MONDOSONORO NOVIEMBRE 2011 Nº189

Noviembre de 2011 nº 189

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

CORIZONAS

AJENOS A LAS MODAS NOEL GALLAGHER

DELIRIOS DE GRANDEZA

BERRI TXARRAK

ALTO VOLTAJE MAIKA MAKOVSKI • BRAVO FISHER! • FLEET FOXES • MEGAFAUN • DJ SHADOW • HAMLET • THE DØ • MASTODON • MODESELEKTOR NIXON, RAEMON Y VICENTE • BAD RELIGION • BIGOTT • JOSH ROUSE • MANOS DE TOPO • M83 • KLAUDIA • MAX CAVALERA • FESTIVALES Berri Txarrak Foto Galder Izagirre

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Del backstage al escenario. ¿Te gustaría sentir la fama en tu propia piel?

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Barcelona, 8 de Diciembre Mendetz + Chinese Christmas Cards + MondoSonoro dj's

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La musica de Love of Lesbian cobra vida en

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staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Noviembre 2011 /5/

NOTICIAS

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

6. Maika Makovski alterna música y teatro con “Desaparecer” 7. Nixon, Raemos y Vicente, los problemas crecen 8. La puesta de largo de Bravo Fisher !

mondofreako 11. Fleet Foxes 12. Megafaun 13. DJ Shadow 14. Hamlet 16. The Dø 17. Mastodon 18. The Secret Society 20. Modeselektor

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com) Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

entrevistas

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 963 987 ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

sumario

23. Corizonas Ajenos a las modas 25. Noel Gallagher Una estrella nada fugaz 26. Berri Txarrak El hilo de la vida

23 / CORIZONAS 800 Balas

Conciertos 29-33. FIZ, Airbag, Josele Santiago...

◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00

escaparate

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

34-35. Klaudia, Josh Rouse...

◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

vinilos 39. M83 Disco del mes

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

mondomedia

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Raül Julián, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop, Virginia Arroyo Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

48-51. Mondo Recomienda 52. Conexiones

mondoweb

Adiós verano, hola otoño Sabe mal, a algunos como a un servidor muy mal, pero el verano se ha esfumado entre nuestros dedos. En pocos meses empezarán los fríos invernales y las cosas se teñirán de melancolía y todo eso que suele asociarse a los días cortos y las noches gélidas. Por suerte, hasta que eso ocurra, nuestra sangre aún hierve, sobre todo si los discos que se publican por aquí acompañan la sensación con elevadas dosis de energía. Puede que cada mes tengan ustedes la misma sensación leyendo estas líneas, pero la verdad es que no dejan de publicarse discos estatales excitantes y de nivel. Este mes

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Virginia Arroyo porque quiere ganarse la vida en “Atrapa un millón”

26 / BERRI TXARRAK El hilo de la vida

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Oficina

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54. La entrevista Fan: Bad Religion

25 / NOEL GALLAGHER Por los viejos tiempos

Aragón

DC

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Para ello escojo las siguientes tarifas:

Nº Cta.

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no es una excepción. Ahí tenemos “Haria”, el nuevo disco de Berri Txarrak, cantado en euskera, pero con vistas mucho más allá de una región, de un país, de una escena. El trío ha grabado en Estados Unidos junto con el reputadísimo Ross Robinson y allí estuvimos nosotros para quedarnos con todos los detalles y descubrirles en primicia qué en lo que van a encontrarse en uno de los discos de rock más esperados de la temporada. Pero la presencia nacional quita, francamente, el hipo gracias a los nuevos lanzamientos de Manos de Topo, Bigott, The Right Ons, Hamlet y muchos otros. Empezar así un otoño da gusto, la verdad.

■ Redactor Jefe Joan S. Luna

5 lotes de

SIDONIE formados por los DISCOS de “cOSTA AZul” y “el incendio”

TAN LEJOS... ❚ GUIDED BY VOICES se reunieron el pasado año para una serie de conciertos y suponemos que a partir de ese momento les picó el gusanillo y la nostalgia al ver a la formación original junta de nuevo. Y es por eso que el día 1 de enero de 2012 podremos disfrutar de “Let’s Go Eat The Factory”, un disco que consigue juntar de nuevo a todos los miembros originales desde 1996.

/6/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

Maika Makovski Foto Noemí Elias Bascunlana

NOTICIAS

❚ “Douchebag” (“capullo” en inglés) es el título de la comedia que FRED DURST, líder de Limp Bizkit, protagonizará. Puede parecer una broma, sobre todo dado el nombre de la sitcom, pero no lo es. Al parecer, la serie estará escrita por el respetado Matthew Carlson (“Malcolm In The Middle”). La serie verá la luz a través de CBS TV Studios a partir de 2012 .

Bongo Botrako Foto Archivo

Girando Por Salas inicia su temporada este mes

❚ El próximo 4 de diciembre se pondrá a la venta “Wetsuit/ Tiger Blood”, el nuevo single de THE VACCINES, a través de las plataformas digitales y también en formato físico de vinilo siete pulgadas. El tema ha sido producido por Albert Hammond Jr, conocido por ser miembro de The Strokes, con el que el grupo grabó en Nueva York durante este verano.

Tras una etapa de evaluación de propuestas, este mes de noviembre empiezan los conciertos de la nueva temporada de Girando Por Salas, una iniciativa que pone en movimiento a un montón de grupos en diversos escenarios de una larga lista ciudades españolas. De momento, son veintinueve los artistas que ofrecerán actuaciones durante los meses de noviembre y diciembre. Miss Carrussel, Bongo Botrako, Los Chikos del Maíz, Los Tiki Phantoms, La Pulquería, Achilifunk, Garaje Jack, El Pacto, Diego Martín, Burrito Panza, Georgina, Guevara, Alamedadosoulna, Miss In Blues y Hola A Todo El Mundo pasarán por Madrid, Zaragoza, Valencia, Segovia, Murcia, Barcelona y muchas otras localidades. Mantente informado sobre todos los conciertos de los sesenta artistas seleccionados en www.girandoporsalas.com ■

The Decemberists Foto Archivo

❚ Cuando aún tienen fresca la edición de su último disco de estudio, “The King Is Dead”, THE DECEMBERISTS anuncian la salida de un nuevo EP que bajo el título de “Long Live The King” incluirá seis canciones, cinco de ellas acústicas más una versión de “Row Jimmy” de The Grateful Dead. El EP se edita el 1 noviembre a través de Capitol. ❚ MAZZY STAR fueron uno de los grupos más destacados de la psicodelia lánguida de los noventa y una influencia, sin duda, para muchos nuevos artistas. Ahora, tras años separados, regresan para publicar un single que saldrá a la venta a través de formato digital el 31 de octubre. “Common Burn” y “Lay Myself Down” son las canciones que ya puedes escuchar en Internet. ❚ El 5 de octubre fallecía en Londres BERT JANSCH. Tenía sesenta y siete años y llevaba unos cuantos luchando contra un cáncer que al final ha acabado con su vida. Figura de primer orden del folk escocés gracias a haber sido uno de los fundadores de Pentangle, grupo que renovó el género y rivalizó en los primeros puestos en las listas con Fairport Convention en los setenta, también publicó varios discos en solitario. ❚ BLOC PARTY acaban de anunciar que están buscando y probando a nuevos cantantes y según declaraciones para la NME de Russell Lissack, guitarrista del grupo, “no es ningún secreto y no tiene nada que ver que Kele haya estado ocupado con su carrera en solitario (…)”. De esta forma se despide de forma abrupta del grupo a Kele Okereke, cantante y baza principal de la banda británica. n

Maika Makovski alterna música y teatro con “Desaparecer” Maika Makovski es uno de esos talentos que no deja de sorprender. Si lo hizo con sus discos anteriores, con “Desaparecer” (Outstanding, 11) da un nuevo quiebro de cintura capaz de enamorarnos. Su nueva conquista, el teatro. Y por la puerta grande.

T

ras una excelente acogida en la presentación barcelonesa del pasado verano, vuelve a ser noticia “Desaparecer”, el proyecto teatral de Calixto Bieto que protagonizan Juan Echanove y Maika Makovski. Y es noticia, por un lado, porque el montaje ha salido a la carretera y será visto en varias ciudades españolas. Por otro, porque ya se encuentra disponible la banda sonora que la acompaña. Firmada por la propia Maika, la música de “Desaparecer” contiene nuevas composiciones inspiradas, al igual que la pieza teatral, en relatos de Edgar Allan Poe. La mallorquina con raíces macedonias y andaluzas nos habla del que es su cuarto trabajo discográfico. “Ha sido la serie de canciones que me ha salido más fácil y fluida de toda mi vida. Calixto planeaba hacer una obra sobre Poe, en marzo ya tenía a Juan Echanove y buscaban a una mujer que pudiera cantar, tocar y, a ser posible, hablar.

Pensaron en mí y me dijeron que estrenábamos en junio. Me dieron libertad para interpretar temas aje-

nos, pero la obra me inspiraba demasiado. Escribí quince temas en un mes y los grabamos en tres días”. Así pues, y a pesar de su inexperiencia como actriz, un valiente Bieto depositó su confianza en Maika y creyó en la música que iba a componer. Visto el resultado, ¿repetirá ella en el teatro? “Sí, si salen proyectos y siento que los puedo hacer. Me gusta, porque me recuerda mucho a la música. Todo lo que digo, lo digo desde el mismo sitio”. Alternando fechas con la representación teatral, se encuentra en marcha también la gira en la que se puede degustar la música en vivo que interpretan Maika y su banda. En mondosonoro.com puedes consultar fechas, además de descubrir que, entre otras interesantes declaraciones, Maika nos contó que su quinto disco ya está grabado y no tardará en ver la luz. “Es mucho más luminoso que nada que haya hecho en años”.

■ Xavier Llop

+en

Disco Inferno Foto Archivo

Se reeditan los Ep’s de Disco Inferno Han pasado dieciséis años desde que Disco Inferno pusieran punto y final a una trayectoria tan breve como influyente “por dos razones, esencialmente: que los tres componentes del grupo no éramos amigos y que la discográfica (Rough Trade) rescindió el contrato.

Si hubiéramos sido amigos seguro que lo hubiéramos superado, pero al no ser así…”. Tras un disco y unos Ep’s en Che que el propio Ian Crause considera “la etapa juvenil del grupo, que no me gusta demasiado”, Disco Inferno se reinventaron al convertirse en un grupo de rock (post-rock se dijo entonces) armado con samplers. “Creo que Disco Inferno fue el último grupo post-punk. A nuestro alrededor la mayor parte de bandas apostaron por ser variantes de Oasis, por apuntarse al brit pop y convertirse en derivaciones de los periodos exitosos de la industria cultural británica. Era importante querer ganar y jugar a perdedor, arriesgar como nosotros, implicaba perder. ¡Viva Tatcher! Todos somos sus hijos”.

La pequeña satisfacción que les reservaba la historia se concreta hoy en el recién editado recopilatorio de singles,“The 5 Eps” (One Little Indian/ Popstock!, 11), que sirve de reivindicación de su legado y de guía de la actividad de la banda entre 1991 y 1996. ■

Fran, Nixon y Ricardo Foto Archivo

MondoSonoro · Noviembre 2011 /7/

NOTICIAS

TAN cerca... ❚ La marca PRIMAVERA SOUND se suma a otros festivales que han apostado por multiplicar su oferta en dos espacios distintos de manera casi simultánea. Oporto es la ciudad escogida para celebrar la primera edición del Optimus Primavera Sound, del 7 al 10 de junio; una semana después de la celebración del San Miguel Primavera Sound en Barcelona.

Las entradas ya están a la venta. ❚ Del 2 al 5 de diciembre se celebra en Gijón, el BEAT GOES ON MOD & 60’S RALLY. Un weekender por y para aquellos que disfrutan participando de la escena mod y sixties. Esta edición es un encuentro intergeneracional en toda regla.

Bandas noveles como Stanley Road o Brand New Sinclairs comparten cartel con la rabia del r&b purista de The Canary Sect. ❚ Este mes de noviembre regresa a nuestro país uno de los tours más célebres de la escena punk rock europea: el EASTPAK ANTIDOTE TOUR. En nuestro país, el Eastpak Antidote Tour recalará en Barcelona, el 2 de noviembre en Razzmatazz y el 3 en la sala San Miguel (Palacio Vistalegre). Los grupos que tocarán son A Day To Remember, August Burns Red, The Ghost Incide y Living With Lions.

Ramón Rodríguez, Fran Fernández y Ricardo Vicente unen sus fuerzas para autoeditar “El problema de los tres cuerpos” (Cydonia/Playas de Normandia), una colaboración inédita que -apuntan- no tendrá continuidad y sirve a estos tres “clásicos” del pop sentimental hecho en España para ampliar los matices de su paleta sonora.

B

usquemos el origen de esta colaboración en aquellos dos conciertos en Madrid y Barcelona en los que Fran (Nixon) y Ramón (The New Raemon) jugaron a telonearse mutuamente.

“A raíz de aquello Ramón me propuso hacer el disco y como yo venía trabajando con Richi le dije que también tenía que participar en la historia, porque además Richi está en un gran momento componiendo canciones. No había nada mucho más allá de hacer un disco que le gustara a la gente que nos sigue y, de paso, pasárnoslo bien”. El trío hace frente de la mano a las tareas promocionales que conlleva “El problema de los tres cuerpos”. (Ramón) “A nivel de sonido hemos intentado que la banda base fuera la misma, grabando en las mismas sesiones y haciendo coros los unos en los temas de los otros para darle mayor unidad. Pero sí que es cierto que se nota mucho de quién es cada canción. Yo creo que era inevitable porque los tres tenemos la personalidad muy marcada”.

La distancia con trabajos pretéritos la marcan pues los detalles más extravagantes del disco, como unos arreglos en los que tiene mucho que ver la aportación de los productores Ricky Falkner y Santi García. (Ricardo) “Al final es cierto que la gente se queda un poco con los detalles, el saxo de ‘Todos tus caballos de carreras’, la flauta de ‘Repartiendo el sombrero’,…”. (Fran) “Nosotros pensábamos más bien en esos discos de los setenta un poco orquestales. Dentro del presupuesto ajustado que teníamos, hacer una producción así un poco lujosa”. Que nadie se asuste: la marcada personalidad de las canciones de Ramón, Fran y Ricardo está presente en todas y cada una de estas nueve canciones. (Ramón) “No deja de ser una extensión de lo que venimos haciendo por separado. También es que nosotros ya empezamos a ser un poco mayores y llevamos muchos años perfeccionando nuestra manera de hacer canciones como para dar un giro. Aquí cada uno habla de su libro”. Y el

libro ha vuelto a salirles tirando al rosa. (Fran) “Decía David Byrne que era incapaz de hacer una canción romántica. Por eso yo siempre he leído sus letras con avidez, porque hacer canciones pop sin hablar de amor es muy complicado, el tono y la letra van de la mano y te sale ponerte… digamos que sentimental. En realidad todo aquello que te trae más quebraderos de cabeza a diario, el dinero y tal, es sustituible, lo único no sustituible son las personas. Pero sí, resumiendo, es cierto que hay veces que piensas ‘voy a intentar hablar de otras cosas’, pero de verdad que es muy complicado”. En los últimos meses se ha hablado mucho de todo esto, exigiéndose a los músicos que se posicionen social y políticamente a través de sus canciones.

(Ricardo) “Veo el discurso publicitario por el cual es necesario crear bandos con discursos homogéneos. Veo el mecanismo, pero no quiero entrar…”. (Ramón) “Desde luego, el que te posiciones políticamente no va a conseguir explicar totalmente cómo piensas o cómo te sientes. Las personas somos mucho más complejas que eso. Personalmente yo creo que sí me comprometo, porque sí que tengo canciones que hablan de todas estas cosas. Y muchas, lo que pasa es que hay que leer entre líneas. Tampoco me gusta darle a la gente todo masticado”. ■ Luis J. Menéndez

San Miguel Primavera Club, últimas incorporaciones Se acaba el verano y se despiden la mayoría de los festivales, pero no todos.

Dentro de unas semanas arranca una nueva edición del San Miguel Primavera Club, un anticipo de lo que se nos avecina cuando regrese el calor. Del 23 al 27 de noviembre Madrid y Barcelona acogerán simultáneamente la sexta edición del festival. Espacios como el Círculo de Bellas Artes, la Caracol, el Casino de l’Aliança del Poblenou, l’Auditori o la Joy Eslava son algunos de los espacios en los que se llevarán a cabo las actuaciones de las últimas incorporaciones del cartel, como EMA, The Music Tapes, Spectrals, Mazes, Tim Burguess –The Charlatans, como DJ- o Hyetal, así como artistas españoles como Las Ruinas y su propuesta indie rock, junto a Capitán, Villarroel, Margarita, Aliment o Diploide. Aunque si quieres conocer la programación al completo pásate por www.primaveraclub.com, donde encontrarás también los horarios y salas en las que actuarán artistas previamente confirmados como Girls, Fleet Foxes, Handsome Furs, Superchunk, John Maus, Veronica Falls o The Pop Group, entre otros. ■

❚ ARCTIC MONKEYS llegan a nuestro país el próximo mes de enero para presentar su nuevo disco, “Suck It And See”. Y lo harán acompañados de un telonero de lujo, Miles Kane, compañero de Alex Turner en The Last Shadow Puppets. Las citas son el 27 y 28 de enero en Madrid y Barcelona respectivamente.

Antonio Luque Foto Archivo

❚ A través de una entrevista firmada por Eduardo Guillot, hemos sabido que ANTONIO LUQUE (Sr. Chinarro) ha pasado una semana en Valencia ultimando la grabación de su nuevo disco en el que han intervenido Pablo Maronda, Dani Cardona (Desguace Café) y Marc Greenwood (bajista de La Habitación Roja), que también es el productor. El disco será editado por Mushroom Pillow y estará firmado, por primera vez, con su nombre real, Antonio Luque. ❚ El cuarteto LA GRAN ALIANZA, que ya editara su primera demo el pasado año, quedando segunda en nuestras listas y formando parte de las fiestas demoscópicas de Valencia, saca a la luz su primer trabajo en estudio.

El disco lleva por título “La Carne y El Acero” (Autoditado/Tráteme de Usted). ❚ ART BRUT regresan este mes de noviembre a España para presentar su nuevo trabajo, “Brilliant! Tragic!”, cuarto disco de estudio que ha sido de nuevo producido por Frank Black (Pixies). Si quieres disfrutar de su directo y sus temas cargados de ironía, estas son las citas: día 10 Bilbao (Azkena), 11 Barcelona (La 2 de Apolo) y 12 Madrid (Moby Dick”.

Superchunk Foto Archivo

❚ Este año, la sexta edición de los PREMIOS POP EYE ha premiado entre otros a El Columpio Asesino como mejor álbum por “Diamantes” y mejor canción por “Toro”, Arizona Baby y Los Coronas han dominado el apartado de mejor disco rock y el premio al grupo revelación ha sido para The Bright en dura pugna con Odio París que sí se han llevado el de mejor álbum de debut. n

Bravo Fisher Foto Archivo

NOTICIAS /8/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

We Are Standard Foto Archivo

We Are Standard y Mendetz presentan nuevo disco en las Black XS Rockstar Nights We Are Standard y Mendetz son ya viejos conocidos de nuestras páginas. Y ahora coincide que ambos tendrán nuevo material en la calle y que ambos van a actuar como plato principal de las fiestas gratuitas Black XS Rockstar Nights, organizadas por la marca de colonias con el apoyo de nuestra revista. El grupo vasco presentará un nuevo Ep en el que apuntan una dirección algo distinta de sus trabajos anteriores, dejando entrever una madurez muy clara. Por lo que respecta a Mendetz, tendremos la oportunidad de ver qué tal suenan en directo los temas de su tercer álbum, “Silly Symphonies” (Music Bus, 11).

Aunque los dos artistas principales de las noches Black XS Rockstar no son los únicos que presentan nuevo material. Los barceloneses Chinese Christmas Cards estarán en Madrid junto a Mendetz e interpretarán el material de su Ep “Barcelona” (Mushroom Pillow, 11), mientras que los zaragozanos DeVito abrirán en Barcelona, dando un repaso al que será su nuevo disco, aún sin título. Para asistir de forma gratuita a cualquiera de las dos noches entra en www.be-a-rockstar. com y regístrate. ■

La puesta de largo de Bravo Fisher!

Bravo Fisher! ha pasado en apenas unos meses de ser uno de los grupos destacados de nuestra sección Demoscopia a firmar su primer disco (sólo en formato digital) con el sello 43Music. La culpa de todo la tiene una propuesta de alto calado emocional, rabiosamente pop y vocación bailable, a medio camino de La Casa Azul y The Postal Service.

L

a vida de Guillermo Galguera se ha acelerado de forma imprevista en los últimos meses, desde que el pasado mes de marzo enviase sin demasiada fe su primera maqueta como Bravo Fisher! a las redacciones de los principales medios musicales del país.

Apenas un par de meses más tarde era señalado como el ganador del concurso Licor 43 y premiado con la grabación de un disco en los Estudios Brazil y un videoclip dirigido ni más ni menos que

por Nacho Vigalondo. “En Valladolid había tenido un par de aventuras musicales previas, pero cuando acabé la carrera y me vine a Madrid para empezar a trabajar de profesor de inglés decidí que ya se habían acabado las tonterías con la música.

Sin embargo, después de un primer año complicado, volví a Valladolid muy deprimido y me puse a hacer las canciones”. Y tan rápido fueron las cosas que desde el pasado mes de

octubre ya se puede disfrutar en todas las plataformas de escucha y descarga digital de “We Were Overnighters”, primer disco que en realidad tiene muchos puntos en común con la maqueta en cuestión. Empezando por las canciones (ahí están esos tempranos mini hits que son “Go Back To Spain”, “Minorka” y “Drinking Mojitos”) aunque también es cierto que Guillermo ha aprovechado el paso por Brazil para mirar al futuro y registrar la primera incursión de Bravo Fisher! en el pop cantado en castellano con “Ven”. “La maqueta ya sonaba muy bien, porque la grabé con mi hermano que es técnico de sonido profesional, y apenas tuve tiempo de escribir muchas canciones nuevas. Así que podríamos decir que el disco viene a ser una especie de versión 2.0 de ‘Overnighters’”.

■ Luis J. Menéndez

Cooper inicia una gira virtual de presentación de “Mi universo” James Murphy Foto Ruvan Wijesooriya

DFA celebra sus diez años de carrera en Barcelona No importa que nos hayamos quedado sin LCD Soundsystem, porque en DFA siguen celebrando la vida sin parar. Y es que el emblemático sello estadounidense organiza una fiesta por todo lo alto el próximo 3 de noviembre en la sala Razzmatazz de Barcelona. Lo mejor de todo es que ya se han confirmado todos los detalles de la fiesta del influyente sello, propiedad en parte de James Murphy. La celebración se enmarca dentro de la programación que con motivo de los once años de la sala barcelonesa. Y va de cumpleañeros. Lo cierto es que el cartel quita el hipo. El escenario grande del Razz acogerá las sesiones de James Murphy, Alexis Taylor y Joe Goddard de Hot Chip, Juan Maclean, Gavin Russom, Pat Mahoney y Nancy Wang, además de los conciertos de Shit Robot, The Crystal Ark y Planningtorock. Esta noche tan especial será el pistoletazo de salida de las celebraciones del aniversario de la sala en las que también están ya confirmados nombres como los de The Rapture, James Blake/Jamie Woon/Jamie XX, The Horrors, Neon Indian, Washed Out, Chad Valley, Joy Orbison, Doom, Caspa o Is Tropical. ■

Iván Ferreiro Foto Archivo

Iván Ferreiro repasa su carrera en un directo muy especial Son muchos los seguidores de Iván Ferreiro que esperaban una caja de las características de “Confesiones de un artista de mierda” (Warner, 11), en la que interpreta una larga lista de sus clásicos, tanto en solitario como de los años de Piratas. La caja incluye un total de dos discos compactos y un DVD grabados en un concierto muy especial en Madrid, el pasado julio.

Ferreiro trabajó codo con codo con el productor y músico Ricky Falkner, responsable de los arreglos de metal, además de con sus habituales Suso Saiz, Pablo Novoa o Amaro Ferreiro. Cuenta también con una lista de invitados especiales que incluye a Santi Balmes (Love Of Lesbian), Xoel López o Rubén Pozo (Pereza) y la sección de vientos de No Reply. Ferreiro estará presentando este lanzamiento en el Fnac Music Festival, los días 27 de diciembre (Palacio Deportes, Madrid) y 29 (Palau Sant Jordi, Barcelona). ■

Alex Díez ha demostrado a lo largo de los años no quererse acomodar, pese a cargar a sus espaldas con una carrera que ya querrían muchos otros artistas independientes. En esta ocasión presenta una curiosa y prometedora gira virtual en la que presentará el que será su nuevo álbum, “Mi universo”, considerado por el sello que lo edita, Elefant, un disco clave dentro de la carrera de Cooper. Desde el día 8 de noviembre hasta el 17, el artista presentará una nueva canción del disco en formato videoclip en la dirección web de un medio diferente, a saber: Radio 3, Rockdelux, 20 Minutos, Tentaciones, Efe Eme, MTV, Go Mag, Je Ne Sais Pop, MondoSonoro y Rolling Stone. La lista completa de direcciones web está disponible en www.elefant.com ■

Cooper Foto Archivo

ray-ban.com

mondofreako

/11/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

Fleet Foxes Foto Archivo

FLEET FOXES

El primero era mejor

Ya hace unos meses que su segundo trabajo “Helpless Blues” vio la luz, pero, tras su paso por el San Miguel Primavera Sound en mayo, ahora regresan a nuestros escenarios. Además lo hacen en el terreno en el que mejor se mueven, el de las distancias cortas. Todo un lujo poder disfrutar del poder evocador de su música y de sus voces celestiales. Indie-folk con denominación de origen Seattle.

L

as suspicacias, las malditas suspicacias...

Surge un grupo de la nada con el tipo de canciones que atesoran magia, de esas que te enganchan por el bajo vientre y en lugar de acojerlos con los brazos abiertos, te da por dudar de ellos. No son los primeros en salir del puerto, te dices, aunque tampoco serán los últimos en llegar, añades. Lees la letra pequeña y... ¡claro! Phil Ek. Ahora empìezas a cerrar el círculo.

Phil Ek es el hombre. Él es el que desde hace años está detras de los controles de buena parte de los grupos más importante del noroeste de los Estados Unidos de la era post-grunge. De Built To Spill a The Shins pasando por Band Of Horses o Modest Mouse. Pero a la vez sabes de sobra que un productor está ahí para captar la esencia, para hacer que todo suene como es debido aunque necesita madera. Necesita a un autor que le de material de primera categoría más un grupo capaz de bordarlo, y lo tiene, vaya si lo tiene. Las dudas se me despejan del todo un maravilloso 28 de mayo en el San Miguel Primavera Sound de Barcelona. Suena “Mykonos” y no puedo dejar de quitarme el sombrero. La magia está ahí, sin la precisón de lo grabado, ni la ayuda de overdubs u

otras zarandajas por el estilo. Fleet Foxes en estado puro. Cuando llega la parte a capella final sabes que son grandes sobre el escenario y deseas verlos en pequeño formato, en una sala. “Tocamos en Glastonbury este año y estuvo muy bien, aunque preferimos tocar en clubes y locales mucho más pequeños”. Nos comenta un susurrante Robin Pecknold (cantante, guitarra) al teléfono, y no me extraña. Lo suyo deben ser las distancias cortas. En esas te tienen que dejar noqueado sobre una nube de ensoñación folk de voces bien empastadas y canciones... Bueno canciones, lo que se dice canciones, hay más en su primer largo que en el segundo... “Es verdad (risas), pero también creo que hits como “Your Protector’ o ‘White Winter Hymnal’ ya estaban escritas, ya las teníamos, así que ¿por qué componer canciones que ya has hecho? No tiene gracia. Necesitas algo que te suponga una nueva dificultad, un reto.

Lo siguiente que tendríamos que hacer es componer canciones que duren la mitad de las actuales”. Lo malo es que sin canciones con el poder de enganche de las citadas o de, por ejemplo, “He Doesn’t Know Why” de su primer

disco, la cosa se complica. Y eso que la belleza sigue intacta en temas como “Montezuma”, que abre el segundo largo de la banda, o ese himno pastoral de iglesia que es “Battery Kinze”. Canciones que no sirven para dar un paso más allá de lo trazado en el primero, pero que resultan más que suficientes para mantener la atención de los medios especializados de medio mundo. “Es verdad que nuestro debut era mucho más abierto estilísticamente. Había más direcciones porque no había ninguna idea predeterminada sobre el camino a seguir. Simplemente hacías canciones y te centrabas

en el fondo sabe que el primero era mejor. Algo que salta a la vista, y que ,sin embargo, no quiere decir que “Helpless Blues” sea un mal trabajo.

Lo que pasa es que, a diferencia del primero, no es un álbum que les desmarca de otros alumnos aventajados del indie-folk como Band Of Horses o veteranos del indie-rock americano como Wilco o My Morning Jacket, que a estas alturas todavía resultan palabras mayores para unos jovenzuelos que deben competir con grupos de mayor enjundia rockera como Ha Ha Tonka, Phosphorescent o The Avett Brothers. “Hay un montón de gente ahí fuera definiendo nuevos estilos y esce-

"Hay un montón de gente ahí fuera definiendo nuevos estilos y escenas" en ellas, fuera lo que fuera que le pegase.

Habrá gente a la que le gustará mucho más el primero, pero la mayoría de las opiniones que oigo al respecto de ‘Helpless Blues’ es que la gente conecta con él enseguida.

Y eso es bueno. Tú solo intentas hacerlo lo mejor que puedes y eso es todo”. Bla, bla, bla. Estamos todos bastante hartos de las entrevistas promocionales en las que se repiten esos manidos tópicos que parecen extraídos de los diarios deportivos. Cuando un artista empieza con frases como “Hagamos lo que hagamos en el próximo disco, lo grabaremos de manera distinta”, es que no ha quedado plenamente satisfecho con el resultado del actual y

nas. Nosotros no nos sentimos en concreto parte de ninguna escena. Nos dedicamos a disfrutar vayamos donde vayamos y a hacer lo que queremos con nuestra música. Con Internet y todo eso es más dificil que te sientas parte de algo concreto en un solo momento. Ya no es eso del ‘grunge/village/ folk scene’. Nos gustan distintos grupos y artistas que hacen cosas interesantes”.

■ Don Disturbios “Helpless Blues” está publicado por Music As Usual. Fleet Foxes estarán en Bilbao el 24 de noviembre, en Madrid el 25, y en Barcelona el 27 (Primavera Club).

mondoFREAKO /12/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

¡¡¡ wala wala!!!

