MondoSonoro julio-agosto 2018

Nยบ 263 Julio-agosto 2018 www.mondosonoro.com

CHVRCHES, IRON MAIDEN, IDLES, PHOENIX, ENRIC MONTEFUSCO, SOPHIE, BIFFY CLYRO, PJ HARVEY, ARCO, ZA! AYAX, NACHO VEGAS, MIKE SHINODA, ZOร , LOS HERMANOS CUBERO, THE CARTERS, CHANCHA VIA CIRCUITO

El baile del

Gorillaz

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Ayax Cuestión U de actitud

FOTO: ARCHIVO

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Llegó el momento de dar la cara. El primer álbum en solitario del granaíno Ayax, Cara y cruz (Albayzin Records, 18), nos acerca su parte más cruda y visceral. Y nos demuestra que siempre hay una razón y una oportunidad para salir del túnel. Conversamos con la mitad de Ayax y Prok para descubrir más sobre su material al margen del dúo.

NA DE LAS PRINCIPALES características del rap es la narrativa autobiográfica. Sus autores nos exponen sus vidas y sus personalidades, sus vivencias. Y dentro de esta categoría hay quienes exageran, quienes parodian y quienes, como Ayax, comparten sus confesiones más personales e introspectivas. El granaíno presenta su primer álbum sin su gemelo Prok, Cara y cruz, un disco con dos caras; una más desenfadada y otra en la que se abre sin tapujos ni complejos.

“En estas canciones cuento cosas de mi vida que no cuento ni a mis amigos. Pero necesito sacarlas para desahogarme”.

Entre ellas, habla de la depresión que ha sufrido a raíz del éxito en la música.

“Toda esta situación me ha hundido la vida, he sufrido una depresión con ataques de ansiedad y he tenido que medicarme. Durante una época he pensado que mi música era una mierda y que yo era el peor, que no servía para nada, por

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culpa de la presión y la autoexigencia.

Tenía la sensación de estar viviendo en un Black Mirror en el que sólo importa lo superficial”, reconoce el cantante, aunque añade que eso ya forma parte del pasado. “Pero gracias a la medicación, a hacer las cosas bien y, sobre todo, a este disco, he conseguirlo superarlo. Ahora sólo siento orgullo por lo que estamos consiguiendo”. Y no es la única mala experiencia de la que el gemelo nos habla en Cara y cruz. El disco comienza con la canción Desahucio, en la que relata cómo se sintió “cuando llegó aquella maldita carta a casa hace ya cuatro años” y a lo largo del elepé muestra su frustración con otras realidades difíciles que ha sufrido a lo largo de su vida. Quizá la que recuerda con más dolor fue su paso por el reformatorio con catorce años.

“No se puede sacar absolutamente nada positivo de aquello. Te atan a la cama de pies y manos hasta que tus piernas se engangrenan y no puedes andar. Los

coordinadores hacen que los guardias apaguen las cámaras para que te peguen guantazos, te atan a una silla durante horas en una habitación blanca en la que sólo te ves a ti mismo y no puedes recostarte ni dormir. Allí hay abusos y palizas todos los días. Los chavales piden el traslado a la cárcel en cuanto cumplen los dieciocho porque aquello es realmente insoportable. La única parte buena fue que todas estas prácticas salieron luego a la luz gracias a un guardia que lo denunció. Un guardia que era el único que me caía bien, que escuchaba CPV y me dejaba rapear cuando me ataban a la silla. Él lo destapó todo, pero da igual, porque al final no lo pagan los que lo tienen que pagar, y allí hay niños que se han ahorcado con las sábanas por la frustración.

No es ninguna tontería lo que pasa en los reformatorios, y lo cuento ahora porque quiero que se sepa”. Una época difícil, tiempos complicados de los que Ayax no huye, ya que tal como explica en la can-

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MONDO FREAKO FOTO: ARCHIVO

LA MÍA

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ción Me hizo fuerte. “No hay que avergonzarse de estas cosas, no puedes huir de los problemas porque siempre van a venir otros nuevos y hay que saber afrontarlos”.

PERO ESOS ERAN OTROS TIEMPOS. Hoy en día Ayax (y Prok) se han situado como uno de los grupos referencia del rap nacional. Número uno en varias plataformas musicales y sold out en prácticamente todos sus conciertos. Su presencia es sinónimo de éxito en un festival, pero ¿por qué separarse entonces para vuestro debut discográfico? “Porque ambos teníamos mucha acumulación de letras, y en vez de publicar un disco que tuviese muchos temas, preferíamos sacar dos discos en solitario y desahogarnos. En realidad somos muy prolíficos, escribimos muchas letras en solitario, y por eso yo he sacado este disco ahora y después de verano saldrá el de mi hermano, Rojo y negro, y ya más adelante grabaremos otro los dos juntos”. Tienen el respeto y la admiración de la escena y del público, y han llevado su rap a rincones donde ni ellos mismos imaginaban. “Hemos conseguido que nuestro mensaje llegue a mucha gente con muy pocos medios. Desde el principio nos hemos trabajado muchos los vídeos, porque además nosotros gesticulamos mucho, somos muy teatreros, e intentamos transmitir todo lo que decimos. Pero nos ha llevado mucho tiempo; lo bueno nos ha empezado hace tres o cuatro años, pero llevamos ya trece años con ello”. Y además, algo que nos encanta, lo han conseguido con el sudor de su frente y sin ayudas externas. “Nos han llamado todos los sellos, sobre todo los más fuertes y conocidos. Pero ni siquiera nos hemos llegado a reunir con ellos, porque no nos interesa, no pueden ofrecernos nada. No tiene sentido para nosotros fichar por un gran sello. Además acabamos de crear el nuestro propio, Albayzin Records, con el que ya hemos publicado este Cara y cruz y publicaremos nuestros trabajos.

No necesitamos una discográfica”.

“NO SÉ CUÁL es el secreto de nuestro éxito ni por qué estamos gustando tanto, porque nosotros hacemos un rap muy hardcore, muy dife#6 julio-agosto 2018

“Creo que el rap y el hip hop han perdido su conexión como cultura” rente a lo que se está haciendo ahora, y sin embargo está funcionando. Pero a mí para escribir me inspira más una base de rap clásico que cualquier otra cosa”. No son palabras vacías. Ayax y Prok son seguramente el grupo de la nueva generación del rap que más honra a los grandes clásicos del hip hop. Sin ir más lejos uno de sus primeros éxitos, Polizzia, se fraguó sobre aquella inolvidable instrumental de la película La Haine, Nique de la Police (Cut Killer). Su rap respira nostalgia, al igual que sus palabras. “Creo que el rap y el hip hop han perdido su conexión como cultura. Y no es que la mezcla o los nuevos sonidos sean malos, pero no hay muchos adeptos a mantener la cultura propia del hip hop como era antes. Antes tres de cada treinta chavales escuchábamos rap y los demás nos miraban raro, y ahora es al revés. Y muchos de esos chavales no saben lo que es hip hop, les preguntas por los padres de esta música y no tienen ni idea, pero les gusta como suena. Por eso creo que hoy en día los que hacen rap auténtico son muy pocos”.

Quién haya asistido a uno de sus conciertos sabe el ambiente noventero que se respira en ellos, gracias también a la labor de su Dj Blasfem, y sabe que sus directos son un derroche de energía y entrega, reflejo de su personalidad. “Damos bolos muy intensos, de dos horas, y no paramos de saltar. De hecho mi padre nos lo dice siempre, que le gusta nuestro rap porque somos raperospunkies. Que compartimos con el punk ese hastío con la sociedad y esa mala hostia y actitud con las injusticias”. Quizá por eso las autoridades policiales le vigilan de cerca y han denunciado tanto a su música (la canción Polizzia) como a su persona (recientemente en el barrio de Lavapiés). “Es ridículo, estamos volviendo hacia atrás, y esto deja claro la dictablanda en la que vivimos, en la que nos oprimen en silencio. Pero no nos van a callar y vamos a seguir denunciando todas estas cosas mientras sigan ocurriendo”.

—alfonso gil royo

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Dinamarca sí que es “diferent”

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finales de este pasado mes de mayo tuve la oportunidad de asistir a la primera edición de Sol Madrid. Se trata de un evento que logra ser un fructífero encuentro entre las principales empresas y medios especializados de la industria musical de España, Portugal y Francia con los principales programadores de festivales de medio mundo. Durante las jornadas de trabajo en el Impact Hub de Madrid, MondoSonoro tuvo la oportunidad de compartir experiencias con los festivales presentes en el encuentro, que disponían por turnos de la posibilidad de presentar sus diferentes experiencias a los allí presentes. Todos dejaron constancia de que el fenómeno festivalero hace tiempo que superó la pantalla de la globalización. Todos hicieron patente que son una realidad que, pese a los más agoreros, hace tiempo que llegó para imponerse como modelo de ocio y disfrute de la extensa cultura asociada a la música popular. Sin embargo, de toda la lista de ponentes (Sunfest –Canadá-, Ciudad Emergente –Argentina-, Seoul Music Week – Corea-, Festival Mimo -Brasil/Portugal-, Rock al parque –Colombia-, Ocesa –México-, Festival Marvin –México-, SummerStage -Estados Unidos-, Estereo Picnic –Colombia-, Rec-Beat –Brasil-, Fuji Rock Festival –Japón-, FMM Sines –Portugal-, Cubadisco –Cuba- y Womad - Chile) hubo un caso que me llamó poderosamente la atención y me hizo pensar que existen ejemplos muy sólidos para tener fe en que otro mundo es posible. Cuando le tocó el turno al representante del danés Roskilde Festival, en lugar de centrarse en los artistas que habían traído en anteriores ediciones o lo que estaban preparando para la presente, se dedicó a desglosar los datos de un festival que se enorgullece de llevarse a cabo tan solo gracias al trabajo de varios miles de voluntarios y que no tiene fines lucrativos. Al contrario, durante su intervención nos contó que desde su fecha de creación -1971- Roskilde ha generado aproximadamente 43 millones de euros para proyectos humanitarios y culturales en todo el mundo. No en vano colaboran de forma activa con Médicos sin Fronteras, Amnistía Internacional, Apoyo a las víctimas de Iraq, Save The Children, el Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF) y muchas más organizaciones que ahora no recuerdo. De hecho, el festival decidió centrarse en 2016 en diferentes aspectos relacionados con la igualdad, al tener la certeza de que este valor es esencial para lograr una sociedad sostenible y democrática en todo el mundo. Por eso, más allá de que los cabezas de cartel de esta edición sean Eminem, Bruno Mars, Nine Inch Nails, Gorillaz, Massive Attack o Nick Cave, pensad que las auténticas estrellas son los dos socios fundadores que soñaron que algo así era posible. Un verdadero ejemplo y no solo por las dimensiones del evento. —sergi marqués

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Chvrches Escalón o tropiezo

Y llegó el tercer álbum de Chvrches, Love Is Dead (Universal, 18), reduciendo su lenguaje pop a sus señas básicas, proclamando que el amor ha muerto, y hablando de manera muy directa al oyente.

Sin embargo no todo el mundo lo está entendiendo como la maduración que se le supone a un tercer disco. ¿Qué ocurre con Chvrches y su público?

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pop haya encajado lo nuestro, y ahora sí, parece que es un viaje de vuelta. Lo veo como un agradecimiento a todas las influencias que recogimos cuando empezamos. Es una espiral de influencias que es lo que hace que la cultura pop sea importante, interesante y colorida”. Tan cierto como que se espera de un tercer álbum un asentamiento del sonido y una maduración. “Si haces un primer álbum que tenga una cierta relevancia, todo lo que vayas a hacer después se hace difícil”. Quizás por ello, Chvrches se han centrado en seguir su camino y fruto de ello aparece este Love Is Dead, trece canciones que dan vueltas a la muerte del amor y se dirigen a un “tú” determinado en vez de centrarse en los sentimientos de la persona que habla en la canción.

“Yo no contribuyo casi nada a las letras.

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CRÍTICANDO Relaxer Love Is Dead

Universal Pop electrónico 6/10

Buscando a las masas Chvrches vuelven con ganas de romper barreras, de llegar a un público mucho más amplio a través de la sencillez y para lograrlo se han renovado con la producción de Greg Kurstin (25 de Adele). Su base instrumental sigue siendo la misma, unos adictivos sintetizadores y una potente percusión que baila con ellos de principio a fin. Sin embargo, en muchos de los temas nos encontramos recursos y propuestas sonoras prefabricadas propias de esas canciones llena estadios que buscan alcanzar. Repeticiones tediosas (Forever) o estribillos de carácter épico (Miracle, producida por Spike Stent).

Aún así, existen grandes momentos de luz en esta era con propuestas como Graffiti, repleta de fotografías que resumen el imaginario del disco. My Enemy, junto a Matt Berninger, donde se pasan al lado oscuro y sacan la parte más melancólica de la banda o Graves, con un mensaje claro basado en el agotamiento político actual y la revolución juvenil.

—álex jerez

“Si haces un primer álbum que tenga una cierta relevancia, todo lo que vayas a hacer después se hace difícil”

FOTO: DANNY CLINCH

UNQUE LAUREN MAYBERRY sea un personaje fascinante, no importa que el portavoz de Chvrches para esta entrevista sea Iain Cook (teclados, coros), porque apenas disfrutamos de dieciocho minutos de conversación: casi para meter los pies en el agua sin llegar a mojarse la cabeza. O sí. Desde su debut en 2013, Chvrches han influenciado desde fuera el mundo del pop mainstream de tal manera que a la hora de publicar Love Is Dead, son ellos los que están haciendo un homenaje a esa escuela que crearon.

Iain Cook, quien muchos años atrás fuera miembro de la banda Aereogramme, me da su opinión al respecto: “Trato de no darle demasiadas vueltas al hecho de que lo que hagamos afecte a otra gente, pero me encanta que en la cultura del

Es algo de lo que se encarga Lauren por lo que lo mejor sería que pudieras discutirlo con ella”. Ay. “Ella es la letrista, e ignoro lo que quiere decir en realidad.

A lo mejor tiene mucho sentido o a lo mejor no… no lo sé. Lo que puedo decir es que es un álbum que se enfoca sobre todo en la sociedad, que está hecho desde un punto de vista macro, y decir algo como que el amor ha muerto es macro, no se trata sobre una relación entre dos personas. El mundo está muy jodido y realmente no sé cómo vamos a salir de esta. El disco trata sobre la empatía y el amor hacia el hombre común. Es una reacción que se tiene al leer las noticias, y la manera cómo se trata la gente”.

TODO LO EXPUESTO en Love Is Dead lo rematan con un sonido aún más ochentero al no haber limado asperezas y haber trabajado con Greg Kurstin (Adele, Sia, Kelly Clarkson), Spike Stent (Björk, Madonna, U2, más un larguísimo etcétera) y ocasionalmente con Dave Stewart (Eurythmics). Así nos encontramos a Mayberry transformando las noticias en algo personal y empuñando un megáfono para cantar que se nos ha acabado el amor; algo que no ha caído del todo bien en su parroquia. Incluso ha bajado al barro de Twitter para responder muy cabreada a la crítica de Stereogum que tildaba el disco, como mínimo, de tropiezo, pero sobre todo respondió argumentando que se la haya mirado por encima del hombro por ser una mujer portavoz de muchos sentimientos, que ahora, además, quieren ser políticos. Iain guarda silencio, se ríe nervioso y luego dice que “tiene derecho a su opinión”.

Lo que no está tan claro es que valiera la pena entrar al trapo ahora que el idilio perfecto con sus fans, por primera vez, no es para tanto. —jorge obón

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VIVA SUECIA FOTO: ARCHIVO

PHOENIX FOTO: ARCHIVO

Low Festival

Ebrovisión Miranda de Ebro volverá a acoger la nueva edición del Ebrovisión, uno de los festivales que más apuesta por las bandas de nuestro territorio (aunque se permite nombres extranjeros como el estadounidense Ron Gallo o la banda británica Superfood). Durante los días 30 de agosto a 1 de septiembre, esta localidad burgalense acogerá las actuaciones de Lori Meyers, La Casa Azul, La Habitación Roja, La M.O.D.A., Viva Suecia, Los Coronas, Ángel Stanich, Egon Soda, Salto, Modelo de Respuesta Polar, Los Bengala, Carolina Durante, Quentin Gas & Los Zíngaros, La Plata, Vulk o Texxcoco. Redondearán las actuaciones la muestra gastronómica, el Ebropeque con actividades infantiles y el habitual mercadillo. —MS

www.lowfestival.es

AZEALIA BANKS FOTO: ARCHIVO

NADA SURF FOTO: CARLES RODRÍGUEZ

www.ebrovision.com

Sonorama Ribera

Con las entradas agotadas desde hace cuatro meses, el Arenal Sound presentó un total de veintiséis nuevos nombres que no hacen sino añadir atractivo a su selección. El festival, que abrirá sus puertas el 31 de julio y se alargará durante seis días en Burriana (Castellón), suma artistas como James Blunt, Azealia Banks, The Vamps, Zoé, Alfred (OT), Rels B o David Otero y nombres locales como El Tío La Careta, Frida, Six To Fix y King Kong Boy. Redondeando el cartel habrá una nutrida lista de Dj’s que incluyen a gente como Elyella, The Zombie Kids, Delaporte o Brian Van Andel. Todos ellos se han sumado a nombres como los de Bad Bunny, Crystal Fighters, Dimitri Vegas & Like Mike, Steve Aoki, Dorian, La M.O.D.A. o La Pegatina. —MS

El Sonorama Ribera (del 8 al 12 de agosto, Aranda de Duero) va calentando motores para su próxima edición y hace unas semanas confirmó más de treinta artistas entre los que destacan Morcheeba, Mikel Erentxun, Milky Chance, El Último Vecino, Carolina Durante, o Joe Crepúsculo. Todos ellos se suman a otros como Liam Gallagher, Nada Surf, Bunbury o Izal, que actuarán durante los días 8 a 12 de agosto en este festival que se celebra en Aranda de Duero. Por otro lado, los ganadores del Concurso Lanzadera del proyecto Empower Music del Ayuntamiento de Fuenlabrada, que busca combatir la brecha de género, participarán en el evento (los finalistas son Erizo Sibarita, Las Sexpeares, Patio Rosemary, Rayo y Rosy Finch). —MS

www.arenalsound.com

www.sonorama-aranda.es

#8 julio-agosto 2018

Los catalanes se han convertido durante los últimos meses en uno de esos secretos a voces gracias a su indiscutible calidad y a una propuesta totalmente actual y sobrada en clase. No en vano han sido Demoscópicos de MondoSonoro.

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Llevamos meses informando de las novedades del Low Festival, que tiene como cabezas de cartel a The Chemical Brothers, Phoenix o Editors entre otros, pero todavía hay novedades. Se trata del Beats By Low, que suma una fuerte apuesta del festival por la electrónica, tanto nacional como internacional, con más de veinte nombres que se suman al pop y rock que caracteriza el resto del cartel. Así, podremos ver a Alan Braxe (Stardust), Fred Falke, Louisahhh, Moullinex o Alex Metric por lo que respecta a artistas extranjeros, y a nombres españoles como Yahaira, Miqui Brightside –artista que ya se ha dado a conocer en Europa y Estados Unidos-, Club Gordo, Jet Set, Elyella, Tinglao y muchos más.

