Mondo Sonoro Madrid septiembre 2023

2023

MADRID

La nueva Sala del WiZink, a punto

El nuevo espacio de conciertos

La Sala del WiZink se encuentra situado al mismo nivel que el emblemático recinto de Goya, y viene a aumentar la oferta de salas de tamaño mediano en un momento en el que la oferta de música en directo en Madrid vuelve a ser muy abundante.

LA SALA DEL WIZINK, exclusiva para música en directo y equipada con un sistema de sonido puntero inédito en cualquier sala española, ha empezado ya a programar y arrancará el 5 de octubre. Con una capacidad de ochocientas personas, dos plantas, cuatro barras y un aislamiento acústico concienzudo para aislarla completamente, atenderá la demanda de una parte importante de artistas y músicos nacionales e internacionales: naturalmente, para artistas emergentes que busquen un espacio de estas dimensiones, pero también

como puerta de entrada al WiZink Center. Con una inversión importante detrás, la Sala no esconde su vocación de convertirse en referente en cuanto a la música en vivo en la ciudad, acompañando a su hermana mayor. A diferencia de otros recintos de similares dimensiones, no será discoteca al finalizar cada evento musical; esta exclusividad tan poco extendida se traduce en un equipamiento sonoro excepcional, que va a permitir que bandas y artistas presenten sus propuestas en las mejores condiciones posibles: catorce altavoces de sonido, cuatro cajas de subgraves, catorce monitores y mesas de control de última generación de Clair Brothers: la marca de audio profesional que usan en sus espectáculos artistas como U2, The Rolling Stones, Paul McCartney o Maluma, lo que garantiza una potencia y nitidez al alcance de muy pocos. Literalmente imposible de encontrar en otro recinto, porque es la primera vez que un sistema de sonido de esta firma tan exclusiva se instala en una sala española.

EL NUEVO RECINTO CUENTA, además, con

una pantalla de veintiún metros cuadrados con una resolución de 2,6 –la mayor de todo el WiZink Center–, situada en la parte de atrás del escenario y sesenta y seis equipos móviles de iluminación: cabezas móviles, iluminación fija y luces estroboscópicas que permitirán hacer casi de todo para ambientar el espectáculo. El espacio está situado al mismo nivel que la pista principal del popular WiZink Center, aunque tiene acceso independiente desde la puerta 36 desde la calle Goya esquina Fuente del Berro. La Sala está siendo ahora presentada a promotores nacionales e internacionales de cara a albergar giras en los próximos meses. El próximo 5 de octubre se da el pistoletazo de salida a la actividad de La Sala con Christopher y su Una Vida Maravillosa Tour. Después vendrán artistas de todo tipo como Demarco Flamenco (13 de octubre), Merino (28 de octubre), We Three (3 de noviembre), Lany (10 de noviembre) Fear Factory (11 de noviembre), Huecco (18 de noviembre) y La Guardia, el 25 de ese mismo mes. Una oferta que a buen seguro irá engrosándose en las próximas semanas. MS http://lasala.wizinkcenter.es/

Vuelven los conciertos del Imagine Music Fest

Tras el parón veraniego, la tercera entrega del Imagine Music Fest, festival de música que se celebra en el Hotel Barceló Imagine de la zona norte de Madrid (Agustín de Foxá, 32), se reanuda el 22 de septiembre.

DE NUEVO con el respaldo del Barceló Hotel Group, el Imagine Music Fest es un ciclo de conciertos en riguroso formato acústico, que tienen lugar en el reformado lobby del moderno hotel, con aforo limitado. Una oportunidad única de acercarse a la música de cada artista (y al propio intérprete) en una intimidad que no es frecuente, con una atmósfera muy especial. En lo que va de año el exclusivo espacio ha acogido las actuaciones de Ángel Stanich, L.A. y Ainhoa Buitrago. El 22 de septiembre actuará la compositora y cantante María Rodés. Le seguirá Rubén Pozo, quien fue colíder de Pereza y

cabeza visible de Buenas Noches Rose, con sus canciones cocidas a fuego lento para degustar en las distancias cortas; una propuesta que a buen seguro también funcionará con la joven catalana Núria Graham, que actuará en formato de trío desenchufado, igualmente agradecido para su propuesta.

