15.ª edición
Mayo 2018
R A ZO N E S PA R A
GESTIÓN CULTURAL
La revista del Máster en Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid
¿QUÉ SERÁ DE LOS MUSEOS EN EL SIGLO XXI? Ángel Vicente CIBERMUJERES EN LA NEOMUDÉJAR Grupo Cap I Cua
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MÁSTER EN GESTIÓN CULTURAL UC3M
RAZONES PARA GESTIÓN CULTURAL
CONTENIDOS Editorial Luz Neira ¿Qué será de los museos en el siglo XXI? Álex Vicente Cibermujeres en La Neomudéjar Grupo Cap I Cua Módulo de Cultura y Tecnologías Antonio Rodríguez de las Heras
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RAZONES PARA GESTIÓN CULTURAL
PATRIMONIO Y ARTES VISUALES COMO PILARES
EDITORIAL Buena parte de la gestión patrimonial, en particular de las Artes Visuales, se inscribe en museos, centros de arte, espacios polivalentes y galerías. A la hora de pensar en el universo semiótico del profesional de la Gestión Cultural hay dos nódulos que centran el imaginario:Arte y Patrimonio. Una alude a la capacidad generadora, otra al producto de la anterior. Para saber cómo abordar su conocimiento desde la perspectiva profesional del gestor cultural, en el Máster en Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid dedicamos el último módulo a estos menesteres. Afortunadamente, en lo que respecta a la argumentación, no opera la teoría de mercado, por lo tanto una verdad repetida hasta la saciedad no resulta devaluada. En este sentido, desde el Master en Gestión Cultural de la UC3M, no nos cansaremos de incidir en la necesidad de una formación transdisciplinar y con perspectivas transformadoras.
Rijksmuseum, Amsterdam.
Estos mismos vectores son los que sostienen la configuración del último de los módulos que constituye nuestra programación, aquel más centrado en la idea de Patrimonio, el cual cuenta como arconte con el criterio de la profesora Dña. Luz Neira, coordinadora del módulo diseñado ex profeso para estos menesteres.
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En la actual sociedad del conocimiento es imprescindible una En la actual sociedad del conocimiento es imprescindible una gestión acertada del Patrimonio Cultural, cuya valoración evoluciona y se enriquece en virtud del contexto histórico cambiante, en particular en el tiempo presente. Por esta razón, la complejidad que implica la misma concepción de Patrimonio obliga a los gestores actuales y a los del futuro a una formación integral y actualizada, en la que legislación, protección, conservación y tecnología son fundamentales para la consideración del Patrimonio Cultural. En este sentido, la gestión del Patrimonio, en sus diversas acepciones, juega un papel relevante en la sociedad actual al ser también un factor identitario que promueve el diseño de un turismo cultural, acorde a nuestros tiempos, en favor de un desarrollo económico local y una sociedad sostenible. Buena parte de la gestión patrimonial, en particular de las Artes Visuales, se inscribe en museos, centros de arte, espacios polivalentes y galerías. Por este motivo, es indispensable conocer las características y peculiaridades de la gestión de museos nacionales, autonómicos o locales, también los de ámbito privado, así como de otros centros de creación, laboratorios de arte, fundaciones y galerías. En esta edición, la programación del módulo de Patrimonio y Artes Visuales del Máster en Gestión Cultural pretende también guiar al futuro gestor cultural en la casuística de la exhibición y la producción, de la mano entre otros de galeristas, comisarios, creadores y mediadores culturales, de modo que la formación sea en la práctica garantía de una estrecha colaboración entre todos los protagonistas de la creación y la Gestión Cultural.