Recuerda que el festival se celebrará los días 27 a 29 de julio en Benidorm. —MS

Arenal Sound

North State Bien avenidos ESDE QUE EL AÑO pasado se presentaran en sociedad con el tema I Know You, los hermanos Pau y Laia Vehí no han tenido más que alegrías, como por ejemplo el segundo puesto que recientemente consiguieron en la última edición del concurso de bandas emergentes Bala Perduda o ser Artista Demoscópico de esta publicación, actuando en Madrid junto a artistas como La Plata, Maria Arnal i Marcel Bagés, Jump To The Moon o Vetusta Morla. Pero para conocer la génesis de North State hay que trasladarse al año 2015. Por entonces Laia defendía un proyecto en solitario de corte folk-pop del que no estaba del todo satisfecha, pero estando en Menorca recibió una llamada de su hermano que lo cambió todo. Para bien. “Estaba algo perdida artísticamente en ese momento y Pau me dijo que iba a empezar a estudiar producción musical en Girona y si me apetecía que probáramos de hacer algo juntos. Me pasó al cabo de unas semanas unas bases en las que estaba trabajando y me quedé alucinada con lo que escuché”, recuerda. El primer tema que terminaron fue Downhillin’ (que precisamente ha sido el último que han mostrado hasta la fecha), y a partir de ahí el dúo empezó a construir los cimientos de un sonido que deambula entre el pop electrónico y el r&b de corte futurista con guirnaldas ambient y experimentales en su justa medida. Tal como el pequeño de los Vehí afirma. “En cada tema lo que queremos es probar cosas nuevas porque precisamente eso es lo que nos divierte. Nuestra fórmula es ir probando y, por supuesto, no repetirnos. No queremos ceñirnos a

“Nuestra fórmula es iresto, probando y, por supu no repetirnos”

un sonido o a una etiqueta concreta porque queremos huir de eso”.

DE MOMENTO no se plantean ni la posibilidad de editar un EP o un álbum. “Ahora mismo estamos más cómodos lanzando singles sueltos a los que podemos dedicar todo el tiempo que queramos. A su debido momento, cuando nos veamos con más soltura y confiados, ya pensaremos en lo otro”. Pero a todo esto, ¿el hecho de que en tan poco tiempo hayan recibido tantos piropos puede llegar a ser algo contraproducente por la presión que eso implica? “Para nada”, dice sin vacilar Pau. “Toda la presión que tenemos viene de nosotros mismos porque queremos que las canciones suenen tal como queremos y que nada falle en los conciertos. Mediáticamente somos poco impresionables”. “Ni en nuestros mejores sueños nos imaginábamos todo lo que nos ha ocurrido en los últimos meses. Desde que mostramos I Know You la respuesta ante todos los temas ha sido estupenda”, dice por su parte Laia. —sergio del amo

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EN CONCIERTO l Barcelona 16 y 17 de julio. Palo Alto Market l Barcelona 19 de julio. Fiesta Etnia l Sant Boi 20 de julio.ArteNou Festival l Benicàssim 22 de julio. FIB

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

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E

n directo, Idles son pura energía. Pocos pueden mantener su intensidad y su capacidad por combinar espectáculo y energía.

Sus directos nos descubren a unos músicos testarudos y perros viejos que han derramado mucho sudor por el camino para lograr darse a conocer y gozar de éxito. Lo empezaron a conseguir con Brutalism, su disco del pasado año, que hace temblar nuestros cuerpos a base de ira, energía y ritmo. Sin embargo, bajo la superficie de ingleses enojados descubrirás a un cantante con mucha cabeza, Joe Talbot, y a una banda que difunde un mensaje de amor y unidad enfrentándose a la homofobia, a la discriminación y a la indolencia política. A una formación que utiliza el dolor como una herramienta, como una brújula para continuar su viaje desde la introspección más cruda hasta los escenarios. Idles son brutales y vulnerables al mismo tiempo. Talbot y el guitarrista Mark Bowen nos atienden durante su gira escocesa junto a Future Islands para hablar de su trayectoria y su futuro.

—El primer disco recibió muchos elogios por tratar de generar una conversación abierta sobre la dirección en la que va nuestro mundo política y socialmente. ¿Es importante con el segundo trabajo seguir con las mismas ganas de expresarse de manera tan franca y emotiva?

(Bowen) Aún más. Creo que nuestra gran labor con el segundo disco es intentar estar a la altura de lo que habíamos comunicado a nuestra audencia. Y haciéndonos aún más vulnerables y esperando que la gente haga lo mismo. Una de las cosas más llamativas del nuevo disco es una pérdida de inhibición, y eso es definitivamente algo que también queremos trasladar a nuestros directos. Además, esperamos que la gente pueda sumarse a nosotros en ese sentido.

(Talbot) Sí. Creo que este disco supone, en cuestiones de progresión, exactamente lo que un artista debe lograr, que es más fluidez en nuestro propio léxico y un mensaje más conciso del que ofrecimos en el primer disco. Pero lo que también es cierto es que queremos lograr lo mis-

EN CONCIERTO l Madrid 29 de noviembre. Moby Dick. l Barcelona 30 de noviembre. Razzmatazz 3.

mo, pero tomando un camino diferente, un nuevo sendero filosófico. El disco entero habla de la disolución de uno mismo, del ego, y de lo mejor a la hora de comunicarte, el diálogo que te permite llegar al lugar que deseas a través de lo que quieren los demás.

—Líricamente, las letras de este segundo disco tratan la masculinidad y la relación de Joe con su padre. ¿Cuéntanos qué relación tiene con los temas centrales del primer disco, que trataba sobre el feminismo y la feminidad?

(Talbot) En Brutalism quise poner el foco en mi madre y en mi relación con las mujeres en general. Le di vueltas a mi percepción sobre lo que es una mujer y lo que creo que debe cambiar en la sociedad con respecto a las actitudes hacia las mujeres. Al mismo tiempo, funcionaba como una metáfora de la propia sociedad. Ahora lo que hago es echarle un vistazo a la hombría y a la masculinidad porque soy un hombre con autoconciencia. Me refiero a que Joy As An Act Of

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Idles Buenos chicos malos

Resistance es simplemente una reacción al primer disco.

—Mientras os veía en directo, me llamó la atención que no hubiera gente en las primeras filas con sus móviles tomando fotos o grabando vídeos. Yo creo que os podéis tomar eso como un halago...

(Talbot) Produce un sentimiento impresionante, aunque creo que posiblemente fuera porque prefieren que sus teléfonos se rompan filmando a otra gente, que filmándonos a nosotros (risas). Pero me gusta que lo vieses así, porque eso significa que estamos perdiendo nuestras inhibiciones, con este disco más que con el primero. Se trata de amarse a uno mismo, ser consciente del momento y disfrutar de la interacción con otras personas, y eso lo estamos consiguiendo.

Hace un tiempo dijísteis, con una honestidad brutal, que durante los seis primeros años fuisteis “una banda de mierda”. ¿Qué ha cambiado desde entonces?

(Bowen) Creo que todo cambió cuando dejamos de preocuparnos por lo que otros pensaran sobre nosotros.

(Talbot) Llegó un momento en el que nos dijimos “¡A tomar por el culo esta mierda! ¡Vamos a ser nosotros mismos y a tocar para disfrutar!”. —craig williams

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“Todo cambió cuando dejamos de preocuparnos por lo que otros pensaran sobre nosotros”

FOTO: LINDSAY MELBOURNE

Inspiradora, caótica, inclusiva y sudorosa son unas pocas palabras usadas para describir tanto la música de Idles como a la propia banda. Si Brutalism (Partisan, 17) anticipaba ya lo que estaba por llegar, Joy As An Act Of Resistance (Partisan/[PIAS], 18) es su jugada maestra para dar un importante salto adelante.

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FOTO: MAR MERINO & EDI POU

MONDO FREAKO

Za! Elogio de la locura

EN LA MALETA

El dúo catalán Za! nunca ha dejado de sorprendernos. En su nuevo trabajo, Pachinko Plex (Gandula, 18), vuelven a mostrarse tan experimentales, inquietos y alocados como de costumbre, aunque toman nuevos caminos estilísticos que les sientan muy bien.

Null+Void

Hace unos meses, Kurt Uenala publicó su interesante disco Cryosleep (HFN Music, 17). Para redondear, ha contado con la ayuda de amigos como Dave Gahan (Depeche Mode), Sharin Foo (The Raveonettes) o Robbie Furze (The Big Pink). Hoy aprovechamos para que nos hable sobre su carrera como Dj. #10 julio-agosto 2018

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O ES FÁCIL resumir en unas pocas frases a qué suena Pachinko Plex, el nuevo y brillante disco de Za!. Podríamos intentar enlazar una lista interminable de etiquetas y seguiríamos sin hallar una explicación satisfactoria. Ellos tampoco gustan de ponerlo fácil a la hora

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uedes desvelarnos qué artistas pinchabas en tus primeras sesiones?

Siempre pinchaba cosas de gente como Lowfish, Skanfrom o Solvent, porque su material era rítmico y a la vez lo bastante suave para encajar en el lugar.

Conforme fui pinchando, empecé con cosas de Dynamix II o The Hacker, quizás DMX Crew, Mr. Velcro Fastener, Anthony Rother y posiblemente algo de Si Begg.

—¿Cómo conociste a Dave Gahan? ¿Sueles pinchar Where I Wait?

Conocí a Dave hará unos diez años, cuando él estaba buscando a alguien que le ayudase a grabar las demos de sus canciones. Le ayudé con las voces de su brillante disco en solitario Hourglass y tocamos algunos shows promocionales juntos en Nueva York. Y sí, suelo pinchar un remix especial de Where I Wait en mis sesiones, uno que suena un poco más duro y frío que la canción original.

—Una vez aprendiste a pinchar, ¿qué cosas no te gustan de otros DJ’s?

Probablemente no me gusta cuando veo DJ’s que pinchan muy fuerte e intensos todo el rato. Es un verdadero regalo saber qué pinchar en el momento correcto.

No me tomo esto más en serio de lo que debería ser, así que entendiendo que es entretenimiento no pierdo demasiada energía emocional en juzgar lo que hacen otros.

an “Las canciones cambi , de un concierto al otro os por mucho que intentem hacerlas igual” de explicarse. “Este disco sale de las ideas que hemos tenido últimamente a partir de la colaboración con Loscorderos.sc en la obra de teatro Afasians: The Last Conference en la que sonorizamos un sofá y una mesa para que suenen como una fiesta ravera. También sale de la gira por Japón en la que pillamos la

—¿Es más difícil hacer bailar a la gente con los temas de electrónica oscura y con las canciones más ochenteras que con las canciones de techno cuatro por cuatro?

Técnicamente el cuatro por cuatro es más sencillo de mezclar, eso está claro.

Así que sí, las canciones pop o las que tienen una estructura tradicional son más complicadas de mezclar, ahora bien, hacer una buena mezcla no es fácil en ningún estilo.

—¿Alguna vez has perdido o te han robado los vinilos con los que pinchabas?

Bueno (risas), siempre han sido exnovias que se mudaban y que decidían llevarse un pequeño extra. Pero no pasa nada, he podido superarlo.

—¿Puedes decirnos cuál es tu Dj favorito y por qué motivo?

Probablemente sea The Hacker. Tiene una gran trayectoria en el mundo de la música electrónica, un gusto excelente y un amplísimo vocabulario por lo que respecta a estilos musicales. Si hablamos de techno, entonces me quedo con mi amigo Matrixxman. ¡Es el mejor!

—¿Sueles beber alcohol durante las sesiones?

Sí, siempre bebes un poco. Definitivamente me gusta una noche salvaje de vez en cuando en la que puedas conectar con tu querida party people. —MS

descarga dopamínica de las tragaperras Pachinko, de la gira en Mozambique de la que pillamos el flow Maningue Nais (traducido es Mogollón de Guay) y de un interés creciente por los números grandes como el Gúgol Plex y los podcast de astrofísica”.

PARA AHORRARLES la consulta a Google, les diré que un Gúgol es un uno seguido de cien ceros. La relación entre este dato y las máquinas tragaperras japonesas se me escapa, pero una cosa queda clara; por extraño que sea el caldo de cultivo del que se nutre Pachinko Plex, el resultado final es un fascinante ejercicio de creatividad que sumerge al oyente en un viaje tan impredecible como divertido. “En nuestro proceso de composición es muy importante el ensayo-error, entendiendo el “ensayo” como que TODO, cualquier idea, tiene que probarse, por más absurda que parezca; y entendiendo el ‘error’ como gran fuente de ideas, porque son inesperadas, inconscientes y más naturales que lo ensayado”.

ESE ESPÍRITU de libertad y de juego, presente en toda la discografía de Za! (como en el resto de proyectos en los que están involucrados: Big Ok, La Orquesta Del Caballo Ganador...) se concreta esta vez en diez temas a lo largo de los que el diálogo entre lo orgánico y lo sintético funciona como hilo conductor a base de sonidos filtrados, sintetizadores y un apabullante trabajo rítmico. “La verdad es que no buscamos nada, las cosas van saliendo sin pensar demasiado, dejándote llevar por los estímulos, chascarrillos e intuiciones del momento y sin expectativas. Una

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RRLos próximos días 3 y 4 de agosto se celebrará el Tsunami Xixón un festival que aúna música con skate y otras actividades.

Los cabezas de cartel principales son The Prodigy, Gogol Bordello, Bad Religion y The Hives, pero habrá mucho más: Royal Republic, Marky Ramone, Lagwagon, Millencolin, Viva Belgrado, Dead Bronco, Crim, Futuro Terror, Go Kart Mozart o Bala. www.tsunamixixon.com.

RREl festival Pirineos Sur tomará las calles de Sallent de Gállego en Huesca desde el 13 hasta el 30 de julio. Como de costumbre, las músicas de raíces coparán el protagonismo gracias a artistas como Gilberto Gil, Rubén Blades, Diego Carrasco, Shabazz Palace, Moncho Chavea, Seun Kuti, Maceo Parker y muchos otros. www.pirineos-sur.es.

vez ya nos dimos cuenta de que el disco iba a ser totalmente sin guitarras, sí que procuramos no perder la fuerza orgánica y física que nos gusta sentir cuando tocamos. En cada disco ha sido algo diferente. Esta vez antes de grabar pudimos estar una semana de residencia en el Festival Keroxen de Tenerife: eso nos ayudó a tener tiempo para componer y comprender mejor el sonido que estaba saliendo. Muchas ideas de las que hemos grabado han cambiado y se han ido desarrollado posteriormente en los conciertos. Es algo que nos ocurre siempre, las canciones cambian de un concierto al otro, por mucho que intentemos hacerlas igual. Así que las grabaciones y los discos funcionan más como instantáneas de esa canción en ese momento, más que una cosa cerrada que siempre debiera permanecer de una sola manera”. —ricky lavado

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EN CONCIERTO l Vilanova i la Geltrú 29 de junio. Vida Festival l A Coruña 07 de agosto. Festival Noroeste l Gijón 25 de agosto. Sala por confirmar l Huelva 14 de septiembre. AnfiRock l Barcelona 13 de octubre. AMFest

RREl Dreambeach Villaricos –que tomará Villaricos (Almería) durante los días 8 a 12 de agostovuelve a apostar por una mezcla de electrónica, rap y otros estilos actuales. Así, podrás ver sobre el escenario a nombres tan dispares como los de Mala Rodríguez, Anna Tur, Richie Hawtin, Yellow Claw, Paco Osuna, Nervo, Ricardo Villalobos, Maceo Plex y una larga lista. www.dreambeach.es RRAntes de que acabe julio, concretamente los días 20 y 21 de julio, la población de Alburquerque volverá a convertirse en una de las citas imprescindibles de nuestro territorio si lo que te gusta es el pop, el festival Contempopránea. Así, apostando sobre todo y como siempre por los artistas que cantan en español (incluyendo a artistas como los mexicanos Zoé o los argentinos Miranda!), podrás ver en concierto a Izal, Dorian, Lori Meyers, La Bien Querida, La Habitación Roja, Los Punsetes, Carolina Durante y muchos más. www.contempopranea.com RRLos días 6 a 8 de julio, el Huercasa Country Festival –que se lleva a cabo en Riaza (Segovia)- contará con Steve Earle & The Dukes, John Hiatt & The Goners, The Band Of Heathens y muchos más.

RREl Barna’n’Roll apuesta nuevamente por el hardcore y el punk. El 14 de julio acercará hasta Barcelona a Cock Sparrer, Descendents, Sick Of It All, Jello Biafra o Gatillazo.

RRLos días 13 y 14 de julio, la

población de Ojén (Málaga) acoge el Ojeando, en el que participarán desde Lori Meyers a Perro, pasando por Carlos Sadness, Ballena, Rufus T. Firefly o Maga.—MS

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Soledad Velez Una mujer bacán A Soledad Velez le gusta mutar de piel, probar cosas distintas, colaborar con músicos de escenas que no tienen nada que ver entre sí, evolucionar. Le gusta el riesgo, y su valentía se traduce en discos como Nuevas épocas (Subterfuge, 18).

L

a joven chilena afincada en Valencia acredita cuatro discos fantásticos, una prueba de su talento, fiable como pocas y con un discurso en que la verdad se impone casi siempre a la mentira. Ella nos lo explica.

—Para empezar, ¿cómo desarrollas el concepto de este disco?

Me di cuenta del disco que quería hacer estando de gira, justo antes de hacer un viaje a Chile que tenía programado. El concepto ya estaba latente, aunque no hubiese escrito aún ninguna canción. El amor, el desamor, la confianza, la amistad... iba a girar en torno a ello.

—Es, en cierta manera, una consecuencia de Dance And Hunt, es la evolución de aquél pero con otras claves, con los sintetizadores como absolutos protagonistas.

No quisiera llamarle evolución, más bien es otro tipo de música con algunos enlaces en común.

—¿Por qué crees que este el momento adecuado para cantar en castellano? ¿Necesitabas comunicar de manera más directa?

Pues esta necesidad nació cuando me fui a tocar a Ecuador y a Chile, a principios del año pasado. Estando en Latinoamérica un par de meses despertó en mí esa necesidad de escribir en nuestra lengua, se juntó también con el homenaje que hice a Violeta Parra, y pasó como algo que tenía que suceder. No lo premedité, simplemente lo sentí con mucha fuerza en mi pecho, y así al regresar a España empecé a componerlo.

—Cuentas con Joe Crepúsculo, una especie de guía espiritual para ti, y con Gerard Alegre (El Último Vecino), a quien visualizaste en un sueño dentro de una canción. ¿Qué han significado ellos para ti? ¡Bueno! Además de ser mis amigos, les

admiro mucho a los dos y les quiero.

Joel es una de las personas más talentosas y especiales que conozco. Creo que nos entendimos desde la primera vez que nos vimos. Fue la primera persona a la que le enseñé las primeras maquetas de Nuevas épocas. Estábamos en su estudio y entonces probamos juntos Ven para acá, en la que puso su magia.

Gerard lo mismo, es muy especial. Nos conocemos desde hace unos años y siempre me ha parecido muy magnético y talentoso. Son muy buenos amigos.

—Hemos vivido un 8 de marzo intenso. ¿Cómo lo has vivido tú?¿Por qué crees que es ahora cuando se ha generado una corriente tan reivindicativa?

Ha sido un día muy emotivo, no he podido dejar de pensar en todas aquellas mujeres que se sienten invisibles, en aquellas mujeres que temen hablar, contestar, vivir. Fue un día emotivo porque sentí que todas juntas les hicimos saber que no son invisibles, que estamos luchando por nuestros derechos.