“Solía ir al lavabo de Marilyn Manson y manchar su espejo con la sangre de mi jeringuilla” Dave Navarro de Jane’s Addiction en Q.

“La gente del hip hop pensaba que el ‘house’ era para gays, para meterse pastillas. Eso ha cambiado gracias a mí”

DJ SHADOW

¡Democracia real ya!

“’Smells Like Teen Spirit’ fue grabada en solo dos tomas.

Kurt no tenía paciencia” Butch Vig en NME

“En la gira de 1974 estábamos más interesados en jugar al squash que en tomar drogas.

Eso sí, hacíamos las dos cosas” Nick Mason de Pink Floyd, en Mojo

Josh Davis está de vuelta, y con él las inevitables referencias a “Endtroducing”, disco que aún se cierne, tres lustros después, sobre una trayectoria siempre interesante, en la que “The Less You Know, The Better” no es una excepción. Entre tanto, DJ Shadow habla de tecnología, internet y democracia. Y también de música.

S

“Amo a Mourinho con todas mis putas fuerzas. Si le ves, dile que como me lo encuentre le pienso dar un beso” Noel Gallagher en El Mundo

“Si no fuera músico, sería monologuista” John Grant, en Jenesaispop

eis años separaron “Endtroducing” (1996), uno de los discos más influyentes en la historia de la electrónica, de “The Private Press” (2002); cuatro pasaron hasta llegar a “The Outsider” (2006) y otros cinco hasta “The Less You Know, The Better”, nueva entrega de DJ Shadow. Quince años, cuatro discos y siempre las miradas puestas en aquel soberbio debut, por inútiles que resulten las comparaciones. “Durante mucho tiempo me costó asimilarlo, pero ahora creo que estoy en condiciones de afirmar que es uno de esos discos que van más allá de la trayectoria de su autor. Llegó a mucha gente, y puede que siga haciéndolo, pero eso no significa que todas esas personas sean fans de DJ Shadow. Es más, seguramente la mayoría no lo son, pero sí de ‘Endtroducing’, del sonido de ese álbum en concreto, quizá también por el contexto en que se publicó.

De alguna manera era el disco que todo el mundo tenía que tener. Está bien, pero no puedo conformarme con eso y seguir con lo mismo después de tanto tiempo. Sería estúpido. Me siento realmente afortunado por haber podido entrar en los reproductores de tanta gente, pero eso ya pertenece a otro momento”. El aquí y ahora de Josh Davis pasa por este recién estrenado trabajo, una nueva vuelta de tuerca en la cultura del ‘sample’ y el ‘turntablism’, la obra de un músico que lo es porque hace música, pero sobre todo porque la colecciona y escucha de manera casi compulsiva, convirtiendo esa pasión en el primer escalón del proceso creativo. “¿Hacer música o consumir-

la? Lo segundo, no hay duda. Sin esa parte no habría creación. No es una cuestión de cuántos miles de discos pueda tener o de las horas que invierto en escucharlos, sino de encontrar lo que busco en ellos. Soy muy exigente conmigo mismo, trabajo sin prisa, y en todo ese tiempo que pasa hasta que un tema está terminado, la música siempre está ahí, es una constante. En realidad creo que no podría ser de otra forma, no puedo imaginar un día sin música”. Planteado como

mientras esperaba en el aeropuerto. ¿De verdad nos debería importar eso? Me parece muy bien, pero estoy convencido de que la creación es algo distinto que no tiene que ver únicamente con la tecnología. Por eso mismo digo que no soy un ultra del purismo: utilizo cinta analógica y a la vez un laptop, pero intento que no sea de forma caprichosa, sino porque aporte algo en lo que estoy haciendo. Se trata de usar la tecnología para tus intereses, no al revés”.

Hard bop, rock, metal, psicodelia, drum’n’bass…

La furia de la instrumental “Border Crossing”, el ritmo quebrado de “Tedium”, las guitarras sampleadas de “Enemy Lines”, la contundencia de “I Gotta Rokk” y, a renglón seguido, la suavidad de “Scale It Back”. Como de costumbre, de todo hay en este cuarto trabajo -más en la línea de “The Private Press” que de cualquier otro de

"En el hip hop actual, salvo excepciones, casi todo es fachada" respuesta a la esclavitud de los avances tecnológicos, “The Less You Know, The Better” (“Cuanto menos sepas, mejor”) se levanta contra lo que Davis, que paradójicamente vive en Silicon Valley, entiende como la fallida globalización de Internet. “Se supone que haría de todo esto algo más democrático, pero no estoy seguro de que sea así. No es el fenómeno salvador que nos vendieron. En vez de acentuarse el individualismo, lo que manda cada vez más es la masa. Estamos dirigidos por empresas todopoderosas que deciden cuáles son nuestras necesidades y cuál será la vida útil del aparato que acabamos de comprar.

Es un círculo vicioso en el que acabamos entregados a los ‘gadgets’ como forma de vida. Es ridículo. Hay gente que dice orgullosa que ha hecho un álbum vía ‘Bluetooth’

sus discos anteriores- de uno de los artistas que más ha contribuido a poner en valor la figura del DJ. También colaboraciones variadas, de Tom Vek (en “Warning Call”, uno de los puntos álgidos del álbum) a Talib Kweli, pasando por Posdnous (De La Soul), dando brillo a “Stay The Course”, porque el hip hop, por supuesto, sigue estando presente. “Es uno de mis MC’s favoritos, principalmente porque siempre ha seguido su camino, ajeno a las modas. Eso es lo que me llevó a trabajar con él en este disco; en el hip hop actual, salvo excepciones, casi todo es fachada, pero nada más; demasiado artificial”. ■ Enrique Peñas

“The Less You Know, The Better” está publicado por Universal

DJ Shadow Foto Archivo

David Guetta en Rolling Stone

mondoFREAKO

MEGAFAUN

Del concepto a la inmediatez Si buscan un álbum de rock americano que aúne tradición y modernidad de forma ejemplar y que ofrezca soberbias melodías maceradas en barrica de roble sin perder la cara a la experimentación, “Megafaun” –el cuarto trabajo del grupo, pese a su nombre homónimo- es su disco.

T

anto si la prístina reverencia de Fleet Foxes les sabe a poco como en el probable caso de que añoren los tiempos en los que Wilco parecían llevar la tradición del país de las barras y estrellas hasta sus límites expresivos: no hallarán mejor elixir sonoro esta temporada que “Megafaun”, el soberbio álbum homónimo (pese a ser el cuarto) de los tres ex compañeros de correrías de Justin Vernon (Bon Iver) en aquella seminal banda que fue DeYarmond Edison. Lo del título homónimo, llegados al cuarto disco, viene porque “sentíamos que habíamos llegado a un punto como compositores de canciones difícil de describir. Sin discutir la validez de nuestros anteriores discos, lo que esos trabajos hacen es mostrar nuestro proceso a la hora de tratar de ser songwriters, ya que inicialmente éramos instrumentistas y arreglistas”. Se puede decir, por tanto, que están más cerca que nunca de ese equilibrio perfecto entre experimentación y melodías diáfanas. “Cada disco marca una progresión en nuestra integración de

ideas conceptuales y elementos de inmediatez. Es como una escala, en cuyos extremos tienes la disonancia y la consonancia. Nos desplazamos entre uno a otro, pero lo más interesante es cuando las canciones se cierran en un círculo, desorientando al oyente, que tiene difícil identificar qué partes son las normales y cuáles las extrañas. Nuestra travesía se cifra en encontrar ese desafío en todo lo que hacemos”. En todo caso, parece que hay consenso en la banda en identificar “Megafaun” como su trabajo más accesible. “Sí, sin duda. La inmediatez es el resultado natural de nuestra mejoría compositiva”. Claro que no sólo se debe a la madurez, sino a ciertas reconocidas influencias de cabecera que últimamente han asomado con fuerza, caso de The Beatles o Jackson Browne. “Sí, son músicos a los que siempre vuelves, pese a que no les hayas escuchado en años. A veces esas referencias son obvias, y en otras es una sorpresa absoluta”. También la producción se ha bene-

ficiado del buen hacer de BJ Burton (guitarrista y productor de bandas de la zona de Carolina del Norte como The Love Language) quien “ha tenido mucho más control sobre el resultado final del que tuvo en ‘Heretofore’ (mini álbum del pasado año), ya que él mismo lo mezcló mientras estábamos de gira, lo que no deja de ser mucho delegar para una banda como nosotros, que siempre hemos grabado por nuestra cuenta. Hizo un trabajo mejor de lo

Megafaun Foto DL Anderson

MondoSonoro · Noviembre 2011 /13/

ción cruzada de ideas y a una admiración compartida, sin la cual nuestro modelo de banda, basado en el reconocimiento del colectivo por encima del individuo, no sería el que es”. Y dado que en ese espíritu de camaradería, como ellos mismos afirman, Justin Vernon sigue siendo mucho más que un amigo, ¿qué piensan Megafaun de la descollante última entrega de Bon Iver, espanto para puristas del folk? “Es lo más bello y sorprendente que ha hecho

"La inmediatez es el resultado natural de nuestra mejoría compositiva" que podíamos imaginar, y nos sugirió cosas que finalmente repercutieron en la orientación de las canciones. Hemos aprendido mucho de él”. Consultados acerca de su posible imbricación en una escena concreta, muestran un escepticismo que les lleva a confesar que “somos amigos de Sharon Van Etten, The Tallest Man On Earth, Bon Iver, o Akron/Family y solemos tocar un par de temas con ellos sobre el escenario siempre que podemos, pero no por eso formamos parte de ningún movimiento neo folk ni nada por el estilo”, aunque sí conceden que el ambiente musical de Carolina del Norte se presta a “la poliniza-

nunca. Lo hizo para sí mismo, no para nadie más, y eso es muy honesto. Cierto que no es muy inmediato, porque es más hondo en arreglos y las melodías son más expansivas, pero una de las cosas más interesantes para un músico es el tratar de entender cómo reacciona la gente ante sus propias expectativas de cómo debería sonar un disco. Eso es algo que también nosotros consideramos siempre con cada disco que hacemos”.

■ Carlos Pérez de Ziriza “Megafaun” está publicado por Crammed/Karonte.

mondoFREAKO /14/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

HAMLET

Cambio de sello inesperado. La búsqueda de un nuevo mezclador en el último momento. Aunque los avatares del destino se confabulen para torpedearles, Hamlet saben mantenerse bien a flote con la edición del que es el décimo disco de su carrera, un ejercicio arrasador y pletórico de contundencia llamado “Amnesia”.

C

ontra viento y marea los metaleros castizos no olvidan de dónde vienen ni a dónde van. Y por contra de lo que se pueda dilucidar del título de su nuevo engendro no les patinan las neuronas. “Gozamos de buena memoria, pero hay bastante gente que no.

A niveles tanto humanos, como políticos, como personales, las decepciones o muchas de ellas, llegan por pérdidas de memoria de forma consciente cuando a alguien le interesa para beneficiarse de otros. Este es el concepto que hemos querido dar con este título”, comenta su guitarrista Luis Tarraga.

El verse abocados a abandonar su sello, para empezar como quien dice de cero, no ha sido una decisión que esperasen tener que tomar. (Luis) “El cambio ha sido obligado porque Roadrunner pasó a formar parte de Warner y nos vimos fuera con el anterior equipo que llevaba el

sello en España. Al vernos en esa repentina situación seguimos con nuestro planning inicial, que era el de entrar en el estudio, ya que teníamos las canciones casi listas. Nos pusimos la pilas para hacerlas mejor, como si fuera un reto por estar sin sello o por si lo teníamos que sacar nosotros, o regalarlo.

Al escuchar el disco, la gente de Kaiowas quiso editarlo. Además eran los mismos que llevaban Roadrunner en España, y era casi como no cambiar, solo que había menos presupuesto. Lo hemos suplido con trabajo y ayuda de gente que ha querido que el grupo diera lo mejor: desde el productor, al diseñador, al fotógrafo, al director de videos... Nuestro empeño con Kaiowas es seguir creciendo como hicimos en la época de Roadrunner a nivel internacional”. Hamlet no son animales de costumbres fijas. Y como

suelen hacer en cada nueva entrega han vuelto a cambiar sus esquemas compositivos. (Luis) “Las diferencias entre ‘La puta y el diablo’ y ‘Amnesia’ son varias. Este es un disco más directo en su mayoría, con más contrastes de fuerza y melodía, pero con más intensidad.

Con mejores y más variados rangos vocales porque las canciones los pedían. En el anterior todo estaba más centrado en la instrumentación y en los desarrollos largos, pero dejamos muy poco espacio a la voz y quizás pecamos de hacerla muy lineal”. El quinteto ha recurrido puntualmente a arreglos orquestales,

Hamlet Foto Archivo

Olvidos freudianos Marín. El lapso transcurrido entre la preparación de los temas y la edición del disco les ha llevado prácticamente un año entero desde que empezaron a trabajar las nuevas canciones. Aunque esta vez no pudieron contar con el responsable de dar lustre a Napalm Death o Machine Head. (Alberto) “Nuestra primera opción para mezclar este disco fue Colin Richardson, pero no pudo ser porque estaba trabajando con Trivium y tenía para largo. Entonces pensamos en que otro gran productor de metal internacional podría hacerlo, y surgió el nombre de Fredrik Nordstrom. Ya habíamos escuchado

"Nuestro empeño es seguir creciendo a nivel internacional" algo que supone un contrapunto a su ferocidad sónica. “No somos mucho de colaboraciones en los discos, pero en este caso hemos contado con la colaboración de Javier Díez que ha hecho un trabajo increíble con los arreglos de orquesta en ‘La fuerza del momento’ y en ‘Desesperación’ con orquestación y piano”, explica el otro guitarrista de la banda, Alberto

sus trabajos con In Flames, Opeth, Arch Enemy, Bring Me The Horizon o su banda Dream Evil, y nos encantaba”.

■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

“Amnesia” está publicado por Kaiowas

mondoFREAKO /16/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

Los discos

Max Cavalera Foto Archivo

de mi vida

max cavalera (soulfly, cavalera Conspiracy) El ex-frontman de Sepultura publicó recientemente “Blunt Force Trauma” (Roadrunner/Warner, 11), segunda entrega de su último proyecto.

Aprovechamos su paso por Barcelona para hablar de las grabaciones que han marcado su trayectoria.

El primer disco que compré:

queen

THE DØ

Artesanos en contra de las etiquetas

El mejor álbum de metal que tengo:

Black Sabbath

“Sabotage” (1975) Es mi disco favorito de Black Sabbath. La voz de Ozzy es asombrosa y el riff de Tony Iommy en “Symptom Of The Universe” es el mejor que se ha creado nunca.

Versionamos este tema con Sepultura. También me han influido mucho “Speak English Or Die” de S.O.D. y “Morbid Tales” de Celtic Frost.

El mejor disco de hardcore punk

Discharge

“Hear Nothing See Nothing Say Nothing” (1982) El mejor trabajo de mi banda favorita. Esos muros de guitarras, aún no sé cómo las grabaron… Suena a caos, agresión, con esas canciones de apenas un minuto, todo muy puro. Con Sepultura tocamos una canción con su cantante Cal en Brixton Academy.

El disco que uso para relajarme

Dead Can Dance

“Spiritchaser” (1996) Amo este disco. Es una música muy ambiental, con temas instrumentales muy buenos.

Es una banda única. Tengo un video en el que aparecen tocando un sinfín de instrumentos extraños que coleccionan procedentes de todo el mundo. Al principio tenían una vertiente más gótica, pero me quedo con su última etapa.

Este disco en particular es muy excitante.

El disco que más escucho actualmente

Converge

“Axe To Fall” (2009) Su último disco es asombroso, material inflamable. De nuevo, un buen cruce entre el metal y el hardcore. Comparten cierta visión de la música con The Dillinger Escape Plan, otra de mis bandas actuales favoritas, con ese enfoque caótico y ruidoso, con letras casi imposibles de entender (risas). n

El dúo franco-finlandés vuelve con un nuevo trabajo, “Both Ways Open Jaws”, en el que se han permitido el lujo de hacer todo aquello que se les antojara demostrando, además, que son mucho más que los autores de “On My Shoulders”.

M

eses después de haber lanzado su segundo largo en tierras galas, “Both Ways Open Jaws”, The Dø se enfrentan ahora a la recepción internacional de un álbum en el que el francés Dan Levy y la bellísima Olivia Bouyssou vuelven a darnos buenas muestras de que están por encima de las etiquetas musicales. Lo suyo tiene tanto de pop, de folk y de blues mecanizado que asusta al estar todo tan bien hilado. Probablemente, porque nada ni nadie, salvo ellos mismos, tiene las agallas de controlar su creatividad.

“El éxito del primer disco nos cogió por sorpresa. En ningún momento, cuando grabamos aquellas canciones, teníamos intención de editarlas. Y, de pronto, nos convertimos en el primer grupo de Francia que cantando en inglés conseguía colocarse en el número uno de la lista de ventas. No nos lo podíamos creer.

Tras aquello nuestro sello y nuestros seguidores querían que de cara a este segundo disco repitiéramos la misma fórmula con algún que otro hit. Pero nosotros no trabajamos para ellos, sólo para nosotros mismos. Cuando con tu debut alcanzas el éxito, tienes una mayor libertad para hacer aquello que quieras de cara al segundo. Eso mismo es lo que hemos hecho: no oír a nadie de nuestro alrededor y componer unos temas que se alejan de lo radio friendly”, comenta Dan por teléfono ejerciendo de portavoz del dúo, ya que Olivia tiene la voz algo cascada y guarda reposo para subirse al escenario esa misma noche. “También influye en gran medida que no trabajamos con ningún

productor. Lo hacemos absolutamente todo nosotros. Con ninguna persona externa presionándote las cosas se hacen mejor. Para mí es un placer sentarme en el estudio y mezclar las pistas”. Tras girar durante dos años presentando “A Mouthful” (09), la pareja se replanteó qué sería de ellos.

Buscando ese estímulo que les diera fuerzas

ñara. Ahora a nuestro agente le dijimos que queríamos ser seis músicos en total, aunque al final la cosa se ha quedado en cinco. A pesar de ello, en cuanto al disco, se sustenta de múltiples instrumentos como violines, un saxofón o un trombón que dan un valor añadido a los temas”.

El tiempo dirá, pero ni las percusiones tribales de “Slippery Slope” ni la premisa pop heredera de Lykke Li de “Bohemian Dances” creemos a priori que consigan el calado interplanetario de aquel “On My Shoulders” que fue su carta de presentación hace tres años. ¿No acaba cansando que todos te reconozcan siempre por la misma canción? “Para mí es un cum-

"Nos convertimos en el primer grupo de Francia que cantando en inglés conseguía colocarse en el número uno de ventas" para perder el temor a la partitura en blanco, no dudaron ni un instante en abandonar su centro de operaciones parisino durante unas semanas. “Cuando el tour terminó, teníamos las mismas ganas de tomarnos unas largas vacaciones como de ponernos a componer nuevos temas. Al final optamos por alquilar una preciosa casa al sur de Francia, en Luberon, de esas en la que la única compañía que tienes a kilómetros es la de un montón de árboles. Llevamos todo nuestro equipo hasta allí, buscamos la habitación con mejor sonoridad, y nos adaptamos al espacio.

Sin duda, eso era lo que necesitábamos”, confiesa el multiinstrumentista, que recurrió a un medido horror vacui de arreglos en el disco con tal de paliar las limitaciones técnicas de sus primeros conciertos. “Nuestra primera gira fue algo rara. Éramos tres en el escenario para abaratar gastos y lo cierto es que no teníamos apenas tiempo para buscar a alguien más que nos acompa-

plido que la gente nos asocie con ella.

Siempre es un placer tocarla, al igual que ‘The Bridge Is Broken’, la primera pieza que compusimos juntos Olivia y yo. De todos modos, cuando actuamos en directo siempre variamos nuestro repertorio.

En el estudio también lo hacemos ya que, por ejemplo, de ‘Both Ways Open Jaws’ guardamos una primera versión totalmente diferente a la que se ha publicado.

Este es el mejor antídoto para no acabar cansándonos de nuestras composiciones y transformarlas cuando queremos en estándares de jazz y cosas así”. Este próximo mes de diciembre, cuando pisen nuevamente nuestro país, podremos comprobar de qué modo mutan su repertorio en vivo.

■ Sergio del Amo

“Both Ways Open Jaws” está publicado por Naïve. The Dø estarán el día 3 de diciembre en Girona, el 4 en Barcelona y el 5 en Madrid.

The DØ Foto Archivo

“Live Killers” (1979) Fue en 1981. Acababa de ver a Queen en directo en un gran estadio de fútbol con más de cien mil personas. Fue increíble. Por aquél entonces no estaba nada metido en la música, pero mi primo nos llevó a mi hermano y a mí, y fue un shock. Al día siguiente corrí a una tienda a comprar “Live Killers”. Recuerdo que no podía parar de escucharlo a todas horas.

mondoFREAKO

MASTODON

A la caza de la inmortalidad Decididos a conquistar a todo tipo de audiencias, en “The Hunter”, un disco más libre y variado que nunca, pero también más directo y concentrado, Mastodon prescinden de obras conceptuales y largos temas progresivos. Un salto sin red en el que riffs con vida propia y ambientes de magnética belleza se funden con inusual naturalidad.

M

astodon no son una banda al uso.

Hay algo único y especial en su música y en todo lo que les rodea. Quizás sea su poderosa imaginación a la hora de componer y dibujar melodías, su habilidad para desmontar clichés y lugares comunes, o sus frecuentes vínculos con otras disciplinas artísticas.

“The Hunter”, su quinto álbum de estudio, confirma que el cuarteto de Atlanta juega en su propia liga. Más directo que su célebre y expansivo antecesor “Crack The Skye”, su nueva y palpitante obra respira totalmente libre y atomiza en temas de entre tres y cinco minutos sus principales rasgos de identidad. La esencia, la actitud y las cualidades estéticas de su sonido perduran, aunque vuelven a mutar. Probablemente en ese equilibrio entre revisionismo, reinvención y vanguardia radica uno de sus grandes secretos. “Muchas de las nuevas canciones son una reacción directa a ‘Crack The Skye’”, reconoce el cantante y bajista Troy Sanders. “Nos gusta emprender nuevas direcciones. Siempre hemos querido mantener vivo cierto sentimiento de frescura”.

Esta inquietud por querer desmarcarse del rebaño se apreciaba ya en su estruendoso debut “Remission”, con el poder del fuego como leit motiv y su fibrado y original acercamiento al sludge metal como tarjeta de presentación.

Desde entonces, ningún disco ha sido igual al anterior. Aunque en esta ocasión han ido aún más lejos. “Teníamos claro que no íbamos a escribir otro álbum conceptual. También decidimos cambiar de artwork y de productor. Cambiar de todo, y espero que a mejor”. Una necesidad vital que les ha llevado a sustituir en los mandos de la nave a Brendan O’Brien (Pearl Jam) por Mike Elizondo. El hecho de que este último sea conocido principalmente por sus trabajos con artistas de hip hop como Eminem, Dr. Dre o 50 Cent, ¿debería preocuparle a alguien? La duda ofende. “Confiamos en nosotros mismos. Sabemos que estamos haciendo lo adecuado. Seguimos escribiendo toda la música y las letras, y nunca hemos tenido ningún tipo de presión externa de nadie. Mantenemos el control al cien por cien. Así que no tengáis miedo,

confiad en nosotros y acompañadnos en nuestro viaje”. Una expedición con carrocería del ilustrador y escultor A.J. Fosik, cuyo catálogo se centra en la creación de detallados y coloristas bustos de animal tallados en madera y con múltiples e imposibles yuxtaposiciones de bocas, lenguas y ojos. Con un pie en la mitología china y otro en el surrealismo pop. “Habíamos visto su trabajo en muchos libros y revistas. Teníamos su nombre en mente desde hacía tiempo. Su proceso creativo, de algún modo, es similar a cómo nos sentimos componiendo y tocando. Es fruto de mucha dedicación, tiempo, energía y talento”. Quizás ese cuidado por la estética, la convivencia en su sonido de referencias tan dis-

“Leviathan”, está inspirado directamente en la caza de la ballena blanca de “Moby Dick”-.

Metal sofisticado. Evolucionado. Incluso “metal que escuchan aquellos que se creen demasiado listos para escuchar metal”, según The New York Times. “Es divertido (risas)… Definitivamente, nunca hemos querido ser una banda de metal unidimensional. Llámalo metal, rock o psicodelia. Sumamos muchas influencias entre los cuatro y disfrutamos explorando todos los estilos de música que nos intrigan. No queremos ser planos en ninguna de nuestras facetas. Lo mejor de todo es que surge de un modo muy natural y orgánico, nunca hablamos de ello”. Lo que sí hablan son sus canciones,

"Nunca hemos querido ser una banda de metal unidimensional" pares como Thin Lizzy, Black Sabbath, High On Fire, Alice In Chains, Queens Of The Stone Age o Neurosis, y sus manifiestos intereses extramusicales –que abarcan desde la lectura compulsiva hasta la fotografía, pasando por el cine de terror de la Universal, Star Wars y el pop art- les ha llevado a ser considerados poco menos que un grupo de metal posmoderno. Contribuyen a ello unas letras que beben abiertamente de la literatura de Lovecraft, Dostoievski o Melville –sin ir más lejos, su segundo disco, el inasible

en este caso dedicadas al fallecido hermano del guitarrista Brent Hinds, a quien “The Hunter” rinde un implícito tributo. “Una cosa que realmente me gusta de nuestra banda es que podemos coger una experiencia trágica o negativa y canalizar esa energía a través de la música para obtener algo bonito que va a vivir para siempre”. ■ David Sabaté “The Hunter” está publicado por Warner.

indie.espaciodemusica.com

Mastodon Foto Cindy Frey

MondoSonoro · Noviembre 2011 /17/

mondoFREAKO /18/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

Oscar D'Aniello Foto Archivo

no confidencial

Oscar D’Aniello (delafé y las flores azules)

◗ ¿Te gusta cantar en la ducha? ¿Qué sueles cantar? ¡Sí, me encanta! Desde Nino Bravo a Family, pasando por Extremoduro, Doble V, Fangoria o la Carrá. Pero, eso sí, todo a la vez. ◗ ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito?

Me encantaría haber compuesto el primer single del último disco de Dover. Nunca deja de sorprenderme.

La que no, “Sexual Healing” de Marvin Gaye, porque me pasaría todo el día metiendo mano. ◗ ¿Qué piensa tu familia de la música que haces?

En mi familia hay profesores de música, mis primos tocan el piano y la guitarra, saben leer partituras y cantan decentemente. Se hacen cruces de que un tipo que no afina una nota cantando y que no sabe dónde está el MI sostenido en el piano se gane la vida con esto. ◗ Queremos conocer tu opinión basada en tus experiencias personales: ¿es verdad el mito de que los que se suben al escenario ligan mucho?

Totalmente cierto, los helicópteros entre componentes y los bukakes sobre fans más poppies también. ◗ ¿Tu famoso paso de baile está inspirado en Michael Jackson o hay alguna otra influencia que debamos conocer?

También me han influenciado mucho el movimiento de caderas de Julio Iglesias, el giro de hombros y la caída de ojos de Bertín Osborne. Pero mi ídolo indiscutible en mundo del baile es la gran Lina Morgan. ◗ Gracias a ti hemos aprendido que “rapear” es cantar pop poquito a poco. ¿Estamos en lo cierto?

Rapear es rapear y cantar es cantar. Yo leo la lista de la compra con un poco de estilo. ◗ Si ya has descubierto el secreto dinos qué demonios hay que hacer en España para conseguir llenar una sala de mil personas.

Esa pregunta tendrías que hacérsela al Sr. Santi Balmes. ¡A mí no quiso contestármela! ◗ Ahora que Helena Miquel ha iniciado una carrera cinematográfica, ¿vas a tener celos cuando subáis juntos al escenario?

Los que tienen celos son los que están entre el público. De mí. ◗ ¿Con quién ganasteis más dinero: con Bigas Luna o con la campaña de El Corte Inglés?

Con el anuncio para San Miguel. ◗ ¿Le romperías las piernas a algún crítico musical de este país?

No, las dos no. ■

THE SECRET SOCIETY

El tiempo de los valientes “Peores cosas pasan en el mar” es el tercer álbum del proyecto con más trayectoria de Pepo Márquez, que estrena banda y abandona Acuarela para autoeditarse en su propio sello, Gran Derby. Diez canciones crudas, grabadas en analógico y en castellano, para explicar con sinceridad abrumadora cómo se renace tras una ruptura sentimental.

N

ada de lo que Pepo Márquez ha hecho hasta hoy en y por la música (antes Garzón y Grande-Marlaska; ahora también Buena Esperanza, Nine Stories y Gran Derby Records; mucho antes, promover conciertos deficitarios) ha sido una apuesta por el caballo ganador. “Un día supe que The Secret Society nunca seríamos el grupo de moda. Me puse triste durante diez minutos, luego me alegré: eso me permitiría avanzar en las direcciones que me apeteciese y cuando quisiera. Mi única obsesión ha sido huir de lo banal, evitar la frivolidad en todas las canciones y actividades que han tenido que ver con el grupo. A día de hoy miro hacia atrás y veo que el camino recorrido tiene ya cierta relevancia en mi vida y que todo lo que hemos hecho ha sido por los motivos correctos. Hemos hecho lo que hemos sabido”. Ahora que se estandariza la soledad del hombre orquesta, que compone y graba en la intimidad de su ordenador, The Secret Society ha dejado de ser un proyecto unipersonal para convertirse en una banda formada por Nacho Ruiz (Nine Stories), Javier Martínez (Urbason, Súperpez) y Paula SánchezLafuente (Allfits). Aunque “sólo funciona cuando tengo canciones nuevas. No sería lo mismo sin ellos, pero ellos no serían The Secret Society sin mis canciones. Lo tomo como un negocio en el que el mayor beneficiado, sin duda, soy yo”. Serán teloneros de Rocky Votolato en Barcelona (28 de noviembre), Madrid (29), Ourense (1 de diciembre) y Bilbao (2), pero con Pepo en solitario o acompañado por Nacho. “No ha-

brá gira de The Secret Society. España no necesita otro grupo frustrado recorriendo cientos de kilómetros en furgonetas prestadas o alquiladas, ni nosotros perder tiempo, dinero y salud en perseguir una ilusión adolescente que nunca ha existido. Tocaremos conciertos puntuales y bien escogidos. No haremos nunca más el idiota. Iré con el resto cuando así lo quieran ellos o cuando las circunstancias nos lo permitan”. En estos tiempos en los que encontrar un sello se ha convertido en misión imposible, Márquez abandona su discográfica de siempre, Acuarela, para lanzar

The Secret Society Foto Nacho Ruiz

Un músico curtido en mil batallas que ha alcanzado mayor repercusión como Delafé, uno de los motores principales de Delafé y Las Flores Azules, el grupo más rapero del pop español. Aprovechando que en noviembre actúan en Sevilla (12 noviembre, Jack Sessions) y Valencia (26, Jack Sessions), le obligamos a contestar a nuestro cuestionario.

a delimitar y documentar uno muy concreto en el que he aprendido mucho y he visto marchar física y emocionalmente a gente importante para mí. Mis amigos han sido cruciales para llevar a cabo lo que tenía en la cabeza. No ha sido doloroso, para nada. No ha habido dramas.