Luz Neira Coordinadora de Artes Visuales y Patrimonio
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Los directores de las principales instituciones del arte debaten sobre posibles modelos de futuro en un simposio en París. ¿Qué les depara el futuro a los museos? ¿Seguirá teniendo sentido descubrir obras maestras de primera mano en tiempos de virtualización imperante? ¿Deben dirigirse los centros de arte a una selecta minoría o aspirar a seguir ampliando su público? Los responsables de las principales instituciones del arte de todo el planeta se reunieron este viernes en París para responder a este tipo de preguntas. Analizaron los retos que les reserva un siglo marcado por las nuevas tecnologías, los presupuestos menguantes y la diversificación de las voces que participan en la conversación del arte. Este inusual cónclave, organizado por la Fundación Louis Vuitton de París, reunió a los máximos responsables de la Tate de Londres, el Centro Pompidou de París, el MoMA de Nueva York, el LACMA de Los Ángeles, el Museo del Hermitage de San Petersburgo o el Reina Sofía de Madrid. Todos ellos debatieron sobre las perspectivas de futuro que afrontan las instituciones que encabezan. El diálogo estuvo moderado por dos prestigiosos críticos de arte, el suizo Hans Ulrich Obrist y la francesa Élisabeth Lebovici, que interrogaron a los participantes sobre la noción de centro y periferia, la expansión en nuevos edificios o sedes deslocalizadas, o bien
la necesidad de ajustar presupuestos en un contexto de rentabilización máxima. También sobre la ampliación de las colecciones en nuevas direcciones, por la necesidad de formular nuevos relatos en la historia del arte, como los protagonizados por mujeres o minorías étnicas. La directora de la Tate, Maria Balshaw, primera mujer al frente de esa institución británica, dijo interesarse por “la manera en que un museo puede cambiar el mundo”, en un contexto marcado por “el Brexit y las desigualdades sociales y económicas que este nos ha recordado”. Balshaw abogó por las instituciones que no solo sean espacios pensados para una experiencia estética, sino también para la acción política. Como ejemplo, destacó una reciente exposición en la Tate Britain sobre el arte de temática homosexual a lo largo de la historia, a partir de los fondos del museo. “No debemos decir al público qué pensar, pero sí tenemos la obligación social de esclarecer las cosas. Debemos darle llaves con las que puedan abrir el cerrojo de sus puertas”, apuntó Balshaw. El director del Centro Pompidou, Bernard Blistène, protestó ante la estandarización creciente de los museos y advirtió que no todos deben contar la misma historia del arte. 6
Por su parte, el director del MoMA, Glenn Lowry, definió el museo del siglo XXI como
“un laboratorio”. Es decir, “un lugar de hipótesis, experimentos y posibles fracasos”. Se dijo partidario de tener “una colección más metabólica, que cambie al mismo ritmo que el propio arte”. Pronunció otras palabras sorprendentes. “Últimamente, me he desinteresado en el concepto de la colección. Es importante usarla, pero no más que pensar en qué historias tienen que ser contadas y qué cadencias deben ser enfatizadas”, afirmó Lowry. “Si no tienes obras de mujeres de inicios del siglo XX o afroamericanos de mediados de ese siglo, tómalos prestados. Existen ahí fuera”, señaló. La directora del Studio Museum de Harlem, Thelma Golden, le recordó que “la compra de una obra es un acto de legitimación” para los artistas marginados por la historia oficial. Lowry le respondió que “el compromiso afirmativo de exponer” es más importante que “el poder afirmativo de adquirir”.
DANIEL LEAL-OLIVAS, 'Red Star over Russia: A revolution in Visual Culture 1905-55' en el Museo Tate Modern en Londres
¿QUÉ SERÁ DE LOS MUSEOS EN EL SIGLO XXI?
“Un museo no debe tender hacia una colección ideal que no existe, sino construirse a partir de su singularidad, de sus contextos, de sus errores y de su historia”, apuntó Blistène. “Sería ridículo ver cómo los museos se homogenizan para responder a una definición que, en realidad, deberíamos deconstruir: la del arte moderno. Tenemos que repensar el modelo inicial”. Sobre el modelo de desarrollo escogido por el museo parisiense, que ha abierto sucursales en Metz y Málaga e inaugurará otras dos en Bruselas y Shanghái –mientras ya mira a Latinoamérica de cara a la sexta–, Blistène afirmó que esas implantaciones no pueden ser solo una manera de potenciar la marca del museo, sino también la oportunidad para desarrollar “modelos específicos” a partir de las peculiaridades de cada sitio y en diálogo con la escena local.
