Mondo Sonoro abril 2020 by MONDO SONORO

Viva Belgrado Grita fuerte

FOTO: PABLO ALZAGA

Nº 282 Abril 2020 www.mondosonoro.com

GRISES, HINDS, LOS ENEMIGOS, SUU, NAJWA NIMRI, DESAKATO, NÚRIA GRAHAM, CRUZ CAFUNÉ, BAD BUNNY BODY COUNT, LEE RANALDO & RAÜL REFREE, HABITAR LA MAR, REDD KROSS, FUNDACIÓN TONY MANERO

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Desakato Con el viento de cara

“Seguimos aquí porque amamos lo que hacemos, ¡sería horrible hacer música y que no nos gustara!”

Año tras año el fenómeno de Desakato ha ido abriéndose camino en el panorama del rock de este país. Disco a disco, concierto a concierto los asturianos se han erigido una garantía para llenar escenarios y encabezas festivales. Ahora publican su sexto álbum, La miel de las flores muertas (Autoeditado, 20), sobre el que hablamos con Pablo Martínez, guitarrista, letrista y una de las voces del grupo.

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S UN TÍTULO UN POCO DISTÓPICO, nos evocaba al agotamiento de los recursos del planeta. Es una metáfora de una sociedad que se devora a si misma y que está al borde de la alienación”, nos cuenta el siempre amable y sonriente Pablo desde su cuartel general en Ovni Estudio, estudio de grabación que se ha convertido en lugar de peregrinación de bandas de todo el país. La miel de las flores muertas es un nuevo álbum con un sonido que significa la mayor evolución que ha realizado la banda en sus casi dos décadas de vida. El responsable de ello, el líder de Havalina, Manuel Cabezalí. “Manuel es un tipo al que admiramos desde hace años por su banda, Havalina. Nos encanta la oscuridad y la melodía que es capaz de transmitir y hemos sido seguidores desde siempre. Manuel tiene un concepto estético muy amplio y eso es lo

FOTO: ARCHIVO

7/Mondo freako

que nosotros queríamos conseguir con este disco, que cada tema tuviese su propia personalidad. No ha tenido en ningún momento prejuicios con respecto al circuito en el que nosotros nos solemos mover y ha sabido extraer lo mejor de cada tema así que le estamos muy agradecidos”. UNA NUEVA REFERENCIA de Desakato que llega meses después de terminar la gira de Antártida, un EP con el que recorrieron España, México, Inglaterra… y con el que llenaron dos noches consecutivas la madrileña sala La Riviera o encabezaban numerosos festivales. Los de Lugo de Llanera no se han escondido durante mucho tiempo. La gira del anterior disco ha sido muy intensa, y nos ha mantenido muy conectados con la música. Podría pensarse que, cuando un grupo tiene mucha actividad y muchos conciertos, tiene menos tiempo para componer, pero creo que en nuestro caso es diferente. Necesitamos esa conexión

abril 2020 #7

MONDO FREAKO

DISCOGRAFÍA

Con el viento de cara (2008)

con la música y con el público y así motivarnos y hacer canciones nuevas. Este disco ha tenido un proceso más largo tanto de composición como de producción y lo hemos disfrutado de una manera mucho más intensa. De hecho, el proceso de producción ha sido muy lento y muy minucioso y hemos conseguido un sonido diferente y arriesgado que es lo que pretendíamos desde siempre”. EN LA MIEL DE LAS FLORES MUERTAS podemos encontrar de nuevo una crítica a la sociedad de consumo y el sistema: es muy difícil escapar de la vida moderna y de las mieles y comodidades que nos ofrece. Nosotros mismos estamos en mayor o menor medida enganchados a todas las perversiones de la conexión masiva, la pornografía, el consumo abusivo, la idolatría del imbécil, etcétera. Pero creo que es sano reflexionar sobre ello para intentar tener una visión crítica de nuestro comportamiento e intentar no dejar que nos domine por completo”. EN ESTE ÚLTIMO ÁLBUM, destaca el nivel de las letras, algo que la banda siempre ha cuidado al detalle y una de las claves por las que el espectro de público con el que han conectado es amplio en cuanto a gustos y edades. Dentro del disco, su primer single, Hijo de puta, destaca en la manera en la que han afrontado la letra. “Hijo de puta es uno de los temas más llamativos del disco, quizás porque no solemos escribir de una forma tan directa. Solemos utilizar más metáforas, sin embargo, en esta ocasión me pareció necesario hacer un tema así de directo. Recuerdo que estaba buscando la forma de decirlo sin decirlo, de buscar un enfoque alternativo y al final decidí que lo mejor era darlo crudo”. —ALEJANDRO CASTRO

7/10

Un prometedor debut con las influencias bien marcadas en las tres raíces primigenias de la banda: La cultura asturiana, el punk rock californiano y el rock contestatario.

Miseria, sangre y plomo (2010)

7/10

Un segundo trabajo continuista, pero en el que ya se pueden ver por dónde irán los siguientes pasos de la banda: hacia la búsqueda de su propia personalidad.

Inercia (2012)

7/10

Aquí estamos ya ante una banda consolidada en el circuito nacional y que sigue afrontado su propia carrera.

Buen viaje (2014) 8/10

La banda se abre a influencias fuera del rock y del punk rock, algo que marcará sus trabajos a partir de este disco.

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EN CONCIERTO l Bilbao 17 abril, Santana 27 l Gurrea de Gallego 18 abril, Gurrea Rock l Villarrobledo 1 mayo, Viña Rock l Almería 10 mayo, Solazo Fest l Rivas Vaciamadrid 16 mayo, Rivas Rock l Santiago 30 mayo, Fontes Do Sar l Crevillente 13 junio, Marea Rock l Toro 9 y 20 junio, Vintoro Festival l Valencia 2 julio, sala por confirmar l Soria 17 julio, Soria Rock l Ayllón 18 julio, Fogo Rock l Barbate 24 y 25 julio, Cabo de Plata l Xixón 30 julio, Tsunami Xixón l Bueu 31 julio, Sonrias Baixas

#8 abril 2020

La Teoría del Fuego (2016)

8/10

Su mejor álbum hasta este 2020. Pablo y Pepo llegan a la sincronización casi perfecta y el nivel de las letras es

Antártida (2018) 9/10

A pesar de ser un epé, este es su trabajo más maduro hasta La Miel de las Flores Muertas (2020). Grabado en directo. Grandes estribillos que hicieron que esta cosecha de canciones le supieran a poco a mucha gente.—A.C.

LA MÍA Más ‘cornás’ da el hambre

anuel García Cuesta “El Espartero” fue un torero sevillano que terminó muriendo en Las Ventas a los veintinueve años cuando un Miura se lo llevó por delante. Pero más allá de los detalles de su muerte, El Espartero ha pasado a la Historia por unas palabras que pronunció cuando le preguntaron por el origen de su valor, un valor que rayaba lo suicida. Él respondió: “Más cornás da el hambre”. Escribo estas líneas desde Madrid un 11 de marzo con un precioso sol primaveral. La climatología de alguna forma ayuda a restar dramatismo a lo vivido los últimos días: espacios públicos cerrados, bares y restaurantes vacíos y muy poca gente en las calles, sobre todo si tenemos en cuenta el traqueteo de turistas que de unos años a esta parte colapsa como colesterol las arterias de la ciudad. Apenas ha pasado día y medio desde que el Gobierno de la Comunidad tomara la decisión de mandar a los niños para casa, horas desde que se haya hecho efectivo el cierre de espacios culturales. Un corto lapso de tiempo en el que ya hemos podido ver imágenes de supermercados arrasados que rozan el surrealismo. En estos momentos y a pesar de que en las pantallas espliquen la razón de ser de las medidas, todavía desconocemos a ciencia cierta la virulencia de esta epidemia, su peligrosidad en comparación con otros virus estacionales con los que estamos acostumbrados a convivir. A falta de lo que esté por venir, lo único que sabemos a ciencia cierta es que en estos momentos ya se ha paralizado la actividad económica del país. En el sector musical permanecemos a la espera de ver cómo se recibe el mensaje en territorios como Estados Unidos o Reino Unido de los que proceden la mayor parte de artistas y bandas que encabezan los carteles de festivales. Las pocas noticias que llegan al respecto hablan de giras que ante la imposibilidad de ser aseguradas no llegarán a llevarse a cabo. No en las próximas semanas: el escenario se alargaría durante meses. Es obviamente una situación de extrema gravedad que golpea de lleno a miles de personas que para comer a diario depende de ese trabajo: artistas, salas, técnicos, promotores y, sin ir más lejos, medios como el nuestro. Pero haciendo un ejercicio de positivismo –un tanto forzado a tenor de las circunstancias, cierto es– veamos esta crisis como una oportunidad. Una oportunidad para que los diferentes agentes que formamos el mundo de la música en nuestro país definitivamente unamos fuerzas bajo un solo paraguas que englobe las demandas de promotores, discográficas, salas y, por supuesto, músicos. Esa organización, que me consta que lleva un tiempo cocinándose, ha de velar por los intereses diferentes pero nunca contrapuestos de un sector que va a necesitar visibilizarse en cuanto la crisis sanitaria llegue a su fin. —LUIS J. MENÉNDEZ

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Grises Directos al frenesí

MONDO FREAKO

“Buscábamos hacer un o, disco loco, más direct que fuera una bomba en el escenario”

RISES ESTÁ AQUÍ DE NUEVO y lo están tras un breve descanso que ha servido para refrescar las ideas, embarcarse en otros proyectos y, sobre todo, para caer en la cuenta de la necesidad de seguir regalando música al mundo. Un lugar que, como bien se revela en su single de presentación, Amazonia Arde, vive en constante lucha por su supervivencia. Más si cabe ahora que el planeta está viviendo un drama inédito. “Lo que teníamos preparado para el inicio del disco se ha ido a la mierda. Íbamos a tocar en Bilbao, Gasteiz y Azpeitia para ir arrancando cerca de casa. El álbum en teoría salía el 27 de marzo, pero ya no sabemos qué pasará”, comenta Eñaut Gaztañaga, cantante y guitarrista de Grises. Cambio de planes que la banda comprende, pero que se presenta en un momento especial como grupo, la vuelta a la carretera tras un parón en el proyecto. “En enero decidimos parar aunque lo anunciamos más tarde. Estábamos un poco quemados. Es cierto que solo nos ha costado un año preparar el disco, pero ha servido también para hacer las cosas con más paciencia y menos presión”. Talismán es un trabajo compuesto por tan solo ocho temas pero que se revela como un torbellino de energía y agresividad sin dejar de lado las melodías pop que caracterizan a la banda. “Surgieron ideas en mi estudio, pero sin ningún rumbo. Queríamos un trabajo que fuera personal y hemos probado de todo por el camino. Buscábamos hacer un disco loco, más directo, que fuera una bomba en el escenario. Tiene un montón de sintetizadores analógicos, bastantes riffs, bien de fuzz... Pero sobre todo esa parte electrónica añadida que ha hecho que quede bastante curiosillo”. Buena muestra de ello es una de las colabora-

CRÍTICANDO Talismán

Autoeditado Rock 8/10

Grises regresan con un trabajo ambicioso, inconformista, directo y repleto de energía que nos descubre a una banda como nunca antes la habíamos visto. El rock adquiere ahora un protagonismo indudable sin dejar de lado en este proceso a las melodías pop y el toque electrónico y bailable marca de la casa. Ya no estoy a salvo aquí certifica que nos encontramos a unos Grises repletos de incertidumbres, pero a la vez con un espíritu arrollador que anticipa un futuro lleno de posibilidades para ellos. Misma tónica que en Azul, con la inestimable colaboración de Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly), y en la que nos encontramos frente a una banda abierta de par en par en su particular búsqueda de terrenos inexplorados. Si realmente algo tiene este álbum es que en tan solo veinticinco minutos uno puede llegar a experimentar el enorme trabajo, inquietudes y disfrute que hay detrás de este regreso. Anunciaron un parón, sí, pero tan solo fue para tomar impulso. —A.B.

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ciones del disco, Azul, que cuenta con la voz de Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly) y que desvela un ritmo trepidante en sus primeros compases. “El tema en cuestión le pegaba a Víctor y enseguida dijo que sí a colaborar. Se da el caso de que ambas bandas tienen algo de psicodelia, aunque cada una de forma diferente, y creo que nos hemos entendido muy bien en este proceso”. Pero no es la única canción del disco que cuenta con invitado. También es el caso de Galdu arte, con el acompañamiento de Jurgi Ekiza (Willis Drummond), en la que se ha convertido en la primera pista de estudio de la banda en euskera y en la que se vislumbran influencias de grupos como Battles y Ty Segall. “Hemos estado escuchando cosas que no tienen nada que ver con el rock. A nivel personal yo escucho grupos más guitarreros… Pero a nivel de grupo hemos estado con M.I.A., sobre todo en el terreno de las percusiones y la rítmica. Ha sido una influencia clara aunque en el disco no se vea tanto. También

hemos escuchado a Battles, ya que nos impresiona mucho como hacen arte de esa locura de ritmos raros y loops”. Es evidente el cambio y la evolución de Grises en este trabajo y la cierta expectación que produce en la banda el cómo será recibido, pero aun así no han querido incluir artificialmente más canciones para agradar a la base de fans de anteriores trabajos. “Han quedado bastantes ideas fuera. Los grupos cada vez hacen álbumes más cortos ya que a la gente le cuesta consumir un disco entero. Una banda puede hacer doce canciones y luego solo se escuchan tres. Y es cierto que igual tienes ganas de decir más, pero no hay tiempo para consumirlo. Ni siquiera a estas alturas sé si un trabajo de veinticinco minutos como el nuestro debe ser un álbum o un EP”. Damos fe de que es un disco, y muy bueno. —ALBERTO BONILLA

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FOTO: FIONA GARDEN

La espera no ha sido larga pero sí incierta. Vuelven Grises, pero no de forma discreta, sino a tres mil revoluciones. Talismán (Autoeditado, 20) es el trabajo más corto de la banda hasta la fecha pero también el más intenso en un repertorio que ya celebra la década. Ahora que el mundo parece que no volverá a ser igual, los de Zestoa redoblan la apuesta.

abril 2020 #11

MONDO FREAKO Amor, pesares generacionales y algo de sorna respecto a las críticas, construyen el discurso del álbum más redondo de Hinds en la producción. Melodías superlativas (Good Bad Times) y matices a un pop de frescura ineludible. The Prettiest Curse (Lucky Number, 20), un motivo más para no arrojar la toalla. A la venta el próximo 5 de junio

as mujeres dedican el doble de horas que los hombres al trabajo no pagado. Y las Hinds han invertido –mínimo– el triple de tiempo que cualquier grupo masculino a dar explicaciones. Bondades del patriarcado al margen, ellas no han arrojado la toalla estos años. Y el tiempo les ha dado la razón: encaran su tercer lanzamiento con una carrera consolidada y con su mejor disco bajo el brazo, The Prettiest Curse. En él, caben los pesares generacionales bajo melodías brillantes (Good Bad Times) y la sorna respecto a las críticas (Just Like Kids (Miau)). La frescura habitual, pero envasada con más tiempo y con más detalles, fruto de su trabajo con Jennifer Decilveo (Beth Ditto o The Strokes). Al sol de un parque de Madrid, responden Carlotta Cosials y Ana Perrote en representación del cuarteto madrileño. —Habéis roto barreras creativas. (Ana) El tiempo, por primera vez, ha jugado a nuestro favor. Hemos parado de girar y hemos hecho muchísimas más canciones. Las del disco son la crème de la crème, pero también ha salido mucha mierda [ríe]. (Carlota) Hicimos una preproducción en Madrid con Jennifer. Una semana dibujando las canciones para ver qué sonidos nos podrían interesar más. Investigamos qué clase de cosas íbamos a poder necesitar en Nueva York grabando. —Allí habría que aprovechar el tiempo... (Carlota) Hablándote en plata... ¡Era un pastón! —El trabajo de combo lo teníais. ¿Qué habéis descubierto sobre sonido? (Carlota) Parece obvio, pero ante diferentes estímulos hacemos melodías diferentes. La voz, el estado de ánimo, va a otros lugares. Por eso ha sido súper positivo haber metido nuevos instrumentos en el álbum. —En una entrevista reciente, hablabais de autoboicot. ¿Lo habéis superado? (Carlota) Sientes que a veces te tienes que lavar el cerebro en ese sentido. “Ese artista lo puede hacer, pero a nosotras

Hinds Bendita maldición

EL APUNTE

Consciencia “HAY COSAS QUE NO VEO muy artísticas para decirlas en las canciones. Cada tema tiene su sitio”, explica Ana Perrote, que ha hecho de sus stories en los últimos tiempos todo un canal informativo del zero waste. Intenta traspasar esa lucha fuera del 2.0. “No podemos decidir que un festival sea vegano, pero hacemos otras cosas: intentamos eliminar el plástico del vinilo. Pero hasta que las multinacionales no decidan que las fábricas tengan esa opción, no se podrá hacer nada. Al menos, ¡hemos conseguido mandar las camisetas en bolsas sin plástico!”. Menos margen, aquejan, hay con el precio de los tickets. “Nos raya muchísimo el precio de las entradas, porque hemos sido asiduas a bolos desde la adolescencia, cuando no teníamos ni un duro. En Estados Unidos hemos hecho un pack para poder comprar el vinilo muy rebajado, pero hay veces que no podemos hacer más”, dice Carlotta Cosials. —Y.S.I.

música cuando te dedicas a la música. Perderte la vida de tus seres queridos, que te dejen tus parejas o enamorarte de gente del mundillo porque no estás más que con teloneros. Cuando sientes que no vas a ser tan feliz con otra cosa como con la música, te ha llegado esa maldición. —¿El reto ahora es hacer menos y disfrutarlo más? (Ana) Tener una habitación cada una. No compartir cada noche. Son tonterías, pero tener una puerta que puedas cerrar e irte a tomar por culo tú sola… (Carlota) Con no compartir cama me conformo… [ríe]. (Ana) Son mini-lujos. Pero si es por sueños nos quedan mucho… ¡Un Wizink! (Carlota) ¡Un buen headlining en un festival tocho! —YERAY S. IBORRA

"Nuestra tour manager decía que la vida media de un grupo de chicas son ocho años"

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nos quedaría fatal”. ¿A nosotras, al ser tías, nos queda fatal? ¿Por qué? Lo primero es que una misma actúe con esa libertad con la que quiere que se la trate. —El patriarcado ha borrado referentes de bandas de chicas. Eso no ayuda. (Carlota) Haberlas las ha habido, pero un grupo de chicas suele tener una vida más corta. Nuestra tour manager pertenecía a Vivian Girls, y ella misma nos lo decía: “La vida media de un grupo de chicas son ocho años”. Luego el grupo se separa. —No rehuís de hablar sobre feminismos, pero desde los cuidados y el amor. ¿Vuestra vía es más coser que hablar de política desde la rabia? (Ana) Hay nuevas armas: el humor, como contra los haters en Just Like Kids (Miau). (Carlota) Cuando te distancias de la propia situación, puedas hablar mejor de ella. Distanciarse y verlo desde fuera permite relativizar y que no te amargue la vida. Lo que más cuesta en este mundo es sentirse feliz... —¿Habéis tenido que dar explicaciones de más como banda? (Ana) Por todo, sí [ríen]. (Carlota) Lo que más orgullosa me hace sentir es que no nos hayamos cansado. Cada colleja ha sido un “venga para adelante”. —Habéis consolidado eso de sacar disco y girar. ¿Cómo se puede cuidar uno en esos momentos? (Ana) Has descrito el título del álbum: la maldición más bonita. Esta es la vida que llevamos. Sacrificar todo menos la

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abril 2020 #13

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MONDO FREAKO

Los Enemigos De naturaleza animal

EN LA MALETA

“Teníamos ganas de caña, eso está claro. No hay más que oír el disco”. Las palabras de Josele contienen un entusiasmo extensible al resto de la banda, realmente impaciente en los días previos a la publicación de Bestieza (Alkilo Discos, 20). Son conscientes de haber dado en la tecla con su nuevo álbum, décimo larga duración exceptuando directos y bandas sonoras.

Showtek

Tras el nombre de Showtek se esconden los hermanos holandeses Sjoerd y Wouter Janssen, nombres indispensables de la colisión entre la EDM y el hardstyle. Casi veinte años de trayectoria en las salas y festivales de electrónica masiva, Showtek siguen publicando material que triunfa en las listas.

#14 abril 2020

“Teníamos verdaderaun necesidad de grabar disco así”

iez discos, una cifra señalada a la que llegan en forma y con las ideas mucho más claras de lo que incluso ellos mismos hubieran imaginado. “Vida inteligente (14) tenía canciones muy buenas, pero no la personalidad que tiene este, con

ómo empezásteis a pinchar? Nos propusieron pinchar en un club llamado The Danssalon en nuestra ciudad, Eidenhoven. Nos lo preguntaron porque nuestros discos se vendían muy bien y muchos DJ’s nos pinchaban en vinilo. Nunca habíamos soñado en convertirnos en DJ’s, sino que solamente queríamos hacer música. Cuando vimos a otros pinchando nuestra música y levantando los brazos al aire pensamos que debíamos ser nosotros los que estuvieran ahí. Así que, cuando nos propusieron ser residentes de una noche EDM en nuestra ciudad, nos dedicamos a practicar durante varias semanas para aprender. Así es como empezamos. No teníamos técnica, pero fue muy divertido aprender. —Han pasado unos ocho años desde Cannonball, uno de vuestros temas más conocidos. ¿Cómo veis vuestra carrera desde entonces? Lo que hemos querido durante todos estos años es reinventarnos y eso es precisamente lo que ocurrió cuando publicamos Cannonball, uno de los primeros grandes hits big room, que nos colocó en el mapa internacionalmente. Después del éxito de la canción continuamos haciendo canciones de EDM con gente como David Guetta, Tiesto, Steve Aoki y Major Lazer. Hemos querido crecer como artistas y creo que es algo que se evidencia en todo el material que vamos publicando

una coherencia y un peso específico muy currado. También ha sido muy terapéutico, teníamos verdadera necesidad de grabar un disco así”. Son tiempos de cambio en el núcleo enemigo, del que el año pasado se despedía Manolo Benítez, muy queri-

y con el que publicaremos durante este año. Seguiremos publicando canciones bailables, pero algunas de ellas son definitivamente un crossover. —¿Cuál de vuestras canciones favoritas nunca ha sonado en una de vuestras sesiones y por qué motivo? Siempre pinchamos nuestra propia música, algunas canciones más que otras, pero una canciones que solemos olvidarnos de pinchar o que no encontramos el momento de hacerlo es On Our Own, que hicimos con Brooks. Quizás no es un tema muy típico nuestro, pero nos gusta y no sé qué pasa pero parece que siempre la dejamos fuera en las sesiones. —¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj durante una sesión? Irse al lavabo y no volver a tiempo. —¿Cuál es vuestra opinión sobre la escena electrónica actual? ¿Cuáles son vuestros artistas favoritos de ahora? Todo ha cambiado mucho comparado con cinco años atrás. El sonido EDM se ha convertido en algo más underground nuevamente. Ahora mismo es complicado que muchos discos de electrónica se conviertan en hits globales. Y eso también supone más retos. Artistas que están haciendo cosas que nos gustan ahora mismo podrían ser Rave Radio, Dom Dolla, Moksi, Vintage Culture, Toby Green, Diplo, Solardo, Gammer, Matroda, Duke Dumont y todos los artistas de nuestro sello, Skink Records. —JAVI GAGO

do por los fans, guitarrista de apoyo y miembro oficial de la banda desde los últimos compases de su primera etapa. Una baja, según Fino, necesaria. “Fue un cambio que era vital para la supervivencia del grupo, para por lo menos tener ganas de enfrentarnos a un nuevo disco”. No tuvieron que irse demasiado lejos para dar con el relevo, entrando en escena un valor seguro como David Krahe (Los Coronas), quien lleva años acompañando a Josele en solitario. Ante la propuesta, Krahe ni lo dudó. “Sentí en parte responsabilidad, porque conoces el bagaje del grupo y porque has sido fan. Y a la vez mucha ilusión por formar parte de un proyecto así. Cuando me propusieron tocar en unos bolos me dije 'esto pasa muy rápido y si no lo hago ahora no lo voy a poder hacer nunca'”. El momento requería algo distinto, así que decidieron no repetir con Carlos Martos, productor habitual desde tiempos de La vida mata (GASA, 1990). Surgía así la posibilidad de reencontrarse con un viejo amigo, Carlos Hernández, quien fuera su técnico de sonido en los noventa, ahora productor de moda (Triángulo de Amor Bizarro, Carolina Durante). Escuchando explicarse a Josele, el material previo debía ser intenso, vigoroso. “Han sido las canciones las que nos llevan a Carlos. Vimos en el local que pedían músculo y una producción poderosa, y resulta que casualmente es su especialidad. No sé quién se acordó de él pero pensamos que era perfecto”.

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TAN. CERCA RRComo ya sabrás si estás leyendo esta revista en PDF, por primera vez en veinticinco años, Mondo Sonoro no distribuirá su revista en papel en el mes de abril, pero esa no es la única noticia que tenemos que ofrecer. Estrenamos nuestro primer podcast. Valientes. Diario de un Encierro contará con profesionales del sector cultural, músicos y actores que nos explicarán su experiencia durante estos días de aislamiento, compartiendo sus experiencias en esta nueva e insólita situación. En este primer podcast podremos escuchar a gente como Tarque, Muchachito Bombo Infierno, Macaco, Elyella o la actriz Elena Anaya.

Un tira y afloja en la grabación con, por lo visto, buenos resultados. “Metía baza cuando nos sentíamos seguros, básicamente para putearnos un poquito”.El segundo disco tras el regreso del grupo a los escenarios cumple la necesidad imperiosa de dar salida a una colección de canciones breves y urgentes. Y sentir esa impaciencia, reconoce Fino, es emocionante a estas alturas. “Que pase después de haber hechos tantos discos.... Estamos en la música por algo, seguimos haciendo canciones y seguimos teniendo esos nervios. Sentimos a nivel personal y artístico como que es un momento muy guay de Los Enemigos”.

—BRUNO CORRALES

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RRMarc Ros, cantante y compositor de Sidonie, publica su primera novela El regreso de Abba. Disponible en ebook desde hace días, se publicará en papel el próximo 21 de mayo. Esta novela de aire generacional está totalmente ligada con el que será el próximo disco del trío barcelonés, cuyo primer single de adelanto verá la luz el 10 de abril. RRAl mismo tiempo que aplazaba el lanzamiento de su nuevo trabajo, Posible, Bunbury ha puesto en abierto de forma gratuita en Youtube su documental Bunbury. El camino más largo. La película documenta de cerca su gira por Estados Unidos con Los Santos Inocentes, acercándonos a la leyenda en un terreno muy lejano a su Zaragoza natal.