De hecho, ha sido un viaje sorprendente y, por momentos, irrepetible”. La décima es un homenaje al Guernica y “un intento de demostrarme que podía escribir de algo que no tuviera que ver conmigo”, inspirado por la última entrega de PJ Harvey.

Pepo no tiene miedo a descubrirse: “sólo a cantar de algo que no sea verdad o que no me crea. Lo demás no me importa en absoluto. Nadie me va a conocer mejor por aprenderse mis letras”.

Musicalmente hablando, este disco es el más crudo en la carrera de The Secret Society y su sonido responde a métodos en peligro de extinción. “Ninguna decisión técnica nos ha llevado más de treinta segundos. Grabamos en una sala de madera [en Estudio

"Un día supe que The Secret Society nunca seríamos el grupo de moda" “Peores cosas pasan en el mar” bajo su etiqueta, Gran Derby. “Crear mi propio sello es suficiente motivo. Imagínate que construyes una piscina en tu jardín pero luego solo te bañas en la del vecino. Es un poco feo, ¿verdad?”. Tan verdad como que nueve de las diez canciones que figuran en este álbum, cantado íntegramente en castellano, son vivencias personales después de una ruptura sentimental. “Al principio parece muy triste, luego malencarado y al final se descubre como un disco de superación personal absoluta. Es la culminación de un proceso. Siempre he tendido a dividir mi vida en períodos: el tiempo del colegio, el del instituto, el que viví en esta ciudad… Este disco me ha ayudado

Brazil, con Javier Ortiz y Marcos Bandera], todos juntos, la canción entera. Cuando pensamos que la interpretación está bien y que podemos vivir con los errores, pasamos a otra canción. El otro día vi una foto de Antonio Luque grabando guitarras delante de un portátil y pensé ‘Joder, qué situación más dura’. Yo no lo he hecho así en mi vida. Y no hay planes de que eso vaya a cambiar”. A propósito, en estas nuevas canciones se esconden algunas sorpresas como un sample de Eminem o la colaboración de Alondra Bentley (en “Cuídate, cowboy!”). ■ P. Muñoz “Peores cosas pasan en el mar” está publicado por Gran Derby.

mondoFREAKO /20/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

EN LA

Twin Dj's Foto Archivo

MALETA

Twin Dj’s Rubén Lizón y Alberto Lizón, más conocidos como Twin Dj’s por motivos más que evidentes a primera vista, han pinchado en una larga lista de salas y festivales estatales, desde el FIB hasta el Arenal Sound. ◗ ¿Por qué motivos empezasteis a pinchar? ¿Para ligar, para ser estrellas? ¡Fueron casi los demás quienes nos convirtieron en Dj’s! En todas las fiestas nos poníamos a trastear con los radiocassetes, por lo que, aunque aún no lo éramos, todos los amigos nos conocian como “los Dj’s”. Y bueno, un día pensamos que era hora de hacer gala de nuestro mote.

◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión vuestra?

Somos muy de indie pop, por eso no falla jamás “Love Will Tear Us Apart” de “Closer” (Joy Division). ◗ Por contra, ¿cuál de vuestros discos favoritos nunca ha sonado en una sesión?

La verdad es que nos gusta mucho la música y nuestras sesiones son bastante eclécticas, así que por lo civil o lo criminal siempre encontramos el momento perfecto a ese disco favorito que nos vuelve locos. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando? ¡No mirar más allá de los platos! Lo que tienes delante no es la mesa de mezclas sino personas que quieren bailar y pasarlo bien. O conectas con ellos o habrás vaciado la sala en menos de lo que te imaginas. ◗ ¿Qué es lo que más os gusta y lo que más odiáis de otros Dj’s?

Nos encanta el clásico Dj que decide ofrecer un set bueno y competente (independientemente del estilo), con un balance inteligente entre novedades y hits. Nos cuesta mucho ,sin embargo, entender al típico artista que lleva años haciendo la misma sesión sin dar pie con bola. ◗ ¿Es la noche la mejor hora para pinchar?

La noche tiene la atmósfera perfecta para ello, pero no os creáis, últimamente estamos descubriendo los placeres de pinchar a pie de playa. ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Preferimos que se le de relevancia a la música la verdad. Pero hay nombres que se han ganado una reputación a base de hacer las cosas bien, y nos agrada que tengan su relevancia, es el premio al trabajo bien hecho. ◗ ¿Cuáles son vuestros Dj’s favoritos?

Sin lugar a dudas Maadraasso, ElyElla y Smart. El primero porque es muy divertido en directo y tiene unos sets de lo mas bailongos. Nuestros queridos ElyElla porque construyen sets llenos de sorpresas, y Smart porque es con diferencia el Dj mas elegante de cuantos giran en nuestro país.n

MODESELEKTOR

Modeselektor Foto Ben De Biel

◗ ¿Qué recuerdos tenéis de vuestra primera sesión?

Recuerdo que llegamos por primera vez al club sin tener literalmente ni idea. La noche estaba de nuestro lado y aquel berenjenal acabó con todo el mundo saltando y el propietario del club proponiéndonos una residencia. Imagina nuestras caras.

Caña al mono Aunque hayan intentado saciar nuestra hambre con caramelitos como la excelente compilación “Modeselektion Vol. 1” o distraernos con caramelazos como su unión de fuerzas con Apparat en Moderat, el buen amante de Modeselektor no vive un día sin saber que ya son cuatro las muescas marcadas por su ausencia.

Hasta ahora: ¡por fin! llega “Monkeytown”.

N

i más ni menos que cuatro años han pasado desde que Modeselektor lanzara su anterior álbum, el segundo de su carrera, “Happy birthday!”. DJ mixes, remezclas y una excelente selección de talentos del panorama electrónico actual planchada como “Modeselektion Vol. 1” se han interpuesto entre el dúo berlinés y su nuevo trabajo de estudio, sin olvidar el proyecto conjunto con Apparat. “En realidad, si te paras a pensarlo, cuatro años no es tanto teniendo en cuenta todo lo que hemos hecho. Y sobre todo lo que hemos hecho junto con Apparat. Moderat nos ha robado mucho tiempo, pero también nos ha reportado mucha satisfacción”, se justifica Gernot, mitad de la dupla berlinesa.

Lo cierto es que ni Gernot ni Sebastian han tenido tiempo para respirar porque, a todos los proyectos anteriormente comentados, hay que añadirle la creación de dos sellos propios: Monkeytown y 50 Weapons (técnicamente discográfica y subsello). Siriusmo, Cosmin TRG, Falty DL o Phon.o son algunos de los nombres sobre los que los monos han plantado su certificado de calidad y, curiosamente, son algunos de los nombres más interesantes de la eléctronica en los últimos tiempos. Y es que Modeselektor siempre han sido unos excelentes selectores no de modo sino de talento: siempre husmeando en los bajos fondos hasta dar con una fórmula o un beat perfecto.

“Siempre nos ha gustado inspeccionar

el terreno de la escena electrónica, en concreto el de la británica”. “Mucha gente cree que el dubstep es lo más, pero el dubstep ya ha muerto, se ha acabado”, argumenta, taxativo, Gernot. “Ahora lo que lo está funcionando es la bass music”. Y es la bass music el corazón de este discazo trufado de elementos del Londres subterráneo, que huele a orín y a cloaca, a humo y a aceleración. Pero si el bass es el corazón, el

Probablemente se las apañarían, pero mientras sigan fichando a gente como Thom Yorke, Otto Von Schirach o PVT vamos a seguir sin querer averiguarlo. En el caso “Shipwreck” y “This” con Thom Yorke, llevar a cabo la colaboración fue más difícil que con el resto de artistas. “Bueno, son dos temas bastante complicados y empezamos a enviarnos archivos mutuamente pero al final había tal volumen de ideas que Thom tuvo que venirse a nuestro estudio en Berlín y allí ya sí que lo pudimos hacer en un momento. Fue el único que tuvo que desplazarse físicamente hasta nosotros, pero creo que el resultado valió la pena”.

Y seguro que Thom no se cortó trasteando con los cacharritos del dúo germano, que decidió desempolvar y exprimir al máximo todas sus adquisiciones analógicas para este disco y dar rienda suelta a su imaginación. El resulta-

"Mucha gente cree que el dubstep es lo más, pero el dubstep ya ha muerto" esqueleto que sostiene “Monkeytown” es el techno recio marca de la casa. El músculo lo ponen, además de los bajos gordotes, los remaches hip-hoperos presentes en temas como “Pretentious Friends”, con la colaboración del MC angelino Busdriver. Y, por encima de todos ellos, el electro, la mano que mueve los hilos, el cerebro que combina todos los estímulos, los convierte en impulsos y los reparte por todo el sistema nervioso como una droga: todos los cortes, vayan por los derroteros que vayan, están unificados por ese nervio electrónico con gusto por el breakbeat menos obvio. Las manos, pies y otras extremidades de función todavía más esencial en este organismo son, como siempre, las colaboraciones. ¿Qué sería de Modeselektor sin sus amigos?

do es un disco divertidísimo y muy ecléctico, con auténticos himnos de pista de baile al lado de cortes más cercanos a la electrónica de dormitorio. Una lanza en favor de la libertad, una locura, una genialidad. Supongo que de ahí su pasión por los monos. “Son mejores que las personas. Además, son más libres de hacer lo que les da la gana en cada momento”. Lo que yo os diga: estos dos, cada vez más monos.

■ Virginia Arroyo “Monkeytown” está publicado por Monkeytown Records. Modeselektor estarán en Madrid formando parte de las actividades y conciertos programadas dentro de la Red Bull Music Academy.

DESCUBRE HOY A LOS GRUPOS DE MAÑANA FEBRERO 2012

CONCIERTOS EN:

MADRID - BARCELONA - VALENCIA - ZARAGOZA - OVIEDO - SANTANDER - CADIZ - SANTA CRUZ DE TENERIFE - BURGOS...

(*) Envía tu maqueta a la correspondiente edición de MondoSonoro antes del 20 de diciembre Infórmate enviando un e-mail a zonademoscopica@mondosonoro.com

/23/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

Corizonas Foto Paola Bragado

entrevistaS

CORIZONAS

Ajenos a las modas Lo han hecho porque se puede y a, veces, se debe hacer. Las dos bandas han certificado su unión tras una gira tan inesperada como apabullante. Los Coronas y Arizona Baby dejan atrás las versiones y la careta rebautizándose Corizonas y registrando doce composiciones propias en el álbum “The News Today”. Pasen y vean la vida en directo.

F

ernando Pardo (Los Coronas, Sex Museum y un largo etcétera) sabe muy bien lo que quiere decir. Javier Bielva (Arizona Baby) se ha dado cuenta de que lo acaba de aprender gracias a la experiencia de la gira “Dos bandas y un destino”, y aun más, por poder ver su reflejo en el CD+DVD “El concierto” que recoge un momento dulce, pero en el que aún había mucho que aprender. Es lo que tiene la gente decidida cuando se quita el sombrero, que siguen trabajando. (Fernando Pardo) “Hubo un momento a mediados de verano en que nos decidimos, porque si no íbamos a meternos cada uno en nuestras cosas, así que nos pusimos un plazo muy corto para grabar el disco. Lo hicimos con el método Coronas, que consiste en quedar ‘la semana que viene para sacar doce canciones, y si eso, las grabamos’. Javier dijo que estábamos locos, que eso no se podía hacer, pero sí se puede, nosotros siempre lo hacemos así”. Se compusieron y se grabaron doce canciones, diez de las cuales llevan la firma de Javier Bielva. “A nivel musical está escrito al cincuenta por ciento, a nivel melodía de voz y letra no, porque las he hecho yo, o sea que salvo las partes instrumentales, la balanza se inclina un poco más hacia la parte vallisoletana (Arizona Baby), pero realmente a la hora de arreglar y de tomar decisiones todo ha sido cosa de los dos grupos”. En la gira “Dos bandas y un destino”, el tiempo se repartía entre el segmento para un grupo, para el otro, y la práctica del noble arte de la reinterpretación de composiciones ajenas. (Bielva) “Al contrario que muchos grupos que hacen un ejercicio de estilo y tienen canciones originales pero su

estilo no lo es, hicimos canciones no originales pero el sonido sí. Eso es lo que nos dio pie a plantearnos componer temas nuevos”.

(Fernando) “Estos conciertos como show completo de dos horas con visuales en los que salen las dos bandas, tiene un sentido porque es como un rock’n’roll circus a nuestra manera, pero condensado en una hora.

Parecíamos un grupo de versiones, y empezamos a plantear que lo que queríamos era abrir el estilo y no hacer algo muy localizable, especialmente en los sesenta, por eso una de las canciones que queríamos hacer era de The Lords Of The New Church, que no se grabó, pero cuya mención hizo que abriéramos el abanico de referencias. Queríamos saber, después de todo lo que hemos oído, qué haríamos con menos impostura”. Incluso algunos de los grupos más grandes de la historia han encontrado su sonido a través de canciones ajenas. (Fernando) “Ahora ya tenemos la posibilidad de quitarnos el mínimo resquicio de decir que somos una banda de versiones”.

T

oda una lección para grupos que empiezan.

(Pardo) “Valoro muchísimo el naïf del que no tiene ni puta idea pero se expresa como anda o como habla”. (Bielva) “Los Coronas están muy curtidos pero no han perdido la ilusión, con lo cual también terminan buscando el punto naïf“. (Pardo) “Cuando hicimos el disco había dos normas de estilo que eran: espontaneidad y menos es más”.

Todo muy bien, pero cuando ves ocho personas encima de un escenario, hay dos opciones: o se trata de Lambchop, o es que se ha subido

demasiada gente. (Javier) “Tenemos bastante claro lo de las jerarquías, y precisamente a Los Coronas, al ser tan maduros, no les duele en prendas decirte que, como estás de cantante, vamos a seguirte un poco más a ti. Ha habido retos muy grandes para mí, como hacer más de frontman aun sin ese escudo que es la guitarra, y luego colgarme los galones delante de gente que admiraba desde hace tiempo, por lo que me he tenido que sacudir la inseguridad”. (Fernando) “Nos hemos empeñado en la naturalidad de Javier, que es muy parecido cantando o hablando. Si lo llevábamos a nuestro terreno, sonaríamos como los otros veintitrés discos en los que hemos participado, y queríamos

Fleet Foxes a Wilco pasando por My Morning Jacket. Esa mezcla entre lo de ayer y lo de hoy ha hecho que nos entendamos tan bien”. A esta hora, sin embargo, no hay noticias todavía sobre cómo serán los nuevos conciertos.

Aún hay que discutir si habrá rastro de los grupos madre o si se tratará meramente de la puesta en escena de los nuevos Corizonas, un grupo que cultiva disciplinas que parecían olvidadas en el imaginario independiente español. (Pardo) “Aquí se ha creado un mainstream que es calcado al de hace diez años. Sabes que podrías sacar una canción igual que la de Ricky Martin de hace años cambiando sólo el ritmo, y no pasa nada. Eso ha creado una independencia que quiere reivindicarse frente a un mainstream atascado. Los independientes han tomado el relevo y se han ido detrás algunas multinacionales que han observado el movimiento de Amaral, que quieren aspirar a esa parte en las que los músicos lo son de corazón. Eso podría funcionar después

“En cualquier festival hay una media de un sesenta por ciento de Los Planetas-wannabes” evitarlo ante todo”. La colaboración es un acto de humildad. (Pardo) “A pesar de que Los Coronas seamos un grupo instrumental, tenemos la teoría de que el cantante es entre el cincuenta y el setenta por ciento de una banda.

Quien lleva la melodía tiene la responsabilidad. No hemos orientado los temas a que, como somos muchos, sea una amalgama, sino que la canción ha mandado y, detrás de ella, la voz”. Ya sólo quedaba un paso importante: encontrarse entre los grupos de todo pelaje que han comprendido que en 2011 hay que tomar posiciones frente a la crisis que vivimos. (Bielva) “El disco se llama ‘Las noticias de hoy’, y eso viene un poco por las letras. Hacen referencia en parte a cómo está el mundo.

Llevamos demasiado tiempo todos los grupos con mundos soñados y territorios de incógnita, y al final vives en una burbuja... aunque también tiene que ver con el sonido y las referencias musicales. Todos estamos muy pendientes de todo lo que pasa en la música, y hemos tenido presentes desde

de que Los Planetas lo cambiaran todo. Los han influido a todos, hasta a Sidonie o a Xoel, porque han demostrado que más allá de lo musical, puedes trascender. Además, en el momento de pasar al castellano, la gran referencia han sido ellos y no Nino Bravo o Miguel Ríos. Con ese arrastre, todo el mundo se ha acercado al mismo sumidero, de modo que en cualquier festival hay una media de un sesenta por ciento de Los Planetas-wannabes con la misma visión de la música un grupo tras otro, y al final eso se convierte en algo endémico. El público quiere algo distinto. Además, cada paso que damos está bastante meditado: engorda tu carrera, dale sentido y haz lo que le pueda gustar más a la gente sin salirte ni un milímetro de lo que tienes”. ■ Jorge Obón “The News Today” está publicado por Subterfuge.

CORIZONAS ESTARÁN EL 10 DE NOVIEMBRE EN ALICANTE, EL 11 Y EL 12 EN VALENCIA, EL 18 EN GIJÓN Y EL 23 EN BARCELONA (JACKSESSION).

entrevista

NOEL GALLAGHER

Una estrella nada fugaz Si un hermano bravucón y un enfrentamiento mediático con Damon Albarn no pudieron con él, ¿cómo iba el tiempo a ganarle la partida?

El mayor de los Gallagher vuelve a la actualidad con un primer disco en solitario, “Noel Gallagher’s High Flying Birds”, que nos obliga a devolverle nuestra maltrecha confianza.

N

oel Gallagher no es un asteroide fugaz en el firmamento del rock contemporáneo.

En absoluto. El hombre ha conseguido que su marca favorita de té le envíe unas cajas especialmente personalizadas para él y sus músicos que, probablemente, degustarán con flema británica y unas pastitas en la gira de presentación de su nuevo y primer trabajo en solitario, “Noel Gallaghers´s High Flying Birds”. Esas cosas sólo le pasan a las estrellas del rock. A esas que disfrutan de una vida fácil –aunque no vayan a creerse que mantener un grupo es cosa sencillade sexo con supermodelos, mucha droga y más rock and roll; y que se permiten el lujo de dejarlo por aburrido. Las noches blancas y los días negros han terminado. Noel se ha cansado de ser un ídolo devorado por la prensa -e incluso por sus

que es conferencia. Educado, pero dejando las cosas claras, asegura que nunca tuvo intención de retirarse, aunque hubiera sido una opción a tener en cuenta, tras la separación de Oasis en 2009. “Simplemente me dediqué a hacer mis cosas. Disfruto mucho de la vida doméstica.

Estar de gira suele ser genial, pero a veces es un coñazo. Cuando me voy, mi familia se queda en casa. Los niños van al colegio, mi mujer ve la tele… Eso es la vida. No voy a dejar de escribir canciones sólo porque no tenga un grupo, Compongo todos los días que me apetece aunque no tengo ni idea de dónde salen las canciones y a veces necesito tomarme mi tiempo para terminarlas.

Cojo la guitarra y algo sucede, suelen salir ellas solas y tener estribillos enormes. Me

“A todo el mundo le gustan mis canciones.

He estado en una banda enorme...” fans- y de las peleas con su hermano Liam. En los noventa formó parte de la ¿banda más grande del planeta? pero a día de hoy prefiere quedarse en casa con su familia. Lo que no ha cambiado es su facilidad para componer canciones atemporales.

Clásicos. Temazos, en menor proporción que en años anteriores, pero canciones tan grandes como su ego. Al teléfono desde las oficinas de su propia discográfica en Londres, la misma con la que ha editado el disco, no tiene problema en ofrecer el silencio por respuesta cuando una pregunta requiere una conexión neuronal mayor a un par de segundos, o cuando simplemente no le interesa. Sin problema, pero no te quedes callado,

gusta que las cosas suenen grandes”. Que Liam se haya quedado con el resto de la banda para su nuevo grupo, Beady Eye, le molesta, pero en el fondo, le da un poco igual. Independientemente de quién toque los instrumentos, ambos ofrecen una versión bastante decente de Oasis.

L

o mismo piensa sobre lo que opine la prensa o cualquiera sobre composiciones, aunque nunca olvida dar las gracias. “A todo el mundo le gustan mis canciones. He estado en una banda enorme durante veinte años, así que por algo será. No me gusta pensar en por qué le gustan a la gente. No

sé que coño piensan ni por qué creen que soy grande. Lo único que se me ocurre es darles las gracias porque realmente no sé qué decir en esos momentos. Lo mismo pasa con los periodistas. Parecen más interesados en hablar sobre mi vida privada que sobre mi música. Dicen que es porque a la gente le gusta, y debe ser así porque si no nadie se gastaría su dinero en comprar una revista. Dímelo tú, ¿por qué es así? Me importa una mierda, la verdad. Yo no analizo mis actos porque soy el que los hace, en realidad no analizo nada”. Encajo el directo

Estoy cómodo cantando, sé que no soy un cantante espectacular, pero tampoco toco la guitarra de maravilla. Simplemente lo hago y no pienso en esas tonterías cuando lo estoy haciendo. He leído que la voz está un poco baja en el disco porque no me siento seguro, pero eso no es más que mierda.

Para escribir canciones sólo necesito un bolígrafo. No tengo ni puta idea de cómo se hace”. Dos de las nuevas canciones ya formaban parte del repertorio más o menos apócrifo de Oasis desde aproximadamente una década, y se habían podido escuchar en pruebas de sonido

“He llegado al punto de que puedo permitirme hacer lo que me dé la gana” lo mejor que puedo, y sigo con la conversación.

Hemos venido a hablar de tu disco, pues hagámoslo. “Noel Gallagher’s High Flying Birds” se grabó entre Londres y Los Ángeles, producido por él mismo junto a Dave Sardy, con el que ya había trabajado en “Don’t Believe The Truth” (2005) y “Dig Out Your Soul”, editado en 2008. La principal diferencia es que ahora Noel se encarga de cantar, el resto (tampoco pone demasiado énfasis en negarlo) podría haber sido parte de cualquier disco de Oasis. De hecho, tanto los temas de Beady Eye como los de Noel, son mejores que casi cualquiera de los dos últimos trabajos de la banda de Manchester. ¿Es esto malo? No en si mismo.

Si habláramos de fútbol, diríamos que Liam ha optado por jugar al pelotazo y Noel por algo más técnico. Como el Barça de la era Guardiola, con compás y sentimiento. Él componía gran parte de los temas en su banda anterior, así que poco cambia. Le han acusado de guardarse los mejores temas escritos en los últimos años para si mismo, pero al negarlo, parece sincero. “Si me hubieran dejado componer todas las canciones, alguno de nuestros discos hubiera sido mejor.

En un grupo tienes que ser flexible, si no, tocarías solo como estoy haciendo yo ahora.

que circulaban por Internet. “Stop The Clocks”, un tema que iba a aparecer en “Don’t Believe The Truth” (2006), es uno de ellos. Los tiempos cambian, pero Noel prefiera que algunas cosas sigan siendo las mismas. “No me he molestado ni en cambiar de oficina, la sigo compartiendo con mi hermano. Han estado liados con la promoción de su disco y ahora lo están con el mío. Llevo trabajando muchos años con esta gente, les quiero y yo sé que ellos me quieren a mí. La única cosa que me apetecía cambiar era tener mi propio sello. Me preguntaban que por qué, si vivíamos como reyes en una multinacional, pero siempre respondía que por qué no. De alguna manera es un sueño para cualquier músico, y la diferencia es que ahora puedo hacer cualquier cosa que se me ocurra. Yo hago mis discos para mí, no para nadie más, y teniendo en cuenta que he tenido éxito durante los pasados veinte años, he llegado al punto de que puedo permitirme hacer lo que me dé la gana”. ■ Javi Ruiz “Noel Gallagher’s High Flying Birds” está publicado por Sour Mash/Pias.

Noel Gallagher Foto Lawrence Watson

MondoSonoro · Noviembre 2011 /25/

El hilo de la vida

Berri Txarrak Foto Galder Izagirre

entrevista /26/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

Son una de las propuestas más sólidas de nuestro rock. Su fresco y excitante combinado, mezcla de actitud punk, guitarras metal y un sinfín de melodías memorables de espíritu pop, parece no tener techo. MondoSonoro ha visitado Los Ángeles para conocer en exclusiva todos los detalles de “Haria”, su séptimo disco de estudio.

Pasamos dos días con la banda y el productor Ross Robinson e incluso compartimos barra con el mismísimo Lemmy.

Objetivo, las estrellas

P

or la ventanilla del coche pasan palmeras, luces de neón imposibles, el cartel de Beverly Hills, las concurridas terrazas de Sunset Boulevard, más palmeras. Nos dirigimos con el grupo y su manager Pau a una de las mejores hamburgueserías de West Hollywood. “El otro día vimos aquí a Danny Trejo rodeado de fans”, explica el bajista David González señalando House Of Blues. Durante el mes que llevan en Los Ángeles han asistido a algunas fiestas, como la del ascendente as del dubstep comercial estadounidense Skrillex o la presentación mundial de “Into The Locust”, de Machine Head, en el mítico Roxy. “Fuimos con Ross –Robinson, productor de “Haria”-, es muy amigo suyo. Según él, todo forma parte de la grabación y puede inspirarnos”. Acabamos la noche justo al lado, en el no menos histórico Rainbow. Los altavoces escupen Mötley Crüe, Pantera y Mercyful Fate. En

un rincón de la zona de restaurante descubrimos a Dino Cazares de Fear Factory cenando en muy buena compañía –sobre su cabeza, un disco de oro enmarcado de “Obsolete”-; en la terraza identificamos a Cypress Hill; y sí, amigos, Lemmy Kilmister aparece al final de la barra luciendo su uniforme y gorra militares y jugando con su inseparable máquina tragaperras. Nos acercamos para comprobar que no es un muñeco de cera y nos damos por satisfechos. “No le gusta que le interrumpan mientras juega”, nos avisan. De regreso al hotel, a todo volumen y con los cristales bajados, “Haria” invade las calles de Hollywood.

Aun tratándose de una mezcla provisional, suena grandioso, con cuerpo, crujiente.

Pop duro

Potente. Voluminoso. Directo pero con matices.

Y falta por escuchar la masterización final de Robinson y Steve Evetts (Sick Of It All, The Dillin-

ger Escape Plan, Snapcase). Compositivamente, “Haria” posee guitarras más metálicas pero constituye, también, una apuesta definitiva por la melodía. Gorka Urbizu (voz y guitarra) “Es un disco más contundente, aunque tiene canciones descaradamente pop. Sobre todo por las melodías vocales, pero también por las estructuras. Nunca lo hemos escondido, pero en este disco queda más patente. Está claro que somos un grupo de rock, e incluso de fondo puede haber más metal, pero hemos acentuado ese contraste”. El nuevo batería Galder Izagirre (Dut, Kuraia), añade: “Entre nosotros lo llamamos ‘pop duro’ (risas). Es un término gracioso pero muy representativo”.

Por decirlo de otro modo, “Haria” posee más profundidad -“tiene un mayor empaque, muchas más capas de guitarra y más ambientes, que es algo que nunca habíamos probado”, señala Gorka- sin renunciar a su habitual inmediatez. “El sonido crudo es algo que tenemos ya como banda; nunca nos ha gustado la superproducción. Aunque por encima de todo, este es un disco bastante más pasional”.

Pasional y pop. Que a nadie le extrañen estos términos. El propio cantante impulsa un proyecto de power pop llamado Peiremans+ (además de Katamalo, basado en canciones acústicas sobre poemas de Gotzon Barandiaran), y Matt Sharp de Weezer, con quien Urbizu ya había colaborado, ha grabado voces para uno de los temas de “Haria”.

Más ejemplos de pluralidad: entre los títulos provisionales que Berri Txarrak ponen siempre a sus canciones figuran esta vez “Kvelertak”, “Mayhem” o “At The Gates”, aunque charlando aparecen más nombres de grupos como Mermaid -“nos hizo mucha ilusión encontrar un vinilo suyo en Amoeba”-, Wilco, Bonnie Prince Billy, Elbow o Bon Iver, a quien han visto en directo en el The Shrine Auditorium. “Fue mágico, con momentos brillantes como ‘Perth’ o ‘Skinny Love’.

Pelos de punta”.

California Über Alles

La implicación en “Haria” de Ross Robinson, figura clave en el hardcore y el metal de los noventa –suyos son los dos primeros discos de Korn y Slipknot, y las obras cumbre de Sepultura (“Roots”) y At The Drive-In (“Relationship Of Command”)- ha sido fundamental. “Es la primera vez que dejamos que un productor meta mano en nuestras canciones. Sin corromper los originales, ha agrandado los temas y les ha dado color”, prosigue Gorka.

La diferencia entre su método y el de Steve Albini –productor de su anterior “Payola”, que grabaron de forma analógica en Chicago en apenas catorce días- es poco menos que abismal. Para empezar, el ritmo ha sido mucho más distendido.

El estudio está ubicado en los bajos de la casa de Robinson, en primera línea de mar en la soleada Venice Beach; una mansión que Ross suele alqui-

MondoSonoro · Noviembre 2011 /27/

lar cuando no trabaja y en la que el grupo ha vivido durante las seis semanas de grabación.

“Dave McClain de Machine Head durmió aquí la semana pasada”. Y Beyoncé quiso

Albini priman la toma natural, la energía y el feeling por encima de la técnica. Y nosotros casamos totalmente con eso”.

(David) “Grabando todos juntos, un día

“Lo nuestro está basado en la ilusión y en la constancia” alquilarla… sin éxito. “Fue cuando los Grammy Awards. Ross nos dijo: ‘Ha llamado Beyoncé, que quiere alquilar la casa para cuatro días’. Todos callados. Y él: ‘Le he dicho que no puede ser, que estamos grabando baterías’ (risas)”. (David) “Ross te acoge en su hogar y en su intimidad”.

