HISTORIA DEL ARTE PORTAFOLIO 2020-1 ALUM NA:
MA R I A
A L E J A N D RA
RO D RÍG U EZ LÓPEZ
CÓDIGO: 2 0 1 9 1 7 1 4 P R O F E S O RA : M A R I A D E L A P A L O M A C A R C E D O M U R O D E M U FA R E C H SECCI ÓN : 3 2 1
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CONTENIDOS PRÁCTICA CALIFICADA 1: COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE DE UN MUSEO CG2,CG3 PRÁCTICA CALIFICADA 2: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LA ESCULTURA/ARQUITECTURA GRIEGA Y ROMANA
EXAMEN PARCIAL
……………………….04
……………………….07
………………..……………………………………….14
CG2,CG3
PRÁCTICA CALIFICADA 3: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LAS OBRAS ……………………….16 PICTORICAS “EL TRANSITO DE LA VIRGEN” Y LA MUERTE DE LA VIRGEN”
CG2,CG3
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PRÁCTICA CALIFICADA 4:: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE PINTURAS DEL ……………………….22 SIGLO XX Y XXI
CG2,CG3
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INFORMACIÓN DEL CURSO
…………………………………….29
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PRÁCTICA CALIFICADA 1: COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE DE UN MUSEO CG2,CG3
ENCARGO: Elija una obra de arte de un museo y coméntala siguiendo la metodología de la lectura “Análisis y Comentario de una Obra de Arte”. La obra debe de ser una escultura o una pintura, de cualquier museo del Mundo”. Cuando hagan el comentario de la obra también expliquen su impresión sobre este recorrido virtual del museo donde es expuesta.
OBJETIVOS: •
Tener una primera interacción comentando obras de arte
•
Saber conseguir referentes de obras de arte de fuentes confiables como un museo
•
Saber que la pandemia no es un impedimento para poder visitar museos de arte
FICHA TECNICA: Nombre de la pintura:
La virgen
Pintor: Año de producción Museo en donde se encuentra
Gustav Klimt 1912-1913 Museo Nacional de Praga
ANÁLISIS: La obra pictórica denominada como “La virgen” fue desarrollada durante 1912 y 1913, época en la cual se implantó como movimiento artístico “El orfismo”. Característico por trabajar con el espacio pictórico, su construcción involucraba recursos ópticos, color, plano de dos dimensiones, entre otras características. También es vanguardista por los muchos colores que usa. La técnica usada fue el óleo y el soporte fue una tela de 190cm de alto x 200cm de ancho.
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PRÁCTICA CALIFICADA 1: COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE DE UN MUSEO CG2,CG3
Se dedicó a pintar mujeres para las mujeres; según algunos, por deseo hacia una mujer, la maternidad, la confusión, entre otros. Toma a la mujer como símbolo de la hermosura. Hay varios cuerpos femeninos entrelazados, unos desnudos y otros con vestidos de inspiración rumana, decorados con espirales, círculos, flores, cintas. Se distinguen de los rostros de las muchachas: unas dormidas, otras despiertas pero somnolientas. Una de ellas mira fijamente fuera del cuadro. La sensualidad desborda de sus rostros serios y tranquilos, con expresiones de inteligencia queriendo recalcar lo femenino de una manera más incorporal. La figura central, la virgen, se encuentra al centro de la composición, vestida con un largo y llamativo vestido en tonalidades moradas, adornado con flores de colores. Aparece dormida, lo que se interpreta como la conversión de la joven muchacha en mujer al ser rodeada por las demás con torsos descubiertos que la incitan al éxtasis amoroso. Las mujeres alrededor, usan vestidos multicolores, como una túnica de ritual de iniciación. Además, Gustav, usó una superficie oscura para resaltar a las protagonistas de esta obra y darles de esa manera más importancia. Se representan así diversas etapas de la inconsciencia antes de llegar a ser mujer. La explosión de colores que se usan para esta pintura simboliza y aluden al estado psicológico de las jóvenes entrelazadas. Además, no utiliza líneas rectas, sino formas claramente fluidas, debido a la influencia de la corriente del expresionismo, lo que también le da dinamismo a la pintura. Por último, juega con la vista en picada, de arriba a abajo, lo cual le da un efecto especial a la pintura.
COMENTARIO: Las pinturas pueden llegar a representar lo que uno piensa y siente a través de colores y formas. Este pintor básicamente usó una gama de colores vivos y puros para representar la energía, se apoyó con elementos secundarios como es el caso de las curvas y distintas formas que se encuentran en esta, por lo que se puede apreciar la fluidez de los trazos. Encontramos también ciertas referencias a obras anteriores como serpientes acuáticas; lo que a cualquier persona le llamaría la atención causándoles distintas sensaciones y un deseo de seguir viendo las propuestas de Klimt.
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PRÁCTICA CALIFICADA 1: COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE DE UN MUSEO CG2,CG3
Con respecto a su contenido se puede observar a varias mujeres entrelazadas entre diversas formas y colores vivos, lo que indicaría sensualidad y aprecio hacia la mujer. Es muy importante como Klimt le dio protagonismo a la figura humana, especialmente en el cuerpo femenino, convirtiendo este tema, en uno polémico, a causa de los muchos enfoques que uno le puede dar a la obra pictórica debido a las diferentes perspectivas y manera de apreciar el arte de las personas. Gustav Klimt fue un pintor característico por su estilo energético y modernista. Su estilo era abiertamente sexual. Las obras más preponderantes de esta época fueron: El Beso y El Retrato de Adele Bloch-Bauer I. También hizo varias representaciones de mujeres de la alta sociedad.
COMENTARIO DE LA ACTIVIDAD: Para la presente actividad decidí trabajar en dúo debido a que fue bien en mi primera interacción comentando una obra de arte. Al principio me resultó un poco difícil porque no sabia por donde comenzar, era difícil pensar las intensiones del pintor o si la estructura que estaba siguiendo era la correcta. Por mas que en el aula virtual la profesora colgó una guía, encontrar todo esos elementos formales que solicitaron, lo encontré complicado ya que era necesario comentar lo que veía. Por mas que se podía usar el internet para consultar algunos datos de la obra pictórica, todo lo que tenia que hacer estaba orientado a la interpretación. Esa inexperiencia se vio reflejada en mi nota. Sin embargo, no fue algo que me desmotivó, sino algo que me impulsó a seguir intentando conseguir el 3/3, y a poder comentar correctamente una obra de arte.
