CATALUNYA &BALEARS
MAIG 2020 Nº283 mondosonoro.com
El futur de la música en viu Tots coneixem la situació. No importa que tinguis una perspectiva optimista o que siguis una d’aquestes persones que no espera concerts fins dintre de mil anys, perquè la situació actual és la que és. Però pensem que, més aviat o més tard, el futur es conjugarà ja en present.
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UE NINGÚ ESPERI que ens sumem als corrents més apocalíptics a l’hora de parlar de la música en directe. No som uns il·lusos, és clar, però tampoc som d’aquells que semblen gaudir quan parlen de la quantitat de concerts i festivals que es cancel·laran o s’ajornaran setmana rere setmana. I no ho fem perquè, com qualsevol greu crisi a les nostres vides, sabem que el futur depèn d’adaptar-se al que hi hagi, a aquesta nova normalitat de la qual tant parlen els polítics. Això implica fer molts
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passos diferents, tots ells plens d’incerteses. Pel camí ens qüestionarem les fases de la desescalada, ens plantejarem la gratuïtat de la música en streaming, ens preguntarem de què viurà molta gent, dubtarem sobre les mesures polítiques i sanitàries, pensarem si algú es preocupa per la complicada situació de la música i dels concerts, fins i tot sentirem por, molta por per la crisi tan brutal que ens afectarà durant uns mesos. Però, quan arribi la nit, ens quedarà l’esperança que, esperem que més aviat que tard, puguem tornar
a gaudir dels concerts, aquestes breus experiències que, en molts casos i malgrat la seva fugacitat, acaben quedant-se per sempre fixats en algun lloc de la nostra memòria i de la nostra experiència vital. PER AIXÒ, EN LA MESURA de les nostres possibilitats, volem mostrar el nostre suport no a les petites botigues de discos, als promotors de concerts, als festivals de tota mena, als professionals del sector que estan passant –i passaran– per moments molt complicats, i volem posar l’accent principalment en les
sales. Treballant de valent per elles estan plataformes com la PSDC (Plataforma de Salas de Conciertos), i des d’aquí mateix l’ASACC (Associació de Sales de Concerts de Catalunya), així que ningú està sol en aquesta lluita per sobreviure. Com serien les nostres ciutats sense l’entramat o la xarxa que formen totes les sales i els clubs, que serveixen tant perquè els artistes establerts s’apropin als seus públics, com perquè els nous talents puguin desenvolupar-se pas a pas? Així que... esperança. I molta sort per a tothom.—MS
maig 2020 #1
Meritxell Neddermann La musa A del castillo A Meritxell Neddermann le sobran formación, ideas y ganas de dar a conocer un mundo propio que fluye en lo académico y también, de esa parte instintiva tan necesaria para crear. Ella los planes los hace según salen, pero tratando de ser fiel consigo misma, con lo que hierve en su interior. In The Backyard Of The Castle (Halley, 20) es un debut atípico para alguien de su edad, mira de tú a tú a cualquiera.