(Gorka) “Todo forma parte de la grabación. Para conseguir el acercamiento psicológico que busca, necesita convivir con la banda. Tú te das cuenta más tarde, pero desde el minuto uno del partido, él está atento a eso”. En ese contexto cabe enmarcar las famosas conversaciones de Robinson. “Sabía que iba a llegar el momento, pero la primera vez me pilló por sorpresa. Te pregunta ‘¿este tema de qué habla?’. Y podíamos estar hablando media hora. Ross busca la clave, el fondo de la canción para provocarte y motivarte”. Eso sí, “tanto Robinson como

nos sorprendió dando golpes a las cuerdas del bajo y gritando que tocáramos más fuerte. Esas notas han quedado registradas”. (Galder) “Y yo rompí en más de una ocasión el parche de la batería. ¡Ross nos dijo que nunca había visto nada igual! (risas)”.

Sol. Música. Pasión

“Tenemos muchas ganas de que salga el disco, hemos trabajado mucho en él”, confiesa Gorka. “Además, veníamos de un contexto difícil en el que nos ha costado encontrar el camino, el hilo conductor del que tirar”. De ahí el título “Haria” (hilo), que, una vez más, acepta distintas lecturas.

“También tiene una connotación de fragilidad, todo pende de un hilo”. (David) “Frágil pero consistente. El hilo que te une pero que también te ata. Estar en la cuerda floja”. (Gorka) “Habla de huir de

uno mismo y de lo que la gente espera de ti. ‘Payola’ tenía unas letras políticamente muy pesimistas, fue el disco del hastío, y éste tiene definitivamente otro aire”. Admiten que el clima soleado y despertar frente al mar cada mañana puede haber influido, pero no olvidan el riesgo y la mala leche. (Gorka) “Cuando el rock pierde ese punto de peligro, me deja de interesar. El elemento punk y la actitud de provocar es básica. Como también lo es aprovechar el altavoz que tenemos para decir cosas que inviten a la reflexión”.

El álbum contiene, sin embargo, conceptos como el de veneración a la música, caso de “Harra”. “Significa ‘gusano’, ese gusano que tienes dentro y que te mueve. Hay algo mágico en la música que sigue estando ahí y que es la puta razón por la que seguimos adelante con la misma ilusión del primer día. Hay mucha pasión en este disco”. Pasión. Una palabra que repiten bien alto y que empapa la última obra de este trío inclasificable con tanta ambición como perseverancia e indiscutible talento. “Lo nuestro está basado en la ilusión y en la constancia, y eso va a seguir siendo así”.

■ David Sabaté “Haria” se publica el próximo 28 de noviembre vía Kaiowas.

entrevista

Ross Robinson es conocido por sus vecinos como ‘ese tipo tan majo’ o como ‘el amo de Carl’, nombre al que responde su mascota, un Golden Retriever con eternas ganas de jugar, incluso durante esta entrevista. “Es un perro muy punk, hace lo que quiere pero es muy leal, siempre regresa”. Robinson es un tipo afable y algo místico, aspecto que contrasta con los siniestros cuadros que presiden el salón de su casa en Venice Beach y que conviven, eso sí, con barras de incienso y figuras budistas. Los rayos de sol y el rumor del oleaje se cuelan por la ventana mientras el productor recuerda su primera impresión al escuchar a Berri Txarrak. “Lo primero que me llamó la atención fue su inquietud y su rechazo a cantar en otra lengua que no fuera la suya, a pesar de saber que mucha gente no iba a entenderles. Eso me pareció muy cool. Muestra una verdadera actitud punk. Me gustó esa postura y su sentido de la integridad”. El grupo ha ido avanzando y creciendo disco tras disco, pero parece que con éste el salto puede ser aún mayor. ¿Qué opina Ross? ¿Están preparados? “Lo están, desde luego.

Su responsabilidad como personas es disfrutar de este momento, respirar hondo cada segundo.

Lo que venga después, sea lo que sea, será un increíble ejemplo de éxito. Si no hay un cambio en ese sentido, ellos ya son felices. Aman el hecho de crear música, y la música es Dios. No piensan en los resultados, y por eso son un ejemplo de buena banda”. Al comentarle que el grupo está muy satisfecho con su método de trabajo, suspira secándose el sudor imaginario de su frente. “¡No estaba para nada seguro! (risas)”. Conocer a la persona detrás del músico, ¿es básico para conseguir los mejores resultados? “Si no me interesara cómo son, qué hacen y de dónde vienen, no estaría preocupado por obtener los mejores resultados. No busco la perfección técnica. Me interesa conocer la historia detrás de las letras, escarbar y hacer preguntas profundas y personales para encontrar el significado real de las canciones. Es algo que da miedo a mucha gente, pero estos chicos han respondido muy bien a eso. No tienen nada que ocultar”. Ese mismo método utilizó para gestar los pilares de la renovación del metal en los noventa. ¿Qué cree que motivó el éxito de los debuts de Korn y Slipknot –sus discos de oro comparten espacio con la colada-, o “Roots” de Sepultura? “Creo que esos discos constituyen una gran muestra de coraje. Contienen un sentimiento que se había perdido. Muchas bandas de metal graban de forma automática. Son falsas.

La emoción de las canciones debe contagiar a todos los músicos. No es el sonido, es mucho más.

Y no hay escuela para esto”. David Sabaté

/29/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

Delorean

Triángulo de Amor Bizarro

Vetusta Morla Fotos Lara Albuixech

James

CONCIERTOS

FIZ Festival Sala Multiusos (Zaragoza) Fecha 1-10-11 Estilo pop y rock Público casi lleno Promotor Producciones Animadas/Ayto. Zaragoza 1114 Tras varios años doblando esfuerzos con irregulares resultados de asistencia, la organización del FIZ decidió concentrar recursos es una única jornada, ejecutando en esta undécima edición una inteligente maniobra que asoció con éxito a públicos de diferentes edades y preferencias. Los locales The Faith Keepers, últimos ganadores del concurso Ambar Z-Music, inauguraron el escenario aprovechando su tiempo para mostrar un directo incendiario, descarado y convincente de asimilados sonidos negroides basados en funk y soul, a pesar de que su propuesta luce mejor en horarios menos tempraneros. La capital aragonesa esperaba con interés el directo de Standstill presentando las canciones del notable “Adelante Bonaparte” (Buena Suerte, 10), pero un sonido deficiente incapaz de soportar las altas dosis de épica trabajada por los barceloneses dio al traste con las expectativas, llevándose por delante cualquier posibilidad de degustar las detallistas virtudes incluidas en sus canciones. La banda consiguió sacar adelante el concierto con actitud y el apoyo incondicional de buena parte de los asistentes, en la que sin duda no fue su mejor noche. Vetusta

Morla era para la mayoría el grupo más esperado del festival, disfrutando el combo de su momento álgido de popularidad. Los madrileños han alcanzado niveles desorbitados de aceptación y el aforo lucía casi completo durante su actuación, creando el ambiente idóneo para el triunfo con un público predestinado a corear sus canciones. Los madrileños ejercieron la celebración y lograron la aprobación masiva, siendo las canciones de su debut, “Un día en el mundo” (Pequeño Salto Mortal, 08), las más celebradas, con temas como “Sálvese quien pueda” o “Sharabbey Road” convertidos en karaoke. Por su parte los imprescindibles James eran la banda predilecta de los más veteranos. La numerosa formación británica posee una colección de canciones impecable labrada a lo largo de más de dos décadas de existencia, y desde que el carismático vocalista Tim Booth decidiese inaugurar el concierto junto a parte de su séquito atravesando la sala entre el gentío hasta alcanzar el escenario, quedó clara la claridad de sus intenciones: un concierto por y para sus incondicionales. Ni siquiera un sonido de nuevo mediocre logró empañar las dosis de carisma, cercanía

y entrega de sus miembros, correspondidas así mismo con pleitesía por parte de unos seguidores encantados con el apogeo de himnos atemporales como “Ring The Bells”, “Born Of Frustration”, “Getting Away With It All (All Messed Up)” o “Tomorrow”. La inmensa “Laid” finalizó con invasión del escenario por parte del público, compartiendo bailes con un Booth eléctrico, tan sorprendido como satisfecho con la situación. Buena parte del público decidió abandonar tras la presencia de los de Manchester, encontrándose los gallegos Triángulo de Amor Bizarro con menos público del esperado. El cuarteto ofreció un set de escasa duración, luciendo su habitual volumen atronador en una actuación correcta, sin demasiada historia y liberada de sorpresas, máxime teniendo en cuenta que su directo ha sido habitual últimamente en la ciudad.

Delorean, guipuzcoanos afincados en Barcelona, demostraron que definitivamente se han pasado a la electrónica desprejuiciada, desarrollando sin tapujos un concierto intenso y bailable que consiguió mantener animados a los más fanáticos del género a una hora en la que el cansancio comenzaba a tener presencia. En su faceta como DJ, Kele Okereke, el ex-vocalista de Bloc Party, optó por una línea continuista respecto a sus predecesores, alargando la fiesta de los más valientes y echando el cierre al festival, aunque muchos hubiésemos preferido disfrutar del británico tras el micrófono. Raúl Julián

SraSrSra

Juanita y los Feos

Triángulo de Amor Bizarro

The Cobras Fotos Alfredo Arias

CONCIERTOS /32/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

Casa Jäger Sala Finca Cerrolen, La Navata (Madrid) Fecha 20-10-11 Estilo rock Público lleno Promotor Jägermeister 1111

Misteriosa, escondida y exclusiva, lo único que el cartel de la Casa Jäger aseguraba de su esperadísimo evento anual eran buenas dosis de rock en todas sus vertientes. Bastante más cerca del punk, y ya no tanto por su inclasificable estilo (que también) como por su actitud, el dúo SraSrSra comenzaba la fiesta a las diez y media de la noche en la finca Cerrolén de La Navata, a unos cuarenta kilómetros al noroeste de Madrid. Batería y guitarra tenían la dura misión de calentar ánimos y motores con un concierto al fresquísimo aire libre de la sierra. Pero la caña de sus brevísimos temas caló en seguida, y a los veinte minutos la primera fila se volvía loca bailando pogo al son de su hit “Comebolsas”. Una hora más tarde, con la mecha ya encendida y el Jägermeister a punto, Juanita y los feos llenaban “la habitación de los padres”, con una buenísima sesión de auténtico garage en castellano que más tarde dio paso a la ecléctica propuesta de los vigueses The Cobras. A su término, y con los seiscientos invitados ya dentro

de la espectacular mansión rústica, el núcleo duro se trasladaba al escenario principal. Y aparecían los también gallegos Triángulo de Amor Bizarro, que a pesar de la acústica de la sala volvieron a ofrecer un gran concierto. Como anunció su bajista, venían “con pocas baladas”, pero desde luego con lo más granado de su potentísimo repertorio. De coger su relevo se encargaron los americanos HEALTH, que dieron lo mejor de ellos mismos, y poco importó que su noise volviera a poner en evidencia lo inapropiado de la sala. La gente ya estaba dispuesta a pasárselo bien en cualquier lugar de la casa, donde igual te encontrabas una fiesta fluorescente con mesa de ping pong que una sesión de electrónica en “la habitación del chico”. Y para cuando los alemanes Frittenbude salieron al escenario, muchos ni se enteraron de que estaba habiendo otro concierto. Poco importa. Fue una fiesta enorme. Las seiscientas resacas que hoy la recuerdan no pueden estar equivocadas. Cristina Pancorbo

Peter Murphy Sala Bikini (BCN) Fecha 4-10-11 Estilo Rock oscuro Público Lleno Promotor Last Tour International

A nadie le gusta empezar una crónica hablando solo de los aspectos técnicos sin centrarse en la música, pero en este caso me veo obligado a hacer una excepción. Peter Murphy venía a presentar su nuevo disco “Ninth” y fue precisamente eso lo que hizo durante sus primeros temas. Lo malo es que por desgracia tuvo continuos problemas de sonido encima del escenario que le impedían cantar con fluidez.

Además, todo esto repercutió en un público nada entregado y que cuchicheaba más que bailaba, algo que nunca entenderé que suceda en un concierto donde has pagado una entrada. Peter Murphy se adentró en el terreno de Bauhaus tocando “Too Much 21st Century” seguida de “All We Ever Wanted Was Everything” y entonces llegó uno de los momentos más intensos para un servidor: oír de la voz de Peter Murphy ese maravilloso “Hurt” de Nine Inch Nails que dejó a más de uno sin palabras. La canción “All Night Long” (con versos de “Bela Lugosi Is Dead” incluidos) fue la definitiva para observar un cambio de actitud en el público, el cual se entregó a partir de entonces mucho más con un set que cerró con el tema más coreado de la noche “Cuts You Up”. El público no lo dejó marchar y debido a eso realizó unos cuantos bises. Pagó tributo de nuevo con temazos como “Passion Of Lovers”, su espléndida versión del “Ziggy Stardust” y un colofón final al regresar a Bauhaus con “Dark Entries” y su gran hit extraído de “Ninth” llamado “I Spit Roses”. Eduard Tuset

Peter Murphy Fotos Edu Tuset

1114

------------------------------------------Agenda SON Estrella Galicia

John Grant 09 de Noviembre / Teatro Lara, Madrid

Manel 14 de Diciembre / Teatro Principal, Ourense 15 de Diciembre / TBC, Santiago de Compostela 16 de Diciembre / Playa Club, A Coruña 17 de Diciembre / Auditorio Ayuntamiento, Vigo

------------------------------------------Ciclos SON Estrella Galicia

American Autumn Lac La Belle y Rocky Votolato + The Secret Society 18 Noviembre y 1 de Diciembre Café&Pop Torgal, Ourense

------------------------------------------Festivales SON Estrella Galicia

Purple Weekend 03, 04 y 05 de Diciembre / León

------------------------------------------Salas SON Estrella Galicia

Le Club, A Coruña 04 The Sweet Vandals 05 The Monomes 17 El Columpio Asesino 18 The Brew 19 The New Raemon 25 Fuel Fandango

www.estrellagalicia.es

y otros puntos habituales de la Red Ticketmaster

Mondo Club, Vigo 11 Pony Bravo 13 Peter Broderick 18 El Columpio Asesino

Josele Santiago Foto Eduardo Tébar

Airbag Foto Nacho Ballesteros

CONCIERTOS /34/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

AIRBAG Sala Heineken (Madrid) Fecha 30-10-11 Estilo punk pop Público lleno Promotor Wild Punk

JOSELE SANTIAGO 11111

A veces hay cosas, conciertos, vivencias, que no pueden explicarse más que levemente, con bosquejos. Y es que es difícil contar con palabras el torbellino de emociones que fue el concierto de presentación de “Manual de montaña de rusa” en Madrid. Ni siquiera la (no tan secreta) aparición de los mismísimos Ramones de Algete nos preparó suficientemente para la que se nos venía encima. Y eso que el ambiente que existió mientras sonaban “Silvia Sobrini”, “El imperio contraataca”, “Salvaje pasión” o “Diez años en Sing-Sing” fue ensordecedor y, desde luego, prueba de que estábamos asistiendo a algo para marcar en el calendario de la historia de nuestro pop.

Un guiño éste el de los malagueños Airbag para presentar un disco que les coloca, cada vez más, en el terreno del pop y les aleja, ya definitivamente, del punk-rock de sus inicios. Un amor por el pop que, por otra parte, nunca ocultaron, y que sólo se hace más obvio en su excelente nuevo disco. Su actuación se abrió así, como su álbum, con “Tráiler”, y mientras tanto fueron desgranando los temas nuevos mezclados con canciones antiguas como “Elena” (que abrió la veda del pogo masivo en que se acabaron convirtiendo las primeras filas del público), “En los brazos de la agente internacional” o “Prefiero irme a la playa”. El vaivén de balones de playa y flotadores nos recordaban constantemente que estábamos en un concierto de Airbag. Pero sobre todo lo hacían el carrusel de melodías que salían de la guitarra de Adolfo y los fantásticos coros de Jose, que sólo pararon un momento para traernos en los bises una impecable versión de “La chica de Mel”, de Los Flechazos, “Tus rechazos golpean dos veces” y “Ahí viene la decepción”. O una de las mejores letras del pop en castellano de los últimos años. Al final, no había nadie que no luciera con orgullo su camiseta empapada en sudor u otros daños colaterales de hora y media de chispazos melódicos y guitarras aceleradas. De canciones sobre chicas y relaciones truncadas en las que siempre vemos el lado positivo del asunto. Bendito complejo de Peter Pan. Miguel Díaz Herrero

Sala Teatro Alhambra (Granada) Fecha 15-10-11 Estilo canción Público Lleno Promotor El Volcán

1111

La vida se vuelve un lugar mejor en las canciones de Josele Santiago. Da vértigo, sorprende y chispea. No es un cantautor de palo, como ya advirtió al público granadino en su anterior visita. ¿Para qué? Tal como está el mundo, deberían cotizar al alza los traductores disparatados de la realidad. Josele se pondría las botas. Atinaríamos fórmulas de rescate, bajaría la prima de riesgo, y tropezaríamos con respuestas en el trayecto del ascensor al bar. Son reflexiones de butaca en la penumbra del Teatro Alhambra. El madrileño se presenta en formato de trío. “No sé si somos más o si somos menos”, duda. Cambia al enciclopédico David Krahe para rescatar a Pablo Novoa a la guitarra –maestro del sonido Fender: el barítono y el elástico– y entra como baterista Ricardo Moreno –ex Los Ronaldos–, a quien lanzan miradas indicativas para finalizar cada uno de los temas. Se bastan y se entienden. El repertorio respira, se libera, lo estiran y lo encogen con un tratamiento electro-acústico, de barniz jazzístico y fraseo swingueante. En hora y media de actuación, el malasañero desgrana casi al completo “Lecciones de vértigo”, su último álbum. Novoa borra la huella de Los Enemigos y abre espacios para el asueto narrativo de su jefe. En la primera fase, Josele con la acústica: “Baila el viento”, “Pensando no se llega a ná”, “Peces”, “Sol de invierno”…

Después, desquite con la vieja Telecaster del 65: “Canción de próstata”, “El lobo”, “PAE”, “Han ganado de nosotros”, “Fractales”… Elegancia, imaginación y audacia, más un cierre impepinable con “Mi prima y sus pinceles” y “Ole papa” –a la memoria de su padre, a quien antes no le dedicó “ni los buenos días”–. La de Josele es una voz rota y profunda. Una voz necesaria e intransferible en la canción española. Castizo y profundo: sin pedanterías. Ya se habla de su próximo reencuentro a todo trapo con Los Enemigos. De su posible reconversión al campo de la veterinaria. Su cabeza permanece llena de libros blancos esperando sus palabras. Eduardo Tébar

Vienen: Barcelona Publican: “Mother Phoenix” (Autoeditado, 11) En la onda de: Editors, Interpol, White Lies

“

Emerge Foto María Ysasi

En 2008 un sótano-estudio del extrarradio barcelonés, cual útero irrigado por la misteriosa causalidad de la existencia, vio nacer a Klaudia”. Son palabras de Nacho Newman, cantante y padre de esa maravillosa criatura que es Klaudia. Y si bien el retoño no tardó ni un año en pronunciar sus primeras palabras (el fantástico Ep “First Approach” en 2009), le ha costado

Emerge Vienen de: Madrid Publican: “Te dije que algún día nos reiríamos de esto” (Recordings From The Other Side/Everlasting, 11) En la onda de: Toundra, This Will Destroy You, Jardín de La Croix “Nos juntamos en 2005, y lo que nos movió a hacer el grupo es que todos los de aquella época veníamos de tocar punk rock y nos habíamos cansado de ello, y queríamos hacer algo diferente”, comenta el quinteto madrileño con pasado hardcore en Nacen De Las Cenizas y presente paralelo en los “zapatilleros” Trono De Sangre, así como colaboraciones con Toundra, Remate y Tenple.

“Al principio hacíamos algo más pop, digamos que instrumental y vocal al cincuenta por ciento, pero el cantante se fue. Posteriormente probamos con algún cantante externo al grupo, no encajó y decidimos obviar tener letras y voces porque no nos parece una premisa fundamental para hacer música”. El rock instrumental con marcado carácter progresivo y con ambientación cinematográfica enmarca las coordenadas en que se mueve el disco. “En agosto de 2009 nos tiramos diez días en Pamplona con Brian Hunt, juntos treinta y ocho horas al día, compartiendo todo, compitiendo en el Mario Kart con cuatro consolas en red. Tuvimos muchos contratiempos, quemamos una fuente de alimentación del ordenador, tuvimos que cambiar in extremis válvulas de un cabezal…”. La forja de una canción de treinta y ocho minutos dividida en cuatro partes ¿Es acaso un disco conceptual con un mensaje de fondo? “Pues sí.

Digamos que la pieza era un reto para algunos y para otros era simplemente el poder hacer algo que presentar en directo sin necesidad de cortes, después de haberse rehecho el grupo…”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

dos años más volverse a arrancar, pero menudo arranque. Y es que el primer largo de Klaudia es sorprendente, fascinante y un tanto siniestro. “Hemos crecido en virulencia y profundidad” explica Pedro Navarro, guitarra del cuarteto catalán. Y es ciertamente rabioso y desenfrenado este primer trabajo, que toma prestados el espíritu y la bailabilidad de la escena británica del indierock oscuro y épico capitaneada por Editors y White Lies.

Estas, además de los neoyorquinos Interpol, son las influencias más palpables en un álbum donde las guitarras son dardos afiladísimos y las baterías caballos trotones y desbocados. Lo mejor de todo es que esa pasión que rezuma “Mother Phoenix” por sus diez cortes también

la saben volcar los barceloneses en otros proyectos, como demostraron al fundar el festival indie contra el hambre No Hunger en asociación con Acción Contra el Hambre.

“Hay veces que tantas horas en el estudio te hacen sentir absurdo”, confiesa Pedro. “Estar con la guitarra y el piano creando es un privilegio que sólo nos podemos permitir los que tenemos las necesidades básicas cubiertas o no estamos en medio de un conflicto armado”. “No nos sentimos aislados del mundo”, puntualiza Nacho, “formamos parte de él y no queremos partir sin hacer cosas que sean realmente importantes para nosotros… Ésta es una de ellas”. ■ Virginia Arroyo

Neorama Foto Archivo

Klaudia

Los zaragozanos Picore entregan “Imagínate que acierto”, para quien firma el mejor disco, y el más fácil de digerir, de estos virtuosos que han sabido desde hace tiempo mezclar el hardcore con el metal más vírico y dotar a ese experimento de unas letras tremendas. Siguen con el sello Magofermín, pero igual es momento de que alguien los licencie fuera de España. “Estamos cerrando la gira inglesa para el mes de septiembre, y nos acabamos de enterar de que, muy probablemente, lo próximo a editar sea un split con una banda a cargo de Gringo Records (Nottingham), lo cual para nosotros supone una alegría de tipo bíblico.

Otro proyecto pendiente es con nuestros primos chilenobarcelonís de Familea Miranda... y seguimos, hasta que surja la oportunidad de editar ‘Imagínate que acierto’ en vinilo”.

Al parecer, hay importantes colaboraciones en este disco. “Thomas House (Charlottefield, Sloath, JoeyFat) es ya nuestro quinto miembro fijo-discontinuo oficial... Su incorporación, muy valiosa aunque sea eventual, nos la tomamos como un premio por estos años de trote gorrinero por el continente. Lo cierto es que gran parte de nuestras mejores experiencias de los últimos tiempos tienen que ver con Inglaterra. La novedad en este disco es nuestro querido Mario Navajas (The Joe K-Plan), que grabó guitarra en “La Faena”, una canciónhomenaje al trabajo ímprobo que la gente de Brama! y AnteojosBooking hizo en Madrid...”. ■ Rafa Angulo

Picore Vienen de: Zaragoza Publican: “Imagínate que acierto” (Magofermín, 11) En la onda de: Charlottefield, The Mars Volta, Mr. Bungle

Klaudia Foto Archivo

/36/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

Neorama Vienen: Sevilla Publican: “La tarde” (Spyro Records, 11) En la onda de: Ivan Ferreiro, Standstill, Maga

Picore Foto Archivo

escaparate

“La tarde”, el tercer álbum de Neorama, es un trabajo al que la banda sevillana se ha enfrentado con pausa y sin prisa. “Teníamos claro que queríamos dejarnos llevar, que fuera un proceso pausado y natural. Hemos querido tocar algunos temas de forma diferente a otros discos, que fuera por lo general más guitarrero, más crudo, más directo en el sonido”. Las once canciones de “La tarde” forman un conjunto sólido y heterogéneo a la vez. Encontramos guiños post-rock (“Quiero”), canción protesta moderna (“Cabezas de títere”), indie bailongo (“Viaje exterior”) o nostalgia noventera (“1992”). “Hace mucho que queríamos hacer un tema sobre ese año, sobre la emoción que nos rebosaba a todos en esa época, la admiración a los nuevos héroes y referentes, los avances técnicos, la apertura al mundo... y pensamos que hacerlo a través de un homenaje a las viejas amistades podría hacer justicia a esas épocas pasadas”.

Neorama se sienten orgullosos de las amistades que les rodean actualmente, con el equipo de Spyro Records a la cabeza, pero no se arrepienten de aquellas que no funcionaron en el pasado. “Spyro es una plataforma /comunidad en la que cada grupo toma sus decisiones y asume su propia parte pero donde las bandas nos unimos para encontrar sinergias, optimizar inversiones, hacer fuerza entre todos. Es un orgullo estar en un sello con grupos amigos de siempre como Robot, Cerebral o Gaggia.

Con Warner es evidente que la cosa no funcionó, pero no nos arrepentimos”. ■ Víctor Martínez

escaparate

Burrito Panza Foto Archivo

MondoSonoro · Noviembre 2011 /37/

Burrito Panza Viene de: Albacete Publican: “Solo y mal acompañado” (El Genio Equivocado, 11) En la onda de: Surfin Bichos, Mercromina, Travolta

Josh Rouse & The Long Vacations

Vienen de: Estados Unidos/Valencia Publican: “Josh Rouse & The Long Vacations” (Ada Global/Grabaciones en el Mar, 11) En la onda de: Ryan Adams, Antonio Carlos Jobim, Jonathan Wilson

D

espués de atreverse con el castellano en su anterior “El turista” (2010), y tras más de siete años de retiro en Valencia, el americano Josh Rouse avanza en la asimilación de la vida mediterránea con The Long Vacations, nombre al que responden su nuevo disco y nueva banda, y cierta manera de entender la vida, el arte y el trabajo. Sus compañeros de viaje son los polifacéticos Xema Fuertes y Caio Bellveser (también en Maderita, Ciudadano, y otros proyectos). “Al principio pensé en sacar el disco solo como The Long Vacations, pero mi manager en Estados Unidos me convenció para incluir también mi nombre. Supongo que tenía razón, con tanta música como hay hoy en día es una forma de asegurarnos tocar más y en más países”. Josh Rouse habla bajito, pero su castellano es el esperable de alguien que lleva ya siete años viviendo en España, casi perfecto. “Mucha gente me pregunta cómo he conseguido encontrar músicos en Valencia, porque a mí, incluso cuando vivía en

Nueva York, siempre me ha costado dar con gente que pueda tocar mi estilo, que me entienda y con los que pueda convivir. Con ellos es muy fácil”. No hace falta que lo jure. Verles juntos, sonriendo gin tonic en mano y hablando con una tranquilidad muy poco habitual en las entrevistas promocionales, resulta clarificador para entender un disco de canciones pop cuyo eje principal gira en torno a elementos como el sol, la playa, las virtudes de la vida tranquila y el humor. “Tengo casi cuarenta años y si mi música suena más alegre es porque ya he pasado esa época de preguntarme cosas como quién soy. Escucho a algunos cantautores de veintipico años, con esa profundidad en sus letras, y me doy cuenta de que yo ya no estoy para tomarme tan en serio”. Rouse divaga durante un buen rato más acerca de su gusto por lo espontáneo y lo natural mientras sus compañeros sonríen con actitud cómplice, hasta que salen en su defensa. “A ver, a Josh hay que entenderle, lo que él considera poca metodología traducido a España significa ser muy metódico. El tío trabaja un montón y es capaz de llegar un día con veinte canciones nuevas para trabajar, y todas son buenas!”. ■ Cristina V. Miranda “Josh Rouse & The Long Vacations” está publicado por Ada Global/Grabaciones en el Mar. Josh Rouse estará el dia 4 en Madrid, el 5 en Barcelona, el 12 en Granada y el 26 en Valencia.

Guitar Wolf Vienen de: Japón Publican: “Spacebattleship Love” (B. Records, 11) En la onda de: Thee Michelle Gun Elephant, The 5.6.7.8’s, Ramones Albricias, Guitar Wolf estarán este mes de noviembre de gira por nuestro país. Al habla con Seiji, alma mater y calavera principal de Guitar Wolf, un grupo que lleva ya veinticuatro años reventando tímpanos con su rock and roll cazallero y sucio ejecutado a la velocidad de la luz. ¿Cuál es el secreto de esa longevidad y buena forma? “Me gusta beber y recibir toda la atención que pueda de las chicas. Uso el poder de la bebida y mi sabiduría erótica”. Sobre su gira española el japonés nos recomienda que “os vacunéis contra la rabia antes de venir a nuestros conciertos”. El grupo nipón viene a presentar su último disco, “Spacebattleship Love”, que no presenta novedades respectos a sus anteriores trabajos. “Cuando estés solo, cuando te sientas solo… Recuérdame. Mi amor gigante, Spacebattleshiplove está de camino a ti, siempre”. Sobre la fascinación que sienten Guitar Wolf por el espacio, los ovnis y demás asuntos galácticos, Seiji afirma: “Recibo la telepatía del universo. Para este álbum me llegó de Andrómeda”.

Por cierto, es obligada la pregunta sobre la esperada y posible secuela de “Wild Zero”, loquísimo film de terror de serie B que el grupo protagonizó hace once años. “La secuela será un episodio de viaje en el tiempo. Viajaremos a la era española del descubrimiento. Me convertiré en un torero.

Apareceré en una nave con forma de cabeza de lobo. El título será ‘Wild Zero: An Episode Of Time Travel: Carmen Who Love Wolf’”. ■ Xavi Sánchez Pons

Josh Rouse & The Long Vacations Foto Archivo

Han pasado unos treinta años desde que The Polecats le demostraron al mundo que en Inglaterra también se podía hacer buen rockabilly, combinado con las dosis justas del punk rock de aquellos días. Y ahí siguen, como el referente más sólido de la escena en las islas, manteniendo además su formación (aunque Boz Boorer debe ser sustituido puntualmente, cuando su cargo como guitarrista de Morrissey le impide acompañarles). “Es difícil decir quién es el motor de The Polecats, teniendo en cuenta que todos nos esforzamos mucho por tirar adelante”, comenta John Buck vía email. De todos modos y aunque sea un lujo poder tenerles por aquí, su momento de mayor popularidad fue en tiempos de “Polecats Are Go” (1981), uno de los mejores álbumes de rockabilly europeo que uno recuerde. “El rockabilly fue popular en los ochenta, pero tuvo tanto que ver con los peinados y la ropa como con la música”. Pero el rockabilly no es solamente una cosa del pasado. The Polecats reconocen pasarlo ahora mejor que una década atrás. “Tocamos para gente de todas las edades, desde teenagers hasta cincuentones, pero estamos muy contentos porque en los dos últimos años hemos hecho más conciertos que durante todos los noventa. Ahora, por suerte, hay algunos artistas en las listas como Imelda May, que respeta las raíces del rockabilly y que podría encabezar un cierto revival”. Y hablando de grupos actuales, Boz Boorer, guitarrista del grupo, acaba de producir a los barceloneses Nu Niles.

