissant et révoltant à la fois *

Loïc Prigent parle drôlement, mais avec sérieux, de tout ce qui est léger et futile. Là où d’autres se perdent en exégèses creuses et pontifiantes, lui décrypte, persifle et donne à réfléchir - mais oui: «S’intéresser à la mode et son milieu, c’est dépeindre la Comédie Humaine. La longueur d’une jupe ou le revers d’un gilet m’intéressent… modérément». D’ailleurs, ses employeurs et diffuseurs (au premier rang desquels Canal+) ne lui font jamais commenter la Haute Couture, pour laquelle il croit ne pas être assez «maniaque».

Voire! Avec Mademoiselle Agnès avec qui il forme une sorte de couple télévisuel, ils ne se sont pourtant pas privés de jouer les déjantés des podiums, avec ce qu’il faut d’hystérie feinte et de snobisme complètement décalé jusqu’à créer un reflet, fidèle dans la surenchère, d’un monde où

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un éternuement de star peut coûter des millions et plomber gravement l’ambiance d’une maison cotée en bourse.

Du talent des Bretons et autres histoires de fanzines.

«En fait, j’ai commençé par des fanzines, pas forcément de mode. Avec Gildas Loaec (qui fondera plus tard Kitsuné. ndlr), à Rennes, on avait crée Têtu, on trouvait ce nom rigolo. C’est rapidement devenu quelque chose de complètement différent, jusqu’à devenir aujourd’hui le magazine financé par Pierre Bergé. Arrivé à Paris, j’ai pas mal suivi les «cultures jeunes», notamment dans Libé, et parallèlement sur Radio-Nova.» Alors que pas mal sont passés de Nova à Canal (Ariel Wizman, Edouard Baer, Jamel Debbouze), lui s’est plutôt retrouvé sur la

chaîne cryptée via Libération. «Au début je faisais la voix off sur des modules courts, dans le cadre de Nulle Part Ailleurs. J’ai rapidement travaillé avec Mademoiselle Agnès, on faisait plutôt de la mode «séricielle» (comprendre de série, des vêtements portables, abordables). C’est moi qui lui ai dit de s’intéresser à l’Avenue Montaigne.» En presse, il n’écrit plus que dans Vogue, pas vraiment un fanzine.

La mode, univers impitoyable.

«A la télé, on te demande de faire ce que tu sais faire. Du coup, on retrouve dans mes reportages ce côté fébrile, futile, léger. La mode se prête particulièrement bien à ce traitement. Je ne me situe pas dans l’orthodoxie, comme un Cédric Saint André Perrin (de Numéro, ndlr) dont j’admire par ailleurs le côté passionné. J’aime bien les arcanes de la mode, le côté

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ponible en vidéo. «Avec Marc Jacobs, le ton était différent, d’autant que c’était pour Arte. Ça n’est pas une série de séquences commentées, on l’a suivi pendant six mois, il fallait qu’il se sente à l’aise, pas agressé, on n’y est pas allé au bazooka. Du coup, c’est lui-même qui sort les vannes et se moque de lui. Je voulais vraiment faire ce reportage, esthétiquement, son travail me plaît, tout particulièrement sa collection grunge ou au contraire ses créations très sobres de 1997.»

Des coiffeurs gays, des politiques en campagne, des rédactrices éplorées? Pourquoi tant de haine?

Où il sera question de reportages sur un coiffeur parisien, de la cote de popularité de notre président et d’une assistante absolument fabuleuse. «Mon reportage sur Space Hair, avec cette petite musique de manège pour évoquer une ritournelle, est mal passé, particulièrement auprès des associations gay. Ma tendresse est passée pour de l’ironie, les principaux intéressés, les coiffeurs eux-mêmes se sont reconnus. Dès que tu touches aux sujets «gay», il faut être poli­tiquement correct, que tout le monde soit un modèle!»

Et la politique justement? «Un autre objet d’étude de la vie des gens: dans l’émission de midi sur Canal, on a fait un sujet sur l’applaudimètre de Nicolas Sarkozy, un comparatif des applaudissements de la foule sur un an. Ça a pas mal baissé (non?)»

Tout de même, ce passage dans le doc sur Anna Wintour (au fait, rédactrice en chef du Vogue américain) où l’on voit les larmes de crocodile des très élégantes rédactrices de mode, à l’office dédié à Isabella Blow, morte un mois plus tôt en avalant du détergent - Isabella Blow était l’assistante d’Anna Wintour et a inspiré les personnages de la série Absolutely Fabulous. Aucune mise en scène, juste la réalité…

Dallas, qui a buté qui, qui remplace qui, les frasques des uns et des autres. Avec le monde - parisien - de la mode, l’hystérie était sous nos yeux, puis Tom Ford est arrivé! Il a tout nettoyé, désinfecté, les assistants un peu hystéro aujourd’hui on les planque, c’est d’ailleurs quasiment tabou de filmer backstage. On n’a plus ce côté « zoo de Thoiry ». Du coup, on recrée cette hystérie par nos reportages, comme par exemple dans nos modules récurrents Signé Anna (une sorte de saga d’Anna Wintour pas très hagiographique et peut-être un hommage subliminal au Signé Furax des 60s, ndlr).

Paris, toujours capitale de la mode?

«Il y a d’autres places importantes aujourd’hui, mais malgré le formatage, Paris conserve sur ce plan davantage de fraîcheur et d’enthousiasme. On a un peu

conservé de bohème dans la mode parisienne. A Londres, Milan ou New York, on en est très loin. A New York on est accueilli aux défilés par des Men In Black massifs et agressifs (pas à Paris?), les journalistes et photographes sont parqués comme une meute, il n’y a aucune place à la sincérité. A Londres, on a carrément trouvé un système avec deux barrages à passer. Tu peux être invité en tant que journaliste à une présentation de collection et rester cantonné au premier barrage: c’est génial! Tu as gagné le droit de poser une question à la sortie mais pas d’assister au défilé. Mais attention, on ne va pas non plus jouer les martyrs, quand on est en salle de montage, on se marre toute la journée.»

De la liberté de dire…

«Les attachés de presse nous laissent entièrement libres de dire ce qu’on veut. Dans la presse, c’est différent, il y a une pression commerciale évidente. C’est vrai qu’on coupe beaucoup, puisqu’on garde ce qu’on veut, on fait de la mode «Canal», c’est ce que les gens attendent de nous.» Un ton donc qui fait désormais mouche outre-Atlantique, puis la chaîne de télévision du Festival de Sundance lui a commandé des sujets, après avoir racheté Signé Chanel et Marc Jacobs et Louis Vuitton.

Marc Jacobs, dieu vivant?

Loïc Prigent a réalisé un reportage intimiste sur le créateur américain, diffusé sur Arte et dis-

* Commentaire de l’hebdomadaire Télé 7 Jours sur l’un de ses reportages et baseline de sa société de production.

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L’Allemande Britta UschkaMp n’entend pas révolutionner la mode des dessous féminins. Elle fabrique juste, à sa manière très personnelle, des pièces belles et sexy qui dament le pion aux grands noms. C’est la femme qui en sort plus libre.

Texte par Philippe Graff.

Photographie de Serkan Emiroglu.

My name is Britta…

Tordre le coup aux conventions lorsque l’on fabrique des dessous forcément chic, forcément sexy sans contenter exclusivement les fantasmes machistes à la vie dure (y compris dans ce milieu), c’est un beau défi lancé en d’autres temps par la créatrice Chantal Thomass. «Lorsque l’on dessine des dessous féminins, on pense d’abord au corps. Il y a un aspect érotique réel dans ce monde – plus jeune, j’écrivais des histoires érotiques dans mon journal – mais je crée mes collections pour que les femmes se sentent bien, ni un cliché de pin-up ni juste des sportives. Non, quelque chose de sexy et maîtrisé, en racontant des histoires.»

Alors, avec une formation de la Middlesex University britannique et de l’Institut Français de la Mode, Britta pose ses valises à Paris: «J’avais envie de quitter l’Allemagne pour un temps. Paris m’a paru un choix logique; il y a cette tradition de la mode et de la belle lingerie. C’est un cliché certes, mais un cliché qui marche! Je suis originaire de Cologne, et depuis que je suis petite, je crée des costumes pour le carnaval. Je pense que j’ai gardé ce goût du déguisement, construire des personnages.»

Sur le marché très concurrentiel de la lingerie, dominé par les grandes marques, le label Britta Uschkamp fait son nid et présente désormais deux collections par an: «En 2007, on a présenté la collection à la galerie Nuke puis une deuxième à Lyon Mode City. Cette année, mettre en scène ma nouvelle collection Summer Flirt à la boutique Dollhouse à Paris m’a beaucoup amusée. On a fait participer les invités, avec ce shooting au sous-sol auquel on ne pouvait accéder qu’en jetant un œil à la dérobée.» Référence malicieuse à l’univers des dessous et à son lot de clichés, une manière typique de la créatrice de jouer avec les codes, de séduire les femmes et… d’intriguer les hommes.

«Mon univers est basé sur ce jeu entre les garçons et les filles, ces façons qu’ont les femmes de s’approprier les canons de la séduction. Des personnages comme la vedette télé allemande Charlotte Roche, qui vient de sortir Feuchtgebiete, livre événement en Allemagne évoquant la sexualité féminine à contre-courant des idées véhiculées par les magazines. Charlotte est pour moi cette figure de femme d’aujourd’hui ayant intégré les progrès du féminisme mais sans agressivité.»

Les collections de Britta Uschkamp reflètent cette double reven­di­cation de liberté et de féminité: ses dessous sont sexy mais doux, érotiques parfois mais d’une manière ludique, comme ce triangle de tulle flanqué d’un ruban de satin. Avec ses nuisettes, ses boxers ou strings, Britta Uschkamp est bien décidée à conquérir le marché français et ses clichés qui «marchent», mais avec des fans en Allemagne, en Grande-Bretagne et au Japon. www.brittauschkamp.com

Britta porte sa propre collection.

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De la presse skate au studio de graphisme de haut vol, il n’y a qu’un pas… de géant (des deux côtés de l’Atlantique), franchi allègrement par les dix de feu Chill magazine. Bienvenue dans le monde discret d’Ill StUdio, secret bien gardé de Paris à L.A. Texte par Philippe Graff.

Photographie de Serkan Emiroglu.

The art of graphism Thomas Subreville et Leo Vernhet, les deux têtes pensantes d’Ill Studio, se sont comme leurs compagnons de route (dix au total) rencontrés au sein de la belle aventure de Chill (Skatemag), publication atypique au destin fugace qui bouleversa la presse glisse en France le temps de deux ans (2004 à 2006) de numéros créatifs à la maquette impeccable: «Ça nous a appris les contraintes, la pression, à respecter les délais. La périodicité d’un magazine pousse à être productif».

Après une courte période passée à développer l’édition française du cultissime fanzine américain Frank, nos acolytes sautent le pas et consacrent toute leur énergie – et un solide réseau de contacts – à Ill Studio.

L’homonymie presque parfaite entre Ill et Chill est due à Artus, artiste emblématique du groupe (ne pas dire collectif, ce sont des individualités): il passait son temps à découper des stickers Chill en enlevant le c, le nom est resté, avec son parfum de mystère.

En parlant de mystère, la science, l’inexplicable et l’irrationnel occupent une place de choix dans les influences du groupe, aux côtés d’une filiation logique avec les artistes lowbrow issus de la scène skate californienne. «On s’est rencontrés par le biais du skate, mais c’est une influence parmi

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d’autres, il y a plusieurs autres cultures issues de la rue, mais nous ne nous sommes bien évidemment pas cantonnés à un style «street». Aujourd’hui, nous travaillons tout aussi bien pour des marques de tees de la nébuleuse skate (Element, Six-Pack) que pour Comme Des Garçons, Castelbajac ou la marque japonaise Uniqlo».

De fait, leurs collaborations vont de la typographie créée pour le NY Times à des catalogues pour des clients plus mainstream ou encore un livre pour Nike, mélangeant habilement commandes alimentaires à des travaux plus personnels. Ill Studio étant peu enclin à la communication (Thomas avoue une grande lassitude envers les très surfaits outils globalisés type myspace), c’est par des relations nouées aux quatre coins du globe que le groupe entretient un réseau de fans et de clients (souvent les mêmes).

Pour l’heure, Thomas et ses complices s’apprêtent à inaugurer une ambitieuse exposition à L.A., The Art of Music, dont ils sont curateurs.

L’occasion pour les esthètes west coast de se familiariser avec leurs travaux, exposés aux côtés de PA.M, Steven Harrington, DIY, Josh Petherick ou encore So-Me. www.ill-studio.com

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Brad - Alex Delamadeleine surfe sur les vagues de la côte landaise, et aussi sur un univers artistique très personnel.

Son style fait mouche dans les milieux hype, certes, mais c’est dans la nature qu’il puise son inspiration, et sa sérénité.

Texte par Philippe Graff.

Photographie de Serkan Emiroglu.

Les artistes surfent aussi, parfois

Né à Paris mais élevé à la montagne, Alex est devenu à son adolescence snowboarder professionnel, jusqu’à représenter sa station, La Cluzsaz. Il décide pourtant de remonter sur Paris et parallèlement à ses premiers pas dans l’univers artistique, déploie dans le surf l’énergie qu’il consacrait au snow. «J’ai rapidement eu envie de consacrer ma vie au surf. J’avais peur de me réveiller un matin à cinquante ans et d’être passé à côté de ce qui remplit aujourd’hui une grande partie de ma vie», nous livre l’artiste avec une belle sincérité un peu paradoxale, eu égard au buzz grandissant qui entoure ses expos.

Car à Paris, Brad sent tout de suite le besoin de créer et se lance dans la peinture, la photo, le collage: «Il y a sans doute à l’origine une frustration, un mal-être; ce besoin de créer quelque chose me permet aussi d’observer le monde et d’en faire ma propre interprétation. La nature, plus précisément l’accès à la nature, de plus en plus difficile, polarise mon attention.

Je développe ainsi des thématiques en lien avec mes obsessions et travaille dessus pendant un an environ.»

Si cette antienne sous-tend tout son travail, c’est dans les formes du Pop Art que son style kaléidoscopique, éclaté, prend son inspiration: «On est confronté en permanence à un flux d’images.

Travailler en tant qu’artiste me permet de me recentrer, de calmer le jeu en quelque sorte. C’est une démarche un peu égoïste, je l’avoue.» Il y a par ailleurs quelque paradoxe à se revendiquer du Pop Art, expression paroxystique d’une artificialité très contemporaine tout en consacrant son travail à la nature: «J’assume ce paradoxe, qui est un peu notre position schizophrène de citadins. Je revendique tout de même aussi une filiation avec le Land Art ou encore l’expressionisme abstrait d’un Rothko.

Je fais avec mes frustrations.»

Retour aux sources donc, Brad (vocable polynésien signifiant frère, ami) retourne surfer du côté d’Hossegor le plus souvent qu’il peut et déplore de ne pouvoir davantage unir ses deux activités: «Aux Etats-Unis par exemple, il y a une véritable scène artistique qui s’est développée autour du surf.

En France malheureusement, tout reste très cloisonné.» On aura un aperçu de son univers au travers de ses t-shirts, très beaux, vendus chez Colette et Lazy Dog à Paris, ou encore ses planches de skate. www.bradrida.com

Brad porte un T-shirt issu de sa propre création et disponible chez Colette.

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Gildas (droite) et Massaya (gauche) portent la collection hiver 08/09 Kitsuné.

Dans leur boutique-écrin du 52, rue de Richelieu à Paris, les deux fondateurs de Kitsuné semblent comme des poissons dans l’eau. Le lieu discret est aussi beau, stratégique (entre Palais Royal et SaintHonoré) et d’une classe intemporelle à l’image de leurs collections.

Rencontre avec Gildas Loaec et Massaya Kuroki, gentlemenagitateurs tirés à quatre épingles.

Texte par Philippe Graff.

Photographie de Serkan Emiroglu.

A new fox in town Lorsqu’on rencontre Gildas le Breton et Massaya le Japonais, on est ravi de pouvoir interroger les deux. Massaya est franco-japonais; en fait, il s’est installé en France à l’âge de douze ans. Puis études d’archi et rencontre avec Gildas: Kitsuné est créé en 2002 comme un laboratoire de style, quelques pièces sont produites et surtout les deux comparses deviennent rapidement les chouchous des clubbers, puisque Kitsuné est aussi un label de musique et une formidable machine à mixer dans les clubs internationaux. Le buzz s’empare tant et si bien du binôme que l’urgence est de… prendre son temps.

Nul grand groupe ne finance la première collection complète sortie en 2005, Gildas et Massaya privilégient la qualité et entendent produire des vêtements hors mode, de ceux que l’on ressort quelques années plus tard de son dressing et qui continuent de séduire - un esprit assez british, préférer le style et l’individualité à la mode. Malgré le buzz dû à la musique, Kitsuné demeure assez confidentiel au début: «on ne voulait pas aller trop vite, explique Massaya qui s’occupe du textile. On a privilégié des petites quantités avec un grand soin apporté à la production.

Les jeans sont produits au Japon, la maille en Ecosse et les chemises en Italie.» A voir les deux post-ados au look

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preppy, on saisit parfaitement l’enjeu stylistique: «Faire une ligne classique, avec une vraie continuité entre les collections. En fait, il y a deux trois nouvelles pièces par collection. On espère devenir des «classiques» justement, à l’instar de Charvet ou Ralph Lauren.»

Humm, pas un peu trop conservateur tout ça?

L’élégance façon Kitsuné puiserait plutôt son inspiration du côté d’une nouvelle vague 60s, façon Pauline à la Plage (d’Eric Rohmer), un chic old school à la française, fait de couleurs acidulées et de coupes sobres. Et comme l’élégance à la française continue de faire rêver de New York à Tokyo, Kitsuné, collectif (ils détestent maintenant ce mot galvaudé) français au patronyme japonisant, les collections se vendent plutôt bien, chez Bergdorf & Goodman dans la Grosse Pomme, rien de moins, ou encore dans le très conceptuel Dover Street Market à Londres dans Mayfair.

Et la musique dans tout ça? «On continue de tourner dans le monde pour mixer, et on a maintenant pas mal d’artistes sur notre label, rappelle Gildas. Les Allemands de Digitalism ont vraiment bien marché; en ce moment, c’est plutôt Autokratz qui occupe l’actu, un duo electro à l’Anglaise. A la rentrée sort le premier album de Cazals, des Français plutôt rock avec un premier clip réalisé par

André, avec Lou Doillon.» On aura un aperçu des goûts éclectiques et pointus de nos hôtes en écoutant les compilations Maison (c’est leur nom, le 6e volet sort ce mois). Donc pas de court-circuitage entre musique et mode? «La musique est un vecteur vraiment glamour, on se situe sur une niche pointue, on touche des gens curieux, en musique, mode, etc.… Nos acheteurs ont environ 30 ans, sortent encore en club. Au niveau look, ils n’hésitent pas à mixer jeans Dior, boots Margiela avec nos vêtements.» Exclusifs, les deux créateurs le sont, mais ils n’hésitent pas pour autant à collaborer - avec les meilleurs s’entend. Dernière création à plusieurs mains, des mocassins avec Pierre Hardy, l’idée étant de reproduire les classiques du shoe designer avec des couleurs façon Kitsuné.

De tout ça et de bien d’autres choses il fut question dans le petit shop au coin de la rue - et à l’ombre du Palais Royal. Un bien bel endroit, chic et discret, tout de blanc recouvert avec une vitrine à l’ancienne; pour un peu on se croirait à Chelsea.

Pour autant, Gildas et Massaya pensent ouvrir à terme une autre boutique dans Paris. Je suggère Saint-Germain des Près. Mais pourquoi? www.kitsune.fr

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Yaz Bukey, créatrice parisienne d’origine turque, voulait faire de la musique. Ses diplomates de parents s’y sont opposés.

Du coup, elle a décidé d’investir son – immense – énergie et sa créativité dans une collection d’accessoires qui contraste avec les courants dominants.

Rebel with a class!

Texte par Philippe Graff.

Photographie de Serkan Emiroglu.

Yazbukey – la marque – est un label (très) parisien, même si ses deux créatrices, Yaz et Emel Bukey viennent d’Istanbul. Emel est restée à Istanbul, où elle diffuse l’esprit très particulier du label sur les ondes radio et télé locales. Yaz a posé ses valises à Paris, où on l’a soutenue dès le départ: après un parcours assez classique avec études de design industriel et un an au Studio Berçot, elle crée Yazbukey, un ensemble hétéroclite mais cohérent d’accessoires beaux et ludiques «pour rendre le vêtement intéressant. Si tu prends une robe noire toute simple, tu peux la rendre inoubliable grâce à l’accessoire.»

Banco! Ses collections, deux par an, font mouche, portées par un buzz entretenu par la personnalité de Yaz. «Il y a plusieurs micro-collections à l’intérieur d’une collection, tout d’abord des sacs et des bijoux en plexiglas, sa matière fétiche, une seconde ligne plus exclusive avec des pièces sur mesure à base de récupération, enfin une ligne de joaillerie, Yazbukey Precious, fabriquée avec de l’or et des diamants, en vente à Paris chez Colette et au Palais de Tokyo.» Celle qui se voyait fonder un rock band déploie une énergie communicative dans le travail de sa marque, qu’elle conçoit comme un fan club: il y a les émissions télé et radio d’Emel (pour l’instant en Turquie uniquement), des soirées en association avec la bande du Baron.

«Nos soirées ont bien marché et deviennent mensuelles, entre le Baron, Régine dont ils ont repris la programmation et leur nouveau lieu, le Moon. On y fait des performances, érotiques parfois, mais toujours avec glamour et humour, comme par exemple cette danse du divorce que j’ai faite avec l’acteur de porno gay François Sagat. Chez Régine, on va créer une mini-boutique de nuit.»

Tout ce qui n’est pas vêtement est accessoire L’univers de la créatrice ne reste pas confiné aux artéfacts d’une féminité éternelle. En fait, il y a un peu de tout chez Yazbukey, pour le meilleur et… c’est tout – passons sur son manteau pour chien, il faut dire qu’elle les adore, les chiens!

Elle ne s’interdit pas de concevoir à l’avenir des accessoires pour la maison, des cours érotiques dispensés dans ses soirées ou encore de la lingerie ou du parfum. Pour l’heure, elle s’apprête à lancer une collection pour hommes et s’attelle à développer un réseau de distribution très mondial, de Hong Kong à Dubaï, en passant par les pays scandinaves.

Elle se verrait bien ouvrir des boutiques en propre mais en attendant, elle collabore avec les plus grands pour des one shots, des bijoux pour Christian Lacroix ou Martine Sitbon, des oiseaux pour le défilé de Gilles Rozier, ou encore des perruques de perles pour le défilé au Crazy Horse de Gaspard Yurkievich. Recalée aux Arts Déco lorsqu’elle était étudiante, elle y dispense aujourd’hui des cours.

Stakhanoviste, notre descendante de la famille princière égyptienne contrainte à l’exil, continue le combat: du chic, du chic et de l’humour. www.yazbukey.com

Yaz Bukey porte une veste vintage Chloe, des lunettes Dior, des bracelets Lanvins, un collier doigts Yazbukey et son chihuahua Viktor.

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Doushka porte une robe Rick Owens et une veste vintage, des chaussures Manolo Blahnik.

Paul porte un chapeau vintage, une chemise Comme des Garçons, et des baskets adidas.

Les bretelles et pantalon sont vintage.

Rafcha porte des lunettes Strenesse, une chemise Gucci, un cardigan St James, le nœud papillon, pantalon et chaussures Ralph Lauren.

Stephane porte une chemise Wooyoungmi, un pantalon de travail, des baskets Nike, un chapeau vintage et une cravate en scotch Paul Hamy.

Lorsqu’expérience de la mode et réseaux urbains s’associent, on peut compter sur un laboratoire d’idées bouillonnant. La preuve par Pain O Chokolat et Vida 9, deux entités distinctes et liées. Viennoiseries comprises.

Alexis porte une chemise agnès b., le bermuda Ralph Lauren et des baskets Vans.

Street Couture

Texte par Philippe Graff.

Photographie de Serkan Emiroglu.

Stéphane Ashpool nous reçoit dans son qg du 9e arrondissement parisien, un coin de Paris où il vit depuis l’enfance et auquel il demeure attaché.

C’est vrai qu’entre Hôtel Amour, boutiques de créateurs et la future vitrine du collectif Place Gustave Toudouze, Pain O Chokolat se situe dans l’œil du cyclone, là où de plus en plus, tout ou presque se passe. Ses activités sont si nombreuses qu’il vaut mieux les passer en revue méthodiquement et commencer par le commencement.

Au début était Doushka Langhofer, mère de Stéphane, danseuse à l’Opéra de Belgrade puis de Sarajevo, passée en France et surtout passée maî-

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tresse dans l’organisation de défilés. Avec vingt ans d’expertise au compteur, elle peut se targuer d’avoir travaillé pour les plus grands - Paco Rabanne, Nina Ricci, Christian Dior ou plus récemment Junya Watanabe. «Je suis venue au monde de la mode et des défilés via la danse. Dans les années 80-90, beaucoup de défilés étaient très scénographiés, souvenez-vous le grand show de Thierry Mugler», explique Doushka qui nous a rejoints. La synthèse entre son savoir-faire et le dynamisme très connecté de son fils s’opère en 2005 avec la création de Vida 9, sarl dont le champ d’action va désormais de la direction artistique au casting, en passant par l’habillage sonore et

le consulting. Mère et fils n’arrêtent pas de voyager, notamment pour organiser des défilés aux quatre coins du monde. Spectacles pour le joaillier Chopard à New Delhi ou tournée des capitales asiatiques pour Hermès, Vida 9 (un nom-hommage à la grand-mère de Stéphane) s’illustre par un cosmopolitisme exigeant, une petite entreprise globalisée en somme.

Dans le 9e et au-delà pourtant, on connaît Stéphane et ses dix comparses plus pour ses faits d’arme au sein de Pain O Chokolat, collectif fondé avec Paul Hamy et Hami Delimi. «Nos activités sont très diversifiées, avec une prédilection pour

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tous les arts vivants, danse, musique, photographie, etc. Au départ on avait lancé une mini-gamme de pulls en cachemire. Mais avec un Yougoslave, un noir et un beur, on a été catalogué street culture un peu hâtivement. On sort régulièrement des t-shirts, dont beaucoup sont sérigraphiés par notre ami Parra.» Dans l’éventail des activités siglées POC, on trouve le même éclectisme que pour Vida 9, avec un talent très sûr pour l’événementiel (professionnalism meets underground). Au-delà des soirées Baguette Frappant avec le Parra Sound System (du nom du graphiste batave, donc) qui quittent le Paris-Paris pour un lieu tenu secret, on peut compter sur des

Fêtes de la Musique d’inspiration très Block Parties - la dernière en date avec Spleen, Keziah Jones et Keith Murray a fait un tabac - ou encore des expositions du photographe japonais Yone.

Un bel univers aux confins d’un underground parisien sinon bien calme par ces temps de crise et des réseaux les plus pointus de Tokyo, d’Amsterdam et d’ailleurs (Myspace notamment). Un nouveau tournant les attend au coin de la place Gustave Toudouze, où Stéphane ouvre en cette rentrée un bel espace dévolu à la mode qu’il aime: «Le plus street de la couture et le plus couture du street.» On y trouvera en exclusivité des marques comme

Swagger en provenance du Japon, Phenomenon, Woodwood ou encore Nom de Guerre mais aussi les créateurs Delphine Murat, Henrik Wibskov, le petit prodige de Copenhague, et Marc Le Bihan. Seuls les livres ou disques labellisés Pain O Chokolat seront présents dans la boutique, histoire de ne pas faire ce que font aujourd’hui tous les con­cept-stores en mal de crédibilité. Encore une nouvelle étape dans la dynamisation d’un quartier sous les projecteurs, et de Paris en général, qui, il est vrai, en a bien besoin. www.painochokolat.com

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Bérengère Claire porte sa collection Hiver 08/09.

On jurerait, à voir ses créations au chic anglais un brin preppy, que Bérengère Claire a fait ses classes quelque part entre Oxford et Savile Row. En fait, son style faussement traditionnel doit tout à une imagerie américaine qui a bercé ses jeunes années.

Texte par Philippe Graff.

Photographie de Serkan Emiroglu.

Very Pop Elégance De sa Lorraine natale, Bérengère Claire a gardé un attachement aux traditions et matériaux authentiques. Des USA où elle séjourna quelque temps pour raisons personnelles, elle a ramené un goût indéfectible pour les carreaux et les couleurs francs.

Un côté redneck assumé - moins en vogue que la coolitude des grandes villes - mêlé au style wasp des universités et des Hamptons (la côte est chic.

Ndlr). L’omniprésence des blasons étaye cette hypothèse; ceux qui y voient une imagerie un peu conservatrice iront se rhabiller justement. Elle assume le clin d’œil un peu ‘provoc’, comme elle

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assume le succès grandissant de la marque, jusqu’au Japon.

Son style authentique plaît aux fils de bonne famille comme aux fans de rock ou de détournement de symboles. «Je suis une maniaque très clean qui essaie de faire des choses destroy. Au final, ça reste clean, assez british en somme.»

Pour sa troisième collection, la créatrice, diplômée d’Esmod, a souhaité garder le cap: «des vêtements adaptés à toute situation, autant décontractés qu’habillés grâce à des coupes ajustées et des matières et finitions de qualité.» Ses mods version 2000 et tirés à quatre épingles commencent à écumer les maga-

zines, des pages d’Elle au très urbain The Fader.

Une certaine idée du consensus!

Sa manière de mettre certaines idées vintage au goût du jour rappellera aussi APC à certains, une filiation revendiquée. Pour sa troisième collection disponible en cette rentrée, Bérengère Claire file en quelque sorte la métaphore en jouant des codes, entre couleurs hivernales (bleu marine, noir, gris et vert) et basi­ques indispensables interprétés à la perfection. (Pulls et cardigans en cachemire en particulier). www.berengerereclaire.com

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Welcome to the world of

LE BOOK Edition Paris 2009 en collaboration avec Dries Van Noten

art direction & design

Donald Schneider Studio

photo

Isabelle Bonjean

Maintenant disponible www.lebook.com

agnès b. - Les ponts entre l’art et la mode se sont multipliés ces dernières années, jusqu’à rendre opaques les véritables motivations des intéressés. La créatrice agnès b. occupe une place à part dans cette problématique. Son amour des artistes est antérieur à la marque, son soutien à leur travail total et sincère. Dans son bureau de la rue Dieu, la discussion à l’occasion de la sortie de sa monographie prend une tournure très personnelle.

L’artiste américain Jonone aide la créatrice et votre serviteur à feuilleter l’album-souvenir.

Texte par Philippe Graff.

Photographie de Serkan Emiroglu.