#2 maig 2020
LGO QUE ME HA LLAMADO la atención es que, aunque sea un disco de debut, la apuesta es muy decidida, vas a por todas… Normalmente los primeros discos son más que nada orientativos, sirven para marcar un comienzo. En tu caso, encuentro encomiable esa ambición. ¡Gracias! El hecho que sea un primer disco no ha hecho que cambie nada de mi musicalidad. No he planeado cómo tiene que ser un “primer disco”, simplemente quería plasmar mis creaciones de la manera más fiel posible a lo que me hervía dentro. Y creo que voy a seguir haciendo eso con la esperanza que lo que lo enlace todo sea mi imaginario musical combinado con los imaginarios del productor y músicos con los que colaboro. —De hecho, te formas en Boston y en Nueva York. ¿Cómo valoras ese periodo formativo? También estuviste en Taller de Músics, cuna de muchos músicos destacados. Sí, me formé en Barcelona en el Conservatorio de clásica y en el Taller de Músics, que es una escuela que siempre me ha gustado por el hecho que comentas, que es cuna de muchos músicos. Ahora doy clases allí también y me gusta la forma en la que encaran la educación musical, buscando maneras de renovarse y flexibilizarse con los cambios socioculturales que van habiendo. En Boston estudié música moderna, jazz y toqué mucho gospel, hip hop y neo soul, que era de lo que tenía muchas ganas de empaparme. En
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to “La manera como sien que mi musicalidad se refleja más es tocando el piano” Nueva York seguí tocando estos géneros ya de manera profesional fueron experiencias muy importantes para mí. Vivir en otra cultura, con otra mentalidad y vivir la experiencia musical como la viven allí me ayudó a crecer mucho como músico y como persona. —Hablando de ambición. ¿Por qué has decidido hacer dos versiones del disco? Una más breve, la otra más extendida. Genís y yo decidimos hacer sólo la versión extendida, porque la manera como siento que mi musicalidad se refleja más es tocando el piano. El mánager sugirió tener las canciones en “radio edit” por si alguien quisiera escuchar solo los temas y nos pareció buena idea, por eso hay dos versiones. Pero como lo concebimos es el disco entero enlazado por interludios de piano. —El soul como forma de comunicar tu música está muy presente en el álbum, si bien tú lo transformas a tu manera, con tus propios códigos. Desde pequeña en casa escuchábamos soul y creo que se quedó muy dentro de mí. No sé decirte qué influencias son claves, pero Stevie Wonder, Michael Jackson, Babyface y todo lo noventero que salía en MTV estaba en el ambiente de mi casa. También por parte paterna The Beatles y Supertramp es lo que recuerdo más que me flipó desde niña. No puedo trazar un camino de influencias muy detallado pero supongo que sí, todo lo paso ahora por mi propio filtro. —La clásica y el jazz son una influencia muy fuerte para ti, desde muy
joven estuviste familiarizada con esos géneros. Sí, en mi familia hay dos pianistas clásicas y una guitarrista clásica (mi madre) y bastantes pianos por todas las casas. Me dieron los discos de la Enciclopedia de Música Clásica y me lo empecé a escuchar todo, aunque era una selección un poco aleatoria, mirándolo ahora. Beethoven, Chopin, Tchaikovsky y sobre todo Bach y Debussy para tocar es lo que más me flipó. Y jazz también, mucho lo de los cuarenta, cincuenta y sesenta. Siempre me ha robado el corazón. Cannonball Adderley, Erroll Garner, Sonny Clark, Monk, Hank Jones, Clifford Brown… —Todo eso no impide que en Ready haya referencias a la música urbana, desde el hip hop al trap. ¿Qué te sugiere el trap? ¿Por qué te parece interesante hacerle un guiño a ese fenómeno? El trap me encanta. Me flipa el ritmo. No era la intención hacerle un guiño, a veces escribo cosas e inmediatamente me viene un ritmo trap o semitrap a la cabeza, y como tengo tendencia a tempos lentos pues siempre encaja bastante bien. Tampoco es la intención que se considere hip hop ni trap, es que me salió así un día que estaba bebiendo vino en casa y así se quedó, con la magia posterior de Genís Trani que puso la percusión en orden e hizo el beat mucho mejor. —toni castarnado
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Tras presentarse en sociedad dos años atrás con un primer epé, por fin Llacuna, banda en la que encontramos a algunos de los más comprometidos activistas del underground catalán, debutan en largo con Incendis (Saltamarges/B-Core, 20). Emotividad y energía encapsuladas en diez cortes de alta intensidad.