—toni castarnado

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EN CONCIERTO l Illa de Arousa 20-22 de julio. Atlantic Fest l Granada 15 de septiembre. Planta Baja l Barcelona 28 de septiembre. Sidecar l Madrid 29 de septiembre. Madrid

rica un “Estando en Latinoaméen mí par de meses despertóibir en esa necesidad de escr nuestra lengua”

FOTO: PAU MONTEAGUDO

TAN. CERCA.

julio-agosto 2018 #11

WALA. WALA.

“Cuando iba al instituto no era bueno haciendo amigos, así que tuve una adolescencia bastante dura. Mucho acné, aparatos en la boca y los dientes separados un centímetro entre ellos. No encajaba en ningún grupo, así que me iba a casa y hacía música en el ordenador” Dan Reynolds de Imagine Dragons en NME)

“Richard Hell era un genio.

Si no hubiese estado enganchado a la heroína podría haber sido el Bob Dylan del punk rock” Marky Ramone en Jotdown.es

“Una de las máximas de la banda es enfrentarse a todos los que cometan injusticias, y nuestras armas son dedicarles canciones insolentes, escupirles en la cara”

La vida da muchas vueltas, y no siempre conlleva buenos momentos.

Mike Shinoda ha utilizado su creatividad para superar los golpes de la vida. Post Traumatic (Warner, 18) convierte los sentimientos en canciones.

N

“Por supuesto que me gustó el punk. Yo soy más punk que artista de reggae. Era la realidad y la perfección. Y fue divertido, todo el mundo podía hacer lo que quería. Si querían mear, meaban; si querían escupir, escupían. Hacían lo que fuese necesario para sentirse libres” Lee ‘Scratch’ Perry en Uncut

Mike Shinoda Contra la adversidad

o es Linkin Park, no es Fort Minor, es simplemente Mike Shinoda. Así anticipaba el artista su nuevo material, el que da forma a Post Traumatic, un disco introspectivo y oscuro por momentos, aunque con cierto optimismo catártico. “Post Traumatic es todo lo que he sentido durante estos meses. Quería capturar todo lo que estaba pasando. Ha sido un año duro y el disco empieza en ese lugar, pero termina saliendo para empezar a mirar hacia adelante”. El 20 de julio se cumplirá un año de la muerte de Chester Bennington, un año en el que, a nivel personal y profesional, los caminos del resto de Linkin Park se volvieron inciertos. “No sé qué va a pasar de ahora en adelante. Este álbum es un primer paso para que la gente vea hacia dónde podrían ir las cosas”.

Aún con el futuro de la banda en el aire, Mike Shinoda tuvo claro desde el primer momento que la música debía convertirse en el catalizador para pasar el luto. “El arte es la mejor terapia para lidiar con los problemas. Forma parte de mi día a día, y se acentúa en los momentos difíciles: escribo más, compongo más, ya forma parte de mi naturaleza”. Tanto es así que el proceso de composición de Post Traumatic se convierte a la vez en una progresión cronológica de las emociones de Shinoda, una ordenación de todos los sentimientos y momentos que atraviesa

el artista. “En este disco he cambiado mi modo de componer, quise centrarme en el presente.

En otras ocasiones había buscado en el pasado o rebuscado en experiencias previas, pero aquí quería captar la honestidad del presente. Sabía que el concierto de homenaje a Chester sería algo que me marcaría, y ese día empecé a escribir Over Again. Debía hacerlo”. Se trata de un proceso que culmina en catarsis. “Hay un momento en el que simplemente tienes ganas de avanzar y las canciones se convirtieron en un espejo de ello.

Crossing The Line marca ese punto”. Así es como la segunda mitad del álbum da paso a momentos más experimentales con Ghosts, un tema que el propio Shinoda define como complejo y que trata sobre “creer o no creer en lo paranormal”. A partir de ahí, Shinoda acepta colaboraciones que le respaldan con orgullo. Desde la cantante K. Flay en Make It Up As I Go hasta los mismísimos Chino Moreno (Deftones) y Machine Gun Kelly en Lift Off. Y esta es una de las colaboraciones que Shinoda tenía claras desde tiempo atrás.

“Era importante que, si alguien iba a participar en este disco tan personal, comprendiera el tema central alrededor del que gira todo. Machine Gun Kelly y yo coincidimos en un festival y llevábamos tiempo pensando en trabajar juntos. Son amigos y músicos con los que es fácil trabajar y, cuando surgió la posibilidad, les llamé. Les quería en esta canción que trata no sobre escapar, sino simplemente sobre la necesidad de seguir hacia adelante”. Y eso es lo que Shinoda hace con Post Traumatic, encarar la vida y brindarnos al mismo tiempo un disco que es un documento autobiográfico en dieciséis canciones y una obra a la que nos invita a conocer qué hay ahora mismo en su corazón. —montse galeano

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Charlie Seen de Shame, en Ruta 66

“El arte es la mejor terapia para lidiar con los problemas” “ESTOY asustado.

Mis niveles de inteligencia están disminuyendo, pero todavía CREO que puedo vencer a cualquier otra estrella del pop en el concurso University Challenge” Nicky Wire de Manic Street Preachers en Q

#12 julio-agosto 2018

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LIAM GALLAGHER FOTO: ARCHIVO

A pocas semanas del inicio del Bilbao BBK Live, el festival ha anunciado dos nuevos espacios para fusionar entorno y música y tornarlo en una experiencia única.

La premisa del espacio Lasai es que no habrá música que supere los cien beats por minuto y su entorno permite buscar una intimidad con una programación comisariada por Young Turks, el sello de The xx. En él actuarán Romy de The xx, Joe Goddard, Olivia, YY, Ramzi, Slow Porn, Luka Productions, Sophie Dj set, Ibon Errazkin o Young Turks Dj’s. Por su parte, el espacio Akelarre, que estará situado en la zona de camping y será exclusivo para los que tengan entrada de camping, tendrá como cabeza de cartel a Omar Souleyman. Con él tocará Chavezito y otros invitados sorpresa. El festival tendrá lugar los días 12, 13 y 14 de julio en Kobetamendi. —MS www.bilbaobbklive.com

“Buscaba gente que an respetara y que tuvier obra un compromiso con su y también uno político”

El exlíder de Standstill, instalado en su nueva etapa como cantautor folk iniciada con Meridiana (Buena Suerte, 17), sigue redescubriendo la canción popular con Coros de medianoche (Sony, 18), cinco canciones grabadas junto a nombres singulares de la escena nacional.

A

SEGURA MONTEFUSCO que a él nunca le han gustado los cameos; ni que le invitaran, ni invitar a nadie a cantar con él. Dicho esto, puede chirriar que este comentario surja en una conversación telefónica que se debe a la inminente publicación de Coros de medianoche, un epé en el que se ha rodeado de algunas de las voces más personales de la escena actual. Pero sirve precisamente para entender que el proyecto no ha sido una colaboración al uso.

PARTIENDO de unos esbozos e interesado en cuestionar la idea de la autoría en la canción popular –campo que empezó a investigar con un enfoque más autobiográfico en Meridiana– quien fuera vocalista de Standstill imaginó unos temas sin unas voces concretas. “Pasa mucho, no se sabe bien quién la ha hecho, quería desdibujar esta figura. La misma canción me iba pidiendo quién podía encajar”, explica.

“Buscaba gente que respetara bastante, que trabajaran con la música popular, en el sentido amplio de la palabra, y que tuvieran un compromiso con su obra y también uno político, cada uno a su manera”. Las piezas empezaron a encajar y Montefusco dio con cinco nombres que cumplían todos estos requisitos: Niño de Elche (“tiene una visión del arte y de la música privilegiada”), Albert Pla (“soy fan incondicional, tiene una gran capacidad para comunicar y sintetizar”), Los Hermanos Cubero (“son una de las sorpresas musicales de los últimos años”), María Arnal (“tiene un talento y un futuro increíble y encajaba muy bien su manera de entender y aproximarse a la música po-

pular”) y Nacho Vegas (“fue una de las personas que abrió a mi generación, por el hecho de cantar en castellano, siendo buen letrista y muy comprometido”).

UN QUINTETO de artistas convertidos en el grupo protagonista de La Romería de San Isidro, pintura negra de Goya elegida para la portada del epé, donde el catalán aparece, guitarra en mano, casi vaticinando ese papel secundario que adopta en el proyecto. “Yo me he quedado un poco al margen. Hemos buscado temáticas y problemáticas compartidas y bajo una forma que intentaba ser original y a la vez coherente con la música popular”. Como el pintor aragonés, Montefusco ha creado su propio epé negro “El tono es oscuro porque el mundo está jodido, pero nos reunimos para cantar, compartir cosas y que el mundo sea mejor”. Unas canciones pensadas para intentar salir de la oscuridad, en cuya composición han participado de forma activa cada uno de los invitados (Albert Pla fue uno de los más involucrados), porque el trabajo no se redujo a quedar en el estudio para grabar. El compromiso no acaba ahí, pues el próximo 25 de julio una insólita coordinación de agendas permitirá que Montefusco lleve su romería al Teatre Grec de Barcelona. “Para mí ha sido muy bonito que todos, siendo gente con muchísimos planes y proyectos, han dado lo mejor de sí y han participado con toda su energía y su talento”. —beatriz h. viloria

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Coros de medianoche Sony, 18 Pop 8/10

FOTO: ARCHIVO

JOE GODDARD FOTO: ARCHIVO

Bilbao BBK

La romería de Enric Montefusco

FIB No será necesario volver a insistir demasiado en las fechas de esta edición del Festival Internacional de Benicàssim (FIB), que se celebrará del 19 al 22 de julio –claro está- en Benicàssim. Pero lo que sí vamos a hacer es listar las novedades de última hora o, mejor dicho, algunas de las más destacadas. Se han sumado recientemente C. Tangana, Bob Moses, Los Punsetes, Tulsa, Our Girl, Vulk, North State, Junior Mackenzie y una larga lista de Dj’s. Por otro lado, en la web oficial del festival (fiberfib.com) ya puedes encontrar desde hace semanas la disposición por días y escenarios. Y recuerda que podrás ver a nombres del calibre de The Killers, Pet Shop Boys, Travis Scott o Liam Gallagher, entre muchos otros.—MS www.fiberfib.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

junio 2018 #13

MONDO FREAKO

Desde que la figura de SOPHIE emergiera en 2013 con sus primeros temas mucho se ha especulado sobre la misteriosa productora escocesa afincada en Los Ángeles.

Poco dada a hablar para la prensa ha dado contadas entrevistas.

O, al menos, hasta ahora, con la publicación de su esperado debut Oil Of Every Pearl’s Un-Insides (Transgressive/[PIAS], 18).

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SOPHIE En los márgenes del pop

RRSe publica una deluxe edition de

Mixed Up de The Cure, que incluye el disco de remezclas original más un segundo disco con extras y un tercer disco, Torn Down: Mixed Up Extras 2018, que incluye un total de dieciséis remixes nuevos firmados por Robert Smith, quien además ha masterizado todo el material.

TAN. LEJOS.

RRTravis Barker, batería de Blink 182, no mejora de la extraña enfermedad que se le diagnosticó tiempo atrás. El músico sufre de coágulos sanguíneos en ambos brazos que, poco antes de unos conciertos a

Arco El tiempo de Antonio

mediados de junio, se convirtieron en una trombofebilitis.

RRVinnie Paul –Vincent Paul Abbott–, fundador y batería de Pantera y Damageplan y actualmente en la banda Hellyeah, falleció el pasado 22 de junio a la edad de 54 años mientras dormía en su casa de Las Vegas.

Según comunicó su familia a través de Facebook, las causas de su muerte aún no se han determinado. Su hermano, Dimebag Darrell, murió en 2004, cuando durante un concierto de Damageplan, un fan perturbado, Nathan Gale, asesinó al guitarrista a tiros encima del escenario.

RRXXXTentacion falleció el pasado 18 de junio después de recibir varios disparos al norte de Miami.

Tenía veinte años de edad y se había convertido en uno de los nombres con más proyección gracias a discos como 17 o ?. El rapero había sido acusado por robo, atraco con arma de fuego y por violencia de género.

Antonio Arco vive su particular primavera. Abril (Warner, 18) llega precedido por un tiempo convulso en el que el granadino se ha visto obligado a pulsar el botón de reset. Su segundo disco en solitario es, sin embargo, el primero de una nueva vida.

FOTO: ARCHIVO

U

#14 julio-agosto 2018

N CAMBIO sustancial separa Uno (16) de Abril, el segundo disco de Arco, ese incansable trabajador autónomo que, por primera vez, tiene un contrato por cuenta ajena. “Tengo más tiempo para mí, menos complicaciones. Aún así la vida que tenía antes ha sufrido un cambio y es muy diferente de la que tengo en estos momentos. Ahora soy, o por lo menos lo intento, una persona más tranquila, más paciente. El fichaje por Warner parece que llegó en el momento en que más lo necesitaba”. Y así es, aunque este no ha mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

U

NA NUEVA SOPHIE ha florecido de cara a la galería gracias a su debut Oil Of Every Pearl’s Un-Insides (siempre y cuando no se contabilice aquel Product que, en 2015, recogía sus primeros temas). Y ese florecimiento ha sido tanto física como artísticamente. “La mayoría de mi vida la paso enfrente de un ordenador o unos teclados y no me sale de forma natural hablar o relacionarme con otras personas. Ponerme bajo el foco no es algo que nunca haya querido, pero ahora quería hacerlo porque sí sentía la necesidad de poder comunicarme y conectar con el público a través de mi música”, cuenta horas antes de su actuación en el Sónar. Con un tono de voz delicadísimo, mientras le da unas caladas a un cigarro, confiesa que “nunca he tenido la intención de ser una estrella del pop. La gente que realmente me inspira son productores”. Como es el caso de Alexander Guy Cook (A. G. Cook), el creador de la corriente PC Music, “la persona con la que más he conectado artísticamente”.

Oil Of Every Pearl’s Un-Insides

Transgressive/ [PIAS], 2018 Electrónica 8/10

“La mayoría de mi vida la paso enfrente de un ordenador o unos teclados” “Cuando llegué a Londres quería hacer música por mi cuenta y recuerdo que, después de tener un par de temas colgados en Soundcloud, Alexander me escribió para otra cosa y me pasó un link en el que poder escuchar sus canciones. Cuando lo hice pensé que aquello era increíble. Nunca había conocido a alguien como él en mi vida. Es algo muy propio de la comunidad LGTBI el hecho de conectar con otras personas afines”, remarca al respecto.

avanza con una sonrisa de oreja a oreja la productora, quien ha encontrado en la ciudad de Los Ángeles desde hace un par de años su mayor aliada. “Los Ángeles me ha ayudado a ser quien soy ahora. No sólo por una cuestión de género, sino algo más profundo.

Me encuentro muy a gusto ahí porque desde el primer momento la ciudad me ha aceptado tal como soy, pero este verano voy a pasar una temporada en las Islas Griegas para vivir de una forma más simple. A mi pareja también le apetece mucho esa simpleza en estos momentos, así que tenemos muchas ganas de hacerlo”. Indiscutiblemente, este es su año. —sergio del amo

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Marina Herlop Eliminando fronteras

RRIggy Pop y Underworld acaban de estrenar I’ll See Big, segundo tema de avance del que será Teatime Dub Encounters, un Ep conjunto que se publicará el próximo 27 de julio.

RRMarshmello, una de las estrellas actuales del pop electrónico estadounidense, acaba de publicar un segundo larga duración. Se trata de Joytime II. Check This Out, el primer avance del álbum, alcanzó los dos millones de visionados en Youtube en menos de una semana.

Marina Herlop parece destinada a liderar la corriente que aúne el clasicismo del piano con la vanguardia más actual. Babasha (Aloud, 18) es el argumento con el que la catalana afronta el desafío.

T

—MS

sido el cambio más importante en la vida de Antonio Arco. Abril ha llegado precedido de un invierno muy duro. “Hay un antes y un después muy grande en este disco. Pierdo a mis padres y luego a mi hermana justo cuando estaba acabando la gira de Uno. Yo sigo cantando y cuando acabo hay un bajón. El dolor llega tarde o temprano y a mí me llegó en ese momento. Afortunadamente me puse en el camino de superarlo todo y este disco es reflejo de todo eso. El tema La cura describe ese proceso”. Paradójicamente, en la carrera de Arco la tragedia ha aparecido en diferentes momentos. Recordamos con El Puchero del Hortelano la muerte del periodista chileno Felipe Caminoaga y la bonita historia que se dio después. “Así es, a raíz de la muerte de Felipe surgió una relación muy especial con Chile y nuevas amistades allí. Es el ejemplo de que todo suceso trágico o inesperado lleva la semilla de algo bonito. En este caso, lo que le ocurrió a mi familia, me ha hecho romper la coraza del ego, de la prisa, de la impaciencia y

HABIENDO TENIDO la oportunidad de trabajar con artistas como Madonna, Charli XCX o Vince Staples, entre un extenso etcétera, le expongo que soy de la opinión de que muchos de los productores y productoras de PC Music pecan de poca ambición. “Todo requiere su tiempo, aunque no depende tanto de nosotros sino de que el público abra su mente hacia otros sonidos. Si quieres mandar allá fuera un mensaje potente, sin duda, primero de todo debes aprender lo máximo que puedas sobre producción. Es la base de todo”, contesta. Eso sí, a ella nadie puede achacarle que no sea ambiciosa, ya que al final de nuestra conversación suelta una inesperada bomba cuando le pregunto por sus planes más inmediatos más allá de su gira. “Voy a lanzar cuatro álbumes este año”. ¿Hablamos de EP’s o LP’s? “Una mezcla. ¡No sé qué es un maldito álbum! La barrera entre el EP y el LP cada vez es más difusa, por eso no puedo definirlo. No es algo que me importe. Serán cuatro lanzamientos. Esto es lo que quiero hacer ahora mismo”,

empezar a ver la vida de otra manera”.

Hasta la voz de Antonio suena de otra manera. En esto también hubo un antes y después. “Esto no lo he contado nunca. Cuando pierdo a mis padres, la Navidad siguiente, el día de Nochebuena, perdí la voz por completo. Era un nudo en la garganta. Tuve que parar, soltar todo y volver a empezar de nuevo”. El trabajo con especialistas y sobre todo con su productor Tato Latorre (Antonio Orozco, Marwan, Maldita Nerea), otra novedad en su carrera, ha propiciado que la voz rasgada y afligida de Antonio, que tenía sus días contados, se ejercite en todo el disco mucho más abierta y cristalina. “Tato me propuso revisitar mis textos, algo que nunca había hecho, y he conseguido que las canciones respiren, que el disco respire, porque hasta ahora cantaba como hablo, me pongo y no paro (risas)”. —arturo garcía

ras publicar su debut Nanook (Instrumental, 16) en el sello de James Rhodes (“A él solamente le vi en dos ocasiones en las que fue muy agradable, pero teníamos maneras dispares de entender lo que podía ser mi carrera artística y los lazos terminaron por cortarse”), Marina Herlop regresa con un segundo álbum mucho más sólido en casi todos los sentidos. “El anterior fue como un disco de penalti y este ha sido un hijo buscado. Las canciones están mejor construidas, y ha habido menos azar en el proceso. De todas formas, el cambio de álbum no es una línea discontinua en mi manera de componer o entender la música, es algo que va mutando poco a poco”. El resultado es Babasha, un disco ambicioso y con un minimalismo muy específico. “A menudo me daba rabia porque el perfeccionismo realmente me

impedía avanzar, pero no podía hacerlo de otra manera... Nunca había destinado tanta energía a algo propio. Además mi método de composición es muy rudimentario y voy muy lenta”. Al final son ocho las canciones incluidas en la referencia, y todas ellas muestran una falsa apariencia de fragilidad que, en realidad, supone un torrente de emociones. “Quizás percibes esta fragilidad por los timbres del piano y de mi voz, que no son muy agresivos, pero siempre intento ser desafiante con las armonías”. Bien podría ser ese bastión necesario para aunar el clasicismo con lo contemporáneo, llegando así a un público mucho más amplio. Algo parecido a lo que le ha sucedido a Rosalía con el flamenco. —raúl julián

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julio-agosto 2018 #15

Los mexicanos Zoé ya tienen nuevo disco. Aztlán (Universal, 18) es un paso más en la carrera de una banda que siente una conexión especial con nuestro país y con nuestras bandas. En julio pasarán por España para presentar canciones como Azul, Venus o Hielo.