Une brève histoire de l’art 46

La rentrée d’agnès b. est chargée: entre une grosse exposition photo au c/o de Berlin, une rétrospective de la publication maison Le Point d’Ironie, la sortie d’un ouvrage chez JRP Ringier, sans parler d’une actualité ciné chargée avec la resortie de Let’s Get Lost – film de Bruce Weber sur et avec Chet Baker, ses collections, and many more…

La présence de Jonone, graffiti-artiste new-yorkais installé depuis 1987 à Paris, fait que l’on se remémore d’emblée la très grosse exposition de 2001 à la Galerie du Jour, où l’on pouvait découvrir pour la première fois à Paris le travail de toute la scène Spraycan Art hexagonale, dans un lieu accueillant et… légal. «Tous étaient là. Il y avait A One, Mist, André, O’Clock, Psykose qui à ce moment peignait aussi dans les catacombes. Tu exposais également, John. Nous nous con­naissions quasiment depuis ton arrivée à Paris, en 87. Je me souviens t’avoir rencontré pas mal de fois lorsque tu avais ton atelier à L’Hôpital Ephémère – célèbre squat d’artistes près de la Place de Clichy aujourd’hui disparu, ndr. L’exposition a drainé énormément de monde et a mis en lumière la scène française. C’était au moment de la Fiac, on a tous fini là-bas avec des chemises blanches et des cravates noires, plusieurs des artistes présents ont repeint ma Smart/agnès b.».

John Andrew Perello, aka Jonone, s’est installé à Paris en 1987. Invité d’abord par l’artiste Bando, il rejoint rapidement le petit monde très productif du graffiti parisien: «La scène parisienne était à cette époque de loin la plus vivante du monde, avec New York.

Les autres villes européennes, en particu­lier Amsterdam, ont été une contribution importante, mais bien plus tard», éclaire le Parisien d’adoption aujourd’hui peintre sur toile acclamé. agnès b. de préciser: «J’ai soutenu tout de suite le travail de John. On pouvait le rencontrer à La Chapelle – où se retrouvaient les graffiti-artistes dans un quartier alors largement en friche, ndr – ou alors on allait à Saint-Ouen, où il y avait cette station de trains abandonnée. Vincent Ségal du groupe Bumcello nous avait rejoint avec son violoncelle. Notre collaboration avec John n’a jamais cessé, on a fait des panneaux, des robes, des tabliers vendus à la boutique (la créatrice exhibe alors un tablier portant l’emprunte de l’artiste, un chaos lumineux de formes et couleurs évoquant le sud, le soleil), je l’ai soutenu lorsqu’il s’est mis à peindre sur toile. John a contribué à ma monographie à sortir en octobre en créant quelque chose de très spécial.

C’est un grand honneur pour moi d’avoir John dans ce livre, aux côtés de Jonas Mekas, Kenneth Anger pour des portfolios exclusifs…»

La relation d’agnès b. au graffiti art remonte à bien longtemps, bien avant que cette discipline (le

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agnès b. est en agnès b.

mot est un peu paradoxal) n’existe dans sa forme actuelle: «Enfant, je regardais déjà les graffitis sur les murs. Ils me paraissaient mystérieux, furtifs. C’était une expression, immédiate, de personnalités. J’avais ce merveilleux livre de Brassaï sur les graffitis, on pouvait y voir en filigrane une filiation avec le marquage préhistorique. Et puis j’ai eu la chance de connaître Basquiat (dont j’ai acheté l’autoportrait) ou Keith Haring de leur vivant. J’ai rencontré Keith Haring à la Biennale de Venise. Il vendait des t-shirts en marge de la manifestation officielle, puis il est venu à Paris. En plus des œuvres des artistes, j’aime aussi collectionner des photos de graffs. Dans ce domaine, le bouquin NewYork année 78 a été une grande claque, un livre qui a été un déclencheur, avec sa préface de Norman Mailer.»

Au-delà du domaine du graffiti, on décèle dans les choix d’agnès b. une sensibilité pour les artistes nouveaux, ceux qui se mettent en danger: «J’achète à des gens vivants, jeunes. J’ai ce goût de la jeunesse, des jeux, des choses en train de se faire. On retrouve dans l’expression de cette jeunesse un âge magnifique teinté d’inquiétude, un sentiment d’immédiateté. Beaucoup de mes amis sont jeunes. Le photographe Ryan Mac Ginley exprime bien cette énergie, avec ces jeunes gens nus, très mis en scène derrière cette apparente spontanéité. Il était totalement inconnu lorsqu’on l’a exposé à la Galerie. Il passe désormais à la vraie mise en scène avec un premier film. Pour mes choix, je me fie à mon instinct, ce qui saute aux yeux. Puis j’essaie de suivre les artistes, voir comment ils évoluent. Ce ne sont pas des coups de cœur, plutôt quelque chose de réfléchi au final.» La musique, aux côtés de la peinture et de la photographie, traverse l’univers du designer, jusqu’à être une influence, discrète mais constante, de ses collections (remember le petit chapeau emblématique, sorti de l’univers de Jarmush et plus généralement du jazz): «Le rock en particulier est présent régulièrement à la galerie. On a eu des expositions comme Joy Division, en même temps que la sortie du film Control et plus récemment Des Jeunes Gens Modernes, en hommage à la scène Növo des années 80.»

Au-delà des choix esthétiques, agnès b. a-t-elle des prises de position «engagées»? «On est dans une implication constante aux côtés des artistes. J’ai acheté des œuvres aux graffiti-artistes aussi lorsque ça allait mal – on pense notamment à une vague de procès sans précédent au milieu des années 2000, ndr.» Au bout de plus de vingt ans de relations de complicité avec les scènes les plus en pointe et les plus rebelles à la fois, l’idylle continue: «Avec certaines de nos expositions, on a fait flipper les gens. Il y a de plus en plus cette espèce de frilosité dans la société, où tout le monde est déresponsabi-

lisé, où la peur du danger, du ridicule, le principe de précaution freinent bien des initiatives. On essaie de ne pas tomber dans ce travers, quitte à bousculer les habitudes, il faut continuer de transgresser les règles.»

A l’évidence, la créatrice n’entend pas baisser la garde, la crédibilité et le respect dont elle jouit dans le milieu des arts lui confèrent la liberté de continuer la route (le combat?) entre patrimoine de ces trente dernière années – le livre de la collection agnès b., la resortie du film sur Chet Baker – et implication dans la création contemporaine – sa société de production ciné Love Streams, un nom hommage à Cassavetes, et son association avec Shellac pour soutenir un cinéma exigeant. Question actu, effectivement, la rentrée semble chargée.

Il y a notamment une exposition à la Galerie du Jour pour les onze ans de sa publication Le Point D’Ironie, une collaboration avec Hans Ulrich Obrist

sur une idée de Boltanski: «Le Point d’Ironie, que l’on peut trouver dans le Larousse, est cette ponctuation oubliée, entre interrogation et exclamation.»

Après un passage par Berlin pour l’inauguration de l’exposition, on attend la sortie du film d’Harmony Korine Mister Lonely, et puis peutêtre dans un futur pas trop lointain une nouvelle exposition avec Jonone, le sujet ayant été abordé lors de notre conversation à bâtons rompus… mais chut!

Exposition rétrospective sur le «Point d’Ironie» à la Galerie du Jour, 44 rue Quincampoix Paris 1er.

La Collection agnès b. chez JRP- Ringier (www.jrp-ringier.com).

www.agnesb.com www.galeriedujour.com

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Interviews

Illustration by StĂŠphane Manel

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Coco de Mer, Erotic Luxury Sam Roddick certainly hasn’t had a common journey. Daughter of the famous Body Shop owner Annita Roddick, she has had large shoes to fill in the entrepreneurial sense but it is fair to say that she is a maverick activist in her own right. While she started in this vocation early, spending her teenage years raising awareness for the rainforest, she truly stumbled upon her calling just a few years ago, when with the help of a few friends she decided to unveil Coco de Mer, the erotic luxury emporium. Here you enter a boudoir like atmosphere that caters to your every need and desire, from accessories, to limited edition books and sculptures all the way to seminars, your fantasies are theirs to fulfil.

Interview by Angelina A. Rafii. Photography by Luke Stephenson.

You have said that the idea for the company emerged initially with your accidental vocation as a photographer for your friends’ intimate portraits, but today Coco de Mer has evolved much beyond that. Can you tell me a little bit about where it started and where it is heading?

Well the truth is more complicated; I used photography to heal myself and my wounded sexuality. I have always been a very sexual being

and during my teenage years, was marked by two very distinct experiences that threw me into an underworld of confusion.

Being creative and always wanting to confront darkness, pulling myself into a better place. I used photography to show myself I could be beautiful in my own eyes. My friends saw my naked photos and asked me to take pictures of them. The process was not about great photography (though I did take some pretty good shots) but it was about healing the self. In the long and short of it, Coco de Mer is a personal journey, without putting my own desires and own fears into it – it would only be half of what it is. My desire is not to make loads of money (though business depends on it) but to transform people through their pleasure into a better place, a place of kindness respect and happiness. That is what I wish for myself.

How is this business a reflection of your personality?

This is all about me. I only employ people I genuinely like. I only impose upon my staff what I could live with – the whole environment is empowering them. Each person who works with me, I genuinely wish for their dreams to come true; and if I can be of assistance then they have me. I love Coco de Mer, it is humorous, warm, irreverent, beautiful, unafraid and compassionate.

These are all qualities I aspire to being.

Did you have a feeling you were going to be successful? I mean did you have a feeling for how much of a market was really out there, that every day people had certain needs and desires that were not being met by the way things had been presented up to this point. Or is every day a new discovery?

No, I had no idea how it would be received.

There was no market out there, we were the first luxury, sex-boutique in existence. When I did the research, there were no competitors. The customer was completely different to what I believed it would be, but once I thought about it, it made sense. We had to create, design and make 80% of the products we sold. I was smart though, I knew if I were to really hit the zeitgeist then I would

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have to put myself on the line and really create products that I genuinely desired and be honest about my own sexual journey. This is a harder proposition than most people think – to sit there and truly tap into what arouses you and then to communicate it, is difficult.

How did growing up in an entrepreneurial family help you? What challenges were you not prepared for?

It was my university that prepared me. Prior to opening up Coco de Mer, I had never worked in

This is a harder proposition than most people think - to sit there and truly tap into what arouses you and then to communicate it, is difficult.

the commercial field. It all flooded back: the years I spent running around The Body Shop, the hours resentfully trailing after my mum, going across the world at the age of 12 to shop.

I spent my childhood listening to meetings, having to be quiet listening to executive and marketing decisions. I had not worked on the shop floor since I was 18 years old. When I opened the doors to Coco de Mer, I was like a duck to water and I loved it! The aspect I was not used to was being a boss. I could not handle that I was in many ways separate from the rest of the coco community. I wanted to be one of them. I learned that all my skills acquired through motherhood were the best skills to run a team – be clear, firm, consistent, loving, fun and that ultimately it is my responsibility to motivate my team into efficient productivity. I now love being a boss. My team makes me proud. In many ways they all own Coco de Mer. Why did you choose to open your second shop in LA, what is it about LA that made it a favourable environment? Have you had to deal with American conservatism?

The reasons were simple: my sister lives there.

It gives me an extra reason to visit. It was nothing other than nepotism. Americans are extreme; while they are conservative they are also extremely shocking. I can’t quite wrap my head around it.

They leave me with my mouth wide open in a gasp – and that is saying something.

What are you most proud of? And what are your regrets?

Regrets don’t register – if I go there I won’t come back. However, I am proud of touching a lot of people and how Coco de Mer has warmed a lot of hearts. I have had a lot of thank yous where people have said that their life has changed by going into my shop. That makes me so happy.

That is my purpose

Covent Garden, London Store

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Do you think today there is still such a thing as “breaking sexual boundaries”? I ask this, because it sort of makes me chuckle when I see people in the public eye, today, who are quite open about their sexuality, act as if they have granted society a big favour, as if we were all busy being our prude selves until they arrived and caused a “revolution”. It makes me want to say “thanks for joining us after taking a nap for the past thirty years”. Along the same line I really appreciated your blog entry Welcome Home Honey, where you write “It’s quite simple; you can never have presumptions when it comes to sexual liberation. Nothing is quite

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what it seems… that is, until you ask the right questions and peel off the layers. People’s sexual expression remains quite hidden. We are arrogant in the West. We believe that we are the most sexually liberated society. This is just not true. I believe that we have a lot to learn from other cultures and societies when it comes to pleasure and even how to conduct relationships. The more we know, the more questions we have, the more we experiment and the better we uncover ourselves. There is no room for just one way.”

So you don’t need to flaunt it or be in your face about it to signal that you are open-minded?

Freedom is found in many ways – flaunt it – don’t flaunt it – it is of no interest to me. One person’s freedom is another’s restriction. Each person is an individual universe waiting to be discovered. There are no wrong ways and no right ways, we are feeling beings. We feel with our senses and are touched by our souls. There are many ways to have sex and sex is an expression of how we receive pleasure both physical and emotional. How deep we are willing to go. Sex and sexuality is fraught with vulnerability and fear.

We all have needs and attachments as well, we are all a balance between the functional and dysfunctional aspects of who we are. The truth is great sex comes down to a few and simple rules – consent and communication. Being willing – really it is a balance between being able to listen to your lover and being able to voice our desires and to respect each others’ boundaries while understanding that sex is a physical and mental adventure. Until you try something, you have no idea how it will touch you. We can all be taught how to be great lovers and we are each others’ teachers – trust is the key.

I love sexual boundaries, I love taboo, however I do not advocate suppression or oppression. We need more dialogue. I do not believe in ‘sexperts’ – our best teachers are each other. So lets talk.

nism? When someone like Sarah Palin has a shot at becoming Vice President of the most influential country in the world, is that a victory for feminists around the world or rather more like a slap in the face?

Well look, at the end of the day, I see it like this – misogyny is the most accepted form of prejudice and actually it is attached to the most horrific form of violence. It is dismissed and very hidden in the fabric of all western and non-western societies. Women need to have equal opportunities.

There are women out there, who like men, do not hold the same values and sensibilities.

How do you respond to those who want to shed a negative light on your naked protest against the Iraq war by asserting that it was really a publicity stunt for yourself? How is nudity beneficial to a protest or to getting your point across?

What negativity? I never knew there was any.

Man, if you can’t get a reaction you haven’t done anything worth doing – negative, positive – it all gets a message out there. I think I would die if everything I did was well received. I love positive

Freedom is found in many ways – flaunt it – don’t flaunt it – it is of no interest to me. One person’s freedom is another’s restriction. Each person is an individual universe waiting to be discovered.

Maybe the more interesting question is how do you define breaking sexual taboos and boundaries? And why is sex still the most efficient marketing tool?

Because it is what drives us. Sexual energy is what gave us life. It is the source of all creativity – sex and sexual pleasure stops time, suspends life.

You can’t bottle and sell an orgasm, no matter how the ad man tries. Sex should always be for free (but it don’t mean you cant accessorize!)

“There is no room for just one way” is that something that has also shaped your views on femi-

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I think I would die if everything I did was well received. I love positive feedback – but I am just as interested in negative feedback – either to consider it or to be fuelled by it or entertained by it.

feedback – but I am just as interested in negative feedback – either to consider it or to be fuelled by it or entertained by it. I do things I believe in and I am an endorphin junky: I love doing things that most people shy away from. An ultimate thrill seeker. The thing about the naked protest is, historically women have gotten naked in protests for many centuries. It is a powerful statement and started by a strict religious Christian group of women in Canada. Everything I do is considered and researched.

You make sure that your products are fair trade, do you get creatively involved in their development?

Yes I do. I innovate a lot of the products and work with a great creative team of craftspeople and artists. Coco de Mer, like sex, is a collaborative effort.

What is your favourite item in the store?

Oh Jesus, that is a hard one. I love the ceramic dildos, ruby sunrise rocks – it makes you taste of honey – yum. Also one that I STILL haven’t tried is the leg harness. Blindfolds are a sure favourite of mine as well.

Brampton Cross, London Store

How do you keep track of “the market” so to speak? How do you choose your products and make sure you keep track of innovations or customer demands. Is there are a competition out there? If so how do you deal with it and what sets you apart?

Your mother’s company, the Body Shop really stood for something, what would you like Coco de Mer to stand for?

Pleasure, sex, politics and love. I have just started the activism branch of Coco de Mer called, “Bondage For Feedom.” We have been doing some amazing projects. The Journey – the sex trafficking project that I innovated with Emma Thompson last year is going to New York. It has been incredibly successful.

Are you working on any other projects?

Yes, I am working on some great projects. I am working with Johnny Blue Eyes. We are launching the Bondage For Freedom art gallery at our new shop in South Kensington. Johnny Blue Eyes is an incredible artist. He is the guy that inspired Kate Moss back on to the catwalk in September.

If you could just get one message across what would it be?

Great loving and fulfilling sex, grounded in respect and curiosity, adds mountains of happiness to your life.

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Le Petit Prince de Wallonie Prix du Jury 1,2,3 au dernier Festival d’Hyères et premier prix à l’applaudimètre, l’iconoclaste Jean-PaUl Lespagnard remet la Belgique aux avant-postes de la mode. Au lieu des traditionnelles coupes minimalistes, un univers déjanté, joyeux et un peu camp, soutenu par un savoir-faire sans faille. Vive la Fête!

Entretien réalisé par Philippe Graff. Photographie de Serkan Emiroglu (ci-contre) et Laetitia Bica.

On devait se voir il y a un mois au Royal-Monceau à Paris. Que s’est-il passé ?

Je travaillais depuis quelque temps pour la Demolition Party, voulue par Philippe Starck. Ça a été cette soirée mémorable où les invités devaient tout casser (avant relooking du palace parisien. Ndlr). En fait la fête devait se cantonner aux troisième et quatrième étages, finalement tout l’hôtel a été mis sens dessus dessous, ça avait un peu mal tourné.

Au dernier Festival d’Hyères, tu as créé la sensation. Tu as reçu le second prix?

Cette consécration au Festival d’Hyères était inespérée - ça n’est pas vraiment une seconde place d’ailleurs, plutôt un prix du Jury, le prix 1,2,3 qui finance la production de ma collection. Je n’avais jamais créé de collection complète, ce pour quoi il faut un financement. La marque française, traditionnel soutien du Festival, m’en a donné les moyens. Je redéfilerai avec Matthew Cunnington (premier prix) l’année prochaine, comme c’est la tradition. En tout cas, le Festival a été un énorme déclencheur, tout s’est enchaîné très vite depuis.

Entre la collection de l’Anglais Matthew Cunnington et toi, c’est un peu le grand écart?

Oui, je pense que c’est ce qu’ils voulaient. Une collection très sérieuse, minimaliste, et puis quel­ que chose de plus fou, ce qui visiblement correspond à une attente du public. Personnellement, je ne serai pas capable de sortir une collection minimaliste. La mode est en soi quelque chose de très sérieux et exigeant, il faut y ajouter un grain de folie. Mais il ne faut pas se laisser arrêter par le côté extravagant de la collection: il y a derrière beaucoup de travail, j’attache beaucoup de prix à la qualité des coupes et des matériaux. Lorsque tu arrives avec des fringues complètement déjantées, tu ne peux pas te permettre de mauvaise qualité, sinon tu perds d’emblée toute crédibilité.

Justement, peux-tu nous aider à décrypter ton univers, très personnel et sans doute très belge aussi?

C’est la question rituelle des racines, du parcours…

Je suis diplômé de Château Massart (IFPME à Liège), que j’ai fait en cours du soir alors que je travaillais dans un magasin de CDs. J’ai également travaillé dans un magasin de tatouages à l’époque j’ai fréquenté pas mal d’extra-terrestres, ce qui m’a permis de nourrir mon univers, fait d’obsessions de toutes sortes. Je suis également monté à Anvers, surtout pour des raisons personnelles. J’ai cependant tenté l’Ecole d’Anvers, mais lorsque tu es un inconnu venu de Wallonie qui ne parle pas néerlandais, tu as moins de chance que si tu es Français, passé chez Gaultier et que tu parles anglais. Mon passage dans la ville flamande a cependant été un enrichissement, j’y ai découvert le théâtre flamand, qui est passionnant. Au final, je suis bien plus attaché à Bruxelles où je vis maintenant. A Anvers, le clivage flamand-wallon se fait sentir très fortement.

Bruxelles est moins provinciale, plus cool et plus cosmopolite. Pendant toute cette période pas forcément très facile, j’ai surtout cultivé mon univers personnel et aussi, bien sûr, mon savoir-faire, en particulier dans un atelier de couture d’un village wallon (!) où je travaillais au côté de mamies. Ça m’a appris tous les trucs techniques, ça n’est peutêtre pas très délirant mais très utile.

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Un parcours pas très glamour en somme? Tu cultives un peu cette image décalée, très belge?

C’est un peu Cosette mon parcours, c’est vrai (rires).

J’ai aussi passé quelques mois en tant que stagiaire chez Anna Sui à New York. J’y ai appris à perfectionner les coupes, le patronage, j’y ai aussi été assistant. J’ai cette folie de la mode depuis que je suis tout gamin, quelque chose qui n’a rien à

Lorsque tu arrives avec des fringues complè­tement déjantées, tu ne peux pas te permettre de mauvaise qualité, sinon tu perds d’emblée toute crédibilité.

voir avec le minimalisme froid de l’école anversoise. En fait, je crois que mon univers est pop, ma mode est pop. Comme lorsque tu achètes une œuvre d’art et que tu la reproduis en masse, c’est vraiment du Pop Art. C’est la culture populaire qui m’intéresse.

Comme dans ces cornets de frites qui ornent tes créations?

Oui, les cornets de frites, c’est un clin d’œil à la Belgique bien sûr. Et puis pour chaque collec­ tion je raconte une histoire: mon héroïne - on va l’appeler Jacqueline - tient un fritkot (une baraque à frites) à Bruxelles dont elle est propriétaire. Elle s’éclate vraiment dans ce qu’elle fait et en même temps elle a un fantasme ultime, celui d’épouser un cow-boy, d’où cette dégaine à la Dolly Parton. A cette époque, j’avais vu aussi des images de rodéos au Far-West, un univers que j’ai intégré dans mon défilé. Pour une collection, je me fais un film, j’essaie d’imaginer comment vit mon héroïne. En fait la collection, c’est Jacqueline qui l’a faite, elle s’assume et va au bout de ses rêves.

C’est un peu ce qui séduit les gens, cette capacité à aller au bout d’une idée, ce qu’on retrouve dans ton propre personnage?

J’ai un univers très personnel dans lequel je me sens à l’aise. Avant les gens me prenaient un peu pour un taré. Défiler sur un podium m’a définitivement crédibilisé. Et puis, passé la méfiance des observateurs professionnels, je parle à quelque chose qui est en chacun de nous, cette capacité à rêver, à s’évader du réel; je parle à la Jacqueline qui est en chacun de nous (rires). L’important est de montrer ce qu’il y a réellement en soi - c’est vrai, on est frappé par la sincérité du designer ndr - , ça aide aussi les gens à venir vers toi, cela fait tomber les barrières. Dans ma personnalité et mon look, il y a quelque chose de positif qui pousse les gens à venir vers moi.

Tu ne t’inscris donc dans aucune vague, aucun courant? Inutile de te poser la question d’une école belge, ou d’un hypothétique clivage BruxellesAnvers?

Non, je ne me sens relié à aucun courant particulier, ce qui ne veut pas dire que je n’admire pas le travail de tel ou tel. On parlait tout à l’heure des designers anversois, c’est une mode très minimaliste à l’opposé de la mienne, pourtant je suis admiratif des coupes et de la finition. De la même façon, je suis fasciné par la démarche d’un Albert Elbaz pour Lanvin ou encore l’exubérance créative d’un Castelbajac ou le travail de Bernhard Willhelm. Mais rien ne me relie à ces créateurs, sinon la volonté de

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trouver ma propre voie. Il est important pour un créateur de trouver sa propre clientèle.

Pour revenir à ce que tu disais sur l’école belge, il n’y a pas vraiment d’école à proprement parler, du moins en ce qui concerne Bruxelles, plutôt des individualités, des talents, mais pas vraiment de synergie entre eux. Pour ce qui est d’Anvers, le buzz est un peu retombé, me semble-t-il, et la ville se repose un peu sur ses lau-

Mais rien ne me relie à ces créateurs, sinon la volonté de trouver ma propre voie.

Il est important pour un créateur de trouver sa propre clientèle.

riers, entretenant une flamme allumée il y a plus de dix ans. A présent, je me sens très bien à Bruxelles où j’ai un atelier.

Comment se conçoit une collection de Jean-Paul Lespagnard?

Je conçois une collection très rapidement. Ou plutôt j’ai toutes ces idées en tête pendant un moment et lorsqu’elles arrivent à maturation, la machine s’emballe: je dessine tout en une nuit.

Puis tout est produit sur place, avec une «patronneuse» et une couturière. En fait, c’est ce qui s’est passé pour la collection présentée à Hyères, qui n’a pas été produite pour la commercialisation, ce sont des prototypes. Je suis sur le point de trouver un financier, donc cela va changer. On va produire des collections pour les commercialiser. La première sera pour l’été 2009, avec cette fois une inspiration qui me vient des films avec Sylvester Stallone!

Tu persistes et signes! Au fait, d’où t’est venue l’idée d’utiliser cette chanson allemande des sixties pour ton défilé?

J’étais dans une chambre d’hôtel à Berlin, où je vais régulièrement pour dessiner des costumes de théâtre, et je tombe sur cette chanson «Ich will ‘nen Cowboy als Mann» de Gitte: la musique est atroce, les paroles incroyables, ça convenait parfaitement à l’univers de ma Jacqueline. Le plus drôle c’est que la personne qui présentait les défilés était totalement incapable de prononcer ce titre, elle s’y est reprise à plusieurs fois.

Tu travailles à Berlin également?

Je dessine des costumes pour la Volksbühne, le théâtre créé par Bertolt Brecht, qui produit aujourd’hui une partie de l’avant-garde allemande, je suis un fan de Frank Kirstoff, son directeur. J’y travaille régulièrement avec la chorégraphe Meg Stuart, notamment pour son prochain spectacle Blessed.

Tu n’arrêtes plus?

Les choses s’enchaînent de plus en plus vite.

Après Hyères, j’ai eu beaucoup de presse, la cover du magazine barcelonais Metal; ces jours-ci, j’ai fait le stylisme pour le Elle français avec Dita Von Teese. Parallèlement, je participe à des projets plus confidentiels ou caritatifs, comme cette collaboration avec l’association Les Petits Riens en Belgique (une association d’aide à l’enfance). Ces derniers temps, je me suis surtout investi dans le nouveau clip de Yelle, une fille formidable avec laquelle j’ai tout de suite accroché – c’est l’une des facettes de Jacqueline -, nos univers sont proches. Après le clip Ce Jeu, le deuxième de l’album, je vais l’accompagner en tournée.

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A Boudoir of One’s Own If Anais Nin, the Parisian poetess of pre-women’s-sex liberation, were writing today, the blush-pink jackets of her books would be illustrated by Makiko Sugawa.

The 34-year-old Osaka-based artist has been steadily making her name in the world of grown-up manga with her delicate, assured sketches of the feminine erotic.

Recently, Sugawa - who graduated from the Kyoto University of Art and Design, and works for Japanese design firm Kokokumaru-presented two acclaimed solo exhibitions at Tokyo’s Space Yui Gallery.

Interview by Sarah Nicole Prickett. Photography by Takeshi Miyamoto.

The first, in 2006, was titled Womens’ Private Time – a theme the artist has been developing since 2001 – and sought “to catch and express the reality and sexuality in the life of women from the homogeneous eye.” The second, Undress, exhibited this year. The newer works mix more fantasy with that reality, while still developing a strong, unflinching vision of female sexuality and individualism.

At first glance, Sugawa’s images, described as “line drawings with curves,” have old-fashioned pin-up appeal. In 2006, she published a book of drawings called Lace Queen - a play on the Japanese “race queens,” the bikini-clad models gracing the tracks at car races. One such illustration even adorns a Zippo lighter, that midcentury symbol of masculine success.

But beneath their corsets and coquetry, the women are far lovelier, more complicated, than the kind inked on the forearms of American sailors. Each is meticulously hand-sketched by Sugawa; and yet, the best of the images almost have a Polaroid quality, revealing candid moments of accidental intimacy. The back of a dress, not yet zipped, half-exposes a heartshaped pair of buttocks; another is insouciantly hitched up by its cigarette-puffing wearer to show off a fragile butterfly tattoo.

Butterflies, in fact, are a common motif, as are flowers: both indicate transformation, a coming into one’s own. One thinks, again, of Anais Nin and her lovely poem, Risk, which says, “And then the day came, when the risk to remain tight in a Bud was more painful than the risk it took to Blossom.” Sugawa’s women, dangerously curved and exquisitely decorated, are studies in this juxtaposition: the innocent, selfprotective Bud and the newly, bravely sexual Blossom. Demure heads, with lowered lashes and long, protective locks, bob atop brazenly arched bodies. The adult nature of the images - girls in garters, laced-up shapes, and comehither-if-you-dare poses - are subverted by a childish wonderment at the secrets they suggest. (Think of a nymphet playing Nintendo in a G-string, or a pair of them, elaborately undressed, blow-drying each other’s hair.) And in the most fascinating of her drawings, undulating flesh is interrupted by the occasional prosthetic limb, spindly and robotic, jutting self-consciously out of place. Before you know that Sugawa herself has an amputated leg, you are likely to see the metal appendages only on second look, then take a third. You tilt your head in contemplation the suddenly less complete picture. You wonder: does the insertion of the artificial corrupt the natural loveliness so tenderly rendered in Sugawa’s fine lines? Or make it lovelier by contrast? Are the ironlimbed women damaged and repaired, or are they weaponized? Are they made uglier or more beautiful? What is beautiful?

It is a testament to the imaginative power and depth of Sugawa’s work that it provokes

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such aimlessly philosophical probes; here, she responds to some of them. In reading, please note that the interviewee’s English, like the corseted amputees of her illustrations, is endearingly broken. We repaired it but slightly, hoping to retain her ideas exactly as she struggled to express them, and also our own idea that sometimes wrong words are more right than “right” ones.

What year were you born?

I’m born in 1974.

Where? Describe your hometown.

The Tanabe-city of Wakayama Prefecture.

I was blessed to grow up with the background of a green mountain and the beautiful sea.

I went to the grandfather and grandmother’s house in the country on summer vacations.

I swam in the river and bathed in the sea, ran about the field, and went hunting for insects.

It was good to be surrounded by nature.

What do you use to draw?

Thin pen is used in order for the accessories, etcetera, to express character.

Tell me about your mother. What does she look like? What is or was your relationship like?

She is very tender. She always thinks of her family in the first. I have both her strength and her weakness. So now, it’s my individuality.

I can speak to her about anything, so my mind is at ease.

Although my mother is already 60 years old, she has a whole surface still like a girl.

Where do you live now?

I live in Osaka-city. I lived in Kyoto before that.

How old were you when you started drawing?

Although I have always liked pictures, my own line drawings were drawn from my first solo exhibition, when I was 27 years old.

I’m attracted by the character and the impression of the torso; I think it is a feminine symbol.

Describe the walls of your living space. What colour are they? Are they decorated? Do you have artwork up? Bookshelves? Photos of family and friends?

The wall of my room is white. A white bookshelf takes up the whole surface of one wall.

There are favorite art books and fashion books, etc. The cabinet and bookshelf are decorated with the collected objects of the torso, antiques, souvenirs of a trip, presents from friends, fetish accessories.

Tell me about these fetish accessories and objects.

How do they influence your work?

My most favorite object is the torso. There are two life-size torsos and about ten torsos in miniature sizes. They are ornamented and beaded. The form is decorative and beautiful, the craft is good.

