Danza Desbordada - Guía Temporada 2018-19 Mercat de les Flors by Mercat de les Flors Centre de les Arts de Moviment

TEMPORADA 2018/19

DANZA DESBOR DADA

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MARLENE MONTEIRO FREITAS, BACANTS FOTOGRAFÍA: FILIPE FERREIRA Y PAU FABREGAT INTERVENCIÓN PORTADA: PABLO THECUADRO INTERVENCIÓN INTERIOR: DAVID MÉNDEZ ALONSO

temporada 2018-2019

Danza desbordada Vivimos una época tan extraña, inmersos en un tiempo acelerado y un espacio multiplicado, que ya no parecemos humanos; saturados de imágenes, de eventos, de datos: nuestros sentidos hiperactivados no pueden responder a tanta información. Se impone la danza, necesitamos el cuerpo, un aquí y ahora humanos, alta tecnología innata para hacer frente a una realidad que nos sobrepasa. La danza esta temporada se desborda y desborda cuerpos, formatos, disciplinas, espacios, tiempo, públicos, pensamiento, y en este desbordarse y salir del sitio, en este rebosar, desdibuja sus límites, iniciando y haciendo visibles territorios inesperados, voces indisciplinadas, diálogos sorprendentes, marcos indefinidos que no se dejan catalogar fácilmente, mostrando las infinitas posibilidades que tiene la creación de capturar la realidad y transformarla, de inventar futuros, intuir caminos, proyectar deseos. Nuestra temporada presenta proyectos nuevos de producción propia como Cèl·lula, proyecto embrionario para la transmisión y la creación con el objetivo de producir piezas de formato medio/grande, y lo iniciamos con la pieza Flamingos, de Albert Quesada, como primer invitado del proyecto. La creación de aquí y ahora está presente con nombres como Roser López Espinosa, Thomas Noone, La Veronal, Vero Cendoya, Asun Noales y Jesús Rubio Gamo, entre otros.

ya introdujimos el concepto de constelaciones en la última temporada: se trata de una programación vertebrada alrededor de uno o más artistas que nos permitirá descubrir sus universos creativos y las relaciones que irradian, una pequeña ampliación en el mapa de creación y artistas de la danza. La constelación alrededor de Boris Charmatz nos pemitirá conocer a uno de los grandes creadores de la danza contemporánea francesa por primera vez en Barcelona; tendremos una constelación retrospectiva de La Ribot, que finaliza aquí después de itinerar por diferentes ciudades europeas. Escarlata Circus acampará dos semanas en el Mercat de les Flors y hemos invitado tanto al colectivo Big Bouncers como a la pareja Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol a desplegar constelaciones a su alrededor y descubrirnos sus delicatessen. Como es habitual, podréis encontrar una generosa programación Talla única para disfrutar de la danza en familia y grupos intergeneracionales, también acompañada de actividades paralelas familiares. No queremos acabar sin mencionar los proyectos en los que trabajamos con la comunidad, como Trigger of Happiness, una pieza con adolescentes que abrirá la temporada. Alrededor de la programación ofrecemos también talleres para espectadores activos que permiten aproximaciones diversas a los artistas, así como actividades singulares, prácticas, conferencias y debates para que los visitantes puedan apropiarse y disfrutar de diferentes maneras de la oferta del Mercat de les Flors y de los artistas presentados.

Grandes formatos de la mano de compañías como Batsheva con Venezuela, última pieza de Ohad Naharin, y Achterland, una obra imprescindible del repertorio de Rosas, o 10.000 gestos, de Boris Charmatz, con 24 bailarines en escena. Nombres imprescindibles que han roto formatos y revuelto la escena de la danza, como Meg Stuart y Marlene Monteiro Freitas, premiadas recientemente en la Bienal de Venecia con el León de Oro y el León de Plata, respectivamente. Tendremos danza artesana, caligrafías corporales que inventan alfabetos y generan nuevo vocabulario, idiomas recientes, nuevos códigos escritos sobre cuerpos sorprendentes, de movimiento desconcertante; porque la danza fluye y se transforma y tiene como instrumento el cuerpo, que cambia tal y como cambia la mirada que tenemos sobre estos cuerpos y su mundo, cuerpos en movimiento empujando continuamente sus límites de presentación y representación.

El espacio del Mercat también se desborda y esta temporada sale de su edificio para presentar parte de su programación en otras estructuras culturales, como el MNAC, el MACBA o la Sala Hiroshima. Para finalizar, hemos querido hacer un último IDN Plus en homenaje a su directora, Núria Font; el festival IDN, cita internacional de danza, imagen y nuevas tecnologías, tuvo 5 ediciones en el Mercat de les Flors. Os proponemos distintos itinerarios que encontraréis al final de este catálogo y que os podrán ayudar en vuestra selección en caso de que no conozcáis a todos los artistas, pero tengáis ganas de descubrirlos de nuestra mano. ¡Adelante, arriesgaros en esta temporada de danza desbordada!

La temporada también desborda su pulsación habitual incorporando diferentes constelaciones en su recorrido;

Àngels Margarit

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Calendario Constelación JORGE DUTOR Y GUILLEM MONT DE PALOL à30 de octubre

#Losmicrófonos à31 de octubre y 1 de noviembre

Y por qué John Cage? à3 y 4 de noviembre

à30 de septiembre

Grand Applause

OONA DOHERTY Hope Hunting

à1 y 2 de noviembre

Eva Meyer-Keller Some Significance

En la Sala Hiroshima

p. 55

à3 y 4 de noviembre àDel 4 al 7 de octubre

THOMAS NOONE DANCE Closer p. 7

àDel 5 al 7 de octubre

ANA BORRALHO & JOÃO GALANTE Trigger of Happiness p. 8

Marcos Simões y Sara Manente TeleVisions p. 16 y 17

MEG STUART & DAMAGED GOOD à7y 8 de noviembre

An evening of solo works àDel 9 al 11 de noviembre

VIOLET àDel 18 al 21 de octubre

p. 18 y 19

p. 10 y 11

àDel 15 al 25 de noviembre

IDN PLUS Homenaje a Núria Font

EL MÉS PETIT DE TOTS p. 20

Constelación BORIS CHARMATZ à24 y 25 de octubre

à17 de noviembre

Big bouncers Jungla

Flip Book

p. 21

à27 y 28 de octubre

20 bailarines para el siglo XX En el MACBA

àDel 30 de noviembre al

à9 y 10 de marzo

2 de diciembre

10.000 gestos

HOP Procesos

p. 13-15

p. 23 Espectáculo Comunitario Festival Constelación Muestra Talla única Asociados Otros espacios temporada 2018-2019

à25 de octubre

PETER STAMER On Truth and Lie in an Extra-Moral Sense En el MNAC

p. 55

à22, 23 y del 27 al 30 de diciembre

y del 2 al 4 de enero

LOS GALINDOS UduL p. 25

TEMPORADA 2018-2019

àDel 27 al 30 de diciembre y

à23 y 24 de febrero

à14 de abril

COMPAGNIE DERNIÈRE MINUTE / PIERRE RIGAL Mobile

p. 34

p. 42-43

àDel 14 al 17 de marzo

Constelación LA RIBOT

del 2 al 4 de enero

p. 26

à12, 13, 19 y 20 de enero

PLAN D Ice Palace p. 27

à12 y 13 de enero

CÍA. VERO CENDOYA La partida p. 28

OTRADANZA

GN|MC GUY NADER | MARIA CAMPOS Tarannà

LA VERONAL Pasionaria

à24, 28 y 30 de abril

Panoramix

p. 37

à27 de abril

Laughing Hole àDel 21 al 24 de marzo

CÈL·LULA #1 ALBERT QUESADA Flamingos p. 37

àDel 18 al 20 de enero

En el MNAC

p. 38 àDel 27 al 30 de marzo

SÂLMON< Festival p. 30

àDel 25 al 27 de enero

MARLENE MONTEIRO FREITAS Bacantes - Preludio para una purga p. 31

à16 de febrero

CHRISTIAN RIZZO D’à côté p. 32

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER / ROSAS Achterland p. 39

à6 y 7 de abril

JORGE DUTOR + GUILLEM MONT DE PALOL + CRIS BLANCO Lo mínimo p. 41

BATSHEVA DANCE COMPANY Venezuela p. 33

ROSER LÓPEZ ESPINOSA BRUIT (título provisional)

àDel 17 al 19 de mayo

JESÚS RUBIO GAMO Gran Bolero p. 49

Constelación ESCARLATA CIRCUS àDel 23 al 26 de mayo

Devoris Causa

à23 y 24 de mayo

Pugilatus

Constelación BIG BOUNCERS àDel 11 al 13 de abril

O.V.N.I.

àDel 31 de mayo al 2 de junio

Quan els crancs portin talons à25 y 26 de mayo

à13 y 14 de abril àDel 21 al 24 de febrero

àDel 9 al 12 de mayo

p. 51

p. 29

àDel 22 de enero al 10 de febrero

àDel 3 al 5 de mayo

p. 48

à23 y 24 de marzo

ARRANGEMENT PROVISOIRE - JORDI GALÍ Orbes

Da Capo

p. 45-47

RACHID OURAMDANE Tordre

à17 de enero

Rito

João Lima, Cecilia Colacrai y Anna Rubirola Morder la lengua

Si estiguéssim soles a l’Univers, seria una gran pèrdua d’espai... à11 y 12 de abril

Iris Heitzinger & Françoise Boillat Wallflowering 5

L’Attraction Céleste Bobines à1 y 2 de junio

Circo Aereo Un cirque plus juste p. 52-54

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la cultura ĂŠs

temporada 2018-2019

espectáculo

#ThomasNooneDance #Closer

Thomas Noone Dance

Closer surge de mi interés en hacer un trabajo para investigar diferentes perspectivas para el público, nuevos emplazamientos en la escena y variaciones sobre cómo utilizar el lenguaje de la danza en el espectáculo. Thomas Noone

Closer

Thomas Noone hace una incursión en las técnicas del circo, en su gestualidad y fisicalidad, para ampliar su mirada de la danza y conferirle nuevas habilidades expresivas. De esta inquietud nace Closer, en la que Noone retoma su estilo explosivo de elaboradas estructuras de composición, acrobacias, virtuosismos y mucha fisicidad.

àDel 4 al 7 de octubre 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 16 € Una Hora Antes: sa 6 de octubre

Coreógrafo londinense afincado en Barcelona, Thomas Noone se caracteriza por su estilo físico, atlético y poético. Trabaja con su propia compañía desde el año 2000, con la que ha creado una veintena de obras que giran por el mundo. En 2011 fue galardonado con el premio Ciutat de Barcelona. Director y coreógrafo Thomas Noone / Ayudante dirección Núria Martínez / Intérpretes Alba Barral, Javier G. Arozena, Jerónimo Forteza, Eleonora Tirabassi, Gemma Güell, Pierfrancesco Porrelli / Música original Jim Pinchen / Con la colaboración L’Estruch, Fàbrica de Creació de les Arts en Viu de Sabadell; Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya; ICUB-Ajuntamiento de Barcelona; SAT! Teatre; Le Flic, Turín; Festival Mirabilia, Fossano / Compañia asociada al Pavillion Dance South West, Bournemouth, durante el periodo de creación de Closer www.mercatflors.cat

comunitarios

#TriggerOfHappiness © Didier Crasnault

Ana Borralho & João Galante

Un juego mortal a la búsqueda de la felicidad

Ana Borralho y João Galante, directores artísticos del Festival de Artes Performativas Verão Azul y comisarios del Festival de Música Electrónica Electrolegos en Portugal, trabajan juntos desde 2002 en los ámbitos del arte performático, la danza, el teatro, la instalación, la fotografía, el sonido y el vídeo, explorando formas con la convicción de que el arte es parte de la sociedad y que debe ser activo y transformador y existir en comunicación directa con la gente.

Trigger of Happiness àDel 5 al 7 de octubre 20:30 h (do 18:30 h) / Sala OM /12 € Conversación después de la función: sa 6 de octubre Coproducción Mercat de les Flors

Así, Trigger of Happiness es una obra participativa con jóvenes de entre 18 y 23 años que, después de realizar un taller, se preguntan por la felicidad, y lo hacen en una sociedad que no es especialmente feliz. Estos jóvenes se desnudan temporada 2018-2019

emocionalmente sobre el escenario a través de una versión amable del juego de la ruleta rusa y nos hablan de sus sueños, conflictos, riesgos, identidades, de sus visiones y experiencias... Es una reflexión sobre las transformaciones de la sociedad actual y las expectativas de estos jóvenes adultos. Esta pieza de 2017 ya ha podido verse en festivales y programaciones internacionales. Concepto, dirección artística Ana Borralho & João Galante / Intérpretes grupos locales de 12 jóvenes / Producción casaBranca / Coproducción Mercat de les Flors, Maria Matos Teatro Municipal (Lisboa, Portugal), Jonk ny Internationell scenkonst för unga (Jönköping, Suecia), Nouveau Théâtre De Montreuil – Centre Dramatique National (Francia), Le phénix scène Nationale Valenciennes pôle européen de création (Francia), Le Boulon Centre National des Arts de la Rue de Vieux Condé (Francia). casaBranca recibe el apoyo del Ministerio de Cultura - Dirección General de las Artes

Danza comunitaria

Esto han dicho algunos participantes de nuestros proyectos comunitarios:

La gente baila, eso es un hecho. Ya sea sobre un escenario, entre la masa de una discoteca, en la intimidad del salón de casa o mientras espera en la cola del baño. Todo el mundo se mueve y lo hace a su manera, que es personal e intransferible. Pero, al bailar juntos y mostrar estas diferencias, ponemos en movimiento el tejido social con toda su riqueza, cruzando hilos, texturas y colores.

Lo mejor fue encontrarme con gente de diferentes mundos culturales, ideológicos y sociales, junto a la profesionalidad de quienes llevaron a cabo el proyecto. Una iniciativa enriquecedora y muy interesante. Ana

La danza comunitaria va más allá del resultado estético final, es un proyecto que crea lazos emotivos y que, al mostrar las fragilidades individuales que nos igualan a todos, las convierte en los atributos de una belleza fuerte y digna. Esta es la magia del espacio privilegiado de la escena y con lo que juegan los creadores de los proyectos comunitarios que han pasado por el Mercat de les Flors. Todavía nos recordamos vestidos de conejitos y caminando por el Poble-sec en el espectáculo participativo de la compañía danesa Hello!earth (2010); los bebés al lado de los abuelos en Cruïlles (2011), la obra intergeneracional de Luca Silvestrini que nos hablaba de la migración; el espectáculo emblemático de Jêrome Bel The show must go on (2015), interpretado -bailado y cantado- por no profesionales; el montaje sobre la alteridad de Tamara Cubas Multitud (2015). O Atlas, de Ana Borralho & João Galante, en el que implicaron a un centenar de personas de Barcelona para crear un paisaje humano real de la ciudad. Ellos mismos son los responsables de Trigger of Happiness (el desencadenante de la felicidad), que esta temporada llevará a escena a un grupo de jóvenes barceloneses para que nos hablen de sus sueños, de los conflictos que los atenazan, de las dudas sobre su identidad y otros temas relacionados con el deseo de ser felices y que nos construyen como individuos dentro de la sociedad. Una vez más, es la oportunidad de participar en una experiencia colectiva y social, pero también estética y de emoción pura y, por eso, real.

Había gente de todas las edades y condiciones trabajando para un proyecto común. Me lo pasé de coña y con ganas de volver. Guillem ¡Con ganas de más! Delia ¡Disfruté muchísimo! Y también mi hija de 9 años. Participamos las dos juntas y fue una experiencia muy diferente para cada una. Ella ya sabía lo que era actuar delante de un público en una sala grande, yo no. Ma Antonia ¡Fue muy, muy gratificante! No sólo por lo que supone conocer tanta gente diferente e interesante, sino por el hecho de poder formar parte del proceso de creación y desarrollo de un espectáculo con componente social. Judith Un ambiente profesional e informal al mismo tiempo facilitó los lazos entre un grupo diferente y plural, con el punto en común de querer representar cada uno a su comunidad. De la suma de estas particularidades, resultó un potente clamor en escena. Elena Participé poco tiempo después de haberme mudado a Barcelona desde Londres y no existía una manera mejor de conocer una cultura y comunidad nuevas. Encontré a mucha gente diferente que, juntos, representan a la ciudad y a su diversidad de personas y opiniones. Molly ¡Una experiencia para recordar toda la vida! Yolanda www.mercatflors.cat

Homenaje a Núria Font Un recuerdo y una semilla para el futuro, eso es IDN Plus. Una cita para recordar todo el trabajo hecho por Núria Font, y así plantar la semilla de un acontecimiento que continúe su maestría. Al lado de otros homenajes que se le hacen en Madrid y Barcelona, como la exposición producida por Arts Santa Mònica con la colaboración del Mercat de les Flors y el Festival Loop el mes de noviembre, retomamos la pregunta que ella supo responder de mil maneras, sin que nunca marcara el punto final: ¿cómo relacionar danza, imagen y tecnología? IDN Plus no quiere ser un festival, sino un punto de encuentro para todos los que cruzaron sus trayectorias en anteriores ediciones. Por eso presentaremos los trabajos de artistas vinculados a los pasados IDN, como Kònic Thtr, Gilles Jobin, Instituto Stocos, Eloi Maduell o Erre que Erre, entre otros, en un programa que incluye conferencias, mesas redondas, películas...

temporada 2018-2019

IDN Plus

#IDNPlus

Núria ha sido muchas cosas: realizadora, videoartista, productora, comisaria..., pero yo diría que, por encima de todo, ha sido una persona emprendedora, apasionada y arriesgada. Ha difundido, producido, provocado, impulsado, convocado creación y conocimiento a lo largo de toda su vida; por vocación, porque el riesgo casi siempre no era hacer obra propia, sino que propiciaba, impulsaba, promovía y seguía la de los otros, tejía complicidades, facilitaba caminos entre disciplinas, entre artistas, entre empresas culturales e instituciones, entre la creación nacional y la internacional. A lo largo de los años nos abrió una puerta para ver la creación internacional mediante las muestras de videodanza, las conferencias y los laboratorios. Núria ha luchado por la presencia y el apoyo de la danza por medio de la

videodanza o de todas las nomenclaturas que la interdisciplinariedad quiera construir en la televisión, produciendo proyectos de danza para medios audiovisuales y videocreación o difundiendo programas como Territoris Dansa, comisionado por ella. Creó un espacio de investigación y contaminación entre artes, invitando a artistas y expertos de diferentes campos del arte y de la tecnología a trabajar juntos a partir de los laboratorios del exitoso festival IDN (Imagen, Danza y Nuevos Medios), que tuvo lugar en el Mercat de les Flors desde el año 2006 y que nos traía la exploración puntera entre las artes digitales, las artes visuales, la imagen y la danza. Àngels Margarit, directora del Mercat de les Flors

Avance del programa

Cía Gilles Jobin y Artanim VR_I

à Del 18 al 21 de octubre

Por primera vez, un coreógrafo combina realidad virtual inmersiva y danza en una obra en la que los espectadores, proyectados en forma de avatar en el centro del dispositivo, viven una experiencia sensorial inédita.

Kònic Thtr Skyline à 18 de octubre

Pieza de danza, música y visuales en directo en el que tres bailarinas interactúan con los espacios y elementos escenográficos para oficiar una performance de poesía y danza. Un entrelazado fluir de movimientos, música e imágenes producidas en directo en el que la compañía propone una mirada crítica hacia las nuevas técnicas de poder.

Instituto Stocos Piano & Dancer à 19 y 20 de octubre

Esta pieza ha desarrollado un software específico resultado de un intenso proceso de investigación del Instituto Stocos con el Institute for Computer and Sound Technology - Zurich University of the Arts para transformar el movimiento corporal en música. Una reflexión sobre la relación entre la creación sonora y el arte coreográfico.

Cía. Gilles Jobin Womb Una película en movimiento, un objeto cinematográfico audiovisual en tres dimensiones. Tres personajes surgen de una matriz y descubren el volumen del mundo; cuerpos tridimensionales en una analogía abstracta con el despliegue de la vida, del todo a la nada.