Weekend Beach

Z

Durante los últimos meses, el festival andaluz Weekend Beach (Torre del Mar, Málaga, del 4 al 7 de julio) ha ido anunciando novedades cada pocas semanas. Sorprendió confirmando a Wyclef Jean, Inner Circle o David Guetta cuando pensábamos que el cartel ya estaba completo. Ahora, los últimos detalles tienen que ver con la distribución por días de toda su parrilla de actuaciones y sesiones de Dj. Así, el miércoles 4 podremos ver, entre muchos otros, a La Pegatina, Fatima Hajji, Huecco o Iseo & Dodosound. Del día siguiente destacan The Offspring, The Toy Dolls, Boikot, Juanito Makandé, La Raíz o Viva Suecia. Del viernes citaremos a David Guetta, Izal, Mala Rodríguez, Pendulum, La M.O.D.A., Natos y Waor, Vitalic o Adam Beyer. Y el sábado nos llevará de Bunbury a Jimmy Cliff, pasando por Asian Dub Foundation, Celtas Cortos, Dorian, Ben Klock o Hot Since 82. —MS

N.E.R.D. FOTO: ARCHIVO

www.weekendbeach.es

oé ya tienen nuevo disco y están ya listos para presentarlo en España. De momento, han girado por Estados Unidos en compañía de sus amigos barceloneses, Dorian. Aprovechando ese tour, tuvimos la oportunidad de entablar una charla con Rodrigo Guardiola, batería de la banda, quien nos habló de su amistad con grupos españoles como Vetusta Morla o Dorian, pero también sobre la posibilidad de que haya mayor interés en España por su música gracias al repertorio de Aztlán y sobre la emoción que sienten de poder presentarlo en directo.

—Dorian han sido vuestros teloneros en algunas de las fechas por Estados Unidos. ¿Qué tal la experiencia con ellos?

Dorian se acaban de incorporar hace algunas fechas, concretamente en Chicago. Les queremos mucho y son grandes amigos con los que tenemos una muy buena amistad desde hace más o menos una década.

Estamos muy contentos de que nos hayan acompañado. Después haremos lo inverso, nos iremos nosotros a España y seremos los teloneros de bastantes conciertos de Dorian allí. Incluso vamos a compartir algunos festivales. Es una dinámica que hemos aplicado con varias bandas. Establecer este tipo de alianzas es una estrategia muy elemental del rock, compartir públicos y apoyarse en la infraestructura que tiene uno para echarle una mano a otras bandas amigas. Cuando vayamos a España habrá que pedirle apoyo a Dorian en staff, en mover el equipo, etcétera.

Son shows en los que la gente no te conoce demasiado y tienes que presentarte durante treinta o cuarenta minutos, tocar frente a un público nuevo y todo eso, pero es la única manera de empezar a picar piedra en otros países.

—Pero esta no será la primera visita de Zoé a Espa-

español “Llegar al corazón del ro no nos es muy complicado, peidos” vamos a dar por venc

ña. Ya habéis visitado el país en varias ocasiones.

Sí, es una historia larga, porque vamos visitando España desde 2006 o 2007 aproximadamente. La última gira fue en 2013 e hicimos seis semanas de gira por España, abriendo la mayoría de shows para Vetusta Morla. En realidad, solamente fueron un par de conciertos de Zoé, el resto éramos teloneros.

—Siendo una de las agrupaciones más importantes de la escena del rock en México, ¿algunos no se imaginan que en España son un grupo en ascenso?

Lo que la gente a veces se imagina es que México y España comparten las tendencias musicales, pero no es así, no se comparten para nada. En México muy poca gente consume lo de España y en España muy poca gente consume lo de México. Vetusta Morla es una banda enorme por allá y en México es una banda que apenas se está dando a conocer, y prácticamente la conocen los españoles que viven en México y con Zoé igual, nos consume la comunidad latina y la comunidad mexicana en España. Llegar al corazón del español es muy complicado y ha tomado más de una década pero no nos vamos a dar por vencidos y vamos a seguir haciendo la lucha porque tarde o temprano, dando buenos conciertos, insistiendo, encontrando ciertas oportunidades, y momentos de enganche, brota algo y una vez que brota, ya es para siempre.

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EN CONCIERTO l Valencia 18 julio, Concerts de Vivers l Madrid 19 julio, Noches del Botánico l Cádiz 20 julio, No Sin Música l Alburquerque 21 julio, Contempopránea l Barcelona 26 julio, Sala Apolo l Vigo 27 julio, Fiestas de Vigo FOTO: ARCHIVO

DORIAN FOTO: MAITE NIETO

Zoé La conexión mexicana

Cruïlla El festival Cruïlla se celebrará en el Parc del Fòrum de Barcelona durante los días 12 a 14 de julio, y aunque falte ya poco para ello, continúa habiendo novedades interesantes. Por un lado, sus responsables nos sorprenden con la sesión de Dj de Questlove, que pinchará después de actuar con su banda The Roots. Además de eso, se ha ampliado la oferta de gastronomía, arte (con la participación de La Fura dels Baus), tecnología y moda, todo ello dentro de A Cruïlla Lifestyle by White Summer.

Igualmente, os recordamos lo suculento de un cartel que incluye artistas como Jack White, Prophets Of Rage (con miembros de RATM, Public Enemy o Cypress Hill), N.E.R.D. (la banda de Pharrell Williams), Justice, Orbital, Damian Marley o David Byrne. —MS www.cruillabarcelona.com

#16 julio-agosto 2018

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BUNBURY FOTO: JOSE GIRL

LA M.O.D.A. FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

LOS DISCOS DE MI VIDA Gigante

Río Babel

Thomas Mars (Phoenix)

Los franceses Phoenix son uno de los cabezas de cartel del ciclo Noches del Botánico de Madrid. Podrás verles el 26 de julio. Aprovechamos la ocasión para preguntarle a Thomas Mars, vocalista de la banda, por sus discos favoritos de siempre.

Prince

Curtis Mayfield

My Bloody Valentine

Tengo un hermano nueve años mayor que fue a estudiar a Seattle en 1983. Cuando volvió se trajo Purple Rain y 1999.

A esa edad, miras a tu hermano mayor como un referente, y la verdad es que soy afortunado porque el mío tenía un gusto musical excelente.

Cada vez que escucho este disco descubro algo nuevo. Es un álbum que nunca se agota y que tiene un sinfín de descubrimientos. Si eres músico de la sección de vientos, este disco es la Biblia.

Es la enciclopedia de los arreglos; te explica cómo hacerlos para que suenen increíbles.

Lo descubrí en la escuela con mis compañeros de Phoenix. Éramos adolescentes y, cuando tienes esa edad, necesitas un coming of age, algo único y tuyo para que puedas diferenciarte del resto. Y Loveless era un álbum que odiaban casi todos mis amigos.

MASSIVE ATTACK FOTO: ARCHIVO

Purple Rain (1984)

There’s No Place Like America Today (1975)

Loveless (1991)

KASE.O FOTO: GUSTAFF CHOOS

Los próximos días 6 y 7 de julio se llevará a cabo la segunda edición del festival Río Babel. Por el recinto de IFEMA pasarán casi una veintena de artistas, repartidos en dos escenarios (Stubhub y Escenario 2). La apertura de puertas de cada jornada será las 17.30 horas, y un poco más tarde se iniciarán los conciertos que se extenderán cada noche hasta las 3 de la noche. Río Babel apuesta por artistas que combinan músicas del mundo con sonidos actuales de todo tipo, así podremos ver en concierto desde la argentina afincada en Madrid Nathy Peluso a Bunbury o Juanito Makandé, pasando por artistas internacionales como Crystal Fighters o The Cat Empire. La primera actuación será la de We The Lion y el festival se cerrará con Dengue Dengue Dengue. La cita ha mejorado espacios y servicios, además de ampliar la zona de descanso. —MS www.festivalriobabel.com

El Festival Gigante completó recientemente su cartel sumando seis nuevos nombres a su cartel. El evento –que se llevará a cabo en el Estadio Fuente de la Niña de Guadalajara durante los días 30 y 31 de agosto y 1 de septiembre- contará pues con Ángel Stanich, Lagartija Nick, Kuve, Villanueva, Texxcoco y Badlands para esta edición.

Todos ellos se suman a un cartel en el que se combinan distintos estilos representados con una larga lista de artistas nacionales que van de Enrique Bunbury a Dorian, pasando por La M.O.D.A., Elefantes, Rubén Pozo y Lichis, Viva Suecia, Despistaos, Novedades Carminha, Elyella, Full, Rufus T. Firefly, Kitai, Sexy Zebras, Amatria, Eva Amaral & Xabi B, Pasajero, Kuve, Agoraphobia, Correos, Nixon, Leone, The Crab Apples, etcétera. También participará el estadounidense Ron Gallo, aportando un pequeño aroma internacional al cartel. —MS www.festivalgigante.com

Santander Music Mad Cool A estas alturas todos sabéis sobradamente lo que os espera en el Mad Cool durante los días 12, 13 y 14 de julio. La tercera edición del festival madrileño, que se celebra en un nuevo espacio en Valdebebas, cuenta con artistas de nivel y atractivo para públicos de edades y gustos diversos (desde Pearl Jam hasta Depeche Mode, pasando por Arctic Monkeys, Franz Ferdinand, Nine Inch Nails, Massive Attack, MGMT, Fleet Foxes, Future Islands y un largo etcétera), que se distribuirán entre siete escenarios distintos. Los últimos nombres en unirse han sido grupos como Rufus T.Firefly, Núria Graham, Morgan, Maga y las ganadores del concurso Mad Cool Talent. —MS www.madcoolfestival.es #18 julio-agosto 2018

D’Angelo

Michael Jackson

Alain Souchon

La salida de este disco coincidió con la gira de presentación de nuestro debut. Nos pareció tan bueno, que nos hizo parar y repensar todo el concepto de nuestro segundo álbum. Todo lo que habíamos escrito para el nuevo disco nos parecía aburrido.

A nivel de sonido, el disco más innovador de todos los tiempos. Todavía suena contemporáneo. Amamos tanto este disco en Phoenix que compramos la mesa de mezclas original que se utilizó para grabarlo. Es escuchar Wanna Be Startin’ Somethin’, y ya te das cuenta de que es algo más que música.

Se trata de un siete pulgadas de vinilo muy importante para mí porque fue el primer disco que escuché de niño. La primera vez que lo escuché tendría unos cinco años, y me trae muy buenos recuerdos. Es como un caramelo dulce. —MS

Voodoo (2000)

Thriller (1982)

Bidon (1976)

Si ya te leíste la Guía de Superviviencia Festivalera que Izal y La M.O.D.A. escribieron en nuestro Especial Festivales 2018, ya puedes pasarte por el Santander Music a ver los conciertos de ambas bandas. Aunque no te vayas a pensar que solamente podrás verles a ellos, sino que, a lo largo de los días 2, 3 y 4 de agosto, pasarán también por la Campa de la Magdalena (Santander) desde el rapero aragonés Kase.O a los valencianos Modelo de Respuesta Polar, pasando por Viva Suecia, Grises, Luis Brea y el Miedo y Texxcoco. Los últimos nombres en sumarse al festival han sido Joe Crepúsculo, Soleá Morente –a quien acompañará como banda nada menos que Napoleón Solo-, Instituto Mexicano del Sonido y el colectivo Bitches Deejays. —MS www.santandermusic.es

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“

Los Hermanos Cubero

“Mucha gente puede identificarse con este disco” En 2016, el maldito cáncer se llevaba a Olga, la mujer de Quique Cubero. Una tragedia personal que dio lugar a un buen puñado de canciones en las que el músico se abría en canal para mostrar todos sus sentimientos más íntimos.

E

mano ha sido clave, ¿no?

Sí, es un dibujo de mi hija. Lo vi un día repasando juntos sus trabajos del colegio. Era lo que había dibujado cuando le pidieron que dibujara la tristeza.

Cuando lo vio Roberto tuvo claro que tenía que ser la portada, y ahí está.

—Es cierto lo que dices sobre los discos tristes o melancólicos, pero en vuestra nota de prensa se cita Carrie & Lowell de Sufjan Stevens o Skeleton Tree de Nick Cave como ejemplos de trabajos de ese tipo. En el fondo hay un lugar y un momento para todo, ¿no?

Supongo que sí. Es cierto. Lo que pasa es que yo en el momento en que hice las canciones no lo veía.

Ahora, con el disco acabado y como te decía antes, veo que incluso hay algo de luz. Me doy cuenta de que mucha gente, la mayoría, puede identificarse con los textos de las canciones, porque quien más quien menos tiene a alguien cercano que ha pasado por ahí. Como dices, es un disco que tiene su sitio.

—edu izquierdo

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Quique dibuja la tristeza El Segell del Primavera, 2018 Pop 8/10

” FOTO: ARCHIVO

so es Quique dibuja la tristeza (El Segell del Primavera, 18), el nuevo trabajo de Los Hermanos Cubero. Quique Cubero, claro, charló amablemente con un servidor.

—¿Un disco duro, no, Quique?

Claro, evidentemente. Pero lo cierto es que, si tomas distancia, ves que hay algo más que esa tristeza manifiesta. Diría que puedes ser capaz incluso de encontrar cierto optimismo y esperanza en algunas de sus canciones.

—Lo compusiste tres meses después de la muerte de tu mujer. ¿Fue una especie de terapia?

Y sin la especie. Fue una terapia en toda regla.

Sentí la necesidad de plasmar todo lo que me pasaba por dentro, aunque no lo hice pensando en un disco ni nada parecido. Simplemente necesitaba expresar mi dolor y la música fue esa tabla de salvación que a veces dicen que es, ¿no?

—Sin embargo han acabado formando un disco precioso...

Eso es cosa de mi hermano Roberto. Él ha insistido mucho en que esas canciones debían formar parte del nuevo disco de Los Hermanos Cubero. Yo, la verdad, no lo veía nada claro. Primero por una temática tan concreta y tan personal. La gente, al final, tiene ganas de buen rollo y de canciones que la animen, y no tenía claro que pudieran aceptar un disco así. Y segundo por la sonoridad, que no encaja para nada en la habitual de Los Hermanos Cubero.

—Incluso en la portada, la opinión de tu her-

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julio-agosto 2018 #19

EN PORTADA

Gorillaz en la niebla El pasado 2017 Gorillaz publicaban Humanz (Warner, 17), uno de los mejores títulos en su discografía.

Un año más tarde vuelven a la carga con The Now Now (Warner, 18), título que incide en esa excitante batidora de estilos y ritmos que ha pautado sus obras. Escrito durante la gira de presentación de su predecesor, su sexta referencia también es el disco más Damon Albarn de Gorillaz o el disco más Gorillaz de Damon Albarn.

—texto Oriol Rodriguez —ilustraciones Jamie Hewlett

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G

ORILLAZ ACTÚAN a las 22h en el Sónar presentando su nuevo disco The Now Now. Es su segundo concierto en nuestro país tras su paso por el Festival Internacional de Benicàssim de 2010, y hoy Mondosonoro es la única revista que entrevistará a Damon Albarn, el ideólogo y motor creativo de la banda virtual. Hemos quedado a las 20.30h pero, tal y como me han pedido, he llegado un poco antes por si acaso hay cambios en la agenda y deciden anticipar la charla. Espero sentado en una butaca que hay frente al camerino mientras el representante de la discográfica que me acompaña le comenta a su vez a la representante de su management que les acompaña que ya estamos aquí, que cuando quieran empezamos. De repente sale un tremendísimo y rudo grito del cuarto que ocupa el grupo. “Goooooooooaaaaaaaaal” chillan lo que deben ser cinco, seis, tal vez siete voces curtidas en más de una grada. Sí, Gorillaz y sus allegados están viendo el España-Portugal del Mundial. La chica de seguridad que custodia la entrada a la zona de camerinos me pregunta quién ha marcado. No lo sé. Desde que he llegado he estado todo el rato en la misma butaca, junto a ella. Y aquí no hay ninguna televisión. Está nerviosa, de esos nervios que rozan el histerismo. Me explica que se está jugando pasta con el partido. Si España gana se llevará 200 euros. Si pierde, ella tiene que pagar 100. “Me irían tan bien para las vacaciones...”. Le pregunto que qué pasa si empatan, pero sigue muy lejos de aquí, atrapada en alguna playa de arena blanca y agua turquesa con 200 euros extra para gastarse en mojitos. Me da pena y decido mirar el resultado en el móvil. España pierde 1-0. “¡No!”, replica con la cara de la apostadora compulsiva que le debe unos cuantos de los grandes al corredor de apuestas más temido de la ciudad. Cargo de nuevo la aplicación de Mundo Deportivo y ahora el marcador es de 1-1.

Gorillaz habían celebrado el gol del empate español. “¡Bien!”, respira aliviada. “Aún puedo ganar”. En ese momento aparece la responsable del management de Gorillaz. Se parece algo a Virginia Madsen y me enamoro un poco de ella. Me pide que la acompañe y me lleva hasta una especie de apartado en un restaurante que la organización del Sónar ha reservado para todo el staff del grupo, desde los músicos a los técnicos. A lo largo del camino, del camerino al restaurante, también he visto carteles que señalan hacia la habitación de yoga de Gorillaz, los lavabos de Gorillaz, los camerinos de las coristas de Gorillaz, los camerinos de los invitados especiales de Gorillaz, los camerinos del management de Gorillaz… La banda virtual en realidad es una pequeña gran familia nómada.

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julio-agosto 2018 #21

EN PORTADA

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“Es un retorno a los inicios de Gorillaz, al concepto original con el que Jamie Hewlett y yo formamos Gorillaz”

Desde el ático

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#22 julio-agosto 2018

YA ES LA HORA PACTADA, pero Damon Albarn no aparece. Pasan cinco minutos y Damon Albarn sigue sin venir. Pasan diez minutos, quince .. y nada. Son las 20.48h y finalmente aparece Damon. Sí, se ha quedado en el camerino viendo la primera parte del partido. “Tío, está jugando tu selección”, me dice tras presentarnos y estrecharnos la mano. “Deberías estar viendo el partido y no entrevistando a alguien tan aburrido y con tan pocas cosas por decir como yo”. Lo primero que me sorprende es que es mucho más alto de lo que me imaginaba. También me sorprende lo bien que se conserva. Tiene cincuenta tacos pero sigue manteniendo parte de esa imagen de veinteañero de atractivo desaliñado líder de una popular banda de pop británico. Sí, la verdad es que está (y es) guapo, el tipo. En la mano derecha tiene un tatuaje de una estrella de ocho puntas. Luego le descubriré un par de dibujos más grabados a tinta en la piel. Uno en el antebrazo derecho que olvido.