They often have miniature torsos in accessory shops and lingerie shops.

They are very decorative.

The charm of these objects of the torso is felt in drawing feminine lines. I’m attracted by the character and the impression of the torso; I think it is a feminine symbol.

What makes you happy to wake up in the morning?

I like feeling the morning sun, like in the summer. I think I appreciate when a quiet morning comes. When the sun rises early time, I like that my eyes awake in the singing of a cicada. I feel vitality in the voice of a cicada. Above all, I am happy that I and my family are all in good health now.

What makes you sad?

When there is no stock of my favorite apple juice.

When there is no stock of dress to buy.

What’s your favourite piece of work by another illustrator, and why?

Hiroshi Tanabe uses beautiful color and draws a beautiful silhouette. Above all, very tasteful.

Akira Uno has an infinite view of world and creativity.

Both illustrators are yearning.

The women in your drawings all wear beautiful clothes. Are you interested in fashion? Which

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fashion designers influence you, or which do you admire most?

I like seeing different kinds of dresses. I have many favorite designers. The fashion collections of Givenchy and Balenciaga, with their beautiful draping, inspire me. I want to come to their shows to draw them.

Lingerie-makers like Aubade and Agent Provocateur and their beautiful laces are also very inspirational. And there is a beautiful lace blouse

by Anna Molinari for Blumarine that is very pleasing now.

I want to express the precise beauty of eroticism. I want to catch the skin and its essentials, which are not shown usually. We can see the essentials of eroticism by peeping into a defenceless person’s private life.

Do you also like to draw in the morning? Or later in the day? When do you do your best work?

I draw at quiet nighttime, while listening to my favourite music.

What is your favourite music?

Coldplay and Everything But The Girl, etc... I like.

I prefer to listen to electronic and emotional sound.

Your favourite non-musical sounds?

Natural sound: chirping of a bird, chirring of cicadas in chorus, sound of a river or the sea.

Your favourite smells?

The scent of summer or nostalgia – it’s soap or floral perfume.

Your favourite tastes?

It’s sweet. Macaroons and chocolate.

Your favourite thing to look at?

The object of a favourite torso. The photograph collection of Ellen Von Unwerth and Mark Ryden.

And your favourite thing to touch?

The lingerie of a lace. I bought a blouse of lace this summer.

Women’s Private Time is the name of your latest collection of work. How do you define “private time”? Why is it so valuable, particularly for women?

“Private time” is when one is released from peoples’ eyes, from the public eye, and it’s time to return to oneself and to a normal or natural state of being.

In private time, we remove not only makeup of the face, but also makeup of the heart. So then, the real desires and instincts of a woman are released.

What do you do in your own private time?

It is a fancy.

Your drawings are always of women. Why is this? Is it simply because you are a woman?

Do you find women easier to draw, or more interesting? Would you ever draw men?

[In my drawings] I’m asking for realism in a feeling of a life. I, who am a woman, do not draw men. Then, half of drawing would be only imagination.

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The reality that is visible only to a woman, I think that only a woman can draw.

How does eroticism play into your work?

I draw eroticism from a female viewpoint. It is not a male viewpoint.

I want to express the precise beauty of eroticism. I want to catch the skin and its essentials, which are not shown usually. We can see the essentials of eroticism by peeping into a defenceless person’s private life.

What do you think your illustrations say about contemporary women’s sexuality?

Contemporary women are diverse and interesting. I think that a woman’s individuality is the most attractive feature.

Private time is when one is released from peoples’ eyes, from the public eye, and it’s time to return to oneself and to a normal or natural state of being.

In private time, we remove not only makeup of the face, but also makeup of the heart. So then, the real desires and instincts of a woman are released.

In some of your drawings, the women have amputated limbs, replaced by artificial ones. The juxtaposition between flesh and metal, between warm and cold, the sensual and the mechanical, is fascinating. What inspired this in your work?

What do you mean by it?

It’s an artificial leg of myself, and [my drawings of it] express a truth that is normally hidden. It is not ugliness but the seen beauty of a certain viewpoint.

How did you come to have an artificial leg?

Four years ago, under the knee on my left leg, a tumour grew, so I had the leg amputated.

Although I was sad at that time, I now enjoy passing every day, since I’m surrounded by very good people. The artificial leg is very good. I go out often, and I also enjoy fashion.

Have you ever considered being a fashion designer?

Can you sew, or do you make your own clothes?

I hope to participate in a project that remakes clothes from before. I’m very interested in making clothes, but I can’t sew.

What do you consider beautiful?

Gracefulness and human feeling.

What are you drawing these days? What are you working on next?

I’m doing an illustration for the jacket of a book by Candace Bushnell.

It is scheduled to be part of a solo exhibition in June, next year in Tokyo.

A large number will also be in a plan exhibition and solo exhibition.

If you were not an artist or illustrator, what would you be?

A library clerk.

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The Dreaming Depuis son sacre au Festival Interna­tional de Mode et de Photographie de Hyères en 2007, le travail de Sandra Backlund, 33 ans, n’a cessé de séduire.

Il serait simpliste de voir en ses affolants volumes laineux une réponse au climat nordique de sa Suède natale. D’autant que si la créatrice s’est fait connaître pour son travail de maille, elle ne s’est jamais limitée à cette seule technique.

Sandra, vous venez de Suède, un pays plus connu pour son design d’objets que de vêtements. Quel est votre parcours?

J’ai toujours ressenti le besoin de m’exprimer artistiquement. Lorsque j’ai dû choisir mon orientation, j’ai naturellement pensé aux beauxarts. J’ai donc étudié les techniques artisanales liées au textile, l’histoire de l’art et l’histoire des idées – enseignée dans les universités suédoises, l’histoire des idées est une science interdisciplinaire à l’intersection de l’histoire de la philosophie, l’histoire des sciences et l’histoire de la littérature. Après une année préparatoire en mode, j’ai été admise à la Beckmans School of Design de Stockholm. Je pense que c’est la meilleure école de mode du pays. Durant les quatre années que j’y ai passées, j’y ai énormément appris: ce pour quoi j’étais douée et ce que je voulais faire, mais surtout ce que je ne voulais pas faire. J’ai reçu mon diplôme en 2004 et ai directement créé ma propre compagnie.

Entretien réalisé par Justin Morin. Photographie de Louise Hilton.

Top de cheveux tressés ou robe origami, ses vêtements impressionnent par leur poésie débridée. Un univers unique, et d’autant plus précieux que l’on sait que ce genre de découverte est rare. Les professionnels de la mode ne s’y sont pas trompés. De Christian Lacroix, président du jury mode de Hyères 2007 à Franca Sozzani, rédactrice en chef de Vogue Italia et marraine de Sandra lors de l’événement The Protégé Project, tous saluent sa singularité. Alors que très souvent, les silhouettes sculpturales qu’offrent certaines modes extrêmes ont tendance à nier le corps, les vêtements de la Suédoise le placent au centre. Il est impressionnant de voir à quel point ces douces armures, malgré la complexité de leurs constructions, se font fluides et aériennes.

Véritable miroir, cet équilibre entre gravité et légèreté illustre parfaitement le tempérament de la jeune femme. Discrète mais lumineuse, solitaire mais chaleureuse, Sandra Backlund a accepté de répondre à nos questions et nous dévoile son quotidien de jeune créatrice.

Vous considérez-vous comme fashion ou knitwear designer?

Je crois que l’on ne devrait pas perdre son temps à définir ses activités. C’est une mission impossible. Ma formation concerne la mode en général, je n’ai jamais eu l’intention de concentrer mes efforts sur une matière aussi spécifique que la laine. J’ai toujours expérimenté et combiné différents textiles, en les modelant en trois dimensions. J’ai développé ce collage sculptural de maille car il correspond parfaitement à ma démarche. Pour moi, tricoter est synonyme de liberté créative. J’aime la manière dont la matière se construit artisanalement. Même si ce procédé est mathématique, il permet l’improvisation. Ceci dit, je ne m’interdis pas de travailler un jour la coupe traditionnelle.

On sent une vraie passion dans votre travail, notamment pour la mode. Que pensez-vous qu’elle puisse apporter aux gens?

J’aime penser que la mode est plus une forme d’expression artistique qu’une industrie. Je crois que les vêtements constituent la forme d’art

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la plus démocratique qui soit. Une discipline à laquelle tout le monde peut participer, de manière consciente ou inconsciente. Je n’aime pas la manière dont la production et la consommation de masse empoisonnent la mode contemporaine, mais je ne crois pas qu’il soit possible de résoudre ces problèmes en adoptant une attitude rebelle. Personnellement, je ne crée pas dans l’idée de plaire à tout le monde, je ne supporte pas le débat sur ce qui est in ou ne l’est pas.

Il faut consacrer son temps, ses qualités et son énergie à ce que l’on aime vraiment. Mais de manière générale, les gens devraient être plus concernés par la mode.

J’aime penser que la mode est plus une forme d’expression artistique qu’une industrie. Je crois que les vêtements constituent la forme d’art la plus démocratique qui soit.

Création à base de cheveux

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Comment avez-vous décidé de concourir au Festival International de Mode de Hyères?

J’ai rencontré Diane Pernet l’année précédant ma participation. Elle était de passage à Stockholm et m’a encouragée à me présenter. J’étais déjà très heureuse d’être sélectionnée parmi les dix finalistes. Je n’attendais rien de particulier, j’étais surtout très excitée à l’idée de montrer ma collection lors d’un événement aussi important que celui-ci, devant un public nombreux et un jury si impressionnant. Et puis l’incroyable est arrivé. Ce n’est pas tous les jours que l’on reçoit une récompense des mains de Monsieur Lacroix.

J’en suis encore très honorée, et toujours un peu étonnée d’avoir gagné. Était-ce la première fois que vous découvriez vos vêtements sur un podium?

Non, ce n’était pas la première fois, mais certainement pas dans de telles conditions.

Quelles sont vos inspirations, comment bâtissezvous vos collections?

Le corps humain, mais aussi les techniques et les matériaux que j’emploie, sont toujours les points de départ. J’aime vêtir et dévêtir consciencieusement les différentes parties du corps. Je suis fascinée par toutes les manières qui nous permettent de déformer ou de transformer une silhouette, ou d’en exposer une facette, simplement à l’aide de vêtements ou d’accessoires.

Je suis également très introvertie et isolée dans mon atelier, alors j’imagine que l’on peut dire que mon inspiration est en grande partie très personnelle.

Un peu à l’image d’un journal intime. Une impression qui se confirme avec Last breath bruises. Je crois savoir que vous avez dédié cette collection à votre grand-mère.

Généralement je n’aime pas expliquer mes collections car j’ai moi-même du mal à savoir comment elles se développent. Mais dans ce cas précis, l’histoire a quelque chose de concret. Dès le départ, je savais que cette collection parlerait de contusions, sans trop savoir pourquoi. Un jour, assez tôt dans le processus de recherche, je suis tombée dans les marches des escaliers de mon atelier. J’ai ensuite reçu un coup de téléphone qui m’annonçait que ma grand-mère adorée venait de mourir. Au moment même où elle a rendu son dernier souffle, je tombais dans les escaliers. C’est une coïncidence très déroutante. Mais nous avons toujours eu une relation très forte et spéciale, donc dans un sens, ce n’est peut-être pas aussi étrange que cela.

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Vos vêtements sont extrêmement complexes.

Comment vous y prenez-vous?

J’improvise sur un mannequin de couturier ou directement sur mon propre corps. Cela me permet de découvrir des volumes, des idées de silhouettes, que je n’aurais jamais trouvés en cherchant devant un bloc-notes. Je ne fais pas de croquis, j’invente les pièces pendant que je les modèle. Je travaille selon une méthode de collage tridimensionnel où j’enveloppe plusieurs mor-

ceaux de matières les uns dans les autres, en les multipliant et en les reliant, jusqu’à ce que ça devienne un vêtement. Une chose en mène à une autre et à la fin, la collection est comme une carte personnelle de mes états d’âme.

Vous réalisez vos vêtements à la main, ou travaillez-vous avec des machines?

Parfois ma mère m’aide avec les travaux manuels, mais hormis cela, je fais tout moi-même à la main.

Je suis fascinée par toutes les manières qui nous permettent de déformer ou de transformer une silhouette, ou d’en exposer une facette, simplement à l’aide de vêtements ou d’accessoires.

Vous n’avez pas d’assistant?

Excepté ma mère, non…

Mais alors, combien de temps passez-vous sur une silhouette?

C’est très délicat à chiffrer car je travaille souvent sur cinq pièces en même temps. Lors des périodes où je tricote jour et nuit pour inventer les pièces, je ne compte pas les heures, c’est impossible. Mais lorsqu’il s’agit de réaliser une commande pour un client, donc de reproduire un modèle existant, cela me prend une poignée de semaines, tout dépend de la taille et de la complexité de la pièce.

Est-il possible de reproduire industriellement de tels volumes?

Je ne sais pas, mais je crois que ça dépend beaucoup de la complexité de chacune des pièces.

Je crois n’avoir jamais vu vos vêtements en boutique. Où doit-on se rendre pour acheter une de vos pièces? Quel est l’ordre des prix?

Actuellement mes vêtements ne sont pas distribués sur le circuit traditionnel. Je prends les commandes directement auprès des clients, selon la vieille école, avec les mesures et tout ce qui va avec. Les prix vont de 900 à 1700 euros, sauf exceptions.

Avez-vous déjà ressenti le besoin de produire des accessoires, ou une ligne secondaire, pour maintenir la vitalité économique de votre société?

J’ai de nombreuses idées en ce qui concerne les accessoires, et j’en ai déjà réalisé quelquesuns, et je pense en effet que ceux-ci pourraient être développés de manière plus régulière dans mes collections.

Création à base de pinces à linge

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L’aspect sculptural de vos vêtements les renvoie inévitablement vers le champ de l’art contemporain. En avez-vous conscience?

Je comprends pourquoi on fait parfois ce parallèle, mes vêtements développent un certain type de volumes et les silhouettes sont très construites. J’utilise également des méthodes pour travailler qui sont souvent plus proches de celles d’un sculpteur que d’un couturier traditionnel. Bien évidemment, je pense que le fait que j’ai étudié l’histoire de l’art m’a aidé à aller dans ce sens. Mais comme pour tout, le regard du spectateur conditionne son interprétation du vêtement. Personnellement, j’aime le fait que mes vêtements puissent être portés par un mannequin lors d’un défilé ou pendant un shooting et se retrouver la semaine suivante exposés dans une galerie.

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Comment se déroule une journée typique de Sandra Backlund?

Je me lève tôt le matin, je réponds à mes e-mails et appelle mon bureau de presse pour voir ce qui se passe avec la collection en cours et les précédentes.

Ensuite, je travaille sur mes nouvelles créations jusqu’à ce que je me couche, généralement très tard, pour une courte nuit. C’est aussi simple que ça…

Même si vous êtes basée en Suède, on peut découvrir vos collections un peu partout en Europe à l’occasion d’événements internationaux. Si vous

J’admire les designers qui pensent la mode comme un moyen d’expression plus que comme une industrie.

deviez intégrer une capitale de la mode, laquelle vous conviendrait le mieux?

Puisque je passe la plupart de mon temps à travailler seule, je crois que l’endroit où je suis installée n’a pas trop d’importance. Au final, le monde est très petit! J’ai été invitée à montrer mon travail dans différentes villes et cela m’a permis de voir que celui-ci pouvait s’épanouir un peu partout.

Aujourd’hui, il m’est difficile de choisir, mais mon rêve serait d’avoir un rendez-vous régulier, que ce soit à Londres, Milan ou Paris.

Il n’y a pas eu de réelle communication autour de cela, mais vous avez récemment été invitée à travailler avec la maison Louis Vuitton. Comment cela s’est-il mis en place?

Ils m’ont contactée après avoir vu une image de mon travail dans un magazine. Ils recherchaient une personne avec qui collaborer sur la maille et trouvaient mes collections très intéressantes. J’ai donc été invitée à Paris pour un entretien et j’ai accepté leur offre. Il s’agissait de créer quatre pièces spéciales pour leur collection automne/hiver 2007/2008. Puisque je n’avais jamais travaillé avec une autre compagnie, pas même pour un stage, l’expérience a été très intéressante. Quand je suis sur ma propre collection, je suis seule et face à moi-même. Alors faire partie d’une équipe, surtout dans un tel contexte, a été une expérience nouvelle et fascinante. J’ai appris beaucoup, en particulier sur moi, et je suis sûre que tout cela m’aidera dans le futur.

Après cette expérience, seriez-vous prête à travailler pour une maison, ou souhaitez-vous vous concentrer sur votre propre marque?

Pour l’instant, je veux vraiment me concentrer sur mon label, mais définitivement je peux concevoir plus de collaborations de ce genre, en freelance.

Pensez-vous à une marque en particulier, avezvous des créateurs favoris?

Pas vraiment. J’admire les designers qui pensent la mode comme un moyen d’expression plus que comme une industrie.

Quels sont vos plans pour le futur?

J’essaie de garder l’esprit libre et de ne pas trop me soucier de ce qui va se passer, je ne suis pas le genre de personne à forcer le destin. Je souhaite continuer à travailler dur et à protéger mes origines. Je voudrais aussi trouver une manière de développer mes créations et ma société. Je suis fondamentalement une chercheuse, je ne cours pas après un objectif en particulier, mais il est vrai que j’aimerais pouvoir vivre de mon travail.

Inspiration Origami

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Thank God it’s Friday Looking at their work, I cannot understand why they don’t work together permanently.

It’s humorous, inspiring, professional and most of all different from anything else I’ve seen before. But Lucy and Bart are not an official company. They only come together every Friday to do their thing.

And they want to keep it that way. Everything they couldn’t do Monday to Thursday is allowed on Friday.

Interview by Merel Kokhuis. Photography by Bart & Lucy.

Summer 2007. Lucy McRae (1979) and Bart Hess (1984) work together on a project on technique and the future for Philips Design. At the end of a long working day they are both still bursting with energy and inspiration. Like two little children they start fooling around with the material they used that day. And nothing has changed since then.

First of all, what are you exactly? Are you designers, artists, fashion designers, costumiers, or couturiers?

We don’t know either. It’s not fashion. You are not able to wear it on a daily basis. And it’s not art, because it’s not made to raise questions. We make things to use on the human body, wear it ourselves and take pictures of it. The creations are not made to last, the pictures are the end result.

It’s materials used on the body in a different way.

Well then, what’s on your business cards?

Ha ha, ehm, to be honest, we don’t have business cards. We avoid everything that’s professional and official while we’re together. Our collaboration started out of playfulness and we

want it to stay this way. If people ask us what we are, we first pull a funny face and then avoid to put it into any kind of category, because we think it’s juggling different kind of areas.

How does this cooperation work exactly?

We both have our own freelance work from Monday to Thursday. This is mainly commercial work for companies like Philips but also for Innovation Lab and the Institute for Contemporary Art (Lucy) and for the Textielmuseum, fashion designer Walter van Beirendonck and artist/textile designer Ulf Moritz (Bart). On Fridays we get together to do everything that was not allowed during the workweek.

What is the difference between your personal work and the things you do together?

Together we don’t have to bear in mind the budget or other restrictions clients give us.

Don’t get me wrong; working for clients is fantastic to do, we like taking the challenge to make something nice despite the given restrictions, but it’s also great to be free to do whatever pops up in our heads. We very much appreciate the time we spend together and don’t want it to become a company.

What value can you add to each other’s work?

Lucy is educated as a ballerina and an interior designer in Australia and Bart graduated from the Design Academy Eindhoven, in the direction of Man and Identity. We have different talents we can combine. Since she was a ballerina, Lucy has a perfect control over her body so she knows exactly how to move in front of the camera. By now, Bart can do it too. Lucy basically taught Bart how to dance. Bart knows a bit more about materials and technical stuff like photography and lighting.

What do you think is the reason for your success?

The synergy that develops when we are together. We inspire each other to do crazy stuff and we don’t stop till we are completely satisfied.

Our work is alienating. People often think we use computer animation to create the pictures, but it’s all real. We take the materials to its extremes to get the maximum possible out of it,

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for example the volume of paper. We don’t have to explain what and why to anyone, we can just do whatever we want. We just follow our instincts. We don’t have a plan if we come together and we are both equal and stimulate each other. What we do together is the polar opposite of what we do as commissioned work.

It’s an answer to that. It’s so refreshing to do something so completely different.

Can you describe a process?

First we do a thousand experiments. Luckily we have a studio in Eindhoven now, because before Lucy’s house was a mess during our hilarious get-togethers. We do research on different materials and on how to attach them to the human body. We should be sponsored by a body glue company, ha ha. We both visualise our ideas by drawing it and by looking at each other’s drawings we come up with even better ideas and take the experiment to a higher level.

We’re always our own models. We’ve tried to do it with a third person before, but that just doesn’t work. The positive vibes we create together disappear. The atmosphere changes.

And on top of that; we feel bad if we require too much from a model.

What inappropriate requests do you have for your models?

Well, the experiments we do go further and further. We start off with an acceptable idea, but can get so overwhelmed by the process, we push the limit. For example, we did a test with batik. We threw them at our model and in the end we found out, that not only the fabric she was covered up in was purple, but also her hair. It took weeks for her hair to get blonde again. And sometimes the fixing on to the body can be pretty painful. We are willing to accept that ourselves, but cannot live with the idea of doing this to other people. We can sacrifice because we know it’s going to be worth it.

And what happens when the body covering is finalised?

We then find the best position for the model to show the material in the most perfect way. Sometimes it takes over fifty shots before we are satisfied with the pose. We take the pictures ourselves.

The one that’s not the model for that day, is the photographer and vice versa. The picture captures what we’ve done to a simple material like paper, foam or soapy water to get the best result.

Often we don’t see the quality of the picture right away. We are tired of modelling with paper stuck

On Fridays we get together to do everything that was not allowed during the work week

on our faces for four hours or so. It’s only the day after that we realise, wow this is really cool.

It’s easy to recognise your work. How can you explain this?

It probably has something to do with several factors. Hopefully every picture we take reflects the fun we had doing it. Sometimes we are two little schoolgirls giggling together for hours, simply because we can’t stop. We’re always on the same wavelength and keep inspiring each other to go a bit further. Besides that all our pictures are more or less similar. It’s always one person (either Lucy or Bart), covered in a weird material, striking an unusual pose in front of a neutral background. And that’s it, nothing more. There’s no other material involved.

What do you want to achieve with your creations?

Nothing concrete, actually. We just want to have fun together in order to get new inspiration for our commercial solo work. We are trying hard not to make our cooperation turn into work. It has to maintain fun. Playing may not become working. Because of this we are not really promoting ourselves in order to get clients. But of course, every creator wants to be acknowledged for what he or she does. And so do we. If you really, really need to have an answer, we can tell you that being exhibited at the Museum of Modern Art in New York (MoMa) is our biggest dream. This can be reduced to just our pictures, but also the creations can be possible. Or if they really want to go crazy, we can go there and do our experiments and photo shoots on site.

Are there any events like this happening in the near future?

Yes, we’ve been asked to do onIoff during the London Fashion Week. OnIoff is a production label for alternative fashion lables like Gareth Pugh. We’re going to show four big prints we’ve done plus some animation. We had plans to be there with the garments on, but the organisation warned us about the stiff audience, so we decided not to. And we will also exhibit at MU gallery during the Dutch design week in Eindhoven.

This might be a better place to go further than just showing pictures of the end result. Here we will show our creations in real. It’s kind of like an open studio where we work together with nine other designers like graphic designers Hey Hey Hey from Eindhoven for example. Together we can decide what we want to do, maybe a workshop or a party or whatsoever.

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There must be an angel…

Mixing wonderfully sophisticated nostalgia with radical modernity, the new artistic director of Dior Homme, Kris VAn AsscHE, has already brought the prestigious maison to a new dimension. Avant-garde details and urban-influenced nonchalance are there to re-define the cool guy. The acclaimed Belgian designer helps us explore his own personal world.

Interview by Philippe Graff. Photography by Pierre Even.

As the new Artistic Director of Dior Homme, how did you manage to integrate the Homme heritage and combine it to your own very personal style?

The challenge that awaited me upon my arrival at Dior was immense. On the one hand I was there to honour the prestige of this iconic fashion house, on the other to do a creative job that was surprising and modern. The concepts of luxury, exceptionality, elitism, and rarity are intrinsically linked to Dior.

The founding figure of Monsieur Dior still holds a mythical place. He was a real lover of beauty. I could recognize myself in this “quest for beauty” and this became my starting point. This state of mind is a precious privilege, a heritage to honour.

In your collections, mostly in the one shown in the shooting (Winter 08/09), what part does tradition play precisely? And what part does modernity play? How would describe this modernity?

I have the immense luck of being able to use the know-how of the ateliers on a daily basis.

They’re the keepers of an Haute-Couture tradi-

tion that’s very rare today. Whatever I ask them, even my most complex imaginings, they manage to bring them into existence. The skilful toile making of the jackets, the pleat work and cut outs, the cut of the suits, everything is done in the most extraordinarily precise and traditional way. The total luxury of a piece of Dior clothing is intimately linked to this expertise.

On the other hand, I think the modernity of my collections lies in the details and fairly surprising choices I make. I wanted, for example, to reinvent the pleated pant by seriously exaggerating the volumes. Moving away from the traditional model, it results in pretty much a luxury baggy pant, very urban while still being totally sophisticated.

In the same way, each shirt, jacket, every blouson comprises striking details that distinguish them and create a new style.

In quite all of your interviews, you underline the importance of the looks: what part does the look, the “costume” play in the way people are seen?

It’s very important for me to dress men, not to disguise them. I hate nothing more than fashion “caricature”.

Men should make their own of what fashion proposes to them. The interesting thing is to be able to find one’s own identity in the midst of this creative universe. This ease is vitally important to me. More than anything I wish to put forward a radical elegance that’s sophisticated while being wearable, urban and meanwhile very noble.

I imagined the man of Fall 2008 as a hero of modern times, a prince with a sharp and precise allure. Details are everything. They must be able to strike a balance between outward allure and spiritual presence. This harmony between the internal and the external is the true key to elegance.

Can you introduce us to the work of photographers Sofia Sanchez and Mauro Mongiello?

They do very interesting work. Their series are always very theatrical and slick. They have a rare sense for fashion and they know how to distil the essence of the clothes, how to bring them to life with a real story. The visual and emotional quality of their photos is striking.

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You seem very close to quite a lot of great photographers? Is there any common creative process in the collaborations you have with them or do you leave them totally free to interpret your work, to make it a part of their own world?

These two approaches aren’t in opposition; rather they’re complementary. I’ve always loved photography so it seemed natural to me to connect with photographers from the creation of my own label. Being confronted with the aesthetic universe of a photographer feeds my work. Inversely, I think a photographer that followed me for a number of years would find his own forms of inspiration in my collections. The respective worlds of both become quite permeable to influence.

I have many different relationships with photographers. There are those I meet on an one-off basis and to whom I present either myself or my

Life is about that, the association of sophisticated and precious elements with other more everyday, but nevertheless aesthetic, ones. The freedom of mind and movement is linked to this meeting of opposites.

Dior Homme, Winter 2008/2009

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collections. With those it’s a head-on relationship. It’s the meeting of two worlds and the resulting friction, as it were, becomes a new source of inspiration. I’ve also been able to meet artists like David Bailey and Sarah Moon who permanently carry their own world around with them and absorb their subjects into it.

Then we come to the long-term collaborations with young photographers who’ve followed my route step-by-step from the creation of my own Kris van Assche label to my arrival at Dior.

Wiglius de Bie is by now an old friend, and he recently created portraits of all the members of my teams. Gaëtan Bernard follows my creative work down to the last and least detail. He’s always present backstage and captures the littlest change in each collection. We understand each other down to the letter and the result is like a personal, intimate logbook. These two approaches are both essential and stimulating.

I have noticed in your choices – as for instance in your own special issue of A Magazine-real eclecticism, more precisely a constant contrast between the sophistication of certain pictures and a rougher, street-inspired imagery… Is there the same duality in your collections ?

It’s not a duality for me. Life is about that, the association of sophisticated and precious elements with other more everyday, but nevertheless aesthetic, ones. The freedom of mind and movement is linked to this meeting of opposites.

The street is a constant source of inspiration, as it is for all designers. It’s astonishing when you realize that today young men aren’t sartorially shy. They dare to sport extreme looks, to appropriate certain codes such as the elegance of wearing a suit.

I love the South American countries like Argentina where men really make an effort to look good, where the care they bring to their clothes and their appearance remains unmatched.

It seems like the new generations are steering away from a dull casual and uniquely functional look. They’re looking for sophistication though without giving up the ease of urban dressing. It’s exactly what I’m trying to do myself.

Again, the Fall-Winter 08/09 collection in the shooting by Sofia Sanchez and Mauro Mongiello is full of innovative details, still worn by a very urbanlooking model. Is this still about this duality you explained? Is this a will to propose to younger generations an alternative to sportswear and rock’n’roll uniforms… Without making it too classic?

Since the Académie Royal des Beaux-Arts in Antwerp I’ve always had the ultimate focus of revisiting the classics. It’s the guarantee of a real-

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life modernity, not one that’s just a repeat of past styles and one that especially would avoid being labelled. I don’t want my work to be able to be easily reduced to buzzwords like rock, romantic, gothic, or whatever.

I hate compartments and constraints, in the same way that I don’t waste my time on teens or adults who refuse to embrace change. My work is the result of a multitude of influences, you can’t simply reduce it to a simple trend or a type of music.

Your collections are reinterpreting certain gimmicks of a gentleman’s dressing and transform them into something modern: which “musthaves” does a man have to focus on?

They’re quite rightly the grand classics like a suit, a shirt and a pair of sneakers. But each component should offer innovative details, an unexpected facet, exceptional fabrics and materials.

Could you tell us about your own personal icons, which are probably your influences?

It’s very variable and constantly changing.

Everything depends on what I might have just seen, or read or listened to. Eclecticism rules, though. I can love a musician as edgy as Wim Mertens and still go to a Coldplay concert as a die-hard fan. I can follow the careers of young actors like Jalil Lespert or Nicolas Duvauchelle who work in indie films and yet never miss anything starring Julia Roberts. I’m attracted to the allure and presence of my boyfriend as much as that of the great painter Jacques Monory. You know, I don’t forbid myself anything and I can lay claim to as many popular cultural influences as underground ones.

A few words now about those exclusive artistic collaborations. For instance this exhibition

by Nan Goldin in Tokyo. Or the collaboration with photographer Jeff Burton to be seen in A Magazine…

I contacted Nan Goldin, whose work I’ve always admired for its raw beauty, when I was given the editorship of A Magazine. She wished to come back for the next show in order to capture anew the backstage ambiance.

The result turned out to be so unexpected that we decided to turn it into an exhibition called Wild Horses to be presented at the fashion week in Tokyo. These are very sensual and energizing snapshots of the young models playing in the gardens of the Observatory.

We’ve gotten to know each other over the course of our meetings. She comes freely to see us, as a rend, and she takes the photos that she wants, without anyone having set out what she

was allowed to do beforehand. With Nan it’s not about having a work-oriented relationship; there are vibes, ones that she’s sensitive to, and things only work when the energy is right.

Jeff Burton brought his own style to work on the most recent campaign for my own Kris Van Assche label. The shots are astonishing, totally unique in the landscape of advertising campaigns.