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dieron detenerse y dedicar los siguientes doce meses a dar vida a su primer elepé. Se encontraban los fines de semana en su local en el ATV, un centro autogestionado de Girona. De esos fines de semana de curro intensivo surgió Incendis. “Estamos súper contentos con el resultado”, afirma Eloi entusiasmado entre bocado y bocado. “Cuando empezamos con el grupo éramos súper fans de gente como Sport o Crash Of Rhinos, unos referentes que resultan muy evidentes en el EP. Este tipo de emo sigue siendo nuestra principal referencia, pero esta vez queríamos hacer algo más festivo”. Este fue el motivo que les llevó a fichar a Marçal Coll, trompetista que ya había colaborado con ellos. “La trompeta da mucha más vida a las canciones”, sostiene Eloi. “Es una dinámica diferente. Todos venimos de grupos en los que la guitarra siempre ha sido el elemento protagonista y la tendencia en Llacuna seguía siendo esta. Con la llegada de Marçal nuestro sonido ha evolucionado”. Un elemento nuevo y, aparentemente, ajeno al emo como es la trompeta que Llacu-
“No estamos acostumbrados a bandas de emo con to” instrumentos de vien
The Bird Yellow
na han sabido encajar perfectamente con su personalidad. “Lo que pasa que aquí no estamos acostumbrados a bandas de emo con instrumentos de viento, algo que sí hacen algunas de nuestras principales influencias. Me refiero, sobre todo, a grupos yankis”. Entre ellos nombres tan icónicos del género como American Football. “Ellos fueron los primeros en experimentar con vientos, sí. Pero luego también están gente como Oliver Houston y muchos otros”. Incendis aparece bajo el padrinazgo de Saltamarges, pero esta vez en alianza con otros sellos, destacando en esta coalición la presencia de B-Core. Y ellos no se cortan en admitir que trabajar con la seminal discográfica independiente barcelonesa era una de sus metas. “Hemos mamado las bandas de B-Core desde siempre. Con Turnstile (la anterior banda de Èric y Eloi, ndr.) nuestro espejo siempre fueron Aina. Queríamos hacer lo que Aina habían hecho en Sevens (96)”. —oriol rodríguez
Gerard Vidal Barrena (1995) empezó el proyecto de The Bird Yellow hace unos dos años con un disco de indie-folk, Little Kids (2018). Ahora ha decidido modernizarse con tres singles consecutivos: The Place We’re In, Slippin y My Matador.
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OR POCO, pero el Coronavirus aún no nos tiene confinados cuando quedo con la gente de Llacuna. Son las cuatro de la tarde y nos encontramos en un bar cerca de la Plaça de la Virreina del barrio de Gràcia de Barcelona. Son cinco y han venido tres: Gerard Serrano (voz y guitarra), Eloi Nadales (batería) y Marçal Coll (trompeta). Han hecho campana Albert Riera (guitarra y voz) y Eric Font (bajo). Eloi y Marçal vienen directamente del curro sin haber podido comer. Cuando llego se están zampando como si no hubiera mañana un plato de callos de bacalao y una suculenta ración de albóndigas. Todo bien regado con un tinto del que también va bebiendo Gerard. Nombre cada vez más preponderante de nuestra escena emo punk, Llacuna debutaron tres años atrás con un EP homónimo editado por Saltamarges, sello del que participan activamente más allá del grupo, con un catálogo más que excitante para los amantes del punk, el hardcore, el emo y géneros colindantes. Tras estar girando un año, deci-
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Llacuna La respuesta está en el viento
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ERARD VIDAL, es decir The Bird Yellow, ha decidido modernizar su sonido, aportando mayores dosis de electrónica y sumergiéndose en el mundo del bedroom pop indie con estos tres nuevos temas. “Ya hace dos años que saqué el primer disco y la música que he estado escuchando ha cambiado mucho. Me apetecía probar nuevos instrumentos, teclado, sintetizadores, efectos o incluso el autotune. Antes le tenía miedo, ahora lo veo más como una reverb”. Uno de los rasgos más característicos de The Bird Yellow es su voz grave y, si además le añades que toca folk, siempre sobrevuela esta idea de que es muy maduro para la edad que tiene, como le pasa de algún modo a Núria Graham. “Si tú escuchas al King Krule de cuando tenía dieciocho años, es imposible que te imagines cómo es o qué edad tiene. Conmigo siempre se ha dicho mucho esto de la madurez, creo que por el género, ya que es más de que lo escuchen mis padres. Para mí la madurez ha sido gustar a los padres de mis amigos”. Es consciente que el folk no es uno de los estilos que cope el protagonismo en el momento actual, quizás por ello ha decidido modernizar su sonido. “Aquí cada vez se está muriendo más. Se considera algo muy Bob Dylan. Pero lo de modernizarme ha sido algo natural. Ahora estoy más abierto y, aunque algo no me interese, por lo menos me genera curiosidad”. El primero de sus tres nuevos singles, My Matador, recuerda bastante a Mac DeMarco, también por el videoclip que el mismo ha dirigido. DeMarco es un artista con bastantes paralelismos con The Bird Yellow, por estilo, pero también por este factor que comparten de hacer música tranquila y después explotar en el escenario, aunque Gerard Vidal no llegue a quedarse en calzoncillos. “A veces veo artistas en directo que hacen lo mismo que en el álbum, y pienso que para eso es mejor escucharse el disco. Soy tranquilo, pero en el directo me gusta ser más cañero o dramático. Me gusta chillar, que me salga la vena, explotar”. — ignasi estivill
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B1n0 Voces del futuro
Emili Bosch y Malcus Codolà forman b1n0, un dúo de electrónica post-dubstep que lanzó b1n0 (Foehn Records, 19) hace unos meses, un trabajo en el que colaboraban Núria Graham, miembros de Seward, North State, etcétera. Ahora vuelven con nuevo single en el que colabora Joan Pons (El Petit de Cal Eril). Con Malcus Codolà, cincuenta por ciento del grupo, charlamos antes de estas semanas de confinamiento.