à19 y 20 de octubre

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Cada vez es más habitual encontrar acciones de danza en museos de arte, desde que Anna Halprin se encargó de estrenar el Berkeley Art Museum cuando éste se fundó en el año 1970 con Parade and changes (pieza que recuperó en 2013 cuando el museo cambió de edificio), en la misma época en que el Whitney Museum había empezado una serie de actividades performánticas, principalmente jams de jazz, y en 1971 Trisha Brown aparecería caminando por las paredes con su pieza Off the wall. También pasaron Deborah Hay, Meredith Monk, Yvonne Rainer, Steve Paxton y Lucinda Childs, entre otros, haciendo que la danza activara el espacio con nuevas interpretaciones y se activara en él como nuevo espacio de acogida. La incorporación del tiempo en el discurso de la obra afecta a las bases de la institución y la idea de lo no permanente y transportable. En paralelo, la danza adopta objetos convertidos en elementos performativos, como en la pieza antes mencionada de Trisha Brown con las cuerdas, donde el cuerpo busca invertir las leyes de la gravedad y establecer otra relación con el edificio. Y con esta normalización que ha inculcado características propias a la danza que, hasta el momento, no lo eran, también se temporada 2018-2019

10.000 gestos, de Boris Charmatz

altera la percepción del museo por parte de sus visitantes. En los 90, algunas de las grandes instituciones se renovaron añadiendo espacios dedicados a las artes en vivo, como la Tate de Londres, que abrió The Tanks en 2012, y otras incluyen algunas exposiciones dedicadas a la danza, como la retrospectiva de Yvonne Rainer, Body Space Language en el Museum Ludwig / Bregenz (2012), o la dedicada a Simone Forti: Thinking with the Body en el Museum der Moderne Salzburg (2014). Boris Charmatz organiza en 2009 el viaje opuesto, convirtiendo el Centro Coreográfico Nacional de Regnes en el Museo de la Danza, en un intento de valorar como patrimonio el estudio y la enseñanza de la danza, a la vez que escribía un manifiesto en la línea de las vanguardias artísticas. Él estará unos días en el MACBA presentando un archivo viviente de la danza del siglo XX. En el MNAC, Jordi Galí presentará una partitura de gestos modificados por la matemática, el espacio y el espectador, mientras que Peter Stamer construye un entarimado de madera que hace de jaula y de castillo a la vez, a partir del pensamiento de Nietzsche.

Danza y museo

constelación

Boris Charmatz 10.000 gestos

Boris Charmatz se ha atrevido a convertir un centro coreográfico en un museo de la danza, a crear movimientos a partir del dictado de unas fotografías y a coreografiar pensando en cuerpos muertos. Charmatz utiliza la tergiversación, los cruces y las mutaciones como ingredientes principales de su magia negra para desplazar cualquier intento de certeza.

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Boris Charmatz

Desde Aatt enen tionon (1996) hasta 10.000 gestes (2017), el bailarín y coreógrafo Boris Charmatz ha presentado una serie de piezas realmente memorables. A pesar de mantener una extensa actividad de gira, periódicamente también forma parte en improvisaciones con Saul Williams, Archie Shepp y Médéric Collignon, y continúa colaborando como bailarín con Anne Teresa De Keersmaeker y Tino Sehgal. Charmatz fue artista asociado del Festival de Aviñón en 2011. En 2013 fue artista invitado en el MoMA de Nueva York, donde concibió el programa de danza del Musée de la danse: Three Collective Gestures, un proyecto de tres semanas que se desarrrolló en el Marron Atrium, en el museo. En 2015 fue invitado de la Tate Modern en Londres en el marco de la exhibición If Tate Modern was Musée de la danse?, un programa intensivo de actuaciones que tuvo lugar por todas las galerías del museo. Aquel mismo año, Charmatz presentó 20 bailarines para el siglo XX en el Palacio Garnier, la Ópera Nacional de París. Desde 2009 es director del Centro Nacional Coreográfico de Rennes y la Bretaña, que ha transformado en un museo de la danza (Musée de la danse) de nueva concepción. Desde 2017 Boris Charmatz es artista asociado de la Volksbühne en Berlín. El Musée de la danse / Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne, dirigido por Boris Charmatz recibe el apoyo del Ministerio francés de Cultura y Comunicación (Direction Régionale des Affaires Culturelles / Bretagne), la ciudad de Rennes, el regional Consejo de Bretaña y el Consejo General Council d’Ille-et-Vilaine. El Institut Français contribuye regularmente a la gira internacional del Musée de la danse. www.museedeladanse.org

Una Hora Antes: sa 9 de marzo Dramaturgias del Debate: sa 9 de marzo Pack constelación Boris Charmatz: 35 € Incluye entrada a los 3 espectáculos (2 en el Mercat + función de domingo en el MACBA)

Flip Book à 24 y 25 de octubre 20 h / Sala MAC / 22 € Boris Charmatz parte del libro Merce Cunningham, Fifty Years, una colección de fotografías y dibujos que recoge la trayectoria de este icono de la danza. La pieza muestra la historia del trabajo de una vida plasmada en un libro que se transforma en una actuación de danza. Mediante una lectura rápida de unas ciento cincuenta de sus obras, el espectáculo vuelve a revisar los movimientos de este precursor, junto a John Cage, de las operaciones aleatorias y combinatorias en el campo de la coreografía. Flip Book es un objeto inclasificable y polivalente, iniciado con estudiantes de arte y continuado por antiguos miembros de la compañía de Cunningham, bailarines y aficionados. Un Cunningham verdadero-falso, lúdico y turbulento.

Concepción Boris Charmatz / Con Matthieu Burner, Raphaëlle Delaunay, Olga Dukhovnaya, Christophe Ives, Mani Mungai, Noë Pellencin / Interpretación libre de las fotografías «Merce Cunningham, un demi-siècle de danse» de David Vaughan, dirigido por Melissa Harris, Ed. Plume, 1997 / Producción Musée de la danse

temporada 2018-2019

10.000 gestos

#BorisCharmatz

Flip Book

10.000 gestos La fugacidad llevada al extremo: numerosos bailarines interpretarán diez mil gestos, todos ellos diferentes, que sólo serán visibles una sola vez y desaparecerán así que se hayan ejecutado, como una oda a la impermanencia de la danza. La obra produce una hipnosis visual en el espectador en esta peculiar secuencia de movimientos.

20 bailarines para el siglo XX 20 bailarines para el siglo XX

Coreografía Boris Charmatz / Interpretación Djino Alolo Sabin, Salka Ardal Rosengren, Or Avishay, Régis Badel, Jessica Batut, Nadia Beugré, Alina Bilokon, Nuno Bizarro, Matthieu Burner, Dimitri Chamblas, Olga Dukhovnaya, Sidonie Duret, Bryana Fritz, Alexis Hedouin, Kerem Gelebek, Rémy Héritier, Samuel Lefeuvre, Johanna-Elisa Lemke, Maud Le Pladec, Mani Mungai, Noé Pellencin, Solène Wachter, Frank Willens / Produccción Musée de la danse Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne / Coproducción Volksbühne Berlin, Manchester International Festival (MIF), Théâtre National de Bretagne-Rennes, Festival d’Automne à Paris, Chaillot – Théâtre national de la Danse (París), Wiener Festwochen, Sadler’s Wells London, Taipei Performing Arts Center

à27 y 28 de octubre sa de 15 a 20 h, do de 10 a 15 h / MACBA / 8€ Veinte artistas de diferentes generaciones interpretan, evocan, se apropian y transmiten célebres solos, ahora ya olvidados, del siglo pasado. Unos solos que originariamente habían sido concebidos o interpretados por algunos de los bailarines, coreógrafos y artistas de performance más significativos de la escena moderna y postmoderna. Un archivo viviente que se presenta en museos de todo el mundo. Proyecto Boris Charmatz - Musée de la danse / Cast Un grupo de bailarines y performers / Producción Musée de la danse - Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne

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à 9 y 10 de marzo sa 20 h, do 18 h / Sala MAC / 25 €

constelación

Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol Grand Applause

El humor es el vehículo más rápido para acceder a las fisuras de nuestro entorno sin que el público desconecte frente a la crítica. Por eso Guillem de Palol y Jorge Dutor, pareja artística formada en Ámsterdam en 2008, juegan a crear ficciones risibles que en realidad son miradas quirúrgicas entorno a la cultura pop y otros mitos de la sociedad moderna. El Mercat les ha invitado a remirar tres de sus piezas y ellos han querido invitar a su constelación a Eva Meyer Keller, con sus obsesiones pseudocientíficas, y a la pareja formada por Marcos Simões y Sara Manente, con un experimento de telepatía.

Hemos escogido a estas dos compañías porque ambas propuestas giran alrededor del juego como generador de ficciones. Propuestas conceptuales y coreográficas aptas para todo tipo de público y con un uso del humor y la ironía especial e idiosincrática. Jorge y Guillem

Grand Applause à 3 y 4 de noviembre 20 h / Sala MAC / 12 €

#LosMicrófonos

Imaginemos por un momento que la ópera Carmen de Bizet fuera una pieza de museo. Ahora imaginemos que esta obra expositiva cobrara vida de la mano de artistas contemporáneos como Luis Úrculo, Norberto Llopis o Bernhard Willhelm. Eso es Grand Applause, una exposición en cuatro actos o una ópera que recorre cuatro salas de una exposición. Creada en 2016, la pieza propone una translación de un formato expositivo a un formato performativo.

à 30 de octubre 20 h / Sala MAC / 12 € En esta pieza creada en 2013, Dutor y Mont de Palol se sumergen en la cultura pop. Jugando y recomponiendo letras, estribillos, títulos de canciones y otros elementos de la cultura popular sugieren paisajes en los que el público entra en un campo de recuerdos personales y asociaciones salvajes, creando relaciones entre los diferentes elementos propuestos.

Creación Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol / Con obra de Norberto Llopis, Luis Úrculo, Bernhard Willhelm / Producción Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol / Con la colaboración Graner fábrica de creación - SÂLMON< festival, Festival del Museo Universitario del Chopo, Estiu en Obres, Las Naves Espai d’Innovació i Creació / Con el apoyo Becas para la investigación y la innovación en los ámbitos de las artes visuales, de los nuevos sectores creativos, de las artes escénicas, de la música y el pensamiento de la Generalitat de Cataluña temporada 2018-2019

Concepto y coreografía Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol / Performance Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol / Asistencia dramatúrgica Juan Domínguez / Producción Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol, Festival TNT Terrassa / Con la colaboración WSB Workspacebrussels, Kunstencentrum Buda Kortrijk, Azala, SpazioK Kinkaleri, Dans Hane Istanbul, Graner fábrica de creación, El Local

#MontDeDutor Y por qué John Cage?

Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol Dramaturgias del Debate: vi 2 de noviembre Pack constelación completa: 35 € O también a partir de 3 espectáculos descuento del 40% (7 € entrada)

Y por qué John Cage? à 31 de octubre y 1 de noviembre 19 h / Sala PB / 12 € Performance de 2011 sobre sonido y significado en un discurso dado. El poder del sonido de las palabras. Sonido como estructura, como dinámica que viaja. En esta performance el discurso puede ser cualquiera. No es importante lo que se dice sino cómo se dice, qué herramientas musicales y coreográficas utilizan para destrozar el texto y sumergirse en el trabajo del intérprete.

Eva Meyer-Keller

#LosMicrófonos

Creación y performers Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol / Producción Antic Teatre - Adriantic / Con el apoyo Espacios Comodos de La Porta (Barcelona), A ras de suelo (Las Palmas de Gran Canaria)

Eva Meyer-Keller Some Significance

En nuestros últimos trabajos jugamos con el lenguaje, la semiótica, el significado y el significante, el sonido, la fisicidad del sonido, lo corpóreo y el movimiento. No nos asusta el humor como vehículo para cuestionar los formatos de producción, creación, exhibición, interacción y contaminación de nuestra propia práctica artística. Consideramos cierta dimensión política en nuestros trabajos al expandir el concepto de coreografía y trabajar en los límites de fricción con otras disciplinas artísticas. Jorge y Guillem Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor colaboran juntos desde 2008. Guillem ha estudiado en la SNDO (School for New Dance Development, Ámsterdam) y es coreógrafo y performer. Jorge estudió en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid). Sus intereses artísticos se centran en el lenguaje, la voz y su fisicidad, el cuerpo, la musicalidad y el ritmo. Empezaron a trabajar juntos en Ámsterdam y han realizado varias piezas que han sido presentadas en diferentes contextos nacionales e internacionales.

Marcos Simões y Sara Manente TeleVisions

à1 y 2 de noviembre 20 h / Sala OM / 12 € Un juego coreográfico para explicarnos la realidad y entender mejor el mundo que nos rodea a partir de la interpretación de elementos científicos, utilizando objetos cotidianos. Con una extensa trayectoria internacional, la artista alemana Eva Meyer-Keller rompe los límites de las artes visuales y performativas. Su trabajo tiene una estética obsesiva y doméstica. Concepto, interpretación Eva Meyer-Keller / Cocreación, interpretación Sheena Mc Grandles, Tamara Saphir, Annegret Schalke / Música Rico Lee / Dramaturgia, texto Constanze Schellow / Coproducción PACT Zollverein (Essen), Sophiensæle (Berlín), Gefördert durch: Hauptstadtkulturfonds

à 3 y 4 de noviembre 18 h / Sala PB / 12 € Simões y Manente conciben esta pieza como un experimento telepático entre público, actores y receptores y se reflexiona sobre qué es una representación, qué provoca, cómo funcionan el virtuosismo y el fracaso, cuáles son nuestras expectativas. Concepto Sara Manente, Marcos Simões / Interpretación Sara Manente, Marcos Simões y algunos invitados del público / Producción Hiros for Cabra / Con el apoyo BUDA (Kortrijk), CAM2 Móstoles (Madrid), Re:commerce, Bains Connective (Bruselas)

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Meg Stuart & Damaged Goods

La coreógrafa y bailarina norteamericana Meg Stuart, afincada entre Berlín y Bruselas, acaba de recibir el León de Oro de la Bienal de Venecia por su carrera. Esta coreógrafa fundó su compañía Damaged Goods en Bruselas en 1994, con la que ha creado más de 30 producciones, desde solos hasta grandes coreografías, además de vídeos e instalaciones.

espectáculos

An evening of solo works

El trabajo coreográfico de Stuart gira entorno a la idea de un cuerpo incierto, vulnerable y autoreflexivo. Mediante la improvisación explora estados físicos y emocionales o el recuerdo de estos estados. Su trabajo artístico es análogo a una identidad en transformación constante que se redefine continuamente, a la vez que busca nuevos contextos de presentación y territorios para la danza. Su obra ha sido aclamada internacionalmente. Meg Stuart/Damaged Goods colabora regularmente con el Kaaitheater (Bruselas) y el HAU Hebbel am Ufer (Berlín).

An evening of solo works à 7 y 8 de noviembre 20h / Sala PB / 16€

¿Cómo se pueden traducir en movimiento las sensaciones y los monólogos interiores? ¿Es posible detectar las vacilaciones o los movimientos involuntarios?”. Meg Stuart temporada 2018-2019

A lo largo de los últimos años, Meg Stuart ha creado un buen número de solos en los que explora los movimientos cotidianos y las condiciones físicas. An evening of solo works (2013) presenta una selección de estos solos, así como fragmentos de obras de larga duración. Coreografía e interpretación Meg Stuart / Producción Damaged Goods (Bruselas)

#MegStuart #Violet #Aneveningofsoloworks © Tine Declerck

Violet

León de Oro de la Bienal de Venecia por su carrera

Violet à Del 9 al 11 de noviembre 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 22 € Conversación después de la función: vi 9 de noviembre Una Hora Antes: sa 10 de noviembre

PELÍCULA

Before we go

Cinco bailarines nos rebelan de manera simultánea y singular un paisaje lleno de energía, un terreno cargado de opciones. VIOLET es un descenso vertiginoso, un remolino de formas enérgicas y esculturas cinéticas llenas de detalles. En VIOLET, creada en 2011, Meg Stuart sitúa el movimiento como motor primario de la obra, identificando la coreografía con una alquimia de los sentidos. La pieza cuenta con la música en directo de Brendan Dougherty a la percusión y la música electrónica.

à 8 de noviembre 18 h / Sala OM / 3 € Bruselas. Opéra de la Monnaie. Tres personas al final de su vida se encuentran con coreógrafos, actores y músicos. Participan en una experiencia única que combina música, danza y silencio. Su búsqueda tiene la forma de un homenaje a la fragilidad humana, entre realidad y representación, cuerpos trágicos y espíritus libres. Juntos cuestionan su propia relación con la muerte. Obra de debut de Jorge León, estrenada mundialmente en competición en el Festival de Marsella.

Coreografía Meg Stuart / Creada con Alexander Baczynski-Jenkins, Varinia Canto Vila, Adam Linder, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner / Intérpretes Márcio Kerber Canabarro, Mor Demer, Renan Martins de Oliveira, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner / Música en vivo Brendan Dougherty / Dramaturgia Myriam Van Imschoot / Producción Damaged Goods (Bruselas) / Coproducción PACT Zollverein de Essen, Festival d’Avignon, Festival d’Automne à París, Les Spectacles Vivants – Centre Pompidou de Paris, La Bâtie-Festival de Ginebra, Kaaitheater de Bruselas

Before we go

Año 2014. Guión y dirección Jorge León / Con Simone Aughterlony, Benoît Lachambre, Noël Minéo, Lidia Schoue, Meg Stuart, Michel Vassart, Thomas Wodianka

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El Més Petit de Tots

festival

Garden

àDel 17 al 25 de noviembre 8€ www.elmespetitdetots.cat Recomendado de 0 a 5 años

¡El Arte nos alimenta y nos hace crecer! El Més Petit de Tots vuelve lleno de fuerza con una programación que recoge las creaciones artísticas de mayor calidad que se están ofreciendo actualmente dentro de la escena internacional para los pequeños de 0 a 5 años y sus familias. En esta edición os queremos proponer un nuevo reto, os invitamos a ir juntos un poco más allá de las fronteras conocidas, animándoos a continuar con esta aventura que empezó hace 14 años. De la mano de artistas pioneros en las artes escénicas para los más pequeños, que nos presentarán sus últimas y más arriesgadas creaciones, experimentaremos con los sentidos, el espacio, el tiempo y los límites de la escena, con propuestas cada vez más singulares que se ajustan a las necesidades de este público tan delicado al que nos dirigimos. El Festival sigue creciendo también en el territorio e incorpora nuevos espacios donde poder ofrecer actividades de proximidad que tendrán lugar en bibliotecas, fábricas de creación, salas de exposiciones o incluso en la calle de las 11 ciudades participantes: talleres en familia, conferencias, propuestas de formación para educadores, padres, maestros y jóvenes artistas. El Festival quiere ser accesible y transversal no sólo en el territorio sino en todos los sectores de nuestra sociedad, porque estamos convencidos de que el arte nos alimenta y nos hace crecer. Os invitamos a conocer más de cerca los beneficios que el arte puede ofrecer a nuestros pequeños. ¡Bienvenidos al 14 festival El Més Petit de Tots! temporada 2018-2019

Lulla

En el Mercat veremos: Jungla, de Cía. Big Bouncers (Cataluña)

Tuntu / El sentir, de Dance Theatre Auraco (Finlandia) à18 noviembre

Lulla / Canción de cuna, de Dybwikdans (Noruega)

The garden of spirited minds / El jardí de les ments despertes, de Dalija Acin Thelander (Serbia-Suecia)

Tre ben / Tres piernas, de Aaben Dans (Dinamarca)

Wax / Cera, de TJP Centre Dramatique National d’Alsace (Francia)

à17 noviembre

à18 noviembre

à24 y 25 noviembre

#ElMésPetitDeTots #BigBouncers #Jungla

Big Bouncers

Jungla

Dentro de El Més Petit de Tots el Mercat coproduce esta pieza, un viaje por un ecosistema en el que pueden aparecer todo tipo de seres, formas, colores y sonidos: Jungla es un espectáculo para pequeños y mayores donde veremos cuerpos que se camuflan, brillan, flotan, rebotan, se estiran y se transforman constantemente en un espacio sin explorar en el que la sorpresa y la magia pueden aparecer en cualquier momento y donde todos los elementos están en continuo movimiento. El colectivo Big Bouncers, formado en 2012 por las creadoras Cecilia

Colacrai, Anna Rubirola y Mireia de Querol, se articula alrededor de tres ejes: la creación escénica, la creación de performances para espacios no convencionales y la pedagogía. Esta temporada presentamos una constelación sobre su trabajo (páginas 40 y 41). Dirección Big Bouncers / Creación Anna Rubirola, Cecilia Colacrai, Mireia de Querol, Ursa Sekirnick / Interpretación Anna Rubirola, Cecilia Colacrai, Ursa Sekirnick - Mireia de Querol / Coproducción Mercat de les Flors / Con la colaboración Festival El Més Petit de Tots, La Caldera centre de creació de dansa i arts escèniques, La Poderosa, La Visiva, Graner, fàbrica de creació / Con el apoyo Generalitat de Cataluña Proyecto dentro del marco de colaboración entre el Bærum Kulturhus (Noruega) y el Mercat de les Flors

Jungla

à17 de noviembre 12 h y 17 h / Sala MAC / 8 € Recomendado de 2 a 5 años Coproducción Mercat de les Flors

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Compromesos amb la dansa

temporada 2018-2019

muestra

#FestivalHop #DanzasUrbanas

Agnés Sales & Héctor Plaza

Hop Procesos focaliza su acción en facilitar procesos de creación, de investigación y de reflexión en el ámbito de las danzas urbanas. Durante dos días, el Mercat de les Flors acogerá artistas locales e internacionales que mostrarán piezas en proceso de creación por medio de maquetas, salidas de residencia o works in progress. El público podrá acceder a las entrañas de la creación, conocer de cerca a los artistas y participar en actividades de diálogo y análisis sobre el panorama actual.

