Nº 170 MondoSonoro febrero 2010

Febrero de 2010 nº 170

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

VAMPIRE WEEKEND

CONTRA PRONÓSTICO

TACHENKO

LOS PUNSETES

DESCARO INDIE LA HABITACIÓN ROJA

UNIVERSOS POP Y ADEMÁS ESTE MES...

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO • ROB ZOMBIE • THE MAGNETIC FIELDS • CONVERGE • SUNN O))) • MCENROE • LOS ASLÁNDTICOS • DE VITO • AIRBOURNE ESPLENDOR GEOMÉTRICO • BEACH HOUSE • THESE NEW PURITANS • DELPHIC • THE SOFT PACK • DENT MAY • DOMINIQUE A • ANTONIO ARIAS Tachenko Foto Anguila

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MondoSonoro · Febrero 2010 /5/

staff

sumario

24 Vampire Weekend

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinador contenidos web Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com)

Cuando brilla el Sol

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres ◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 ◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200

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NOTICIAS

mondobeats

escaparate

6. Triángulo de Amor Bizarro graban con Paco Loco su segundo álbum 7. Fiestas Demoscópicas 8. Elastic Band presenta una jugosa reedición de “Boogie Beach Days”

19. Esplendor Geométrico

36-37. Los Aslándticos, De Vito, Airbourne...

entrevistas

mondofreako 11. Magnetic Fields 12. Dominique A 13. McEnroe 14. Sunn O))) 15. Rob Zombie 16. Antonio Arias 17. Dent May 18. Converge

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Hara Amoros que se queja de la calidad de sus fotos en internet”

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

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31-34. Delorean, Arizona Baby, Cracker...

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21. Los Punsetes Que le den por el culo al amor 23. La Habitación Roja De vuelta a casa 24. Vampire Weekend Cuando brilla el Sol 26. Tachenko Sonrisas Veteranas

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5

Libros

PODER AnzKalo E FjaR ime go

de

39. Beach House Disco del mes

mondomedia 49. Cine: Julien Temple 50-51. Mondo Recomienda 52. Conexiones

54. Votaciones lectores

De izquierda a derecha Ezra Koenig, Christopher Tomson, Chris Baio, Rostam Batmanglij Foto Napoleon Habeica

◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

TAN lejos... ◗ ENTER SHIKARI, una de las bandas de hardcore más inquietas del momento, han anunciado la salida de un disco de remixes, canciones en directo y caras B titulado “Tribalism”, que, además, presenta un par de canciones nuevas.

El álbum se publica el 22 de febrero, y también se podrá adquirir en vinilo.

Triámgulo de Amor Bizarro Foto Arturo García

NOTICIAS /6/ Febrero 2010 · MondoSonoro

◗ Courtney Love regresa a la música con un nuevo álbum de HOLE. El disco, el primero del grupo tras casi doce años de parón, se titula “Nobody’s Daughter”, y verá la luz a lo largo de 2010. Esta nueva encarnación de Hole solo mantiene como miembro original a la misma Love, que ha grabado el disco con la ayuda de Micko Larkin, guitarrista de Larrikin Love. ◗ “Upside Down” es el nuevo rockumental sobre la creación, desarrollo y posterior colapso del sello indie británico CREATION RECORDS, responsables de haber lanzado las carreras de conocidísmos grupos como Oasis, Primal Scream, The Jesus And Mary Chain y My Bloody Valentine entre otros. Esta semana se ha hecho público el trailer de dicho documental, que estará disponible a partir de primavera. ◗ “Dirty Shirt Rock ‘N’ Roll: The First Ten Years” es el nuevo disco de JON SPENCER BLUES EXPLOSION, aunque eso de nuevo vaya entre comillas, ya que se trata de un recopilatorio que reúne lo mejor de sus diez primeros años. El álbum contiene temas de todos sus discos. Una prolífica carrera que ahora se resume, de alguna manera, en este disco que estará disponible a partir del 30 de marzo.

Triángulo de Amor Bizarro graban con Paco Loco su segundo álbum Iba ya siendo hora de que nos llegasen noticias con respecto al nuevo material firmado por los gallegos Triángulo de Amor Bizarro, sin lugar a dudas uno de los grupos de guitarras con más proyección de cara a este año que acabamos de abrir.

“ Suede Foto Archivo

◗ SUEDE vuelven a la vida. La banda capitaneada por Brett Anderson acaba de confirmar que realizarán un único concierto de carácter benéfico en el Royal Albert Hall de Londres para recaudar fondos para una asociación contra el cáncer conocida como Teenage Cancer Trust.

El concierto será en marzo, pero aún no se sabe el día exacto. ◗ El último trabajo de JOHNNY CASH, “American VI: Ain’t No Grave”, saldrá a la calle el próximo 26 de febrero coincidiendo con el que hubiese sido su setenta y ocho cumpleaños. El disco fue grabado en 2002, un año antes que Cash falleciera y concluye la prolífica colección American Recordings, en la que el hombre de negro, junto al productor Rick Rubin, alternaba títulos inéditos junto a versiones. ◗ JAY REATARD falleció el pasado miércoles 13 de enero por la mañana en su casa de Memphis mientras dormía. Reatard, que el próximo mayo habría cumplido los treinta, llevaba quince años dedicado a la música punk-rock de garage de la mano de Lost Sounds y The Reatards, aunque también en solitario. Fue precisamente su trabajo en solitario “Watch Me Fall” con el que cosechó más éxito. ◗ AUTECHRE, siempre marcando su propio paso y ajenos a las demandas del mercado, publicarán su décimo álbum el 22 de marzo en Europa. El disco se titula “Oversteps”, lo forman catorce nuevos temas instrumentales y el diseño vuelve a correr cargo de The Designers Republic. La banda también ha hecho públicas las fechas de su gira europea y parece que no pasarán por España. ■

Año Santo”, así se llamará el nuevo trabajo de Triángulo de Amor Bizarro. El pasado mes de enero se trasladaron al Puerto de Santa María, y nosotros con ellos, para registrarlo bajo los mandos del ilustre Paco Loco. Si para el primer disco tienes toda tu vida, para el segundo apenas doce meses.

Eso es lo primero que ha pasado por la cabeza de los gallegos a la hora de afrontar la composición de su segunda entrega de canciones. Se impone ante todo un cambio de perspectiva.

(Rodrigo) “Antes de encarar el nuevo disco nos hemos pasado un tiempo desconec-

tados en la aldea, algo así como resetear todo y volver a empezar”. Su debut cautivó por la naturalidad con la que se superponían esa amalgama de capas sónicas características de sus temas. Un concepto que no han variado conscientes de que es el secreto de su éxito.

Eso sí, se les ve más sueltos en el estudio que cuando grabaron con Carlos Hernández su debut. (Isa) “Tanto Carlos como Paco son técnicos nada convencionales, con el primero la grabación fue más onírica y más destroyer donde todo valía, también las canciones estaban más rodadas. Paco tiene

un universo musical muy personal y muy claro que nos ha dado cierta tranquilidad porque los temas nuevos no los hemos traído tan definidos”. Esto no es por falta de celo sino porque en su concepción artística no figura concretar del todo sus composiciones, ni siquiera en el estudio. (Isa) “Todo lo que surja de un proceso de creación debe dejar un espacio libre de interpretación, no se puede ser tan explícito”. Algo que confirma Paco Loco cuando los ve desde al otro lado de la pecera. “Creo que son un grupo que lo mejor que tiene es su espontaneidad, su carácter amateur. Y por eso creo que es mejor lo que intentan conseguir que lo que intentan decir. Es mejor que lo que les sale de dentro suene directo y real”. El resultado estará en la calle el próximo mes de marzo, de este año santo. ■ Arturo García

Apúntate al Europavox Clermont-Ferrand

Arctic Monkeys Foto Archivo

MTV Winter, los británicos invaden Valencia El próxima sábado 13 de febrero la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia va a acoger por tercer año consecutivo un evento que hará las delicias de los aficionados al mejor rock procedente de las Islas Británicas. Se trata del MTV Winter, una suerte de festival de un único día, entrada gratuita y difusión televisiva mundial. Si hasta ahora se había anunciado que los cabezas de cartel serían los británicos Arctic Monkeys presentando su tercer larga duración, “Humbug” (09), las novedades más recientes completan el cartel con la presencia de dos nuevos nombres ingleses y uno español. Los artistas internacionales son Lightspeed Champion (proyecto del ex Test Icicles Dev Hynes, que publica ahora mismo “Life Is Sweet, Nice To Meet You!”) y Mystery Jets, que no tendrán su tercer disco en la calle hasta el próximo mes de mayo. En cuanto al grupo invitado español, se trata de los jovencitos valencianos Fuzzy White Casters, formación que combina rock bailable y electrónica con resultados muy actuales y que les ha valido también convertirse en uno de los artistas demoscópicos de la edición valenciana de MondoSonoro, actuando en la fiesta de esa edición el viernes 5. Más información en www.mtv.es/mtvwinter n

Durante los próximos días 20 a 23 de mayo, la localidad francesa de Clermont-Ferrand acogerá la quinta edición del festival Europavox, en el que participarán más de sesenta grupos de unos veinte países distintos. Eso sí, este año con el atractivo de que España será el invitado especial, con una selección de grupos en la que participa MondoSonoro. Y ahí no acaba todo. El festival invita a dos jóvenes de cada país europeo a que hagan de corresponsales. Para ser uno de los dos representantes españoles (edad entre 18 y 25 años) envíanos un email (festival@mondosonoro.com) y convéncenos en cincuenta palabras de que eres la persona más indicada, además de incluir todos tus datos (nombre, fecha de nacimiento, email, teléfono,dirección) antes del 22 febrero. El cartel del festival aún no se ha desvelado, pero podrás descubrir pronto las novedades en www.mondosonoro.com y www.europavox.com. n

Kutu Folk Foto Thomas Dantil

La Bien Querida Foto Albert Jodar

MondoSonoro · Febrero 2010 /7/ NOTICIAS

TAN cerca... ◗ Israel Marco y Daniel Domínguez, o lo que es lo mismo, CUCHILLO, acaban de firmar por el sello Limbo Starr. En estos momentos la mitad del dúo, Israel Marco, se encuentra en Los Angeles mezclando el próximo EP de Cuchillo, que según la web de Limbo Starr, estará disponible a partir de primavera. ◗ Tras anunciar la presencia de Kiss, AZKENA ROCK FESTIVAL 2010 (24, 25 y 26 de junio en Vitoria) ha dado a conocer nuevos nombres.

Una lista en la que destacan, entre otros, Chris Isaak, Gov’t Mule, The Damned, Airbourne, Kitty, Daisy & Lewis, The Black Lips, Imelda May, NRBQ, Toilet Boys y Teddy Thompson. ◗ La primera edición de la caja de TOTEKING que contiene toda su discografía editada en formato digipack se agotó la primera semana que salió a la venta en las tiendas de toda España. Debido a la avalancha de peticiones de ese especial lanzamiento, la discográfica BOA ha publicado una pequeña reedición limitada que salió a la venta a finales de enero.

¡No te pierdas las Fiestas Demoscópicas!

Hace ya un par de meses que empezamos a difundir lo que se podría ver y disfrutar en las Fiestas Demoscópicas de MondoSonoro para este año 2010. No ha habido cambios, pero sí un aluvión de peticiones de entradas. Recuerda, hazte con ellas de forma gratuita en tiendas anunciantes y en nuestra web.

H

abrá muchas otras propuestas durante este mes de febrero, algunas más interesantes y otras menos, pero muy pocas que apuesten con tanta fuerza por los artistas estatales que marcarán el mañana de nuestra escena independiente. No queremos volver a repetirnos, no queremos repetir una y otra vez los nombres que han surgido de todos nuestros conciertos y que han pasado a engrosar la lista de grandes artistas de repercusión estatal. Nuestros lectores, los grupos y nosotros mismos somos muy conscientes de quienes han sido y lo mucho que han supuesto sus conciertos y sus canciones para todos. Pero ha llegado la hora de empezar a hablar

del futuro, algo que se intuye fantástico atendiendo a la larga lista de propuestas interesantes que participarán en nuestras Fiestas Demoscópicas desde el próximo viernes 5 de febrero hasta el viernes 26. Habrá trece conciertos a lo largo de los que, con el apoyo de nuestros patrocinadores habituales (Sennheiser, Carhartt y Jägermeister), podremos brincar o soñar con las canciones de los que consideramos mejores grupos demoscópicos del momento, todos ellos seleccionados por MondoSonoro. Los nombres son: 3mellizas, The Closers y DeVito (Zaragoza), Radiophonics, Tetrasonic y The Full Metal Jackets (Palma de Mallorca), Willy Naves y Bueno (Oviedo), The Home Phonema,

Bla!, Edredón y La Bien Querida (Madrid), Disco Las Palmeras!, Tetra & Freek, Bang 74 y Niño y Pistola (Santiago de Compostela); Chinese Christmas Cards, Fred i Son, The Seihos y La Bien Querida (L’Hospitalet del Llobregat), Guadalupe Plata, Ufo Kidnappers y Mañana (Sevilla), The Welcome Dinasty, Fuzzy White Casters y The Crashed Bones (Valencia), Guadalupe Plata, Chin Yi, Laura Palmer y Los Alimentos (Córdoba), Spark Pet, Zapatotipobota y DeVito (Santander), Manet, The Auambas y Jon Ulecia (Villava, Navarra, y Bilbao) y The Green Silly Parrots, My Friendly Ghost, The Jackets y The Blows (Burgos). Como se habrá observado, algunos de los participantes son invitados especiales en Zaragoza, Santander, Barcelona, Madrid, Santiago o Burgos. La entrada no te costará ni un euro, sino que puedes descargar tu invitación en www.mondosonoro.com o recogerla en alguno de los puntos habituales de distribución de la revista, ahora bien, deberás ser puntual porque el aforo a todas los conciertos es limitado. ■

Tres artistas españoles en la Red Bull Music Academy de Londres

Sin Papeles Foto Carles R.

Segunda edición del SIMBA Tras las siglas de SIMBA nos encontramos con el Seminario Internacional de Música de Barcelona, que el próximo mes de marzo celebrará en la Ciudad Condal su segunda edición. Durante los días 5, 6 y 7 de marzo y con “la docencia como principal reclamo”, habrá posibilidad de presentar los proyectos artísticos de los participantes en el Palau Sant Jordi Club, como acompañamiento de un artista de éxito por confirmar. También se busca “potenciar la relación entre profesionales de distintos ámbitos” dentro del espacio Village Simba Aja Night Club. Por lo que respecta a los cursos que forman parte del seminario, serán los siguientes: Curso Sobre Produccion de Eventos Musicales; Curso Nuevos Modelos de Negocio en la Música; Curso de Negociación de Contratos Discográficos Editoriales-Management Musical; Curso de Autoproducción Musical (de la grabación al mastering) y Curso de Negociación de Contratos Distribución Musical en Formato Físico y Digital. Los cursos serán impartidos por profesionales de primer orden.

Las plazas son limitadas, pero la inscripción está ya abierta en www.simbaweb.es. Más información en www.asesoriajuridicadelasartes.com n

Después de celebrarse en ciudades de todo el planeta (incluyendo Barcelona) este mes de febrero se inicia en Londres la nueva edición de la Red Bull Music Academy (de hecho, se extenderá desde el 7 de febrero hasta el 12 de marzo, en dos turnos). En ella participarán, como de costumbre, artistas seleccionados de entre propuestas de todo el globo terráqueo. En esta ocasión, los tres nombres españoles que formarán parte de la escuela serán el barcelonés Javier López, destacado entre las mejores maquetas de nuestra publicación bajo el nombre de Thompson; el madrileño Miguel Ángel Velasco, conocido artísticamente como Homeless Inc; y Lucrecia Pérez, que publica música bajo el nombre de The Sound Of Lucrecia. Todos ellos aprenderán de grandes artistas y participaran en infinidad de workshops y master classes. La web oficial de la academia (www.redbullmusicacademy.com) ofrecerá diarios, podcasts, actuaciones, entrevistas, etcétera. ■

◗ Nace MONOFUNK, una nueva plataforma pensada por y para la música electrónica que pretende ofrecer soluciones de gestión y desarrollo musical para Dj’s y productores, tanto a nivel estatal como internacional. A pesar de su reciente creación, el sello ya cuenta con algunos fichajes conocidos, como los artistas HD Substance y Tim Baker.

Standstill Foto Archivo

◗ Nuevos nombres se añaden al SAN MIGUEL PRIMAVERA SOUND 2010 (27, 28 y 29 de mayo el Parc Del Fòrum de Barcelona) Son los siguientes: Yeasayer, The Psychic Paramount, Atlas Sound, Polvo, Real Estate, Standstill, The Big Pink, The Clean, Liquid Liquid, Cold Cave, Ui, Shellac, Fuck Buttons, Health, No Age, y Spoon. ◗ Ya está disponible “Intonarumore”, doble recopilatorio del trabajo de Antonio Galvañ, más conocido artísticamente como PARADE. El lanzamiento –que incluye un total de cuarenta y nueve cortes- se publica vía Jabalina, su actual sello, y engloba la carrera del artista en su anterior discográfica (Spicnic) en el primer compacto y un montón de rarezas, temas inéditos, instrumentales… ◗ Nace un nuevo sello de discos, que a la vez también se encargará del management de algunos grupos y de ejercer como gabinete de prensa. Nos referimos a EL GENIO EQUIVOCADO, una iniciativa que tiene como mandamases a Joan y Rafa de Pin y Pon Dj’s y que cuenta ya en sus filas con grupos como Tarántula, Montevideo y Joaquín Pascual. ◗ Una de las bandas más veteranas de la escena punk rock californiana anuncia dos fechas para nuestro país. PENNYWISE actuarán el 6 de mayo en el Apolo de Barcelona y el 7 en la sala Rockstar de Barakaldo. Las entradas costarán 20 € y se podrán adquirir en los puntos de venta habituales y en Ticketmaster.

Thompson Foto Archivo

◗ KISS, que con anterioridad habían confirmado su presencia este próximo mes de junio en España en Madrid (las entradas ya están agotadas) y en el Azkena Rock Festival 2010, acaban de anunciar una nueva fecha en nuestro país para ese mes. La cita será el día 24 en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Las entradas ya están a la venta. ■

Elastic Band Foto Archivo

NOTICIAS /8/ Febrero 2010 · MondoSonoro

Franz Ferdinand Foto Soren Solkaer Starbird

El festival Estrella Levante SOS 4.8 presenta su cartel Este año, el festival Estrella Levante SOS 4.8 presenta un cartel que hará las delicias de los lectores de esta publicación, que por segundo año consecutivo cuenta con un escenario en el evento murciano. El festival celebra su tercera edición de la mano de artistas consolidados como Franz Ferdinand o Nada Surf; de clásicos como Fatboy Slim y Madness; grupos promesas a los que hemos visto triunfar como The Horrors, sin olvidar por una apuesta del mejor pop estatal como Delorean, Love Of Lesbian o Joe Crepúsculo, entre otros. Por otro lado, se ha confirmado que los artistas que actuarán en el Auditorio Mondosonoro, serán los británicos Tindersticks, uno de los grupos noventeros más apreciados, presentarán en directo su octavo trabajo “Falling Down A Mountain”, Tampoco faltará a la cita La Bien Querida, considerado el mejor disco del año según la revista y por último -y no por ello menos importante-, estará Annie B Sweet, cantautora malagueña que, con ayuda de su guitarra acústica y su peculiar registro de voz, factura temas folk sencillos y bellos. Estrella Levante SOS 4.8 tendrá lugar del 30 de abril al 1 de mayo en Murcia. Más información en: www.sos48.com n

Elastic Band presenta una jugosa reedición de “Boogie Beach Days” El grupo andaluz, en tiempos de poca venta de discos, se atreve a reeditar en versión doble compacto su “Boggie Beach Days” (Yellow Sounds, 10), uno de esos discos que se disfruta de principio a fin sin casi darse cuenta.

P

or tres razones los granadinos Elastic Band reeditan su aclamado debut “Boogie Beach Days”. La primera y más práctica es que apenas quedaban copias de la primera entrega en las estanterías; la segunda era dar a luz a una serie de temas que quedaron fuera en la anterior edición, hasta un total de ocho bonus tracks. Y por último presentar en sociedad su propio sello discográfico, Yellow Sounds, una etiqueta con la que a partir de ahora darán salida a ese torrente inagotable de creación sonora. Si bien es cierto que a Elastic Band no le han faltado novias con las que firmar contrato discográfico al final se han decidido por el do it

yourself. Sus razones tendrán. “Aunque tenemos en cuenta las posibilidades que ofrece trabajar con una infraestructura mayor... en esta ocasión nos ha tentado más la libertad. Poder decidir siguiendo sólo nuestro criterio sobre qué, cómo y cuándo sale, era la ventaja exclusiva de esta opción. Durante este proceso ha habido muchos cambios y ahora estamos realmente convencidos, confiamos plenamente en el equipo de gente que tenemos detrás. Cambios como los que han experimentado algunos de los temas inéditos y que muchos ya figuraban en sus primeras de-

mos”. Cortes que fueron descartados más por un criterio de cantidad que de calidad. “’Boogie Beach Days’ era como nuestra carta de presentación y, en un primer momento, no se te ocurre llegar con unos extras bajo el brazo”. Y es que cortes como “Hal 9000” iluminan esa querencia de los granadinos hacia los ritmos más bailables y de paso dan pistas sobre lo que está por venir. “No me atrevo aún a decir nada definitivo sobre lo nuevo. Son más temas que canciones como las de ‘Boogie Beach Days’. Y sí, la música electrónica de baile tiene mucha presencia, pero no menos que la idea del collage, que no se nos quita de la cabeza”. La solución caerá sobre mediados de primavera, con un avance de su nuevo trabajo, por ahora “Boogie Beach Days” prolonga su vida unos meses más.

■ Arturo García

Polifonik Sound, pop rock en Barbastro

Mala Rodriguez Foto Hara Amorós

Presentación del anuario de APM El próximo 24 de febrero se llevará a cabo la presentación oficial del anuario de la Asociación de Promotores Musicales, «I Anuario de la Música en Vivo». El acto será en el Palacio de los Deportes de Madrid, con una fiesta posterior –el 25- coincidiendo con la décima asamblea anual de la asociación. El anuario, con un total de ciento veintiocho páginas llenas de información y declaraciones, contará con una tirada de diez mil ejemplares que se distribuirán entre profesionales y personalidades del sector del directo en nuestro país. La APM nació en 2000, aunando a trece promotores (en la actualidad la forman un total de treinta y ocho). Entre sus logros está el haberse convertido en un punto de encuentro entre asociados y agentes, en ser un referente para la innovación del sector y erigirse en representante válido ante la Administración española, así como en difundir la importancia de la música en directo dentro de nuestras fronteras. Más información en www.apmusicales.com ■

We Are Standard Foto Archivo

Las Jack Sessions llegan a Andalucía Al margen de las Jack Daniels Master Classes de las que os hablamos el pasado mes de enero, siguen a pleno rendimiento las Jack Sessions, organizadas por la popular marca de bebidas. Este mes de febrero la gira pasará por Andalucía, concretamente por las ciudades de Sevilla, Cádiz y Málaga. Los artistas participantes será el grupo de pop rock y americana procedente de las Islas Baleares L.A. y la formación vasca We Are Standard, dos propuestas totalmente distintas que se completarán con la sesión de Pin y Pon Dj’s. En todo caso, os recordamos las fechas para que las tengáis muy en cuenta. Los conciertos se llevarán a cabo el jueves 18 de febrero en Sevilla, el viernes 19 en Cádiz y el sábado 20 en Málaga. Manténte informado de cualquier novedad o cambio en www.jackdanielsmusic.es ■

El 1 de febrero se ponen a la venta las entradas para el tercer Polifonik Sound, el festival altoaragonés que se celebra en Barbastro desde el 1 al 3 de abril. El recinto de la institución ferial de esta localidad se llenará de música durante la próxima Semana Santa, apuntando alto en cuanto a sus cabezas de cartel, ya que Sidonie, Mendetz o Dj Amable son apuestas más que solventes a la hora de redondear la programación de cualquier festival indie. Abrirán los demoscópicos aragoneses The Closers, con disco recién editado, y estarán acompañados el día 1 de abril por otros aragoneses, De Vito, uno de los mejores discos de dance rock del año que comienza. Mendetz y Dj Rojiblanco acabarán de completar esa noche. La jornada siguiente se nutrirá de nombres como los de los gaditanos Leda Tres, los madrileños Delco, Sidonie y Amable, dispuestos todos ellos a poner Barbastro patas arriba. El cierre del festival, que será el día 3 correrá a cargo de los barceloneses The Last 3 Lines, Polock, The Right Ons y otros imprescindibles de las pistas de baile, Pin & Pon Djs. www.polifoniksound.com ■

Sidonie Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2010 /11/

MONDOFREAKO

The Magnetic Fields Foto Archivo

The Magnetic Fields

El genio ante sí mismo Con “Realism”, Stephin Merritt da por concluida su etapa de discos sin sintetizadores, de manera que podemos dejar de darle vueltas a si debería importarnos o no, porque en realidad no nos importa. El día que The Magnetic Fields se lo monten con un martillo pilón y dos martillos nos dará también igual, porque será, siempre lo es, algo que valga la pena escuchar.

M

e pregunto cuántas canciones ha escrito Stephin Merritt. Muchas. Tantas que me siento obligado a preguntarle si alguna vez se olvida de ellas. “Siempre me olvido de la letra de las canciones, ni siquiera me sé las de este disco. Las tengo que leer mil veces e, incluso así, tengo que llevarlas conmigo en los conciertos, pero en cambio nunca olvido la melodía”.

Stephin Merritt ha escrito tantas canciones que en algún momento entre 1997, en que publicaron álbum dos de sus proyectos paralelos, y “69 Love Songs” (Merge, 99) decidió que lo de coleccionar doce o trece y hacer un disco con ellas era algo aburrido. Necesitaba un reto. Y desde entonces cada uno de sus trabajos parte de una idea, una línea argumental, a veces una simple premisa. Tras “Distortion” (Nonesuch, 08), un disco marcadamente californiano (se mudó a Los Angeles por aquella época) y en el que el instrumento predominante era el feedback, Merritt vuelve a su versión más

reconocible. “Realism” es un disco inspirado en el folk y los american standards que, claro, también tiene truco. “Concebí ‘Distortion’ y ‘Realism’ como dos discos emparejados y, de hecho, ambos fueron compuestos en la misma época”, explica Merritt. “Al principio quería llamar a uno ‘True’ y al otro ‘False’, pero no se me ocurrió cuál podía ser cuál”.

De hecho, estamos hablando de la noche y el día, dos discos completamente diferentes, algo incluso subrallado por una portada, en esta ocasión, en el que aparece el universal símbolo del baño de chicas. “La figura de ‘Distortion’ no es un chico”, me corrige él. “¿Qué te hace pensar que es un chico? Para nosotros es ‘la chica Distortion’”. Bien.

“A diferencia de nuestro anterior disco”, comenta, “en ‘Realism’ hemos trabajado con instrumentos diferentes en cada canción intentando no repetir ninguna combinación”. Incluso hay algunos divertidos juegos de parejas ahí entre significante y significado.

Por ejemplo, en “We’re Having A Hootenanny”, en el que el instrumento principal es una guitarra de doce cuerdas, o el piano de juguete de “The Dolls’ Tea Party”. Eminentemente acústico -sólo hay una guitarra eléctrica en todo el disco-, “Realism” gira alrededor a los temas de toda la vida a la manera de siempre en el caso de un autor que ha sentido una combinación de pereza y desesperación ante el amor que conquista. “Para mí cada disco debe ser una reacción ante el anterior”, continúa Merritt. “Por supuesto, necesito divertir-

de inspiración a la hora de grabar “Realism”, aunque rehuye la etiqueta de disco folk. Para él, se trata de un disco más de The Magnetic Fields del que, si debe destacar algo, es la exploración instrumental que ha supuesto. “Hemos usado pequeños instrumentos de cuerda que aquí en Los Angeles encuentras en cualquier tienda pero que en Nueva York son muy difíciles de conseguir”. Muy bien, pues, hablemos de instrumentos. “No quiero ser demasiado específico respecto al siguiente disco, pero teniendo en cuenta que con

"Para mí cada disco debe ser una reacción ante el anterior" me con cada nuevo álbum, pero también quiero que se divierta quien lo escuche.

Ese es el objetivo, que cada disco sea una sorpresa”. Y el hecho es que Merritt parece dispuesto a seguir sorprendiéndonos. “Cuando publicamos ‘Distortion’ a alguna gente le pareció una idea horrible, pero al final les encantó el disco. Es el disco de The Magnetic Fields que más copias ha vendido. La única persona que conozco a quien no le guste ‘Distortion’ es mi madre. Lo odia”.

Merritt habla de Joshua Rifkin, arreglista de algunos de los discos de Judy Collins, como fuente

éste damos por acabada nuestra trilogía sin sintetizadores, supongo que en el siguiente habrá muchos. Aunque no serán los sintetizadores que hayas escuchado en nuestros discos anteriormente, será algo nuevo, más experimental”. Si te digo la verdad, Stephin, me importa poco. Sé que será un buen disco, siempre lo son, con o sin maracas, con o sin electricidad, siempre vale la pena estar al otro lado. ■ Joan Cabot “Realism” está publicado por Nonesuch/Warner.

(MONDOFREAKO /12/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

Dominique A Foto Archivo

Dominique A

Horizontes musicales Desde los primeros compases de “Le sens”, ya notas que “La musique/La matière” será pronto tratado como ese disco clásico en el que Dominique A quiso volver a ser un simple adolescente que necesita pocos recursos para comunicarse con su público. O dicho de otra manera, Ané está cansado de lirismo y producciones grandilocuentes.

Y

lo hace con la maestría de los que ya no necesitan demostrar nada. “Me apetecía que el disco estuviera menos trabajando que los previos y que fuera más íntimo. Después de ‘L’horizon’ (Green Ufos, 06), monté un grupo para dar conciertos muy potentes, así que quería volver a mi esencia y a una manera de cantar más tranquila, como en el pasado, intentando a la vez no ser demasiado lírico”. Desde mediados de los noventa, Ané ha ido confeccionando una colección con muchos pasados distintos. Uno de los que más recuerda el público español es el que lo retrata como trovador solitario rodeado de pedales, cuando por primera vez vimos aquí a un tipo con una guitarra grabando loops en directo y combinándolos como un hombre-orquesta post-moderno. “Ahora eso ya lo hace todo el mundo, así que me planteé justo lo contrario, que para llevar al directo mi disco no hubiera ni un solo loop, ni una secuencia y que hubiera espa-

cio entre los instrumentos para no saturar de información la música que tocáramos”.

De hecho, siempre será curioso el calor con el que se lo recibe en un país en el que sólo una minoría entenderá sus letras. “Y así lo deseo, porque aquí la gente no se concentra en mis palabras, sino que siente la música y el sonido cobra significado”. De sonido son, precisamente, las diferencias entre “La musique”, y su reverso en edición limitada, “La matière”. “Pensé en que ‘La matière’ se pudiera conseguir sólo en los conciertos, pero mi sello decidió que era una pena sacrificar esas canciones de ese modo, así que accedí a que se hiciera una edición limitada con ‘La matière’, que es el lado oscuro de ‘La musique’, que es un disco de pop… de mi idea del pop, mientras que ‘La matière’ es menos conciso y obvio”.

