Mondo Sonoro abril 2021-2 by MONDO SONORO

Nº 293 Marzo/2 2021 www.mondosonoro.com

VIC MIRALLAS, CRIM, THE MARS VOLTA, AMPARANOIA, THE NEW RAEMON, DAVID CORDERO Y MARC CLOS AXOLOTES MEXICANOS, CLARA PEYA, THE OFFSPRING, HIJOS DE LA RUINA, GUILLE GALVÁN

Royal Blood Tifones

Vic Mirallas El virtuosismo bien entendido

FOTO: JOSE GIRL

7/Mondo freako

“Yo no he hecho esto ni para los views, ni para los likes, ni para nada de eso”

Lo de Vic Mirallas con la música es una relación de amor bien avenida y ambos lo saben. El joven artista catalán tiene la fortuna de vivir pegado a lo que más le gusta, y eso se nota cuando se le escucha hablar. Tras un irregular primer EP en 2017, ha afinado muchísimo su propuesta en singles irresistibles como “Pura vida” o “Ruina”, o su reciente colaboración con Lucía Fumero, “Lejos del suelo”.

ACIDO EN UNA FAMILIA de enamorados de la música, padres e hijos han vivido pegados a una nota musical. Vic Mirallas decidió hacer de ello una forma de entender el mundo y se formó desde niño en varios instrumentos. Piano, clarinete, saxo… Hasta llegar a Berkley, en Boston, una de las mejores escuelas de música del mundo. Una formación marcada por el eclecticismo. “Yo tenía grupos de pop como guitarrista y cantante, incluso de pop punk cuando era adolescente, y a la vez estaba estudiando clásica. Pero había algo que no funcionaba. Entonces entré en el Conservatorio Superior de Barcelona de clarinete clásico con muy buena nota. ¡Un diez! Me dijeron “te queremos aquí, Víctor” mientras que yo estaba en plan “No sé muy bien por qué estoy aquí, Víctor”. La gente escuchaba sólo clásico y yo me iba fuera… Duré una semana en la escuela. La dejé y fue un momento de replantearme muy bien qué quería

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hacer. Entonces empecé con el jazz, con saxo, que también me abrió puertas a otro tipo de músicas. Entonces hice la prueba con Berkley y me cogieron y estuve tres años allí”. Desde ese punto dio el paso nada menos que a ocupar el puesto de saxofonista en la banda de esa estrella mundial que es Alejandro Sanz y giró por toda Latinoamérica con el cantante madrileño más internacional. Cabría preguntarse qué más puede alguien hacer en ese momento, con apenas un cuarto de siglo de vida. Vic Mirallas lo tiene claro y ha comenzado un proyecto musical en el que es el protagonista. Y aquí le tenemos entrevistado en estas páginas. Una de las cuestiones más importantes en las que el catalán ha trabajado con ahínco y ofreciéndonos sorpresas ha sido el aspecto letrístico. Para alguien que ha vivido la música como algo melódico, las letras supusieron vencer el llamado síndrome del impostor. “Musicalmente hablando, y letrísticamente, empecé pensando que yo no podría escribir letras. No sé por qué.

Pensaba “yo soy músico, he estudiado música, música y música, pero ¿por qué voy a hacer letras si hay gente que hace letras?”. Entonces contactaba con gente que escribía letras, hasta que vi que yo también tenía cosas que decir y que cuando le enseñaba las letras a gente que yo pensaba que eran los que hacían las letras bien me decían “buena letra”. Así que he seguido haciéndolas y en los discos... en estos sí que todas las letras son mías también”. Pero a la hora de lanzar un proyecto desde una formación basada en el virtuosismo también surgen dudas relativas al funcionamiento de una industria musical que, ahora más que nunca se fija en producir. Las dudas son razonables. ”¿Por qué estoy pensando en números de repente, por qué estoy mirando ahí…? Eso me ralla. Entonces tengo que hacer un trabajo de pensar ‘esta no es mi faena’. Yo tengo que expresarme a través de la música y no he hecho esto ni para los views, ni para los likes, ni para nada de eso. Yo he hecho esta música para sacarla. Claro, estás

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MONDO FREAKO

LA MÍA El rock no ha muerto...

detrás de una infraestructura que valora mucho los views, valora mucho las respuestas y eso también te da un poco de presión, pero me encantaría separarlo realmente”. La industria musical y sus vaivenes no son lo único en lo que piensa un artista joven y virtuoso que sale de lo académico para llegar a lo mainstream. También le interesa trabajar con otros músicos que le parecen interesantes. De ahí que haya colaborado con artistas etiquetados como urbanos. Estamos hablando de Don Patricio o Juancho Marqués, aunque Mirallas sigue sin sentirse cómodo con un movimiento ya tan hegemónico que, para él, debemos exigirle ya que sus resultados sean sobresalientes. “Hay gente que tiene un caché y un presupuesto bastante alto y aún así no contactan con músicos. O sea, no cuentan con músicos para tenerlos en la banda. Van con un Dj, le dan al play y cantan encima. Y esto, en Estados Unidos por ejemplo, no pasa. Los grandes van con los mejores músicos. Y eso es lo que yo echo de menos. Sería brutal si la gente le metiera ya más seriedad a la música, porque hay gente que saca temas como churros y dices ‘¡Ostia, aquí se podría poner un poco más de cariño en las producciones y tal! Porque eso es lo que la gente escucha, y a mí es algo que me molesta un poco”. Quizá por eso Mirallas entiende el directo como una experiencia diferenciadora. “Siempre hay algo que vivo bastante, que es el live, el tocar los temas y a lo mejor cambiar acordes. Me gusta también hacer arreglos diferentes cada vez que vuelvo a tomar una canción. No me gusta tocarla siempre igual. Es algo que a mí me llena bastante y que forma parte de mí. Lástima que ahora no se puedan hacer directos, pero bueno, de momento estaré en Barcelona y Madrid. Son dos conciertos, aunque me gustaría que fueran muchos más, pero de momento es lo que hay”. Esas actuaciones son también para él una experiencia de innovación, el lugar en el que se siente más artista y #4 abril 2021

e le “Sería brutal si la gent ad metiera ya más seried a” a la músic en el que goza de mayor libertad. Incluso alejado de los escenarios siempre plantea nuevas texturas y sonidos en los directos que va subiendo a sus redes sociales. “Me gusta un poco innovar en este sentido y que la gente, cuando haya escuchado el tema en Spotify o Youtube, pues lo oiga en un live y diga ‘¡ostias! aquí hay un arreglo diferente’”. En todo caso, ahora tenemos a Vic Mirallas aquí por “Pura vida”, nuevo adelanto del que será su nuevo álbum a publicar el próximo otoño. Innovación, experimentación y talento es lo que esperamos encontrarnos este trabajo, su primer larga duración y una obra que quiere convertirse en la carta de presentación ideal para un artista polifacético y muy pendiente de no levantarse dos días seguidos haciendo lo mismo. “Yo lo defino como dispersión, dispersión mental (risas). Cada cosa, cada movida es súper diferente realmente. Una cosa nueva no tiene nada que ver con lo anterior, y eso me gusta. Sería mi mejor manera de definirlo”. Y no vayamos a olvidarnos de los directos. A ellos se añadirán nuevos instrumentos, nuevos visuales y elementos que convertirán cada concierto en algo que no dejará indiferente al público. “En este álbum realmente he buscado un concepto común que se va desarrollando ya desde la portada. Bueno, de momento sólo llevo dos singles, pero hay algo común. Y al final el concepto del álbum va a ser bastante claro, pero la manera de sacar los temas y de promocionarlos, pues me tengo que adaptar a lo que la gente está haciendo ahora. Y lo que los medios y las discográficas quieren, single por single. Las letras, al haberlas escrito así, tienen obviamente un punto común, cosas que a mí... cosas que no entiendo, que me rallan y que quiero expresar en canciones”. —LUIS M. MAÍNEZ

s echarle un vistazo a los contenidos de esta segunda entrega del mes de abril de nuestra revista, y comprobar enseguida que nos ha salido un número muy guitarrero. A la entrevista con motivo del más que digno regreso de The Offspring, hay que añadir la dedicada a los catalanes Crim; el especial de los siempre imprescindibles The Mars Volta y, cómo no, una portada más que merecida a los ingleses Royal Blood. Aguerrido dúo que en su nuevo trabajo reivindica el rock’n’roll por millonésima vez, para llevarlo de vuelta a la pista de baile. Y qué queréis que os diga, pero para un viejo rockero como yo es un auténtico gustazo comprobar que, por más que a lo largo de los años, muchos se han empeñado en enterrarlo y darlo por muerto, el rock ‘n’roll en sus múltiples vertientes vuelve a resucitar de nuevo por difícil que lo tenga. En el fondo, tiene uno la sensación de que, mientras exista la poderosa unión en un local de ensayo de una base rítmica y una guitarra eléctrica o varias, el rock resistirá el paso de las modas. Además no sería la primera vez que tras el apabullante dominio de un estilo, como pasa en la actualidad con todo lo relacionado con el pop urbano, se produce una reacción contraria y un buen número de chavales se polarizan en el otro extremo para regresar a la esencia de un poderoso riff de guitarra. Al fin y al cabo, como diría el gran Quincy Jones, se trata solo de doce jodidas notas musicales y hay que ver la cantidad de música que hemos logrado hacer con ellas. Infinidad de canciones de todo pelaje y condición que han encontrado en el rock ese plus de fiereza e inmediatez. Ese espíritu primitivo y básico que entronca con ese “lado más bestia de la vida” como diría Albert Pla parafraseando al sabio Reed. Y estoy seguro de que no se trata solo de un deseo, sino más bien de una certeza. Solo hay que estudiar el pasado y comprobar que, cuánto más subía la música disco, más se posicionaba el heavy metal. Cuánto más aburrido y pretencioso se puso el sinfónico, llegó el punk para cargárselo todo. Ha sucedido siempre. Por eso la tiranía del reguetón y el urban pasará a mejor vida, sin desaparecer del todo. De diversos lugares surgirá una nueva horda de chavales que buscarán esa electricidad indescriptible que proporciona una guitarra. Por eso volveremos a sudar ante un minúsculo escenario y botaremos como locos agitando nuestras cabezas. El rock no ha muerto por muchas paladas de tierra que le hayamos echado encima. Puede que haya estado mucho tiempo de parranda y falte ese gran grupo que lo catalice todo de nuevo como sucedió con Nirvana en los noventa. O simplemente puede que siga sobreviviendo en un segundo plano, incorrupto en ese underground que existe y existirá siempre. Larga vida... —DON DISTURBIOS

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Amparanoia Mantras para vivir el presente

MONDO FREAKO

“Hay que darse cuenta de que lo único que , tenemos es el presente el ahora”

“Himnopsis Colectiva” (Mamita Records, 21) es la vuelta de Amparanoia. No es un manual de autoayuda, pero sí una colección de mantras que Amparo Sánchez escribió para ella misma y que comparte con nosotros generosamente para recuperar el pulso y vivir el presente. Cada canción propone un reto personal para tomar las riendas de nuestra vida, para desconectar el piloto automático.

L DÍA QUE NO”. ¿Ha cambiado tu día a día en este tiempo de apagón? ¿Has sufrido ese bloqueo del que hablan muchos artistas? No, yo creo que solamente podemos mirar para adelante. No entiendo a la gente que mira hacia atrás echando de menos todo lo que podíamos hacer antes. Estamos en otro momento. Las crisis son una oportunidad y hay que aprovecharlas. Yo de mis momentos más duros he salido más fuerte. Tenemos que darnos cuenta de que lo único que tenemos es el presente. Ese momento perfecto que es el “Ahora” como dice la canción. Hace tiempo que no pongo la tele para no seguir recibiendo la misma noticia que se repite. Tengo que seguir haciendo mi vida, mi trabajo y pensar lo que tengo y puedo hacer. Creo que esto ha servido para que la gente que iba en lo que yo llamo piloto automático se de cuenta de que no estaban tomando decisiones. Esta crisis nos ha hecho a muchos tomar decisiones sobre nuestra vida, cuestionarnos muchas cosas. —“Mi genética”. ¿Háblanos de la importancia de la gente que te ha rodeado y que te rodea para seguir adelante?

Con esta canción quería hacer un homenaje a mis ancestros y especialmente a las mujeres importantes de mi familia: mi madre, mi abuela, mi hermana, mi sobrina. También son especiales en “Mi genética” mis hijos que a la vez son mi mayor orgullo, mi éxito. Ellos también trabajan conmigo en Mamita Records y es una suerte trabajar con los dos. Quería hacerla desde un tono de mi niña interior, esa Amparito que le canta a toda su familia y les agradece el respeto que han tenido conmigo siempre y el arropo que me han dado. Es una canción para todas las familias. Curiosamente, la gente me está mandando muchos videos bailando esta canción con sus

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dame cumbia” dice la canción y apunta a otro de esos mantras universales de Amparanoia. ¿No crees? Es un tema que, dentro de su sencillez, te propone algo que no es tan sencillo, que es que te valores y te des cuenta de si estás dando más de lo que a ti te dan. Si la otra parte no me da el mismo amor que yo doy prefiero bailar cumbia. Y no se trata de echar la culpa al otro, en todo el álbum la revisión es individual. Porque yo las canciones me las hago para mí, y luego pienso si le pueden servir a los demás. Las que creo que pueden servirle a más gente son las que entran en el álbum. —En esa situación de desequilibrio siempre están las mujeres. “Cumbia Perfecta” habla de ello y de ellas. La pandemia ha propiciado que bajemos la guardia. ¿Qué piensas? Lo primero es decirte que “Cumbia Perfecta” se llama así porque todas las mujeres somos perfectas seamos como seamos. Y está dedicada a nosotras Este tema es una cumbia lenta o rebajá como la llaman en la parte colombiana del Pacífico. Te invita a moverte tan lentamente como para poder sentir tu cuerpo. Está claro que

es un homenaje a la lucha de las mujeres latinoamericanas, porque para mi dentro del movimiento feminista es ahora mismo la lucha más interesante, y no me gusta llamarle lucha porque creo que no hay que luchar, es avanzar o intencionar, aunque ahora tal y como están las cosas hay que luchar de forma pacífica, pero hay que luchar. —En “La despedida”, más que decir adiós recibes con los brazos abiertos nuevas sonoridades en tu música. Es mi apuesta más arriesgada en el álbum. De pronto me sentí evocada por ese sonido ochentas de Grace Jones o Michael Jackson en los bajos. Tenía ganas de jugar un poco. Es sobre todo una canción muy liberadora para mí en lo personal y quería explorar su sonido para que fuera distinta. —Con “Tumbao lo bueno” llega el cierre y sobre todo el agradecimiento. Aunque parezca obvio tenemos que estar agradecidos por respirar, por tener un día más para hacer las cosas mejor y hacer las cosas que te gustan y dejar las que no te gustan como decía mi abuela Margarita. Agradecida siempre.—ARTURO GARCÍA

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FOTO: ARCHIVO

seres queridos. Eso es maravilloso.

—“Yo te doy”. “No me des amor,

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CRIM Cuatro tíos a los que les pasan cosas

Crim se han convertido en una de las bandas de punk más importantes de nuestro país ampliando su radio de acción a buena parte del mundo. Ahora, hablamos con la banda de Tarragona sobre su disco colaborativo “10 anys per veure una bona merda” (HFNM, 21), un trabajo recopilatorio cantado en inglés para el que han invitado a una larga lista de amistades. —TEXTO Gemma Puig Bru

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UENO, PARA EMPEZAR, ¿por qué adaptar vuestros propios temas al inglés? ¿De quién fue la idea? ¿Cómo surgió? (Adri Bertrán, voz y guitarra) Bueno, principalmente para hacer vehicularmente posible las colaboraciones (risas). (Marc Anguela, batería) Todo salió de un concierto en un festival en Alemania y, bueno, ya hacía tiempo que lo pensábamos, pero… Es que el tema del inglés es un poco raro para nosotros (risas). (Quim Mas, guitarra) Había gente de los sellos de fuera que nos lo había comentado alguna vez, pero nosotros no queríamos hacer discos en inglés. Aunque, algunas veces, cuando salíamos del país pensábamos que no sé, al final éramos un grupo en catalán cantando en Bélgica, Holanda o por ahí y era raro. Nosotros sabíamos que no queríamos hacer un grupo en inglés, pero pensamos que podríamos coger diez canciones que siempre estuvieran en el repertorio, hacerlas en inglés y así aprovechar el tirón de las giras por Europa y Estados Unidos. Fue un poco una prueba, a ver si salía bien. Y ha salido bien, así que perfecto.