SUU La buena ventura Que la joven barcelonesa se hizo famosa con quince años subiendo canciones a Instagram ya empieza a ser una anécdota. Esta red social continúa siendo un baño de masas importante para Susana Ventura pero, a estas alturas, su segundo disco Ventura (Halley, 20), es quien se lleva toda la atención.

A GENERACIÓN Z necesitaba referentes cercanos y entonces llegó Suu con sus canciones en Instagram, que colgaba para hacerse unas risas con sus amigos. A la esencia de esos inicios, se le ha sumado desde hace un par de años la adaptación al engranaje comercial. El álbum que publica ahora se sitúa más en la línea del pop limpio, bonito y, seguramente, masivo, que en la del mestizaje cantautoril de sus principios. La conexión entre la Suu de ahora y la de entonces es el hablar de su entorno. “Cada canción del disco va de una persona en concreto y todo es gente que he tenido muy cerca en algún momento de mi vida”. Amigas, parejas, ligues, desconocidos que pasan a ser familia, todos aparecen en el disco aunque ella sea reticente a dar la información a alguno de ellos. “Tantdebo va de un ex ligue que tuve hace mucho tiempo y que me tocó mucho, en este caso yo no le he dicho nada porque no le quiero hacer la putada, pero la canción suena constantemente por la radio y sé que la persona en cuestión escucha la radio”. A diferencia de Miley Cirus, que era más de torturar a sus ex parejas con canciones, Susana es más de “hacerte una canción bonita, pero que no lo sepas”. SI LA GENTE DE SU EDAD se refleja en ella, será porque habla su mismo idioma. Y no me refiero al catalán o castellano, sino a detalles como que muchas de sus canciones no tienen

género. “Si hablas solo a tu género contrario estás encasillando a tu público. Si lo haces sin género ya no le obligas a ser chico o chica”, comenta Suu con la naturalidad de sus veinte años. El hecho de contar con una legión de fans numerosísima (setenta mil en Instagram) y que muchos de ellos sean más jóvenes que ella, no le preocupa. “Mi responsabilidad empieza y acaba conmigo misma, no creo que tenga que educar a nadie, ya hay colegios y padres para eso. Con mi música solo puedo ayudar a que la gente que me escuche encamine sus pensamientos hacía sitios concretos”. LAS COORDENADAS DE ESTE DISCO son las de un sonido moderno, ultimado por Carlos Sadness (productor) y Jordi Bastida de Trau y Els Pets (director musical), que se aleja de los vientos fiesteros. De las pocas concesiones que hay a su pasado, encontramos la canción con Adrià Salas (La Pegatina). “Es un homenaje. Desde los once años tenía apuntado ‘colaborar con La Pegatina’ a la lista de cosas por hacer”. Cumpliendo sueños, así va creciendo Suu que a día de hoy encuentra más difícil cantar para cinco personas que para cinco mil. “Cuando tocas en frente de un gran público, ves tantas opiniones distintas que no te centras en ninguna y todo va bien. Cuando hay poca gente me pongo más nerviosa”. —MARCEL PUJOLS

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RRSon infinidad los conciertos y

l Bilbao 24 abril, Kafé Antzokia l Zaragoza 25 abril, Oasis l Murcia Mayo, Warm Up Estrella Levante l Sevilla 8 mayo, Custom l Granada 9 mayo, Industrial Copera l Valencia 22 mayo, Moon l Madrid 29 mayo, La Riviera l Albacete 30 mayo, Clandestino

“Mi responsabilidad empieza y acaba conmigo misma”

RRYa nos hemos acostumbrado a que Rosalía vaya publicando temas de vez en cuando. Bien, pues acaba de soltar nueva composición, Dolerme. Esta vez además apuesta por la guitarra acústica como eje principal de una composición que llega en plena cuarentena a causa de la crisis del Coronavirus. La sensual voz de Rosalía va desarrollando la melodía sobre una canción que esta vez huye de sonidos reggaeton, trap, etcétera.—MS

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EN CONCIERTO

los festivales que están aplazando sus fechas durante los próximos meses. Para descubrirlas te instamos a que visites nuestra web. En todo caso, el último festival que ha pasado nuevas fechas antes del cierre de este número es el SanSan Festival, que se traslada a los días 9 a 11 de octubre.

abril 2020 #15

Escucha aquí el primer Podcast de MondoSonoro https://open.spotify.com/show/2CiqSlMUdI6oxV1NCqNOG1?t=0

>>Si tienes una historia que contar, mandar ánimos o simplemente decirnos qué música te acompaña estos días, adjúntanos una nota de voz indicándonos en el audio tu nombre, ciudad y profesión a: valientes@mondosonoro.com

“

Najwa Nimri La mujer misteriosa

Lo nuevo de Najwa Nimri llega en un momento espectacular para su popularidad como actriz. Por tanto, a los que ya seguíamos su recorrido musical probablemente se nos unan muchos que descubran ahora esta faceta con Viene de largo (Mushroom Pillow, 20), y que probablemente a raíz de él se animen a revisar el resto de su discografía.

Con su debut, Ala.ni nos atrapó con música que no obedecía a épocas. En cambio, con su continuación, Acca (Oceanic Global, 20) lo consigue con un disco atrevido y más moderno, en el que acerca su propuesta al sonido de hoy en día.

la.ni da un paso adelante y huye de etiquetas en Acca, un trabajo en el que tanto caben las referencias a Broadway (Hide), como algo de reggae y sonido de brass band (Sha La La) e incluso un sonido más ambiental y un tono más oscuro (Wales). “Siempre compongo a capela, mis piezas nacen así. En este caso, y hasta completar el álbum, reconozco que no había nada premeditado. Hay un buen equilibrio entre canciones, presté mucha atención al orden de las mismas para no distorsionar nada. Es muy sensual y, sobre todo, se trata de composiciones que se pueden trasladar perfectamente al directo. Para mí, eso es lo más importante”. Lo que es evidente es que, por lo que a música respecta, Ala.ni no se cierra a nada. “Ahora escucho mucha música brasileña. Es un descubrimiento. Me relaja y al mismo tiempo es un sonido muy caliente. Necesito conocer más, aunque si quieres que te diga la verdad lo más apasionante lo viví el pasado verano en Nueva York. Una vez al año Bobby McFerrin reúne a gente de todo el mundo y les hace participar en su propio concierto. Yo estuve ahí y te aseguro que es alucinante”. Y ya que hablamos de otros artistas, cabe destacar la participación de Iggy Pop, que aporta su sello particular en la canción Le Diplomate. “Iggy Pop es fan mío. Lo dijo en un programa de radio y yo pensé: ‘¡Oh, dios mío, ese hombre ama lo que hago!’... Es una fuerza de la naturaleza. ¿Dónde tengo que firmar para estar como él a los setenta y dos años”. Cambiando de tercio, Ala.ni interpretó la banda sonora de La librería de Isabel Coixet. Un honor, otra oportunidad para demostrar su talento. “Estoy muy agradecida por formar parte de una película. Al cine voy pero a sesiones raras, o a primera hora o a última, no tolero mucho a la gente cuando voy a una sala de cine. Sobre todo, a los que comen”.

IENE DE LARGO NO ESTÁ NADA MAL y aporta cambios en la trayectoria de la actriz y cantante. Según me cuenta, tenía las letras desde hace mucho, pero ha ido variando su producción, pasando por muchas ideas distintas. El resultado es un disco cuya onda general es “la cara oculta, el precio que hay que pagar. Todo lo que no se habla, se canta. Todas las canciones están teñidas de lo mismo”. ¿De cabreo? “De ser un ciudadano en 2020. Pero hablo en primera persona. Hablo de que yo soy todo eso malo y yo soy todo eso bueno. No deposito la culpa en el resto”. El disco supone también su vuelta al castellano, y ya dijo anteriormente que cantar en nuestro idioma en Donde rugen los volcanes le hizo sentirse muy vulnerable. “Aquí no, pero porque allí hablaba de mi universo, y este es una especie de ‘contra’. Más allá del universo es como si yo tuviera un escudo. Este disco me pilla rodando, me pilla en personajes bastante extremos... Supongo que están teñidos de eso también.

Supongo que, en un mundo ideal, sería una persona mucho más tranquila”. Pues sí, Viene de largo ha pillado a Najwa Nimri rodando, y eso influye también en su parte visual. “Como estoy con un pie en cada mundo, los videoclips han dejado de tener sentido para mí si no tienen ese punto cinematográfico. Quieren que saque otro, y yo quiero que sea así... Pero son ideas caras, con lo que es complicado”. Su trabajo como actriz le ha creado una imagen de “misteriosa” que, tras Vis a Vis y La casa de papel, se ha expandido además a nuevas generaciones. “Más allá de que a mí me guste hablar de mí misma como una creadora que va por libre, no dejo de formar parte de este juego absurdo. Y dentro de este juego absurdo la gente me coloca donde lo necesita. De ahí vienen unas expectativas en las que parte de lo que proyecto es real, y la otra parte no deja de ser la proyección de los demás. Y de esa no me hago cargo”. ME COMENTA, ADEMÁS, que parte del misterio a su alrededor está en que ella no es muy dada a exponer su privacidad, por lo que la imagen que se toma, se toma más de sus personajes que de ella misma. “Mira, seguramente si estuviese en algún programa de estos de Telecinco, de la isla o cualquier cosa de estas, el misterio lo perdería rápido. (...) Como el resto de los mortales me levanto, me acuesto, como, voy al baño, ¿sabes? Pero todo eso no es lo que me gusta mostrar de mí. Porque donde pongo mi lado creativo tiene que ver con lo que de verdad me inquieta, y eso tiene que ver con los misterios de la vida. Podría hacer un canal con Iker...”. —PABLO TOCINO

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rte “No dejo de formar pa de este juego absurdo”

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Ala.ni Pulso al presente

—TONI CASTARNADO

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abril 2020 #17

Algiers Música rebelde

Algiers se han hecho un nombre con una música que mezcla góspel y post punk, y un mensaje incendiario que no deja indiferente. Una banda que sigue el legado de agitación de grupos como The Clash o Rage Against The Machine. Ahora presentan su tercer disco, There Is No Year (Matador/Popstock! 20), un disco más cohesionado que su anterior obra, The Underside Of Power, que a ellos mismos les sonaba más “a una colección de canciones”.

U OPORTUNIDAD como teloneros de Depeche Mode les ha dado a conocer a un público más amplio pero, a pesar de reconocer la increíble experiencia “comíamos al lado del puto Martin Gore” y deshacerse en elogios “todos nos trataron muy bien, de Dave Gahan hacia abajo” no quieren que la alargada sombra de los creadores de Black Celebration se cierna sobre ellos. Cuando dejo caer que una de sus canciones, Chaka, me los recuerda, se revuelven y dejan claro que crecieron con el punk, despreciando a una banda que, en su juventud, consideraban “una mierda mainstream”. Aunque no tienen reparos en reconocer que ya no piensan eso ven en el hecho de que varias personas les hayan señalado lo mismo una simple consecuencia de su relación con los de Gore. Y ES QUE ESTA BANDA, y en especial su cantante, Franklin James Fisher, son bastante susceptibles con lo que se dice sobre ellos. Algo normal, por otra parte, pues su color de piel condiciona casi todo lo que se escribe sobre ellos, como se pudo ver en la desfavorable crítica que hizo Pitchfork a su anterior trabajo, lo que llevó a la creación de Can The Sub_Bass Speak?, una caótica pieza de free jazz que inició este proyecto y en la que Fisher volcó “todo lo que me han estado llamando durante toda mi vida”, dejando claro que “si quieres saber cómo me siento sobre ello, está todo en la canción”. THERE IS NO YEAR es un disco abrasivo que está cohesionado por unas letras que surgen de Misophonia, un largo poema compuesto por el cantante Franklin James Fisher en medio de una etapa personal protagonizada por la ansiedad. El nombre viene de una enfermedad que “signifi-

ca literalmente odiar el sonido” y hace que el disco esté lleno de frases apocalípticas tipo “Run away from your America, while it burns in the streets”, “Everything starts to fade, under the weight of silence” o “Don’t forget it’s us against them”. "Siempre son ellos los que comienzan una guerra, no nosotros. Siempre es alguien con poder el que toma ese tipo de decisiones. Nos enteramos que estamos en guerra y que nos tenemos que matar unos a

EL APUNTE

Triada sin fisura alguna otros, así que para mí eso es lo que significa 'nosotros contra ellos’, porque en la política americana siempre se toman las decisiones de manera personal y tenemos que darnos cuenta que 'nosotros' somos los que tenemos que lidiar con ellas, somos un colectivo". Y es que Algiers no son ajenos al signo de los tiempos, a esta época de Trump y Brexit. “No hay grandes razones para ser optimistas”, pero también es el momento de “ser activista y no rendirse”. Y es que, como ellos mismos afirman, su posición entronca con “cierta tradición de música rebelde. Desde nuestra experiencia personal la música gospel es, desde un punto de vista secular, música rebelde y la gente se reúne y la canta, así que, para mí, es como en la tradición de las ‘work songs’. Para mí eso ya son canciones punk, y nosotros tratamos de ser parte de esa historia... A mí me encantan The Clash, pero no solo por la política sino por su aceptación de lo que son y dónde pertenecen con su música, el hecho de que su música sea música negra y así lo reconozcan, Joe Strummer nunca hubiera dicho 'nosotros hemos inventado esto'”. —SERGIO ARIZA

COMO CON CUALQUIER banda surtida de eslóganes sociopolíticos no precisamente sutiles, y no digamos ya si cada uno de sus tres álbumes llega avalado con la producción de tres ingenieros de sonido distintos, con Algiers podría asomar la sombra de la duda acerca de la solidez de su propuesta. Una simple escucha a There Is No Year, el siempre difícil tercer álbum, la borra de un plumazo, porque ahora los de Atlanta (con Randall Dunn y Ben Greenberg, productores de Sunn O))) o Johann Johannsson) suenan quizá más directos y convincentes que nunca, una pizca más electrónicos aún, desde ese tema titular que parece un cruce entre Suicide y Sly & The Family Stone, sin abjurar de ninguno de los ingredientes –post punk, gospel, blues, jazz rock– que les han hecho acreedores de mejor relevo a TV on The Radio. Si Algiers (2015) fue un rotundo aldabonazo y The Underside Of Power (2017) una solvente reválida marcada por el Brexit, el triunfo de Trump, la incorporación de Matt Tong (Bloc Party) como batería y la producción de Adrian Utley (Portishead), su nueva maniobra apuntala una de las triadas iniciales más robustas de cualquier banda de rock en la última década. Sin fisuras. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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“El gospel es música rebelde... Para mí ya son canciones punk”

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MONDO FREAKO

abril 2020 #19

Bad Bunny, en Pitchfork

“La música es el único lugar en el que todos estamos bajo un paraguas y no preguntas a los demás si son republicanos o demócratas, si son judíos o musulmanes. Se trata solamente de estar ahí y disfrutar juntos” Al Barr, de Dropkick Murphys, en NME

“Conocimos a Chris Martin en 2001, en un festival. Nos contó lo mucho que le gustaban Ash y que le habíamos inspirado a formar un grupo. Pensó: ‘estos chavales tienen mi edad y ya tienen hits en la radio, ¿por qué no yo?” Rick McMurray, de Ash, en Rockzone.com

“En 2016 sufrí un accidente con un jet. Cuando el avión se estrellaba, lo único que pensé era: 'No tuve hijos'”

Núria Graham Felicidad y tristeza Marjorie (El Segell, 20) es el nuevo disco de Núria Graham. Una obra que dinamita las fronteras entre persona y obra. Que travesea entre la necesidad de indagación personal y la generosidad de compartirlo. Ese conocerse para que te conozcan.

ABÍA UNA GUERRA conmigo misma, un cierto sufrimiento romántico, una nostalgia impregnada en todo lo que hacía. Esta es la fuente de la que bebía cuando empecé a hacer el disco, como querer marchar de alguna cosa que no sé qué es. Una vez acabado el disco esta angustia se diluye. Me he quedado mucho más descansada”. A través de la creación artística, estas canciones anhelan una universalidad, un arañazo a la sombra individual que se aferra al gran tuétano del inconsciente colectivo. “Hay varias Núrias, pero la Núria que escribe canciones creo que siempre va unos cinco meses adelantada a los hechos. Cuando leo las letras atentamente lo percibo claramente. Me doy cuenta de que predigo lo que va a pasar sin tener ninguna conciencia de ello mientras lo escribo. La Núria que escribe canciones está más conectada con mi esencia y es más sincera que la Núria más social. Ella es la que me ayuda a expresar mis sentimientos. Aunque a veces me espanta un poco oírla”. Una carrera de lo relativo a lo absoluto que nos permite gozar de unas canciones que más que composiciones son diferentes Núrias gritando al universo. “Me siento aprisionada en esta ansiedad del amor y todo lo que veo de malo en otra persona lo acabo viendo en mí. Yo creo que soy una persona feliz y la tristeza no protagoniza mis estados de ánimo ordinarios, pero es verdad que creativamente estoy ligada a la tristeza y la nostalgia. Pero también es cierto que este lado más triste sirve para que mi parte más luminosa tenga sentido. Sin esa tristeza no

J. Balvin, en El País Semanal

“ME GUSTARÍA QUE EL FUTURO DE LA MÚSICA TRAJESE UNA REVOLUCIÓN PACÍFICA QUE CAMBIE EL PARADIGMA, PERO PROBABLEMENTE SOLA HABRÁ FASCISMO GALÁCTICO” Killer Mike, de Run The Jewels, en Consequence Of Sound

#20 abril 2020

existiría mi felicidad. Pero tengo que admitir que sin ella no sé muy bien de qué hablaría”. NOS ENCONTRAMOS DELANTE de una artista con el mojo en plena vibración, que rebusca en sus raíces iluminada por un camino que no tiene ni principio ni fin. “No estaba en mi cabeza ir a buscar mis raíces, pero de forma inconsciente ha ocurrido así. Yo creo que, a medida que la vida va pasando, hay partes de ti que no acabas de entender o no conoces y, a veces, las respuestas no las encuentras en una búsqueda interior sino más bien yendo hacia fuera. Marjorie o Connemara son ejemplos de esta energía de ir hacia fuera y de búsqueda de un pasado que yo no he vivido, pero que de alguna manera encarno. Voy a Irlanda, no para descubrir mis raíces de tradición irlandesa, sino para encontrarme con mi pasado. Me intento ver reflejada en esa idiosincrasia irlandesa que es a la vez un tema muy universal. Todos escapamos de alguna cosa, pero muchos no sabemos muy bien de qué”. En Marjorie cada canción tiene una razón de ser. Es un pedazo más de ese puzle que todos somos y que Núria explora con valentía y curiosidad. Es un álbum que es familia, con clara vocación de integrar y no escindir. ¿Una invitación a que todos hagamos lo mismo? “Cada vez estoy construyendo lazos más fuertes con las personas a las que quiero y esta es mi verdadera fuente de inspiración. Mis principios son mi gente. Esto sería el resumen contundente de lo que pretendía explicarte. Como dicen Furguson: ‘My friends are my culture’”. —ANDREU CUNILL CLARES

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EN CONCIERTO l Manresa 10 mayo, Faba l Sabadell 12 mayo, Embassa’t l Solsona 16 mayo, Festival de Pop Metafísic l Terrassa 17 mayo, Nova Jazz Cava l Palma de Mallorca 22 mayo, Novo Café Lisboa l Manacor 23 mayo, Can Lliró l Barcelona 06 junio, Primavera Sound l Vilanova i La Geltrú 04 julio, Vida Festival l Sant Boi 17-18 julio, Cantilafont l A Coruña 25 julio, Atlantic Fest l Ourense 04 octubre, Café Torgal

canciones "La Núria que escribe n mi está más conectada co era" esencia y es más sinc mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: MARC CUSCO

WALA. WALA.

“El disco anterior surgió de un período más existencial. No me sentía bien con el éxito, las giras, todo el dinero, la popularidad, la fama y todo eso”

ELEFANT RECORDS PRESENTA:

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BELLE & SEBASTIAN·DEVENDRA BANHART·!!!(Chk Chk Chk) CATE LE BON·BAXTER DURY·DAN DEACON·MARIA JOSÉ LLERGO SEN SENRA·SPORTS TEAM·FRENCH 79·ENRIC MONTEFUSCO EVE OWEN·CAMELLOS·ZULU ZULU·BRONQUIO LA TRINIDAD·HICKEYS·MARETA BUFONA·MYÕBOKU·JORDI SERRADELL

NILS FRAHM·ANGEL OLSEN·BLACK PUMAS DAMIEN JURADO·NICK MURPHY DJ SET·FRANC MOODY·FERRAN PALAU·NÚRIA GRAHAM TVERSKY·LJUBLIANA & THE SEAWOLF·PACOSAN MELENAS·CHAQUETA DE CHÁNDAL·MERITXELL NEDDERMANN·PAULA VALLS·HIJOS DEL TRUENO CANDELEROS·TARTA RELENA·COR BLANC·PAT T SMITH·MASONIERÍA·MACHINDA DJ ÚLTIMS ABONAMENTS A LA VENDA VILANOVA I LA GELTRÚ Patrocinador Principal:

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Louta La revancha del nerd El argentino Jaime James ha creado un personaje, Louta, que desarrolla tanto en los escenarios como en estudio y, por extensión, ha tomado ya su vida diaria. Tras un segundo disco, Enchastre (Sony Music Argentina, 18) –que le valió el premio Carlos Gardel a Mejor Álbum Pop Alternativo–, ha estado en festivales importantes e incluso ha visitado España. Ahora publica nuevo single, Coco Shanel, avance de sus próximos pasos.

LOS DISCOS DE MI VIDA

Yawners

El dúo madrileño está de gira de presentación de Just Calm Down (La Castanya, 19), su segundo larga duración y un destacado paso adelante en su trayectoria. Aprovechamos la ocasión para que Elena Nieto (cantante y guitarra) nos descubra los seis discos de su vida.

Green Day

Weezer

Pavement

Creo que ha sido uno de los discos que más me ha influenciado de base a la hora de hacer mis propias canciones. Lo descubrí de muy pequeña y seguro que cuanto antes te obsesionas con algo más te acaba influenciando a la larga.

También del 94, un año después de que yo empezase a existir (risas). Una buena colección de temazos, mi favorita es la de “The Sweater Song”. Una de las cosas que más me gustan de Weezer son las armonías de voces. No podía faltar uno de Weezer. Soy un poco pesada con ellos, la verdad.

Pues… también del 94. Lo habré escuchado miles de veces y me lo pillé el año pasado en Breakaway Records, una tienda de discos de Austin, cuando fuimos at tocar al SXSW. Hicimos un showcase allí y me pillé ese y el de Slint.

Blink 182

Joyce Manor

Tigers Jaw

Disco de cabecera de mis años de instituto. Aprendí a tocar la guitarra haciendo covers de este disco y algunos otros. Aunque ahora me ponga la guitarra por el sobaco no significa que no siga siendo una true fan de Blink 182.

Al terminar 2019 con todo el hype de empezar una nueva década, Spotify me dijo que este era el disco que más había escuchado en los últimos diez años en su plataforma, y me lo creo. Cuando empecé a tocar en mi primer grupo, SPPPACE, era prácticamente lo único que escuchaba.

Algunas canciones tristes, algunas que remontan, armonías de voces super guapas… Este disco es increíble y mega bonito, muy emo claro. Les vi en Hamburgo hace unos años y fue muy emotivo. Tengo una gorra de merch del grupo... —MS

Enema Of The State (1999)

Blue Album (1994)

Never Hungover Again (2014)

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Crooked Rain, Crooked Rain (1994)

corriendo atrás de formatos ya inventados. —Eso también se ve en la música que haces, sin encasillarte en ningún estilo. Al contrario, es un compendio entre muchísimos como el rap, funk, indie... Exacto. No creo tanto en la necesidad de ser innovador en la forma. En realidad, la forma debe ser innovadora cuando acompaña un contenido que es original. Cuando el contenido está, la forma abraza de una manera natural. Uno tiene que ser creativo y sincero. —¿Cómo te ayudó haber hecho de DJ en el pasado? Cuando estás de DJ, escuchas los temas sintiéndolos con la gente y sabes cómo funcionan los tiempos: cuando un tema se hace largo, qué momentos del tema son necesarios... Además, entiendes la necesidad de los respiros en las canciones. Ahí te das cuenta cómo los reguetoneros entendieron la música para clubs de una manera única. Algunos temas de la época de Britney Spears también, cuando producían Timbaland o Sean Paul, que buscaban eso y lograron un pop que sonaba genial en la pista de baile. —KAREN MONTERO

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Tigers Jaw (2008)

“ Los reguetoneros entendieron la música para clubs de una manera única”

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Dookie (1994)

ace poco volviste de España, donde diste cuatro conciertos. ¿Cómo llevas el éxito de tu proyecto? Siempre me divierte que el proyecto pueda expandirse para hacer más cosas. Para mí, haber ido a España a tocar es tremendo flash porque es genial ver la expansión de mi música y escuchar las canciones a través de oídos nuevos. También me abre la visión de ver lo que quiero hacer. —¿Louta eres solo tú o engloba este proyecto musical que estás haciendo? Louta es todo el proyecto, pero también me llaman Louta a mí. No importa, es toda la pelota. Siento que llegó un momento en la historia de la música en el que uno puede saltar entre estilos musicales y formas de shows sin tanta definición. Y así la hacemos nosotros. —En tus shows, recreas escenas casi teatrales con una escenografía pensada al detalle. ¿Cómo se te ocurrió hacerlos así? Fue sobre la marcha. Me salió de dentro encontrar mi propio formato y cuando lo fui encontrando, vi cómo agregarlo a algo que ya era propio. Primero habité ese terreno y después incluí elementos que yo mismo ya estaba encontrando. Uno entiende que tiene una necesidad y el formato se adapta a ella. Me parece lindo encontrar formatos que abracen las necesidades de cada uno y no estar

abril 2020 #23

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"Contando lunares la ra hicimos vacilando pa las risas"

Cruz Cafuné Londres y Toronto desde el 922

Cruz Cafuné acaba de presentar Moonlight922 (Mécèn, 20), una mixtape que es también su segundo larga duración. En este trabajo, y tras el éxito de su primer disco, el artista canario ha vuelto a sorprender con una apuesta clara por la mezcla; la de los sonidos que tanto suenan en el mundo sajón (como el drill) con la esencia de las Islas Canarias, uno de los focos actuales de la escena de nuestro país.