“Sí, sabía que Boz les ha producido. Estaba encantado con ellos y puedo decirte que son una gran banda y suenan muy bien”. The Polecats estarán actuando el día 10 en Barcelona, el 11 en Bilbao y el 12 en Madrid. ■ Joan S. Luna

The Polecats Vienen de: Reino Unido Publican: “Rockabilly Cats” (Buen Ritmo, 11) En la onda de: Stray Cats, Robert Gordon, The Quakes

The Polecats Foto Archivo

Guitar Wolf Foto Archivo

Sólo hay que rascar la superficie, escarbar un poco, para ver que lo doméstico puede ser tan doloroso como una guerra, y Albacete tan infernal como Nueva York. Un plato puede llevar tabasco y azúcar.

Basta de metáforas. Se escribieron canciones en momento de dolor, eso es todo. Y todo esto, y mucho más, lo dicen ellos mismos.

Se reúnen un grupo de buenos amigos –Carlos Flan, José Manuel Mora y Carlos Cuevas- que además son enormes músicos, y así tranquilamente, y en casa, nace Burrito Panza. “Así fue, empezamos a tantear algunas canciones que tocábamos en casa y otras que iban surgiendo en el local de ensayo. Por supuesto nos une una amistad de muchos años y una manera de entender la música”. Familia es una palabra que repiten casi de forma constante en sus entrevistas, notas de prensa, letras, etcétera. Pero, ¿de veras se consideran así? ¿Incluyen a Joaquín Pascual, a Fernando Alfaro y a Carlos Sánchez en esta gran foto familiar?

“Por supuesto. Nos une, aparte de una gran amistad, el vínculo de haber compartido miles de momentos tanto dentro de este mundillo, como en otros ajenos a él”. Lo que parece claro escuchando a Burrito Panza es que describen desde lo sonoro emociones sencillamente reales, estamos ante un nuevo naturalismo pop, crudo vs. bello. “En la emisión de la música y sobre todo en su recepción se generan emociones, inevitablemente. Buenas, malas, leves, intensas. Saber que no es la peor, la indiferencia, con los tiempos que corren, nos debería bastar”. ■ Fernando Fuentes

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VINILOS ALBERTO MONTERO “Claroscuro” Greyhead

FOLK

1111

Los paisajes de Barcelona, su luz, sus estampas y sus olores se cuelan por las rendijas de “Claroscuro”, segundo disco de Alberto Montero, antes en Shake y por vez primera entregado al castellano, el ejemplo más claro de que en la España musical siguen existiendo malditos a su pesar, un underground sin vocación de serlo. Imperdonable. Al igual que ocurrió el pasado año con “Los veranos y los días” de Dotore -otro delicioso cantautor pop cautivado por los encantos de la Ciudad Condal-, esta colección nos agarra por la pechera, y lo hace transportándonos desde el primer momento a un universo atemporal, en el que Montero reconoce la deuda con uno de los padres del rock argentino, Luis Alberto Spinetta. Levantado a partir de la guitarra acústica y la voz (a veces “medievalesca”, siempre juguetona, más expresiva que virtuosa) y elevado por obra y gracia de unos arreglos deliciosos y hasta lujosos, la secuencia de cinco canciones que componen la cara A es sencillamente inapelable. Baja un peldaño el segundo tiempo, lo que no impide que pocos discos de estas características, nacionales o no, vuelen tan alto en este 2011. Luis J. Menéndez

LITORAL

“Incidents melòdics del món irracional” Limbo Starr

FOLK

1111

Litoral continúan con su primer largo la andadura comenzada hace unos meses con su epé “#1”. Iván Cuevas, Pau Roca, Manu Moreno, Guillaine Goosse, Pablo Magariños y Javier Montserrat (en el lugar de Edu Baos) ahondan con “Incidents melòdics del món irracional” en su particular manera de abordar el folk: exótico, psicodélico, con facilidad para el gancho y con un aroma muy, muy mediterráneo. Si la etiqueta no sonara tan despectiva –y si tuviera algún sentido tratar de buscar etiquetas- quizá el género que mejor les definiría sería el “freak-folk”. Pero no: están más cerca de Beirut que de Devendra, más interesados en ensanchar el alma que en encorvarse hasta lamerse el ombligo, más deseosos de romper el cascarón y gritar al mundo que de encerrarse en su habitación a recrearse en su propia rareza. Diversión, libertad creativa, ganas de vivir y una bocanada de aire fresco. Virginia Arroyo

THE FAKEBAND

“Too Late, Too Bad” Rock Indiana

ROCK

1114

De los grupos de Getxo orientados al rock americano, The Fakeband representan ahora mismo la variable más significativa, manufacturando en “Too Late, Too Bad” un disco de calidad exponencial. Aunque, ciertamente, no hace falta más que una escucha para darse cuenta que este no es un trabajo cualquiera, y que el vello de la piel se va erizando progresivamente mientras

/39/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

se desengranan las doce canciones que lo componen. De las filas de John Wayne, su compositor y vocalista Txomin Guzman redefine y redirige con un toque maestro los postulados hacia el country, el folk y aledaños y lo envuelve en corrientes de electricidad que nos retrotraen por un lado al pasado de Crosby, Stills, Nash & Young (¡esos coros a cuatro voces!) y al maduro presente de The Jayhawks o Blue Rodeo.

Tonadas cálidas (plasmadas en parte en los fraseos de armónica o los arreglos de piano, tratadas con mimo y denotando una innata capacidad captando sonidos e imágenes allende el Atlántico, para después materializarlos en melodías preciosistas.

Para sentirse orgulloso. Álvaro Fierro

m83, ¿SU DISCO DEFINITIVO?

BLINK 182

“Neighborhoods” Universal

PUNK POP

1114

Ocho años ha durado la resistencia de los miembros de Blink 182 de volver a la banda que les vio vivir sus mejores momentos. Ni la aventura de +44, combo formado por Travis Barker y Mark Hoppus, ni los buenos temas de Tom DeLonge en Angels & Airwaves lograron en ningún momento acercarse a la pegada y recuerdo de hits indisociables al cambio de siglo como “Dammit”, “What’s My Age Again?” o “All The Small Things”.

Hundidos en la mediocridad disfrazada de supuesta madurez de su álbum homónimo de 2003, el trío decidió separar sus caminos poco después de editarlo. El regreso, sorpresa, recupera una banda mucho más inquieta y atractiva de lo que muchos hubiéramos supuesto. “Neighborhoods” es una obra que se aleja del punk pop tan experimental como insustancial que había definido su último trabajo y recupera la chispa de sus mejores discos. Con unas guitarras más abrasivas de lo que en ellos era habitual y unos paisajes sonoros que recuerdan los de Angels & Airwaves -aquí mejor resueltos-, Blink-182 evolucionan como deberían haber hecho hace casi una década, y nos dejan con la mejor colección de canciones que editaban desde su obra magna “Enema Of The State”. Robert Aniento

THE TOXIC AVENGER “Angst”

Roy Music

ELECTRÓNICA

M83 Foto Archivo

M83

“Hurry Up, We’re Dreaming!”

Naïve

POP

11114

Publicar un doble álbum dopado de épica en estos días en los que prima la inmediatez, puede considerarse cuanto menos pretencioso. Y en gran medida lo es, pero si nos llega de la mano de Anthony Gonzalez, envuelto en un universo de onirismo infantil, crípticas memorias y melodías titánicas, el experimento, pese a los puntos en contra llevados por su extenuante duración (es imposible firmar veintiún temas como “Midnight City”), consigue trasladarnos acertadamente a un ecléctico universo de felicidad perpetua en el que “Los Goonies” se proyectan en technicolor sobre nuestras cabezas. Lo nuevo de M83 no nos descubre nada que no hayamos conocido anteriormente por parte del francés (recien-

temente instalado en Los Ángeles) porque, en cierta manera, aúna las estructuras pop más convencionales de “Saturdays=Youth” con los parajes cinéticos de “Before The Dawn Heals Us”. Sin embargo, esa es precisamente su mayor baza, ya que todos encontrarán en esta montaña rusa, ese tesoro particular (en mi caso “Intro”, con la participación de Zola Jesus, o la bellísima “Wait”), con el que escapar de sus miserias. Bien es cierto que, sobre todo, en el segundo cedé la sombra de Peter Gabriel y cualquier ente ochentero más propio de Kiss FM (“OK Pal”, “Steve McQueen”) acaba descolocando ante preciosistas cuadros shoegazer como “Echoes Of Mine”. Pero, precisamente, gracias a su variopinta naturaleza y su cíclica adicción (cada día me declaro fan de un tema distinto), “Hurry Up, We’re Dreaming!” debe entenderse como uno de los trabajos más arriesgados y sobrecogedores de la temporada aun luciendo leves taras. Sergio del Amo

1114

Al final resulta que el sonido french no estaba muerto, estaba de parranda. Eso es lo que ha venido demostrar el parisino Simon Delacroix, bajo el alias The Toxic Avenger.

Tras amasarlo poco a poco en Marruecos, Los Ángeles y París, por fin ve la luz su primer trabajo de estudio, “Angst”. El título no es casualidad: durante más de una hora, Delacroix nos trasmite esa angustia vital suya en forma de beats bailables, vocales distorsionados y sintetizadores en acordes menores a cascoporro. A ratos más electro, a ratos más pop, en otras ocasiones seducido por los encantos del hip-hop, The Toxic Avenger empasta todas sus influencias (especialmente Daft Punk y Justice) con su particular toque, su french touch y su saber hacer. Electrónica rasgada que busca la emoción y la intensidad y lo hace apelando a nuestro yo más oscuro, pero también al más bailongo. Y es que sólo hay un remedio para sacudirse el miedo generado por este disco: bailarlo hasta sudarlo por completo. Y entonces volver a empezar. Virginia Arroyo

en la onda

THE SMASHING PUMPKINS

AIR

ROCK

POP

“Mellon Collie...” (1995)

11114

Tras afeitarse la cabeza, Billy Corgan se encerró en casa con la intención de componer el “The Wall” de la década de los noventa y se sacó de la manga un doble álbum que marcó a toda una generación. Su ego fue en aumento, pero nadie puede discutir la valía de temas como “Tonight, Tonight” o “Bullet With Butterfly Wings”.

“The Virgin Suicides” (2000) 1111

Tras un debut que volvió a poner en boca de todos el buen hacer musical de los artistas de flema francesa, el dúo decidió ponerse a las órdenes de Sofia Coppola para tejer un cinético universo de delicadezas sonoras tanto electrónicas como orgánicas. Si hoy en día es considerado un filme de culto, en gran parte, es por su fantástica banda sonora.

VANGELIS

“Chariots Of Fire” (1981) ELECTRÓNICA

11114

Sin este griego, la épica sintetizada nunca hubiera sido posible. A pesar de contar con una discografía que da auténtico vértigo, el ex-Aphrodite’s Child consiguió el éxito internacional poniendo música al espíritu olímpico. Acercando la electrónica onírico-ambiental a las masas cinéfilas su leyenda se hizo insustituible.

■ Sergio del Amo

vinilos /40/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

LA MADUREZ BIEN ENTENDIDA DE WILCO KASABIAN

“Velociraptor!”

Sony

ROCK

Wilco Foto Austin Nelson

WILCO

“The Whole Love” Anti/Pias

ROCK

1111

Acomodados en una situación de privilegio y alejados de la americana inicial para desbrozar su rock de autor puramente genuino, el nuevo trabajo de Wilco está muy lejos de decepcionar. Es más, el disco se inicia con una maravillosa barbaridad que nos hace cobrar unas esperanzas que luego acaban por diluirse un poco. “Art Of Almost” cumple la misma cuota que cumplían canciones como “Spiders” o “Bull Black Nova”. Claro que lo malo de poner el listón tan alto desde el inicio es que luego hay que mantenerlo. Y eso que “I Might”, con un sonido a órgano far-

fisa que te recordará inevitablemente a The Doors mantiene el tipo, pero luego el tempo se relaja con canciones que buscan la emoción más bella como “Sunloathe”, pero sobre todo “Black Moon”, que es, desde su susurro inicial, uno de esos temas que merece pasar a ser considerada desde ya uno de los más importantes de su carrera. Sin embargo en “Born Alone” y sobre todo en “Dawned On Me”, la banda bordea el pop vitalista y juguetón, logrando en esta última un trabajo notable con silbido optimista de por medio. Nos hallamos por tanto ante un disco muy sólido, el mejor de los tres de esta última etapa de la banda y que, pese a no agrandar la leyenda, aporta una nueva muestra de calidad y señorío a la hora de construir canciones. Don Disturbios

BLOOD ORANGE

LAURA MARLING

ST. VINCENT

Pias

Virgin

4AD/Popstock!

“A Creature I Don’t Know”

“Coastal Grooves” POP

111

Éste ha sido sin duda el año del retorno del synth-pop ochentero. Lo ha habido de todos los colores, para todos los gustos: más plumífero, más sobrio, más discotequero, más íntimo… Blood Orange se encuadra en esa corriente de synth-pop elegante basado en medios tiempos y melodías infalibles cuyo mayor exponente hasta el momento ha sido George Lewis Jr, más conocido como Twin Shadow. No obstante, en el caso de Devonté Hynes (anteriormente conocido como miembro de Test Icicles y más tarde en solitario como Lightspeed Champion) y su debut “Coastal Grooves” nos hallamos ante un álbum variado en sonoridades e influencias, que abarcan desde la new-wave hasta el surf-pop sesentero (“Forget it”), guiñándole un ojo por el camino a Robert Smith con ese riff de “Can We Go Inside Now” que parece un “Lullaby” acelerado. Un disco trufado de grandes canciones que no descuida la visión de conjunto donde, si bien hay hits inmediatos como “Sutphin Boulevard”, varias escuchas más revelan a “The Complete Knock” o “I’m Sorry We Lied” como los ganadores morales de este disco nostálgico y disfrutable a partes iguales. Virginia Arroyo

FOLK

1111

Muy joven, dulce y con una cabellera dorada que atesora una voz madura. La tercera entrega discográfica de Laura Marling es algo más que la confirmación dentro del folk británico. “A Creature I Don’t Know” se cobija bajo las melodías calmadas y añejas que salen de la aterciopelada garganta de Marling. Cercano al recuerdo de Nick Drake, canciones como “Sophie” o “Salinas” beben directamente de la literatura de John Steinbeck y Robertson Davies asegurando así un rico contenido lírico en todas y cada una de las canciones. Sin embargo, y lejos de sonidos acústicos, “The Beast” es el contrapunto al colchón relajado de todo el cancionero que compone este álbum. Una historia en la que la propia Marling se reconoce como una especie de Dr. Jekyll y Mr. Hyde. La ternura dramática también tiene su espacio con la sobrecogedora "Rest In The Bed", narrando la historia de una madre hablándole a su hijo nonato. Y cómo no, el amor y la heroicidad al frente de "Don’t Ask Me". Con grandes experiencias a tenor de su edad, Laura Marling se afianza como un nuevo bastión dentro de las voces femeninas. Charly Hernández

“Strange Mercy” POP

1114

Annie Clark rompe en su tercer largo con la imagen de buena chica abocada a la melancolía que nos habíamos hecho de ella en sus dos anteriores discos. “Strange Mercy” es un trabajo turbio y lacerante, perturbador a ratos, surcado por ritmos electrónicos más propios de Laurie Anderson puntuados por arreglos de cuerda dramáticos. Siempre ha habido algo de vaciarse las entrañas en la música de Clark, pero envuelta en estos paños suena doblemente herida e hiriente, especialmente en canciones como “Surgeon”, donde las ganas de abrirse en canal traspasan la metáfora poética y para situarse al borde de la patología clínica. Será una tontería, pero su imagen aquí contrasta completamente con la Annie que formó parte de la colorida pandilla de Sufjan Stevens y The Polyphonic Spree. Y ese espíritu oscuro atraviesa incluso temas como “Cruel”, lo más cerca que ha estado nunca de una pista de baile.

De nuevo producido por John Congleton, con quien ya trabajó en su anterior “Actor” (4AD), el tercer álbum de St. Vincent ofrece una asoladora reescritura del blues, como actitud, no como estilo, y algunas de sus composiciones más brillantes. Joan Cabot

1111

La carrera discográfica de Kasabian nunca ha despertado excesivo entusiasmo más allá de su Reino Unido natal. Alzados allí como relevo de Oasis en el trono de mejor banda británica de rock, lo cierto es que sus tres primeros largos adolecían de un excesivo material de relleno. Algún single revelador como “Fire”, alguna gema como “Cutt Off” o “Empire”, siempre escondida entre medianías sin chispa. “Velociraptor!” es el disco que debería cambiar todo eso. Por fin el temario que contiene adquiere la forma que desde las Islas nos llevan prometiendo todos estos años. Su inicio es demoledor. “Let’s Roll Just Like We Used To” prende la mecha con una fusión de rock y psicodelia que siempre ha pretendido ser una de las marcas de identidad de la banda, pero que hasta ahora no habíamos visto tan bien resuelta. “Days Are Forgotten” es uno de sus mejores singles hasta el momento. “Goodbye Kiss” y “La Fee Verte” muestran un distinguido talento para la melodía, también hipotético hasta ahora en el histórico del grupo. A partir de ahí, siete cortes más que completan un compendio de lo que el rock nunca debió dejar de ser: aventurero, mutante. “Velociraptor!” recuerda en su ambición e inspiración tan bien resueltas al debut de The Stone Roses.

Robert Aniento

COL.LAPSE

”Mínima Esperança” Actua Records/B-Core

HARDCORE

111

Del cambio de denominación de Decline a Col.lapse y del inglés al catalán, lo que sí permanece inalterable en “Mínima Esperança”, el debut largo de Joan, Eric, Jaume y Sergi, es un amor infinito por el hardcore de vieja usanza, aquel de hace casi tres décadas pero de un alcance que, en períodos intermitentes, nunca parece acabar.

Efectivamente, las míticas enseñanzas -éticas y musicales- de Dag Nasty o Minor Threat están presentes cruzando muñecas en “Equivocat”, “Coses a dir” u “Opinions”, algunos de los momentos más intensos del vinilo, y bien podríamos decir que el sonido costa este americana impregna no sólo la totalidad del álbum, sino el concepto íntegro de Col.lapse, un grupo de hardcore con todas las letras. La velocidad, la rabia, la autoafirmación individual y la importancia de la comunidad pasan a primer plano en estos trece temas -incluyendo cinco de la antigua demo- que a su vez colocan a los catalanes en una posición muy a tener en cuenta para una parroquia que echa de menos unos tiempos que parecieron ser mejores, pero cuyo sentido contra todo relativismo (actual) está fuera de duda. Ignacio Pato

NU NILES

“Nu Niles” Buenritmo Records

ROCKABILLY

1114

Veteranos y con pedigrí, así son Nu Niles, el trío de Barcelona con nombre de brillantina que asestan otra puñalada de rockabilly con un sexto trabajo de estudio que anda huérfano de título. Producido por Boz Boorer (The

Polecats, Morrissey), este álbum homónimo ha pasado su inicial creación en tierras lusas, exactamente en Serra Vista Studios durante dos semanas del pasado mes de marzo, en una grabación que casi se trunca debido a un contratiempo sufrido por el batería del conjunto, Blas Picón. Pero como los gatos, Nu Niles caen de pie y así lo demuestran con este conjunto de ocho cortes que se abre con “Para qué esperar” y un riff muy próximo al surf-rock, prácticamente hermanada con “Nada será eterno”, sexta pieza que da sus últimas bocanadas a golpe de lento slide. Además de veteranos, son valientes, como demuestran en el grueso del álbum y en “Bajo tu colchón”, la canción que lo representa. Pero la añoranza es pieza clave del engranaje. “No te puedo ver” se arrastra mordiendo el polvo para acabar moribunda y sin respiro. Un golpe directo al estómago, vaya. Charly Hernández.

CEREBRAL

“Última etapa” Spyro Records

ROCK

111

Sevilla sigue viviendo una segunda movida musical por el paso al frente que están dando muchas bandas locales que llevan trabajando desde hace años y ahora empiezan a ocupar posiciones privilegiadas dentro del imaginario independiente nacional. De este reconocimiento tiene parte de culpa Spyro Records, ya que dentro de sus filas impulsa a referencias tan interesantes y energéticas como Cerebral. El trío, liderado por Jesús Chávez, músico curtido en mil batallas, recoge las expectativas con “Última etapa” donde las dejaron con su anterior “Matemática”. Suben sin vértigo y se colocan en un espacio superior, en un trono quizás vacío en este país. Un reino, el del rock alternativo con toques electrónicos, que ocupan con argumentos tan claros como “Empieza a amanecer” o “Esto es todo” (un ejercicio de puro hedonismo para disfrutar en la pista de baile) Música para todos los públicos junto a letras sencillas y directas para cargar o descargar las pilas según el momento.

Rojas Arquelladas

EXXASENS

“Eleven Miles” Aloud

POST-ROCK

1114

Pese a que muchos nunca habrán oído hablar de este joven músico barcelonés, su primer disco editado en Aloud no es un disco de debut. De hecho, nada más lejos de la realidad, pues en verdad estamos ante un caso bastante singular -al menos en este maldito rincón de mundo-, ya que a Jordi Ruiz -única cabeza pensante del proyecto-, aparte de asociarlo a una manera de funcionar totalmente autónoma mediante la cual todo se lo guisa él mismo, también hay que hacerlo por sus dos discos editados hasta la fecha en el sello belga Consouling Sounds, “Polaris” (2008) y “Beyond The Universe” (2009). Unas publicaciones –que, por cierto, gozaron de cierta repercusión internacional en ambientes especializados- cuyos desarrollos, a caballo entre cadencias vigorosas y atmosféricas, vuelven a recrearse en “Eleven Miles” despojados de ciertas aristas en pro de una elegancia siempre presente, dando como resultado temas cualitativamente imponentes y muy afianzados en los entornos avanzados del género gracias a su concepto híbrido entre post-rock y metal pseudoprogresivo. No hay duda posible: otro talento que deberían conocer. Francesc Feliu

MondoSonoro · Noviembre 2011 /41/

top10

vinilos

MANOS DE TOPO, EN SU MEJOR MOMENTO

internacional VV. AA.

“Music From Spider-Man. Turn Off The Dark” Interscope/Universal

BANDA SONORA

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

M83

“Hurry Up, We’re Dreaming!”

Naïve

GIRLS

“Father, Son, Holy Ghost” True Panther Sounds/Pias

WILCO

“The Whole Love” Anti/Pias

JUSTICE

“Audio. Video. Disco” Warner

MODESELEKTOR “Monkeytown”

Monkeytown Records

MASTODON “The Hunter” Warner

TOM WAITS “Bad As Me” Anti/Pias

NOEL GALLAGHER

“Noel Gallagher’s High Flying Birds” Sour Mash/Pias

S.C.U.M.

“Again Into Eyes” Mute

KASABIAN

“Velociraptor!”

Columbia

14

Debo reconocer que meses atrás tuve sueños recurrentes sobre asistir a un pase del musical de Broadway dedicado al hombre araña. Tanta ilusión me hacía que ni siquiera mi pánico a una muerte ridícula (eso es lo que supondría que a uno le caiga un actor en leotardos sobre la puta cabeza, como pasó en alguna de las primeras funciones) lo hubiese impedido en aquellos días. Pero tras escuchar la banda sonora firmada por mis adorados Bono y The Edge, con la ayuda de miembros del cásting de la obra, la verdad es que no siente uno precisamente una excitación sobrehumana. Y aunque el disco aturde y desconcierta más allá de un par de canciones que mantienen el tipo (“Rise Above 1” podría aparecer en alguno de los últimos álbumes de los irlandeses, pero poco más), uno intenta buscar una explicación a tamaña decepción. Una explicación posible sería pensar que los musicales no están hechos para mí, que su pomposidad escapa a mis límites como aficionado a la música. Otra podría ser que me preocupo más por las canciones que por el libreto del montaje, cuya agilidad sobre el escenario seguramente encajará como anillo al dedo con piezas como “Pull The Trigger”, aunque en disco suene ridícula y totalmente demodé. Pero en el fondo creo que la única explicación sólida es que un servidor haya sido siempre de Batman y no del hombre araña. Será eso, sin duda, porque tiene que existir algo, en algún lugar del universo conocido, que justifique un disco como éste. Joan S. Luna

top10 nacional

Manos de Topo Foto Las Coleccionistas

MANOS DE TOPO

“Escapar con el anticiclón... y volver con la boca roja” Sones

POP

1111

Manos de Topo llevaban un tiempo advirtiéndonos de que, en su tercer disco, habría cambios, algo lógico y necesario para un grupo como ellos, que odiaría ser como los demás.

Así pues, no hace falta ser un tipo muy observador para descubrir que la clave de “Escapar con el anticiclón...” está en lo mucho que supone como paso adelante para –sí, se lo repito- uno de los grupos más personales del panorama independiente estatal. El espíritu de aquellas miniaturas musicales ácidas que nos conquistaron en “Ortopedias bonitas” y “El primero era mejor” se mantiene aunque las formas hayan cambiado a mejor, a bastante mejor, algo que han conseguido con la lúcida ayuda de Ramón Rodrí-

guez (The New Raemon). Como en los cuidados coros que salpican todo el minutaje o en las eléctricas crispadas de “Animal de compañía”. Sí, han leído bien: eléctricas. Adiós Casio PT1, bienvenidas eléctricas y teclados (escuchen “Tus siete diferencias”, “No salgas del pastel” o “Mejor sin pijama” para más detalles). Se mantienen los xilofones y ganan incluso expresividad los violines de Sara Fontán como en “Tragedia en el servicio de señoras” o “Pinzas en los ojos”. Incluso se vislumbran ya cambios en su característico imaginario lírico. Aquel chico despechado que vivía en una continua pataleta misógina empieza a darse cuenta de que, pese a toda la rabia que uno acumule, no es posible vivir sin amor. Ahí están esas dos joyas que son “Haz tu magia” y “Maquillarse un antifaz” para dejar constancia de ello. Y no hay mejor manera de cerrar el disco que con “En sintonía”, una canción que nos trae a la cabeza a unos The Cure de parranda. Joan S. Luna

LADYTRON

“Gravity The Seducer” Nettwerk

ELECTRÓNICA

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

BERRI TXARRAK “Haria” (Avance) Kaiowas

BIGOTT

“The Orinal Soundtrack” Grabaciones en el Mar

MANOS DE TOPO

“Escapar con el anticiclón...”

Sones

CHINESE CHRISTMAS CARDS “Barcelona” Mushroom Pillow

CORIZONAS

“The News Today” Subterfuge

BRAVO FISHER!

“We Were Overnighters” 43Music

THE RIGHT ONS “Get Out” Lovemonk

RAEMON, NIXON Y VICENTE

“El problema de los tres cuerpos” Cydonia/Playas de Normandia

FURGUSON/ALIMENT “Split”

La Castanya

LITORAL

“Incidents melòdics del món irracional” Limbo Starr

111

Empieza a sonar “White Elephant”, primer tema del quinto trabajo de los británicos, y te das cuenta de cómo has echado de menos las sofisticadas melodías mezcladas con la gélida voz de la búlgara Mira Aroyo. Ladytron es una de esas bandas necesarias para aportar banda sonora a determinados momentos y estados de ánimo. Y en ello son imbatibles. A estas alturas ya no vamos a pedirles que den forma a un álbum redondo de principio a fin, algo que nunca han sido capaces de hacer. Tampoco esperaremos a que el gran público fije por fin la mirada en ellos.

Si no lo hicieron con “Playgirl”, “Seventeen” o “Destroy Everything You Touch”, no lo van a hacer ahora con “Ambulances”. Solo nos queda relajarnos y disfrutar del viaje que nos tenga preparado el cuarteto. Un viaje imperfecto, irregular en su trayecto, pero siempre capaz de dejarnos satisfechos. Ellos siguen evolucionando a su manera, cómodos en su estatus de grupo irremediablemente de culto. “Gravity The Seducer”, lejos del abigarramiento y experimentación de “Velocifero”, pero tampoco cerca del synth pop sin ambages de “Witching Hour”, lleva a la banda a un terreno más atmosférico y espacial, con menos presencia de la voz de Aroyo y más protagonismo de sintetizadores y teclados. “90 Degrees”, “White Gold” o la misma “White Elephant” se encargan de demostrar que los momentos de lucidez no dejan nunca de aparecer en las referencias de los de Liverpool. Robert Aniento

EFRIM MANUEL MENUCK

EH!

SONIO

Constellation

B-Core

Repetidor Disc

“High Gospel” WEIRD FOLK

1114

Completándose ahora con este primer álbum en solitario, la trayectoria de Efrim sigue su particular curso con uno de sus máximos idearios al frente: ser fiel a si mismo. Así, “High Gospel”, aunque resulte una obra enfocada desde una óptica mucho más intimista, también está planteada desde la total ausencia de ataduras, aunando cercanía con experimentación afable y, lo que es más importante, con calidad. Hay que rendirse a la evidencia. Pese a sus muchas visiones aquí reunidas –folk, electrónica, música de cámara, world music-, ejecutadas, incluso, con recursos nunca antes utilizados por el músico, y sus muchos tonos empleados –reservado, épico, misterioso-, el de Montreal sabe compatibilizar heterodoxia con creatividad bajo un mismo y único manto. Ese mismo capaz de cubrirnos con una pátina melancólica, incapaz de abandonarnos hasta el final de los cortes, con la pérdida como uno de sus temas principales -ese homenaje a su amigo: “Kaddish For Chesnutt”- y un alto grado de espiritualidad. Quizá un punto de inflexión en su madurez como músico, pero ante todo una obra atrayente. Francesc Feliu

“La fase del sueño intratable” POST-ROCK

1111

Su segunda entrega bajo el alias EH! supone para Elías Egido (Standstill, E-150) volver a incidir en esa tesitura tan particular que transita en los alrededores del post-rock, el jazz o la banda sonora imaginaria. Un afortunado álbum que profundiza y amplia los conceptos de su debut, “36 de 48” (09), con una pátina extra de madurez y convicción forjadas con la experiencia de las labores de investigación ejercitadas por el bajista, así como con el dominio de esos terrenos, harto singulares, que el de Badalona dibuja al lado de un excelente séquito de colaboraciones para su lucimiento. Es por eso que, pese a la notable variedad establecida, este compendio de registros elaborados sin cortapisas estilísticos no sólo representan un crisol altamente creativo adornado de múltiples referencias –de Tortoise a Zorn, de Tzadik a Constellation, de Chicago a Montreal-, sino que revelan la seguridad de un músico con las ideas muy claras cuya frescura y dinamismo, así como su solvencia y elegancia, visto lo visto en el actual panorama estatal, deberían ser merecedoras de una mejor suerte.