POR EL IMAGINE MUSIC FEST han pasado en estos últimos años referentes del pop, el indie y el rock nacional como La Bien Querida, Tulsa, Anni B Sweet, Neuman, Soleá Morente y Nena Daconte, que han desplegado sus versiones más intimistas. MS www.mutick.com

Tercera edición del Madrid Urban Fest

DEL 8 AL 23 DE SEPTIEMBRE tendrá lugar la tercera edición de Madrid Urban Fest, festival dedicado a la vibrante escena urbana abierto a todo tipo de ritmos y tendencias y organizado por el Área de Cultura de la CAM en el Centro Cultural Pilar Miró de Vallecas. El elenco de este año lo forman Sofía Gabanna, K1ZA, Deva, Vivi K, Sara Socas, Erika Dos Santos e Insert Soul, Oddliquor, DL Blando, Teo Lucadamo, Antony Z y Tony Anzis. En esta edición se rendirá homenaje a la malograda rapera y poetisa Gata Gattana, mediante la proyección del documental “Eterna”. Además, una exposición del fotógrafo especializado en hip-hop Selectormax repasará el papel de la mujer dentro de la cultura urbana, se impartirán talleres de danza y una mesa redonda abordará el tema candente del impacto de las nuevas tecnologías y la inteligencia artificial en la creación musical. MS

CON LA BANDA ARGENTINA Las Ligas Menores se ha iniciado la cuarta edición del ciclo Mazo Madriz, que se lleva a cabo en distintas salas de la capital. A todo el cartel previamente anunciado –con artistas como Kamaal Williams, Judeline y otros– se han sumado nombres como LaTorre, Atención Tsuna-

mi, Kora, el francés PLK, las argentinas Fémina y los japoneses Goat. En septiembre podrás ver a Fémina (19 septiembre, Clamores), Preoccupations y Mausoleo (23 septiembre, Shoko) y LaTorre y Tiraya (28 septiembre, Siroco). Por otro lado, debemos informar de que Judeline suma un segundo concierto tras agotar el primero y que ya no quedan entradas para Fillas de Cassandra. Puedes hacerte con los tickets para el resto de conciertos en Dice. MS

Se inicia la cuarta edición de Mazo Madriz

MARÍA RODÉS FOTO: ERIKA PRUFERT

Un otoño intenso en el Teatro Barceló

El emblemático Teatro Barceló retoma su actividad con una intensa programación para los próximos meses. Entre septiembre y diciembre el recinto va a acoger las actuaciones de artistas para casi todos los paladares.

EL 21 DE SEPTIEMBRE estará allí la cantante portorriqueña Ile, es decir, quien fue la voz femenina de los populares Calle 13. Presentará su nuevo “Nacarile”, en plena gira europea. El 5 de octubre le tocará el turno al compositor israelí Asaf Avidan, que navega entre el pop, el rock y el folk con raíces propias. El 18 de octubre estarán pisando el escenario unos clásicos, los

británicos Dexys (que se dejaron por el camino “Midnight Runners”). Kevin Rowland y compañía prometen tocar sus hits entre el soul, el pop y sus raíces. Un día después la banda valenciana La Plata presentará su “Sueños”, un EP más electrónico. El hip-hop de Erik Urano (27 de octubre) y las canciones de Alba Reche (28) completan la programación de ese mes. En noviembre nos esperan nom-

bres consolidados: Nena Daconte (3), proyecto de la vocalista Mai Meneses, el vibrante R&B de Tito Ramírez (4) y el gaditano Tomasito (24), muy cómodo en su fusión de flamenco con géneros como el funk o el rock. Por último y de momento, el cuarteto canario Efecto Pasillo presentará su nuevo álbum “Los reyes del mambo” el 28 de diciembre. MS www.teatrobarcelo.com

Nace Gravestone Fest

LA VIBRANTE ESCENA underground de rock y metal de Madrid tiene nuevo festival. Gravestone Fest se celebrará los días 29 y 30 de septiembre en Leganés. En el cartel, Radement, Wulfcrown, Morfina y Madsher, hasta sumar dieciocho bandas que oscilan de la psicodelia pesada al thrash, el stoner y el black metal. La organización ofrece precios populares en las barras, y la posibilidad de acampar. La iniciativa no tiene ánimo de lucro, aunque se solicitará una aportación voluntaria para cubrir los gastos. MS www.gravestonefest.com

The Notwist llegan al Condeduque

LA BANDA ALEMANA The Notwist traerá su indie pop elegante con trazas electrónicas el próximo 21 de septiembre al Auditorio del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque. El trío de Weilheim estará presentando su disco más re-

ciente de 2021, “Vertigo Days” –noveno de su discografía, y primero en seis años de silencio–, con el que han seguido refinando una propuesta que les ha hecho ser desde hace tiempo una de las bandas más respetadas en lo suyo. Como unidad creativa que no se ha prodigado por España, será la ocasión perfecta de degustar un compendio de sus canciones más representativas. MS