Hop Procesos à30 de noviembre y 1 y 2 de diciembre

Un fin de semana para sumergirse en la escena de las danzas urbanas de la mano de proyectos en plena ebullición, de la danza que está por venir. El Hop situará una vez más el Mercat de les Flors como punto de encuentro para festivales y estructuras europeas que apoyan la creación escénica de las danzas urbanas, consolidándose de esta manera como cita destacada de ámbito internacional.

Organizan

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Talla única

talla única

TALLA ÚNICA es una programación adaptable a todos los cuerpos, un calendario de espectáculos para todas las edades. Ya desde el año 2006, el Mercat de les Flors ha trabajado para ampliar el público de danza y hacer que gente de todas las medidas encontrara su lugar dentro de esta casa de la danza. Programas para pequeños y actividades para escuelas, englobadas bajo el título de Dan Dan Dansa, han ido ganando terreno en la programación del teatro y también en las actividades infantiles -educativas y de ocio-, y por eso este año hemos decidido estrenar esta programación con un nombre más identificable: TALLA ÚNICA. Porque hablar de espectáculos infantiles resulta demasiado restringido para unas obras que pueden sintonizarse a cualquier temporada 2018-2019

edad y que responden a unos criterios artísticos y de calidad que no son diferentes a los del resto de la programación. Y porque también es cierto que, a lo largo de estos años, las dinámicas de ocio familiar y de consumo cultural han ido evolucionando de manera que la posibilidad de compartir, padres e hijos, la visita a una exposición, un concierto al aire libre o un espectáculo teatral es cada vez más habitual. Celebremos estos espacios de encuentro que no tienen edad ni talla concreta, celebremos la TALLA ÚNICA.

#LosGalindos #UduL

talla única

Los Galindos UduL à22, 23 y del 27 al 30 de diciembre y del 2 al 4 de enero 17 h (do 12 h) / Pl. Margarida Xirgu / 16 € (menores 14 años 8 €) Consultad abono familiar Recomendado a partir de 7 años

La yurta de Los Galindos, una pequeña carpa que confiere a esta compañía de circo una entrañable proximidad, vuelve a ser el espacio que acoge su nueva producción, UduL, un ejercicio de investigación y redescubrimiento de las capacidades corporales y de confrontación emocional del individuo con sí mismo. Un espectáculo de circo visceral en el que el objetivo de los personajes es, por encima de todo, seguir existiendo. Premio Nacional de Cultura 2016, Los Galindos son un referente del circo catalán. Desde el año de su fundación, 1996, han creado trece espectáculos. Han sido pioneros en la incorporación del trapecio volante en espectáculos de circo de calle.

Dirección artística Bet Garrell, Marcel Escolano - Los Galindos / Creación de artistas en pista Anna Pascual, Benet Jofre, Bet Garrell, Marcel Escolano / Intervenciones artísticas externas Roberto Magro, Enric Ases, Bina Rieck, Michel Dallaire / Producción Los Galindos / Con la complicidad Fira Trapezi de Reus, Passage Festival de Helsingor, Kulturzentrum Tollhaus de Karlsruhe, Teatre Auditori de Granollers, Teatre Principal de Olot. Proyecto beneficiario del dispositivo Fondos de creación del proyecto de cooperación transfronterero De Mar a Mar, en el marco del programa POCTEFA

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#PierreRigal #DerniereMinute #Mobile

talla única

compagnie dernière minute Mobile Un solo de Pierre Rigal àDel 27 al 30 de diciembre y del 2 al 4 de enero 18 h / Sala MAC / 16 € (menores de 14 años 8 €) Consultad abono familiar Recomendado a partir de 10 años En su tercer solo, el coreógrafo francés explica la historia de un hombre que intenta llenar la inmensidad de su espacio vital. Una pieza inteligente entre el teatro y la danza que trata con humor y delicadeza la relación de los objetos con la imagen. Concepción, coreografía, escenografía, interpretación Pierre Rigal / Música original en directo Nihil Bordures / Producción compagnie dernière minute / Coproducción Maison de la Culture de Bourges / Con el apoyo Théâtre Garonne - scène européenne (Toulouse) / Pierre Rigal es artista asociado a la Maison de la Culture de Bourges, Scène Nationale / La compagnie dernière minute está subvencionada por el Ministerio de la Cultura y la Comunicación, Préfecture de la région Occitanie, PyrénéesMéditerranée, la Région Occitanie, Pyrénées-Méditerranée et la Ville de Toulouse / La compagnie dernière minute recibe el apoyo de Fondation BNP Paribas para todos sus proyectos temporada 2018-2019

Pierre Rigal, formado inicialmente como atleta, estudió después matemáticas y economía en Barcelona y completó un máster en cine. El contacto con coreógrafos como Nacera Belaza, Philippe Decouflé y Wim Vandekeybus, y con directores como Mladen Materic, le impulsó a sumergirse en el mundo de la danza contemporánea. En 2002 entró en la compañía de danza del

coreógrafo Gilles Jobin y en 2003 fundó la compagnie dernière minute, con la que coreografió y produjo su primera pieza, el solo Érection, dirigido por Aurélien Bory, que pudimos ver en el Mercat en 2013; sus creaciones se han visto en festivales y escenarios de todo el mundo.

#PlanD #IcePalace

Hablamos con Pierre Rigal En este trabajo complejo de cuerpo, objetos y espacio, ¿qué fue primero? La primera idea fue ampliar el espacio escénico habitual en todas direcciones. Después vi que necesitaba estar suspendido por encima del suelo y tuve que trabajar técnicamente esta idea, un trabajo físico muy duro, también. La historia se ha construido descubriendo las posibilidades corporales de esta escenografía.

En 2013 viniste, formando parte del festival de danza y tecnología IDN, con Érection. Era un festival maravilloso, y hace unos años era muy importante hacer un festival específicamente dedicado a la danza con tecnología. Ahora las tecnologías forman parte de la cuestión que relaciona el cuerpo con su ambiente, pueden estar en un contexto generalista. La idea del móvil hace pensar en Calder, que intentó hacer algunos espectáculos con Martha Graham, pero finalmente decidió prescindir de los bailarines. No conocía esta historia, pero evidentemente Calder me ha inspirado en este trabajo. Y entiendo la dificultad de crear una relación entre los móviles y los bailarines, porque los móviles de Calder son de una ligereza perfecta, con muy poca fricción sobre el aire donde flotan, por eso vuelan de una manera casi irreal, mientras que el cuerpo humano, ni en el caso de los mejores bailarines, no consigue nunca la misma fluidez.

¿Y qué tiene de especial? Lo importante son las dimensiones de los objetos, que están todos en escala real. Por ejemplo, la imagen del coche tiene la medida de un coche, de manera que se crea una confusión, un trompe l’oeil. Me interesa para reflexionar sobre las imágenes que habitan a nuestro alrededor y si necesitamos las cosas que poseemos o con sus imágenes tenemos suficiente, o simplemente con decir que las tenemos, o con poder enseñar que las tenemos. Creo que es una pregunta muy contemporánea.

Plan d Ice Palace à12, 13, 19 y 20 de enero sa 18 h, do 12 h / Sala OM / 12 € (menores de 14 años 8 €) Consultad abono familiar Recomendado a partir de 6 años

Ice Palace es un emocionante espectáculo de danza en el que cinco aventureros se embarcan en una expedición por un universo helado. Descubren el enorme poder del hielo, pero también su vulnerabilidad. Y se dan cuenta de que estas propiedades son inherentes a ellos mismos. Durante el viaje se van conociendo los unos a los otros cada vez mejor y, gradualmente, van perdiendo su dureza inicial, que es hielo, y se atreven a mostrarse más. Incluso cuando las cosas no van bien. ¡Sobre todo entonces! Desde el año 2008, la compañía holandesa Plan d, dirigida por Andreas Denk, crea cautivadoras obras para niños y niñas y sus familias, con obras narrativas que giran en torno a temas relacionados con la vida cotidiana de la gente. Sus espectáculos, siempre con una dosis de humor, no sólo entretienen sino que conmueven.

Mobile también es una lucha con la gravedad, que es imposible. El personaje intenta luchar contra la gravedad y contra la aleatoriedad, su desequilibrio le confronta con el azar. Es como la vida: una lucha sin fin por intentar doblar lo imprevisible. Hay gente que siempre intenta tenerlo todo controlado, pero por suerte o por desgracia, no lo consiguen.

Concepto Andreas Denk / Coreografía Andreas Denk / Corregiduría Klaus Jürgens / Intérpretes Lisa Beese, Elise Manière, Edita Gorski, Nanna Gram Bentsen, Ilija Surla / Animación Bram De Goeij / Dirección musical Wiebe Gotink

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talla única

#VeroCendoya #LaPartida

Compañía Vero Cendoya La partida à 12 y 13 de enero sa 20 h, do 18 h / Sala MAC / 16 € (menores de 14 años 8 €) Consultad abono familiar Recomendado a partir de 8 años Coproducción Mercat de les Flors temporada 2018-2019

La partida es una gran fiesta con regusto de fiesta mayor. Joaquim Noguero, La Vanguardia Cultur@s, febrero 2017 En este espectáculo de danza y fútbol inspirado en la película italiana L’arbitro, de Paolo Zucca, Vero Cendoya plantea el enfrentamiento entre dos mundos antagónicos, fútbol y danza. Esta obra, que ha recibido el premio Moritz al mejor espectáculo de la Fira de Tàrrega 2015 y el Premi de la Crítica 2015 y fue finalista en los premios MAX, reflexiona sobre los valores sociales y los límites entre el deporte y el espectáculo. La banda sonora está creada por la violinista y compositora Adele Madau. Vero Cendoya, que estudió en el Institut del Teatre de Barcelona y la Trisha Brown Dance Company

de Nueva York, entre otros, creó su propia compañía en 2008; desde sus inicios se caracteriza por la colaboración con artistas de otras disciplinas, como el teatro, la pintura, la música, la poesía… No en vano, la propia creadora es también ilustradora. Ha trabajado también como bailarina con compañías de España, Suiza, Italia, Israel y Alemania, y como actriz en varias obras de teatro. Sus espectáculos se han presentado en teatros y festivales del mundo. Dirección y coreografía Vero Cendoya / Dirección musical Adele Madau / Bailarinas Linn Johanson, Natalia d’Annunzzio, Dory Sánchez, Tina Halford / Futbolistas Babou Cham, Adrian Nieto, Reynaldo Zerpa, Gaston Latorre, Enric Auquer / Árbitro Jon López / Músico Adele Madau (violín) / Con la colaboración especial de Blanca Portillo / Textos Eduardo Galeano / Coproducción Cía Vero Cendoya, Fira de Teatre de Tàrrega 2015, Graner fábrica de creación, Asociación Carovana SMI (Cagliari, Italia), ICEC Institut Català de les Empreses Culturals

OtraDanza

espectáculos

#OtraDanza #Rito #DaCapo

Da Capo Rito

Asun Noales / Susana Guerrero à17 de enero 20 h / Sala Hall / 16 € La coreógrafa Asun Noales colabora en esta producción con la artista Susana Guerrero para crear este espectáculo entre la danza y las artes plásticas; Rito es la escenificación de una ofrenda a través de una coreografía con imágenes impactantes y perturbadoras. Un hombre y una mujer rinden culto ancestral a Eros y a Tánatos, al ciclo de la vida y de la muerte. La artista visual Susana Guerrero recrea la mitología contemporánea en sus trabajos, uniendo lo que es visible con lo oculto. Influida por sus estudios en países como México o Grecia integra en su obra tradiciones y leyendas, rituales iniciáticos, supersticiones...

Rito Asun Noales creó la compañía OtraDanza en el año 2007, después de codirigir de 2000 a 2007 la compañía Patas Arriba. Sus coreografías son eclécticas y artesanales. Ha creado numerosos espectáculos en los 11 años de compañía, tanto para público adulto como familiar. Después de licenciarse en el Institut del Teatre de Barcelona, trabajó con el Ballet Contemporáneo de Barcelona y con Àngels Margarit y su compañía Mudances, entre otros.

Dirección Asun Noales / Coreografía Asun Noales en colaboración con Sebastian Rowinsky / Intérpretes Asun Noales, Sebastian Rowinsky / Instalación Susana Guerrero / Fotografía y vídeo Germán Antón / Producción OtraDanza

Da Capo àDel 18 al 20 de enero 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 16 € Dramaturgias del Debate: vi 18 de enero Una Hora Antes: sa 19 de enero

A partir del reencuentro artístico de dos de los coreógrafos valencianos más relevantes, Asun Noales y Gustavo Ramírez, surge Da Capo. La pieza es un trabajo de investigación estrenado en el año 2014 como celebración de los 10 años de la creación de OtraDanza. Dirección Asun Noales / Coreografía Asun Noales, Gustavo Ramírez Sansano / Intérpretes Asun Noales, Saray Huertas, Diana Huertas, Carmela García, Salvador Rocher, Sebastián Rowinsky, Melodía García / Producción OtraDanza / Residencia CCC L’Escorxador de Elche / Con la subvención Instituto Valenciano de Cultura www.mercatflors.cat

temporada 2018-2019

#MarleneMonteiroFreitas #Bacants

espectáculo

Marlene Monteiro Freitas Bacantes - Preludio para una purga àDel 25 al 27 de enero 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 22 € Una Hora Antes y Conversación después de la función: sa 26 de enero

El delirio, la irracionalidad, la histeria y la locura se mezclan en esta pieza inspirada en las Bacantes, de Eurípides, donde conviven la violencia y una aspiración a una vida sencilla y tranquila. El autor de la Antigüedad nos invita a recorrer las profundidades humanas bajo fuerzas más allá de la razón. La pieza está interpretada por ocho bailarines y cinco músicos que nos ofrecerán imágenes exuberantes propias de esta coreógrafa.

Charmatz. El denominador común de sus creaciones es la apertura, la impureza y la intensidad. Es cofundadora de P.OR.K., estructura de producción de Lisboa.

Marlene Monteiro Freitas estudió en la escuela de danza P.A.R.T.S. de Bruselas y la Escuela Superior de Danza y la Fundación Calouste Gulbenkian de Lisboa. Ha trabajado, entre otros, con los coreógrafos Emmanuelle Huynh, Loïc Touzé, Tânia Carvalho y Boris

Coreografía Marlene Monteiro Freitas / Con Andreas Merk, Betty Tchomanga, Cookie, Cláudio Silva, Flora Détraz, Gonçalo Marques, Guillaume Gardey de Soos, Johannes Krieger, Lander Patrick, Marlene Monteiro Freitas, Miguel Filipe, Tomás Moital, Yaw Tembe / Producción P.OR.K. (Lisboa) – Bruna Antonelli, Sandra Azevedo / Distribución Key Performance (Estocolmo) / Coproducción TNDMII de Lisboa; Kunstenfestivaldesarts de Bruselas, steirischer herbst festival de Graz & Alkantara (Lisboa)

Marlene Monteiro ha presentado recientemente dos obras en Barcelona: (M)IMOSA, con Trajal Harrell, Cecilia Bengolea y François Chaignaud en el Mercat, y Guintche en la sala Hiroshima, trabajos con los que sedujo totalmente al público.

León de Plata de la Bienal de Venecia

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#ChristianRizzo

talla única

Christian Rizzo / Ici - CCn Montpellier D’à côté à16 de febrero 18 h / Sala MAC / 16 € (menores 14 años 8 €) Consultad abono familiar Recomendado a partir de 6 años

temporada 2018-2019

Desde su estreno, D’à côté ha girado por numerosas ciudades europeas; se trata de un cuento perceptivo y coreográfico que muestra la evolución de tres seres. Apariciones y desapariciones construyen un paisaje en movimiento sobre el escenario, donde la danza y los objetos dialogan con la luz y el sonido y despliegan un espacio onírico en el que cada protagonista invita a los otros a su mundo. D’à côté quiere ofrecer un espacio de metamorfosis a espectadores de todas las edades para que confluyan los imaginarios de todos ellos. Después de trabajar con numerosos coreógrafos, Christian Rizzo fundó

su compañía “l’association fragile” en 1996, con la que ha creado más de 30 piezas. En 2015 fue nombrado director del Centro Coreográfico de Montpellier. Coreografía, escenografía, objectos luminosos y vestuario Christian Rizzo / Creación musical Pénélope Michel, Nicolas Devos (Cercueil / Puce Moment) / Producción ICI — centre chorégraphique national Montpellier - Occitaine / PyrénéesMéditerranée / Dirección Christian Rizzo / Coproducción Théâtre National de la Danse de Chaillot - París, Théâtre de la Ville - París, Opéra de Lille, Concertgebouw Brugge dans le cadre de December Dance (Bélgica), TANDEM - Scène nationale, TJP Centre Dramatique National d’Alsace Strasbourg, Charleroi Danse - Centre chorégraphique de la FédérationWallonie - Bruselas, Scène nationale de Albi / Socios públicos Ministère de la Culture et de la Communication - Direction Régionale des Affaires Culturelles Occitanie, la Région Occitanie; PyrénéesMéditerranée et Montpellier Méditerranée Métropole

espectáculo

Batsheva Dance Company Venezuela, de Ohad Naharin àDel 21 al 24 de febrero 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 28 € Dramaturgias del Debate: vi 22 de febrero Una Hora Antes: sa 23 de febrero

#Batsheva #Venezuela

En Venezuela, Naharin y los bailarines exploran el diálogo y el conflicto entre el movimiento y el contenido que representa. El coreógrafo creó dos secciones de 40 minutos colocadas en yuxtaposición. En este trabajo multifacético e irresistible, Naharin quiere que el público participe de esta libertad de elección y de su ámbito infinito de posibilidades, al tiempo que hace un comentario crítico sobre todos nosotros.

Considerado como uno de los grandes pioneros de la danza de su generación y reconocido en todo el mundo, el director de la Batsheva Dance Company desde 1990, Ohad Naharin, ha convertido la compañía en una de las más importantes del mundo, con más de 250 representaciones anuales. Naharin es el creador de un innovador y rico lenguaje de movimiento llamado gaga, que se ha expandido internacionalmente.

Interpretada por unos bailarines extraordinarios, Venezuela es una pieza poliédrica, con una sorpresa incluida que perdurará en el recuerdo del espectador durante mucho tiempo. Yael Efrati, Time Out, mayo 2017.