Pero “La musique” no es tan obvio para el resto de los mortales, si tenemos en cuenta que empieza con un raro falsete que nunca le

habíamos oído al de Nantes. “Esa es mi voz de las ocho de la mañana. Intenté grabar la canción la primera vez que la cantara, cuando se está creando, sin esforzarme lo suficiente por cantar, casi como si leyera la letra. Y sorprendentemente cuando lo oí unas horas después vi que había conseguido algo especial que sólo se puede conseguir en una situación muy íntima”. Es un factor más que aleja esta grabación del frío sintético de los ochenta, en los que dice Dominique que está inspirado el disco. “Tampoco

guida me canso de tocar de una manera o del sonido que he estado creando”. Monsieur Ané tolera de nuevo ser el autor de “La mémoire neuve” (Lithium, 95), aunque se ha cansado de la grandilocuencia de “Tout sera comme avant” (Green Ufos, 04) y “L’horizon” de los que apenas hay referencias en su gira española, justo en el momento en el que el público español prefiere la experimentación de “Auguri” (Labels, 01) y “Remue” (Lithium, 99). Después de todo esto, ¿qué ilusión musical inédita le quedará por realizar? “Siempre

“Enseguida me canso de tocar de una manera o del sonido que he estado creando” quiero hacer un homenaje a los ochenta, pero siempre seré un adolescente de los ochenta, y eso se nota en canciones como ‘Nanortalik’ (incluido en ‘La matière’), que es muy de la época”. Casi se nota más una pulsación hip-hop e incluso bristoliana que otra cosa. “Sí, es muy probable, porque trabajo con una caja de ritmos muy básica de hiphop con la que me he ayudado a componer muchas de las canciones”. De cualquier modo, cada paso de Dominique A es, sobre todo, una reacción a lo que haya hecho antes.

“Sí, porque me canso de mí mismo. Ense-

me estoy planteando hacer un disco muy desnudo. Corro tras mi ‘Nebraska’, pero además me gustaría hacer algo para bailar y algo mucho más oscuro y experimental.

Así que con esas excusas creo que puedo pasar diez años más haciendo música. Lo que me hace plantearme si tendré la misma valentía que he tenido antes, porque cuanto más tiempo pasa, más clásico me vuelvo”. ■ Jorge Obón “La musique/La matière” está publicado por Green Ufos.

(MondoSonoro · Febrero 2010 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“Recibir un balazo no duele tanto como pensáis” 50 Cent, en Q

“Nunca hemos querido ser lo-fi, nuestro disco es más bien mid-fi” Kip Burman de The Pains Of Being Pure At Heart, en NME

“No necesito irme a la cama pronto y beberme un vaso de leche y cosas por el estilo...”

John Paul Jones de Them Crooked Vultures, en Q

Mcenroe

Al final de un dolor infinito Lo crean o no, hasta el miedo más aterrador a la soledad termina marchándose. Después de un disco desgarrador por lo sencillo y conciso, los de Getxo entregan “Tú nunca morirás”, un trabajo en el que se atisba la esperanza y la respuesta a la delicada pregunta de ¿Por qué luchamos?

L “La gente tiende a creerse todo lo que se escribe en Internet. Al final, un friki en pijama es la voz autorizada" Chris Baio de Vampire Weekend, en el EP3

“He leído libros sobre Joseph Mengele, me cautivaron de verdad.

Luego apunté algunas imágenes que tenía en mi mente y eso se convirtió en ‘Angel Of Death’” Jeff Hanneman de Slayer, en Mojo

“Me hace gracia cuando la gente piensa que he tenido una vida fácil o feliz, porque tengo un aspecto rubio y pijo pero, sin embargo, no es así” Christina Rosenvinge, en Muzikalia

as sombras de hoy nunca serán tan nítidas como las de ayer, y el dolor –aunque en caliente cualquiera que piense lo contrario debería ser tachado públicamente de inconsciente- se pasa. Hacer canciones es una forma como otra cualquiera de acelerar el proceso por el que un corazón destrozado se convierte en algo mínimamente funcional, aunque a nadie le deseo un sufrimiento como para escribir alguna de las mejores letras que he escuchado en los últimos años. Sin malditismos y sin efectos, tan sólo con una sinceridad que asusta por lo fácil que resulta vivirlo en primera persona sin que tengas demasiadas opciones al respecto. Lo que en “Mundo Marino” era un paisaje desolador, en “Tú nunca morirás” lo es preparado para volver a crecer. (Ricardo, voz y guitarra) “Creo que los textos de ‘Tú nunca morirás’ no son tan desoladores como algunos me dicen, igual es que no han escuchado el anterior disco.

Canciones como las de ‘Mundo Marino’ las podemos volver a hacer siempre, cuando me deje la novia lo hago otra vez y ya está, pero creo que con uno ya está bien.

Al final, todo se supera. Musicalmente me parece que las letras eran muy tristes y la música no tanto, y en este nuevo disco es al revés”. Un breve rayo de luz se cuela por los silencios (“laberintos en los que perderse”, cantan en “Los Valientes”) de nueve cortes de pop soberbio y desacelerado que emocionan tanto por lo que dicen como por lo que callan. El amor, el miedo a la soledad, a la traición y el despecho -pero sobre todo el desamor- siguen siendo la columna vertebral del asunto. (Pablo, bajo) “Quizás son menos directas que en el anterior,

pero ahí está lo bueno, porque ahora son más intensas. Si estás jodido porque te ha dejado tu novia no te vas a poner a Shakira. La música alegre para gente que está triste es mucho más triste. La idea no es hacer cosas deprimentes, sino algo con lo que nos podamos emocionar”. De los restos de un incendio y las canciones que duelen queda poca cosa; la intensidad del fuego es menor y se aprecian mejor los detalles. (Jaime, guitarras) “Me parece que es un álbum incluso más intenso que el anterior. Engaña el principio,

Mcenroe Foto Archivo

“Una banda de rock son unos señores que graban discos juntos, comen juntos, hacen giras juntos y se ponen juntos. No es ‘tal y los tal’ y cada año cambiamos a los tal” Loquillo, en EFE EME

opinión externa. Lo que ha hecho Abel es ayudarnos a hacer cosas que no sabíamos, no nos atrevíamos a hacer o simplemente no habíamos visto. Instrumentalmente hemos aprendido mucho”. (Pablo) “En los ensayos no solemos utilizar los teclados y en el álbum los hemos tocado más y la percusión también ha sido importante. A partir de ahora puede ser que utilicemos otros instrumentos o hagamos otro tipo de arreglos. En eso hemos perdido el miedo”.

De la misma manera que nada es más sugerente que lo que no se ve, a lo largo de casi una hora hay multitud de detalles a descubrir. (Jaime) “La respiración, los ruidos raros, el xilófono… son cosas que suenan muy a Migala. Era un peligro que eso arrollara los temas y tuvimos que quitar muchas cosas, pero es normal que Abel tendiera a plasmar su personalidad y creemos que lo ha hecho feno-

"Tenemos un dilema entre hacer canciones pop pegadizas o no" con una canción como ‘Los Valientes’ (muy pop y la que menos lo define) o al final con ‘Naoko’, que dura casi nueve minutos. A medida que avanza va cambiando y no es tan accesible”. (Pablo) “Tenemos un dilema entre hacer canciones de pop pegadizas o no. Se compusieron (algunas son prácticamente singles), pero no las llegamos a grabar porque queríamos que fuera un trabajo coherente de principio a fin y que contara una historia”. La (sobre) producción de Abel Hernández será, probablemente, polémica entre los más puristas. Excesiva en algunos momentos y tremendamente acertada en otros, lo cierto es que para bien o para mal no se ha limitado a poner los micrófonos en el lugar adecuado.

(Ricardo) “Al final terminas haciendo la misma canción y es muy bueno tener una

menal, aunque es cierto que cuando escuchamos la primera canción que nos mandó Abel, flipamos”. No les ha importado renunciar al legítimo protagonismo si algo podía ser mejor, ya sea un arreglo o una de las mejores canciones de su segundo CD para Subterfuge, “Tú nunca morirás”. (Ricardo) “La canta Miren Iza (Tulsa) y teníamos claro que si mejora, no necesito salir yo en las voces. Lo que quiero es que la canción sea bonita y que quede lo mejor posible. También han colaborado Olivier de The Folding And The Point en ‘Naoko’, Rubén Moreno (violín en Migala) y Abel toca algunas cosas”. ■ J. Batahola “Tú nunca morirás” está publicado por Subterfuge.

(MONDOFREAKO /14/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

Sunn O))) Foto Gisele Vienne

Sunn O)))

El lenguaje de las runas “Monoliths & Dimensions” ha terminado demostrado el porqué de tanto revuelo. Un Stephen O’Malley, a punto de aterrizar en nuestro país para presentar el disco en directo, responde a nuestras preguntas sobre la naturaleza de Sunn O))), definitivamente una banda de otro tiempo y otro mundo.

B

ásico y rotundo, la figura del monolito ha sido elegida en múltiples ocasiones como representación de la inteligencia y el desarrollo humano, del largo trecho que va desde nuestros antepasados simiescos al hombre de las estrellas. Cósmico y espiritual, a Stephen O’Malley no le asusta poner a transitar a Sunn O))) por esa misma vía, aun a costa de separarse un poco más del metal abstracto que la banda -esencialmente O’Malley y su compinche Greg Andersonpracticaba hace una década. Porque “Monoliths & Dimensions”, un álbum que ha formado parte de toda lista de lo mejor del pasado 2009 que se precie, busca sin medias tintas cotas altas y ambiciosas, jugueteando con términos y referentes de la alta cultura que supongo que levantarán ampollas entre los metalheads que alguna vez se contaron como fans del dúo. “Escuchamos bastante jazz. Aunque más que por el freejazz yo diría que el disco está más influenciado por el primer jazz eléctrico, donde los músicos se enfrentaban a estructuras

mucho más abstractas y, al mismo tiempo, eran capaces de tocar clásicos del jazz de memoria. Pero quiero dejar claro que para nada estamos intentando hacer jazz, por mucho que en el disco colaboran músicos, esencialmente los vientos, que sí vienen de ahí. Creo que ‘free music’ es más adecuado, en cuanto que estamos más en la línea de una música abstracta y libre”. Otro nombre que se ha usado repetidamente como referencia a la hora de enfrentarnos a la escucha del disco es ese gran tótem de la música religiosa contemporánea llamado Arvo Pärt, si bien a mí personalmente me resulta mucho más clara la influencia del “Réquiem” de Ligeti, que precisamente Stanley Kubrick (¿hablamos de monolitos?) utilizó en algunas escenas de “2001, una odisea en el espacio”. “Me resulta curioso hablar de influencias, porque si gustas de explorar nuevas músicas te hallarás influído por cualquier artista de una u otra manera.

En el caso concreto de Pärt o Ligeti admiro

su trabajo, que considero muy inspirador, a pesar de no alcanzar a comprenderlo”. ¿Comprenderlo? ¿Debemos comprender la música para poderla disfrutar? ¿Acaso es comprensible un trabajo de la complejidad técnica y conceptual de “Monoliths & Dimensions”? Y aquí O’Malley se contradice. “Yo no entiendo muchas de las cosas que me interesan, y quizás una de las claves sea ésta: el placer de explorar y aprender. Descubrir, sorprenderse por estructuras y conceptos que

alejados de nuestro material antiguo, por eso lo recuperamos en aquella serie de conciertos. Nos dimos cuenta que hacía mucho tiempo que no tocábamos en formato dúo y pensamos: ‘Hagamos conciertos otra vez como en los viejos tiempos’. Esa es la gracia”. Para su gira española, sin embargo se presentan en formato cuarteto con Steve Moore (Earth, Steb Mo) y Attila Csihar (Mayhem). “Para cuando lleguemos a España ya habremos hecho unos ochenta conciertos juntos. No

“Yo no entiendo muchas de las cosas que me interesan” se muestran poco a poco y no en primer término. Creo que esa es una de las cosas hermosas que puede ofrecer la música.

De hecho con ‘Monoliths & Dimensions’ me di cuenta de lo poco que comprendía el lenguaje de mi propia música. Me interesa aprender a escribir música, utilizar correctamente la terminología y ahí estoy centrado ahora mismo”. Y en esas están, tendiendo puentes entre sus primeros trabajos y el presente, tal y como demostraron a su paso por el último Primavera Sound interpretando “The Grimmrobe Demos”. “No nos sentimos

obstante, aunque la base de los conciertos es el nuevo disco, nosotros nunca hemos intentado reproducir las canciones en directo tal y como han sido grabadas. No contamos con un coro o determinados instrumentos para acompañarnos durante la gira, así que lo que va a primar es la energía y la inmediatez”. ■ Luis J. Menéndez “Monoliths & Dimensions” está publicado por Southern Lord/Popstock! El grupo estará actuando en Madrid (3 febrero, Caracol) y Barcelona (4, Apolo).

(MondoSonoro · Febrero 2010 /15/ MONDOFREAKO)

confidencial NO

Anni B. Sweet

¿Tienes un dulce despertar? ¿Qué es lo primero que haces?

Despertarme es la peor parte del día. Apago el despertador tres o cuatro veces antes de finalmente comprender que no era un sueño y entonces pongo algo de música que me anime a levantarme.

Arquitectura y música. ¿Cómo las relacionas en tu vida?

Tienen algo en común y es que me expresaba a través de ambas, pero la música me viene de más adentro y por supuesto la quiero más que a la arquitectura. La arquitectura era lo que me daba estabilidad, organización y era más estricta; la música me da libertad. ¿Qué hace una chica bonita y bien vestida como tú, en un sello con tanto tatuaje por metro cuadrado como Subterfuge? ¿De verdad pensáis eso de mí? ¡Gracias! En Subterfuge, The Unfinished Sympathy, Lidia Damunt, Arizona, McEnroe, Tulsa, Templeton… ninguno lleva tatuajes que yo haya visto. La única es Vinila Von Bismark y es precisamente con la que más relación personal tengo. ¿Igual me hago yo uno! Jajaja “Start, Restart, Undo”. ¿Pensaste en algún otro título más feo para tu disco?

La verdad es que es difícil y poco comercial, pero en las entrevistas me da mucha vidilla. ¿Qué disco nunca descargas de tu iPod? Siempre llevo en el iPod “Kid A” de Radiohead y “Either/or” de Elliot Smith.

Tu versión de “Take On Me” coincide con la separación definitiva de A-ha. ¿Alguna relación causa-efecto?

Desde luego que sí, hay dos versiones oficiales. La primera es que, gracias a mi versión, se llevaron un buen pico por derechos de autor y eso les da para vivir unos añitos sin preocuparse demasiado… La segunda es que escucharon mi versión de niña buena y se preguntaron cómo es que escogieron la mía para el anuncio y no la suya, entonces discutieron entre ellos y se separaron... ¿A quién no te gustaría encontrarte últimamente en un ascensor?

A la vecina de al lado, que la mujer cada vez que me ve llegar se desahoga conmigo, vaya chapa. ¿Qué manía confiesas tener antes de subir al escenario?

Moverme de un lado a otro del camerino o gritar, aunque últimamente los nervios y las emociones me dejan tan empanada que no tengo fuerzas más que para sentarme y esperar al momento de salir. ¿Qué canción sueles tocar por instinto cuándo coges la guitarra?

Trato de calentar la mano con algo simple antes de pasar a algo más exigente. Depende del día, pero normalmente empiezo con algo sencillito como “Free Bird” de Lynnyrd Skynnyrd o el solo final de “Stairway To Heaven”... ¡Bah! cosas así fáciles y básicas... ¿Te han hecho alguna entrevista más estúpida que esta? ¡La próxima que me hagáis, seguro! ;)!! ■

Rob Zombie

Mis terrores favoritos Tras cuatro años de silencio Rob Zombie publica, "Hellbilly Deluxe 2”, disco con el que se estrena en Roadrunner, y un trabajo en el que el otrora líder de White Zombie vuelve a dar rienda suelta a su pasión por el rock duro directo y resultón lleno de guiños al cine de terror. Una fórmula que le ha mantenido veinticinco años vivo en esto de la música. Poca broma.

P

rimero de todo aclarar que no es un error de maquetación que esta entrevista venga firmada por un servidor. Si son habituales lectores de esta revista sabrán que el pop es mi religión, y que de mi boca sólo salen improperios si la cosa va de hablar de rock duro y metal. Cierto. Pero Rob Zombie me puede. Es mi personal “excepción que confirma la regla” y tras ser un defensor a ultranza de su producción cinematográfica (le considero uno de los directores de género más inspirados y cool del momento), me he enganchado a su música. Empecé con el excelente “AstroCreep: 2000” (durante unos meses, reinó en mi iPod) y luego seguí con el resto.

Ahora cierro el círculo de mi debilidad confesa por Zombie al hablar de “Hellbilly Deluxe 2: Noble Jackals, Penny Dreadfuls And The Systematic Dehumanization Of Cool”, su nuevo disco en solitario que, de paso, me he llevado a entrevistarle por teléfono.

El director de “Los renegados del diablo” tiene fama de ser un tipo poco hablador y algo borde en las entrevistas, pero conmigo se comporta de forma afable y hasta cómplice. Es lo que tiene ser un par de freaks del horror, nos olemos a kilómetros y la comunión es instantánea. Lo primero que le pregunto es el porqué de su cambio de sello. “He estado con el sello Geffen durante dieciocho años. A lo largo de esos años son muchas las cosas que han cambiado en la música y este sello ha tenido como número uno a grupos como Aerosmith o Guns N’ Roses. Era el lugar idóneo para estar, pero ultimamente ha dado un giro más al pop. Cuando terminé el disco me di cuenta que ya no encajaba ahí y entonces hablé con ellos y estuvieron de acuerdo en rescindir mi contrato y llegar a un nuevo acuerdo. Decidí que lo mejor sería firmar con Roadrunner, que son el mejor sello de rock que hay por

aquí”. Su primer trabajo para Roadrunner, si bien no presenta un giro estilístico ni novedades destacables en su sonido (una efectivo y clásico mash up metalero de alma punk rocker en el que cabe glam, rock sureño, hard rock de toda la vida, coqueteos industriales y homenajes varios al cine de terror), si que muestra a un Zombie rejuvenecido y más vigoroso que en entregas anteriores. Lo demuestran trallazos de la talla de “What?”, “Werewolf Women Of The SS” (canción guiño al trailer falso del mismo nombre que realizó para “Grindhouse” de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez), “Sick Bubblegum” o “Werewolf, Baby!”. “Mi nuevo disco es un poco de todo, una segunda parte de ‘Hellbilly’ y también un nuevo

años lo sigo siendo hoy. Los tiempos cambian, el negocio evoluciona, pero después estás de gira con tu banda y te das cuenta que estás mejor hoy que nunca. A medida que el tiempo pasa, aprecias más la música, bueno, en general lo aprecias más todo, te vuelves más consciente”. Y añade, refiriéndose al estado actual de su carrera. “Sin duda es mejor ahora que antes”. Llegado a esto punto toca hablar de cine. Zombie es uno de los directores clave para entender el cine de terror de la pasada década. Sobre su nuevo proyecto cinematográfico tras la fallida segunda parte de “Halloween” (su primer resbalón en la pantalla grande), un filme titulado “Tyrannosaurus Rex”, afirma que será “una salvaje mezcla entre ‘Rocky’ y “Los ángeles del infierno’”. También le pregunto sobre sus cintas de terror favoritas, y me confiesa lo mucho que le ha impresionado “Déjame entrar”, y en el terreno de oldies me comenta con un entusiasmo casi juvenil que está engullendo un pack de “Godzilla” y que hace poco ha descubierto “Mad Love”, una cinta maldita protagonizado por Peter Lorre. En fin, gran fan del terror en

"Decidí firmar con Roadrunner porque son el mejor sello de rock" inicio. La primera parte de ‘Hellbilly’ fue hace ya diez años y ha sido mi mayor éxito y el que a la gente le ha gustado más. A veces echas una mirada atrás para ver lo qué has hecho y repasas material antiguo, cosas interesantes que habías hecho y le das un nuevo enfoque. No se trata simplemente de volver atrás e intentar hacer lo mismo”. Zombie sabe de lo que habla. Y es que el grandote y greñudo rockero, que me comenta que tras muchos años grabando en solitario por fin cuenta con una banda estable, formación que le acompañó en la grabación de “Hellbilly Deluxe 2”, es un perro viejo en esto del rock. Lleva en este negocio veinticinco años, y lejos de querer echar la toalla, se muestra tan ilusionado como al principio. “Es la misma ilusión que siempre: el amor por la música, de la misma manera en que era un entusiasta de la música hace veinticinco

todas sus represtaciones artísticas, Rob Zombie es algo así como un artista-total del género y todo lo que hace forma parte de un mismo corpus artístico. Él lo tiene claro. “Sí, es así porque todo procede de la misma persona.

Si las películas fueran muy distintas de la tónica del resto de mi trabajo, la gente se preguntaría ‘quién es este tipo’. A lo largo de los años he desarrollado una particular manera de hacer las cosas y con suerte la gente es capaz de reconocer e identificarme en ello. Me encantan muchos tipos de música, e igual me pasa con las películas, pero cuando soy yo el que está detrás de la producción, siempre me decanto por ese estilo en particular”.

■ Xavi Sánchez Pons "Hellbilly deluxe 2" está publicado por roadrunner/divucsa.

Rob Zombie Foto Archivo

estatales con mejor corazón de nuestra geografía, Anni B. Sweet fue artista demoscópica de nuestra publicación, así que aprovechando la celebración de las fiestas este mes, la sometemos a la entrevista más despiadada de cuantas se publican en MondoSonoro.

Anni B. Sweet Foto Fernando Mañas

◗ Además ◗ de ser una de las cantautoras

(MONDOFREAKO /16/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

10

S

Pepo Márquez (The Secret Society) Principalmente conocido por sus canciones tristes al frente de The Secret Society, Pepo Márquez es un músico que ha explorado en diversos mundos musicales también en GrandeMaslaska, Buena Esperanza o Nine Stories.

Metallica “The Black Album” (1991) Metallica fue el primer grupo importante en mi vida. Escuchándoles aprendí a tocar la guitarra, a cantar todas las letras, a pensar que James Hetfield podía salvar mi vida. Además me abrió los oídos para escuchar música más y más dura.

Texas Is The Reason “Do You Know Who You Are?” (1997) Hay discos especiales porque son únicos en su especie. No es el caso. Este disco es especial porque me hace sentir especial desde la primera vez que lo escuché. Este disco me recuerda a mi amigo Jero y a mi amigo Miguelón (que completan conmigo el grupo Buena Esperanza).

Solo en el universo Atraído por el lenguaje musical del cosmos, el granadino se enfrenta en “Multiverso”, a la soledad del astrónomo, para musicar poemas de José Emilio Pacheco, Natalia Garbajosa o el físico David Jou y descubrir una nueva poesía para el siglo XXI.

E

l lenguaje futurista siempre ha estado presente en los temas de Lagartija Nick -te viene a la mente “Mar de la tranquilidad” por ejemplo-, el eco de Kubrick a la hora de abordar la relación del hombre y la máquina también es una constante en toda su discografía, pero fue el artículo del físico José Antonio Caballero sobre “Astronomía y poesía” el que precipitó este proyecto, en un principio como ensayo para alguna revista científica y que ha terminado siendo el primer disco en solitario de Antonio Arias. Él lo explica de forma más científica. “El disco sale de las palabras, después de haber utilizado todo el lenguaje astrológico y futurista para explicar lugares comunes o situaciones personales, de pronto descubro la poesía del siglo XXI, que es ciencia”.

Una conclusión a la que Antonio Arias llega tras recibir, del astrofísico José Antonio Caballero, su cicerone en este viaje iniciático de Arias al cosmos, los poemas del físico David Jou, de la periodista Natalia Garbajosa o del poeta mexicano José Emilio Pacheco. “Me di cuenta de que eran poemas que necesitaban ser gritados, de esto ya me di cuenta en ‘Omega’, y cuando ocurre esto sólo queda ponerles música, intentar acercarte a la musicalidad que el poema lleva dentro y que el poeta ha pensado. Si lo consigues, el camino está hecho. Aun así siempre hay que pedirle perdón a los autores porque algún corte hay que hacer”.

Pacheco, reciente Premio Cervantes, le

transmitió su parabién por la adaptación de “La derrota de Bill Gates”, uno de los temas destacados de “Multiversos”, un elogio que Antonio esquiva con modestia e irónica mala follá granaina. “José Antonio Pacheco me dijo: ‘me ha gustado tanto el tema que te lo regalo’. Supongo que sería para evitar el papeleo”. Los textos de ”Multiverso” no buscan el espanto o el toque Lorquiano de Valente y de toda la poesía del siglo XX. Se trata de describir, como lo hace Natalia Garbajosa, la muerte de una estrella desde fuera, sin intervenir,

David Bowman en la legendaria cinta de Kubrick. y que se basa en esa ciencia ficción, más ciencia que ficción. La partitura debía describir una música perfecta y útil, no olvidemos que se trata de un disco que habla de la verdad como exaltación poética. “Tenía claro que las armonías que mejor le podían ir a textos tan futuristas eran los cincuenta y los sesenta y como mucho ‘Blue Hawaii’ de Elvis”. Y qué mejor lugar para emular esa reverberación de los cincuenta que el Observatorio Astrofísico de Calar Alto (Almería). Allí se trasladó junto con los músicos Popi y Pablo González y el productor Paul Grau y su arsenal de previos analógicos. “En Calar Alto buscábamos esa comunión entre el templo científico y esas reverberaciones características de la música de

"Me di cuenta de que podíamos hacer un disco sobre ciencia, que hablara de ciencia" con cierto rigor científico. “Lo que más me atrajo del artículo de José Antonio Caballero es que los poemas hablaban sobre verdades y hechos muy aplicables a la ciencia, no tratan de reflejar situaciones interiores o lugares comunes. Es entonces fue cuando me di cuenta de que podíamos hacer un disco sobre ciencia, que hablara sobre ciencia y que este fuera el mensaje”. El resultado trasciende en temas como “Miríadas”, su primer single, y el ejercicio más sobresaliente de abstracción poética de un término absoluto, de una verdad infinita.

Una descripción que se esquematiza merced a un lenguaje musical muy pop. Un baile solitario por el espacio como el que hizo

los cincuenta. De paso dábamos envidia al resto de la comunidad artística al afirmar, yo puedo desplazarme para hacer música”. Además de los músicos ya citados han participado en “Multiverso” J y Florent (Los Planetas) y Noni y Alejandro (Lori Meyers) en un proceso de gestación que se ha hecho coincidir con el Año Internacional de la Astronomía. “Somos la nueva generación de sacerdotes astrales, hemos entrado en el templo, no vamos a hacer horóscopos como Kepler, aunque no lo excluyo”.

■ Arturo García “Multiverso” está publicado por Everlasting.

Antonio Arias Foto Archivo

Antonio Arias

Elliott Smith “XO” (1999) Lloré cuando murió porque sabía que nos quedábamos sin alguien único. Alguien que deja en la tierra discos como éste debería tener asegurada una vida en el Más Allá confortable y deliciosa.

A Room With A View “Addition Of Duplicities” (1999) Una vez Conrado, el guitarrista, me dio las gracias por hablar bien de ellos siempre. En un abuso de confianza quiero decirle aquí lo que no me salió en su día: hay que ser muy hijo de puta para no hablar bien del mejor grupo que ha habido en España en siglos.

Ani DiFranco “Like I Said” (1994) Si con Metallica aprendí a tocar la guitarra, con Ani Difranco aprendí que las letras son tan importantes como la música. En el verano de 1997 que pasé en Atlanta, descubrí a Ani Difranco. Y no di crédito.

Aina “Sevens” (1996) Aina fueron, junto a A Room With A View, Standstill y algunos poquísimos más, el grupo que no te daba vergüenza enseñar a tus amigos de fuera de España.

Bruce Springsteen “Born To Run” (1988) Cada vez que alguien me dice que Springsteen es lo peor que ha dado el mundo y que es un gilipollas orgulloso americano, le pido que escuche “Born To Run” y “Nebraska”. Alguien que es capaz de escribir canciones así, o bien no es tan gilipollas o bien tiene todo el derecho del mundo a serlo.

Bob Dylan “The Times They Are A-Changin’” (1963) Elegir un único disco de Bob Dylan es ridículo, a la par que imposible, pero elijo este porque es el que más me impactó cuando leí la historia que había detrás.

As Friends Rust “God Hour” (1999) Siempre me han gustado grupos de hardcore que la escena hardcore nunca aceptó (By The Grace Of God, Split Lip, The Promise Ring, Texas Is The Reason…) por ser diferentes. As Friends Rust entraban en ese saco.

Cannonball Adderley & John Coltrane “Cannonball & Coltrane” (1959) No puedo vivir sin el jazz. Es tan importante en mi vida como el vino o los Doritos. Este disco lo escuché ya mayor, como con veintidós años o así, y me puedo silbar, sin confundirme, las tres primeras canciones del disco. ■

Pepo Márquez Foto Archivo

DISCO

(MondoSonoro · Febrero 2010 /17/ MONDOFREAKO)

Dent May Foto Archivo

Dent May

burbujas Y UKELELES Persona o personaje. Ésa es la pregunta con Dent May, por fuera una suerte de figurante nerd de “Academia Rushmore” y en álbum el autor de una arrebatadora colección de canciones que pondrán el corazón en vilo de los seguidores de Jens Lekman, Stephin Merritt, Serge Gainsbourg y Lee Hazlewood. Escúchenle en “The Good Feeling Music Of Dent May & His Magnificent Ukelele”.

“

No creo que el Dent May que oyes en el disco sea un alter ego”, explica el verdadero Dent May. “Seguro, hay algo de personaje cuando salgo al escenario con un máquina de hacer burbujas y una capa púrpura. En última instancia me considero un entertainer tanto como un artista, pero las canciones son muy personales y sinceras”. Resulta complicado saber dónde empieza el personaje y donde el Dent May real escuchando “The Good Feeling Music Of Dent May & His Magnificent Ukelele”, y no porque sus canciones no convenzan. Más bien todo lo contrario: son de aquellas que te dejan atrapado a la primera escucha y te hacen esbozar una media sonrisa boba y melancólica sin que puedas evitarlo. Pero en ellas también hay algo de exagerado, algo teatral y freak que, sin embargo, no hace más que resaltar el encanto de su música.

May nació en Mississippi y estudió en la NYU Film School y ambas cosas son importantes en esta historia. “Definitivamente, estudiar cine ha

tenido una gran influencia en mi manera de contar historias a través de la música”, explica sobre la segunda. “Cuando crecía quería ser un director de cine, así que mi relación con la música habitualmente está condicionada por cómo encaja esa música dentro de una escena que tengo en mente”. También explica que su película favorita es “el documental ‘Sherman’s March’, pero crecí viendo un poco de todo. También me encantan John Waters, Kenneth Anger y Fellini, aunque desde que abandoné la escuela de cine no he visto muchas películas.

Me quemé”.

Sobre la primera, haber nacido en el estado de Mississippi, una alegre coincidencia. Cuando Animal Collective fueron a Oxford a grabar “Merriweather Post Pavilion” (Domino, 09) descubrieron su música e inmediatamente lo ficharon para su sello Paw Tracks, algo que habla tanto de los heterogéneos gustos de AC como de las canciones de May. “Sí, suena completamente

diferente a lo que ellos hacen, aunque no creo que quieran limitar Paw Tracks a grupos similares a Animal Collective”, se limita a comentar.

El fichaje de Dent May por Paw Tracks también fue una sorpresa para él, como lo ha sido todo lo que le ha sucedido desde que se compró un nuevo ukelele. Había aprendido a tocar el instrumento con su madre con un ukelele de juguete.