RADEMENT FOTO: ARCHIVO

BÁSICAMENTE somos personas a las que nos gusta mucho vivir cada momento, tener a nuestra gente cerca, disfrutar del momento. Entonces ‘Ojalá Eternidad’ lo que representa realmente es todas las cosas que nos gustan en esta vida, ya que sentimos que hay que tener la mentalidad de disfrutar mucho las cosas hasta el final, como si fueran eternas. Va de disfrutar el camino, que para nosotros son tres: familia, amor y amistad; y celebrar todo con ellos mientras estamos aquí, ya que nada es para siempre”. Aunque Featherweight no acaban de llegar. Antes de “Ojalá eternidad” –publicado en streaming y en vinilo–, habían publicado dos epés, “A Place Where My Mind Crumbles” (19) y “Never Bloom” (20). En ambos podíamos

apreciar esa esencia oscura influida por el rock de los noventa, una esencia que mantienen a día de hoy, aunque de una manera más madura y unas letras más acordes con su momento actual. “La idea del menos es más la hemos ido aprendiendo conforme hemos ido siendo mejores músicos y compositores. Cuando empezamos quizá pecábamos de recargar los temas más de lo necesario y a lo largo de este trayecto hemos aprendido a eso, a añadir solamente las cosas justas y necesarias para el tema. Estamos muy contentos con el equipo que hacemos a la hora de crear los temas. Le ponemos mucha atención a que cada parte de la canción esté muy hilada con la siguiente, no forzar nada y hacerlo todo lo más natural posible. Lo que más nos inspira para hacer música es el rock de los

noventa, y en este disco hay muchos temas en los que hemos recibido influencias de grupos que tienen justo lo que queremos transmitir, esa estética de los años noventa en general de la que hablamos. Tiramos hacia eso porque es lo que más nos gusta escuchar y tocar en directo, a la vez nos estamos dando cuenta de que nos estamos haciendo más mayores y escuchamos cosas muy distintas, trap, indie... y todo nos influencia e inspira de alguna manera, aunque luego nos orientemos hacia un estilo de música más concreto. Lo que nos

“

“Nuestro sueño es poder seguir sacando discos hasta que nos apetezca”

Los madrileños Featherweight finalmente tienen álbum en la calle.

“Ojalá eternidad“ (Subterfuge, 23) resume a la perfección su forma de ser y su filosofía de vida como banda.

texto Sandra Alcaide

foto Laro Gómez

encanta es que no dejamos nunca de descubrir nueva música y disfrutar de todas ellas por muy distintas que sean”.

AHORA LLEGA EL MOMENTO de girar las canciones del disco. En algunas ciudades como Madrid o Lleida ya han podido escucharse en directo “Antes de vernos caer” o “Mea culpa”. “Tenemos ya bastantes fechas de conciertos cerradas y estamos todavía cerrando más. Queremos darle la mayor vida posible al disco en directo y sobre todo porque creemos que estos temas están hechos para eso, para poder tocarlos y disfrutarlos sobre el escenario. Nos encanta trabajar en el estudio y es un proceso que disfrutamos mucho, pero estar en directo y sentir que a alguien le ha llegado esa canción o que no deja de estar todo el con-

Featherweight La eternidad

CRITICANDO

INDIE ROCK / Recordar supura, duele e inspira. Un proceso habitual que puede dejarnos en la estacada o ayudarnos a avanzar. En el caso de Miguel Cervera, Jorge Blanco y Juan Ruiz echar para atrás su moviola de memorias particular ha sido el fuel ideal para llevar a cabo el salto definitivo con el que dar con su mejor versión. El tono idóneo y la actitud apropiada para encarar la publicación de “Ojalá Eternidad” (Subterfuge, 23), su debut en solitario y la prueba de que el nombre de Featherweight ha venido para quedarse. Una reflexiva estampa materializada en once cortes de pura emoción y honestidad cruda, donde el leitmotiv imperante es ese anhelo por implorar que las cosas que nos hacen felices duren para siempre. Un espacio seguro, para su alma y la nuestra, que nos sorprende para bien con una nueva estrategia por bandera, la cual apuesta por aproximarse al público nacional cantando en español por vez primera. Con un santo y seña marcado por melodías pegadizas, remembranzas nineties, guitarras distorsionadas y letras que rezuman pura nostalgia por todos sus poros, “Ojalá Eternidad” es exactamente lo que le deseamos a la carrera y prosperidad de esta prometedora y joven banda. fran gonzález

cierto saltando o gritando es increíble. Son temas compuestos de tal manera que cuando los toquemos en directo suenen lo más parecido posible a lo que está grabado, no están super recargados ni tienen muchas capas. Además, concretamente disfrutamos mucho con la canción ‘Antes de vernos caer’ en directo. A nivel de letra quizá hay algún otro tema en el que nos abrimos más o nos mostramos más vulnerables pero este tema tiene un poco de todo y es la que más disfrutamos porque muestra toda la evolución musical que hemos vivido pero con la esencia de lo que es Featherweight”.