Intérpretes Bailarines de Batsheva Dance Company / Producción Batsheva Dance Company / Coproducción Chaillot National Theater, París; Hellerau – European Center for the Arts, Dresden / Con el apoyo especial Dalia y Eli Hurvitz Foundation, New Works Funds of Batsheva y the American Friends of Batsheva

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talla única

#gnmc #Taranna

Alrededor del concepto de la “transformación” a través del objeto, el espacio y el cuerpo, en Tarannà la tela de yute de color amarillento recuerda la seda de las crisálidas donde se lleva a cabo una de las partes más dramáticas de la metamorfosis. Hablamos de la transformación como proceso, drástico y sutil, que lleva de un estado a otro. Un juego y una sucesión de imágenes donde se invita a seguir el hilo de la magia y a dejar libre la imaginación.

GN|MC Guy Nader | Maria Campos

El trabajo de Maria Campos es muy tierno, sugerente y positivo. Los niños quedan atrapados con el juego de bajo las sábanas. La sorpresa agradable de la Semana de Programadores de Temporada Alta.

Jordi Bordes, Recomana, noviembre 2014

Maria Campos se formó en SEAD, Austria, y se licenció por la Escuela Superior de Artes de Ámsterdam (MTD) en 2003. Ha trabajado con Meekers, Protein Dance, Sol Picó y Àngels Margarit / Cia. Mudances, entre otros. Desde 2006 crea su propio trabajo con Guy Nader. GN|MC Guy Nader | Maria Campos han sido invitados a crear para varias compañías europeas como EnKnapGroup en Eslovenia y Tanzmainz en Alemania. GN|MC reciben el premio DER FAUST 2017 en Alemania.

Tarannà Un solo de Maria Campos à23 y 24 de febrero sa 18 h (do 12 h) / Sala PB / 12 € (menores 14 años 8 €) Consultad abono familiar Recomendado a partir de 8 años

Creación e interpretación Maria Campos / Espacio sonoro Miguel Marin, GN|MC / Asesoramiento y dramaturgia Guy Nader / Producción Raqscene, GN|MC / Coproducción Mercat de les Flors / Creado en Graner fábrica de creación, L’Estruch de Sabadell, Institut del Teatre de Vic, Centre Cívic Can Felipa, tragantDansa temporada 2018-2019

Coproducción Mercat de les Flors

espectáculo

#LaVeronal #Pasionaria

La Veronal Pasionaria àDel 14 al 17 de marzo 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 22 € Dramaturgias del Debate: vi 15 de marzo

Marcos Morau, al frente de La Veronal, se pregunta por las emociones en un sentido amplio, desde la responsabilidad que tienen en humanizarnos y diferenciarnos de los objetos -e incluso de los otros humanos- hasta las pasiones. Pasionaria investiga también cuándo la pasión se convierte en obsesión, en un peligro incontrolable... La música de Bach y la personal técnica de movimientos desarrollada por Morau e interpretada por 7 excelentes bailarines son los pilares de esta nueva producción. Con coproductores de lujo como el Théâtre National de Chaillot de París, los Théâtres de la Ville de Luxemburg, el Sadler’s Wells de Londres, los Teatros del Canal de Madrid o los festivales Temporada

Alta y Grec, la compañía se encuentra en un gran momento de proyección internacional. Morau fundó La Veronal en 2005 y desde entonces se ha posicionado como creador indispensable en el panorama coreográfico internacional y ha recibido galardones como el Premio Nacional de Danza 2013 del Ministerio, entre otros. Dirección Marcos Morau / Coreografía Marcos Morau en colaboración con los intérpretes / Asistente coreografía Lorena Nogal / Asesoramiento y dramaturgia Roberto Fratini, Celso Giménez / Intérpretes Àngela Boix,Ariadna Montfort, Núria Navarra, Lorena Nogal, Shay Partush, Marina Rodríguez, Sau Ching Wong / Coproducción Teatros del Canal (Madrid), Théâtre National de Chaillot (París), Les Théâtres de la Ville de Luxemburg (Luxemburg), Sadler’s Wells (Londres),Tanz Im August (Berlín), Temporada Alta – Festival de Tardor de Catalunya (Girona – Salt), Grec Festival (Barcelona), Oriente Occidente Dance Festival (Rovereto, Italia) www.mercatflors.cat

Cèl·lula #1

Proyecto cèl·lula CÈL·LULA (unidad fundamental de todo organismo vivo) es un proyecto piloto iniciado la temporada pasada por el Mercat de les Flors, que mostrará sus primeros frutos con una pieza de gran formato de Albert Quesada. Los objetivos de CÈL·LULA, no obstante, van más allá de esta presentación y están dirigidos al desarrollo del sector de la danza en general a través de una estructura flexible para incentivar la creación y la transmisión continua de conocimiento. CÈL·LULA genera una serie de laboratorios de investigación que acercan a diferentes coreógrafos e intérpretes, en una situación de comodidad donde nutrirse mutuamente y facilitar el crecimiento artístico de todos ellos, proponiendo maneras de compartir y hacer sostenible la creación. A partir de estos encuentros, el Mercat de les Flors también asume la responsabilidad de acompañar en la gestación de obras de medio y gran formato -que hoy son muy difíciles de llevar a cabo por un solo creador-, ya sea en producciones propias como también buscando vías de coproducción nacional e internacional o bien simplemente colaborando en procesos concretos de la creación. CÈL·LULA irá creciendo y adoptará diferentes formas según los artistas que pasen por su centro, evolucionando según sus necesidades y las complicidades que se generan. Desde lo más pequeño hasta la idea más grande.

temporada 2018-2019

Hablamos con Albert Quesada #AlbertQuesada #Flamingos

Albert Quesada Flamingos Cèl·lula #1 àDel 21 al 24 de mayo 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 16 € Conversación después de la función: 22 de marzo Producción Mercat de les Flors

Bailarín y coreógrafo entre Barcelona y Bruselas, Albert Quesada se formó en MDT (Ámsterdam) y PARTS (Bruselas) después de sus estudios de filosofía y de ingeniería multimedia en Barcelona. La exploración y la traducción de estructuras musicales y composiciones en la coreografía y la invitación al espectador a percibir y escuchar las obras propuestas se sitúa en el corazón de su trabajo coreográfico. Colabora de manera habitual con el coreógrafo Thomas Hauert. Bajo el nombre de la compañía ACME, lleva a cabo muchos proyectos artísticos, tanto educativos como para escena. En el Mercat hemos podido ver algunos de sus últimos trabajos: Wagner & Ligeti, Slow Sports y OneTwoThreeOneTwo. Coreografía y dirección Albert Quesada / Danza 8 bailarines por determinar / Producción Mercat de les Flors

Con esta nueva creación, Quesada vuelve a sumergirse en el mundo del flamenco y su complejidad. Flamingos quiere traspasar los estereotipos del flamenco desde la mirada del creador contemporáneo. El coreógrafo es artista asociado al Mercat de les Flors esta temporada. Eres el primer creador del proyecto Cèl·lula. Intento taparme los ojos como los caballos y sólo mirar adelante, pensar en hacer un buen espectáculo. El Mercat me ha dado las condiciones ideales para hacerlo.

Como intérprete es todo un reto. Con él he aprendido una manera de jugar en equipo y que me ha animado a hacer piezas grandes. Como esta pieza. Con el dúo UnDosTresUnDos me quedé con las ganas de ir más allá y continuar investigando con el flamenco. Me interesa su riqueza y la atracción rítmica que ejerce, un ritmo que se puede romper para encontrar su génesis, mostrar cómo nace y se genera una cultura familiar y cómo una familia crea una fiesta.

¿Cómo dices? Que no les dé vergüenza ponerse en situaciones incómodas, porque necesito su fragilidad, y eso sólo pasa cuando estás en un lugar que no conoces.

¿Cuál crees que es el valor del proyecto Cèl·lula? De momento, el hecho de trabajar en los laboratorios con otros coreógrafos que, como yo, se fueron de Barcelona a principios de los 2000, como Pere (Faura), Roser (López) o Marina (Mascarell), ha sido muy interesante. Nos habíamos encontrado en Ámsterdam, pero después cada uno siguió su historia. En este business de los bailarines, que es como una competición, cuesta mostrar las debilidades, y nosotros aquí hemos podido hablar de todo. Por otro lado, también es una oportunidad para el público, que podrá ver piezas de gran formato de artistas jóvenes -y no sólo de las compañías que aún aguantan- ahora que el gobierno ya no apoya a grandes estructuras.

Te vimos recientemente bailando con Thomas Hauert. Tengo mucha suerte de haber trabajado con él, es una persona sensible y humilde, y a nivel educativo y artístico tiene unos ideales de movimiento que no están basados en una estética sino en la curiosidad y la apertura, que hacen al bailarín más potente y abierto.

¿Qué tenéis en común los artistas que os habéis encontrado en el laboratorio de Cèl·lula? Cada uno tiene su mundo bastante definido. Pero a todos nos apasiona el movimiento y trabajamos con el cuerpo que se mueve, y esto no es ninguna obviedad en el mundo de la danza, hoy en día.

¿Cuáles son? Acostumbrado a hacérmelo todo: buscar el espacio, el dinero, la gente... Aquí sólo he tenido que escoger a los bailarines y preocuparme por la parte artística. ¿Cómo haces la elección? Busco una consciencia total de quién son y dónde están, tanto en el escenario como fuera, y que sea gente de quien me pueda enamorar, cosa que no es nada fácil para mí. También que les guste jugar y hacer el burro.

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#JordiGali #Orbes

espectáculo

Hablamos con Jordi Galí ¿Qué significa el título? Orbes es una palabra francesa antigua que designa la trayectoria de un cuerpo celeste y también la superficie que esta trayectoria dibuja, como las trazas de una serpiente en la arena. La pieza es un recorrido circular y lógico de cuatro ciclos donde las figuras van apareciendo y desapareciendo, a partir de un protocolo racional y matemático al que poco a poco hemos ido poniendo cuerpo. ¿Hablas de matemáticas? Empecé un diálogo con la bailarina y matemática Nermin Salepci, buscando puntos de intercambio, correspondencias entre la creación coreográfica y los procesos matemáticos. No es ninguna demostración matemática, sino una contaminación entre un punto de vista matemático y un punto de vista artístico, con una partitura de lógica simétrica.

Jordi Galí Arrangement Provisoire Orbes à 23 y 24 de marzo sa 16 h y 19 h, do 12 h y 15 h / MNAC/ Gratuito Con una duración de 2h 45 min, el público es libre de entrar y salir Coproducción Mercat de les Flors

Después de ser bailarín para compañías como Wim Vandekeybus, Rosas o Maguy Marin, Jordi Galí crea en 2001 Arrangement Provisoire, estructura con la que trabaja el diálogo entre el gesto y la materia. Es artista asociado, con Vania Vaneau, de Pacifique - CDCN de Grenoble, y recibe el apoyo de La Briqueterie CDCN du Val-de-Marne. temporada 2018-2019

Concepción Jordi Galí / En diálogo con Nermin Salepci / Creación e interpretación Anne Sophie Gabert, Lea Helmstädter, Konrad Kaniuk, Jérémy Paon, Jeanne Vallauri - Julia Moncla / Colaboradores Vania Vaneau, Julien Quartier, Sandra Pasini, Guillaume Robert / Producción Arrangement Provisoire, Extrapole / Coproducción Mercat de les Flors - La quinzena metropolitana de dansa, Le Pacifique – CDCN de Grenoble, La Briqueterie – CDCN du Val de Marne, Les Subsistances - Lyon, CCN de Nantes, CCN de Rillieux-laPape - Accueil Studio : Centre chorégraphique national de Rillieux-la-Pape, direction Yuval Pick / Con el apoyo Format – Ardèche para la coproducción y residencia, y Région Auvergne-Rhône-Alpes para la creación

Siempre te han interesado los objetos y la tecnología, ¿verdad? Más que la tecnología, me interesa la mecánica. Exploro esta fascinación sin tener ningún estudio, yo soy de letras y empecé la carrera de filosofía, aunque en mi entorno familiar hay muchos arquitectos y paletas. Pero fue por la danza que quise exteriorizar una mecánica corporal a través de los objetos, y así, a lo largo de 10 años, esta investigación sobre cómo un objeto hace cambiar el eje del cuerpo o pide una cierta fuerza se fue desplegando hasta llegar a los extremos de una construcción casi arquitectónica. En Orbes quiero retirar estos objetos para que el cuerpo sea el constructor y la materia a la vez. ¿Es como un juego, para ti? Sí, porque llego a él de forma muy intuitiva. Después de una carrera de bailarín intensa en las compañías de Wim Vandekeybus, Anne Teresa de Keersmaeker o Maguy Marin, que pedían mucha implicación física, intento encontrar mi propio lenguaje. Y siento que mi cuerpo está demasiado informado y que estas experiencias pasadas se me imponen, de manera que volver al objeto, para mí, es como dar un paso atrás, y me invento unos juegos que me obligo a seguir de manera rigurosa. Orbes se hará en el MNAC. ¿Qué papel juega el espacio y el espectador? Queremos que el espectador pueda organizar la mirada según su deseo. El espacio de la Sala Oval va cambiando por la circulación de los visitantes, un paisaje de contemplación. Por otro lado -y podría parecer contradictorio-, la pieza está completamente escrita, no hay improvisación. Tampoco hay música. Son situaciones de equilibrio muy racionales, sin un origen teatral, pero que al ponerlas en tensión generan un discurso narrativo y una lectura posible. Hay formas que pueden generar sentido.

#Rosas #Achterland

Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas Achterland àDel 29 al 30 de marzo 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 28 € Una Hora Antes: sa 30 de marzo

espectáculo

Con Achterland quería volver a un lenguaje de danza pura, un lenguaje que se relacionara con la música virtuosa de Ligeti y Ysaÿe. La presencia de los músicos en el escenario permite una relación aún más estrecha entre la música y la coreografía. Anne Teresa De Keersmaeker Rosas presenta Achterland, coreografía capital en la obra de Anne Teresa De Keersmaeker de 1990 e interpretada por última vez en 1998. Con esta obra la coreógrafa, por primera vez, da a los músicos una posición central y activa en el escenario, y la inusual combinación de las composiciones de György Ligeti y Eugène Ysaÿe inspiró a De Keersmaeker y sus bailarines en la creación de una obra con un equilibrio delicado entre el virtuosismo enérgico y la desaceleración. También por primera vez la coreógrafa incorpora hombres a una compañía hasta entonces formada sólo por mujeres. Anne Teresa De Keersmaeker fundó la compañía Rosas en 1983 y se ha involucrado en una rigurosa exploración y articulación del movimiento.

La relación entre movimiento y música es esencial para el concepto de danza de la coreógrafa. La compañía ha extendido el arte de la danza como un acto de escribir movimientos en el tiempo y el espacio, explorando la coreografía en relación a la música, la geometría, las artes visuales o el lenguaje. Aunque el Mercat ha programado numerosas piezas de Rosas en diferentes ocasiones, ahora presenta Achterland como oportunidad única de disfrutar de esta obra de referencia que ha girado por el mundo durante 8 años y que aún no habíamos podido ver en Barcelona. Coreografía Anne Teresa De Keersmaeker / Puesta en escena Jean Luc Ducourt / Bailarines (en alternancia) Laura Bachman, Lav Crncevic, Léa Dubois, José Paulo dos Santos, Anika Edström Kawaji, Bilal El Had, Frank Gizycki, Robin Haghi, Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti, Soa Ratsifandrihana, Luka Švajda / Música György Ligeti, 8 Etudes for solo piano; Eugène Ysaÿe, Sonatas 1, 3 & 4 for solo violin / Músicos Piano Wilhem Latchoumia o Joonas Ahonen (en alternancia), Violí Juan María Braceras o Naaman Sluchin (en alternancia) / Escenografía Herman Sorgeloos / Diseño iluminación Jean Luc Ducourt / Vestuario Ann Weckx / Producción Rosas / Coproducción 1990 De Munt; La Monnaie (Bruselas), Stichting Van Gogh 1990, Rotterdamse Schouwburg, Théâtre de la Ville (París) / Coproducción 2018 De Munt; La Monnaie (Bruselas), Concertgebouw Brugge www.mercatflors.cat

temporada 2018-2019

#MontDeDutor #CrisBlanco #LoMínimol

talla única

Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol y Cris Blanco Lo mínimo à6 y 7 de abril sa 18 h (do 12 h) / Sala MAC / 12 € (menores 14 años 8 €) Consultad abono familiar Recomendado a partir de 8 años Coproducción Mercat de les Flors

El encuentro de estos tres creadores, Jorge Dutor, Cris Blanco y Guillem Mont de Palol, ha dado lugar a la realización de una obra para todos los públicos que cuestiona los códigos y lenguajes de este género. Hacer de lo real una ficción y de lo ficticio una realidad, convertirse en casi cualquier cosa y cruzar dimensiones espacio temporales. Cris Blanco desarrolla proyectos escénicos desde 2003 y trabaja en performance, música, teatro y cine; la mezcla de géneros escénicos, los trucos a la vista, cambiar el significado de signos y objetos, la ciencia y la ficción tienen que ver con su trabajo. Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor colaboran juntos desde 2008 y han realizado numerosas piezas, una muestra de las cuales las veremos en el Mercat en la constelación que les dedicamos (páginas 16 y 17). Dirección e interpretación Jorge Dutor, Cris Blanco, Guillem Mont de Palol / Coproducción Mercat de les Flors, Teatros del Canal /Con el apoyo Mala Voadora

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constelación

Big Bouncers O.V.N.I.

Juegan a tensar la cuerda entre los diferentes niveles del lenguaje coreográfico y a ampliar los intervalos entre significado y significante, mientras ponen en cuestión la importancia de la imagen y la necesidad de (re)presentar el cuerpo. Más allá de lo formal, las Big Bouncers nos hacen reflexionar sobre el impacto que provocan nuestros modelos de vida y señalan otras lecturas posibles sobre la realidad.

Las Big Bouncers han invitado a los coreógrafos Iris Heitzinger, con quien trabajaron en el proyecto La Bolsa, y a João Lima, que colabora en proyectos con Cecilia Colacrai. También a Maria Alejandre y a Tristán Pérez Martín, para hacer explotar objetos y fotografías de su recorrido.

O.V.N.I. à Del 11 al 13 de abril 21 h (sa 21:30 h) / Sala PB / 12 € ¿Qué función tiene un objeto? ¿Qué función tiene un cuerpo? ¿Qué función tenemos como espectadores? ¿Y como intérpretes? ¿Cuál es la función de la escena? O.V.N.I. es una pieza que gira alrededor de estas preguntas y propone un viaje en el que se alteran las funciones de los cuerpos, los objetos y la mirada del espectador. Este proyecto quiere explorar la relación entre el objeto, el cuerpo, el contexto y el significado. Dirección Big Bouncers (Cecilia Colacrai, Mireia de Querol y Anna Rubirola) / Creación e interpretación Cecilia Colacrai, Mireia de Querol, Anna Rubirola, Ursa Sekirnic / Coproducción Festival Simògraf, Graner fábrica de creación, Antic Teatre / Con el apoyo Departament de Cultura, Generalitat de Catalunya / Con la colaboración La Visiva, Graner fábrica de creación, Sharing&MovingInternational Residències, Festival Interplay de Torino, La Caldera, L’Estruch, L’Animal a l’Esquena, Festival Grec temporada 2018-2019

Si estiguéssim soles a l’Univers, seria una gran pèrdua d’espai… à 13 y 14 de abril sa 19 h, do 18 h / Sala MAC / 12 € Esta nueva creación surge de la voluntad de profundizar y compartir su primer trabajo, Big Bounce, pieza

que juega a desplegar posibles futuros a partir del mismo origen y que cuestiona a un grupo de intérpretes estudiantes del Institut del Teatre. ¿Qué posibles futuros pueden derivarse de un mismo origen? ¿Cómo podemos deducir diferentes pasados desde un punto de partida concreto? Idea, creación y dirección Big Bouncers (Cecilia Colacrai, Mireia de Querol y Anna Rubirola) / Coproducción Mercat de les Flors / Con la colaboración CSD del Institut delTeatre / Con el apoyo Generalitat de Catalunya, Departament de Cultura

Coproducción Mercat de les Flors

#BigBouncers

Big Bouncers à

Dramaturgias del Debate: vi 12 de abril Pack constelación completa: 28 € O también a partir de 3 espectáculos descuento del 40% (7 € entrada)

Big Bouncers es un colectivo formado por las creadoras Cecilia Colacrai, Anna Rubirola y Mireia de Querol con una amplia trayectoria artística. Formado en 2012, es un grupo de investigación y creación que tiene como objetivo desarrollar una práctica común, con el interés de investigar y profundizar en los nuevos lenguajes escénicos. Desde el principio el trabajo del colectivo se ha desarrollado y articulado alrededor de tres ejes de acción: la creación de piezas escénicas, la creación de performances por espacios no convencionales site specific y la pedagogía.