—Claro, porque vosotros habéis girado por

Europa y Estados Unidos cantando en catalán... (Quim) Sí, siempre que hemos ido fuera hemos cantado en catalán y bueno, pasa eso, que a veces te quedas con la sensación de que el concierto ha ido bien hasta que se te acerca alguien y te dice “genial el concierto, pero no entendemos una mierda. ¿Por qué no cantáis en inglés? (risas). Pero bueno, también se acerca gente que dice “no cantéis en inglés, queremos que lo hagáis en vuestra lengua de cavernícolas que no entiende nadie” (risas). Salió un poco por esto, pero llevamos ya cinco giras por el extranjero, así que podemos hacer un disco en inglés a ver si a la gente le gusta. —¿Cómo fue el proceso de traducción y adaptación de las letras? ¿Lo hicisteis vosotros solos? (Marc) Bueno, las letras traducidas ya están, porque como también estamos en sellos extranjeros las hemos traducido para las ediciones de allí. Pero estaban traducidas literalmente y, claro, eso significa que no son adaptables, que no se pueden cantar. Uno de los problemas que teníamos era que ese, que no sabíamos cómo adaptar las letras para que

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ENTREVISTA

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pleno confinamiento y pensar en movernos de Cal Pau al estudio de Ultramarinos en Sant Feliu de Guíxols era imposible. Además teníamos que grabar el nuevo disco de Crim, que saldrá en 2022, otro disco de un grupo que tenemos Quim y yo... y bueno, al final decidimos ir a Cal Pau durante cuatro semanas a grabarlo todo. —¿Y entonces de las colaboraciones qué me decís? (Quim) Realmente todos los que cantan son amigos nuestros. No hay nadie del disco que no conociéramos antes personalmente o con quien, incluso, hubiéramos hecho algunas birras. Es más, creo que hemos tocado con casi todos, menos con Guillermo (Angelus Apatrida), que es amigo personal. Todos son amigos, algunos más que otros, con colegueo de verdad. De hecho, creo que teníamos el WhatsApp o correo de todos y hablamos directamente por ahí. Que cantase alguna persona que no conociésemos de nada no habría sido muy real, porque la idea de celebrar los diez años del grupo era hacerlo con amigos que hemos hecho durante este tiempo. —Antes de que empezara la cuarentena y se paralizará todo el sector cultural, estabais viviendo un muy buen momento como grupo (festivales importantes, giras internacionales, etcétera). ¿Creéis que la parada del sector os ha afectado respecto a la repercusión que teníais y la que tenéis ahora como grupo? (Quim) Yo creo que ha afectado a todo el mundo, pero también creo que está mucho en las manos de cada grupo que te afecte más o menos. Porque nosotros hemos aprovechado la ocasión, en lugar de renegar y pensar que menuda putada y ver cuándo tocamos. A nosotros obviamente nos afecta en nuestra vida personal y profesional, pero nos hemos mantenido ocupados. No hemos parado nada e incluso nos han faltado días para hacer cosas. Hemos grabado dos discos, estamos preparando un documental sobre los diez años… La cuestión ha sido plantearse “vale, tenemos que parar sí o sí, porque no hay otra, vamos a hacer otras cosas para que el grupo siga activo”. Piensa que, si no hubiera pasado todo esto, igual este disco no hubiera salido, porque el disco que saldrá el año que viene tendría que haber salido este, pero para nosotros no tenía sentido sacar un disco si no lo podemos presentar. —Porque ¿vosotros vivís exclusivamente de la música? (Javi Dorado, bajista) Vivir de la música haciendo punk rock es imposible. La gente tiene la música y, además, otras cosas para sobrevivir. La putada de la pandemia es que, antes de que llegara, todos teníamos unos conciertos y unos trabajos y una idea de cómo pasar el año, pero llega la pandemia y, claro, todo se cancela o se mueve de fechas y es más difícil. (Adri) A los cuatro nos ha pasado que nuestras vidas se basaban en tocar los fines de semana y trabajar en otras cosas durante la semana. Y claro, estos trabajos también se han parado por culpa de la pandemia y eso ha acabado repercutiendo verticalmente en nuestras vidas. Pero el que no se sepa cuándo va a terminar todo esto, ha hecho que el Estado cree pagas para ayudar a la gente que nos dedicamos a la cultura. Y, aunque hayan sido un desastre, más o menos han llegado y hemos conseguido tener un poco de seguridad, aunque sea momentánea y cutre (risas). —G.P.B.

“Vivir de la música haciendo punk rock es imposible”

sonasen igual y las expresiones se mantuvieran de la misma forma. Así pues, en esta ecuación entró Pablo (Deadyard), que también forma parte de HFMN y canta en el disco la canción de “Dead Horses” (“Cavalls morts”). Pablo es una persona que se ha criado en un entorno con muchos amigos que tienen el inglés como lengua materna y, claro, domina muchísimo el inglés y, sobre todo, las expresiones en inglés. Solo faltaba ver si quería aceptar “el reto” de traducir las canciones haciendo que todo rimara, que las canciones sonaran guay y que las expresiones tuvieran el mismo sentido. Y sí, sí, el tío a la primera dijo que sí, que estaba encantado de hacerlo. Si no hubiera sido por él, igual aún estaríamos traduciendo canciones (risas). —¿Cómo escogisteis los temas del disco? Os habéis quedado con canciones que siempre están en los setlists de los conciertos. (Quim) Sí, básicamente sí. A ver, siempre tocamos más de diez canciones, pero las diez que están en el disco siempre, siempre, están en el repertorio. Recuerdo haber pensado un poco sobre si alguna canción costaría más o menos de traducir o de adaptar. Por ejemplo, “La puta Copa del Rei” no la hubiéramos podido traducir, porque no tendría sentido, es un concepto dema-

siado concreto. Pero bueno, sí, generalmente son canciones que tocamos siempre y que creíamos que se podrían adaptar bien. (Marc) Claro, al final, en un concierto igual tocamos veinte temas y doce de estos nunca salen del repertorio, así que hemos escogido diez y ya está. Pero también escogimos los diez temas que más nos gustan a nosotros, porque tal vez “Cavalls Morts” no es uno de los temas que más “lo han petado”, pero a nosotros nos gusta. No nos hemos fijado mucho en las reproducciones, porque, por ejemplo, “Verí caducat” es de las más escuchadas y no está. —¿Cómo fue la grabación? ¿Pudisteis reuniros con algunos artistas o fue todo a través de Internet? (Marc) Fuimos a Cal Pau, que es una masía que hay en Olèrdola (Vilafranca del Penedés), y que tiene un pequeño estudio de grabación, locales de ensayo, habitaciones para dormir, cocina, etcétera, y que puedes alquilar solo una parte o todo. Ya habíamos estado allí grabando “Pare nostre que esteu a l’infern” en 2018 con Santi García (Ultramarinos) porque a Santi le gusta grabar las baterías en el comedor de esa masía. Con este disco también teníamos la idea de grabarlas allí, aunque al final no fue así. Era en

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abril 2021 #7

ENTREVISTA

La vida es sueño Johann Scheerer Vs The Mars Volta

A esta altura del partido todo Dios sabe que el 23 de abril The Mars Volta, aquella entidad alucinada que miró al pasado y diseñó el futuro a comienzos de los 2000, estarán de vuelta en el barro discográfico y en gran forma. El sello alemán Clouds Hill reeditará en vinilo todas las referencias de estudio de la banda y las agrupará en una caja de dieciocho vinilos llamada “La Realidad de los Sueños”. Nosotros charlamos con Johann Scheerer, responsable de que todo este proyecto se haya convertido en una realidad.

L AMBICIOSO BOX-SET es la realidad del sueño (húmedo) de cualquier fan del grupo. Incluye al completo “Landscape Tantrums”, el disco maldito de la banda, una versión de probeta del enorme “De-Loused In The Comatorium”, debut grande del clan de Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler Zavala. También incluye el primer EP independiente “Tremulant”, que algún fan español avispado debió comprar en CD en aquella primitiva gira por el país en marzo de 2002. Lo más interesante de esta edición es que todos los discos han sido remasterizados exclusivamente para vinilo, lo que supone otra jugosa noticia para los geeks de la banda y el sonido en general. En una entrevista exclusiva que los dos líderes de la banda tuvieron con el periodista inglés Stevie Chick, publicada en la web del sello de Hamburgo, Omar contaba que: “tras quince años de amistad íntima con Johann Scheerer (dueño de Clouds Hill) y sintiendo el estudio como mi segunda casa, fue obvio que la re-edición del material de The Mars Volta sería con ellos”. Cedric agrega: “Es muy guay hacer esto con una compañía que se ocupa de todo el proceso. Tienen todo excepto una puta guardería para niños, y no me llamaría la atención que desarrollasen una con la idea de ser más funcionales para los artistas”. “No podríamos estar en mejores manos”, sentencia Omar. Estamos ante una historia en la que la justicia artística triunfó sobre la codicia de la industria musical. El mencionado Johann Scheerer es una de las figuras que se llevan la gloria en esta faena. Este prestigioso ingeniero de sonido hamburgués puso el proyecto a sus espaldas, haciéndose responsable del producto final y de lograr que, por fin, los #8 abril 2021

—TEXTO Adriano Mazzeo —FOTOGRAFÍA Stefan Schmidt

discos de The Mars Volta suenen en vinilo como el legado de la banda se merece, no como las ediciones que –ilegalmente– Universal Music lanzó en su momento. Al respecto Omar explica que: “mantener los derechos para imprimir nuestra música en vinilo fue uno de los puntos claves de nuestro contrato con Universal”. En su momento y tras una reunión que califican de casi mafiosa en un hotel de Beverly Hills, Omar convenció a los peces gordos de Universal de mantener su derecho para imprimir sus vinilos, argumentando que: “algo de todo esto debe quedarme. Es mi bebé. Es parte de nuestra tradición, lo venimos haciendo desde que éramos niños, y ustedes básicamente tienen todos nuestros derechos para la eternidad”. Tras obtener el (forzado) beneplácito del capo de Universal, Omar se fue tranquilo a su casa, pero años después la multinacional rompió el trato, lo cual indignó a Rodríguez-López y le alentó a hacer justicia por mano propia, lo que derivó en esta majestuosa reedición. Sobre ello Cedric comenta: “Universal hizo un trabajo de mierda con esos vinilos. Muy básico, descolorido, suave. No tenían ningún amor por ese trabajo. Era solo un producto” En Clouds Hill se llevó a cabo esta reparación histórica para el culto de frikis que siguen a la banda, una base de fans incondicional que evolucionó con el grupo a fuerza de conciertos y discos extra desafiantes. Quien haya presenciado alguna de las varias giras que la banda hizo por nuestro país, pudo ser testigo del poder chamánico y delirante de aquellas experiencias. El trance era el estado habitual, la temperatura clásica cuando The Mars Volta pisaban la escena. Fue un grupo único que marcó la vida de muchos como Johann Scheerer con quien charlamos en exclusiva para dar detalles de todo el proceso y dejar varias respuestas abiertas, dando esperanza a quienes mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

sueñan con volver a ver a esta entidad colorida, multicultural y sensacional con vida nuevamente. —¿Qué Johann está más feliz de lanzar esta caja: el fan o el emprendedor? Cuando comencé a pensar en cómo instrumentar este box-set, y ten en cuenta que empezamos a hablar con Omar hace veintitrés meses, fue la primera vez en que hablamos de este proyecto. Fue cambiando y mejorando de forma y cuando le hice saber que ya llevábamos veintitrés meses trabajando en esto, él me respondió “tío, ¡estamos en esto desde hace quince años!”. Cuando nos conocimos en 2005 o 2006 y comenzamos a grabar algunas cosas de él como solista, cosas para soundtracks y de The Mars Volta, ahí fue cuando sentamos las bases para esto. Y para más proyectos que vendrán luego. La idea básica de este box-set es hacer honor a las raíces y a la muerte. Hacer honor al lugar del que vienes y, para hacerlo, antes debes saber de dónde vienes. Yo hice el ejercicio y me vi sentado en mi coche, conduciendo en 2005 escuchando “Frances The Mute”, en ese momento Omar y yo apenas nos conocíamos. Puse el CD, subí el volumen y ante la primera inflexión de la música tuve que literalmente detener el coche y salirme a lal arcén. Me sentí sobrepasado, pensé: “¿qué coño pasó con este tío? ¿Cómo es que salió con algo tan brillante como esto?”. Allí me di cuenta de que sería un objetivo el colaborar con él porque no sólo me gustaba la música, sino que me interesaba conocer la persona detrás de esa música. Así que, como verás, es muy complicado para mí mostrarme como dos personas diferentes, porque soy uno y aún se me pone la piel de gallina cuando escucho esa música. Todavía soy esa persona en el coche, teniendo que aparcar mientras escucha “Frances The Mute” por primera vez. Después de sentarme en el mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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estudio a trabajar en los remasters, hablando con Omar sobre el trabajo de arte, el contenido del box-set, planes futuros y lo que hicimos en los últimos años… ese también soy yo. —¿Por qué crees que The Mars Volta son aún relevantes? Porque Omar es realmente uno de los pocos músicos que nunca se refieren a sí mismos como músicos. Por eso su música es mucho más que música. Lo que más disfruto de estar en el estudio con Omar es que nunca hablamos de música. Hablamos de la historia detrás de la música: fenómenos sociales, amistad, familia, vivencias... Todo eso es lo que te da la posibilidad de hacer música. Y The Mars Volta son relevantes porque entienden eso. Porque honran sus raíces, el lugar del que vienen. Escucharlos es mucho más que escuchar música. Es escuchar la historia. Por compararlos con el rock o pop moderno, allí todo es muy plano, sin profundidad y todo está compuesto por una docena de compositores. Cuando escuchas a The Mars Volta, escuchas la genialidad de Omar y Cedric y lo particular de su amistad y su forma de colaborar, todo condensado en su música. Y eso es una cosa realmente extraña de obtener en estos días. —¿Cuál es tu sensación al tener la misión y la oportunidad de dar a esta música el reconocimiento que merece a través de este lanzamiento tan ambicioso? Cuando alguien te entrega algo que le significa mucho, siempre viene con mucha responsabilidad. Y así me siento: con una tonelada de responsabilidad. No sólo por la cantidad de material a editar, sino

“Escuchar The Mars Volta es mucho más que escuchar música”

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ENTREVISTA

porque Omar es mi amigo. Y no la quiero joder. Y no la voy a joder (risas). Por otra parte, soy también su socio en los negocios… A veces le tengo que pedir algo dos veces. “Omar, necesito esto de ti, tenemos un deadline”. Soy el responsable de su legado, de su catálogo, de su obra y necesito cosas de él, a veces con urgencia. Por eso en ocasiones me toca ser muy estricto porque Omar no es el tipo de persona que se autopromociona activamente, así que a veces le tengo que recordar que esto se trata de él y mi responsabilidad es que así sea, que la gente lo tenga en claro. Suena más serio de lo que en realidad es. Nos tomamos muy en serio la parte comercial, pero al mismo tiempo es muy divertido. Es la mejor posición en la que puedes estar: crear arte de calidad con un gran amigo. Y también colaborar con gente que aprecia esta situación. —Tú eres de Alemania, Omar de Puerto Rico, son culturas muy distantes… ¿Qué hay de trabajar con alguien de un origen cultural tan distinto? ¡Totalmente! (risas). Te cuento algo divertido: como primera medida, esto es beneficioso para ambas partes, todos aprendemos en este camino. Cuando hicimos la grabación del disco de Bosnian Rainbows, Omar, Teri, Deantoni y Nicci estaban todo el día descansando, en relax total. Yo me ponía muy nervioso y los instigaba a que vinieran a grabar y siempre respondían lo mismo “Espera que relajemos un poco más”. Luego cuando finalmente lograba que entrasen en el estudio, se ponían a grabar y metían todo de una sola toma perfecta. Volvían a descansar, a no hacer nada por horas y horas y yo de vuelta de los nervios. Ya sabes, tengo mis éticas de trabajo, obviamente Omar tiene las suyas también, pero en aquel momento yo no era capaz de entenderlas ¡Sobre todo no entendía que el relax es parte del trabajo! (risas). La razón por la que ellos daban en el punto exacto cada vez que se disponían a grabar, era que habían estado muy parsimoniosos el resto del día, lo cual parecía ser “nada” para mis ojos, pero que en realidad era preparación