It’s a veritable UFO and I’m very proud of it. He knew how to adapt his universe, one that exists essentially in the gay porn milieu, to mine, which is, one might say, more “romantic”. The challenge was immense and the resulting series is sublime, with really strong images, and infinitely poetic. I never get tired of his detached view and the subtle compositions of his photos.

You have named our shooting Vamos Con Dios.

Does beauty come from any divine aspect of life?

Or is there any mystical, spiritual dimension to it?

Beauty reveals that which is sacred. Whatever ones beliefs, the desire to refine reality, the need for spiritual uplifting, it’s the notion of the sacred that holds sway. Beauty suggests something intangible but essential to life.

It seems like the new generations are steering away from a dull casual and uniquely functional look. They’re looking for sophistication though without giving up the ease of urban dressing. It’s exactly what I’m trying to do myself.

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Vamos con Dios Fashion series by Sofia Sanchez & Mauro Mongiello All clothes DIOR HOMME, Fall-Winter 2008-09

Art Direction Kris Van Assche Stylist Mauricio Nardi

Assistant Stylist Thibault Denis Model Marlon (c/Marilyn)

Hair dresser Joseph Pujalte (L’Atelier [68])

Tatoo Artist Leila Cyrus (Dragon Tatoo, Paris)

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Angus Hyland from Pentagram

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Lions, pencils, dots and gongs…

The design awards business is an increasingly competitive one, with more competitions than ever jostling for position on design company CVs. In fact, there are so many to choose from that designers could enter competitions all year round, if they had the inclination, confidence and financial clout required to do so.

Highly regarded by designers and creatives the world over, some focus on design alone whilst others, like Cannes Lions (France), focus on advertising while design plays a low-key supporting role. What they all share is a desire to celebrate creative excellence and, fundamentally, a need to compete for designers’ attention – and money.

Interview by Steven Bateman. Photography by Luke Stephenson.

Running an awards scheme is undoubtedly expensive; between the first call for entries and the glamorous presentation ceremony, a great deal of work has to be done by a huge number of people. Designers who value the kudos associated with awards know they’ll have to dig deep; while some awards charge reasonable, nominal fees, others have a reputation for extortion. Regardless of how much revenue they use to fund positive initiatives like educa-

tion programs, student awards and industry showcases, the fact remains that there is a huge amount of money in design awards. In 2008 alone, Red Dot (Germany) received 10,000 submissions from 60 countries; entries cost between 85 and 215 euros. In the same year, D&AD (UK) entry fees included £120 for a logo and £275 for a range of products; they received 25,000 entries from 67 countries.

Like the number of entries, the international profile of awards is on the up, but if only a fraction of the industry can afford to enter, can design awards ever present a true picture of the industry? Smaller companies and sole traders – often the ‘cutting-edge’ of design, can’t always afford the entry fees.

Moreover, while some designers continue to embrace awards as yardsticks of excellence, others regard them as out of touch. There is a real sense that many designers – and especially younger, web-savvy designers, are ignoring awards in favour of cheaper, more immediate ways of promotion. Monthly magazines, blogs and web-zines provide a more up-to-date view of current trends than awards, and succeed in fostering the creative communities that used to be the domain of organisations like D&AD. Still, as long as designers yearn for peer recognition, they will continue to spend time and money entering awards; but will they always get value for money? Do awards help designers attract new business, or do they simply position them among their peers? To get an insider’s angle on these issues, I spoke to Angus Hyland, an award-winning graphic designer and a partner at acclaimed design consultancy Pentagram. Recognised by Creative Review in May 2008 as “Design Studio of the Year”, Pentagram has offices in London, New York, San Francisco, Austin (Texas) and Berlin, not to mention a peerless reputation stretching back to 1972.

Having run his own studio for a decade, Hyland was invited to become a partner in Pentagram’s London office in 1998. He has since won somewhere in the region of a hun-

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dred creative awards and featured in the Independent on Sunday’s Top Ten Graphic Designers. In 1998 he won a D&AD Silver for his radical redesign of the bible, The Pocket Canons (published by Canongate). He has edited (and designed) four best-selling books on graphic design and was curator of the British Council touring exhibition Picture This and Ballpoint – an exhibition celebrating the creative potential of the biro.

The catalogue he designed for Ballpoint has won a Design Week Award, a D&AD Silver and received a top award at this year’s prestigious Brno Biennial. A member of the international graphic designers’ association

It’s assumed that you come away inspired, but I’m not sure that happens because on the whole, awards are flawed.

Alliance Graphique Internationale (AGI) and president of their UK chapter, he has also judged numerous design competitions in the UK and abroad. In short, he’s more than qualified to comment on the business, prestige and politics of design awards.

Which awards have you judged for?

D&AD, around half a dozen times I’ve been on the general Graphic Design panel, Books and Editorial, and I was foreman of the illustration panel a couple of years back. I’ve judged for the Creative Review Annual, and for awards in Canada and Ireland (for the Institute of Designers in Ireland). I’ve judged at the LAUS Awards in Barcelona on several occasions as well as provincial UK awards like the Roses – I was their Chairman (in 2005). I’ve done paper awards as well, like McNaughton’s annual review.

How would you describe the judging experience?

Generally, people don’t have a great time when they’re judging. It’s assumed that you come away inspired, but I’m not sure that happens because on the whole, awards are flawed. In a way, it’s inevitable that when people talk about awards and judging, they tend to focus on flaws rather than positives…

Is that because panels are inevitably made up of people with conflicting aesthetic sensibilities?

Juries are usually created to represent a balance of opposing views, to foster debate and compromise. But one of the main problems is that judging takes place in an artificial environment, so you see the work out of context. Consequently, judges often use different criteria from the criteria that determined the decisions made by the designer during the design process.

Design: Fukutake House. Agency: Flame, Inc. Award: DAD - Yellow Pencil Award.

Is it true to say that design awards seldom represent a true image of the industry?

In the UK, awards are dominated by a certain kind of company; creative but engaged in the mainstream, as it were. You could even say that some designers produce work, one assumes, with at least one eye aimed at design juries. Designers outside the mainstream, more on the edge, tend to avoid awards and I think a lot of the commercial operators avoid them as well; they probably don’t think they’re going to get anything through… Having said that, there’s always going to be value in winning awards, because it means your work is recognised by your peers.

Design awards are big business these days, but does that really benefit designers and design

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groups? Can there be any value for designers in awards getting bigger and bigger?

All these awards have to compete for your money. At a certain point in one’s career awards can be useful, but the more you win and the older you get, the more cynical you become. Would I stop entering work into awards? Probably not, but it has become secondary priority for me, at this particular stage in my career. They are useful, but you’re really only speaking to your peers.

So winning awards doesn’t necessarily translate into an improved profile or increased new business?

In advertising… they use creative awards as a tool to get new work, but in the design industry I think it’s more about peer recognition.

It must help being at an established company like Pentagram, where it’s financially viable to enter awards, and where a centralised communications department handles the responsibility of entering work.

That‘s really helpful and that’s probably why I can afford to take a fairly cynical view of the whole process, because I know someone else can take care of the administration. Also, here at Pentagram we (the partners) club together to pay for entries, but if I were a sole-trader…

the awards themselves are the most interesting things that organisations like D&AD do.

D&AD is a registered charity, and any profit raised by their awards presumably goes towards funding their education programmes and Student Awards – which are free to enter and provide a great shop window for talented graduates.

Yes. I don’t know how much membership generates compared to the awards… I suspect the

At a certain point in one’s career awards can be useful, but the more you win and the older you get, the more cynical you become.

You ran your own studio for ten years – did you enter competitions back then?

Yes, but I’d only enter a small body of work, and only when I thought it was appropriate to a particular award. If I thought a poster stood a good chance of picking something up, then I’d enter it, but I wouldn’t blanket-bomb… A lot of agencies do that. If you look at the bigger agencies you tend to see a larger proliferation of entries, to cover all possible angles.

It seems to me that if design awards have become big business, it’s because they’ve identified a need to cast their net further afield: a) to compete with other awards, and b) to compete with magazines, websites and blogs, arguably a more relevant and Design: Corporate and Promotional Design Micellaneous (Stamps, Menus, Etc.). Title: Beatles Stamps. attractive proposition than awards, especially for Client: Royal Mail. Agency: Johnson Banks. Country: United Kingdom. Award: ADC Gold Cube younger designers looking for more immediate ways of getting recognition for their work.

I think you’re absolutely right. If you can blog your work and get it out there you can build a community. I think that’s a healthier way of doing things. Clubs are useful ways of creating, talking shop; whether it’s an online club – like a blog, or a physical club where people meet, like AGI, for example. A lot of the industry’s communities are based around awards systems, but I’m not sure

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Awards drive the larger part of what they do. It’s in their interests to make the Awards more attractive, but even then, every few years there’s this huge seismic shift, where the whole raison d’être is questioned. Usually, it happens when there’s a really bad year for entries.

Like D&AD this year, when certain factions of the graphic design community rankled at the lack of nominations and awards in their categories?

Yes, but it’s a cultural thing as well. Generally, people in advertising are more generous and for-

Generally, people in advertising are more generous and forgiving, and more ready to recognise each other’s work.

Design: Factor Design Promo Box. Agency: Factodesign, Inc. Award: Red Dot Award, Communication Design 2007.

giving, and more ready to recognise each other’s work. I think that’s because their criteria for judging is slightly easier; it isn’t based solely on aesthetic and stylistic concerns.

Yes, and with graphic design in particular, the audience is usually far smaller than for TV or press ads, which are intended to appeal to the masses.

Yes. Also, as designers, it’s in our nature to be pernickety. That’s the job. It’s about detail.

It’s about good ideas, but it’s also about detail.

Awards are receiving more entries year after year, but if there are more entries, panels will surely have to grow to deal with that. Is there a risk that before long, judges won’t be able to see the wood for the trees?

You could scale down the size of the juries; have smaller panels judging smaller categories of work. By all means have as many judges as they have now, but don’t have them all in the same room judging the same work. The more opinions you canvas the harder it is to get anything through.

The design awards business is incredibly competitive: perhaps that alone has prompted them to expand their scope, ensuring the number of entries required to make their business viable, or to fund education initiatives. Do you think awards should reduce entry fees, in order to attract entries from a broader cross-section of the industry and ensure a more genuine and comprehensive survey of contemporary design?

There’s long been an argument, with awards like D&AD for example, that they drop their rates for sole operators, but I don’t think they’ve ever done that. Clearly they need to generate income, but they might do that by dropping their price-point, enabling a whole other side of the design community through the door. It’s certainly true that peripheral disciplines like illustration and photography don’t enter much work into awards. If they repositioned it for those communities and dropped their prices accordingly for sole operators, it might lead to a more varied and representative awards scene. As it is, what you expect to get in design awards is very niche work. So it’s not a true picture of contemporary design at all.

We would like to thank Angus Hyland, Simon Beresford-Smith (archivist, Pentagram, London), and Kurt Koepfle (Communications Manager and Associate, Pentagram, New York).

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Entry Fees: Comparative study 6 sample categories from 4 leading international awards 0

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LOGOS AND TRADEMARKS iiiiiiiiiiiiiiii ADC (USA) iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii 1

Red Dot

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D&AD 2 iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii Cannes Lions iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii

PACKAGING DESIGN iiiiiiiiiiiiiiii ADC (USA) iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii 1

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Red Dot

D&AD iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii 3

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per campaign (up to 10 items) per campaign

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Cannes Lions iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii

EXHIBITION DESIGN iiiiiiiiiiiiiiii ADC (USA) iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii 1

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Red Dot

D&AD iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii 4

Cannes Lions iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii

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WEBSITE DESIGN iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii ADC (USA) iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii 5

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£120 single / £175 campaign

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£155 single

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$150 single / $ 200 series

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Red Dot

D&AD 6 iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii Cannes Lions iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii

MAGAZINES AND NEWSPAPERS 1

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Red Dot

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ENTIRE PUBLICATION

ADC (USA) iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii D&AD iiiiiiiiiiiiiiiiiiii iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii

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per campaign (up to 10 items)

Cannes Lions iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii

ILLUSTRATIONS 7

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D&AD iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii 9

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£190 $75 single / $ 100 series Unlike other competitions, illustrators can enter their work into ADC’s craft-specific ‘Illustration’ category.

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AS AN EXAMPLE OF RELATED CRAFTS

ADC (USA) iiiiiiiiiiii iiiiiiiiiiiiiiii Red Dot

$100 single / $ 125 series

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per campaign (up to 10 items) per campaign

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Cannes Lions10 iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii

No specific illustration category. £120 single / £175 campaign Most categories in the Graphic Design section have an illustration sub category; the entry fee is consistent across the categories.

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No specific category.

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Unsexy eroticism with a smile Photographers are many, but modernday iconoclasts are few. A 35-year-old Swede going by a single moniker should certainly not be missing from that very small list: Knotan. His combination of eroticism and reality with flashes of mordant humour has wowed both commercial clients and galleries. Nico caught up with him between his work on his forthcoming book and a job for a commercial client in Finland.

This photographer is certainly on the move.

Interview by Boyd van Hoeij. Autoportrait by Knotan.

Knotan means something like knuckle or joint in Swedish. What’s the story behind your nickname?

I got the name when I was about 15 years old, because I was so skinny at the time. I’m still quite thin now, and my friends and even my clients call me Knotan, so it made sense to stick to that name.

What were you like at 15? Were you already interested in photography?

I went to school in Örnsköldsvik, where I was born, but I moved around as well. I wasn’t very interested in school – I was just into girls and driving my moped and motorcycles. Even though eroticism now plays an important role in my work, I wasn’t really thinking about girls and photography at the same time. When I started taking photos I was into rock climbing and started to

take pictures of that, and nature as well. I was always pissed with the commercial world because when you look in a catalogue for example with outdoor equipment, it looks so nice and not at all like it is in the real world.

And girls?

At that age, you start to discover sex and your own body. You find your daddy’s porn magazines.

We had TV1000 at the time and they had porn in the evenings… and all those summer nights with skinny-dipping!

This is interesting, because, to draw a strange comparison, porn pictures are just as unnatural as the pictures in the outdoor equipment catalogues.

Yes – and I’m not trying to make girls sexy in my pictures; I don’t think that it is really a taboo to show yourself naked anymore. Still, it is so strange. During the summer you can go around in a bikini or swimwear but in winter, or even in general, you can’t show yourself in your underwear!

So what made you decide to study photography besides making realistic pictures of mountaineering equipment?

When I was 25, I was with a girl that was studying at an art school and I had this shitty job that I couldn’t stand, where every day at work was a real pain in the ass. I worked at a place where they coloured aluminium profiles, and I just had to hang them up and take them down. It was the first time I started thinking about education seriously, but my parents weren’t too happy. They wanted me to have a real job. They said: “can you really make a living with photography?”

You started photography school in 1999, so I guess everything was still pretty much centred around darkroom work?

I was one of the last ones to learn photography the old-fashioned way. At that time, I was inspired

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by portraits and shooting music bands – no more climbing pictures. I liked being in the darkroom, but only for the black-and-white pictures, because with colour you can’t see what you are doing!

Do you use mainly digital equipment now?

Yes. I switched after school, when I started as a photographer, but it took some convincing! It was quite hard because you had to find a way to make digital pictures look like film. For the pictures I take know, I generally know if they will be in colour of black-and-white beforehand, though sometimes I try stuff out on the computer. I don’t fiddle around all that much with the pictures; for some commercial clients perhaps a bit more than for my own work. It depends on the final use of the picture.

I don’t think that it is really a taboo to show yourself naked anymore. Still, it is so strange.

During the summer you can go around in a bikini or swimwear but in winter, or even in general, you can’t show yourself in your underwear!

Besides the technical polish, is there a difference in approach for commercial work when compared to your own work for exhibitions or your upcoming book?

A little bit. The personal pictures are a little bit rougher. There are so many photographers that think they have to do as all the other ones to get somewhere, and their stuff just ends up as a copy of something else. It is mostly, I think, that no matter what I do, I get some kind of reality out of the model. I want to make them look real, and there is always some craziness that the clients like.

Sometimes they give me a briefing about how the backround and stuff should look but on the whole I think that they rely on me to do my stuff.

Has your relationship with sex and eroticism changed since it became part of your work?

I don’t know. So many people are asking me: ”don’t you get excited when you shoot so many nudes and nice girls”, but for me it’s not like that! I just want to do pictures – I don’t get horny just from a body! I find the body interesting as something to photograph, but I also want the reality of something. Tangible reality in a picture is sexier than a heavily photoshopped image.

Besides eroticism, your pictures also distinguish themselves because they often have a humourous component. How do you generate this playful side?

I get most of my inspiration from my hometown or things that have happened and use it in my pictures, I think.

You do a lot of self-portraits. The series you made for PAP magazine, for example. Was there a specific theme they gave you for those pictures?

They didn’t specifically ask me to be in the pictures, but their theme was “Who am I without you!” This is one of the things I meant when I said I take inspiration from my past or my hometown.

After publication of those photos, I got reactions from old friends asking if I was gay, or telling me I was so strange, and my mother asked me if I was into porn! I knew I would get those reactions before I did the pictures. Most of my old friends they think that it is porn whenever there is someone naked in a picture. Some people are so narrow-minded.

Would you say you are acting, or are these really “reality“ portraits of yourself or aspects of yourself?

It is acting and at the same time it’s an aspect of life. They are not only meant to provoke but also to be funny. As a photographer, you are

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always supposed to take sexy pictures of girls, and here is a photographer, a man, pretending to be his own sexy subject! This is not appreciated by everyone; the original magazine that commissioned the photos retouched away my penis!

So in that sense your own artistic work is an outlet that allows you to create an impressionistic atmosphere by contrasting or placing in sequence several images that combine humour, eroticism, self-exploration, reality and honesty?

I think so.

This series of portraits also seems to benefit from the context and sequencing of the whole series, like a mini-narrative, something that you’re also working on for your new book.

The book will be a small one. I like to put pictures together that maybe give you a certain feeling. I’m like a collector of pictures but I always have a pupose for this collection: I can put different things together and try to get the right feeling, which is something you can’t do in commercial work.

Does it interest you if people try to “explain“ your pictures, or are you just happy to make them?

I don’t think that much about it and I don’t have an explanation for everything I do. I don’t have the awareness that this picture is a symbol of anything in the way that you have in art. I was not taught in school that you have to explain the work. I just want to take the pictures.

There are so many photographers that think they have to do as all the other ones to get somewhere, and their stuff just ends up as a copy of something else.

Would you say your work is created mostly intuitively?

Yes, but not always. It helps that I’m good at improvising!

Let’s talk about one of your strongest photos: the middle finger in front of the vagina. I guess you could say that it is a symbol for something?

So many people like that picture, and so do I! It is part of my own work and is actually a photo of my ex, who is also a photographer, standing on a chair in the kitchen. That is also her hand. It was not an improvised picture, but we were both really crazy at the time. I’m still crazy – at least, I hope so. It feels like I’m never growing up. Graphically, it’s a very strong photo. It is not meant to be sexy at all. It was like a ”fuck you” to the fashion world and their idea that everyone and everything has to be shaved.

What about some of your more narrative work, like the pairing of seemingly random pictures for your forthcoming book?

That’s typically me, putting pictures together.

Together they create an interesting dialogue or an atmosphere.

Take for example the pairing of the boy and the waterfall. The boy has wet briefs, and is either buttoning up his shirt or taking it off. He’s wet with excitement or just done. Plus the waterfall besides it could suggest an ejaculation, or nature in general, or unspoilt beauty?

Haha! You see, you start to think! It is just in your mind. The two pictures were not taken together, but only put together later. I’m not even sure if they will be together in the book.

But I’m glad you like it.

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Beauty in Motion Chouchou des magazines de mode et des idoles de la pop, Sølve Sundsbø apparaît à l’occasion d’une exposition chez Colette comme un jeune adulte discret et low profile, passionné de photographie et d’oiseaux. Il nous explique combien il est fascinant de manipuler la réalité.

Entretien réalisé par Philippe Graff. Portfolio de Sølve Sundsbø.

Le norvégien Sølve Sundsbø a shooté Madonna, Kate Moss et pour ainsi dire toutes les vedettes de la mode; il demeure pour autant cet artiste accessible et curieux comme aux jours où, en 1999, il fut nommé meilleur jeune photographe au Festival d’Hyères. Plusieurs années passées comme assistant du légendaire Nick Knight ont achevé de former un technicien hors pair, fasciné de beauté, de glamour et de mouvement. Il a travaillé pour Harper’s Bazaar, I-D, Dazed & Confused, Vogue, Visionnaire ou W, rendu mémorables des campagnes de pub pour Hermès, Boucheron, les parfums Dior ou Saint-Laurent (on se souvient notamment du lancement de L’homme de Saint Laurent, où le champion de taekwondo Samuel de Cubbert rendait hommage par sa nudité au créateur lui-même) et enfin réalisé les pochettes de Röyksopp ou Coldplay. Certains ont cru pouvoir fustiger, par-delà la perfection des images, une absence de style.

Lui-même les prend au mot, avouant par une sorte de fausse modestie qu’il n’en a pas, de style. Manière de se remettre perpétuellement en cause face à de nouveaux défis. Rentrons donc dans le vif du sujet.

Comment devient-on une vedette mondiale de la photographie à seulement 37 ans? Ça fait dix ans effectivement que je fais de la photo en professionnel – en réalité les images m’ont toujours passionné. Je me suis installé à

Londres à cette époque, c’est là que ça bougeait le plus. J’ai eu la chance immense d’être l’assistant de Nick Knight, cela m’a appris énormément de choses. J’ai travaillé à ses côtés pendant près de quatre ans puis je suis resté à Londres, où sont basés beaucoup de magazines; les choses se sont enchaînées naturellement. J’ai effectivement beau­ ­coup travaillé pendant ces dix années, dans l’uni­ vers de la mode qui a littéralement explosé à cette période. Je ne me sens pas une star pour autant, il faut remettre les choses dans leur contexte.

Commencer sa carrière aux côtés de Nick Knight, ça ne pouvait pas commencer sous de meilleurs auspices! On peut d’ailleurs noter une certaine filiation, non?

Nick Knight a révolutionné la photo par son approche de la réalité, un mélange très singulier de réalisme quasi documentaire et d’artificialité très travaillée. Je me reconnais effectivement dans cette approche. Nick a su créer un style contemporain avec des techniques traditionnelles: utiliser la lumière au maximum, la matière naturelle, c’est exactement ce que je recherche moi-même. Egale­ ment, je revendique comme lui une certaine modestie devant mon sujet, mon approche est dif­ férente à chaque fois. De ce point de vue là, il y a une influence effectivement. Mais j’ai également été très impressionné par le travail d’un Blumen­ feld ou d’un Penn.

Au-delà de Nick Knight, on sent un peu l’emprunte de la vie londonienne dans ton style. Tu penses refléter un état d’esprit, un style propre à cette ville?

C’est vrai que je me suis installé à Londres et que je m’y sens bien. Une grande partie du busi­ ness s’y fait certes, mais on y trouve surtout une formidable créativité et liberté. Paris est une ville vraiment superbe et New York déborde d’une énergie fantastique. Pourtant, les mouvements de mode, les cultures jeunes continuent de naître pour la plupart à Londres, même de manière fugace. Il y a une énergie, une sensibilité au changement et au renouvellement que l’on ne retrouve pas ailleurs.

Et puis, c’est assez logique, Londres est un peu à mi-chemin entre les cultures européenne et améri­ caine. Pour résumer, je dirais qu’elle possède le chic de Paris, allié au côté trash de New York. On retrouve ça dans la presse par exemple, il y a une

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sorte de non-respect assez jubilatoire envers la mode, loin des attitudes compassées des autres scènes européennes.

Tu es demandé par des stars de la pop et du showbusiness? Est-ce que tu arrives à préserver ta créativité face à de tels enjeux ou est-ce que les egos de ces stars prennent le devant?

Tu sais, je suis norvégien, j’ai donc reçu une éducation très scandinave, égalitaire. Dans notre culture, tous les êtres humains sont réellement égaux. J’applique cet état d’esprit à ma manière d’appréhender mes sujets. Lorsque je dois photo­ graphier Yoko Ono ou Grace Jones par exemple, je m’attache à leur personnalité. Il doit y avoir un vrai respect mutuel, je traite donc mes modèles avec infiniment de respect comme il se doit. Si toutefois les personnes se comportent comme de la... je les traite comme de la …!

Tom Ford en particulier a loué ton travail, il est pourtant reconnu pour être extrêmement exigeant. Qu’est-ce qui te différencie des autres photographes de mode?

J’ai travaillé plusieurs fois pour Tom Ford, il a apporté beaucoup de nouveauté et de qualité dans la mode bien sûr, mais aussi dans le regard que l’on peut poser sur la mode. Il est réellement en pointe.

Cette attente d’innovation et de créativité est une motivation essentielle pour moi, un moteur. Tu

sais, j’ai une vie très classique (dans laquelle je suis heureux), j’ai une femme, trois petits garçons, j’ai besoin en contrepartie dans mon travail de rechercher perpétuellement de nouvelles choses, de nouvelles aventures. En fait, je m’ennuie assez facilement, je me lance perpétuellement de nou­ veaux défis.

Paradoxalement, l’iconographie de la mode – et en particulier la photo de mode dans la presse – semble s’être dans une large mesure uniformisée, n’est-ce pas frustrant?

L’univers de la mode s’est considérablement commercialisé au cours des dix dernières années.

Lorsque tu te souviens des magazines en 1995, il y avait bien moins de publicité. L’influence de la publicité s’est affirmée, elle fait vivre la presse et exerce donc une pression, ce qui ne me choque pas du reste. C’est au contraire une stimulation, elle pousse à être créatif. Aujourd’hui, on vit une sorte d’ellipse: tout a changé, très vite, on a beaucoup expérimenté. Il faut cependant faire la différence entre une campagne de pub, où tu dois répondre à une commande précise et être créatif à l’intérieur d’un cahier des charges, répondre à une demande du client, et les éditoriaux où tu peux exprimer tes goûts, tes phantasmes. Et puis il y a les bou­ leversements techniques: par exemple, le digital a considérablement bouleversé l’approche de la photographie.

J’ai donc reçu une éducation très scandinave, égalitaire. Dans notre culture, tous les êtres humains sont réellement égaux. J’applique cet état d’esprit à ma manière d’appréhender mes sujets.

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Affirmer son regard personnel par-delà les modes demeure essentiel. Ça n’est pas toujours facile mais il faut savoir résister aux pressions, il faut bien choisir ses défis et après se donner les moyens personnels de les relever.

En voyant ton exposition sur les perroquets, on a l’impression que c’est une série mode en soi.

J’ai photographié des femmes, nues et habillées, pas mal de mode. Ici il s’agit d’oiseaux mais mon approche est similaire, j’ai besoin de trouver quel­ que chose de nouveau à chaque fois pour expri­ mer mes rêves; la beauté de ces perroquets, leur élégance naturelle, la façon dont ils se meuvent rapproche cette série de photos de la mode. Dans ce cas précis, qui est une sorte d’exercice de style, je voulais avoir une approche originale, éviter tous les clichés sur ces animaux, leur côté exoti­ que, amusant. On est plus dans de la beauté pure, les couleurs, les mouvements. Mon approche est semblable à celle d’une série de mode.

Il y a le livre qui vient de sortir, et puis il y a ces pictogrammes, avec du mouvement. Est-ce un domaine nouveau que tu souhaites explorer?

Pour moi, ces perroquets sont une sorte de poésie en mouvement. Au-delà de leur beauté, je souhaitais rendre la grâce du mouvement, je pense notamment que les ralentis rendent bien cela.

L’oiseau a cette qualité sartoriale qui à bien des égards répond aux canons de la mode. Shooter le perroquet a pris une journée de studio, exacte­ ment comme n’importe quel shooting, à ceci près que l’oiseau n’obéit à aucune injonction. J’ai tenté là une autre expérience, je me suis attelé à rendre la beauté unique du sujet, tout ça est une question de style au fond…

Et de préoccupations écologiques?

Non, pas du tout.

Tu es considéré comme un photographe très demandé, «à la mode». Est-ce que cela a influencé ton parcours?

Je ne lis pas ce qu’on écrit de mon travail, je ne vais jamais sur internet, je reste donc très éloigné de toutes ces préoccupations qui pourraient me distraire de mon travail. Tant mieux si ça marche pour moi, mais à chaque nouvelle série, je dois me remettre en question, me renouveler, m’effacer devant mon sujet, être au mieux de ma créativité.

Les blasés sont très ennuyeux dans le fond, ils font offense à la créativité. Je pense qu’il faut explorer et explorer encore – même à l’intérieur d’un cadre commercial. Si dans la mode on a l’impression que tout a déjà été fait, dans ce cas, c’est à toi de rendre ton travail personnel, pousser les limites.

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Paper Dolls Alors que l’Amérique découvre la société de consommation, le Pop Art et la conquête spatiale, les femmes adoptent avec enthousiasme une nouvelle mode: celle des robes en papier. Vassilis Zidianakis s’est penché sur ce phénomène bref et intense.

Entretien réalisé par Céline Coubray. Photographie de Christian Aschman.

A la fin des années 1960 est apparue aux Etats-Unis une mode éphémère mais d’une intensité étonnante. Véritable phénomène de société, les robes en papier ont été portées par plusieurs millions de femmes, de toutes catégories sociales. Ne tenant plus compte du rythme des saisons, la mode changeait au quotidien, au gré des envies et des occasions. S’inscrivant en réponse aux besoins de modernité, de consommation, d’insouciance et d’optimisme qui sous-tendent la fin de cette décennie charnière, ces robes sont dévoilées dans l’exposition RRRIPP!!! Paper Fashion présentée au Mudam Luxembourg du 11 octobre 2008 au 02 février 2009, au Momu à Anvers du 12 mars au 16 Août 2009 et au Design Musem à Londres fin 2009-début 2010, et dont le commissariat est assuré par Vassilis Zidianakis, directeur artistique d’Atopos. Une belle occasion de découvrir ce phénomène populaire qui puise ses origines dans l’histoire du costume et dont on retrouve des réminiscences dans la mode contemporaine.

Pourriez-vous nous expliquer comment est apparue cette mode des robes en papier?

En 1966, la Scott Paper Company venait de mettre au point un nouveau type de papier et voulait en faire la promotion. Ils ont eu alors la très

ingénieuse idée de fabriquer des robes en papier pour vanter les qualités de ce nouveau matériau et de les distribuer comme on le ferait avec un tract.

Le succès fut immédiat et les femmes ont tout de suite adopté cette nouveauté. L’objet de publicité allait faire place à un véritable phénomène de société, touchant aussi bien les milieux modestes que des milieux plus huppés, trouvant là un nouveau moyen d’expression et d’amusement. Pour bien comprendre ce phénomène, il ne faut pas oublier le contexte, la société des années 1960.

Cette société, dans les pays occidentaux, est en pleine mutation. La société de consommation est devenue dominante, le Pop Art et l’Op Art sont les courants émergents de la création artistique et la conquête spatiale est passée du rêve à la réalité.

La mode suit bien entendu ses changements sociétaux. Les codes vestimentaires sont bouleversés, les hommes ne sont plus obligés de porter la cravate, les jeans prennent du galon, les jupes des femmes raccourcissent pour devenir mini, le corps se dénude avec la libération de la sexualité… Aussi, dans ce contexte, on comprend mieux pourquoi les robes en papier ont rencontré un tel succès. Leur coupe très sommaire, en forme de A, reprend une forme qui connaît déjà un grand succès dans le prêt-à-porter à l’époque.