Iris Heitzinger & Françoise Boillat

Exposición

Wallflowering

Objectes Varis No Identificables

à11 y 12 de abril 19 h / Sala OM / 12 €

à11 y 12 de abril / Foyer

Concepto, dirección artística e interpretación Iris Heitzinger, Françoise Boillat / Coproducción Verein kunsHupfer/ei (Austria), Cie du Gaz (Suiza), ARGEkultur Salzburg, Centre de culture ABC – La Chaux-du-Fonds

Wallflowering

La coreógrafa Iris Heitzinger y la actriz Françoise Boillat emprenden una búsqueda de la identidad femenina y la construcción de roles sociales de género.

Estas imágenes son fragmentos dispersos del interior de O.V.N.I... Sus partes luminosas y sus sombras pretenden desvelar formas que no lo son, intentan mostrarnos usos que ya han caducado, trozos de una civilización casi irreciclable.

João Lima, Cecilia Colacrai y Anna Rubirola Morder la lengua à14 de abril 20:30 h / Sala PB / 12 €

Creación João Lima, Cecilia Colacrai, Anna Rubirola / Interpretación Cecilia Colacrai, João Lima / Dirección artística y dramaturgia João Lima / Residencias La Visiva, La Caldera, Centre Cívic Barceloneta, L’Estruch de Sabadell / Con el apoyo Iberescena y Premio Funarte Klauss Vianna

El eje de esta pieza es la tensión entre diferentes planos del lenguaje coreográfico. Se preguntan: ¿qué se transmite de un cuerpo a otro?

Morder la lengua

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UN BON DRAMA Ã&#x2030;S ANAR AL TEATRE I QUE NO HI HAGI ENTRADES Compra la teva a timeout.cat/entradesteatre

temporada 2018-2019

Deliberadamente radical, la producción artística de La Ribot configura un universo en el que las categorías se funden y las etiquetas se confunden, en el que el género se cuestiona y cualquier objeto, real o figurado, puede ser interrogado; un universo de abundancia y creatividad, dominado por el color y el humor ácido. Los espectáculos de esta bailarina y coreógrafa se han representado en numerosos escenarios del mundo. Pionera de la danza contemporánea, ha ampliado las posibilidades al hacerla entrar en los museos. Sus cuestionamientos en los ámbitos de la videocreación y las artes plásticas, que también ha cultivado, la han llevado a desarrollar el concepto de corps-opérateur (cuerpo operador) en sus obras en vídeo. Se sirve de todo tipo de soportes y no se limita a un género o una disciplina artística, una libertad de actuación y de pensamiento transversal e ilimitados que ella asocia a su condición de artista.

La Ribot

de 1993 a 2014

La constelación que se propone en el Mercat de Flors está formada por dos grandes espectáculos y por cuatro obras en formato de vídeo y videoinstalación. Los espectáculos son Panoramix (1993-2003), una antología de sus Piezas distinguidas de los años noventa, y Laughing Hole (2006), una pieza-instalación en la frontera de la performance. Las obras en formato de videoinstalación son Despliegue (2001), Another pa amb tomàquet (2002) y Beware of Imitations! (2014) y el vídeo Mariachi 17 (2009). Es, pues, una constelación de trabajos escénicos y de videoinstalaciones que, como elementos del lenguaje, permiten captar la creatividad y la aguda pertinencia de la obra de esta artista, llena de temas universales e intemporales, aún vigentes hoy. Y es que su práctica, innovadora y sorprendente, sirve sobre todo para denunciar, desplazar y cuestionar todo lo que está en juego en nuestra sociedad.

hugo Glendinning

constelación

Panoramix www.mercatflors.cat

La Ribot de 1993 a 2014

Las Piezas distinguidas son un concepto que La Ribot desarrolló a principios de los años 90, cuando ideó un nuevo formato coreográfico basado en la brevedad, ya que una «pieza distinguida» dura menos de 7 minutos. Se organizan en series/espectáculos, con un título y un número propios. Hasta ahora ha creado 53 Piezas distinguidas que se han presentado en cinco series/espectáculos: 13 Piezas distinguidas (1993), Más distinguidas (1997), Still Distinguished (2000), PARAdistinguidas (2011) y Another Distinguée (2016). La intención última de La Ribot es crear cien Piezas distinguidas. Las piezas de las tres primeras series se pusieron en venta como arte efímero, y algunas tienen un Propietario distinguido. Panoramix (1993-2003) reúne las piezas de las tres primeras series, de 1993 a 2000. Con el tiempo, el concepto inicial de las Piezas distinguidas se ha ido ramificando y, superando el ámbito del espectáculo en directo, ha incluido formatos como la videocreación, la videoinstalación y el libro, entre otros soportes.

Panoramix (19932003) à 24, 28 y 30 de abril 19 h / Sala MAC / 22 € Es un espectáculo de 3 horas concebido como una antología que reúne, reorganiza y recoloca las Piezas distinguidas de las tres primeras series/ espectáculos, creadas entre 1993 y 2000. El espectáculo se ha representado en espacios muy singulares: la primera vez en el año 2003 en la exposición Live Culture (Tate Modern, Londres), también en el Museo Reina Sofia (Madrid) y en el Centro Pompidou (París); verla en el Mercat será una gran oportunidad porque esta pieza se presentará en contadas ocasiones.También fue el punto culminante de la retrospectiva dedicada a la carrera de La Ribot, titulada Occcuupppatiooon! y organizada en 2017 por el festival Tanz im August (Berlín). Se trata de una obra magistral que ha marcado la danza contemporánea y es sin duda un trabajo clave para entender a La Ribot. Concepto, dirección e interpretación La Ribot / Producción La Ribot-36 Gazelles, Londres / Un proyecto con Artsadmin (Londres) / Agradecimientos especiales Propietario distinguido

temporada 2018-2019

àDel 24 al 30 de abril Pack constelación La Ribot: 24 € (incluye entrada a los 2 espectáculos y las actividades) Conversación después de la función: vi 26 de abril Una Hora Antes: sa 27 de abril

Mariachi 17

Videoinstalación

vídeo

Despliegue (2001)

Mariachi 17 (2009)

à Del 24 al 30 de abril A partir de las 17 h / Proyección continua / Hall / Gratuito

à Del 25 al 30 de abril A partir de las 17 h / Proyección continua / Foyer / Gratuito

Despliegue utiliza de manera fragmentaria los elementos presentados (gestos, poses, vocalizaciones, objetos, vestidos, textos y vídeos) en las 34 primeras Piezas distinguidas, las que pudieron verse «en directo» en Panoramix.

Obra en vídeo filmada en una sola toma por tres bailarinas y que responde al concepto de cuerpo operador desarrollado por La Ribot. Mariachi 17 es una composición única, casi perfecta, sorprendente, que turba la mirada del público sin sumergirlo en el caos.

Concepto y dirección La Ribot / Cuerpo operador La Ribot / Director técnico y director fotografía Daniel Demont / Producción La Ribot-36 Gazelles, Londres, con el apoyo de London Arts / Un proyecto con Artsadmin, Londres

Concepto y dirección La Ribot / Cuerpo operador MarieCaroline Hominal, Delphine Rosay, La Ribot / Producción La Ribot / Coproducción Comédie de Genève – Festival de La Bâtie, Ginebra. Festival d’Automne, París. Les Spectacles vivants - Centre Pompidou, París. Fundação Caixa Geral de Depósitos – Culturgest, Lisboa, Réseau Open Latitudes (Les Halles de Schaerbeek - Latitudes Contemporaines - Le Manège Maubeuge Mons / La Maison Folie - Body Mind - L’Arsenic) / Con el apoyo Pour-cent culturel Migros, the Fondation Leenaards and Fondation Ernst Göhner

La Cía La Ribot recibe el apoyo de la Ville, del Cantón de Ginebra Pro-Helvetia. En 2018-19 La Ribot es artista residente del CND (Centro Nacional de la Danza), París

Despliegue

#LaRibot #Panoramix #LaughingHole

Laughing Hole (2006) à 27 de abril De 18 a 24 h / Sala PB / 12 € Días 28 y 30 se podrá visitar la instalación surgida de Laughing Hole a partir de las 16 h Espectáculo de performance e instalación a la vez, de 6 horas de duración, fue presentado en el Art Unlimited de Art Basel 37 (Suiza) en 2006. Como apunta Jaime Conde-Salazar, también es su trabajo más abiertamente politizado: «una expresión de rabia y repulsión frente a “la prisión ilegal de Guantánamo y toda la operación ideológica que lo acompaña”». Laughing Hole forma parte de la colección permanente del CNAP-Centre national des arts plàstiques de París.

Laughing Hole

Concepto, dirección e interpretación La Ribot / Intérpretes Tamara Alegre, Ruth Childs, Olivia Csiky Trnka / Sonido Fernando de Miguel

vídeo

Beware of Imitations! (2014)

Another pa amb tomàquet (2002)

à Del 25 al 30 de abril A partir de las 17 h / Proyección continua / Foyer / Gratuito

Creada en homenaje a Loïe Fuller, La Ribot parte del concepto de la escena como «caja negra», ya que Füller fue la primera artista que pareció dentro de este tipo de dispositivo. Beware of Imitations! está filmado siguiendo el principio del cuerpo operador dentro de una habitación totalmente negra con sólo tres «artistas» en el interior.

El vídeo utiliza escenas filmadas durante la producción de la «pieza distinguida» núm. 34, Pa amb tomàquet (2000). El método es el del «cuerpo operador» y en la música reencontramos Belmonte, del compositor Carles Santos. La pieza se erige en parodia afectuosa e irreverente de la escena de la ducha de Psicosis, aunque con un giro feminista.

Beware of Imitations!

Esta constelación escribe un poco tu historia, funciona como una retrospectiva. ¿De qué manera se han escogido las obras que la componen? Es una constelación, mucho más que una retrospectiva, porque no enmarca un momento, sino que lo abre. A la hora de pensar la programación con Àngels Margarit, siempre hablamos de posibles. Panoramix está formada por tres series de Piezas distinguidas que, en su momento, hace 15 años, ya fue una retrospectiva. Ahora hacía 15 años que no las presentaba, hasta que lo hice en Berlín este verano, por eso había la posibilidad física, por mi parte, de hacerlas de nuevo. Despliegue es la primera videoinstalación que hice, en 2001, donde fragmentaba todos los objetos procedentes de las Piezas distinguidas y los iba escampando. Después están las piezas de la colaboración… o más bien del amor que he sentido por Carles Santos, y la película Mariachi, donde se despliega todo el concepto de cuerpo operador a lo largo de 25 minutos de plano secuencia. Finalmente, Laughing Hole es una pieza de 6 horas de duración con 3 intérpretes en bata que no paran de reír, como una denuncia literal a la administración de George Bush y contra la guerra de Irak, de la que somos herederos. ¿Todavía ahora? Desgraciadamente, sí. La pieza hace referencia en concreto a la prisión de Guantánamo, pero también al encarcelamiento ilegal que se ejerce directamente desde el poder.

Videoinstalación

Concepto y dirección La Ribot / Cuerpo operador La Ribot / Música y piano Carles Santos

Hablamos con La Ribot

Concepto y dirección La Ribot / Cuerpo operador La Ribot / Música Fragmentos de Belmonte, Carles Santos / Producción 36 Gazelles-La Ribot, Londres / Un proyecto con Artsadmin, Londres

Es una obra muy fuerte. Es muy violenta y muy dura de hacer. Después de 10 años, los componentes del cásting original tuvimos que parar, ya no podíamos más. La danza y nuestro conocimiento corporal nos permitían domesticar la violencia que se ejercía sobre el cuerpo e incluso usarlo como un crecimiento más. Pero en un momento dado ya no podíamos seguir. ¿Y para el espectador? El espectador nunca es uno solo, son miles, y no sé qué les pasa. Hay gente que se queda las 6 horas quieta en el mismo punto, otros aguantan un minuto y después se van, y entre estos dos extremos están todos los demás. En realidad, el espectador está en la misma posición que las intérpretes: en este agujero oscuro sin escapatoria. Un amigo me explicaba que, en la prisión de Guantánamo, reír es la única cosa que les permite comunicarse y generar algún tipo de optimismo. Tus obras siempre han tenido un doble corte, de crueldad y de fina ironía. Nunca sabes cuándo empiezas a aprender, ni cuándo empiezas a afirmar.

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espectáculo

#RachidOuramdane #Tordre

Rachid Ouramdane Tordre àDel 3 al 5 de mayo 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 22 € Dramaturgias del Debate: sa 4 de mayo

Dos de las colaboradoras de Ouramdane desde hace muchos años interpretan solos solitarios en un dueto inquietante. Gestos hipnóticos y giratorios, intensamente físicos, interpretados por la bailarina lituana Lora Juodkaité que, girando vertiginosamente sobre un mismo punto, ha creado una manera propia de moverse que la acompaña desde la infancia. También es la historia de la bailarina británica Annie Hanauer, que baila con una prótesis: un brazo articulado que es a la vez una extensión y una parte integral de su cuerpo. Un espectáculo crudo y cautivador. Tordre es una pieza de danza fascinante... Las bailarinas de Rachid Ouramdane nos acompañan en un viaje cautivador: desde corridas en círculo como las que caracterizan a los niños hasta giros como los de los

temporada 2018-2019

derviches. (Télérama, Emmanuelle Bouchez, noviembre 2016) Rachid Ouramdane, que ha sido artista asociado al Theâtre de la Ville en París de 2010 a 2015 y al Teatre Bonlieu de 2005 a 2015 en Annecy, crea sus propios proyectos desde 1995; también realiza colaboraciones, como con el Ballet de la Ópera de Lyon o la Candoco Dance Company. Desde 2016 codirige el CNN Centro Coreográfico Nacional de Grenoble. Concepción, coreografía Rachid Ouramdane / Con Annie Hanauer & Lora Juodkaité / Coproducción L’A./ Rachid Ouramdane, Bonlieu – Scène nationale d’Annecy, la Bâtie – Festival de Genève dans le cadre du projet PACT bénéficiaire du FEDER avec le programme INTERREG IV A France-Suisse / Con el apoyo Musée de la danse, Centre chorégraphique national de Rennes et Bretagne / Pieza creada con el apoyo Ministère de la culture et de la communication/DRAC Île-de- France dans le cadre de l’aide à la compagnie conventionnée et de la Région Île-de-France au titre de la permanence artistique

#JesusRubioGamo #GranBolero

espectáculo

Hablamos con Jesús Rubio Gamo ¿Cómo surge la idea? El intercambio entre Madrid y Barcelona es muy potente y me emociona pensar que construimos un puente entre dos lugares que se encuentran en el centro del huracán en estos momentos, pero que también son dos ciudades que han hecho un cambio político importante hacia un modelo más habitable.

Los elementos biográficos son importantes para tu trabajo. Sí. En este momento miro atrás buscando la primera vez que encontré el gusto por bailar. Cuando hice Bolero yo vivía en una casa muy pequeña y sin luz en el centro de Madrid, tenía poco trabajo y mi compañero estaba de baja, era un ambiente opresivo en ciertos momentos. Con la música de Bolero, que es como un tren, un punto de fuga hacia delante, los bailarines llegan a un estado de cansancio en que hay que revisar las fuerzas para poder continuar, y este es el momento que me interesa: la transformación de los estados. ¿Físicos o mentales? Hay una serie de movimientos aprendidos a base de practicarlos, que en un momento dado quedan vacíos de la emoción que un día los puso en marcha y que los aguantaba. Quiero ver cómo practicar estas dinámicas y entender qué significan ahora a nivel emocional. Es lo mismo que hace Ravel: coge un sonido que está en el colectivo y lo lleva a los extremos para ver qué hay en su interior. ¿Me entiendes? Creo que sí. A veces no soy muy claro en mis respuestas, y ya me gusta, porque la danza es un conjunto de formas que se rellenan de un secreto compartido con el público. No diré cuál es ese secreto, porque de hecho no se puede explicar, es un lugar escurridizo al sistema, un lugar donde resguardarse.

Jesús Rubio Gamo Gran Bolero

A menudo hablas de frustración. Estudié muchos años para ser bailarín y sentía que no llegaba donde quería, no era capaz de plasmar exactamente lo que pensaba. Ahora asumo mi trabajo como un espacio pantanoso en el que nos tenemos que arremangar; no se trata de poner luz, sino de entrar en sus profundidades. El paso del tiempo también es un elemento clave en tus obras. Soy un viejo prematuro. Cumplí 30 años, era necesario que tomara unas decisiones de adulto cuando todavía me sentía soñando que la vida era hermosa. Tengo un amigo que dice que el tiempo es para malgastarlo, pero yo digo que se debe malgastar con placer.

àDel 17 al 19 de mayo 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 16 € Coproducción Mercat de les Flors

Jesús Rubio Gamo, coreógrafo madrileño formado en Londres, propicia un intercambio entre el Mercat de les Flors y los Teatros del Canal con seis bailarines de cada ciudad para hablar del esfuerzo y del placer de resistir. Gran Bolero es una danza sobre la obstinación, sobre el tránsito entre el placer y el agotamiento y también sobre el paso del tiempo. Idea, dirección artística y coreografía Jesús Rubio Gamo / Intérpretes 12 bailarines por definir / Coproducción Mercat de les Flors,Teatros del Canal

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Artistas residentes y asociados Os presentamos a nuestros actuales artistas asociados y residentes, coreógrafos a quienes el Mercat acompañará y apoyará durante su proceso creativo

Graduado en la School for New Dance Development de Ámsterdam en 2006 con una pieza que ganó el ITS Festival Award y se seleccionó para la gira DansClick por los Países Bajos. Aquel mismo año entra como coreógrafo residente al Teatro Frascati de Amsterdam y en 2009 recibe el prestigioso Charlotte Kohler Price. En 2011 se gradúa en la Ámsterdam Master of Choreography y vuelve a Barcelona, donde continúa produciendo nuevos espectáculos con la colaboración de diversos centros de creación como el Mercat de les Flors, que le ha coproducido obras como Sweet Tiranny o Sin baile no hay paraíso. Su trabajo se caracteriza por la apropiación de elementos de la cultura pop, en una coreografía multidisciplinar entre todos los elementos que conforman el engranaje teatral.

GUY NADER | MARIA CAMPOS

Colaboran juntos desde 2006. Su trabajo ha sido presentado en diferentes festivales y teatros internacionales y nacionales. Guy Nader, artista libanés residente en Barcelona, temporada 2018-2019

Y también ROSER LÓPEZ ESPINOSA, que presenta su nuevo trabajo esta temporada (página 51)

Artistas asociados MARINA MASCARELL

PERE FAURA

fue galardonado con la beca danceWEB Europe en 2012 y recibió el primer premio en el Festival Internacional Masdanza por su solo Where The Things Hide. Maria Campos, formada en SEAD en Austria y en la Escuela Superior de Artes de Ámsterdam (MTD), ha trabajado con Meekers, Protein Dance, Sol Picó y Àngels Margarit / Cia. Mudances, entre otros. Sus últimas colaboraciones con compañías de otros países les han catapultado internacionalmente. En el Mercat hemos visto las obras Times Takes The Time Time Takes y Set of Sets, que les ha coproducido.

Artistas residentes

Esta coreógrafa española-neerlandesa fue galardonada con el prestigioso Premio de Danza del BNG Bank 2015 por ser una artista con gran talento y proyección. Desde el año 2012 trabaja como coreógrafa independiente y ha creado piezas para grandes compañías como el Nederlands Dans Theater I de La Haya, el Scapino Ballet de Rotterdam, el Dance Fórum Taipei, el Ballet Junior de Ginebra o el Ballet de la Ópera de Lyon; en el Mercat vimos Mongrel, creación que es un continuo descubrimiento de temas absolutamente actuales del mundo en el que vivimos.