Francesc Feliu

“De no estar” POP

1114

Con el último single de Alado Sincera todavía reciente, el líder del grupo Daniel Ardura presenta nuevo proyecto junto al pianista y compositor Carles Viamès y Josep Martí al bajo. El trabajo de Viamès ofrece a Ardura un terreno completamente nuevo en el que dar rienda suelta a su predilección por las canciones oblicuas: de entrada, en ellas siempre parece haber algo que no encaja, un elemento fuera de sitio, y como en una fotografía borrosa debes forzar la vista hasta que las piezas empiezan a encajar. Entonces te asalta la correosa belleza de unas composiciones ambiciosas y sutiles que huelen a tardes húmedas, a ventanas con los fríos cristales surcados por gotas de lluvia y a melancolías de otoño. Quizás sea exagerado hablar de inspiración en la clásica contemporánea, pero desde luego hay momentos en que da la impresión de que el primer álbum de Sonio pertenece más a ese mundo que al de la música popular, sin que por ello desluzca el aliento pop de piezas como “Sobre un plato”, “De no estar” o “Ella está en un punto”, tres de los momentos más asequibles de un disco exigente. Joan Cabot

vinilos /42/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

EL POP ELECTRÓNICO DE CHINESE CHRISTMAS CARDS FEIST

“Metals” Universal

POP

Chinesse Christmas Cards Foto Virigli Jubero

CHINESE CHRISTMAS CARDS “Barcelona”

Mushroom Pillow

POP

1111

Han pasado prácticamente tres años desde que me encontré con una maqueta capaz de cautivar tanto por su candidez como por sus preciosas canciones. Desde aquella lejana tarde hasta el día de hoy han pasado muchas cosas (el dúo participando en nuestras demoscópicas, ganando concursos, colando uno de sus hits en una campaña publicitaria televisiva o incluso fichando por un sello reputado como Mushroom Pillow...), marcando un lapso de tiempo demasiado largo para una banda joven. Tanto tiempo que,

SEBASTIAN

THE NEW YORK SKA-JAZZ ENSEMBLE

“Total”

“Double Edge”

Ed Banger/Warner

ELECTRÓNICA

una vez escuchado “Barcelona”, apenas seis temas en formato mini-álbum, uno debería sentirse decepcionado al encontrarse un puñado de canciones que hace mucho que forman parte de su vida. Pero, y aquí está la excelente noticia, para suerte de todos no es así. Quizás Mario Gutiérrez y Joan Sala no hayan aprovechado esta larga temporada para componer, pero pueden estar ustedes seguros que tampoco la han desperdiciado en lo más mínimo. Juntos han ido puliendo sus canciones y su sonido, alcanzando la pureza de intenciones que su pop electrónico requiere, han redondeado la estructura de sus canciones hasta hacernos sentir la sensación de que todo funciona a la perfección. Joan S. Luna

1111

Se ha hecho de rogar, pero SebastiAn por fin puede ser reconocido más allá de su currículum como remezclador. En “Total” el francés se enfrenta a todo: house de radiofórmula (“Embody”), punk electrizado (“C.T.F.O.” con la contribución de la M.I.A. más sucia), funk chutado de hormonas (gracias a Mayer Hawthrone en “Love In Motion”), subidones infinitos que le deben todo al “Homework” de Daft Punk (“Kindercut”) y, en definitiva, a todo aquello que la electrónica afrancesada tan bien ha sabido hacer desde que dos robots asaltaron por sorpresa las cabinas en 1997. Cierto es que el nuevo protegido de Busy P no nos descubre nada nuevo teniendo en cuenta que Justice y Boys Noize andan entre nosotros para incendiar los templos del hedonismo ilustrado. Pero cuando la cabeza se atonta y las suelas de las zapatillas se desgastan ante una producción tan apabullante y visceral, la única alternativa es dejarse llevar y acabar propulsando un pogo al son de “Doggg”. Porque otra cosa no, pero de sonidos duros nuestro protagonista entiende un buen rato sin necesidad de dejarse crecer la melena. Sergio del Amo

”La ofrenda” Kasba Music

Brixton Records

SKA JAZZ

CHAMITO

1114

Se hace muy difícil a estas alturas hablar de la NYSJE. Tras quince años en activo, tras multitud de giras y visitas a nuestro país, tras infinidad de miembros, Rocksteady Reiter ha vuelto a juntar al colectivo en un estudio como excusa imprescindible para embarcarse en otra de sus giras mundiales. Referentes del género que mezcla las bases del ska instrumental clásico para abarcar ritmos y armonías del modern jazz, Reiter presenta el trabajo en estudio número once de la formación. Sin que podamos destacar ninguna novedad, sí podemos apuntar que vuelve a dar en el clavo con su exitosa fórmula. Ska y jazz sin más, pero con la alta calidad de siempre.

Esta vez cuentan con las colaboraciones de la cantante JC Lodge en “Weak In Love”, del guitarrista Andy Bassford (Toots & The Maytals), del vocalista Kim Miller (Israel Vibration) y del trompeta Kevin Batchelor (The Skatalites), aunque debemos destacar sobre todo la incorporación a la banda de Alberto Tarín, pieza clave en la música jamaicana del estado. Un buen disco de una banda más que consolidada. Ivan Ferrer

MESTIZAJE

111

Chamito es un músico venezolano establecido en España desde hace una década.

Tras un primer disco y varios conciertos peninsulares, decide emprender un viaje de vuelta al continente americano que le lleva a su Venezuela natal, México y Cuba.

Una estancia que parece ser la madre de las canciones que conforman “La ofrenda”, un disco a guardar al lado de los de Manu Chao o Amparo Sánchez. La cumbia o el reggae son matizados por el sonido acústico y relajado que otorga a las canciones de Chamito una palpable sensación de celebración de lo diario, una intención de ponerle música a actos cotidianos en lugares en los que, como bien dice él mismo, no existe la necesidad de consumo tal y como la entendemos aquí. A Chamito y sus canciones podrá acusárselas de excesiva sencillez y de no aportar nada a quien busque novedades con coartadas de bulimia musical, pero igual de cierto es que “Madre”, “Claridad”, “Juega” o el resto de ellas hablan de sentimientos y situaciones más humanas de lo que suelen hacerlo muchas otras creaciones musicales.

Ignacio Pato L.

1114

El cambio experimentado por Feist para su nuevo disco ya se intuía tiempo atrás. En el DVD “Look What At The Light Did Now”, que vio la luz hace unos meses, nos dio algunas pistas de cómo podría ser la continuación al exitoso “The Reminder”. Quien espere singles de pop perfectos y radiables a todas horas o el desenfadado sonido que envolvía a aquel mágico álbum, que se olvide. Lo que aquí domina es la proliferación de ambientes casi hippies y un colchón de psicodelia en el que alimentar sueños y fobias. El guión trazado para este disco es sorprendente, con unas coordenadas parecidas a las utilizadas por Ennio Morricone o Angelo Baladamenti para sus bandas sonoras. Reinvención, experimentación, huir de lo fácil, crear canciones que sólo se pueden entender dentro del contexto general de una obra que se debe escuchar del tirón, concentrado al máximo y con las pulsaciones a muy bajas revoluciones, prestando atención a los pequeños detalles, y dejándose ir mientras los temas van y vienen como las olas en el mar. Una revolución personal, arriesgada, desconcertante, que ni ella misma sabe hasta dónde le va a llevar. El único miedo es que, quienes se enamoraron de ella gracias a “The Reminder”, ya no le den una nueva oportunidad.

Toni Castarnado

LOS GUAJES

“La vida es como un carrusel” Fonográfica Peñarrubia

GARAGE

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Imaginaros que estamos jugando al “Quién es quién” y os digo que vienen de Gijón, que han grabado su tercer disco en los estudios Circo Perrotti, y que son igual de buenos que Doctor Explosion y Wau y los Arrrghs!!!

Pues si habéis dicho Los Guajes, partida ganada. Los asturianos confirman su condición de primeras espadas del garage patrio con “La vida es como un carrusel” su larga duración más inspirado y lleno de rompepistas. Con un cantante que es algo así como una especie de versión macarra de Mike Kennedy tras haberse fumado veinticinco paquetes de tabaco seguidos, Los Guajes recuperan el garage de los sesenta de forma festiva y personal. Su toque especial consiste en dotar a sus melodías flequilleras del desparpajo y fuelle chicle pop de finales de los setenta de bandas como los Real Kids y The Last. Las guitarras vacilonas de los de Gijón son dignas de la era de Bomp! Records. Ahora bien, los tributos al sonido Nuggets también están presentes en el disco. El ejemplo más claro es “Loco”, un remedo muy groovy y nada disimulado de “Incense And Pippermints” de Strawberry Alarm Clock. Xavi Sánchez Pons

HOUSSE DE RACKET “Alesia”

Kitsuné/Music As Usual

POP

111

Si el segundo disco de Housse De Racket hubiese acabado con la quinta canción estaríamos hablando de un pleno de primera categoría, porque hasta entonces el synth-pop

del dúo parisino se mantiene en todo lo alto, con hits tan claros como “Human Nature” o “Roman”, en donde se nota el poso de su trabajo para Air y Phoenix, pero sobre todo el recuerdo a la new wave de compatriotas como Taxi Girl. La tradición gala, siguiendo la recomendación de Philippe Zdar (Cassius), productor a la par que consejero, aparece también en la utilización de inglés y francés de forma indistinta, e incluso en el recurso temático a clásicos del patrimonio (“Château”) e iconos tecnológicos del país vecino (“TGV”, “Ariane”). Pierre Leroux y Victor Le Masne se mueven por caminos conocidos, pero cuando se atreven a dar una vuelta de tuerca a su sonido, el hallazgo vale la pena, como ocurre con las percusiones africanistas de “Apocalypso” y su estribillo convertido en letanía (“The End Is Coming”). Peor suerte corren en la épica ampulosa de “Alesia” o la muy ochentera (y anodina) “Aquarium”, dentro de una segunda mitad del álbum que pierde sin remedio la soltura del inicio. Enrique Peñas

KAYO MALAYO “Katalonska” Kasba Music

MESTIZAJE

111

Segundo álbum de estudio de los de Terrassa (que también cuenta con dos maquetas), una banda directa, clara y sin posibilidad de sutilezas. Cuentan lo que piensan y tocan lo que quieren. Situados en la parte más skatalítica del universo mestizo, no tienen ningún reparo en mezclar guitarra sincopada, con distorsión, con vientos potentes como disparos. Música rápida, de fiesta y “lucha” sin ambigüedad. Canciones que hablan de patriotismo (catalán), del sistema y de sus miserias, de la calle, de la publicidad, de la mala suerte, de las empresas y de una abuela que se lo pule todo. Y todo ello a base de unas letras adornadas con cierto sentido irónico, pero asentadas en la claridad más absoluta.

Música que llama a cierta concienciación como lucha contra la comodidad. Hacer pensar, sin necesidad de interpretaciones y sin necesidad de ponerse serio. De este breve trabajo (solamente nueve cortes), destacan “Welcome To Catalonia”, “Estem en perill”, “Estafadors” o un excelente final que el Sr. Albiol no acabaría de entender: “Katalonska Truba”. Un disco no apto para puristas, pero recomendable para quienes disfrutan con el mestizaje y las sonoridades ska más festivas. Ivan Ferrer

NURSES

“Dracula” Dead Oceans/Popstock!

POP

1114

Tal como hizo “Apple’s Acre” tras aquel fantástico debut “Hangin’ Nothin’ But Our Hands Down”, “Dracula” vuelve a representar un nuevo giro en el sonido de Nurses.

Ese monstruo de tres cabezas ,que nunca ha recibido el reconocimiento que debería, vuelve a la palestra con un disco colorido, fresco y casi carnavalesco a su peculiar y psicodélica manera. Como si de unos Yeasayer celebrando una despedida de soltero en la playa se tratara, como un ácido cóctel de los sonidos de las últimas cinco décadas servido en una copa con borde de azúcar y rodaja de naranja, “Dracula” es un disco salvaje y festivo, lleno de momentos de gozo sónico y jolgorio irrefrenable. No obstante, también hay sitio para la reflexión y el cuidado por el detalle en este tercer trabajo de los de Portland: las atmósferas y la instrumentación siguen siendo exquisitos y los desarrollos de los temas convierten cada canción en una pequeña sorpresa que te puede alegrar el día. Virginia Arroyo

MondoSonoro · Noviembre 2011 /43/

OBESES

“Obesisme Il·lustrat” Música Global

ROCK

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En una escena con exceso de peso en propuestas folk y pop como la catalana, una banda de Tona (Osona) se ha propuesto aplicar una dieta severa a base de rock, country o música contemporánea, sumado a ironía, humor y picaresca… para firmar uno de los debuts más variopintos del panorama.

Para ello se han permitido escribir “La millor cançó d’amor mai concebuda”, una “opera buffa” gatuna, enseñarnos como preparar un buen “Pa amb tomàquet”-algún capricho nos podemos permitir-, sin dejar de preguntarse “Per què hi ha Obeses?”. La peculiar combinación tiene lugar en “Obesisme Il·lustrat” y, en consecuencia, en la cabeza de quien maquina el proyecto: Arnau Tordera. Frontman licenciado en filosofía, articulista y, claro está, dietista musical. Una especie de Freddy Mercury coetáneo, eso sí, más catalán que los calçots. Pero no está sólo, y es que erradicar la obesidad en la industria musical es ardua tarea (su gabinete médico lo forman Arnau Burdó, Jaume Coll y Maiol Montané). Yeray S. Iborra

VV. AA.

“Barcelona Progressiva” Picap

ROCK

1111

Me atrevo a afirmar que este doble álbum es uno de los lanzamientos del año, no sólo para los amantes del género (cada vez más numerosos, por cierto) o para aquellos que estén deseando iniciarse en la psicodelia y el prog-rock, sino para cualquier aficionado a la música de calidad.

Tomando como base el mundialmente glorioso margen temporal 1969-1972 y Cataluña y la antigua sala Zeleste (no la que hoy conocemos como Razzmatazz, sino la original) como escenarios, la gente de Picap, auténticos expertos en la materia, consiguen reunir aquí veintiún cortes que van de nombres clave como Máquina! o Agua de Regaliz, hasta rarezas como una jovencísima María del Mar Bonet cantando con Om, un tema inédito de los geniales Crac, Lucky Guri & Peter Roar atreviéndose con “Strawberry Fields Forever” o Max Sunyer versionando “Carol” de Chuck Berry, por citar algunos entre tanta joya. Un recorrido perfectamente trazado por el mapa de explosión creativa de vanguardia que dibujó la ciudad condal a finales de aquellos maravillosos sesenta, una fantástica labor de recopilación y organización musical con una materia prima inigualable.

Daniel Arnal

THE GOOD COMPANY “Dearland”

McKenzie Muzik

POP

1114

Los tiempos y los cambios culturales piden urgencia e inmediatez. The Good Company, hasta hace poco dúo nacido entre Barcelona y Las Palmas de Gran Canaria, aunque radicado en Madrid, se tira al monte de las complicaciones sin romper con el pop. Su segundo disco es de creación catártica. Sergio Pueyo y Víctor Ordoñez cuentan cosas

curiosas, y es fácil imaginárselos en un piso de la capital del reino totalmente destartalado dando toques a un disco en plena fiebre creativa, en calzoncillos y alimentados con cafeína. Y así sale “Dearland”, un disco con una atención desmedida al detalle, que plantea canciones que pueden salir por cualquier parte, que acaban cuando crees que empiezan, que no tienen estribillos pero se hacen fáciles de tararear. A pesar de todo, no son unos bichos raros estos The Good Company, al menos en el plano internacional. Su propuesta conecta fácil con la épica bien manejada de Arcade Fire y toda esa colección de bandas que ya no se corta a la hora de destilar intensidad emocional al borde del desmadrarse. “Dearland” es un disco para escuchar sentado, y también para que te ambiente los paseos por la ciudad. Un disco de un grupo que va a su bola y que lo apuesta todo a emoción, impar y negro. Job Ledesma

vinilos

THE RIGHT ONS, ALMA DE ROCK

BLITZEN TRAPPER

“American Goldwing” Sub Pop/Popstock!

ROCK

1114

Blitzen Trapper tocaron el cielo con su tercer álbum, “Wild Mountain Nation”.

Después, ficharon por Sub Pop y alcanzaron los parámetros de las bandas sucias de carretera: publicando con regularidad y saliendo del estudio para actuar en toda clase de garitos, mayoritariamente de la Costa Oeste americana, durante largas giras de promoción. ¿Qué más puede pedir un músico de rock? Hay algo bueno en la banda de Portland: con cada disco, dan un giro a su música. Lo malo es que ese giro siempre se produce sobre el mismo eje, y así van socavando una trayectoria, la suya, que a principios de 2003 prometía lo mismo que sigue prometiendo hoy en día, seis discos después. Es cierto que Eric y compañía se encuentran cómodos en su reducido espectro musical. Pican del rock sureño a lo Lynyrd Skynyrd, pican del country alternativo a lo Neil Young, de T-Rex, y ahora se aproximan a Wilco en “Taking It Easy Too Long”, incluso hay un claro cierre vocal con “Stranger In A Strange Land” que invita a seguir con “To Ramona” (Dylan). Es decir, viven en ese universo del rock de los años setenta que tan y tanta buena música nos ha dado. Luis Argeo

The Right Ons Foto David G. Llarena

THE RIGHT ONS “Get Out” Lovemonk

ROCK

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Es solo rock and roll, pero nos gusta, cantaban The Rolling Stones, y condensaban en una sola frase el orgullo de sentirse un acólito del rock, con todo lo que eso lleva consigo. Pues bien, déjenme afirmar que varias décadas más tarde de que Chuck Berry inventara el paso de la oca, unos alumnos aventajados en el arte de reunir en un disco canciones con la suficiente fuerza adictiva para despertar esa fiera rockera que duerme en nuestro interior, han vuelto. Y lo han hecho con un disco cargado de mala leche e infecciosas guitarras, que igual te

UNKLE

SUPERHEAVY

“Where Did The Night Fall/Another Night Out”

“Superheavy” Universal

APPARAT

ROCK

“The Devil's Walk” Mute/Pias

ELECTRÓNICA

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A lo largo de su carrera Apparat ha ido separándose progresivamente de la música de baile, relegándola a su faceta de Dj y directo o incluso a proyectos paralelos como Moderat. “The Devil’s Walk” supone hasta hoy el culmen de esa evolución hacia estructuras más cercanas al pop, y no es de extrañar que llegue precisamente cuando el alemán publica su primer disco con Mute. “The Devil’s Walk” es también el título de un poema de Shelley, detalle que encierra algunas claves de este nuevo disco en el que la palabra (la voz) es protagonista y Sascha Ring busca elevarnos hasta alcanzar altísimas cotas de lirismo y emoción. No se lo está poniendo fácil a sí mismo. Entre falsetes, arreglos orquestales, texturas ambientales y una buena ración de glitch & cuts de fondo, se introduce en un terreno en que la distancia entre lo sublime y el ridículo es cortísima, y donde las comparaciones con pesos pesados del calibre Radiohead o Sigur Rós son inevitables.

Luis J. Menéndez

pueden retrotraer a The Cult (“On The Radio” tiene un riff que ni Billy Duffy), como a Steppenwolf (“Purple Neon Lights”) pasando por T-Rex (“Get Back”), pero también Vanilla Fudge, Blue Oyster Cult, Grand Funk Railroad y tantas otras bandas de rock que nos han hecho pasar tardes intensas agitando las greñas. Rock poderoso que se resiste a pasar de moda, porque para eso están los jóvenes cachorros infectados por un virus que una vez te inocula, no te suelta de por vida. The Right Ons me han hecho feliz, me han hecho recuperar las ganas de volver a mi vieja discografía y de pinchar una y otra vez su adictivo trabajo plagado de canciones que te atrapan por los intestinos. Lo dicho es solo rock’n’roll, pero hay que ver lo que me gusta. Don Disturbios

Surrender All/Popstock!

114

La unión de personalidades tan distanciadas en el universo musical podría dar lugar a un buen número de chascarrillos. En realidad, ya ha dado lugar a ellos, aunque sería injusto valorar la unión de sensibilidades tan distantes teniendo solamente en cuenta sus méritos históricos. Esto es un divertimento, un escape de compromisos, una huída de presiones y una apertura de puertas a la improvisación y la creatividad. Sí, claro, sumar el raggamuffin de Damian Marley con el R&B de Joss Stone, añadirle la voz de Mick Jagger, los paisajes sonoros del bollywoodiense A.R. Rahman y las guitarras y labores en la producción del ex-Eurythmics Dave Stewart, da origen a un inevitable pastiche sonoro. Pero una vez analizado el resultado, se queda uno con la sensación que podría haber sido peor.

En “Unbelievable” o “Never Gonna Change” la banda recuerda al primer Jagger en solitario, el de “She’s The Boss” o “Primitive Cool”. El sello hindú de Rahman adquiere vitalidad cuando pasa por el filtro occidental del resto de miembros en “Satyameva Javathe”, y hasta consiguen un par de temas radiables con “Superheavy” y “Miracle Worker”. Robert Aniento

ROCK

111

Nadie podrá acusar a James Lavelle de falta de ambición. Desde el año cero de Unkle la intención siempre ha sido trascender los métodos habituales, rebasar los límites estrictos de la electrónica, el hip hop y el rock. En ese contexto, este doble supone un avance lógico: Lavelle y su socio Pablo Clements se sumergen en la psicodelia tenebrosa de la mano de Nick Cave, Mark Lanegan, The Black Angels y Katrina Ford, entre otros colaboradores, y con el “The Contino Sessions” de Death In Vegas consciente o inconscientemente como objetivo a batir. Y Lavelle nunca hace las cosas a medias. Como ya sucedía con “War Stories” (Surrender All, 07), el resultado desborda cualquier noción de mesura, carece de contención alguna. Todo aquí es grandilocuente: las canciones, la atmósfera, el metraje individual y global… Incluso demasiado. Lo que no significa que este sea un mal disco, en absoluto. El conjunto funciona cohesivamente, en parte por el trabajo de banda en estudio, pero también por la naturaleza sugestiva de los temas, situándolos en algún punto entre Radiohead, David Holmes y Primal Scream. Joan Cabot

JEFFREY LEWIS

“A Turn In The Dream-Songs” Rough Trade/Popstock!

POP

1111

Una de las palabras más habituales a la hora de describir a Jeffrey Lewis, el personaje, en los medios americanos es “selfdeprecating”, como si saber reírse de uno mismo fuera un defecto. En realidad, ese auto-desprecio es una treta: haciendo un rato el bufón, Lewis consigue que bajemos la guardia y nos planta algo tan serio y tan lleno de sentido como “Time Trades” y nos lo tragamos con la media sonrisa todavía en los labios. Un truco viejo que el cantante y dibujante de comics neoyorquino domina como pocos. La mayoría de sus canciones esconden un genuino amor por la vida y una fascinación apasionada por las pequeñas cosas del día a día. Ridiculizarse a sí mismo le mantendrá alejado de los libros de historia, pero más cerca de nuestros corazones.

Escuchen “Try It Again” e intenten seguir tristes. O prueben a no sonreír con “Cult Boyfriend”. “A Turn In The Dream-Songs” no es un disco sobre grandes asuntos, sino una obra honesta y humilde sobre lo que más o menos cualquiera de nosotros sabe o sospecha. Pero es necesario llamarse Jeffrey Lewis para cantarlo en tres minutos y medio. Joan Cabot

vinilos /44/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

BIGOTT, UN CANTAUTOR DE CALIBRE STEREO MC’S

“Emperor’s Nightingale” !K7/Popstock!

POP

Bigott Foto Archivo

BIGOTT

“The Orinal Soundtrack” Grabaciones en el Mar

POP

11114

Hay talentos que resultan insultantes para el resto de los mortales, y no solo por los magníficos resultados obtenidos, sino también por la extrema sencillez con que parecen haberse desarrollado. Y sí, es verdad, llevamos unos cuantos años poniéndonos muy pesados con la sólida obra de este maño, pero parece que tanto clamar en el desierto empieza a servir para algo. Bigott atesoran una discografía envidiable que logra redondearse del todo con este “The Orinal Soundtrack”. Un quinto disco que sigue la senda trazada en el anterior, pero ampliando incluso la pa-

leta de la variedad y el descaro. Apelativo este último indisociable al personaje creador que, con su mente pentapolar, es capaz de trazar melodías de esas que se quedan instaladas con facilidad en la mente del oyente, apuntaladas por un inglés tan macarrónico como simpático. Canciones inapelables que se sirven de texturas de lo más variadas como: el tecno-pop (“Cannibal Dinner”) el folk más poppie (“God Is Gay”) el ritmo sincopado de la conga (“Turkey Moon”), la épica pop (Endlessly), el lenguaje más cinemático y baladístico (“Bar Bacharach”), dando pie a un disco que pasa como un suspiro y al que quieres regresar en cuanto finaliza. Mención aparte merecen el sentido del humor de las letras y la descarada afición a los juegos de palabras en busca de la provocación o la sonrisa.

Don Disturbios

LA IAIA

LE BUTCHERETTES

SLOW CLUB

Música Global

Rodriguez Lopez Productions

Moshi Moshi/Music As Usual

“Les ratlles del banyador” POP-FOLK

1111

En una primera escucha te sorprenderán; en una segunda, asumirás que La Iaia ha optado por el camino más arriesgado y curvo: “Les ratlles del banyador” (producido por Paco Loco) es un disco rupturista, un debut que poco o nada conserva de la maqueta que lo precedía (“El meu vaixell”, 10). Un largo que pierde en inmediatez para ganar en detalle, profundidad y valentía. El trío de mosqueteros de Vic, flamantes ganadores del concurso Sona9, nos han obsequiado con un disco que de inocente sólo tiene el título y que rebosa personalidad y ambición artística. Atrás queda el monopolio del costumbrismo en sus letras (“Ella cus”, deliciosa), sacrificado por una escritura más directa, menos descriptiva -centrada en las relaciones y la comunicación-. “Declaració de principis”, “L’explosió” o la revisionada “Jo vull ser la meva iaia”, ya no transitan el espacio común -sin alejarse de la canción de autor-. Se antoja a Herman Dune, sabe a algo más allá de un pop-folk anglosajón y la incursión en un campo más libre (piano, bajo eléctrico, coros o xilófono, transversal) les hace bien: la “iaia” sigue haciéndose mayor, y qué bien le sienta. Yeray S. Iborra

“Sin Sin Sin” ROCK

“Paradise” 111

Precedida por unas bizarras performances en las que tanto dejaba chorrear cataratas de sangre ficticia como utilizaba cabezas de cerdo (lo cual no hay por dónde cogerlo, sabiendo que es vegetariana), la mexicana Teri Gender Bender ha llegado para convertirse en las nuevas Courtney Love o Karen O de la temporada. O lo que es lo mismo, una fémina por la que babear ante su imponente y deslenguada figura. Tras el amateurismo del Ep que lanzó hace tres años, “Kiss & Kill”, y después de varias fugas de algunos de sus miembros, Le Butcherettes aprueban con un primer largo de lo más entretenido en el que dejan espacio a una concepción del todo cabaretera de lo que el garage y el punk es en nuestros días (oyendo “Mr. Tolstoi” se percatarán de ello). Producido por Omar Rodríguez (The Mars Volta y At The Drive-In), quien también contribuye encargándose del bajo en estas canciones, a “Sin Sin Sin” se le va de las manos la coartada intelectual (el pepinazo “Henry Don’t Got Love” va falsamente destinado a Henry Miller), pero eso no quita que de principio a fin sea un debut de lo más disfrutable. Sergio del Amo

POP

1114

Algunas canciones simplemente te atrapan.

Las hay que siguen allí incluso cuando han dejado de sonar, como si su hechizo se extendiera más allá de sus notas. En el segundo disco de Slow Club hay unas cuantas de esas canciones, lo último que esperarías encontrar en el nuevo disco de un dúo de Sheffield que en su momento fue erróneamente anunciado como los nuevos The White Stripes. La única justificación para tal locura era que el grupo lo forman un chico guitarrista (Charles Watson) y una chica batería (Rebecca Taylor), pero hasta ahí las coincidencias. Slow Club son en realidad un grupo de pop con trazos de folk y twee y un sobreabundante instinto para las melodías cautivadoras. Empezando por “Two Cousins”, en la que encuentran un nuevo giro vocal tras otro, manteniendo tu corazón en vilo, con una delicadeza y fluidez arrebatadoras. En cambio “Never Look Back” recuerda al “Don’t Let Me Down” de The Beatles pero rebañado en la nocturnidad de The Clientelle, y “Beginners” es FM ochentera esculpida en madera. Lo único que evita que pierdas definitivamente la cabeza son esos excesos percusivos, en algunos pasajes, que suenan a Givers y demás. Joan Cabot

114

Aviso para puristas y/o nostálgicos: Stereo Mc’s no suenan a Stereo Mc’s en “Emperor’s Nightingale”. El nuevo trabajo de los londinenses supone un radical lavado de cara a su discografía previa y a sus sonidos clásicos. Lo hacen, se supone, con el fin de explorar nuevas posibilidades sonoras y para demostrar a otros públicos que también se dirigen a ellos. Sin embargo, no por parecer un sonido novedoso en su caso deja de ser una propuesta más que trillada en términos generales. Es decir, a finales de 2011 se salen por peteneras y dan de lado a su bagaje dance, club y trip-hop para hacer un disco de pop electrónico con unos aires a new-wave que tiran para atrás (sirvan aquí los temas “Manner” o “Tales” como ejemplo). Pese a lo repetitivo de su oferta, de entre los doce cortes que pueblan “Emperor’s Nightingale” hay varios momentos más que salvables e incluso cabría decir que brillantes. “Levitation”, “Far Out Feeling” y “Boy (feat. Jaime Cullum)” son la punta de lanza de unos renovados Stereo Mc’s, antes considerados como una suerte de tótem del hip-hop británico. Jesús Merino López

VV. AA.

“Leonard Cohen. En boca de...”