LO QUE ES SEGURO es que estos madrileños tienen claros los motivos por los que hacen música. Lejos de enloquecer marcándose objetivos materiales, lo resumen sencillamente. Su sueño es “poder seguir sacando discos hasta que nos apetezca, que ojalá sea hasta que seamos viejos. Aunque en un futuro pueda ser con otros grupos o en solitario, es lo que nos hace felices y de lo que más disfrutamos, y si es con amigos como en nuestro caso, no se nos ocurre otra cosa mejor. Hay otras cosas que estarían muy guays como llenar La Riviera o tocar en San Diego, pero realmente si puedes seguir haciendo lo que haces durante muchos años, para nosotros ya es el verdadero éxito y lo mejor que nos puede pasar. Hay muchos artistas que, a lo largo de su camino musical, piensan mucho en lo que es llegar a la meta y no se centran en el camino, que a nuestros ojos es lo más importante. Nuestra prioridad es disfrutar de este camino, estar juntos y estar a gusto haciendo toda la música posible”. s.a.

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Ojalá Eternidad Subterfuge Records

BVRNA Evolucionar

Aunque “BVRNA” (Mad Bird Records, 23) es su primer epé, quizás ya les conociesen con su anterior proyecto, Day After You, con el que se han pateado infinidad de salas. Pero BVRNA son más que una simple evolución.

CONTUNDENTES E INTENSOS, BVRNA creen en lo que hacen, buscan profesionalizarse y apuestan decididamente por su música. Su epé es la prueba de que creer en uno mismo siempre da buenos resultados. Empezaron a trabajarlo aún bajo las siglas de la anterior formación, eso sí. “En un principio era un poco más metalcore, más clásico y en inglés porque había un movimiento fuerte de bandas así. Pero llegó la pandemia y decidimos cambiar el concepto, hicimos borrón a muchas letras y empezamos a escribir en castellano”. Y esa ha sido una de las claves en esta transición hacia BVRNA, el cambio de lengua que lleva implícito un cambio de todo el proyecto. “Notábamos que había un montón de bandas, nosotros incluidos, que querían proyectar hacia afuera y sonar en Europa y en Estados

Unidos y echábamos de menos que hubiera más movimiento de metal aquí y abrazar el castellano intentando hacer algo para la gente de aquí”. Y en esas están. Tanto es así que se han tirado a la piscina de cabeza, autogestionándose ellos mismos en todo lo referente al disco y a su carrera. “Ha sido un proceso de mucho aprendizaje porque nosotros habíamos grabado antes, pero a otro nivel. Cuando empezamos con este trabajo, teníamos material que no nos valía porque tenía muy poca calidad y queríamos volver haciéndolo lo mejor posible”. Por un momento, se atrevieron incluso con la mezcla pero, al darse cuenta de la dificultad que suponía, poco tardaron en delegar en Rubén Zafra para que aportase su experiencia. “El proceso tan arduo de la autoproducción también nos ha reportado algo bueno de cara al directo porque, al haber grabado las líneas, ahora tenemos unas backing tracks que nos refuerzan en los directos”.

DE MOMENTO YA HAN CUMPLIDO –algunos con creces– buena parte de sus sencillos objetivos. “Queríamos llegar a unos estándares de calidad profesional, que es algo que creo que hemos conseguido. Y nos gustaría que, al sacar nuestro

primer videoclip, ‘Vete de mí’, llegase a superar las quince mil reproducciones. Eso sería un éxito rotundo para nosotros”. A día de hoy les faltan menos de mil para alcanzar esa cifra.

BVRNA HAN APOSTADO también por romper algunos esquemas con respecto a su pasado. “El arte del disco huye de los tonos oscuros clásicos. La letra, al ser en nuestro idioma, dice mucho e incluso hemos querido que sea más ‘cantable’, con bastante más contenido melódico en los estribillos. Así que si podemos conseguir que en nuestros conciertos nos canten algunas partes, nos damos con un canto en los dientes”. Y precisamente los conciertos son, tras su disco, lo más esperado de este grupo recién nacido que quiere llevar su propuesta a buen puerto sobre el escenario. “Creemos que podemos reforzar la idea de que tenemos que hacer de los conciertos una experiencia total. Hasta ahora nos habíamos centrado en la música pero ahora hemos ganado en sofistificación del producto y en exigencia, y eso se reflejará en las actuaciones”. adrián lerma