Sans manche, de taille mini, la liberté de mouvement est importante, le corps n’est pas contraint.

De plus, les robes en papier présentaient une certaine connotation érotique puisque, potentiellement, pouvaient être facilement déchirées!

Quels usages avaient ces robes? A quelle occasion les portait-on?

Très rapidement, de nombreuses sociétés se sont mises à promouvoir leur produit sur ce nouvel outil de communication bon marché, sexy et glamour. Bonbons, savons, biscuits se retrouvent placardés sur ces robes pour véhiculer leur image.

Les pages jaunes utilisent leurs feuilles si caractéristiques pour les transposer sur les robes. Même les politiciens trouvent cet outil intéressant. Les figures de Nixon, Kennedy, McCarthy, Trudeau sont agencées dans des compositions graphiques reproduites sur les robes portées dans les meetings

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Hussein Chalayan, Airmail Dress, 1999.

Private collection

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Sarah Caplan (MPH Design), Twin Towers’ Poster Dress, New York 1999.

Photo: Panos Davios. © ATOPOS collection, Athens.

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politiques des campagnes présidentielles. Les stars de cinéma - robe promotionnelle pour les Studios Universal, les chanteurs populaires - Bob Dylan, les films grand public - Flintstones, la presse - Time Magazine, Milwaukee Sentinel, et même le milieu artistique choisissent comme support de promotion et d’expression les robes en papier. Warhol a réalisé pour Nico la robe Fragile devenue aujourd’hui célèbre ou encore la fameuse robe avec les bananes. Des poèmes

L’objet de publicité allait faire place à un véritable phénomène de société, touchant aussi bien les milieux modestes que des milieux plus huppés, trouvant là un nouveau moyen d’expression et d’amusement.

Knitted paper vest, Japan, late Edo period. Photo: Leonidas Kourgiantakis. © ATOPOS collection, Athens

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d’Allen Ginsberg sont reproduits sur des robes poster, une série de robes aux visuels très forts pouvant, après usage, être affichées au mur. On connaît même une adaptation masculine de ce phénomène avec le costume en papier de James Rausenquist. En parallèle de ces robes promotionnelles ou événementielles, on trouvait des robes plus «classiques» aux motifs floraux, avec des rayures ou des impressions chamarrées. Ce qui retient l’attention est aussi le rapport au temps singulier de ce vêtement. La notion d’éphémère est un élément constitutif et intrinsèque du produit. Toutes ces robes étaient faites pour n’être portées qu’une ou deux fois. Elles habillaient les jeunes femmes pour des événements spéciaux, des fêtes, des cocktails, un rendez-vous amoureux, …

La maîtresse de maison pouvait même choisir une robe assortie aux gobelets, petites serviettes et nappes en papier utilisées pour la fête organisée chez elle. En plus, les robes étaient inflammables, ce qui lui permettait de cuisiner et de fumer en toute sécurité. Une fois la fête terminée, la robe pouvait aller à la poubelle, avec les assiettes en carton usitées… Ce concept permettait toutes les fantaisies graphiques. Pour autant, on ne connaît que peu les noms des auteurs des motifs. Beaucoup étaient de simples dessinateurs industriels, déclinant des motifs utilisés pour les papiers-cadeaux, reprenant des motifs psychédéliques ou folkloriques à la mode. On retrouve beaucoup de formes géométriques issues de l’influence de l’Op Art, des couleurs vives correspondant à l’esprit joyeux, festif et insouciant de l’époque. D’autres modèles étaient laissés simplement vierges pour être personnalisés par des créations originales. On ressent aussi fortement l’influence des développements techniques.

C’est la période de la conquête de l’espace, des utopies futuristes, de la science-fiction. En portant ces robes en papier, les femmes avaient l’impression de participer à cette conquête technologique, de porter un matériau nouveau, comme ces robes réalisées dans le même matériau que celui utilisé pour l’intérieur des combinaisons des cosmonautes.

Où pouvait-on se procurer ces robes? Les trouvait-on dans des magasins de vêtements?

Non, pas du tout! Plusieurs millions de robes en papier ont été produites et diffusées. Elles étaient souvent offertes en cadeau lors de l’achat d’un produit ou distribuées lors d’actions promotionnelles en tout genre. Des modèles étaient aussi en vente, à un prix de vente très attractif puisque autour d’un dollar. Le mode de diffusion est tout à fait nouveau car les robes n’étaient pas vendues dans les magasins traditionnels de prêt-

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Harry Gordon, Poster Dresses.

Ad for the Life magazine, 5/4/1968. Š ATOPOS collection, Athens

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Robert Kennedy electoral Campaign dress, New York, 1968. Photo: Panos Davios. Š ATOPOS collection, Athens

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à-porter sur cintre, mais dans les drugstores, papeteries, placées sur des présentoirs, dans des sachets en plastiques transparents, à côté des cartes postales, nappes en papier, gobelets en carton et petites serviettes. Il n’était pas possible d’ouvrir les sachets pour les essayer par exemple. Le choix se limitait à celui de la taille et du motif. La forme de la robe était reprise sur une silhouette de femme dessinée dans le style des figures de bande dessinée de l’époque. Il s’agit donc d’un nouveau type de comportement de consommation, d’une nouvelle approche du vêtement considéré comme un produit de très grande consommation.

Est-ce qu’il était possible d’acheter des accessoires?

Le marché a principalement développé les robes, mais il y a eu quelques accessoires comme des chapeaux, des sacs, des sous-vêtements et même un maillot de bain!

chissons la collection de créations contemporaines, aussi bien avec des pièces réalisées par les stylistes comme Hugo Boss, Walter van Beirendonck, Helmut Lang, UEG ou Kosuke Tsumura que des œuvres de Robert Wilson ou Marcus Tomlinson.

Issey Miyake nous a fait un cadeau magnifique que nous présentons pour la première fois lors de

Il s’agit donc d’un nouveau type de comportement de consommation, d’une nouvelle approche du vêtement considéré comme un produit de très grande consommation.

Combien de temps cet engouement a-t-il duré?

Ce fut très bref, puisque cette mode s’est concentrée entre 1966 et 1968. Les premières réflexions écologiques ont sonné le glas du jetable à outrance et l’industrie du textile a développé en parallèle des matériaux peu coûteux pour le prêtà-porter.

Vous avez réussi à rassembler plus de 350 robes.

Pourriez-vous nous expliquer en quelques mots ce qu’est Atopos et comment avez-vous réussi à constituer cette collection?

Atopos est une organisation culturelle hellénique à but non lucratif fondée en 2003 par Stamos Fafalios et moi-même. Nous organisons des projets qui confrontent l’art contemporain, la mode et le design. Nous travaillons avec les talents émergents sur des projets qui mettent en valeur de nouvelles technologies. Les projets sont toujours réalisés sur des thématiques internationales qui sont présentées au public au travers d’expositions itinérantes dans lesquelles une grande attention est apportée à la monstration. Atopos signifie en grec ancien inclassable, hors de l’ordinaire, excentrique. Une signification qui convient parfaitement à notre sujet d’étude actuelle: les robes en papier des années 1960. La collection que nous avons réussi à constituer représente aujourd’hui la plus importante collection au monde sur ce sujet. Nous avons acheté auprès de particuliers, lors de ventes aux enchères, sur internet… Mais nous avons aussi élargi notre recherche aux autres types de vêtements en papier qui existent ou ont existé à travers les modes et les époques. Nous avons acquis des vêtements japonais anciens, des Kamiko de l’époque Edo et Meiji. En parallèle de cela, nous enri-

Paper Dress advertisement. Photo: Panos Davios.

Paper Dress advertisement. Photo: Panos Davios.

© ATOPOS collection, Athens

© ATOPOS collection, Athens.

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l’exposition à Luxembourg: son équipe et luimême ont réalisé une collection expérimentale de vêtements en papier inspirés de notre collection. Ils ont utilisé du papier recyclé selon une méthode japonaise très ancienne, qu’ils ont travaillé comme un origami. Ces modèles de Paper Pleats ne seront pas commercialisés et nous avons la chance de pouvoir les recevoir dans notre col-

Toutes ces robes étaient faites pour n’être portées qu’une ou deux fois.

Elles habillaient les jeunes femmes pour des événements spéciaux, des fêtes, des cocktails, un rendez-vous amoureux,…

Harry Gordon’s Poster Dresses packaging. Photo: Panos Davios. © ATOPOS collection, Athens

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lection. Nous avons également passé commande nous-mêmes à des stylistes et des artistes pour qu’ils proposent des créations inspirées de notre collection. Cet ensemble et les nombreuses recherches effectuées nous ont permis de réaliser RRRIPP!!! Paper Fashion que nous présentons maintenant au Mudam avant d’aller au Momu à Anvers du 12 mars au 16 Août 2009 et au Design Musem à Londres fin 2009-début 2010.

Il existe donc une tradition des vêtements en papier. Pourriez-vous nous en dire un peu plus?

La civilisation ancienne japonaise a en effet eu une production remarquable de vêtements en papier. Ces vêtements étaient utilisés par différents types de personnes comme les moines bouddhistes qui s’en servaient lorsqu’ils partaient en retraite dans la forêt. Ils s’habillaient alors de vêtements en papier blanc qui, à la fin de leur retraite, étaient maculés et délabrés. Les moines les brûlaient alors, en signe de purification spirituelle. On peut également citer l’exemple des Samouraïs qui avaient comme rituel d’écrire sur des feuilles en papier qu’ils transformaient ensuite en vêtement de protection avec un système qui durcissait le papier. Le papier était aussi utilisé comme sous-vêtement placé sous les kimonos pour éviter les taches de transpiration qui étaient très mal vues. Les sous-vêtements en papier permettaient à la fois de créer une aération entre les couches de tissus et d’absorber la transpiration, si besoin. Mais on retrouve aussi des vêtements en tissus dans les régions équatoriales où les arbres poussent en profusion. En Europe, on trouve aussi des vêtements en papier. Au XIXe siècle, les hommes portaient des cols et des manchettes en papier, leur permettant ainsi d’avoir ces parties de chemise toujours propres et bien blanches. Pendant les guerres mondiales, lorsque les matières premières manquaient et les vêtements devenaient un bien précieux, les morts n’étaient pas enterrés avec leurs habits en tissus, gardés par les survivants, mais avec des vêtements en papier. Ces habits funéraires sont très touchants car ils imitent de délicates broderies, des boutons raffinés, des tissus ajourés… Un luxe qui souvent n’aurait pas été abordable pour les familles de défunts s’il s’agissait de vêtements en tissus. On peut toutefois remarquer que les techniques utilisées pour fabriquer ces vêtements ne sont pas toutes les mêmes. Il y a différents processus pour obtenir du papier et il est intéressant de noter que les robes en papier des années 1960 ne sont pas faites qu’avec de la cellulose. On utilisait alors aussi le Tyvek qui permet d’augmenter la résistance du matériau. C’est pour cela qu’on parle aussi de

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«non-tissé» et pas uniquement de «papier», bien que ce terme soit le plus courant.

Et puis, il y a l’utilisation du papier dans la mode contemporaine.

On retrouve en effet de nombreux exemples de créations en papier dans la mode contemporaine.

Des stylistes d’avant-garde se sont essayés à cet exercice délicat et original. On peut voir par exemple dans l’exposition, une robe haute couture de Christian Lacroix réalisée en papier kraft et agrémentée de broderies et de perles. En remontant un peu dans le temps et en étant contemporain des robes en papier américaines, Paco Rabanne s’était aussi approprié ce matériau dans les années 1960.

Il a proposé des modèles de robe en non-tissé, dont des robes de mariée. D’autres étaient plus futuristes. Il avait même inventé un distributeur qui aurait permis de se procurer des vêtements en papier à tout moment de la journée et dans n’importe quel endroit. Plus près de nous, on peut remarquer plusieurs modèles dans les collections de Rei Kawakubo pour Comme des Garçons, la collection de robes en papier de Jum Nakao en 2004, la jupe en papier au motif de Mickey de Bernhard Willhelm en 2001, les blousons de la collection Avatar de Walter Van Beirendonck pour l’Automne-Hiver 1997/98, la robe blanche d’Helmut Lang qu’Atopos compte dans sa collection.

Ce support a aussi permis la création de modèle d’une très grande poésie comme The Wizard of Jeanz de Hiroaki Ohya, une série de livres dans laquelle chaque volume contient des pages qui se transforment en un vêtement spécifique, tour à tour robe, pantalon ou jupe. Cette œuvre fait d’ailleurs partie de la collection du Mudam qui est une des rares institutions à souligner les liens qui se tissent entre l’art et la mode. Hussein Chalayan a marqué notre mémoire avec le magnifique projet des Airmail dresses en 1999, des robes papier à lettre sur lesquelles on peut écrire puis plier et envoyer par la poste, comme une lettre ordinaire.

Le papier est aussi un matériau isolant et dans nos sociétés précaires, peut être un moyen de survie.

Nous possédons dans notre collection un projet de Kosuke Tsumura, Final Home, qui peut être rempli de vieux papiers froissés et porté en manteau ou servir d’abri pour les sans domicile fixe.

Enfin, nous avons demandé à l’artiste Suzanne Lee de présenter son projet très novateur, Bio Couture, qui fait «pousser» du papier, c’est-à-dire de la cellulose. Tous ces projets et réalisations témoignent bien du fait que le papier est un matériau très malléable, d’une grande poésie, qui a beaucoup inspiré et continue de donner envie aux créateurs de produire des vêtements en lien avec le papier, encore aujourd’hui.

On retrouve de nombreux exemples de créations en papier dans la mode contem­poraine. Des stylistes d’avant-garde se sont essayés à cet exercice délicat et original.

The Big Ones for ’68 paper dress, USA 1968. Promotional paper dress of Universal Studios with “pop” portraits of the Studios popular stars. Photo: Panos Davios. © ATOPOS collection, Athens.

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Fashion

Illustration by StĂŠphane Manel

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Heidi Photography Anoush Abrar & AimĂŠe Hoving Stylist Sorrel Kinder

Denim shorts

Nokia Daves for 18th Amendment Blouse Stella McCartney

Boots Christian Louboutin

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Dress Peter Pilotto

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Dress Etro

Shoes with sliver studs Giuseppe Zanotti

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Snakeskin shorts Paul & Joe Braces STYLIST’S OWN

Black ankle boots Paul Smith

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Trousers Etro

‘Merrill’ fox scarf; black leather belt both available at Hockley Black shoes Donna Karan

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Mini skirt with lace straps Manoush (Net-a-porter.com)

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Skirt Etro

‘Aratus’ Goat gilet

available at Hockley

Leather belt Paul & Joe Shoes Mulberry

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Alpaca Coat Paul Smith

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Rose print bra Paul Smith

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Shoes Christian louboutin Model Jani (metropolitan)

Hair & Make up Sandra Schneider

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s ‘ t a h W girl a do? o t Photography Fred Jacobs Stylist Yoko Miyake

Production Philippe Graff

Make up Alexandra schiavi (Airport Agency)

Hair Gilles Degivry

Model Taylor Warren (Elite models) Stylist Assistant Farrah Hammadou

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Body ERES

Skirt YOHJI YAMAMOTO Bracelet CHANEL

Stay up FALKE

Boots AZZEDINE ALAIA

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Jacket GILES

Top VICTOR & ROLF

Head Piece MAISON MICHEL

Ring YOSHIKO CREATION PARIS

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Short Jumpsuit FIFI CHACHNIL Bras and Slip ERES Ribbon MOKUBA

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Hoodie PUMA Dasler Dress PAULE KA

Clutch PIERRE HARDY

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Gilet ANN DEMEULEMEESTER Top BLAAK

Bras and Slip CHANTAL THOMASS

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Dress CHANEL

Necklace KRIS RUHS for AZZEDINE ALAIA Slip ERES

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Jacket DRIES VAN NOTEN

Pull PEACHOO+KREJBERG Slip FIFI CHACHNIL Bracelet CHANEL

Clutch AZZEDINE ALAIA

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Photography Valerie Archeno (Thierry Kauffmann) Stylist Celine de Selva (ABEL14) Assistant Stylist Muriel Dauffy Production Philippe Graff

Hair Philippe Mensah (B Agency)

Makeup Catherine Dargenton (Agence AurĂŠlien) Models Olesya (Metropolitan)

Adrien Brunier (Bananas Mambo) Paloma Dreher (Metropolitan)

We wish to thank Studio ABEL14 in Paris

Denim or Deny 182

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Short with braces Pepe Jeans

Shoes Bruno Frisoni

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Paloma

Top Vivienne Westwood Skirt Hussein Chalayan

Wings Manish Arora

Boots Antonio Berardi Olesya

Dress Thierry Mugler Edition

Shoes Casadei

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Shirt Cosmic Wonder Light Source Pants Bless

Mask Jose Castro

Low boots Energie

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Jacket Wunderkind

Skirt 7 For All Mankind

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Adrien

Hoodie G Star

Pants Diesel Denim Gallery Sneakers Lacoste

Paloma

Dress Diesel Denim Gallery

Sandals Paul & Joe Gloves Bless

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right: Olesya

Top Surface To Air

Pants rwd Denim Design

Gloves Rue du Mail Adrien

Shirt Kris Van Assche c/o Colette Pants Florian Denicourt

Paloma

Top Bless

Pants Sophia Kokosalaki

Olesya

Top Andrea Crews

Skirt mcQ by Alexander McQueen

Scarf MM6 (Maison Martin Margiela) Boots Bally

Necklace Marion Mille Adrien

Scarf Xuan Thu Nguyen

Pants Maison Martin Margiela

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Top Impasse 13 by Alexis Mabille Pants Juun J

Belt Raf Simons

Shoes Pedro Garcia

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Jacket Paul & Joe

Round balls as necklace Xuan Thu Nguyen

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Scarf Trosman

Pants Evisu & Puma

Glasses Linda Farrow

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Top mcq Alexander McQueen Serre taille 7 for All Mankind

Hat Jose Castro

Bracelet Bracelook

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ouet beck eeve ot t s y h u ograp belle jo Phot nna a t s Styli

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SCOTT D EMY WOO s JER lasse ENNE WEST g n u I S IV ter V Swea GZIO SON s Pant

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LUS ME P HOM CONS R ES GA SEASON ME D COM INTER t il k ICS t and ban FABR e k c a J ur DY as a t KENNE Scarf NOIR s r e Crep

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Translations Traductions

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Le parcours de Sam Roddick n’a rien de classique.

Quand on est la fille de la célèbre fondatrice de The Body Shop, Annita Roddick, l’héritage en matière d’esprit d’entreprise est lourd à porter. Sam Roddick a néanmoins le mérite d’être devenue une activiste et une rebelle à part entière. Cette attirance pour l’activisme lui vient de bonne heure et elle passe son adolescence à tenter de sensibiliser le public aux dangers qui menacent la forêt tropicale. Mais sa véritable vocation lui est apparue il y a quelques années seulement, lorsqu’elle décide, avec l’aide de quelques amis, de lancer Coco de Mer, véritable grand magasin d’accessoires érotiques de luxe. Dans cette boutique à l’atmosphère de boudoir, vos moindres besoins et désirs sont satisfaits: accessoires, livres en édition limitée et sculptures, sans oublier les séminaires, on y trouve de quoi satisfaire tous les fantasmes.

Entretien réalisé par Angelina A. Rafii.

Vous expliquez qu’à l’origine vous avez eu l’idée de cette entreprise en devenant, presque accidentellement, la photographe de vos amis dont vous preniez des portraits très intimes, mais aujourd’hui, Coco de Mer va bien au-delà de cela. Pouvez-vous me dire comment tout a commencé et quelles sont vos orientations pour le futur?

Eh bien, en fait, c’est plus compliqué que ça; la photographie était pour moi un moyen de guérir, de réparer mes blessures en matière de sexualité.

J’ai toujours été quelqu’un de très sexuel et pendant mon adolescence, j’ai été marquée par deux expériences très différentes qui m’ont jetée dans un véritable enfer et une totale confusion.

Etre créative et essayer en per­ manence d’affronter l’obscurité me permet de me sentir mieux. La photographie m’a permis de me prouver à

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moi-même que je pouvais être belle à mes propres >yeux. Mes amis ont vu mes photos de nu et m’ont demandé de les prendre en photo. Il ne s’agissait pas de photographie d’art (bien que j’aie pris quelques très bons clichés), il s’agissait plutôt de se guérir soi-même.

Au final, Coco de Mer est une aventure personnelle, si je n’y avais pas insufflé mes propres désirs et mes propres peurs - je ne serais pas parvenue à réaliser la moitié de ce que j’ai fait.

Mon souhait n’est pas de gagner beaucoup d’argent (même s’il le faut bien pour la survie de l’entreprise) mais de transformer les gens grâce au plaisir et leur offrir un monde meilleur, un monde fait de bonté, de respect et de bonheur. C’est que je me souhaite à moi-même.

En quoi cette entreprise est-elle un reflet de votre personnalité?

Il s’agit uniquement de moi. J’emploie uniquement des gens que j’aime vraiment. J’impose à mon personnel uniquement des choses que je pourrais moi-même supporter – c’est l’entreprise elle-même qui leur permet de se dépasser. Je souhaite sincèrement que les rêves de tous ceux qui travaillent avec moi se réalisent et si je peux les aider en quoi que ce soit, ils peuvent compter sur moi. J’adore Coco de Mer, c’est un concept plein d’humour, chaleureux, impertinent, beau et compassionnel, sans aucune peur. Voilà des qualités que j’espère avoir un jour.

Pressentiez-vous un tel succès? Je veux dire, aviez-vous senti l’importance d’un tel marché, le fait que monsieur ou madame tout le monde avait certains besoins et désirs qui n’étaient pas satisfaits par la manière dont les choses étaient présentées jusque-là? Ou est-ce une découverte de chaque jour?

Non, je n’avais aucune idée de la manière dont le concept serait accueilli. Il n’y avait pas de marché, nous sommes la première boutique d’érotisme de luxe. J’ai fait des recherches et il n’y avait aucun concurrent.

La clientèle est totalement différente de ce que je pensais, mais si on y réfléchit, cela paraît logique. Nous devions créer, concevoir et fabriquer 80 % des produits que nous vendions.

J’ai bien compris que si je voulais vraiment saisir le zeitgeist (l’air du temps), je devrais me mettre en première ligne pour créer les produits dont j’avais vraiment envie et être honnête à propos de mon propre parcours sexuel. C’est plus difficile qu’on pourrait le croire - se poser, explorer les choses qui vous excitent puis les communiquer, ce n’est pas facile.

En quoi le fait d’avoir grandi dans une famille d’entrepreneurs vous a-t-il aidé? A quelles difficultés n’étiez-vous pas préparée?

Avant de lancer Coco de Mer, je n’avais jamais travaillé dans le commerce. Tout m’est revenu: les années passées à me balader dans les boutiques The Body Shop, les heures passées à suivre ma mère en maugréant ou le fait de parcourir le monde dès

l’âge de 12 ans pour faire les boutiques. J’ai passé mon enfance à assister en silence à des réunions, à devoir rester bien sage tandis que les responsables de l’exécutif et du marketing annonçaient leurs décisions. J’ai cessé de travailler en boutique à l’âge de 18 ans. Lorsque que j’ai ouvert les portes de Coco de Mer, je me suis sentie comme un poisson dans l’eau, j’ai adoré ça! La seule chose à laquelle je n’étais pas habituée, c’était d’être le boss. Je n’arrivais pas à accepter le fait que, sur bien des points, j’étais séparée du personnel de Coco. Je voulais être l’un d’eux. J’ai alors découvert que les connaissances acquises grâce à la maternité étaient tout à fait adaptées pour diriger une équipe – être claire, ferme, cohérente, aimante et drôle et le fait que, finalement, il était de ma responsabilité de motiver mon équipe pour atteindre une productivité satisfaisante. Maintenant j’adore diriger. Je suis fière de mon équipe.

D’une certaine manière, Coco de Mer leur appartient à tous.

Pourquoi avoir choisi d’ouvrir votre seconde boutique à Los Angeles, en quoi cette ville constitue-t-elle un environnement favorable? Avezvous dû faire face au conservatisme américain?

La raison est simple: ma sœur vit là-bas. Cela me donne un prétexte supplémentaire d’y aller. C’est seulement du népotisme. Les Américains sont extrêmes; ils peuvent être très conservateurs mais certaines de leurs attitudes sont aussi extrêmement choquantes. J’ai du mal à les comprendre. Ils me laissent parfois bouche bée de stupéfaction – et ce n’est pas souvent que ça m’arrive.

De quoi êtes-vous la plus fière? Quels sont vos regrets?

Je refuse les regrets – si je commence, je ne m’en sortirai pas. Quoi qu’il en soit, je suis fière de toucher de nombreuses personnes et de la manière dont Coco de Mer a réchauffé le cœur d’un grand nombre d’entre elles. J’ai reçu de nombreux remerciements de gens me disant qu’en entrant dans l’une de mes boutiques, leur vie avait changé. Cela me rend vraiment heureuse. C’est mon but.

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Pensez-vous que «repousser les frontières de la sexualité» signifie encore quelque chose aujourd’hui? Je vous pose la question parce que ça me fait toujours rire quand je vois des gens de nos jours qui, en public, sont plutôt ouverts par rapport à leur sexualité et se comportent comme s’ils avaient rendu un immense service à la société, parce que «nous étions tous prudes jusqu’à ce qu’ils arrivent et provoquent une révolution». Dans le même esprit, j’ai vraiment bien aimé le commentaire intitulé Welcome Home Honey que vous avez laissé sur votre blog et qui disait «C’est simple; on ne peut pas avoir de préjugés quand il s’agit de libération sexuelle. Rien n’est tout à fait ce dont il a l’air… en tout cas tant que vous ne posez pas les bonnes questions et que vous ne creuser pas un peu. L’expression sexuelle des gens demeure cachée. Nous, les Occidentaux, sommes tellement arrogants. Nous sommes persuadés de vivre dans la société la plus libérée sexuellement. Mais ce n’est pas vrai. Je crois que nous avons beaucoup à apprendre des autres cultures et des autres sociétés en matière de plaisir et même de relations humaines. Plus nous en savons, plus nous nous posons de questions, plus nous faisons d’expériences et plus nous nous découvrons. On ne peut se contenter d’une seule manière de voir les choses».

Vous n’avez donc pas besoin de vous exhiber ou que cela se lise sur votre visage pour montrer que vous avez l’esprit ouvert?

On peut se libérer de bien des manières – en s’exhibant, ou pas – cela n’a aucun intérêt pour moi. La liberté de l’un est la limite de l’autre. Chaque personne est un monde à lui tout seul, attendant d’être découvert. Il n’y a pas de bonne ou de mauvaise manière, nous sommes tous des êtres sensibles.

Nous ressentons avec nos sens et sommes touchés par nos âmes. Il y a de nombres façons d’avoir une relation sexuelle et le sexe exprime la manière dont nous accueillons le plaisir, qu’il soit physique ou émotionnel. Jusqu’où nous sommes prêts à aller. Le sexe et la sexualité sont empreints de vulnérabilité et de peur. Nous avons tous égale-

ment des besoins et des attaches, nous sommes tous en équilibre entre les aspects fonctionnels et dysfonctionnels de notre identité. La vérité, c’est que bien faire l’amour dépend de quelques règles simples - consentement et communication. Et la volonté - il s’agit de trouver un véritable équilibre entre savoir écouter son partenaire et être capable d’exprimer ses désirs, de respecter les limites de chacun tout en comprenant que le sexe est une aventure à la fois physique et mentale.

Avant d’essayer quelque chose, vous n’avez pas la moindre idée de la manière dont vous allez réagir. On peut tous apprendre à être d’excellents amants, on apprend les uns des autres – la confiance est la clé.

J’aime les limites en matière de sexe, j’aime les tabous, mais je ne préconise ni suppression ni oppression. Nous avons besoin de plus de dialogue. Je ne crois pas aux «sexperts» – nous sommes nous-mêmes nos meilleurs professeurs. Alors communiquons.

Le plus intéressant serait peut-être de savoir ce que signifie pour vous le fait de briser les tabous et de repousser les frontières de la sexualité? Et pourquoi le sexe est-il toujours l’outil marketing le plus efficace?

Parce que c’est ce qui nous fait avancer. C’est l’énergie sexuelle qui donne la vie. C’est la source de toute créativité – le sexe et le plaisir sexuel arrêtent le temps, suspendent le cours de la vie. Malgré tous les efforts des publicitaires, on ne peut pas mettre l’orgasme en bouteille et le vendre. Le sexe devrait toujours être gratuit (mais ça ne vous empêche pas de l’agrémenter de quelques accessoires!).

«On ne peut se contenter d’une seule manière de voir les choses». Est-ce ce principe qui a forgé votre point de vue sur le féminisme? Quand quelqu’un comme Sarah Palin se présente comme candidate à la vice-présidence du pays le plus puissant du monde, est-ce une victoire pour les féministes du monde entier ou un camouflet?

Eh bien, finalement, voilà comment je vois les choses – la misogynie est le préjugé le plus généralement accepté et conduit en fait à la forme de violence la plus terrible. On la rejette et elle se

dissimule au cœur même de toutes les sociétés, occidentales ou non. Les femmes doivent avoir les mêmes opportunités que les hommes. Il y a des femmes dans ce monde qui, tout comme les hommes, n’ont pas les mêmes valeurs ni les mêmes sensibilités.

chés en céramique, les lubrifiants Ruby Sunrise – au goût de miel – miam miam! Et aussi un produit que je n’ai pas ENCORE essayé: le harnais à placer sur la jambe. Les bandeaux pour les yeux font également partie de mes favoris.

Que répondez-vous à ceux qui jettent un certain discrédit sur le fait que vous utilisiez votre nudité pour protester contre la guerre en Irak en déclarant que votre but était en fait de vous faire de la publicité? Qu’est-ce que la nudité peut apporter à une telle manifestation, peut-elle aider à faire connaître votre point de vue?

Quel discrédit? Je n’avais jamais entendu parler de tels commentaires.

Ecoutez, si ce que vous faites ne provoque aucune réaction, alors ça ne valait pas la peine de le faire – que la réaction soit négative ou positive – le message est quand même passé. Je crois que j’en mourrais si tout ce que je faisais était bien accueilli. J’apprécie les réactions positives – mais les réactions négatives m’intéressent tout autant – que ce soit pour y réfléchir, pour m’aider à avancer, ou pour m’en amuser. Je fais des choses dans lesquelles je crois et je me shoote à l’endorphine: j’aime faire des choses que la plupart des gens évitent de faire. Une vraie accro aux sensations fortes!

Depuis des siècles, les femmes utilisent la nudité pour protester contre quelque chose. C’est un puissant moyen d’action initié par un groupe de femmes chrétiennes très religieuses au Canada. Tout ce que je fais est réfléchi et résulte d’une véritable recherche.

L’entreprise de votre mère, The Body Shop avait un véritable concept, quel serait celui de Coco de Mer? Plaisir, sexe, politique et amour. Je viens juste de lancer la branche activiste de Coco de Mer, «Bondage For Freedom». Nous avons travaillé sur des projets incroyables. The Journey – le projet de lutte contre le trafic sexuel que j’ai créé avec Emma Thompson l’année dernière existe maintenant à New York.