“La primera canción que aprendí a tocar fue ‘26 Miles (Santa Catalina)’, que de hecho

historia sobre su negocio paralelo a la música, algo sobre una granja de pollos y de bebidas energéticas, que para cuando nos atiende ya ha desaparecido de allí, aunque habría sido realmente genial que a) eso siguiera en Wikipedia generando confusión o bien b) fuera cierto y por tanto Dent May hubiese resultado uno de los personajes del año. Puede que incluso lo sea sin granja de pollos. Basta con verlo en el videoclip de “Oh Paris”, con ese aire de figurante de “Academia Rushmore”, de Valentino del club de

"Hay algo de personaje cuando salgo al escenario con una máquina de hacer burbujas" está en el disco”. “Hace como un año y medio me compré un ukelele por capricho y empecé a componer canciones”, explica sobre la génesis de todo esto. “En un par de meses ya había grabado el Ep ‘A Brush With Velvet’, que colgué en Internet. Empecé a hacer conciertos como Dent May & His Magnificent Ukelele en parte porque era un poco inseguro para actuar solo, pero también porque quería darle al directo algún elemento de teatro”.

Para añadir más confusión a todo ello, hasta hace poco había en su página de Wikipedia una curiosa

matemáticas, y luego escuchar las canciones de “The Good Feeling Music Of Dent May & His Magnificent Ukelele” para comprender que, sea de carne y hueso o sea una simple invención, Dent May va a tenerte enganchado un buen rato (y si no te engancha, te va a dar tirria a rabiar). Es lo que hay. ■ Joan Cabot “The Good Feeling Music Of Dent May & His Magnificent Ukelele” está publicado por Paw Tracks/Green Ufos. En febrero, Dent May estará actuando en Valencia (11), Murcia (12), Barcelona (13), Lleida (14), Madrid (16), Zaragoza (17), Granada (18) o Sevilla (19).

(MONDOFREAKO /18/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

Converge Foto Matt Miller

Converge

Hachas en alto Las malas bestias que llevan (re)definiendo el hardcore desde hace casi veinte años han vuelto. Y lo han hecho con un disco inmenso.

Se llama “Axe To Fall” y tiene trece canciones con numerosas colaboraciones de miembros de bandas afines. Pero dejemos adjetivos y flores aparte y que hablen en primera persona los de Massachusetts.

Q

uien haya hablado con Jake Bannon cara a cara sabe más o menos de qué va la historia. Cuatro talentos que deciden aplicar sus habilidades a la música y las artes visuales para lograr una expresividad más que rotunda, siempre enfatizando en la coherencia y la trascendencia de ésta. Esta vez Bannon nos contesta por correo electrónico en mitad de una gira relámpago por Japón. “Aunque pudiera parecer que sí, en el proceso de escritura y grabación de este álbum no ha habido más rabia o dolor que en los de los anteriores. Entre el anterior disco y este hemos vivido gran cantidad de experiencias, dicho lo cual también he de decir que para nosotros el grupo es una vía de escape a través de la cual canalizamos una gran cantidad de emociones que vivimos en esas experiencias. Hacernos más viejos

▲Si hasta ahora no había otra escuela más sólida que el local de ensayo o como mucho Guitar Hero, las cosas van a cambiar desde que la Escuela Oficial de Música Moderna Jam Session de Barcelona presenta títulos oficiales para músicos de rock homologados por la RockSchool LTD.

no ha cambiado nada para suavizar eso en nosotros”. Una verdad absoluta, porque el séptimo disco largo de Converge es una apisonadora de ritmos de Nate Newton y Ben Koller (uno empieza a pensar en posesiones diabólicas ante esa manera de tocar) y un Kurt Ballou que es ya uno de los peces gordos del género tanto por sus guitarras en este grupo como por su vertiente como técnico en los Godcity Studios donde estas mismas canciones han sido grabadas. “Respecto al sonido, no empleo nada de tiempo en autoanalizarnos, en estudiar nuestro sonido o nuestro acercamiento a un sentido u otro del mismo. Yo simplemente veo este disco como otro más de Converge”. Bannon continúa igual de sobrio en sus palabras que en anteriores encuentros. Es un tipo que vive y cree al cien por cien en lo que hace y por eso no necesita adornarlo. Una de

▲Sube el músico Julio de la Rosa por el completo manifiesto que acaba de firmar con respecto a la industria discográfica, la piratería y mil aspectos más.

esas personas que respeta y se hace respetar y que es capaz de responder a tus preguntas (hechas casi más por el admirador que por el periodista) inmediatamente después de un extenuante concierto. “La aproximación a las letras de un disco siempre es la misma para mí. Escribo canciones sobre mi vida y la de la gente que quiero y que me rodea. Para mí es la forma más honrada y directa de expresión”. La nómina de músicos que hacen posible la magia de “Axe To Fall” es otro de los

amigos con cuyo resultado estamos muy contentos”. Toda la prensa especializada ha puesto su último disco por las nubes, hablando de trabajo definitivo, mejoría del nivel de “Jane Doe” e incluso bautizándolos como los Black Flag de esta era. Ellos, sin embargo, no se dejan acariciar demasiado el lomo. “No presto atención a las opiniones externas sobre nuestra música. Es halagador oír buenas palabras pero creo que pensar en esas cosas te puede distraer. Cuando empiezas

“Escribo canciones sobre mi vida y la de la gente que quiero y que me rodea” puntos clave. Sin ellos, quizá no serían posibles algunas de las más atractivas caras que ofrece el disco. Unas colaboraciones que van más allá de poner voz o instrumento a algo compuesto por Converge. “Desde el principio tuvimos claro que queríamos hacer un álbum lleno de contribuciones. Hemos tenido una gran cantidad de gente involucrada de bandas amigas como Neurosis, Genghis Tron, Cave In, Blacklisted, Disfear, Des Ark, The Red Chord… toda una interesante mezcla de

▲Sube Tom Araya, bajista y cantante de Slayer, por haber demostrado ser un metalero de verdad.

El grupo se ha visto obligado a cancelar parte de su gira debido a la lesión en el cuello por girar sus melenas sin parar en todos los conciertos.

a prestar atención a los críticos, comienzas también a hacer música con esas opiniones en mente, y no quisiera ser nunca parte de eso. Sólo quiero que nuestros esfuerzos sean lo más puros posibles”. Música apasionada y sincera, eso es lo que ofrecen los chicos de Bannon, que promete anunciar fechas por Europa en breve. ■ Ignacio Pato L. “Axe To Fall” está publicado por Epitaph/Pias.

▲Sube el gremio de peluqueros españoles por ironizar frente a la presión impuesta por la SGAE a diestro y siniestro. “A partir de ahora, cuando vengas a la peluquería, no olvides traerte la música de casa.¡Y todo original!”, es su lema.

SUBEN ▲ tAunque finalmente se estrene, baja que haya tardado tanto en llegar a España “I’m Not There”, la película sobre Bob Dylan dirigida por Todd Haynes y protagonizada por Cate Blanchett.

▲Sube el Consejo Regulador de la DO Chufa de Valencia por obsequiar a los neoyorquinos Vampire Weekend con una completa degustación de horchata.

▼ bajan tBaja el periodista Julián Ruiz quien, pese a su trayectoria, se ha comportado como un chavalín, al patalear a propósito de la repercusión de Animal Collective.

No disfrutar de un disco no significa que los demás se equivoquen.

tBaja nuestro jefe de redacción, Joan S. Luna, por aprovechar cualquier resquicio editorial para hablar de su libro, sus remixes, sesiones, etcétera...

tBaja la posibilidad de ver a Half Foot Outside en directo a partir de mayo. De hecho, ese mes se despedirán definitivamente de nosotros.

tBajan las probabilidades de que haya un vacío generacional en la edición andaluza de MondoSonoro tras el anuncio de una nueva paternidad. ¡Felicidades!

MondoSonoro · Febrero 2010 /19/

MONDObeats

EN LA

BALKATALAN EXPERIENCE Curioso proyecto formado por seis personas (dos video-artistas, tres periodistas que ejercen de pinchadiscos y otro tipo del que no tenemos más información), Balkatalan Experience es la combinación perfecta entre fiesta, espectáculo, excelente selección musical y alcohol. ¡Disfrútenles en el festival Actual! ◗ ¿Por qué motivos empezasteis a pinchar? ¿Para ligar, para ser una estrella?

Por amor… pero al arte. Aunque eso que los Dj’s ligan es una leyenda. Las sesiones terminan demasiado tarde para todo. ◗ ¿Qué recuerdos tienes de la primera sesión?

Excitación, manos temblando al manejar los platos, sudor frío, pánico al no encontrar un disco… Pero también baile, alegría, risas, felicitaciones y la certeza de saber que aquella sesión no sería la última. ◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión tuya?

Por ahora el que nunca ha fallado (cruzamos los dedos), es el disco duro de nuestros video jockeys, que reciben muchos más elogios que los Dj’s. ◗ Por contra ¿Cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Somos tremendamente eclécticos… El setenta por ciento de nuestra discografía no puede sonar en una sesión de Balkatalan Experience. Afortunadamente para los que sólo quieren bailar. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Ser un prepotente y no tener en cuenta la música que quiere escuchar el público. Estamos para hacer bailar, no para mostrar que nuestra discoteca es mejor que la suya. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

Es vital. Si la gente baila y se lo pasa bien nos vuelven a llamar. ¿Qué más queremos? Eso sí, cada vez que nos piden música tipo Extremoduro, Whitesnake o techno se quedan con las ganas. ¿Es que no veis que pinchamos world music? ◗ ¿Tienes algún problema a la hora de mezclar raíces y modernidad en la misma sesión?

Nuestras sesiones se basan en esto. Pasamos de Pata Negra a Fanfare Ciocarlia, de La Troba Kung-Fú a Rosario o de Muchachito Bombo Infierno a Goran Bregovic… Y tan panchos. ◗ ¿Alguna vez has perdido o te han robado los discos?

Una vez nos tiraron un cubata que impactó encima de nuestra maleta. Otra vez en el aeropuerto nos pidieron las facturas de todos los CD’s que como hacemos todos los Dj’s, teníamos bien guardadas en casa. ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Es exagerada la que se les da y la que ellos mismos creen que tienen. Prefiero ver a Girl Talk forrando su equipo para invitar a todo el público a subir con él sin miedo al azúcar de los cubatas. ■

Esplendor Geométrico Foto Archivo

Balkatalan Experience Foto Archivo

MALETA

Esplendor Geométrico

Cumpleaños total Uno en Pekín, otro en Roma, Arturo Lanz y Saverio Evangelista continúan haciendo grande la leyenda de Esplendor Geométrico, grupo pionero de la música industrial que acaba de lanzar un nuevo trabajo con material inédito, “Pulsión”.

A

cercarse a la música de Esplendor Geométrico siempre supone un ejercicio de desconexión; un paréntesis de ruido y ritmo, un retroceso a la brutalidad original, un ejemplo de sonido total que se mantiene inalterable desde hace treinta años. El último capítulo en esta serie lleva el título de “Pulsión”, rompiendo un silencio de seis años sin material nuevo. “No hay un ritmo de trabajo determinado. Yo me pongo a jugar con los instrumentos cuando me apetece, de ahí salen cosas que me gustan y empiezo a darles forma; después me olvido de ellas hasta que Andrés [Noarbe, responsable de Geometrik Records] o Saverio [Evangelista, quien se unió al grupo en 1990] me plantean hacer un nuevo disco”. Así explica Arturo Lanz un proceso que conserva, a su manera, una inocencia primitiva, amén de una ortodoxia con la repetición como mandamiento fundamental. Y por si alguien pensaba que había cambios, él mismo lo deja claro. “No hay evolución, al menos de una forma consciente; no me interesa el concepto”. Tan maquinales como de costumbre, se han hecho dueños de una hipnosis industrial llevada al extremo, punto en el que tercia Saverio Evangelista: “Optaría más por el término hipnosis que por el de industrial. Pensamos que Esplendor ha dejado de ser un grupo industrial desde hace muchísimo tiempo, quizá después del primer álbum, pero la verdad es que nos siguen clasificando así, nos invitan a festivales de música industrial y nuestro público es el que escucha ese estilo. ¡Por algo será!”. Lo mejor, en cualquier caso, es dejar a un lado las disquisiciones y hacer ‘tabula rasa’, ya aparezcan voces tribales, cantos

orientales, la voz del Che Guevara, la del jefe de un partido radical japonés o la arenga antioccidental de un líder islamista, igual que lo hicieron años atrás con referencias a “Juan Pablo II, el Papa del rosario”, el “Ave Maria gratia plena” o la agencia soviética Tass. “Es cuestión únicamente de sonoridad. En el caso del Che Guevara, me hacía gracia el mensaje, que es bastante facha. Me parece que esas voces van bien con el tema y las pongo.

De momento no rezo el rosario, aunque nunca se sabe...”, comenta Arturo Lanz, quien prosigue su discurso desmitificador más

blemente la brutalidad es una derivación del aspecto visceral de nuestra música”.

(Lanz) “No hay mensaje predeterminado.

El único mensaje que intento transmitir en directo es la felicidad que supone para mí dar rienda suelta a mis instintos más primitivos”. Felicidad, quién lo iba a decir, e incluso algún apunte cuasi-bailable, como ocurre en este álbum con “Ensiladora JF-50”, puede que como consecuencia del progresivo cambio tecnológico, acercándose a esquemas más conocidos y, hasta cierto punto, referenciables.

(Evangelista) “Es inevitable que la evolución electrónica influya en la forma de componer y en los resultados, aunque nosotros pensamos que el sonido sigue siendo el mismo. Es decir, que los temas continúan sonando a Esplendor”. Precisamente ahora alcanzan su trigésimo aniversario, coincidiendo con el que Arturo Lanz califica como uno de

"No podría hacer esta música en un régimen comunista como el de la antigua Unión Soviética o Corea del Norte" allá de estéticas e ideologías, del comunismo al futurismo o el constructivismo. “Creo que no podría hacer esta música en un régimen comunista como el de la antigua Unión Soviética o Corea del Norte, ni en la China de Mao. Lo que mejor conecta con lo que hacemos es el ritmo de las máquinasherramienta al producir equipos para la industria ferroviaria o aeroespacial”. Saverio Evangelista prosigue: “Nuestra música no es ideológica, aunque un cierto tipo de estética interesante estuvo ligada a los regímenes totalitarios del siglo pasado”.

La negación del individuo en su vertiente industrial, el superhombre de Nietzsche pasado por el filtro del tribalismo, un empirismo elevado a la enésima potencia, donde no hay método que valga, sólo praxis. (Evangelista) “No hay ningún concepto, ningún proyecto. Proba-

sus periodos más activos. Como celebración, ahí está la caja que ha lanzado el sello japonés Captain Trip incluyendo los primeros discos y casetes que EG editó en los ochenta. Por otra parte, Geometrik piensa publicar en vinilo algunos trabajos que sólo salieron en CD y que están agotados desde hace años, como “Sheikh Aljama” y “Nador”, y el propio Saverio Evangelista apunta que probablemente ofrecerán “algún concierto especial”, mientras que Arturo Lanza, siguiendo su costumbre, opta por el pragmatismo puro y duro: “Lo más seguro es que pase unos días en Indonesia, aunque también podría ser en Tailandia”. Pues nada, felices treinta años; y que sean muchos más. ■ Enrique Peñas “Pulsión” está publicado por Geometrik.

ENTREVISTA

Los Punsetes

Que le den por el culo al amor Ahora o nunca. Es la hora de la verdad para Los Punsetes. Tras un debut que les sacó de las catacumbas del underground y les dio a conocer, con este “LP2” y el apoyo de un sello grande y la sutil producción de David Rodríguez, aspiran a convertirse en una banda nacional imprescindible.

C

on un casi recién estrenado estatus como grupo respaldado por un sello a la vieja usanza, desde Everlasting me hacen llegar una serie de propuestas para vernos y completar la entrevista: este día a la hora de comer, este otro tomando un café o un tercero de cañas por la noche. Me decanto por el que considero que es el hábitat natural para el grupo, que me cita en el Santos, uno de los pocos baretos que quedan en el barrio de Ópera y todavía merece tal denominación. En el Madrid castizo, claro. Como a Gabinete Caligari en su día o Tarántula hoy, en mi cabeza a Los Punsetes les sienta estupendamente una escenografía de torreznos y cortos de cerveza bien tirados. Yo por mi lado me pongo estupendo y le deslizo una condición al sello: que la conversación tenga lugar con uno, a lo sumo dos, de los cinco componentes del grupo. La experiencia me dice que si ya de por sí las charlas de bar tienden a hacerse dispersas, la cosa empeora conforme aumenta el número interlocutores. Pues como quien oye llover… Consecuencia de un modus operandi estrictamente democrático que se encargan de dejar bien claro a lo largo de la conversación, tan sólo el segundo Jota más famoso del indie nacional se excusa -por motivos de trabajo- esta noche. Ariadna, la última en llegar, es recibida con excitación por Chema, mucho más divertido y dicharachero en persona que cuando empuña las baquetas: “Ariadna, ¡¡¡me debes dinero!!!”. Ella apenas se inmuta. Se sienta y la entrevista puede comenzar.

“Con el primer disco no esperábamos gran cosa, la verdad. Fue algo que hicimos con toda la ilusión y consecuencia natural de haber grabado previamente la maqueta y el Ep. Pusimos todo el dinero que teníamos en ese momento, cinco mil euros, grabamos y editamos unos pocos vinilos y mil compactos para distribuir gratuitamente.

En ese momento autoeditarse era la peste, sin embargo ahora la percepción ha cam-

biado y es como muy guay. Mira a Jonston, que tenía varias ofertas para publicar el disco y ha preferido sacarlo él y ponerlo gratis en Internet. ¡Y tan contento! Sin embargo en nuestro caso fue más bien una cuestión de necesidad: si te soy sincero no tuvimos ninguna oferta, aunque tampoco lo movimos demasiado. Vimos que no había muchas posibilidades y no gustábamos a quién creíamos que le podíamos gustar…”.

La venganza es un plato que se sirve frío y un año después Los Punsetes vieron como aquel primer disco se convirtió, poco a poco y vía boca oreja, en uno de los estrenos más suculentos de la independencia nacional de los últimos años. “Si

se, Arturo Lanz de Esplendor Geométrico y El Guincho. El caso es que Mark de Everlasting nos propuso que hiciéramos un listado de futuribles y a J. y a mí (Gonzalo) se nos fue la olla completamente con nombres como James Murphy (LCD Soundsystem), Dj Spooky y cosas así… Además, Mark tiene una historia muy curiosa a sus espaldas y de joven fue compañero de okupa de uno de los tíos de KLF o David Tibet (Current 93), así que pensamos en pedirles una remezcla también. El de KLF pasó completamente de nosotros, pero Tibet puede que lo haga, es una cuestión de pasta…”.

En este momento de la conversación se les nota cómodos y demuestran que haber reunido a los cuatro alrededor de la mesa no ha sido un error sino todo lo contrario. Cada cual desempeña su rol sin aspavientos: Chema, el friki musical que a las primeras de cambio se lanza a recomendar blogs de descarga donde ha descubierto oscuras bandas de black-metal de orientación nacionalsocialista; Gonzalo, bajista y también el cascarra-

“Hasta el Rockdelux que empezó diciendo que éramos más de lo mismo, luego se ha hecho converso” tenemos algo que agradecer a alguien es a los blogs que nos apoyaron desde el principio. La crítica siempre ha sido positiva con nosotros, hasta el Rockdelux que empezó diciendo que éramos más de lo mismo luego se ha hecho converso, pero al mismo tiempo ningún medio apostó claramente por nosotros desde el inicio”. “LP” hasta llegó a reeditarse para tiendas, en una extraña maniobra comercial de su actual sello, Everlasting, que ahora amenaza con hacer otro tanto con el proyecto en solitario de Manu, Anntona.

“Mucha pasta no deben haber hecho con la venta (risas). Pero, bueno, fue una iniciativa suya, a nosotros lo que nos importaba era publicar un segundo disco con garantías y en eso han cumplido con creces”. Hasta el punto de concederles caprichos del calibre de un disco de remezclas que todavía no se sabe si llegará en forma de Ep, álbum largo o extra para una edición especial de “Lp2”. “Ya tenemos confirmados como remixers a Hidrogenes-

bias oficial del grupo, tal vez el único con arrestos para reconocer abiertamente que “hay canciones del disco como ‘La manera de acertar’ que detesto profundamente”; Ariadna, la “modistilla” que le dicen el resto medio en serio medio en broma, casi tan extraña, fría y misteriosa al otro lado de la mesa como cuando se planta inmóvil frente al micro; o Manuel, un buenazo que firma letras tan bizarras como “Vicio” o “Yo creo en Satanás” y que ejerce de voz principal durante la mayor parte de la entrevista. (Manu) “¿Letras bizarras? No sé, no lo veo…”. (Ari) “Anda que la del vicio no es bizarra…”.

(Gonzalo) “Eso es porque nunca has llegado pedo a tu casa a las cinco de la mañana y no sabías ni dónde estaba tu habitación”.

(Manu) “Es que Ari no sabe lo que es una borrachera…”. (Ari) “Ha habido veces que me han llegado con una letra que yo he pensado ‘Madre mía, y ahora yo tengo que cantar esto…’. La de los médicos no me hizo mucha gracia y la segunda estrofa de

‘Dinero’ en este disco tampoco. Pero bueno, si me gusta la melodía al final terminan convenciéndome”. Porque Los Punsetes plantean una lírica cuanto menos peculiar. Treintañeros y urbanitas, lo suyo viene a ser otra forma de costumbrismo, el de la muchachada -Joaquín Reyes firma la portada, por cierto- a la que una vez se llamó Generación X y que hoy se toma la crisis del ladrillo y los índices de paro más altos de Europa con sentido del humor. (Manu) “Escribimos como hablamos y de la misma forma en que vivimos, con normalidad. ¿Que estás harto de los amigos de tu novia? Pues un día estallas y le sueltas ‘Chica, ¿sabes qué te digo? Que le den por el culo a tus amigos’. Es así, nada más lejos de nuestra intención que provocar una polémica. Los grupos que más me gustan, Hidrogenesse, Manos de Topo o La Bien Querida también tienen un rollo muy personal a la hora de enfrentarse a las letras”. Una La Bien Querida a la que les une varios vínculos, el último y más evidente compartir a David Rodríguez a los mandos de la producción. Por cierto, que el propio David me ha confesado que en esta ocasión se ha limitado a grabar el grupo y dejarles hacer...

“Es mentira. En todas las canciones David ha aportado algo que nosotros nunca habríamos hecho. Y en otras como ‘Por el vicio’ o ‘A cien metros del cementerio’ su mano es evidente en el desarrollo e incorporando unas guitarras y unos teclados de aires así como muy germánicos. Nosotros somos mucho más burros y habríamos ido al traca-traca. Lo que pasa es que al mismo tiempo ha sido muy respetuoso con el sonido y la esencia del grupo. Ha buscado que las canciones le funcionen a él de un modo en que siguen sonando a Los Punsetes”.

Cierto, hasta el punto en que una escucha del disco despreocupada, “sin auriculares”, puede hacer que su mano pase inadvertida. “Buscamos un punto de vista externo, porque sabíamos que si hubiésemos repetido como productores no íbamos a crecer como grupo e íbamos a terminar fostiándonos los cinco. David, por el contrario, es la paz y el amor”. ■ Luis J. Menéndez “LP2” está publicado por Everlasting/Popstock!

Los Punsetes Foto Ivan Rosenstock

MondoSonoro · Febrero 2010 /21/

(MondoSonoro · Febrero 2010 /23/ ENTREVISTA)

La Habitación Roja

El paisaje rocoso creado por Steve Albini ha quedado atrás dejando un directo mucho más sólido. Necesitaban dar un paso adelante y en “Universal” lo han hecho volviendo al pop cristalino de sus primeros discos, sin demasiadas vueltas y con toda la experiencia de dieciséis años firmando estribillos memorables.

N

o es fácil escribir canciones sencillas y redondas. Tampoco debe serlo componer pequeños himnos generacionales que enganchen a la primera, pero La Habitación Roja tienen la habilidad de sacar cuatro o cinco por disco y además son conscientes de que a veces no es posible. El apunte de humildad no parece fingido y tiene bastante importancia; a lo largo de los años es algo que no se han cansado de repetir. Lo que ves es lo que hay. Desde la azotea de las oficinas de su discográfica en Madrid, Jorge Martí (voz y guitarra) se reafirma en algo tan básico sin que suene a debilidad.

“Buscábamos un sonido que conectara con nuestros discos de cabecera de la adolescencia, y salían álbumes como ‘Automatic For The People’ de R.E.M, ‘The Queen Is Dead’ de The Smiths, ‘Ocean Rain’ de Echo & The Bunnymen… Las canciones que haces en un determinado momento son las que te llevan a un lugar o a otro.

Muchas veces los sellos te dicen ‘Es que en tal disco tenías que haber grabado más hits’, y yo pienso ‘¿Tú los tenías? Pues yo tampoco’. Metes lo que tienes en ese momento. A todos nos encantan las canciones inmediatas y directas que se convierten en himnos, pero si lo intentamos hacer de forma premeditada, al menos a nosotros, no nos sale”. No se resisten a abandonar su parcela en ese limbo comercial entre el mainstream y el underground, pero es algo que no depende de ellos sino de las características de un mercado que está en continua evolución y sólo aspiran a ser honestos consigo mismos.

Mientras tanto, han conseguido llegar a disfrutar de ser un grupo de (no tan) pequeñas y devotas multitudes. “Realmente no esperamos dar

más saltos que los de alegría. Es cierto que hay una tierra de nadie y probablemente nosotros transitamos por allí. No es que sea un desierto, porque hay mucho trabajo que desarrollar y otros grupos que lo hacen igual de bien. Aspiramos a que nuestra música, como indica el nombre del disco, sea universal y que trascienda nuestros límites actuales. No por el hecho de la fama, la gloria y el dinero, sino porque es importante para un grupo tener nuevos retos, ambición, renovar público y llegar a otros sitios que no has llegado siempre que seas fiel a tus premisas y a lo que te gusta. Creo

“Somos un grupo con muchas posibilidades y puede que estuviéramos un poco acomodados” que hemos equilibrado la balanza entre la frescura y la madurez, entre la tristeza y el optimismo y editado un disco equilibrado; y es pop porque también nosotros somos un grupo de pop”. Sin sentirse el centro del universo, tan sólo del sencillo mundo que les rodea, han dejado de lado el ampuloso y rotundo sonido de sus dos anteriores trabajos grabados en Chicago con Steve Albini para volver a lo básico y a lo que mejor saben hacer: canciones sin artificios, sin complicaciones pero con estribillos demoledores. Y su media sigue siendo bastante superior al resto. “Younger”, “Voy a hacerte recordar” o “Días de vino y rosas” son tres temas que sin duda arrasarán en directo. “La verdad es que queríamos y necesitábamos hacer algo diferente. Tras dos discos muy crudos grabados con Albini, con otro tipo

mismo nos apetecía hacer algo mucho más elaborado y ponernos retos para no caer en el aburrimiento. Hemos incorporado cuerdas y llevamos un músico extra que toca teclados para enriquecer una propuesta que era más básica y primitiva. En ese sentido era algo que necesitábamos y hemos conseguido encender la llama de la ilusión”. No ha sido un espejismo, sino dieciséis años de trabajo duro a la búsqueda de la canción perfecta, y necesitaban recuperar el entusiasmo. Repetir las mismas canciones una y otra vez, por mucho que el público esté totalmente entregado, puede llegar a ser agotador.

(Pau Roca, guitarra) “A mí hay alguna canción que me ha aburrido siempre y otras que me están empezando a cansar. Cuando preparamos una actuación notamos que

hacen falta cosas más frescas. ‘Mi habitación’ es una canción que nunca queremos tocar, pero luego ves que te la piden porque a la gente le apetece escucharla y lo terminamos haciendo porque es fácil y el público disfruta mucho, pero es una de las que no ensayamos nunca”. (Jorge) “No es lo mismo pensarlo que hacerlo. Con el ambiente idóneo, cualquier canción te vuelve a provocar las mismas sensaciones.

Es muy bonito, pero hace falta renovarse”.

“Universal” brilla desde el principio con el orgullo del que sabe que ha dado lo mejor de si mismo, y por una vez siento que no es un tópico de entrevista promocional. “Es un ejercicio de autoafirmación; de saber que lo que hacemos, lo hacemos bien. Técnicamente es el disco que mejor suena, la voz se oye mejor que nunca, hay arreglos mucho más logrados y ha sido un ejercicio de intentar ir un poco más allá. Somos un grupo con muchas posibilidades y puede que estuviéramos un poco acomodados. No sé si lo hemos conseguido al cien por cien, pero desde luego el porcentaje ha subido”. Ha habido mucho trabajo previo, y un porcentaje muy elevado de las canciones podrían funcionar como single. En esta ocasión, tenían las cosas suficientemente claras como para meterse ellos solos en el estudio. “Hemos grabado con Marc Greenwood (nuestro bajista), con Jordi, que era nuestro técnico de directo y ahora es casi un miembro más del grupo.

El estudio estaba en Gandía, en un antiguo cine. Lo mezclamos en Red Led en Madrid con Carlos Hernández, teniendo a Marcos de Mushroom Pillow como gurú. Teníamos alrededor de cuarenta canciones en dos tandas de maquetas con sus respectivas regrabaciones. Entre todos hemos intentado dar forma a un disco que creemos que es nuestro mejor trabajo y el álbum por el que se nos va a recordar. Es una especie de vuelta a casa, de mirar para adentro y de alguna manera hacer que la noche se vuelva a encender, como dice una de las canciones”. ■ Javi Ruiz “Universal” está publicado por Mushroom Pillow.

La Habitación Roja Foto Chus Antón

De vuelta a casa

de texturas y sonoridad, pensábamos que por ese camino no queríamos seguir. Hemos hecho también muchas cosas además de canciones en los últimos meses, pero no hemos dado demasiados conciertos. Sí ha habido mucho trabajo en casa con las guitarras acústicas y las voces y de alguna manera queríamos comenzar una nueva etapa. Empezar con algo mucho más pop y luminoso, en el que primara más la canción y el conjunto que las estructuras.

Veíamos que se abrían nuevos campos por la línea que lleva el disco y nos apetecía seguir por ese camino”. Eternos aspirantes a la primera división del indie nacional, como no podía ser menos en su universo de perdedores orgullosos de serlo y de levantar la cabeza frente al absurdo de la vida diaria y al sinsentido del desamor no deseado, la experiencia americana terminó de pulir un sonido que les acercó a la potencia de sus conciertos. De vuelta a la atmósfera más cristalina de sus cuatro primeros Lp’s pero con una calidad técnica a años luz de aquellos, se lo han tomado con calma y cocinado a fuego lento y con sus propias manos un disco que no da lugar a excusas. “Ahora

(ENTREVISTA /24/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

Vampire Weekend A un debut deslumbrante le siguen, de manera inevitable, las dudas: ¿serán capaces de aguantar el tipo con el segundo álbum?

Hay ejemplos más que de sobra de decepciones, de expectativas incumplidas y de discos menores que no son ni la sombra de lo que fue el estreno del grupo en cuestión. Pero todo eso pasará con otros, no con “Contra”, el nuevo trabajo de Vampire Weekend.