FECHA: 16-abril-2020 NOTA: 2/3
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PRÁCTICA CALIFICADA 2: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LA ESCULTURA/ARQUITECTURA GRIEGA Y ROMANA
CG2,CG3
ENCARGO: Los alumnos deberán elegir una escultura griega y romana y compararla. Luego, deben elegir un templo griego y romano y también compararlos. Ambas comparaciones deben de ser desde un punto de vista FORMAL, es decir, analizando los ELEMENTOS FORMALES de cada obra. Luego, deberán realizar un comentario tanto para las esculturas como para las arquitecturas, el cual incluya el porqué del edificio (uso, función, etc)
OBJETIVOS: •
Tener una primera interacción comentando escultura y edificaciones antiguas
•
Comparar dos diferentes estilos de representar el arte en la escultura y arquitectura en dos imperios que casi coexistieron al mismo tiempo.
•
Seguir mejorando nuestra capacidad de análisis y comentario
FICHA TECNICA: Nombre de la escultura: Época de producción En donde se encuentra
El Guerrero Herido Periodo arcaico griego En el frontón del templo de Zeus en Olimpia
ANÁLISIS: Pertenece al periodo arcaico de Grecia, a juzgar por su sonrisa. Esto lo vuelve distintivo de la época, porque no habían desarrollado las distintas posibilidades de expresiones en la escultura. Se puede apreciar como la acción que está realizando de tratar de sacarse la lanza que tiene atravesada, no concuerda con su gesto. En la vida real uno experimentaría dolor, no alegría. Esto se debió más que nada a que esculpían según solo con los conocimientos que tenían o que iban creando.
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PRÁCTICA CALIFICADA 2: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LA ESCULTURA/ARQUITECTURA GRIEGA Y ROMANA
CG2,CG3
Por otro lado, se puede observar como la escultura es rígida, debido a la influencia que los griegos tuvieron de los egipcios. Si bien ya habían comenzado a trabajar el movimiento, experimentando con diferentes poses, todavía se veían muy forzadas y tiesas las líneas que estructuran la rodilla y el pie. Así mismo, se puede distinguir que es una escultura griega arcaica por el hecho de que el hombre aparece desnudo. Las mujeres por el contrario aparecían vestidas y algunas veces a color. Por último, se puede apreciar cómo su trabajo en mármol es básico; tal como lo plantea el historiador Ernst H. Gombrich en su libro, “carecía de vida” a comparación con la escultura romana que si exploraba más en cómo hacer arte. Tanto a las mujeres como hombres se les ponía el mismo estilo de peinado ondulado y no llegaban a ir más allá de ese esquema.
FICHA TECNICA: Nombre de la escultura: Época de producción En donde se encuentra
Augusto de Prima Porta Imperio romano Villa de Livia, Roma
ANÁLISIS: En la presente escultura se puede apreciar a un militar a juzgar por su vestimenta (armadura en la que se relatan historias a través de grabados y relieves), a diferencia de la escultura griega que no importaba el cargo que tuviesen, iban desnudos. Por el contrario, a las mujeres romanas no se les vestía, un claro ejemplo de ello es Venus. Sin embargo, pareciese que este personaje tuviese un cargo importante dentro de los que dictan las leyes debido a que lleva enrollado una toga de tela a la altura de la cintura.
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PRÁCTICA CALIFICADA 2: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LA ESCULTURA/ARQUITECTURA GRIEGA Y ROMANA
CG2,CG3
Otra particularidad de esta escultura romana es que a los hombres se les colocaba parados mientras que a las mujeres sentadas, un claro ejemplo es la imagen seleccionada. En cuanto al trabajo en mármol, los romanos tienen un mejor acabado al remarcar bien los gestos de la persona para que de esa manera sus acciones concuerden con su sentir. Por ejemplo, en este caso, se puede observar como el personaje está señalando y se encuentra serio, con el ceño fruncido por lo que le es más fácil deducir que este está queriendo dar una indicación. Además, trabajan mejor sus acabados como es el caso del cabello, dejan de lado los rulos y proponen el cabello lacio. Comentario: De lo analizado se puede concluir que los romanos desarrollaron mejor la escultura en términos de acabados debido a dos motivos. El primero fue porque ellos eran más funcionales, en ese sentido la escultura les servía para desarrollar la propaganda en caso de que uno quisiera el poder o impartir miedo en una guerra. Por el otro lado, a ellos les gustaba hacer retratos como conmemoración a las hazañas que tenían, de las que se sentían orgullosos. Intenciones que no compartía el imperio griego ya que todo trataba más de hallar nuevos conocimientos, que de él acabado en ellos. Como por ejemplo, el poner las medidas del cuerpo humano en base a puños o cabezas.
