ENTREVISTA: DJ Solomun nos habla de su esperado álbum ‘Nobody is not loved

SOLOMUNSOLOMUN SOLOMUNSOLOMUN “No es tan sencillo producir un álbum mientras estás en tour. Cuando creo un álbum me gusta tener algo que contar y no solamente editar diez canciones. Por eso, he estado recogiendo ideas durante los últimos años hasta que encontré la línea que iba a seguir“ - nos introduce y añade antes de continuar la entrevista – “musicalmente, no se ha convertido en un álbum dance puro, y eso era lo que quería desde el principio“. No pasa desapercibido que los invitados del álbum tienen diferentes backgrounds. Especialmente Jamie Foxx, qno suele aparecer en la escena electrónica y las últimas producciones que editó fueron hace cinco años. ¿Cómo tuvo lugar esta colaboración? Nos conocimos a través de un amigo común, el director de cine Ariel Vromen. He de decir que siempre he admirado a Jamie Foxx, no solo como actor sino también como cantante. Mientras hacía ‘Ocean‘ me di cuenta de que el sonido del track tenía un punto en el que su voz y manera de cantar podría llevar la canción a otro lugar. Él inmediatamente sintió el track y lo interpretó genial. Cantó la canción en directo una vez, mientras estábamos comiendo juntos en un restaurante en Los Angeles antes de la pandemia, delante del resto de público y solo con la ayuda de un boom box. En ese momento supe que realmente sentía la canción. ¿Y qué tal la colaboración con Anne Clark? Hace mucho tiempo que soy fan suyo, en concreto por la combinación de su poesía y voz única. Por eso siempre he querido poder hacer algo con ella. Estaba muy contento cuando acabé el sonido en el que imaginaba su voz. Ella no solo escribió una letra increíblemente fuerte para el tema, sino que también me envió una carta muy emotiva. La canción con Planningtorock “Your Love Gives Me Gravity” también sobresale. La primera vez que intenté hacer un tema con Planningtorock fue hace más de 10 años, para la recopilación del 5º aniversario. La siguiente fue al principio del proceso del álbum. Ninguna de las dos veces funcionó así que ahora estoy si cabe más contento de que lo hice, porque retrasamos el lanzamiento y había espacio para meter un track mas. !Ahora se ha convertido en uno de mis temas favoritos del álbum! Crear un rango tan ampiio de géneros ha sido seguro un reto organizativo, ¿verdad? Tengo que decir que he tenido suerte porque tuve mucha ayuda. Una persona en particular a la que agradezco que es uno de mis mejores amigos y colaboradores, desde hace más de veinte años. Una persona muy creativa cuya opinión valoro mucho, también fuera de la música. Ha sido muy inspirador y me ha apoyado en el viaje del disco. Así que he de agradecer por encima de todo a Jakob Grunert. Hablando sobre Jakob, también tengo que referirme a alguien que él mismo trajo para apoyarme en este proyecto. Un viejo amigo suyo pero para mi uno de los mejores productores de música electrónica que conozco y he admirado hace años, Moritz Friedich aka Siriusmo. Pude intercambiar ideas con él una y otra vez mientras el proceso de creación, para discutir puntos de vista y dejarme ser inspirado, por lo que muchas gracias querido Moritz. La portada del álbum la ha hecho Andreas Gursky, un fotógrafo muy conocido y muestra una pista llena de gente. La foto parece de otra época, si la miras bajo el prisma de hoy... Por supuesto. Esta cantidad de gente en un mismo sitio resulta peculiar ahora mismo. Andreas no es solo un fotógrafo increíble cuyo arte esta por encima de críticas – el Bosco de la fotografía, cuyas imágenes tienen una gran escala y te mantienen atento tanto tiempo. Se ha convertido también en un buen amigo a lo largo de los años y fue tan amable de cederme la imagen para la portada.