Otro en el atenbrazo izquierdo. Una zeta en rojo con la tipografía del logo de Gorillaz. Y puede que sea por lo del partido de fútbol de España, por los dos enormes sellos de oro que decoran sus dedos o por la chaqueta negra y la camiseta amarilla, ambos de la marca Stone Island, que viste, pero también desprende cierto aire hooliganesco, pero de hooligan cool. “¿Pasamos de la entrevista y nos vamos a ver la segunda parte del partido?”, me dice. Park life.

GORILLAZ SE PRESENTARON en sociedad en 2001 con un álbum homónimo que impactó tanto por lo que proponía musicalmente: excitante cruce de caminos entre el hip hop, la electrónica, el indie rock y la world music; como por su propuesta estética y visual, una banda virtual formada por cuatro dibujos: 2-D (cantante y teclista), Murdoc Niccals (bajista), Noodle (guitarra y teclista) y Russel Hobbs (batería y percusión), habitantes de lo que ahora se denomina un universo distópico. De la primera parte, las melodías, se encargaba el que había sido cantante de Blur, Damon Albarn. De la segunda, las imagenes, el diseñador y dibujante de cómics Jamie Hewlett. La fórmula era infalible, más con singles incontestables como Tomorrow Comes Today, 19-2000 o, evidentemente, Clint Eastwood. Los simios más molones del planeta música volvieron a repetir la jugada cuatro años después con Damon Days (Virgin, 05). Y entonces tuvimos que esperar un lustro para volver a saber de ellos. Pero cuando regresaron lo hicieron por partida doble,

publicando el mismo 2010 dos álbumes: Plastic Beach (EMI, 10) y The Fall (EMI, 10), dos discos correctos que sumados hacen un muy buen trabajo. Ahora han vuelto subiendo el nivel cualitativo. El pasado 2017 Gorillaz dieron nuevas señales vitales con Humanz, pelotazo descomunal escondite de ya imprescindibles de su repetorio como Ascension (donde contaron con la colaboración de Vince Staples), Charger (con Grace Jones), Andromeda (con D.R.A.M.), Let Me Out (con Mavis Staples y Pusha T) o We Got The Power (con Jehnny Beth). Solo un año después amplian su colección fonográfica con The Now Now. “Se pueden establecer paralelismos entre lo que hicimos cinco años atrás con Plastic Beach y The Fall, sacando dos álbumes con poco meses de diferencia, y lo que he hecho ahora con Humanz y The Now Now, pero son situaciones muy distintas dando resultados muy diferentes”. O no tanto. El nuevo trabajo de Gorillaz sigue la misma senda de siempre, batidora en la que se entremezcla de todo: hip hop, electrónica, rock, world music, r’n’b, pop o world music, todo combinado con extremado buen gusto. “Me han dicho de todo. Los hay que opinan que es nuestro disco más ecléctico, otros que es como los anteriores. Todos tenéis razón. Básicamente The Now Now es un disco que he hecho para tener material nuevo y poder seguir saliendo de gira”.

PUEDE QUE FUERA por ese extraño estado de aislamiento en compañía en el que parecen adentrarse los músicos cuando salen de gira o por el aburrimiento que conlleva estar viajando constantemente sin poder visitar nada, pero teniendo infinidad de horas muertas cuando estás de tour por el mundo o simplemente por estar pasando por un momento de efervescencia creativa, pero tan pronto Gorillaz se lanzaron a la carretera a presentar Humanz a Damon Albarn le empezaron a brotar las canciones. “En esta gira me acostumbré a alojarme en áticos. Desde ahí arriba, teniendo vistas asombrosas de cada una de las ciudades por las que pasábamos, encontraba la inspiración para escribir nuevas canciones”. Damon Albarn no cree que el factor nómada del disco sea un signo identitario de la obra en su globalidad, aunque sí que encuentra trazos comunes a lo largo de minutaje. “Musicalmente es un disco raro. No raro por complicado sino porque es un disco algo triste pero a la vez muy veraniego. Y es un trabajo en el que tiene mucho peso la soledad. Hay diversos temas en The Now Now en los que abordo el hecho de estar solo”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

DAMON ALBARN Y JAMIE HEWLETT FOTO: DHILLON SHUKLA

¿Y quién es Jamie Hewlett?

S

i Damon Albarn siempre ha tenido el timón de la dirección musical de Gorillaz, su universo iconográfico es obra de del dibujante y diseñador Jamie Hewlett. Tras años publicando en fanzines y revistas independientes, la firma de Hewlett empezó a hacerse popular cuando creó, junto al que fue su socio durante años, Alan Martin, Tank Girl. Escaparate de muchas de las características que han marcado su carrera, el cómic nos adentraba en el distópico mundo de esta especie de Pipi Langstrump anarkopunk que conduce un tanque y tiene como novio un canguro mutante. El cómic tuvo tanto éxito que fue llevado al cine en una película con Lory Petty como Tank Girl. Luego vendrían infinidad de trabajos como publicista y guionista de televisión, a la vez que firmaba nuevas tiras de cómic para revistas como The Face. Y entonces apareció Damon Albarn y montaron Gorillaz, la banda virtual definitiva. En 2006, el Museo de Diseño de Londres lo eligió mejor “diseñador del año”. Y en 2009, él y Albarn recibieron el premio BAFTA por la secuencia animada Monkey para los Juegos Olímpicos de Pekín. Con Albarn nuevamente colaboró en la creación de la increíble escenografía, con acróbatas de circo, monjes shaolín y cantantes chinos, de la traslación a ópera de la novela china Monkey: Journey To The West de Wu Cheng. Recientemente la Saatchi Gallery de Londres expuso una muestra titulada The Suggestionists focalizada en su faceta como diseñador gráfico en la que revela los nuevos caminos que está emprendiendo como artista.

Indudablemente es uno de los grandes referentes de la cultura pop del nuevo milenio. —o.r.

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Solo “BÁSICAMENTE, The Now Now soy yo cantando”, afirma Albarn. Solo es una de las palabras que mejor definen qué es The Now Now, el disco más Damon Albarn de Gorillaz o el disco más Gorillaz de Damon Albarn, si es que, musicalmente hablando, alguna vez Gorillaz han sido algo más que el impulso creativo del que fuera (o sigue siendo, porque uno ya no sabe si los grupos se separan y luego vuelven para siempre o solamente por un rato) cantante de Blur.

Sí, Gorillaz son ahora más que nunca una banda virtual al antojo de los achaques artísticos de Albarn.

“No, The Now Now es todo lo contrario”, arremete.

“Es un retorno a los inicios de Gorillaz, al concepto original con el que Jamie Hewlett y yo formamos Gorillaz”. Puede, pero parece que esta vez Hewlett ha quedado relegado a mero espectador. “Estuvo conmigo el mes que me pasé en el estudio grabando el disco”, resuelve sobre el rol de Hewlett en The Now Now. Grabado durante el pasado mes de febrero en el Studio 13 de Londres con Damon Albarn ejerciendo de productor junto a Remi Kabaka Jr, uno de sus colaboradores habituales, y James Ford, miembro de Simian Mobile Disco y productor de confianza de Arctic Monkeys, otro de los hechos que destaca de The Now Now es la escasa nómina de colaboradores que han participado en él. Si en discos anteriores de Gorillaz los créditos era un catálogo de estrellas de la industria musical actualmente, esta vez casi no hay invitados. “Está George Benson, que ya solamente él vale por diez”, replica Albarn. “Y también están Snoop Dogg y Jamie Principle. Si no hay más es porque todo ha ido muy rápido esta vez. Pero me encanta trabajar con otros músicos. De hecho, esa es una de las bases del proyecto Gorillaz, un grupo virtual que es como una gran familia de la que todos nuestros amigos forman parte”. Una declaración que

cobra pleno sentido cuando, media hora después y ya sobre el escenario del Sónar, entran en acción Pos y Dave de De La Soul para rimar en Superfast Jellyfish y Feel Good Inc. Jamie Principle y Little Simz harán lo lo mismo con “Hollywood” y “Garage Palace” respectivamente.

CUANDO LE RECUERDO que ya han pasado casi veinte años desde que apareció el primer disco de Gorillaz, Damon Albarn sonríe y responde que, peor aún, ya han pasado treinta desde que formó Blur. “Únicamente empecé a preocuparme por el paso del tiempo cuando fui padre. Hasta entonces nunca me había preocupado por eso. Y ahora tampoco es que me coma mucho la cabeza con el tema. Nunca me planteé si iba a envejecer siendo músico. Simplemente ha sucedido y lo disfruto”. Para Damon Albarn, uno de los secretos para no rendirse a esa especie de transcendentalismo que no lleva a ninguna parte es mantenerse activo. Y lo cumple a rajatabla. “Siempre estoy líado en mil y un proyectos”. Una de esas aventuras, revela, es la serie de dibujos animados basada en Gorillaz en la que ha estado trabajando con su socio Jamie Hewlett en paralelo a la grabación de The Now Now. También ha grabado un nuevo disco con The Good, The Bad And The Queen, el supergrupo que montó con Tony Allen, Paul Simonon y Simon Tong, con los que hasta ahora habían publicado un único álbum, y de eso ya hace más de once años. “Va a salir en breve y, está mal que lo diga yo, pero va a ser la bomba. Es un disco buenísimo. Por cierto, Tony Allen también está hoy en Barcelona. Saldremos de marcha después del concierto. Tiene setenta y siete años pero puede con todos nosotros. Oye, ¿hemos acabado? ¿Te vienes a ver cómo termina el partido de España?”. —o.r.

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julio-agosto 2018 #23

T u s

c o n c i e r t o s

A G E N D A

W E B

JIMMY CLIFF FOTO: ARCHIVO

Rototom Sunsplash Hemos hablado ya durante los últimos meses sobre la programación del Rototom Sunsplash, que se celebrará durante los días 16 a 22 de agosto en Benicàssim, pero esta edición será diferente por distintos motivos. Al margen de que podamos ver a artistas como Ben Harper, Sly & Robbie, Yellowman, Johnny Osbourne, Jimmy Cliff, Alborosie & Shengen Clan, etcétera, esta edición –la número veinticinco- apuesta por dar voz a África más que nunca. Y es que posiblemente ninguno de los participantes en el festival podría hacerlo de no ser por las raíces musicales que surgieron de allí. Habrá debates con africanos y afrodescendientes (Tiambou Laye, Rita Bosaho, Makady DHQ...), habrá talleres de baile, circo, presentación de proyectos, sesiones de Dj’s en African Village y una larga lista de conciertos, entre otras cosas. —MS

Chancha Via Circuito Tradición y modernidad MINISTRY FOTO: ARCHIVO

www.rototomsunsplash.com

Resurrection Cuadrar un centenar de bandas en cuatro escenarios parece un dolor de cabeza, pero el Resurrection Fest lo ha conseguido ya, a falta aún de más de un mes para que abra las puertas. También se han dado a conocer los escenarios, que este año cambian de nombre: Ritual Stage será el escenario de metal, mientras que el Chaos Stage será el escenario de hardcore y punk. En el festival, que tendrá lugar del 11 al 14 de julio, podréis ver a bandas como Kiss, Scorpions, Prophets Of Rage, Megadeth, Exodus, Frank Carter, Angelus Apatrida, Cancer Bats, Turnstile, Sick Of It All, The Bronx, Eyehategod, Crowbar, Ministry, Jello Biafra, Paradise Lost y así hasta llegar hasta cien bandas. —MS www.resurrectionfest.es

#25 julio-agosto 2018

FOTO: ARCHIVO

“Ojalá mi música sirva ero para algo más que el m entretenimiento”

Pedro Canale es el cerebro tras Chancha Vía Circuito, una aventura que recupera la música tradicional argentina y la combina con electrónica para ofrecernos canciones que son pura fantasía.

Ahora publica Bienaventuranza (Wonderwheel, 18), motivo por el que le entrevistamos.

A

ntes de que la cumbia o el folclore latinoamericano se expandiera en Occidente como nueva posibilidad de adopción cool por parte del circuito alternativo, Pedro Canale se obsesionó con esas músicas tras un viaje por el norte argentino. “Empecé a descargar todo lo que encontraba de música tradicional: después de ese viaje me agarró la locura con estas músicas”, nos dice uno de los padres de la folktrónica universal, y uno de los primeros hacedores en mezclar música electrónica de vanguardia y sonidos tradicionales, sobre todo andinos y sudamericanos. Ahora, cuatro años después de la mística de Amansará (Wonderwheel, 14), Chancha Vía Circuito regresa con Bienaventuranza, un álbum en el que la dicha y la gracia se mueven alrededor de la energía que da el elogio a lo cotidiano. “Es un disco que me agarra en otro momento vital, donde disfruto mucho de estar en casa. Estoy contento no por haber alcanzado metas, sino por estar más conectado con mi paz interior: es una celebración de estar vivo.

Y aunque mi alegría no es un escudo a través de la que no se filtra la realidad, las catástrofes y las miserias que ocurren cada día; hoy me encuentra mejor parado para enfrentarme a ello”. El álbum de corte

más colaborativo de los que publicó como Chancha Vía Circuito (“trabajé con los músicos que me llevan acompañando en directo los últimos años: Kaleema y Federico Estévez”) lo ha llevado a cambiar la mecánica compositiva. “Fue un proceso inverso: encontrar, primero, las canciones en su estado más crudo, y luego agregarles la electrónica. Eso hizo que tal vez el disco sea más orgánico y menos electrónico. Venía necesitando no estar tan obsesionado con los instrumentos y los sonidos electrónicos”. Un paso más que lo aleja de la folktrónica más pistera, más Ibiza friendly. “La gente que busca este tipo de sonidos tiene otras inquietudes. Siempre quise creer que mi música sirve para algo más que para el mero entretenimiento”. Dentro de las ‘utilidades’ de su obra, también está el carácter divulgativo de la música tradicional, aunque últimamente haya salido a colación el concepto de “apropiación cultural”. “Sigo pensando que lo mejor que le puede pasar a la música tradicional es que las nuevas generaciones se adueñen de esas tradiciones y la resignifiquen. No creo que se pueda hacer algo nuevo sin el pasado. Para mí no es malo que, si uno ama la música centroamericana y la quiere llevar al mainstream, lo haga: que los productores se inspiren en esos ritmos para que los cante Shakira no me parece mal. Pero a veces es triste que eso no termine acercando el verdadero valor que tienen esas músicas a un público más masivo: llega todo previamente masticado. Por eso a mí me gusta presentar el material más en crudo, que se acerque más a su realidad.

Procuro que lo esencial no se pierda por el camino”.

Bienaventurado seas.

—alan queipo

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30/31 AGOSTO Y 1 SEPTIEMBRE 2018 ESTADIO FUENTE DE LA NIÑA - GUADALAJARA

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WWW.FESTIVALGIGANTE.COM

YA A LA VENTA

PJ Harvey Veinticinco años de Rid Of Me Missed

El siguiente tajo cosido subraya la coordenada a seguir: blues-punk de estercolero. La pulsión cubista de Captain Beefheart entrando en guerra con el arrojo magmático de The Gun Club. El trío convocado para la ocasión, y completado por Steve Vaughan al bajo y Rob Ellis a la batería, funciona a coces. Los riffs retorcidos de Harvey siempre encuentran la vía de salida en la ebullición del nihilismo punk; en su caso, arrebatos coléricos de energía a degüello como el aquí presente.

Legs

El 4 de mayo de 1993 se publicaba uno de los clásicos más descarnados de los noventa. PJ Harvey publicaba Rid Of Me, un disco que nos pillo a todos por sorpresa.

Mientras la industria de la nostalgia ya comenzaba a ser engrasada, la británica quebraba medidas temporales en un trabajo –el segundo- que parece haber sido concebido desde las tripas del deseo.

Catorce heridas curadas en sal que aún siguen haciendo daño como el primer día.

Rid Of Me

Como un cuchillo deslizándose a cámara lenta en carne fresca, la puesta a punto de Rid Of Me desprende el desasosiego psicótico auto inducido por PJ Harvey a la hora de exorcizar su reciente ruptura sentimental. Por el camino, reproduce escenas de deseo animal -“Lame mis piernas, estoy ardiendo. Lame mis piernas de deseo”-, haciendo un uso tremendamente carnal del falsete, en las antípodas del patentado por sumos sacerdotes de la seducción como Prince y Marvin Gaye. “Recuerdo haberla empezado a escribir en un piso en el que vivía, un horrible apartamento que compartía en Tottenham. Estaba sentada en mi cama, en mi habitación, húmeda, frente al calentador de gas”.

La canción que le hubiera gustado escribir a Courtney Love. De los diez días transcurridos en el estudio de Steve Albini, el grueso de la grabación se llevó a cabo en apenas tres. Las canciones bullen dentro de un mismo caldero de crispación eléctrica. En Legs, Harvey estrangula sus cuerdas vocales desde el mismo estómago. Strip tease emocional impúdico en el que el sentido del humor comienza a cobrar tintes insanamente grotescos.

Rub ‘Til It Bleeds

Tal como reconoce su autora, engarzar la cadencia eléctrica planificada para este corte le llevó un tiempo considerable. Los crescendos son continuamente cercenados en cada verso, hasta que, en un quiebro inesperado, consiguen ser volcados en un estribillo amputado bajo el sesgado frenesí melódico de una Harvey que se va haciendo más y más grande en cada nueva acometida.

Hook

La complejidad estructural de los riffs planteados es una constante derivada del estado de ansiedad dibujado en la garganta temblorosa de Harvey. Constantes retazos de feminismo airado culebrean entre cortes como el presente, aunque ella niega dicha interpretación de su impulso musical. De lo que no cabe duda es su fascinación por todo lo que resulta embarazoso y repulsivo.

Man-Size Sextet

El reprise, al revés. Harvey sumerge las cuerdas de su violín en un estado de paranoia total. Harvey no habla de hombres o mujeres, sino de carne. Su visión reproduce una perspectiva ballardiana del sexo y sus manifestaciones, ya sea bajo interpretación hetero, homo o trans.

Su mismo canto muta continuamente de identidad.

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Highway 61 Revisited

Me-Jane

50ft Queenie

Snake

Tentada por la sugerencia de sus padres, al final les hizo caso y grabó “su” versión del clásico de Bob Dylan. Por supuesto, aquí no hay homenaje ni genuflexión que valga. El vampirismo es la única opción posible. Y ella lo invoca bajo un latido asfixiante. Golpes de batería tribal como una tribu africana obcecada en la resurrección del espíritu del rock and roll.

Tal como llegó a decir Courtney Love en su momento: “La única estrella del rock que me hace saber que soy una mierda es Polly Harvey”. Bajo tan rotunda declaración se esconde la certeza de que grupos como Hole jamás pudieron quebrar la estereotipada condición de la mujer objeto en el mundo del rock con la fuerza de Harvey. Porque utilizar la sumisión femenina como postura para degradar las vergüenzas del machus erectus no deja de ser un arma tan elocuente como la utilizada en este sopapo punk.

Yuri-G

Tras chupar los dedos y acariciar los enchufes del baño, el calambrazo proporcionado por 50ft Queenie es volcado en esta descarga incómoda, siempre buscando escapar de sí misma hacia la catarsis liberadora. Más que nunca, la tensión se sutura en una rehabilitación sin freno. Los pasos de la calma a la tempestad están proporcionados por una serie de chispazos de alta tensión. On-Off. Off-On.