FICHA TECNICA: Nombre de la edificación: Época de producción En donde se encuentra
Palacio de Knossos Época minoica Griega Isla de CretaMinoicos
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PRÁCTICA CALIFICADA 2: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LA ESCULTURA/ARQUITECTURA GRIEGA Y ROMANA
CG2,CG3
El Palacio de Knossos está situado en la isla Creta de Grecia, descubierto por el arqueólogo británico Arthur Evans en 1894. Perteneciente a la época minoica. En este templo se puede observar distintas características, entre ellas las columnas, siendo lo más resaltante en la estructura debido a su forma, color y estructura. Estas son dóricas, características de la cultura minoica. Sin embargo, los griegos también trabajaron con las jónicas y corintias para sus diferentes templos. Según Maria José Hidalgo, en su libro nos cuenta que los templos dóricos daban la impresión de mayor solidez y firmeza, mientras que los jónicos destacaban más por su esbeltez y elegancia. Estas se diferenciaban por su capitel, compuesto de un collarino (pieza circular), capitel convexo y ábaco rectangular. En la imagen se puede ver como estas son cortas pero al mismo tiempo pesadas, los romanos por su parte, solían tener columnas corintias o compuestas ,lo que los diferencia de estas que tienen un estilo más estético y ordenado. Se centraban más en la perfección del arte , es por ello que decidieron desarrollar y perfeccionar solo una, también para ver más uniformidad en sus templos. Esta posee un sistema constructivo basado en una arquitectura adintelada, lo que los Romanos tomaron como base para crear nuevas estructuras como arcos y bóvedas. “Las construcciones griegas, templos, teatros, edificios públicos...no estaban destinados a la sola satisfacción estética. Eran, ante todo obras que perseguían un fin específico, religioso o práctico” (Hidalgo, 1998). El palacio está decorado con destacadas pinturas murales al fresco que representan bellas escenas de bailes, danzas, y ritos sagrados, estos a comparación del romano, tenían una arquitectura básicamente religiosa. Su estilo único se caracterizaba por el uso de colores vivos y planos ,y un gran carácter simbólico. Por otro lado también se puede apreciar la escalinata que representa una característica más de los templos griegos. ya que esta lo exterioriza un poco a comparación de los romanos que lo volvieron más cerrado y unificado. Los romanos hacen diferencia en este aspecto elevando sus edificaciones con una especie de base en forma de podio y una sola escalinata como ingreso único. 10
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PRÁCTICA CALIFICADA 2: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LA ESCULTURA/ARQUITECTURA GRIEGA Y ROMANA
CG2,CG3
FICHA TECNICA: Nombre de la edificación: Época de producción En donde se encuentra
Maison Carrée Primera época del imperio romano En el antiguo foro de la ciudad de Nimes
Este templo fue realizado durante la primera época del imperio romano y se situaría en lo que sería el antiguo foro de la ciudad de Nimes, es un templo próstilo, hexástilo y pseudoperíptero, con columnas de orden corintio, es decir contiene seis columna en la parte frontal y al mismo tiempo alrededor de esta ,un estilo más dinámico romano. Los templos romanos tiene gran influencia griega, entre estas los romanos acogieron las columnas corintias, siendo las más usadas de la época, al mismo tiempo tenían un estilo compuesto, es decir, realizaban una mezcla entre distintos estilos como el jónico y el corintio. La diferencia es que los griegos aparte de la corintia, también trabajaron con las columnas jónicas y dóricas, además usaban un estilo más estético y seguían un orden específico. Asimismo para los romanos, no había un orden específico para hacer sus templos u obras, ellos eran más funcionales y por consiguiente lograron incorporar varios aspectos, lo que les permitió hacerse famosos y expandirse. Además, como se pudo ver en el análisis de las columnas del Palacio Knossos, esas son más cortas que las romanas. La arquitectura romana de la época es toda colosal y monumental, siendo por eso el motivo de que sus columnas sean más altas y esbeltas. Estos templos romanos contaban con una sola escalinata en la parte frontal, la cual proporcionaba un espacio más definido. A diferencia de los templos griegos, quienes lograron hacer escalinatas por los lados para que se pueda tener una facilidad de ingreso, esto lo hacia mas abierto y menos íntimo, los romanos priorizaron el interior. Una de las similitudes que tiene este templo romano con los griegos es su planta rectangular, la cual tiene un podio donde se sostiene, lo que lo diferencia a simple vista del templo griego, que además tiene escalinatas. 11
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PRÁCTICA CALIFICADA 2: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LA ESCULTURA/ARQUITECTURA GRIEGA Y ROMANA
CG2,CG3
Según Esteban Tollinchi en su libro “La metamorfosis de Roma” planteaba que si el templo griego en esencia se vierte hacia el exterior y el espacio solo sirve para destacar pórticos, en los templos romanos pareciera que la columnata del templo Griego se ha vuelto hacia dentro y este sirve para destacar el espacio. Por esto, en el aspecto espacial, esta le da más importancia a lo interior, ya que dentro existía como un ritual a sus dioses, por lo que se necesitaba más privacidad. Por esta razón es que también hay un solo ingreso, a diferencia del griego el cual prioriza más el exterior. Al mismo tiempo las columnas que, en el estilo griego estaban separadas de los muros, en el estilo romano están adosadas y permite tener un espacio interior más compacto y privado. Comentario Al haber analizado los templos anteriores, nos podemos dar cuenta de la gran importancia que tuvo Grecia en Roma, ya que una influyó a la otra. Los romanos para poder evolucionar y mejorar en el aspecto artístico tomaron como base los conocimientos básicos de los griegos para así no tener que comenzar desde cero. Cabe resaltar que ellos se preocuparon más por el juego de masas, usando distintos estilos en una sola estructura y mayor perfección de los monumentos, lo que lo hacia mas atractivo e interesante, además de su gran tamaño y relieve. A diferencia de los griegos, estos eran un poco más llanos. Podemos darnos cuenta que el estilo de Grecia fue fundamental para que los romanos se inspiren a crear nuevas cosas, y convertirse en un estilo característico que denota en la arquitectura. Referencias Bibliográficas: -Ernst Gombrich. (Siglo VII a V A.C). El gran despertar . Grecia: amazonaws. - María José (et al.) Hidalgo de la Vega, Juan José Sayas Abengochea, José Manuel Roldán Hervás. Historia de la antigua Grecia(Salamanca) - Esteban Tollinchi.( 1998).La metamorfosis de Roma: espacios, figuras y símbolos Imágenes extraídas: -Magdalena Wenzel. (2013). Escultura Griega. 19 de Mayo del 2020, de wordpress Sitio web: https://miotraclasedehistoria.wordpress.com/tag/grecia/page/2/ -Lydia Oporto González. (2017). Augusto de Prima Porta. 19 de Mayo del 2020, de blogspot Sitio web: http://tuvidaenarte.blogspot.com/2017/11/augusto-de-primaporta.html -Augusto de Prima Porta,Mvsei Vaticani.Oficina de Imágenes y Derechos de los Museos Vaticanos ,sitio web: http://www.museivaticani.va/content/museivaticani/es/collezioni/musei/braccionuovo/Augusto-di-Prima-Porta.html -Johanna Huber,fotógrafa.(2018) .templo Griego .sitio web 12 https://historia.nationalgeographic.com.es/a/creta-descubrimiento-cnosos_6466/1
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PRÁCTICA CALIFICADA 2: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LA ESCULTURA/ARQUITECTURA GRIEGA Y ROMANA
CG2,CG3
COMENTARIO DE LA ACTIVIDAD: Un aspecto que me gustó mucho de esta actividad fueron los temas tratados. Si bien ya anteriormente en el colegio había visto los imperios griegos, romanos, egipcios, entre otros; esta vez, la visión o análisis fue mas profundo. Logré ver los detalles como son los tipos de columnas dentro de la arquitectura, el detalle de los tejidos en la escultura, entre otros. Por este motivo, no encontré tedioso seguir investigando fuera de las horas de clase sobre el tema. Una vez mas, decidí trabajar en dúo debido a que el trabajo era extenso. Cada una realizó dos ensayos, sumando un total de 4. Al ser una actividad de elección libre, tenia que elegir cuidadosamente y estratégicamente para presentar el mejor ensayo posible. Es así como terminé eligiendo dos esculturas con la misma temática, ambos soldados, pero cada uno de su época e imperio. Fue así mas fácil distinguir como variaban ambos estilos teniendo un punto en común. Algo similar pasó al elegir la arquitectura, opté por dos edificios emblemáticos y compararlos en cuanto a sus elementos estructurales. Si bien no fue uno de mis mejores trabajos porque recién estaba comenzando, fue un buen punto de inicio para seguir mejorando. Me sirvieron las correcciones de la profesora para agarrar este archivo como modelo y seguir mejorando en los futuros trabajos.