Las voces de b1n0 Phoac Tras el nombre de Phoac se esconde Pau Vehí, cincuenta por ciento de la banda North State –artistas Demoscópicos de esta publicación en 2018–, quienes publicaron el álbum Before The Silence (19). Su voz es profunda y sedosa, con reminiscencias al James Blake. Núria Graham Uno de los jóvenes talentos de la escena catalana y una voz capaz de transmitir sentimientos de lo más precioso como bien ha demostrado en discos como First Tracks (15), Does It Ring A Bell? (17) y Marjorie (20). Suya es la voz de K0RNUL0V3, 50-50 y KRUML1N. Adriano Galante Sin lugar a dudas uno de los cantantes más carismáticos y particulares de la escena musical de nuestro país. Líder de Seward, con quienes ha publicado varias referencias, su dramatismo y su capacidad de experimentación le sienta de maravilla a las tres canciones que interpreta.
“Nos gustaría hacer algún tema con algún trapero del país”
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rimera pregunta obligatoria: ¿Cómo surge b1n0? Surge como una aventura compartida para hacer música electrónica. Los dos nacimos en el mismo pueblo, los dos vivimos en Barcelona y los dos somos músicos, pero nunca antes habíamos tocado ni hecho nada juntos. Era cuestión de tiempo encontrarnos para hacer un proyecto. Encima, tanto Emili como yo compartíamos muchos referentes musicales y artísticos. Por eso decidimos ponernos a trabajar juntos. Era el momento en que Bon Iver había sacado 22, A Million, y Emili enloqueció. Trabajos como los de Mount Kimbie, James Blake o Atoms For Peace despertaron en nosotros las ganas necesarias para empezar a trabajar dentro de este mundo. —Uno de los aspectos más sorprendentes del disco es la integración de Núria Graham en caligrafía electrónica. ¿Fue algo que habíais visualizado previamente a llamarla o fue algo que surgió de casualidad? Para nada fue casualidad. Tenemos la suerte #4 maig 2020
de haber conseguido las colaboraciones que nos propusimos para esta primera aventura. En algunos casos lograrlo fue más complicado y accidentado que en otros. En el caso de Núria, conseguir que llegara hasta el estudio fue una aventura. Tuvimos que casi engañarla. Ella hacia tiempo que nos había dicho que le molaba la propuesta y quería colaborar, pero no encontrábamos tiempo. Al final montamos un estudio improvisado y quedamos con ella para “ir a tomar unas cervezas”. Todas las colaboraciones del proyecto forman parte de un mismo proceso: escoger artistas que nos interesen, rezar para que les guste y acepten nuestra propuesta, y buscar fecha para ir al estudio. —Algunas de las referencias que me vienen a la mente cuando escucho los temas cantados por Pau Vehí (North State) son gente como Darkstar o el primer James Blake. Lo que Simon Reynolds definió como “electrónica azul” o “música de baile para bailar con uno mismo”. ¿Hasta qué punto habéis tenido en mente este enfoque más interior de la música dance?