Y también ALBERT QUESADA, que presenta su nuevo trabajo esta temporada (página 37)

El trabajo coreográfico de Roser López Espinosa se basa en una fuerte fisicidad, con una gran pasión por la precisión, la delicadeza, los elementos acrobáticos y el detalle. La complicidad y el trabajo de equipo se dan la mano en un imaginario vital y lleno de juego, de poética refinada y un toque de humor. Formada en Ámsterdam, ha trabajado con coreógrafos como Àngels Margarit, Cesc Gelabert, Pere Faura o Iago Pericot. Su trabajo como creadora le ha valido el reconocimiento con varios premios y está presente regularmente en escenarios internacionales con piezas como Lowland, Novembre o Hand to hand. En 2017/18 pudimos ver L’estol para la Producció Nacional de Dansa. Coreógrafa invitada por compañías internacionales, como Conny Jansen Danst (Holanda) y Skånes Dansteater (Suecia).

#RoserLopezEspinosa #BRUIT

Hablamos con Roser López Espinosa ¿Qué significa para ti ser artista residente? Es una relación que va más allá del proyecto que presentaré esta temporada, a más largo plazo, y que me permite trabajar en una gran casa de la danza y tener el apoyo, el seguimiento y la continuidad, un espacio de cuidado. También eres artista asociada a La Caldera. La Caldera es donde trabajo y ensayo diariamente, donde tengo el almacén y el taller, pero no es una relación comparable. ¿Qué tienes previsto hacer bajo este paraguas de artista residente? Soy artista residente para la temporada 2018 y hasta la 2020 y, de momento, estrenaré una pieza de grupo, después ya veremos.

Roser López Espinosa Bruit (título provisional)

¿Cómo te has planteado esta pieza? Quería continuar trabajando alguna de las herramientas que utilicé antes, como los entramados físicos y de cuerpos, junto a la idea de afinación. Afinar tiene mucho que ver con la orquestación musical, pero también significa ponerse de acuerdo entre las personas (y el acorde viene de la palabra cuerda y de la armonización de las cuerdas, que nos retorna a la música). He querido investigar la manera cómo nos ponemos de acuerdo, cómo se sintonizan diferentes cuerpos. Me emociona cuando las orquestas afinan antes de empezar un concierto, que es el momento sublime de la orquesta. Me interesa la idea de trama, de nudo y de lío, y de cómo llegar a un equilibrio que también incluya el desorden -que no es más que uno de los órdenes posibles-. Es como la artesanía que, a partir de materiales cualquiera, una vez trenzados se forman objetos exquisitos. ¿Como la orfebrería? No solamente. El refinamiento (que es como afinar dos veces) o la sofisticación pueden venir de elementos muy humildes, sólo depende de cómo los utilizas. A menudo se trata de encontrar el tono compartido. ¿Conoces a los otros artistas residentes o asociados? A algunos más que a otros. Con Guy Nader y Maria Campos he trabajado mucho; con Pere (Faura) bailé una pieza cuando estábamos juntos en Holanda; con Albert Quesada compartimos Lab de Cèl·lula. Y también con Marina, que la estoy conociendo y me parece muy interesante lo que hace.

àDel 9 al 12 de mayo 20 h (do 18 h) / Sala MAC / 16 € Una Hora Antes: sa 11 de mayo

La temporada pasada firmaste L’estol, una de las piezas de la Producció Nacional de Dansa. ¿Cómo fue? Fue la primera vez que pude trabajar una pieza de gran formato en Cataluña y, lo más importante, hacer una larga gira después del estreno: 28 bolos de octubre a febrero, que permitieron verla crecer en muy poco tiempo, fue precioso. Porque cada pieza necesita su tiempo para incorporarse, de manera matérica, en la musculatura, los huesos, las vísceras... Cuando los bailarines se hacen suyo el material, la coreografía se asienta con resonancias propias.

Coproducción Mercat de les Flors

El nuevo trabajo de Roser López Espinosa es una pieza de grupo en la que la coreógrafa habla de la distancia, a veces mínima, entre lo común y lo más sutil. La coreógrafa es artista residente del Mercat de les Flors esta temporada. Concepto y coreografía Roser López Espinosa / Intérpretes Nora Baylach, Roberto Provenzano, Magí Serra, Anamaria Klainšcek, Noé Ferey / Música original Marck Drillich / Coproducción Mercat de les Flors, Temporada Alta / Con el apoyo Atrium Viladecans, Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya

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Escarlata Circus

El circo de la cotidianidad, esto es Escarlata Circus, compañía que, a lo largo de más de 30 años de equilibrios con verduras y malabarismos con marionetas, ha creado un lenguaje poético con el que ha sabido explicar la historia de la humanidad con humor y hacernos reír con las penas del día a día. El Mercat ha invitado a Escarlata Circus a mostrar algunos de sus trabajos y ellos han propuesto para su constelación a los franceses Circo Aereo y L’Attraction Céleste.

constelación

Pugilatus

Hemos escogido estas dos compañías por su proximidad con nosotros: Circo Aereo porque nos sentimos muy cercanos a su manera de entender la vida, en la forma de concebir el arte y tratar el humor, y L’Attraction Céleste porque creemos que son unos genios del género payaso. Escarlata Circus

Pugilatus à 23 y 24 de mayo 21:30 h / Sala MAC / 16 € Experiencia teatral donde público y actores comparten el mismo espacio, un cuadrado, donde se hablará de los orígenes de todos, de lo que les ha alimentado; nos hablarán de los miedos y de sus triunfos, de las creencias. La mezcla Jordi Aspa y Piero Steiner da como resultado un viaje cómicodramáticopoéticorporal donde la historia nace de sus propias entrañas. Un baile de emociones y de historias, un combate de boxeo entre la fuerza y el sentido común. Escarlata retoma este espectáculo que no había representado desde 2014. Premio Aplauso FAD 2013. Pugilatus es una lección afectuosa del soportarse cotidiano, de quererse con locura, de vivir... juntos. Andrés Lima Idea, guión e interpretación Piero Steiner, Jordi Aspa / Cómplice dramático Andrés Lima / Acompañamiento artístico Bet Miralta / Acompañantes Teatre de Olot, IMAC Mataró / Partenaires Teatre de l’Escorxador de Lleida, Teatro Cervantes – Málaga / Coproducción Temporada Alta / Agradecimientos Marduix Titelles, Pino Steiner, Eloi Vila, Cesc Miralta, Talleres Nevado temporada 2018-2019

Devoris Causa

#EscarlataCircus

Escarlata Circus Una Hora Antes: sa 25 de mayo Conversación después de la función: vi 31 de mayo Pack constelación completa: 50 € O también a partir de 3 espectáculos descuento del 40% (10 € entrada + acceso gratuito a las actividades)

En 1987, Jordi Aspa y Bet Miralta crearon Escarlata Circus; desde entonces han hecho un gran número de espectáculos que han girado alrededor de Europa, Israel y Rusia. Directores artísticos de Trapezi, la Feria del Circo de Reus desde sus inicios en el año 1997 hasta 2011. Galardonados con el Premi Nacional de Circ en 2007, también han dirigido espectáculos de otras compañías o eventos. El circo nos ha apasionado siempre; por su fragilidad, por su sensibilidad, por su poesía y por sus formas de expresar los sentimientos. Escarlata Circus

Devoris Causa à Del 23 al 26 de mayo 20 h (do 17 h) / Sala MAC / 16 € Espectáculo servido en la intimidad de un espacio circular en el que la poesía del movimiento de dos personajes nos hará viajar al futuro pasado del pluscuamperfecto indefinido de las emociones. La manipulación de elementos, en este caso verduras, nos sirve para explicar una historia cruel y cotidiana con los perfumes más sabrosos de la cocina. ¡Este espectáculo acaba de celebrar su representación número 500 después de 10 años de gira! Idea y guión Escarlata Circus / Dirección Jordi Aspa / Intérpretes Jordi Aspa, Bet Miralta / Mirada exterior en movimiento Roberto Olivan / Coproducción Temporada Alta, Festival Panorama – Olot, Festival Excentrique – Région Centre - Francia, Les Tombées de la Nuit – Rennes - Francia, Circa Circuits Auch - Francia, L’Usine – Tournefeuille – Francia / Con la colaboración Generalitat de Catalunya. Red Transversal de Actividades Culturales - 7 ciudades

Quan els crancs portin talons à Del 31 de mayo al 2 de junio 20 h / Sala MAC / 16 € Coproducción Mercat de les Flors

La nueva creación de la compañía Escarlata Circus se sumerge en la vida en pareja de 30 años desde su propia experiencia, tanto artística como personal, a partir de elementos cotidianos tensando la cuerda entre el imaginario y la realidad de una pareja que juegan, se doman, se aceptan y, por encima de todo, se quieren. En esta nueva aventura, buscamos el equilibrio para huir de la gravedad de la realidad y nos transformamos para derribar el mito de la identidad. Somos una pareja de jóvenes acróbatas revisados

recientemente por una pareja de payasos maduros bailando los cuatro juntos. Cuchillos que vuelan hacia el futuro y siluetean nuestro pasado. Látigos de dulce manejo prolongan la voluntad del domador desafiando la barrera del sonido. Cabellos contorsionistas. O cada una de las teclas de la máquina de escribir forma parte del gran secreto; pero sólo todas juntas pueden desvelárnoslo. ... Yo quería ser domador ... Yo todavía quiero volar y este es nuestro circo... Escarlata Circus Dirección Laura Tajada / Escritura Laura Tajada, Escarlata Circus / Artistas Jordi Aspa, Bet Miralta / Acompañamiento artístico Bauke Lievens / Coproducción Mercat de les Flors; Théâtre de l’Agora Scène Nationale d’Évry et de l’Essonne (Francia); Scène Nationale du Sud-Aquitain,Bayonne (Francia) / Residencias Teatre Principal de Olot - Institut de Cultura de Olot; La Grainerie, fabrique des arts du cirque - Balma (Francia); Can Gassol, Ayuntamiento de Mataró; Factoria Cultural Coma Cros, Ayuntamiento de Salt; vzw PERPLX, Kortrijk, Marke (Bélgica) / Con el apoyo Departament de Cultura, Generalitat de Catalunya www.mercatflors.cat

Circo Aereo Un cirque plus juste à1 y 2 de junio 20 h / Sala PB / 16 € Un momento de intimidad entre un artista y un público reducido define este delicado espectáculo de circo. Luces hechas a mano que enfatizan el momento y objetos maravillosos que se revelan al público, manipulados hábilmente y que dan lugar a un circo encantador. Circo Aereo, la principal compañía de circo finlandesa, fue creada en 1996 por Jani Nuutinen y Maksim Komaro, establecida también en Francia desde 2001. Trabajan en las imágenes de circo y magia, en carpas de circo o en lugares inusuales, buscando sobre todo la experiencia más delicada e íntima para la audiencia.

Circo Aereo

L’Attraction Céleste

L’Attraction Céleste Bobines à 25 y 26 de mayo sa 21:30 h (do 18:30 h) / Sala MAC / 16 € Espectáculo circular para 190 personas que mezcla el arte del clown, la música y el cine, Bobines es un relato íntimo y extraordinariamente humano. El dúo Bibeu y Humphrey profundiza en la intimidad de los payasos y en el placer de establecer una relación con el público. Artistas multidisciplinares, Servane y Antoine usan música, movimiento, clown y cine para crear espectáculos originales en los que el objetivo es generar una relación cercana e íntima con el espectador. Autores e intérpretes Servane Guittier, Antoine Manceau / Coproducción Le Sirque Pôle National des Arts du Cirque, Nexon, Limousin CIRCa Pôle national des arts du cirque, Auch Ville de Tours Label Rayons Frais La Cascade Pôle National des arts du Cirque, Ardêche-Rhône-Alpes Centre d’Animation de la Cité Lausanne (Suiza) temporada 2018-2019

Concepción, dirección, escenografía, iluminación, diseño, actuación Jani Nuutinen / Mirada artística Rolan Shön / Coproducción Le Sirque PNC Nexon; Nouvelle Aquitaine L’Agora; Centre Culturel PNC Boulazac Aquitain; La Fabrique – Scène Conventionnée de Guéret / Con el apoyo Ministerio de Cultura Francés – DMDTS; Fondation Beaumarchais – SACD (aide à l’écriture); Espace Périphérique, Parc de la Villette – Ville de Paris; Regards et Mouvement – Hostellerie de Pontempeyrat; La Pleïade – Ville de la Riche

Mercat expandido Por un lado, encontraréis programación del Mercat Expandido en dos museos de Barcelona, el MACBA -como parte de la constelación de Boris Charmatz- y el MNAC -con obras de Peter Stamer y de Jordi Galí- (ver página 12). Por otro lado, la radicalidad de la coreógrafa y artista plástica irlandesa Oona Doherty se podrá ver en la sala Hiroshima, y el flamenco actualizado de Juan Carlos Lérida deberá dialogar con las danzas de raíz en la Fira Mediterrània de Manresa.

El Mercat de les Flors expande sus actividades y sale del edificio que le da nombre, encaminándose a otros espacios no necesariamente teatrales ni de nuestra ciudad.

Sala Hiroshima

Oona Doherty Hope Hunting à 30 de septiembre

Fira Mediterrània de Manresa

Entre el teatro físico, la reivindicación social y la danza, esta pieza -que ya ha recibido varios premios- es una búsqueda de esperanza a través de una Europa sucia y a la vez sublime. La artista irlandesa deconstruye el estereotipo del hombre blanco de clase trabajadora para intentar elevarlo a la brillantez.

Juan Carlos Lérida Máquinas sagradas à 5 y 6 de octubre El artista se sumerge en una fase de su proyecto La Liturgia de las Horas, que se estrenará en 2019 y que gira en torno a la simbología del número 12. En Máquinas sagradas investiga el encuentro con gremios, trabajadores y colectivos. Hasta ahora yo estaba en búsqueda de lo ordinario en los cuerpos del flamenco. Hoy busco en los cuerpos ordinarios el flamenco, dice Lérida.

MNAC

Peter Stamer On Truth and Lie in an Extra-Moral Sense à 25 de octubre

Dentro de la bienal de pensamiento Ciutat Oberta, que nace en 2018 de manos de Barcelona Cultura con el objetivo de debatir los ejes sobre los que se sostienen las ciudades, principales escenarios de las múltiples transformaciones. Con una obra que se representa en museos de todo el mundo, Peter Stamer se cuestiona la búsqueda de la verdad a través de las conclusiones de Nietzsche. El filósofo alemán pensaba que el hombre encuentra sus verdades mediante el fraude que obtiene de las metáforas. Peter Stamer y Frank Willens hacen visible este conflicto a través de su propia metáfora escénica.

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Educación / Públicos / Comunidad Entre la investigación, la pedagogía, la creación y la escena

Un conjunto de propuestas paralelas, educativas y de formación bajo distintos programas que amplían y hacen resonar la propia exhibición Seguimos trabajando para una oferta amplia de actividad que expande la exhibición, poniendo al alcance del público una estructura de programa singular que se desarrolla a lo largo de la temporada en diferentes intensidades, organizado en red con entidades y centros implicados en la creación, la formación y el fomento de las artes vivas y la danza. Conforman los ejes principales los proyectos de sensibilización del público más joven y los proyectos que promueven nuevas relaciones de los ciudadanos con la experiencia artística.

Educación El Mercat pone al alcance de la escuela un programa en el que conviven la exhibición, los recursos pedagógicos y la práctica artística en el aula. Con el deseo de despertar la sensibilidad y enriquecer el conocimiento de la danza entre los más jóvenes, seguimos proyectos que se abren al máximo de intereses y de miradas, organizados por niveles escolares, desde preinfantil a bachillerato.

Escolares 0-18. Oferta de espectáculos y festivales 0-5 Festival El Més Petit de Tots 14.a edición del festival El Més Petit de Tots, con un programa de espectáculos para la primera infancia que organizamos en conjunto con 11 ciudades de Cataluña.

3-12 Programa para infantil y primaria Dan Dan Dansa y Dan Dan Circ, con compañías nacionales e internacionales. Cuentan con tres creaciones del país: Tarannà, de Maria Campos GN|MC; La partida, de Vero Cendoya, y la nueva creación de Cris Blanco, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, Lo mínimo; las internacionales Ice Palace, de la compañía holandesa Plan d, y D’à côté, la primera pieza para público infantil del reconocido coreógrafo Christian Rizzo. Dentro de Dan Dan Circ, presentamos UduL, de Los Galindos, y Möbius, de Miguel Gigosos. Al terminar la función se invita siempre a los alumnos y alumnas a un coloquio con los artistas. temporada 2018-2019

12-18 Programa para secundaria Grada Jove es un programa propio del Mercat de les Flors en el que presentamos creaciones contemporáneas a alumnos de secundaria. Con un formato flexible que relaciona los alumnos con la obra, cada Grada Jove se define en función de la propuesta escénica (ensayo abierto, lectura comentada, foro...). Esta temporada presentamos dentro del programa #LosMicrófonos, una mirada singular sobre el universo de la cultura pop firmada por Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, y Flamingos, de Albert Quesada, uno de los artistas residentes del Mercat de les Flors. Información general: Precio de la actividad: 6 € alumno/a (profesores y tutores gratuito) Reserva e inscripciones, a partir de setiembre 2018 en www. barcelona.cat/ccp + info: educatius@mercatflors.cat / Teléfono: 93 301 00 60

Recursos educativos para profesores y alumnos

Maleta didáctica Dan Dan Dansa – Versión online A partir de las herramientas digitalizadas que encontramos en la maleta Dan Dan Dansa, hacemos accesible a docentes y alumnos la introducción de la danza con materiales y herramientas de formato diverso: programas interactivos, vídeos, materiales visuales y plásticos, guías pedagógicas para el docente con referencias específicas al currículum de competencia. Dentro de la plataforma CaixaEscena.org. Versión en catalán y castellano.

Proyectos educativos en colaboración El trabajo en red y la cooperación permiten al Mercat de les Flors participar —y liderar, en otros casos— en diferentes proyectos educativos, entre los que destacan:

Cuerpo y Movimiento 0-3 Espectáculos, laboratorios en el aula y talleres: sexto año del proyecto Cuerpo y Movimiento 0-3 para preinfantil organizado con el Consorcio de Educación de Barcelona. Buscamos la proximidad al hecho escénico y el descubrimiento de todo lo que envuelve el lenguaje del cuerpo y el movimiento. Con los laboratorios y talleres se proponen espacios de libertad y juego para que el pequeño pruebe, investigue y explore. Tot Dansa y Tots Dansen Proyecto de práctica artística en el aula, dirigido a alumnos de secundaria de la ciudad de Barcelona (con IMEB e IT) y Cataluña (con Transversal). La creación conjunta con los estudiantes de una obra escénica liderada por profesionales del sector pone de relieve el valor pedagógico del proceso creativo. Creadores En Residencia Un programa del Institut de Cultura de Barcelona y del Consorcio de Educación de Barcelona, ideado en cooperación con Fábricas de Creación y la asociación A Bao A Qu. El Mercat de les Flors y Graner participan en el proyecto vinculando la creación coreográfica y la educación, en el contexto de la educación secundaria. Más información: educatius@mercatflors.cat

Curso de formación de profesorado Formación que se lleva a cabo en el segundo trimestre escolar con el objetivo de dar herramientas y metodologías para introducir el lenguaje de la danza en el aula. Su profesorado está integrado por profesionales en activo del ámbito de la creación coreográfica y escénica. Está reconocido por el Departamento de Enseñanza de la Generalitat de Catalunya y acoge a profesorado de todos los niveles educativos: preinfantil, educación infantil, primaria y secundaria. Más información: www.mercatflors.cat

** DVD educativos Colección de DVD para familias, pequeños y educadores con propuestas didácticas, divertidas y creativas alrededor de los espectáculos: Momentari, de Nats Nus, Flexelf, de Àngels Margarit / Cía. Mudances y Nubes, de Aracaladanza. Edad recomendada: a partir de 5 años.