E

De izquierda a derecha Ezra Koenig, Christopher Tomson, Chris Baio, Rostam Batmanglij Foto Alex Beck

l mismo día en que media España (y tres cuartos de Europa) se paralizaba por la nieve, se publicaba el segundo álbum de Vampire Weekend, “Contra”, un disco con el que es fácil cambiar el frío por una soleada playa de Malibú simplemente pulsando el ‘play’, para encontrarse, a las primeras de cambio, con un estribillo que pocos se habrán resistido a canturrear en las últimas semanas: “In de-

cember, drinking horchata / I’d look psychotic in a balaclava” (“Horchata”), una apertura que suena tan refrescante como lo fue su debut, aunque hayan cambiado la exuberante inmediatez de hace un par de años por un sonido que busca, y encuentra, nuevos registros. “Si de algo pecaba nuestro primer trabajo era de tener un tono muy parecido en todas las canciones. En su momento eso estuvo

bien, sobre todo porque nos hizo bastante reconocibles, pero queríamos ofrecer algo más”. Quien contesta al otro lado del teléfono es Rostam Batmanglij (teclado, guitarra y voz, además de productor), responsable en buena medida de que Vampire Weekend suene, más

que hemos hecho nunca, como ‘Cousins’, y otros mucho más calmados, incluso es la primera vez que utilizamos la guitarra acústica (‘I Think UR A Contra’). La voz también ha sido muy importante, porque nuestra idea es que fuese un instrumento

“Pensamos mucho las cosas, las maduramos y nos gusta tener todo controlado” que nada, a Vampire Weekend. “Antes apuntábamos algunas cosas, pero ahora todo está más definido. Pienso por ejemplo en una canción como ‘Holiday’: no es que suene a ska, es que quiere ser ska. Por eso hay temas que son los más enérgicos

más, y por eso hay registros tan diferentes: unas veces Ezra canta de manera muy urgente, otras en falsete o más bien buscábamos una textura determinada, como si fuera un colchón. Teníamos claro que éste debía ser un álbum diverso,

Cuan

l o s l e a l l i r b o d

(MondoSonoro · Febrero 2010 /25/ ENTREVISTA)

aunque todo fuese rápido, no sé si me explico. ‘California English’ dura sólo dos minutos y medio, pero pasan muchísimas cosas. Eso es lo que pretendíamos conseguir, aunque el reto más importante es que, a pesar de esa diversidad, por encima de todo tenía que existir una coherencia que permitiese dar una visión de conjunto de lo que es ‘Contra’. Espero que lo hayamos logrado. Es un disco más largo, o más bien más ancho… bueno, más expansivo; eso es, con más recorrido”.

El objetivo no era otro que confirmar que lo de “Vampire Weekend” (vigesimoquinto mejor disco de la década recién terminada para esta publicación) no era un espejismo ni tampoco el enésimo ‘hype’ en una escena demasiado acostumbrada a encumbrar grupos para de-

jarlos en el olvido casi de inmediato. “No nos hemos sentido especialmente presionados, o al menos no más que en el primer disco. En realidad es una suerte poderte enfrentar a las nuevas canciones mientras la gente te dice que está deseando que saquemos un segundo álbum. Es un estímulo más que una presión. Además, en el primer concierto que hicimos en Nueva York para presentar nuestro debut ya tocamos un tema que ha acabado estando aquí, ‘White Sky’, así que hemos trabajado en ‘Contra’ desde ese mismo momento, igual que ahora ya estamos pensando en algunas ideas para el tercero. Hay quien cree que en nuestra música todo es fácil, y en cierto modo nos gusta que se transmita esa sensación, pero

pensamos mucho las cosas, las maduramos y nos gusta tener todo controlado, desde la portada a la puesta en escena”.

Quizá entonces ya tuviesen en la cabeza el que finalmente ha sido el eje central de este álbum.

“Era algo en abstracto, sin definir, pero queríamos que fuese nuestro disco de California, nos resultaba muy atractivo, aunque sigue habiendo cosas de Nueva York, desde luego. Luego fuimos dando forma a ese concepto, porque representa de alguna forma la imagen de un cierto ideal de vida y de bienestar, por lo menos de cara al exterior. La gente piensa en California y ve playas, olas, sol y grandes casas, pero no los problemas que también existen, como en cualquier otro sitio. Para muchos es justo lo contrario de Nueva York, aunque nosotros creemos más bien que es la otra cara de la misma moneda”. Al margen de la estética y otras cuestiones de orden extramusical, la influencia de grupos como Operation Ivy, banda señera del ska punk de la Costa Oeste, es más que notable. “Hemos crecido escuchando mucha de esa música, así que es natural que nos influya”, apunta el

asegura que en su inminente visita a nuestro país -día 27 de febrero en Barcelona, el 28 en Madrid- también probarán la nuestra) a la camiseta del Chivas de Guadalajara que Chris Tomsom luce en el trepidante vídeo de “Cousins”. No deja de ser una anécdota, pero refleja el espíritu global que impregna su música, un crossover multicultural que hace que se pueda hablar lo mismo de The Clash que de Fela Kuti, Orange Juice o Paul Simon. Ya no es sólo afrobeat, sino world music en versión pop, con “Diplomat’s Son” como mejor ejemplo de semejante coctelera: aquí conviven sin mayor problema el sonido ‘made in Bollywood’ (también en el inicio de “Horchata”), el reggae de Toots And The Maytals y la electrónica de M.I.A., dando como resultado los seis minutos más sorprendentes en la todavía breve trayectoria de Vampire Weekend. “Personalmente estoy muy orgulloso de esta canción, porque es la más compleja que hemos hecho nunca y demuestra que no sólo tenemos que tocar rápido para llegar a la gente, sino que hay otras posibilidades”. Es, de paso, la respuesta más clara a los muchos que les auguraban una caída en picado semejante

“Queríamos que fuese nuestro disco de California, nos resultaba muy atractivo” músico de origen iraní. De aquí también sale la fotografía de la chica de la portada, tomada en Manhattan en 1983, pero que acabó en Malibú y que ahora, años después, se ha convertido en la imagen del segundo largo de Ezra Koenig, Rostam Batmanglij, Chris Tomson y Chris Baio, manteniéndose a la expectativa y mirando no se sabe a qué ni a quién, con un aire moderadamente pijo (polo de Ralph Laurent incluido) que no ha hecho sino sumar un nuevo capítulo en el debate entre quienes les adoran y quienes les detestan sin ningún tipo de matiz. “No nos preocupa en absoluto, es algo estéril.

Lo único que lamentamos es que se mantengan ciertos prejuicios; más allá de eso, tenemos claro que no podemos gustar a todo el mundo”, ataja el teclista y productor de Vampire Weekend.

D

escendiendo hacia el sur desde la propia California, el grupo neoyorquino, formado por estos cuatro veinteañeros de la Universidad de Columbia, llegó el pasado mes de marzo a México, lugar del que también sacan algún que otro recuerdo para este álbum, desde la horchata (la suya es de origen azteca, aunque Rostam Batmanglij

❱❱ VAMPIRE WEEKEND

“Contra”

XL/Popstock!

POP 11114 La canción que abre el segundo disco de Vampire Weekend, “Horchata”, cuenta como uno jovencito con el corazón roto bebe horchata en diciembre para recordar un amor veraniego que ya pasó. La historia es bien simple, y la canción también, pero es todo tan perfecto, está todo tan en su sitio, en la línea del “menos es más” de ese pop de miniatura con denomina-

a la de The Strokes, porque por el momento Koenig, Batmanglij y compañía han superado con nota la reválida gracias a este segundo trabajo cuyo título remite a confrontación, pero también a la guerrilla nicaragüense que se enfrentó a las sandinistas, a la mítica saga de videojuegos que triunfó a finales de los ochenta o a la ensoñadora balada (“I Think UR A Contra”) que pone fin a estos treinta y seis minutos, dando cuenta de las múltiples caras de una banda bastante más compleja de lo que parece. “Puede tener muchas interpretaciones, pero al final estamos hablando de la existencia de un conflicto, que es un tema que aparece en varias canciones de este álbum: en la pareja, en la familia, en el trabajo, al establecer una comparación entre un disco y otro... No siempre hay que elegir, pero nos empeñamos en hacerlo”. Ahora la decisión está en tus manos: ¿los amas o los odias?

■ Enrique Peñas “Contra” está publicado por XL/Popstock!

Vampire Weekend estarán actuando el 27 de febrero en Barcelona y el 28 en Madrid dentro del Heineken Music Selector.

ción de origen que ya poblaba su debut, que enseguida comprendes que estos cuatro pijos neoyorquinos de buen corazón lo han vuelto hacer. “Contra” es una maravilla, un disco en el que los norteamericanos enriquecen su pop de juguete con fugas al hemisferio sur a base de resultones y coquetos arreglos electrónicos y de sintetizadores ochenteros. Una operación que aporta nueva vida (la justa) a la celebrada fórmula de una de las bandas de pop con más clase de la actualidad. Y es que “Contra” es un disco variadísimo, hay un poco de todo en los poco más de treinta y seis minutos que dura.

Ska-pop infeccioso en los rompepistas “Holiday” y “Cousins”, pop multicolor en “Giving Up The Gun”, flirteos con los sonidos jamaicanos en la deliciosa “Diplomat’s Son” (donde se atreven a samplear a M.I.A. y Toots And The Maytals), y cumbres como “Run”, “White Sky” y “California English”, tres canciones llenas de guitarras saltarinas, arreglos de cuerda sublimes, sintetizadores bonitos a rabiar y unos coros y segundas voces sublimes. ■ Xavi Sánchez Pons

(ENTREVISTA /26/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

Albert Jodar Sebas Puente Fotos



Sergio Vinadé



Tachenko

El cuarto disco de los zaragozanos Tachenko llega en su mejor momento como grupo. Con las ideas más claras que nunca, seguros de sí mismos y satisfechos tras recibir excelentes críticas como banda de acompañamiento de Micah P. Hinson en su reciente gira española. Y el pop resplandeciente de “Os reís porque sois jóvenes” ratificará el estatus merecido por el cuarteto.

T

ras la resaca navideña me reúno en las oficinas que esta publicación tiene en la capital zaragozana con Sergio Vinadé (ex El Niño Gusano y Fantasma 3) y Sebas Puente, miembros fundadores de Tachenko y principales artífices del catálogo del grupo.

El motivo es la inminente publicación del que será su cuarto trabajo, como siempre bautizado con un inspirado y llamativo título, en esta ocasión “Os reís porque sois jóvenes”.

“Los títulos son muy personales pero nunca son invención nuestra”, bromea el eterno sonriente Vinadé. Sea como fuere, un disco pleno del pop brillante, alegre y luminoso tan reconocible y asociable a estas alturas, que respetando la pura esencia de Tachenko, se impone orgulloso como su obra más madura (que no seria) y ambiciosa. “Es el más

maduro porque es el disco en el que más hemos crecido. Aún tenemos mucho por decir, pero es el primero grabado sabiendo realmente qué queríamos hacer.

Teníamos las ideas claras y el grupo con el que darles forma. Ya nos habíamos

les. “Fue muy positivo porque no había restricciones de tiempo. Por su parte, dejamos la mezcla libremente en las manos de Alfonso Ródenas porque desde las maquetas vimos que había entendido a la perfección lo que queríamos”. Tras “Nieves y rescates” (Grabaciones en el Mar, 04) y “Las jugadas imposibles” (Grabaciones en el Mar, 06), “Esta vida pide otra” (Limbo Starr, 08) fue un firme paso adelante en la carrera de la banda. Una extensísima gira que recorrió todo el país, el asentamiento de Edu Baos (bajo) y Alfonso Luna (batería) en el grupo, y el salto al sello madrileño Limbo Starr terminaron por poner a la banda en boca de

“Si hacemos pop es porque queremos y nos gusta, no porque no nos quede otro remedio” encontrado como banda”. A esa libertad ha contribuido la decisión de registrar el disco en los estudios que Edu Baos, bajista de la banda, tiene en la ciudad, enviando posteriormente las grabaciones para las mezclas definitivas al reputado Alfonso Ródenas en Los Ánge-

muchos. El presente trabajo debería auparles de una vez por todas a lo más alto del panorama patrio, mostrándose los autores cautos y conscientes a partes iguales, con la lógica ilusión de quien se sabe más cerca que nunca del premio gordo. “Todo lo hemos enca-

minado a hacer el mejor disco posible y no sé si nos llevará a la primera línea de nada, pero seguro que vale para seguir en el buen camino y tirar un poquito más para arriba. Hasta dónde, lo decidirá el público, pero queremos demostrar que tenemos mucho que decir y que ya lo estamos haciendo”. El principal motivo para el optimismo radica en que “Os reís porque sois jóvenes” rebosa éxitos instantáneos, en el que prácticamente cualquier corte podría funcionar al instante como efectivo single. Aunque la elección final haya recaído en “Escapatoria”, ahí quedan otras férreas candidatas como “El respland’Or”, “Tírame a un volcán”, “La Resistencia” o “Vámonos”, una de las mejores canciones firmadas por la banda hasta la fecha. “Cada uno tenía su preferida, pero con ‘Escapatoria’ estábamos todos de acuerdo en que era la más inmediata, la vía perfecta para mostrar el álbum al público”. A la anterior entrega le siguió un interminable número de conciertos porque era justo lo que el grupo requería en aquel momento, pero ahora las demandas son otras. “En la última gira aprendimos mucho tocando en tantos conciertos. Esta

(MondoSonoro · Febrero 2010 /27/ ENTREVISTA)

Eduardo Baos

Alfonso Luna

 vez queremos dar un paso adelante y ya que este disco tiene más arreglos y energía, poder llevarlos al directo para que la gente note que hemos dado un paso más también sobre el escenario. Nunca hemos sido continuistas y tampoco vamos a serlo ahora”. Precisamente no hace mucho que han finalizado su aportación como banda de acompañamiento del mismísimo Micah P. Hinson en la última visita del tejano. “Conocí a Micah cuando fui su road manager y al poco tiempo coincidimos actuando en el FIZ, donde vio nuestro concierto y nos ofreció tocar con él”, explica Sergio.

A la postre una experiencia enriquecedora y más que satisfactoria para ambas partes, que parece ser tendrá continuidad cuando

 de los músicos se extiende hasta una cada vez más frecuente presencia tras los platos, “selectores de canciones” como se autodenominan, pero aclaran la circunstancia. “Que nadie piense que nos hemos apuntado a ningún carro reciente, porque llevamos catorce años poniendo música”. Sergio se refiere a la época en que regentó el mítico bar, hoy desaparecido, Fantasma de los Ojos Azules. Entonces, él, Sebas y muchos otros pasaron horas enlazando canciones que animaron las noches de un movimiento cultural zaragozano siempre inquieto. “Aquí siempre ha habido grandes grupos haciendo cosas muy interesantes. Ahora también con Big City, Bigott, Nixon que cuenta con Richi (ex Tachenko y La Costa Brava), Violadores

“Queremos demostrar que tenemos mucho que decir y que ya lo estamos haciendo” el americano vuelva por estas latitudes. Habrá servido además para que muchos dejen de considerar a Tachenko como una “mera banda de pop”, acercándose a sus propias composiciones tras descubrir su calidad como músicos. “Está muy bien que mucha gente que haya venido a ver a Micah se dé cuenta de que una banda de pop sabe tocar otros géneros. Está bien matizar que si lo hacemos es porque queremos y nos gusta, no porque no nos quede otro remedio. Hay muchos complejos con la música pop y un mal entendimiento del término. Eso tendría que cambiar y los que hacemos pop deberíamos decirlo con la cabeza bien alta”. La hiperactividad

del Verso, Copiloto e incluso artistas que venden mucho como Amaral o Bunbury”.

Sebas apuntilla: “Somos todos amigos, quizá por eso no nos hace falta tener una etiqueta, porque todos nos valoramos a nosotros mismos”. En efecto, Zaragoza sigue contando con un generoso número de bandas y bares que mantienen viva la tradicional hiperactividad musical de la ciudad. Y Tachenko son, en este preciso momento y por méritos propios, el máximo exponente de esa respetada escena maña. ■ Raúl Julián “Os reís porque sois jóvenes” está publicado por Limbo Starr.

❱❱ Julián López (Muchachada Nui) ¿Qué opinas del nuevo disco del grupo?

“Empezando por el título (cuando lo escuché me quedé con el “culo torcío”) hasta la última canción, Tachenko firman un disco con más luz musical y unas voces más refinadas y amables (si cabe) por parte de Sergio y Sebas”. ¿Qué aportan Tachenko a la música estatal?

Unas letracas insuperables hasta ahora, junto a una sonoridad que hace que crea estar meciéndome como un títere en un caballito de tiovivo cuando los escucho. ❱❱ Micah P. Hinson ¿Qué opinas del nuevo disco de Tachenko?

Lo concibo como algo bonito, preciosa evolución y movimiento. Estos hombres son como caballos: van a puro galope. No son meros hombres que permanecen quietos esperando qué les sucederá después. ¿Y cuál es tu punto de vista con respecto a su música en general?

Creo que su música es como un gran monstruo rabioso, con la lengua de un español y unos contoneantes brazos enormes que se niega a ser otra cosa que no sea lo que es, y sobre todo hacerlo en este mundo tiene cojones. No cambiar o adaptarse a este mundo que espera que todos viertan palabras en inglés de sus bocas. Para mí representan la libertad y el orgullo en el gran país que es España. Una nueva fuerza musical en estos tiempos modernos y, sobre todo, los considero a todos y cada uno de ellos buenos amigos. ❱❱ Ken Stringfellow ¿Qué opinas del nuevo disco de Tachenko?

A pesar de no poder pillar toda la chispa de sus letras, debido a mi pobre dominio del idioma (estoy esperando a que saquen un álbum de chanson en francés) Tachenko te hace disfrutar y te engancha…Tuve el placer de escuchar una de sus canciones justo cuando era una ardiente fajita recién remezclada y me sentí inmediatamente orgulloso de estos chicos. ❱❱ Guille Milkyway (La Casa Azul) ¿Qué te parece el último disco de Tachenko?

El último disco de Tachenko es el que más me gusta de todos los que han publicado, y eso, teniendo en cuenta que los anteriores me entusiasmaban, supone que este 2010 ha empezado de la mejor manera posible para mí. En cualquier caso, un disco que lleve el título de “Os reís porque sois jóvenes” me hubiera gustado aunque fuera una mierda. ¿Qué crees que aportan a la musica estatal?

No tengo ni idea de lo que aportan a la música estatal. Lo que sí sé es que a mí me aportan equilibrio y segregación infame de serotonina. Emoción a raudales y básicamente ganas de levantarme de la cama, que, en los tiempos que corren, es a lo máximo que uno puede aspirar. Algo así como lo que pasaba cuando salía un disco nuevo de The Housemartins. Esa sensación de que hoy te levantarás de la cama y vas a hacer algo por cambiar las cosas. Esa sensación. ■

CONCIERTOS Arizona Baby Foto Susana López

Delorean Foto Alfredo Arias

MondoSonoro · Febrero 2010 /31/

Arizona Baby (1111) Sala Sidecar (Barcelona) Fecha 8-I-10 Estilo acústicas en llamas Público sold out Promotor Subterfuge

Delorean (1111) Sala Joy Eslava (Madrid) Fecha 08-01-2010 Estilo post-post-punk Público lleno Promotor Myspace Siempre los vamos a inundar de referencias porque son de aquí, y de momento no parece que nos vayamos a quitar de encima esa manía que tenemos de destrozar lo nuestro. Sin embargo, Delorean están en un momento en el que hay pocos que les tosan en lo suyo. Entre esta visita con olor a gran celebración y el revoltijo de hace un año en Costello, cabe una vida marcada por el viraje hacia la captura de un sonido más evocador. “Ayrton Senna” ha puesto al grupo en la picota internacional, y aunque la procesión vaya por dentro, los nervios han abandonado el escenario por completo. Aún queda post-punk de libro como su necesario trampolín formativo, pero el repertorio actual es una montaña rusa de sensaciones en las que el pop ha entrado por la puerta de atrás como un elefante en una cacharrería. Se han mirado al espejo, se han replanteado sus coordenadas y han pasado por Madrid para contarnos cómo se van a comer todo el mundo que les quepa en 2010. Menos veraniegos o benevolentes que en algunas de sus últimas grabaciones, pero por la misma razón, más conscientes del lugar y el espacio que ocupan. Joy Eslava se llenó para ver el bien aprovechado principio de una quimera. A ver si vuelven al final para demostrar esa capacidad de aprendizaje que los ha llevado a ser una de las realidades más excitantes del rock español del último lustro. Jorge Obón

Lo que era un secreto a voces se me acabó confirmando como toda una realidad en una abarrotada y expectante sala Sidecar de Barcelona. Arizona Baby se desenvuelven muy bien en directo y sus dos trabajos de estudio no hacen justicia del todo a la energía que son capaces de generar con tan sólo dos guitarras acústicas y una mínima percusión. De hecho, Javi Arizona, su cantante y guitarra rítmica, lo resumió a la perfección cuando, ya en el tramo final del bolo, comentó: “Se me ha roto una cuerda de la guitarra, eso es señal de que estamos dando un buen concierto...”. Cierto. Y el secreto es tan obvio que ya no debe ser considerado como tal.

Una voz potente y algo cazallosa que se sustenta en una guitarra rítmica que, a su vez, recibe el apoyo de otra solista que elabora unos clásicos aunque filigranescos punteos, más una percusión rellenando los espacios con un ritmo trotón y acelerado. Una combinación que se centra en sonar robusta, en ocasiones incluso algo sucia, dejando claro que lo suyo es más una cuestión de fuerza bruta, de desprender y trasmitir energía al público, que de andarse con tibieces o delicadezas técnicas. Además, si a esa interpretación poderosa le añades un buen puñado de canciones con gancho como “Runaway”, “Ouch!” o “Getaway” ya tienes a todo el mundo comiendo de la palma de tu mano. La única mácula fue esa desafinada versión de The Jayhawks que nos quisieron regalar durante los bises en colaboración con sus teloneros (dos miembros de The Midnight Travellers), aunque por fortuna rectificaron cerrando con su tema más esperado y coreado. Fue ese “Shiralee” que lleva camino de convertirse en la canción que les dé a conocer a un público más amplio y que, aquella noche, sirvió para devolvernos la sonrisa que su directo merece. Don Disturbios

Astrud & Col.lectiu Brossa Foto Dani Canto

( CONCIERTOS /32/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

Astrud & Col.lectiu Brossa (1111) Sala L’Auditori Sala 2 Oriol Martorell (Barcelona) Fecha 22-I-10 Estilo pop orquestado Público sold out Promotor Festival del Mil.leni las grandes canciones que tocan juntos. Sorprende descubrir la grandeza de “Mentalismo” cuando pierden toda su carcasa electrónica y se convierten en algo incluso más rico de lo esperado. Y no es una excepción, para nada, puesto que prácticamente todo el repertorio funciona a la perfección entre los comentarios ácidos, sarcásticos y cercanos de Genís Segarra (contando mil historias sobre sus acompañantes con una gracia especial) y los malabarismos vocales de un Manolo Martínez que, ahora más que nunca, demuestra ser un excelente cantante. Quizás resulte extraño imaginar un violín subrayando la grandeza de las melodías de Astrud, un acordeón sonando en “Europa”, unas marimbas en “La boda”, “Miedo a la muerte estilo imperio”, “Paliza”, “El vertedero de Sao Paulo” o “Noam Chomsky”, por no hablar del protagonismo de la viola de rueda (una zanfona, vamos) en “Todo da lo mismo”, pero todo lo resumo en que, si vuelven a tener la oportunidad de presenciarlo, no la dejen pasar bajo ningún concepto. Joan S. Luna

Cracker Foto Fernando Ramirez

Mientras muchos pensaban que Astrud se habían tomado un descanso indefinido, ellos, Manolo y Genís, se estrujaban las neuronas intentando darle un nuevo giro a su ya de por si inquieta trayectoria. Lo que una década atrás había empezado con dos personas sobre el escenario, más tarde había devenido en trío y posteriormente en una formación bastante más amplia, se iba a convertir ahora en una suerte de orquesta de cámara en la que el dúo estaría arropado por los miembros del Col.lectiu Brossa. La unión había nacido propiciada por un concierto en acústico de Manolo para el festival Hipersons. Ahora, un tiempo más tarde, lo que podría parecer una aventura algo alocada teniendo en cuenta el complejo y muy particular repertorio de Astrud se materializaba en una gira que se inició con una actuación casi en familia en Terrassa. Han pasado unos meses desde el pistoletazo de salida y unos pocos conciertos, pero es loable la conjunción conseguida entre los cinco músicos de formación clásica y muy catalana y los responsables de

Cracker Sala La [2] Fecha 22-I-10 Estilo rock americano Público 325 personas aprox. Promotor Heart Of Gold/Ruta 66 A Cracker les ha sentado de maravilla el cambio de registro gracias a “Sunrise In The Land Of Milk”. No tanto por el resultado del disco, que aun siendo muy bueno no es excelente, sino por las ganas y la puesta en escena de la banda. Con dos nuevos peones que son conscientes de su papel, a David Lowery y Johnny Hickman se les nota de nuevo felices sobre un escenario. Rejuvenecidos, eléctricos como nunca antes, con las ideas muy claras, calentando primero con una tanda de canciones de su último disco, para ir poco a poco incorporando algunas de las piezas por las cuales se ganaron un sitio de honor en nuestro imaginario musical. De una casi irreconocible “Happy Birthday To Me” a la celebrada “Low”, pasando por “The Man In Me” de Bob

Dylan, con un Johnny Hickman pletórico, exultante, exprimiendo el sonido de una guitarra nítida e hiriente, sobrado pero sin filigranas innecesarias, cantando ese tema como si ese fuese el último concierto de su vida. Con David Lowery se asociaron a las mil maravillas, compenetrados, rodados, con ese sentido innato para dar equilibrio a la electricidad y la tradición, del rock más robusto a ese country que mira de reojo a los orígenes, pasajes y melodías propias del pop, una banda que nos dio más de lo que realmente esperábamos, el mejor concierto que le hemos visto junto a aquella velada en el Azkena Rock, justo antes de que tocasen The Stooges por vez primera en estos lares. Recuperados para la causa. Toni Castarnado

Manos De Topo Foto Fernando Ramirez

AIR Foto Alfredo Arias

( CONCIERTOS /34/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

Fiesta presentación Let’s Festival (1111) Sala Salamandra (L’Hospitalet) Fecha 23-I-10 Estilo pop Público lleno Promotor Let’s Festival Trío de ases para la fiesta de presentación del asentadísimo Let’s Festival con Manos de Topo, The New Raemon y Joe Crepúsculo, una de las tantas combinaciones posibles que nos puede dar la excelente escena nacional actual (felicitémonos todos) y que la propia organización cada año muestra con tanto mimo y acierto. Tres conciertos que hicieron disfrutar a los allí congregados. Para empezar, y con una sala concurridísima (y muy entregada por cierto a lo largo de los tres conciertos), apareció sobre el escenario el grupo con la particularidad hecha voz, es decir Manos de Topo.

Miguel Ángel y compañia no dieron tregua al personal, lucieron como siempre en directo y no tardaron en contagiar a los asistentes de su hilarante pop. Para rematar la faena, hasta el propio Ramón Rodríguez (The New Raemon) salió a cantar con ellos el sempiterno “Bailar pegados”. Curioso. Tras la frivolidad, momento de dar el callo para The New Raemon. Casi tan prólifico componiendo como otra de las estrellas de la noche, Joe Crepúsculo, el directo fue, como cabía esperar, de impecable factura. Con esos pedazo de temas y esas excelentes letras que hacen disfrutar a la gente, como para no brillar. Y bien que lo hizo, además, como se suele decir, casi sin despeinarse. Un valor seguro. Por otro lado, el repertorio de Joe Crepúsculo se está convirtiendo a pasos agigantados en todo un arsenal de hits difícil de obviar. La gente disfruta de los temas y hasta le lanzan piropos, indicativo de que su música ha calado espectacularmente entre el público indie. No le fue difícil al gentío entrar a saco en su directo, tarareando, bailando y cantando todas y cada una de sus composiciones. Triunfaron por aclamación popular “La canción de tu vida”, “Diririrí dirarará” y “Ritmo mágico”, aunque empieza a ser difícil escoger entre tanto hit. Joan Casulleras y Rafa Piera

Buscamos a 2 personas, de entre 18 y 25 años, para asistir como corresponsal* al Europavox Festival en Clermont-Ferrand (Francia) del 20 al 23 de Mayo.

Para participar sólo tienes que enviar un texto (máximo 50 palabras) explicándonos las razones por la cuál tú eres la persona que debe ganar este premio.

Envíalo antes del 22 de Febrero a festival@mondosonoro.com (Asunto: Europavox) *Gastos de viaje y alojamiento incluidos

AIR (114) Sala La Riviera (Madrid) Fecha 17-I-10 Estilo pop Público lleno Promotor Producciones Animadas Cuanto daño han hecho las revistas de tendencias haciéndonos creer que los buenos grupos son los que salen bien en las fotos. En el caso de Air, que han firmado un par de discos brillantes y suficiente morralla para permitirse pasar varios lustros de gira por el mundo, no hay que negarles la capacidad de escribir algunos buenos singles de vez en cuando. Su directo no ayuda a hacerme cambiar de opinión aunque en las fotografías de promoción salgan impecables. Demasiado etéreos y anodinos, sin cambios de ritmo salvo algunos ramalazos a lo Kraftwerk cuando subían las revoluciones de los sintetizadores, abrieron con una de las canciones de su último disco, “Do The Joy”, sin demasiados efectismos y un sonido bastante plano, al igual que el resto de la actuación.

Bastante más cerca del ejercicio de estilo que de lo que se puede esperar de un directo, las canciones no se vieron beneficiadas de la pérdida de detalles sobre el escenario y, aun así, el público disfrutó y se dejó llevar en temas más conocidos, respondiendo con cierta frialdad en el resto. Al fin y al cabo, puede que el objetivo sea simplemente pasar un rato agradable. J. Batahola

Los Aslándticos Foto Archivo

escaparate

Los Aslándticos Vienen de: Córdoba Publican: “Mi primer día” (Maldito Records, 09) En la onda de: Che Sudaka, Eskorzo, G-5

Devildriver Foto Archivo

A todos nos pilló por sorpresa la irrupción y meteórica ascensión de los australianos Airbourne con su primer disco, “Runnin’ Wild”. El mundo del rock’n’roll les aceptó con los brazos abiertos y todos estábamos esperando una continuación. Ahora la tenemos entre manos: “No Guts, No Glory” es su título. Tras tocar allende los mares durante dos largos años, los australianos Airbourne vuelven con un disco realmente esperado por los amantes del rock’n’roll vital y enérgico. Joel O’Keffe nos explica de qué manera están viviendo la experiencia los miembros de la formación. “Durante este tiempo hemos acumulado mucha experiencia. Después de dos años en la carretera, nos resultó extraño entrar de nuevo en el estudio, aunque lo que queríamos era aprovechar esa buena sintonía entre nosotros, ya que cada riff, cada palabra escrita, los ritmos de bajo o los golpes de batería se parieron en el bus de gira”. Junto a Wolfmother ellos lideran la revolución del actual rock australiano. “No solamente estamos nosotros. Ahora mismo allí hay una escena muy interesante de bandas entusiasmadas con el rock’n’roll”. Normalmente siempre se cita a AC/DC en primer lugar cuando se habla de referentes y de rock australiano, si bien Rose Tattoo también suelen aparecer. Y ya que ha fallecido recientemente Mick Cocks, miembro original de la banda, este es un buen momento para hablar de ellos. “Para mí, en los setenta, Rose Tattoo fueron igual de importantes que AC/DC, también crearon un sonido que luego han imitado infinidad de grupos. Fíjate en Guns n’Roses; Rose Tattoo fueron su principal inspiración”. ■ Toni Castarnado

Devildriver Vienen de: Estados Unidos Publican: “Pray For Villains” (Roadrunner/Divucsa, 09) En la onda de: Coal Chamber, Chimaira, Lamb Of God

Airbourne Foto Archivo

Airbourne Vienen de: Australia Publican: “No Guts, No Glory” (Roadrunner/Divucsa, 10) En la onda de: Rose Tattoo, Wolfmother, AC/DC

‘mu liaos’ ya fuese invierno o verano. El anterior cantante y letrista de la banda inició su carrera en solitario y salimos de Disparate Records. Si no estábamos de bolo o ensayando estábamos preparando el disco, maquetando canciones nuevas, dándole una vuelta al repertorio, alimentando las redes sociales… lo mismo hemos organizado una fiesta de fin de año que hemos estado en Womex o hemos ido por colegios a cantar contra el absentismo escolar. La cuestión ha sido siempre moverse”.