Es la música que nos gusta a los dos y la que nos sale. De hecho, la música de James Blake es lo que nos unió como grupo. Él es una de nuestras principales influencias. Es bonito ver cómo esto es real, quiero decir, que sin quererlo, se nota que esta presente en nuestro disco. —En este sentido, fue la voz de Pau la que os llevó a contemplar este frente sonoro más ralentizado o fue algo para lo que, precisamente, queríais encontrar una voz que encajara. Los tres temas que grabamos con Pau estaban casi terminados antes de pensar en él para cantarlos. La idea principal del proyecto era ir sacando EP’s de tres canciones. Cada EP con un cantante distinto. Pero al final, entre Foehn y que vimos que nos podía quedar un disco compacto, decidimos sacarlo como LP. Con Pau fue algo muy especial, no sabíamos qué nos entenderíamos tan bien con él. Además, a partir de esas sesiones de grabación ha salido una bonita amistad. ¡Y lo mismo con Adriano (Seward) y Núria!
Joan Pons (El Petit de Cal Eril) Nombre indispensable de la escena catalana que se ha dado en llamar del “pop metafísico”. Productor y compositor, lleva publicados un buen puñado de álbumes desde que, en 2009, publicase ...i les sargantanes al sol hasta Energia fosca de 2019. —m.g.
—Este disco es un punto de
partida que, al mismo tiempo, suena como el resultado de un profundo trabajo de laboratorio. ¿Qué es lo que podemos esperar en el futuro? Nos gusta colaborar con gente muy diferente de otros estilos y ámbitos musicales. Sobre todo porque las canciones se transforman y cogen colores que sin las colaboraciones nunca llegaríamos a encontrar. El nuevo single es con Joan Pons de El Petit De Cal Eril y tenemos alguna sorpresa más. Antes de hacer un segundo álbum entero, nos gustaría hacer algún tema con algún trapero del país o alguien muy fuera de nuestro rollo. ¿Alguien se anima? —marcos gendre
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ué te motivó a poner en marcha un proyecto en solitario como Musclu? ¿Qué intenciones tienes? Musclu no deja de ser un regalo que compuse principalmente para mí y en segundo lugar para mis seres más queridos. Reírse de la “muerte” de uno mismo tras hacer una limpieza a fondo de lo que no te deja avanzar, poderlo transmitir de la mejor manera que uno sabe e incluso vivir el proceso como una autoayuda fueron los principales motivos para crear este proyecto. ¿Mis intenciones? He de reconocer que
el feedback recibido y mis propias impresiones me han animado lo suficiente para que Musclu no sea un simple Gelocatil. —Eres también miembro de Conttra. ¿Nace Musclu para desarrollar ideas que no encajaban en la banda? La respuesta es sencilla… ¡Sí! Siempre hemos reconocido y defendido lo que somos gracias al hecho de que somos cuatro cabezas pensantes. Cada uno con sus gustos y experiencias y, por lo tanto, dando el sonido que tenemos. No obstante, necesitaba dejar atrás cualquier barrera creativa para crecer como artista. —Da la sensación de que Musclu es tu cara más electrónica, puesto que si algo caracteriza el sonido son los sintetizadores de inspiración ochentas... Soy un fanático de la electrónica, por suerte tengo buenos amigos que cada dos por tres me enseñan algún deejay nuevo, últimas tendencias o alguna que
otra fiesta o sesión para visitar. Pero si el sonido es más ochentero es gracias a mis padres, me transporta a viajes en coche a la playa o mañanas de domingo en las que pocas preocupaciones había. —Sabíamos de tu afición al pop rock, pero es una sorpresa ver la carga tan importante de sonido ochentas de Musclu. Algunas canciones recuerdan a clásicos de esa década. ¿En quién te inspiras? Como bien decía, muchas melodías son fruto de recuerdos de canciones que aún, a día de hoy, ni sé de qué grupos son. David Bowie como referencia principal y, a partir de aquí, podría destacar Alphaville, The Cure, Michael Jackson… Pero me gustaría acercarme a algo más moderno, actual. El nuevo disco de Tame Impala me parece una obra de arte, los dejes de Christine & The Queens me enamoran y me he convertido en fan de Manel. —MS
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