“Echábamos de menos que hubiera más movimiento de metal en España”

FOTO: ARCHIVO

Costa Salvaje y libre

“¿QUÉ EN QUÉ ME DIFERENCIO del resto de raperos? Creo que, si no fui el primero, fui de los primeros en empezar a rapear en primera persona. Cuando todos cantaban en segunda persona, vacilando, provocando, yo empecé a hacer mis letras hablando sobre mí. Reflexionando con cómo me sentía y sacando fuera todos esos sentimientos que me pedían salir. Hoy en día ya todos rapeamos en primera pero en aquella época, hace veinte años, no era lo habitual”. Eran otros tiempos, pero es cierto que en aquellos momentos Costa fue conocido por ser uno de los MCs más viscerales del rap. Hoy eso no hay cambiado, pero Costa se encuentra en otro momento vital. “En lo artístico me siento mejor que nunca porque me flagelo menos que antes. No sé, es una sensación mía. Antiguamente era más duro conmigo mismo y hoy, dentro de la oscuridad que

hay siempre en mi música, me siento más positivo”, explica el cantante sobre un cambio que también ha afectado a su música. “Gracias a eso musicalmente disfruto más que nunca. Antes era más lineal entonando y ahora me divierto buscando nuevos tonos y palos. Disfruto probando nuevos productores y ritmos. Porque después de tantos años necesito retos nuevos. Es lo que me pone cachondo”. Y así lo ha demostrado en su nuevo “Salvaje”, un álbum en el que el madrileño se atreve con nuevos registros y le da una vuelta de tu tuerca a su música. Una evolución que no ha sido premeditada. “No fue algo que buscásemos, la verdad, sino que fue saliendo así porque nos lo pedía el cuerpo. Podría haber metido más cosas locas, porque teníamos bachatas, corridos, reggaetones... Teníamos de todo. Me encanta fusionar estos ritmos latinos con mi música. Y no se me caen los anillos por decir que me gusta el reggaetón. Es un

estilo que me divierte mucho y no me da ninguna vergüenza meterlo en mi música. Me encanta”. Podemos comprobarlo a lo largo y ancho de este disco que, tal como reconoce Costa, ha tenido otro elemento clave para el cambio. “En esta ocasión he trabajado con un nuevo productor para el grueso del disco, Dred Bey. Me lo presentó Papi Trujillo un día que estaba grabando con Cecilio. Y hubo match musical pero también personal, porque a la hora de trabajar con la gente es importante también que haya feeling humano. Decidí apostar por él para este trabajo y creo que ha ido bien. Eso no quiere decir que ya vaya a ser para siempre, pero estoy muy contento con su aportación a este disco”. Una aportación a la que también se suman artistas como Natos, El Jincho, Papi Trujillo, Cecilio G o Lawer, las colaboraciones del disco. Un sobresaliente reparto al que le gustaría sumar a Omega “Es un cantante dominicano

“Fui de los primeros en empezar a rapear en primera persona”

Vangoura han ido publicando canciones durante el verano. Uno de sus dos componentes nos descubre algunos de sus discos favoritos.

que siempre me ha encantado. Pero para ello deberíamos conocernos, bebernos una botella de ron y luego ya hacer la canción si surge. No puedo con eso de hacer colaboraciones sin que haya un punto en común personal entre los artistas. No va conmigo”.

PERO NO SÓLO HAY UN TREMENDO trabajo en el sonido; el mensaje en Costa es un pilar básico para él. Siempre ha sido seña de identidad de su rap. “Aunque al principio era como un laberinto. Con letras muy complicadas, infumables, que hacían que la gente no me entendiese. Pero con el paso del tiempo la gente ha sabido comprenderme más. Hasta el punto de que hoy me viene la gente y me dice que se siente identificada con mis letras y que incluso le han ayudado a entenderse o curar algo. Y eso como artista es algo que no tiene precio”. Pero, igual que cuando ayuda, ¿uno debe sentirse responsable cuando sus mensajes son malentendidos? “No debemos sentirnos así como artistas. Yo nunca me lo sentí, al fin y al cabo sólo estoy contando mis vivencias en una canción. No soy un profesor dando clase. Pero sí es cierto que con el tiempo y la madurez tienes esa conciencia de que la pelota luego vuelve, y prefieres que vuelva con una vibración positiva”. “Porque al final”, añade el madrileño, “en la mayoría de las