Discmedi

TRIBUTO

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Como parte de la recuperación y exaltación del legado del poeta canadiense, Discmedi recopila dieciséis de las mejores versiones que se han hecho de su extenso portfolio y lo edita como un nuevo tributo. A la espera de lo que será su nuevo álbum de estudio, el primero en siete años, nos conformaremos con saborear alguna de las perlas compositivas del maestro. A diferencia de los tributos más conocidos, el mediático “Tower Of Song” o el más rebuscado “I’m Your Fan”, “En boca de” no presenta temas elaborados para la ocasión, sino que la mayoría son cortes editados con antelación. La edición prioriza la coherencia en el sonido y se focaliza en dar un ambiente sensitivo a la obra, dando cobertura a relecturas acústicas y atmosféricas, desde la inicial e inédita “Fire” de Lewis Furey al “Avalanche” pasado por la voz de un juvenil Nick Cave o la ineludible “Hallelujah”, aquí en boca de K.D. Lang. El disco no llega a la altura de la excelsa banda sonora de “I’m Your Man”, que contaba con algunos de los covers imprescindibles del trovador de la mano de Rufus Wainwright, Antony & The Johnsons o el mismo Nick Cave –con “I’m Your Man”-, pero sale airoso como ejercicio de estilo y honesto homenaje a la leyenda que representa Cohen. Robert Aniento

SIMPLE PLAN

“Get Your Heart On” Atlantic

POP

114

Lo primero que debemos agradecer al quinteto canadiense es no haberse dejado llevar por las ínfulas de madurez que suelen aquejar a las bandas de su género una vez sus componentes van acercándose a los treinta.

Una trampa mortal que suele ser equivalente

a debilitación de ideas y antesala de separaciones u ostracismos al terreno de la ignominia. No es el caso de los de Pierre Bouvier.

En su cuarta larga duración reinciden en su punk azucarado para todos los públicos –especialmente los púberes- con sus corillos recurrentes, sus frecuentes guiños al pop de radiofórmula y la ortodoxa producción de Brian Howes (Puddle Of Mudd, Boys Like Girls). Recurren en esta ocasión a la ayuda de voces invitadas: Rivers Cuomo de Weezer, Alex Gaskarth de All Time Low, o Natasha Bendingfield, que oficia de acompañante en el primer single “Jet Lag”. Más allá de eso, nada nuevo en sus composiciones que no encontráramos en su disco homónimo de hace tres años, cuando escogieron un camino más dulzón. Letras de género que dan forma a títulos tan, ejem, sugerentes como “You Suck At Love”, “Loser Of The Year” o “Can’t Keep My Hands Off You”. Robert Aniento

SAM BROOKES “Sam Brookes” Helium

FOLK-ROCK

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En este inmenso caos en el que se ha convertido, para cualquier buen aficionado, seguir la música de autor actual, es muy, pero que muy difícil, asomar la cabeza y aproximarse siquiera un poquito a titanes de lo popular como Ben Harper o Jack Johnson o incluso a artistas con mucho menos tirón, pero más prestigiosos como Ray LaMontagne o Scott Matthew. Es una liga muy complicada en la que no basta con hacer las cosas bien.

Y eso es lo que sucede con este disco de debut de esta joven promesa inglesa. Sam Brookes sabe jugar bien sus cartas con unas canciones basadas en el hábil pellizcar de las cuerdas de su acústica y una voz melosa y dulce que no provoca rechazos, pero tampoco adhesiones pues suena correcta y neutra, sin tener un timbre característico que pueda generar cierta distinción en sus canciones.

Unos temas que, por otro lado, se mueven muy próximos a los postulados de artistas mil veces nombrados como Tim Buckley o James Taylor. Tan solo hacia el final del álbum y con canciones como la intensa “Platform 16” o el élfico crescendo de “Glass House”, que te recordará a Blind Melon, nos da muestras de que en el futuro puede (y debe) hacerlo mucho mejor. Don Disturbios

STEVEN WILSON

“Grace for Drowning” Kscope

PROGRESIVO

1111

Vale que Steven Wilson siempre mantenga un nivel alto en su envidiable trayectoria, pero lo que no te esperas a estas alturas es encontrarte con tamaña obra. En “Grace For Drowning” confluye todo lo que ha creado Steven Wilson hasta ahora. La culminación a su larga carrera. Aquí hay lugar para un pedazo de cada uno de sus proyectos, pero al mismo tiempo va mucho más allá.

Incorpora cierta ambientación sutilmente lúgubre, fantasmagórica, creando paisajes que evocan oscuridad y belleza a partes iguales (“Belle de Jour”, “Raider Prelude”, “Grace For Drowning”…), combinando pasajes de jazz psicodélico con estallidos de violencia (“Remainder The Black Dog”). El líder de Porcupine Tree es capaz de moverse de lo etéreo a lo tormentoso como si nada, pero creando un bloque homogéneo, óptimamente equilibrado, donde todo parece fluir con naturalidad, en consonancia, despertando un sentimiento común entre tenebroso, nostálgico y fascinador. Nunca antes había grabado canciones tan bellas como “Postcard” o “Deform To Form A Star”, o por supuesto “Raider II”.

Obra maestra del género. Ferran Lizana

MondoSonoro · Noviembre 2011 /45/

VERONICA FALLS “Veronica Falls”

Bella Union/Music as Usual

POP

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Durante cerca de dos años los londinenses han sido uno de los cuartetos más golosos complaciéndonos con pequeñas píldoras de pop a trompicones, profanado y adictivo, de pequeño formato, repartidas en singles. Y llegaba ya la hora de la verdad. Pues bien, aunque su largo se ha hecho esperar desde aquel primer “Found Love In A Graveyard”, van y la mitad del cancionero resulta ser de lo que nos han estado regalando en fascículos. Sí, son aquellos himnos-señera que nos inyectaron sangre, pero dos años es ya demasiado tiempo como para recuperarlos y no dar oportunidad de un nuevo repertorio. Y sí, cierto, quizás sea darles la condición que se merecen pero el hecho de que aparezcan también, resta parte al encanto único que se les confería a los siete pulgadas. Pues eso, se quedan cortas las ganas de mucho más pero si lo que cuenta son las canciones, aquí hay un buen puñado de guitarrazos y melodías vocales surf-pop y garajeras que van de los cincuenta hasta la new wave más gótica. No van a cambiar nuestras vidas pero, insuflan vida en vena. Celestí Oliver

SOWETO

“South West Town” Brixton Records

ROCKSTEADY

1111

A pesar de los avances tecnológicos y del cambio de formatos, todavía hay trabajos que provocan nervios antes de la primera escucha. Nervios por cómo sonará, por cómo huele el disco, por su presentación... y eso ocurre incluso aunque sepas seguro que va a gustarte. Así, la satisfacción cuando suenan las primeras notas y sueltas un largo “sí” es indescriptible. Eso es precisamente lo que provoca el nuevo disco de Soweto, la banda de Gràcia que ha vuelto a situarse como la referencia skatalitica estatal, pese a quién pese. “South West Town” es un perfecto disco de puro ska, que nace en Barcelona pero que parece haber sido realizado en el corazón del Kingston de 1963. Para decir que el mismísimo Derrick Morgan, que colabora en “Around The Corner”, queda empequeñecido ante la grandeza de las canciones de este segundo trabajo. Porque ahí están temas como “Sick & Tired” (con unos vientos que atrapan), ”Try My Best” (rendición absoluta después del primer tema instrumental) “Love, Love” (a pesar de la simplicidad de la letra es un temazo), “Nobody Like You” (uno se sorprende bailando ya en la primera escucha) y “Come Back” (otro temazo de amor), que juntos dan como resultado un disco de género imprescindible. Iván Ferrer

THE WAR ON DRUGS “Slave Ambient”

Secretly Canadian/Popstock!

POP

1111

Kurt Vile y Adam Granduciel llevan tiempo sin ser compañeros de batallas, pero siguen manteniendo el feedback. Se nota en que ambos acaban llegando a la misma recreación anfetamínica, hipnotizante, etérea y/o enrarecida de la tradición de la que siempre han bebido: Dylan, Young, Petty y Springs-

teen. Sin embargo, en “Slave Ambient”, lo que es la continuación de “Wagonwheel Blues”, su debut de hace ya tres años, estos dinosaurios ya no están tan presentes aunque evidentemente algunos tributos hay.

Sin ir más lejos, a Springsteen recuerdan claramente cuando Granduciel canta entre dientes en “I Was There” pero sobre todo en “Baby Missiles” que incluso recuerda a las maneras como Arcade Fire lo han asimilado.

Y coincide que “So Outta Reach”, el último epé de Vile, contiene su versión de “Downbound Train”. Ahora bien, en este segundo largo, los de Filadelfia dan un tratamiento menos lo-fi, clásico y rudimentario a las canciones y suenan mucho más expansivos y poderosos gracias al muro sónico que consiguen. Han intensificado y reforzado su cara más ambiental y espacial, acercándose incluso a Spiritualized. Celestí Oliver

vinilos

La selección Jäger:

GIRLS, BRILLANTE PRESENTE

THE ANSWER “Revival” Spinefarm

HARD ROCK

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Son uno de los grupos punteros del hard rock actual. Desde su Irlanda del Norte natal, estos tipos se han ganado su reputación ante todo por dos álbumes anteriores muy sólidos, además de con mucha carretera en la que han llegado a girar junto a tótems del calibre de AC/DC. Así han plasmado su querencia por el rock duro de los años setenta, trascendiendo lo que sería la burda copia. Ahora, en esta su tercera entrega, The Answer vuelven a obsequiarnos con temas construidos sobre una base rítmica implacable, guiados por imaginativos riffs y rematados por ásperas melodías que no pecan de estridentes. Añadámosle a la receta alguna potente balada y ya tenemos otro trabajo coherente y recio, en el que eluden a base de personalidad la tentación de sonar demasiado retro. También es cierto que, a estas alturas del cuento, en el hard rock está todo inventado y esto juega en su contra, pero con el paso del tiempo al menos van alejándose progresivamente del estigma de inspirarse en demasía en Led Zeppelin. Así pues, quienes hayan disfrutado con los The Answer anteriores, no se sentirán en absoluto decepcionados con este “Revival”. Xavier Llop

AUDIO’S PAIN

“Mind, Body & Soul (But Money)” Ciphra/Popstock!

POP

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Si aún no te ha quedado claro que los noventa han vuelto, párate a escuchar “Mind, Body & Soul (But Money)”, el tercer trabajo de Audio’s Pain. Un álbum en el que el indie, el rock más musculado, la electrónica e incluso el grunge, van de la mano. Con las primeras notas de “Ignition”, el corte que abre el disco, se hace inevitable pensar en el arquetípico sonido de Muse. Algo que también ocurre en “Beautiful Life”, por ejemplo.

Pero retrocedamos unos años, vayámonos a la edad de oro del brit pop. Así Audio’s Pain se convierten por momentos en Embrace (“Americana”), Elastica (“6”) o Manics Street Preachers (“The Stepmother” y “Bubbles Vs Thorns”). Y no me digan que el timbre de voz de Rubén Meyers no les suena a James Dean Bradfield… Ellos son los primeros en reconocer sus influencias británicas., aunque en su sonido hay mucho más: samplers y loops fáciles de reconocer. Ahí logran llegar a sus cotas más altas. Solo escuchen “Flu”, una canción de la que Sneaker Pimps estarían muy orgullosos. La mejor del disco junto a “I Can’t Stand It”. Víctor Martínez

Girls Foto Archivo

GIRLS

“Father, Son, Holy Ghost” True Panther Sounds/PIAS

POP

11114

Son muchas las cosas que se me pasan por la cabeza para describir lo mucho que me gusta el segundo disco de estudio de Girls. Una de ellas sería que son unos de esos pocos grupos (se pueden contar con los dedos de una mano, ojo) que entregan trabajos que se pueden escuchar de principio a fin sin pasar en el reproductor ninguna de sus canciones. Los más tiquis miquis podrán decir que las dos canciones experimento de “Father, Son, Holy Ghost”, las muy rockeras pero excelentes “Vomit” y “Die”, piden darle al botón de next, pero estarían faltando a la verdad. Es tanta la heterogeneidad y sabidu-

ría pop que posee el disco, que incluso se entienden esas boutades. Y es que “Father, Son, Holy Ghost” es una sonada jukebox donde todo es posible: las guitarras surf de “Honey Bunny”, los aires a lo Suede de “Alex”, esa tonada a lo Buddy Holly que es “How Can I Say I Love You”, el soul a cámara lenta de las conmovedoras “Myma” (canción que Christopher Owens, cantante y guitarrista de Girls, dedica a su madre) y “Love Like A River”, el bubblegum pop de la luminosa “Magic”, ese guiño a Cass McCombs que es “Forgiveness”, o el delicado y derritenenas mediotiempo que cierra el disco, “Jamie Marie”. Exquisito.

Xavi Sánchez Pons

vinilos /46/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

TOM WAITS SE ALEJA DE LOS EXPERIMENTOS BIFFY CLYRO

“Revolutions. Live At Wembley” Warner

ROCK

Tom Waits Foto Danny Clinh

TOM WAITS “Bad As Me” Anti/Pias

ROCK

1111

Usando la estadística, es muy probable que aún quede mucho hasta que Tom Waits se decida a introducir elementos nuevos en sus grabaciones de estudio. Todo lo que hay en “Bad As Me” ya había sido dicho antes, aunque fuera de otra manera. Tras siete años de silencio, el diablo se serena un poco y aparca los experimentos rítmicos guturales de “Real Gone” y vuelve a centrarse en el sonido que desde los ochenta le ha dado más satisfacciones: el rhythm’n’blues desencajado de “Mule Variations”, o lo que es lo mismo, “Bad As Me” significa una tregua en el proceso de feísmo creciente que habían emprendido Waits y Brennan con sus grabaciones, y aunque sea de una ma-

nera tímida, se puede viajar con este disco por casi toda su carrera posterior a “Swordfishtrombones”. Llama la atención que aparte de los habituales Larry Taylor, Marc Ribot, Casey Waits, Charlie Musselwhite y compañía, vuelva Keith Richards al redil en una colección de canciones en las que no hay demasiado espacio para el lucimiento instrumental de otro que no sea el propio Waits, pero es precisamente porque en “Bad As Me” importan más las canciones que el sonido. Cortas y directas. Ninguna supera los cinco minutos. Eso sí es una sorpresa. Desde el primer banjo desquiciado hasta la última mandolina dolorosa transcurren sólo cuarenta y cuatro minutos, el tiempo preciso para darnos cuenta de que la amenaza de huída de Waits era un bulo. Tom vuelve a gustarse y vuelve a estar cómodo ante su obra, aunque hemos estado a punto de perderlo entre tanto artificio. Jorge Obón

MOKSHA

THE EXCITEMENTS

CLOUD CONTROL

B-Core

Penniman

Ivy League

“The Excitements”

“Sang de roure” METAL

1111

Digamos que si el lógico paso del inglés a la lengua materna en otros grupos siempre ha supuesto una mínima afectación, ni que sea en la musicalidad intrínseca del mismo idioma, el traspaso de Moksha al catalán no les ha reportado ni la más mínima molestia. Una afirmación que debemos encontrar su porqué en la potentísima voz de Funu y en su manera de abordar las canciones, intactas en intenciones y sonoridad, por lo que para nada queda afectado lo que hasta ahora ha sido su sonido característico. O al menos eso es lo que hay que decir en relación a este apartado, pues no sólo a nivel idiomático es donde se detectan ciertos cambios de planteamiento en este “Sang de roure”. Un disco que, pese a seguir con los preceptos de ese metal extremo con el que han comulgado siempre los de Sant Celoni, en esta ocasión viene acompañado de dinámicas mucho más urgentes que, en su combinación con ciertos picos cualitativos, determinados riffs memorables -o incluso ese diseño de inspiración black primigenia-, logran mantener permanentemente arriba el interés de este notable trabajo.

Francesc Feliu

SOUL

“Bliss Release” 1114

Excitante propuesta, nunca mejor dicho. Este grupo barcelonés selecciona clásicos poco conocidos del soul y el r&b, sitúa al frente a una portentosa cantante negra (Koko Jean Davis, mozambiqueña), la respalda con siete talentosos músicos entre los que no faltan vibrantes instrumentos de viento, graba en mono y edita en vinilo (también en compacto), cede los controles al experimentado Mike Mariconda y, como decíamos, la excitación está servida. Este es su primer largo, después de haber actuado abriendo para Sharon Jones y Barbara Lynn y haber publicado un par de singles que han dado que hablar entre los aficionados al soul. A lo largo de las doce versiones incluidas aquí, no sólo se reproduce el sonido clásico de la época en la que el soul americano conservaba su pureza, sino que, y esto es lo más meritorio, esta banda recupera el espíritu de esos días.

Algunos pensarán que algo así ya lo hacían The Detroit Cobras. Parte de razón tendrán, pero no olvidemos que las Cobras perdieron mucho crédito con unos directos decepcionantes, precisamente un terreno en el que The Excitements son capaces de proyectarse incluso más. Un lujazo. Xavier Llop

POP

114

Demos por hecho que criarse en un lugar llamado Blue Mountains (en Nueva Gales del Sur, Australia) predispone a uno para el paisajismo. Y “Bliss Release”, el primer álbum del cuarteto, suena precisamente a eso: estamos viendo una majestuosa montaña desde la cima y el cantante y guitarrista Alistar Wright nos habla con su voz nasal de la belleza de la creación, la grandeza de la vida y lo efímero de sus peligros. Pero más allá de eso, Cloud Control son uno de esos grupos que no sabes muy bien por dónde coger. Tanto pueden sonar como unos Fleet Foxes ligeros y algo más cumbayás (“Meditation Song #2”, “Ghost Story”) como a Local Natives (“There’s Nothing In The Water”), que no es más que una forma diferida de parecerse a Fleet Foxes; tanto suenan a Vampire Weekend después de ver “El rey león” (“Cold Canary”) como a Vampire Weekend en modo “Oxford Comma” (“This Is What I Said”), y siempre son encantadores, evocadores, pero a la vez resultan algo inocuos. Es imposible decir nada malo de ellos, pero a la vez deberías esforzarte bastante para encontrar algo realmente bueno. Joan Cabot

1114

Los otrora raritos escoceses son ahora, especialmente en el Reino Unido, una banda de grandes recintos. Fue en 2007 con “Puzzles” cuando el trío dejó atrás el rol de banda de culto minoritaria, que es lo máximo que habían podido amasar con sus tres primeras obras, y se ganaron el favor de un público ávido del rock de tintes épicos y grandilocuentes, a rebufo de la ascensión de Muse al Olimpo del género. Su respuesta a la recompensa del destino fue echarse a la carretera a patearse durante dos años cualquier recinto que se les ofreciera. Fue entonces cuando se granjearon la teoría que para muchos les sitúa entre las mejores bandas actuales en directo. Hace un par de años publicaron “Only Revolutions”, un álbum todavía más melódico y apasionante que “Puzzles” y su nombre dio un nuevo salto hacia adelante. El cénit fue su aparición en el mítico Wembley Arena, que ahora tiene su predecible recuperación en formato físico. La banda muestra todas sus credenciales y haberes, además de sus compromisos, ya que quince de sus diecinueve temas pertenecen a sus dos últimos trabajos. Robert Aniento

BEAT CONNECTION “Surf Noir”

Moshi Moshi/Music As Usual

POP

111

La historia de los dos integrantes de Beat Connection no es nueva: como Ernest Greene (Washed Out), Chaz Bundick (Toro Y Moi), Alan Palomo (Neon Indian) o Dayve Hawk (Memory Tapes), Jordan Koplowitz y Reed Juenger son dos jovencísimos ‘nerds’ con un estudio casero y unas canciones que les han llevado, sin hacer ruido, a colocarse en primera línea de esa etiqueta tan indefinida que es la de chill-wave. Publicaron este EP a través de su bandcamp, logrando una relativa repercusión que ha hecho que Moshi Moshi asuma el lanzamiento de forma oficial. “Silver Screen” ejerció como carta de presentación, con sintetizadores ochenteros que apuntan a New Order, superados antes por dos temas de distinta factura: primero, “In The Water”, que, amén de otras comparaciones posibles, bebe directamente de los Delorean de “Real Love” o “Grow”, demostrando la dimensión internacional de los zarauztarras; y después, “Theme From Yours Truly”, con un sabor a club en el que manda el piano. Junto a estos hallazgos, el beach-pop de “Sunburn”, algún tema menor y otros que se miran en el espejo de Kraftwerk), dan como resultado un conjunto irregular, pero con el suficiente tirón como para seguirles la pista.

Enrique Peñas

LUKE TEMPLE

“Don’t Act Like You Don’t Care” Western Vinyl/Green Ufos

FOLK

1114

El norteamericano Luke Temple aparca a sus coloristas y recomendables Here We Go Magic para recuperar los mimbres de aquella carrera en solitario que ejercía antes de constituir dicha banda. El tercer disco

bajo su propio nombre incluye dos particiones evidentes, con una primera mitad en el que el músico muestra su faceta de despreocupado cantautor aparentemente folk y frecuentemente desviado hacia el pop y la americana, firmando un total de cinco canciones dotadas de mágica refinación y relajada instrumentación. “In The Open”, “Ophelia” o “How Could I Lie” están destinadas a ensimismar al receptor, mientras que los cuatro cortes que completan “Don’t Act Like You Don’t Care” desvelan el aspecto más hogareño e intimista del artista, trabajando temas de aspecto casero y añejo con la única compañía de la guitarra acústica presente en “So Long, So Long” o “Ballad For Dick George”. En cualquier caso, Temple resulta dotado con esa chispa diferenciadora que lo revela encantador, siendo este un álbum que incita a rascar hasta descifrar la totalidad de sus virtudes. Raúl Julián

JOAN COLOMO

“Producto Interior Bruto Vol.1” B-Core

POP

1114

Mucha razón tenía Eric Fuentes cuando dijo que Joan Colomo era uno de los talentos mejor guardados de este país. Y remarco lo de guardados, porque el de Sant Celoni aún se encuentra en esa fase en que, pese a lo prolífico, no tiene ese seguimiento que merecería por parte del público. Le hemos visto en muchas batallas –Zeidun, Moksha, The Unfinished Sympathy, La Célula Durmiente- pero, en todo caso, nunca tan personal como en sus grabaciones bajo su propio nombre. En esta ocasión las de un segundo disco donde el cantautor vuelve a mostrar ese universo tan original que lleva a cuestas, desprendiendo creatividad en todo aquello que a veces se nos muestra tan manido, sabiendo adornar con fantasía y divertimento canciones delicadas y alocadas a partes iguales. Un músico siempre dispuesto a sorprenderte huyendo de los lugares comunes, capaz de conformar pequeños divertimentos con líricas ingeniosas, pero sobre todo con una actitud que, incluso dentro de los parámetros bastante (e inesperadamente) controlados de este proyecto, le hacen audaz y original. Francesc Feliu

TINARIWEN “Tassili”

V2/Music As Usual

BLUES

111

Para muchos el grupo tuareg de Mali, Tinariwen sigue siendo un completo desconocido. Por suerte, para otros muchos (entre sus incondicionales se encuentran Damon Albarn, Robert Plant, Brian Eno o Tom Waits, por citar sólo algunos ejemplos) ya no lo es. Surgidos en 1982, Tinariwen siempre ha defendido con su música la cultura tuareg a través de los mensajes de resistencia, lucha y esperanza de sus canciones. “Tassili” es ya su quinto largo publicado. En este disco han cambiado las guitarras eléctricas marca de la casa por guitarras acústicas, lo que hace que este trabajo sea menos rockero y enérgico que los predecesores y por tanto se convierta en una vuelta a sus raíces más folk e intimistas. Ahora las melodías se ondulan suavemente como las dunas del desierto, las voces destilan el profundo sufrimiento de todo un pueblo y las guitarras generan unos ritmos hipnóticos que te atrapan como una tormenta del desierto de la que no puedes ni quieres salir. Todo un lujo para los sentidos que se completa con la participación de Nels Cline de Wilco, Tunde Adebimpe y Kyp Malone de TV On The Radio y los vientos de Dirty Dozen Brass Band. David Lorenzo

MondoSonoro ¡ Noviembre 2011 /47/

vinilos

reediciones

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Suede Foto Archivo

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SUEDE

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1111 11111 11114 111 114

Edsel Records

POP El paso del tiempo asusta. Es algo de lo que te das cuenta cuando los discos de tus grupos de adolescencia empiezan a ser reeditados. Suede debutaron en formato largo hace la friolera de dieciocho aĂąos con un debut homĂłnimo que presentaba a un Brett Anderson mofletudo y sexual, canciones enormes (â&#x20AC;&#x153;Animal Nitrateâ&#x20AC;?, â&#x20AC;&#x153;Metal Mickeyâ&#x20AC;?, â&#x20AC;&#x153;So Youngâ&#x20AC;?) y las guitarras de alma glam del retraĂ­do Bernard Butler. Solo una aĂąo despuĂŠs llegarĂ­a â&#x20AC;&#x153;Dog Man Starâ&#x20AC;? (1994), una de las cumbres creativas del brit pop y algo asĂ­ como el â&#x20AC;&#x153;This Is Hardcoreâ&#x20AC;? de Suede: un disco oscuro lleno de angustia post adolescente, desencanto, orgullo

andrĂłgino y drogas de diseĂąo, nada fĂĄcil a pesar de contar con himnos como â&#x20AC;&#x153;The Wild Onesâ&#x20AC;? y â&#x20AC;&#x153;New Generationâ&#x20AC;?. De ese disco ahora cabe reivindicar dos baladones mas grandes que la vida a lo Marc Almond como son â&#x20AC;&#x153;The 2 Of Usâ&#x20AC;? y â&#x20AC;&#x153;Still Lifeâ&#x20AC;?. En 1996 veĂ­a la luz â&#x20AC;&#x153;Coming Upâ&#x20AC;?, ya con un Butler huido (le sustituyĂł un por entonces adolescente Richard Oakes), una inspiradĂ­sima colecciĂłn de hit singles (lograron colocar cinco en el Top Ten) que aun hoy sigue fresca como una rosa. Escuchar ahora canciones como â&#x20AC;&#x153;Trashâ&#x20AC;?, â&#x20AC;&#x153;Beautiful Onesâ&#x20AC;? o â&#x20AC;&#x153;Lazyâ&#x20AC;?, entre otras, lo deja claro. Tras los fastos de â&#x20AC;&#x153;Coming Upâ&#x20AC;? vino el declive. Primero con el solo resultĂłn â&#x20AC;&#x153;Head Musicâ&#x20AC;? (1999), que aĂşn contenĂ­a canciones de indudable pegada como â&#x20AC;&#x153;Canâ&#x20AC;&#x2122;t Get Enoughâ&#x20AC;?, â&#x20AC;&#x153;Everything Will Flowâ&#x20AC;? y â&#x20AC;&#x153;Sheâ&#x20AC;&#x2122;s In Fashionâ&#x20AC;?, y el ya muy justito â&#x20AC;&#x153;A New Morningâ&#x20AC;?

(2002). Las reediciones incluyen dos compactos con el ĂĄlbum original y un gran nĂşmero de extras, mĂĄs un DVD con los videoclips originales, conciertos y grabaciones inĂŠditas de la banda. Un verdadero festĂ­n para fans y una puerta de entrada soĂąada para los neĂłfitos en Suede. Xavi SĂĄnchez Pons

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LOS CANARIOS

TWISTED SISTER

Rama Lama

Armoury Records

â&#x20AC;&#x153;Todas sus grabaciones (1976-1972)â&#x20AC;?

ROCK

â&#x20AC;&#x153;Come Out and Playâ&#x20AC;? â&#x20AC;&#x153;Love Is for Suckersâ&#x20AC;?

11114

Mala cosa que se hable mĂĄs del Âżinoportuno? momento de ediciĂłn de un disco que del ÂĄnecesario! objetivo de la reediciĂłn. Mejor centrarlo todo en la mĂşsica y olvidarse de otros temas.

De Los Canarios (sĂ­, la banda de Teddy Bautista) no habĂ­a material disponible desde que se editarauna chapucera compilaciĂłn en vinilo de comienzos de los ochenta. Resulta paradĂłjico que los interesados por el grupo debieran recurrir a la descarga digital de dudosa procedencia para conseguir las canciones. Los pioneros del soul en Europa, uno de los mejores directos en la historia de la mĂşsica nacional, autores de singles esenciales en los primeros sesenta, y tan poca atenciĂłn discogrĂĄfica actual. Rama Lama por fin rinde tributo, con sus peros (esos diseĂąos imposibles y un extraĂąo desorden de temas) y sus pros: cariĂąo, documentaciĂłn, remasterizaciĂłn e intenciĂłn completista. Quedan fuera aquel elepĂŠ editado en Estados Unidos como The Canaries y â&#x20AC;&#x153;Ciclosâ&#x20AC;?, obra de culto del rock sinfĂłnico internacional.

Job Ledesma

SLEAZY

1111/111

En el momento que el quinteto neoyorquino publicaba su cuarto larga duraciĂłn, â&#x20AC;&#x153;Come Out And Playâ&#x20AC;?, muy lejos quedaban sus interminables aĂąos labrando su rock duro de ascendencia setentera por todos los garitos de Nueva York. El impacto mundial de su single â&#x20AC;&#x153;Weâ&#x20AC;&#x2122;re Not Gonna Take Itâ&#x20AC;?, y sobre todo de su descacharrante video, del anterior â&#x20AC;&#x153;Stay Hungryâ&#x20AC;?, les habĂ­a catapultado a fenĂłmeno de masas, que generaba atenciĂłn y querencia en todo tipo de pĂşblicos, especialmente entre los mĂĄs jĂłvenes. La banda, con Dee Snider al frente, que habĂ­a estado esperando su momento durante mĂĄs de diez aĂąos, no lo iba a desaprovechar ahora. â&#x20AC;&#x153;Come Out And Playâ&#x20AC;? traduce ese momento de gloria en un disco plagado de trallazos hard rockeros en busca del estribillo resultĂłn y la pegada inmediata. El posterior y Ăşltimo â&#x20AC;&#x153;Love Is For Suckersâ&#x20AC;? ha pasado a la historia como el peor de sus trabajos, ya en pleno declive creativo y comercial. Puede que sea cierto, pero ello no quita que joyas del rock duro de la ĂŠpoca como â&#x20AC;&#x153;Hot Loveâ&#x20AC;?, â&#x20AC;&#x153;Tonightâ&#x20AC;? o la que da tĂ­tulo al disco merezcan seguir siendo reivindicadas. Robert Aniento

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SCREAMINâ&#x20AC;&#x2122; JAY HAWKINS

â&#x20AC;&#x153;At Home With Screaminâ&#x20AC;&#x2122; Jay Hawkinsâ&#x20AC;?