#10 abril 2021

mental. Así y todo, yo perdía la paciencia y era en plan “Omar, Teri, saquen sus culos del sofá y pónganse a trabajar”. —(Risas) Claro, ¡tú te ríes porque eres latino también! (risas). Ahí Omar también se reía casi hasta las lágrimas y desafiaba “Tío, ¿qué es lo divertido de esto? Déjame en paz”. Era un choque de culturas enorme, no se puede usar tanto la palabra “chill” (relajarse), incluso más de una vez en la misma oración (risas). Yo no sabía esto, con lo que me llevó un tiempo entenderlo y esta fue una buena manera. Este tipo de cosas pasan todo el tiempo. La próxima vez que hables con Omar pregúntale qué aprendió de mí, posiblemente te dirá que una o dos cosas. —Lo entiendo perfectamente. Lo sé, amo la cultura latina. Es muy diferente y yo amo aprender. Cuando era niño tenía miedo a nadar, entonces me sentaba en la piscina a ver cómo la gente nadaba y saltaba al agua, lo hacía por un día o dos y luego simplemente copiaba lo que veía. Toda mi niñez y adolescencia aprendí de mirar, mirar y mirar. Esa es la manera para mí. —Para los latinos suele ser distinto. Sí, observamos y aprendemos pero muchas veces debemos diseñar nuestras propias maneras, piensa que crecimos siempre en medio de crisis de todo tipo: sociales, económicas, pobreza, etcétera. Seguro, y esto da para hablar de otra cosa más. The Mars Volta conectan a tanta gente a tantos niveles, tantas culturas de muchas maneras distintas. En todo este tiempo trabajando en el box-set, preparando los masters, comprando el catálogo de Omar, hubo mucho de administración, pero por supuesto que estamos trabajando con arte. En este camino conocimos a este tío de Venezuela a quien envié un mensaje por Instagram porque me gustaba mucho lo que hacía y le propuse si quería hacer unas camisetas para nosotros. Y lo hizo. Y comenzamos una sociedad muy cercana en cuanto al diseño, fue bastante complicado poder pagarle porque en Venezuela no permiten las transferencias internacionales, ni Western mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Union, ni Paypal. Así que tuvimos que buscar la manera de darle su dinero. Al margen de eso, es muy loco porque en Venezuela hacen cosas con los billetes, ya que las cosas valen más que los mismos billetes de dinero. Hacen bolsas con dinero y las venden por un dólar. Es una pesadilla. Son cosas que hacen que uno sea agradecido y aprecie su situación aún más. Pero lo más importante aquí es que estoy completamente agradecido de que a través de The Mars Volta, fui capaz de trabajar con un brillante director de arte de Venezuela, con quien nunca hubiera conectado de no ser por esta banda. Esas conexiones son la luz de mi vida. —Volviendo a “La Realidad de los Sueños”. ¿Podrías explicarnos qué significa que los discos hayan sido remasterizados para vinilo? Sí, claro. Es muy simple. Podría explicarlo por horas para los techies, pero es sencillo. Cuando masterizas para vinilo, si queda muy alto, sonará mal, perderá dinámica, tendrá “golpes”, ruidos insoportables en distintas partes de las canciones. Entonces necesitarás más dinámicas para vinilo, de las que tienes para digital o CD. Lo que la gente hacía en los viejos tiempos, y a veces sigue haciendo, es crear dos masters: uno para digital, que usualmente es extremadamente alto de volúmen y limitado y suele tener picos, y luego uno más suave para análogo. Lo que muchísimas bandas hacen, porque las compañías discográficas no saben lo que hacen ni les importa un carajo nada, es que ellos usan el master digital para cortar vinilo. Esa es la razón por la que mucha gente escucha vinilo hoy, ¡pero no suena mejor! La gente suele decir que el vinilo suena mejor, pero no es así, porque se usan los masters erróneos para el vinilo. Eso pasó con las reediciones de The Mars Volta en vinilo. Por eso todas esas impresiones de vinilo de Universal suenan como la mierda. Mucho peor que las versiones digitales. Entonces nosotros recibimos de Omar todos las mezclas originales de la banda, desde “Tremulant EP” hasta mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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“Noctourniquet”. Las tomamos y las tratamos como si las hubiésemos recibido del ingeniero de mezclas para masterizarlo específicamente para vinilo, con más dinámicos. O sea que si tú pones la aguja en una de estas reediciones, The Mars Volta sonarán como nunca les has escuchado antes. Estas reediciones son lo más cercano que podrás escuchar a las mezclas originales, pero masterizadas. Es fantástico, estoy muy entusiasmado porque cuando escucho vinilo, ya sabes, yo apruebo todas las pruebas de impresión. El año pasado en la primera cuarentena en mayo, estaba en casa con mis niños escuchando las dieciocho pruebas, pobres, se volvieron locos (risas). Les decía que yo sabía que no era normal, pero que me disculpasen porque ese era mi trabajo realmente (risas). Suenan increíbles. —¿Puedes contar la historia detrás de “Landscape Tantrums”, el disco oculto que saldrá con el box-set por primera vez? Mmm, puedo contarte algo. Habrá un fotolibro en el box-set con diez páginas de liner notes, en las cuales Omar cuenta la historia completa de este disco. Como se acabaron At The Drive-In, como nacieron The Mars Volta, como el disco se materializó y por qué no se usó. Así que prefiero que se sepa por Omar ya que es una historia muy personal. Y es el núcleo del box-set, las verdaderas raíces de Omar, y no me corresponde interferir en eso. —A.M.

“La gente suele decir que el vinilo suena mejor, pero no es así, porque se usan los masters erróneos para el vinilo”

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abril 2021 #11

MONDO FREAKO

iendo un disco pandémico, tiene toda la lógica que hagamos la entrevista por Zoom. (Marc Clos) De hecho, esta es la primera vez que coincidimos los tres desde que grabamos el disco (risas). (David Cordero) Sí, diría que es la primera vez que nos vemos las caras todos desde entonces. Con Marc hicimos un Zoom para una movida del segundo disco, que ya lo estamos grabando. Pero a Ramón no le veía la cara desde hace meses. —Perdona, David, que estáis grabando qué. (Cordero) Ya he hablado más de la cuenta (risas). Estamos grabando el segundo disco de este proyecto. (Ramón Rodríguez) De hecho, la idea con la que trabajo es que el proyecto se complete con una trilogía de discos. Así que ya hemos quedado que el año que viene haremos otro. (Clos) Cada tres olas pandémicas de Covid vendrá un disco nuevo de Rodríguez, Cordero y Clos. —Este es un proyecto pandémico, pero en realidad el origen de vuestra historia en común se remonta a 2016. (Rodríguez) Yo conocía a David porque escuchaba sus discos con Úrsula. Cuando en 2016 fui a Sevilla a grabar “Lluvia y truenos”, mi disco compartido con Ricardo Lezón de McEnroe, a los estudios La Mina de Raúl Pérez, David, que era amigo de Ricardo y Raúl, se pasó e incluso grabó unas guitarras. Marc, que participaba en el disco (de hecho vengo trabajando con él desde los tiempos de Madee), hizo muy buenas migas con David. Se cayeron muy bien de inmediato porque a los dos les gusta mucho el ambient. Sí, seguramente ahí empezó a gestarse lo que ha acabado siendo este disco. —¿Cómo se fue gestando el disco? #12 abril 2021

“ “Lo chulo es que de muchas canciones, no puedes llegar a saber de quién es”

(Rodríguez) Somos un grupo y teníamos dinámica de grupo. Hacía mucho tiempo que no formaba parte de un proyecto en el que todos sus miembros aportaran y opinaran. Todo ha sido muy democrático y creativo, dejándonos llevar los unos a los otros. (Cordero) Tampoco nos marcamos un objetivo claro al que llegar más allá de pasarlo bien y escribir canciones que nos gustaran. En este proyecto, lo realmente creativo ha sido el

proceso y la interacción. —Ha sido como si formarais un grupo de los de toda la vida, pero con los recursos de hoy en día: cada uno en su casa, con vuestros equipos... (Cordero) Y eso en mi metodología de trabajo ha sido más práctico y enriquecedor que si estuviéramos los tres juntos encerrados en un estudio de grabación durante un mes intentando hacer un disco. (Rodríguez) Lo chulo es que de muchas canciones, de todas las aportaciones que hemos hecho entre todos, no puedes llegar a saber de quién es. (Cordero) Siempre he creído que lo importante no es el instrumento sino la imaginación. Los tres podemos tener la misma guitarra y los mismos pedales e incluso podemos estar tocando la misma canción, pero lo haremos de manera diferente. Ahí entra la imaginación: encontrar la manera de que nuestras tres visiones creativas acaben

C a

The N David y Mar

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Hace justo un año nos encerraban en casa a causa de la pandemia. Unas semanas de reclusión obligatoria que Ramón Rodríguez (The New Raemon), David Cordero (Úrsula) y Marc Clos (Nueva Vulcano) emplearon para dar forma a “A los que nazcan más tarde” (BMG, 21). Ya podemos salir de casa, pero ellos han decidido encerrarse de nuevo para grabar su segunda entrega. —TEXTO Oriol Rodríguez

Creando ambiente

New Raemon, d Cordero rc Clos mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

confluyendo e interactúen. —No teníais un objetivo marcado, pero David, para sumarte al proyecto, le pusiste a Ramón la condición de que tenía que componer con el piano. (Cordero) Cuando empezamos a darle vueltas al proyecto, me lo tomé con mucha ilusión. Era un reto para mí. Pero si yo me adentraba en una aventura que se alejaba de lo mío, que es ambient, quería que el proyecto fuera enriquecedor para todas las partes. Si lo hacíamos era para divertirnos, aprender los unos de los otros y hacer algo diferente. Si la gente quiere escuchar a Ramón, ya tiene los discos de The New Raemon, y lo mismo con los míos. Si quiere escuchar algo hecho por Marc, Ramón y yo, ofrezcámosle algo nuevo y diferente. (Rodríguez) A mí me ha resultado especialmente interesante la grabación de las voces. —¿Por qué? (Rodríguez) Son composiciones en las que hay mucho aire. No dispones de la red de una melodía en la que salvarte si te caes. He tenido que buscar otra manera de cantar para llenar esos espacios. En este disco he alcanzado unos niveles de sutileza con mi voz brutales. David me ha apretado mucho. Recuerdo enviarle pistas de voz y que me contestara pidiendo que cantara más bonito. Eso me ha empujado a darlo todo y por consiguiente, ser mejor intérprete. (Cordero) Pedirle que compusiera con piano iba ligado justamente a esto: sacarle de su comodidad para enfrentarse a algo diferente. —¿Y tú a qué te has enfrentado, David? (Cordero) A trabajar con voces y melodías pop. Como contrapartida le pedí trabajar sin guitarras. La exigencia no era tanto trabajar con piano como hacerlo sin guitarras. (Rodríguez) Mi voz en este disco he intentado tratarla como un instrumento más. Creo que consecuencia de ello es que las letras son las más cortas que he escrito jamás. —¿Recordáis el día exacto de confinamiento en el que empezasteis a trabajar en el proyecto? (Rodríguez) Ahora hace justo un año. Llevábamos ya tres semanas de Apocalipsis. Fue en ese momento cuando me di cuenta de la magnitud de la tragedia. Hasta entonces andábamos preguntándonos qué estaba pasando. Ponernos a trabajar en el disco me dio vitalidad. No podía tocar en directo pero sí hacer canciones. Llamé a David, con el que había trabajado en mi último disco, “Coplas del andar torcido” (BMG, 21), y le pregunté si andaba muy liado. —Y no lo estaba. (Rodríguez) Sí, porque luego dicen de mí, pero David está siempre trabajando en cuatro discos más. Pero se apuntó. —¿Cuándo se sumó Marc? (Rodríguez) Con David teníamos todo el tema atmosférico solucionado. Pero nos faltaba toda la cuestión rítmica. Pensé en Marc porque tiene una visión rítmica muy rica. Por ejemplo: el primer bombo que aparece en el disco, no suena hasta el minuto nueve, todo lo anterior son fantasías. —¿Siempre estuvo el concepto de disco presente? ¿Siendo un proyecto nacido de unas circunstancias y un momento tan concreto, no pensasteis ir publicando las canciones a medida que las ibais creando? (Cordero) Me considero un hombre mayor en todos los sentidos, incluso en el de pensar la música aún a través de los formatos más convencionales. Yo, esto que está tan de moda ahora de ir publicando singles sueltos no lo comprendo. Sin desmerecer nada, trabajo pensando en obras completas. Las voces, el que no haya guitarras, el sonido e incluso el orden de las canciones, todos estos detalles están ya pensados de antemano. —Os marcasteis un límite de tres semanas para terminar el disco, ¿verdad? (Rodríguez) Sí. No teníamos nada más que hacer y eso nos permitió trabajar de una manera muy dinámica. —En la “antigua normalidad”, por mucho que lo intentarais este mismo disco... (Cordero) Por mi parte sí (risas). Vivo en el sur del sur. Es decir en el sur de Cádiz. Hay entre poco y nada que hacer, por lo que me paso todo el día en casa grabando, ya sea con Ramón o Marc o con otros músicos. Y, para qué engañarnos, en casa se está muy bien. Yo ya venía entrenado para la pandemia de tanto tiempo que me he pasado en casa encerrado. No me afectó. (Clos) Pero tal vez sí que es verdad que esa chispa que nos ha llevado a grabar el disco no hubiera surgido. De hecho, hemos bromeado diciendo que cuando todo esto de la pandemia pase, nos iremos a grabar a La Mina, pero cada uno de nosotros nos encerraremos en una habitación diferente y no nos veremos para nada. (Rodríguez) Si jamás salimos de gira, actuaremos cada uno desde un teatro distinto. —¿Cuándo acabéis la trilogía el grupo seguirá adelante? (Rodríguez) Yo creo que sí seguiremos haciendo cosas. Se ha convertido en una cita anual. Este segundo lo empezamos el 14 de enero. Yo trabajo a seis meses vista mínimo, y ya nos hemos reservado enero de 2022 para grabar el tercero.—O.R.

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abril 2021 #13

MONDO FREAKO

Axolotes Mexicanos han vuelto con nuevo disco bajo el brazo, “:3” (Elefant, 21), un trabajo sobre el que charlamos con Olaya, quien nos resuelve además algunas otras dudas sobre el momento actual de la banda.