cosas no hay una verdad absoluta, y cada persona puede interpretar una frase de una manera diferente dependiendo de sus circunstancias. Y yo eso no puedo controlarlo”. Lo que sí puede controlar hoy en día, afortunadamente, es el camino de su carrera. Gracias a un nuevo modelo de industria musical en el que el artista tiene el control sobre su obra. “Cuando comenzamos, si no tenías un sello no podías hacer nada. Tenías que vender tu alma para conseguir un maldito código de barras y los sellos se aprovechaban y te pedían un setenta u ochenta por cierto de tus ingresos. Ahora esos intermediaros han desaparecido y ese dinero va para los artistas, se ha hecho justicia con las plataformas”. Una nueva realidad que ha generado hitos impensables para artistas independientes. Y que él ha vivido en sus propias carnes. “Hace unos meses estuve cantando en el concierto de Natos y Waor en WiZink y aquello fue una locura. Algo impensable hace unos años cuando las salas de Madrid ni querían coger conciertos de rap y había que hacerlo todo siempre low cost Afortunadamente eso ha cambiado y ahora todo se ha democratizado. Ahora los artistas por fin somos libres”. alfonso gil

Cala Vento Balanceo (2019) pablopablo pablopablo (2022)

DE ALLÍ / La banda de la vida de Igna y una de las mías. Foals fueron uno de nuestros primeros puntos de encuentro y una de las razones por las que empezamos a hacer música juntos. Uno de esos discos a los que siempre vuelvo.

DE AQUÍ / Una de nuestras bandas nacionales favoritas y seguramente lo sea porque nos lleva de vuelta a la música que nos hizo interesarnos por la música. Yo lo hice como batería y hubiera sido un sueño hecho realidad serlo en una banda como Cala Vento.

DE MÁS AQUÍ / Sensibilidad infinita y un gusto exquisito en cada nota que suena en este álbum en el que, lo que más rabia da, es que no sea más largo (9 canciones que no llegan a los treinta minutos). MS

Miguel Figueras (Vangoura)

Incomprendido a veces, Costa es uno de los artistas más crudos e indómitos que ha dado el rap en España. Una libertad de la que hace gala en su nuevo álbum “Salvaje” (Grimey Music, 23)

CONCIERTOS

Arctic Monkeys De cero a cien en un segundo

Lugar: WiZink Center

Fecha: 10-07-2023

Promotor: Last Tour

LA PRIMERA VELADA de los británicos Arctic Monkeys en Madrid se saldó con un triunfo por goleada. El cuarteto -con el apoyo sutil de otros tantos músicos sobre el escenario- tiró de repertorio de sus siete álbumes para ofrecer un apabullante despliegue de potencia y elegancia, sobreponiéndose a la acústica del gigantesco recinto madrileño. Lástima que sólo se les pueda disfrutar en entornos tan amplios. Son las leyes del mercado. Sobre los británicos planea una especie de sospecha desde que hacia 2018 decidieron cambiar el rock frenético y rítmico de riffs secos por las canciones teatrales y atmosféricas, salidas de la versión ideal de una fiesta ofrecida en su mansión del Mediterráneo por un playboy en 1972. Se dice que ya no es lo mismo, que el grupo se ha rendido a las obsesiones del frontman Alex Turner, que aburren a las piedras, que esto es como The Last Shadow Puppets. Lo cierto es que si continuaran apostando por la velocidad y la visceralidad de su etapa juvenil, probablemente lo tendrían más fácil. Pero parece darles igual. Y no me parece

mal planteamiento. Demuestra que tienen personalidad. Que disfrutan yendo a contracorriente. Que se conocen al dedillo la Historia del pop. Además, es que para tirar de contundencia ya tienen sus (excelentes) canciones antiguas. Se ha dicho que Arctic Monkeys eran el último gran grupo de rock británico. Grande, en el sentido de aunar calidad y alcance masivo, en un linaje que iría, por ejemplo, de The Who o The Kinks a Oasis y Blur y por fin ellos. Y es cierto que desde su irrupción ninguna banda de aquel país ha tenido su alcance, ni de lejos. Por alguna razón, llegan a todo tipo de paladares.

LOS DE SHEFFIELD SALIERON atacando los aires góticos de la oscura “Sculptures of Anything Goes”, para acto seguido demoler el recinto con “Brainstorm”. Fue toda una declaración de intenciones, porque de eso iba a tratar su actuación, de combinar su lado más sensible, romántico y peliculero con el rock asilvestrado a la yugular. Encontrando un equilibrio ideal, sin desmayos. Puede que Alex Turner -gafas de pera y camisa de vividor, peinado de otra época, carisma natural- y sus compinches hayan decidido vivir su propia película en la Costa Azul francesa

de principios de los setenta en lugar de en la gris Inglaterra de los council flats; hasta los efectos de vídeo que aplican a las imágenes que salen en tiempo real de la pantalla circular parecen salidos de un programa antiguo de Top of The Pops. Pero cuando hay que darle duro a las guitarras lo hacen como casi nadie, con guiños incluidos a Black Sabbath. Ésa es la grandeza actual de la banda, que es perfectamente capaz de pasar de cero a cien en pocos segundos y sin que la cosa chirríe.