FECHA: 02-jun-2020 NOTA: 3/3
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EXAMEN PARCIAL CG2,CG3
ENCARGO: -Elegir 2 preguntas de las tres que se ponen, según la indicación. -Cada pregunta vale 10 puntos, se considerará para la calificación la buena ortografía, redacción, citación con reglas APA y la originalidad de los ejemplos. -Los alumnos podrán hacer dibujos que completen sus explicaciones, pero solo a mano, no se pueden utilizar ni fotos ni dibujos de Internet
OBJETIVOS: •
Medir nuestro nivel de interpretación según preguntas aleatorias planteadas por la profesora
•
Saber conseguir mejorando nuestra critica ya sea a obras de arte, esculturas o edificaciones antiguas
•
Va a servir como sistema de medición para la profesora sobre cuanto es lo que hemos aprendido en clase
PREGUNTAS ELEGÍDAS: 2. Elaborar una línea del tiempo con tres obras artísticas que expliquen la evolución de la figura humana en la escultura. Pongan fechas. Explicar diferencias o similitudes de los elementos formales de los periodos artísticos en las cuales se encuadran esas obras escultóricas elegidas aplicando esas similitudes o diferencias en las obras. Explique si influyeron o no en otros periodos artísticos. Explicar el porqué de su elección.
FICHA TECNICA: Nombre de la escultura:
Estatuas votivas sumerias
Época de producción: Nombre de la escultura:
4000ac-612ac
Época de producción: Nombre de la escultura:
Imperio griego
Época de producción:
Kuros Griegos
Augusto de Prima Porta Imperio romano
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EXAMEN PARCIAL CG2,CG3
3. Mediante tres obras pictóricas a su elección, explique cómo evoluciona la pintura desde la Prehistoria hasta el periodo gótico, incluyendo éste. Tenga en cuenta que debe comentar el aspecto formal (análisis formal), el social y religioso de la pintura elegida. Ponga FECHAS y periodos de las obras que analice. Comente porqué piensa que los historiadores del arte encuadran las obras elegidas en ese determinado periodo artístico. Por último, explique qué piensa de la importancia de la pintura en el arte. Explique el porqué de su elección.
FICHA TECNICA: Nombre de la pintura:
Pintura egipcia
Época de producción: Nombre de la escultura:
2800ac – 700ac
Época de producción: Nombre de la escultura:
Época de producción:
San Clemente de Tahull Siglo XII El descendimiento de Roger Vander Weyden Siglo XVI
NOTA: 20
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PRÁCTICA CALIFICADA 3: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LAS OBRAS PICTORICAS “EL TRANSITO DE LA VIRGEN” Y LA MUERTE DE LA VIRGEN”
CG2,CG3
ENCARGO: Analicen primero la pintura del Renacimiento, “El Tránsito de la Virgen” de Andrea Mantegna de 1462. Después, hagan los mismo con la pintura barroca “La Muerte de la Virgen” de 1606 del pintor italiano Caravaggio. comparen ambas pinturas y hagan una crítica a través de un análisis en donde explique diferencias y similitudes que encuentra entre ambas. Si no encuentran similitudes explique por qué.
OBJETIVOS: •
Comparar dos obras de arte con el mismo tema pero con pintores de movimientos artísticos diferentes.
•
Analizar si es que el contexto político o religioso o cultural del momento tuvo que ver en la ejecución de la obra
•
Seguir practicando nuestro comentario y critica hacia una obra de arte
FICHA TECNICA: Nombre de la pintura:
El Tránsito de la Virgen
Pintor: Año de producción Museo en donde se encuentra
Andrea Mantegna 1462, Primer Renacimiento Museo Nacional de Prado
ANÁLISIS: La pintura del renacimiento presentada se caracteriza por: Presenta once personajes secundarios los cuales actúan y giran en torno a uno principal. Este se encuentra postrado en una cama, con un turbante que cubre su cabello y vestuario azul. Esta pintura da a entender que este personaje está enfermo o moribundo debido a que tiene una mano encima de la otra, como por lo general ponen a las personas difuntas y se puede ver como los personajes de alrededor están con una cara de preocupación y de dolor. A juzgar también por las columnas altas que enmarcan un gran paisaje, parece que el lugar fuese como un tipo de palacio y, por ende, el personaje postrado, uno muy importante. 16
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PRÁCTICA CALIFICADA 3: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LAS OBRAS PICTORICAS “EL TRANSITO DE LA VIRGEN” Y LA MUERTE DE LA VIRGEN”
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Por otro lado, las once personas de alrededor tienen como aureolas, tal como lo llevan los ángeles. Por lo que se podría deducir que estos personajes son importantes en el ámbito religioso, podría ser debido al número, algunos de los doce apóstoles de Jesús. En ese caso la persona postrada en la cama, ya que es mujer, se podría decir que es la Virgen María. Hay dos personajes que llevan palmas en las manos y otros cinco que llevan velas, éstos están expectantes a ver lo que pasa, y parecen símbolos. La luz y una planta podrían representar vida, lo que ayuda a explicar la situación critica por la que pasa esa mujer. Si se observa mas al fondo, hay un personaje que a juzgar por la posición de su mano le está dando la bendición junto con el que esta a su lado, ya que esta leyendo un libro, probablemente religioso. Por sus vestimentas, podría comentar que la mayoría tiene colores neutrales y fríos como es el verde y azul, sin embargo, uno de ellos es el que tiene toda su vestimenta de color rojo, que rompe con la postura de los otros apóstoles que están parados, y que además se encuentra medio en cuclillas. Por lo que da a entender el autor de esta pintura, que éste es el más importante de todos y quiere que nuestras miradas se enfoquen en él, está como haciendo una ceremonia, ya que tiene un embace y una cruz que se la está presentando a la virgen. Otro aspecto que puedo rescatar de esta obra es el nivel de detalle, ya que se pueden ver los pliegues en la ropa, en las fundas de la cama, en el cabello e inclusive en las columnas típicas de la época del renacimiento. Si uno observa más al fondo todavía puede darse cuenta que detrás de las columnas y los personajes, a primera impresión pareciese un cuadro, pero dado que no tiene limites ni marco, es como un enorme ventanal de toda la ciudad. Sin embargo, algo peculiar que llamó mi atención es la aparición de un barco en el agua. Algo peculiar, ya que en la época donde vivieron los apóstoles había muy pocas embarcaciones, sobre todo, los barcos. Por lo tanto, puedo deducir que lo que pasa dentro del palacio es otra realidad de lo que pasa afuera. En el exterior, más parece la realidad del pintor de la obra, con intensiones de repente de llamar la intención con su cuadro o romper un poco con lo real y lo irreal. Si bien es algo irrealista por la diferencia de años, si es figurativa porque los cuerpos estén bien estilizados y tengan movimiento. Por el aspecto compacto, lizo y la mezcla de colores, la pintura parece estar hecha con la técnica del óleo en una tabla de madera. Por el nivel de detalle y por no tener presencia, elementos como el efecto del viento, parece tener una pincelada acabada.