Y esa es la clave de que estas bandas gocen de tan buena salud en la península. ■ Don Disturbios

de reflejar lo que hay a nuestro alrededor desde un punto positivo sumando nuestra parte. Hoy por hoy hay que tomarse las cosas con la energía y el ánimo del primer día. Cuando alguien nos comenta que este disco le ha servido para sentirse mejor en una situación delicada nos sentimos realizados”.

Una energía que este grupo cordobés desprende a raudales y que se ha traducido en trabajo a destajo, algo que suele ser habitual en las bandas cobijadas bajo el ala del mestizaje. “No hemos parado de tocar desde que salió al mercado nuestro primer disco, ‘El mundo está fatal de los nervios’, y siempre hemos estado

Quién iba a decir que Dez Fafara, frontman de los one hit wonder del nu-metal Coal Chamber, de quienes la mayoría solo recordarán el desquiciado himno “Loco” y su chocante imagen, iba a liderar una de las formaciones americanas de metal más aguerridas e intimidantes de la actualidad. El engendro, bautizado como Devildriver, constituye una ramificación bastarda de la penúltima ola de metal estadounidense, aunque ya desde su homónimo debut de 2003, los californianos han marginado cualquier atisbo de hardcore y de melodías vocales, potenciando, por el contrario, la visceralidad más primitiva del death metal y el thrash. Su cuarto álbum, “Pray For Villains”, supone la confirmación definitiva de que lo suyo va muy en serio. “¿Qué queremos conseguir con este disco? No nos preocupa en absoluto. Simplemente lo amamos. Lo hemos hecho lo jodidamente mejor que podíamos”, responde el batería John Boecklin flanqueado por el propio Fafara, ambos con gafas de sol, en la zona habilitada como backstage del pasado festival Kobetasonik. “Queríamos probar algunas partes más lentas que en el anterior álbum, que era muy rápido de principio a fin”, añade Fafara.

“Ahora ya sabemos que podemos crear el disco más brutal, pero esta vez queríamos profundizar en el groove.

‘Pray For Villains’ define a la perfección lo que somos y lo que vamos a ser en el futuro”. “Pray For Villains” ha sido producido por Logan Mader (exMachine Head y Soulfly, y productor, entre otros, de Cavalera Conspiracy). “No le gusta postergar las cosas. Si surgía una idea válida por la noche, a la mañana siguiente se grababa”. ■ David Sabaté

Los californianos Fu Manchu regresan en plena forma con “Signs Of Infinite Power”, un nuevo puñetazo de stoner rock en el que ovnis, pedales y distorsiones de guitarra que desafían las leyes de la física desembocan en uno de sus mejores discos en años.

Tras un “We Must Obey” irregular, el grupo vuelve a su sonido clásico con un sorprendente pepinazo de guitarras crujientes y energía desbocada. “Creo que nuestro anterior álbum tenía mucha energía”, responde Scott Hill, cantante y guitarrista, “pero esta vez queríamos volver a grabar un disco de grandes y fuertes riffs”. Doy fe que lo han conseguido. Hill confiesa su gran secreto. “¡Todo lo que hacemos empieza con un riff de guitarra! Amo el sonido de una buena distorsión. Enchufamos un buen pedal fuzz, ponemos el amplificador al nueve o al diez, ¡y vamos a por ello!”. Contundencia y saturación sónica que golpea tu mandíbula sin pedir permiso. “Este es el disco que más se acerca a cómo sonamos en directo. Posee un sonido realmente crudo que me recuerda a cómo sonaban mis viejos vinilos de punk y hardcore”. El resultado aúna hard rock soleado, punteos lisérgicos y punch sin límites para hablar de “ciencia-ficción, ovnis y robots extraños. Nada demasiado serio”. Más serio resulta hacer balance de sus veinte años de carrera. “Me alegra ver que aún disfrutamos tocando”. Y aunque no quieren ni oír hablar de desert rock –“vivimos al lado de la playa”-, mantienen la amistad con miembros y ex miembros de Kyuss, Sleep o Monster Magnet. “Seguimos siendo buenos amigos”. Podrán ver a Fu Manchu el 3 de febrero en Barcelona (Apolo 2) y el 4 en Madrid (Moby Dick). ■ David Sabaté

Fu Manchu Vienen de: Estados Unidos Publican: “Signs Of Infinite Power” (Century Media, 09) En la onda: Kyuss, Queens Of The Stone Age, Karma To Burn

Fu Manchu Foto Sagephotography

P

ublican su segundo y autoproducido disco y, pese a tener que enfrentarse al tremendo handicap de sustituir una pieza tan capital en cualquier banda como es el cantante, se puede afirmar con total rotundidad que han salido airosos de semejante brete. Y todo gracias a el desparpajo tan sureño que ha impregnado cada nota y estrofa de sus canciones. Temas como “Bella persona”, “Anímate” o, sobre todo, “Mi primer día” tienen esa vocación de trascender de los himnos populares. “‘Mi primer día’ es la pequeña aportación de Los Aslándticos a estos tiempos en los que hay que superarse y reinventarse cada mañana.Tratamos

The Phenomenal Handclap Band Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2010 /37/

escaparate

De Vito Vienen de: Zaragoza Publican: “Berlusconi EP” (King Of Patio Records, 10) En la onda de: We Are Standard, Mendetz, Klaxons

The Phenomenal Handclap Band Vienen de: Nueva York (Estados Unidos) Publican: “The Phenomenal Handclap Band” (Tummy Touch/Lovemonk, 09) En la onda de: Scissor Sisters, Midnight Juggernauts, Ghostland Observatory

“Berlusconi EP”. “Tanto nuestro disco como Silvio son sintéticos y están llenos de slogans publicitarios. Y pese a que el presidente representa la casi totalidad de los valores que aborrecemos, vive en un eterno after en el que le ríen las gracias los de dentro, y nos da risa y pena a los de fuera”. Para domar los aparatos han contado con Alex Ferrer (Sidechains, The Requesters), un especialista en las labores de producción y artífice, entre otras cosas, del sonido Dorian. Habrá que ver cómo posicionan esos temas en el escenario, ya que hasta ahora los incendiarios conciertos han sido uno de sus referentes. “Adoramos como el público entra en las canciones: tímidos movimientos de cabeza al principio convertidos en bailes y ganas de pasarlo bien”. Las primeras oportunidades para descubrirlo tendrán lugar el presente mes de febrero en Zaragoza y Santander, ejerciendo como banda invitada en las Fiestas Demoscópicas organizadas por esta revista, además de alguna sorpresa posterior. “Tras las fiestas Demoscópicas presentaremos el disco en Mallorca, Madrid... y en unas semanas nos vamos a Londres a liarla. Se van a cagar, espero”. ■ Raúl Julián

Lonely Joe Foto Archivo

Desde Nueva York llega esta superbanda creada por dos de los Dj’s más reputados de la manzana como motores del proyecto. Para celebrar su paso por nuestro país como invitados de Franz Ferdinand, hablamos con Daniel Collas, cofundador del grupo. Respecto a su directo Daniel comenta: “nuestro show da otra dimensión al álbum, mientras que en disco sonamos más orquestales y trabajados, en directo nos presentamos más rabiosos y desnudos”. Música de baile mezclada con rock progresivo, electro y space-pop que bebe de fuentes tan diversas como “el folk turco (Seda, Baris Manco), The Dramatics, Black Sabbath o el rock progresivo Húngaro (Illes, Skorpio)”. El hecho de ser una banda relativamente numerosa (ocho miembros), (“primero preguntamos a los músicos que habían grabado con nosotros en estudio si nos querían acompañar en directo, luego a amigos, después a más amigos…”) unido a su carácter hedonista y a la inmediatez de su música les convierte en un grupo muy particular. Eso sí, sin que ello signifique que se tomen todo a guasa.

“No sé si la música debe ser vista obligatoriamente como un arte, pero desde luego así es como yo la veo. Es bueno divertirte mientras la haces o mientras la escuchas y bailas, por supuesto, pero me gusta pensar que hay más sustancia y profundidad dentro de todo esto”. Para terminar, ante la duda existencial por la procedencia de su nombre artístico, Collas nos aclara que “en una sesión de brujería con mi socio Joan Tick, un espíritu misterioso nos indicó tres letras, ‘P’, ‘H’ y ‘B’, el resto vino solo”. Un nombre difícil de olvidar: The Phenomenal Handclap Band. ■ Dani Arnal

E

l pasado 2009 fue un buen año para los zaragozanos De Vito. El trío vio al fin publicada su primera referencia, “Arty Party EP” (King Of Patio/NMR, 09), a la que siguieron las correspondientes presentaciones en un buen número de conciertos. “Han sido unos meses increíbles. Hemos tocado en Nueva York, Francia, en festivales y con grupos que admiramos. Y eso es un regalazo para nosotros”. Y el año recién estrenado pinta al menos igual de bien, con la publicación de nuevo EP. “Nos gusta sacar trabajos cada poco tiempo, eso le da homogeneidad a las canciones y te permite recordarle a la gente que sigues haciendo cosas”. Un disco más electrónico y contundente que su antecesor, donde las guitarras pasan definitivamente a un segundo plano, en beneficio de la pista de baile y los sintetizadores. “’Arty Party’ fue un trabajo de manualidades muy divertido, grabado en nuestras casas y con el que aprendimos a manejar las maquinas. Sin embargo, el nuevo trabajo ha ido cogiendo forma entre concierto y concierto, y queríamos que al escucharlo diese la sensación de estar en uno de ellos”. Todo ello ha sido bautizado con un llamativo y quizá engañoso título,

Lonely Joe Viene de: Madrid Publica: “Songs From The High Side” (El Mosquetero, 10) En la onda de: Roy Orbison, Paramount Styles, Richard Hawley Con su primer largo en el mercado (que presentarán en directo el próximo 18 de febrero en Barcelona), el cuarteto de Portland se postula como una de las bandas new wave más frescas, apostando por una fina ironía de reminiscencias funk. De todos modos, son muchos los que no han tardado en quitarles méritos advirtiéndonos del parecido razonable que puede establecerse vocalmente entre Eric Grubin y Julian Casablancas. Pero sea como fuere su debut, “Mind Chaos”, dispone de los pildorazos necesarios para que su nombre nos sea familiar durante este 2010. Su voz cantante, el propio Grubin, nos cuenta cómo se gestó la banda. “Cuando me crié en New York estaba en una banda de hip hop, pero todo cambió cuando empecé la universidad en Los Angeles y conocí a mi compañero de habitación Jeremy Reynolds (bajista del grupo). Ambos compartíamos los mismos gustos musicales y empezamos a tocar juntos. La sorpresa vino cuando en las fiestas universitarias la gente empezó a volverse loca y hacernos creer que éramos mucho mejores de lo que pensábamos”. Talking Heads, Little Joy, los propios The Strokes… los estadounidenses no han podido escaparse de las comparaciones maliciosas, pero ¿Te molesta que se te compare con Casablancas? “Las cosas son como son. Soy de New York y canto con una voz rasposa. Así que ciertamente no es de locos esta comparación”. Incluso introduciéndose en los recodos del folk con tintes country en “Four Holy Photos” después de “vivir durante unos meses en un granero”, lo que no cabe duda es que la pluma de Grubin destaca por la ironía de la que hace gala.

“Sólo soy honesto conmigo mismo e intento contar con sinceridad cosas que la mayoría no admite”. ■ Sergio del Amo

Hockey Vienen de: Estados Unidos Publican: “Mind Chaos” (Virgin, 09) En la onda de: Late Of The Pier, Radio 4, The Strokes

Hockey Foto Archivo

La esquizofrenia musical –en el buen sentido de la palabra- ha entrado en la vida de un Lonely Joe que hemos descubierto bipolar.

Hasta ahora Joe Pérez Orive se mostraba a nuestros oídos como un compositor elegante, un músico templado y una seductora voz, pero con su cuarto trabajo le ha dado la vuelta a la tortilla. “Nunca me he ajustado a un género concreto; puedo estar escuchando a Ennio Morricone por la mañana y a Mastodon por la tarde… son las mismas notas. Soy un apasionado de la música y de la variedad de instrumentos: sacarles jugo es una meta. En mi primer disco grababa con requintos mexicanos y ahora utilizo sintetizadores analógicos”. Porque la música es eso, riesgo, y de eso mismo va “Songs From The High Side”: de mirar a la vida directamente a los ojos y mal encarado, utilizando para cantarle las cuarenta a esta sociedad corrupta pianos desafinados, micrófonos de los sesenta, mellotrones, scratches, optigams, cajas de ritmos y un tono donde lo enérgico y lo poderoso son la base para unas letras pobladas de exabruptos. “Intenté ser más comedido al escribirlas pero no pude. Estoy muy orgulloso de ellas. Me costó muchísimo y ahora, cada vez que las canto, es un gran desahogo”. Si antes dominaba lo armónico, los medios tiempos, ahora nos acercamos a temas en los que reverbera su lado más electrónico conviviendo con su vertiente más rockera sin perder elegancia. “El sonido más agresivo de ‘Songs From The High Side’ está provocado por un estado de ánimo que se ve afectado por una sociedad y un gobierno que destroza su cultura, por unos medios de comunicación interesados sólo en cobrar… ¡Con la de cosas interesantes que hay en este país!”. ■ María Baigorri

DeVito Foto Gustaff

MondoSonoro · Febrero 2010 /39/

AMPARO SÁNCHEZ “Tucson-Habana” Vía Lactea/Pias

CANCIÓN

1114

Amparo Sánchez finiquitó a Amparanoia para hacer su propia crisálida, tanto emocional como musical, y convertirse en una artista que busca la madurez en el tempo lento, crepúscular y doliente. Un tempo tan apocado y sinuoso que, en mi opinión, acaba siendo el principal lastre de un disco muy bien labrado -eso nadie lo pone en duda-, pero que provoca cierto empacho en las formas. El disco, que ha sido grabado en parte en el estudio Wabelab en Tucson con la ayuda de los Calexico John Convertino (batería) y Joey Burns (guitarra), y en parte en La Habana, se inicia con los temás de mayor influencia fronteriza y con los vientos como protagonistas absolutos de los arreglos y acaba con el piano, el bolero y el son cubano como segundo plato al servicio de una voz, la de Amparo, que siempre se ha mostrado más robusta que cristalina. Es como si Amparo Sánchez hubiera querido seguir el camino trazado con anterioridad por Luz Casal y construir su propio imaginario que pasa por Arizona, La Habana y España con un envoltorio musical mínimo, pero que suena de auténtico lujo. Don Disturbios

APSE

“Climb Up” ATP Recordings

ROCK

1114

“Climb Up” no es ni tan tenue ni tan fantasmagórico como “Spirit” (2006). Ni tampoco tan fiero ni tan crudo como “Eras” (2008).

Y eso, de entrada, podría jugar a su contra.

En un primer momento podemos tener la sensación de que el quinteto americano ya no nos va a provocar ese pavor que nos aislaba en cautiverio. Demasiado nos gustaba su primitivismo cavernícola o esos llantos de presencias espiritosas o ese chirrido de cadenas arrastradas en la brumosa frondosidad boscosa que trasmitían sus primeras canciones. Cierto es que se echa en falta su salvajismo incontrolado y esas contenciones y estallidos de tensión. Ahora se nos aparecen con una producción más cuidada y más detalle en los arreglos, un sonido más nítido y unas estructuras menos complejas y menos incómodas. Han acabado asimilando patrones más estándar y comunes, acercándose incluso a Radiohead. Resumiendo: han dejado la particularidad para acercarse a la universalidad. Aunque no sigan siendo tan abominables, en su tercer disco Apse dejan de ser un séquito fúnebre pero con una musculatura puesta a tono. Escuchen “3.1”, “Rook”, “The Ages” o “The Whip” donde confirman saber manejar las mejores artes del rock en todos sus géneros más ariscos.

Celestí Oliver

BIBIO

“Ambivalente Avenue” Warp/Pias

ELECTRÓNICA

1111

Esto es lo que pasa cuando se desafían los prejuicios y se establece, con talento y desparpajo, una línea directa entre tradición y vanguardia. Álbumes tan fascinantes como este “Ambivalence Avenue”, segundo largo del proyecto unipersonal del británi-

co Stephen Wilkinson y primero que graba para Warp, un sello cuyo pedigrí no necesita explicaciones. El chico comenzó colaborando esporádicamente con sus idolatrados Boards Of Canada, y lo que empezó como una mera recomendación de unas cuantas demos por parte de Marcus Eoin (mitad del referencial dúo) a Mush, su anterior sello, tiene ahora visos de carrera con entidad. La reformulación del folk inglés de los sesenta que supone el tema titular da paso al funk acuoso de “Jealous Of Roses”, y esa apertura ya da una idea de lo que a partir de entonces vamos a encontrarnos. Deliciosas viñetas jazzies (“All The Flowers”), más folk espectral y hechizante (“Haikuesque”, “Abrasion”, “The Palm Of Your Wave”), hip hop instrumental con pegada digna del mejor DJ Shadow (“Fire Ant” o “S’Vive”) y melodías tan cegadoras como la brisa estival de “Lover’s Carvings”.

Carlos Pérez de Ziriza

vinilos

la languidez pop de beach house

BLAKROC “Blakroc”

V2/Nuevos Medios

ROCK

1111

Por una parte, el rap siempre ha buscado la legitimidad que algunos confieren por algún extraño complejo de inferioridad respecto al rock, por eso de que para tocar rock hay que ser “músico”. Por otro lado los músicos de rock han intentado con suerte dispar capturar la energía justiciera del rap y beneficiarse de sus credenciales callejeras. Pero si hablamos de verdadera simbiosis en las que tanto uno como otro salgan reforzados, mostrando lo mejor de cada lado de la orilla, podemos contar los ejemplos con una manita y parte de la otra. El debut de Blakroc, pero, se merece al menos dos dedos. Espoleados por Damon Dash, el socio de Jay-Z en RockA-Fella, The Black Keys han reunido una plétora de raperos en torno a analógicas derivas de febril blues-rock, logrando un cruce de caminos en que cada corte suena tocado y vivido (más de uno mataría por unos bombos así de gordos) a la vez que los vocalistas brillan sobre unos loops que invitan a deshacerse de corsés. No es casual que varios provengan del entorno de The Wu-Tang Clan, incluido el fallecido Ol’ Dirty Bastard, ni que hayan buscado el contrapunto en la voz de NOE y Nicole Wray. Joan Cabot

BEACH HOUSE “Teen Dream”

Bella Union/Nuevos Medios

POP

11114

Los dos trabajos de Beach House para Carpark nos descubrían un dúo de personalidad acusada, que coqueteaba con el goticismo folk característico de la Costa Este al tiempo que hundía sus pies en la tradición dream pop europea. Sin embargo, no daba la sensación de que la banda fuera a escapar nunca de la cómoda posición de culto que habitaban. ¿Qué ha cambiado desde entonces para que “Teen Dream” oposite desde los albores de este 2010 a convertirse en uno de los referentes de esta temporada? Tanto y

BRAND NEW “Daisy” Universal

ROCK

Beach House Foto Archivo

111

Brand New han sido una banda que, desde su misma concepción, ha propuesto el juego del desafío. Nacieron a principios del milenio como un combo de punk pop con inquietudes emo, pero sus canciones adolecían de una muy relativa consistencia.

Con el tiempo, y pese a su breve discografía, se han ido manteniendo vigentes gracias a la renovación de sus argumentos.

“Daisy” es su cuarta entrega. El inicio del disco es marca de la casa. Unas reposadas notas de piano acompañadas de una evocadora voz femenina desgarradas a los pocos segundos por un intenso muro de guitarras y la desbocada voz de Jesee Lacey. Un frenético punto de partida que encuentra su contrapunto en el siguiente tema, “Bed”, un quejido melódico cercano al llanto musical. De ahí pasan a lo que podría ser un perfecto single pop para radios independientes, “At The Bottom”. A continuación, en “Gasoline” nos parece oír revivir a los seminales Rites Of Spring. Un catálogo de propuestas y desvíos emocionales que concluyen en otra pequeña joya noise-pop, “Noro”, al final del recorrido.

Robert Aniento

tan poco al mismo tiempo… Porque en lo esencial el dúo apenas se mueve de su discurso inicial: ahí están unos teclados, si acaso menos fantasmagóricos y más pianísticos, el característico trémolo a la guitarra y el embrujo vocal de una Victoria con un registro que la acerca al misterio de Nico. Sin embargo, hasta hoy Beach House nunca habían tenido canciones con el empuje de “Walk In The Park”, “Used To Be”, “10 Mile Stereo”, como demostraron a su paso, reciente, por el Primavera Club. Tampoco con el apoyo de un sello como Sub Pop, ni la rendida admiración de bandas como Fleet Foxes o Grizzly Bear, que no dudan en señalarles como el próximo gran grupo que está por venir. Indicios todos ellos de que, ahora sí, les ha llegado el momento. Luis J. Menéndez

en la onda

Cocteau Twins

Nico POP

Mazzy Star

“Head Over Heels” (4AD, 1983)

“Desertshore” (Island, 1970)

11111

La Nico de “Chelsea Girl” aún rendía cuentas a la Factory, así que no fue hasta “The Marble Index” y sobre todo “Desertshore” que la dama de hielo arrancó de verdad su carrera en solitario para convertirse en el primer gran referente de lo gótico y lo mortuorio. Producido por John Cale y Joe Boyd y con harmonium y piano como única instrumentación, aún hoy un trabajo fuera de tiempo y lugar.

POP

“She Hangs Brightly” (Rough Trade, 1990)

1111

Visto con perspectiva y aún sin tratarse de uno de sus trabajos más notorios, “Head Over Heels” ha tenido una importancia capital en la carrera de Cocteau Twins como disco bisagra entre sus inicios siniestros y la delicadeza cuasi-folk de sus trabajos posteriores. Las cajas de ritmos y ambientes misteriosos que envuelven estas canciones suponen un claro precedente para Beach House.

POP

1111

En plena explosión del Nuevo Rock Americano, Opal narcotizaban el folkrock y lo empujaban a un estado de duermevela. De la última formación de aquellos surgen Mazzy Star con un primer disco que supone un definitivo salto de gigante con respecto a las intenciones de aquellos y una Hope Sandoval convertida en icono generacional.

Ay, aquel clip de “Halah”… ■ L. J. M.

(vinilos /40/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

delphic, indie y electrónica CORDURA

“El incendio más largo del mundo” Fragment Records

ROCK

111

Tres largos años han pasado ya desde “La ridícula mecánica de la vida moderna”, última referencia de los bilbaínos Cordura que encuentra su continuación en esta docena de canciones que abrazan ahora la visual y acertada idea del incendio y la consiguiente catarsis que éste es capaz de originar. Atrás quedan desarrollos más rebuscados, décadas y prefijos de estilos como influencias recurrentes y se pone ahora toda la carne en el asador de la melodía –descarnada, eso sí- para con ello lograr una mayor firmeza en el conjunto y un notable alto en cada parada, ofreciendo de paso algunos de los mejores temas de la banda hasta la fecha. Ahí están las incontestables “Apolitoxicalipsis”, “Lo que dejamos atrás” o los nuevos horizontes de “El origen de los continentes y los océanos”. Siempre lo han hecho los bilbaínos: hacerse heridas y mirárselas. Tocarlas, cantárnoslas, guiñar el ojo a libros y películas queridas por todos los inquietos. Ignacio Pato L. Delphic Foto Archivo

DELPHIC “Acolyte”

Coop/Nuevos Medios

POP

1114 Solamente tres tipos de veintipocos años de edad pueden compartir un piso que, al mismo tiempo, es estudio de grabación de las canciones de su banda. Solamente tres tipos de Manchester de veintipocos años de edad podrían haberle dado forma a un trabajo como “Acolyte”, una obra en la que confluyen influencias declaradas como New Order, 808 State, Underworld (“This Momentary” suena mucho a ellos) u Orbital con un sonido real que navega entre algunos de los nombres citados y esa nueva generación de artistas que han calado entre el

bRUNA

“And It Matters To Me To See You Smiling” spa.RK

ELECTRÓNICA

11114

Que la redacción de esta publicación haya elegido a este disco como el mejor de todos los que nos dio la escena electrónica nacional en el pasado año no es una casualidad.

El esperadísimo debut en formato larga duración del Dj y productor barcelonés Carlos Guajardo, más conocido como bRUNA, ha cumplido con creces las expectativas que muchos teníamos depositadas en él. “And It Matters To Me To See You Smiling” es un disco precioso. Dieciséis cortes que se muestran deudores de los mejores Boards Of Canada o de Clark, pero también de esa escuela de hip hop abstracto a la que no le duelen prendas en reconocer su gusto por el catálogo de Warp y/o la IDM en general.

“Forgiveness”, “Lost And Found”, “Don’t Give Up” o “Settle For Nothing Less” son auténticas joyas de la electrónica reposada más preciosista y melancólica recogidas en unos escuetos veintiséis minutos, una duración breve pero intensa en las que algunos ven la única pega a este espléndido debut de este camaleónico artista catalán a quien los chicos de spa.RK han acertado de pleno al darle la alternativa. José Manuel Cisneros

público independiente (hablo de Bloc Party, Klaxons, Cut Copy, Friendly Fires, Crystal Fighters o los Phoenix más electrónicos, por poner los ejemplos más cercanos estilísticamente). Como buena parte de ellos, Delphic saben combinar pop efectivo y electrónica, firmando de paso canciones que huelen a carne de pista indie, pero en el buen sentido. Ahí están “Doubt”, “This Momentary” o esa “Halcyon” (por no hablar de “Submission”), tan cerca de Duran Duran como de esos Orbital a los que parece rendir homenaje. James Cook, Rick Boardman y Matt Cocksedge no tienen las armas lo bastante cargadas para conquistar el mundo, ni siquiera para cambiar las reglas del juego, pero sí tienen esa frescura espontánea que suelen tener aquellos que no buscan conquistarlo, aquellos que no pretenden cambiarlas. Joan S. Luna

CAMPILLO

COBRA KILLER

Pagana

Monika 66

”Uppers And Downers”

“En la calle” ROCK

111

Es predecible y cómodo, pero justo, despachar el primer disco de Santi Campillo en solitario asegurando que el guitarrista murciano retoma el sonido de su ex banda M-Clan allí donde lo dejaron en “Coliseum”, antes de su metamorfosis de la mano de Alejo Stivel en “Usar y tirar”. La voz de Francis Sarabia tiene las mismas tonalidades de rock sureño que la de Carlos Tarque y las composiciones de “En la calle” acuden a las raíces que dieron vida a la primera banda de Campillo. No podemos ir muy equivocados si entendemos el trabajo como una respuesta a la evolución de sus ex compañeros; desde la producción, exenta de arreglos complicados o guiños poperos, hasta las letras, podrían ser la muestra del camino que hubiera seguido la banda de Carlos Tarque y Ricardo Ruipérez de haberse mantenido fieles a sus orígenes. Sobre las virtudes de una u otra propuesta, dependerá de las preferencias de cada cual y del yermo debate acerca de las evoluciones, necesarias o no, de una banda y su sonido. Más allá de eso, “En la calle” se disfruta como un disco de rock clásico sin aditivos. Robert Aniento

ELECTRÓNICA

CRACKER

“Sunrise In The Land Of Milk...”

Freeworld/Heart Of Gold

ROCK

111

Al grupo de Lowery siempre les hemos tenido en gran consideración. Tanta que incluso fueron protagonistas de una portada de la revista hace seis años con motivo de la gira que organizamos y que marcó un punto de inflexión tanto creativo como de popularidad de la banda. En aquella época tan sólo hacía un año que habían publicado el excelente y variado “Forever”. Desde entonces las cosas han ido muy despacio y año tras año Cracker se han hecho más veteranos para el rock’n’roll. Sin embargo, lejos de dulcificar o rebalandecer su propuesta, la han ido endureciendo más. Por eso no deja de ser curioso que sea en los momentos más crudos, ásperos y acelerados de este disco donde presentan sus mejores credenciales. En temas como “We All Shine A Light”, la cruda y punk “Hand Me My Inhaler” o la rápida y filigranesca “Time Machine” está lo mejor de un álbum que se completa luego con un par de medios tiempos, una elegante balada (“Darling One”) más otro tema lento y vaquero (“Friends”)… Don Disturbios

1114

Con una propuesta estética que le debe tanto o más al burlesque que a la música electrónica, Gina V. D’Orio y Annika Line Trost siguen ofreciendo una mezcla sugerente entre descaro vodevilesco y lo que queda del Digital Hardcore de Alec Empire. Aunque en su caso, y más contando para su quinto disco con J. Mascis, Jon Spencer y un desaprovechado Thurston Moore, deberíamos hablar de digital rock’n’roll de garrafón. De hecho, Cobra Killer se recrean en imaginería típica del género y se parapetan en una actitud insolente y confrontacional. En cualquier caso, en “Uppers And Downers” se echa de menos la performance. Porque D’Orio y Line Trost son como irse de juerga con Peaches y Chicks On Speed, y como sucede con ellas su discurso debe alcanzar en directo su verdadero efecto. Eso no significa que en disco les falte de nada, simplemente que es muy probable que sobre las tablas aporten algo más. Temas como “Hello Celebrity”, “Mr. Chang” o “Goodtime Girl” resultan convincentes en plástico pero uno se las imagina major bailando pogo en el escenario. Joan Cabot

THE CRIBS

“Ignore The Ignorant” Cooperative/Wichita

ROCK

1111

“Ignore The Ignorant” podría ser una lección sobre cómo dar el salto cualitativo para escapar de la clase media-baja del pop británico. Sobre todo porque, en un arranque plenamente espectacular, uno descubre a un Johnny Marr cuya participación es más determinante de lo que ha sido en cualquiera de los proyectos en los que últimamente se ha prodigado (Modest Mouse los más recientes). Y es que si algo no se les ha podido negar a los hermanos Jarman hasta ahora es su capacidad para saber rodearse de buenas compañías, ya sea en la producción (Edwyn Collins, Alex Kapranos) como

en colaboraciones de postín (Lee Ranaldo).

Para su cuarto álbum, el mejor, han recurrido a la inconfundible guitarra del ex Smiths y al siempre robusto remozado sonoro de Nick Launay (PIL, Gang Of Four, Girls Against Boys) en una colección de canciones no sin tacha (ciertos momentos de amaneramiento brit estándar, como “Last Year’s Snow” o el tema titular) pero sí rabiosamente exultante en sus mejores momentos, con las cuerdas de Marr sacando brillo a melodías diamantinas y atemperando la propensión a la estridencia en la voz de Ryan Jarman.