C’est une réussite incroyable.

Travaillez-vous sur d’autres projets?

Oui, je travaille sur quelques projets vraiment intéressants, notamment en collaboration avec Johnny Blue Eyes.

Nous sommes en train de lancer une galerie Bondage For Freedom au sein de notre nouvelle boutique de South Kensington. Johnny Blue Eyes est un artiste incroyable. C’est le type qui a donné envie à Kate Moss de reprendre le chemin des podiums en septembre.

Si vous deviez transmettre un seul message, quel serait-il?

Bien faire l’amour et avoir une vie sexuelle épanouissante basée sur le respect et la curiosité rend votre vie plus belle et vous apporte des tonnes de bonheur.

Vous tenez à ce que vos produits soient issus du commerce équitable, êtesvous impliquée dans leur création et leur développement?

Oui. J’invente un grand nombre de produits et je travaille avec une excellente équipe créative composée d’artisans et d’artistes. Tout comme le sexe, Coco de Mer est le fruit d’une collaboration.

Parmi les produits que vous vendez, quel est votre préféré?

Oh Mon Dieu, voilà une question difficile. J’aime beaucoup les godemi-

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Jean-PaUl Lespagnard is reclaiming Belgium’s place at the cutting edge of fashion: at the recent Festival d’Hyères, the iconoclast won the Prix du Jury 1,2,3 and recorded the highest score on the Clap-o-Meter. Instead of the traditional minimalist designs, he has created an off-the-wall universe, joyful and a bit camp, but underpinned by flawless technique.

Long live the Festival!

Interview by Philippe Graff.

We were supposed to meet a month ago at the Royal Monceau in Paris – what happened?

I had been working for a while for the Demolition Party, something Philippe Starck dreamt up. There was this memorable evening when all the guests were supposed to smash everything up (prior to a planned total renovation of the luxury Paris hotel. Ed.). The party was actually supposed to be restricted to the third and fourth floors, but it got a bit out of hand and in the end the entire hotel got turned upside down.

You created a sensation at the last Hyères Festival. You won second prize, didn’t you?

The recognition I got at Hyères was totally unexpected, although the 1,2,3 Prize isn’t really a prize for second place, it’s more of a Jury’s prize which covers the cost of producing the collection. It was the first time I’d created an entire collection, it’s something you need financial backing for. The French label which traditionally sponsors the Festival gave me the means.

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Isn’t there rather a gulf between the Englishman Matthew Cunnington’s collection and yours?

Yes, I think that’s what they were looking for. A very serious, minimalist collection, and then something a bit more crazy, which obviously the public expect of us. Personally, I couldn’t bring out a minimalist collection. Fashion is something inherently very serious and demanding, you need to add a touch of madness.

But you shouldn’t get carried away by the extravagant side. There’s a lot of work behind it and for me the quality of the materials and the cut are very important. When you turn up with a set of completely off-the-wall designs, you can’t permit an iota of poor quality or you’d lose all credibility on the spot.

Exactly, can you help us to decode your very personal, and doubtless very Belgian, universe?

It’s the standard question about your roots, the path you followed …

I graduated from an evening course at Château Massart (IFPME in Liège) which I completed while holding down a day job in a CD shop. At the

time, I also worked in a tattoo parlour - I got to know quite a few crazy characters, which helped to develop my world, and I had all sorts of obsessions.

I also went up to Antwerp, mainly for personal reasons. Nonetheless, I tried the “Ecole d’Anvers” but when you are a complete nobody from Wallonia who doesn’t speak a word of Dutch, you have less chance than if you were French, had worked for Gaultier and spoke English. Nonetheless, my time in the Flemish city helped my development and I discovered the fascination of Flemish theatre there. In the end, I am much more attached to Brussels where I live now. In Antwerp, the Flemish-Walloon split is very marked.

Brussels is less provincial, more urbane and more cosmopolitan. Throughout all that difficult time, I was building my own inner-world and, of course, developing my knowledge, especially in a tailoring atelier in a village in Wallonia (!) where I worked alongside some middle-aged women. I learned a lot of technical tricks of the trade maybe not very exciting, but very instructive.

All together a not very glamorous path? Do you cultivate that very Belgian individualistic image, a bit?

I have followed a trail a bit like Hugo’s Cosette, that’s true (laughter).

I also spent a few months as a trainee with Anna Sui in New York. I learned to perfect my techniques in cutting and pattern-making, and I was also an assistant there. I have had this passion for fashion since I was a child, something which has nothing to do with the cold minimalism of the Antwerp School. In fact, I think my world is pop, my style is pop. Like when you buy a work of art and then you mass produce it, that’s really Pop Art. I’m fascinated by pop culture.

Like the little cones of French fries which decorate your creations?

Yes, the French fries, that’s definitely a nod to Belgium. And then I tell a story with every collection. My heroine, let’s call her Jacqueline, owns and runs a fritkot - a chippie - in Brussels. She loves her work but, at the same time, she has a great fantasy of marrying a cowboy. That’s where the

strange Dolly Parton look comes from. At the time, I had seen some pictures of Far-West rodeos, and I integrated that world into my catwalk show. For a collection, I try to imagine how my heroine would live, like making a film. In fact, that collection was really made by Jacqueline, she’s at ease with herself and just follows her dreams through.

Is that what wins people over, this ability to develop an idea as far as it can go, which we find in your own persona?

My own world is very personal, and I feel very comfortable in it. People used to take me for a bit of a nutter.

Presenting a show on the catwalk has really given me credibility. And then, despite cynicism of the critics, I speak to something that is inside every one of us, that ability to dream, to break free from reality – I speak to the “Jacqueline” in all of us (laughter). The important thing is to show what’s really inside us – that’s true, we’re struck by the designer’s sincerity Ed – it also breaks down barriers and helps people get closer to you. There’s something positive in my personality and my personal style which draws people towards me.

So, you don’t follow any fashion, any trend? Pointless asking you about a “Belgian School” or a hypothetical Brussels-Antwerp split?

No, I don’t subscribe to any particular trend. That doesn’t mean I don’t admire the work of other designers.

We were just talking about the Antwerp designers who have a very minimalist style, the complete antithesis of mine, but I still admire their cuts and the details of finishing. In the same way, I am fascinated by the development of someone like Albert Elbaz for Lanvin or the creative exuberance of Castelbajac or the work of Bernhard Willhelm. But I have nothing in common with these designers, unless it’s the desire to find my own path. It is important for a creative designer to find his own clientele.

Coming back to what you were saying about a Belgian School, there isn’t really a “school” in the true term, at least nothing in the Brussels’ sphere,

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rather individual personalities, talents, but without any real synergy between them. As for Antwerp, it seems to me that the hype has collapsed a bit, and the city is resting on its laurels, keeping a ten year old flame alive. At the moment, I have a design studio in Brussels and I feel at home there.

How does a Jean-Paul Lespagnard collection take shape?

I envisage a collection very quickly.

Or, rather, I have all these ideas in my head for a while and, when they mature, the wheels start spinning and I sketch everything in one night.

Then everything is made on-site with a pattern cutter and a seamstress. In fact, that’s what happened for the collection presented at Hyères, which wasn’t produced for the mass market but was a collection of prototypes. I’m on the verge of finding a financial backer so that will change. We’re going to produce collections to be sold in shops. The first will be for summer 2009, and my inspiration this time round comes from Sylvester Stallone films!

You’re sticking to it! How on earth did you come by the idea of using a German hit from the sixties for your catwalk show?

I was in a hotel room in Berlin, where I go regularly to design theatre costumes, and I stumbled across this song by Gitte: “Ich will ‘nen Cowboy als Mann”, the music is awful, the lyrics unbelievable, and it suits my Jacqueline’s world perfectly. The funniest part is that the person who was introducing the collections couldn’t for the life of her pronounce the title, she had to have several goes at it.

You work in Berlin as well?

I design costumes for the Volksbühne, the theatre founded by Bertolt Brecht, and which nowadays produces avant-garde German drama. I’m also a fan of Frank Kirstoff, the theatre’s artistic director. I do quite a lot of work there with the choreographer Meg Stuart, and we’re going to work together on her next show, Blessed.

Don’t you ever stop?

Things are happening faster and faster. After Hyères, I got a lot of

press coverage. I was on the cover of the Barcelona magazine Metal, and more recently I worked with Dita Von Teese on the design for the French magazine Elle. At the same time, I’m involved in some more private projects linked to charities such as Les Petits Riens in Belgium which is an association set up to help disadvantaged children. Recently, I have put a lot of energy into Yelle’s new video clip. She’s a fantastic girl and I clicked with her straight away - it’s one of the faces of Jacqueline – our worlds are quite similar. After the video for “Ce Jeu”, the second of the album, I’ll go on tour with her.

Si Anaïs Nin, poétesse parisienne et précurseur de la libération sexuelle féminine, écrivait encore aujourd’hui, les jaquettes rose blush de ses livres seraient sûrement illustrées par Makiko Sugawa. Cette artiste de 34 ans vivant à Osaka a su se faire un nom dans le monde du manga pour adultes grâce à ses dessins érotiques de femmes esquissés d’un trait à la fois délicat et assuré. Les deux expositions en solo de Sugawa—diplômée de l’université d’Art et de Design de Kyoto et travaillant pour l’agence de graphisme japonaise Kokokumaru—récemment présentées à la Space Yui Gallery de Tokyo ont connu un vif succès. La première, en 2006, s’intitulait Women’s Private Time—un thème sur lequel l’artiste travaille depuis 2001—et tentait de «capter et d’exprimer la réalité de la vie des femmes et de leur sexualité d’un point de vue féminin». La seconde, intitulée Undress, s’est tenue cette année. Dans ces nouvelles œuvres, le fantasme vient s’ajouter à cette réalité, présentant une vision à la fois forte et inébranlable de la sexualité et de l’identité féminines.

Interview by Philippe Graff.

Au premier abord, les illustrations de Sugawa, parfois décrites comme des «dessins au trait faits de lignes courbes», rappellent l’attrait des pin-ups vintage. En 2006, l’artiste publie un recueil d’illustrations intitulé Lace Queen - jeu de mots avec le terme japonais race queens désignant les mannequins en bikini exhibant leur plastique lors des courses automobiles. L’une des ces illustrations orne même un briquet Zippo, parfait symbole du succès masculin du milieu du siècle dernier.

Mais, au-delà de leurs corsets et de leur coquetterie, ces femmes sont bien plus jolies et plus délicates que celles tatouées sur les avant-bras des marines américains. Chacune d’entre elles est méticuleusement esquissée à la main par Sugawa; les plus

réussies ayant pourtant quasiment la même qualité de rendu qu’une photo Polaroïd, révélant des instants de candide intimité saisis comme par accident: le dos non encore fermé de la robe de l’une dévoile en partie des fesses en forme de cœur, alors que l’autre dévoile avec insouciance, tout en fumant une cigarette, un postérieur arborant le tatouage d’un fragile papillon.

Les papillons sont en effet un motif récurrent chez l’artiste, tout comme les fleurs: tous deux évoquent une transformation, la découverte de son identité propre. On pense encore une fois à Anaïs Nin et à son très joli poème, Risque, «Vint un temps, où le risque de rester à l’étroit dans un bourgeon était plus douloureux que le risque d’éclore».

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Les personnages féminins aux courbes dangereusement séduisantes et aux silhouettes délicieusement ornées de Sugawa évoquent cette opposition entre l’innocent bourgeon qui se protège et la fleur nouvellement éclose, nullement effrayée par sa sexualité. Des visages timides aux regards baissés, protégés par de longues chevelures bouclées viennent terminer des corps aux courbes effrontément sensuelles. Le caractère adulte de ces images — jeunes femmes portant porte-jarretelles et d entelles, croquées dans des poses tentatrices et qui semblent dire «Viens ici si tu l’oses» — est encore perverti par l’expression d’étonnement enfantin de ces créatures face aux secrets qu’elles laissent entrevoir. (Imaginez une nymphette en string jouant sur une console Nintendo ou deux d’entre elles qui, savamment dévêtues, se sèchent mutuellement les cheveux.) Plus fascinant encore: les courbes délicieuses de ces personnages féminins sont parfois interrompues par une prothèse malingre et robotique venant soudainement remplacer un membre manquant.

Si l’on ignore que Sugawa a ellemême été amputée d’une jambe, ce n’est qu’au second regard que l’on remarquera ces appendices métalliques. Mais ces œuvres valent bien un troisième examen. On penche alors la tête avec attention pour découvrir une image soudain moins parfaite. On s’interroge: l’ajout de cet élément artificiel vient-il rompre la beauté naturelle si tendrement évoquée par le dessin délicat de Sugawa? Ou vient-il, par contraste, la renforcer? Ces femmes aux membres de métal ontelles été abîmées puis réparées, à moins qu’elles n’aient été transformées en armes? Deviennent-elles laides pour autant ou plus belles encore? Finalement qu’est-ce vraiment que la beauté?

Si le fait de susciter à l’infini de tels questionnements philosophiques démontre bien la profondeur et le pouvoir qu’a sur l’imagination de l’œuvre de Sugawa, l’artiste répond néanmoins à certaines de ces interrogations au cours de cette

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interview. En lisant ces lignes, rappelez-vous que l’artiste a répondu à nos questions dans un anglais approximatif — mais néanmoins délicieux — un broken english tout aussi cassé que les jeunes femmes amputées portant corset de ses illustrations. Nous l’avons légèrement corrigé pour tenter de retranscrire avec exactitude les pensées qu’elle s’est donné tant de mal à exprimer, convaincus que les mauvais mots sont parfois plus justes que les bons.

En quelle année êtes-vous née?

Je suis née en 1974.

Où? Décrivez-moi votre ville de naissance.

La ville de Tanabe, dans la préfecture de Wakayama.

J’ai eu la chance de grandir avec pour décor la montagne verdoyante et la mer magnifique.

Je passais mes vacances d’été à la campagne chez mon grand-père et ma grand-mère.

Je nageais dans la rivière et me baignais dans la mer, je courais dans les champs et chassais les insectes. C’était bien d’être entourée par la nature.

Parlez-moi de votre mère. A quoi ressemblait-elle? Quelles sont ou étaient vos relations avec elle?

Elle est très tendre. Elle pense toujours à sa famille avant tout. J’ai sa force mais aussi sa faiblesse. Elles font maintenant partie de ma personnalité.

Je peux lui parler de tout, alors mon esprit est à l’aise.

Bien que ma mère ait déjà 60 ans, elle ressemble encore à une petite fille.

A quel âge avez-vous commencé à dessiner?

J’ai toujours aimé les images mais mes premiers dessins au trait ont été faits pour ma première exposition en solo, quand j’avais 27 ans.

Avec quoi dessinez-vous?

J’utilise un crayon fin pour les accessoires, etc., pour exprimer tout leur caractère.

Où vivez-vous aujourd’hui?

Je vis à Osaka. Avant je vivais à Kyoto.

Décrivez-moi les murs de votre maison. De quelle couleur sont-ils? Comment sont-ils décorés? Y exposez-vous vos travaux? Des livres sur des étagères? Des photos de votre famille et de vos amis?

Chez moi les murs sont blancs.

Une étagère blanche remplit tout l’espace sur un mur. J’y ai mis mes livres d’art et de mode préférés, etc. Le meuble et l’étagère sont décorés d’objets que je collectionne: bustes, vieux objets, souvenirs de voyage, cadeaux de mes amis, accessoires fétichistes.

Parlez-moi de ces objets et de ces accessoires fétichistes. En quoi influencentils votre travail?

Mes objets préférés sont les bustes.

Il y a deux bustes grandeur nature et environ dix bustes miniatures. Ils sont décorés et ornés de perles. Leur forme est décorative et très belle, ils sont très bien faits. Il y a souvent des bustes miniatures dans les boutiques d’accessoires et de lingerie.

Ils sont très décoratifs.

Le charme de ces bustes se ressent en dessinant des lignes féminines. Je suis attirée par le caractère et l’impression donnée par le buste; je pense que c’est un symbole féminin.

Qu’est-ce qui vous rend heureuse quand vous vous levez le matin?

J’aime sentir le soleil du matin, en été par exemple. Je crois que j’apprécie quand une matinée tranquille s’annonce. Lorsque le soleil se lève de bonne heure, j’aime que mes yeux se réveillent au chant d’une cigale. Je ressens de la vitalité dans la voix d’une cigale.

Mais avant tout, je suis heureuse que ma famille et moi soyons actuellement tous en bonne santé.

Qu’est-ce qui vous rend triste?

Lorsque que je suis à cours de mon jus de pomme préféré.

Lorsqu’il n’y a plus de vêtements à acheter.

De quel autre illustrateur appréciezvous le travail et pourquoi?

Hiroshi Tanabe utilise de magnifiques couleurs et dessine de superbes silhouettes. Et surtout toujours de très bon goût.

Akira Uno a une vision du monde et une créativité infinies.

Ces deux illustrateurs m’inspirent.

Les personnages de vos illustrations portent toutes de très beaux vêtements. Vous intéressez-vous à la mode? Quels stylistes vous influencent et lesquels admirez-vous le plus?

J’aime voir différents types de vêtements. J’ai beaucoup de créateurs préférés. Les créations de Givenchy et Balenciaga, avec leurs superbes drapés, m’inspirent. Je voudrais pouvoir assister à leurs défilés et les dessiner.

Les créateurs de lingerie comme Aubade et Agent Provocateur et leurs belles dentelles m’inspirent aussi beaucoup. Anna Molinari vient également de créer pour Blumarine une très belle blouse en dentelle.

Aimez-vous dessiner le matin? Ou plus tard dans la journée? Quand travaillez-vous le mieux?

Je dessine la nuit quand tout est tranquille, en écoutant mes chansons préférées.

Quelles sont vos chansons préférées?

J’aime «Coldplay» et «Everything But The Girl», etc...

Je préfère écouter de la musique électronique et émotionnelle.

En dehors de la musique, quels sons aimez-vous?

Les sons naturels: un oiseau qui gazouille, des cigales qui chantent en chœur, le bruit d’une rivière ou de la mer.

Vos odeurs favorites?

Le parfum de l’été ou de la nostalgie—comme le parfum d’un savon ou d’une fleur.

Vos goûts favoris?

Ce qui est sucré. Macarons et chocolat.

La chose que vous préférez regarder?

L’un de mes bustes préférés. La collection de photographies d’Ellen Von Unwerth et Mark Ryden.

Et la chose que vous préférez toucher?

De la lingerie en dentelle. Cet été j’ai acheté une blouse en dentelle.

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Votre dernière série d’illustrations s’intitule Women’s Private Time.

Qu’entendez-vous par «temps libre»?

Pourquoi est-ce si important, particulièrement pour les femmes?

Le «temps libre» c’est quand vous n’êtes plus soumis au regard des gens, du public. C’est le moment où l’on se retrouve et où l’on revient à un état normal ou naturel.

Pendant ces moments de temps libre, on ne retire pas seulement le maquillage du visage mais aussi le maquillage du cœur. Les désirs et les instincts véritables d’une femme sont alors libérés.

Que faites-vous lors de votre temps libre?

C’est un fantasme.

Vous dessinez uniquement des femmes. Pourquoi? Est-ce simplement parce que vous êtes une femme?

Trouvez-vous les femmes plus faciles à dessiner ou plus intéressantes? Dessinerez-vous des hommes un jour?

[Dans mes dessins] je recherche le réalisme pour faire ressentir la vie.

Moi qui suis une femme, je ne dessine pas d’hommes. La moitié de mon travail serait alors uniquement basé sur l’imagination.

Je pense que seule une femme peut dessiner la réalité qui n’est visible que par une femme.

Quel rôle joue l’érotisme dans votre travail?

Je dessine l’érotisme d’un point de vue féminin et non masculin.

Je veux exprimer la beauté exacte de l’érotisme. Je veux saisir la peau et son essence, des choses que l’on ne montre pas habituellement. On peut découvrir l’essence de l’érotisme en observant à la dérobée la vie privée d’une personne sans défense.

Selon vous, que disent vos illustrations de vie sexuelle des femmes d’aujourd’hui?

Les femmes d’aujourd’hui sont très différentes et intéressantes. Je pense que l’identité d’une femme est ce qu’elle a de plus intéressant.

Dans certaines de vos illustrations vos personnages ont des membres amputés et remplacés par des membres arti-

ficiels. L’association de la chair et du métal, du chaud et du froid, du sensuel et du mécanique, est fascinante.

Quelle est votre source d’inspiration?

Quel sens y mettez-vous?

J’ai moi-même une jambe artificielle et [le fait que je la dessine] exprime une vérité qui est normalement cachée.

Ce n’est pas laid, cela peut même être beau, d’un certain point de vue.

Comment se fait-il que vous ayez une jambe artificielle?

Il y a quatre ans une tumeur s’est développée sous le genou de ma jambe gauche, la tumeur a grossi et j’ai dû me faire amputer de la jambe.

J’ai été triste à l’époque mais maintenant je profite de chaque jour qui passe, car je suis entourée de très bonnes personnes. Ma prothèse est vraiment bien. Je sors souvent et j’aime aussi la mode.

Avez-vous un jour envisagé de devenir créatrice de mode? Savez-vous coudre ou fabriquer vos propres vêtements?

J’aimerais participer à un projet qui recrée les vêtements du passé. La création de vêtements m’intéresse beaucoup mais je ne sais pas coudre.

Que considérez-vous comme beau?

La grâce et les sentiments humains.

Que dessinez-vous en ce moment?

Sur quoi travaillez-vous?

Je réalise une illustration pour la couverture d’un livre de Candace Bushnell.

Elle devrait faire partie d’une exposition en solo qui se tiendra en juin de l’année prochaine à Tokyo.

De nombreuses autres illustrations font également partie d’une exposition prévue et d’une exposition en solo.

Si vous n’étiez pas artiste ou illustratrice, quel métier exerceriez-vous?

Bibliothécaire.

Since her award at the Hyères Fashion & Photography Festival Festival in 2007, the work of Sandra Backlund, 33, has not ceased to captivate us. It would be simplistic to consider her voluminous wool creations as a response to the Northern climate of her native Sweden. Especially because even if the designer is known for her knitwear, she has never limited her work to this sole technique. A top of braided hair or an origami dress, her clothes are striking by their unbridled poetry. A unique world, all the more valuable as one knows that this kind of discovery is rare. The fashion professionals are not mistaken. From Christian Lacroix, President of the Fashion Jury in Hyères in 2007, to Franca Sozzani, Editor in chief of Vogue Italia and who supported Sandra during The Protégé Project event, all praise her singularity.

While the sculptural shapes offered by certain extreme fashion very often tend to deny the body, the creations of the Swedish designer place it at the centre. One is impressed by the way these soft armours, despite the complexity of their construction, remain fluid and airy. A true mirror, this balance between seriousness and lightness perfectly illustrates the temperament of the young woman. Discreet but radiant, solitary but warm, Sandra Backlund has agreed to answer our questions and reveals her daily life as a young designer.

Interview by Justin Morin.

Sandra, you come from Sweden, a country more known for its design of objects rather than fashion. What is your background?

I have always felt the need to express myself artistically. When I had to choose my direction, I naturally thought of fine art. I therefore studied Textile Handicraft, Art History and History of Ideas. Taught in Swedish universities, History of Ideas is an interdisciplinary science at the crossroads of history of philosophy, history of science and history of literature. After a foundation year in

fashion, I attended the Beckmans School of Design in Stockholm. I think that it is the best fashion school in the country. During the four years that I was there, I learnt an enormous amount: what I was good at, what I wanted to do and above all what I didn’t want to do. I graduated in 2004 and immediately set up my own business.

Do you consider yourself a fashion or knitwear designer?

I think that it’s a waste of time to try and define your activities. It’s an

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impossible mission. My training was in general fashion; I never had the intention of focusing on a specific material such as wool. I have always experimented and combined different materials by modelling them in three dimensions. I have developed this sculptural knitwear collage because it corresponds perfectly to my approach.

For me, knitting is synonymous with creative freedom. I love the way the material is crafted. Even if the procedure is mathematical, there is room for improvisation. However, I may one day use traditional cutting.

One feels a real passion in your work, notably in fashion. What do you think it can bring to people?

I like to think that fashion is more a form of artistic expression than an industry. I think that clothing is the most democratic form of art. A discipline in which everyone can participate, consciously or unconsciously. I don’t like the way mass production and consumption poison contemporary fashion, but I don’t think it’s possible to solve these problems by having a rebellious attitude. Personally, I don’t create with the aim of pleasing everyone; I can’t stand the debate about what is in or what is not.

We must devote our time, skills and energy to what we really love. But in general, people should be more concerned with fashion.

Why did you decide to enter the Hyères Fashion & Photography Festival Festival?

I met Diane Pernet the year before my participation. She was passing through Stockholm and encouraged me to enter. I was already very happy to be among the ten finalists. I didn’t expect anything in particular; I was above all very excited to show my collection during such an important event and in front of a large public, with such an impressive jury. Then the most amazing thing happened. It’s not everyday that you receive an award from Mr. Lacroix. I was very honoured and I am still a little astonished to have won.

Was that the first time you had shown your work on a catwalk?

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No, it wasn’t the first time, but certainly not in such an environment.

What are your inspirations and how do you build your collections?

The human body, but also the techniques and materials I use, are always the starting point. I love to carefully dress and undress the different parts of the body. I am fascinated by all the ways in which you can deform or transform a figure, or expose a facet of it, simply with the help of clothes or accessories.

I am also very introverted and isolated in my workshop, so I suppose you can say that my inspiration is for the most part very personal.

A bit like a diary. An impression that is confirmed with Last breath bruises.

I understand that you have dedicated this collection to your grandmother.

In general, I don’t like to explain my collections because I find it difficult to know myself how they develop.

But in this precise case, the history is something real. From the outset, I knew that this collection would focus on bruises but without really knowing why. One day, rather early in the research process, I fell down the stairs in my workshop. I then received a phone call telling me that my grandmother whom I adored had just died.

At the moment she breathed her last breath, I fell down the stairs. It was a very confusing coincidence. But we always had a strong and special relationship, so in a way, it’s not as strange as it seems.

Your clothing is extremely complex.

How do you do it?

I improvise on a mannequin or directly on my own body. This allows me to discover volumes and ideas of figures that I would never have found while drawing. I never make any drawings; I invent my creations while modelling them. I work according to a three-dimensional collage method where I wrap several pieces of material one with another, multiplying and linking them until they become a garment. One thing leads to another and in the end the collection is like a personal map of my moods.

Do you make your clothing by hand or with a machine?

Sometimes my mother helps me with the manual work, but apart from this, I make everything myself, by hand.

So you don’t have an assistant?

Apart from my mother, no...

But how much time do you spend on one design?

It is very difficult to say because I often work on five pieces at the same time. When I knit day and night to create the parts, I don’t count the hours. But when I undertake an order for a client, therefore reproducing an existing model, it takes me a few weeks, depending on the size and complexity of the piece.

Is it possible to reproduce such volume industrially?

I don’t know, but I think it depends on the complexity of each piece.

I don’t think I’ve ever seen your clothing in a shop, where can one buy your creations and what are the prices?

My clothing is not currently distributed through the usual channels. I take orders directly from clients, in the old way, taking measurements and all that. The prices usually range from €900 to €1700.

Have you ever felt the need to create accessories or a secondary line in order to maintain the economic vitality of your company?

I have many ideas concerning accessories and I have already made some. I indeed think they could be developed in a more regular way in my collections.

The sculptural aspect of your clothing invariably refers to contemporary art. Are you aware of this?

I understand why people make this comparison, my clothing develops a certain type of volume and the shapes are very constructed. I also use working methods which are closer to those of a sculptor than to those of a traditional fashion designer. Obviously, I think that the fact

I studied art history led me in this direction. But as with everything, the eye of the spectator determines their interpretation of the work. Personally, I love the fact that my clothing can be worn by a model in a catwalk show or during a photo shoot and then be exhibited in a gallery the following week.

What is a typical Sandra Backlund day like?

I get up early in the morning; I answer my e-mails and call my press office to find out what is happening with the current or previous collections. Then I work on my new designs until I go to bed, usually very late, for a short night’s sleep. It’s as simple as that...

Even if you are based in Sweden, one can see your collections in Europe at international events. If you had to move to a fashion capital, which one would suit you the best?

As I work mostly alone, I think that the place where I work is not really important. In the end, the world is very small! I have been invited to show my work in different cities and this allowed me to see that I could do my work anywhere. Today, it is difficult for me to choose, but my dream would be to work regularly in London, Milan or Paris.

There was no real communication about this but you were recently invited to work for Louis Vuitton. How did this come about?

They contacted me after having seen a photograph of my work in a magazine. They were looking for someone to collaborate with in knitwear and found my collections very interesting. I was invited to Paris for an interview and then accepted their offer. They asked me to create four designs for their Autumn/Winter 2007/2008 collection. Since I had never worked for another company, even as a trainee, the experience was very interesting. When I work on my own collection I am alone with myself. So being part of a team, above all in such a context, was a new and fascinating experience. I learned a lot, in particular about myself, and

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I am sure this will help me in the future.

Moritz (Bart). On se retrouve le vendredi pour faire tout ce qu’il nous est interdit de faire pendant la semaine.

After this experience, would you be ready to work for a fashion house or would rather concentrate on your own brand?

For the moment I really want concentrate on my label, but I can definitely envisage future collaborations of this type as a freelancer.

Do you think of a brand in particular, do you have any favourite designers?

Not really. I admire designers who see fashion as a way of expression more than an industry.

What are your plans for the future?

I try to keep a free spirit and not to worry about what will happen, I am not the type of person who forces destiny. I want to continue to work hard and protect my origins. I would also like to find a way of developing my designs and my business. I am basically a researcher, I don’t run after a particular objective, but it’s true I would love to be able to make a living from my work.

En voyant le résultat de leur collaboration, j’ai du mal à comprendre pourquoi ils ne travaillent pas ensemble en permanence. C’est plein d’humour et d’inspiration, très professionnel et pourtant totalement différent de tout ce que j’ai pu voir auparavant. Mais Lucy et Bart ne sont pas une entreprise officielle. Ils se retrouvent seulement chaque vendredi pour travailler sur leurs projets.

Et ils ne souhaitent pas que ça change. Tout ce qu’ils ne peuvent pas faire du lundi au jeudi leur est permis le vendredi. Eté 2007. Lucy McRae (1979) et Bart Hess (1984) collaborent à un projet sur la technologie et le futur pour Philips Design. A l’issue d’une longue journée de travail, tous deux bouillonnent encore d’énergie et d’inspiration.

Comme deux gamins, ils commencent alors à s’amuser avec les éléments utilisés pendant la journée. Et rien n’a changé depuis.

Entretien réalisé par Merel Kokhuis.

D’abord, qu’êtes-vous exactement?

Etes-vous designers, artistes, stylistes de mode, costumiers ou bien couturiers?

On ne sait pas non plus. On ne peut pas appeler ça de la mode. Nos créations ne peuvent pas se porter tous les jours. Ce n’est pas non plus de l’art, parce que le but n’est pas de susciter des interrogations. Nous fabriquons des choses à fixer sur le corps et à porter nous-mêmes pour les prendre ensuite en photo. Nos créations ne sont pas faites pour durer; le résultat final, ce sont les photos. Il s’agit d’appliquer des matériaux sur le corps de manière différente.