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PRÁCTICA CALIFICADA 3: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LAS OBRAS PICTORICAS “EL TRANSITO DE LA VIRGEN” Y LA MUERTE DE LA VIRGEN”
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Otro elemento formal que destaca en la obra es la perspectiva y la cuadriculación. Usan lo que hay más allá del gran ventanal como punto de fuga y se puede ver sobre todo gracias a la presencia del piso cuadriculando que de a pocos se va fugando. También ya que todos los apóstoles guardan casi la misma altura, y por otro lado las columnas también, me hace pensar que el autor antes de comenzar trazó una cuadricula con las medidas aproximadas de cada cosa como guía. La línea que predomina es la vertical y se puede notar claramente en el largo de las columnas. Por último, el autor jugó con los claros oscuros para dar profundidad a las imágenes. Por ejemplo, en cuanto a las columnas, el detalle del acabado esta ligeramente iluminado mientras que cuando uno va avanzando, se va volviendo mas oscuro. Si bien hay un gran ventanal, el cual debería de dar mucha luz, esto no destaca como elemento formal en la obra. Hay intenciones muy ligeras de querer dar sombras, profundidades o resaltar elementos en la obra ya que probablemente sea importante resaltar toda la composición y no solo una cosa en específico. O en todo caso, las profundidades las quiso dar según la escala de las cosas, por ejemplo, en primer plano los apóstoles que están dentro del castillo y ya en segundo plano queda todo lo que es la ciudad, por eso mismo los barcos se ven diminutos.
FICHA TECNICA: Nombre de la pintura: Pintor: Año de producción Museo en donde se encuentra
La Muerte de la Virgen Michelangelo Caravaggio 1606, Barroco Museo del Louvre
ANÁLISIS: En la presente pintura se puede apreciar una vez mas once personajes secundarios y uno principal. Entre los personajes secundarios encontramos tanto a mujeres como hombres, entre ellos algunos apóstoles y el principal sin lugar a dudas es mujer, por ende, la Virgen Maria. Esta se encuentra acostada en un mueble, con tez pálida y la mano caída como si estuviese inconsciente. Debido a las expresiones de los demás personajes, da entender que es una escena con gran dolor, de repente el fallecimiento del personaje principal ya que hay varios llorando.18
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PRÁCTICA CALIFICADA 3: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LAS OBRAS PICTORICAS “EL TRANSITO DE LA VIRGEN” Y LA MUERTE DE LA VIRGEN”
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En cuanto a las vestimentas, destacan las de colores fríos como es el caso del marrón y verde oscuro, con los efectos de oscuridad, pasan desapercibidos los personajes con esas vestimentas dejándolos en segundo plano y resaltando en segundo lugar la chica que llora al lado de la Virgen María que esta con un vestuario rosado y, por último, resalta la Virgen con un vestuario rojo, ya que es una manera de llamar la atención visual del lector, sobre todo a ese personaje. Esto se hace para que se sepa la temática y sobre quien gira toda la composición Un elemento formal que es el que mas resalta en la pintura es la luz, ya que el autor en vez que dibujar la profundidad, genera ésta con la sombra que les da a los cuerpos, juega con los claroscuros y con la escala de grises ya que, conforme a la trayectoria de la luz, cuanto mas lejos a esta, mas oscuro se vuelve. Así mismo se puede ver como resaltan mas que nada con un rayo de luz intenso la cabellera de los apóstoles y la cara pálida de la virgen. También, genera una línea de las visuales que los personajes tienen hacia el personaje principal y la prioridad en el enfoque del expectante, ya que uno tiene que entender que toda gira en base a la virgen por lo que todo lo demás queda como en penumbra. Si bien podemos ver que no hay un fondo como en la primera pintura, ya que no hay un vano que distraiga la mirada, si se puede apreciar un enorme telón rojo y atrás una simple pared de un color totalmente opuesto en escala de grises para que no llame la atención. De esto, un espectador puede deducir que el autor quiso poner eso para simbolizar que es como una obra de teatro, la que esta tratando de representar, sin necesidad de que los personajes se muevan. La misma pintura cuenta una escena por los diferentes efectos y personajes dentro de ella. Además, también por lo que quieren resaltar a la virgen, se podría decir que tampoco pusieron un vano o algún otro elemento que necesite que uno lo analice tanto para que se enfoquen en lo que es mas importante y lo demás se deje de lado.