ES QUE LA ASCENSIÓN de Cruz Cafuné en el panorama urbano español en los últimos años ha sido sencillamente espectacular. Después de lograr salir de las catacumbas de Internet gracias a un tema viral como Mi casa, en 2018 adquiría peso específico con Maracucho Bueno Muere Chiquito (18), un disco narrativo en el que, al modo de los grandes artistas del rap norteamericano, se presentaba en sociedad contando quién era y de dónde venía. “Maracucho Bueno Muere chiquito, mi primer álbum, fue como un intento de hacer política ‘entre comillas’. No hacer política, sino que para mí era importante plasmar un poco la realidad de la clase obrera y creo que no se entendió. No sé si por los temas, los skits, la historia o que la gente no escuchaba el disco seguido. Al final simplemente la gente decía que era un álbum de rap gangster y ya está. Pero nada más lejos de la realidad”. POR SI FUERA POCO, a principios de 2019 veía la luz la que ha sido la canción más escuchada del año en España, Contando lunares de Don Patricio, en la que Cruz Cafuné cantaba junto al de Locoplaya unas barras llenas de canarismos que todo el país ha terminado por aprenderse de memoria. “Es raro que haya sido Contando lunares. Como dices la letra es muy local, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

con un verso solo con canarismos, y tiene ¿siete, ocho MY platinos? Es muy heavy en los estudios cuando hay gente escribiendo. Hay tres, cuatro escritores que es- CY tán haciendo una letra para un artista con exposiciónCMY y se masca mucho la letra (...) Y por la cara, de repente, esa canción que la hicimos vacilando para las risas... K Patri (Don Patricio) nos pasó el disco antes de que saliera para escucharlo y dijimos: va bien, esa canción está guay pero la que se va a pegar es Enchochado de ti y, de repente, se pegó esa. No sé explicarlo. Muy guay, de puta madre. Un accidente feliz”. LA REALIDAD ES QUE LA ESCENA canaria ha conseguido subirse a la cresta de la ola a la vez que Cruz Cafuné. Desde que su paisano Bejo entrara con fuerza como uno de los máximos representantes, la influencia de las islas ha ido creciendo exponencialmente. El de Mi Isla/10k tiene muy claro lo que espera de este nuevo movimiento. “Hay una cosa que odio y es que los tastemakers suelen ser peña moderna y que quiere estar en la cresta de la ola, y para estar en la cresta tienes que traer cosas a la mesa siempre y con la escena canaria no quiero que sea ahora esto y más adelante el folklore rumano, si no que de verdad aprecien lo que esta haciéndose en las islas. Hay un montón de gente talentosa que merece atención y las propuestas artísticas que se están haciendo son muy frescas. Que no sea solo un tag en la nube de tags que sea #escenacanaria y que ahora esté bien y en dos años no”. Ahora, Cruz Cafuné vuelve a estar de enhorabuena. Moonlight922 es una mixtape que se aleja de la narratividad de su primer trabajo y que se torna más descriptiva. El canario ha conseguido combinar sus influencias con el acervo cultural de su tierra. —LUIS M. MAÍNEZ

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abril 2020 #25

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Body Count El pecado de la carne

Adalides del rap metal, Body Count vuelven a la carga con Carnivore (Cantury Media, 20), su tercer largo en la segunda etapa en su carrera emprendida por los californianos en 2009. El icónico rimador Ice-T nos descubre los detalles de esta salvajada perpetrada a golpe de riff lacerante y versos amenazantes.

Power Of Dreams ts And Me Polydor, 1990 INDIE / EN 1990 EL POP ALTERNATIVO de las Islas estaba en una encrucijada entre los últimos coletazos de la era C-86, el shoegaze y el desmadre de Madchester. Esta tierra de nadie dio cobijo a bandas sin etiquetas que tuvieron su momento de gloria justo antes que el britpop glorificara el revival sin complejos. Formados en Dublín por los hermanos Craig (voz, guitarra) y Keith Walker (batería) y el bajista Michael Lennon, Power Of Dreams irrumpieron (EP inicial aparte) con un memorable debut para Polydor. Sobriedad instrumental para canciones bien construidas: guitarras mayormente limpias y acústicas, estribillos rotundos, guiños al folk local. Ante todo, una luminosidad melódica exultante y melancólica a partes iguales, combinada con baterías fogosas y un romanticismo adolescente que les hacía distintos. Más allá del título del álbum, el cinismo y la ironía brillan aquí por su ausencia. PERO SI UN TEMA DOMINa el álbum es el de la pérdida de la inocencia. The Jokes On Me, Talk y la vibrante Stay destilan su propuesta, con referencias al acoso escolar y las miserias del mundo adulto. La voz vulnerable del compositor Craig Walker expresa desencanto con naturalidad y una rara candidez que no empalaga. Se suceden fracasos sentimentales (Had You Listened, Where Is The Love, la preciosa Máire I Don’t Love You), que se benefician de una sensibilidad a flor de piel. La inspiración compositiva de Walker brilla con puntuales momentos airados (Never Told You), maravillas pop como Bring You Down o el encantador ritmo trotón de Much Too Much (o cómo soportar con estoicismo el matonismo en el patio de recreo). Hasta se atreven a lanzarle una divertida andanada a sus compatriotas U2 –entonces, en la resaca del gigantismo filoamericano de Rattle & Hum– y a la cultura rave dominante: Never Been To Texas. La emocionante e intensa 100 Ways To Kill A Love cierra un disco de una pureza y coherencia exquisitas, que tres décadas después mantiene intacto su poderoso encanto, gracias en no poca medida a la producción naturalista del escocés Ray Shulman (The Sundays, Ian McCulloch). JOYA ATEMPORAL OLVIDADA, en su momento disfrutó de cierto recorrido en Japón, Francia, Irlanda y Reino Unido. Y les sirvió para ser enrolados en la gira mundial de los gótico-hippies The Mission (con quienes pasarían por nuestro país). Su segundo trabajo llegaría dos años después. Pero la avalancha britpopera era inminente y, como otros grupos que hacían bandera de la tristeza, Power Of Dreams serían injustamente sepultados.

A RESPONSABLE DE PRENSA de la discográfica está contenta, dice que Ice-T hoy está de buen humor y que seguramente le sacaremos una buena entrevista. El tono del icónico rapero al otro lado de la línea telefónica así lo corrobora. Por si acaso decido hacerle un poco la pelota. Joder, es uno de los padres del gangsta rap y eso impone un poco. Lo creo firmemente, pero le insisto en lo bueno que me ha parecido su nuevo disco al frente de Body Count. Eso y que puede que este sea su trabajo más brutal... Ice o T, lo cierto es que no sé cómo llamarle (descarto Mr. T, porque Mr. T solo hay uno y es el del El Equipo A) duda en su respuesta. “No estaría forzosamente de acuerdo con esta afirmación”, se lanza finalmente. “Hay temas muy cañeros en el disco, sí, pero como en todos los discos que he hecho con Body Count. También es verdad que cada vez que nos metemos en el estudio intentamos sonar más y más fuerte. Así que puede que sí, que este sea un poco más brutal que el resto”. También puede que sea su obra más decididamente política. En el tema de las letras el rimador californiano explica que tiene una fórmula que pone en práctica cada vez que tiene que grabar un nuevo disco. “Siempre recurro a algunos de los temas que más me preocupan y me ponen de mala leche. Si os han gustado nuestros discos anteriores, en este vais a encontrar temas que hablan de las mismas cosas pero con un envoltorio sonoro diferente y, espero, que mejor”, sentencia añadiendo que espera que sus canciones sean suficientemente universales como para

que puedan interesar tanto a un tipo de California como a un seguidor español. “Al fin y al cabo, estoy seguro de que nos afectan las mismas cosas”. GRABADO EN NUEVA JERSEY con Will Putney de productor y colaboraciones de gente como como Amy Lee de Evanescence, Jamey Jasta de Hatebreed, Riley Gale de Power Trip o Dave Lombardo, Carnivore es un disco a cara de perro, diez temas a degüello y pa’ casa. “No me gustan los discos que duran más de cuarenta minutos. La peña va en coche y difícilmente conducen más de media hora o cuarenta minutos, y esa es la medida ideal para el minutaje de un disco. Si haces un disco de setenta minutos acabará siendo un coñazo. Prefiero hacer un disco corto y que la gente lo pueda escuchar de principio a fin que no uno extremadamente largo con el que nunca lleguen al final”. Un repertorio corto pero intenso, como todo lo bueno en esta vida, en el que destacan temas como The Hate Is Real, una reformulación en clave metalera de su clásico en solitario Colors y una versión del Ace Of Spades de Motörhead con la que siguen con la tradición de apropiarse de un clásico de una de sus bandas de cabecera: en Manslaughter (14) hicieron Institutionalized de Suicidal Tendencies y en Bloodlust (17) Reign In Blood de Slayer. “Si escuchas atentamente a Body Count percibirás que tras nuestra música está la influencia de bandas como Black Sabbath, Slayer, etcétera. Cop Killer es puro Motörhead, así que ya era hora de que les rindiésemos homenaje”. Eso sí, Ice-T conoció al legendario líder de Motörhead cuando coincidieron en la grabación del tema Born To Raise Hell para la banda sonora de la película Cabezas huecas. “Era un tipo de puta madre. Alguien que sabía perfectamente que no tenía que demostrar nada porque ya lo había logrado todo. Una persona totalmente original y sin prejuicios. Yo era un rapero y él un icono del rock, pero congeniamos a la perfección. Fue genial poder trabajar con él. Dios le bendiga. Fue una gran pérdida. Era un tipo genuino y a mí me gusta la gente genuina”. —ORIOL RODRÍGUEZ

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“Puedo hacer el disco que me dé la gana ” cuando me dé la gana

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EL DISCO. RECUPERADO.

—JC PEÑA mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

abril 2020 #27

EN PORTADA

Llor en laTr M e sabe mal empezar así, pero la verdad es que Bellavista me parece un disco muy cabrón. Fantástico y muy completo, pero muy melancólico y lleno de desencanto, hartazgo, decepción... ¿Lo sentís así? (Cándido) Yo también creo que tiene algo de cabrón, sobre todo a nivel lírico durante la primera mitad. Enseñamos un registro que no habíamos practicado hasta ahora, con un puntito más irónico, diría que incluso ácido. Y sí, hay mucho de desencanto y desengaño. De hecho, la idea detrás del concepto del disco y la introducción del arco iris es la de darte cuenta de que estás persiguiendo algo inalcanzable y el desengaño que eso conlleva. Siempre escuchamos las historias de superación de personas que apostaron y ganaron, pero la de este disco es más bien la del saber perder. —¿Ese desencanto es personal o tiene mucho de generacional? (Cándido) Bueno, llevamos años oyendo eso de que somos la primera generación que va a vivir peor que sus padres. También es verdad que somos una generación muy idealista, con muchas aspiraciones y muchas ambiciones, quizás demasiadas, pero que se ha topado de bruces con la realidad. Además, nosotros venimos de Andalucía y en concreto de Córdoba, no recuerdo si la primera o segunda provincia con mayor tasa de desempleo del estado. No sé si algo de eso ha podido impregnar nuestra visión de las cosas. De todas formas, no creo que sea algo generacional. Muchas bandas contemporáneas enfocan sus canciones de forma completamente diferente a nosotros. Por ejemplo, las Hinds, por lo que cantamos y cómo lo cantamos casi podría costar creer que seamos bandas del mismo país y de la misma generación, ¿no? Ojo, que no va a malas. Soy fan suyo. Creo que nuestro caso es que venimos del emo sin complejos y siempre hemos practicado una lírica muy derrotista. Y quizás como con este disco hemos intentando ser más explícitos y rebajar la carga metafórica, queda mucho más al descubierto. —En Bellavista se habla mucho de soledad, de incomunicación, de la incapacidad para mantener relaciones

#28 abril 2020

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rando ransit

Viva Belgrado Han pasado cuatro años desde que los cordobeses publicasen Ulises (Aloud, 16). Desde entonces Viva Belgrado han vivido en una montaña rusa emocional que desemboca en una obra maestra multiangular que responde al título de Bellavista (Aloud, 20) y con el que la banda se reivindica como nunca antes.

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duraderas, de crisis personales. Es el concepto que empapa el disco. Pero al mismo tiempo, nos encontramos con Más triste que Shinji Ikari que funciona perfectamente como canción pop de amor. (Cándido) Para esa canción, llevábamos un tiempo con la idea de hacer algo en la onda del lo-fi chill-hop, una canción pequeñita sin guitarras en la que pudiera intentar cantar, y utilizarla para llamar la atención y aportar variedad al disco. Una vez tuvimos la base instrumental hice la letra sobre ella y sí es verdad que tomó un carácter bastante urbano. Yo soy fan declaradísimo de Agorazein y también me apetecía jugar un poco a ser ellos, salvando las distancias, pero tirándome algunas vaciladas (risas). La verdad es que disfrutamos mucho haciendo esta canción. Se nos ha encasillado como personas muy serias, pero a nosotros nos encanta jugar. Fíjate que cada lanzamiento lo hemos posteado en Forocoches, recibiendo nuestro correspondiente baño de insultos (risas). —Pese a todo lo que estamos hablando, también veo Bellavista como un disco mucho más luminoso musicalmente, algo que resta oscuridad a algunas letras. (Cándido) Sí, creo que Viva siempre hemos jugado mucho a eso, al contraste entre las voces desgarradas y las bases luminosas. Definitivamente se lo debemos a Touché Amoré, Deafheaven y la parte más luminosa de Envy. Bebimos tanto de ellos que creo que lo hemos acabado haciendo nuestro. —Abrir el disco con Una soga y a continuación Bellavista me parece un acierto total. Eso nos pone ya en sintonía sobre lo que nos contaréis en el disco, aunque en cierta manera el tono irónico de Una soga no lo veo tanto durante el resto de canciones. (Cándido) Lo comentábamos antes, yo

“Siempre hemos jugado mucho a eso, al contraste entre las voces desgarradas y las bases luminosas” te diría que le veo ese tono a los cuatro primeros temas. Incluso en los últimos dos temas también lo recuperamos. Aunque es verdad que en Una soga es más evidente. Aun así creo que el registro lírico evoluciona bastante respecto a Ulises, lo cual considero lógico teniendo en cuenta que han pasado más de tres años entre uno y otro. A mí me gusta mucho fijarme en la evolución de mis letristas favoritos y en Standstill, por ejemplo, es muy palpable. Si comparamos discografías podríamos decir que nuestro Bellavista coincidiría con su disco homónimo. Así que con suerte para el siguiente podré hacer una evolución tan increíble como la que hizo Enric Montefusco con Vivalaguerra (risas). —Me sabe mal que el tono de las preguntas haya sido un poco pesimista, y no me gustaría que los lectores se quedasen con esa impresión, así que vamos a poner algo de luz. Sois uno de esos grupos que ha girado por mil lugares sin hacer demasiado ruido. ¿Qué os habéis llevado de todas esas giras y qué aprendéis cada vez que salís fuera de España? (Cándido) Girar ha creado un vínculo muy fuerte entre nosotros. Tantas anécdotas y experiencias juntos nos han unido mucho. También te curte,

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—TEXTO Joan S. Luna Rubén J. Montesinos

aprendes a viajar con poco y a tomarte los problemas con humor. Es curioso. Nuestra furgoneta nos ha dejado tirados varias veces en el extranjero pero guardo esos recuerdos con mucho afecto y los vinculo con momentos felices. También es emocionante ver la capacidad de organización de la gente de forma desinteresada en torno a la cultura. Te da otra perspectiva de lo que haces y un punto de vista menos ombliguista. Por ejemplo, en febrero de 2017 tocamos en Murmansk, una ciudad rusa dentro del Círculo Polar Ártico, en una especie de garaje destartalado en el que un colectivo hacía sus eventos DIY. Teníamos que salir fuera de la parte climatizada para hacer pis, en un baño cochambroso a diecisiete grados bajo cero. En mitad del concierto la policía entró a registrar al público y se llevó a dos chavales porque los pillaron bebiendo alcohol. O en Ciudad de México, la sala en la que tocamos tenía guardas de seguridad con chalecos antibalas que nos registraron todos los instrumentos antes de entrar a probar. Son experiencias que a priori no vincularías con la música y que te marcan mucho. —Hay un momento en “¿Qué hay detrás de la ventana?” en el que Cándido canta eso de “Que le den al mainstream/también al underground/y todos tan contentos”. Le veo un sentido de reafirmación de quién sois ahora mismo. (Cándido) Totalmente. Creo que sintetiza bien la intención con la que se ha hecho el disco, sin intención de contentar a nadie pero tocando muchos palos; y también quiénes somos, una banda de provincia en una especie de limbo: quizás ya demasiado veterana para la etiqueta del underground pero a la vez muy lejana al mainstream. —J.S.L.

EL APUNTE

Vivir en Córdoba Pese a girar por todo el mundo, los miembros de Viva Belgrado continúan viviendo en Córdoba, una tierra alejada de los principales focos musicales de la península. ¿Les habrá servido eso para mantener la cordura en los malos momentos? Pedro Córdoba nos ayuda a mantener la cordura cuando volvemos de girar o tocar en festis grandes porque aquí siempre somos los raros y poca gente valora lo que hacemos, pero a la vez nos saca un poco de quicio. Aún con sus miles de cosas buenas es una ciudad en la que creo que a nivel de crecimiento personal ya tocamos techo hace tiempo y en la que no estamos satisfechos del todo. Hace unos años nos flipamos con el plan de irnos a Barcelona a buscarnos la vida, pero siendo realistas podemos tomarnos más en serio la banda gracias a que aquí tenemos trabajos bastante flexibles que nos permiten ir ahorrando y a nuestra familia. Ángel En los malos y en los buenos. Para nuestras familias es difícil entender la vida que llevamos. La dimensión del grupo y el peso que tiene en la formación emocional y personal de cada uno, más allá de la repercusión que pueda llegar a tener. Llegar a casa con toda la ilusión por anunciar algo que tú consideras un hito y que la mejor respuesta sea la pregunta “pero, os pagarán el viaje, ¿no?” puede llegar a frustrar. Pero precisamente eso ha hecho que nuestra configuración mental esté sana y podamos colocar cada cosa en su lugar. Al final, dar el valor justo a cosas que lo tienen y restarlo a las que no lo tienen es esencial para mantener la cabeza en su sitio. No estoy seguro qué habría pasado si no hubiéramos crecido como banda regresando cada lunes a este entorno, no seríamos las mismas personas. Cándido Yo siempre he creído que nos habría ido mejor en Madrid o Barcelona. Por mucho que Internet nos haya acercado a todos, la cantidad de influencias de las que te empapas allí no son comparables. Aun así, creo que Córdoba ha tenido una influencia clave en la forma en la que no nos sentimos del todo parte de ninguna escena, siempre nos hemos visto un poco aislados aquí. Eso acentuó nuestro carácter DIY. —J.S.L.

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abril 2020 #29

Depeche Mode Treinta años de “Violator”

de ventas españolas e incluso se hizo con el séptimo puesto de los charts yanquis, hasta aquel entonces terreno casi prohibido para Gore y su troupe. El estruendo provocado por Depeche Mode se hizo material a lo largo y ancho del globo terráqueo, con trece países en los que copó la parte más alta del cajón en las listas de ventas.

Pero, ¿por qué?

Todo comenzó el 29 de agosto de 1989, aquel día, desde Los 40 Principales, Joaquín Luqui anunciaba Personal Jesus, el nuevo single de Depeche Mode, uno de sus grupos fetiche. Hasta aquel entonces, la repercusión de los cuatro de Basildon en España estaba limitada a un culto numeroso de feligreses, pero culto, al fin y al cabo.

n aquel final de verano de 1989, Personal Jesus se filtró en las emisoras de radio por onda expansiva. Los acordes casi mántricos del synth-country cosido por Martin L. Gore se colaron en el tercer puesto de las listas españolas de singles, uno de los tantos charts de medio mundo donde la avanzadilla que anunciaba a Violator (Mute Records, 90) se hizo material, y también brotó una resurrección synthpop que tuvo su momento de gloria entre 1989 y 1991. En aquella temporada, las radios volvieron a ser testigos de una sustanciosa cosecha binaria. Dentro de los márgenes entre pop orgánico y tapizado sintetizado, New Order se nutrió de latido house ibicenco en el insuperable Technique (89). Desde otro extremo, Marc Almond se dedicaba a recordar sus tiempos al mando de Soft Cell por medio de The Tenement Symphony (90). Por su parte, Pet Shop Boys se vestían de alta costura en Behauviour (90), mientras The Beloved encontraban la fórmula secreta del tecno house mediante Happiness (90). La curiosidad se elevaba al cubo por medio del súper grupo formado por Bernard Sumner y Johnny Marr, que debutaban como Electronic en 1991 con un capricho dance pop relleno de singles infalibles. Casi al mismo tiempo, Depeche Mode integraban significantes rock en su vocabulario con preciso tacto quirúrgico y nacía Madchester, sublimación de hedonismo acid, caracterizado por la fusión del funk, psicodelia sesentera y camisetas-camisones grafiteados. Happy Mondays fueron a Madchester lo que los Ramones al punk, la esencia. En cuanto a sus vecinos, The Stone Roses, su integración dance en caligrafía The Byrds, nos hacían creer que los sesenta habían retornado en forma de MDMA. Quienes vieron el futuro antes que nadie en aquellos años fueron los olvidados World Of Twist, de los que Primal Scream y

Andrew Weatherall copiaron la receta para Screamadelica (Creation, 1991), prueba definitiva del remozado rostro dance del rock, con ejemplos tan rotundos como Unbelievable: el incendiario single que encumbró a E.M.F. como hype de la temporada en toda Europa. Mientras la semilla del britpop y el grunge estaba por germinar, la mecha prendida por Depeche Mode atisbó una revolución forjada desde las vías alternativas del underground.

La conquista española Personal Jesus se convirtió en estandarte de una época que retomaba los valores del synth pop 81, aunque dentro de un nuevo contexto rock. De hecho, a día de hoy muchos siguen considerando a Depeche Mode como una banda de idiosincrasia rock, a partir de la publicación de Personal Jesus. Esta teoría no deja de ser tan acertada como parcial, si tenemos en cuenta la sensibilidad andrógina de Martin L. Gore y singles como Enjoy The Silence, segundo adelanto de Violator, publicado el 5 de febrero de 1990. El impacto generado por dicho single fue incluso mayor que Personal Jesus. Eso sí, tres décadas después, esta última sigue siendo la canción más veces pinchada y versionada de Depeche Mode, con el cum laude para la adaptación que Johnny Cash, realizó de la misma para American Recordings IV: The Man Comes Around (02). Sin embargo, fue Enjoy The Silence la que, a comienzos de 1990, se hizo con el primer puesto en la lista de singles españolas. En aquel primer trimestre del año, Depeche Mode fueron consolidando la conquista española con repetidas actuaciones en programas de la parrilla televisiva. Desde radio y televisión, se estaba allanado el camino para el impacto brutal generado por Violator, que el 19 de marzo salió disparado al número uno de las listas

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Treinta años después, la pregunta acerca del tremendo éxito cosechado sigue siendo una de las más repetidas. La esencia nocturna, confesional, religiosa y narcótica del disco no eran los ingredientes más adecuados con los que triunfar entre las masas. Títulos como el de su anterior álbum en estudio, Music For The Masses (87), se desprendieron de la ironía por medio de una palabra que atacaba el cerebelo como bisturí envenenado: Violator. Llevar esa camiseta en 1990 y 1991 era una provocación a las conciencias y cánones adoptadas por las corrientes generalistas. De alguna manera, Violator materializaba el credo pregonado por John Lydon cuando montó Public Image Limited: inocularse como un virus dentro de la industria musical. Una de las claves fue atraer también a las hordas rock a su llamada. Porque Violator no deja de ser el gran híbrido synth-rock de la historia del pop. Las métricas blues están calibradas en tacto sintetizado, tal que en Sweetest Perfection o Policy Of Truth, mientras que vídeos en clave cowboy como el de Personal Jesus ofrecen una imagen en las antípodas del homoerotismo descocado del que hicieron gala en los años previos a Music For The Masses.