Y funcionando a pleno rendimiento tanto en las sacudidas plenas de pegada como en los momentos de bajón, caso de la excelente “City Of Bugs”. Carlos Pérez de Ziriza

ECHO & THE BUNNYMEN “The Fountain”

Ocean Rain/Warner Music

POP

111

Lo que pasa con los de Ian McCulloch es que con más de treinta años en el mapa ya no van a ofrecer nada que nos deslumbre.

Tampoco lo esperamos; sólo les pedimos que sigan con su efectividad. Lo mejor de ellos fue hace dos décadas, si bien sus discos posteriores les han mantenido fieles a sus postulados y están lejos de la mediocridad de otras bandas de su generación.

Con un sonido tan definido y reconocible, en el que se han fijado miles de grupos, su onceavo trabajo sólo suma. Ni más ni menos. Suma canciones a su repertorio sin desmerecerlo, cosa que ya de por sí tiene mucho mérito, aunque hace años que sus nuevas aportaciones resulten ser más de lo mismo. Aunque en su última entrega haya algún pastelón (“Life Of A Thousand Crimes” y “Proxy”) o algún tema (“Drivetime”) que remite directamente a discípulos suyos como The Verve o Travis, podemos agradecer su infalible capacidad para enquistar melodías o estribillos, como el estallido guitarrero de “Think I Need It Too” o “Do You Know Who I Am?”. Una nueva entrega que está más cerca de “Evergreen”, el disco que les resucitó ahora hace doce años, que de sus inicios más tenebrosos que luego recuperarían en “Siberia” (2005). Celestí Oliver

FIGHTSTAR

“Be Human” Search And Destroy/PIAS

ROCK

11

Se le acaban a Charlie Simpson los alicientes que ofrecer en el proyecto que inició tras la separación de su primera banda, la juvenil Busted. En esta tercera entrega, Fightstar abogan por tratar de reinventarse, huyendo de las melodías facilonas, que sin embargo era lo más salvable de sus primeros dos largos. Para ello, hacen uso de arreglos orquestales, dejan aparecer pequeñas dosis de screamo y hasta de vez en cuando incluyen coros de niños; en ocasiones todo ello junto en una misma canción, caso de la excesiva “War Machine”. El problema del conjunto es que, pese a las nobles intenciones, el ensamblaje de materiales tan diversos no cuaja y “Be Human” acaba siendo una parodia de su título, pareciendo más bien un Frankenstein compuesto por partes inconexas y deslavazadas que rinde homenaje al pastiche genético que ilustra su portada. Bien haría Simpson en dejar los experimentos para aquellos agraciados con las facultades de llevarlos a buen puerto y seguir los pasos de otro de los personajes más odiados del género, Jared Leto, que con menos ínfulas sigue imbatible en los resultados comerciales de cada uno de sus trabajos.

Robert Aniento

(MondoSonoro · Febrero 2010 /41/ vinilos)

the drums, vamos a la playa

top10 internacional LAURA VEIRS “July Flame”

Bella Union/Nuevos Medios

FOLK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE SOFT PACK

“The Soft Pack” Heavenly/Nuevos Medios

BEACH HOUSE

“Teen Dream” Bella Union/Nuevos Medios

THESE NEW PURITANS “Hidden” Domino/Pias

MUSIC GO MUSIC “Expressions” Secretly Canadian

YEASAYER

“Odd Blood” We Are Free/Popstock!

BLAKROC

“Blakroc” V2/Nuevos Medios

JONSI

“Go” (Avance) EMI

THE DUTCHESS AND THE DUKE “Sunset/Sunrise” Harly Art

THE DRUMS

“Summertime” Moshi Moshi/Nuevos Medios

MIDLAKE

“The Courage Of Others” Bella Union/Nuevos Medios

1114

Recuerdo perfectamente la actuación de Laura Veirs en el Fórum de Barcelona dentro del Primavera Club compartiendo cartel junto a Cat Power. Dos heroinas muy distintas en su aparente fragilidad. La primera más escorada hacia la inocencia luminosa y tibia del folk tan bien tramado como clásico y la segunda hacia la desesperación del blues y el soul más oscuro.

Dos caras diferentes pero que, a la vez, formaban parte de una misma moneda a la hora de mostrarse ante el público con esa actitud rematadamente indie. Así, a golpe de grandes canciones, pero sobre todo de discos tan redondos como “Saltbreakers” o “Year Of Meteors”, la cantautora de Seattle, afincada ahora en Oregon, se ha labrado una carrera que ha pasado demasiado desapercibida. Tanto que ahora sería de recibo ensalzar hasta el delirio esta nueva entrega para ver si con ello deshacíamos uno de esos injustos misterios por los cuales, otras féminas como Neko Case o Jolie Holland, se llevan una mayor gloria y mejor prensa. Pero tampoco vamos a exagerar. Hay quién ha escrito que este es el mejor disco de Laura Veirs y sin estar de acuerdo del todo sí que se aprecia un intento nada disimulado por dotar a sus canciones de un mayor lujo de detalles y mayor robustez. Laura Veirs merece más atención de la que el mundo le ha prestado, pero ella sigue empeñada en demostrar que tiene tonadas de una sensibilidad delicada, tan deliciosa que no merece ser ensuciada con palabras que no sean de elogio. Don Disturbios

top10 nacional LACROSSE

The Drums Foto Archivo

THE DRUMS

“Summertime!”

Moshi Moshi/Nuevos Medios

POP

1111 Saludados como uno de los nuevos nombres con más futuro en el indie norteamericano, la pregunta es si de verdad hay para tanto. Y la respuesta, sin duda, ha de ser afirmativa, porque con un único Ep los chicos de The Drums se han posicionado de forma fulgurante como grupo de referencia en ese hervidero que es Nueva York. Tampoco han faltado las comparaciones con Vampire Weekend, aunque en realidad sea más una cuestión de fondo que de forma: comparten la frescura y el desparpajo en las composiciones, pero sus caminos no se llegan a cruzar salvo por alguna inflexión vocal de Jonathan Pierce. Bueno, en realidad sí hay otro punto en común: Orange Juice, y es que el grupo de Edwyn Collins ha calado hondo en las melodías de esta banda

de Brooklyn, cuya mayor virtud es que ha sabido encontrar su sitio de la manera más inesperada, con un pop luminoso y playero, hablando de surf cuando en realidad ellos jamás se han subido a una tabla y salpicando sus primeros temas con una encantadora colección de silbidos, palmadas y chasquidos de dedos. Hay también una herencia sixties (The Beach Boys), especialmente en los arreglos vocales (“Let’s Go Surfing”), pero lo mejor es cuando suenan como si alguien hubiese plantado a The Cure en una playa sin otro paisaje que arena y olas (“Don’t Be A Jerk, Johnny”). Añadan a esto un contagioso estribillo (“Saddest Summer”) y el contrapunto de una balada perfecta para un verano en Twin Peaks (“Down

By The Water”) y tendrán ante sí uno de los discos más estimulantes de los últimos meses, con la promesa de que pronto habrá más (ya preparan su puesta de largo). De momento tendremos que conformarnos con estos veinticinco minutos que contienen siete canciones como siete soles. Enrique Peñas

“Bandages For The Heart” Tapete Records

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

TACHENKO

“Os reís porque sois jóvenes” Limbo Starr

LOS PUNSETES

“LP2” Gramaciones/Popstock!

STANDSTILL

“I”, “II”, “III” (avance) Buena Suerte

ANTONIO ARIAS

“Multiversos” Everlasting/Popstock!

LA HABITACIÓN ROJA “Universal” Mushroom Pillow

DE VITO

“Berlusconi Ep” King Of Patio

MAIKA MAKOVSKI “Maika Makovski” Origami

JOAN COLOMO

“Contra todo pronóstico” B-Core

FURGUSON

“My Friends Are My Culture” La Castanya

LAS RUINAS “Butano” Autoeditado

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No se lleven a engaño. Nada tiene que ver la (por otro lado preciosa) ilustración que sirve de portada para “Bandages For The Heart” con el contenido emocional de este disco: ese oso que llora desconsoladamente mientras deambula, quizá perdido, en una barca, en medio de un lago frío. Aunque, si lo pensamos bien, quizá sea precisamente eso de lo que va todo.

Quizá sean las once canciones de este disco un remedio para curar esa tristeza inconcreta; para curar, en realidad, cualquiera de las muchas tristezas que produce el (des)amor. Arranca el segundo disco de Lacrosse con “We Are Kids”, modélico primer single, con débitos a New Order (esa línea de bajo y esos sintetizadores) y ya desde los primeros minutos no puedes evitar sentirte atrapado por su contagiosa energía. Lacrosse han echado el resto, entregando una colección de canciones más que optimistas directamente triunfales, himnos gritones y arrebatados, plagados de una suerte de épica doméstica, pequeñita. Ahí están, por ejemplo, la maravillosa (a ver quién puede resistirse a ellas) contundencia de “You Are Blind” “All The Little Things That You Do”, el divertido (y a ratos macabramente radiofórmula) estribillo festivo (y fiestero) de “I See A Brightness”, la muy Arcade Fire (y no por eso menos disfrutable) “My Stop” o el pop naif de una de mis favoritas “Come Back Song #1”. Aunque a veces rocen la cansina frivolidad soft de, pongamos, The Cardigans, este es un disco alegre y recomendable, carente totalmente, y ahí me conquista, de cinismo.

Algo que, en los tiempos que corren, es más que una virtud. Fernando Navarro

FLIGHT OF THE CONCORDS

FUNERAL FOR A FRIEND

FURGUSON

HBO/Sub Pop

Atlantic

La Castanya

“I Told You I Was Freaky” COMEDIA POP

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Aunque ahora sea en disco, sigan tomándose a coña a Bret y Jemaine. Fuera de su rentable y tan triunfador club de la comedia particular, este disco no tendría sentido o, en todo caso, no tendría ni puñetera gracia. Sólo hay que verlo como un chiste y no quedarnos en evaluar solamente lo estrictamente musical. La pareja freak de moda arrasa con un show televisivo en el que se ríen de los ídolos de la industria y que consigue inyectar frescura al formato de comedia musical. Constantemente encuentra inspiración parodiando a los estereotipos del R&B, del folk y del rock más clásico. ¿”Demon Woman” no es su chiste al “L.A Woman” de The Doors? ¿O “Rambling Through The Avenues Of Time” no podría ser la respuesta al “The Piano Man” de Billy Joel? ¿Y “Too Many Dicks (On The Dance Floor)” no es una descarada parodia al pop bailable que explotó con LCD Soundsystem? Tocan todos los palos, incluso el reggae y se ponen techno poperos como si fueran unos Visage o unos Eurythmics cantando “Fashion Is Danger”. ¿A caso, de rebote, se lo estarán diciendo a ellos mismos? Celestí Oliver

“Your History Is Mine” ROCK

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Parece que fue hace mucho más que seis años cuando la banda de screamo galesa Funeral For A Friend aparecía en el panorama hardcore con “Casually Dressed & Deep In Conversation”. Desde entonces, la banda de Matt Davies ha ido creando una discografía irregular, alimentada con algunos de los temas más importantes del género de la década, pero incapaces de editar un larga duración con la consistencia de compañeros de aventuras como Lostprohets o Bullet For My Valentine. Un año después de su cuarto disco, “Memory And Humanity”, los galeses editan su primera antología. Cuatro canciones nuevas, de las que de nuevo sólo destaca el adictivo single “Wrench”, y doce recuerdos de lo que han sido sus primeros años. Todos los temas que deben estar, están, desde sus primeros Ep’s, hasta el grueso de singles de su debut y los cortes representativos de posteriores trabajos, de forma cronológica y mostrando la evolución de la banda a terrenos más melódicos y menos hardcore.

Al final, “Your History Is Mine” toma la forma de disco definitivo, el único que vale la pena tener. Robert Aniento

“My Friends Are My Culture” ROCK

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Primera referencia para Furguson, joven banda de la Cataluña profunda que poco a poco va abriendo brecha en ámbitos más amplios. Un poco discípulos de Delorean o Zeidun y otro poco de propuestas más gamberras como podría ser la de (lo:muêso), los de Gurb ya tienen en la calle siete canciones (dos de ellas recuperadas de la maqueta “La mort del bon minyó”) con un sonido que haga justicia a las inquietudes de un grupo que se sitúa cómodamente en la órbita de BCore por aptitud y sonido, aunque inauguran sello discográfico. No en vano ha sido Santi García el encargado de ayudar a Furguson a empastar unas pegadizas voces con unas fibrosas bases rítmicas y diferenciar con tino las agudas guitarras de unos teclados que le sientan de maravilla a ese rollo hedonista y adolescente, colorista casi siempre y a veces poco desfogado, que tiene esta presentación de los barceloneses. Basta escuchar “Cabrit d’un campanar” para darse cuenta de que Furguson quieren mirar cara a cara a cualquier grupo de rock nervioso que se precie de serlo de verdad (rockero y nervioso, nos referimos) en la escena catalana y la estatal.

Con insolencia. Ignacio Pato L.

(vinilos /42/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

music go music, más que un placer culpable KID CUDI

”Man On The Moon: The End Of Day” Good Music/Universal

RAP

Music Go Music Foto Archivo

MUSIC GO MUSIC “Expressions” Secretly Canadian

POP

11114 Aviso para navegantes: seré muy sincero en esta crítica. Music Go Music me vuelven loco. No lo puedo evitar y lo digo bien alto. De hecho, he llegado a perder la cabeza más de una vez estas últimas semanas al escucharlos y más de uno me ha pillado in fraganti cantando las canciones en metros y autobuses varios.

Les tengo una devoción casi religiosa y me gusta todo de ellos. Lo que más, su imposible pero genial pastiche sonoro. Un increíble totum revolutum en el que cabe un poco de todo: ABBA, la ELO, Wizzard, Nancy Sinatra,

The Mamas And The Papas, The 5th Dimension, The Carpenters, Donna Summer... Y es que “Expressions” (disco que recopila los diferentes maxis que han editado con anterioridad) es una de las reivindicaciones más sonadas, sentidas y logradas de ese pop de siempre que persigue el hit perfecto y radiable, arte muchas veces catalogado de forma simplista y despreciativa como guilty pleasure, y que, en muchos casos, tiene muy poco de culpable y de facilón y si mucho de inspirado, trabajado y emocionante. Pues bien, de las nueve canciones que forman este disco, ocho son rompepistas, y ojo, miran de tú a tú a sus mayores. Ahí queda eso. Y bueno, aunque es difícil elegir entre tanto hitazo, lo hago y me quedo con “Light Of Love”, “Explorers Of The Heart” y “Just Me”. Xavi Sánchez Pons

JOAN COLOMO

JULIAN CASABLANCAS

JAY FARRAR & BENJAMIN GIBBARD

B-Core

RCA

Atlantic/Dro

“Contra todo pronóstico” POP

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Primera obra en solitario, sí. Aunque “Contra todo pronóstico” debería ser medida teniendo en cuenta las muchas otras facetas -actuales y anteriores- de Joan Colomo formando parte de combos como La Célula Durmiente, Zeidun, Moksha o The Unfinished Sympathy. Porque de un currículo así, aparte de deducir la importante valía de este multiinstrumentista y que ahora le confirman como un excepcional compositor de canciones, se justifica completamente esa importante dosis de heterogeneidad que impregna el grueso de este trabajo, mucho menos disperso aquí que en La Célula Durmiente. Y es que tanto en la vertiente lírica –tratada indistintamente en castellano, catalán o inglés- como en la musical -un batiburrillo situado entre pop, folk y rock-, el de Sant Celoni siempre dispone de ese as en la manga destinado a sorprendernos. Una capacidad resuelta mediante giros inesperados, unas cuantas cucharadas de originalidad y algún que otro destello de genialidad, dispuesto permanentemente para alegrarnos la escucha, y que ni la influencia presente de otros artistas –Albert Pla, Jeff Buckley, Mercury Rev…- pueden eclipsar.

Notable alto. Francesc Feliu

“Phrazes For The Young” POP

“One Fast Move Or I’m Gone” 111

A expensas del cuarto álbum de la banda, muchos esperaban que su debut en solitario alcanzara el nivel de Little Joy pero tristemente, y tal como un gran amigo dejó constancia, el álbum funciona pero no perdura. Bien es cierto que ese “11th Dimension” tan a lo The Human League no ha calado hondo entre sus admiradores (a pesar de mantener la esencia strokiana, pero eso sí, con sintetizadores y adornos electrónicos de insustancial relleno), pero el disco naufraga con el paso de los minutos al intentar abarcar más de lo debido. Únicamente “Out Of The Blue”, ese “Left & Right In The Dark” o “Glass” le salvan de la lapidación pública. Quizás somos demasiado crueles y no nos vemos capacitados para dejarle pasar ni una a una de las figuras más icónicas de la última década, pero esos tintes negroides de “4 Chords Of The Apocalypse” (que rememoran el “Time Is On My Side” de los Stones) o la camisa campera de la que hace gala en “Ludlow St.”, nos provoca que esperemos como agua de mayo el idílico retorno, en condiciones, de esta voz generacional.

Sergio del Amo

POP

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Muy curiosa la pareja formada por los líderes de Son Volt y Death Cab For Cutie con el encargo bajo el brazo de vestir los escritos de Jack Keroauc. Con el documental producido por Gloria Bailen y Jim Sampas como excusa para el proyecto musical, sobre como derivó en novela “Big Sur” con su narrativa como telón de fondo, ambos músicos se esfuerzan en alejar para siempre esa idea preconcebida de que el escritor y toda la generación beat en los años sesenta sólo se proveían de música jazz. Como reconoce veladamente en su texto introductorio el propio Jay Farrar: Jack Kerouac era sinónimo de jazz, aunque más tarde descubrió que le gustaba el folk o la figura de Ramblin’ Jack Elliott.

Con las connotaciones lógicas y habituales en esta clase de discos, aquí proliferan las atmósferas sedosas, si bien dentro de un contexto folk, blues y country. En principio, el vencedor debería ser Jay Farrar, sin embargo, Ben Gibbard no pierde la oportunidad y ambos dan forma a un disco que invita a visionar el documental al que acompaña.

A destacar alguna excelente canción como “California Zephyr” o “Breather Our Iodine”.

Toni Castarnado

1111

Sí, “Man On The Moon: The End Of Day” es uno de esos discos cuya ambición actúa como navaja de doble filo. Por un lado, ya sabemos cómo acaban los arranques megalómanos en plan voy-a-hacer-un-discosobre-mi-experiencia-vital-a-los-veinticinco, aunque a decir verdad al talentoso Scott Ramon Seguro Mescudi sale airoso donde otros han naufragado por su habilidad para surcar entre las aguas del pop y el r’n’b sin abandonar la narrativa rap e incluso flirtear con el mundillo indie (colaboraciones de MGMT y Ratatat) sin salir escaldado. A partir de ahí construye un disco que defrauda sólo en la medida que más de uno hubiera preferido que se ciñera a un concepto menos pretencioso y hubiera en este debut tres o cuatro temones tipo “Night’n’Day”. Hay algo de excentricidad egomaníaca en su decisión, pero el disco funciona y el tipo consigue que te creas eso de que hay un nuevo nombre que poner en el panteón del crossover rap.

La suerte del principiante o talento natural, Kid Cudi ha firmado uno de los debuts más brillantes del año (pasado). Joan Cabot

VV. AA.

“Kitsuné Maison Compilation 7” Kitsuné/Karonte

ELECTRÓNICA

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Kitsuné vuelve a demostrar sus galones en este séptimo volumen de la ya clásica serie Maison. Con melocotones como el que abre el disco, “Something Good Can Work” de Two Door Cinema Club, joven banda que se merece mucho a tenor de su debut y su poderoso live. En la orilla del pop bailable también se cuelan jugosas remezclas de últimos temas de Phoenix, We Have Band o los “españoles” Crystal Fighters. El efecto La Roux sigue coleando (se incluye remezcla del “In For The Kill” a cargo de Lifelike, y descubren a nuevas mozas en su misma frecuencia como The Golden Filter o Heartsrevolution). Pero lo mejor del paquete es el material electrodisco pensado para la pista. Sirvan de muestra el “Fringe Element” de Beni, la cósmica “Beagle” de Chateau Marmont o el “Miss Mars” de 80Kidz, también incluido en el notable Fabriclive 48 oficiado por Filthy Dukes. Algunos de los cortes restantes (hay un total de dieciocho) suenan un poco sobados, pero la compilación cumple con el cometido de servir a los Dj’s indies y actuar de anzuelo para vender trapitos. Javier López

CLA

“Cintura” EMI

POP

111

Más de dos años después de haberse editado en su país de origen, Portugal, nos llega el disco que ha encumbrado definitivamente a Clã (Clan en español) como una de las grandes bandas del país vecino.

Con solo cinco trabajos de estudio en sus casi veinte años de historia, el sexteto de Oporto parece asimismo interesado en traspasar fronteras y abrir nuevos mercados con este “Cintura”. Sus argumentos combinan la estética del easy listening con

las intenciones de un pop que se mueve entre las influencias de la música independiente anglosajona sin perder el interés por la melodía; todo ello ensamblado por la especial acústica intimista del idioma portugués. “Cintura” es un trabajo dulce, que desprende luz y optimismo, y reivindica el papel de la banda en el estado actual del pop portugués. Su principal baza viene de la mano del single “Sexto andar”, que publican aquí en su versión original y en su traducción al español, “Sexto piso”. Un intento de internacionalización del combo y su sello que no dejará al final de ser una propuesta dirigida a apetitos que disfrutan con la producción histórica de folk pop portuguesa y les apetezca ahora añadirle nuevos aires más contemporáneos y con cierto sabor indie. Robert Aniento

ROB THOMAS “Cradlesong” Atlantic

POP

114

El ex líder de Matchbox 20 nos presenta su segundo trabajo en solitario, poco después del regreso a la actividad de la banda y casi cinco años después de su debut. En el interior, nada nuevo. Influencias del pop setentero y del post-grunge menos agresivo.

No es Thomas un tipo de infinitos recursos, pero hay que reconocer que sabe mecer bien sus limitaciones. Nunca será un artista cool, ni siquiera es guapo, y su mayor éxito siempre será una colaboración ajena, el hit de Santana “Smooth”, pero lleva casi quince años a lo suyo y llega un momento que aunque sea por supervivencia merece un respeto. En “Cradlesong” se pone de nuevo el traje de faena y compone catorce temas que se destejen fácilmente en esa onda de pop meloso en la que Thomas se siente tan cómodo. En sus mejores momentos, como en la tierna “Gasoline”, la facilona “Real World 09” o hasta en el rock grandilocuente de “Fire On The Mountain”, en la que se transforma en Bono, el cantante parece reivindicarse como un artista que pretende trascender el usar-y-tirar de las radios comerciales a las que parece destinado desde “Push”, el primer éxito con su banda original. Robert Aniento

SHAFIQ HUSAYN

“Shafiq’ En A-Free-Ka” Rapster/Plug Research

RAP

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Si bien podemos considerar a Sa-Ra como uno de los triunviratos más creativos del hip hop actual y figuras esenciales en la hiperactiva y lamentablemente no muy atendida escena de Los Angeles, seguimos a la espera de un disco que sacie las expectativas que siempre los han rodeado. Si “Nuclear Evolution: The Age Of Love” (entre los mejores de Mondo de 2009) ha sido su álbum más sólido hasta la fecha, escuchando el debut en solitario de Shafiq Husayn quizás debamos volver sobre nuestros pasos y revisarlo con renovada exigencia. Porque “Shafiq’ En AFree-Ka” es la prueba de que podríamos haber esperado algo más. Entre el jazz sideral de Sun-Ra y Roy Ayers, el spoken word de The Last Poets y el r’n’b contemporáneo, Husayn encuentra el tono justo con el que desarrollar un discurso de vuelos místicos deudor de la tradición panafricanista, pero en el que también hay tiempo para elementos mundanos.

Descomunal a ratos (“The UN Plan”, “Lil’ Girl”, “Major Heavy”...), este disco supone un nuevo listón para el jazz futurista de Sa-Ra Creative Partners dificil de superar.

Ojalá lo hagan. Joan Cabot

(MondoSonoro · Febrero 2010 /43/ vinilos)

yeasayer, cambio de aires YEASAYER “Odd Blood” Mute/Pias

POP

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De entrada, parece haber un mundo de separación entre los autores de “Love Me Girl” y los que compusieron “2080”. “Odd Blood” es un disco cálido, optimista a ratos, optimista con el descaro del R’n’B incluso, en el que los sintetizadores han borrado parte de la huella de la world music y que funciona en muchos sentidos como el yang emocional de su predecesor. La explicación se encuentra en la misma inquietud que guiaba al grupo en “All Hour Cymbals”: desde el inicio quedó claro que la premisa era la exploración, aunque eso supusiera ciertos riesgos y por tanto errores.

Yeasayer no se cortan y en “Rome” suenan como unos traviesos Soft Cell mientras que

“Mondergreen” podría haberla producido George Clinton. “One” ofrece un cruce pegadizo entre Cut Copy y el sonido Brooklyn.

Quieren descolocar y lo consiguen y, a medida que van tumbando las ideas previas que teníamos sobre ellos, vas entrando en el disco y comprendiendo. Apenas “Ambling Alp” sigue la línea argumental de su debut. El resto, supone un giro brusco e inesperado, en casos incluso demasiado, pero vibrante siempre. Joan Cabot

Yeasayer Foto Guy Aroch

LE PETIT RAMON

LOGAN LYNN

LOU BARLOW

MARCO FONKTANA

MEMORY TAPES

Bankrobber

Beat The World

Domino/Pias

Clavoardiendo

SOC/Sincerely Yours

“Acusticus Replica” ROCK

“From Pillar To Post” 1114

La música de Pau Riba ya tiene heredero, y no precisamente gracias a sus hijos Caïm y Pauet (Pastora), sino a Ramon Faura (Le Petit Ramon). Él mismo lo evidencia en su cuarto disco, un auténtico derroche de psicodelia y rock&roll con el violonchelo, las guitarras acústicas y las percusiones como protagonistas. Un álbum con siete canciones que evocan sentimientos distintos pero todos con la ironía, la crudeza, la sensibilidad y la cotidianidad como denominador común.

Empieza con el entierro de un padre sin dramatismo de “És dimecres”, (el llanto infantil de fondo recuerda al tema “Mareta Bufona” de Riba), y sigue con “Suite nihil domèstica”, la historia de una relación extrema -dividida en seis actos- que culmina con el éxtasis de la adaptación al catalán de “I Wanna Be Your Dog” de The Stooges. Menudo contraste se crea con temas como “Himne” o “Àvia”, que también estremecen, pero esta vez de ternura. Le Petit Ramon consolida en “Acusticus Replica” un sonido ya iniciado en su anterior entrega y se asenta definitivamente en el formato de trío con su banda Experimenta 3.

Sin embargo, da la sensación de que su obra cumbre aún está por llegar. Blai Marsé

POP

“Goodnight Unknown” 1111

Cuenta el propio Logan Lynn que su carrera empezó gracias a entregar una copia de su mixtape “This Is Folk Techno” a la persona adecuada, y de eso hace ya una década. Un tiempo excesivamente largo para no haber tenido noticias de este artista de Portland, aunque es una suerte descubrirle con su tercer largo “From Pillar To Post”, un epidérmico tratado de pop electrónico distinguidísimo. Lynn no es uno más. Sus canciones tienen alma, pese a sus duros y sexuales textos, sus textos hieren y nos hacen tomar consciencia de la complejidad emocional del ser humano, del sometimiento en el sexo y en el amor, de sentirse querido o despreciado. Y eso es algo que consigue con buena parte de los cortes del disco. Con “Feed Me To The Wolves”, con “Write It On My Left Arm”, con “Bleed Him Out”o “Bottom Your Way To The Top”. Tras tres Ep’s de remezclas firmadas por artistas como Styrofoam o Boys In Static, Lynn acaba de anunciar un nuevo single, una versión de “The Last High” de The Dandy Warhols (dueños de Beat The World, discográfica que edita “From Pillar To Post”). Joan S. Luna

POP

“Al volverte hay un perro detrás”

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Sería estéril pedirle a estas alturas a Lou Barlow que pariera gemas a la altura de sus mejores composiciones al frente de Sebadoh o de sus mejores dianas con The Folk Implosion. Y más ahora que, pelillos a la mar, lleva tiempo con las rencillas bien aparcadas y sacando rédito a la reunión de unos aún brillantes Dinosaur Jr, que incluso se atreven cada vez más a recuperar en vivo los temas de su última etapa. Aquella en la que Barlow ya no estaba. Es por ello que la funcionalidad de “Goodnight Unknown” se explica más como un digno compendio de casi todos los registros que en el pasado ha explotado que como un nuevo hito en su amplia y variada trayectoria. El Barlow de los Sebadoh más impetuosos (“Sharing” o “The Right”), el más intimista (“Too Much Freedom”, “I’m Thinking”), el del las estructuras pop al ralentí (“The Right” o el titular) e incluso el que aún olfatea tonadas con hechuras de single (“One Machine, One Long Fight”) conviven en plena armonía en un disco pleno de oficio pero llamado a dejar escaso poso, aunque merezca figurar de todos modos entre lo más completo de su trayecto en solitario.

Carlos Pérez de Ziriza

RAP

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Para su primer largo con su propio nombre artístico estampado en la solapa, el rapero catalán Marco Fonktana, miembro fundador de Aerolíneas Subterráneas y Soul Divos, ofrece un paseo por lo mejor y lo peor de la Ciudad Condal. Barcelona no sólo es la gasolina que prende en “Barna, estado mental”, también el escenario en el que una nueva generación de artistas están consolidando un sonido distintivo, más abierto y cálido, escorado al funk, con unas letras que huyen del guetto sin abandonar lo urbano y abordan lo social y lo personal a partes iguales. Ahí está Marco Fonktana, y por eso resulta tan procedente que comparta micrófono con Welelo, compañero suyo en Aerolíneas, y Sr. Zambrana, dos de las grandes figuras de ese nuevo hip hop catalán que tantas alegrías está dando últimamente a aquellos que buscan en el estrecho horizonte del rap nacional algo más que hardcore y ego trips. Lo que marca la diferencia es, sobre todo, la actitud. Allí está la diferencia. Discos como este se agradecen. Traen frescura.