El momento en que Harvey despliega toda la ironía reconcentrada de su música es en esta reveladora muestra alambicada mediante un revelador estribillo zeppeliano, chispeado con inusitada virulencia punk. Un tarzán onomatopético, brabucón y ensordecedor tiene la culpa de que Jane no pueda escuchar ni sus propios pensamientos.

La gran ginkana de la implosiónexplosión prosigue su rastro mediante un desfiladero de aporreos de batería dignos del hombre capaz de grabar hasta el polvo levantado en los tambores que pueblan Seamonsters de The Wedding Present y Surfer Rosa de Pixies. Su estruendo quiebra la línea de percepción del oyente entre escucha grabada y escenificación en directo.

Ecstasy

Como si Nick Cave hubiera trocado a sus Bad Seeds por la versión blues de The Jesus Lizard, así es como llega a la orilla tan absorbente colección de disparos a quemarropa. Tras trece batallas a pecho descubierto, Harvey termina su paseo flotando, dando círculos sobre nuestras quijoteras. En éxtasis.

—marcos gendre

Man-Size

Además de 50ft Queenie, el otro single publicado fue Man-Size, una nueva carga dentada en plena era de nostalgia britpop. El vídeo filmado para la ocasión muestra a PJ Harvey en plano fijo ante la cámara: el juguete delante del que se muestra como una niña nerviosa, sin filtros. Ahora lo entendemos todo, la verdadera voz de Harvey nace de su forma de hacer gritar a las seis cuerdas, sus palabras no son más que el rastro de la polvareda levantada por riffs electrocutados como en Man-Size.

Dry

Al fin, un respiro, al menos en el aura elegíaca con la que templa los jeroglíficos eléctricos de su guitarra.

Escuchar Dry es entender de primera mano declaraciones suyas en las que reconocía que “junto con Howlin’ Wolf, Tom Waits y Pixies, también había estado leyendo muchas historias cortas de Flannery O’Connor y Franny y Zooey de J.D. Salinger. También podría haber estado leyendo Así habló Zaratustra [de Friedrich Nietzsche]. Algo de lectura ligera (risas)”. julio-agosto 2018 #27

F

ALTAN APENAS unas horas para su actuación en el Royal Arena de Copenhague (Dinamarca).

Esa misma noche, Nicko McBrain soplará las velas ante dieciséis mil personas para celebrar sus sesenta y seis años de edad. Rebosa tanta energía como entusiasmo a la hora de explicar el buen arranque de su nueva gira: “¡Está yendo absolutamente fenomenal!”, asegura el batería de la banda británica. “Empezamos una fecha en Tallin y ha ido francamente bien considerando la enorme complejidad de su montaje. Ten en cuenta que estamos tocando en tres niveles/escenarios diferentes, por lo que hay un grandísimo esfuerzo en materia de producción.

Esta ha sido la producción más ambiciosa en la que nos hemos embarcado hasta la fecha”. El set-list, en el que caben tanto sus clásicos imprescindibles (The Number Of Rhe Beast, The Trooper, Fear Of The Dark) como retornos sorprendentes (The Clansman, Flight Of Icarus) es uno de los principales puntos fuertes del tour. “Creo que es un set-list absolutamente fantástico. Ya sabes, es difícil complacer a todo el mundo. Por mucho que nos esforcemos por crear un buen repertorio, siempre habrá gente diciendo: ‘¡Oh! ¿Porqué no tocáis esta?’ y ‘¡Oh! ¡Os habéis dejado esta otra!’. Bueno, ¿qué le vamos a hacer? La verdad es que no nos importa nada de eso porque básicamente tocamos todas estas canciones para nosotros mismos”. Canciones que, como él mismo me comenta vía telefónica, han sido consensuadas por el mismo grupo. “Hemos seguido un proceso muy democrático a la hora de seleccionarlas. Steve trabaja duro: empieza pasándonos una primera versión sobre la que después vamos aportando nuestras ideas individuales”.

#28 julio-agosto 2018

“No puedes convertirte en una parodia de ti mismo”

I Maid

NO PASA DESAPERCIBIDO el retorno de uno de los temas más conocidos de Iron Maiden: Hallowed Be Thy Name. Debido a un conflicto de propiedad intelectual con la banda Beckett –Steve Harris, fanático de la banda, habría tomado “prestadas” algunas frases de su canción Life’s Shadow–, la canción fue retirada de su repertorio en mayo de 2017 en medio de un agrio proceso judicial del que McBrain no quiere dar demasiados detalles. “No tengo ni la más remota idea de cómo se ha solucionado… Y tampoco es que me importe mucho, la verdad. Yo creo que lo que pasó fue que alguien relacionado con Beckett [Barry McKagy] quiso sacar algo de dinero a nuestra costa. Hubo un litigio que provocó que la canción quedara fuera de una parte de la gira de The Book Of Souls. Nos alegra volverla a tocar porque siempre ha sido una parte muy importante en nuestros tours…”.

OTRA DE LAS NOVEDADES de Legacy Of The Beast es la presentación simultánea de un videojuego y un cómic basado en uno de los iconos más reconocibles del heavy metal: su mascota Eddie. “La producción de la gira se basa en los diferentes niveles que hay tanto en el videojuego como en el cómic, así que si estás familiarizado con la clase de muchacho que es Eddie te será fácil comprender su estructura y sus diferentes pantallas. Hay una conexión evidente cuando suena The Sign Of The Cross con la catedral como escenario; si Eddie está en el infierno, existe una conexión con The Number Of The Beast y The Evil That Men Do… Hay canciones que se pueden acoplar muy bien a la

La lege

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Iron Maiden andan inmersos en una nueva etapa de su larga carrera, Legacy Of The Beast, un tour de treinta y ocho conciertos que pasará por Madrid el próximo 14 de julio. Hablamos con Nicko McBrain, sobre la nueva gira y el estado actual de la banda.

—texto Tomeu Canyelles —fotografía John McMurtrie

nueva propuesta y que, de hecho, nos encanta tocar”. No es la primera vez que la banda apuesta por las nuevas tecnologías: ahí tenemos el fallido Melt, Ed Hunter, el concepto gráfico del vilipendiado Virtual XI o, incluso, el videoclip de Speed Of Light. Nicko McBrain concluye que los videojuegos nunca han ocupado demasiado lugar en su día a día. “Creo que pronto voy a iniciarme en este mundillo. Tengo una tablet y debería investigar un poco más… Eddie es un personaje que encaja muy bien en ese tipo de juegos”.

EN ESTOS ÚLTIMOS AÑOS, Steve Harris o el mismo McBrain han reconocido en repetidas ocasiones que Iron Maiden han entrado en su etapa final. Desconociendo si su jubilación está cerca, el batería se muestra ambiguo a la hora de afirmar si habrá nuevos discos de Iron Maiden en el futuro. “Creo que lo importante es lo que está sucediendo ahora mismo. Nos encantaría poder tocar en directo hasta que ya no podamos más, pero no podemos hacerlo… No puedes convertirte en una parodia de ti mismo. Tenemos que dar lo máximo, lo mejor de nosotros cada noche. Lo único que sé es que queremos disfrutar del momento. Lo que venga después, ni nosotros mismos lo podemos saber. El tiempo lo dirá”. —t.c.

Diez canciones de leyenda

Iron den

bestia endaria

Iron Maiden regresan a la carretera con una nueva gira basada en algunos de sus mayores clásicos.

En su set-list no faltan clásicos atemporales como The Number Of The Beast, Run To The Hills, The Trooper o Two Minutes To Midnight, aunque han incorporado más de una sorpresa con la inclusión de The Sign Of The Cross o Where Eagles Dare. Una oportunidad inmejorable para diseccionar el contenido de otras diez canciones que interpretarán y que nos permiten entender la razón por la que siguen siendo uno de los mayores estandartes del heavy metal.

1

Iron Maiden (Iron Maiden, 1980) Ninguna otra pieza del repertorio de la banda británica tiene tanto recorrido como su canción homónima. Según las grabaciones de los ensayos que posee uno de sus antiguos baterías (Barry “Thunderstick” Purkis), la primera encarnación de la banda ya interpretaba Iron Maiden en 1977. Su letra, sorprendentemente explícita para su época, permitió el lucimiento de un amenazante Paul DiAnno a la voz.

2

Hallowed Be Thy Name (The Number Of The Beast, 1982) Buena parte del impacto e influencia que ha tenido The Number Of The Beast se sostiene gracias a la que es de sus mejores canciones. La progresión de su estructura aporta tanta fuerza como épica al texto de Harris, en el que describe los últimos pensamientos de un prisionero a punto de ser ejecutado en la horca.

3

Revelations (Piece Of Mind, 1983) Bruce Dickinson había contribuido a algunas de las composiciones de The Number

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Of The Beast sin ser debidamente acreditado. Revelations sería su primera demostración de fuerza encargándose tanto de la música como de una letra en la que bebe tanto de G.K. Chesterton como de Aleister Crowley. La complejidad de su estructura les desmarcó de las fórmulas prototípicas de la NWOBHM, descubriendo el alto potencial compositivo del vocalista.

4

Flight Of Icarus (Piece Of Mind, 1983) La alianza de Adrian Smith y Bruce Dickinson dio como lugar a la primera incursión de Iron Maiden en la mitología mediante la revisión de la leyenda griega de Ícaro y Dédalo y que, en Piece Of Mind, se transforma en una alegoría de la rebeldía adolescente. Corta y pegadiza, estuvo en el repertorio de la banda hasta 1985.

Ha tenido que esperar treinta y tres años para ser rescatada.

5

Aces High (Powerslave, 1984) La voz nasal de Winston Churchill es una de las intros más icónicas de Iron Maiden: el pistoletazo perfecto para Aces High, una de las canciones más intensas de toda su discografía. Compuesta por Steve Harris y publicada como single, narra la historia de un piloto británico de la Royal Air Force luchando contra la Luftwaffe alemana durante la Segunda Guerra Mundial.

6

The Evil That Men Do (Seventh Son Of A Seventh Son, 1988) Pese a tomar su título de una frase de la obra Julio César de William Shakespeare, lo cierto es que su temática –a medio camino de lo simbólico y lo abstracto– es un fiel reflejo del contenido del que, hasta la fecha, es el único disco conceptual de Iron Maiden. Ha aparecido en cinco de sus álbumes en directo.

7

Fear Of The Dark (Fear Of The Dark, 1992) Posiblemente, la mejor de las canciones que escribieran durante los años noventa.

Con ella, Steve Harris pretendía abandonar temáticas mitológicas y fantásticas para centrarse en el terror. Gracias a ella, en 1994 rozaron un Grammy que finalmente se llevó Ozzy Osbourne. Un año antes, Bruce Dickinson anunciaba su salida de la banda, abriendo la época más oscura de Iron Maiden.

8

The Clansman (Virtual XI, 1998) Tras el sombrío The X Factor (1995) llegó el segundo –y último– disco del bueno de Blaze Bayley. Por mucho que lo intentó, jamás pudo librarse de la sombra de su predecesor. Fallido en buena parte de su minutaje, consiguió salvaguardar al otrora quinteto del desastre total gracias a la épica The Clansman, una epopeya sobre la libertad, la lucha y el sacrificio inspirada en la película Braveheart (1995).

9

The Wicker Man (Brave New World, 2000) Con el retorno de Bruce Dickinson y Adrian Smith, Iron Maiden volvían por la puerta grande reconvertidos en sexteto.

Con ella, enterraron definitivamente las viejas rencillas y dieron forma a uno de sus singles más efectivos: una carta de presentación impecable para el que ha sido uno de sus discos más celebrados.

10

For The Greater Good Of God (A Matter Of Life And Death, 2006) La canción más reciente del repertorio de Legacy Of The Beast nos remonta hasta 2006, fecha en el que publicarían uno de sus discos más enrevesados: sus derroteros progresivos dividieron al público durante su gira de presentación, en la que interpretaron A Matter Of Life And Death desde el primer al último tema. Uno de sus principales puntos fuertes fue –y sigue siendo– esta canción. —t.c. julio-agosto 2018 #29

MONDO FREAKO

CARLOS SADNESS Benidorm (28 julio, Low Festival)

El barcelonés da un paso más en su carrera con Distintos tipos de luz (Sony, 18). Nos encontramos con él para hablar del camino recorrido y el camino por recorrer.

AgeNda. julio-agosto.

D

r Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#30 julio-agosto 2018

E PRIMERAS, Carlos Sadness no parece darle mucha importancia al hecho de que con dos álbumes ya se haya convertido en uno de los artistas más exitosos del panorama español.

De hecho, lejos de colgarse ninguna medalla, se lo toma como una motivación. “Hemos conseguido cifras de escucha bastante llamativas y ahora lo intentaremos compensar con los conciertos. Después de dar las actuaciones más grandes en Latinoamérica la idea es hacer lo mismo aquí”, nos cuenta en un humilde plural mayestático que utiliza con intermitencia.

“Quería hacer cosas más grandes, y por ello he cambiado de oficina de management. Ahora estoy con gente que ve cosas en mí que ni yo sabía que estaban”.

Aún así, agradece que las cosas no hayan ido demasiado rápido.

“Ha sido todo muy progresivo:

primero un escenario secundario del Arenal Sound, luego los primeros sold out, después un single que acaba funcionando más bien de lo que pensaba, etcétera. La verdad es que con este proceso tan paulatino he podido digerir los cambios y acostumbrarme, pero no he tenido que parar en ningún momento para pensar demasiado en ello”. Distintos tipos de luz es otra dosis más de ese indiepop vitalista y tropical que ha caracterizado el sonido de Sadness. A cada disco, su nombre artístico parece hacerse más y más irónico. “Salió de una clase de dibujo que tomé en el instituto. El profesor pensó que había escrito Carlos Sadness como apodo en un trabajo y, aunque le dije que era una confusión, él insistió que desde entonces le firmara los dibujos con ese nombre”. —martí juan batet

Biffy Clyro Benidorm (28 julio, Low Festival) Mundaka (29 julio, Mundaka Festival)

¿Te acuerdas de los MTV Unplugged? Ya sabes, aquellos conciertos acústicos que nos maravillaron dejándonos algunas piezas para el recuerdo. Bien, pues ahora los protagonistas son Biffy Clyro, que firman un nostálgico y muy disfrutable MTV Unplugged: Live At The Roundhouse London (Warner, 18), que se publica en diversos formatos.

N

IRVANA, NEIL YOUNG, OASIS... Toda una generación de músicos creció imitando en sus garajes aquel desgarrador Where Did You Sleep Last Night de Nirvana en el MTV unplugged. Entre ellos estaban unos Biffy Clyro todavía adolescentes. Ahora, en un arrebato de nostalgia noventera, MTV recupera la idea de estos conciertos acústicos coincidiendo con un momento de transición en la carrera de los escoceses. “Totalmente cierto. Los MTV unplugged educaron musicalmente a una generación. Nos marcaron”, me comenta vía telefónica James Johnson, bajista de la banda.

“Solíamos ensayar las canciones de Nirvana.

Queríamos emular a nuestros ídolos. Ese Unplugged hizo que nos diéramos cuenta de algo, de que estábamos acostumbrados a una banda de rock ruidosa y enfadada, pero que escucharles en un formato totalmente distinto era como descubrirles de nuevo. Vimos que toda su rabia y su sentimiento no se perdían por cambiar el registro, sino que incluso se volvía todo más crudo. Tenía otra lectura, pero sin perder la autenticidad”.

DESDE SUS INICIOS, Biffy Clyro mantienen una dualidad similar entre el sonido más duro y el más edulcorado, entre los himnos de estadio y el formato íntimo que se vislumbra en este acústico en el Roundhouse londinense. “En acústico tienes menos sitios en los que esconderte si algo va mal. En cierto modo te sientes vulnerable, queda todo al descubierto. También es una buena ocasión para reinterpretar las canciones, bajar el volumen y dejar que la letra tome protagonismo”. El setlist repasa sus últimas etapas, sin dejar fuera el tradicional cover reglamentario. La elección era obvia. God

Only Knows de The Beach Boys. Su letra fue el primer tatuaje del cantante Simon Neil, además de protagonizar el primer baile en su boda. Por si no hubiera suficiente, la banda ha alabado en numerosas ocasiones la magia de esa canción.

Su interpretación supone uno de los momentos más íntimos del show, pero no el único. No hay más que escuchar la intensidad de Machines para tenerlo claro. “Siempre ha sido una canción muy especial e íntima para nosotros. Y esta vez la sentí todavía más intensa. El luto es algo universal por lo que todos pasamos, así que cuando alguien te cuenta una experiencia así siempre empatizas al minuto. Por eso Machines es una canción con la que conectas. Habla sobre recomponerte y seguir adelante después de un momento muy doloroso. Para nosotros supuso un momento de paz y puedes sentir que para el público también”.

LA BANDA COMPLETA el concierto –que se publica en disco y también en DVD- con una selección de sus temas más emblemáticos, pero sin que lo consideren una retrospectiva. “Lo hemos hecho con vistas a que, cuando se escuche dentro de diez años, no pierda el sentido. No le damos la espalda a nuestros primeros discos, pero a medida que creces como banda y como persona vas incorporando esas experiencias a tu música, que cambia y evoluciona. Es momento de mirar hacia adelante. Tampoco queremos lanzar un disco de caras B de Ellipsis como hemos hecho con otros álbumes. La etapa Ellipsis está acabada. Hemos roto el ciclo de grabar durante dieciocho meses, girar durante otros dieciocho y vuelta a empezar”. Por delante tienen un montón de proyectos. Los más inmediatos: una gira acústica después de la buena acogida del disco y componer la banda sonora Balance, Not Symmetry del director Jamie Adams.

“Componer una banda sonora es todo un reto y en este caso está siendo un proceso muy especial porque componemos a la vez que se crea el filme. Puedes ver la forma en que las canciones, en cierta manera, influyen en lo que pasa en la película y al revés. Es un proyecto experimental que nos está dando muchas ideas para el octavo álbum de Biffy Clyro”. —montse galeano

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Club del Río “Queremos que la música sea algo de la cotidianidad, no elevarla” Madrid (8 julio, Gira en Kasas. 18 julio Casa Corona) Sevilla (22 septiembre, Gira en Kasas)

LEON BRIDGES

Barcelona (11 de julio. Festival Jardins de Pedralbes) Madrid (12 de julio. Mad Cool)

Leon Bridges ha hecho, en Good Thing (Sony Music, 18), algo parecido a lo que hicieron antes Michael Kiwanuka o Alabama Shakes: partiendo de un inicio clásico, avanzar hacia algo más moderno y actual.

L

Los madrileños Club del Río presentan Sustancia (El Volcán, 18), un trabajo con el que se siguen reafirmado como un ‘grupo de amigos’ que disfruta haciendo música.

P

ARA GRABAR Sustancia, Club del Río regresaron al estudio de La Mina en Sevilla, un lugar familiar para ellos pues allí también se dio forma a Un sol dentro (2016), su segundo álbum.

Se encontraron de nuevo con un espacio en el que la experiencia vital de hacer música transcurre en una casa rodeada de naturaleza. Se cuenta como leyenda los dos años que transcurrieron viviendo juntos en una gran casona alejada del ruido, en la que se dedicaron principalmente a crear música. Una experiencia que sin duda les marcó y se hizo palpable en el momento de grabar su nuevo material.