Y ES IMPOSIBLE NO RENDIRSE a canciones eternas como “Crying Lightning”, “Fluorescent Adolescent” y su maravilloso estribillo, “Do Me a Favour”, la sofisticada “There’d Better Be a Mirrorball” o “Do I Wanna Know?” con su riff sensual, interpretadas en plenitud. Son canciones que reinterpretan las esencias atemporales del pop y el rock cuando se hace desde las tripas y el cerebro. La demoledora larga coda de “Body Paint”, de su último disco, antecedió un bis de tres canciones. Y claro, terminar con “I Bet You Look Good on The Dancefloor” y “R U Mine” es un truco infalible. Al menos, si se hace con la convicción abrasiva de los británicos.

Damien Rice Magia y desamor a la luz de la luna

Lugar: Jardín Botánico Universidad Complutense

Fecha: 30 julio 2023 Promotor: Noches del Botánico

EL IRLANDÉS FUE EL NOMBRE perfecto encargado de cerrar la temporada del ciclo de conciertos celebrados en el jardín de la Complutense, bajo una espléndida luna llena. De nuevo, un entorno privilegiado y agradable para disfrutar de la música en las noches del verano. Una selección de artistas tan heterogénea como atractiva que, sumada al frescor de la arboleda, ha culminado con récord de asistencia. No es de extrañar que la nueva grada y la pista se llenaran por completo en muchos de las actuaciones. Fue el caso del de Damien Rice, que se prodiga tan poco en lo discográfico como en persona, y que dio un recital mágico, con unos niveles de intimismo e intensidad emocional poco frecuentes, menos en grandes recintos. El público respondió con un silencio escrupuloso, roto puntualmente en los momentos en los que el irlandés invitó a los asistentes a cantar o a dar palmas en temas como “Volcano”. Y aquello no sonó forzado o cursi.

CURIOSA TRAYECTORIA la del de Dublín, quien cuenta en su haber con sólo tres álbumes en una carrera que se remonta más allá de las dos décadas: el último y celebrado “My Favourite Faded Fantasy” (14) ya

queda muy atrás, como él mismo reconoció pidiendo disculpas un poco de broma por girar sin disco nuevo… Pero Rice lleva en la sangre la rica tradición de su país, además de evocar a gigantes de la sutileza y la poesía musicada en su forma más noble, como el malogrado Jeff Buckley, Nick Drake, Lloyd Cole o Leonard Cohen (no es casual que sonara en el hilo musical antes de la actuación), con algunos toques contemporáneos que no llegan a hacerse empalagosos, y momentos de feroz intensidad. Palabras mayores, pero nuestro hombre ha nacido para esto. Crítica y público agradecen su poder de comunicación innato y entienden que en no pocas ocasiones menos es más, de modo que no le reprochan su anémico ritmo productivo. Como admitió él mismo con gratitud, se acuerdan de él. Rice, que no tira de set list, va improvisando al repertorio sobre la marcha. Todo forma parte de un modo de hacer las cosas que parece casual y caprichoso, pero en el que hay un poderoso ritmo interno.

NADA MÁS SALIR, se gana al público sentándose en el borde del escenario y contando una historia que culmina en una explosión de humor gamberro inconfundiblemente irlandés, antes de interpretar “The Professor & La Fille Danse”. Sí, por si fuera poco, Rice tiene una gracia natural para el humor negro, y le reprocha a los que se levantan

a la cuarta canción que él no necesita ir al baño… Pero no abusa de las explicaciones, las canciones se explican por sí mismas en un inglés exquisito con dulce y clarísimo acento irlandés. La puesta en escena es eficazmente austera -varios viejos focos de cine, un piano-, y el compositor cuenta con el apoyo puntual de la cellista y cantante brasileña Francesca Barreto, cuyo estupendo trabajo complementa exquisitamente las guitarras y la aparentemente infalible capacidad vocal del artista. Rice desarma con canciones en las que el desamor descarnado se convierte, como lo es en las canciones de sus maestros, en forma de arte. “Nos estamos muriendo en este momento, así que más vale aprovechar y hacer algo distinto”, anuncia con fatalismo celta invitando al público a dejar sus asientos y acercarse al escenario. Después pide si queremos una canción “triste, deprimente o furiosa”, y acaba tocando una “triste y furiosa”, encadenando las tremendas “9 Crimes” y “Rootless Tree”. En la parte final el compositor saca a relucir su parte más teatral mientras apura una botella de vino. Incluso presentó un tema nuevo que a buen seguro formará parte del nuevo disco que empezará a grabar nada más termine esta gira, según anunció. Lo mejor de todo es que habrá nueva excusa para disfrutar de su magisterio (y su gracia) sobre el escenario. jc peña