Bon, mais qu’est-ce qui est écrit sur vos cartes de visite?

Ha ha, euh, pour être honnêtes, on n’a pas de cartes de visite. On évite

tout ce qui est professionnel ou trop officiel quand on est ensemble. Notre collaboration a débuté de manière ludique et on ne veut pas que ça change. Quand les gens nous demandent qui on est, on fait une drôle de tête et on évite de classer notre travail dans une catégorie quelconque, parce qu’on le voit plutôt comme une façon de jongler entre différents domaines.

Comment fonctionne cette collaboration exactement?

Nous travaillons tous les deux en freelance du lundi au jeudi. On travaille principalement sur des projets commerciaux pour des entreprises comme Philips mais aussi pour Innovation Lab, l’Institute for Contemporary Art (Lucy) et le Textielmuseum, le créateur de mode Walter van Beirendonck et l’artiste/designer textile Ulf

Quelle est la différence entre votre travail personnel et ce que vous faites ensemble?

Ensemble, on n’a pas à penser au budget ou aux autres restrictions imposées par les clients. Ne vous méprenez pas; travailler pour des clients est fantastique, on aime relever le défi consistant à créer un truc bien malgré les restrictions imposées, mais c’est génial aussi d’être libres de faire tout ce qui nous vient à l’esprit. On apprécie vraiment le temps passé ensemble et on ne veut pas devenir une entreprise.

Quel plus pouvez-vous apporter au travail de l’autre?

Lucy a suivi une formation de ballerine et de décoratrice d’intérieur en Australie et Bart est diplômé de la Design Academy de Eindhoven, dans la section Man & Identity. Nos talents sont différents et se complètent.

Comme elle a été ballerine, Lucy a une parfaite maîtrise de son corps, elle sait exactement comment bouger devant l’objectif. Mais maintenant Bart y arrive aussi. En fait, c’est Lucy qui a appris à Bart à danser. Bart connaît mieux les matériaux et tous les aspects techniques comme la photographie et l’éclairage.

Quelle est selon vous la raison de votre succès?

La synergie qui se crée quand on est ensemble. On s’encourage mutuellement à créer des trucs dingues et on ne s’arrête pas avant d’être complètement satisfaits. C’est un travail exigeant. Les gens pensent souvent qu’on réalise nos images sur ordinateur, mais tout est réel. On pousse les matériaux à l’extrême pour en tirer le maximum, par exemple le travail du papier en volume.

On n’a pas besoin d’expliquer le pourquoi du comment à qui que ce soit, on peut juste faire ce dont on a envie. On suit simplement nos instincts. On ne planifie rien, on se retrouve simplement, on travaille sur un pied d’égalité et on se stimule mutuellement. Ce qu’on fait ensemble est totalement à l’opposé du travail réalisé dans le cadre

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d’une commande. C’est une réponse à ce travail. C’est tellement rafraîchissant de faire quelque chose de complètement différent.

Pouvez-vous me décrire votre méthode de travail?

D’abord on fait des milliers d’essais. On a la chance d’avoir un atelier à Eindhoven maintenant, parce qu’avant on travaillait chez Lucy et on mettait sa maison sens dessus dessous lors de nos séances, propices au fou rire. On fait des recherches sur différents matériaux et sur la manière de les fixer sur le corps humain. On devrait être sponsorisés par une marque de colle pour la peau, ha ha. On dessine tous les deux nos idées pour mieux les visualiser et en regardant les dessins l’un de l’autre, il nous vient de meilleures idées encore. Cela nous permet de pousser l’expérience encore plus loin. Nous sommes toujours nos propres modèles. On a déjà essayé de travailler avec une troisième personne mais ça ne marche tout simplement pas. Les vibrations positives qu’on génère quand on est ensemble disparaissent. L’atmosphère change.

Et en plus de ça, on se sent mal si on en demande trop à un modèle.

Quel type de demandes bizarres faites-vous à vos modèles?

Eh bien nos expériences vont de plus en plus loin. On débute sur une idée acceptable mais on est parfois tellement emportés par le processus que l’on repousse les limites. On a par exemple fait un essai avec un tissu teint au batik. On l’a jeté sur notre modèle pour finalement découvrir que ce n’était pas seulement le tissu dont elle était couverte qui était violet mais aussi ses cheveux. Il a fallu des semaines pour qu’ils redeviennent blonds. La fixation des éléments sur le corps peut aussi parfois être assez douloureuse. On est prêts à l’accepter pour nous-mêmes mais on ne peut se résoudre à faire subir ça à d’autres personnes. On peut se sacrifier parce qu’on sait que ça en vaudra la peine.

Et que se passe-t-il quand la création est finalement fixée sur le corps?

On recherche alors la position idéale pour que le modèle présente la créa-

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tion au mieux. Il faut parfois prendre plus de cinquante photos avant d’être satisfaits de la pose. On prend les photos nous-mêmes. Celui ou celle qui ne sert pas de modèle ce jour-là joue le rôle de photographe et vice versa. La photo tente de saisir ce que nous avons réalisé à partir d’un matériau tout simple comme le papier, la mousse ou l’eau savonneuse, en essayant d’obtenir le meilleur résultat possible. On a souvent du mal à juger tout de suite de la qualité de la photo. On est fatigués après avoir joué les modèles avec du papier collé sur la figure pendant quatre heures ou presque. C’est seulement le lendemain qu’on réalise, «wow, c’est vraiment cool.»

Votre travail est facilement reconnaissable. Comment l’expliquez-vous? Ça vient sans doute de plusieurs facteurs. Il faut espérer d’abord que chaque photo que l’on prend traduit combien on s’est amusé à la faire. On a parfois l’air de deux écolières qui rigolent ensemble pendant des heures, simplement parce qu’on n’arrive pas à s’arrêter. On est toujours sur la même longueur d’onde et on se pousse mutuellement à aller toujours un peu plus loin. En plus, toutes nos photos se ressemblent plus ou moins.

Il s’agit toujours d’une personne (Lucy ou Bart), couvert(e) d’un matériau bizarre, prenant une pose inhabituelle sur un fond neutre. Et c’est tout, rien de plus. On n’utilise aucun autre matériau.

nos photos ou pourquoi pas inclure également nos autres créations. Ou s’ils veulent vraiment y aller à fond, on pourrait aller là-bas et faire nos essais et nos photos sur place.

Des événements de ce type sont-ils prévus?

Oui, on nous a demandé de présenter OnIoff pendant la London Fashion Week. OnIoff est un label de production pour des marques de mode alternatives comme Gareth Pugh. Nous exposerons quatre tirages grand format et aussi des animations. On pensait y aller et porter nous-mêmes nos créations, mais les organisateurs nous ont prévenus que le public était assez fermé, alors on a préféré y renoncer.

On va aussi exposer à la galerie MU lors de la Dutch Design Week à Eindhoven. Ce sera peut-être une opportunité d’aller plus loin que la simple exposition des images finales. A cette occasion on présentera nos créations en vrai. Ce sera une sorte d’atelier ouvert où nous travaillerons avec neuf autres designers comme les graphistes Hey Hey Hey de Eindhoven par exemple. Nous pourrons décider ensemble de ce que nous voulons faire, peut-être un atelier, une fête ou autre chose.

Vous pourrez découvrir les œuvres de Lucy et Bart lors des expositions suivants:

Future Forum / Design Hotels / Berlin www.designhotels.com/futureforum www.lucyandbart.com

Que cherchez-vous à faire via vos créations?

Rien de concret en fait. On veut seulement s’amuser ensemble et en tirer une nouvelle inspiration pour notre travail en solo. On se donne du mal pour que notre collaboration ne se transforme pas en vrai travail. Il faut préserver le fun. Le jeu ne doit pas devenir du travail. On ne fait donc pas vraiment de promotion pour obtenir des clients. Mais tout créateur souhaite bien sûr être reconnu pour ce qu’il ou elle fait. Nous aussi. Si vous voulez vraiment, vraiment une réponse, on peut vous dire que notre plus grand rêve est d’exposer au Museum of Modern Art de New York (MoMa). Cela pourrait se limiter à

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Combinant nostalgie superbement sophistiquée et radicale modernité, le nouveau directeur artistique de Dior Homme, Kris Van AsscHe, fait entrer la prestigieuse maison dans une nouvelle dimension. Détails avant-gardistes et nonchalance toute urbaine viennent redefinir l’image de l’elegance masculine. Le celèbre styliste belge nous invite a decouvrir son univers tres personnel.

tume», dans la manière dont les gens sont perçus?

Il est très important pour moi d’habiller les hommes et non de les déguiser. Je déteste par dessus tout quand la mode devient une «caricature».

Les hommes doivent s’approprier ce que la mode leur propose. Ce qui est intéressant, c’est de trouver sa propre identité dans cet univers de créations. Faciliter ce processus est d’une importance vitale pour moi.

Je souhaite avant tout mettre en avant une élégance radicale à la fois sophistiquée et portable, urbaine, et en même temps très noble.

J’imagine l’homme de cet automne 2008 comme un héros des temps modernes, un prince à l’allure impeccable et nette. Tout est dans les détails.

Ils doivent permettre un équilibre entre allure extérieure et présence spirituelle.

Cette harmonie entre intérieur et extérieur est la véritable clé de l’élégance.

Entretien réalisé par Philippe Graff.

En tant que nouveau Directeur artistique de Dior Homme, comment êtesvous parvenu à combiner l’héritage de la marque à votre propre style?

Le défi qui m’attendait à mon arrivée chez Dior était immense. D’un côté j’étais là pour préserver le prestige de cette maison de couture emblématique, et de l’autre pour proposer des créations à la fois surprenantes et modernes. Les concepts de luxe, d’exception, d’exclusivité et de rareté sont intrinsèquement liés à la marque Dior.

La figure de Monsieur Dior, le fondateur de la maison, occupe toujours une place mythique. C’était un véritable amoureux de la beauté. Je me reconnaissais dans cette «quête de beauté» et cela m’a servi de point de départ.

Cet état d’esprit est un privilège précieux, un héritage auquel il faut rendre hommage.

Dans vos collections, et particulièrement dans celle que l’on voit sur les photos (Hiver 08/09), quel rôle joue précisément la tradition? Et quelle est la part de modernité? Comment décririez-vous cette modernité?

J’ai la chance immense de pouvoir mettre chaque jour à profit le savoir-

faire des ateliers. Ils sont les dépositaires d’une certaine tradition de la haute couture qui se fait rare aujourd’hui.

Quoi que je leur demande, même les créations les plus complexes, ils parviennent à leur donner vie. L’expertise mise dans la réalisation de la toile des vestes, le travail des plis et des découpes, la coupe des costumes, tout est fait de manière extraordinairement précise et traditionnelle. Le luxe absolu d’un modèle Dior est intimement lié à cette expertise.

Je pense également que la modernité de mes collections réside dans les détails et les choix parfois assez surprenants que je peux faire. Je voulais par exemple réinventer l’emblématique pantalon plissé en exagérant vraiment les volumes. En m’éloignant du modèle traditionnel, j’ai ainsi créé un pantalon baggy très luxueux et très urbain, tout en préservant sa sophistication.

De la même manière, chaque chemise, veste ou blouson présente des détails qui les distinguent et créent un nouveau style.

Dans quasiment toutes vos interviews, vous soulignez l’importance du look: quel rôle jouent le look, le «cos-

Pouvez-vous nous présenter le travail des photographes Sofia Sanchez et Mauro Mongiello?

Leur travail est très intéressant.

Leurs séries de mode sont toujours très théâtrales et intelligentes. Ils ont un rare sens de la mode et savent comment exprimer l’essence des vêtements, comment leur donner vie grâce à une véritable histoire. La qualité visuelle et émotionnelle de leurs photos est frappante.

Vous semblez très proche de nombreux grands photographes. Y a-t-il des processus créatifs communs lorsque vous collaborez ou les laissezvous totalement libres d’interpréter votre travail pour l’intégrer à leur propre univers?

Ces deux approches ne sont pas opposées, elles sont plutôt complémentaires. J’ai toujours aimé la photographie, alors il m’a semblé naturel de contacter des photographes quand j’ai créé ma propre marque. Être confronté à l’univers esthétique d’un photographe nourrit mon travail.

Inversement, je pense qu’un photographe qui m’a suivi pendant un certain nombre d’années peut trouver sa propre inspiration dans mes collections. L’univers de chacun devient très perméable à l’influence.

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J’ai des relations très différentes avec les photographes. Il y a ceux que je rencontre occasionnellement et à qui je me présente ou je présente mes collections. Il s’agit alors de la rencontre de deux identités. Deux univers se confrontent et les frictions qui en résultent deviennent une nouvelle source d’inspiration. J’ai aussi eu la chance de rencontrer des artistes comme David Bailey et Sarah Moon qui transportent en permanence leur univers personnel avec eux et y intègrent leurs sujets.

Et puis il y a les collaborations à long terme avec de jeunes photographes qui ont suivi mon parcours étape par étape, de la création de mon propre label Kris van Assche à mon arrivée chez Dior.

Wiglius de Bie est devenu un vieil ami et il a récemment réalisé le portrait de tous les membres de mon équipe. Gaëtan Bernard suit mon travail créatif dans ses moindres détails.

Il est toujours présent en coulisses et saisit la moindre modification dans chaque collection. Nous nous comprenons à merveille et le résultat est une sorte de journal de bord intime et personnel.

Ces deux approches sont à la fois indispensables et stimulantes.

J’ai remarqué dans vos choix – par exemple dans le numéro spécial d’A Magazine que vous avez dirigé – un réel éclectisme, ou plus précisément un contraste permanent entre la sophistication de certaines images et une esthétique plus âpre, inspirée de la rue... Existe-t-il la même dualité dans vos collections?

Il ne s’agit pas pour moi de dualité.

La vie est ainsi: une association d’éléments précieux et sophistiqués à des éléments plus quotidiens, mais tout aussi esthétiques. La liberté d’esprit et de mouvement est liée à cette réunion des contraires.

La rue est pour moi une source d’inspiration constante, comme pour tous les créateurs. Je suis toujours surpris de voir à quel point les jeunes hommes d’aujourd’hui sont peu frileux en matière vestimentaire. Ils osent porter des looks vraiment extrêmes et s’approprier certains codes tels que l’élégance de porter un costume.

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J’adore les pays d’Amérique du Sud comme l’Argentine où les hommes font vraiment l’effort de bien s’habiller, le soin qu’ils portent à leurs vêtements et à leur apparence n’a pas d’équivalent.

On dirait que la nouvelle génération s’éloigne du look bêtement casual et uniquement fonctionnel. Les jeunes sont à la recherche de sophistication mais sans renoncer au confort des vêtements urbains. C’est exactement ce que j’essaie moi-même de faire.

Encore une fois, la collection AutomneHiver 08/09 que l’on peut voir sur les photos de Sofia Sanchez et Mauro Mongiello est pleine de détails novateurs, mais toujours portée par des mannequins à l’allure très urbaine.

S’agit-il une fois encore de cette dualité dont vous parlez? Est-ce une volonté de proposer aux jeunes générations une alternative au sportswear et aux uniformes rock... sans être trop classique?

Depuis l’Académie royale des Beaux-arts d’Anvers, j’ai toujours eu pour objectif ultime de revisiter les classiques. C’est la garantie d’une réelle modernité, non une modernité qui se contenterait de répéter le passé mais une modernité qui permettrait d’éviter d’être «étiqueté». Je ne veux pas que l’on puisse trop facilement réduire mon travail à des mots à la mode comme «rock», «romantique», «gothique», ou je ne sais quoi d’autre.

Je déteste les «cases» et les contraintes; de la même manière, je ne perds pas non plus mon temps avec les adolescents ou les adultes qui refusent d’accepter le changement. Mon travail est le résultat d’une multitude d’influences, on ne peut pas le réduire à une simple tendance ou à un seul type de musique.

Vos collections réinterprètent et modernisent certains gimmicks de la garderobe de tout gentleman: quels sont les must have de l’homme moderne?

On en revient bien évidemment toujours aux grands classiques comme le costume, la chemise et les sneakers.

Mais chaque élément doit comporter des détails innovants, un côté inattendu et des tissus et matériaux exceptionnels.

Pouvez-vous nous parler de vos icônes personnelles, qui sont aussi sans doute vos plus grandes influences?

C’est très variable et ça change en permanence. Tout dépend de ce que je viens de voir, de lire ou d’écouter.

Mais l’éclectisme est la règle. Je peux aimer un musicien aussi énervé que Wim Mertens et aller, en fan acharné, à un concert de Coldplay. Je peux suivre la carrière de jeunes acteurs comme Jalil Lespert ou Nicolas Duvauchelle qui jouent dans des films indépendants et ne rater aucun film de Julia Roberts. Je suis aussi attiré par l’allure et la présence de mon petit ami que par celle du grand peintre Jacques Monory.

Vous savez, je ne m’interdis rien et je peux revendiquer aussi bien des influences issues de la culture populaire que de la culture underground.

Quelques mots maintenant à propos de ces collaborations artistiques exclusives? Par exemple cette exposition de Nan Goldin à Tokyo? Ou votre collaboration avec le photographe Jeff Burton pour A Magazine...

J’ai contacté Nan Goldin, dont j’ai toujours admiré le travail pour sa beauté brute, quand on m’a confié la direction d’A Magazine. Elle souhaite revenir pour le prochain défilé afin de saisir l’ambiance des coulisses.

Le résultat s’est révélé si inattendu que nous avons décidé de le transformer en une exposition intitulée «Wild Horses» qui sera présentée lors de la Semaine de la mode de Tokyo. Il s’agit d’instantanés très sensuels et dynamiques de jeunes modèles s’amusant dans les jardins de l’Observatoire.

Nous avons appris à nous connaître au cours de nos rencontres. Elle vient nous voir en toute liberté, en amie, et elle prend les photos qu’elle veut, sans que personne n’ait décidé à l’avance de ce qu’elle a le droit de faire ou non.

Avec Nan, il ne s’agit pas d’une relation axée sur le travail, on ressent certaines vibrations, des vibrations auxquelles elle est sensible également, et les choses fonctionnent uniquement lorsque l’on a la bonne énergie.

Jeff Burton a apporté son propre style à notre collaboration pour la campagne la plus récente de ma marque Kris van Assche. Les photos sont

étonnantes, totalement uniques dans le paysage des campagnes publicitaires. C’est un véritable OVNI et j’en suis très fier. Il a su adapter son univers, qui tourne essentiellement autour du milieu du porno gay, au mien qui est, pourrait-on dire, plus «romantique». Le défi était énorme et la série qui en résulte est sublime, avec des images vraiment fortes et infiniment poétiques. Je ne me lasse jamais de son point de vue détaché et des subtiles compositions de ses photos.

Vous avez intitulé notre prise de vue Vamos Con Dios. La beauté provient-elle d’un aspect divin de la vie?

Ou a-t-elle une dimension mystique, spirituelle?

La beauté révèle ce qui est sacré.

Quelles que soient les croyances, la volonté d’embellir le réel, la nécessité d’une élévation spirituelle, c’est la notion de sacré qui domine. La beauté suggère quelque chose d’intangible mais d’essentiel à la vie.

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Le business des concours artistiques est de plus en plus compétitif, ces derniers étant plus nombreux que jamais à se bousculer pour figurer en bonne place sur le CV des agences de création. Le choix est en effet si vaste que s’ils avaient l’envie, la conviction de gagner et les moyens financiers nécessaires, les créatifs pourraient participer à ce genre de compétitions tout au long de l’année. Très prisées des designers et créatifs du monde entier, certaines ciblent uniquement le design tandis que d’autres, comme le festival Cannes Lions (France), s’intéressent à la publicité en général, le design ne jouant qu’un rôle secondaire. Mais tous ces concours ont en commun le désir de célébrer l’excellence en matière de création et, fondamentalement, le besoin de se concurrencer les uns les autres pour attirer l’attention – et l’argent– des artistes.

Entretien réalisé par Steven Bateman.

Organiser de tels concours est sans conteste coûteux. Le processus, de l’appel à candidatures initial à la très glamour cérémonie de remise des prix, nécessite le travail acharné d’un grand nombre de personnes. Les créatifs friands des honneurs associés à de telles récompenses savent qu’ils vont devoir racler leurs fonds de tiroir; car si certains concours se contentent de frais d’inscription nominaux raisonnables, d’autres ont des pratiques qui se rapprochent de l’extorsion. Si l’on met de côté la part des recettes utilisée pour financer des initiatives positives telles que programmes éducatifs, prix destinés aux étudiants et opérations de promotion du secteur, le fait est que les concours artistiques brassent d’énormes sommes d’argent. Rien qu’en 2008, Red Dot (Allemagne) a reçu 10 000 candidatures provenant de 60 pays, sachant que l’inscription coûte entre

85 et 215 euros. La même année, D&AD (Royaume-Uni) dont les frais d’inscription allaient de 120 £ pour un logo à 275 £ pour une gamme de produits, a reçu 25 000 candidatures provenant de 67 pays.

Tout comme le nombre d’inscriptions, le caractère international de ces compétitions est en progression.

Pourtant, si seule une partie du secteur de la création a les moyens de participer, ces concours peuvent-ils véritablement en donner une image fidèle? Les petites entreprises et les créatifs freelance – bien souvent à «l’avant-garde» du design – n’ont pas toujours les moyens de s’acquitter des frais d’inscription. De plus, si certains créatifs continuent de considérer de telles récompenses comme une preuve d’excellence, d’autres les jugent dépassées. On observe une réelle tendance parmi de nombreux artistes – particulièrement les plus jeunes, très branchés

web– à préférer à ces prix des moyens de promotion moins coûteux et plus immédiats. Magazines mensuels, blogs et webzines offrent une vision plus actuelle des tendances d’aujourd’hui et font la promotion de ces «communautés» créatives, activité qui relevait auparavant de la compétence d’organisations telles que D&AD. Pourtant, tant que les créatifs aspireront à la reconnaissance de leurs pairs, ils continueront à investir du temps et de l’argent afin de participer à ces concours.

Mais le jeu en vaudra-t-il toujours la chandelle financièrement? Ces récompenses permettent-elles vraiment aux créateurs d’attirer de nouveaux clients, ou servent-elles uniquement à affirmer leur position parmi leurs pairs? Désireux d’avoir le point de vue d’une personne concernée sur ces questions, je me suis adressé à Angus Hyland, un graphiste ayant lui-même reçu de nombreux prix et associé de la célèbre agence de conseil en communication Pentagram. Ayant reçu le prix «Design Studio of the Year» de la Creative Review en mai 2008, Pentagram a des bureaux à Londres, New York, San Francisco, Austin (Texas) et Berlin, et jouit d’une réputation sans équivalent depuis 1972.

Après avoir dirigé sa propre agence pendant une décennie, Hyland fut invité à s’associer à Pentagram Londres en 1998. Ses créations ont depuis été récompensées par une centaine de prix et son nom figurait dans le classement dominical des Top Ten Graphic Designers de l’Independent. En 1998, il a reçu un D&AD Silver pour ses Pocket Canons (publiés chez Canongate) revisitant la Bible de manière radicale. Il a publié (et conçu) quatre best-sellers sur le graphisme et a été chargé par le British Council de l’organisation des expositions itinérantes Picture This et Ballpoint – exposition célébrant le potentiel créatif du stylo bille. Le catalogue qu’il a conçu pour Ballpoint a été récompensé par un Design Week Award, un D&AD Silver et un prix important lors de la prestigieuse Brno Biennial de cette année.

Membre de l’association internationale des graphistes, l’Alliance Graphique Internationale (AGI) et président de leur chapitre britannique, il a également fait partie du jury de nombreux concours de design au Royaume-Uni et à l’étranger. En résumé, il est donc plus que bien placé pour nous parler du business, du prestige et de la politique des concours artistiques.

Pour quels concours avez-vous été juré?

J’ai fait partie du jury général Graphic Design, Books & Editorial pour D&AD environ une demi-douzaine de fois et j’ai aussi présidé le jury Illustration il y a quelques années.

J’ai été juré du Creative Review Annual, et aussi de concours au Canada et en Irlande (pour l’Institute of Designers d’Irlande). J’ai fait partie à plusieurs reprises du jury des LAUS Awards de Barcelone et également de concours britanniques provinciaux tels que The Roses – j’en étais le président (en 2005). J’ai aussi participé au jury de prix décernés par des journaux comme McNaughton’s annual review.

Comment décririez-vous votre expérience en tant que juré?

En général, faire partie d’un jury n’a rien de drôle. On dit souvent que l’on en ressort très inspiré, mais je n’en suis pas convaincu parce que globalement, ces récompenses sont loin d’être parfaites. D’une certaine manière, il est inévitable que, quand on parle de récompenses et de jugement, on tend à se focaliser sur les défauts plutôt que sur les points positifs…

Est-ce parce que les jurys sont inévitablement composés de personnes dont les sensibilités esthétiques sont en opposition?

Les jurys sont généralement composés de manière à obtenir un certain équilibre entre des points de vue opposés et favoriser le débat et les compromis. Mais l’un des principaux problèmes est que le jugement se fait dans un environnement artificiel, vous examinez le travail hors contexte. Les jurés utilisent donc souvent des critères différents de ceux qui ont déter-

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miné les décisions prises par le créateur lors de la conception.

Est-il vrai que les concours artistiques représentent rarement une image fidèle du secteur créatif?

Au Royaume-Uni, ces prix sont dominés par un certain type d’agences: créatives certes mais visant le grand public. Il semble même que certains créatifs conçoivent leur travail en gardant toujours au moins un œil rivé sur le jury des concours. Les créateurs qui travaillent à contre-courant, plus à l’avant-garde, ont tendance à éviter ces concours et je pense qu’un grand nombre d’entreprises ou de marques les évitent également; ils pensent probablement qu’ils ne passeront pas l’étape de la sélection… Cela dit, le fait de recevoir un prix conserve toute sa valeur, car cela signifie que votre travail est reconnu par vos pairs.

De nos jours, le secteur des concours artistiques est devenu un vrai business mais cela profite-t-il vraiment aux créatifs et aux agences de communication? En quoi l’importance grandissante de ces récompenses peutelle bénéficier aux artistes?

Tous ces concours se font la guerre pour obtenir votre argent. A certaines étapes d’une carrière, de tels prix peuvent être utiles, mais plus vous en gagnez et plus vous vieillissez, plus vous devenez cynique. Est-ce que je vais arrêter de soumettre mon travail à ces concours? Sans doute pas, mais c’est devenu secondaire pour moi, à ce moment particulier de ma carrière.

Ils ont leur utilité, mais vous vous adressez uniquement à vos pairs.

Gagner des prix n’améliore donc pas forcément votre CV ni n’attire de nouveaux clients?

En publicité… ils utilisent les récompenses créatives comme un outil pour obtenir de nouveaux contrats, mais dans le secteur du design, il s’agit plutôt d’être reconnu par vos pairs, je pense.

Pourtant, ça doit quand même aider de travailler pour une entreprise réputée comme Pentagram, où il est financièrement viable de participer à ces concours et où un service commu-

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nication centralisé se charge de l’inscription...

Effectivement, ça aide vraiment et c’est probablement pour ça que je peux me permettre d’avoir un point de vue assez cynique sur tout ce processus, parce que je sais que quelqu’un d’autre s’occupera de toute la partie administration. Et ici, à Pentagram, nous (les associés) nous groupons pour payer les frais d’inscription, mais si j’étais freelance…

Vous avez dirigé votre propre agence pendant dix ans – participiez-vous à des concours à cette époque?

Oui, mais je présentais seulement un travail de petite dimension et uniquement quand je pensais qu’il était adapté à un concours précis. Si je pensais que l’une de mes affiches avait de bonnes chances de gagner quelque chose, je m’inscrivais, mais je ne les bombardais pas de candidatures…

Beaucoup d’agences font ça. Les plus grosses agences ont tendance à multiplier les inscriptions pour se donner le plus de chances possibles.

Il me semble que si les concours artistiques sont devenus un tel business, c’est parce qu’ils ont compris qu’ils avaient besoin d’élargir leur terrain de chasse pour: a) concurrencer les autres compétitions, et b) concurrencer les magazines, sites web et blogs, que l’on peut considérer comme plus pertinents et plus attractifs que ces concours, particulièrement pour les créatifs les plus jeunes à la recherche de moyens plus immédiats d’obtenir la reconnaissance de leur travail.

Vous avez absolument raison. En présentant votre travail sur un blog et en le mettant en ligne, vous pouvez construire un véritable réseau. Je pense que c’est une manière plus saine de faire les choses. Les «associations» sont des moyens utiles pour créer, parler boutique; que ce soit une association en ligne – comme un blog, ou une association non virtuelle où les gens se rencontrent, comme l’AGI, par exemple. De nombreuses «communautés» du monde de la création sont basées sur le principe des récompenses, mais je ne suis pas certain que ce soit la plus intéressante des activités d’organisations telles que D&AD.

D&AD a un statut d’organisation caritative et tous les profits réalisés à l’occasion des concours sont vraisemblablement utilisés pour financer leurs programmes éducatifs et leurs prix pour étudiants – dont l’inscription est gratuite et qui sont une véritable vitrine pour les étudiants de talent.

Oui. Je ne sais pas combien leur rapportent les inscriptions de leurs membres par rapport aux revenus générés par ces concours… Mais j’ai bien l’impression que ces derniers constituent la majeure partie de leur activité. Il est dans leur intérêt de rendre ces prix plus attractifs, mais pourtant, tous les deux ou trois ans, un grand bouleversement se produit et la raison d’être même de ces concours est remise en question. Cela se produit généralement une année où les inscriptions sont moins nombreuses.

Comme avec D&AD cette année, certaines factions du monde du graphisme ne digérant pas le manque de nominations et de récompenses dans leurs catégories?

Oui, mais c’est aussi un phénomène culturel. Généralement, les gens de la pub sont plus généreux et indulgents, plus enclins à reconnaître la qualité du travail des autres. Je pense que c’est parce que leurs critères de jugement sont légèrement moins exigeants; ils ne se basent pas uniquement sur un souci d’esthétique et de style.

Oui, et concernant le graphisme en particulier, le public touché est généralement beaucoup plus réduit que dans le cas de la publicité télévisée ou presse, conçue pour plaire aux masses.

Oui. Et en tant que créateurs, il est également dans notre nature d’être tatillons. Ça fait partie du boulot.

Tout est une question de détail. Il est bien sûr important d’avoir une bonne idée, mais les détails comptent énormément.

Année après année, ces concours reçoivent de plus en plus de candidatures, mais si les inscriptions augmentent, les jurys devront sûrement être élargis pour faire face à une telle augmentation. Existe-t-il un risque que, d’ici peu, les jurés soient incapa-

bles de discerner le bon grain de l’ivraie?

On pourrait diminuer la taille des jurys; s’organiser en jurys plus réduits pour juger des domaines plus spécifiques. Il faut avant tout conserver autant de jurés qu’aujourd’hui mais ne pas les rassembler tous dans une même pièce pour juger le même travail. Plus les points de vue sont nombreux, plus les chances de passer l’étape de la sélection diminuent.

Le business des concours artistiques est incroyablement compétitif: c’est peut-être justement cette concurrence qui a incité ces derniers à élargir leur champ d’application afin d’obtenir le nombre d’inscriptions nécessaire pour assurer la rentabilité de leur activité ou financer des projets éducatifs. Pensez-vous que les organisateurs de concours devraient revoir à la baisse le montant de leurs frais d’inscription afin d’attirer un panel de candidats plus large et offrir une image plus fidèle et plus exhaustive de la création graphique contemporaine?