Joan Cabot

“Seek Magic”

ELECTRÓNICA

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Si algo descubre uno trabajando en equipo es que, en ocasiones, lo mejor en lanzarse a la piscina con la única compañía de uno mismo. A veces es la mejor forma para desarrollar unas inquietudes que otros caparán. Eso es lo que pensó Dayve Hawk cuando puso en marcha Weird Tapes, Memory Cassette y Memory Tapes. Después de regalar su música en blogs, de trabajar con pequeños sellos y de ganar repercusión al remezclar a Yeah Yeah Yeahs o ser remezclado por The Horrors, Hawk se toma las cosas mucho más en serio en “Seek Magic”, el que podemos considerar su primer largo. Para hablar de su música podríamos acudir a un baile de nombres de lo más diverso, pero si algo consigue Hawk es dotar de personalidad a su propuesta. Una electrónica entre el sonido balearic (“Graphics”) hasta el pop bailable de aires ochentas (la preciosa “Bicycle”, una suerte de Hot Chip con David Byrne al frente), pasando por ejercicios pop instrumental de calidad (“Run Out”) o IDM sin excesiva vocación experimental (“Treeship”). Mientras todo el mundo escucha a los mismos grupos una y otra vez, dénse un respiro y disfruten de la propuesta de Memory Tapes. Joan S. Luna

(vinilos /44/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

these new puritans, salto mortal sin red SKUNK ANANSIE

“Smashes And Trashes (Greatest Hits)” Edel

ROCK

These New Puritans Foto Harley Weir

THESE NEW PURITANS “Hidden”

Domino/Pias

ROCK

11114

Respeto y adoración absolutas para este inicialmente inofensivo cuarteto británico. Porque una cosa era “Beat Pyramid” (08), un buen disco pese a todo, y otra bien distinta es esta demostración de genio que responde al nombre de “Hidden”, uno de esos trabajos que le deja a uno sin aliento y consciente de estar viviendo algo especial, una obra que requiere escuchas, pero que es pura magia, imaginación sin ataduras y alejada del mundo que la rodea. Jack Barnett produce el disco junto a Grahan Sutton (Bark Psychosis) creando algo fantástico, ténganlo claro. Barnett, su hemano y sus acompañantes parecen haberse convertido en los Scott Walker de su generación, haber echado la llave de la comercialidad al Canal de la Mancha y buscar convertirse en unos James

Joyce del pop anglosajón. Para conseguirlo no dudan en echar mano de tambores taiko japoneses, ritmos dancehall, una sección amplísima de vientos o unos excelentemente posicionados coros de niños. A la primera, todo en “Hidden” sorprende, pero con las escuchas cada elemento ocupa su lugar en una aventura musical abrumadora e increible. Escucharán cómo podría sonar un cruce entre The Fall, Liars y M.I.A. en “Fire Power”; se dejarán llevar por los aires arabescos y digitales de “We Want War”; creerán que Owen Pallett o Patrick Wolf les echan una mano en “Hologram” y “White Chords”; esperaran escuchar la voz de Björk en algún momento de “Canticle” o recordarán entre lágrimas lo grandioso que es “Music For Eighteen Musicians” de Steve Reich.

No importa lo que sus creadores vayan a conseguir con “Hidden”, sencillamente por darle forma ya han demostrado que son una banda como la copa de un pino y que se merecen, desde ya y como les decía, todo nuestro respeto y adoración. Joan S. Luna

MIDLAKE

THE MOUNTAIN GOATS

RICHARD YOUNGS

Bella Union/Nuevos Medios

4AD/Popstock!

Jagjaguwar/Popstock!

“The Courage Of Others” POP

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Dejando de lado su cara más primitiva y el sonido lo-fi de su debut o los aires más barrocos, el ambiente en general más saturado y las atmósferas cargadas de su sonada continuación, “The Trials Of Van Occupanther”, este “The Courage Of Others” sigue explorando por otros derroteros. El pop pastoral ha desaparecido del todo, la obsesión por lo que creó Brian Wilson también, lo único que se mantiene intacto es ese filón que les une a los trovadores de la canción de una América que en los setenta estaba trufada de este tipo de personajes. La voz de Tim Smith, el verdadero eje sobre el cual bascula el grupo, es aún más grave que antes, más profunda, con más presencia. No necesita de alardes ni de pirotecnia, su registro robusto ya viste por si sólo a las canciones.

Huyen de la complejidad de sus obras pretéritas, aquí predomina el uso de guitarras acústicas, la psicodelia como modelo a seguir y unas canciones que tienen todas el mismo hilo argumental. La inicial “Acts Of Man” o la soberbia épica de “Children Of The Grounds” sitúan al grupo en su verdadera dimensión. Toni Castarnado

“The Life Of The World To Come” POP

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Capacidad narrativa, arreglos precisos, diversidad de registros, respeto por sus mayores y oficio a la hora de tejer melodías certeras: con sólo esas cinco cosas (que no son poco,) muchos se convierten en nombres de referencia en el mare mágnum de la música americana de raíces. No es así en el caso de John Darnielle, corredor de fondo del rock yanqui que, tras más de dieciséis álbumes a sus espaldas bajo la enseña de The Mountain Goats, permanece como uno de los eternos secretos mejor guardados de la independencia de su país. Quizá la carencia de picos creativos en su dilatada e incansable carrera explique tal opacidad, porque bien es cierto que nada de lo aquí contado sorprenderá a quienes ya disfrutaran de discos como “Get Lonely” (06) o “Heretic Pride” (08), por sólo citar sus dos capítulos más recientes. La delicadeza de “1 John” o “Hebrews”, el nervio de “Psalms” o la agilidad pop de “Genesis” bien merecen que a este tipo se le valore más por su inherente talento que por su bizarra fijación bíblica o por amistades tan aparentes como la de Owen Pallett (Final Fantasy), que pone los arreglos de cuerda a un álbum de lo más reconfortante. Carlos Pérez de Ziriza

“Under Stellar Stream” POP

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Dos de los conceptos básicos de la Historia del Arte son el de lo ‘sublime’ y el de lo ‘bello’. Lo sublime es todo aquello que sin ser definido como Bello puede llegar a provocar sentimientos de mayor placer estético y de éxtasis en el receptor: como la visión de un volcán en erupción, por ejemplo. Este último trabajo del inclasificable Richard Youngs (que compone todas las canciones y toca todos los instrumentos en cada una de ellas) podría definirse como intimista, miminalista, dadaísta, complicado, repetitivo, angustioso, lacrimógeno, deprimente y agobiante.

En resumen, los seis místicos himnos que componen “Under Stellar Stream” subyugan al oyente bajo el peso de su sublimidad.

Youngs utiliza la anti-belleza -“Arise Arise”- , la repetición enfermiza de estrofas -“All Day Monday And Tuesday”-, y las melodías irritantes y enervantes -“The Bells Of Spring”-, para provocar placer. Un placer adictivo y enfermizo fundamentado en el revolver de tripas, pero que puede provocar mayor gozo que la captación de las clásicas formas de la Belleza. Eso sí, como los grandes vinos de reserva, también puede hacer que se te encasquille el paladar. David Lorenzo

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Retrospectiva que pone contexto al regreso a la vida activa de una de las bandas de rock alternativo más importantes de los noventa.

Destacaron por la voz y presencia felina de su cantante, Skin, una Grace Jones de nueva generación que aportó una estética agresiva y politizada al panorama rockero de la década. “Paranoid And Sunburnt” era ya un grandes éxitos en sí mismo, con algunos de los temas rockeros noventeros que mejor han aguantado el paso de los años, como “Weak” o “I Can Dream”. Impagables asimismo los recuerdos de la banda celebrando la llegada del nuevo milenio con “Selling Jesus” en “Strange Days”, el filme de culto de Kathlyn Bigelow. Sus siguientes dos trabajos, a pesar de adolecer de la factura brillante del estreno, mantuvieron un nivel más que notable que hicieron del grupo una de las apuestas más fiables en los años de Korn o Bush. Este recopilatorio, paso previo a un nuevo disco que verá la luz este 2010, junto a tres –interesantes pero menores- temas nuevos, recoge los grandes momentos que depararon los británicos en sólo tres trabajos. Robert Aniento

THE SLITS

“Trapped Animal” Narnack/Popstock!

ROCK

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Mucho más de lo que parece hay de histórico detrás de un álbum como éste. Baste decir que The Slits, además de ser uno de los grandes iconos del post-punk más abierto de miras, acompañaron a The Clash y Buzzcocks en el White Riot Tour de 1976 y que su sonido trascendió al otro lado del charco con mayor facilidad que fama para ellas (véase a Bad Brains antes de ayer, Sonic Youth ayer, a Gossip hoy). En 2006 Ari Up y Tessa Pollitt devolvieron la vida a la banda. “Trapped Animal” es su debut tras tan largo tiempo.

Y hay que decir que es una colección de canciones tan aparentemente inconexas entre sí como consistentes en una escucha general, un disco ya no tan inundado de la rabia de los setenta como de eso que los sajones llaman tongue in cheek y que aquí a veces recibe el nombre de madurez, pero que no es sinónimo de aburrimiento, es punk a los cincuenta, es reggae feminista, es dub de unas buenrrollistas culturizadas si quieren, pero más allá de etiquetas es un disco que encuentra su sentido en este siglo. Ignacio Pato L.

TULSA

“Espera la pálida” Subterfuge

ROCK

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No voy a poner en duda en esta crítica la seriedad, empeño y dedicación con la que Tulsa han encarado su segundo trabajo. Y no lo voy a hacer porque se nota a la legua que así ha sido. Se nota tanto que, a buen seguro, se van a mostrar de lo más orgullosos en todas las entrevistas que hagan y espero que eso les baste y les sobre. Sin embargo a un servidor una ración tan bestia de seriedad o, por decirlo de otra forma, unas dosis tan elevadas de ese omnipresente tono cre-

puscular y algo comatoso que aspira a ser trascendente en todos los cortes del álbum, acaba por agotarme un poco. En una palabra: me quedo seco ante la reiteración de formas apocadas construidas alrededor de la susurrante pero rasposa voz de Miren Izu. Entiendo que disfrute moviéndose por terrenos más cercanos al folk-pop de autor y más alejados de la americana de su primer disco y eso a pesar de que ese minimalismo tonal se puede asemejar al que adoptan bandas como Grand Archives o Annuals. Pero quizás el problema resida en que faltan un par de temas que rompan estructuralmente el disco, canciones que vayan un poco más lejos que lo logrado con “Tus flores” que aspira a hacerlo pero llega demasiado tarde, ya hacia el final del disco. Don Disturbios

VIVE LA FÊTE “Disque d’Or” Grand Prix

ELECTRÓNICA

1114

Sollozando al rememorar esos grandes momentos que nos dio el electroclash, el espíritu hedonista y desvergonzado de aquella época nunca tenía que haberse evaporado. Aquella generación que tuvo “Nuit Blanche” como álbum de cabecera no es que se encuentre anclada en el pasado, ni mucho menos, pero agradece que los belgas sigan al pie del cañón aún habiendo perdido la frescura. “Jour de chance” hizo que desconfiáramos de ellos, pero “Disque d’Or” vuelve a ofrecernos lo que les pedimos: temas destinados a romper las luces de neón (como en el caso de “Everybody Hates Me”), electrorock fetichista (“Ce que tu penses de moi”) y algún que otro deje a sus amados referentes gabachos (“Mira” o “Elle n’ecouté pas”). Con ansias de firmar un trabajo cuanto menos ecléctico donde el baile no lo copa todo (he aquí ese medio tiempo de inspiración orientalista lo-fi llamado “Je ne pourrais pas”), el dúo nos ofrece un disco del todo degustable que supera con nota su anterior (y fallido) largo. Aunque ya solamente por los grandes momentos que nos han dado a lo largo de su carrera, debemos estarles agradecidos.

Sergio del Amo

WILD HONEY

“Epic Handshakes And A Bear Hug” Lazy Recordings

POP

1114

De la conjunción del pop y el soul, casi siempre salen resultados interesantes.

Josh Rouse, Bart Davenport o Ron Sexsmith son especialistas en ello, y parece que Guillermo Farré, el hombre orquesta responsable de este “Epic Handshakes And A Bear Hug” también. Sus composiciones, al igual que las de los citados, mezclan en su justa medida el pop y el folk de los sesenta con la alegría inherente del soul, consiguiendo canciones que tienen un punto nostálgico, que no son ni muy tristes ni muy bailables, pero que desprenden calidez y te dejan con buen sabor de boca. Farré, que toma el nombre de uno de los discos menos valorados de The Beach Boys para nombrar su proyecto musical, ha parido doce excelentes canciones que destacan por su cuidada producción. Preciosista sin resultar recargada, Farré añade las dosis justas de palmas, trompetas, campanillas y silbidos, consiguiendo que todo encaje suavemente, sin estridencias.

El álbum, grabado enteramente en el piso de Farré, ha sido mezclado por Brad Jones, productor de, entre otros, los ya citados Rouse y Sexsmith, Steve Earle o Matthew Sweet. Marc Luelmo

(MondoSonoro · Febrero 2010 /45/ vinilos)

ARBOL & FIBLA “Bu San”

Emilii Records/spa.RK

ELECTRÓNICA

1111

Con la película “Goodbye, Dragon Inn” del realizador taiwanés Ming Lian como excusa y el décimo aniversario del Festival de Cine Asiático de Barcelona como marco, Miguel Marín aka Árbol y Vincent Fibla, más conocido en el ámbito electrónico patrio como Fibla a secas, comenzaron este proyecto de nombre “Bu San” que con el paso del tiempo y tras unos cuantos directos en la sala Apolo de Barcelona, el Festival de Cine de Valladolid (Seminci), el Territorios Digitales en Sevilla, el CaixaForum de Madrid o el SonarSound New York, pasó de ser algo puntual a materializarse en un precioso disco compuesto a medias por estos dos maestros de la electrónica más intimista y que contó en su grabación con la colaboración de Sara Pérez, violinista de Manos de Topo, quien envuelve algunas de las composiciones de los barceloneses de nostalgia y melancolía con sus melodías. No se trata pues de una grabación en directo, sino de la recreación en el estudio de este proyecto que esperemos sea el primero de muchos en común de estos dos artistas.

José Manuel Cisneros

CORNELIUS 1960 “Cornelius 1960” Blu-Sens Music

POP

1114

Cornelius 1960 (a los que no hay que confundir con el experimental Keygo Oyamada) se han ganado un hueco dentro de las radiofórmulas gracias a su single “1960” después de haberse recorrido sus tierras gallegas al dedillo. Quizás su fórmula de funk-pop-rock que tanto mama de Jamiroquai y las bandas británicas easy-listening de la última década (Snow Patrol, los Stereophonics menos rock) no supondrá un hito para la historia musical reciente ni dejará a los oyentes sin habla, pero después de aquel Ep “Greatest Hits” con el que se dieron a conocer, la banda ha dado un paso de gigante para instaurarse en los reproductores del público mayoritario. Seguramente parte de culpa la tiene el hecho de que Mick Glossop, el productor de Van Morrison, y el ingeniero de sonido Tutsuya Sato (Madonna, Amy Winehouse) se hayan involucrado en el proyecto dotando al álbum de unos arreglos que darían el pego en el mismísimo NME. Pero temas como la bailable “So Cool” o el cierre “Love Control” (donde la sombra de Sting se hace más que visible) hacen del primer largo de la banda gallega uno de los álbumes casi mainstream más dignamente exportables que se han facturado durante los últimos meses. Sergio del Amo

LE PEUPLE DE L’HERBE “Tilt”

Discograph

ROCK

1111

Mi idilio con esta banda de Lyon viene de lejos. En concreto de cuando actuaron en el BAM barcelonés de 2002 y me dejaron boquiabierto con el despliege de energía del que eran capaces con ese crossover mestizo en el que cabía desde el dub al rock, pasando por el rap, el electro, el funk o el drum’n’bass. Combinaciones mortíferas que, una vez más, tienen cabida en el que

es su quinto álbum de estudio. Y es que este “Tilt” es un discazo que tiene la facultad de bascular perfectamente la fusión que practican sin que en ningún momento se pierdan en desarrollos o bajen el listón de su propuesta, algo que acostumbra a suceder en grupos que, como a los franceses, les da por investigar en el sonido siempre a la búsqueda de bajos más gordos, samplers más rudos, ritmos más rápidos y sobre todo a ser más genuinos. Con Le Peuple de L’Herbe te vienen a la cabeza de Dub War a FLC, de Asian Dub Foundation a Zebda o si lo prefieres La Kinky Beat por poner un referente más próximo, pero lo que demuestran con “Tilt” es que siguen manteniendo su propuesta en lo más alto. Don Disturbios

La selección Jäger:

the soft pack, auténticos

NOISETTES

“Wild Young Hearts” Mercury/Universal

POP

111

Beth Ditto después de oír “Don’t Upset The Rythm (Go Baby Go)”, inevitablemente, tuvo que embutirse en un mono de lentejuelas y llorar desconsoladamente por no haber firmado este hit disco-funk que le hubiera ido que ni pintado. Pero tal mérito se lo debemos al trío londinense capitaneado por la versátil negraza Shingai Shoniwa. La banda, alejándose de los cánones de tintes indie-punk de los que hicieron gala en aquel “What’s The Time, Mr Wolf?”, vuelve pasándose por el forro las predicciones escritas por los media vende-humos británicos marcándose un suculento álbum que tanto mama de Diana Ross (en la balada “Sometimes”) como de unos The Rapture aptos para las masas (he aquí ese infalible “Saturday Night” que debería por méritos propios romper las pistas de baile). Si Amy Winehouse no padeciera el síndrome de abstinencia y algún hipotético día se decantara por engalanar sus composiciones con unos buenos guitarrazos, seguramente nos encontraríamos con algo similar a “Never Forget You”. Pero a pesar del bajón de revoluciones que suponen “24 Hours” o “Cheap Kicks”, “Wild Young Hearts” contiene los justos pildorazos necesarios para que les demos una oportunidad en esta nueva etapa de aires mainstream que se han marcado. Sergio del Amo

PETER GABRIEL

“Scratch My Back” EMI

POP

1114

Hubo un tiempo en el que intenté convencer a los descreídos de que Peter Gabriel no era uno de esos tipos pasados de moda a los que solamente respetan los mayores de treinta y cinco. Rezo a algún dios desconocido por, a su edad, conseguir ser una persona tan inquieta como él. No importa cuál sea su nueva aventura, porque jamás se acomoda. Da lo mismo que cree un parque temático futurista o que intente que los gorilas creen su propia música, no importa si continúa descubriéndole la música de otros mundos a quienes sí tienen dinero para comprar compactos, lo importante es que, tras cada uno de sus pasos, hay algo fundamental: sentimientos, verdad. Qué equivocados estaban Vampire Weekend al menospreciarle (Gabriel les devolvió la broma versioneándoles con la ayuda de Hot Chip y recuperando aquí a Paul Simon). Ahora, en su enésimo giro, nos obsequia con “Scratch My Back”, un disco que bascula entre lo intimista y lo orquestal, un trabajo en el que reúne un total de doce versiones de temas originales de Talking Heads, Paul Simon o David Bowie, pero también de Elbow, Arcade Fire, Radiohead, The Magnetic Fields o Bon Iver. Y me alegro de escucharle cantando con tanta emoción ese “Fume” o un “My Body Is A Cage” que le encajan a la perfección. Joan S. Luna

The Soft Pack Foto Archivo

THE SOFT PACK “The Soft Pack”

Heavenly/Nuevos Medios

ROCK

11114

Hay grupos a los que te sientes ligado inmediatamente, desde el tercer acorde. Suele suceder con aquellos que hacen el tipo de música que te encantaría hacer a ti si no fueras un patán, en el caso de The Soft Pack, antes The Muslims, una brillante síntesis de rock’n’roll estilizado y garageo urgente, con The Velvet Underground, The Modern Lovers y The Feelies en la hoja de ruta, aunque también se dejan seducir por el espíritu Beat (“Answer To Yourself”) e incluso el nuevo rock americano de los ochenta (“More Or Less” podría ser de los primeros REM o de The dB’s). En

cierto sentido, “The Soft Pack” es la clase de disco que cualquiera hubiéramos esperado de The Strokes tras “Is This It?” si The Strokes hubieran sido menos neoyorquinos cool y algo más salvajes. Si alguien albergaba dudas respecto a un posible cambio de rumbo en su debut, queda claro desde el primer minuto que The Muslims/The Soft Pack se mantienen fieles a sí mismos. El único defecto de “The Soft Pack”, si acaso, es que se queda corto, que te deja con hambre de más, como sucedía con los discos de antes, cinco temas por cara y a esperar al siguiente álbum. Hasta en eso son auténticos, los puñeteros. Joan Cabot

(vinilos /46/ Febrero 2010 · MondoSonoro)

q

REEDICIONES

los diamantes en bruto de the feelies

THE FEELIES

“Crazy Rhythms” “The Good Earth” Domino/Pias

POP

11111 Se hace difícil explicar en unas pocas líneas lo grandes que son estos dos discos de The Feelies, los primeros que publicaron y los que cimentaron su leyenda y su valor como acicate para un buen número de grupos del pop y rock independiente

The Feelies Foto Archivo

THE GUN CLUB

BIG STAR

“Miami”/“Death Party” “The Las Vegas Story”

“#1 Record” Universal

POP

11111

En una entrevista reciente en Mojo Alex Chilton aseguraba que se equivocan aquellos que afirman que Big Star firmaron algunos de los mejores discos de la historia del rock’n’roll. Pues bien, a sabiendas de que todo cuanto voy a decir a continuación no es más que un enorme error a ojos del padre de estas canciones, me declaro rendido admirador de este “#1 Record” (1972) al que el tiempo no hace más que aflorar sus virtudes y ascendencia. Principal responsable de que aún se apunte a Big Star como padrinos del power-pop, el debut de la banda de Memphis, combina electrizantes arrebatos rockistas como “Feel”, “Don’t Lie To Me” o “In The Street” -aquí también incluida como extra en la versión single- con baladas tan hermosas como “The Ballad Of El Goodo” o “Thirteen” -la hacían otros de sus alumnos aventajados, Teenage Fanclub-, que mostraban el camino que tomarían tras el abandono del inestable Chris Bell en “Radio City” (1974) y, sobre todo, “Third” (1978). Ignorado en su día como consecuencia de una nula distribución, hoy recordamos “#1 Record” como una de las rodajas de pop más radiantes de la historia. Luis J. Menéndez

ROCK

THE ROLLING STONES

SLITS

SWAYZAK

Atlantic/Warner

Universal

Kompakt

“Get Yer Ya Ya’s Out!”

Cooking Vinyl/Popstock!

1111

Durante muchos años “Miami” vivió a la sombra de su antecesor “Fire Of Love”, disco de debut de The Gun Club y origen de un incendio en el alt-rock norteamericano cuyas secuelas aún no han sido del todo documentadas: a tenor de la devoción de Jack White, R.E.M. y tantos otros. El caso es que la producción de Chris Stein (Blondie) y la mezcla final del segundo disco de The Gun Club, otro furioso tratado de rock polvoriento infectado por la furia y la negrura del post-punk, arruinó por mucho tiempo el aprecio que fans y media mostraron por el grupo. Algo que no vamos a tener que sufrir en estas ediciones debidamente remasterizadas y que completa en cada caso un segundo disco con diferentes directos. Sorprende -y se agradece- la publicación del Ep “Death Party”, que liga “Miami” al siguiente lanzamiento largo, un “The Las Vegas Story” que supone el retorno de Kid Congo Powers a la formación tras su estancia en The Cramps, la incorporación de Patricia Morrison al bajo -posteriormente en Sisters Of Mercy y The Damned- y una mayor querencia por los sonidos del rock americano clásico. Luis J. Menéndez

de los últimos treinta años. Sobre “Crazy Rhythms” poco nuevo hay que decir a estas alturas, acaso volver a subrayar que las guitarras aceleradas, casi de miniatura, y las percusiones de juguete que pueblan este pequeño gran disco siguen sonando únicas y especiales, casi de otro planeta, a día de hoy. De “The Good Earth”, lo mismo, así que tan solo explicar que es como el “Crazy Rhythms” pero a varias revoluciones menos, mucho más pausado pero tan o más logrado que su predecesor. Dos discos gigantes de pop de guitarras, uno de ciudad y otro de campo. Dos caras maravillosas de The Feelies, uno de los grupos que más juego sacó a todas las sonoridades y matices que se pueden extraer de las seis cuerdas. Me emociono al pensar lo especiales que se sentirán los nuevos oyentes que descubran a The Feelies gracias a estas reediciones. Xavi Sánchez Pons

ROCK

“Cut” 1111

Acababa la convulsa década de los sesenta y el rock estaba a punto de dar el gran salto en los setenta. Unos años que darían pie a las grandes giras, los grandes equipos de sonido, las grandes bacanales de sexo y drogas que coparían las portadas más allá de la música. Pues bien, este documento sonoro de The Rolling Stones podría muy bien considerarse la antesala de todo ello.

No en vano el directo está grabado casi en su totalidad durante las dos noches que coparon, por primera vez en su carrera, el Madison Square Garden neoyorquino.

Un disco en concierto que también podría considerarse una especie de ecuador del momento más dulce a nivel creativo de la banda inglesa que contaba ya con Mick Taylor a la guitarra sustituyendo a Brian Jones, cuya muerte abriría una nueva senda para el dúo de oro Jagger y Richards.

Esta edición de lujo recoge además temas inéditos de ese mismo concierto, las actuaciones de B.B. King e Ike & Tina Turner durante esa misma noche, más un DVD algo rácano en el que lo más entrañable es ver a Charlie Watts montado en el burro de la sesión de fotos. Don Disturbios

POST-PUNK

“Snowboarding In Argentina” 11111

“Entre 1976 y 1980 cada año parecía una década”. Lo dicen las notas interiores que acompañan a esta Deluxe Edition de un disco que, de la mano de los estrenos de Joy Division y The Pop Group y el “Metal Box” de PiL proponía en 1979 una nueva sensibilidad, surgida con el punk pero abierta a nuevas experiencias y sensaciones. El valor de “Cut”, aun hoy, lo encontramos en su explícita apertura al dub, y el reconocimiento de la mujer de igual a igual dentro del universo rock y por eso su reedición de lujo en nuestro país resulta tan sorpresiva -“Cut” nunca fue un disco fácil de encontrar ni demasiado popular por estas tierras- como necesaria. Debidamente remasterizado, el principal interés de este doble disco está, cómo no, en los (abundantes) extras con dos Peel Sessions, una versión del clásico “I Heard It Through the Grapevine”, “Liebe And Romanze” y una versión alternativa de “Typical Girls”. El segundo disco está reservado para las mezclas alternativas (en general más fieras que las originales), demos y instrumentales, además de “In The Beginning There Was Rhythm” que daba título al magnífico recopilatorio de Soul Jazz. Luis J. Menéndez

ELECTRÓNICA

1114

Escribir sobre una reedición nunca resulta santo de mi devoción, y más cuando se trata de un álbum de electrónica tildado de clásico atemporal del cual desconocía su existencia.

Disculpas aparte, bien es cierto que Swayzak durante los últimos doce años han sido unos habituales de la escena clubbing de nuestro país con su delicada formula de vocal-techno y ciertos vestigios electro antes de que Miss Kittin y The Hacker popularizaran aquella moda pasajera que fue el electroclash.

Echando la vista atrás, los británicos en su puesta de largo de 1998 “Snowboarding In Argentina” hicieron del dub y el ambient con reminiscencias tech-house su mejor carta de presentación. Aunque actualmente sus directos suelen ser una explosión de sucia improvisación, antaño James Taylor y David Brown en temas como “Fukumachi” o “Lowrez Skyline” exploraban las posibilidades que el minimal techno (con perdón del gurú Hawtin) podía tener, alejado del típico hilo musical de cualquier galería de arte. Teniendo en cuenta que la mayoría de los temas superan los diez minutos, esta extensa pequeña joya lejos de quedarse desfasada, sigue teniendo vida propia. Sergio del Amo

LAVENTANA

John Tirado Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2010 /47/

Lucinda Records

Eclecticismo como bandera No es que corran buenos tiempos para la lírica precisamente, pero la labor de pequeños Davides frente a Goliaths heridos de muerte ejemplifica que no todo està perdido. Así lo demuestra Lucinda Records, un sello poliédrico e inquieto, que apunta con su sextante en cualquier dirección para poder faenar en todo tipo de aguas.

E

l punto de partida de Lucinda Records es la revitalización del pope del rock americano Paul Collins. Ungidos bajo este manto rescatador editan en 2005 su disco “Flying High”, a la par que dan luz verde al álbum debút de Lula, “Zapatos Nuevos”. Es toda una institución yanqui la que carga con los honores de que la etiqueta se llame así. “Admiro a Lucinda Williams por su impecable trayectoria y honestidad. El sello ha editado algunos discos de rock americano, country-rock y folk, aunque no son los únicos géneros que nos atraen”, aclara Vicente Úbeda, uno de los gerifaltes del sello madrileño en

liza. “La última vez que vi a Lucinda Williams le di algunos de nuestros discos, como el de Blueberry Hill.

Está encantada de ser nuestra musa”. Con la colaboración de toda la plantilla de Subterfuge y la ayuda de otros dos socios más el sello crece poco a poco y reconoce referentes en Rock Indiana, B-Core, Munster, Elefant o El Volcán. “Es posible que el disco que más repercusión haya tenido sea el de Tulsa. Publicamos su primer EP en 2006. Con Lula también fue bien la cosa. Tenemos listo su nuevo trabajo llamado ‘Sufre como yo’. El año pasado un proyecto tan marciano como el de Lidia Damunt

gustó mucho”. Además de dar cabida a nuevas voces como los punk-poperos The Psychoo Loosers, entre las prioridades de la etiqueta urge reactivar la carrera de Julio Molina (Urtain), Alonso Arana (Sweet Oblivion) y Champagne. A pesar de la que está cayendo en todos los frentes siguen en sus trece y acaban de editar “Slow Motion Party”, disco de John Tirado (The Nash). “Cada día que pasa hay un momento de bajón y esa sensación de darte cabezazos contra una pared, pero al momento pienso en el espectacular catálogo de canciones y en la categoría de nuestros artistas. Así aprieto los puños y sigo luchando”.

El empuje de un tipo como Carlos Cros, que ha insuflado en nuestro interlocutor el amor por los boleros de Los Panchos, y la actitud de bandas como Orleans, Las Furias o Men, son alicientes para que el sello siga adelante. Y con una amplitud de miras que no le hace ascos ni al folk, ni al garage ni al punk.

■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

Imprescindible

Psychoo Losers “Las chicas que me destrozaron el corazón” (2009)

1111

Muchos son los combos patrios que se han decantado por los ritmos juveniles con sabor a chicle punk y acné, desde Fast Food a Airbag. Es el caso de este trío salmantino de adoradores de Screeching Weasel y Blink 182. La intrascendencia y la inmediatez a golpe de tres acordes se trasluce en temas como “Aparato Dental” o “Pánico en la Fiesta de Pijamas”. M.A.S.G.

Interesantes

Urtain

“Canciones selectas en conserva” 1111 Mineralwater fueron uno de los exponentes claves de la cantera indie mallorquina. Ahora su líder Julio Molina se enfunda los guantes de púgil para lanzarle al punching-bowl certeros crochets y ganchos de pop entonado en castellano. Himnos como “Calamar” o “No es personal” noquean al oyente antes de que la campana anuncie el fin del combate por K.O. M.A.S.G.

Sweet Oblivion

“Black Sheep Serenade” 1114 Con Mark Lanegan como santo de su devoción, Screaming Trees mediante, estos getxotarras procedentes de Cujo y Cancer Moon reescriben su historia a golpe de un pop amable urdido en las praderas del salvaje oeste vizcaíno.

En sus melodías, con una voz cercana a la de Isobel Campbell, restallan ribetes de Steve Earle y Gram Parsons entallados por José María Rosillo. M.A.S.G.

NOVEDADES

John Tirado

“Slow-Motion Party” (2009) 1111 La conexión entre la Gran Manzana y Palma de Mallorca obra milagros en la figura del que fuera líder de The Nash. Junto a músicos de Sexy Sadie y Casarusa organiza una “fiesta a cámara lenta” en la que destacan jugosos canapés de americana y folk. Suculentos bocados que responden por el llamativo nombre de “On My Radar”, “Beggars & Choosers” y “Oh Jody”. M.A.S.G.

Champagne “Flotando Alrededor” (2009) 1114 Primero fue su disco “Ready, Steady, Go!”, todo un guiño a la canción de Generation X, banda primigenia de Billy Idol. En su segunda traca de canciones la banda gaditana de San Fernando tira de enciclopedia pop. Esa en cuyas páginas doradas se escriben los memorables acordes del “My Sharona” o las tibias melodías de “Pet Sounds”.