Placebo Para Sinéad

Lugar: Jardín Botánico Universidad Complutense

Fecha: 27 julio 2023 Promotor: Noches del Botánico

A BRIAN MOLKO siempre le ha gustado nadar a contracorriente y expresar sus opiniones sin filtro, normal que admirase a Sinéad O’Connor y decidiera dedicarle el concierto de la noche del jueves a su memoria. Creo que eso le dio un extra de fuerza a una actuación en la que junto a su compañero Stefan Olsdal decidió olvidarse de su disco más popular, “Without You I’m Nothing” (98), y centrarse en el último, “Never Let Me Go” (22), que puede que sea el mejor desde aquel en una trayectoria que va camino de los treinta años. La actuación comenzó con una petición en castellano, por favor nada de móviles durante el concierto, que fue bastante respetada y que Molko se encargó de repetir varias veces más durante el concierto, incluso cambiando la letra de “Too Many Friends” para decir “When all you cunts do all day is stare into a phone”. Tampoco había mucho de que quejarse, y no lo hicieron mucho, el público fue mayoritariamente respetuoso con la petición y abrazó a la banda como si se estuviera reencontrando con un viejo amigo, recibiendo a las dos primeras canciones, “Forever Chemicals” y, sobre todo, “Beautiful James”, como si fueran ya grandes clásicos de la banda.

MOLKO Y OLSDAL estaban al frente mientras que el resto de músicos, Bill Lloyd a la guitarra, el multi instrumentista Nick Gavrilovic, Matt Lunn a la batería, y Angela Chan a los teclados y el violín se quedaban en un discreto segundo plano. Olsdal tiene más presencia y tablas que Molko e interactúa más con el público, claro que es la aguda voz del cantante la que sigue siendo la principal característica de una banda que, musicalmente, sigue sonando a sus inspiraciones principales, Joy Division, The Cure o The Smiths. Eso sí, el concierto pecaba de algo de frialdad, estaban tocando muy bien pero no parecía que Molko estuviera muy metido, cantaba su canción, cambiaba su guitarra y poco más. Pero entonces llegó ese momento en el que antes de tocar “Happy Birthday in the Sky”, la canción que dedicaron a Bowie por su fallecimiento, sacó un papel y leyó en un castellano bastante bueno su elogio de Sinéad O’Connor y decidió dedicarle el concierto a su memoria. En la siguiente canción Olsdal, también en un perfecto castellano, nos invitó a un viaje al pasado con la única canción que sonó de sus discos de los años 90, en concreto “Bionic”, de su debut “Placebo”, publicado en 1996. No hubo una sola concesión más, ni una sola canción de “Without You I’m Nothing”. Ya sabíamos que a Molko no le gusta ni “Pure

Morning”, ni tampoco “Nancy Boy”, sus dos mayores éxitos, pero tampoco hubo “You Don’t Care About Us”, ni la titular, ni “Every You Every Me”.

LA BANDA HA MARCADO una línea en la arena y ha decidido que no quiere vivir de las rentas del pasado. El jueves la gente la cruzó con ellos, eso sí, los momentos más intensos del concierto fueron cuando sonaron “For what it’s worth”, “Slave to the wage”, “Song to say goodbye” y aquello casi se cae cuando tocaron “The Bitter End” y cerraron con “Infra-red”. Fue el momento álgido de un concierto en el que sí que consiguieron esa conexión que buscaban con su público, al día siguiente algunos no tendrán el vídeo del momento en el que sonó su canción favorita pero sí la experiencia de haberla cantado dándolo todo con la banda. El bis final fue extraño porque metieron una canción nueva, “Fix Yourself”, entre dos versiones de dos clasicazos como el “Shout” de Tears For Fears y el “Running Up That Hill” de Kate Bush, que alargaron entre infinidad de distorsión, lo que hizo que se la vieran demasiado las costuras y quedara un poco empequeñecida. Probablemente hubiera sido el momento de meter uno de sus clásicos propios.

sergio ariza

FOTO: VÍCTOR MORENO

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