En cuanto a la técnica que se uso para pintar la obra, debido a que se necesitó matizar los colores para generar la penumbra, se puede deducir que es de oleo ya que este se demora en secar, con una pincelada suelta para que se integren y difuminen bien los colores. Este cuadro no tiene perspectiva y predominan las líneas diagonales. Comentario: Si uno se pone a comparar las dos obras pictóricas, puede caer en cuenta que, en cuanto a su composición, el modo de representar la obra del renacimiento es más respetando la simetría, a lo que se conoce mejor como la ley de la frontalidad, respetando las líneas verticales y todo en base a una cuadricula lo que le daba más equilibrio, pero a la misma vez dota con un poco menos de realismo al cuadro. 19
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PRÁCTICA CALIFICADA 3: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LAS OBRAS PICTORICAS “EL TRANSITO DE LA VIRGEN” Y LA MUERTE DE LA VIRGEN”
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Mientras que en la pintura barroca se muestra más una composición más asimétrica en donde predominan las diagonales, no hay perspectiva, ya que el movimiento se encuentra presente en cada uno de los personajes que integra el cuadro, los personajes son más expresivos hasta en sus movimientos. La obra pictórica de la época barroca, a comparación con el primer cuadro del renacimiento, el pintor no tuvo que poner símbolos como las palmas y las velas para saber que es una escena de muerte. Con las simples expresiones de sollozo y la colocación de la luz que le dio un efecto fúnebre, fue suficiente para entender por lo que los personajes estuvieron pasando en ese momento. Se puede apreciar como el cuadro del renacimiento, a pesar de tener un gran ventanal, no tenía muchas sombras y era bien iluminado. La pintura de Caravaggio es todo lo contrario, predomina lo oscuro, la penumbra, lo que lo vuelve una escena más tétrica y tenebrosa. En otro aspecto que difieren es a cuanto que tan realistas son los cuadros. En esto es algo que difieren bastante ya que mientras por un lado encontramos al renacentista que mas se enfoca en lo perfecto del humano y tiene mucha grilla. Por otro lado, vemos un cuadro con mucho movimiento que prácticamente cada uno de los personajes toma una diferente postura. Además, en el primer cuadro, vemos como se combinan dos épocas diferentes que se puede entender como que es un tema que se sigue hablando y criticando hasta la actualidad o también con la intención de no hacer tan realista y mas llamativo su cuadro al tratar de confundir al espectador. Por otro lado, Caravaggio es un claro ejemplo de como con la técnica de la luz, es mucho más fácil que un cuadro sea mas realista ya que es la que da volumen a las cosas. Una ultima diferencia que encontré es que Mantegna plasma elementos arquitectónicos como son las columnas y los vanos, que roban un poco de protagonismo al personaje principal pero que te sitúan en un contexto. Caso contrario ocurre con el pintor barroco ya que este prefiere solo mostrar una pared e inclusive no plasma por donde entra la luz, solo se ve un rayo que va jerarquizando a los personajes mas importantes y a donde los espectadores deberían de dirigir su mirada. A pesar de que hay una clara diferencia en cuanto a los elementos formales, si hay similitudes entre estos dos cuadros en cuanto a su temática. Ambos tocan temas religiosos siendo muy controversial para la época y algo que no solo se representaba en pinturas y esculturas, sino también en la arquitectura. En el renacentista, lo hace más obvio poniéndoles aureolas en la cabeza, mientras que en el barroco tratan de usar menos simbolismo y mas realismo, por ende, queda un poco mas al ojo e interpretación del espectador. 20
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PRÁCTICA CALIFICADA 3: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE LAS OBRAS PICTORICAS “EL TRANSITO DE LA VIRGEN” Y LA MUERTE DE LA VIRGEN”
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Siendo un mismo tema, pero con tratamientos diferentes, seguramente cada movimiento tuvo su manera de interpretar la escena de la virgen maría. Por lo entendido de los cuadros, el renacentista le coloca más luz como símbolo de que hay vida después de la muerte y por ello si bien están tristes, bendicen y le hacen toda una ceremonia a la virgen. Por parte de los del movimiento barroco, lo ven como algo más tenebroso y fúnebre, por lo que en la escena colocan y parten de lo oscuro, y le van agregando rayos de luz para hacerlo más tétrico.
COMENTARIO DE LA ACTIVIDAD: Para el trabajo presentado, comparé dos obras con temáticas similares pero tratamientos diferentes. No fue uno de los comentarios que mas me gustó debido a que se me hace mas interesante que nos den un tema general y nosotros comentar obras de nuestra elección. Sin embargo, estas dos obras dadas tenían muchos elementos que comentar, comenzando que si uno se ponía a investigar un poco mas a fondo sobre las obras pictóricas, descubriría que tuvieron bastante polémica en su época por ser de temas religiosos. Inclusive, algo que me pareció impresionante sobre el pintor del transito de la virgen, es que para llamar mas la atención del publico, colocó de fondo, partes de la ciudad de la época en la cual se pintó el cuadro (se puede ver a través del vano). Este pintor combinó así la época de cristo con la época renacentista. Una técnica muy interesante que a lo largo de todo el curso no he vuelto a ver en otra obra. Una vez mas, pude seguir perfeccionando mi critica y comentario hacia una obra de arte. Cada vez me fueron gustando mas los trabajos y le encontraba un gusto peculiar investigar mas a fondo cada obra, debido a que me interesaba conocer el contexto, interpretación o simplemente el porque de la toma de partido del pintor para producir el cuadro. Época renacentista
Durante la época de cristo
FECHA: 29-jun-2020 NOTA: 3/3
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PRÁCTICA CALIFICADA 4:: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE PINTURAS DEL SIGLO XX Y XXI
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ENCARGO: Analicen primero una pintura cubista (a elección del alumno). Después, hagan los mismo con una pintura del POP Art. Después haga, una crítica sobre ambas pinturas y conteste las siguientes preguntas: ¿ Cree que a partir de 1960 el arte como tal murió, tal como sostienen algunos investigadores como Arthur Danto o Greemberg?, o como dicen otros la belleza no es lo importante sino el significado de la obra, como comenta Jarque Krebs, Fieta, o más bien ,el arte de hoy en día es la consecuencia de la sociedad en que vivimos y ya no podemos llamarlo arte como antes de 1960 sino de otra manera? ¿Cómo se imagina el futuro del arte teniendo en cuenta lo que conoce hoy en día sobre su especulación, sobrevalorización, falsificaciones, sentido de la belleza o de lo que es artístico, etc.? ¿Cómo afectaran las pandemias, cambio climático y otras catástrofes en el arte que se haga en los años venideros?
OBJETIVOS: •
Comparar dos obras de arte con el mismo tema pero con pintores de movimientos artísticos diferentes.
•
Investigar y analizar dos distintos estilos de arte contemporáneo.