Jpopvisualpunksynthcore

O SÉ SI OS GUSTA mantener a la gente con la duda, pero ¿cómo se pronuncia vuestro nombre: “acsolotes”, “axolotes” o “ajolotes”? Se pronuncia “ajolotes”, pero se escribe con X. El nombre de la banda es por un animal endémico de México que es igualito que un Pokemon. —¿De dónde os viene el amor por el JPOP? Desde que estábamos en el instituto. Stephen y yo nos hicimos amigos por eso. Stephen se pasó varios años de su adolescencia escuchando solamente visual kei. Al resto nos viene más por ver animes. —Una vez resueltas esas dudas, ¿qué os ha llevado a publicar disco tres años después? Como cada miembro de la banda tiene uno o dos proyectos paralelos nunca teníamos tiempo para hacer canciones, pero como el año pasado estuvimos cuatro meses encerrados en nuestras casas nos pusimos a hacer canciones y, al final, teníamos suficientes para meter en un disco. —¿Cuándo se formó el grupo esperabais llegar hasta dónde estáis ahora? No. La verdad es que empezamos el grupo de broma. Porque después de ver un concierto nos preguntaron si teníamos una banda y dijimos que sí, que éramos los Axolotes Mexicanos. —¿Y Axolotes es un grupo de punk, un grupo de pop con letras punk, un grupo de electrónica a la japonesa...? Es una mezcla de estilos porque es la música que nos gusta escuchar. Axolotes es una mezcla de todo eso. —Estáis todos metidos en otros proyectos que están en el epicentro de la escena indie española. ¿Qué hay de Carolina Durante, Stephenplease y Temerario Mario en Axolotes? ¿Y qué hay de Axolotes en ellos? Pues no sé, creo que aunque del grupo salen bastantes proyectos distintos, Axolotes suena bastante diferente, pero depende de la canción. En este disco nuevo hay alguna guitarra que suena un poco más shoegaze, como las de Carolina o las que Stephen pue-

#14 abril 2021

Axolotes Mexicanos

“Hhemos vuelto a escuchar a My Chemical Romance y a Blink-182 a saco”

da usar en su proyecto en solitario. Pero, al final, nos da por hacer una canción pop, otra de electrónica y van todas para el disco, no creo que se note mucho la influencia de las demás bandas. —Cuando empezasteis teníais dieciocho años y en algunas entrevistas os quejabais de que, en el panorama musical en el que os movíais, solamente había cuarentones. ¿Cómo han cambiado las cosas?

Pues ahora mismo hay muchísimas bandas y muchísima gente joven haciendo cosas, así que genial. —¿Qué hay del Axolotes de “Infectados” en los Axolotes de “:3”? Las letras son menos punkis, pero seguimos teniendo la “E” de “explicit content” en Spotify. —¿Y qué ha cambiado? Que ya no somos tan cutres (risas). —Explícame un poco el proceso de este disco, la idea que queríais trans-

mitir y cómo habéis elegido qué temas meter y cuáles no. Porque por ejemplo habéis añadido “Te quiero” y “Cuando estoy contigo” que son del EP “UWU”. Pues las metimos porque cabían en el vinilo y así quedaban editadas en físico de alguna manera. No solemos descartar muchos temas, aunque lo que sí que hacemos es cambiar la música y la letra muchísimas veces hasta que conseguimos que queden perfectos. —¿Cómo definirías este nuevo disco? Nuestro disco más maduro hasta la fecha (risas). —¿Cuáles han sido vuestras referencias para darle forma? Para este disco nos ha afectado mucho descubrir a 100gecs y, en el caso de Juan, redescubrir a Asian Kung-Fu Generation. También nos han influido grupos de la escena indie japonesa actual como Shisamo y Lucie Too. Y la PC Music, como siempre. —En algunas entrevistas habéis dicho que la idea de Axolotes era decir burradas sin sentido y hace pop ñoño con esas letras punk. Pero la verdad es que el nuevo disco tiene letras bastante profundas y sentimentales. ¿Ha sido un cambio o más bien un proceso? Ha sido un proceso. Hemos ido avanzando poco a poco, nunca pensamos en cambiar de estilo intencionadamente o intentar hacer algo nuevo. Son cosas que van surgiendo. —En “Oshare Kei” mostráis vuestra cara más japonesa a partir del visual kei y también en el videoclip de “Que te pires”. ¿Qué supone para vosotros? El visual kei es un estilo de música japonés que lo petaba en los dosmiles y que está bastante olvidado, aunque no tanto como el oshare. Ambos estilos nos influyeron en nuestra adolescencia y pensamos que sería guay volver a ellos, igual que con el punk rock –aunque no sé si se nota mucho en el disco– hemos vuelto a escuchar a My Chemical Romance y a Blink-182 a saco. —NEREA ROCHA BALLESTEROS

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Escenarios Motown Live Ensemble

Bisonte 06 de mayo Rockville

01 de abril Tempo

The Stratofighters

Kuqui Alegre

08 de abril Rockville

08 (sold out) y 09 de mayo Siroco

Pati Pérez-Laorga

Los Vinagres

24 de abril Fulanita

22 de mayo El Sótano

Luis Fercán

Ricardo Lezón (McEnroe)

24 de abril El Sol

#VuelvealaSalas Más información en mahou.es/vibra

30 de mayo Vesta

The Bad Corral

Red House Revival

30 de abril Barco

05 de junio Hangar 48 Mahou recomienda el consumo responsable 5,5º

FiM Vila-seca FIRA DE MÚSICA EMERGENT I FAMILIAR 7,8 I 9 MAIG 2021

REINICIA LA FiM

Anabel Lee, Ariana Abecasis, b1n0, Bofirax, Caramelo a Kilo, Carlota Flâneur, Celistia, Cine Nuria, Clara Poch i Marçal Calvet, Combos del Conservatori de Vila-seca, Companyia Ytuquepintas, Dani López Quartet, Gebre, Kids from Mars, Koeman, La Botzina, La Curiosa, La Tresca i la Verdesca, Les Anxovetes, Lia Sampai, Lucía Fumero, Marcel i Júlia, Maria la Blanco, Monkey Jane, One, two, free.. Folk!, Pels més menuts, Petit Taller de Cançons, Pol Bordas, Porto Bello, Pulmon Beatbox, Sambach, Samfaina de Colors, Tutti Fan Piu, Xiula | www.fim.cat Organitza

Amb el suport de

PEQUEÑ “ MONSTRU DEL RO EN PORTADA

“El rock’n’roll fue hecho para pista de baile, pero la música disco se convirtió en la “dueña” de la pista porque tiene mejores beats”

#16 abril 2021

E EXPLICA: una banda que debuta con un disco explosivo, encontrando un hueco donde el rock más lo necesitaba. Royal Blood tomaron ese espacio pequeño, cercano al sonido de otros grupos, pero milimétricamente original, en el que la indecencia de Arctic Monkeys, más el sonido sexual y desértico de Queens Of The Stone Age sumado a una punzante y casi perfecta ejecución de bajo, batería y voz, les dejó sentados cómodamente en el número uno de su país, no sólo con su disco debut homónimo de 2014, sino también con la continuación discográfica de 2017 “How Did We Get So Dark?”. Y ahora les tenemos de nuevo por aquí con su esperado “Typhoons”. Este dúo de Brighton –Mike Kerr en bajo y voz y Ben Tatcher en batería–, renovó la escena a fuerza de espontaneidad, ofreciendo música simple y concreta, de algún modo, lo contrario a lo que proponía el revival psicodélico que dominaba los charts indies en aquel momento. Una sobria y consecuente actitud en favor del riff rockero clásico les hizo valer la aprobación del mismísimo Jimmy Page, el fanatismo de Dave Grohl e irse de gira con Queens Of The Stone Age y Foo Fighters. Lógicamente, alguien mencionó por aquel entonces que Royal Blood serían los nuevos salvadores del rock’n’roll. Pero el dúo no parece haberse tomado demasiado en serio ese pedido de militancia y vuelve al ruedo con un disco que suena a todo lo que se supone que debería sonar… y a varias cosas más. Royal Blood optan por el camino menos cómodo y toman algunos riesgos en el consistente “Typhoons”. En concreto los muchachos sacan a relucir influencias electrónicas y sus canciones ganan temperatura y gancho. ¿Ya no suenan tan sucias como antes? Pues no, pero esto no debería ser precisamente decepcionante. Este disco autoproducido suena revitalizante y brutalmente ajustado. Hay una instrumentación más amplia y la propuesta crece en matices y colores sonoros. Sabemos que algún sector de sus fans les juzgará por ello pero al fin y al cabo ¿el rock’n’roll no iba de transgredir reglas? Hablamos con el amable Ben Tatcher de todo lo que tiene que ver con este lanzamiento que ya se adivina como uno de los más populares que se editarán este año. —Este disco tiene algunos temas que parecen pensados para ser tocados en estadios, antes grandes audiencias. ¿Cómo es lanzar música así cuando en realidad aún no hay planes concretos de volver a girar? Bueno, ante todo gracias por decir esto ya que nosotros somos admiradores de este tipo de sonido. Es raro, es la primera vez que nos pasa que editamos música y no podemos tocarla en conciertos con nuestros fans alrededor. Así que es un poco extraño pero ¿qué podríamos hacer? Lanzamos el disco igual y eventualmente estaremos tocando en directo de nuevo por todo el mundo. Es todo una cuestión de tiempo, simplemente. —Una vez me tocó entrevistar a The Black Keys y tenían un requerimiento especial: no preguntarles por The White Stripes. Por el contrario vosotros nombrais a estos dos dúos y otros más en vuestra biografía de los servicios de streaming. ¿El hecho de que seáis sólo dos os hace estar más orgullosos de vuestros logros? (Risas) Es divertido porque puedo entender perfectamente a The Black Keys pidiendo eso. Cuando estás en un dúo todo el mundo te relaciona con otras bandas de dos integrantes. Siempre surgen las mismas comparaciones. A nosotros nos lo han hecho con The White Stripes y con The Black Keys, y solo pasa porque somos bandas de dos miembros. Sobre todo eso eso viene de Estados Unidos, con toda la cuestión de Nashville y otras obviedades. Creo que, para nosotros, el trabajar sólo Mike y yo hace todo más sencillo. Las decisiones se toman con mucha rapidez y así logramos este sonido heavy, pero dinámico, interesante de escuchar y posible de tocar en directo. Para mí es fantástico.

Royal Blod

La pausa en la que la pandemia ha metido a la industria musical tuvo reacciones y consecuencias de todo tipo, la gran mayoría negativas. Una de las más comunes resultó ser la ansiedad que generaron los lanzamientos pospuestos en 2020. El caso de “Typhoons” (Warner, 21), el tercer larga duración de los populares ingleses Royal Blood es un ejemplo clarísimo de esta situación. Por suerte, aquí lo tenemos y suena a lo que debería sonar... y a varias cosas más. —TEXTO Adriano Mazzeo —FOTOGRAFÍA Mads Perch

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ÑOS UOS OCK

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abril 2021 #17

“ “Un ordenador no es algo que funcione muy bien en el escenario... Amamos la música en vivo y el hecho de que la gente la toque”

—¿En qué sentidos crees que Royal Blood estáis dando un paso al frente con “Typhoons”? Creo que probamos muchas cosas nuevas para nuestra música. Este disco lo produjimos nosotros mismos y ese proceso fue mucho más lejos que en nuestros trabajos anteriores. Hay cuerdas, sintetizadores, vocoders, etcétera. Quisimos expresarnos en el desafío experimentando con nuestro sonido y quisimos... ¡progresar! No nos apetecía hacer otro disco que sonase como el primero o el segundo. La idea fue siempre progresar, evolucionar y para eso debes tomar ciertos riesgos y probar nuevas ideas. —Este es otro de los tantos discos retrasados por la pandemia y la mayoría de sus canciones fueron terminadas en 2019. ¿No hubo la tentación de volver a ellas y cambiarles partes o arreglos en todo este tiempo? ¡Sí! Totalmente. Eso nos pasó mucho con el primer disco. Para aquel entonces aún no teníamos un contrato, nadie nos conocía, estábamos en el estudio grabando maquetas de canciones como “Figure It Out” y “Ten Tonne Skeleton”. Y una vez que conseguimos nuestro contrato a partir de esas canciones, volvimos al estudio a intentar mejorarlas y allí nos dimos cuenta de que esas maquetas eran las correctas, que había algo especial en esas versiones. Posiblemente la energía y el momento en el que se hicieron. No pudimos mejorarlas, entonces cuando llegamos a este disco, básicamente hicimos maquetas muy buenas de las canciones. Y mucho de lo que se usó para “Typhoons” viene de las primeras ideas al respecto, que eran muy guay y te#18 abril 2021

nían un espíritu que no podríamos reemplazar nunca. Con canciones como “Boilermaker” por ejemplo, tenemos una maqueta en la que la batería sonaba súper cool pero no la tocaba yo, era un loop. Cuando logras un sonido así, una sensación tan buena, es casi imposible mejorarla, como en el caso de “Boilermaker” que quedó increíble. Son los peligros de pensar demasiado y que las cosas no queden tan excitantes como en su forma primaria. —Respecto a “Boilermaker”, este tema en concreto lo produjo Josh Homme de Queens Of The Stone Age ¿Cómo fue trabajar con él aquí para vosotros dos y para Mike en las Desert Sessions? Giramos mucho con Queens Of The Stone Age en 2019 y Mike participó en las Desert Sessions, tocando y también en la producción de ese proyecto. Nos hicimos muy amigos con Josh. Él siempre ha hablado muy bien de nosotros, así que nos propusimos hacer más música juntos. Cuando le mostramos el esqueleto de “Boilermaker” le encantó, aunque también hicimos juntos una canción llamada “Space” que formará parte de la edición deluxe del disco. —¿Hubo la tentación de incluir más músicos para poder cumplir con las partes de teclados, sintetizadores, etcétera, que hay en “Typhoons”? Totalmente. Con el segundo disco tuvimos dos coristas viajando con nosotros. Hicieron un trabajo de armonías maravilloso. La otra forma de hacerlo era con un ordenador y, si bien nos interesa progresar y adaptarnos a la tecnología, un ordenador no es algo que funcione muy bien en el escenario (nota: a nivel visual/

estético). Amamos la música en vivo y el hecho de que la gente la toque en un escenario. Incluso el feeling que te dan los errores en vivo son algo atractivo para nosotros. Y en este disco hay mucho para trabajar en ese sentido. Yo llevo un pad de samples al lado de mi batería, mayormente arreglos de percusión. Así está evolucionando mi kit de batería (risas). Pero las partes de teclados llevan otro tipo de trabajo y vamos a tener que agregar gente a nuestro escenario. —¡Así ya podréis evitar las preguntas sobre otros dúos! (Risas) ¡Exacto! Pero, sabes, el núcleo de Royal Blood seremos siempre Mike y yo. Todo lo hacemos en el estudio, pero por lo demás se trata de darle a los fans una buena experiencia en vivo y al mismo tiempo disfrutarla nosotros, claro. Es divertido tener más gente tocando contigo. Es parte de lo bueno, creo. —En algunos momentos del disco se pueden apreciar sonidos cercanos a artistas como Daft Punk o Justice. ¿Cómo fue que se os ocurrió ir en una dirección más bailable? Bueno, creo que a la gente le gusta bailar, incluyendonos a nosotros. No nos olvidemos de que el rock’n’roll fue creado en este mundo, y muchas veces nos olvidamos de la parte del “roll” (nota: en este caso el significado puede ser “balancear”, “ondular”, “mover”). El rock’n’roll fue hecho para pista de baile, pero la música disco se convirtió en la “dueña” de la pista porque tiene mejores beats y sonidos para este propósito. Bandas como Daft Punk o Justice son eso, con sus teclados poderosos. Ellos mezclaron estos génemondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA

EL APUNTE

Tres colaboraciones que definen a Royal Blood:

La reivindicativa: “The Ground Below (Royal Jewels Mix)” (Run The Jewels feat. Royal Blood, 2020). Este tema es explosivo incluso antes de que se abra el hi-hat de Ben Tatcher y el bajo de Mike Kerr plante un cimiento irrompible sobre el que Killer Mike gritará sobre un Dios que destruye como Godzilla a Tokio. Sónicamente es todo lo que se puede esperar de esta combinación: un rap rock en toda regla, algo así como una extensión actual de la banda sonora de “Judgment Night” de 1993. Guiños a Rage Against The Machine, Led Zeppelin y una producción rompemuros para uno de los tracks más intensos de la historia del dúo de Brighton.