■ M.A.S.G

MONDOMEDIA

Oil City Confidential. The Dr. Feelgood Story

CINE

Oil City Confidential. The Dr. Feelgood Story

Oil City Confidential. The Dr. Feelgood Story Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2010 /49/

Julien Temple

El cineasta del rock Cronista audiovisual definitivo del punk londinense, creador de clips de rutilantes estrellas y, ante todo, director rebelde y singular, Julien Temple es para muchos el más prestigioso cineasta del rock. Sus documentales dedicados a Dr. Feelgood y Madness no hacen sino subrayarlo.

L

a presentación en el festival de cine documental musical In-Edit Beefeater de sus dos últimas creaciones –“Oil City Confidential. The Dr. Feelgood Story” y “Madness: The Liberty Of Norton Folgate”trajeron de nuevo a Barcelona a Julien Temple (Londres, 1953). En la terraza del hotel que sirve de base de operaciones para el evento, el autor de referentes como “The Great Rock And Roll Swindle”, “The Filth And The Fury”, “Joe Strummer: The Future Is Unwritten” o “Glastonbury” entre otros, nos atendió con

presentada en el festival. “Odio de verdad las películas sobre conciertos, porque pienso que a una banda hay que verla en vivo, no en una película. Por eso busqué el formato conceptual, ilustrado de forma que resultara interesante, en lugar de mirar sólo a los ángulos de las tomas: primero el cantante, después el guitarrista y más tarde una toma desde detrás. Tras un rato eso es aburrido. Intenté conectar con el interior de las canciones y su significado, mostrando imágenes de calles de Londres

“No hubiera hecho una película sobre The Beatles, por ejemplo” toda la profesionalidad y riqueza de discurso que cabía esperar en alguien de su talla artística. Mientras degustaba una copa de buen vino, Temple empezó por desgranar su presente.

Después, se despachó a gusto con algún que otro divo rockero. Sin pelos en la lengua, como debe ser.

Siendo conocido por su conexión con Sex Pistols, The Clash o el festival de Glastonbury, el nombre de Dr. Feelgood suena muy underground. “Les elegí precisamente por eso.

Me gusta que la gente no les conozca.

Era una oportunidad de tratar el período anterior al punk y explicar de dónde venía parte de su energía. Dr. Feelgood procedían de un lugar muy específico, Canvey Island, donde hay una enorme refinería, la más grande del Reino Unido. Vivían en un mundo muy duro, imaginando la forma de salir de allí. Para mí es una bonita historia desconocida. No hubiera hecho una película sobre The Beatles, por ejemplo. Una banda olvidada me motiva mucho más”.

Más recordados son Madness, la banda que filmó en concierto para completar su otra película

a las que se refiere la canción. O buscando en el pasado, en figuras de la mitología londinense como Jack el destripador y filmando después esos mismos lugares tal y como son hoy”. Tras disfrutar de un gran éxito en los ochenta, Madness son hoy otro ejemplo de banda que sigue en activo en su madurez.

“Creo que es duro para los rockeros, o como quieras llamarles, llegar a la madurez, manteniendo a los cincuenta lo que hacían a los veinte. Pienso que el arte del rock trata sobre la sexualidad y la energía de la juventud. El caso de Madness es distinto, porque no es una banda de puro rock’n’roll, sino que sus raíces están más en la propia ciudad de Londres, con la influencia de toda la inmigración. En particular se nota la música jamaicana, pero en este álbum sobre el que hemos filmado también hay influencia de música judía, irlandesa o de Bangla Desh. Lo que para mí es muy triste es un caso como el de Sting, que sale al escenario con pose altiva y en plan ‘miradme, todavía soy un divo rockero’. Los Pistols, en cambio, volvieron

diciendo: ‘hemos vuelto, tenemos cincuenta tacos y somos tan feos como siempre’.

Joe Strummer decía que yo era afortunado, porque hago películas y no tengo que saltar en el escenario. Cada caso es distinto. John Lee Hooker era fantástico cuando tenía ochenta años. Si no estás cagándola, puedes hacerlo cuando eres viejo. Vi a Neil Young en Glastonbury este año y estuvo increíble. Al llegar parecía un viejo vagabundo cabreado y miles de críos que parecían decir: ‘¿quién cojones es?’. Al final todos esos chicos estaban impactados”.

C

oincidimos con Temple en que una buena biografía o un documental biográfico deben ser algo más que una serie de eventos ordenados cronológicamente.

“Intento ver la película como algo que no sólo se centra en la música o en una banda, sino en el mundo del que viene esa banda, de dónde procede esa música, por qué el público la necesitaba. Trato de hacerlo más social. Miro al mundo del que proceden, las tradiciones de ese lugar, su historia, su cultura. También intento añadir trazos de ficción a lo que es una historia real, para acercarlo a un drama.

No me interesa la verdad absoluta, sino mi propia versión. La idea del rockumental es

cualquier caso, debe ser difícil sentirse libre para contar toda la verdad cuando existe una relación personal próxima con el protagonista de un documental. “Cierto, no me siento completamente libre. Yo tenía una relación cercana con Joe Strummer y para mí lo más importante fue ser muy cuidadoso acerca de cómo contaba su historia. Puedes retratar la vida de cualquiera y hacer de él un gilipollas o un santo. En el caso de Joe hubiera sido fácil mostrarle como un ídolo, pero no era eso lo que quería.

Mi intención era mostrarle tal y como yo le veía. No me veo haciendo una película sobre Mick Jagger con él detrás diciéndome que debe salir reluciente. Eso sería ridículo y además le haría parecer un idiota, cuando en realidad no lo es. Ya sabes, retratado como el dios rockero perfecto.

Es absurdo. Con Joe fue duro, porque estábamos muy unidos. No hubiera hecho esa película si todavía viviera. Fue extraño hacerla. Mi planteamiento no fue del tipo: ‘lo diré todo sobre él’, sino más del estilo: ‘diré todo lo que me fascina de este tipo’”.

Temple nos cuenta también que trabaja en una película de ficción basada en The Kinks, grupo sobre el que además planea elaborar un documental. Así mismo, tiene en fase de finalización un documental acerca de Detroit, una

“Joe Strummer decía que yo era afortunado, porque hago películas y no tengo que saltar en el escenario” una idea horrible para mí. Esa película con la historia de un rockero, diciendo lo grande que era, es algo que odio. Creo que se debe inspirar a los chavales para que sean algo por ellos mismos en lugar de superhumanizar a alguien. Hay que mostrar que esa gente es como tú y yo y que las lecciones que aprendieron pueden ser útiles”.

Dicho esto, llega el momento de saber cuáles son los documentales de otros directores que le gustan. “No veo muchos, la verdad, porque la mayoría me aburren. Pero me encanta ‘No Direction Home’, el que Scorsese hizo sobre Dylan. Es mágico. Cada vez que veo ese documental me enamoro de él”. En

urbe con gran tradición musical, pero sobre la que el realizador inglés pretende priorizar otros aspectos, como la forma en que la ciudad lideró el modelo de industrialización estadounidense.

Por otra parte, al referirnos a su faceta como realizador de clips –con un historial que incluye tótems como The Rolling Stones, Tom Petty, Neil Young o David Bowie- confiesa estar dispuesto, en función del dinero, a trabajar con canciones que no le gusten. Incluso tiene una anécdota al respecto. “Rechacé a Madonna, pero entonces no sabía quién era. Fue a principios de los ochenta. Estaba en Nueva York y apareció esa cría: ‘¿Quieres hacer mi video?’.

Y le dije que no”. ■ Xavier Llop

mondorecomienda

LA ENTREVISTA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

libros

Fin

Poder Freak

Barroquismo literario, manierismo descriptivo, personajes típicamente costumbristas y situaciones inverosímiles en una historia de terror metafísico que maneja muy bien la tensión y el lenguaje pero se cierra con un final abierto que da la sensación de que a uno le han tomado el pelo. Desde algún medio se la ha comparado con Buñuel y Cormac McCarthy. En fin. Dani Arnal

Si algo ha demostrado el periodista Jaime Gonzalo a lo largo de su amplia trayectoria (Rock Espezial, Ruta 66…) es que jamás utiliza una palabra de más y nunca escribe por escribir. Esta obra en tres volúmenes es un ejemplo más de su rigor, además del complemento perfecto para “Do It! (Blackie Books) y “Motherfuckers!” (La Felguera). Enrique Gijón

David Monteagudo Acantilado (111)

Jorge Nebra Foto Anguila

Jaime Gonzalo Discos Crudos (1111)

Jorge Nebra

Al este del Moncayo Neil Young:

Shutter Island

Una leyenda desconocida

Dennis Lehane RBA (111)

El próximo estreno de la nueva película de Martin Scorsese, “Shutter Island”, permite recuperar la novela en que se basa, de Dennis Lehane, actual maestro del thriller y autor también de “Mystic River”. Sin embargo, Lehane construye su ficción sobre un giro final que tiene pinta de aguantarse mejor en pantalla. J. Picatoste Verdejo

Christian Aguilera T&B Editores (1114)

El primer gran acercamiento a la figura de Neil Young en castellano lo hace desde la perspectiva de su obra, analizando disco a disco y dando las claves, tanto personales como creativas, para entender su legado de forma rigurosa y muy documentada. A destacar el extenso y detallado apéndice. Don Disturbios

DVD MÚSICA

The Black Crowes “Cabin Fever” Broken Arrow (1111)

Como poseídos por el espíritu de un renacer, los hermanos Robinson no paran de regalar a sus seguidores con material que les mantiene como uno de los abanderados del rock sureño americano.

Grabado a lo largo de cinco noches en los estudios de Levon Helm, este DVD es una auténtica delicia porque nos muestra a The Black Crowes en su estado puro, es decir, interpretando música en directo que logra emocionar a cualquier amante del género. Cabe destacar las versiones de The Velvet Underground (“Oh Sweet Nothin”) y de Fred Neil (“The Dolphins”), la inclusión de un tema inédito que no estaba en su último trabajo titulado “Little Lizzy Mae”, así como los recesos y preparativos de las grabaciones entre tema y tema. Don Disturbios

Tote King

“Checkpoint Rock”

A la venta por separado o formando parte de la caja recopilatoria de todo su material hasta la fecha, “Tengo que volver a casa” es un documental que sobrevuela la actualidad del sevillano, centrándose más en su cotidianeidad que en su música. Eso sí, no faltan los invitados ilustres y las amistades cercanas. Ernesto Bruno

El importante poeta palestino Mahmoud Darwish (muerto en 2008), su poesía y su gran influencia, sirven de nexo de unión a Fermin Muguruza para mostrar un retrato preciso y crudo (por lo real) de los músicos palestinos (hip hop, rock o tradicionales) de hoy. Como muestra una frase: “utilizamos el arte para decir al mundo quiénes somos y de qué sufrimos”. Miguel Amorós

“Tengo que volver a casa” BOA (111)

Fermín Muguruza Cameo (1111)

El director de cine aragonés Jorge Nebra se embarcó hace un tiempo en una película documental que debería ser material obligatorio a la hora de hablar de la historia de las gentes de Aragón. Debería porque “Tierra de Cierzo” es fiel reflejo de lo que desde unos años a esta parte ha sucedido en la música aragonesa y en el resto del país.

N

ebra acaba de estrenar “Tierra de Cierzo”, la historia musical de una tierra, de unos sueños y de muchas alegrías a la par que penas. “El proyecto surge hace seis años, cuando entro en las entrañas del bar Central de Zaragoza, en la productora de vídeo de Julián Martín y veo apiladas decenas de cintas de vídeos de los ochenta y los noventa que habían para un montón de grupos. Y allí estaban cogiendo polvo. Y el libro ‘Polvo, niebla, viento y rock’ de Matías Uribe, otro gran golpe de inspiración y detonante de todo esto. Ha sido una película preciosa de poder hacer y es sorprendente la colaboración y los ánimos de la gente y los grupos de la tierra”.

La película tiene claros protagonistas, los que han formado parte del sueño musical de Aragón, quienes a la par han sido colaboradores en este bonito y necesario proyecto que no separa capítulo a capítulo a cada uno de ellos, sino al contrario. “Trata de una unión y una historia de todos, no de un grupo u otro. Todos ellos la hicieron posible y otros la vivimos en tiempo de adolescen-

cia. Hay que destacar que es una película que explica a los de aquí y a los de fuera de dónde ha salido toda la gente que está arriba hoy en día como Amaral, Violadores, Carmen París, Héroes y tantos otros. Es una película que exporta Aragón al mundo. Que habla del pasado, del hoy y del futuro”. El hecho de que el Cierzo, ese viento que nos vuelve locos y duros, sea el hilo conductor de toda la cinta no es una decisión cualquiera. “Una de las preguntas en las entrevistas era que le pusieran un título a la película. Queríamos escoger un título entre todos ellos”. Nebra se pone nervioso mientras visualizo el proyecto, se le ilumina la cara al hablar de la gente que ha participado, y a la vez sabe que, como siempre que alguien hace algo bueno, le lloverán críticas y descontentos. “La colaboración de la gente ha sido excepcional. En la película se intenta que tenga cabida todo el mundo, pero eso es imposible, claro; si no duraría la película diez horas. De todos modos es bonito, insisto, que los músicos no hablen de ellos sino de sus compañeros”. ■ Rafa Angulo

cine

Los nuevos caminos del cine indie norteamericano Jugosísima la oportunidad que nos brindan Avalon y Versus Entertainment de recuperar cuatro títulos que han aportado nuevos aires al cine indie yanqui reciente. El primer disco de este pack es para “Brick”, excelente película de Rian Johnson que relee en clave juvenil el universo de la novela negra clásica de escritores como Raymond Chandler y Dashiell Hammet. El segundo lo ocupa “Junebug”, un excepcional film indie a contracorriente por su emotiva y sincera forma de reivindicar en lado más amable de la América profunda con una Amy Adams estelar. El disco tres es para “Keane”, duro y cortante filme sobre un esquizofrénico con un Damien Lewis (actor conocido por sus trabajos televisivos en “Hermanos de sangre” y “Life”) en estado de gracia. El último disco de este obligado pack es “Nueve vidas” del Rodrigo García, desigual pero notable trabajo coral dividido en nueve segmentos. Protagonizados todos por mujeres, el mejor es el que aparece Robin Wright Penn como una mujer casada y embarazada que de pronto, en un supermercado, es tentada a dejarlo todo por un viejo amor del pasado. n Xavi Sánchez Pons

MondoSonoro · Febrero 2010 /51/

LA ENTREVISTA Cómics

MONDORECOMIENDA LOS CLIPS DEL MES

◗ Music Go Music “(Live On Face Time) Explorers Of The Heart” (1111) Music Go Music van a dar que hablar.

Hay quien les sitúa por delante de Scissor Sisters o les considera los herederos de Abba. Aquí se descuelgan con un hit interpretado en la simulación de un programa de televisión de los setenta.

Con el sexto sentido Mauro Entrialgo El Jueves/Astiberri (1111)

Nueva entrega de las divertidas y agudas observaciones de Ángel Sefija, alter-ego del dibujante de Mauro Entrialgo. Una burlesca investigación sobre temas tan trascendentes como la vivienda, la economía o la política a través de cosas tan inverosímiles como el precio de la droga, la decoración del salón o la mascota del vecino. Un libro gracioso, simpático y gratificante. Dani Arnal

◗ Los Punsetes “Tus amigos” (1114) Luis Cerveró filma un clip a la altura del descaro de los madrileños. Lo mejor, sin duda los instantes durante los que bromean a costa de otros grupos indies españoles.

Julius Knipl.

Fotógrafo inmobiliario Ben Katchor Astiberri (11)

En el prólogo del libro, Michael Chabon presenta a Ben Katchor como un revolucionario de la tira de prensa, uno de los pocos nombres en busca de la renovación de un género moribundo. A un servidor, sin embargo, esta recopilación de historietas en las que el realismo mágico campa a sus anchas por las calles de Nueva York le deja totalmente frío, como un Jose Carlos Fernándes demasiado ajeno. L. J. M.

Laika

Rick Abadzis Glénat (111) El polifacético autor británico Rick Abadzis, en cuyo currículo figuran desde trabajos infantiles hasta encargos para Marvel o DC, recurre a su estilo gráfico más feísta para contar con todo tipo de detalles la historia de la perrita Laika, el primer animal vivo que viajó por el espacio y, al mismo tiempo, trasladarnos a los oscuros y desconocidos tiempos de la Rusia soviética. L. J. M.

“Un zoo en invierno” Jiro Taniguchi Ponent Mon (1111)

Con la publicación todavía reciente de “Una vida errante”, en el que Yoshihiro Tatsumi echaba la vista atrás a sus inicios como dibujante, ahora le toca el turno a Jiro Taniguchi en un álbum, no tan exhaustivo a la hora de describir los ambientes de los talleres mangakas en los años sesenta, pero con el alto componente emocional que siempre acompaña los relatos del autor nipón más certero de las últimas dos décadas. Luis J. Menéndez

Mark O. Everett

La vida te da sorpresas Conocido principalmente por ser cuerpo y alma de Eels, Mark O. Everett es un tipo cuya vida no ha sido fácil. Caída tras caída, el estadounidense ha aprendido a levantar cabeza de nuevo. Nos lo cuenta en “Cosas que los nietos deberían saber” (Blackie Books, 10).

“

Estamos todos bien jodidos, pienso, y no hay mayor verdad que esa. Todos tenemos alguna historia bien jodida en nuestras vidas, y no hay nadie viviendo el cuento de hadas que la tele nos hizo creer que viviríamos de mayores cuando éramos pequeños”. Ese extracto podría ser el punto de partida de “Cosas que los nietos deberían saber”, la prematura autobiografía que Mark O. Everett, cantante, alma y cuerpo de Eels, escribió en el 2008, y que ha sido justamente encumbrada por Pete Townshend de The Who como uno de los “mejores libros jamás escritos por un artista”.

Comparado por su prosa sencilla y cercana pero incisiva y lúcidamente cínica con autores de la talla de Raymond Carver o Kurt Vonnegut, el libro refleja en un estilo directo y supuestamente distanciado –detrás se esconde una fina y honesta sensibilidad que desarmará al más suspicaz de los lectores- la larga cadena de tragedias relacionadas con la muerte que ha sufrido Mark a lo largo de sus primeros cuarenta y seis años. Entre líneas, un mensaje: pase lo que te pase en la vida, sus buenos momentos hacen que siga mereciendo la pena vivirla. El libro nos llega por fin editado en español y el mismo Mr. E me comenta su creación dos años después. “Me gusta como quedó, pero de vez en cuando recuerdo cosas que me arrepiento no haber incluido. Nada indispensable, por eso”. La obra no esconde las intimidades más personales que pueden tener lugar en el seno de una familia, así como jugosas anécdotas y encuentros con otros artistas como Elton John o John Legend, que no dejan en muy buen lugar a sus protagonistas. “Por lo único que me siento algo culpable a veces es por escribir sobre mi familia (nota: tanto sus padres como su hermana y su tía murieron de forma prematura en diferentes circunstancias), pero entonces pienso que si ellos me han puesto en la situación que estoy ahora, ¡lo mínimo que pueden hacer por mí es darme el material para sacar un buen libro de todo ello! Con John Legend no he vuelto a coincidir, pero seguro que no

será muy agradable si nos volvemos a ver”.

El libro de Mr. E es también una excelente vía para redescubrir la discografía de Eels. Su crecimiento como artista y sus discos quedan contextualizados y justificados a lo largo del libro –que recoge su historia hasta “Live At Royal Hall”-, dándoles un nuevo barniz de significado. “No fue esa mi intención. Sólo quería explicar mi vida, y ser cantante de rock es sólo una parte, casi un milagro, de mi extraña y enrevesada historia”. Las conclusiones del libro son lo más parecido a un final feliz. La aceptación por parte de Mark Everett de la desgracia como parte asociada inevitablemente a su destino, que le permite disfrutar los momentos de felicidad más intensamente que la mayoría de los mortales; describe su momento actual como un periodo de “feliz normalidad”. Después de la montaña rusa vital que ha sufrido, no es fácil saber si la situación actual puede mermar su creatividad. “No. No necesito tragedias para ser creativo. Y no me gustaría escribir canciones sólo sobre desgracias.

Afortunadamente, esa es sólo una parte de mi vida”. Teniendo en cuenta la excelente acogida que ha recibido el libro en los países en los que se ha editado, especialmente en su natal Estados Unidos, y lo joven que todavía es su protagonista, aparece la duda sobre las posibilidades de una segunda parte en algún futuro todavía lejano...

“Sí, me gustaría hacer una secuela, en unos cuarenta años, pero me gustaría que fuera el libro más aburrido jamás escrito... ¡Porque ya no me queda estómago para aguantar más dramas en mi vida!”. ■ Robert Aniento

◗ Laura Veirs “July Flame” (1114) La estadounidense lejos de agotar su propuesta ha vuelto a regalarnos un disco con canciones delicadas. El vídeo, muy en la línea del imaginario de la artista, muestra en lenguaje animado y muy conmovedor, los estragos de los incendios forestales.

◗ Wild Beasts “All The King’s Men” (11) Que la banda británica Wild Beasts acaba de editar un disco excepcional como es algo que, a estas alturas, ya deberías saber. Y precisamente la grandeza de su álbum reside en canciones tan bellas como esta.

Lástima que el vídeo no le haga justicia.

◗ Rihanna “Russian Roulette” (1114) Rihanna es una diosa. No hay una fémina más sexy, guapa y con una garganta tan bien dotada. Si el r’n’b es un género que se ha autofagocitado a base de manidos clichés, Rihanna también los usa, pero con explosivos resultados.

◗ These New Puritans “We Want War” (1111) Si existe un grupo que haya decidido ir contracorriente, no cabe duda de que se trata de los británicos These New Puritans. A la complejidad y hermetismo de su nuevo disco se une un clip casi experimental. n

mondomedia

/52/ Febrero 2010 · MondoSonoro

CONEXIONES ◗ Los enamorados ya no tienen que pasar las horas muertas delante de una hoja en blanco pensando cómo escribir una canción a sus parejas. Ni tampoco los directores de marketing que quieran crear un jingle para su marca. Ahora es posible conseguir canciones exclusivas con un clic gracias a www. lovejingle.com, una iniciativa del cantante Love Hamell que permite comprar jingles exclusivos por Internet. El site ofrece 365 jingles, uno por cada día del año, y cuanto antes se reserve la canción más económico resulta para el comprador, ya que el precio de cada trabajo aumenta un dólar diario desde su publicación.

mes conciertos al alcance de todos los bolsillos y “pa tós” los gustos. Todos los beneficios de la taquilla se destinarán al proyecto que mantiene la Fundación Gomaespuma en Sri Lanka, acceso a la escolaridad de doscientos niños en Batticaloa, la zona más afectada por el tsunami ocurrido en 2004 y mantenimiento de un campo de arroz para el centro de huérfanos. Los primeros en abrir este ciclo han sido los chicos de La Excepción que actuaron el pasado 13 de enero de forma de completamente gratuita, al igual que el resto de grupos que participan en este interesante ciclo.

Aviador Dro Foto Archivo

◗ La marca de zapatillas y ropa deportiva Vans lanza Be Here, una original campaña interactiva que permite a millones de jóvenes de todo el mundo compartir sus pensamientos, esperanzas y mensajes personales a través de www.vans.com/behere y redes sociales como Facebook, Myspace, Twitter, Flickr y YouTube. Los mensajes más originales serán transmitidos en una pantalla de vídeo gigante en el icónico Times Square de Nueva York, cada hora, durante diez minutos, las veinticuatro horas del día. Los participantes han enviado sus mensajes a través de la web oficial de la campaña, y los mensajes podían ser simples felicitaciones, deseos para el próximo año o reflexiones de lo que nos dejó 2009. ◗ Backyard Babies, los reyes del rock escandinavo celebran su aniversario con un tomo de ciento veinte páginas de fotos de gran formato. Además se incluye un compacto recopilatorio de doce temas, dos más con treinta y ocho rarezas y un DVD con el documental “Jetlag The Movie” y todos los videoclips de la banda. Por si esto fuera poco, la banda estará de gira en este mes de febrero con las siguientes fechas: jueves 04 en Barcelona (Bikini) viernes 05 en Madrid (Joy Eslava) y sábado 06 en Bilbao (Kafe Antzokia).

◗ Tras su espectacular concierto de trigésimo aniversario, Aviador Dro seguirá realizando actividades durante todo el año 2010. Entre ellas la creación y dinamización de un espacio en Second Life que pretende ser un homenaje a los treinta años de combate y música para bailar en las fábricas. El espacio Aviador Dro en Second Life se encuentra situado en la isla metaXRL8 Park 1, a la cual podréis acceder en http://tinyurl. com/yatmqax. En este espacio podréis encontrar una reproducción de los edificios más emblemáticos de la Isla Moreau, una ciudad creada en 3D para el CD-rom que acompañaba al compacto de audio del mismo título, ciudad de ciencia ficción en un mundo paralelo creada por Biovac N que ha dado lugar a un espectacular juego de mesa con los diferentes personajes y tramas de la megalópolis y las guerras entre mega corporaciones.

◗ El Consejo Regulador de la Denominación de Origen (CRDO) Chufa de Valencia ofreció a Vampire Weekend degustar la auténtica Horchata de Chufa de Valencia, dado que la banda le da a la horchata el título del primer single de su nuevo disco. Los miembros de la banda aceptaron encantados la invitación, por lo que el Consejo Regulador les ha hecho llegar hasta Los Angeles una muestra de Horchata de Chufa de Valencia como gesto de agradecimiento al interés que este grupo de jóvenes músicos han mostrado por el producto.

◗ Hearsafe.es es la primera tienda de “InEarMonitoring” en España. Fabricantes propios de adaptadores a medida y que, en colaboración con la prestigiosa marca alemana Hearsafe, han creado una tienda virtual donde encontrarás distintos productos que permiten un mayor control y cuidado de nuestro oído, además de una gran variedad de artículos imprescindibles en el control del sonido por un lado y la protección por otro. Filtros adaptados a cada situación y a cada necesidad que además son productos artesanales, únicos y personalizados.

Son ya muchos los músicos y cantantes que aprovechan esta tecnología para obtener mejores resultados en el escenario.

Backyard Babies Foto Archivo

◗ A finales del pasado 2009 Jägermeister organizó un sarao por todo lo alto en el que el licor corrió a raudales y la música, siempre vinculada a la casa, también fue protagonista.

Tanto aquellos que estuvieron allí, como los que no pudieron asistir tienen la oportunidad ahora de recordar aquellos momentos con el vídeo que encontrarás en www.casajager. es/galeria.html.

◗ La Fundación Gomaespuma junto con Mobydick y December Producciones inauguraron en enero de 2010 un ciclo de conciertos bautizado como “Música pa tós”. Siguiendo la filosofía Gomaespuma “pa tós” se organizarán una vez al

◗ A finales de enero saldrá a la venta en DVD “Checkpoint Rock”, un viaje de contrastes que, de la mano de Fermín Muguruza y Javier Corcuera, cambiará la visión que tenemos de este pueblo en conflicto para desvelarnos los sueños, las frustraciones y las esperanzas de los palestinos. El rap, el rock y la música tradicional son el hilo conductor de la historia de cada uno de sus protagonistas, mostrándonos así qué piensan del destino único que les ha tocado vivir y cómo lo enfrentan a través de sus letras y melodías. La edición la completa un interesantísimo material extra en el que destaca la entrañable presentación de la película realizada en Ramallah, evento al que acudieron importantes celebridades de la cinematografía española, entre los que estaba Guillermo Toledo. ■

MONDOWEB

/54/ Febrero 2010 · MondoSonoro

Descubre los blogs de nuestros redactores en www.mondosonoro.com

votaciones del lectoR ganadores de los AURICULARES SENNHEISER eH 350 - Carlos Cazorla (Benicàssim, Castellón de la Plana) - Jose María Ichaso (Zaragoza) - Óliver Mínguez (Burgos) - Marceloa Faltum (Madrid) - Rodrigo Sagarzazu (Pamplona, Navarra)

Los 10 Mejores DIRECTOS Internacionales

Love Of Lesbian Vetusta Morla We Are Standard Delorean The Sunday Drivers Arizona Baby Lori Meyers Los Planetas Standstill Russian Red

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Love Of Lesbian “1999” Delorean “Ayrton Senna Ep” Layabouts “...And They Ran Into The Woods” Arizona Baby “Second To None” Dorian “La ciudad subterránea” La Bien Querida “Romancero” The Right Ons “Look Inside Now!” The Sunday Drivers “The End Of Maiden Trip” Macaco “Puerto Presente” The New Raemon “La dimensión desconocida” Los Delinqüentes “Bienvenidos a la época iconoclasta” Sou Edipo “Podría ser en cualquier lugar” Second “Fracciones de un segundo” Bigott “Fin” Los Coronas “El baile final” Berri Txarrak “Payola” L.A. “Heavenly Hell” Mendetz “Souvenir” Quique González “Daiquiri Blues” Alondra Bentley “Ashfield Avenue”

Franz Ferdinand Foto Soren Solkaer Starbird

FESTIVALES

Primavera Sound Estrella Damm (Barcelona) FIB Heineken (Benicàssim, Castellón) Ebrovisión (Miranda de Ebro, Burgos) Sonorama (Aranda de Duero, Burgos) Contempopránea Cruzcampo (Alburquerque, Badajoz) Sónar (Barcelona) BBK Live (Bilbao) Azkena Rock Festival (Vitoria, Álava) S.O.S. 4.8 Estrella Levante (Murcia) Sonisphere Festival (Barcelona)

DISCOS Nacionales

Love Of Lesbian Foto Julio González

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DISCOS Internacionales

DIRECTOS Nacionales

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Franz Ferdinand Muse U2 Wilco Depeche Mode James The Killers Neil Young The Prodigy Mando Diao

Los 20 Mejores

Los 10 Mejores

Franz Ferdinand Foto Julio González

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Los 20 Mejores

Primavera Sound Foto Archivo

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Franz Ferdinand “Tonight” Animal Collective “Merriweather Post Pavillion” Wilco “Wilco (The Album)” The Pains Of Being Pure At Heart “The Pains...”

Phoenix “Wolfgang Amadeus Phoenix” Arctic Monkeys “Humbug” Pearl Jam “Backspacer” Lady Gaga “The Fame” Depeche Mode “Sounds Of The Universe” Editors “In This Light And On This Evening” Them Crooked Vultures “Them Crooked Vultures” Antony & The Johnsons “The Crying Light” Yeah Yeah Yeahs “It’s Blitz” The Black Crowes “Before The Frost/Until The Freeze” Kasabian “West Ryder Pauper Lunatic Asylum” Green Day “21st Century Breakdown” Grizzly Bear “Veckatimest” Bill Callahan “Sometimes I Wish We Were An Eagle” Gossip “Music For Men” Mastodon “Crack The Skye”

Love Of Lesbian Foto Archivo

CONCURSOS WEB

con la actuación de los grupos Arctic Monkeys, Mystery Jets, Lightspeed Champion y Fuzzy White Casters

pa ses

VIP

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pases VIP para el MTV WINTER 2010

entrevistas sOlo en...

LA PREGUNTA DEL MES: ¿De quién es hijo Rodrígo García, el director de “Nueve vidas”?

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Sorteamos

pack DVD’S INDIE AMERICANO

DAYNA KURTZ RICHMOND FONTAINE MAYER HAWTHORNE

Consulta los ganadores de los sorteos en nuestra web. Entra y participa

¡¡¡SUERTE!!!