•
Seguir practicando nuestro comentario y critica hacia una obra de arte
FICHA TECNICA: Nombre de la pintura:
Dora Maar au Chat
Pintor: Año de producción Museo en donde se encuentra
Pablo Picasso 1941, Cubismo Colección privada
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PRÁCTICA CALIFICADA 4:: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE PINTURAS DEL SIGLO XX Y XXI
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ANÁLISIS: La pintura que se va a analizar tiene las siguientes características: En la presente obra se puede apreciar a una mujer que se encuentra sentada en una silla de madera, en un cuarto el cual no parece muy grande, todo lo contrario, muy angosto ya que podemos ver donde acaba el piso y que la silla entra con las justas. El cuarto donde se encuentra la escena, tiene las paredes blancas, que se puede asumir que es con el propósito de que la dama presente sea el elemento que más resalte en vez del fondo. Así mismo, en una de las paredes hay un elemento azul, pareciese a primera impresión un vano por el cual se aprecia un cielo azul. Sin embargo, todo el cuadro pareciese como piezas de rompecabeza que han sido combinadas y superpuestas para jugar un poco con lo irreal, por lo que queda un poco a interpretación de cada uno el mensaje. La imagen de la dama en el cuadro se puede ver que esta como alterada y distorsionada a lo que sería la figura de una mujer en la vida real. Lo que si se puede comentar es que tiene un vestuario con colores que resalta bastante, como son los tonos verdes, rojos y purpuras. Se puede apreciar que el pintor ha decidido poner bastante detalle en la ropa, como son los círculos en la falda y las curvas en la blusa. Muestra el diseño de la vestimenta, mas no desarrolla mucho el detalle del hilado por lo que se puede inferir que lo textil lo era un ámbito muy desarrollado o importante para la época y por lo tanto decidió dejarlo como algo básico para que la vista del expectante se concentre en lo que es verdaderamente importante. Incluso pareciese como si la mujer tuviese una capa y debido al sombrero que tiene, de repente, este tiene como motivo también simbolizar una corona de flores. Esto puede interpretarse como si fuese una reina o un personaje importante para el pintor. Y por ello también justificaría que estuviese sentada como inspirando poder en su silla, como si fuese su trono.
Otro detalle que impacta bastante también son las manos de este personaje, ya que las uñas son representadas como garras, esto puede guardar relación con el gato que lleva en el hombro, ya que este si bien es un elemento que pasa desapercibido en la obra, es posible percatarse que no tiene ojos, y se convierte en un elemento tanto intrigante como amenazante ya que da miedo.
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PRÁCTICA CALIFICADA 4:: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE PINTURAS DEL SIGLO XX Y XXI
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Es más, si se llega a analizar un poco más el significado de este gato, a interpretación del que lo ve también puede significar mala suerte. En ese sentido, de repente el pintor estaba pasando por varios problemas, se encontraba frustrado o pasando un desamor con la dama representada, por lo que la ve como un monstro que explicaría el porqué de las uñas. Por el mismo motivo se puede relacionar que la cara esta como torcida, los ojos desproporcionados y deformes. En cuanto a sus elementos formales, esta pintura se ve bastante frontal sobre la silla sobre la que se encuentra, los planos del cuerpo y la superficie se puede interpretar como que se llevado todo a las formas tridimensionales. Se maneja muy bien las texturas ya que cada detalle ha sido captado en los trazos del dibujo, por ejemplo, se puede ver en la parte del vestido, que sigue un patrón complejo y denso, con líneas gruesas. Los colores usados son brillantes, solidos, que dan más vida al carácter dramático que parece representar la escena. El plano muestra ciertas inclinaciones, asociado a un posible piso de madera y un espacio poco profundo. Estas características guardan relación con las del cubismo donde “aparecen objetos en distintos ángulos, pintados por planos, descompuestos en la superficie del lienzo…” (Morante y Ruiz, 2020). La composición es sencilla y limpia, ya que más allá de la dama representada, del gato, no existen mayores elementos que puedan hacerla mas compleja. A pesar de ello, se puede señalar que las formas son grandes, resaltando a la mujer, la silla y la dimensión de la habitación. Las pinceladas son amplias y continuas, resaltando sobre todo la parte de la persona y su elemento donde está ubicada. El autor pretende mantener la atención precisamente en el personaje retratado, por eso se concentra en darle poder a la figura, reduciendo todo lo demás a un segundo plano. Esta es una obra de arte figurativa ya que todo lo que ha sido pintado es reconocible, si se hace un recorrido a lo largo de las diferentes partes, se puede apreciar que cosa es cada una, más allá de lo que se haya querido emitir como mensaje con ellas. Por último, el contexto parece representar la vida del personaje, donde es interpretada a veces como una hermosa dama y a menudo de manera hostil, incluso con un posible mensaje de una mujer demente con un rostro torcido, ojos antinaturales y posturas silvestres. De hecho, el pintor tenía un romance en la vida real con la dama interpretada, por lo que podría ser que se haya representado algún momento en el cual haya habido tensión en la relación.
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PRÁCTICA CALIFICADA 4:: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE PINTURAS DEL SIGLO XX Y XXI
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FICHA TECNICA: Nombre de la pintura:
Woman with Flowered Hat
Pintor: Año de producción Museo en donde se encuentra
Roy Lichetenstein 1963, Pop Art Colección de Laurence Graff
ANÁLISIS: La “figura 2” se caracteriza por: Como toda obra Pop Art, “utiliza imágenes de la publicidad, los grandes mitos, …” (Morante y Ruiz, 2020), dado que pintan formas fáciles y divertidas, que pueden ser entendidas sin dificultad. Este tipo de pinturas son hechas a mano, con la particularidad que usan técnica de puntos y colores primarios y brillantes. Eso es lo primero que se puede ver en la obra de este pintor. Como el mismo lo señala, usó como base la pintura “Dora Maar au Chat” de Picasso, pero la adaptó a su esquema. Roy fue un pintor que usaba este tipo de combinaciones de colores y el puntillismo, para componer sus figuras. También se puede apreciar a una mujer, pero no es claro donde se encuentra, porque las figuras detrás de ella, no son totalmente reconocibles. Las dimensiones posteriores también se ven reducidas, por lo que lo único resaltante es la persona. La habitación tiene una mezcla de paredes grises y blancas, dando un contraste bastante importante, sobre todo, para resaltar a la dama que es la única que tiene colores. La parte superior no se reconoce como si fuera un techo, porque usa los mismos colores blanco y gris, por lo que parece una extensión de los costados del espacio donde está la mujer. Todo esto, si tiene una configuración de una especie de figuras geométricas. La dama no tiene en particular ninguna posible interpretación como si tuviera algún conflicto o pretendiera imprimir algún temor a alguien, es más neutral en su expresión, es una obra cuya interpretación tiene más sentido para el común de las personas, no solo para los entendidos. Además, el pintor al no tener ninguna relación con su representación, podía darse el lujo de ser absolutamente neutral también con su pintura.