MONDO FREAKO De canciones perfectas La sensibilidad extrema enmascarada en la sexualidad rotunda de Dave Gahan, engalanada en cuero negro, fue la receta con la que engancharon a góticos e influyeron a diferentes ramas del metal, con grupos como Nine Inch Nails e incluso a devotos reconocidos como Celtic Frost. Pero es que, además, Violator no deja de ser la cumbre de la discografía depechera. Más cuando el arranque es World In My Eyes, de la que la periodista y experta en Depeche Mode Elena Cabrera comenta que “no se me ocurren cuatro segundos de inicio de disco más emocionantes. Es una canción estremecedora. Y eso es solo el comienzo, no hay un canción mala ni un momento sin interés. Estamos hablando del disco que además contiene Personal Jesus y Enjoy The Silence, probablemente la santísima trinidad del cancionero depechero. Pero es que también es el álbum que nos entrega Halo, Waiting For The Night, Policy Of Truth, Sweetest Perfection. Y después de haber nombrado todas estas, solo quedaría un par, las dos últimas del disco, que aunque quizá no gocen de tanto reconocimiento como todas las demás, son dos canciones igualmente perfectas, Clean y Blue Dress, ambas mejores que cualquiera de los singles de sus últimos discos”. World In My Eyes terminaría siendo el último single extraído de Violator, el broche final a una estrategia que, un año antes, había comenzado con el fin de auparse al pódium del estrellato pop, al mismo tiempo que poder asentar un monolito discográfico por el que siempre serán venerados por generaciones posteriores. —MARCOS GENDRE

abril 2020 #31

FOTO: ARI MARCOPOULOS

MONDO FREAKO

Lee Ranaldo & Raül Refree Dos cabalgan juntos Names Of North End Women (Mute/PIAS, 20) es la culminación natural de la amistad y complicidad artística cultivadas por neoyorquino y barcelonés desde Acoustic Dust (El Segell, 13).

bíamos “Desde el principio sa endo que no estábamos haci un disco de rock”

RRObviamente, estando en este tiempo de cuarentena y confinamiento voluntario debido a la crisis mundial del Coronavirus, es de esperar que haya habido infinidad de lanzamientos aplazados, giras canceladas o aplazadas, y artistas que han decidido retransmitir conciertos en redes sociales. Es tal la cantidad de datos que mejor dejamos a un lado la mayor parte. RRDe actuaciones que se han llevado a cabo en redes sociales y que no debes perderte (puedes encontrarlos todavía en redes o en Youtube) están los conciertos de Christine And The Queens y Ben Gibbard (Death Cab For Cutie), el de Dropkick

TAN.LEJOS Habitar La Mar Gritos en la oscuridad Tercera referencia de Habitar la Mar en solo dos años y otra incendiaria entrega firmada por una de las formaciones más excitantes del actual panorama underground estatal. El quinteto de Jaén nos introduce en un aquelarre con personajes desmedidos y dañinos titulado Comedia Yoica (Braves Records, 20). #32 abril 2020

Murphys para el St. Patrick’s Day y el que ofreció James Blake desde el comedor de su casa con versiones de artistas como Radiohead, Frank Ocean o Billy Eilish, por citar un par. RRPor lo que respecta a fallecimientos, durante los últimos días nos han dejado artistas como Bill Rieflin, batería fundamental de la escena alternativa que militó en Ministry, R.E.M. y King Crimson, entre muchas otras bandas; Gabi Delgado, cincuenta por ciento de D.A.F. y de raíces cordobesas; Danny Ray Thompson de Sun Ra Arkestra; Tres Warren, cantante y guitarrista de los psicodélicos Psychic Ills; el cantante cou-

OSOTROS ESTAMOS SIEMPRE saliendo de la dichosa zona de confort. Cada trabajo es experimentar con nuevos sonidos, cacharros o formas de grabar, así que ahí estamos bastante a la deriva; algo que a larga nos beneficia porque siempre salimos con la sensación de que nos hemos refrescado”, comenta Juan Soler, cantante y letrista del grupo. Empezamos hablando de su sonido, para pasar a lo lírico. Y ahí, el disco encuentra en el “yoismo” un maravilloso filón. “A pesar de que es duro explorar en la miseria humana también es cierto que te ayuda a comprenderte más a ti mismo y lo que quieres hacer en el mundo. En este disco no es todo tan negativo como parece ser. De hecho, no creo que para nada se trate de un mensaje nihilista, siempre hay algo que te impulsa o por lo que merece la seguir. En muchos aspectos decepcionado, bajo ningún concepto rendido”. Las referencias al fuego son

queda "A veces cuando todo surge la devastado es cuando algo nuevo" oportunidad de crear mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

su instrumento en busca de nuevos territorios sonoros y una palabra que el norteamericano no se cansa de repetir: experimentación. “Uno de nuestros objetivos desde el principio era usar muchos instrumentos distintos, sonidos electrónicos e instrumentos de percusión como marimbas y vibráfonos, y hacer las cosas de un modo diferente a como las hicimos en Electric Trim. Sabíamos que no estábamos haciendo un disco de rock”. Influencia de la vanguardia y minimalistas como Ryuchi Sakamoto, Steve Reich, Meredith Monk o Max Richter. Y también de aquellos grupos que utilizaron el estudio como su medio expresivo, de The Beatles a Pink Floyd. “Se puede decir que el estudio es nuestro principal instrumento. Creo que los dos siempre hemos tenido el deseo de hacer más música de esta manera. Cuando nos conocimos, encontramos un buen socio para hacerlo”. OTRO ELEMENTO QUE HA COBRADO mayor peso es la voz de Ranaldo, más expresiva que nunca. “Creo que la amistad entre Raül y yo se fraguó cuan-

ntry Kenny Rodgers y, lamentablemente, el que fuera uno de los saxofonistas más importantes del jazz funk africano, Manu Dibango, este último a causa del Coronavirus. Otros artistas que están afectados por el virus son el rapero Scarface (Geto Boys) y el cantautor James Browne, aunque en el momento de cerrar esta edición no estaban en estado grave. RRContinúa así el eterno drama de la

reunión del mítico grupo de Manchester Oasis. Liam Gallagher ha vuelto a apelar a su hermano Noel por Twitter para conseguir una respuesta. “A ver, escuchad, mucha gente piensa que soy un gilipollas

recurrentes, en su vertiente destructiva, pero también purificadora. “A veces cuando todo queda devastado es cuando surge la oportunidad de crear algo nuevo. Al final es algo recurrente porque todos tenemos eso dentro, una llamita que puedes mantener contenida o soltar gas y que se líe la de dios. Como siempre, depende de tu orgullo”. LA SENSACIÓN DE PELIGRO, presente en las dos anteriores referencias (La deriva y Realismo histérico), continúa. Aquí, no obstante, también hay partes más introspectivas, algo parecido a un guardián de la moral. “Cuando nosotros hablábamos de esa voz de la conciencia la imaginábamos como una persona metida en una cueva, buscando soluciones a los problemas que surgían, cuestionando elegir uno u otro camino. Por eso dimos importancia a la reverberación y al eco en el sonido; es la base de este disco a nivel conceptual”. Comedia Yoica cuenta con un par de colaboraciones femeninas, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

do nos pusimos a grabar las voces del disco acústico. Me dijo que le encantaba como cantante y que quería hacer más cosas conmigo. Desde el principio quedó claro que las voces iban a ser uno de los aspectos más importantes de este disco. Ahora digo que he pasado de ser un guitarrista que cantaba un poco a un cantante que toca la guitarra de vez en cuando”. EL NEOYORQUINO DESTACA también la huella de la ciudad de Winnipeg, Canadá, de donde es su esposa, en un trabajo cuyo tema central es la gente que entra y sale de nuestras vidas, es decir, el paso del tiempo. Una cruda realidad, la de los años, que no oxida la vitalidad artística de los ex componentes de Sonic Youth, algo de lo que Ranaldo se muestra orgulloso. “Me parece impresionante y fantástico que a estas alturas sigamos sacando discos interesantes que exploran nuevos caminos. Es un testamento a todo lo que era Sonic Youth”. —JC PEÑA

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y soy un gilipollas guapo, pero una vez termine todo esto tenemos que juntar a Oasis para un concierto benéfico. Va, Noel después de eso podemos volver a nuestras fantásticas carreras en solitario. Venga va, tú sabes LG x“, escribió ayer jueves Liam –por lo visto, con dificultades–. RRLa iniciativa #LoveRecordStores ha surgido para ayudar a todas las tiendas de discos que están sufriendo en estos momentos una gran bajada de ventas a causa de la crisis del COVID-19. Georgia ha sido una de las primeras artistas en sumarse a la campaña. —MS

la de Anxela Baltar (Bala) en Fantasmas, y la de Donna Diane (Djunah) en Caos. “Con Anxela teníamos un conocido en común, Unai García, que nos puso en contacto. Nos encantan Bala y pensamos que encajaría perfecto en ese tema. En el caso de Donna, escuché el tema Nurse And Nun y dije: ‘joder, esto es lo que quiero’. Dejó su impronta y su garganta en nuestro disco. Para mí Djunah es la banda del año”. En el 2019 fueron dos epés y no nos extrañaría acabar el año con otra referencia del quinteto. “Nos guiamos por lo que nos pide el cuerpo, así que puede que saquemos algo nuevo o puede que nos dediquemos a tocar. Quizá abramos una imprenta y nos dediquemos a colocar pegatinas sobre los cajeros de las entidades bancarias que digan ‘No funciona’. Nunca lo sabremos. Algo haremos, seguro”. —LUIS BENAVIDES

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Algora A su aire FOTO: MANUEL OTERO

L MÍTICO cofundador de Sonic Youth habla rápido y transmite puro entusiasmo por su dulce momento creativo, puesto al servicio de un trabajo de exquisita amplitud de miras. “Al principio pensamos que sería la continuación de Electric Trim (Mute, 17), con una relación de productor-artista entre nosotros, pero pronto se hizo evidente que debíamos hacer un disco como dúo, en el que ambos contribuyéramos en cada nivel del proceso: desde la composición a la grabación, todo. Nos hemos hecho muy amigos y trabajamos muy de cerca en cada aspecto de la música. Ahora mismo lo que tenemos es una colaboración en todos los aspectos”, explica. La complicidad surge de que “compartimos muchos objetivos e intereses. A los dos nos encanta cierto tipo de experimentación en el estudio. Y, cuando nos juntamos, las cosas que nos salen nos parecen muy emocionantes a ambos. Creo que nuestras ideas se complementan muy bien”. EXCELENTES GUITARRISTAS, han cometido la herejía dejar algo de lado

Pocos artistas son capaces de admitir claramente “no llevo bien las críticas” en vez de soltar lugares comunes. Víctor Algora, que ahora presenta el estupendo Un extraño entre las flores (El Genio Equivocado, 20), es uno de ellos.

urante más de una hora charlamos sobre temas muy dispares. Sale el Síndrome del Impostor (“me pasa continuamente, y es horrible, porque pones toda tu alma y todo tu trabajo ahí, y luego eres incapaz de disfrutarlo”). Sale el autosabotaje que nos hacemos los LGBT (“desde pequeñitos nos estamos cuestionando, eso evidentemente repercute en tu autoestima y en tus relaciones”). Salen La Prohibida y la creación ¡en diez minutos cual Sia! del hit Baloncesto (“quizás habla de no poder volver a amar a otra persona, porque has amado tanto que ya no puedes... de hacerte mayor”). Salen sus letras, y cómo en su día le llovieron críticas por el “vuelvo a casa con el culo roto” de Muerdealmohadas. “Si me surge decirlo, no meterlo sería forzado... mira, soy muy hermético en mi vida normal, y necesito soltar las cosas en la música”. ¿Influirían en esos ataques la asociación a lo femenino que se hace con el rol pasivo? “Puede ser, ¡y fíjate que a mí me daría más pudor soltar un ‘voy a follarte’!”. Y, por supuesto, sale este álbum, con el que Algora quería abordar la soledad que sentimos y nos hace sentir el consumismo de nuestro sistema. “El mundo entero está condenado a convertirse en un centro comercial lleno de Starbucks, y el disco habla de saber que estamos metidos en un sistema que nos hace sentirnos solos y nos explota, de la gente que no encuentra su sitio en esta sociedad y en este sistema”. Como en Reflexiones de una vieja lavadora, donde la vieja lavadora es esa generación a la que destrozó la crisis. “Nos prometieron muchas cosas, nos decían que éramos el futuro, que íbamos a comernos el mundo... y nos hemos comido una mierda”. —PABLO TOCINO

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abril 2020 #33

FORMER IRON MAIDEN MEMBERS

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FOTO: DAVE BLANCO

MONDO FREAKO Vuelven con su trabajo más completo, elaborado y efectivo. En Fyre (Marion Cobretti Records, 20), la fuerza bruta no ha desaparecido sino que se ha transformado en un empuje más atractivo y envolvente. En 2020 Cobra golpean no más fuerte, sino mejor.

Cobra Golpean mejor r “Era necesario renova a” gí er la intensidad y en

ara conseguir sonar mejor que nunca, Cobra no se han ido a New York, Londres o Berlín, sino que han trabajado con su técnico de confianza, Xanpe (también en Pi.L.T.) y en los estudios Koban de Bilbo. Se trata, sin duda, del trabajo definitivo del grupo, un gran paso adelante en cuanto a sonido y nivel compositivo. David González, bajista y ex-miembro de Pi.L.T., y Berri Txarrak, contesta a nuestro interrogatorio. “Es nuestro mejor disco hasta la fecha. Suena a tópico cuando toca hablar de un disco nuevo, pero esa es la sensación que tenemos. Ha sido un largo camino y nos hemos dejado la piel. No podemos estar más contentos con el resultado”. Siguen siendo temas matadores, como siempre muy recomendables para el directo, pero más redondos. “Teníamos claro que que-

ríamos hacernos cargo tanto del proceso compositivo como de la producción. Por primera vez en quince años nos plantábamos con tiempo y energía suficiente como para hacer el disco que teníamos en la cabeza y la única manera era haciéndolo nosotros. Han

EN CONCIERTO l Amurrio 18 abril, Burubio l Donostia 15 mayo, Dabadaba l Vitoria-Gasteiz 23 mayo, Jimmy Jazz l Gernika 30 mayo, Astra l Salamanca 4 junio, Potemkim l León 5 junio, Espacio Vías l Bermeo 24 julio, Bay Of Biscay Fest l Dima 26 septiembre, Dimetal Fest

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sido seis meses de duro trabajo y fruto de ello es el resultado. Puedes encontrar canciones con sonidos más duros, pasando por temas más rockeros o incluso de corte más clásico. Todo esto bajo un hilo conductor que hace que ninguna canción desentone”. Hay, por primera vez, temas ultrarápidos y brutales como Emerald City o New Old Days, con esos dibujos inconfundibles de David en el bajo, marca de la casa. “Era necesario renovar la intensidad y energía que ha caracterizado a este grupo hasta ahora, pero siempre sin perder esa esencia. La velocidad era una asignatura pendiente y creo que le ha sentado muy bien a ese punto oscuro que teníamos”. Parasites es quizá la joya de la corona junto a Let Down y We Are Next, con su alucinante sonido de guitarra y su adictivo riff. Un tema redondo de principio a fin. ¡Cuánto poder! “Es el único tema del disco que podría ser la continuación de Riffyard, nuestro anterior trabajo. Le dimos muchas vueltas a la estructura

y trabajamos mucho la línea de voz, que es lo que ha hecho que la canción crezca”. El tema de los coros es un punto muy importante en este trabajo, también en la ya citada Let Down, incluso utilizando un registro bastante más agudo de lo habitual. Se ha buscado visiblemente la calidad y un perfil más interesante y apetecible. “Es sin duda el disco en el que más hemos trabajado las voces. Las circunstancias esta vez han sido diferentes y hemos tenido todo el tiempo que hemos querido para componer el disco”. Mantienen la misma formación de siempre, un factor importantísimo en el sonido tan compacto que han logrado. “Son casi quince años tocando juntos y eso se nota a la hora de tocar o componer. Musicalmente nos comunicamos muy bien y el hecho de conocernos desde hace tanto tiempo facilita mucho las cosas”. —URKO ANSA

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abril 2020 #35

Veinticinco años de “The Bends” La primera obra maestra de Radiohead En la categoría de las obras maestras suele haber dos extremos, los que suponen una revolución en cuanto al sonido, al concepto, a adelantarse a su época y los que yo llamo los grandes éxitos, esas obras en las que todas sus canciones son una maravilla. Cuanto más de esos dos extremos tenga un disco, mejor será. Entre los primeros están Pet Sounds de The Beach Boys, el debut de The Velvet Underground, Autobahn de Kraftwerk o Kid A, entre los segundos Never Mind The Bollocks, Definitely Maybe, Is This It? o nuestro protagonista, The Bends.

O CURIOSO DEL CASO es que la mayoría de estos discos suelen ser debuts, algo que tiene toda la lógica, una banda se crea y pasa un tiempo haciéndose un nombre tocando en todos los garitos posibles, creando un repertorio, hasta que alguien les descubre y se graba un disco con sus mejores canciones. Si el disco tiene éxito, entonces, la banda se ve obligada a grabar un disco continuista sin mucho tiempo para componer tantas canciones como el primero, se le suele conocer como el síndrome del segundo disco. Por eso pocos apostaban en 1994 que Radiohead fueran a ser capaces de entregar un disco como este. Su primer largo, Pablo Honey, no pasaba de normalito, siguiendo la dinámica del calmado/fuerte de los Pixies y con otras influencias como Nirvana, R.E.M. o U2, no era un disco en el que hubiera muchas grandes canciones, aunque sí que había una muy grande, Creep, pero precisamente el éxito de esa canción y la presión e insistencia de todo el mundo para que la emularan les iban a dar el combustible necesario para desmarcarse con su primera obra maestra tras un inicio dubitativo. Thom Yorke cantaba en Creep que quería ser especial pero fue con The Bends cuando su banda comenzó a serlo de veras.

Radiohead vs Britpop LANZADO EN PLENA FIEBRE del britpop, The Bends y Radiohead estaban en el polo opuesto de sus compatriotas, frente al hedonista optimismo de muchos de sus contemporáneos, los de Yorke estaban al borde de la depresión, además, sus referentes eran grupos americanos como R.E.M. o Pixies y grupos totalmente despreciados por su supuesta pomposidad como Pink Floyd o U2, nada de nostalgia #36 abril 2020

del Swinging London. Musicalmente seguían aferrados al rock de guitarras, pero tanto Yorke como Jonny Greenwood ponían un extra de originalidad en sus respectivos instrumentos, voz y guitarra, haciendo de la banda un ente extraño en el Reino Unido de Oasis y Blur. Pocos lo podían predecir en ese 1995, pero el futuro les pertenecía a ellos y aunque después de The Bends llegarían nuevas cimas, este fue el disco sobre el que se construyó la carrera de la banda que iba a definir el sonido de las siguientes décadas. Al final resultó que en medio de la tremenda fiesta del britpop se colaron unos tipos para poner las cosas en perspectiva. Si algunos querían ser estrellas del rock y vivir para siempre a Radiohead le bastaba con pertenecer a la raza humana. LA BANDA HABÍA COMENZADO a grabar The Bends en febrero de 1994 junto al productor John Leckie, cuyo más famoso trabajo había sido en el debut de The Stone Roses, aunque lo que más le interesaba a Yorke era su colaboración con Magazine en Real Life (1978). Con Leckie apareció uno de los nombres fundamentales en la historia de Radiohead, se trataba de Nigel Godrich que trabajaba como ingeniero junto al productor. La química entre los de Oxford y el joven ingeniero pronto se haría palpable y cuando Leckie abandonó temporalmente el estudio la banda y Godrich se pusieron a trabajar en unas caras B de las que saldría Black Star que, a la postre, terminaría incluyéndose en el disco, siendo el inicio de la mítica relación entre ambos.

Thom Yorke encuentra su voz gracias a Jeff Buckley PERO PUEDE QUE EL MOMENTO más importante de la grabación de The Bends se produjera fuera del estudio. El 27 de agosto habían tocado en el Festival de Reading, allí mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“Este fue el disco sobre el que se construyó la carrera de la banda que iba a definir el sonido de las siguientes décadas” se veía a una banda todavía cabreada con su mayor éxito, la canción que llevaban tocando todos los conciertos desde hacía dos años, Creep. Nada más interpretarla, de una manera poco sutil, se lanzaron con la canción que iba a adelantar su nuevo. Se trataba de My Iron Lung una crítica nada velada a Creep en la que decían cosas como “This, this is our new song / Just like the last one / A total waste of time / My iron lung”. Blanco y en botella. Pero el caso es que esa misma actuación la habían comenzado con Thom Yorke cantando a capella Sing A Song For You de Tim Buckley. La cosa no tendría mucha más importancia si el hijo de Tim, Jeff, no hubiera sacado un disco cuatro días antes llamado Grace. El pequeño de los Buckley se encontraba en Inglaterra presentando el disco y tocó al día siguiente en el mismo festival de Reading en el que tocaron Radiohead. No se sabe a ciencia cierta si lo vieron, lo que sí que está documentado es que el 1 de septiembre Buckley volvió a actuar en Londres en The Garage. Ese mismo día la banda inglesa estaba en el estudio luchando, una vez más, por encontrar una buena toma de Fake Plastic Trees. La cosa no estaba funcionando así que John Leckie, dijo “¿por qué no salimos un rato?”. Así decidieron ir a ver a Buckley y allí Thom Yorke tendría una revelación fundamental en su carrera, no tanto por la música que sonó sino por la forma en que fue interpretada por la increíble garganta del cantante. Su utilización de la voz como el más expresivo de los instrumentos le permitiría a Yorke dar una nueva dimensión a la suya. Una influencia que se haría efectiva desde el primero momento y es que, tras finalizar el concierto, la banda volvió al estudio y se lanzaron a tocar Fake Plastic Trees con Yorke sentado en el suelo. Tras tres tomas, rompió a llorar y esa fue la versión que se utilizó en el disco. Yorke había encontrado su voz y, como diría Leckie, la actuación de Buckley le hizo darse cuenta de que se podía cantar en falsete sin sonar ñoño. Esa influencia llegaría a toda una nueva generación de cantantes a través del filtro de Yorke, porque a pesar de que Matt Bellamy o Chris Martin dicen que cuando les comparan con Yorke es por compartir la influencia de Buckley, cuando escuchas a Muse o a Coldplay no piensas tanto en Grace como en The Bends.

Punk Floyd Y ES QUE EL SEGUNDO DISCO de Radiohead no tiene una sola canción que baje del notable. Desde el momento en el que comienza la sinuosa Planet Telex se tiene la certeza de estar ante algo especial, la banda se ha sofisticado y ha encontrado su propio sonido, aparecen teclados y empiezan a meter muchas más capas de sonidos, cortesía principalmente de sus tres guitarristas, el propio Yorke, Ed O’Brien y, sobre todo, un Jonny Greenwood que encontrará definitivamente su sonido con una vieja Telecaster. Ya no tocan todos lo mismo, cada uno aporta algo distinto, Yorke suele ser el guitarra rítmico, con O’Brien poniendo toques “a lo Johnny Marr” y Greenwood siendo el solista, con sus solos sirviendo de contrapunto melódico a la voz de Yorke, compartiendo protagonismo. Su pericia instrumental llevó a algunos a calificarlos como Punk Floyd, al conseguir unir dos cosas que parecían contrapuestas, la rabia del punk y la musicalidad de los de Roger Waters. La vieja fórmula del fuerte/calmado prestada de los Pixies y Nirvana, y utilizada con mucho éxito en Creep, había quedado, definitivamente, atrás. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO FREAKO

THE BENDS, LA CANCIÓN, se abría con una explosión guitarrera y Thom Yorke gritando, era glorioso rock hecho a guitarrazos pero cuando comenzaba la letra lo primero que nos decían era “Where do we go from here”. En medio de la locura del britpop Yorke decía cosas como “And I wish it was the sixties, I wish I could be happy I wish, I wish, I wish that something would happen”. Pero no eran los sesenta y Yorke y sus camaradas estaban bastante lejos de sentirse felices. Todas esas contradicciones hacen de este un disco realmente especial, un disco en conflicto consigo mismo, ahogándose en esos mismos guitarrazos, en esa fuerza salvaje de las guitarras tan propia de las estrellas del rock a las que no se quieren parecer. Esa incómoda sensación de ser incapaces de comunicarse de otra forma. Algo que, con el tiempo, aprenderían a hacer, abriéndose a múltiples influencias y músicas, pero que ya es evidente en este The Bends como se puede entrever cuando uno leía a Thom Yorke, en una entrevista de la época, expresarse así: “Me da mucha envidia cuando escucho buena música ‘jungle’ o cosas en el disco de Tricky. Tengo la sensación de que lo hicieron de forma aislada y que no era necesario estar en una puta banda de guitarras en la que alguien grite ‘Quiero mi solo de guitarra’”.

La alienación de Radiohead LA PALABRA QUE MEJOR DEFINÍA por lo que estaba pasando Yorke, y con él Radiohead, era alienación. No se sentían parte de la escena británica, no eran parte del grunge, no sentían el optimismo de los primeros, ni el cinismo de los segundos, se sentían fuera de cualquier conexión con nada. Pero ese sentimiento de aislamiento sería el que les llevaría a encontrarse a ellos mismos. Su pesimismo parecía fuera de lugar en una escena entregada al hedonismo y a la celebración, pero la banda se estaba encontrando a sí misma e iba a probar que su alienación estaba más cercana al ‘zeitgeist’ de los tiempos de lo que se creía. Lo que nadie se daba cuenta en ese momento era que Radiohead no entraban en ninguna etiqueta, eran, simplemente, ellos mismos y no se iban a repetir. Durante los siguientes años saldrían miles de imitadores de este disco, unos se quedarían con las delicadezas acústicas y harían carrera con ellas como Coldplay, Keane o Travis, mientras que otros se quedarían con las explosiones eléctricas de Greenwood, os estoy mirando a vosotros Muse, pero Radiohead no volvería aquí, como no lo harían con Ok Computer, ni ninguno de sus discos posteriores, movidos siempre por el fantasma del “Where do we go from here”. STREET SPIRIT (FADE OUT) cerraba el disco de la mejor manera posible, adelantando la desesperación existencial de “Ok Computer”. Para Yorke es la canción más triste que jamás haya escrito, eso sí hasta en este lamento en el que, según sus propias palabras, no hay resquicio para la esperanza acababa diciendo “Inmerse your soul in love”, claro que, como con Creep, experimentó sentimientos encontrados cuando la cantaba en directo, llegando a afirmar que le dolía inmensamente interpretarla y ver a miles de personas sonriendo felices, ajenas al verdadero significado de la canción, algo que comparó a cuando vas al veterinario a ponerle una inyección a tu perro y este te mira feliz moviendo la cola. Con declaraciones así podían parecer una parodia de grupo “miserabilista”, pero Yorke y los suyos eran mucho más que unos chicos tristes y cínicos, detrás había un sincero deseo de conectar con otros. —SERGIO ARIZA abril 2020 #37

MONDO FREAKO

Siamés FOTO: ARCHIVO

“Nosotros hacemos lo que sentimos y es hermoso que haya tanta gente conectando” Madrid (2 abril, Café Berlín) Barcelona (3 abril, La Nau) [APLAZADOS]

Barcelona (6 mayo, La Nau) Valencia (7 mayo, Peter Rock) Alicante (8 mayo, Sala Stereo) Málaga (9 mayo, La Cochera Cabaret) Madrid (12 mayo, Sala Caracol)

AgeNda. abril

El trío argentino Eruca Sativa volverá a en mayo para reforzar la buena imagen dejada en su primera visita del año pasado a territorio español. Repasarán un repertorio todavía reciente que ha ido mutando en la carretera.

R Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#38 abril 2020

ruca Sativa vuelven a tierras españolas para ofrecer una gira más extensa que dé continuidad a su primera y fructífera experiencia. “Fue una gran sorpresa llegar y que hubiera gente esperándonos. Sobre todo en Barcelona, donde había más fans. Nos morimos de la emoción”, cuenta Lula Bertoldi (voz y guitarra), mientras Brenda Martin (bajo y voz), agrega que “había muchos argentinos y argentinas, pero en esta gira esperamos que se sume más público local, como pasó en Bilbao”. Musicalmente esta nueva visita será de algún modo distinta a la anterior, ya que con la edición del último disco, Seremos Primavera, de 2019 Eruca Sativa ya no suenan exactamente como antes. En sus canciones el grupo da un giro hacia sonoridades menos estridentes, pero de igual o mayor intensidad emocional. (Bertoldi) “Ahora somos la banda que suena en nuestro último disco, siempre fue así. Somos una banda sincera. Si también tenemos este costado menos ruidoso, ¿por qué no mostrarlo? Nos dejamos ver así, sin pudor, porque tampoco dejamos de ser quienes éramos antes. Esa cuota de honestidad no pasa desapercibida en quienes reciben el arte”. Seremos Primavera es el álbum en el que la banda mejor demuestra los recursos compositivos y ejecutivos que posee. “Hay composiciones de les tres, fue una manera genial de llegar a un resultado distinto. De lo contrario, ya sabemos qué hubiera pasado al colgarnos los instrumentos y empezar a hacer una jam”, dice la cantante. El baterista Gabriel Pedernera siente que están en el camino de ofrecer distintas ideas a su público. “El año pasado hicimos una gira en la que el grupo telonero cambiaba fecha a fecha. Se trataba de artistas con un estilo completamente distinto al nuestro, para dar un color diferente a cada noche. La idea funcionó muy bien. Sería buenísimo que Seremos Primavera lograra ese objetivo de abrir al oyente a nuevas músicas”. Lo que seguro logra es dar un perfecto ejemplo de madurez en el que los mensajes urgentes –relacionados con su propia realidad y la del mundo que les rodea– surgen sin gritar ni pisar tres pedales de distorsión al mismo tiempo. “Nos salió así naturalmente, pero también es verdad que decir el mensaje en calma es mucho más contundente y llamativo que hacerlo en voz alta. Creemos haber logrado un buen nivel de coherencia entre letras y música”. —ADRIANO MAZZEO

Siamés llega desde Buenos Aires para entregar su exitosa propuesta que aúna pop, texturas electrónicas y algo de soul al público de la península. Y vista la respuesta en distintos territorios, la cosa marcha a buen ritmo gracias a su reciente Home (Autoeditado, 20).

ADA MEJOR PARA EMPEZAR que hacer un repaso de la historia de Siamés con Blakk, teclista y fundador del combo. “Stöltz y yo creamos Siamés. Hubo química entre nosotros desde el momento en que nos conocimos y en la primera canción que escribimos juntos (As You Get High), desde entonces todo se fue dando muy naturalmente. Además de ser músicos y compositores, él también es artista gráfico y yo productor musical, una muy buena combinación para poder desarrollar y presentar nuestras creaciones exactamente como las imaginamos”. Viniendo de Buenos Aires y al ser esta una de las más importantes cunas del rock en castellano, podría llamar la atención que las canciones de Siamés sean en inglés. Blakk es coherente en su razonamiento al respecto aclarando que “tanto Stöltz como yo siempre escribimos letras en inglés incluso antes de conocernos. Es la música que más escuchamos y un idioma que hablamos bastante bien los dos, no hubo ni que analizarlo. Si bien tanto en Argentina como en el resto de Latinoamérica y España hubieron y hay grandes artistas de música en español que nos gustan y admiramos

muchísimo, nosotros sentimos que no podríamos aportar algo a esa escena, pero ojalá nos convirtamos en un referente para quienes compartan nuestra visión de aquí en adelante”. COMO MUCHOS OTROS en la actualidad, Siamés adquirieron su éxito haciendo uso de YouTube y otras redes. Más allá de los formatos o soportes de difusión, él sigue creyendo que lo más importante en la música es la conexión con el oyente. “Hicimos el mejor disco que pudimos y lo subimos a las plataformas digitales, hicimos un video y fue a Youtube, es algo básico para la música actual. Nosotros hacemos lo que sentimos y es hermoso que haya tanta gente conectando así. Cuando nos dejan un mensaje desde el otro lado del mundo y nos dicen que una de nuestras canciones fue importante para salir adelante de un mal momento o que alguien la escucha cada día yendo al colegio o a trabajar y eso le mejora el día… ahí sentimos que ganamos”, manifiesta apasionado. Actualmente están estrenando su segundo álbum Home y continuarán en gira por Reino Unido, Francia y Alemania, mientras trabajan en un nuevo video. Aunque otro elemento destacable del combo son sus directos, rebosantes de energía y groove. “Los shows son un momento muy intenso y emotivo tanto para la banda como para la audiencia. Hay gente que nos espera desde que lanzamos el primer disco, y nosotros también deseábamos poder encontrarnos y cantar juntos. El show en vivo es la celebración de la música y de cómo conecta a las personas”. —ADRIANO MAZZEO

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ERUCA SATIVA

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JUAN PERRO SEXTETO

PRESENTANDO SU NUEVO DISCO “CANTOS DE ULTRAMAR”

LUNES 16 DE NOVIEMBRE –––– MADRID –––– NUEVO TEATRO ALCALÁ JUEVES 19 DE NOVIEMBRE –––– BARCELONA –––– BARTS

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Redd Kross “Llevo muchos años siendo mi propio jefe” Valencia (16 abril, Loco Club) Madrid (17 abril, Teatro Barceló) Gijón (18 abril, Sala Albeniz) Bilbao (19 abril, Kafe Antzokia) [Aplazados]

Barcelona (23 abril, Sala Apolo; Ciclo CurtCircuit) Tarragona (25 abril, Sala Zero) Valencia (30 abril, Loco Club) Madrid (29 mayo, Sala Copérnico)

La que es una de las bandas fundamentales del disco-funk estatal vuelve con nuevo trabajo, Disco para adultos (Buenritmo, 20), la demostración de que siguen en forma y con ganas de jarana.

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Redd Kross están en estado de gracia. Tienen infinidad de proyectos y lo que es más importante, no han perdido las ganas de componer, de girar, de grabar discos. En breve estarán en España presentando el más reciente, Beyond The Door (Merge/ Popstock!, 19), con lo que aprovechamos para conversar telefónicamente con Steve McDonald.

ola Steve, te quería preguntar, con la perspectiva que da el paso del tiempo, ¿cómo ves la carrera del grupo? De alguna manera, soy un afortunado. La vida puede ser muy trágica, pero fíjate, tengo cincuenta y dos años y todavía estoy excitado por las cosas que hago. Por ejemplo, ahora hay alguien a quien se le ha ocurrido la brillante idea de hacer un documental sobre Redd Kross. Están siendo muchas entrevistas. Te das cuenta de una cosa, cuanto más vivas, mucho mejor para todos. Constantemente me preguntan por Nirvana y su legado, y yo sólo puedo decir que empezamos muy jóvenes, pronto celebraremos cuarenta años haciendo discos. En nada, haremos una gira por Europa como cabezas de cartel, eso me motiva. Desde 1997 que no me sentía con esta energía. —Curiosamente, una de las preguntas que había planteado hacerte era cómo imaginabas un posible documental sobre vosotros… A ver, no soy el director del documental, pero por lo que percibo, está tocando muchas teclas. Hace poco estuve seis horas hablando. Fue una buena sesión,

reflexioné sobre muchos temas. Lo único que puedo decir es que tener la oportunidad de contar mi historia me llena de gratitud. La vida no es fácil, estamos muy ocupados, soy padre y no paro de pensar en ello. Me hago muchas preguntas. Creo que nuestro inicio es excitante, e insisto en que éramos muy jóvenes. Eso lo convierte en algo extraordinario. Llevo muchos años siendo mi propio jefe, tocando para otras bandas, la locura de Sparks, produciendo discos, e incluso alguna etapa en que he parado. Cuando en 2006 decidimos volver con Redd Kross, no sabíamos la forma, pero sí que lo queríamos hacer. —No sé si vuestra historia se parece a la de Mötley Crüe, ¿has visto The Dirt? Sí, la he visto. Nuestra historia es mucho más aburrida (risas). Lo más parecido que he vivido fue la gira con Stone Temple Pilots en 1994, había groupies a todas horas. Eso sí, es mucho mejor el libro que la película. Leerlo es una salvajada. —Estuve en ese concierto. Fue mágico. También recuerdo con mucho cariño el concierto de vuelta en el festival Azkena. Fue emocionante. Algo parecido a ver a tus superhéroes favoritos de Marvel o DC sobre un escenario. ¡Gracias! Recuerdo muy bien ese concierto, hará unos doce años. Y mira ahora, estamos en 2020 y aquí seguimos con más proyectos. Vamos a reeditar Show World y Phaseshifter en vinilo, hemos recuperado unas demos que hemos encontrado de 1990 que van a ir a un EP. Tenemos mucho que celebrar. En todo esto, España ha sido fundamental. Nos habéis tratado siempre muy bien. —TONI CASTARNADO

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i algo queda claro desde Lugares comunes y sobre todo en este Disco para adultos es que, sin abandonar las influencias que habéis tenido hasta el momento, estáis cambiando el foco. Los temas totalmente disco tienen cada vez más peso en vuestra trayectoria. ¿Estáis de acuerdo? (Lalo López) Es cierto que desde un tiempo hacia aquí hemos asumido con orgullo el hecho de que somos una banda de disco. El punto de inflexión creo que fue Superficial, en el que, tras un lapso de tiempo sin publicar nada y con problemas de fondo que casi nos llevan a la dispersión, recuperamos la fe en el género que nos había visto nacer. Fue algo muy intenso... Como reencontrar un viejo amor y darte cuenta de que con él te sentías tú mismo, que ese era tu lugar. Hay mucho por reivindicar en el disco más allá del cliché: fue un movimiento interracial, que rompía barreras de género y que llevó la tradición de la música afroamericana hasta sus cuotas más altas de popularidad, a parte de ser la impulsora de la cultura de club y de la música que hoy en día se baila en toda discoteca. Así que ser un gru-

po “disco” es una etiqueta que nos llena de orgullo. —Da la impresión de que, aunque nunca las habéis descuidado, las letras cada vez marcan más el espíritu de los discos que publicáis. ¿Estamos en lo cierto? Yo creo que todos los grupos se preocupan sobre sus textos. Al menos desde el segundo disco (risas). Siempre hemos seguido la máxima de James Brown de hacer tus letras “universales”, que lleguen a todo el mundo. Pero Lugares comunes marcó un punto de inflexión al respecto, y también el trabajo con Chocadelia Internacional en su última etapa. Cuando llevas tanto tiempo haciendo canciones, yo creo que es inevitable que tu vida termine siendo la guía de tu pluma. —Aunque soléis beber de los setenta y los ochenta, todos sabemos que sois gente que disfruta con artistas muy distintos. ¿Qué nombres os interesan del momento actual en relación con los sonidos de la black music? Las colaboraciones que hay en el disco muestran nuestras apetencias actuales. El trabajo de Joel Sarakula, las producciones de José Luís Pardo, las aportaciones de Cimafunk, son de lo que más nos interesa en la actualidad. También nos encantan Mama’s Gun o Young Gun Silver Fox, lo que hace Tuxedo, y las producciones de Adrian Younge. Aunque esté un poco más alejado de lo que hacemos el material que generan Calibro 35 es increíble, y del mundo del hip hop Tyler The Creator o Chance The Rapper son un pozo sin fondo de creatividad. Y no podemos olvidar a The Internet, una de mis bandas favoritas desde hace tiempo. —JOAN S. LUNA

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FUNDACIÓN TONY MANERO

abril 2020 #41

43/Mondo VINILOS

LA Priest

Stephen Malkmus

Gene Domino/Music As Usual

POP / El segundo trabajo en solitario de Sam Dust nos deja con muy buen sabor de boca a la hora de dar vida a lo que presupone ser pop cósmico, reuniendo un buen puñado de canciones donde los ritmos funk más esotéricos acaban dando la campanada. Tras lo exitosa que resultó su asociación con Connan Mockasin formando el dúo Soft Hair, ahora nos presenta un mundo tan sensual como alucinado, dando rienda suelta a esa cara del pop setentero que parece girar alrededor de las voces sumergidas. Quizás el hecho de contar con Erol Alkan como productor le haya permitido saber cómo enredar el apartado más atmosférico del trabajo, acentuando todos los graves para propiciar esa sensación de estar ante un disco con un trasfondo mucho más inquietante que lo que sugiere su capa melódica. —NOÉ R. RIVAS

Bad Bunny: lo que le da la gana Bad Bunny

YHLQMDLG Rimas Entertainment

REGGAETON / YHLQMDLG no ha hecho más que

reafirmar algo que sabíamos desde hacía un tiempo: Bad Bunny va a su puñetera bola. Pero él lo ha querido secundar con el acrónimo de su último álbum, que dice literalmente “yo hago lo que me da la gana”, y que anunció sin previo aviso en The Tonight Show de Jimmy Fallon. Pues eso. Lo interesante del asunto es que la treta de estrenar disco en sábado –los lanzamientos acostumbran a programarse por parte de la industria en viernes– es una patochada comparada con algo que sí hace del puertorriqueño un faro generacional: Bad Bunny tiene una hiperproductividad tocada por la varita de la frescura. Publicar mucho, y todo de interés. Nadie en la nueva camada del reggaeton ha conseguido tanta asiduidad y, a la vez, tanta pegada. Bad Bunny ha lanzado desde 2018 dos álbumes, más otro junto a J. Balvin (Oasis), además de multitud de colaboraciones, y siempre se han sostenido en la originalidad y una idea avanzada de qué es el reggaeton hoy. Mención aparte a lo magnético de su personaje, siempre divertido y descarado, y cada vez más complejo en lo identitario; dentro (Yo perreo sola) y fuera de sus cedés (camiseta reivindicativa en homenaje a Alexa

Luciano Ruiz). Cuando hordas de artistas matan por una base caderona, él despacha multitud de temas de géneros variables, y a penas sin despeinarse (no, no es un chiste por lo de su rapado con surcos imposibles): YHLQMDLG tiene veinte canciones como veinte singles, sesenta y cinco minutos de metraje de alta tensión. Y con todo más empastado que en X100PRE. Sin aturullar. La variabilidad de ritmos entretiene, pero la clave pasa por unas segundas capas, una especie de lounge tropical, luminosas a veces y vampíricas otras, que hacen emocionante el paseo y lo elevan definitivamente a electrónica de calidad. Más allá de desvaríos puntuales (Si veo a tu mamá, con su teclado revienta seseras, y Safaera, un torbellino que recuerda a la época de Lorna – siempre homenaje a los padres y a las madres del género– acompañado por Ñengo Flow y Jowell & Randy), YHLQMDLG sigue un camino marcado. Se inicia en el baile y va ganando oscuridad, cadencias traperas, a medida que se cierra. Acaba con una desnuda <3, una agradecimiento a quienes le han sostenido. El corazoncito del joven rey. ¿Qué montaña rusa es mejor, la de crestas pronunciadas o la que mantiene la incertidumbre en cada loop? Bad Bunny lo tiene claro: mejor captar la atención todo el rato. Ese es el siguiente paso del nuevo reggaeton, un género que hasta Vibras, el auténtico disco paradigmático del cambio, se servía de fogonazos rompepistas dentro de discos con más paja que grano. Bad Bunny se suma a lo de Balvin y dobla la apuesta.

—YERAY S. IBORRA

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Traditional Techniques Domino/Music As Usual

FOLK PSICODÉLICO / El californiano vive un momento de fecunda hiperactividad. Este disco se publica apenas un año después de su incursión en la electrónica Groove Denied, y forma una trilogía con el espléndido disco junto a The Jicks Sparkle Hard. ACC Kirtan son seis minutos de sutiles y atmosféricos terrenos psicodélicos orientales que evocan a gigantes como The Beatles o Led Zeppelin. Xian Man, una especie de blues desaliñado, sienta las bases de un trabajo que, como su título avisa, tiene en las texturas acústicas y el folk retorcido campestre su razón de ser. Sin eludir la química de una banda que incluye esta vez al polivalente Matt Sweeney y a Chris Funk de The Decemberists – también productor– van cayendo canciones deliciosas con el punto justo de clasicismo y el toque excéntrico de la casa. —JC PEÑA

Pedro Vian

Hola Chica

Ibillorca Modern Obscure Music

ELECTRÓNICA / Hace unos

años, Pedro Vian se mudó de su Barcelona natal a Ámsterdam, donde ha aprovechado bien el tiempo para evolucionar y llegar a conseguir un sonido más personal. Durante este proceso comenzó a echar de menos su hogar, el clima mediterráneo y el resto de sus bondades, morriña que ha volcado en Ibillorca, un disco soberbio que gana con las escuchas gracias a esa madurez que le lleva a tomar cada vez más riesgos y a explorar nuevos territorios; atrapándote desde el primer momento por la calidad más que notable de todos los temas del disco, en los que va alternando un sonido que navega entre el balearic y el motorik, alternándolo con unas composiciones que se ven también influidas por el ambient de un Jonny Nash y el estilo más neoclásico de un Nils Frahm. —RAÚL LINARES

Marbella Autoeditado

POP / Ocho años después de

iniciarse en la escena musical de Barcelona, Hola Chica regresan con Marbella, una oda de pop electrónico al verano. Su segundo disco, lleno del mismo espíritu sonoro que el anterior –Magnetism (17)–, se sumerge todavía más en la parte electrónica con la introducción de más sintetizador, que prima levemente sobre el pop, la base de su primer larga duración. No dejan atrás, tampoco, el punto rock de su huella característica, algo que se aprecia en Mirage, uno de los singles en el que las guitarras adquieren más protagonismo, o en temas como Free Your Soul, más relajado y con sinergias entre lo acústico y lo electrónico que recuerdan a Temples. Amor, sentimientos encontrados, ganas de pasarlo bien... temas universales que acercan la música de Hola Chica a lo más bailable.

—KAREN MONTERO abril 2020 #43

MONDOVINILOS

Poliça

When We Stay Alive Memphis Industries/ Music As Usual

Biznaga y la dictadura de la tecnología

POP / El nuevo disco de Poliça se llama When We Stay Alive porque la vocalista lo ha escrito y grabado después sufrir de un gravísimo accidente del que salió bien. Quizá de ahí surja este interesante trabajo, que necesita de varias escuchas para ser entendido y que entra difícil y despacio por los oídos y hasta el cerebro. Poliça ha conseguido, en su cuarto proyecto, combinar con acierto y valentía su increíble voz con sonidos que van del pop cheesy más agradable de ‘Steady’ a la electrónica elegante de Fold Up. No se duda de la inteligencia musical de Poliça después de escuchar este álbum. Sin embargo, When We Stay Alive no es un álbum que llegue a emocionar; a veces está a punto de difuminarse como música ambiental y hay que hacer un esfuerzo para encontrar sus muchas virtudes. Sí logra el equilibrio combinando dulzura musical y vitalismo lírico. Un álbum al que volver en esos días de no encontrarse pero al que cuesta llegar. —LUIS M. MAÍNEZ

Biznaga

Gran Pantalla Slovenly Records

8 PUNK / Motivados por la idea de que no hay

nada más aburrido que repetir siempre lo mismo, Biznaga entraron al estudio de La Mina hace un año con ganas de retorcer cualquier tipo de planteamiento con el que afrontaron la grabación de sus discos previos. El resultado es Gran Pantalla, un tercer trabajo en el que por primera vez nos presentan un listado de canciones cuyas letras están conectadas por un tema central: la presente dictadura de la tecnología. Pese a que esta era una temática que había estado presente en una o dos canciones de sus anteriores discos, Jorge, letrista de la banda, confiesa que su obsesión por este tema era tal que ya no le bastaba con solo un par de canciones. Vocabulario y palabras futuristas, que a día de hoy suenan cotidianas, como “algoritmos”, “error 404” o “motores de búsqueda avanzada”, se suceden a lo largo del disco a través de escenas con las

que cualquiera es capaz de identificarse, lo que les sirve para hacer un preciso y pesimista retrato social. Tras la escucha uno termina por asumir, desgraciadamente, que todos los temas vitales que nos remueven (el amor, las rupturas,…) ahora parece que solo pueden ser vividos bajo el filtro de la pantalla. Un paisaje ya no tan distópico que Biznaga acompañan con una parte sonora frenética y enervada, marca de la casa, que para este álbum se deriva a territorios más fríos, impersonales y

Swamp Dogg

Envy

SOUL / Si algo ha distingui-

do la carrera de este veterano del soul es la imposición de una fuerte personalidad y la convicción de hacer siempre lo que ha deseado. Una actitud que hoy día sigue aplicando, como demuestra que haya pasado de coquetear con la electrónica en su anterior trabajo a embeberse de la herencia country en el actual. Arropado de una pléyade de colaboradores que representan el desarrollo histórico del género, de John Prine a Justin Vernon, la recuperación de sus orígenes, artísticos y personales, desembocará en un disco de fuerte calado sentimental. Un traslado de esa base campestre a un territorio estilístico propio que confluirá, sin desoír episodios de brumoso y trepidante funk (Family Pain), en el dominio de emocionantes temas (Sleeping Without You Is A Dragg, I Lay Awake). Con ello, este viejo y desvergonzado intérprete nos permite acceder a su foro más íntimo, uno en el que resiste todavía intacta su capacidad de conmover. —KEPA ARBIZU

POST-METAL / En este disco

están presentes todos los elementos que han hecho de Envy una banda de culto a lo largo de una carrera en la que no han hecho más que afianzar su estatus de formación imprescindible y seminal. A lo largo de los cincuenta minutos que dura The Fallen Crimson nos encontramos con una característica mezcla de oscuridad e intensidad, marca de la casa, a base de atmósferas de texturas post-rock, pesadez metalera, spoken word, desarrollos instrumentales obsesivos, screamo y un poso hardcore del que nunca se alejan demasiado. Hoy en día utilizamos etiquetas como darkgaze para describir algo a lo que Envy llevan dedicados desde hace dos décadas. Nadie como ellos se mueven con tanta soltura en el pantanoso terreno que fusiona el black metal y el hardcore con paisajes instrumentales etéreos propios del post-rock o el shoegaze. Son prácticamente los inventores de un estilo en el que pocas bandas les hacen sombra.

—RICKY LAVADO

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—GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA

Daniel Avery/ Alessandro Cortini

The Fallen Crimson Temporary Residence Limited

Sorry You Couldn’t Make It Joyful Noise/ Popstock!

desolados, acorde con la temática y que han podido dar forma gracias a la experimentación y la libertad creativa que se han dado en el estudio. Lo que los propios Biznaga han definido medio en broma como disco de ciberpunk, no deja de ser el reflejo del buen estado de forma de una banda que continúa dándonos motivos para seguir creyendo en la música de guitarras, algo que a día de hoy parece un ejercicio de resistencia.

Fortuna Autoeditado/ Altafonte

Illusion Of Time [PIAS]

EXPERIMENTAL / Daniel Avery y el teclista de Nine Inch Nails, Alessandro Cortini, han decidido gestar un álbum definido por el devenir conceptual, la divagación sonora y una producción que oscila entre lo onírico y lo ferruginoso. Ambos habían puesto en común sus perspectivas años atrás en la gira que mantuvo ocupada a la banda de Trent Reznor durante varios meses. Avery, telonero del proyecto estadounidense, empatizó a la perfección con un Cortini dispuesto a crear, y el resultado de sus planteamientos ha tomado forma bajo el nombre de Illusion Of Time. Este extraño e intimista decálogo sonoro nos adentra en un pasillo abovedado en el que los juegos de texturas y las intensidades de sonido juegan un papel prioritario. El dúo no duda en relegar la composición para dar primacía a la estética. Una estética plenamente abstracta y alternante con la que logran sumergirnos en un espacio descontextualizado.

—FERNANDO O. PAÍNO

Soccer Mommy

Love Yi

URBANO / Love Yi presenta

Fortuna, un álbum debut en el que ha conseguido dejar claro tanto su más que interesante talento como músico, como el apoyo que ha recibido de los nombres ya asentados en la –cada día más potente– escena urbana de nuestro país. Los once temas que componen Fortuna son una muestra de la versatilidad de un Love Yi que camina sin miedo entre el reggaeton, el R&B y los nuevos sonidos derivados del trap. Canciones como Chulo, De ti me olvido, junto a Recycled J, o Diablo/Te hablo se erigen como los pilares sobre los que se asienta un trabajo equilibrado que ve la luz en un momento dulce en lo creativo para el alcalaíno, que consigue fijar su sello personal en cada una de las letras que escribe y canta. Además, porque ser cantante a día de hoy en el género urbano no es solo interpretar, sabe rodearse de productores de primera como Kabasaki, Merca Bae o Mygal X. Un más que notable primer disparo para Love Yi.

—LUIS M. MAÍNEZ

Color Theory Carolina/ Music As Usual

POP / Sublimando esa suerte de cruce entre Avril Lavigne y Liz Phair que insinúan sus canciones, Sophie Allison se nos va haciendo mayor con un disco más maduro que su predecesor, de digestión algo más prolongada pero igual de gratificante. La confección de tapices instrumentales, muchas veces rozando lo evanescente –Up The Walls o Yellow Is The Color Of Her Eyes–, impera por encima de los estribillos, que ya no buscan la combustión espontánea que lucían en Clean (2018), excepción hecha de esa Lucy con esos embravecidos cambios de ritmo y guitarras enmarañadas marca de la casa. En ese negociado es importante la labor de Gabe Wax (Beirut, The War On Drugs) a la producción y el hecho de haber grabado en su Nashville natal con la misma banda con la que lleva un par de años girando. Un producto notable y muy bien fraguado, que aguanta la mirada sin pestañear a asuntos tan jodidos como la muerte desde sus cándidos veintidós años. 8

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA abril 2020 #45

Gil ScottHeron & Makaya McCraven

Yung Beef

Perreo de la Muerte 2.5 La Vendició/ Empire

REGGAETON / Yung Beef ha vuelto a caer del lado del reggaeton oscuro en este trabajo que, a pesar de comenzar de una manera prometedora, a la altura del primer Perreo de la Muerte, acaba deshinchándose en los últimos temas. La necesidad de involucrar a tantos artistas jóvenes de La Vendición o el agotamiento creativo que le supone vivir de la innovación y el cambio constante de sonidos pueden estar pasándole factura. Por otro lado, el de Granada llega con temas como Bebesita lo siento o El mejor dúo, que con seguridad serán de los mejores que nos dejen los intentos de hacer reggaeton en nuestro país este año. El trabajo de Kiid Favelas y Paul Marmota en la producción es impecable en lo técnico y en cuanto a originalidad respecto a lo que se escucha en la escena internacional; a los pocos minutos de que empiece este Perreo de la Muerte 2.5 consigue atraparte en su atmósfera. Una asfixiante y oscura, como es habitual.

—LUIS M. MAÍNEZ

Princess Nokia

Everything Is Beautiful/ Everything Sucks Princess Nokia Inc.

We’re New Again... XL/Popstock!