“Desde entonces quisimos que la música fuera algo de la cotidianidad, no elevarla, tenerla muy cerquita, y así mantener ese elemento folk que es nuestro sello”, comenta Esteban Bergia, voz y guitarrista de la banda.

COMO SI NO fuera suficiente este ‘espacio natural’ que han descrito como un lugar en el que la música se fusiona con la vida, gran parte del álbum ha sido grabado a la vieja usanza con máquinas y micrófonos antiguos, lo cual ha terminado por imprimirle un sello y un sonido

de lo más orgánico. Las colaboraciones en este trabajo van por cuenta de artistas como Faneka, por segunda ocasión Victor Iniesta y Tomasito, Manuel Machado, Ove Larsson en los vientos, Harry Haynes, Leo ‘El Cigueña’, entre otros.

LAS LETRAS de Sustancia son optimistas de manera genuina, pero no se traducen en un discurso o manual sobre cómo deben verse las cosas. “En los últimos dos años han ocurrido cosas a nivel personal que me han trastocado un poco, y cuando uno tiene la suerte de hacer música la usas a nivel terapéutico, para cuidarte, para soltar lo malo que uno tiene adentro.

Es un poco como ir al psicólogo”, asegura Esteban, quien compone también las letras del grupo. “Al final, un mensaje común en el disco puede ser el de superar las dificultades de la vida con fuerza y con optimismo, con fuerza y con energía y creer en tu espíritu”. Pero si la naturaleza es el hábitat de Club del Río, es en los escenarios de Madrid donde han encontrado su público, agotando entradas en emblemáticas salas como Joy Eslava, Teatro Barceló o más recientemente La Riviera, plaza en la que presentaron oficialmente Sustancia. “Además Madrid está efervescente, hay una escena con muchos artistas y bandas que nos gustan, y aquí estamos todos juntos remando”, afirma Adriano Pezzi, otro de los miembros de la banda.

—liliana ramírez

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EON BRIDGES, quien fuera nominado a los Grammy por su disco anterior, Coming Home (15), vuelve renovado y marcando territorio, marcando diferencias con sus competidores más directos. Los que estén dispuestos a disfrutar su nueva fórmula aplaudirán la osadía, quienes no, aprovecharán para tirarle la caballería encima. “Son conceptos distintos de disco. El primero lo grabamos rápido y fue más directo, en cambio este refleja más mi momento actual y lo que he aprendido hasta ahora. Es más colaborativo en relación al anterior, que fue más un asunto mío.

EN ESTE SEGUNDO disco hay sonidos urbanos, música disco, obviamente soul y algo de jazz o góspel con un barniz actual que le sienta de maravilla. “Antes de grabar, hice una última sesión privada en Los Angeles, noté la influencia de lo que más estaba escuchando, sobre todo r&b y hip-hop de los noventas. Era esa clase de energía, muy diferente a la de Coming Home. Íbamos en esa dirección”. En cuanto a las canciones, apunta a que It Feels Good, Then It Must Be será uno de los hits del álbum, con un toque funk y disco de los setenta. “Cuando escribí esa canción me imaginaba un club lleno de gente, todos bailando y disfrutando. Ese es el origen de esa pieza, una fotografía en mi cabeza me llevó hasta ahí, hasta esos ritmos”. En cambio, en Lions organiza una sesión en la que el góspel se revela como protagonista invitado. “Creí que, al menos una vez en mi vida, podría conectar con una audiencia con este tipo de energía, con el espíritu del góspel.

Es un sueño que convertí en una canción como esta y que conecta con personas de generaciones distintas. Ese era en parte mi objetivo, integrar a todo tipo de

personas”. Y podríamos seguir con cada pieza, pero vayamos al final del disco. La última pieza, Georgia To Texas, pisa el terreno del jazz. “Escucho de todo, incluso me gusta el country, aunque no me encaje tanto como artista. Lo del jazz es más obvio y en Georgia To Texas, una de mis favoritas, abro la puerta a ese sonido. En el futuro podría hacer un disco bajo esas coordenadas. ¿Por qué no? No quiero dejar nunca de explorar, además me gusta mucho el sonido del saxo y yo toco el bajo”.

Bridges también reconoce entre sus fuentes de inspiración los discos de la etiqueta Stax, uno de los símbolos de la música negra y que este año celebra sus cincuenta años de vida. “El catálogo de Stax es increíble, hay músicos realmente maravillosos. Me siento orgulloso de formar parte de esa comunidad, la de la música soul. Por otro lado, para mi generación, que los Dap-Kings estuvieran tan cerca de nosotros ha provocado que gente joven como yo o Curtis Harding tenga la oportunidad de crear algo. Enseñar y educar a la gente es una de nuestras misiones. Es muy inspirador estar rodeado de gente así, con tanta iniciativa y talento. No nos damos cuenta de la suerte que tenemos”.

—toni castarnado

julio-agosto 2018 #31

35/Mondo VINILOS

Kanye West

Ghost

Ye Def Jam

RAP / Por fin ha llegado el momento para quienes llevan tiempo esperando para cargar contra Kanye West musicalmente hablando. Kanye West firma por primera vez una colección de canciones con fisuras y con algunas piezas que llegan al aprobado con apuros. Kanye empieza fuerte, con tres cortes excelentes, con diabluras por todos lados, con una producción excelente, unas rimas tocadas por la varita de Dios y sobre todo a la altura del genio y sus anteriores obras maestras, para luego desmoronarse. Empezar con I Thought About Killing You y su polémica letra es magnífico. Acto seguido se marca un Yikes sencillo pero adictivo para demostrarle a Kendrick Lamar que también él puede reventar listas si se lo propone. Y cierra tan esplendoroso trío con All Mine. A partir de ahí, todo va cuesta abajo.

7

—marcos molinero

Prequelle Spinefarm/ Caroline

METAL / Los suecos Ghost han querido explorar y alcanzar un nuevo universo. Si bien es cierto que la esencia y el sonido de la banda continúa siendo su característica principal, aquí toman otros caminos.

Rats ya es un claro ejemplo. En See The Light reflejan un tono un poco más suave de lo habitual, con solos de guitarra y teclados incluídos, o en Dance Macabre, el primer single que conocimos de este nuevo trabajo. Sin embargo, el clímax del disco llega en su ecuador, con Miasma, composición instrumental en la que se atreven incluso con un saxo. Pro Memoria es otro de los mejores cortes del disco, con su espíritu dramático y lánguido con un Cardinal Copia que se desenvuelve a la perfección. Se mantienen fieles a su sonido más eclesiástico, pero con un tono un poco más edulcorado. —ana lópez 8

Damien Jurado

Todos los Nacho Vegas en Violética Nacho Vegas Violética Marxophone

8 POP /La publicación hace un año del libro de poemas y relatos Reanudación de las hostilidades anticipaba de alguna forma esa combinación de lo privado y lo colectivo que domina este doble álbum ante el que no es difícil tener la sensación de que estamos, como señalaba Abraham Boba, ante un recopilatorio actualizado del cancionero del asturiano. Están aquí todos los Nacho Vegas que hemos ido conociendo: el autor de relatos íntimos asociados a situaciones muy concretas, la voz del cronista (con escenas tan distintas como las de Crímenes cantados, Vete a ver la ballena o El puente de l’Ara), el creador que parte de la tradición

(Aída, El corazón helado), el intérprete coral y también el más femenino, y no solamente por las colaboraciones de Maria Rodés (amparo y ternura en Ser árbol), Christina Rosenvinge (Maldigo del alto cielo, versión de la folclorista chilena Violeta Parra) y Cristina Martínez (La última atrocidad, afilada como una cuchilla). Porque si algo define a Violética es la decidida falta de compartimentos estanco, tanto en el contenido como en lo formal, creando un discurso transversal que reúne tradición, activismo, rock y vanguardia social, dentro de una crecida que no se queda en un hecho aislado, sino que acaba desbordándose entre la ternura, el compromiso y la lucha. Es ahí, en el camino que va desde la Puerta del Sol hasta el Angliru, desde Violeta Parra hasta el rock de Spacemen 3, y desde la Zarzuela hasta los CIES, donde encontramos a Nacho Vegas en este mundo raro en el que vivimos hoy.

—enrique peñas

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Fatoumata Diawara

The Horizon Just Laughed Secretly Canadian/ Popstock!

POP / Damien Jurado destaca sobremanera dentro de sus coordenadas más habituales, desarrollando esa mezcla de pop y folk altamente melancólica y cargada de belleza emotiva. Tras alejarse ligeramente en anteriores entregas, el vocalista recupera esas texturas y completa una colección de canciones maravillosa y tremendamente equilibrada. La obra se remata con arreglos clásicos que aumentan la elegancia de unas canciones de por sí distinguidas y acertadas, mientras que la honestidad del músico resulta desarmante y empática.

Jurado convierte la virtud de la discreción en canciones majestuosas que, sin embargo, no pierden un ápice de la esencia con la que fueron creadas. Un álbum desarrollado con una perceptible calma y especialmente inspirado. —raúl julián 7

Fenfo Montuno/ Popstock!

WORLD MUSIC / Con sus dos discos esta cantante y actriz, nacida en Costa de Marfil pero crecida en Malí, ha pasado de ser una voz emergente a la nueva estrella de la música africana. Su primer disco data de 2011, pero desde entonces no ha parado. Grabó un disco en directo junto al gran pianista cubano Roberto Fonseca y brilló con luz propia en el proyecto Lamomali del rockero francés Matthieu Chedid. Justamente él produce este magnífico Fenfo, que se traduce como “algo que decir”.

Sus canciones son melódicas, suaves y ricas en cuerdas: kora, kameln’goni, guitarra eléctrica, chelo y por encima de todo una voz dulce y expresiva con mucho que decir. Nterini, Kokoro, las especialmente sensibles Mama y Don Do o Negue Negue y Bonya, con toques de rock, ideales para los directos. —miguel amorós 8

julio-agosto 2018 #33

MONDOVINILOS

Gruff Rhys

Babelsberg Rough Trade/ Popstock!

Nine Inch Nails cierra su trilogía 8

Nine Inch Nails

Bad Witch Caroline/Music As Usual

8 ROCK INDUSTRIAL / La tercera entrega de la

oscura trilogía prometida por los de Cleveland (o el tercer acto de una obra completa) mantiene el nivel de sus dos EP’s (¿o discos cortos?) precedentes, Not The Factual Events (16) y Add Violence (17). Arranca Shit Mirror y uno entiende al instante que todavía se puede hacer rock (industrial, post-punk... pónganle la etiqueta que quieran) visceral, intrépido y peligroso, desde un gran sello. Hace falta, eso sí, tener las cosas claras y llevar al extremo las mezclas densas y oscuras de Alan Moulder (habitual en los trabajos de NIN desde 1994) que tan bien les sientan. Shit Mirror (con coros de la esposa de Reznor e Ian Astbury de The Cult) concilia el espíritu viscoso, sucio y desafiante de The Stooges y Suicide, pero por encima de todo estas nuevas seis canciones muestran a un grupo recreándose en su particular ciénaga sintética, con una

obra global, sumando estos tres EP’s, en la que la paranoia, la alienación, la ansiedad y las preguntas sin respuesta sobre nuestra verdadera identidad, se acumulan. Lo hacen sin caer en efectismos y dando rienda suelta a su lado más experimental. En la fantasmal Ahead Of Ourselves se acercan desde el ritmo a unos The Prodigy minimalistas; en God Break Down The Door y la magnífica y final Over And Out,

Axolotes Mexicanos

LaDroga & horror. vacui

Salu2 Elefant

8

POP / Lo nuevo de Axolotes

Mexicanos es el resultado de enclaustrarse en casa para emplear el tiempo en algo productivo. Y es que Salu2 es cien por cien home made. Co-producido por Axolotes Mexicanos y Carlos René, supone la maduración de la banda. Salu2 es un disco superproducido y puramente digital, con la tecnología al servicio de la creación: baterías perfectamente programadas, espídicas e inhumanas, a un tempo superior al del punk rock ramoniano, constituyen los cimientos de numerosos arreglos digitales. Suena como un cañón, nítido y potente. También existe coherencia entre las letras, cuya temática oscila entre el nihilismo derrotista al estilo de Los Punsetes (Menos 100, Vaga) y el desamor (Astor, Trececatorce, Sin ti, XXX), siempre con la ironía que les caracteriza, pero ahora con más perspicacia. Salu2 presenta a unos Axolotes Mexicanos con las ideas muy claras. Un disco redondo que servirá para que los amantes de lo analógico se replanteen muchas cosas. —ángela álvarez #34 julio-agosto 2018

Piñata Protest

VAPORWAVE TRAP / Toma dos de los mejores productores del país, suma cinco años de evolución artística y la inmediatez de Internet y el resultado es Formateando, un disco extrañamente redondo. En el 2013 horror. vacui empezó a mandarle ritmos a LaDroga, quien trabajaría sobre ellos al momento hasta el día de hoy. Formateando es quizá uno de los discos más frescos y raros en lo que música urbana se refiere. Está compuesto por diez canciones de las cuales solamente tres guardan una estructura, y cada corte está hecho con la libertad propia que guía lo espontaneo. Lo que empezó con el sampleo de Sounds Like Love de Illa J y se convirtió en 2013 (Todo se va perdiendo) al teñirlo de future garage, ha encontrado su punto y final en Uy (Rare Candy) en la que las máquinas de escribir se samplean y se invoca a Flying Lotus entre guitarras y sonidos de orquesta. Un viaje oscuro en el que ambos han traducido el desarrollo de su personalidad.

—manuel jubera

TEX MEX ROCK / Poco estilos son tan dados al bailoteo, la jarana y el desparrame etílico como el Tex–Mex. Ese cruce bastardo nacido de una orgia entre el rock, el country, el ritmo y blues, las rancheras, los corridos y la influencia del folklore europeo, principalmente de las polkas de los emigrantes de la Europa del este. Música ideal para amenizar la dura vida en la frontera entre México y los USA. Los de San Antonio (Texas) son la versión punk de los conjuntos tradicionales y en este, su tercer larga duración, continúan inyectando al género una fuerte dosis de rabia y coraje étnico dando como resultado una grabación dinamitera y alcohólica que, alternando el inglés y el castellano no olvida la crónica social, Al rato cruzamos, ni rendir cuentas a los clásicos, Tragos amargos de Ramón Ayala, entre temas de jolgorio y desenfreno, Chino chino japones, Crusty cumbia, Cantina, que, no me cabe duda alguna, partirán con todo en directo. ¡Otro tequila güey!

7

—manel celeiro

inquieto y tremendamente imaginativo como Gruff Rhys publica un disco en el que (a su manera) parece madurar creativamente, el resultado sólo puede ser fascinante. El galés ofrece su particular respuesta ante el actual entorno social, político y tecnológico, a través de unas letras que conviven con el habitual tipo de instrumentación manejada por el cantante de Super Furry Animals.

Todo deriva en paisajes coloridos y piezas de pop glorioso, con generosos arreglos orquestales, ambiciosos y algo barrocos. Piezas que también incluyen preciosos acompañamientos vocales femeninos, aires clásicos, singles pegadizos, o incluso acercamientos al perfil de crooner por parte del vocalista. Y todo sin llegar a perder de vista sus especificidades y el gusto por el jugueteo sonoro, algo de humor y un delicioso punto de excentricidad. Un álbum que consigue desprender toda la inspiración que parece haber motivado su propio alumbramiento. —raúl julián Tracyanne & Danny

Mark Kozelek

Necio Nights Kasba Music

Formateando L/A/D/R/O/G/A/ L/A/B

8

Reznor y Ross conjuran el espíritu del último y esencial David Bowie, en las formas y también en los textos: el tiempo se acaba, sí. Y no hay respuestas satisfactorias. Trent Reznor y Atticus Ross convocan sus obsesiones, zambulléndonos en el lado oscuro de la naturaleza humana. La atracción del abismo sigue siendo para Reznor, hoy feliz padre de familia, irresistible. —jc peña

POP / Cuando un tipo tan

Tracyanne & Danny Merge/ Popstock!

Mark Kozelek Caldo Verde/ Rough Trade/ Popstock FOLK / El ex Red House Painters vive en un momento creativo tan febril que resulta complicado seguirle el paso: su nuevo trabajo es un doble que se va a los ochenta y ocho minutos.

Todos los instrumentos corren de su parte, a excepción de la batería de Sublime, que pone Steve Shelley. Ninguna canción baja de cinco minutos, algunas sobrepasan los diez. Con estos mimbres, acercarse a los letales dominios de la autocomplacencia es un serio peligro que el compositor confronta, como acostumbra, redoblando su apuesta. El milagro es que, aunque a veces el personaje esté cerca de devorar al artista, su música aún conserva capacidad de fascinación. Los bucles hipnóticos de arpegios exquisitos, las letanías de un hombre complejo e indescifrable que vuelca su día a día mundano y sus recuerdos en canciones como The Mark Kozelek Museum, se sostienen incluso cuando se empeña en abusar de su talento… y de la paciencia de sus fans.

6

—josé carlos peña

7

POP / Tracyanne Campbell

(de Camera Obscura) y Danny Coughlan (de Crybaby) se juntan para formar esta atractiva dupla que debuta con un álbum homónimo algo irregular, pero que deja mayoría de momentos francamente deliciosos. Un disco de pop clásico, distinguido y cuidado, en el que sus autores comparten o se turnan tras el micrófono en un movimiento que el conjunto agradece. Los arreglos funcionan y, de hecho, brillan con luz propia para dar lustre a unas canciones con melodías ampliamente convincentes. El álbum se abre con la sedosa Home & Dry, y continúa con ese single claro (y a dos voces) que es It Can’t Be Love Unless It Hurts. También destaca el ramalazo country de Alabama, Anybody Else, la elegancia clásica de Jaqueline o The Honeymooners.

Un álbum de agradable regusto que convencerá a los seguidores del grupo escocés ya que, en esta nueva aventura, la presencia de Campbell resulta más palpable que la de su compañero inglés.

—raúl julián

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Kadhja Bonet

ras de evolucionar en esto de la música. O profundizar con inteligencia en tu estilo, o meterte en camisa de once varas y a ver qué pasa. Los que conocemos a Th’ Booty Hunters sabemos que siempre han seguido la primera opción y su nuevo trabajo, Speaking Of The Devil, es un claro ejemplo. El country clásico y el bluegrass interpretado con tosca y sudorosa energía sigue ahí, en cortes marca de la casa como Black’n’Decker o la magnífica Keep On Dope, pero aparte los del Baix Llobregat se apuntan varios tantos extra. Con la voz de Miriam Swanson en 20 Dollar Job, con lo que podría pasar por una psicofonía del último Johnny Cash en In A Holler o con los arreglos de cuerda en The Ship That Never Sails, toda una sea shanty en pleno siglo XXI que se revela de lo mejor de un disco que supone un nuevo paso adelante en una trayectoria cargada de coherencia, usando el mismo lienzo de siempre pero añadiendo más colores y más sombras. —eloy pérez

8

POP / Kadhja Bonet se dio

a conocer en 2016 con The Visitor, un álbum de soul y pop sesentas muy delicado, de tonalidades clásicas y muy rico en arreglos de cuerda, en el que resaltaba su cálida tonalidad vocal y apuntaba maneras. Sin embargo, parece que la californiana ha querido ir unos cuantos pasos más allá a la hora de experimentar y dejar que la psicodelia, el jazz, pero también el funk, el folk y la música clásica influyan en mayor o menor medida en una propuesta que sigue basada en el soul-pop, pero desde la óptica más sofisticada y rica en matices que uno pueda llegar a imaginar. En definitiva, lo que hace Kadhja Bonet con la música negra se puede asemejar a lo que hace Ryley Walker con el folk o, si lo prefieres, sería el reverso cultureta y jazzy de Janelle Monáe. En cualquier caso, se trata de una artista que empieza a tejer una voz propia y eso es más de lo que muchos cantantes con tan solo buena voz y mucha voluntad pueden llegar a aspirar.