2 ros antes que nadie y nosotros emulamos ese sonido desde una perspectiva diferente, desde lo que ofrecen un bajo y una batería. Definitivamente este tipo de música siempre ha estado dentro nuestro como una gran influencia, solo que no necesariamente surgió en discos anteriores. —El disco suena muy apretado, parecido a cuando tocáis en directo. ¿Qué tan obsesivos podéis ser Mike y tú en lo que tiene que ver con la perfección del audio? Mike es una auténtica bestia en este sentido. Me puede llegar a volver loco en las largas jornadas de estudio porque siempre tiene una segunda conjetura o teoría para todo. Y también se exige a sí mismo hasta un punto que a veces no puede manejar, lo cual es genial, porque ama hacerlo de esa manera e intentar siempre ser el mejor músico posible, sonando de la mejor manera. Durante este tiempo muchas cosas han cambiado. Mucho del equipo que usamos ha cambiado, así como las formas de hacer las cosas, los procesos, etcétera. Como batería amo lo simple. He tocado la batería durante casi toda mi vida, así que sé cómo suena un buen kit de batería y cómo puedo hacerlo sonar. Por eso nos hemos metido a fondo en el sonido, sobre todo por el hecho de haber producido el disco nosotros mismos. Queríamos un sonido gordo, pero al mismo tiempo limpio y preciso. —¿Qué puedes decirme de la experiencia de presentar el nuevo single “Limbo” a través del video juego Roblox? ¿Os sentís parte de un futuro extraño? ¡Sí! Es decir, es genial estar involucrado en este tipo mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

de cosas. Yo crecí jugando al “Tony Hawk Pro Skater 2” y allí estaba “Guerrilla Radio” de Rage Against The Machine, de quienes me hice fan. También descubrí a otras bandas y artistas gracias a eso. Es una manera muy buena de llegar al público porque no sólo estás jugando sino que inconscientemente estás escuchando una canción mientras juegas y disfrutas de un juego. ¡Es un win-win! —El mismísimo Jimmy Page os ha destacado como su grupo favorito del rock inglés actual y también habéis logrado ganar muchos prestigiosos premios en el Reino Unido. ¿Cómo funcionan estos reconocimientos con vosotros? ¿Os dan confianza o más bien os generan presión? Definitivamente hay un poco de cada cosa, nos da mucha confianza en nosotros mismos y también nos añade presión. Debes saber que Jimmy Page fue una de las primeras personas que nos reivindicó en público, y él fue una de nuestras principales influencias a la hora de comenzar con Royal Blood. Que viniese al backstage y nos dijera cuánto disfruta de nuestra música fue un gran halago, porque… Mucha gente puede decirte que le gusta tu música, pero ¡¿que te lo diga Jimmy Page?! Es uno de los mejores guitarristas de rock que jamás hayan existido. Pero obviamente también genera presión porque mucha gente te tiene en cuenta y tú no quieres decepcionar a nadie o hacer un mal show. Nunca. —A.M.

La psicodélica: “Crucifire” (“Desert Sessions 11 & 12”, 2019)

Mike Kerr actúa como cantante, bajista, percusionista, pianista y guitarrista en los volúmenes 11 y 12 de las Desert Sessions de Josh Homme. Su protagónico más destacable se da cuando es la voz líder en “Crucifire”, un track de solo 1:46 minutos, directo a la yugular. Kerr despliega todo el carácter seductor de su voz sobre una base insistente en la que la baqueta derecha de Carla Azar (Autolux) suena como el golpeteo de un pistón a alta velocidad. Los coros de Jake Shears de Scissor Sisters funcionan maravillosamente con la voz de Kerr y ¿qué sucede cuando se llega al precipitado final de este tema? Pues lo obvio: te quedas con ganas de que dure mucho más.

La mainstream: “Times Like These” (cover de Foo Fighters a cargo de Live Lounge All Stars, 2020) Esta canción, gestada por la Radio 1 de la BBC de Londres, surgió como respuesta a la incertidumbre derivada de la pandemia del Covid-19. Aquí ambos integrantes de Royal Blood prestaron sus servicios para esta acústica y emotiva versión (incluso más que la original) del clásico “Times Like These” de Foo Fighters. La participación del grupo como parte de Live Lounge All Stars es casi anecdótica, pero resulta interesante ver la lista de invitados a esta sesión –en la que los músicos grabaron desde sus casas–, para comprender el fenómeno y la importancia de Royal Blood, sobre todo en su Inglaterra natal. Algunos compañeros de Kerr y Tatcher aquí son Dua Lipa, Dave Grohl, Chris Martin, Sean Paul, Ellie Goulding y Yungblud.—A.M.

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abril 2021 #19

V.E.H.N. E L N U E VO Á L B U M D E

YA D I S P O N I B L E

21/Mondo VINILOS

Floating Points, Pharoah Sanders & The London Symphony Orchestra

Joaquín Pascual

Valencia 2019 Autoeditado

Promises Luaka Bop

JAZZ / Son cuarenta y seis años los que separan a Sam Shepherd (o sea, Floating Points) y Pharoah Sanders, pero nadie lo diría a tenor de este trabajo. Un diálogo orgánico entre jazz de vuelo libre, electrónica planeadora y música clásica. Una fusión más que un choque, entre dos lenguajes que se licuan en un minimalismo que desafía nuestro actual concepto del tiempo, jibarizado por la fugacidad del click, del like, del meme y de las monerías de quince segundos. Aquí cada maniobra, hasta cada silencio, parece albergar importancia. Hay un motivo melódico de harpsichord, líneas de sintetizador que emergen e imponentes arreglos de cuerda de la London Symphony Orchestra, en un conmovedor crescendo que parece a punto de estallar a la altura del sexto movimiento. Único y bellísimo. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Tercera entrega del proyecto de Natos y Waor y Recycled J Hijos de la Ruina

Hijos de la Ruina Vol. 3 Autoeditado

RAP / Casi una década después del “Volumen

1” de Hijos de la Ruina y con decenas de referencias y de éxitos a sus espaldas, entre las que se incluye un primer comeback del grupo (el también mítico “Volumen 2”, a las puertas del estallido de la música urbana en España, y que incluye hits como “Carretera” o “Speed”), los madrileños vuelven con “Hijos de la Ruina Vol. 3”, un álbum en el que las dos constantes que han marcado sus carreras –tanto juntos como en solitario– se mantienen: autenticidad e innovación. “Hijos de la Ruina Vol. 3” (en adelante, “Volumen 3”) es un álbum que ha nacido en un camp de trabajo intensivo, entre Natos y Waor, Recycled J, KIDDO y Pablo Gareta. Fuerte y bien elaborado, como disfrutar una copa de un licor caro y alto en graduación. La legitimidad que atesoran les permite volver a aventurarse en nuevos sonidos y propuestas musicales en lugar de quedarse cómodos en un lugar agradable y seguro. Por eso, en este “Volumen 3”, encontramos un tema que mira sin miedo al rock nacional como “Más Alcohol”, una de las canciones que el trío cree que quedarán para siempre entre sus seguidores y que cuenta con un Natos genial; una vuelta a la electrónica, en un tono mucho más

cercano al garage o al house de Recycled que al tarketeo de referencias anteriores de Natos y Waor, en la espectacular “Sudores fríos”; o un acercamiento al reggaeton de malianteo (no esperes encontrarlo en muchas discotecas) como “Fuego, fuego”. Innovaciones que, junto a canciones de corte más clásico como “Nosotros” o “Cuestión de fe”, en las que Waor juega con ventaja, valdrían para completar un álbum que entraría por derecho en el top nacional del año. Sin embargo, HDLR se han propuesto hacer de este trabajo algo más. En especial Recycled J, que siempre encuentra su mejor versión de la mano de Natos y Waor. (Re) escuchen el disco atentos a todas las genialidades que se ha sacado de la manga el de Carabanchel. En cuanto a melodías –por ejemplo en la ya citada “Sudores fríos”-, y, sobre todo, con las mejores letras de su carrera. El final de disco que nos ha brindado Jorge Escorial son palabras mayores: “A la tumba” (“Ahora ceno langosta y, la verdad, ni me gusta”) y “Dime que sí”. Esta última, además de contar con un locurón de instrumental, que funciona como una noche entera y larga hasta llegar al breakbeat final, completa siete temas como las siete estrellas de la bandera madrileña con más corazón que veinte canciones de cualquier otro artista de la capital. Pasa el tiempo y HDLR siguen, y con este trabajo marcan un nuevo punto de inflexión en su carrera. Ahora hay una silla de bebé en el Serie 3 de Waor, pero el espíritu original está intacto. El talento también.

—LUIS M. MAÍNEZ

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POP / Ajeno a cualquier co-

rriente que impere en la escena del pop y el rock españoles, transitando una vía de servicio por la que circula solo y sin prestar atención al retrovisor Joaquín Pascual sigue sumido en un ese minimalismo pianístico, entre lo melancólico, lo onírico y lo elegiaco, que ya no lo es tanto –minimalista, queremos decir– en este sexto álbum a su nombre. O más bien atenúa su desnudez. Lima las aristas del espléndido “EX” (18) para acercarse a un formato de canción algo más reconocible, aunque igual de cautivador. Prima el talante orgánico, el piano como hilo conductor, esos sintetizadores aparentemente gélidos, las pinceladas de impresionismo, su voz susurrante, percusiones descacharradas en segundo plano y textos profundamente evocadores. Otro disco fascinante. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Conttra

serpentwithfeet

Bobo Club Peculiar Records

DEACON Secretly Canadian/ Popstock!

POP / Muchas cosas han cambiado en el mundo de los barceloneses Conttra. Para bien. En su segundo álbum se reinventan en todo, desde el sonido hasta el idioma, aunque manteniendo algunas de sus señas de identidad. Han abandonado el rock más puro y han apostado por el castellano, manteniendo su cara más bailable. Nos hablan sobre la fugacidad de la fama en “Adicción”, se quejan de las redes sociales en “Colibríes” y en el hit “Mi festival” nos presentan su propio evento. Grabado en Blind Records por Santos y Fluren bajo la batuta de Ricky Falkner, “Bobo Club” se completa con dos colaboraciones de lujo: Sidonie en la bailable “De cine”, y Julián Saldarriaga (Love Of Lesbian) en “La belleza que nos salvará”, uno de los temas más relajados del disco.

mente no tenga la audacia ni la capacidad de sobrevolar estilos como Moses Sumney, Yves Tumor o Thundercat, pero la de Josiah Wise es otra de las mejores propuestas que han surgido en el último lustro partiendo de una cierta tradición soul (y góspel, en su caso), hasta medrar en el ámbito de ese r’n’b contemporáneo que sigue sonando tremendamente actual porque no pierde capacidad de regenerarse. “Deacon” es su segundo álbum, y es toda una celebración de la vida, del amor (queer) y de la amistad, tras el autoflagelo sentimental de anteriores entregas, para el que ha jugado un papel determinante su cambio de residencia, de las calles de Brooklyn a la soleada Los Angeles. Un disco suave como la seda, estilizado y distinguido, que confirma su pujanza.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

R'N'B / Es cierto que segura-

abril 2021 #21

MONDOVINILOS

Real Estate Half A Human Domino/ Music As Usual

El positivismo de Peach Tree Rascals

Peach Tree Rascals

Camp Nowhere Homemade/ Music As Usual

7 RAP POP / Este año el verano ha llegado

en marzo. Algunos trabajos se encargan de refrescarnos los oídos y lanzarnos un mensaje de optimismo en tiempos raros, y este es el caso que nos ocupa. La mayoría de nosotros conocimos a los californianos a raíz de la pegadiza “Mariposa”, que consiguió una enorme viralidad en redes sociales como Tik Tok. Ahora se atreven con su primer EP de ocho canciones, una grabación divertida, fresca y tremendamente re-escuchable. Con los primeros acordes a piano de “OOZ”, se nos muestra qué es lo que vamos a escuchar en los próximos veinte minutos: pop, hip hop teñido de pop y cinco voces muy únicas. Y es que en estos temas hay influencias de muchos géneros y épocas: desde los juguetones fraseos de piano de Randy Newman en canciones como “Change My Mind” a los arreglos de cuerda sobre guitarra acústica de “Pocket”. También

están completamente impregnados de las melodías y estética sonora de artistas contemporáneos como Frank Ocean o Mac Demarco en piezas como “Jojo” o “LEAVE ME”. La guitarra y los juegos vocales de “Oh Honey! (I Love You)” cierran perfectamente esta carta de presentación del colectivo musical de San José. Se trata de una canción romántica de despedida que bebe del doo wop de los sesenta y que deja un toque agridulce y melancólico a todo el asunto. Dominic Pizano, Issac Pech, Tarrek

Abdel-Khaliq, Joseph Barros y Jorge Olazaba le consiguen dar una coherencia interna al EP con una producción pulida y, de nuevo, veraniega, que respira por sí sola. “Camp Nowhere” puede catapultar a Peach Tree Rascals a un éxito todavía mayor y ha convertido su nombre en sinónimo de buena música pop. Es un álbum con un sonido personal y elegante que no envejecerá mucho en el tiempo, un trabajo orgánico con un aura positiva y una propuesta prometedora y necesaria. —HUGO SÁNCHEZ

POP / Los descartes lo son

por algo. Generalmente, vaya. Que ya sabemos que hay discos de supuestos retales que valen un potosí. Pero son solo puntualísimas excepciones a la regla. Real Estate lo demuestran con estos seis cortes extraídos de las sesiones del notable “The Main Thing” (20). Canciones que, cuando sobrepasan los cuatro minutos, demuestran que podrían haber dicho lo mismo en dos y medio. No necesitaban más. Quizá esa sea su singularidad: explayarse para mostrar una faceta más paisajística de su argumentario, más propensa a desarrollos que no tengan cabida en sus álbumes. Expandir las posibilidades panorámicas de su apacible y algo sedante college rock. Pero ni el jangle pop de “Soon”, ni el rutinario guiño a Grateful Dead de “D+” ni la suave brisa que proponen “In The Garden” o “Ribbon” superan el umbral de lo discreto. Solo el tema titular está a la altura del listón proteico de su obra. Disco para incondicionales, pues.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA AJR

Jon Batiste

OK Orchestra S-Curve Records/Sony

POP / Han pasado dos años, pero el trío de hermanos AJR está de vuelta. Han regresado con “OK Orchestra”, un trabajo de trece composiciones en las que se han atrevido a jugar con los sonidos como nunca lo habían hecho. Empezando por “OK Overture”, en la que nos muestran todos los sonidos que tendrán las canciones mezclándolas en una suerte de mix. Unen la electrónica del pasado con el sonido actual en canciones como “Ordinaryish People”, junto a Blue Man Group, y en “Joe” le dan un gran protagonismo al piano que acaba sucumbiendo a un beat electrónico con el que no podrás quedarte quieto. También han creado hits incontestables de pop como “Bummerland”, “3 O’Clock Things” o “Bang!”. El caso es que “OK Orchestra” les confirma como una de las propuestas más interesantes a seguir dentro y no sería raro verlos, cuando se pueda, llenar estadios al estilo de Coldplay o Imagine Dragons.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO #22 abril 2021

SOUL / Conocido en Esta-

dos Unidos por el show televisivo de Stephen Colber, su participación como coordinador y compositor de la banda sonora de la película “Soul” ha dado a Jon Batiste una relevancia más allá de la que ya tiene en su país. “WE ARE” es un disco crisol en el que Jon Batiste le ha dado a todos los palos de la música negra sin fallar en ninguno. Con una sonoridad apabullante, no exenta del duende que otorga el groove del funk, el soul o el gospel, el músico nacido en New Orleans da una lección ‘cum laude’. Conmueve por igual en una balada soul tremenda como “Cry”, revive el espíritu de James Brown en “Tell The Truth”; nos sumerge en las calles de su ciudad con el ritmo de las palmas que marca “I Need You”; se lanza en picado al R’N’B más elegante en “Show Me The Way” y demuestra su pericia al piano acercándose al jazz de cava en “Movement 11’”. Una lección de cómo debe sonar un disco que mira hacia atrás para proyectarse hacia el futuro. —DON DISTURBIOS

INDIE / “Ficción y Realidad”

es un notable trabajo que nos trae de vuelta ese indie-rock que tanto nos gusta. Alison Darwin firman un álbum debut con diez composiciones en las que el guitarreo es una constante. La primera mitad del disco nos sumerge en una vorágine de ritmos altos y se centran en la introspección y en la libertad, lejos de temática romántica. Abren con “Conspiranoia” que plasma la esencia del disco: rock y libertad. Tras esta, nos traen uno de los estribillos más pegadizos en “Monos de feria”. “Ayer” y “Dos caras” se acercan más al indie y “Gravedad” es el hit que mejor define su sonido. La otra mitad es más lenta, sin abandonar el rock. “Miradas afiladas” parece ser calmada hasta que la guitarra irrumpe llevándose todo el protagonismo. “Danza macabra” tiene un sonido actual; pero “Todo se derrumba” nos lleva a otras épocas, una cara B de la anterior. Y al final, echan el freno con “Luna rota”, un bolero que nos rompe todos los esquemas.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Luz Rosa DBT