Cet argument a déjà été évoqué il y a bien longtemps, notamment à l’adresse de D&AD par exemple, afin qu’ils baissent leurs frais d’inscriptions pour les freelances, mais je ne crois pas qu’ils l’aient jamais fait. Il est clair qu’ils ont besoin de générer des recettes, mais ils pourraient y parvenir en baissant leurs prix, ouvrant ainsi la porte à une portion entièrement nouvelle du monde de la création graphique. Il est vrai que les disciplines périphériques comme l’illustration et la photographie participent peu à ces concours. Si ces derniers se repositionnaient afin de toucher ce type de créateurs et baissaient suffisamment leurs prix pour les freelances, on pourrait alors avoir des concours plus variés et plus représentatifs. Les choses étant ce qu’elles sont, les créations présentées lors de ces concours sont extrêmement pointues et spécialisées. Cela ne donne donc pas une image fidèle de la création graphique contemporaine.

Nous souhaitons remercier Angus Hyland, Simon Beresford-Smith – archiviste, Pentagram (Londres), et Kurt Koepfle – Communications Manager et Associé, Pentagram (New York).

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De nos jours les photographes ne manquent pas mais rares sont les véritables iconoclastes. Ce jeune photographe suédois de 35 ans connu sous le surnom de Knotan fait sans nul doute partie de ces quelques exceptions. Son œuvre combinant érotisme et réalisme en y ajoutant une touche d’humour mordant a su conquérir clients et galeries.

Très occupé à préparer son prochain livre mais aussi un projet pour un client finlandais, il a néanmoins trouvé le temps de répondre à nos questions. Voilà un photographe qui a vraiment la bougeotte!

Entretien réalisé par Boyd van Hoeij.

Knotan signifie articulation ou jointure en suédois. Quelle est l’origine de ce surnom?

On m’a donné ce surnom quand j’avais environ 15 ans parce que j’étais terriblement maigre à l’époque. Je suis toujours mince aujourd’hui et mes amis – et même mes clients – m’appellent Knotan, il m’a donc paru logique de conserver ce surnom.

De quoi aviez-vous l’air à 15 ans?

Vous intéressiez-vous déjà à la photographie?

Je suis allé à l’école à Örnsköldsvik, la ville où je suis né, mais j’ai aussi beaucoup bougé. L’école ne m’intéressait pas vraiment – ce qui m’intéressait surtout c’étaient les filles, me balader sur ma mobylette et les motos. Bien que l’érotisme joue maintenant un rôle important dans mon travail, je ne pensais pas vraiment au même moment aux filles et à la photographie. Quand j’ai commencé la photo, je me passionnais pour l’escalade. J’ai commencé à prendre des photos d’escalade et également de la nature. J’ai toujours détesté ce qui est commer-

cial: par exemple, quand vous feuilletez un catalogue d’équipement de loisirs de plein air, tout est tellement joli, ça n’a rien à voir avec la réalité.

Et les filles?

A cet âge, vous commencez à découvrir le sexe et votre propre corps. Vous tombez sur les magazines porno de votre père et à l’époque TV1000 diffusait des pornos le soir… Et puis il y avait les bains de minuit en été!

C’est intéressant parce que, même si la comparaison peut paraître étrange, les images pornographiques sont aussi peu naturelles que les images de ces catalogues d’équipement de loisirs.

Oui – et je n’essaie pas de rendre les filles sexy sur mes photos; je pense que se montrer nu n’est plus vraiment tabou. C’est bizarre pourtant. En été on se balade en bikini ou en maillot mais en hiver, ou même en général, on refuse de se montrer en sous-vêtements!

Alors pourquoi avoir décidé d’étudier la photographie, à part le fait de

prendre des photos réalistes de matériel d’escalade?

A 25 ans j’étais avec une fille qui étudiait les beaux-arts. J’avais un boulot merdique que je détestais et chaque journée de travail était une vraie corvée. Je travaillais dans une entreprise qui peignait des profilés d’aluminium et mon boulot consistait juste à les suspendre puis à les décrocher.

C’était la première fois que j’envisageais sérieusement de reprendre des études et mes parents étaient loin d’être ravis. Ils voulaient que j’aie un vrai travail. Ils me disaient: «Est-ce que tu pourras vraiment vivre de la photographie»?

Vous avez commencé à étudier la photographie en 1999, j’imagine donc qu’à l’époque vous appreniez surtout à travailler en chambre noire?

J’ai été l’un des derniers à apprendre la photographie à l’ancienne. A l’époque, j’aimais faire des portraits et photographier des groupes de musique – finies les photos d’escalade.

J’aimais travailler en chambre noire mais seulement pour les photos en noir et blanc parce qu’avec la couleur vous ne voyez pas ce que vous faites!

Utilisez-vous un appareil numérique maintenant?

Oui. Je suis passé au numérique après avoir fini mes études, quand j’ai commencé à travailler comme photographe, mais j’ai été dur à convaincre!

C’était plutôt difficile parce qu’il fallait trouver un moyen pour que les photos numériques ressemblent aux photos sur pellicule. Pour ce qui est des photos que je prends aujourd’hui, je sais en général avant de commencer si elles seront en couleur ou en noir et blanc, mais je fais parfois des essais sur ordinateur. Je ne retouche pas tant que ça les images; peut-être un peu plus quand il s’agit d’une commande que si c’est un travail personnel. Cela dépend de l’utilisation finale de l’image.

Au-delà du rendu technique, existet-il une différence d’approche entre un projet commercial et un travail personnel en vue d’une exposition ou d’un prochain livre?

Oui, un peu. Mes images personnelles sont un peu plus brutes. Il y a

tellement de photographes qui pensent qu’ils doivent faire comme tous les autres pour réussir! Leur travail ressemble alors à la copie de quelque chose qui existe déjà. C’est surtout, je pense, que quoi que je fasse, je montre toujours une certaine réalité du modèle. Je veux qu’il ait l’air réel. Il y a donc toujours une certaine folie et les clients aiment ça. Ils me donnent parfois des instructions sur ce à quoi l’arrière-plan et tout ça doivent ressembler mais globalement ils me font confiance et me laissent faire ce que j’ai à faire.

Votre relation au sexe et à l’érotisme a-t-elle changé depuis que ces derniers font partie intégrante de votre travail?

Je ne sais pas. Il y a tellement de gens qui me demandent: «ça ne vous

excite pas de photographier tous ces nus et ces jolies filles?» Mais je ne vois pas les choses comme ça! Ce qui m’intéresse, c’est de prendre des photos – je ne m’excite pas juste à la vue d’un corps! Pour moi le corps humain est intéressant à photographier mais je recherche aussi la réalité des choses.

La réalité tangible d’une image est plus sexy qu’une image entièrement retouchée sur Photoshop.

Au-delà de l’érotisme, vos photos se distinguent également par leur humour. Comment créez-vous ce côté ludique?

Je puise principalement mon inspiration dans ma ville d’origine ou dans des choses qui se sont passées et je les utilise dans mes images, je pense.

Vous réalisez de nombreux autoportraits. Comme la série que vous avez créée pour le magazine PAP. Vous avaient-ils donné un thème particulier pour ces images?

Ils ne m’ont pas spécialement demandé de figurer sur les photos mais leur thème était «Qui suis-je sans toi»! C’est ce que je veux dire quand je dis que je m’inspire de mon passé ou de ma ville d’origine. Après la publication de ces photos, j’ai eu des réactions d’anciens amis me demandant si j’étais gay, ou me disant que j’étais vraiment bizarre. Ma mère m’a même demandé si je tournais dans des por-

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nos! Je savais que j’allais provoquer ce genre de réactions avant de prendre ces photos. La plupart de mes anciens amis pensent que du moment qu’une image montre des gens nus, c’est du porno. Certaines personnes ont vraiment l’esprit étroit.

Diriez-vous que vous jouez un rôle ou ces photos sont-elles de «véritables» portraits de vous-même ou de facettes de vous-même?

Je joue un rôle et en même temps ça représente un certain aspect de ma vie.

Ces photos ne visent pas seulement à provoquer mais aussi à être drôles. En tant que photographe, vous êtes toujours supposé prendre des photos de filles sexy et voilà un photographe, un homme, qui prétend être le sujet sexy de ses propres photos! Tout le monde n’apprécie pas; le magazine qui avait commandé les photos à l’origine a même fait retoucher mon pénis!

Ces portraits sont également mis en valeur par le contexte et cette manière d’articuler l’ensemble de la série comme un mini-récit, une méthode que vous utilisez également pour votre nouveau livre.

Il s’agira d’un livre de petite dimension. J’aime rassembler des images qui provoquent certains sentiments. Je suis comme un collectionneur d’images mais cette collection a toujours un but: je mets différentes choses ensemble et j’essaie d’obtenir l’impression voulue, chose qu’il est impossible de faire dans le cadre d’un projet commercial.

Donc, dans un sens, votre travail artistique personnel est un moyen d’expression qui vous permet de créer une atmosphère impressionniste en mettant en opposition ou en alternant différentes images qui combinent humour, érotisme, exploration personnelle, réalité et honnêteté?

Je crois, oui.

Trouvez-vous intéressant que les gens tentent «d’expliquer» vos images ou aimez-vous simplement créer ces images?

Je n’y pense pas tellement et je n’ai pas d’explication pour chaque chose que je fais. Je n’ai pas conscience que

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telle image est le symbole de quoi que ce soit, comme cela peut être le cas en art. A l’école on ne m’a pas appris qu’il fallait expliquer son travail. J’ai juste envie de prendre des photos.

Diriez-vous que vous créez de manière principalement intuitive?

Oui, mais pas toujours. Mais ça aide que je sois doué pour l’improvisation!

Parlons de l’une de vos photos les plus fortes: un majeur dressé devant un vagin. Cela symbolise quelque chose j’imagine?

Beaucoup de gens aiment cette photo, moi aussi d’ailleurs! Elle fait partie de mon travail et il s’agit en fait d’une photo de mon ex, qui est aussi photographe, debout sur une chaise dans la cuisine. C’est aussi sa main.

Ce n’est pas une image improvisée, mais on était un peu dingues à l’époque. Je le suis toujours – du moins je l’espère. C’est comme si je n’arrivais pas à devenir adulte. Graphiquement, c’est une photo très forte. L’intention n’est pas du tout d’être sexy. C’était plutôt un genre de «fuck you» adressé au monde de la mode et à cette idée que tout et tout le monde doit être rasé de près.

Qu’en est-il de vos œuvres plus narratives, comme l’association de photos apparemment choisies au hasard pour votre prochain livre?

C’est tout moi ça, d’associer des photos. Ensemble elles créent un dialogue ou une atmosphère intéressante.

Prenons par exemple l’association du garçon et de la cascade. Le garçon porte un slip mouillé et est en train de reboutonner sa chemise ou bien de l’enlever.

A-t-il mouillé son slip d’excitation? La cascade derrière lui pourrait évoquer une éjaculation, ou la nature en général, ou la beauté à l’état sauvage?

Haha! Vous voyez, ça vous fait réfléchir! Tout ça c’est dans votre esprit. Ces deux images n’ont pas été prises ensemble mais seulement associées plus tard. Je ne suis même pas sûr qu’elles figurent ensemble dans le livre. Mais je suis content que ça vous plaise.

Darling of the fashion magazines and pop stars, Sølve Sundsbø, on the occasion of his exhibition at Colette, appears as a discreet young adult with a low profile, passionate about photography and… birds. He explains to us how manipulating reality is fascinating.

Interview by Philippe Graff.

The Norwegian Sølve Sundsbø has photographed Madonna, Kate Moss and almost all the stars in fashion; but he remains as accessible and curious as he was in 1999 when he won the award for Best Young Photographer at the Hyères Fashion and Photography Festival. The years he spent as assistant to the legendary Nick Knight made him an outstanding technician fascinated by beauty, glamour and movement. He worked for Harper’s Bazaar, I-D, Dazed & Confused, Vogue, Visionnaire and W, made memorable advertising campaigns for Hermès, Boucheron, Dior perfumes and Saint-Laurent (notably the launch of Saint-Laurent M7 in which the nudity of the taekwondo champion Samuel de Cubbert paid tribute to the creator himself) and finally created album covers for Röyksopp and Coldplay. Beyond the perfection of his images, some have criticized him for an absence of style.

Taking them at their word, he confesses with a kind of false modesty that he indeed has no style. A way of permanently questioning himself and facing new challenges. So let’s get to the heart of the matter.

How does one become a world star of photography at only 37?

I have indeed been a professional photographer for ten years but in fact, images have always fascinated me.

I moved to London at the time, it was the place where everything was happening. I had the great opportunity to be Nick Knight’s assistant and I learned many things. I worked with him for almost four years then I decided to stay in London, where many magazines are based, and things happened naturally. During these ten years, I actually worked a lot for the fashion industry which was literally booming at the time. But I don’t see myself as a star; you must put things into context.

Beginning your career with Nick Knight, you could not have begun under better auspices! There also seems to be a certain lineage between you both...

Nick Knight has revolutionised photography by his approach to reality, a very unique mix of quasi-documentary realism and a much laboured artificiality. I actually feel close to this approach. Nick managed to create a contemporary style with traditional techniques: using light to its maximum and natural materials, exactly what I’m searching for myself. I also, like him, like to have a certain

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modesty in front of my subject; my approach is different each time. From this point of view, there is actually an influence. But I have equally been influenced by the work of Blumenfeld and Penn.

Apart from Nick Knight, one senses that you have borrowed a little from London life in your style. Do you think your work reflects a mood, a style unique to this city?

It’s true that I live in London and I feel really good in this city. A large part of the business is here but above all a tremendous amount of creativity and freedom. Paris is a really beautiful city and New York has a fantastic energy. Yet it’s in London that fashion trends and new culture continue to appear, even if only briefly. There is an energy, a sensitivity to change and renewal that you don’t find elsewhere.

It is logical, as London is midway between American and European cultures. To summarize, I would say London combines the chic of Paris with the trash of New York. You see this in the press for example; there is a sort of jubilant non-respect towards fashion, far from the affected attitudes of other European cities.

You are in demand from pop stars and people in show business. Can you preserve your creativity facing such challenges or does the ego of these stars always come to the fore?

I am Norwegian, you know, I therefore received a very Scandinavian and egalitarian education. In our culture, all human beings are really equal. I apply this theory in my own way to understand my subjects. When I have to photograph Yoko Ono or Grace Jones for example, I focus on their personality. There must be a genuine mutual respect; I therefore treat my models with the infinite respect they deserve. If sometimes people behave like shit... I treat them like shit!

Tom Ford in particular has praised your work and he is known to be very demanding. What makes you different from other fashion photographers?

I have worked several times for Tom Ford, he brought something new

and a certain quality to fashion of course, but also in the way you look at fashion. He is really cutting edge.

This quest for innovation and creativity is an essential motivation for me, it’s what drives me. I have a very normal life, you know (and it makes me happy), I have a wife and three small boys; in return, I need to perpetually search for new things, new adventures in my work. In fact, I get bored pretty quickly so I always launch myself into new challenges.

Paradoxically, fashion iconography and in particular press fashion photography seem to have become somehow standardized, is this not frustrating?

The fashion world has become terribly commercial in the last ten years.

If you look at magazines from 1995, there was much less advertising. The influence of advertising is now much higher; it sustains the press and therefore exerts pressure, which doesn’t shock me really. On the contrary, it’s stimulating; it encourages you to be creative. Today, we experience a kind of ellipse: everything has changed very quickly; we have made lots of experiments. However, there is a difference between an ad campaign, where you have to meet a specific brief and be creative within certain specifications, to respond to a request from the client, and editorial work in which you can express your tastes and fantasies. And then came all the technical changes: for example, digital photography has considerably changed our approach to photography. Affirming your personal view beyond fashion trends is essential. It is not always easy but you have to resist pressure, you have to choose your challenges carefully and then give yourself the personal means to tackle them.

When seeing your exhibition on parrots, one has the impression that it is a fashion series…

I have photographed women, naked and dressed, and done a lot of fashion work. Here it’s birds, but my approach is similar, I need to find something new each time to express my dreams; the beauty of these parrots, their natural elegance and the way they move make this series close to fashion

photographs. In this precise case, which is a sort of an exercise, I wanted to have an original approach, avoiding all the clichés about these animals, their exotic and fun appearance. It’s more about pure beauty, colour and movement. My approach was similar to when I photograph fashion.

You have a book coming out, and there are also these moving pictograms. Is this a new area you want to explore?

For me, these parrots are like poetry in motion. Beyond their beauty, I wanted to capture their grace of movement; I think that slow motion captures this very well. The birds have a sartorial quality that somehow meets the requirements of fashion. Photographing the parrots took a whole day in the studio, exactly like any other shoot, but the bird doesn’t obey any instructions. It was a different experiment, I wanted to communicate the unique beauty of the subject, at the end of the day, it’s all a matter of style…

And of ecological concerns?

No, not at all.

You are very in demand as a photographer, very “fashionable”. Has this influenced your career?

I never read what is written about my work, I never go on the Internet, I therefore remain very distant from all the concerns that could distract me from my work. The fact of being successful is good, but with each new series, I must keep questioning and renewing myself, disappear in front of my subject, give the best of my creativity. Blasé people are very boring, basically, they offend creativity. I think one must go on exploring, even within a commercial framework. Even if in fashion, one has the impression that everything has been done already, then it’s up to you to make your work unique and push it to the limits.

The Parrot exhibition was at the Colette in Paris in September, and at the same time at the Gun Gallery in Stockholm.

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peg stores of the time. Sleeveless and mini-skirted, they gave maximum freedom of body-movement. In addition, paper dresses offered a certain erotic frisson as, potentially, they could tear easily!

At a time when America was inventing the consumer society, Pop Art and space exploration, women were enthusiastically embracing a new fashion: paper dresses. Vassilis Zidianakis has analysed this powerful but short-lived phenomenon.

Interview by Céline Coubray.

At the end of the ‘60s, a fleeting but astonishingly influential fashion swept the U.S.A. A true social phenomenon, paper dresses were worn by millions of women of all social classes. Regardless of the season, the fashion changed daily according to the occasion and personal whim. RRRIPP !!! Paper Fashion unveils these dresses, which were a response to the demands of fashion, the consumer society, and the sense of daring and optimism fundamental to that pivotal decade.

This exhibition is being presented at the Mudam from October 11th, 2008 to February 2nd, 2009, the Momu in Anvers from March 12th to August 16th, 2009 and at the Design Museum in London from the end of 2009 to early 2010. Vassilis Zidianakis, artistic director of Atopos, is the exhibition’s administrator. This is an excellent opportunity to discover this popular phenomenon whose origins can be traced back to fashion’s distant past and whose influence can still be found in contemporary fashion.

Can you tell us how this fashion for paper dresses came about?

In 1966, the Scott Paper Company had just developed a new type of paper

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and wanted to promote it. They had the highly ingenious idea of making paper dresses to show off the qualities of this new material and to distribute the dresses, as they did at the time, with an advertising leaflet. They were an instant success and women adopted this new idea straight away. The publicity gimmick gave way to a veritable social phenomenon affecting the lower income groups as much as the upper classes, where it was adopted as a new mode of expression and entertainment. To fully understand this phenomenon, we must remember the context - the society of the 1960’s. In the West, this was a society in the full throes of change. The consumer society was dominant, Pop Art and Op Art were the emerging trends of artistic creation, and the conquest of space had moved from fantasy to reality. Of course, fashion followed these social changes. Dress codes were turned on their heads, ties were no longer obligatory for men, jeans came into their own, women’s skirts shortened to mini, and with the sexual revolution the body was flaunted rather than hidden. In this context, it is easy to understand how paper dresses became such a rage. The style was a very simple “A-line” which was already a fashion runner in off-the-

How were these dresses used? When were they worn?

It didn’t take long before a number of other companies began to advertise their products by means of this novel, cheap, sexy and glamorous medium.

These dresses carried the images of products such as sweets, soap and biscuits in the form of advertising. The yellow pages used their distinctive page format transferred onto the dresses.

Even politicians were attracted by this advertising tool and the faces of Nixon, Kennedy, McCarthy and Trudeau were presented in graphic designs reproduced on dresses worn at political meetings and during presidential campaigns. They were also exploited by cinema stars - a promotional dress for Universal Studios, pop musicians Bob Dylan, films for general release The Flintstones, the press - Time Magazine, Milwaukee Sentinel, and even the artistic world chose paper dresses as a means of advertising and expression. Warhol designed the now famous dress Fragile for Nico, and the famous banana dress. Allen Ginsberg’s poems have been reproduced on poster dresses - a series of dresses with strong visual impact, which, after being worn, could be hung on the wall as posters. There is even a male version of this phenomenon with James Rausenquist’s costume made of paper.

Alongside these dresses used for advertising or linked to special events, there were also more “classic” dresses with floral, striped or gaudy patterns.

What catches the attention is also the link between this garment and the unique social period. The idea of something short-lived is an intrinsic part of this product. All of the dresses were made to be worn only once or twice. Young women dressed up in them for special occasions such as festivals, parties, or an amorous assignation. The hostess could even select a dress to match the cups, paper serviettes and tablecloths she chose for her party. The dresses were also non-

flammable so it was possible wear them while cooking or smoking without any risk. Once the party was over, the dress could be consigned to the rubbish bin along with used paper plates.

Any kind of imaginative graphic art could be used. The identities of the graphics designers remain largely unknown, however. Many were just industrial artists, designing patterns to be used on gift-wrap paper, or copying fashionable motives with a psychedelic or folklore theme. There were a lot of geometric shapes, showing the influence of Op Art, with bright colours reflecting the joyful, festive and carefree spirit of the time.

Other models were simply left blank to be personalised with original art work. This was the era of space exploration, futuristic utopias and science fiction and the influence of these technical advances could be felt. By wearing those paper dresses, made of the same material as that used for the lining of astronauts’ suits, women had the sense of being a part of that technological conquest.

Where could they get those dresses?

Were they sold in clothes’ shops?

No, not at all! Several million dresses were produced and distributed; given away free on the purchase of a certain product or in all sorts of advertising campaigns. Some models were on sale at a very low price, around one dollar.

The methods of distribution were completely novel as the dresses were not sold in traditional off-the-peg clothes shops but in drugstores or newsagents, just placed on the display shelf in transparent plastic bags next to postcards, paper tablecloths, cardboard cups and paper serviettes. The bags couldn’t be opened to, for example, try on the dresses and there was a limited choice of size or pattern. The shape of the dress reflected a female form based on the figure shape of women in the comic strips of the time. This was all about a new kind of attitude to consumerism, a new approach to clothing being considered as a consumer product.

Was it possible to buy accessories?

The market mainly consisted of dresses but there were a few accesso-

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ries such as hats, bags, underwear and even a swimsuit!

How long did this craze last?

It was over very quickly. 1966 1968 was the focus of this fashion fad.

The first stirrings of the ecological movement sounded the death knell for the extravagance of throwaway goods, and the textile industry was developing cheap materials for readyto-wear clothing.

You have managed to collect together 350 dresses. Could you explain, in a few words, what Atopos is and how you built up this collection?

Atopos is a non-profit-making, Greek cultural organisation founded in 2003 by Stamos Fafalios and myself.

The projects we organise are planned to bring contemporary art, fashion and design face to face, with the participation of rising talents and bringing developing technologies to the fore.

They are always based on international themes, which are presented to the public through temporary exhibitions with great attention being paid to presentation. In ancient Greek, Atopos means indefinable, out of the ordinary, eccentric, which fits our present subject - paper dresses of the 1960s - perfectly. The collection, which we have managed to compile, is the largest on this theme in the world today. We have purchased from private collectors, at auctions, on the Internet, but we also widened our research to include other types of paper garments, which exist, or have existed in the past, within other fashions or other eras such as examples of the ancient Japanese garments of the Kamiko from the Edo and Meiji periods. Alongside that, we are adding contemporary creations to the collection with items by designers such as Hugo Boss, Walter van Beirendonck, Helmut Lang, UEG or Kosuke Tsumura as well as work by Robert Wilson or Marcus Tomlinson. Issey Miyake has made us a wonderful gift, which will be shown for the first time in the Luxembourg exhibition. With his team, he has created an experimental collection of clothes inspired by our collection but using paper recycled following an ancient Japa-

nese method and then reworked along the lines of origami. These examples of the collection Paper Pleats won’t be available commercially and we are fortunate in being able to include them in our collection. We have also directly commissioned designers and artists to present works inspired by our collection. All of this, and the extensive research carried out, have enabled us to put together RRRIPP!!!

Paper Fashion which we are presently exhibiting at the Mudam before moving it to the Momu in Anvers from the 12th of March to the 16th of August, 2009 and then to the Design Museum in London from late 2009 to early 2010.

So there is evidence of traditional use of paper garments. Could you expand on that?

Ancient Japanese civilisation produced amazing paper garments. These were used by different types of people like Buddhist monks who used them when they went into retreat in the forest. They dressed in white paper garments, which were all stained and tattered by the end of their period of retreat. The monks then burned these garments as a sign of spiritual purification. Another example is that of the Samurai who had a ritual of writing on paper, which was then transformed into armour through a method of stiffening the paper. Paper was also used as an undergarment beneath the kimono to avoid any sweat stains, which were considered unacceptable.

Paper undergarments fulfilled two functions simultaneously - providing air movement between the layers of cloth and absorbing perspiration.

There are also examples of paper clothing in equatorial regions where trees grow abundantly. In Europe, at the end of the 19th century, men wore shirt collars and cuffs made of paper so that those parts of their shirts always looked clean and laundered. During the two world wars, when raw materials were in short supply and clothes were a precious commodity, the dead were not interred in cloth garments, these being kept by their families, but in paper “clothes”. These funereal customs were very touching because the “clothes” were decorated with imita-

tions of embroidery, fancy buttons and even broderie anglaise. In real cloth, these touches of luxury would often have been beyond the means of the families of the deceased. It is worth mentioning that there are different techniques employed in the production of these garments. Methods of paper production also vary and it is interesting to note that the paper dresses of the 1960s were not made of cellulose alone. Tyvek was used to make the material more resistant. That is why the term “non-woven” is also used and not just “paper”, although the latter is the more common.

And then there is the use of paper in contemporary fashion.

There are indeed a number of examples of paper creations in contemporary fashion. Some avant-garde designers have experimented in this tricky and original field. In the exhibition, there is an embroidered and bejewelled haute couture dress by Christian Lacroix in brown wrapping paper, for example. Going back in time a little, to a contemporary of the American paper dress period, Paco Rabanne also used this material in the 1960s. He produced several designs in non-woven cloth, including wedding dresses, but other creations were more futuristic. He even invented a vending machine, which would have meant that paper garments could be bought anywhere, anytime. More recently, there are several models in Rei Kawakubo’s collections for Comme les Garçons, Jum Nakao’s 2004 collection of paper dresses, Bernhard Willhelm’s skirt with a Mickey Mouse motif from 2001, Walter van Beirendonck’s blousons for the 1997-98 autumn-winter Avatar collection, and Helmut Lang’s white dress which is in the Atopos collection. This material was also the inspiration behind Hiroaki Ohya’s great poetic work The Wizard of Jeanz. In every volume of this series of books, there are pages, which become transformed into a specific garment, in turn dress, trousers or skirt. This work is part of the Mudam collection, one of the very few institutions to highlight the ways in which fashion and art are interwoven. Hussein Chalayan has made his mark in

our memory with his magnificent project in 1999 of Airmail dresses; dresses made of notepaper which could be written on and then folded and sent by post, just like a normal letter.

Paper is also an insulating material and, in our uncertain society, can even be a means of survival. In our collection, we have a project by Kosuke Tsumura entitled Final Home which can be filled with old scrunched up papers and worn as a coat or be used as a shelter for a homeless person.

We asked artist Suzanne Lee to present her highly innovative project Bio Couture that makes paper, i.e. cellulose, “grow”. All the projects and creations bear witness to the fact that paper is a supremely versatile substance with poetic qualities. In the past, paper has been highly inspirational and it continues to attract designers to produce clothing with a paper constituent, even today.

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“My 2009”

by Sarah from Colette

1. THOM BROWNE POP SHOP AT COLETTE 2. ANTHONY BURRILL GRAPHIC SHOW AT COLETTE 3. LOMO DIANA COLETTE LAUNCH 2-28 February Anthony Burrill is an independent designer and illustrator who works in print, moving image and interactive, web based projects. This is his second collaboration with Colette. www.anthonyburrill.com 19 January - 27 February Thom Browne is the founder and designer for Thom Browne, a New York based menswear brand. He received the Council of Fashion Designers of America award for best Menswear designer in March. www.thombrowne.com 25 - 28 June

4. TODD SELBY PORTRAITS SHOW AT COLETTE 5. LOS ANGELES, VISIT JEREMY SCOTT & COBRASNAKE 6. MEN FASHION WEEK IN PARIS, RAF SIMONS SHOW

8. PARIS FASHION WEEK AND FIAC ARTFAIR 9. TOKYO, HELLO TO ORIGINALFAKE AND BAPE TEAM 10. ART BASEL MIAMI, BREAKFAST AT THE NEWS CAFÉ

September Magnolia Bakery has become a household name, firstly for its unforgettable cupcakes but also for the hang out place it became Sex & the City www.magnoliabakery.com October 1-8 Oct Paris Fashion Week, for the schedule check out www.modeaparis.com end of Oct Fiac is one of the most important contemporary art events www.fiac.com

ABOUT SARAH

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8 March Lomo cameras have long become a cult item! Witness the new launch at Colette. www.lomography.com/diana

7. NEW YORK FASHION WEEK, STOP AT MAGNOLIA CUPCAKES

May Jeremy Scott is a designer who has made a name for himself with his unique and comical designs. He is now back living in the States after making a name for himself in Paris. www.jeremyscott.com The Cobra Snake is one of THE on-line blogs which has been featured in numerous magazines. The Cobra Snake chronicles the fashion scene with an affinity for the LA party scene. www.thecobrasnake.com

November The bathing Ape has long become a popular brand. www.bape.com

6 April - 2 May Todd Selby is definitely a name to remember.

He is a fashion & portrait photographer who has made his mark. With his news site www.theselby.com, Todd has been giving us a unique peek into the creative world’s interiors. www.toddselby.com

Sarah, the daughter of Colette, is also the Creative Director and buyer of the mythical store, Colette, a meeting place for fashion, design, music and high-tech. The famous store, which opened its doors in 1997, has undergone a transformation. The new space was created by the Japanese architect Masamichi Katayama from Studio Wonderwall, who is also behind the Bape Stores in Tokyo. The ground floor is an open space dedicated to exclusive street wear such as Bathing Ape, BBC, Alife et Original Fake.

Sarah’s constant search for new and exclusive items takes her around the globe with a preference for Tokyo, New York and London.

December Art Basel Miami is the sister event of Art Basel in Switzerland and has become one of the most visited art fairs around the globe, other than being an important date for art lovers it has long become a “place to be” for fashion hipsters. www.artbaselmiamibeach.com The News Cafe is one of the old classics on Ocean Drive, famous for its huge breakfast platters. Go for the pancakes but keep away from the coffee. www.newscafe.com

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