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Una de las fotos que tomó en el MayDay hace años me inspiró para la portada. Cuando se lo dije, me comentó que tiene una parecida que sacó en uno de mis sets en Connect Festival en Düsseldorf. Por supuesto me volvió loco ya que no sabía siquiera que había estado sacando fotos allí. Un regalo increíble, mil millones de gracias de nuevo Andreas.

Se han editado cuatro singles por ahora, con un sonido muy diferente. ’Home‘ está mas cerca de tu sonido habitual. ‘Kreatur der Nach‘ está más en la línea postpunk o new wave. ‘Tuk Tuk‘ es un track de electrónica indie muy energético; y ‘The Center Will Hold‘ es una creación creación de house melódico que captura más la esencia de tu sonido.

Si, por ejemplo ’Home‘ fue la primera canción que finalicé en el proceso del álbum. Creo que tiene un punto atemporal y representa mucho el sonido que quiero escuchar en un club. En el vídeo quería expresar el anhelo por estos espacios sagrados de encuentro, especialmente diseñados para vivir la música, que echo tanto de menos.

Como un niño de los 80, ‘Kreatur der Nach‘ era un deseo propio desde hace tiempo: comprimir ese sonido de mi juventud en una canción. Finalmente pude convencer a mi amigo de la infancia Faith Akin para el vídeo y pudo trasladar este sentimiento de revolución en el contexto de las restricciones por el Coronavirus a imágenes de manera soberbia.

Y, con ‘Tuk Tuk‘ quería hacer algo totalmente nuevo. Y trabajando con la increíble voz de Inez de ÄTNA fue muy divertido. En el videoclip que está inspirado en las películas de sukeban de los 70’s, Inez se transforma en la música en sí misma y lucha con todos sus poderes contra las fuerzas que intentan aniquilarla. Hablando figurativamente, contra una nueva e invisible amenaza.

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Desafortunadamente, solo puedo decirte que se sabrál, cuando todos los videos se hayan lanzado; tendréis que tener un poco de paciencia. Lo que te puedo decir es que solo la música tiene el poder divino de tocar no solo los cuerpos sino también las almas de las personas y despertarlas. Por eso el álbum se llama ‘Nobody is Not Loved‘.

¿Qué más nos puedes contar del título del álbum?

Surge de un graffiti que vi en un muro en Londres hace unos años. No se por qué me quedé con el concepto y supe que quería llamar así mi siguiente álbum. Durante años continué pensando sobre ello y me dí cuenta de lo que realmente significaba, que la música nos ama a todos por igual.

Hay un poder divino en la música, porque realmente ‘ama‘ a todo el mundo, sean buenos o malos. Es un amor incondicional que todo ser humano puede experimentar y sentir. Creo en Dios, lo he dicho muchas veces, pero pondría a la música a la par con él: una experiencia metafísica que puede unir a todo el mundo, y quiere a todos por igual.

¿Entonces la música es la clave?

La música es la clave porque tiene un poder que trasciende al resto. Como comenté antes, intenté contar esto en ‘Tuk Tuk‘. La música tiene el poder de despertar a la gente, de revivirlos. Todo el mundo sabe esto: escuchas una melodía de tu infancia – y de repente estás ahí de nuevo en tu propia biografía. Una pequeña pieza es suficiente y tu vida aparece de nuevo. Sientes cómo te sentías entonces. La canción con la que conectaste con tu primer amor, la escuchas en el supermercado por ejemplo y de repente tienes quince años de nuevo y estás enamorado por primera vez.

Se ha probado científicamente que la música tiene el poder de sanar a las personas. Hace unos años quedé asombrado cuando leí que la música puede ayudar a pacientes avanzados de Alzheimer por momentos. Porque recordando momentos musicales, activan su memoria. Porque solo la música tiene el poder de congelar un momento; todas las experiencias que marcan tienen una banda sonora. Por eso es tan importante crear estos momentos en fiestas y conciertos y también hacer que pasen. Porque estos momentos te pueden devolver a la vida mucho después.

¿Esa es la historia que quieres contar?