Johnny Cash: Forever Words Expanded Sony Music

Ficción y Realidad Atomic Records

Enry-K

VV. AA.

Alison Darwin

WE ARE Verve/ Universal

COUNTRY / Pocos artistas

tienen más poder de convocatoria entre sus colegas de profesión que Johnny Cash, incluso tras los más de tres lustros en el cielo con su querida June Carter. “Johnny Cash: Forever Words Expanded” es un proyecto singular, respetuoso con una obra mayestática como la de Cash y, aquí viene lo complicado, original. Este álbum es la expansión del homenaje que lleva el mismo nombre y que se editó en 2016 en formato libro, rescatando varios poemas del propio Johnny Cash. Ahora estos poemas vienen musicados por figuras tan conocidas como Elvis Costello o The Lumineers y por artistas referencia en el género como Jamey Johnson. Con un total de treinta y cuatro canciones y más de dos horas de música, esta expansión de las letras de Johnny Cash es una maravilla que todos los fans disfrutaremos de principio a fin. La colección fue una idea de su hijo John, y se nota. Cuidada al detalle, es una auténtica maravilla. —LUIS M. MAÍNEZ

URBANO / Se estrella estrepitosamente Enry K en su debut como vocalista. El otrora productor revelación nacional cuenta con el apoyo de artistas tan respetados como Kidd Keo o Pedro Ladroga, pero ni siquiera eso es capaz de ocultar sus carencias como cantante. Un handicap que se acentúa aún más al seguir siendo uno de los productores con más talento del país. “Luz Rosa” parece un esfuerzo por encontrar una voz y un discurso, pero el resultado va de lo intrascendente a lo ruborizante. Hay verdaderas secuencias de la vergüenza en el álbum, sobre todo, cuando decide contarnos su vida con demasiado detalle. No es eso escribir temas, no. Una lastimosa tendencia la de los productores dando el salto a cantantes que solo resuelve con una propuesta a la altura Alizzz. “Luz Rosa” sigue teniendo un sonido atractivo y Enry-K todavía puede rectificar y volver a ese segundo plano donde las carreras están menos expuestas a los focos, pero son más largas.

—LUIS M. MAÍNEZ

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ZOO

MESTIZAJE / Los valencia-

nos publican su tercer disco. Es el primero lanzado desde su propio sello discográfico y han dado un giro de timón dejando a un lado el rap más duro para acercarse a ritmos más poperos. El resultado es mucho más reflexivo, con producciones más trabajadas y detalladas –no en vano le han dedicado casi dos años– como las de “Deixa’m que caiga” o “Tobogan”. De todos modos mantienen sus principales señas de identidad (a parte de la reconocible de la voz de Toni Sánchez “Panxo”). Como siempre, no dejan títere con cabeza a través de unas letras muy críticas con la realidad politicosocial que vivimos. En cuanto a colaboraciones, en esta ocasión nos encontramos JazzWoman en “Tir al ninot”, sus admirados SFDK en “Sereno” y, por último, Marala y Taktel en “Llepolies”. Desde sonoridades distintas, Zoo siguen defendiendo al pueblo y a la tierra con unas letras cargadas de significado y ritmos poderosos. —GEMMA PUIG BRU

Collections From The Whiteout Republic/ Universal

Tune-Yards

Sketchy 4AD/Popstock!

Take It Down To The Wire At Clitheroe Castle Dandelion/ Oziz-Morpheus Records POST PUNK / La desapari-

ción de la irreemplazable figura de Mark E. Smith hace algo más de tres años ha acelerado las reediciones de su inabarcable discografía; le toca a esta grabación que recoge un concierto del verano de 1985 en un castillo de Lancashire, editada originalmente en 2013 con la aquiescencia del propio Smith y el sello Dandelion como bonito tributo a John Peel (el concierto fue radiado en su momento por la BBC local). “Take It Down…” muestra a una banda perfectamente engrasada en una de las encarnaciones clásicas, con la guitarrista (y efímera esposa de Smith) Brix Smith. “Spoilt Victorian Child” del magnífico “This Nation’s Saving Grace” –su octavo disco saldría ese mismo otoño–, suena junto a otros “clásicos” abrasivos de su ya por entonces respetable discografía como “No Bulbs” y “Oh! Brother”. En esta el misántropo más brillante que ha dado el pop se despacha con una parodia del entonces popular Morrissey. —JC PEÑA

POP / La presente entrega

podría espantar cualquier sospecha que mantengamos sobre Ben Howard, tras confirmar la solvencia, credibilidad y validez emocional de propuesta. El londinense comparte recursos artísticos con compañeros de profesión más o menos coetáneos como Damien Jurado, Damien Rice, King Creosote y, sobre todo, un José González cuya sombra sobrevuela la escucha. Desde ese territorio situado en algún maravilloso lugar de consecuencias atractivas y ubicación difusa entre folk y pop, el vocalista presenta el que puede entenderse como su disco más convincente y profundo, además de un trabajo ambicioso que muestra a un artista crecido en convicciones… y canciones. Howard actualiza la herencia de los cantautores ingleses de los setenta, lo suficiente como para resonar del todo actual pero sin perder ese aroma embriagador de lo clásico, en un juego de equilibrio que sin duda es uno de los principales activos de la referencia.—RAÚL JULIÁN

The Fall

MONDOVINILOS

Ben Howard

Llepolies ZOO Records

POP / Tras haber tocado

fondo con un álbum repleto de formas excitantes pero carente de contenido como “I Can Feel You Creep Into My Private Life” (18), Tune-Yards retoman la senda de la inspiración, aunque lejos de hitos pasados como lo fueron “Whokill” (11). De hecho, en esta nueva muestra de R&B arty cuando lucen con más brío es en sus episodios menos arriesgados, ya sea en el energético soul pop de “Make It Right” o en “Hold Yourself”, donde se explayan en el reflejo Stereolab, moldeado con el inconfundible ramalazo R&B del que hacen gala últimamente, el cual llega a ser redundante en cortes menores como “Sometime” o en la explosión colorista de “Under Your Lip”, donde, más que nunca, emergen sus intenciones por formular un discurso menos experimental, cediendo la parte más interesante de su metodología en pos de una proyección más concreta de la canción pop. “Sketchy” suena a notable bajo, pueda ser un sobresaliente en el futuro. —MARCOS GENDRE

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Los duros golpes de For Those I Love For Those I Love

For Those I Love September Recordings

9 ELECTRÓNICA / Tiene la voracidad de Real

Lies y la forma de escupir de Mike Skinner o slowthai. Pega con los nudillos desnudos. Inocente, zafio, bruto. Siempre adelante, lo mismo te destroza el pómulo que se peta un metacarpo; todo de un mismo golpe. Cabalga en la dualidad del que vive en una isla: ahogo, acorralamiento, pero profundidad al horizonte. “For Those I Love” es apabullante. Pero no lo es únicamente por basto, sucio y rabioso. Que también. En “For Those I Love”, debut del joven David Balfe, hay algo que no encaja. Un contraste poético, bello y triste, ulceroso y tranquilo. Como su rostro: toda la dureza de las facciones del irlandés, una mandíbula perfilada a cincel, cortante, son pura fragilidad sobre papel. Un papel mojado en lágrimas que lloran una pérdida. Sólo hay que escuchar “I Have A Love”, un teclado hacia el baile y que, como anticipa el análisis de The Guardian, sirve para romper la cuarta pared: “Hace un año o así

toqué esta canción para ti en el coche/ Y sonreíste, sentado a mi lado”, lanza Balfe, zampándose la mitad de sílabas, pero respirando las palabras junto a algunas notas de voz que susurran entre las bases. En el debut se maldicen las expectativas, las identidades inalcanzables. Las mentiras a la clase social trabajadora de Irlanda tras la crisis de 2008. Los barrios de mierda sobre los que solo llueve mierda. Las drogas, las cagadas y la nobleza. Y la salvación que proporciona el compadreo. Y el arte. Los versos y las canciones. Pero “For Those I Love” es –sobre todo– un homenaje a un amigo que decidió marcharse pronto. El poeta Paul Curran. Miembro también del colectivo Burnt Out, una nueva ola que maridaba discurso de clase y arte, al que también recordaban The Murder Capital en los temas post-punk de “When I Have Fears” (19). El homenaje de For Those I Love a Curran vive otro espíritu. Dubstep misterioso y ‘loop’, un ‘loop’ necesario: las proclamas por su amigo siguen. Balfe ha hecho el mejor disco que podía con la ansiedad asfixiándolo. De hecho, tal vez no haya más Balfe. Nada parecido a For Those I Love. Pero lo publicado podrá deshojarse eternamente.

—YERAY S. IBORRA

abril 2021 #23

ENTREVISTA

Clara Peya es más que una simple artista. Es el motor de diversos proyectos y sobre todo una personalidad que abre siempre puertas. Un ejemplo más es “Perifèria” (Vida Records, 21), su nuevo trabajo y una apuesta por expandir las fronteras de su música. —TEXTO Adrián Lerma

ublicas “Perifèria”, tu undécimo álbum pese a tu juventud. ¿No es complicado seguir siendo original? Supongo que sí, es que ser original yo ya no sé lo que es. Yo creo en la autenticidad más que en la originalidad, no sé cómo explicarlo. Entonces, creo que si conseguimos ser fieles a quien somos y a lo que pensamos, siempre tenemos algo que aportar. Quiero decir, al vincular la música con algo político el discurso se teje a través de eso también, y entonces el mensaje cobra forma y coge fuerza y, al juntarse con lo musical, esta conjunción funciona. —En este disco te inspiras en la periferia, en lo diferente, lo que está más allá de los márgenes, ¿tiene algún sentido especial que hayas decidido hacerlo ahora? Tiene el significado de que ahora ha sido el momento de hablar de este tema. En cada disco sí que intento que haya un concepto global y creo que es importante para vertebrarlo que tenga un concepto que hable de algo, sobre todo cuando hacemos música que, directamente, no es tan reivindicativa. Yo no dejo de ser pianista y el piano es el instrumento más elitista que existe. Mis letras son bastante poéticas y bastante abstractas, entonces tener un concepto que vincule el disco es lo que le da unidad, lo que le da este plus, para mí, de compromiso. En cuanto a las periferias, hablar de ellas significa muchas cosas, no solo las periferias físicas, urbanas, sino también las periferias emocionales. Al hacer este disco, que todas las personas podamos sentirnos parte del centro y parte de la periferia, entendiendo qué tipo de público tengo. —¿Cuáles son esas periferias? Cada persona tiene las suyas. Pero creo que el tema de la educación emocional ha sido una cosa que nos ha afectado mucho a todas, a las personas de mi generación y a las más mayores ni te cuento. Hay temas de los que no podemos hablar, no mostrar las vulnerabilidades, no mostrar cuáles son nuestros puntos débiles… Hay temas de los que no es cómodo hablar, vivimos en una sociedad en la que hay que estar siempre bien, felices, Mr. Wonderful, contentas y ser súper productivas. Nos afecta a todas y sobre todo en esta sociedad tan líquida, que todo va tan rápido y que de alguna manera quieres comprarte algo y con un click lo tienes, sacas un single y al día siguiente hay otro single. También esto de Instagram y de que todo es tan rápido… No es fácil situarse en este capitalismo tan salvaje y creo que lo más interesante es que podamos expresarnos y podamos ser valientes y capaces de decir las cosas porque sabemos que colectivamente habrá gente que nos sostendrá. —Tras dos discos instrumentales, en este disco alternas el castellano y el catalán, ¿qué te hace elegir una lengua u otra para escribir? Yo soy bilingüe, es indistinto. Es decir, yo escribía en catalán por#24 abril 2021

Clara P

La niña, la

que siempre he hablado en catalán y un día le escribí una canción a una chica en castellano y vi que también sabía escribir en castellano y desde entonces también lo usé. En realidad, me gusta mucho también el castellano, cómo suena, de hecho me estoy dando cuenta de que igual me funciona más en canciones el castellano que el catalán. Pero bueno, voy probando, hoy te digo esto, mañana te digo otra cosa. —¿Cómo es escribir una letra para que la vayan a interpretar otros? Es lo mismo que si la fuera a interpretar yo, lo único que al final la interpreta otra persona. Piensa que cuando yo la compongo, la estoy cantando yo. Es decir, el proceso, todo el inicio, está hecho en que yo estoy allí, solo es desprenderte de algo. Creo que en el arte así, un poco comprometido, es muy interesante pasar de lo individual a lo colectivo. Entonces yo lo que hago es hacer una canción que es mía hasta que la canta otra persona o hasta que la escucha otra persona porque creo que el arte es esto, hacer algo desde lo individual a lo colectivo, porque si lo haces desde lo individual a lo individual le va a importar a tu madre. —Muchos artistas coinciden en que la pandemia les ha dificultado mucho el trabajo creativo, pero tú sacaste disco en 2020 y sacas en 2021. ¿No te ha afectado?

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“ “Llevo años usando la música como refugio de una incomodidad vital”

Peya

a artista

Sí, pero yo creo que ya llevo años usando la música como refugio de una incomodidad vital, es decir, soy una persona que vive incómoda. Encuentro calma en la música y en la creación y en poderme expresar, y es en los momentos en que peor estoy cuando mejor funciono. Tampoco es casualidad que en plena pandemia haga un disco a piano solo, primero porque estaba sola, pero yo diría que es el disco más semilla que he sacado nunca, el más frágil y, a la vez, el que se podría cultivar más. No te diré que “Estat de Larva” sea mi disco favorito pero sí es el que, realmente, me lo he grabado yo, con unos micros, y ha sido un proceso extremadamente íntimo y lo vivo como una semilla. Mucha gente que me dice que se lo pone para relajarse, para estudiar, para irse a dormir, cuando está mal… A mí me gusta este disco. —En tu canción “Mur” hablas de los muros impuestos desde fuera pero también por nosotros mismos. ¿En cuáles pensabas tú? Cuando escribo, escribo algo concreto que muchas veces pierdo porque cuando se hace la canción se llena de capas. Yo no recuerdo si hablaba de muros concretos en aquel momento, pero sí sé qué muros tenemos todas, es una canción en que todas nos podemos sentir identificadas. En cada una de ellas pasa esto, parten de cosas pequeñas para llenarse de significado y mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

que cada persona lo pueda hacer suyo. Yo creo que el concepto de muro es algo que tenemos todas todo el rato. Es que, en el fondo, a las personas, a todas nos pasa lo mismo, lo que pasa es que somos distintas, tenemos distintas maneras de abordar las cosas que nos pasan. —Y en “Ha mort l’amor” plasmas ese sentir general de que verdaderamente, en estos tiempos, ha muerto el amor… Exactamente, esta sí que es muy directa y muy clara. Esta sí la escribí en pandemia. El disco de “Perifèria” tenía que salir antes de “Estat de Larva”, lo que pasa que, como nos confinamos, paró todo el proceso. Y esta canción la hice en el confinamiento y habla de esto, de tener la sensación de que nos han sembrado de miedo entre nosotros, que en realidad el colectivo es lo que nos salva y de golpe nos separan. Y de sentir esta separación que ha muerto el amor, que ya no nos tocamos, ya no nos miramos, ya no nos queremos, nos queremos lejos… En realidad, yo creo que más que nunca nos necesitamos cerca porque esta pandemia está siendo muy bestia, no solo a nivel económico y a nivel sanitario, sino, sobre todo, cómo vamos a recomponernos a nivel de salud mental, colectivamente, porque esto está afectando a muchísimos niveles de la salud mental, desde el miedo, la depresión, la soledad, la obsesión… Son muchas cosas, porque aparte, al estar separadas, compartimos menos. —¿Y no te da miedo exponer tus sentimientos ante tanta gente? Claro que sí, pero soy contrafóbica. Y también creo que tengo un altavoz, un espacio y en él me siento responsable de hacer cosas que sirvan para algo colectivamente. Entonces, el hecho de exponerme, sé que en mi caso, de alguna manera, no me va a afectar tanto y puede servir de precedente para que otras personas se abran. No es que no me vaya a afectar tanto como a otras personas, sino que yo sé que puedo hacerlo porque tengo el entorno para que me sostenga, porque tengo un privilegio de tener un altavoz… Por tanto, también más responsabilidad y hasta un deber. —¿Con qué canción te quedarías de este disco? Yo me quedaría con la primera (“¿Quién se atreve a hablar?”). No hablo de cuál es mi favorita, pero la primera canción, para mí, es una canción que te hace entrar en el disco y también resume todo el disco. La primera frase empieza con “¿Quién se atreve a hablar de periferias?” y me gusta empezar el disco con esta pregunta, primero porque yo no tengo respuestas y creo que es más interesante preguntar que responder, y segundo porque nos atrevemos poco a hablar de lo que podemos hablar y mucho a hablar de lo que no podemos hablar. Entonces, yo nos animo a todas a hablar más de lo que realmente nos pasa, nos atraviesa, abrirnos, explicar nuestras vulnerabilidades… Y menos de las cosas de las demás. Hay mucha gente que tiene voz pero no tiene altavoz, como pasa con el caso de las jornaleras. Yo creo que, de alguna manera, nosotras somos su altavoz pero no somos su voz. Y eso es importante saberlo, cuándo eres altavoz y cuándo eres voz. Yo puedo ser voz hablando de cosas que a mí me atraviesan, y altavoz hablando de cosas que yo no vivo en primera persona y que no puedo realmente comprender ni entender.—A.L.