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PRÁCTICA CALIFICADA 4:: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE PINTURAS DEL SIGLO XX Y XXI
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Sin embargo, se puede ver que usa colores distintos a los de Picasso, ha variado totalmente de los colores azulados de la cara o el cabello oscuro de la pintura original, han sido variados hacia un amarillo primario muy colorido, un cabello rubio, que además es típico de este pintor. La cara está representada como si fuera una persona de tez clara, los ojos de color azul, lo que nos lleva a pensar que es una dama rubia y muy blanca. El vestido también está representado en colores vivos, como el rojo y amarillo, con algunos contrastes de líneas negras, lo cual le da un resalte total al personaje. En este caso, no hay mayores texturas en el vestido, comparado con el original, pero si se pretende mostrar ciertos detalles en la ropa, por ejemplo, los círculos y curvas en la falda y blusa. La mujer parece tener además una especie de capa y un par de barras de color rojo fuerte, a los costados. El sombrero, es parte de la representación, pero de un modo diferente, es de color azul, pero no tiene mucho resalte con el resto de la imagen. No necesariamente se podría interpretar que esto es una corona, mas bien parece un sombrero de la época, con algunas estrellas que lo complementan. Comentario: Esta también viene a ser una obra figurativa, con mayor precisión incluso, porque la única imagen reconocible es la de la persona, no hay forma de equivocarse en su interpretación. Lo que pretende el pintor precisamente es eso, reproducir imágenes sencillas, coloridas, y que sean atractivas para el público en general. El contexto no es apreciable de manera directa, ya que se representan imágenes insensibles, existe una total neutralidad en la obra, por lo que desde punto de vista no se pueden obtener mayores conclusiones. Son la misma obra, pero representadas de manera diferente debido a la época y movimiento en la que se desenvuelven sus respectivos pintores. Es increíble como un mismo tema dos personas lo pueden llegar a interpretar de maneras diferentes e inclusive hacer sus obras inigualables a su estilo. Resumiendo, la comparación de las dos obras, por un lado, la primera (de Picasso) tiene más dramatismo, puede verse que se emplean más los elementos de colores tendientes hacia elementos azules, con mayor precisión respecto de los trazos de las personas, animales o cosas que están representadas. El pintor tiende a tratar de enviar mensajes o expresiones relativos a la vida real. La pintura de Lichetenstein por su parte, tiende a ser mucho más neutral en sus representaciones, no muestran el dramatismo de la otra, tienden a ser más sencillas, para que las personas con menos entendimiento del tecnicismo pictórico, puedan apreciar mejor las obras de este tipo. Los trazos que usa son fuertes, consistentes, geométricos, los cuales se mezclan con el uso de colores vivos, especialmente del rojo, amarillo y negro. Representa a personas de tez clara, rubios, que es un aspecto que siempre caracteriza a este pintor.
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PRÁCTICA CALIFICADA 4:: ANÁLISIS Y COMPARACIÓN DE PINTURAS DEL SIGLO XX Y XXI
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Desde mi punto de vista, es más importante el significado de la obra, porque moviliza mas las emociones de las personas, reflejan una historia que en muchos casos es real, la misma que ha sido trasladada por el pulso del pintor al lienzo de su obra. En ese sentido, el arte se va adaptando a la evolución de la sociedad, y cada etapa tiene sentido y representación. Yo creo además que en el futuro el arte también evolucionará de manera importante, y ya es evidente desde ahora. Los artistas seguirán desarrollando sus obras en función a la escuela, estilo o tendencia que sigan, pero la tecnología será clave para la difusión y visualización. Por ejemplo, ya ahora los museos son virtuales, pueden verse desde una computadora, y para eso se aplican tecnologías de realidad aumentada, realidad virtual, etc., todo ello, para seguir brindando el mismo o mejor nivel de experiencia sensitiva y emocional a las personas. Esto también ayudará para que eventos catastróficos como las pandemias o similares, ya no sean un impedimento para seguir apreciando el arte en el mundo. Esto también puede ayudar para que los asistentes puedan estar virtualmente, o en caso fuera presencial, pueda mantenerse las distancias y cuidados necesarios. Referencias: • Christies. (2013). Woman with Flowered Hat. 15 de mayo 2013, de Sitio web: https://www.christies.com/lotfinder/Lot/roy-lichtenstein-1923-1997-womanwith-flowered-5684070-details.aspx • Morante López Felisa, Ruiz Zapata, Ana María. Análisis y Comentario de la Obra de Arte, Editorial Edinumen. 2008. • Totally History. (2020). Dora Maar au Chat. 12 de julio 2020, de sitio web: http://totallyhistory.com/dora-maar-au-chat/
COMENTARIO DE LA ACTIVIDAD: El ultimo trabajo realizado fueron dos obras de arte que elegí con dos estilos muy diferentes. Opté por comentar el cuadro Dora Maar de Picasso que años después fue reinterpretado por Roy Liechtenstein. Pasó de un estilo muy elegante hecho de oleo a la técnica del puntillismo que es un poco mas vanguardista como lo es el Pop Art. Este ultimo estilo me impactó mucho debido a que busca inspiración en cosas tan ordinarias y las vuelve extraordinarias. Usa colores tan llamativos que cualquiera diría que tienen un propósito en la pintura. Pero todo lo contrario, si de algo carecen estos cuadros es de una interpretación de trasfondo. Podemos apreciar mejor lo anterior comentado en estas obras pictóricas. Picasso por su lado FECHA: 20-jul-2020 decide dibujar a la dama por su tensa situación con ésta. Sin embargo, Roy lo hace simplemente porque le agradó NOTA: 3/3 la obra de Picasso y la quiere intentar hacer a su estilo
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CURRICULUM VITAE:
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INFORMACIÓN DEL CURSO
ASIGNATURA: Historia del Arte Sección: 321
PROFESOR: Carcedo Muro de Mufarech, María de la Paloma I. SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días. II. OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días. III. OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental. 2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida. 3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura. 4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica. 29
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