JAZZ RAP / Pocas veces se

habrá exprimido de forma tan fascinante las últimas sesiones de un músico como en el caso de Gil Scott-Heron. Ya en su momento, I’m New Here (10), el último álbum de Heron era todo un trabajo de arqueología orquestado por Richard Russell alrededor de su voz. Un año después Jamie XX acolchaba la voz cavernosa de Heron en chisporroteos dubstep de celofán. Casi una década después de la muerte de Heron, el astronauta del jazz Makaya McCraven ha sido el encargado de celebrar el décimo aniversario del último trabajo de Heron, y lo ha hecho desde una mezcla de respeto absoluto hacia sus motivaciones creativas. Estamos ante un trabajo que resucita al tornado de Chicago de las cenizas y le proporciona nueva vida a través del blues cubista de New York Is Killing Me y el hip hop jazzístico que mueve los resortes de The People Of Light. El conjunto se impone en intenciones y originalidad a las dos versiones anteriores del disco. —MARCOS GENDRE

Luke Haines & Peter Buck

RAP / En Everything Is

Beautiful la estrella de Harlem viaja a su niñez luciendo su lado más sensible y crédulo. Se abre al público y se apoya en la excusa de ser un “bicho raro” que no encaja en la sociedad. Y es esta exclusión precisamente la que le lleva a convertirse en Everything Sucks en una niña mimada, caprichosa y calculadora. Con una dirección optimista, Everything Is Beautiful es el más acertado de los dos. Apuesta por un hip-hop noventero, se apoya en el gospel e incluye figuras como Onyx Collective que lo hacen algo más interesante. En la otra cara de la moneda, sin embargo, Everything Sucks se presenta como un álbum frío, rudo y pobre en muchos aspectos. Grabado en Nueva York en solo una semana, capta esa ansiedad de la gran ciudad y la transforma en un álbum despreocupado con grandes carencias creativas. Lo mejor una puntiaguda Practice con Tony Seltzer en la producción que critica la industria, quema y da placer a la vez. —ÁLEX JEREZ

Soolking

Vintage Hyper Focal/ Univesal

Beat Poetry For Survivalists Omnivore Recordings

POP ROCK / No es la de es-

tos dos nombres potentes de la escena rock alternativa una unión forzada y antinatural. Más bien, y a pesar de ser cada uno de un lado del Atlántico, la cosa suena bastante coherente. Y es que este quizá sea el disco de Buck que suena más a R.E.M. desde que desaparecieron los de Athens, y el de Haines que más suena a The Auteurs desde el final de la banda. Aunque si nos tuviéramos que inclinar solo por una de las dos opciones, quizá esta sería la primera pero, eso sí, esto no es un disco de R.E.M. con otro cantante. La aportación de Haines en las letras, los teclados y algunas melodías es demasiado importante para pensar algo así. De Hecho, al final es un aroma a Lou Reed y al Iggy Pop de la etapa berlinesa en el que todo parece converger. La cuestión es que las canciones funcionan y prometen, si la cosa no se enturbia, darnos unas cuantas alegrías a los seguidores de los sonidos americanos más underground.

—EDUARDO IZQUIERDO

do álbum de estudio de un Soolking que lleva años demostrando que el rap con influencias árabes es un estilo en auge dentro de la siempre interesante escena francesa y que él lo domina a la perfección. Después de más de media docena de adelantos, que bien podrían haber sido un EP de hits con colaboraciones de nivel como la de Dadju, Soolking ha lanzado un álbum de veintiún canciones en el que se confirma su gran momento creativo. La melancolía de Billie Holiday, la crudeza de Who’s Bad? o los ritmos afrobeat de Hayati son muestra de lo polivalente que es el argelino. Vintage llega en un momento en el que Soolking ya está reconocido como uno de los nombres a seguir en el país francés tras el bajón del boom de PNL. Es muy complicado mantener el nivel y la cohesión –en la lírica y en las producciones– en un álbum que cuenta con temas como Vintage, pero Soolking lo consigue con facilidad y frescura. Un logro más que meritorio. —LUIS M. MAÍNEZ

Code Orange dan un paso adelante

Plágaros

A Day, A Family & The Night Oso Polita

Code Orange Underneath Roadrunner

ROCK / Es imposible no caer en la tentación del namedropping al escuchar el debut de los hermanos Aritz y Jon Plágaro. Young Hopes suena a grandilocuente cruce entre Bowie y a los Mercury Rev crepusculares. Se menea Old Maui y es como si MGMT –sombra también presente en Stop– se pusieran en plan funky. Superman insinúa en cruce interestelar entre los Flaming Lips más marcianos, Prince y Frank Ocean. Y el descaro glam rock de T-Rex se apodera What You Wanted. ¿Significa eso que estamos ante un disco sin personalidad? No exactamente: si algo no escasea aquí son las buenas ideas expuestas con desafiante convicción, si bien Plágaros tienden a una hiperexpresividad casi esquizofrénica que en determinados momentos puede llegar a empachar. Seguramente se trate de la ambición propia de los álbumes de debut, poco propensos a la labor de criba. Conviene seguirles la pista. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

9 METALCORE / La expectación sobre la conti-

nuación de Forever (su tercer disco y primero editado por Roadrunner Records en 2017) estaba alta, y lo cierto es que el quinteto ha despachado un álbum que, lejos de cumplir con lo que se esperaba de ellos, acaba con un plumazo con las dudas sobre lo que son capaces de hacer. No solo han aprovechado el salto conseguido gracias al sello subordinado de Warner Music Group, sino que se han salido del cuadrilátero y han aterrizado sobre el público llevándose a todos por delante. Desde los primeros momentos de Underneath, los de Pittburgh nos dejan claro que ya no es suficiente etiquetarles como una banda más de metal o hardcore. Su capacidad para experimentar e innovar con sonidos y registros a lo largo de los nuevos temas es una cualidad difícil de reconocer en otras bandas de los géneros anteriormente citados, y es por ello que la banda de Reba Meyers y Jami Morgan debe situarse ya en nuestras mentes en un nivel diferente: como ellos mismos han declarado, su intención giraba en torno a ofrecer una alternativa a

TRAP / Vintage es el segun-

aquellos amantes de la música agresiva que se sentían aburridos con lo que las nuevas bandas estaban ofreciendo o veían al género estancado. Para ello, Code Orange han dado un giro hacia su faceta más industrial (In Fear), y experimentan sin atisbo de un solo complejo con patrones que se detienen repetidamente en sus canciones o samples que avanzan y rebobinan en unos segundos. Efectos ensordecedores, desconcertantes y dignos de provocar una migraña que, unidos a la brutalidad de sus riffs y breakdowns, nos ofrecen algo nuevo y

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tremendamente experimental para una banda de su perfil, consiguiendo sonar delirantes y frescos al mismo tiempo. Si algo podría reprocharse al disco en su falta de cohesión, saltando de cortes tan densos como Cold.Metal.Place, Last One Left o Erasure Scan a otros como Who I Am, cantada por Reba, Sulphur Surrounding o Underneath, en los que que rebajan el desquicie sonoro, las revoluciones y se acercan más a cualquier género que podríamos definir como alternativo y en los que se advierten muchos destellos de Nine Inch Nails. —SOFÍA CUEVAS

abril 2020 #47

SARA BARAS

DIDO

NUEVO ESTRENO DE ULO ESPECTÁC

«Momentos» miércoles 3 y jueves 4 de junio

miércoles 17 de junio

ALVARO SOLER

WOODKID

MADNESS

CARMINA BURANA

viernes 26 de junio

PATTI SMITH

LOQUILLO

AND BAND

viernes 5 y sábado 6 de junio

jueves 18 de junio

RAPHAEL

PEDRALBES

ENTR ADAS AGOTADAS

domingo 7 de junio

domingo 28 de junio

ALAN PARSONS

TR ADAS LIVE PROJECT EN AGOTADAS

FLOWER POWER

martes 30 de junio

viernes 19 de junio

JAMES BLUNT jueves 11 de junio

MANEL

ÚLTIMAS ENTR ADAS!

BRYAN FERRY

ENTR ADAS AGOTADAS

viernes 12 de junio

miércoles 1 de julio

sábado 20 de junio

JUANES

DIA DE LA

viernes 3 de julio

MÚSICA en FAMÍLIA

GALA DE BALLET

ÉTOILES DE L’ÒPERA DE PARÍS

MÓNICA NARANJO

domingo 21 de junio

ANDRÉS CALAMARO

domingo 14 de junio

lunes 22 de junio

DIEGO EL CIGALA «Homenaje a México» martes 16 de junio

ÚLTIMAS ENTR ADAS!

AMAIA

sábado 4 de julio

An Evening with

YUSUF / CAT STEVENS

ÚLTIMAS ENTR ADAS!

lunes 6 de julio

IERTO ÚNICO CONC ! EN ESPAÑA

jueves 25 de junio

martes 7 de julio

Crea Dance Company jueves 9 de julio

CROWDED HOUSE

ÚLTIMAS ENTR ADAS!

viernes 10 de julio

ROZALÉN

ÚLTIMAS ENTR ADAS!

sábado 11 de julio

CARLOS RIVERA domingo 12 de julio

NILE RODGERS & CHIC lunes 13 de julio

MIGUEL BOSÉ martes 14 de julio

DIANA ROSS miércoles 15 de julio

IERTO ÚNICO CONC ! EN ESPAÑA

8è F E S T I VA L — JARDINS —

PEDRALBES BARCELONA

del 3 de junio al 15 de julio

AL MEJOR FESTÑIV DE ESPA A

2019

vdeeenntrtadaas 933 197 570 | festivalpedralbes.com del 3 de juny al 15 de juliol

Patrocinadores:

Medio oficial:

Hotel colaborador:

Transporte oficial:

Colaboradores: CADENA

La millor

varietat

musical 100.0 fm

Sepultura

METAL / Influenciado

por la numerología, algo llamado la Teoría Quadrivium y estructurado en cuatro grupos de tres canciones, Quadra supone un viaje irregular en el que la justificación conceptual entorno a la mística del número cuatro da como resultado un conjunto de canciones que va de más a menos, concentrando los mayores aciertos en el arranque del disco, con la encadenación de Isolation, Means to an End y Last Time, tres pepinazos de trash metal canónico a base de velocidad, contundencia y mala hostia. Las percusiones tribales y el groove metal marcan la siguiente triada de canciones, bajando el tempo y profundizando en la pesadez y la complejidad rítmica, y a partir de ahí, todo hace aguas. Arreglos orquestales, pasajes instrumentales que no aportan nada, coros operísticos, atmósferas acústicas y épica trasnochada dan forma a una segunda mitad de en el que se pierden en una especie de prog metal sinfónico en el que nada funciona y que termina sin pena ni gloria. —RICKY LAVADO

Always Tomorrow Concord/ Universal

Moses Sumney

All Things Go BMG

POP / El éxito cosechado en los últimos años por bandas como Of Monsters And Men o Mumford & Sons ha motivado la creación de otras formaciones situadas en coordenadas similares. Es el caso de Mighty Oaks, que siguen la mencionada senda sin molestarse en disimularlo con un tercer disco en el que todo parece tan medido de antemano que compromete su credibilidad. All Things Go no solo es un álbum extremadamente accesible, sino que se preocupa de manera específica por serlo. El indie-folk que en principio era la base del asunto resulta tan pulido a conciencia que suele derivar directamente en un pop inofensivo y para todos los públicos. El trío busca la conquista del oyente con melodías suaves y medidas, además de un aspecto de amable nostalgia que, en este caso, no resulta convincente. La línea que separa la obra emocionante de la ñoñez tirando a empalagosa es fina y peligrosa y, en el presente trabajo, los berlineses caen del lado equivocado. —RAÚL JULIÁN

POWER POP / Diez años des-

pués de su primer disco de estudio y tras un parón de cinco años por un bloqueo creativo y personal, Bethany Cosentino y su inseparable hombre orquesta Bobb Bruno están de vuelta con la que puede que sea la mejor ración de power pop que vamos a escuchar este 2020. Cosentino, que se abre en canal sobre sus problemas –hoy superados- con el alcohol y su baja autoestima en la vitaminada y nuevaolera Everything Has Changed, se ha convertido en la reina del género con un álbum lleno de caramelos envenenados que tocan todos los palos musicales que han poblado su discografía reciente. Ahí están los guiños a sus adorados Fleetwood Mac en la bella For The First Time, a las guitarras oscuras de The Psychedelic Furs en Wreckage (uno de los pepinazos más contundentes del disco), a los girls groups de los sesenta en la emocionante True” (una de las mejores canciones de su carrera), o a la psicodelia casi Paisley Underground presente en Rollercoaster. —XAVI SÁNCHEZ PONS

Mighty Oaks

MONDOVINILOS

Best Coast

Quadra Nuclear Blast

græ: Part 1 Jagjaguwar/ Popstock!

POP SOUL / græ: Part 1 es

todo un homenaje a esas tonalidades grisáceas que están ahí para los que no creen en que todo es blanco o negro en la vida. Un concepto sobre el que pivotan todas las canciones de esta primera parte de un álbum doble que ha supuesto el verdadero puñetazo en la mesa por parte de Moses Sumney. Porque mientras muchos altos cargos de la industria musical pretendían crear “el nuevo Frank Ocean”, él iba a su rollo. ¿El resultado? Un disco personal, hecho con mimo y con las cosas claras. Resulta difícil encasillarlo en un género musical, pero quizás ese “área gris” que transmite el sonido del trabajo es justo el mensaje que el artista intenta predicar. En general, Sumney consigue sumergirte en su universo de falsetes, pero a veces el oído pide un pequeño cambio de registro a modo de alivio, algo que ni los cuatro interludios puestos a lo largo de su tracklist consiguen. Después de esto, ¿tiene sentido que esa Part 2 salga meses después? —ÁLVARO TEJADA

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Lil Uzi Vert: renovando el trap Lil Uzi Vert

Eternal Atake Atlantic

TRAP / Lil Uzi Vert ha estrenado Eternal Atake, tras una larga espera de casi dos años en los que se han filtrado algunas de sus mejores canciones y en los que incluso llegó a anunciar que se retiraba de la música. Por suerte, nada de esto ha impedido que el álbum viera la luz. Eternal Atake ha vuelto a reivindicar al norteamericano como una de las voces más importantes de su generación y como un reconocido renovador del sonido trap. Esta vez, lo ha hecho de la mano del colectivo de productores independientes Woking On Dying (sus trabajos previos con Lucki, Key! o el propio Lil Uzi son de lo mejor de los últimos años), que se encargan de la mitad de los dieciocho temas de este Eternal Atake, incluyendo algunos de los mejores como Baby Pluto o Futsal Shuffle 2020. Además de estos, des-

tacan hits como POP o I’m Sorry, originales, potentes y perfectamente elaborados, que se convierten en clásicos instantáneos. Eternal Atake es un álbum de Lil Uzi Vert, con solo una colaboración vocal, la de Syd, que demuestra que este proyecto significa mucho para la carrera del de North Philadelphia, un punto de inflexión. El trap le debe mucho a Lil Uzi Vert. Tras la domesticación de Future como superestrella salvaje en sus últimos álbumes, la comercialización de Migos y las sucesivas etapas de Kodak Black en la cárcel, es uno de los dos o tres nombres que siguen suponiendo un valor incalculable en sí mismos. La espera de Eternal Atake ha merecido la pena. Dividido en tres partes en las que se muestran las diferentes versiones del artista (Baby Pluto, estrella del trap y referencia a su papel como sucesor de Future; Renji, más emocional; y Uzi, su autentica personalidad) no es Luv Is Rage igual que P2 no es X0 Tour Lif3, pero brilla sobradamente por sí mismo y tiene peso y alcance, algo difícil en un movimiento en el que surgen nuevos artistas con nuevas propuestas cada dos o tres semanas.

—LUIS M. MAÍNEZ

abril 2020 #49

MONDOVINILOS

Alice Boman Dream On [PIAS]

POP / El debut de larga du-

ración de Alice Boman se ha cocinado a fuego lento, desde que la sueca publicara su primer epé en 2013, Boman ha ido entregando con cuentagotas canciones, consiguiendo, aun así, que su música suene en series como Transparent o 13 Reasons Why, hasta llegar a este esperado Dream On. Un disco que cuenta con la producción de su compatriota Patrik Berger, uno de los grandes nombres de la década que acabamos de dejar atrás, productor y coautor de canciones tan gigantes como Dancing On My Own de Robyn o I Love It de Icona Pop. Pero este disco está lejos de ese pop bailable y mantiene la propuesta minimalista de la música de Boman, buscando sus referentes en grupos como Beach House o incluso en la propuesta más reciente de Angel Olsen. En definitiva, un notable debut que mete a Boman en la primera división del dream pop con una primera cara brillante, y, aunque se desinfla un poco al final, Dream On deja claro su tremendo potencial. —SERGIO ARIZA

Adolescencia y música de clubs Yugen Kala Nothing Is Original Autoeditado

9 EXPERIMENTAL / El debut en largo de este

dúo de productores formado por los hermanos Héctor y Nicolás Iglesias da pie a todo tipo de titulares, muchos de ellos enfocados en la bisoñez de estos dos jóvenes que se han enfrentado a un reto mayúsculo: sacar un álbum con tan solo dieciséis años, y lo han superado con creces al hacerlo con mucha clase y originalidad. Los titulares más facilones se quedarían en ese punto, y otros ya indagarían en la calidad de las producciones de estos dos chavales cuyo padre es Pablo Iglesias, uno de los ingenieros de sonido con más renombre del país, que por lo que se ve les inculcó a una edad bien temprana el amor por los sintetizadores y cajas de ritmo, ya que lo que les sale es una música electrónica alejada de las modas más comunes, a una edad en la que el resto de los mortales suele perder el tiempo en los parques con los colegas o quemándose las

Hollywood Undead

Lauv

How I’m Feeling AWAL/ Popstock!

POP / Tras ser diagnosticado de TOC, Ari Leff se vio obligado a vivir cargado de ansiedad, miedos irracionales y obsesiones que le llevaron a una terrible depresión. Todo esto le provocó un inevitable aislamiento y una incapacidad a la hora de verse con fuerzas para defender un álbum debut. Este primer lanzamiento logra romper barreras y crear una pieza de pop de fácil consumo, para todos los públicos e imperfecta. Ha sabido dar en el clavo a la hora de resumir en un solo disco quién es como artista, y demostrar que es mucho más que un compositor de diez, convirtiéndose en una especie de ídolo de la Generación Z. Entre los mejores momentos destacamos ese Drugs & The Internet que refleja su obsesión con las redes sociales. Y, por otro lado, un Modern Loneliness con el que firma un himno pop sincero y del que habla como una pieza completamente terapéutica. El disco cuenta con colaboraciones de lujo que lideran Troye Sivan, Anne-Marie y BTS. —ÁLEX JEREZ

APHONNIC

RAP METAL / Los californianos vuelven a la carga con su sexto disco de estudio, New Empire Vol. 1. A finales de 2019 ya pudimos escuchar dos adelantos. Ponían toda la carne en el asador con Already Dead, de estrofas rapeadas y estribillo melódico marca de la casa, y en Time Bomb arremetieron contra los influencers, animando a su público a tener sus propias ideas. Ya este año siguieron calentando motores con Empire, donde la muerte sigue rondando sus letras. Y así hasta nueve canciones nuevas en las que la parte instrumental y metalera de guitarra distorsionada/bajo/batería se mezcla con samples, bases preprogramadas, scratches, teclados y sintetizadores. En Killing It se centran en su parte más rapera. La distorsión vuelve a los estribillos de Enemy. Los riffs gordos y pesados toman protagonismo en Upside Down. Las revoluciones se relajan momentáneamente en Second Chances, y el rap vuelve a tomar los mandos en el cierre pesadillesco de Nightmare. —JESÚS CASAÑAS

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METAL / Aphonnic se han ganado a pulso el derecho de hacer lo que les venga en gana y de publicar un disco como La reina. Después de cinco álbumes y veinte años de carrera, el cuarteto de Vigo sigue alternando metal con pop sin ningún rubor ni complejo pero, eso sí, con un resultado excelente. No hay ni una sola canción de relleno en las once que componen su sexto LP, un trabajo impecable donde todo está perfectamente colocado en su sitio: sonidos contundentes, una fuerte carga melódica, pinceladas de post-rock y de electrónica, coros certeros que suman épica al conjunto... Como veis, La reina causará repulsa a los puretas y a quien tenga los oídos estrechos; los demás, disfrutamos como niños con composiciones como Kaleborrock & roll, Mickey & Minnie o Tres deseos. Otras incluso tienen un cierto potencial comercial: Vestigios, Necios y Dulce de leche. La voz principal de Chechu bascula entre el desgarro y la emotividad. —JORDIAN FO

IDM preciosista cercano a Isan o Lusine (Fight, Points), experimental/Club (Faster) e incluso el ambient (Naive), todo sonando a la perfección, gracias al buen oído de ellos a la hora de componer y al excelente trabajo de su padre a la hora de la masterización, lo que acaba de darle esa pátina de calidad y clase que hace de este trabajo uno de los discos destacados de lo que llevamos de año y un proyecto a seguir con mucho interés a partir de ahora.

—RAÚL LINARES

Maserati

La reina Autoeditado/ Maldito

New Empire Vol. 1 BMG

pestañas jugando a la Play. Muchos esperarían un producto más centrado en sonidos más de moda como el trap o en el EDM, pero ellos han optado por tirar hacia lo salvaje, con incursiones en la IDM, techno, electro y esa música de Club de gente como el holandés Air Max ’97 en la que colisionan todo tipo de géneros para sacar piezas que encajarían tanto en una pasarela como en un club. Se aproximan al footwork desde su perspectiva (Manifesto, Poem), jungle con rollo chiptune (Silver), el

Mery Myles

Enter The Mirror Temporary Residence

POST-ROCK / En el disco más

completo y cohesionado de Maserati hasta la fecha, encontramos todos los elementos clave del sonido de los de Athens, ese que une la frialdad de una banda sonora de John Carpenter con la vertiente más experimental del post-rock. Voces filtradas por vocoders, sintetizadores, ambientes obsesivos salpicados por puntuales destellos de psicodelia y guitarras cortantes y sucias. Oscuridad, ensimismamiento instrumental sin caer en el aburrimiento y el suficiente contraste entre organicidad rock y gelidez sintética como para lograr que los cuarenta minutos que dura el viaje sepan a poco. A lo largo de sus siete cortes, con John Congleton (Swans, Explosions In The Sky) encargado de la producción, Maserati construyen un universo propio a base de estética retrofuturista, electrónica primitiva, krautrock, pop psicodélico y un extraño equilibrio entre la experimentación más cerebral de Turing Machine y el gamberrismo de Trans Am. —RICKY LAVADO

Elements Autoeditado

POP / De adolescente, Mery

Myles escuchaba todo tipo de grupos: de Black Eyed Peas a AC/DC o Sade. Ahora, con veintiún años, mezcla estas influencias de manera explosiva en su primer disco de estudio, Elements, un trabajo compacto y especialmente definido producido por Robin Synth. La artista ibicenca abraza el hip-hop, el soul y el pop, y hace de este compendio de estilos su seña de identidad. A veces rapea con una base soul con trazas electrónicas, a veces canta a una melodía pop sobre el desamor o simplemente demuestra su potencial vocal. Mery Myles compone con piano, una base primordial que se percibe en temas como Memories Let Me Down, Worst In Me o Dry Roses, delicias en las que también se destaca su voz grave y potente. El pop festivo al más puro estilo de Flo Rida es protagonista en I’m Not Better Than You o Talk About That, ambas con bases electrónicas y dobles voces. En el resto de cortes muestra las influencias de las divas contemporáneas del soul, el pop y el R&B. —KAREN MONTERO abril 2020 #51

MONDOVINILOS

Anna Calvi

FOTO: ARCHIVO

Hunted Domino/Music As Usual

Jonathan Wilson publica su mejor disco Jonathan Wilson Dixie Blur Bella Union/[PIAS]

AMERICANA / A principios del decenio que acababa hace apenas unas semanas, servidor se desplazaba a la barcelonesa sala Luz de Gas para disfrutar de un concierto de Jackson Browne, al que aquella noche acompañaba un desconocido para mí Jonathan Wilson. Lo suyo me pareció uno de los eventos más aburridos de música yanqui a los que un servidor ha tenido el gusto de acudir. Falto de canciones, basándolo todo en las atmósferas y jugando a la languidez, con lo más negativo del término por bandera, Wilson siempre me ha parecido directamente lo que se conoce como “un plasta”. Hasta hoy. Parece que para grabar este Dixie Blur, el músico de Topanga se ha dado

#52 abril 2020

cuenta de que necesitaba consejo, y su principal mérito ha sido el saber pedírselo a las personas adecuadas. Primero a Steve Earle, que le recomendó que buscara en su pasado y en las raíces de la música de su país. Vamos, que se dejase de hostias ambientales y chorradas, y se pusiera a recuperar las buenas canciones que él sabía que tenía. Tras eso, Wilson recurre al coproductor de Wilco Pat Sansone, reúne un buen puñado de músicos relacionados con el country más tradicional, graba en los estudios de Cowboy Jack Clement y mezcla en los de Jackson Browne. El resultado, sin ningún lugar a dudas su mejor disco. Tampoco una obra maestra, no se pasen. Pero sí el conjunto de canciones con más sentido y personalidad que ha grabado. Cálidas, densas, reflexivas, pero no aburridas. Ahora sí herederas y no malos plagios del sonido Laurel Canyon. Así vamos bien. Que no sea un lunar en su hasta ahora insulsa –e incomprensiblemente enaltecida– carrera.