Hoodoo Records

ROCK

1114

A diferencia de otros volĂşmenes de recuperaciĂłn de las raĂ­ces del rock que estĂĄ llevando a cabo Hoodoo Records, en el caso de Screaminâ&#x20AC;&#x2122; Jay Hawkins no se ha optado por una compilaciĂłn de temas de su carrera, sino por reeditar directamente su ĂĄlbum debut, acompaĂąado de once temas extras, compuestos de versiones alternativas u otros ĂŠxitos del artista. No hay mejor introducciĂłn al descacharrante mundo artĂ­stico del gran precursor del punk. Incapaz de limitarse a un Ăşnico gĂŠnero, Screaminâ&#x20AC;&#x2122; Jay Hawkins no solo se gana su lugar en la historia con la legendaria â&#x20AC;&#x153;I Put Spell On Youâ&#x20AC;?, sino que tambiĂŠn es capaz de sublimar el primer rock en â&#x20AC;&#x153;Yellow Coatâ&#x20AC;?, leer como nadie las primeras bases del R&B en â&#x20AC;&#x153;Temptationâ&#x20AC;? o enfermar de tumor incurable el clĂĄsico de Cole Porter â&#x20AC;&#x153;I Love Parisâ&#x20AC;?. Todo eso en 1958. DĂŠcadas antes de que Alice Cooper escandalizara a propios y extraĂąos con sus decapitaciones y serpientes, Hawkins ya aparecĂ­a en los escenarios surgiendo de un ataĂşd, y una calavera era su sempiterna acompaĂąante. Con la imagen de un brujo haitiano obsesionado por el voodoo, nunca obtuvo el reconocimiento de otros nombres del primer rock and roll. Robert Aniento

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mondorecomienda

/48/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

“Eva” Foto Archivo

cine

Kike Maíllo

sueños eléctricos El realizador catalán, que muchos conoceréis por sus originales y cinematográficos videoclips para Manos de Topo y por la serie de animación “Arròs covat”, debuta en el mundo del largometraje con “Eva”, estilizado y melancólico drama de ciencia ficción que inauguró el reciente Festival de Cine Fantástico de Sitges.

“

Quería facilitar la entrada a gente no familiarizada con este tipo de películas, lo que yo llamo feminizar el género. Muy a menudo, este ha planteado futuros oscuros, cínicos y distópicos. Mi pretensión era plantear un futuro mejor”, asiente Maíllo. Coherente con esa intención, el look del film, ambientado en el año 2041, se inspira en los setenta y ochenta para retratar un ambiente rural, nevado y con casas de madera.

Eso sí, con robots al servicio de las personas.

“No sé si llamarlo retrofuturismo o ecofuturismo. Responde a una cuestión nostál-

gica mía y a la búsqueda de algo cercano, real e intimista alejado del envoltorio hitech en el que a veces es fácil caer en la ciencia ficción”. Aparte del cuidado diseño de producción, destaca un guión co-escrito con el dramaturgo Sergi Belbel. “Nos dimos cuenta que estábamos cayendo en el homenaje continuo y buscamos a alguien ajeno al cine. Es curioso, hemos tenido que volver a los mitos universales de toda la vida para encontrar la frescura”. Otro gran puntal, sin lugar a dudas, son las interpretaciones.

“Cuando tienes muy buenos instrumentos

es fácil tocar la partitura. Improviso mucho y me salto el guión, y tener un reparto que domina tanto su técnica te ayuda muchísimo a estar inventando”. Reconoce que el personaje de Lluís Homar aporta el contrapunto humorístico necesario, “ya que la película, en ciertos aspectos, era dema-

cia más directa. El robot es contexto, un terreno ideal para hablar sobre la condición humana y sobre la naturaleza del amor”. Y recuerdo aquella escena crucial de “Eva” ligada a partir de ahora a “Space Oddity” de David Bowie. “Fue la primera canción que escuché de ciencia ficción. Es muy

“Quería facilitar la entrada a gente no familiarizada con este tipo de películas” siado dura y seria”, y que encontrar a Claudia Vega (Eva) valió las tres mil entrevistas realizadas. “Es una niña muy alegre, pero que tiene un punto nostálgico muy bonito”. En cuanto a influencias, más allá de Asimov y de preguntas clásicas como “¿Y si los robots empezaran a construir pensamientos y sueños por sí mismos?”, hallamos claramente “Beautiful Girls”, de Ted Demme. “Es nuestra referen-

emocional y parece que empuja al protagonista a tomar una decisión crucial”. Por último, hallamos cierta conexión, a pesar de la diferencia de tono y lenguaje, entre la película y “Arròs covat”, que Maíllo gestó en paralelo.

“Tanto en Álex –el personaje de Brühl- como en Xavi Masdéu hay ese ingrediente peterpanesco de no querer crecer ni cambiar de etapa”. ■ David Sabaté

MondoSonoro · Noviembre 2011 /49/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

Libros Enrique Rubio Foto Guillermo Rubio

Libros Viaje de invierno Amélie Nothomb Anagrama (1114)

“La primavera puede comenzar”. Ésa es la última frase de un libro en cuyo primer párrafo el protagonista nos alerta de su plan de hacer estallar un avión. Entre un extremo y otro de este breve relato, la belga Amélie Nothomb nos narra la historia de Zoilo y la de su amor por Astrolabio, a quien ve como su última oportunidad de sentirse parte de este mundo. Alienación, deseo y nombres mitológicos. Joan Cabot

Apio

Gino Rubert Errata Naturae (111) John Berger nos sorprendió con su perro-novela “King” hace unos años. Los pintores saben mirar desde otros ángulos. Compruébalo ahora con “Apio”, otro can que vive tras el texto conciso, preciso y no exento de sabor agridulce con el que el pintor Gino Rubert se estrena como novelista. Luis Argeo

Nubes con la mente VV. AA. Canto de lupa/Comuniter (114)

Queda bien claro en el prólogo de este pequeño libro: “Nubes en la mente” no es para fans de Love Of Lesbian, sino que está hecho por fans del grupo (en este caso, periodistas y poetas). Así, las canciones de los catalanes sirven de inspiración para un conjunto desigual de textos breves, poemas y pensamientos de lo más variopinto. Enrique Gijón

La fábrica de animales Edward Bunker Sajalín editores (111)

Hace meses reseñábamos otra novela negra de este autor de culto, ex convicto y asesor de lujo para cineastas americanos, todo un gurú del mundo criminal. Ahora aparece de nuevo contando las travesuras carcelarias de Earl, que apadrina a un joven de buena familia llegado a San Quintín. Luis Argeo

enrique Rubio

Vida de ultramoderna

Tania es una chica de pueblo atrapada en las redes del esnobismo urbano, una mártir de la moda (‘ultramoderna’) convertida en musa de una generación literaria (la Nocilla) por accidente. Y también es la protagonista de la segunda novela de Enrique Rubio, “Tania con i. 56ª edición” (Destino), una irreverente sátira sobre la contracultura domesticada.

Virginales

Maurice Pons Tropo Editores (111) Volumen de diez relatos que supuso el debut en 1955 del francés Maurice Pons. Cuentos breves, entre lo puro y lo perverso, protagonizados por niños y adolescentes que con el tamiz de la inocencia y la ayuda de su imaginación interpretan el mundo de los adultos y todo aquello que les está vetado. Destacan el delicioso “Balzac”, el divertido “En Tripolitania” y “Los mocosos”, adaptado por Truffaut en su célebre corto “Les mistons”. J. Picatoste Verdejo

Los amigos de Eddie Coyle George V. Higgins Libros del asteroide (1114)

Higgins debutó con este título y Dennis Lehane dice en el prólogo que “con él, cambió las reglas de juego de los últimos cincuenta años” de la novela negra. Lo que está claro es que influyó –y de qué manera– en los diálogos de las películas de Tarantino, quien bautizó a su “Jackie Brown” con el nombre de uno de los personajes del libro. El gran mérito del autor es crear un puzzle de piezas multiformes sin que ninguna de ellas (ni el lector) se pierda.

J. Picatoste Verdejo

A la guerra con Satán

VV.AA. Beat Generation/La Felguera (1114)

Tania con i Enrique Rubio Destino

C

omo dice su hermana (gemela) Ofelia, Tania siempre quiso ser la primera en todo. Y, como apuntó mucho después un periodista, Tania fue como un pingüino en el desierto quemándose a lo bonzo. Un pingüino que se construyó “con un catálogo”. “Somos lo que somos porque la industria lo quiere, en realidad no formamos nuestro propio yo, sólo escogemos entre las ofertas que se nos ofrecen”, dice Enrique Rubio al respecto, aún incapaz de creerse que su segunda novela, la cáustica, divertidísima y hecha a pedazos (la historia tiene forma de documental escrito, de manera que se reconstruye la vida de la protagonista a partir de declaraciones de quienes la conocieron) “Tania con i. 56ª edición” haya conseguido ganar el premio Francisco Casavella.

“Lo considero un honor, pero también una res-

ponsabilidad”. También dice que le gustan Chuck Palahniuk, George Saunders y Charles Bukowski. Y que después de “Tengo una pistola” pensó que no podría volver a escribir. “Sentía que me había vaciado”, recuerda. Pero la historia de Tania (en realidad, Antonia, falso icono trash del siglo XXI, autora intelectual de Yomango, líder de la contracultura, inventora del PierZen y musa de la Generación Nocilla) no tardó en aparecérsele. Y entonces pudo hablar de algo que siempre había tenido en la cabeza. “Siempre he pensado que la contracultura no sólo está integrada en el capitalismo sino que es uno de sus motores principales y el esnobismo no es más que una sublimación occidental del darwinismo.

La cuestión es que hay que distinguirse, aunque sea de forma ridícula, para tener éxito”. Dice Enrique que: “Tania es un híbrido entre Kate Moss y Belén Esteban, una Lady Gaga cañí, una matrioska aplastada con todas sus muñecas interiores convertidas en un amasijo de astillas”. Y que Willy Ruanowski, el (falso) escritor al que encargan la (falsa) biografía de tan controvertido personaje, es, en parte, él riéndose de sí mismo. “Mi humor es muy negro porque surge de la desesperación. Sabes que las cosas no van a cambiar, lo único que puedes hacer es reírte de ellas”. ■ Laura Fernández

videojuegos

Aunque quedase totalmente eclipsado por la repercusión mediática de la locura alucinada de Charles Manson, El Proceso –o La Iglesia del Juicio Final- fue uno de los cultos oscuros más ariscos de los sesenta, quizás por ello duraron apenas unos pocos meses.

“A la guerra con Satán” es el manual ideal para entrar en sus creencias y en su particular punto de vista sobre el mal y el bien.

Joan S. Luna

El señor de los anillos: La guerra del norte

Call Of Duty: Modern Warfare 3

Nuevo Rock Americano, años 80: Luces y Sombras de un Espejismo

11111

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Una nueva aventura del mundo creado por J.R.R. Tolkien. En esta ocasión deberemos defender La Tierra Media de la invasión de Agandaûr, tres héroes (de nuevo un elfo, un enano y un montaraz) se enfrentaran a un implacable ejercito. Hasta tres jugadores en modo cooperativo, nuevas técnicas de lucha, nuevos personajes, unos imponentes gráficos basados en las imágenes de las películas, nuevos y mortales enemigos y sobre todo una nueva historia. ■

Los miles de seguidores de esta saga llevan tiempo esperando esto. Siguiendo la trama de los anteriores nos precipitamos a la tercera guerra mundial. En grandes escenarios de ciudades como Nueva York, París, Londres. Con fondos extraordinariamente realistas, increíbles gráficos y una intensa lucha sin cuartel. Hasta los pacifistas tendrán ganas de jugar. ■ Albert Miró

Carlos Rego Milenio (1111)

Partiendo de un hecho casual- una actuación televisada de Violent Femmes cuando el autor era adolescente-, el gallego Carlos Rego desarrolla una tesis acerca del poder de las guitarras que en los ochenta quedó sepultada bajo el manto electrónico-hedonista de los grupos que reinaban en esa década. Desde Long Ryders o Los Lobos hasta la primera etapa de R.E.M, su autor cumple su propósito: instruir escribiendo terriblemente bien. Una maravilla. Álvaro Fierro

PS3, X360 y PC Snowblind Studios

Ps3, X360, PC, WII y NDS Sledgehammer Games

mondoRECOMIENDA /50/ Noviembre 2011 · MondoSonoro DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

comics

Michael Cera Foto Archivo

LIBROS

“Cinco mil kilómetros por segundo” Manuele Fior Sins Entido (1111)

Tras introducirnos en la obra del joven comiquero e ilustrador francés con “La señorita Else”, Sins Entido publica “Cinco mil kilómetros por segundo”, premiada en Angouleme como mejor obra del pasado año. Palabras mayores. Lo cierto es que impresiona el trabajo a los pinceles de Fior, más pictórico que nunca, desarrollando un peculiar trabajo a medio camino del cómic y la pintura impresionista. Pero menos brillante a la hora de contar esta historia de amor a través del tiempo y de diferentes países del globo. L. J. M.

Borra

LuisD La Cúpula (111) Aunque no plantee un punto de vista excesivamente original (el paso del tiempo, la amistad, etcétera), LuisD sí es capaz de manejarse con frescura entre sentimientos universales que cualquier lector podría encajar en su trayectoria emocional. Lo mejor, algunos momentos sin diálogo; lo peor, la imposibilidad de ahondar en todas las cuestiones planteadas. Ernesto Bruno

Memorias de un hombre en pijama Paco Roca Astiberri (111)

Paco Roca apuesta por la simpatía de lo anecdótico en esta recopilación de historias previamente publicadas en el periódico valenciano Las Provincias. Echando mano de su universo actual, de sus amistades o de su pareja, provoca sonrisas de complicidad una larga lista de situaciones con las que muchos se identificarán.

Ernesto Bruno

Haarmann

Isabel Kreitz, Peer Meter La Cúpula (111) Tras captar nuestra atención con “El caso Sorge”, Isabel Kreitz une fuerzas a Peer Meter para narrar la vida de uno de los más aterradores asesinos en serie reales de la historia de Alemania, en una suerte de “From Hell” a la germana. Para ello, Kreitz se esfuerza al máximo en el detalle y en manejar con su soltura habitual su paleta de grises, aunque el echar mano de algunos tópicos evidentes le reste profundidad a lo narrado. Joan S. Luna

MICHAEL CERA

Humor de vergüenza ajena Conocido por ser la encarnación definitiva del geek en el cine juvenil del nuevo milenio, Cera se descuelga con un relato corto que sorprende por su efectividad y la risa nerviosa que genera. El co-protagonista de “Supersalidos” demuestra con “Piña” que también tiene mala leche.

“Hoy es el último día del resto de tu vida”

Piña

Ulli Lust La Cúpula (1111)

La primera novela gráfica de la austriaca echa la vista atrás, con el relato de un viaje a Italia que termina por convertirse en vívido retrato de la contracultura europea en los ochenta y de la posición de la mujer en ese contexto. Ulli y su amiga eran punks, con todo lo que ello conllevaba: rechazo social, cero ingresos pero una sólida red de personas dispuestas a compartir una forma de vida en la que el sexo y las drogas ocupaban lugar preferencial. Autor Revelación en Angoulême. L. J. M.

“Cielos radiantes” J. Taniguchi Ponent Mon (1111)

Taniguchi no falla, menos aún cuando en un solo volumen se citan buena parte de sus temas favoritos: el paso del tiempo, cómo actuaríamos de contar con una segunda oportunidad y, en este caso y por encima de todo, la muerte y cómo afrontar su inevitable llegada. Como en “Barrio lejano”, en “Cielos radiantes” vuelve a recurrir al realismo mágico -en esta ocasión y tras un accidente de tráfico, dos personas, el fallecido y el superviviente, conviven en un solo cuerpo- que resulta un mero artificio de guión, la absurda excusa argumental para hacer uno de sus ya habituales cantos a la vida y a la familia. L. J. M.

Michael Cera Alpha-mini

E

s feo de narices, tiene pinta de haber sido vapuleado en el instituto en sus años previos a su éxito como actor, y está claro que a día de hoy está algo encasillado en su papel de geek prototípico, pero, a pesar de todo eso, aun le queremos. Tras dar varios palos de ciego después de la enorme “Supersalidos”, Cera recuperó parte de su aureola cool gracias a “Scott Pilgrim contra el mundo”. De hecho fue en 2009, unos pocos meses antes de empezar a rodar la película de Edgar Wright, cuando Cera escribió “Piña”, un relato

libro Diez años de Primavera Sound

Un adiós especial Joyce Farmer Astiberri (1111)

Una década de trabajo para acabar esta novela gráfica a los setenta y dos años de edad demuestra el empeño que esta pionera del cómic underground estadounidense puso en ella. El resultado, una de las obras más conmovedoras que recuerde haber leído en los últimos tiempos y, sin duda, una de esas con las que se aprende mucho sobre el ser humano. Joan S. Luna

Invencible: Todavía en pie

Robert Kirkman & Ryan Ottley Aleta/Dolmen (111)

Convertido casi en estrella mediática gracias a “The Walking Dead”, Robert Kirkman es también el cerebro tras uno de los cómics de superhéroes más particulares del momento, violento y divertido a partes iguales. Esta vez, padre e hijo llevan su lucha hasta extremos en los que no hay vuelta atrás. Ernesto Bruno

corto que originalmente fue publicado en McSweeney Quarterly, revista del escritor Dave Eggers. Protagonizado por un actor venido a menos que responde al nombre de Carroll Silver, el bautismo literario de Cera está cargado de humor negro y de grandes dosis de vitriolo. “Silver no está basado en nadie en específico. Para el personaje me basé en ideas que se me ocurrieron al pensar en situaciones incómodas y esencialmente en las peores formas que la gente tiene de reaccionar ante ellas”. Con un pie en el humor de la vergüenza ajena del Ricky Gervais de “The Office” y otro en el realismo sucio de Todd Solondz, “Piña” sorprende por su crudeza. “Soy muy fan de ‘The Office’ y he aprendido mucho sobre personajes desagradables de la forma en que salían en la serie”. Sobre si este relato corto persigue desmitificar la profesión de actor, Cera aclara. “No era mi intención, pero la verdad es que estoy siempre al tanto de cómo son vistos lo actores y lo poco que tiene que ver con la forma en que viven sus vidas en realidad”. ■ X.S.P.

“2001/2010. Diez años de Primavera Sound” Primavera Sound Paco y Manolo

S

i Harold Lasswell y su paradigma levantaran la cabeza ante la obra de Paco y Manolo, replantearían su célebre teoría: ¿Quién fotografía qué? ¿A través de qué canal? ¿A quién? ¿Con qué efecto? Una leyenda urbana señala que es Paco el que piensa la fotografía y Manolo la ejecuta. Otras mentes sostienen que es a la inversa: Manolo es el cerebro y Paco, el encargado del disparador. Curioso tándem este en una profesión tan individualista y pagada de sí misma. Ellos, los dos, se mueven con discreción en un territorio que parecen

conocer muy bien: durante todos estos años, las traseras del Primavera Sound han sido su hábitat. No han querido fosos, ni luces. Y mucho menos, posturas estridentes de artistas al tiempo que aguantar el codo del compañero en pugna por la foto más “guay”. En “Diez años de Primavera Sound” según Paco y Manolo, las imágenes son de todo menos cool. Algo de agradecer. La pompa y el boato que se les supone a los músicos, en esta ocasión brillan por su ausencia. Lo de Paco y Manolo es un ‘aquí te pillo’ gráfico. Puedes ver en portada a un Jarvis Cocker atusándose el bolsillo para celebrar los diez años de Primavera Sound; o a una incipiente Russian Red meditando, entonces, sobre su futuro. Tampoco se olvidan los autores de gentes que fueron y lo siguen siendo, pero menos, como Throwing Muses, Nosoträsh o Teenage Fanclub. No se encuentran en estas páginas saltos, gritos, contraluces de escenario. Hay que darles las gracias porque, lejos de momentos estelares, han sabido reflejar una parte de la música que casi todos ignoran. n Nacho B. Sola

conexiones

/52/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

Tanqueray <> Aloe Blacc Aloe Blacc, la promesa del neo soul llega a España de la mano de Tanqueray a presentar su nuevo disco “Good Things” con dos fechas: el 6 de noviembre en la Sala Capitol de Santiago de Compostela y al día siguiente en la sala Joy Eslava de Madrid. “Good Things”, el segundo álbum de este artista californiano, es un disco político, pero profundamente personal, con un poco de soul contemporáneo combinado con hip hop, y con la cantidad justa de funk. Todo unido sin esfuerzo por una voz engañosamente suave, que le permite explorar temas de peso como la falta de trabajo o las personas sin techo. ■

Aloe Blacc Foto Archivo

Toyota Yaris <> G’n’R Estos días se presenta el nuevo Toyota Yaris, un automóvil que destaca por muchas cosas, pero muy especialmente por su sistema Touch & Go Multimedia con pantalla táctil que nos proporciona todo tipo de comodidades. Por ejemplo, enviar y recibir sms, la última tecnología en cuanto a mapas, información del tiempo y muy especialmente todo lo relacionado con la música.

Es por eso que Toyota ha elegido como canción para la campaña del Yaris “Sweet Child O’ Mine” de Guns n’Roses, un tema que recientemente ha sido señalado como el más utilizado en las tiendas de instrumentos a la hora de probar una guitarra. ■

Fnac <> Festival musical La cadena de tiendas Fnac siempre ha estado muy vinculada con el pop, no sólo porque con los años sus tiendas se han convertido en uno de los pocos sitios donde comprar discos, sino por su participación en eventos en directo. Ese vínculo se hace ahora mayor con la creación del FMF (Fnac Music Festival) en Madrid y Barcelona. Se trata de un evento en el Palacio de los Deportes de Madrid el 27 de diciembre -con Amaral, Love Of Lesbian, Iván Ferreiro, Christina Rosenvinge, Second y The Noises- y el 29 de diciembre, en el Palau Sant Jordi de Barcelona -Amaral, Love Of Lesbian, Iván Ferreiro, Antonia Font, Delafé Y Las Flores Azules y Cyan-. ■

Pepe Jeans <> Crystal Fighters

Ray Ban <> Johnny Marr

Cuatro lugares singulares, cuatro grupos indies excepcionales y cuatro conciertos en directo retransmitidos online. Así se presenta el Pepe Jeans Singular Music Festival, que trata de recuperar el gusto por la música, por todos los valores tradicionales del directo, por lo especial de la cercanía al artista y la importancia del espacio. Por poder generar charlas entre artistas y público, por hacer un Festival completamente independiente. Tras las ediciones protagonizadas por Delorean, Twin Shadow y Sonny & The Sunsets, los últimos en sumarse al Pepe Jeans Singular Music Festival son Crystal Fighters, concretamente el próximo 25 de noviembre en Bilbao. ■

Crystal Fighters Foto Archivo

Ray-Ban y el ex The Smiths Johnny Marr unen fuerzas para lanzar Ray-Ban Raw Sounds, un nuevo proyecto musical en el que el mítico guitarrista colabora con Best Coast, Mona, Au Revoir Simone y Tom Vek. El proyecto se inspira en las Oblique Strategies de Eno y Schmidt, y es una colaboración irrepetible para la cual el guitarrista de Manchester ha ideado cinco elementos que ha propuesto como base para componer otras tantas canciones a cinco grupos contemporáneos: un poema propio, la cita de un filósofo, un vídeo de Johnny Marr tocando “Sturm And Drang”, una fotografía y el mapa del Lower East Side de Nueva York. ■

43 Music <> Bravo Fisher

Movistar <> Rock In Rio

Etnia Barcelona <> Festival Jazz Bcn

43Music, el sello musical de Licor 43, se estrena con su primera referencia, “We Were Overnighters”, debut de Bravo Fisher! que puede escucharse gratuitamente en http://music.licor43.es/ bravofisher y comprarse en iTunes.

El festival Rock In Rio ha vuelto en 2011 a Río de Janeiro, la ciudad donde nació en 1985. Movistar, patrocinador de las ediciones españolas ha enviado al evento brasileño a veinte clientes de entre los más de nueve mil que participaron de esa promoción.

Etnia Barcelona, empresa líder en diseño y fabricación de gafas vanguardistas, apuesta una vez más por la música y la cultura y participa como patrocinador del Festival de Jazz de Barcelona en la edición de este año (The Pepper Pots, Fanfarlo y Okkervil River...)

Grimey Wear <> Brainiac Beats

Fifa’12 <> El Guincho

El Cerebro, también conocido como Brainiac Beats, junto a la conocida marca de ropa Grimey Wear, lanzan un potente maxi de descarga gratuita titulado “Grimey Shit”. El maxi se compone de un tema de Darmo y otro tema de Prince’EP con Mitx, además de sus correspondientes instrumentales.

Electronic Arts desvela el listado completo de las canciones que compondrán la banda sonora de EA Sports FIFA 12 con treinta y nueve artistas de quince países. Entre ellos destacar a El Guincho, Cut Copy, Crystal Castles con Robert Smith de The Cure, The Hives, Macaco, The Strokes o The Vaccines.

Art At Iberica By Spain Now <> Juan Pérez Fajardo El establecimiento londinense Ibérica Food & Culture de la mano de Spain Now está llevando a la capital británica las exposiciones de una serie de artistas españoles como Juan Pérez Fajardo, fotógrafo colaborador de esta casa, o el reputado grafittero Suso 33 n

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YA A LA VENTA VINILOS DE 180 GRAMOS CAJA DE LUJO QUE INCLUYE: “RADICAL SONORA” (2LP), “PEQUEÑO” (2LP), “FLAMINGOS” (2LP), “EL VIAJE A NINGUNA PARTE” (2LP), “EL TIEMPO DE LAS CEREZAS”, CON NACHO VEGAS (2LP), “HELLVILLE DE LUXE” (2LP) Y “LAS CONSECUENCIAS” (LP)

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/54/ Noviembre 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Un, dos, tres, al escondite inglés

Los héroes de la anti-guitarra...

(Xavi S. Pons)

Bad Religion Foto Archivo

Venga lista que me saco de la manga para repasar a mis anti-guitarristas favoritos, o lo que es lo mismo, los guitarristas que si molan y no los plastas de Steve Vai y Joe Satriani. Entiéndase por anti-guitarra esa manera de tocar única, molona, cool y, a veces, algo chatarrera de algunos de mis ídolos.

GREG HETSON (Bad Religion, Punk Rock Karaoke) No cabe duda de que el punk rock estadounidense no sería lo mismo sin Greg Hetson (Bad Religion, Circle Jerks...), así que no podíamos dejar pasar la oportunidad de que contestase a las preguntas de nuestros lectores. ¿El motivo? Su gira al frente de Punk Rock Karaoke, banda en la que le acompañan músicos de Social Distortion, Dickies o Adolescents. Si quieres cantar con ellos canciones de Bad Religion, Rancid, Black Flag, Sex Pistols, Misfits o The Clash, pásate por alguno de sus conciertos españoles: Vitoria (10 noviembre, Helldorado), Madrid (11, Gruta 77) o Badalona (12, Estraperlo Club).

Vidal del Castillo. Alguna gente cree que el punk es de Inglaterra y el hardcore de los Estados Unidos. ¿Qué opinas tú?

Yo creo que todo empezó en Estados Unidos.

Lalo Carrascosa. Creo que eres el músico más punk que he visto en directo, pero ¿por qué hay un tema de The Runaways en la lista?

Gracias por pensar que soy Mr. Punk, pero creo que The Runaways fueron una banda de punk

muy influyente para otras mujeres. Fueron una de las primeras bandas femeninas en rockear de verdad.

los últimos veinte años?

Sobre todo que ahora están más aceptados y nunca volverá a temérseles como en el pasado.

Adrien Cano.

Teniendo en cuenta que empezaste en esto del punk muy joven, es posible que no tengas el mismo punto de vista sobre algunas cosas que tengo yo, pero... ¿me gustaría saber cuál fue la primera banda que te voló la tapa de los sesos?

Pues te diría que Ramones. El sonido de guitarra me enloqueció. Antes que ellos adoraba las guitarras de Creedence Clearwater Revival.

Jairo Peña. Si uno de los cantantes que salgan a tocar con vosotros empieza a cantar una canción de Ramones y lo hace francamente mal. ¿Qué harás?¿Le pegarás una patada en el culo?

(Risas) Por supuesto que no, no somos de esos.

Lo único que haremos será reírnos de él.

Dani Ju. ¿Crees que en la escena joven actual del hardcore puede nacer de nuevo el inconformismo o la actitud rebelde de los grandes días del punk a finales de los setenta o primeros ochenta en Estados Unidos? ¿O crees que se trata solo de la imagen y la ropa?

Estoy convencido de que puede seguir siendo rebelde, sobre todo en estos tiempos duros económicamente.

Jon Frederiksen.

Mr. Greg, ¿qué opinas de Green Day? ¿Crees que son punk por la moda o crees que tienen una filosofía realmente punk?

Adoro a Green Day. Están girando desde los tiempos en que sus padres debían llevarles en coche. Son unos tipos con mucho talento.

Alex Martínez.

¿Habéis tenido problemas entre los miembros de Punk Rock Karaoke para elegir los temas del listado que tocáis?

Por lo general no, pero hay canciones que a algunos no les gustan y a otros sí.

Koldo López.

¿Qué cambios crees que ha habido en el hardcore y el punk rock en

Jacobo Castro.

¿Hay algún grupo de punk español que hayas escuchado y que te guste?

Lo siento, pero solamente he podido escuchar a los grupos con los que hemos tocado. ■

PARTICIPA EN WWW.FACEBOOK.COM/MONDOSONORO

❚ Robert Quine ❚ Peter Momtchiloff (Talulah Gosh) ❚ Ibon Errazkin (Aventuras de Kirlian, Le Mans, Single) ❚ Billy Childish ❚ Robert Forster (The Go-Betweens) ❚ Lindsey Buckingham (Fleetwood Mac) ❚ Poison Ivy (The Cramps) ❚ Miguel Fresón (Los Fresones Rebeldes) ❚ Deniz Tek (Radio Birdman) ❚ Kimberley Rew (The Soft Boys) ■

Desde las barricadas con un Martini seco

Diez cantautores a tener en cuenta....

(Don Disturbios)

Os dejo una lista con diez caballeros de diferentes procedencias que por un motivo u otro han sido noticia a lo largo de este año y que van a pujar por hacerse un huequecito en el competitivo universo de la canción de autor, ya sea en clave folk, country, americana, rock... etc. Una hornada que demuestra que los tiempos que corren son prolijos para los cantautores de todo tipo y pelaje... aquí van diez canciones de diez cantautores a tener muy en cuenta. ❚ Josh T Pearson “Thou Art Loosed” ❚ Jonathan Wilson “Natural Rhapsody” ❚ Israel Nash Gripka “Drown” ❚ James Walbourne “The Hill” ❚ Kurt Vile “Jesus Fever” ❚ Gareth Liddiard “Strange Tourist” ❚ Brett Detar “Empty House On A Famous Hill” ❚ Gregory Alan Isakov “Virginia May” ❚ Jon Allen “Joanna” ❚ Marcus Foster “I Was Broken” ■

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