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PAGAR POR EL ARTE
El director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, aportó un punto de vista distinto. Definió un marco obligatorio en el que todo museo debe operar en este estadio de la historia: “el que
impone el neoliberalismo”. “Este tiene una característica muy concreta: la búsqueda del beneficio económico de todo. Hoy cualquier experiencia es susceptible de convertirse en mercancía. Eso nos condiciona a quienes trabajamos con el conocimiento”, explicaba tras el simposio. Para Borja-Villel, priorizar “el beneficio contable a corto plazo” tiene efectos en la programación de los museos, en la que predominan, cada vez más, las retrospectivas de grandes maestros, capaces de atraer a un público masivo. "Hay que repensar el modelo del blockbuster e intercalarlo con otros tipos de exposición, para que la razón utilitaria no predomine sobre la creativa. Es necesario resistir y darle la vuelta a un sistema que nos empobrece", añade Borja-Villel. "Somos un servicio público. Como en un hospital, tienes que salir mejor de lo que has entrado. Tienes que haber aprendido algo y adquirir un poco de sensibilidad. Si el visitante entra, se hace un selfie y se marcha, no habremos contribuido mucho a su mejora". Publicado originalmente en El País 15/01/2018
CIBERMUJERES EN LA NEOMUDÉJAR A través de un encuentro y una muestra el equipo Cap I Cua del MGC15ed, en el marco de la Semana de la Cultural Digital, promovida por el ICyT y el Máster en Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid, y acogidos por La Neomudéjar, abordaron la construcción del imaginario femenino en el mundo digital. Un ejercicio práctico de Gestión Cultural por parte de profesionales emergentes. Internet es un reflejo de la sociedad y, a su vez, un espacio donde se subvierten códigos, narrativas y representaciones. En la red, o desde ella, se proponen e ilustran nuevos significados y se deconstruyen los modelos sociales existentes. La actual co-dependencia de los dispositivos electrónicos y el exponencial crecimiento de las nuevas tecnologías nos llevan a cuestionarnos qué lugar ocupa la mujer y su imagen en el mundo de hoy. Cibermujeres en La Neomudéjar surge como un proyecto ambicioso que cada año buscará visibilizar a jóvenes creadoras que están abriendo nuevos territorios en la representación de la mujer, pero también reivindicar a figuras clave de la historia que, injustamente, han quedado relegadas a un segundo plano.
Imagen del evento.
El debate sobre la gratuidad de los centros de arte, reabierto tras la reciente decisión del Metropolitan de cobrar entrada a los visitantes no neoyorquinos, fue otro de los temas de debate. “Por supuesto, es una idea atractiva y deseable, pero probablemente imposible. ¿Por qué se suele considerar que debemos pagar por el teatro o la ópera, pero no para entrar en un museo? ¿Por qué se nos equipara con una biblioteca pública?”, denunció Lowry. Pese a todo, varios intervinientes llamaron a democratizar su acceso. “Una visita al MoMA cuesta 25 dólares por persona. Si se va en pareja y le sumas un café, una postal y un catálogo, no es difícil alcanzar los 100. Hay una prohibición respecto al coste, y otra de tipo cultural. Se sigue creyendo que el museo es el dominio de la gente más educada y próspera de cualquier cultura”, opinó la conservadora jefa del MOCA de Los Ángeles, Helen Molesworth.
Álex Vicente Periodista en El País @alexvicente 8
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Detalle del cartel promocional.