Públicos Taller para espectadores activos

Programa modular de actividades singulares que el Mercat propone alrededor de los creadores y la temporada: 3 módulos trimestrales con actividades y encuentros para profundizar y aproximarse a diferentes distancias a los creadores y a sus universos creativos. El programa proporciona espacios para la reflexión, el pensamiento y la práctica, invitando al espectador a relacionarse con el hecho creativo desde perspectivas e inquietudes diversas. Cada módulo es independiente e incluye: presentaciones conferencias películas

prácticas corporales ensayos abiertos / lecturas comentadas El espectador puede escoger asistir a 1, 2 o 3 módulos. Precio: 1 módulo 10 €, 2 módulos 17 €, 3 módulos 22 €. La inscripción a las actividades por separado cuesta 3 €.

Una Hora Antes

Para estar más informados de lo que pasa en el escenario. Una zona y un tránsito hacia el espectáculo. De la mano de profesionales del sector, bailarines, coreógrafos y teóricos, tendremos las voces y historias más íntimas y cercanas, desvelando detalles y referencias del lenguaje y contextos de la compañía y del creador. Gratuito. Sábado de función según programa (ver fichas espectáculos), a las 19h + info www.mercatflors.cat. Actividad coordinada por BdDansa_Explicadansa.

Conversaciones después de la función Al acabar la función, el Mercat invita a algunos de los coreógrafos de la temporada a compartir un rato con su público. Gratuito. Calendario: ver espectáculos. Más información: www.mercatflors.cat

Editorial Cuerpo de Letra Colección editorial de danza y pensamiento del Mercat de les Flors y el Institut del Teatre. Ediciones en catalán, castellano y gallego. Blog del Mercat. Reflexiones alrededor de la danza Edición abierta y viva con textos teóricos, de ensayo y pedagógicos alrededor de los espectáculos y procesos de creación. Con firmas de teóricos y académicos en activo en el campo de la teoría de la danza, el periodismo y la dramaturgia. El blog conforma un compendio completo de las creaciones que hemos presentado en las últimas temporadas. Los textos se acompañan de materiales bibliográficos complementarios. **DVD educativos (ver página anterior)

Proyectos acogidos

Dramaturgias del Debate

Barris en Dansa. Proyecto comunitario en que personas de varios barrios de Barcelona participan en la creación de un espectáculo de danza, liderado por el coreógrafo Álvaro de la Peña/Iliacán cia Danza.

Gratuito. Calendario: ver ficha de espectáculos y + info en: www.mercatflors.cat

Sudansa. Acogemos los Encuentros de Danza en la Escuela, resultado de un trabajo de creación coreográfica de un año que asocia a coreógrafos profesionales con alumnos y profesores de escuelas implicadas en el proyecto de Sudansa. Se presentan piezas coreográficas surgidas de este proceso artístico, cultural y pedagógico conjunto y se combina con intervenciones en escena de los mismos coreógrafos. El proyecto reúne cerca de 400 alumnos. www.sudansa.com

Una propuesta para los comentarios postfunción que pretende empoderar a los espectadores en la recepción y digestión del arte y favorecer la interrelación entre el público, a partir de unas reglas de juego que activan el pensamiento desde la diversión. Una idea de Agost Produccions y Roberto Fratini.

Extensiones bibliográficas y de contexto

Un espacio para poner al alcance de los espectadores información, documentación y contextualización de las creaciones y creadores, que favorece el encuentro social entre el público interesado y genera conocimiento y afección. Un espacio de espera ilustrada y de tránsito hacia la sala.

Media Horita Antes

Para los espectadores inquietos del Talla Única. Propuestas visuales y de juego a la entrada y salida del espectáculo para sumergirnos en el imaginario de la pieza escénica. Conducidas por profesionales del ámbito de la pedagogía y la danza. En el hall y foyer del Mercat. Gratuito. +Más información: www.mercatflors.cat

Talleres en familia

Os proponemos seguir la temporada con 8 talleres para disfrutar la danza con la familia. De la mano de profesionales y creadores, las sesiones se organizan los sábados por la tarde. Ver calendario, condiciones e inscripciones en www.mercatflors.cat

Africa Moment. Encuentro internacional de artes escénicas contemporáneas de África. Con la danza como hilo conductor, se pretenden generar espacios de creación y reflexión a través del cuerpo para la dignificación, visibilización y posicionamiento de la creación africana dentro del arte contemporáneo nacional e internacional. ARTransforma. Organización sin ánimo de lucro fundada en el año 2009 por profesionales del arte y la cultura para fomentar la igualdad de oportunidades y el acceso universal al arte y a la cultura, en cualquier vertiente (participación, educación, profesionalización…) y disciplina artística (música, danza, pintura…). Su trabajo es en red con entidades y profesionales de otros ámbitos. Premi IT. En motivo del 70.º aniversario de la creación de la Sección de Danza, el Institut del Teatre instituyó un Premio Coreográfico dirigido a los jóvenes creadores e intérpretes ofreciéndoles una ayuda en la producción y a la exhibición y facilitar su inserción laboral.

Colaboradores El Mercat con

Sala Hiroshima con Oona Doherty (p. 55) Fira Mediterrània de Manresa con Juan Carlos Lérida (p. 55) MNAC con Peter Stamer (dentro de la Biennal Ciutat Oberta) y Jordi Galí (p. 55) MACBA con Boris Charmatz (p. 13 a 15)

En Red

Filmoteca - Ciclo Por Amor a las Artes Nuevo año de la iniciativa Por amor a las artes, un ciclo de cine relacionado con las otras artes que hace 6 temporadas pusieron en marcha la Filmoteca de Catalunya y el MNAC. La programación semanal consiste en una proyección de un film que relaciona el mundo del cine y del arte, precedida de una introducción a cargo de un experto. Además de la Filmoteca y el MNAC participamos equipamientos culturales de la ciudad: Mercat de les Flors, Teatre del Liceu, L’Auditori, TNC, Teatre Lliure, Palau de la Música, Servei de Biblioteques, Institució de les Lletres Catalanes y Fundación Mies van der Rohe. ART i PART Poble-sec. Proceso de creación artística colaborativa con vecinas y vecinos, entidades, colectivos y creadores del Poble-sec. El Mercat de les Flors participa de este partenariado entre las artes vivas y el barrio. Proyecto inscrito en el programa ART i PART, creación artística comunitaria en los barrios impulsado por el Institut de Cultura de Barcelona. FLIC, Festival de Literatura y Artes. Por segundo año el Mercat será sede colaboradora del Flic, un festival innovador de acciones, experiencias y creación que invita a familias, escuelas y profesionales a disfrutar de la literatura y las artes. El programa apuesta por la experimentación en los diferentes formatos culturales. Esta temporada el Flic celebra su 9.ª edición. Y también estamos trabajando con los festivales Grec, Sismògraf, SÂLMON<, la Fundación Miró y los proyectos internacionales Map to the Stars, EDN...

Accesibilidad (programas y acciones)

El Mercat de les Flors promueve acciones y participa en programas que facilitan el acceso y fomentan la participación y la inclusión de todas las personas: Apropa Cultura Viernes Joven Tarifa Vecinos del Poble-sec Escena 25 Quadern Cultura Carnet de Bibliotecas www.mercatflors.cat

ENG THOMAS NOONE DANCE Closer

In Closer, Thomas Noone once more employs his explosive style of elaborate composition structures, acrobatics, virtuosities and extreme physicality. The London choreographer wants to expand his vision of dance and give it new expressive abilities. With the company that he founded in 2000, Noone has created over 20 pieces that have toured around the world. In 2011 he received the City of Barcelona Prize.

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ANA BORRALHO & JOÃO GALANTE Trigger of Happiness

This participatory piece features young people aged between 18 and 23 who ask questions about happiness; on stage they strip down emotionally to talk about their dreams, conflicts, risks, identities, visions and experiences. It’s a reflection on the transformations happening in society today and the expectations of these young adults. Ana Borralho and João Galante have worked together since 2002 in performance art, dance, theatre, installation art, photography, sound and video. During the Mercat’s 2017-2018 season, they presented their community piece Atlas as part of the SÂLMON< festival.

it features work by artists connected to past IDNs like Kònic Thtr, Gilles Jobin, the Instituto Stocos, Eloi Maduell and Erre que Erre, among others, as part of a programme that includes conferences, round tables and film screenings.

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CONSTELLATION BORIS CHARMATZ

For the first time in Barcelona, the Mercat de les Flors presents this indispensable French choreographer who takes dance beyond its limits and frontiers into unique spaces. Since 2009, Boris Charmatz has been the director of the Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne (France), and he’s transformed it into a new concept of dance museum (Musée de la danse). Between 1996 and today, this dancer and choreographer has also created a series of truly memorable pieces.

Flip Book

Based on the book Merce Cunningham, Fifty Years, Charmatz reassesses 150 pieces developed by the US choreographer in the shape of a dance show. Flip Book is an unclassifiable and multipurpose object, which was started with art students then continued with former members of Cunningham’s company, dancers and aficionados. It’s a Cunningham true-false, playful and turbulent.

20 ballarins pel segle XX

Twenty artists from different generations interpret, evoke, borrow and convey solos from the last century that were once celebrated but are forgotten today. It’s a living archive that’s being presented in museums around the world.

10.000 gestos

This is fleetingness taken to extremes: numerous dancers perform 10,000 gestures, all of them different and each only visible once. They disappear as soon as they’ve been completed, as an ode to the impermanence of dance.

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Pages 13, 14 and 15

IDN plus

ConstellaTiON JORGE DUTOR & GUILLEM MONT DE PALOL

Homage to Núria Font

This tribute looks back at the work of Núria Font and lays the foundations for an event to carry on her teaching. It runs alongside other happenings in Madrid and Barcelona, such as the exhibition produced by Arts Santa Mònica in partnership with Mercat de les Flors and the Festival Loop in November. IDN Plus doesn’t aim to be a festival but rather a meeting-point for everyone whose paths crossed at its previous editions. As a result temporada 2018-2019

In this constellation, discover the creative world of these two artists and their marginal pieces in which they suggest surprising universes. Guillem Mont de Palol and Jorge Dutor, an artistic partnership created in Amsterdam in 2008, play at creating risible fictions that are actually incisive looks at pop culture and other myths of modern society.

#LOSMICRÓFONOS

In this piece created in 2013, Dutor and Mont de Palol submerge themselves in pop culture. Playing with and recomposing lyrics, refrains, song titles and other elements from popular culture, they convey landscapes where the audience enters a field of personal memories and savage associations.

Y por qué John Cage?

This 2011 performance is about sound and meaning in a given discourse; about the power of the sound of words, and sound as a structure, a dynamic that travels. In this performance the discourse can be anything. It’s not important what you say but how you say it, and which musical and choreographic tools are used to destroy the text and to submerge oneself in the work of the performer.

Grand Applause

This is an exhibition in four acts or an opera that moves between the four rooms of an exhibition. Created in 2016, the piece envisions the transition from an exhibition format to a performance format by contemporary artists such as Luis Úrculo, Norberto Llopis and Bernhard Willhelm.

Eva Meyer-Keller Some Significance

This is a choreographic game for explaining reality to us and for gaining a better understanding of the world that surrounds us, based on the interpretation of scientific elements and through the use of everyday objects. With an extensive international career behind her, German artist Eva MeyerKeller breaks through the limits of visual and performance arts.

Marcos Simões & Sara Manente TeleVisions

Simões and Manente created this piece as an experiment in telepathy between the public, actors and receivers. It reflects on questions such as what is a representation, what provokes us, how do virtuosity and failure work, and what are our expectations.

Pages 16 and 17

MEG STUART & DAMAGED GOODS VIOLET

In VIOLET Meg Stuart positions movement as the piece’s primary motor, identifying choreography with an alchemy of the senses. Live percussion and electronic music accompany the five dancers who reveal a landscape full of energy to the audience.

An evening of solo works

In recent times, Meg Stuart has created a number of solos in which she explores daily movements and physical conditions. An evening of solo works (2013) presents a selection of these solos, as well as fragments from longer pieces. US choreographer and dancer Meg Stuart, who’s based between Berlin and Brussels, has just received the Golden Lion at the Venice Biennale in recognition of her career; she’s been one of the leading figures in European contemporary dance since the end of the 1990s. This is an opportunity to see her in Barcelona, where she’s only performed once before and many years ago. Stuart founded her Damaged Goods company in Brussels in 1994, and has since created over 30 productions with it.

Pages 18 and 19

EL MÉS PETIT DE TOTS

This festival is aimed at children between 0 and 5 years old, and sees 11 Catalan cities take part. At the Mercat, six shows are being performed, one of which, Jungla, it has co-produced.

Catalan circus world. Since its inauguration in 1996, the company has created 13 shows and been a pioneer in the incorporation of the flying trapeze in street circus acts.

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COMPAGNIE DERNIÈRE MINUTE – PIERRE RIGAL Mobile

This is the third solo from French choreographer Pierre Rigal and tells the story of a man who tries to fill the immensity of his essential space. It’s an intelligent piece that lies somewhere between theatre and dance, and deals with the relationship between objects and image using humour and delicacy. Pierre Rigal originally trained as an athlete then later studied maths, economics and cinema. Encounters with choreographers like Nacera Belaza, Philippe Decouflé and Wim Vandekeybus eventually drew him into the world of dance. In 2002, he joined the company of choreographer Gilles Jobin, and the following year founded Dernière Minute.

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Big Bouncers

PLAN D

On this trip through an ecosystem, all kinds of creatures, shapes, colours and sounds might appear. Jungla is a show for all ages where you see bodies that are camouflaged, bodies that shine, float, bounce, stretch and constantly change.

Five adventurers set off on an expedition through a frozen universe where, through the ice, they discover their own vulnerability. It’s a humorous but unsettling piece. Since 2008 the Dutch company Plan-d, headed up by Andreas Denk, has created captivating works for children and their families, with narrative pieces that revolve around themes related to people’s daily lives.

Jungla

Pages 20 and 21

HOP

Processos

Hop Processos aims to make the processes of creating, investigating and reflecting on urban dance easier, with local and international artists performing pieces that are still in the process of creation. The public can access the very core of the works, get to know the artists in-depth, and take part in talks and analysis of the current panorama of dance.

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LOS GALINDOS UduL

The yurt of Los Galindos, a small tent that provides this circus company with an endearing intimacy, is once more the space for its latest production, an exercise in research and the rediscovery of physical capabilities and of the emotional confrontation of individuals with themselves. Winner of a Catalan National Culture Prize in 2016, Los Galindos is a leader in the

Ice Palace

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COMPANYIA VERO CENDOYA La partida

OTRADANZA Rito

Choreographer Asun Noales has partnered on this production with artist Susanna Guerrero to create a show that combines dance and plastic arts, where an on-stage offering is made through a choreography with shocking and disruptive images.

Da capo

This show came about following the artistic reunion of two of the most important Valencian choreographers on the scene today, Asun Noales and Gustavo Ramírez; it’s an investigative work that premiered in 2014 as a celebration to mark 10 years since the creation of OtraDanza.

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MARLENE MONTEIRO FREITAS

Bacants – Preludi per a una purga

Delirium, irrationality, hysteria and madness merge in this piece that was inspired by the Greek tragedy The Bacchae, written by Euripides in 409BC. Performed by eight dancers and five musicians, on stage they convey the exuberant images of choreographer Monteiro Freitas who has already seduced Barcelona audiences with her creations. In June 2018, The Bacchae received a Silver Lion award from the Venice Biennale. Marlene Monteiro Freitas studied at the P.A.R.T.S. dance school in Brussels and at Lisbon’s Escola Superior de Dança and Fundação Calouste Gulbenkian. During her career, she’s worked with, among others, choreographers Emmanuelle Huynh, Loïc Touzé, Tânia Carvalho and Boris Charmatz. The common denominators of her work are openness, impurity and intensity.

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This piece envisages a confrontation between two opposing worlds, those of football and dance. Winner of the Moritz Prize for best show at the 2015 Fira de Tàrrega and the 2015 Barcelona Critics Prize, and performed with live music, it reflects on social values and the boundaries between sport and entertainment. Vero Cendoya created her own company in 2008; from the start it was renowned for collaborating with artists from other disciplines such as theatre, painting, music and poetry. Cendoya has worked as a dancer for companies in different countries and as an actress in various plays.

CHRISTIAN RIZZO / ICI-CCN Montpellier

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D’à côté

This tale captures the evolution of three creatures, and sees dance and objects converse with light and sound while a dreamy space unfolds where each of the three protagonists invites the other two into their own particular world. After working with various choreographers, Christian Rizzo founded his company L’association fragile in 1996; to date he’s created over 30 pieces with it. In 2015, he was named director of the Centre Chorégraphique National Montpellier.

www.mercatflors.cat

ENG BATSHEVA DANCE COMPANY

ALBERT QUESADA

This is an exploration of the dialogue and conflict between movement and the content that it represents. Naharin wants the public to participate in freedom of choice and in its infinite scope of possibilities, at the same time as he makes a critical commentary about all of us. Considered one of the great dance pioneers of his generation and acclaimed around the globe, Ohad Naharin has been director of the Batsheva Dance Company since 1990, converting it into one of the most important in the world, with over 250 performances a year. Naharin is the creator of an innovative and rich language of movement known as ‘gaga’, which has spread through the industry like wildfire.

With this new creation, choreographer Albert Quesada dives once more into the world of flamenco and its complexity. Flamingos wants to shift the stereotypes of flamenco from the viewpoint of a contemporary creator. Trained at MDT (Amsterdam) and P.A.R.T.S. (Brussels), Albert Quesada produces work that’s based on the exploration and translation of musical structures and compositions into choreography, and is an invitation to the audience to perceive and listen to the proposed pieces. Quesada regularly works with the choreographer Thomas Hauert, and under the banner of the ACME company he carries out numerous artistic projects, both educational and on stage.

Venezuela by Ohad Naharin

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Flamingos

JORGE DUTOR AND GUILLEM MONT DE PALOL & CRIS BLANCO Lo mínimo

Suitable for all ages this piece questions the codes and languages of the genre. It turns reality into fiction and makes what’s fictitious real, to become almost anything and cross temporary space dimensions. Cris Blanco mixes scenic genres and uses visual tricks, changing the meaning of signs and objects, or of science and fiction. Guillem Mont de Palol and Jorge Dutor have worked together since 2008 and have created numerous pieces, a sample of which you can see at the Mercat in the constellation dedicated to them (find more info on pages 16 and 17).

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Page 41

Tarannà

JORDI GALÍ - ARRANGEMENT PROVISOIRE

ConstellatiON BIG BOUNCERS

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Ephemeral architecture constructed with bodies; 120 structures in which five actors are both the builders and the materials. This installation is often shown in public spaces, like the Museu Nacional d’Art de Catalunya Following stints as a dancer for companies such as Wim Vandekeybus, Rosas and Maguy Marin, in 2001 Jordi Galí created Arrangement Provisoire, a company that works on the dialogue between gesture and materials. He’s the associate artist of Pacifique–CDCN in Grenoble, and receives support from La Briqueterie–CDCN of Val-de-Marne.

GN|MC Guy Nader | Maria Campos This solo from Maria Campos is a work based around the concept of ‘transformation’ through objects, space and the body. It’s a game where you’re invited to follow the thread of magic and let your imagination go. Since 2006, Maria Campos has been creating works with Guy Nader. Their joint venture GN|MC Guy Nader | Maria Campos has been invited to produce pieces for various European companies such as EnKnapGroup in Slovenia and Tanzmainz in Germany, a country where they received the DER FAUST prize in 2017.

LA VERONAL Pasionaria

Choreographer Marcos Morau asks questions about emotions, and explores the theme of what happens when passion turns into obsession. The music of Bach and Morau’s personal movement technique as interpreted by seven excellent dancers are the pillars of this new production. With first-class co-producers, such as the Théâtre National de Chaillot in Paris, the Théâtres de la Ville in Luxembourg, Sadler’s Wells in London, Madrid’s Teatros del Canal and the Catalan festivals Temporada Alta and the Grec, the company currently finds itself in a strong global position. Morau founded La Veronal in 2005 and ever since he’s been regarded as an essential creator on the international choreographic scene, while also receiving awards such as the Spanish National Dance Prize in 2013.