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abril 2021 #25

MONDO FREAKO

The Offspri

AS COSAS DE LA PANDEMIA. Ahora todas las entrevistas son por Zoom, El que está al otro lado de la pantalla es Kevin Wasserman, “Noodles” para los amigos y para la gente del mundillo del hardcore y el punk rock. Guitarrista. Está en lo que parece un estudio de grabación. Se da cuenta de que ha empezado la conexión. Levanta la mano y me saluda. -”Ei, tío, ¿cómo estás?”, Me suelta. -”Bastante, bien. ¿Y tú?”. -”¿Cómo te llamas?”, me pregunta Noodles, como me podría preguntar por el tiempo. -”Oriol”. -”¿Eso es un pájaro, no?” -”No tengo ni idea. Es un nombre catalán. Pero llámame Uri. Todos mis amigos me llaman Uri. Como Uri Geller”. -”¿Uri Geller?”. -”El de las cucharas”. -”¿El de las cucharas? Ummmm.... No sé quién es. ¿De dónde eres?” -”De Barcelona”. -”¿Barcelona? Es una de mis ciudades favoritas de todo el mundo”. -”Eso se lo debes decir a todos”. -”Sí, a todos menos a los de Madrid, que también es una ciudad muy bonita pero no tanto como Barcelona (ríe). ¿Qué tiempo hace hoy por ahí?”, finiquita, hablando ahora sí del tiempo, en lo que ya empieza a parecer una anodina charla de ascensor con un desconocido. Pero ya que estamos, me apunto. -”Soleado. Hoy ha hecho un tiempo de puta madre. La primavera ya está aquí, de nuevo”. -”Aquí en California ha llovido, lo cual está de puta madre porque hacía una eternidad que no llovía”. Dexter Holland entra en plano. Es como el Dexter Holland de siempre. Tal vez con algún kilo de más, y aunque curiosamente el sí que es el científico loco (Dexter Holland es doctor en Biología Molecular) pero sigue siendo el prototípico californiano rubio de ojos azules de toda la vida. Lleva un vaso de agua en la mano. Pero como todo lo que consumen los yanquis, no es un vaso cualquiera, sino uno de tamaño XXL. Mira a cámara y me saluda levantando la mano. -”¡Hola!”, grita con entusiasmo el cantante de The Offspring. -”Se llama Uri, de la revista Mondo Sonoro (una de las cosas más graciosas del mundo es escuchar a un guiri decir Mondo Sonoro), en Barcelona”, le pone sobre antecedentes su best friend forever Noodles. -”¿Barcelona?”, pregunta retóricamente. -”Sí”, reafirmo. -”Barcelona es una de mis ciudades favoritas del mundo”. Y así, metidos dentro de este agujero negro de espacio-tiempo-Barcelona, podríamos estar toda la entrevista. -”No sé si es vuestra ciudad favorita, pero habéis actuado un montón de veces aquí”. -”Si no hemos pasado por Barcelona con todas nuestras giras internacionales, lo habremos hecho con casi todas”, tira de memoria Noodles. Y entonces recuerdo que en casa tengo enmarcado el póster del concierto que The Offsping dieron en Barcelona como teloneros de NOFX, una velada en la que también actuaron los locales 24 Ideas, la banda de Jordi B-Core. Dice la leyenda que durante aquella noche le ofrecieron publicar en España al grupo de mis interlocutores. Rechazó la oferta. “No me gustaban”, ha respondido siempre el señor BCore, cuando se le ha preguntado sobre el porqué de aquella negativa a una propuesta que, teniendo en cuenta el pelotazo que los estadounidenses estaban a punto de protagonizar, le hubiera reportado unos cuantos réditos. “Waw”, sueltan asombrados cuando a través de la cámara del ordenador les muestro el cartel. -”¡Joder, tío, mola mucho!”, exclama Dexter Holland. “¿Estuviste ahí?”.

#26 abril 2021

-”Sí”, afirmo, aunque es mentira. No estuve en esa ocasión, sino en la siguiente. Pero joder, mola decirle que sí. -”Mola encontrarse y poder hablar con periodistas que han estado ahí desde el principio”. -”Yo debería tener unos quince o dieciséis años, pero ya estaba ahí. Os sigo desde muuuuy al principio”. -”Esa debió ser la gira que hicimos en 1993, después de sacar nuestro segundo álbum, ‘Ignition’ (Epitaph, 1992). No nos conocía nadie”. —Tocasteis en una sala que se llamaba Garatge. Un local muy mítico de Barcelona. Por ahí pasasteis todas las bandas americanas de punk y hardcore melódico antes de que la mayoría de vosotros dierais el pelotazo. Treinta años después seguís estando casi todos en activo. (Dexter Holland) Lo cual me parece asombroso. Pero sí, todos nosotros seguimos haciendo nuestras cosas: Green Day, Rancid, Pennywise, los mismos NOFX... Todos seguimos al pie del cañón de una forma más que digna. —¿Echáis de menos algo de aquellos años? (Holland) Hay un montón de cosas que echo de menos, como el hecho de poder tocar en salas pequeñas. Salir de gira y sorprenderte por primera vez por muchas de las cosas que descubres. Por el contrario, ni de coña me metería en una furgoneta cargada hasta los topes con tres tipos más a recorrer miles de kilómetros, y mucho menos dormiría en muchos de los suelos en los que dormí treinta años atrás (risas). —Han pasado tres décadas, pero, en esencia, seguís siendo los mismos de siempre. Y eso también incluye vuestra música. (Holland) Me lo tomo como un elogio. Es verdad, no dejamos de ser esos tipos que aman tener una banda de punk rock. Y sí, el nuevo disco, “Let The Bad Times Roll”, es un disco cien por cien The Offspring. —Eso sí, han pasado casi diez años entre vuestro anterior “Days Go By” (12) y este nuevísimo “Let The Bad Times Roll”. ¿Hubo algún momento a lo largo de este tiempo en el que el grupo no existiera o en el que pensarais en dejarlo? (Noodles) ¡Nunca! Puedo entender que diez años es mucho tiempo entre un disco y otro, pero jamás hemos dejado de currar. Del mismo modo que tampoco, y eso es lo que nos ha mantenido en activo, hemos parado de girar internacionalmente hasta que la pandemia nos ha obligado. —También corríais el riesgo de que, recogiendo canciones que habéis ido escribiendo a lo largo de diez años, quedara un disco demasiado disperso. (Noodles) Cierto, pero también es verdad que las canciones del disco pertenecen, principalmente, a los últimos tres años. Por otro lado, “Let The Bad Times Roll” estaba listo para ser publicado el pasado 2020, pero con todo el tema de la pandemia, preferimos esperar a que las cosas mejoraran un poco. —Más punk rock y menos hardcore, pero, como decíamos, musicalmente es un disco indiscutiblemente Offspring. ¿Alguna vez habéis rechazado algún tema por ser demasiado vosotros, por acercaros peligrosamente al autoplagio? (Holland) Es un tema interesante, porque somos un grupo con una personalidad muy clara, llevamos casi cuarenta años en activo y este es el décimo álbum que publicamos. Sonamos como sonamos. Y aun así, nunca he sentido que nos estuviéramos autoplagiando ni tan siquiera que estuviéramos siendo reiterativos. Como músico, siempre hay momentos en los que sientes la necesidad de ir un paso más allá, de experimentar y probar cosas nuevas. Pero ir demasiado lejos en la experimentación puede ser igual de nocivo, o peor, que estancarte. Imagino que el secreto es encontrar cierto equilibro entre ambas pulsiones y ser honesto. —En lo referente a las letras, este puede que sea uno de vuestros discos más comprometidos socialmente. (Noodles) Cierto. Pero es que han sido tiempos complicados estos

Pasa del m rollo

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ing

ando mal o

Tras casi una década de exilio creativo, The Offspring, grandes referentes del hardcore punk californiano de los noventa, vuelven con “Let The Bad Times Roll” (Universal, 21). Se trata del primer trabajo que graban con Todd Morse (miembro de H20 y de la primerísima formación de The Offspring en los ochenta) como bajista.

“ " Para mí el punk es una actitud y unos valores. Si los jóvenes encuentran esa rebeldía en movidas como el hip hop, genial"

últimos años tanto a novel global como a un nivel más particular de Estados Unidos y no podíamos aislarnos de todo esto. (Holland) Es curioso porque el otro día lo hablaba con un amigo y me decía que el punk y el hardcore en Estados Unidos siempre había sido la respuesta a los momentos más difíciles de conservadurismo político. En los peores años del gobierno de Reagan ahí estaban grupos como Dead Kennedys, Black Flag o Germs. Con Bush pasó lo mismo con todo en movimiento liderado por NOFX. Pero ha llegado Trump y... ¿dónde está el punk? —Tal vez el punk ya no es el sonido de la rebelión para los más jóvenes. Seguramente lo sea el hip hop o el trap. (Noodles) Cierto. Pero para mí el punk ya ha trascendido lo meramente musical. El punk nunca lo he entendido simplemente como el sonido de una guitarra ultra acelerada y distorsionada. Para mí el punk es una actitud y unos valores. Si los jóvenes encuentran esa rebeldía en movidas como el hip hop, genial. Pero lo importante es que sobreviva esa actitud inconformista.—O.R.

—TEXTO Oriol Rodríguez

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abril 2021 #27

29/Mondo Media

Guille Galván es miembro de Vetusta Morla, una de las bandas indie de referencia en español, que ha cosechado grandes éxitos tanto en el panorama nacional como internacional. A finales del pasado año lanzó “Desconocernos” (Lunwerg, 20), su segundo poemario, esta vez acompañado de las ilustraciones de Rebeca Losada. Charlamos con el artista para comprender y ver más de cerca su universo.

FOTO: GUSTAFF CHOOS

Guille Galván (Vetusta Morla) mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

e llamó mucho la edición del libro, sobre todo las ilustraciones de Rebeca Losada. ¿Cómo las has utilizado? Es decir, ¿cuentan algo las ilustraciones que no expliques en los poemas? La idea de las ilustraciones era precisamente que contaran o que sirvieran para que el libro tuviera una segunda capa de lectura. No que fueran separadores, sino que a través de las ilustraciones el lector pudiera seguir la historia que se va complementando con el texto. —¿Cómo surgió este enlace artístico? A Rebeca la conocí porque hace trabajos de cartelería con bandas de música y llegué a ella a través de varios anuncios y carteles que me habían gustado. Así que la llamé. En principio solo tenía que hacer la portada pero me sugirió hacer las portadillas y fuimos desarrollando más ideas. La verdad es que su trabajo también me ha ayudado a estructurar internamente los poemas. Me situó para terminar estableciendo el orden definitivo del libro. —El poemario comienza con “Golem”, un breve poema que recuerda a un haiku y que trata sobre el ego. ¿Es esta pieza una declaración de intenciones? Creo que era un buen arranque por lo que dices, porque es un poema corto. Me gusta trabajar con poemas cortos entrelazados con algunos más largos en los libros, porque creo que a nivel narrativo te dan la posibilidad de cortar el ritmo del que vienes y de ir creando pequeños “links” o “puertas” hacia otro lugar. También es una declaración de intenciones de aquello que se irá desgranando durante el libro. El libro trabaja nuestra relación con las fronteras, con nosotros mismos, con nuestros fantasmas y los miedos interiores, los prejuicios… También habla del límite con nosotros mismos y en el tercer capítulo con la sociedad. Así que el ego era algo que había que dinamitar desde el principio. —¿Para ver más allá? Sí, y para rascar. Vivimos en un momento donde la primera persona está bajo un foco constante, en lo que hacemos, en las redes sociales… Una necesidad de estar alimentando a esa primera persona constantemente y estar conformando una imagen de quienes somos, casi como si fuera una escultura que hay que ir cincelando. Eso tiene mucho que ver con el ego y esa parte psicótica de tener que estar todo el rato agradando a los demás. —También me ha llamado la atención cuando dedicas el poema a una tal Clara y escribes que es “porabril 2021 #29

MONDO MEDIA

Desconocernos

que sí”. Me sorprende que después de escribir el poemario todo esto se reduzca a un “porque sí”. Me da la sensación que cuando explicas en la presentación de un libro ciertas cosas que están mejor explicadas en el libro o cuando te preguntan por el significado de una canción y te pones a explicarla te das cuenta de que la estás destrozando. Al final es mejor que cada uno saque sus propias conclusiones, quería dedicar el libro y me daba la sensación de que cualquier cosa que pusiera estaba implícita en las páginas del libro. A veces no hay que buscar la dedicatoria perfecta, no tenemos por qué justificarlo todo en la vida. Ella sabe por qué es. —Cuando compones con Vetusta Morla supongo que ponéis las letras en común y las afináis para que encajen… En este caso, se ha tratado de un proyecto en solitario, ¿lo has puesto en común con alguien, con un círculo de “consejeros” de confianza o lo presentaste a la editorial directamente? Buena pregunta. Cuando hice el primer libro tenía más dudas porque venía del ámbito de la música y a veces parece que te metas en el oficio de otros y me daba cierto pudor mandarlo. En este caso la verdad es que no lo ha leído mucha gente antes de mandarlo. Lo leyeron dos o tres personas de confianza pero esta vez no lo pasé por tantas miradas. Al final la opinión externa es muy importante porque te das cuenta de cosas que creías que están muy bien no lo están tanto o al revés, descubres cosas que se pueden potenciar. Siempre está bien que alguien con ojos fríos te dé su opinión. La figura del editor es importante en la vida en general. Durante mucho tiempo he escrito cosas que no he compartido con los demás y me han llevado a un lugar, pero creo que la finalidad última de un texto o una canción se completa cuando lo lee o la escucha alguien, creo, vaya. —Me gustó mucho el poema “Los encuentros”, que habla de la búsqueda a través del acto de escribir. ¿Has encontrado aquello que buscabas? Estoy en ello… Se van encontrando cosas, ciertos picos de felicidad y estabilidad. Es como el que escala y va parando en campamentos base, vas consiguiendo cotas que hacen respirar mejor pero luego tienes que volver a subir. Es esa sensación de hacer algo por primera vez, de estar un poco perdido y enfrentarme a algo que no he hecho nunca… Por un lado me da cierto miedo y por el otro creo que es el mejor motor para enfrentarme a procesos y seguir disfrutando de ellos. Cuando siento que estoy transitando lugares por los que ya he pasado me aburro un poco. —¿Qué sensación te gustaría que tuvieran tus lectores? Es complicado aventurarse y decir “quiero que el libro genere esto en el lector”… Al final la poesía siempre se completa con la lectura, y es el lector quien lo ubica. Nosotros somos los arquitectos, hacemos el escenario, pero luego tiene que llegar el lector y habitar el espacio. Espero que el lector sienta procesos similares a los que he pasado yo o que se haga preguntas, que ponga en duda las cosas, que no se asiente en sus certezas como algo inamovible. No me gustaría escribir cosas que tuvieran un resultado único y que hagan sentir a #30 abril 2021

to “Vivimos en un momen a donde la primer foco persona está bajo un nte” consta la gente que es boba por no llegar a la misma conclusión que yo. —También quería preguntarte por el último disco que sacasteis con Vetusta Morla. En este álbum “remusicasteis” los temas del disco anterior, lo que me genera curiosidad no es tanto por qué sino cómo decidís que un tema está acabado o con qué versión os quedáis ya que seguramente en el proceso salen distintas formas de hacerlas. ¿Habéis intentado con este disco que la gente no se pierda una parte de Vetusta Morla? Justo va por ahí. Al final una canción tal y como llega a la gente es el resultado de un montón de decisiones. Y es verdad que cuando una canción se muestra en el resultado final es una convención, se decide que la forma física de la canción será esta. Pero después la giras, y vuelves al origen, y te das cuenta de que siempre que hacemos un disco las canciones van mutando durante la gira. Y con este disco quisimos hacer esto, darnos el capricho y enseñar de una forma didáctica que las canciones pueden tener otros disfraces y que se pueden trabajar de maneras muy diferentes.