Nombres destacados de la videocreación como Carla Andrade, Davani Varillas, Quiela Nuc, Elena Duque y Rocío Montaño abrirán un diálogo a través de diversas instalaciones artísticas conformando una exposición internacional que invita a hacer una reflexión crítica de las nuevas plasmaciones de la identidad femenina en el ámbito digital. Cada una de las artistas incluidas aporta una mirada única sobre la imagen de la mujer en la red, tanto a nivel conceptual como estético. Partiendo de esa visión heterodoxa, el objetivo de esta exposición es concienciar sobre las mutaciones de la representación femenina y su implantación en la cotidianeidad de las estructuras sociales y políticas del mundo contemporáneo.
Durante el debate ya podía verse que los más curiosos hacían uso de las instalaciones de las cinco artistas participantes. La iniciativa de estas personas llevó al resto de invitados a hacer lo mismo una vez finalizada la mesa redonda. La posibilidad de que los invitados pudiesen formular preguntas a las artistas acerca de sus instalaciones fue concebida como uno de los principales objetivos desde el primer momento. El propósito era que la inauguración de la exposición estuviese marcada por un ambiente coloquial e informal, en el que el público y las artistas estuviesen en un mismo plano y pudiesen compartir opiniones, debatir y reflexionar. Por ello, tres de las participantes estuvieron presentes en la sala junto a sus instalaciones, de manera que los asistentes pudieron escuchar, sin intermediarios, la historia que hay detrás de cada obra y resolver todas sus posibles dudas al respecto. Cada pieza tiene una duración diferente, pero todas se reproducen en bucle, por lo que el recorrido completo puede alcanzar aproximadamente las dos horas de duración. Además, una de ellas, la de Rocío Montaño, es interactiva y genera en cada visitante una experiencia diferente.
Integrantes del grupo Cap I Cua (de izquierda a dereacha): Carla Raygada, Blanca Roux, Jorge Rodríguez, María Ximena Ramírez, Tristán Torrejón, Garazi Ureta y Gabriela Desmond.
EL DEBATE El pasado 12 de abril en la sala El Generador, y durante una hora y media aproximadamente, las cuatro ponentes debatieron sobre las cuestiones apuntadas, despertando el interés del público. Carmen Haro, como moderadora, fue la encargada de introducir el debate y de ir lanzando preguntas para guiar al resto de participantes y a los asistentes a lo largo de los tres bloques que se habían concebido. Teniendo en cuenta que en la red carecemos de rostro, de nombre formal, o identidad fija, en el primer bloque se quiso plantear si es la red un escenario ideal para la deconstrucción del género. ¿Cómo se construye lo femenino en la red? ¿Qué es ser mujer en el entorno virtual? En el segundo bloque, se cuestionó si es Internet un lugar en el que podríamos encontrar reflejos de la cultura y la sociedad patriarcal, cuáles son sus manifestaciones y, si es así, cuáles son los mecanismos para la opresión de la mujer.
La exposición permaneció en La Neomudéjar hasta el domingo 22 de abril, cerrando un ciclo de diez días donde se demostró el empeño y desempeño de los gestores culturales que integran Cap I Cua. Profesionales de la gestión cultural que ya despuntan en la presente edición del Máster en Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid.
Cap I Cua Carla Raygada, Blanca Roux, Jorge Ramírez, María Ximena Ramírez, Tristán Torrejón, Garazi Ureta y Gabriela Desmond.
Por último, y para cerrar el debate, se puso sobre la mesa el abanico de herramientas con las que cuenta el feminismo para crear nuevas narrativas y significados en la red. 10
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Coordinador de contenidos Jaime Cubas Edición y maquetación Cristina Peralta Imágenes Annie Sprat, Stale Grut, Sebatian Pichler, Alicia Steels para unsplash. com con Licencia CC Grupo Cap I Cua Cristina Peralta Textos Luz Neira Álex Vicente, El País 15/01/2018 Grupo Cap I Cua 29 mayo 2018
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