Page 35 temporada 2018-2019

Orbes

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ANNE TERESA DE KEERSMAEKER / ROSAS Achterland

This eminent piece was created in 1990 and last performed in 1998; for the first time, the choreographer gave the musicians a central position. In Achterland, dance walks a delicate line between energetic virtuosity and deceleration. De Keersmaeker set up the Rosas company in 1983, committed to a rigorous exploration and articulation of movement; the relationship between movement and music is essential to De Keersmaeker’s concept of dance. Even though the Mercat has staged numerous pieces by Rosas, its presentation of Achterland is a unique opportunity to enjoy this landmark piece that’s travelled the world for eight years but never been to Barcelona.

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In this constellation you have the chance to meet a collective of ingenious and fun women, whose personal language is playful and profound at the same time. Big Bouncers is a collective that was formed in 2012 by the creators Cecilia Colacrai, Anna Rubirola and Mireia de Querol, and whose objective is to develop a common practice, with an interest in investigating stage languages and making them more profound. From the beginning, their work has developed around three action axes: the creation of scenic pieces, the creation of ‘site specific’ performances for non-conventional spaces, and pedagogy.

O.V.N.I.

What function does an object have? And a body? What function do we have as spectators? And as performers? What is the function of a stage? O.V.N.I. revolves around these questions and suggests a journey in which the functions of the body, objects and the view of the audience are all altered.

Si estiguéssim soles a l’Univers, seria una gran pèrdua d’espai…

This new piece came about from a desire to share the company’s first work, Big Bounce, and make it more profound. It plays with the concept of unfolding possible futures based on a single origin and questions a group of student performers from the Institut del Teatre. What possible futures can come out of the same origin? How can we deduce different pasts from a particular starting point?

Iris Heitzinger & Françoise Boillat Wallflowering

Choreographer Iris Heitzinger and actor Françoise Boillat undertake an investigation into the feminine identity and the construction of social gender roles.

João Lima, Cecilia Colacrai & Anna Rubirola Morder la lengua

The core of this piece is the tension between different levels of choreographic language. It asks the question: what is transmitted from one body to another?

Pages 42 and 43

ConstellaTiON LA RIBOT

The Mercat wanted to do a retrospective on this great artist through a tour of some of her pieces. This is an unmissable opportunity to see Panoramix, a work that will only be shown a limited number of times.

Panoramix (1993-2003)

This three-hour show was conceived as an anthology that gathers, reorganises and relocates the standout pieces of her first three series/shows, created between 1993 and 2000. A key work for understanding La Ribot, this piece has been represented in singular spaces such as the Live Culture exhibition (Tate Modern, London), the Museu Reina Sofia (Madrid) and the Centre Pompidou (Paris).

Laughing Hole (2006)

Performance and installation at the same time, and lasting for six hours, this was presented at Art Unlimited of Art Basel 37 (Switzerland) in 2006. As Jaime CondeSalazar says, this is also La Ribot’s most overtly politicised work: ‘An expression of anger and repulsion in the face of “the illegal prison in Guantánamo and the whole ideological operation that accompanies it”.’ Laughing Hole forms part of the permanent collection of CNAP, Centre national des arts plàstiques in Paris.

Pages 45, 46 and 47

RACHID OURAMDANE Tordre

Two of Ourandame’s regular collaborators perform solitary solos in an unnerving duet. Hypnotic gestures and turns, all intensely physical, are executed by Lithuanian dancer Lora Juodkaité, who can turn dizzyingly well on a single spot, while British dancer Annie Hanauer performs with a prosthesis, specifically, an articulated arm. This is a raw, captivating show.

Rachid Ourandame, who was associate artist at the Théâtre de la Ville in Paris between 2010 and 2015 and at the Théâtre Bonlieu from 2005 to 2015 in Annecy, France, has been creating her own projects since 1995. Since 2016, she’s been co-director of the Centre Chorégraphique National in Grenoble.

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ROSER LÓPEZ ESPINOSA BRUIT (provisional title)

A group piece in which López Espinosa talks about the distance, which may be minimal, between what is ordinary and something more subtle. Artist in residence at the Mercat de les Flors this season, her work is based on a strong physicality with a great passion for precision, delicacy, acrobatic elements and detail. Trained in Amsterdam, she’s worked with choreographers like Àngels Margarit, Cesc Gelabert, Pere Faura and Iago Pericot. Her work as a creator has won her an array of prizes and she’s often seen on international stages.

Page 51

JESÚS RUBIO GAMO Gran Bolero

Jesús Rubio Gamo, a Madrid-born choreographer who trained in London, leads an exchange between the Mercat de les Flors and the Teatros del Canal in the Spanish capital with six dancers from each city talking about effort and the pleasure of resisting. Gran Bolero is a dance about obstinance, the movement between pleasure and exhaustion, and the passing of time.

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Quan els crancs portin talons

The newest creation from Escarlata Circus delves into 30 years of a couple’s life and is based on the founders’ own experiences, both artistic and personal. Using everyday elements they create a link between what’s imagined and what’s real for a couple who play together, tame, accept and, above all, love each other. In 1987, Jordi Aspa and Bet Miralta created Escarlata Circus, and have since put on a large number of shows that have toured Europe, Israel and Russia. They were artistic directors of Trapezi, the Circus Festival in Reus, from its launch in 1997 until 2011 and won the Catalan National Circus Prize in 2007. They’ve also directed shows by other companies and events.

L’Attraction Céleste Bobines

A circular show for 190 people that combines the art of clowning, music and cinema, Bobines is an intimate, extraordinarily human tale. Servane Guittier and Antoine Manceau founded L’Attraction Céleste in Auch (France) in 2006. The artists use music, movement, clowns and cinema to create original shows where the objective is to generate a close, intimate relationship with the audience.

Circo Aereo

Un cirque plus juste

A moment of intimacy between an artist and a small audience defines this delicate circus show. Handmade lights highlight the action and marvellous objects are revealed to the public, skillfully handled to create a charming circus event from this Finnish company that’s also established in France.

Pages 52, 53 and 54

Constellation ESCARLATA CIRCUS The Mercat de les Flors has dedicated its first circus constellation to one of the most genuine and international companies in Catalan circus; it includes both a retrospective and a new performance.

Devoris Causa

The manipulation of elements, in this case vegetables, serves to tell a cruel but everyday story using the tastiest flavours in the kitchen. This show recently celebrated its 500th performance after 10 years on tour!

Pugilatus

The partnership of Jordi Aspa and Piero Steiner results in a comic, dramatic, poetic, bodily journey where the story comes from within their very beings. It’s a dance of emotions and stories, a boxing match between force and common sense.

OONA DOHERTY Hope Hunting

Among physical theatre, social causes and dance, this piece (which has already received various awards) is a quest for hope through a Europe that is messy and sublime at the same time. Irish artist Oona Doherty deconstructs the stereotype of the working-class white man to try and raise him up to the light.

Page 55

PETER STAMER

On Truth and Lie in anExtra-Moral Sense

Showing as part of the Ciutat Oberta thought festival, this piece has been performed in museums around the world. Stamer questions the search for truth through the conclusions of Nietzsche.

Page 55 www.mercatflors.cat

Itinerarios recomendados

Imprescindibles Impresionantes Desbordados de aquí y ahora Danza hecha y producida aquí. No te la puedes perder si te gusta la danza y el movimiento. Danza de coreografía bien dibujada, caligrafías de movimiento, orfebrerías corporales, una danza bordada, artesana, construida movimiento a movimiento. Danza imprescindible con D.O. CÈL·LULA#1 / Albert Quesada: Flamingos Thomas Noone Dance: Closer La Veronal: Pasionaria OtraDanza: Da Capo OtraDanza: Rito Roser López Espinosa: BRUIT (título provisional) Jesús Rubio Gamo: Gran Bolero Cía. Vero Cendoya: La partida*

temporada 2018-2019

Piezas imprescindibles que tendrás pocas oportunidades de ver. Son iconos de la danza, con voz propia. Partituras corales de gran belleza, cuerpos excepcionales que se mueven y expresan maravillosamente, sofisticados, exuberantes o desconcertantes. Estos coreógrafos y compañías son grandes referentes internacionales de la danza contemporánea. Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas: Achterland* Batsheva Dance Company: Venezuela Boris Charmatz: 10.000 gestos Meg Stuart / Damaged Goods: VIOLET

Esta temporada la danza está desbordada y este itinerario es el más desbordado: desborda el espacio, desborda el tiempo, se desbordan los cuerpos, las disciplinas, los públicos, el pensamiento, el movimiento, los objetos ... ¿y tú te quieres desbordar un poco y arriesgarte a descubrir otros paisajes? Marlene Monteiro Freitas: Bacantes La Ribot: Panoramix* La Ribot: Laughing Hole Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol: Y por qué John Cage? Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol: #LosMicrófonos Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol: Grand Applause Jordi Galí: Orbes* Eva Meyer-Keller: Some Significance Marcos Simões y Sara Manente: TeleVisions Peter Stamer: On Truth and Lie in an Extra-Moral Sense

*Espectáculos que forman parte de varios itinerarios

Piezas con historia y la historia en una pieza Piezas que tienen alguna relación con la historia de la danza porque la han inventado, o la reinterpretan, la evocan, la recogen, la archivan, la compactan. Y también encontrarás la historia de la danza en una pieza. Boris Charmatz: Flip Book Meg Stuart / Damaged Goods: And evening of solo works Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas: Achterland* La Ribot: Panoramix* Boris Charmatz: 20 bailarines para el siglo XX Peter Stamer: On Truth and Lie in an Extra-Moral Sense

Sorprendentes Increíbles circo Son piezas inesperadas que nos seducen por su propuesta, su calidad, su movimiento, su lenguaje, su universo, su originalidad, sus intérpretes, su imaginación, su búsqueda... Rachid Ouramdane: Tordre compagnie dernière minute / Pierre Rigal: Mobile* Big Bouncers: O.V.N.I. Big Bouncers: Si estiguéssim soles a l’Univers... Iris Heitzinger y Françoise Boillat: Wallflowering João Lima, Cecilia Colacrai y Anna Rubirola: Morder la lengua Jordi Galí: Orbes* Oona Doherty: Hope Hunting

Desde el circo siempre increíbles porque son aún más desconcertantes, aún más payasos, más ingenuos, más ingeniosos, más sofisticados, más imaginativos, absurdos, utópicos, críticos, tiernos, juguetones, desbordados, sorprendentes, históricos, imprescindibles... Escarlata Circus: Quan els crancs portin talons Escarlata Circus: Devoris Causa Escarlata Circus: Pugilatus Escarlata Circus: L’Attraction Céleste Circo Aereo: Un cirque plus juste Los Galindos: UduL*

Talla única Incluye piezas de lenguajes y disciplinas diversas: danza, circo, objetos o performance, pero tienen en común que son para todos. Las podéis disfrutar en familia o en grupos de todas las edades. Son piezas que permiten lecturas múltiples y que os sentarán bien. Encontraréis vuestra medida, sea cual sea vuestra edad. Aún así, hay edades recomendadas para guiar vuestra elección. compagnie dernière minute / Pierre Rigal: Mobile* Los Galindos: UduL* Cia Vero Cendoya: La partida* Plan d: Ice Palace Christian Rizzo: D’à côté Guy Nader | Maria Campos: Tarannà Dutor – Palol – Blanco: Lo mínimo Pere Faura - FLIC: Ballar és cosa de Llibres

www.mercatflors.cat

10.000 gestos, de Boris Charmatz

temporada 2018-2019

Entradas y abonos Abonos

Abono 4: 4 espectáculos de cualquier precio a escoger, 20% de descuento. Abono personal e intransferible. Descuento del 15% para entradas adicionales. Abono 6 o +: a partir de 6 espectáculos de cualquier precio a escoger, 30% de descuento. Abono personal e intransferible. Descuento del 30% para entradas adicionales. Abono 10 o +: a partir de 10 espectáculos de cualquier precio a escoger, 40% de descuento. Abono personal e intransferible. Descuento del 40% para entradas adicionales. Abono familiar: a partir de 3 espectáculos de la programación familiar, TALLA ÚNICA 18/19, entradas a 8 € (adulto y menor de 14 años). Se debe adquirir un abono para cada miembro de la familia.

àLos abonos no son siempre aplicables a los espectáculos de festivales y ciclos externos o coorganizados con otras entidades.

Ventajas de ser abonado del Mercat

Flexibilidad a la hora de escoger los espectáculos incluidos en el abono. Descuento para el Taller para Espectadores Activos, programa modular de seguimiento de la temporada. Acceso privilegiado a las actividades paralelas. Acceso a otros descuentos y promociones puntuales en el Mercat o con otras entidades colaboradoras. Información periódica de la programación y actividades del Mercat. Descuentos permanentes al TNC y al Teatre Lliure.

Hazte embajador

Comparte tu pasión por la danza y hazte embajador del Mercat recomendándonos a familia,

amigos, alumnos, compañeros de trabajo... Si nos ayudas a hacer crecer el número de amantes de la danza podrás disfrutar de muchas ventajas. Llama al 93 256 26 05 o escribe a publics@mercatflors.cat.

cuenta. Para canjearlos por Internet sólo deberás realizar la compra normalmente y, al final, el programa te ofrecerá la posibilidad de pagar con puntos. También podrás pagar con puntos en taquilla.

Packs Constelaciones

Taller para espectadores activos

Para sumergirse en el universo particular de un artista o un grupo de artistas. PACK CONSTELACIÓN DUTOR/ PALOL: mínimo 3 espectáculos de la constelación, descuento del 40% (7 €/entrada). PACK CONSTELACIÓN BORIS CHARMATZ: 35 € entradas a los 3 espectáculos (2 en el Mercat + función del domingo en el MACBA + acceso gratuito a las actividades). PACK CONSTELACIÓN BIG BOUNCERS: mínimo 3 espectáculos de la constelación, descuento del 40% (7€/entrada). PACK CONSTELACIÓN LA RIBOT: 24 € entradas a los 2 espectáculos + actividades. PACK CONSTELACIÓN ESCARLATA CIRCUS: mínimo 3 espectáculos de la constelación, descuento del 40% (10 €/ entrada) + acceso gratuito a las actividades.

Programa de puntos. Premiamos tu fidelidad

¡Subscríbete antes de comprar tus entradas o tu abono! Conseguirás puntos en tu cuenta personal automáticamente comprando entradas. Con el programa de puntos, a partir de tu primera compra te ofrecemos un descuento para volver al Mercat. Podrás consultar los puntos que hayas acumulado entrando en tu

El Mercat propone una nueva fórmula, un programa modular para seguir de cerca la temporada: 3 módulos trimestrales con actividades singulares y encuentros para acercarse y profundizar en torno a los creadores contemporáneos y sus universos creativos. Cada módulo es independiente e incluye presentaciones, conferencias, películas, prácticas creativas, ensayos abiertos y lecturas comentadas. El espectador puede escoger asistir a 1, 2 o 3 módulos. 1 módulo: 10 €, 2 módulos: 17 €, 3 módulos: 22 €. La inscripción a las actividades por separado cuesta 3 €.

Descuentos

Descuento del 15% Desempleados, familias numerosas, monoparentales o de acogida, titulares Tarjeta Rosa, tiulares de tarjeta acreditativa de discapacidad, vecinos del Poble-sec, carnet de Bibliotecas (solo en taquilla), TR3SC, abonados al Teatre Lliure y al TNC y Amigos de la Danza. Para jóvenes Tarifa plana Viernes jóvenes: 10 € para las funciones de los viernes para menores de 30 años. 15% menores de 30 años, para el resto de días. 50% menores de 14 años. Grupos 30% para grupos de mínimo 8

personas. Puedes adquirir las entradas por Internet o gestionar tu reserva por T. 93 256 26 05 o en publics@mercatflors.cat El precio mínimo una vez aplicado el descuento no podrá ser inferior a a 8 €. Los descuentos se aplicarán a los espectáculos de 28 €, 22 €, 16 € y 12 €,y no serán acumulables con los abonos o otros descuentos o promociones. Las entradas con descuento requerirán la presentación de la acreditación correspondiente para acceder a la sala. En caso de no poder acreditar el derecho al descuento, el usuario tendrá que abonar la diferencia con el precio normal.

Compra de entradas y abonos

En la web del Mercat Compra tus entradas y abonos fácilmente, sin colas ni comisiones, en www.mercatflors.cat. Las podrás imprimir en casa o descargar en el móvil sin pasar por taquilla. TAQUILLAS TIQUET RAMBLES Palau de la Virreina, La Rambla, 99, de lunes a domingo de 10 a 20:30 h. T. 93 316 10 00 Taquillas Mercat de les Flors Lleida, 59, 08004 Barcelona, a partir de 2 horas antes del inicio de la función. Cambio de entradas Puedes cambiar tu entrada hasta 48 horas antes del inicio del espectáculo. El cambio de entrada comporta un coste de gestión de 1,5 €. Edad recomendada No es aconsejable la entrada de menores de 5 años a los espectáculos no destinados a público de 0 a 99 años. En cualquier caso será responsabilidad de los adultos que los acompañen. www.mercatflors.cat

Info general Atención al publico

T. 93 256 26 05 de lunes a viernes de 10 a 14 h publics@mercatflors.cat

Info general Mercat de les Flors Lleida, 59. 08004 Barcelona. T. 93 256 26 00

Accesibilidad

Salas y accesos adaptados para personas con movilidad reducida y localidades reservadas. Antes de adquirir una localidad comprueba la disponibilidad de asientos reservados para personas con movilidad reducida en taquilla, en publics@mercatflors. cat o en el teléfono 93 256 26 05. Plazas de aparcamiento reservadas para personas con discapacidad.

Graner Jane Addams, 14-16 08038 Barcelona. T. 93 426 18 75

Bucle magnético

Web www.mercatflors.cat En nuestra web encontrarás la información puntual y actualizada. La información incluida en esta publicación es susceptible de cambios.

Servicio de bar La Soleá

Antes y después de los espectáculos, prueba las tapas y los pasteles de La Soleá.

Servicio de acceso wifi

El Mercat dispone de un espacio con servicio wifi de acceso a Internet.

Espacio cardioprotegido Cómo llegar al Mercat

Transporte público Metro: la parada más cercana al Mercat es la de Poble-sec (L3). Otra opción un poco más lejana es la de Espanya (L1, L3)

Bus: el autobús que te deja al pie del Mercat es el número 55. También te dejan cerca las líneas D20, H12, H16, 13, 41, 46, 65, 79, 91, 109 y 165 FGC: Pl. Espanya Bicing: estaciones más cercanas en la calle França Xica esquina con la calle Ricart y en la avenida Rius i Taulet esquina con la calle Lleida. Aparcamiento gratuito: el Mercat y el Teatre Lliure te ofrecen aparcamiento gratuito en la plaza Margarida Xirgu desde 1 hora antes y hasta 2 horas después de la función. Fuera de este horario la plaza quedará cerrada y podrá actuar el servicio de grúa.

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Edita: Time Out Spain SL | Para: Mercat de les Flors | Consejero Ejecutivo: Eduard Voltas | Directora General de Negocio: Mabel Mas | Directora General Financiera: Judit Sans | Directora Comercial y e-Commerce: Aroa Cervantes | Directora de RRPP y Soluciones Creativas: Carlota Falcó | City Manager Barcelona: Fanny Campeny | Directora de Time Out Barcelona: María José Gómez | Branded Content Manager Spain: Begoña García Carteron | Marketing Manager Barcelona: Judith Gutiérrez | Coordinadora de producción: Carme Mingo | Diseño y maquetación: Irisnegro | Imagen temporada Mercat: Make it Gas | Redacción: Mercat de les Flors y Bàrbara Raubert | Traducción al inglés: Hannah Pennell | Corrección: Joan-Lluís Quilis | Impresión: Jomagar Roto Offset. Todas las fotografías han ido facilitadas por las compañías. Suplemento gratuito. Está prohibida expresamente su venta. Portada: Make it Gas Plaça Reial, 18, 1a planta 08002 Barcelona Redacción y publicidad: T. 932 955 400 (marqueting@timeout.cat)

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