—No sé si es un proceso que nunca acaba pero

¿cuándo decides que una pieza, sea poética o musical, está acabada? ¿Cuándo dices “vale hasta aquí”? Tiene que ver con una parte muy subjetiva y con la intuición. Podría estar más, pero la esencia de lo que quiero contar ya está. Yo creo que tanto con las canciones como con los poemas es más fácil meter cosas que sacarlas. Al final te sientes apegado a ciertas cosas y muchas veces te das cuenta que ya has dicho eso o que te estás reiterando. Como en el repertorio de un disco, a veces hay que quitar canciones porque sabes que lo que has dicho en algunas esta mejor explicado en otras. —Y ahora mismo… ¿cómo pinta el futuro para Vetusta Morla? ¿Tenéis algún proyecto en camino? Estamos trabajando en cositas. Hemos hecho un parón obligado que nos ha servido para tomar perspectiva y descansar un poco de nosotros mismos. Ahora hemos comenzado a juntarnos y a probar cosas nuevas que ya veremos a qué nos llevarán.—TANIT CORTÉS

R Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: GUSTAFF CHOOS

Guille Galván Lunwerg, 20

CINE Y SERIES Hierro Temporada 2

Amigo

Pepe Coira y Jorge Coira

Óscar Martín

“AMIGO” ES UN NÚMERO de funambulismo cinematográfico, un juego de equilibrio perfecto entre la sobriedad y lo bizarro, donde el horror y el humor se convierten prácticamente en términos homófonos. Al igual que en “Funny Webcam Effects”, la esencia del largometraje reside en cómo la tragedia se impregna de una leve capa de indecencia que provoca esa siempre tan placentera risita culpable. Porque “Amigo” maneja un humor tan oscuro que a veces cuesta incluso encontrarlo. Es en los momentos clave de la película donde aparece para coger, como si de dos mejores amigos se trataran, al terror de la mano. Lo nuevo de Óscar Martín es un relato sobre la impotencia y la indefensión tanto física como psíquica, una agónica fiesta de disfraces con sólo dos invitados. “Nadie se hace santo sin haber sido diablo”, parece gritarnos a la cara Martín mientras dinamita con una desesperantemente pasiva puesta en escena cualquier atisbo de misericordia. El filme parece saber que cuanto más dilate

el tiempo y cuanto más estático resulte el plano, mayor va a ser para el espectador el desasosiego. Un desasosiego que, progresivamente, se convertirá en una opresión taquicárdica. “Amigo” es un “Amor” de Haneke con (más) mala hostia (aún), un “¿Qué fue de Baby Jane?” para esa España profunda que tiene miedo a abrazarse con otro hombre. Porque también hay algo de viaje en el tiempo aquí, de reivindicación de una cultura audiovisual castiza que ya prefiguraba en “Historias para no dormir” y en “Mortadelo y Filemón” a partes iguales. Y es que hablando de icónicos dúos cómicos, es imposible no remarcar el tour de force que se marcan Botet y Pareja. Porque esta revisión retorcida de los perros de Pavlov no podría ser tan paranoicamente convincente sin esa complicidad trabajada desde hace años. Al igual que tampoco lo podría ser sin el excelente trabajo de composición visual de Óscar Martín, capaz de generar tensión con cada mínimo detalle. —DANIEL GRANDES

LOS TITUBEOS de los dos primeros capítulos de la segunda temporada de “Hierro”, cuya primera entrega la convirtió en candidata a mejor serie española de siempre, resultan, finalmente, una anécdota que sirve para ilustrar lo alto que estaba el listón, y no una señal sobre el empeoramiento de la salud de uno de los proyectos más ilusionantes –no solo por sí, sino por lo que representa para los demás– de la ficción nacional. Afortunadamente, “Hierro” sigue siendo tan brillante como fue. Y no era nada fácil. O, al menos, eso creíamos nosotros, pobres espectadores, ante la sucesión de morralla televisiva a la que nos tenemos que enfrentar a diario. La calidad es lo novedoso en la edad de oro de las series que tanto tiempo y atención nos consume. La segunda temporada de “Hierro” nos hace reencontrarnos con un personaje icónico como el que interpreta Candela Peña y que lleva su mismo nombre. Jueza en El Hierro, madre sola de un niño con problemas de salud que le hacen dependiente de un respirador, una mujer

Sky Rojo

Nomadland

Álex Pina

Chloé Zhao

“NOMADLAND”, LA TERCERA CINTA de Chloé Zhao, es la favorita absoluta para alzarse con el premio mayor en los próximos Oscar. Si se confirma el triunfo, será la vez que más cerca habrá estado un documental de ganar la estatuilla dorada a mejor película. Porque, si bien es un trabajo de ficción, está basado en un libro-reportaje sobre los nómadas del siglo XXI en la América posterior a la crisis del 2008 y, porque, sobre todo, varios de los personajes secundarios que aparecen se interpretan a si mismos y relatan sus historias (o casi, ya que en algún caso se adaptó para mayor eficacia dramática, como el supuesto cáncer de uno de ellos). En esa mezcla de ficción y realidad, una lección involuntaria de la película es que, pese al implacable rostro hermético de Frances McDormand, motor de la cinta, y la cálida mirada de David Strathairn como uno de esos nómadas con los que ella se encuentra en el camino, poco pueden hacer los actores profesionales cuando se enfrentan a gente corriente que cuentan sus experiencias, marcadas ya en sus rostros, sin

necesidad de maquillaje añadido. Zhao es consciente de su poder y enmarca en primeros planos que ocupan toda la imagen estas voces anónimas cuyo mensaje se nos aparece inapelable ante tanta naturalidad. Ya el solo hecho de que sean rostros desconocidos, vírgenes en la pantalla y sin malear en decenas de papeles anteriores, avalan una credibilidad difícil de superar. Y ahí, por mucho que se suela citar por su analogía argumental el clásico de John Ford “Las uvas de la ira”, basado en la novela de John Steinbeck y ambientado en la Gran Depresión, el mayor referente formal de la película es el trabajo de la francesa Agnès Varda. De hecho, el filme se podría titular “Caras y lugares de la América oculta”, parafraseando uno de los últimos títulos de la cineasta en el que iba coleccionando en camioneta rostros de la Francia rural. Así, la película plantea la conexión entre el individuo y su entorno, el ser y la naturaleza, cuál es el lugar del diminuto humano en el inabarcable universo.

—J. PICATOSTE VERDEJO

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dura y difícil, que no pide compasión y que sigue sus principios hasta el final. Cueste lo que cueste. En esta nueva entrega volvemos a encontrarnos con ella, con la isla (menos protagonista que en la primera temporada) y también con Díaz (Darío Grandinetti), otro personaje buenísimo, siempre cerca de su platanera (uno de los elementos de conflicto durante estos seis nuevos capítulos), cerca de su hija (muy bien Kimberley Tell) y cerca de Candela. Su baile vuelve a ser el metrónomo de una serie que, en esta ocasión, escoge como motor el caso de una familia rota y casi maldita. Aunque no llegue a colisionar nunca con Candela, es fascinante verlos orbitar alrededor del otro. La nueva temporada de “Hierro” vuelve a apostar por el misterio y el crimen pero consigue no ser dependiente de ellos. Y es que “Hierro” es el gran relato de personajes de los últimos diez años en España; se llega a ella por el misterio de los inicios y nos quedamos por lo humano, como en la vida real. —LUIS M. MAÍNEZ

“Sky Rojo” es la segunda vez consecutiva en la que Álex Pina se estrella con el coche de Netflix a toda velocidad por la carretera. El nuevo proyecto del creador de “La Casa de Papel” es un híbrido extraño entre Tarantino y “Torrente” que, en su intento por jugar a transgredir el exploitation, plantea una historia que, por mucho final abierto que se obligue a tener para continuar en una nueva temporada, muere al poco de echar a andar. ¿Se pregunta usted por qué? Porque la serie está construida con simpleza y sin sencillez. Simpleza expresada en una estructura básica de quién caza a quién. Ni siquiera con un tema lleno de matices y polémica como el de la prostitución, la explotación y el trabajo sexual la serie consigue crecer para ser algo más que un juego aburrido de gato y ratón. Álex Pina ha empezado a escribir diálogos en sus series con la mentalidad de un twitstar de 2011. En cada capítulo hay como mínimo una frase vergonzosa y sonrojante: alegorías de tercera clase sobre la cadena alimenticia o sobre El Correcaminos y

el Coyote que te hacen ponerte a rezar para que terminen cuanto antes, frases de coaching de anuncio barato de YouTube sobre emprendimiento. Como estas ofertas para hacerte rico fácilmente, “Sky Rojo” también es una estafa piramidal. Los recursos narrativos de Pina ya los conocemos todos bien por el éxito de “La Casa de Papel”, como las intervenciones en off de las narradoras cargadas de azúcar o un inexplicable uso de la música que, en ocasiones, te sacude en mitad de las escenas como si pillaras baches en una carretera abandonada. La selección de canciones (El Cigala, Camarón, Ginebras), sin embargo, es muy buena, no os creáis que el problema es culpa de los artistas. Al final, “Sky Rojo” es un poco eso, una playlist mal hecha con un montón de cosas que molan, pero que no tienen sentido ninguno. “Sky Rojo” es un artefacto fallido. Me parecería increíble que a una sola persona le haya interesado ninguna de las relaciones humanas que se plantean en la serie.

—LUIS M. MAÍNEZ abril 2021 #31

LIBROS

CÓMICS Edita Sister Sonic, S.L.

Acid For The Children

Oleg

Frederik Peeters Astiberri

Flea Libros Cúpula

Para los míos 8 Si alguien llega a “Acid For The Children” en busca de anécdotas de Red Hot Chili Peppers va a sentirse en parte decepcionado. Sin embargo, todos aquellos que sientan curiosidad por conocer de primera mano cómo se forjó el estilo de Flea, pero sobre todo su carácter y personalidad, van a tener aquí una oportunidad única para obtener todas las claves. Narrado en primera persona, con un estilo directo y afilado, Flea nos cuenta en este libro su infancia, adolescencia y juventud, hasta llegar justo al momento en el que se forma la banda que le daría reconocimiento y éxito planetario. Así, nos hace partícipe de sus primeros e idealizados cuatro años de vida en su Australia natal, el cambio que supone el traslado de su familia a Nueva York, su posterior traslado a Los Angeles... —DON DISTURBIOS Asuntos peligrosos Wayne Kramer Neo-Sounds

8 “Asuntos peligrosos” es una biografía sencilla y directa pero magistral, como los dos acordes sobre los que se sostenían la mayoría de canciones de una de las bandas más icónicas de las muchas bandas icónicas surgidas de la Ciudad del Motor. Afable y cercana la gran mayoría de los capítulos, cruda y sin subterfugios cuando el relato lo requiere. Honesta y sincera. Sin amagar nada, pero carente de toda vocación moralizante. Así es la prosa usada por Kramer para poner los puntos y comas a su existencia, desde su más tierna infancia hasta la actualidad. Entre medio el efímero (aunque eterno) ascenso a los altares del rock con MC5 y el descenso a los infiernos de la vida por culpa de las drogas, con un periodo entre rejas incluido. Y ahora un porro, a subir el volumen al máximo y a disfrutar de la lectura. ¡Hijosdeputa! —ORIOL RODRÍGUEZ #32 abril 2021

Juanjo Sáez Temas de Hoy

“Para los míos” es una obra compleja, llena de momentos duros y que provocan un desasosiego que acongoja, pero si algo queda claro al terminarlo es que Sáez ha salido más fuerte tras dibujarlo y lanzárselo al mundo. Más fuerte y más feliz. Hay mucha oscuridad, mucha, pero también una emoción indescriptible que nos habla directamente a cada uno de nosotros para decirnos que debemos aprovechar hasta el último rayo de luz para crecer como personas y para ser felices. Se lo debemos a nuestros progenitores por todo lo que han supuesto para nosotros y todo lo que han hecho por nosotros. Por el camino, Sáez nos habla del miedo, del dolor, de la depresión, de caer en pozos profundos de los que crees que jamás podrás salir, pero también de la felicidad, de la nostalgia, de la alegría, del amor. —JOAN S. LUNA

Frederik Peeters alcanzó hace tiempo otro nivel. Sus obras son profundas y al mismo tiempo divertidas, tanto da que se mueva en la ciencia ficción o en lo autobiográfico. En estas casi doscientas páginas el autor suizo vuelve al cómic autobiográfico –aunque lo haga camuflado como Oleg – y vuelve a salir victorioso. Una vez más. “Oleg” no es una obra que se contente con contarnos el día a día como dibujante de Peeters, para nada, sino que son muchos los temas que van y vienen a lo largo de sus páginas. Tanto es así que, en cierta manera, deberíamos decir que se trata de un cómic en el que realidad y ficción se entrelazan, y no porque haya elementos fantásticos en la obra, sino porque eso permite al suizo jugar a su antojo con los personajes. —JOAN S. LUNA

Mundo Grotesco

La noche es mi reino

Junji Ito ECC

Claire Fauvel Astronave

7 “Mundo grotesco” no es un cómic como tal, sino que se trata de un libro de artwork perfectamente editado y con el tamaño ideal para que podamos disfrutar de todas y cada una de las ilustraciones que incluye. Y “Mundo grotesco” recoge un total de ciento trece en color y blanco y negro, que resumen el universo malsano, oscuro y terrorífico del autor, prestando especial atención a sus obras y relatos más importantes. De este modo, son muchas las páginas dedicadas a “Tomie” o “Uzumaki”, por poner dos ejemplos. Algunas ilustraciones proceden de viñetas, pero la mayor parte son cubiertas y contracubiertas, facturadas con técnicas diversas, desde acuarelas a óleos, pasando por dibujos a tinta o acrílicos, lo que nos ofrece una riquísima perspectiva general de lo que Ito es capaz de hacer con sus manos y sus herramientas. —ESTEBAN VIVES

7 Cuando alguien afronta un proyecto es importante saber a quién se va a dirigir. El famoso enfoque en el que se pierden muchas buenas ideas, precisamente por no invertir un poco de tiempo en definir, en el caso de novelas gráficas o libros, quién te va a acabar leyendo. Y eso lo hace de manera perfecta Claire Fauvel, que dirige este cómic a adolescentes. La cosa narra las peripecias de Nawell, una chica de veinte años que, cumpliendo sus sueños, tiene un grupo de rock, y que se larga a París para estudiar. Allí buscará un ambiente musical, en el que sentirse cómoda, y le pasará todo aquello que puede pasarle a una post-adolescente, siempre con el trasfondo de la composición de su primer disco presente y como objetivo irrenunciable.

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