—EDUARDO IZQUIERDO

ROCK / Anna Calvi vivió su

mejor momento con Hunter (18), y quizá ese éxito haya empujado a la británica a lanzar Hunted. En él revisa siete de los temas de aquél trabajo, tras reclutar a un (a priori) deslumbrante cartel de colaboradores: Julia Holter, Courtney Barnett, Charlotte Gainsbourg e Idles. La referencia debe entenderse como apéndice de la obra original, porque si se asume como obra con sentido y peso propio, entonces el asunto flaquea y su justificación queda cuestionada. Y es que el contenido tampoco difiere sustancialmente del inicial, con piezas que tienden a manejarse en un ritmo más lento y reflexivo al tiempo de alejarse ligeramente (más en forma que en fondo) de esa rabia explícita contenida en su antecesor. —RAÚL JULIÁN Víctor Coyote

Las comarcales El Volcán

CANCIÓN / Basta con decir

que Las comarcales es el disco más redondo de Víctor Coyote desde aquel vibrante Mujer y sentimiento (85), con el que alcanzó una cima que, tras tantos años después, resultaba casi una utopía pensar que podía volver a escalar. Sin embargo, el de Tui se ha marcado todo un festín de cumbias arrabaleras y blues marineros sencillamente irresistible. No hay socavones en la inspiración irradiada a lo largo de la docena de cortes que marca este nuevo viaje en barco por latitudes muy bien conocidas

por el sabio gallego, y que solo él es capaz de trasladar a ese punto de costumbrismo desgarbado tan peculiar. Solo así pueden aflorar brotes fronterizos como Sentimiento barato o títulos tan representativos como Cumbia de milagro. Como si Tom Waits hubiera mutado en Ry Cooder atlántico, el cancionero aquí armado responde a una voluntad de rescatar folclores de arraigo insular. Lo regional es lo más universal, y Víctor cabalga a lomos de esta certeza por medio de matrimonios macerados a base de imposibles. —MARCOS GENDRE Roldán

Tus poderes El Genio Equivocado

POP / Ha tenido que ser en el cuarto álbum cuando Roldán han explotado todo su potencial, aquí filtrados desde la conjunción emocional de imaginar una arcadia onírica donde la soledad de Akira se ve invadida por la selva agresiva de Aguirre, la cólera de Dios. Los siete eslabones aquí engarzados fluyen a través de un sentido poder de saudade norteña. El expresionismo habitual de la banda se aposenta bajo efluvios de bossa nova y tropicalia kraut de poso aéreo. El tono neutro de Juan Carlos Roldán describe cuadros pintados desde un complejo esqueleto percutivo minimalista. El vuelo libre de cortes como La potencia o Cabalga refrendan las hechuras cuasi místicas de un artefacto urdido desde una conciencia pop transoceánica y una certeza mayor: haber encontrado un eje de rotación donde melodía y percusiones se besan con suavidad entre brisas almidonadas de una isla discográfica que, en verdad, debería haberse titulado “Sus poderes”. —MARCOS GENDRE

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Estrella de Levante recomienda el consumo responsable, 4.8ยบ

NUEVAS FECHAS

Stone Temple Pilots

Comedia Yoica The Braves/ Nooirax

Perdida Warner Music

ROCK / El segundo trabajo

de los hermanos DeLeo con Jeff Cutt es un disco repleto de buenas intenciones, pero lastrado por una falta de carisma alarmante del sustituto de los dos anteriores y fallecidos cantantes. Jeff y el resto de Stone Temple Pilots nos entregan un compendio de medios tiempos y tonadas acústicas tan melancólicas y bien facturadas como ajenas al dolor y al malditismo. Tras el fallido disco anterior comprendieron que lo que mejor se adapta al a voz de Jeff son este tipo de canciones, por momentos suena a Weiland pero al segundo te percatas de la falta de garra. Hay ideas y momentos logrados (Three Wishes, Fare Thee Well, Miles Away), pero también nos encontramos con otros momentos bochornosos (She’s My Queen, Perdida o Years). Sinceramente no es un mal disco, pero sí es insuficiente para que la carrera de los de San Diego repunte. Los hermanos DeLeo facturan un trabajo lleno de momentos de introspección que les será más útil a ellos que a nosotros. —MARCOS MOLINERO

HARDCORE / El egoísmo,

el egocentrismo y otros asquerosas variantes del narcisismo están a la orden del día, en la calle y en todas las pantallas. También inspiran el tercer trabajo de Habitar La Mar, Comedia Yoica, un incómodo retrato de la realidad cargado de violencia verbal y oscura psicología. En total, siete temas y dos colaboraciones de lujo (Anxela Baltar de Bala y Donna Diane de Djunah) que ahondan en la línea marcada por los trabajos previos de una banda con perros viejos de la escena underground con los colmillos bien afilados. Solo dos años han necesitado para convertirse en una de las propuestas más excitantes del rock alternativo estatal, un cruce perfecto entre el ruidismo letal de Young Widows y la energía inabarcable de Metz aderezado por unas letras en castellano punzantes. Su tremendismo lírico contiene personajes odiosos (Anti, Arsonista de mí) y escenas terroríficas (como el abrazo de Colisiones estremece y el parque de atracciones de Fantasmas). —LUIS BENAVIDES

Vera Fauna

Manolo Kabezabolo

Dudas y flores Purple Moon Records

ROCK PSICODÉLICO / El

cuarteto sevillano formado por Kike Suárez, Javi Blanco, Jaime Sobrino y Juanlu Romero presenta su primer largo con un álbum cuyo título remite a su propia biografía: “vivimos muchos momentos bonitos, pero también, por nuestra edad y nuestra época, tenemos mucha precariedad y muchas dudas internas”, me comentaban en una entrevista hace poco. Así, pasan por el tracklist de este debut la explotación laboral o la gentrificación en dos de sus mejores canciones, Cobre y la historia de (des)amor con Sevilla Candelaria, respectivamente. Temas como éstos se añaden a cortes que ya conocíamos, como Los Naranjos o Colorada, la versión de Papa Levante con la que se diferencian, una vez más, de otros grupos del estilo: su intención con esta cover no es “convertirla en buena canción” ni mucho menos hacer la gracia ridiculizándola, sino defender la belleza que esconde el folclore andaluz más allá de imágenes vacías de contenido. —PABLO TOCINO

MONDOVINILOS

Habitar La Mar

Tanto tonto monta tanto Rock de Kasba

PUNK / El séptimo trabajo

oficial de Manolo Kabezabolo llega seis años después de Si todavía te kedan dientes, es ke no estuviste ahí, aquel con el que celebró sus treinta años de trayectoria. En este cumple una década junto a Los Ke No Dan Pie Kon Bolo, su banda más longeva con quien empasta ya a la perfección. El álbum se compone de una decena de temas, nueve suyos más una versión de Hierro a fondo, con la que rinde homenaje a la banda El Sueño Eterno y cuyo cantante, Ángel, presta su voz para la ocasión junto a la de Kike (KBKS/Bastardos del Metal). No son las únicas colaboraciones que encontraremos: Mamen (Puro Chile) canta en Fuimos, somos y seremos; por su parte, los ex Violadores del Verso R de Rumba y Sho-Hai aparecen en el último tema, Historia histérica. El primer adelanto ha sido Es el sistema, un tema corto, conciso y “ramoniano”, llevado con mucho humor (como no podía ser de otra manera) al mundo audiovisual.

U.S.Girls se limpia la cara U.S. Girls

Heavy Light 4AD/Popstock!

8 POP / A diferencia de sus discos previos,

Heavy Light se podría definir como un ejercicio de retrospectiva. Las reflexiones sobre el pasado se perciben desde el primer momento en que miramos el tracklist del álbum y encontramos temas conocidos como State House (It’s A Man’s World) o Red Ford Radio, canciones publicadas hace ya diez años, cuando Ramy grababa con solo una caja de ritmos. Lejos de fastidiar el encanto lo-fi de las canciones o matar la frescura original, esta revisión y aclarado sonoro nos da la oportunidad de saber lo que hubiera sido de la música más temprana de U.S. Girls con mejores medios, y el resultado es muy gratificante. Si la publicación de In A Poem Unlimited (18) llamó la atención porque era la primera que vez que la artista contaba con una banda de apoyo en el estudio, en esta ocasión dobla la apuesta y graba Heavy Light en directo en los estudios Hotel 2 Tango de Montreal junto con veinte

profesionales, dotando al disco la capacidad de explorar distintos géneros, como el pop, el funk o el soul, una mezcla que ya estaba presente en su anterior entrega, pero en esta ocasión sin tanto colorido, más bien desde una sonoridad no tan adornada y más sobria, acorde con un estado de madurez por parte de Ramy tanto musical como vitalmente. Precisamente, otra de las virtudes del trabajo se encuentra en el ejercicio de introspección que realiza Ramy. Como decíamos, Heavy Light es una oportunidad de mirar atrás, de recordar y analizar con perspectiva desde vivencias de juventud (Woodstock 99) hasta recuerdos más dolorosos como en Overtime, tema que cuenta con Jake Clemons, hijo del mítico saxofonista de la E Street Band Clarence Clemons, y que relata la pérdida de un amigo por el alcohol. Al echar la mirada atrás, uno corre el riesgo de perderse en los recuerdos y en una falsa idealización. Heavy Light parte de esa premisa introspectiva, pero lejos de perderse en ella, Meghan Ramy hace gala del estado de madurez personal y artístico en el que se encuentra para agrandar aún más el nombre de U.S. Girls con un disco más que notable. Y ya van unos cuantos.

—GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA

—JESÚS CASAÑAS

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abril 2020 #55

L a m á s

m ú s i c a q u e c e r c a t i e n e s

E D I C I Ó N E S

L O C A L E S

MONDOMADRID Lo dejaron todo para instalarse en Londres y poner en marcha un proyecto que va más allá de la electrónica experimental, con un debut en dos entregas que se acaba de completar con la publicación de II (Tempel Arts, 19).

ESPUES QUE LA primera parte de este debut se presentase de forma casi clandestina (con postales que sus seguidores recibieron personalmente en el verano de 2018), II culmina este capítulo inicial del proyecto que Ignacio Simón (hace años en Al Berkowitz) y Mariuca García-Lomas pusieron en marcha tras afincarse en Londres. “Hicimos prácticamente todas las canciones a la vez, pero nos dimos cuenta de que claramente había dos álbumes distintos: uno era el negro:

más oscuro, más electrónico, más político incluso… y el otro el blanco: más orquestal, más onírico, más cercano a sentimientos universales como el amor, aunque ambos surgieron del mismo concepto: la historia de Northwest, de cómo decidimos dejarlo todo para perseguir un sueño”. Clásica contemporánea, pop experimental o electrónica avantgarde dibujan el lenguaje de un trabajo en el que los géneros acaban diluyéndose. La mayoría de las veces, comentan, “es en forma de música, pero en ocasiones también vídeo-arte, cine, fotografía, danza…”. Hay también un cierto expresionismo que puede llegar a evocar la obra del pintor británico William Turner (algunos de sus cuadros se mezclan en el artwork con fotografías de Ignacio Hergueta). MÁS QUE AMBIENT y abstracción, lo que encontramos son paisajes en un momento muy concreto. “Creo que nos hemos servido del tiempo y del paso de las estaciones como metáforas en muchas de

estas canciones, porque cuando emprendes un viaje así (dejarlo todo, mudarse a otro país, prometerte que vas a intentar hacer lo que te hace feliz a pesar de las dificultades económicas o sociales…), nos hemos visto inevitablemente pasando mucho tiempo mirando literalmente a través de una ventana (de un nuevo hogar, un coche, un avión, la casa de alguien en mitad de Polonia…) y reflexionando sobre qué es lo verdaderamente importante en la vida”. Northwest, continúan, “se ha ido definiendo poco a poco, como si tuviera vida propia más allá de la nuestra”, con Londres como espacio desde el que desarrollar este laboratorio: “Con sus luces y sus sombras, es un lugar donde siempre nos sentimos motivados, porque al ser tan hostil en muchos sentidos, pero tan rico en culturas por otro lado, te obliga a priorizar y a centrarte. Todo el mundo que viene tiene un objetivo muy concreto y la ciudad es como la pista de despegue hacia ese sueño”. —ENRIQUE PEÑAS

Tempel Arts, 2019

FOTO: MASHA STARCEVA

Northwest Desde la ventana

FOTO: SERGIO ALBERT

EL. TRIPARTITO.

“Londres es hostil en muy rico muchos sentidos, pero do. culturalmente hablan Londres te oblica a priorizar y centrarte”

Juan Pedrayes

(Carolina Durante / Axolotes Mexicanos)

Lucky

Lucie, Too Thistime Records 2018

Manual de montaña rusa Airbag Wild Punk Records 2011

DE ALLÁ / Este disco me flipa porque dentro

DE AQUÍ / De este disco qué decir. Llevo escu-

del j-pop suena super fresco, siete temazos como catedrales que te los comes de una. Además, no se hace para nada largo. Las tres primeras canciones son mis favoritas, destacando la que da nombre al disco que la pondría meter en mi top5. Y está cerca de tener la duración perfecta para mí: 1:38 minuto.

chando a los Airbag en bucle desde que los descubrí en la época que lo estaban girando. Todos sus discos me parecen buenos pero si tengo que elegir me quedo con este porque tiene un sonido más claro que me parece muy molón, tirando un poco más al pop que al punk.

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Pesadilla adulta Juanita y los Feos Munster Records 2011

DE MÁS AQUÍ / Pues me flipa este disco porque ya de primeras todos los temas hablan de sufrir, de hacerse daño y tal que supongo de vendra porque cuabdo te haces mayor empieza a salir todo lo malo y ese concepto me flipa, la cancion “autolesionarse” me parece un temazo que te lo empiezas a cantar desde el segundo uno.

abril 2020 #57

CMY

31 FAM FOTO: NIL VENTURA

MONDOCATALUNYA

10 RECO. MENDADOS. POR....

Las Bajas Pasiones

Nacieron en el seno de Los cabarets Fúria Queer, un espacio de fiesta y cuidados LGTBIQ indispensable. Han publicado Bichx rarx (Kasba Music, 20). Una serie: Pose Nos encanta la historia, la idea de comunidad, la lucha que hubo en ese momento, el VIH... Un disco: La tristeza de la Vía Láctea de Lewin Este disco nos ha acompañado en muchos viajes, nos enternece, nos emociona... Un descubrimiento musical: 070 Shake Esta rapera de New Jersey es brutal. Flipamos con ella en directo en la sala Apolo, y los dos discos que ha sacado son una joya. Un colectivo: Top Manta Lo mejor que le ha pasado a Barcelona en los últimos años. Estas personas han sabido dar la vuelta a una situación de racismo y marginalidad brutal. Un bar: La Raposa de Poble Sec Encuentras comida vegana muy sabrosa, libros feministas, y un montón de actividades, charlas y propuestas interesantes. Una marca de ropa: Arteporvo Esta marca de ropa nos tiene embrujados, sus diseños no te dejan indiferente, son una buena patada en los genitales de la normalidad. Un director de cine: Xavier Dolan Este precoz director nos tiene cautivados. Hemos visto todas sus películas. Nos gusta tanto por sus historias y su manera de contarlas como por sus preciosos planos a cámara lenta,. Un postre: Paparajotes En Murcia a las dos de la mañana nos encontramos una fuente de esta delicia que había preparado la mama de Edu. Fue orgásmico. Una zona de cruising: Tiergarten Este precioso y gigante parque de Berlín nos encanta. Un buen lugar para conocer gente y perderse entre los arbustos. Un medio de transporte: Bicicleta No hace falta decir mucho. Odiamos los coches y las motos... Solo la bici nos hará libres. ¡Te pone el culo duro, sin gastar un duro!—MS

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“Los jóvenes son la cultura, son los que marcan lo que sube”

31 Fam Malas caras

Los catalanes 31 Fam continúan dando pasos adelante en su corta pero ascendente carrera. Este grupo de amigos de Sabadell de entre diecinueve y veinte años ha pasado de dos singles pegadizos a fichar por un sello, publicar un álbum, TR3TZE (Picap, 19), y una mixtape, Vallhalla (Picap, 20), que acaban de estrenar.

AN GIRADO POR TODA CATALUNYA, han asomado la cabeza por la península y se han consolidado como la nueva apuesta a seguir dentro de la música urbana catalana. “Este año ha sido una locura. El disco funcionó muy bien, hemos crecido a nivel artístico, pero también profesional. Nos lo tomamos mucho más en serio”. Vallhalla viene a subrayar su posición, y lo hace con rimas en catalán y castellano, incluso en inglés. Y eso ocurre porque no quieren limitarse a la escena catalana. “Creo que estamos en un punto intermedio. No somos muy mainstream como Oques Grasses o Lildami, pero tampoco underground como puede ser P.A.W.N. Gang. Tenemos un pie dentro y el otro fuera”. De ahí que, este año, podremos verles en eventos como Madrid Salvaje, Share Festival Barcelona y, quizás el más representativo para ellos, el nuevo festival de música urbana Maleducats, organizado por Lildami en

Terrassa. “Engloba bastante bien nuestra escena, con grupos argentinos y estatales y con la escena de aquí… Ha hecho un buen festival, escapando de los festivales de trompetas, ha innovado y esto mola”. 31 Fam explotaron de sopetón con los singles de Sincero y Valentina, sensación en las redes, pero no fue tan fácil llevarlos al escenario. “Quizás, con las visitas que teníamos, la gente se esperaba algo más en nuestros conciertos. Al principio los directos eran flojos, pero es normal en cualquier grupo que empieza. Puedes ensayar o hacer mil mierdas previas, pero se aprende haciéndolos”. NO FUERON LOS PRIMEROS en hacer música urbana en catalán, pero sí quizás de conseguir que sonara en la radio y de popularizarla. Por eso, reivindican que, desde la industria y también los medios, no se hace suficiente por este género. “Todavía cuesta que lo vean como cultura y no como rebeldes que se drogan. Pero los que saben,

se dan cuenta que esto es lo que escucha la gente joven. Los jóvenes son la cultura, son los que marcan lo que sube”. Tyler, The Creator decía en los Grammy que estaba encasillado en urbano y rap por ser negro, y 31 Fam ven un cierto paralelismo con estas declaraciones con los que dicen que no se puede hacer urbano sino eres de la calle. “Si no eres blanco también puedes hacer pop, pues si no eres de la calle, también puedes hacer urbano mientras no hables de cosas que no has hecho. No todos llevamos vida de calle, aunque hayamos pasado mucho tiempo por ahí. Si se considera ‘calle’ ser un delincuente que pasa droga, pues claro que no lo somos, pero la calle son muchas cosas. Somos conscientes de que lo hemos tenido fácil en la vida, pero no somos tontos. Valoramos mucho a la gente que viene desde abajo y se lo ha tenido que currar, pero eso no te quita merito a tí. El curro se ha hecho igual”.

—IGNASI ESTIVILL

abril 2020 #59

MONDOEUSKALHERRIALA RIOJA

Basurita Nostalgia FOTO: ARCHIVO

Gatibu Veinte años no es nada

involuntaria en tiempos de cuarentena

El Gran Feliz (Everlasting, 20), segundo álbum de Basurita, aparece en un momento extraño. Pero las canciones siguen ahí, por eso hablamos con Santi Real de Asúa al respecto.

La banda de Gernika celebra veinte años en la carretera con un concierto retrasado (en fin, ya se sabe por qué motivo) al 31 de octubre en el pabellón Miribilla de Bilbao. Pero nuestra charla sobre ello no podía quedar pendiente.

ATIBU, LA FORMACIÓN liderada por Alex Sardui, es una de las más importantes del panorama vasco. Durante estos años, y desde el primer minuto, ha obtenido el beneplácito del público joven vascoparlante, que ha sabido renovar con el paso de los tiempo. Gaizka Salazar (cuyo proyecto personal, EraBatera, ha comenzado a despuntar con su primer disco), destaca que, aunque el paso del tiempo cambia la manera de vivir, la energía y la dedicación de sus miembros siguen siendo las mismas, aunque “seguimos teniendo la ilusión de seguir muchos años más, de recorrer nuevos caminos, nuevas canciones y nuevos retos que nos mantengan vivos”. Ay, el paso del tiempo. Lo normal en estos casos suele ser destacar que los comienzos no fueron fáciles, pero no es el caso de Gatibu. “La cosa funcionó desde el primer single, que fue Musturrek Sartunde. Al principio puede ser que el público pudiera ver

a la banda como una prolongación de Exkixu (la anterior banda del cantante Alex Sardui, que obtuvo un éxito sin precedentes en los noventa), pero se ha visto disco a disco, concierto tras concierto, que no era para nada así. Creo además, sinceramente lo digo, que Gatibu ha tenido desde sus orígenes una personalidad única que se ha desarrollado y evolucionado con los años, llegando a ser lo que somos ahora”. Sin duda, el carácter jovial de sus canciones, las letras en vizcaíno y el carisma de su cantante han conseguido el cóctel perfecto para éxito. Destacan como uno de los referentes de los más jóvenes. “La verdad es que en nuestros conciertos vemos gente de todas las edades, los que estaban en nuestros comienzos, los que se han ido sumando y nuevas generaciones”, destaca el batería de la banda. ADEMÁS, SIGUEN ALCANZANDO sueños cumplidos como banda, como su último disco que ha sido grabado en Estados Unidos, de la mano

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del productor Santi García. “Seguimos mirando hacia adelante, sin lugar a dudas. La experiencia de grabar el anterior disco en Texas y además con un productor (Santi García), lo cual no lo habíamos hecho nunca, nos dio un chute de la hostia. La experiencia nos moló mucho, así que no sabemos a día de hoy dónde y con qué productor vamos a grabar, pero sabemos que vamos a volverlo a hacer”, subraya Salazar. GATIBU MIRA AHORA AL PABELLÓN de Miribilla, en Bilbao, donde el 31 de octubre llevarán a cabo un concierto especial para celebrar este veinte aniversario. “Va a ser una fiesta para compartirlo con nuestros seguidores y seguidoras y también para celebrarlo nosotros. Como una especie de ‘¡nos vamos de cena y vamos a pegarnos un homenaje por todo lo alto!’. Creemos que va a ser muy especial y estamos poniendo todo lo mejor que tenemos y sabemos para hacer un concierto inolvidable”. —XABIER DONCEL

FOTO: ARCHIVO

“Seguimos teniendo la ilusiónde seguir muchos años más, de recorrer nuevos camino”

ERDÓNENME EL CHISTE, pero hoy Santi Real de Asúa es más Inquilino (recuerden, formó parte de El Inquilino Comunista) que nunca. En pleno confinamiento contactamos con el cantante y compositor de Basurita para charlar sobre psicología y psiquiatría, tiempos pasados imaginados, plagios involuntarios y, ya de paso, sobre su segundo trabajo. “Me gustan tus observaciones y enfoque de los temas… Trasiegos de la edad, conciencia varada en la juventud… Toco con un psiquiatra y un psicólogo y no me sacan nada de esto…”, me confiesa Santi, ante una batería de preguntas online que buscan la doble lectura. El Gran Feliz ha matizado detalles de su primer álbum para progresar hacia unas canciones cohesionadas y llenas de chispa, donde la simplicidad se hace virtud. Incluso tienen tiempo para despistar, de manera involuntaria, eso sí. “El tema homónimo no es ninguna revisión. Cuando le presente el disco al sello me comentaron que la canción recordaba a una de Weezer. No les controlo mucho, de hecho llegué a esas notas desde otras ... pura casualidad, en este caso”. Esa cohesión de la que hablábamos, imagino que debe tener un porqué. Este disco se ha grabado por los cinco miembros en el estudio de Paco Loco en Puerto de Santa María, lo que desde luego le da mucha más uniformidad y similitud a todo. Alicia, el tema instrumental que está a mitad del disco. ¿Es una manera de hacer reposar el elepé, que haga descansar al oyente? “Me gusta la idea de meter temas instrumentales en los álbumes, dan un respiro a las voces y letras. En este caso el que este en medio es más circunstancial, en el vinilo cambiaremos el orden”. En definitiva, el tema predominante son las mujeres y el paso del tiempo. ¿Es la nostalgia un cliché que siempre funciona en las canciones? “Pienso que todo lo que esté bien interpretado puede funcionar bien, y la nostalgia desde luego que lo puede hacer. Pero no me había planteado la nostalgia como una cuestión relevante”. Imagino que tras esta crisis sanitaria, como todo el mundo, estaréis pensando en cómo lanzar y visibilizar el trabajo. ¿qué planes tenéis? “El disco estaba previsto para el 17 de abril y pasa al 29 de mayo. En principio parece que el single El Gran Feliz estará ya estrenado a finales de marzo. Me parece que es un disco magnífico y me encantaría que nos diese algo de visibilidad que nos facilite presentarlo en directo”. —ÁLVARO FIERRO

ter “Me gusta la idea de me es temas instrumental en los álbumes” abril 2020 #61

MONDOSUR CHENCHO FERNÁNDEZ FOTO: ÁLVARO SOTO

Miguel Rivera “He sentido la necesidad personal de salir del formato canción”

Chencho E Fernández

Sucedió aquí

Al terminar la entrevista con Chencho Fernández cae uno en la cuenta de que hemos hablado poco de su último trabajo Baladas de plata (Warner, 2020). Será porque el sevillano es tan honesto con sus canciones que cualquier charla rápidamente te pone en el contexto de su obra. También porque su música goza de la universalidad y a la vez, del rincón más inaccesible de un autor atemporal.