Por supuesto que quiero ser de los que son capaces de crear momentos que la gente puede recordar décadas después cuando escuchen la canción por casualidad, como en esa canción con la que te enamoraste por primera vez. No lo hago solo por los demás. Yo también vivo de esos momentos que han formado mi vida. Para recordarla a través de ellos.

En el proceso del ábum, habrá otro single más con videoclip, y espero que al final de él haya sido capar de contar la historia completa.

“Hay un poder divino en la música, porque realmente ‘ama‘ a todo el mundo, sean buenos o malos. Es un amor incondicional que todo ser humano puede experimentar y sentir“.

i n d u s t r i a s o s t e n i b l e

AUTOR: ALEX DAKOV

UN PLANETA MÁS SOSTENIBLE, A GOLPE DE BOMBO

Si alguna vez te has preguntado qué puedes hacer como artista para dejar una huella inolvidable y crear un impacto positivo en el planeta... aquí tienes una respuesta: Blue Rider.

Hace ya más de una década tuve la maravillosa suerte de trabajar dentro del departamento de producción de la legendaria discoteca Space Ibiza. Por aquel entonces, Space, era la crême de la crême de la música electrónica. Cada año ganaba el premio a Mejor Club, y todos los artistas se disputaban el poder tocar allí. Casi nada.

Por aquel humilde escritorio pasaban los riders técnicos de más de mil artistas cada verano. Desde los más legendarios (casi diría “históricos”), a los locales de Ibiza, pasando por muchos jóvenes que empezaban su carrera en el mundo de la música, y hoy ya son superestrellas. En esos tiempos, si te considerabas un DJ de prestigio tenías que tocar en Space Ibiza; y si lo hacías, tu rider acababa en mi mesa.

Para un chaval joven, adicto a la música electrónica y melómano perdido, (como era yo en esa época), recibir un rider era descubrir las entrañas de algunos de mis artistas favoritos, y aprender qué instrumentos utilizaban para crear la magia que después podía sentir en la pista de baile. Era como descubrir parte de su identidad sin conocerlos. Era un momento de contrastes. Empezaba la digitalización de muchos de los artistas y, a su vez, de muchos de los sonidos. Algunos artistas empezaban a incorporar diferentes máquinas digitales, que junto a Ableton, dieron paso a lo que luego fueron auténticos “LIVES” 100% digitalizados. Otros, por contra, seguían pidiendo los clásicos vinilos con esas agujas especiales que hacían que su sonido retumbara en los equipos como ningún otro.

Dentro de los riders, además de la información técnica, algunas veces podías encontrar muchas otras secciones. Los riders de los artistas más grandes venían con un montón de páginas de contrato con detalles sobre la promoción o, incluso, sobre qué consecuencias podría tener el no poner los equipos adecuados (entre otras).

Otros incluían una serie de especificaciones sobre sus necesidades de hospitality, que en ocasiones eran de lo más pintorescas. Desde lo más común, como la típica bebida que querían durante la actuación, hasta los casos más extremos en los que nos indicaban cómo tenían que ser las sábanas de su hotel. Llegué a ver cosas muy pintorescas…. “3x Cazoncillos negros tipo short de la talla L” …. “1x tarta” o “1x barca hinchable” …. “1x curry rojo muy picante del restaurante XXXX” …. Y así podría seguir un largo rato, pero igual el artículo acabaría pareciendo una lista de la compra de un todo a 100.

El caso es que, si algo aprendí de ver tantos riders, es que el rider representa la Identidad del artista. De la misma manera que su equipamiento técnico representa en gran medida el cáliz de su sonido, el conjunto de su rider representa quién es para todos esos promotores de eventos que aún no le conocen, o que quizás no tengan ni la oportunidad de hacerlo, en persona.

Muchos de nosotros sabemos más sobre los artistas por sus riders, que por las cortas conversaciones que hemos podido tener antes o después de sus shows.

De ahí la importancia de lo que muestras en tu rider. Al final, es tu carta de presentación, tu tarjeta para todas esas personas que se encargan de contratarte o de preparar tu show.