A TARDADO CHENCHO FERNÁNDEZ SEIS AÑOS en volver a darnos una nueva entrega de poesía hecha música. El sevillano, con vidas anteriores en los míticos Sick Buzos o las provocativas muñecas de la calle Feria, da por fin relevo a su rotundo Dadá estuvo aquí. Quizás lo que menos importe sea el tiempo transcurrido tras comprobar que Fernández no para de crecer y forjarse una personalidad rocosa y con aristas más allá de nombres y disciplinas “Es que esa condición poliédrica se da en muchos individuos, sean artistas o no. Uno va reconociendo poco a poco su propia sensibilidad. En mi caso prima la música, el cine y la literatura. Nos deleitamos con cosas, con nuestros gustos. Después viene ya el proceso de aprender a expresar la propia sensibilidad que antes te decía. Yo siempre intento hacerlo de la manera más sincera posible. Y desde fuera comprendo que el trabajo se pueda prestar a interpretaciones varias. Yo lo que no hago es calcular el peso de artistas en mis canciones pero es totalmente natural que se filtren cosas de ellos. Si se ven mis influencias me gusta que se me vea a mí, no ser una simple némesis”. Ecos a Lou Reed en La fosa de Las Marianas o sensualidad y picardía declarada a lo Gainsbourg en Te quiero sin querer. El oyente es libre de buscar y encontrar en

historias donde las vivencias, puras o diluidas, subyacen llenas de lírica. “Tengo un elemento confesional en mucha de mis letras pero tampoco me gusta que mis discos sean un diario. Yo entiendo el arte y la poesía sin ser lineal ni directa. Puedo inspirarme en mis vivencias, pero detrás de ellas, siempre busco una creación. La realidad es poliédrica y puede revestirse de muchas formas.” Es esa realidad, con grandes dosis de realismo épico y algunas gotas de costumbrismo ecléctico, una de las mayores virtudes de Baladas de plata, un disco donde Jordi Gil vuelve a estar los mandos, además de esa otra Sevilla reconocible y muy presente entre acordes, arreglos orquestales y sobresaltos eléctricos. “Al aprender y comprender el inglés desde muy pequeño me di cuenta que en gente como Dylan estaba muy presente lo local, la historia de sus ciudades. Y claro, cuando lo local se hace canción o poesía, ya pasa a ser de todos, se convierte en universal. Así que veo natural hablar de Sevilla en algunas de mis canciones.” Ahora solo queda esperar la llegada de tiempos mejores y que estas historias cojan vida en directo, transmitiéndose en cada rincón, como antaño. Y es que su creador tiene mucho de juglar, de ser de mundo que, mientras siga viviendo una o mil vidas, tendrá una balada de plata guardada en la recámara. —ROJAS ARQUELLADAS

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N MI ÚLTIMA CONVERSACIÓN CON MIGUEL RIVERA hablamos de la posibilidad de escribir para otros. Él no lo descartó, ni tampoco sumergir su libreta en el océano literario. Liberar ese filón poético del puro oficio musical era el reto. “A lo largo de mi carrera como letrista he sentido la necesidad personal de salir del formato canción cada cierto tiempo, como ejercicio”. Un salto horizontal, ese que daba título al último disco de Maga, y que no era otra cosa que ensanchar el espacio de su poesía, y de su talento creativo. “En los poemas, que es lo más parecido a una letra que se puede encontrar en este libro, las estructuras de los versos son más libres, anárquicas a veces, sin la búsqueda de la repetición de un estribillo, aunque sí preñados de musicalidad y ritmo” Efectivamente, tanto sus poemas como sus relatos no están exentos de ese ritmo y esa sonoridad marca de la casa. Pero esa es la forma. El fondo es mucho más revelador o por lo menos este ejercicio nos ha llevado a

descubrir aquello oculto tras las guitarras. “Sí, el libro tiene un carácter confesional, es una exposición desinhibida, a mi manera, de las propias vísceras. Hay una base en la que se cimienta la creación de estos textos: partir de un sentimiento, un hecho, un recuerdo que me diera pudor contar abiertamente”. Todas las posibilidades de mi es uno de los relatos, y estos, porque la poesía de Miguel ya la conocíamos, son el gran descubrimiento. “Aquí es donde me alejo más del Miguel letrista de Maga. Concebir escenarios, situaciones y personajes que cobran vida propia —sí, es un tópico, pero hasta que no lo vives no eres consciente de que es un tópico veraz—, que toman el mando de la situación y te hacen escribir sobre ellos como si estuvieran pidiéndote hacerles un traje a medida, ha sido una de las fases más gratificantes y divertidas del proceso de gestación de Sistemas Binarios”. Como un abril en Chernóbil, es uno de esos disfrutes, fíjense qué paradoja. Nada más lejos que la realidad. —ARTURO GARCÍA MIGUEL RIVERA. FOTO: MIGUEL JIMÉNEZ

ce “Cuando lo local se ha canción pasa a ser universal”

Sistemas Binarios es el debut literario de Miguel Rivera. El músico sevillano desarrolla la poética de Maga y se destapa como un excelente constructor de relatos. Prosa y verso, unos y ceros, realidad y ficción, dualidades que como las relaciones humanas tiene un lenguaje que Miguel domina con precisión matemática.

abril 2020 #63

AETIB

AGÈNCIA D’ESTRATÈGIA TURÍSTICA ILLES BALEARS

MONDOARAGÓN

El Verbo Odiado FOTO: ARCHIVO

In Materia Tonterías las justas

Paisajes antagónicos

Sin lugar a dudas 2018 fue un gran año para la formación de Jorge, Juan Ramón, Pepe, Adrián y Jorge. Editaron de la mano de Subterfuge ‘Tú ganas’, un disco que ha supuesto su paso definitivo al ámbito estatal. Ahora buscan la consolidación con Nada que celebrar repitiendo sello pero no paisajes sonoros.

Se lo toman muy en serio. Han grabado buena parte de su nuevo disco, Infinito Tripular, en PKO. Ralph Killhertz se ha encargado de la producción. Óscar Gómez, Fernando Muñoz, Ángel Del Castillo y Javier Mateo comienzan etapa apostando alto.

bais a tocar el pasado 21 de marzo en Oasis de Zaragoza. La crisis del Covid-19 no lo ha permitido. No obstante habéis mantenido la salida de Infinito Tripular ¿Se os ha pasado por la cabeza retrasar la fecha de salida del álbum? (Óscar) Esta pandemia nos ha trastocado muchísimo todo lo que era el plan de lanzamiento, la presentación en Zaragoza, la siguiente semana en Madrid y otros eventos. Tuvimos nuestro debate, pero al final se impuso el ponernos en la piel de nuestros seguidores ¡Qué mejor para pasar este confinamiento que un nuevo disco para escuchar! También era una forma de pensar que en algo no nos ganaba el virus. —En el disco escuchamos muchos registros, temas muy introspectivos y otros con mucha potencia. Ni más ni menos que el resultado de una larga carrera. Toda plasmada en ocho canciones

¿Es un poco jugársela en ocho cortes? (O) En lo creativo siempre estás expuesto y te la estás jugando: una canción, un acorde, una nota, un sonido… todo son decisiones. Infinito Tripular es nuestro primer disco para el gran público. Este es un trabajo en el que las protagonistas son las canciones, que recoge muy bien nuestro camino y pone las bases de nuestro sonido actual y del futuro. —¿Cómo ha sido trabajar ni más ni menos que ocho temas con Ralph Killhertz? No es la primera vez que hacéis cosas juntos pero ahora la cosa ha ido más en serio que nunca. (O) Teníamos un grupo de canciones elegido y nadie mejor que él para ayudarnos a llevarlas donde queríamos. Es un maestro y un amigo, una persona excepcional que sabe llevarte incluso a lugares incómodos pero con el oxígeno justo como para salir victorioso. —Ha habido más nombres

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ilustres implicados. (J) Como ingeniero tuvimos la suerte de contar con Nico Tsabertidis y Alis se encargó de la mezcla y el mastering. Alis es uno de los grandes talentos de este país. —Habéis currado en PKO de Madrid. Hablamos de los estudios más pro del país. (Ángel) Pues la verdad es que fue una experiencia increíble. Un chalet apartado sin distracción y con uno de los mejores equipos técnicos. Necesitábamos un sonido de banda grande. Pudimos disponer de dos salas para los amplificadores y una tercera sala, que era más grande que mi casa, en la que estábamos nosotros tocando junto con la batería. Fueron tres días de mucho currar, ya que éramos conscientes de que teníamos que exprimirnos a tope. Las jornadas fueron maratonianas, solo descansando para comer en el propio estudio. —El diseño ha vuelto a ser cosa de The Fly Design. De nuevo queda, pues, es casa. (A) Sí, la verdad ,seguimos cuidando toda la estética de la banda y ahí Fer se encarga de todo. The Fly Design es la ‘marca’ de su trabajo.

FOTO: ARCHIVO

el que las “Este es un trabajo en canciones, protagonistas son las estro que recoge muy bien nu s de nuestro camino y pone las base turo” sonido actual y del fu

l nombre, Nada que celebrar, le va como anillo al dedo al momento actual. Es como una especie de presagio. En cierto modo parece una broma pesada. Cuando decidimos en su momento el título del álbum no podíamos imaginar de ninguna de las maneras que tendría que desenvolverse en un entorno y unas circunstancias como las que ahora tenemos, pero las cartas vienen dadas y hay que jugarlas. Si hay un tercer disco, por si acaso, lo llamaremos ‘Estamos bien, al menos’. —La mancha nos dejó ya un buen sabor de boca. Las guitarras suenan muy bien y cuentan con un gran protagonismo. Había ganas de escuchar la obra completa. Nuestra naturaleza es guitarrera, nos resulta extraño imaginar una canción nuestra que tenga mayor protagonismo de sintetizadores, pero cualquiera sabe, los caminos son inescrutables, y donde dije digo... —Las guitarras son protagonistas, pero también las melodías y los contrastes. En las letras hay mucho sitio para el amor, para el desamor, y para la esperanza. Nos atrae mucho el concepto de picos y valles, los dientes de sierra y el cambio de paisaje de forma súbita, pero con un hilo conductor temático y de melodía como tú dices. El amor siempre ha de estar presente, con su parte de desamor, sin luz no hay sombra; pero es cierto que este disco habla mucho de esfuerzo, de superación, y de intentar salir de esta. Sea ‘esta’ la situación que sea, al menos hay que intentarlo. —Tú ganas supuso el gran salto a Subterfuge. No sé si os habéis visto ‘autopresionados’ a la hora de sacar el segundo disco tras el nivel y la repercusión del anterior. Para nada. Estas canciones estaban de sobras preparadas y no hacían nada metidas en un cajón, así que con todo el apoyo de Subterfuge decidimos dar continuidad a Tú ganas lo antes posible. Ya que con esa primera referencia habíamos abierto la puerta, teníamos que lanzar la segunda lo antes posible para entrar, y en eso estamos, dando el primer paso. —Vuelve a colaborar Ricardo Lezón, de McEnroe. Desde el momento en que terminamos Trucos de Memento tuvimos claro que debía ser cantada por Ricardo. —SERGIO FALCES

o de “Este disco habla much , y de ón ci esfuerzo, de supera intentar salir de esta”

—SERGIO FALCES

abril 2020 #65

LA CASA AZUL VIVA SUECIA EL COLUMPIO ASESINO ELYELLA JAVIERA MENA NEUMAN

ORGANIZA

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F E S T I V A L

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PRODUCE

COLABORAN

DELAPORTE JOE CREPÚSCULO GINEBRAS LA TRINIDAD WE ARE NOT DL´S YAHAIRA

The Clash

Autobiografía grupal Libros del Kultrum

8 The Clash. Autobiografía grupal es una obra ya publicada en nuestro país en 2008 por Global Rhythm Press en un formato más lujoso. Aunque más austera, esta nueva edición no pierde interés. Obra trazada a partir de las declaraciones de los propios Strummer, Jones, Simonon y Headon, sigue resultando un relato fundamental para entender la formación, evolución y final de una de las bandas más imprescindibles e influyentes de todos los tiempos. —ORIOL RODRÍGUEZ

Deseo carnal Marcos Gendre Efe Eme

8 Es indudable –el tiempo lo ha demostrado– que Deseo carnal de Alaska y Dinarama es uno de los grandes discos de la música pop en castellano, pero Gendre consigue que, además, descubramos los motivos por los que lo es. Entrevistando a músicos diversos y periodistas, Gendre descubre las claves de un álbum que marcó una época y que supuso la cima creativa de todos los implicados en él. —MARTÍ VILADOT

Mathias Malzieu Letras y música Las sirenas han existido en las leyendas de todas las clases: monstruosas, bellísimas, melancólicas, taimadas, hambrientas, enamoradas, sabias, lúbricas, aterradoras, encantadoras, acuáticas y aéreas. Pocos seres legendarios han sido retratadas de manera tan distinta a lo largo de la historia. Ahora se suma la visión del músico y escritor Mathias Malzieu en Una sirena en París (Reservoir Books, 20), la nueva novela del exitoso autor francés.

ué representan las sirenas? ¿Es quizá una llamada al placer ligada a la seducción femenina, el espejismo encantador, la atracción fatal, la mujer regresiva que arrastra al desenfreno al hombre —a su vez ansioso de ser seducido—, una cuestión universal? ¿O más bien de aventura, de riesgo, de intento de reconciliación con uno mismo? El escritor francés Mathias Malzieu (1974) intenta responder estas cuestiones rescatando el mito griego, transportándolo a un bohemio París en Una sirena en París. —¿Qué relación existe entre el personaje Gaspar, músico de Una sirena en París y su mismo autor, cantante de la banda pop Dionysos, que es todo un referente en Francia? Ambos comparten su pasión hacia la música, ¿a qué es debida esta conexión? Mantengo un triángulo en mi proceso creativo por el cual, con mi música y los personajes, formo un entramado

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creativo, “En cualquier proceso siempre lo que está en juego es el fracaso” de historia y realidad. De hecho, en el álbum de mi banda, Dionysos, están las letras de las canciones que supuestamente escribe el personaje durante la novela, pero también mucho antes de empezarla. Es una relación que mezcla realidad, música y ficción. —¿Qué representa esta fábula para Malzieu? ¿Qué pretendes transmitir? Sobre todo la historia de volver a recuperarse y ser uno mismo. Cuando alguien está traumatizado, ya sea por un problema amoroso o un duelo, hay un momento de recogimiento donde nos transformamos. De hecho, este libro va del valor de volver a empezar. Gaspar le dice a Lula, la sirena, en la novela, que es un creador, un soñador, pero también, un enamorado. En el amor, toda la creatividad, todo lo que hay alrededor, al final, no tienen tanta importancia. Al principio del libro, Gaspar cree que no se va a volver a enamorar nunca más, y sin embargo, aún a riesgo de su vida, se enamora, hasta recuperarse a él mismo. Y Lula, que hace milenios que no se había enamorado, comprende con Gaspar que puede volver a amar de nuevo. —¿O arriesgas o mueres? Hay que arriesgar, hay que arriesgarse a abrirse y a enamorarse, y todo el mundo, con ese riesgo, volverá a

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LIBROS

67/Mondo Media

sí mismo, a su corazón original. Este libro, al final, es una versión extrema de lo que yo propongo, que al final, no deja de ser otra cosa que la realidad. —El libro es también una reivindicación de los tiempos paradójicos que vivimos, puesto que hay cierto cariño en perderse, pero también, en reencontrarse. ¿Qué ha significado para Malzieu escribir este libro en un contexto tan magmático e imprevisible como el actual? No es tanto la voluntad de perderse como el hecho de reivindicar el espíritu aventurero. La base de cualquier historia es un recorrido que parte de un punto A a un punto B. Es verdad que en medio de estos dos puntos hay colisiones y dificultades, pero no se trata tanto de perderse -inherente a toda aventura-, sino más bien, de cómo encontrarse. En cualquier proceso creativo, lo que está en juego es siempre el fracaso. —ALEX SERRANO

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Una sirena en París

Mathias Malzieu Reservoir Books, 20

abril 2020 #67

Alfonso Zapico Astiberri

8 Continúa el asturiano Alfonso Zapico modelando una de las grandes obras ambientadas en tiempos de la Guerra Civil que ha dado el cómic español. Sus protagonistas son víctimas de sus acciones y de sus errores, intentando asumir como pueden sus consecuencias y sus contradicciones. Ahí está Apolonio intentando luchar por su visión de la justicia en una revolución que ha traído un odio desmesurado que no toma prisioneros. —JOAN S. LUNA Rasputín, el patriota

Junji Ito/Takashi Nagasaki ECC Cómics

7 Si con su versión del clásico Indigno de ser humano de Osamu Dazai, Junji Ito ya demostró sus capacidades para enfrentarse a textos literarios sin perder personalidad, ahora queda sobradamente claro que no hay aguas en las que no pueda sumergirse. Junto al guionista Takashi Nagasaki adapta esta historia de intrigas políticas y conspiraciones diplomáticas cuyo único pero es resultar algo reiterativa. —ERNESTO BRUNO Devastación Julia Gfrörer Alpha Decay

8 El nombre ya nos advierte. Devastación es un cómic breve, pero inquietante y crudo como la historia que narra. La estadounidense Julia Gfrörer llega a España con una obra tremenda que, tomando como eje a su protagonista femenina, nos golpea página tras página, rememorando unos tiempos en los que la vida era complicada y enfrentarse a ella requería de máxima fuerza de voluntad y espíritu de supervivencia. —J.S. L. #68 abril 2020

Toteking Historia de un confinamiento rdan? “¿Quieres unas Joáramo P Pues léete Pedro n Rulfo” de Jua

Figura fundamental para cartografiar el mapa del hip hop estatal, Toteking acaba de debutar en el mundo de la literatura con Búnker. Memorias de encierro, rimas y tiburones blancos (Blackie Books, 20). Apadrinado por Enrique VilaMatas, el rimador sevillano plasma sobre papel un muy notable inventario de su recorrido vital.

L COVID-19, EL PUTO COVID-19 nos tiene encerrados en casa y Toteking publica su primer libro, algo así como una autobiografia deconstruida titulada Búnker. Memorias de encierro, rimas y tiburones blancos. Sí... ¡Joder, el título no podía ser más apropiado para estas semanas de confinamiento!. “¡No me había dado cuenta!”, suelta entre carcajadas al otro lado del teléfono el rapero sevillano, tras cancelar su visita a Barcelona. “¡Ahora mismo se lo comento a la gente de Blackie Books para que lo utilice en la campaña de promoción!”. Plantar un árbol, tener un hijo y escribir un libro. Ignoro cómo lleva los dos primeros, pero Manuel González Rodríguez acaba de cumplir con el más difícil de los tres objetivos vitales que debe realizar todo el mundo para que su vida haya tenido sentido. “Te lo digo sinceramente, sin querer que estas palabras se entiendan como una extensión del ego rapero. Aunque yo sé jugar a ese juego, para nada lo es. Esta vez creo de corazón que el libro está guapo. Es un ejercicio de honestidad y de estilo. Creo que combina ambas cosas. Seguí el buen consejo que me dio mi amigo Vila-Matas”. ENRIQUE VILA-MATAS ES UN PERSONAJE FUNDAMENTAL en esta historia. Intuyendo el talento literario de uno de nuestros más ilustres rimadores, el escritor barcelonés le animó a sentarse frente al ordenador y ponerse a teclear. “Me pasó una cita de Hemingway súper bonita. Dice algo así como ‘siempre has escrito antes y también escribirás ahora. Todo lo que tienes que hacer es escribir una oración verdadera. Escribe la oración más verdadera que sepas… y luego continúa desde allí’. Ese fue el consejo que me dio y que yo seguí. En el libro hay dos motores muy importantes, que además comparten universos similares: Enrique Vila-Matas y mi pa-

dre”. Rememora Toteking que su padre fue el que le enseñó a amar la literatura a través de pequeños juegos: “¿Quieres unas Jordan? Pues léete Pedro Páramo de Juan Rulfo. ¿Quieres veinte pavos para salir a la calle? Antes léete el Babelia”. “Mi padre era muy guay. Supo acercarme de una manera muy inteligente, sin ningún tipo de exigencia ni adoctrinamiento, a la literatura”. BÚNKER ES UNA BIOGRAFÍA poco convencional, porque no sigue una línea cronológica. Relato vital en primera persona que por momentos también se asemeja a un dietario. “Es un formato híbrido, sí”, admite esta figura fundamental de nuestro hip hop. Explica que intentó huir a toda costa de los convencionalismos porque no quería escribir un libro que pudiera hacer toda persona más o menos conocida o popular valiéndose del simple hecho de serlo. “Para conseguirlo intenté que en todo momento pareciera que se trataba de un relato de ficción en el que pudié-

ramos eliminar el nombre de Tote y substituirlo por Daniel, Miguel, Marcos, Roberto o José”. También es un ejercicio de búsqueda de sí mismo. Auto examen que Toteking describe como un viaje. “Lo que rompe todo es la muerte de mi padre. A partir de ahí inicio una travesía por mis recuerdos. Ese fue el momento en que puse todo en perspectiva y eché la vista atrás: se había ido mi padre pero mañana me podía ir yo”. —ORIOL RODRÍGUEZ

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Búnker. Memorias de encierro, rimas y tiburones blancos Toteking Blackie Books

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La balada del norte 3

LIBROS

CÓMICS

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70/Mondo Conexiones LEVI’S <> LEVI’S HAUS MIAMI

EDP <> EDP Live Bands La compañía energética EDP anunció el pasado mes de marzo la tercera edición del concurso EDP Live Bands. Desde su puesta en marcha en 2014, EDP ha impulsado la música de más de 8.300 grupos, 600 en España, proyectando su carrera a nivel nacional e internacional. El concurso está destinado a grupos de todos los géneros musicales, siempre y cuando no mantengan vínculos ni contratos comerciales con sellos. Aquellos que quieran participar deberán presentar un tema inédito e inscribirse en la web del concurso antes del 20 de abril. Los inscritos que hayan cumplido todos los requisitos se someterán a las votaciones populares y las bandas más votadas de esta fase pasarán a la semifinal. El ganador, que se decidirá en una final en directo, tendrá la oportunidad de actuar en directo en NOS Alive 2020 de Portugal y grabar su primer álbum igual que hicieron los ganadores del año pasado, Beluga. Web de inscripción: https://edplivebands.edp.com/espana

La nueva Levi’s Haus en Miami fue el escenario para la presentación del nuevo Levi’s Chino XX donde también tuvo lugar un concierto del artista Khalid. Además de celebrities locales de Miami, también acudieron el artista Recycled J y la estilista Ana Sotillo. Esta primavera la marca de denim presentará esta nueva colección de pantalones estilo chino para hombre, que trata de interpretar el fit clásico de un chino con un estilo más juvenil y contemporáneo.

Alien Tango <> Tik Tok El artista murciando afincado en Londres Alien Tango comenzó a finales de febrero a publicar canciones exclusivamente para Tik Tok, la red social de moda. Investigando las nuevas formas de consumo de la música, decidió lanzar el primer álbum de temas de Tik Tok subiendo cada día un tema y el artista lo ha conseguido. Desde que empezó, ha lanzado un EP, Friends! (Alien Tango/Ground Control, 2020) y un álbum compuesto por quince jingles que rondan los quince segundos de duración, Blink Pop, Vol.1 (Alien Tango/Ground Control, 2020). El artista parece haberle cogido el gusto a la red social en la que ya cuenta con más de cuarenta y cinco mil seguidores y casi un total de seiscientos cincuenta y siete mil me gustas. Echa un vistazo a su perfil: https://tikitoks.com/@alientango

MUSIC FINGERS

Spotify <> Radar España La plataforma de audio en streaming Spotify lanzaba el pasado mes de marzo Radar España. Se trata de un programa para apoyar el talento emergente de nuestro país. Este proyecto forma parte de RADAR, el programa a nivel global de artistas emergentes de Spotify que se pondrá en marcha en más de cincuenta países. La plataforma dará a conocer a los oyentes la historia y esencia de los artistas seleccionados, tanto dentro como fuera de la plataforma. Lo hará a través de sus canales, playlist, redes sociales y a través de contenido exclusivo y original. También realizará un plan de marketing personalizado para cada artista. En el caso de España, el proyecto ha arrancado con un total de diez artistas: Aleesha, Delaporte, Derby Motoreta’s Burrito Kahimba, Deva, Dora, El Greco, Guitarricadelafuente, María José Llergo, Morad y Paranoid 1966. Puedes escuchar la playlist de Radar España aquí: https://open.spotify.com/playlist /37i9dQZF1DX2KWq7Xwva8j?si=KwaFVwszRlqdGsbX2__WgQ #70 abril 2020

¿Quién no mueve los dedos de forma espontánea cuando escucha música? Music Fingers transforma ese movimiento en música real gracias a tu tecnología diseñada para invitar a cualquier persona a que sienta la música en sus dedos creando y tocando sus canciones favoritas. Se trata de un dispositivo en forma de dedal con botones integrados que te permite tocar diferentes instrumentos y sonidos sobre cualquier superficie. Más información y compra en https://www.kickstarter. com/projects/music-fingers/music-fingers-playmusic-tapping-along

Pedro Bernardo Siempre Verde <> ¡Ni un incendio más! El pasado mes de junio los vecinos del pueblo abulense Pedro Bernardo vieron como el fuego volvía a rodearles. Ya lo hizo en los veranos de 1986 y del 2000, y este verano volvieron a sufrir las consecuencias del fuego. Como consecuencia de este último fuego, surgió un movimiento vecinal llamado “Pedro Bernardo Siempre Verde”, ya que lo que los vecinos han aprendido es que estas desgracias se combaten uniéndose y trabajando en la limpieza y en la prevención. Por eso, el 9 de mayo tendrá lugar un concierto benéfico bajo el lema “Ni un incendio más”, organizado por la locutora de Radio 3 Virginia Díaz. El cartel cuenta con nombres como Miss Caffeina, Second, Zahara o Mikel Erentxun entre otros. Todos los conciertos serán en formato acústico y las entradas están a la venta en Wegow por 30€. Más información en: http://www.pbsiempreverde.org/ mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación

RETROVISOR.

Depósito legal B. 11 809-2013

Andrew Weatherall

Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com

Londres, Reino Unido (1963-2020) Curtido en el post-punk de los primeros ochenta, el cambio de década consagró a Andrew Weatherall como figura de referencia para entender la evolución de la escena independiente en el Reino Unido, convirtiéndose en imprescindible bisagra entre el rock y la electrónica de baile.

allecido por una embolia pulmonar el pasado 17 de febrero, consumió todas las etapas de la vieja escuela. Primero, un fanzine a la antigua usanza (Boy’s Own), reuniendo fútbol, contracultura y artículos sobre el boom del acid house. De ahí pasó a estrenarse como DJ en el Shoom, mítico club londinense donde descolló con el eclecticismo que siempre le acompañaría. No faltaron raves que marcaron época; tampoco el nacimiento de Bocca Juniors (acompañado por Pete Heller, Hugo Nicolson y Terry Farley), proyecto de corto recorrido, pero que dejó huella con Raise, al más puro estilo ‘balearic’,

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ni un sello en el que dieron sus primeros pasos Underworld, X-Press 2 o The Chemical Brothers. El gran punto de inflexión hay que buscarlo en su remezcla, mano a mano con Paul Oakenfold, del Hallelujah de Happy Mondays, y sobre todo en la reconversión de un medio tiempo tristón de Primal Scream en la excitante Loaded, abriendo la puerta a que Weatherall se pusiera a los mandos de Screamadelica (91). Después, su catálogo de remixes fue engordando de forma ininterrumpida con temas de nombres tan diversos como New Order, My Bloody Valentine (imprescindible el de Spoon), James, Saint Etienne, Ricardo Villalobos, Lali Puna, Siouxsie, Grinderman o los High Flying Birds de Noel Gallagher, dando muestra de una enciclopédica versatilidad que también reprodujo como productor de varios cortes de One Dove, del debut de Beth Orton (Trailer Park, 96) o, más adelante, del enorme Tarot Sport (09) de Fuck Buttons, tendiendo puentes ya no sólo entre rock y electrónica, sino entre dos generaciones. —ENRIQUE PEÑAS

De espadas y espadachines

a inquietud constante de Lord Sabre (uno de sus muchos alias) le llevó a poner en marcha decenas de proyectos: unos de vida efímera, otros de más largo alcance, como The Sabres Of Paradise –con una joya atemporal como Sabresonic (93)– o

#72 abril 2020

Two Lone Swordsmen, acompañado por Keith Tenniswood. Más cerca, The Asphodells -con el hipnótico Ruled By Passion. Destroyed By Lust (12)- o sus propios discos en solitario, además de las sesiones maratonianas de A Love From Outer Space. —E.P.

Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com)

IMPRESCINDIBLE

Primal Scream Screamadelica (Creation, 91)

Hay algo (o mucho) de ventajista en esto, pero lo más fácil es que, sin Andrew Weatherall, Primal Scream se hubiesen quedado como un grupo del montón, atrapados eternamente en su modo retro. Su papel en Screamadelica fue determinante para hacer de este elástico álbum uno de los más influyentes de los últimos treinta años, emparejando Londres con Ibiza, gospel con psicodelia, blues con dub y rock con cultura rave. La tormenta perfecta para despedir el segundo verano del amor. —E.P.

Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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