—don disturbios

TRAP-DANCEHALL / El primer largo del rapero Gaika para Warp incorpora al sonido del discurso típico de un MC inglés –ragga, soul y hip hop– un toque algo más fresco con influencias trap y un rollo gótico. Si en el pasado teníamos a todos esos MC’s cabreados y dopados hasta las cejas que nos trajo el grime ahora tenemos a esta generación que siguen igual de dopados, pero que tiran de influencias más emo. A eso suenan algunos temas en los que no mete mucho el autotune, como Hackers & Jackers, que tiene oscuridad a raudales, un ritmo lento y bien gordo y la voz de un Gaika en estado de gracia; mientras que en otros como Seven Churches For St Jude añade efectos en la voz y utiliza esos hi hats típicos del trap para crear más dinamismo, una constante que se repite a lo largo del disco con resultados dispares. Productores de postín como SOPHIE y Jam City se han encargado de echarle una mano a un artista que está encontrando su propia voz. —raúl linares

7

DD LJM DC JSL Med

1 Idles Joy As An Act Of Resistance

8 8 8 8 8

2 Ayax cara y cruz

7 7 8 8 7,5

3 Nacho Vegas Violética

9 7 8 6 7,5

4 Sophie 6 8 8 8 7,5 Oil Of Every Pearl’s Un-Insides 5 Rolling Blackouts Coastal Fever Hope Downs 6 Zeal & Ardor Stranger Fruit

7 8 7 7 7,25 7 7 7 8 7,25

7 The Carters 7 7 8 7 7,25 Everything Is Love 8 Zoé Aztlán

8 6 7 7 6,75

9 Jorja Smith Lost & Found

6 6 6 6 6

10 Chvrches Love Is Dead

5 6 6 6 5,75

Música negra y black metal

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

BLUEGRASS / Hay dos mane-

Basic Volume Warp/Music As Usual

Childqueen Fat Possum

Speaking Of The Devil Stash Records

8

Gaika

top 10.

Th’ Booty Hunters

Claptone Fantast Different/ [PIAS]

Zeal & Ardor

Stranger Fruit MVKA Music

GOSPEL METAL/ La primera vez que escu-

chas Zeal & Ardor no te queda muy claro qué es lo que ocurre. Recuerdo la primera vez que les escuché. Fue en la oficina de la revista. Acababan de sacar su primer disco, Devil Is Fine (16), y alguien lo puso a todo volumen. Flipé. Se me quedó el nombre grabado y se lo pasé a todos mis amigos a los que sabía que podría gustar, y así fue. Desde entonces no les he perdido de vista (a Zeal & Ardor, a mis amigos tampoco). Hace unos pocos días actuaron en el Primavera Sound –nos visitaran de nuevo en diciembre- y en directo son todavía más extremos y potentes que en disco. De ahí que no pudiéramos esperar a escuchar Stranger Fruit, una obra que supera incluso las altas expectativas que teníamos depositadas en ella. Dieciséis temas (buena parte de ellos por debajo de los tres minutos de duración) en el que el suizo-americano Manuel Gagneux vuelve a esa curiosa y magnífica mezcla entre música negra y black metal que nadie había explorado con anterioridad (sirvan

ELECTRÓNICA / De sonido lujoso, Fantast no contiene trallazos de la otrora talla de Wrong, No Eyes o Liquid Spirit, pero sí pasajes de pop housero, colorido, contagioso y sugerente, de la lucidez y buen gusto del tema que abre el disco Birdsong; de Under The Moon; de ese maravillosamente vacuo Stronger -con Ben Duffy- que encandila desde su propuesta estival o el efectista electro-pop-funk In The Night, quizá el corte más redondo con permiso de la muy DFA Animal, en la que colaboran Clap Your Hands Say Yeah. Pero no son todo quejas, en la parte final del disco nos encontramos con un curioso pasaje de house progresivo, La Esperanza, que nos vuelve a dibujar una sonrisa en la cara tras un buen rato de cierto sopor. En fin, Fantast es un gran producto, perfectamente diseñado y ejecutado para placer de los suyos -que son legión en Ibiza- y nada más. Las peras a otro olmo. —fernando fuentes

7

9

como ejemplos Don’t You Dare o Row Row).

A medida que avanza el disco, los temas se van tornando más oscuros. Sin embargo, también hay hueco para composiciones menos duras, como The Hermit o The Fool, ambas íntegramente instrumentales (la segunda de ellas con tintes más electrónicos de lo que estamos acostumbrados con Zeal & Ardor).

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Pero la calma dura poco y el disco vuelve a explosionar con We Can’t Be Found, en la que predominan los gritos guturales y agudos. Y por si no hubiera suficiente, el nombre que da título al disco está entre lo más extremo que hayan firmado estos suizos. ¿Queréis música dura y real? Pues aquí la tenéis. — ana lópez

julio-agosto 2018 #35

Ojo Último

POP PSICODÉLICO / La segunda parte de la trilogía El núcleo duro continua la exótica senda que marcó su predecesora y nos sumerge en una viaje psicotrópico en el que la electrónica, el pop, los ritmos latinos y la lírica delirante y filosófica ocupan el mismo espacio. Un auténtico Big Bang Bum sonoro que responde a un intenso momento vital que el artista madrileño Sergio de Pablo vivió años atrás durante su experiencia en plena selva acompañado de sustancias psicoactivas. Un periodo de autodescubrimiento e hiper lucidez donde hubo también espacio para, tal y como el propio autor afirma, una bajada a los infiernos, y es en esta nueva entrega donde mejor queda plasmada esa oscuridad en forma de temas más densos y largos, características que terminan por convertir estas seis canciones en un material alucinógeno para cuerpo y mente. El núcleo duro II es la confirmación de Ojo Último como la propuesta más singular e interesante de la escena alternativa nacional. —guillermo chaparro

8

Deus É Mulher Deck

WORLD MUSIC / Elza Soares es una leyenda de la música brasileña. Supera los ochenta años y tiene más de treinta discos editados, pero en sus dos últimos trabajos, su música ha dado un giro total. Acompañada de una banda de jóvenes músicos y bajo la producción del percusionista brasileño Guilherme Kastrup, su samba se ha visto intoxicada de rock mutante, free-jazz y hasta post-punk. Tras editar en 2016 el arrebatador The Woman At The End Of The World (nº1 de la lista internacional de World Music de esta revista) en el que cantaba sobre el caos en el mundo, llega Deus É Mulher, musicalmente aún más extremo y en el que aboga por el empoderamiento femenino. En O Que Se Cala utiliza su voz ronca para decir “lo que la gente calla” a ritmo de samba experimental. En la envolvente Credo asiente “no necesito que nadie me diga lo que puedo hacer”. Y en Deus Há de Ser, con aires de punkindustrial, afirma “Dios es madre, Dios es femenina, Dios es mujer”.

Impresionante. —miguel amorós

8

Rauelsson

Zoé

Mirall Sonic Pieces

8

ELECTRÓNICA / Quienes

recuerden a Rauelsson como aquel castellonense exiliado en Canadá que, hace diez años, consiguió estar en el lugar preciso y el momento perfecto, justo cuando se forjaba a escala global el hype del folk-rock barbudo de aires naturalistas, y en España las marcas de agua del indie-folk mediterráneo; quizás reciban este Mirall como un ejercicio experimental, el inicio de un nuevo juego. Nada más lejos de la realidad: From The River To Sea (2012) sirvió como puente entre su facción folk y el ambientalismo sonoro; y Vora (2013) como su paso radical a la búsqueda de atmósferas. Ahora, en Mirall se acerca al registro del Amnesiac (2001) de Radiohead o del Bodysong (2003) de Jonny Greenwood desde la perspectiva de Alva Noto, Mika Vaino o Nils Frahm: un álbum prácticamente sin palabras y repleto de matices y texturas de sinfonía posmoderna, de banda sonora de película imaginaria, de pop digital con mayúsculas. —alan queipo

MONDOVINILOS

Elza Soares

El núcleo duro II Autoeditado

Atzlán EMI

8

POP / Zoé llevan en esto

de escribir canciones la friolera de dos décadas y resulta evidente la evolución siempre ascendente e inquieta de su propuesta y, aunque esta vez se lo han tomado con calma, la espera ha merecido la pena. Además esa misma ausencia de precipitación y prisas se ha inoculado en cada uno de los temas del álbum, confeccionando una colección de canciones acolchadas. Suaves tonadas que huyen de la estridencia y fluyen en una vaporosidad aupada en la hipnótica voz del gran chamán del disco, su vocalista León Larregui. En cierta medida podríamos decir que, con Atzlan, la banda mexicana ha hecho su Automatic For The People (R.E.M., 1992) particular. Un trabajo de tonalidad suave, cadenciosa y bella que va desplegando sus efluvios sonoros envolviéndote en un vaporoso colchón de notas que te atrapa sin cuartel. Han sabido reinterpretar el indiepop anglosajón llevándolo a su terreno sin que el proceso resulte forzado. —don disturbios

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Montefusco: música popular y colaboraciones de lujo Enric Montefusco

Coros de medianoche Buena Suerte/Sony

8 POP / El grito inicial de Standstill se convir-

tió en catarsis purificadora en Meridiana.

Ahora Enric Montefusco redescubre sus posibilidades zambulléndose de lleno en la música popular. Percusiones, guitarras, experimentación en voces y toques flamencos definen Coros de medianoche, su nuevo EP de solamente cinco canciones.

Producido por él mismo y con colaboraciones instrumentales como la de Pau Vallvé, es un encuentro artístico entre amigos en que cada uno aporta su voz genuina a cada canción. Da la bienvenida Niño de Elche con Toda la fuerza, que, valga la redundancia, desprende una potencia increíble, creando un pequeño eco de distancia en la voz que le otorga mayor sonoridad, a la que se añade la guitarra de Montefusco. Le sigue La Casa Museo con Albert Pla, una canción que se hace suya desde el principio. Con un comienzo tímido e íntimo, los instrumentos y los coros vuelven a ser rápidamente

invitados y forman juntos una comunión espléndida. Los Hermanos Cubero marcan el ecuador del EP y fuerza motor, retomándola de Niño de Elche, en Tonada negra. Como si fuese una fiesta entre amigos, Montefusco se deja la piel en la guitarra mientras los dos hermanos cantan a la fortaleza de la música. María Arnal pone su toque tierno en El baile, que, junto con la voz de Montefusco, acordeón, guitarra y teclados, cantan al amor –y al desamor. Nacho Vegas, romántico de manual, pone punto y final en Contra los románticos acompañado de la voz de Enric, de una percusión con toques latinos y de una base algo oscura. Los invitados también aparecen en la carátula del EP en una imagen creada a partir de una pintura de Goya. ¿Quizás el espíritu del pintor es una influencia para Montefusco? El eclecticismo de Coros de medianoche pasa por expresar lo que siente tanto de manera literal como difuminada, estableciendo definitivamente el estilo de Montefusco: el de no encasillarse. Si en Meridiana ya se empezaba a adivinar, en Coros de medianoche se confirman sus ganas intrínsecas de mostrar su música tal y como la concibe: sin ataduras, en constante evolución y con pura maestría. —karen montero

julio-agosto 2018 #37

MONDOVINILOS

Henry Saiz & Band

J Balvin Vibras Universal

Human Natura Sonoris

7

ELECTRÓNICA / Henry Saiz

regresa con Human, un proyecto interdisciplinar con el que el madrileño ha tratado de recoger a través de la música la esencia y su interpretación de los lugares que ha visitado a lo largo del mundo junto con su banda (Eloy Serrano y Luís M. Deltell). A partir de un crowfunding, Saiz consiguió los 73.000€ que necesitaba para visitar los once destinos que retrataría a base de pinceladas sonoras y once películas: Dubai, Lanzarote, Australia, Kenia, Vietnam, California, Tokio, Europa, los Andes Argentinos y la Antártida. En este trabajo encontramos a un Henry más delicado y preocupado por los pequeños detalles, explorando nuevas texturas capaces de transportarnos a diferentes paisajes sonoros. En Human no encontraremos nada extremadamente sorprendente, pero sí sentiremos el esfuerzo titánico por describir con música lo que esta experiencia ha supuesto para su autor y acompañantes.

—esther at-athamna

9

REGGAETÓN / J Balvin con-

sigue en Vibras lo que rozó con Energía (16): un disco de reggaetón sin un único tema de relleno. Un trabajo variado pero cohesionado, gracias a la mano de Sky y Tainy en unas producciones imaginativas y ricas en matices, que abre un nuevo camino en el sonido Medellín mirando hacia el pasado y el futuro. Por un lado se acerca más que nunca al pop urbano, y por otro pone en primer plano las raíces jamaicanas del género y da más peso a estilos hermanos como el dembow, el moombahton y el dancehall, abriéndose también a los afrobeats. Balvin está entrando en el mainstream global sin necesidad de hacer concesiones a lo anglosajón, las colaboraciones del disco son prueba de ello, y que la mitad sean mujeres y tengan un peso especial -la intro, el punto central magnético de Rosalía y la última canción- no es casualidad: también hay una purga de machismo en las letras. Lo siento Maluma, el 2018 es de Balvin.

—darío garcía coto

Johnny Marr

Betacam

Mítico Intromúsica Records

Call The Comet New Voodoo

Ayax mantiene el músculo del rap Ayax

Cara y Cruz Albayzín Records

8 ROCK / Se esperaba con impaciencia el

debut discográfico de los gemelos de Albayzín. Y, aunque sorprenda que lo hagan por separado, desde luego el primero de los dos discos que ve la luz (en unos meses Prok publicará Rojo y negro) no defrauda en lo más mínimo. Ayax es el primero que golpea, y lo hace con un disco que refleja la cara y la cruz de la vida: la alegría y la tristeza, el amor y el odio, rap para hacernos mover el cuello y rap –sobre todo- para ponernos la piel de gallina.

No hay más que escuchar canciones como Bañador y chancletas, A veces se me pasa a veces paso y Hou Hou Hou –todos ellos ejemplos de la cara de Ayax-, con un rap descarado, provocador, para encontrarse

#38 julio-agosto 2018

con todo el desparpajo y al mismo tiempo con todo el virtuosismo que atesora el cantante. Mientras, otras como Me hizo fuerte, Dama de la guadaña o Desahucio –la cruz- sirven para que el granaíno desfogue toda su rabia y su frustración, merced a unas letras cargadas de pasión y sinceridad. Dos estados de ánimo contradictorios que, sin embargo, comparten un mismo ambiente sonoro, guiado por el apego que Ayax siente por el rap clásico y noventero y que se materializa en las bases suministradas por Blasfem, Dj Keru, Jrliske, Hazhe, Djee Beats, Ale Berraquero y M Beats (a lo que se suman las colaboraciones a las voces de gente como el propio Prok, Hazhe o Juancho Marqués, entre otros). De este modo, el andaluz da forma a un excelente estreno, fiel al sonido, a la naturaleza y a la filosofía con las que estos dos hermanos están superando una tras otra barreras inalcanzables para otros grupos del hip hop nacional.

—alfonso gil

ROCK / Después de escribir junto a Morrissey las canciones eternas de The Smiths y tras numerosos proyectos previos, Johnny Marr presenta el que ya es su tercer disco en solitario.

Un compendio de indie-rock tradicional británico que se concreta en canciones extensas y ambiciosas, con líneas de guitarras marcadas y descriptivas, y un mensaje crítico ante el actual entono político. El músico funciona, al mismo tiempo y con idéntica solvencia, como influencia y artista contemporáneo. El álbum incluye temas realmente inspirados dentro de sus parámetros, y además presenta acertadas variaciones de rumbo, con creaciones verticales e inmediatas pero también desviaciones hacia ambientes atmosféricos o más oscuros como el post-punk. Call The Comet hubiese aumentado efectividad de haber suprimido alguno de los cortes más prescindibles de su segunda mitad pero, en cualquier caso, el mancuniano no encontrará problemas para convencer y refrendar posición. —raúl julián

7

POP / Parece techno-pop, pero es technazo. Javier Carrasco lo autodefinió así hace seis años, cuando publicó un EP de cuatro canciones que ponía de manifiesto que otra forma de abordar el pop electrónico era posible: lejos de la verbena sintética de Joe Crepúsculo o de las arquitecturas del pop clásico de La Casa Azul, existía una nueva vía a través de Betacam, un proyecto que rinde culto y pleitesía a la cultura retro-ochentera, pero que también consigue llevarlo a una dimensión contemporánea, a través de un lenguaje entre sarcástico y romántico, conectando al bakala nerd con [aquel género de MySpace] la canción popular melodramática. En Mítico, su primer álbum largo tras varios EP’s, deja guiños a iconos de los ochenta como Carlos Pérez, Fernando Márquez “El Zurdo” o Bernardo Bonezzi, a la vez que dedica canciones a Cospedal, suena tan cerca de Mecano como de Putochinomaricón o rehace el romanticismo tecno-pop.

7

—alan queipo

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Chvrches

Love Is Dead Universal

6

POP ELECTRÓNICO / Chvr-

ches vuelven con ganas de romper barreras, de llegar a un público mucho más amplio a través de la sencillez y para lograrlo se han renovado con la producción de Greg Kurstin (25 de Adele). Su base instrumental sigue siendo la misma, unos adictivos sintetizadores y una potente percusión que baila con ellos de principio a fin. Sin embargo, en muchos de los temas nos encontramos recursos y propuestas sonoras pre-fabricadas propias de esas canciones llena estadios que buscan alcanzar. Repeticiones tediosas (Forever) o estribillos de carácter épico (Miracle, producida por Spike Stent). Aún así, existen grandes momentos de luz en esta era con propuestas como Graffiti, repleta de fotografías que resumen el imaginario del disco. My Enemy, junto a Matt Berninger, donde se pasan al lado oscuro y sacan la parte más melancólica de la banda o Graves, con un mensaje claro basado en el agotamiento político actual y la revolución juvenil. —álex jerez

El crudo indie rock de Mourn Mourn

Sorpresa familia Captured Tracks

8 ROCK / El tercer largo del jovencísimo cuarteto

catalán supone un acto de reafirmación personal y creativo (no hay más que ver su portada), tras los problemas que atravesaron con su ex discográfica, pero también una vigorosa reiteración de su credo: ese indie rock fornido, de filiación noventera, crudo y vehemente, que se niega a ver estampado en su lomo una fecha de consumo preferente. El filo de sus canciones sigue ahí. También la ebullición que alcanzan a su mejor temperatura. Pero no se auguraría perdurabilidad si todo esto no fuera más que un cúmulo de ideas concretadas con mayor o menor inspiración y concierto, el simple resultado de ir apilando canciones como quien despacha rosquillas.

No es así, por suerte. Lo que revela Sorpresa familia es una progresión palpable, que se cifra en su capacidad para secuenciar un álbum que desgrana apertura, nudo y desen-

Daniel Van Lion

The Presets Hi Viz Modular

7

ELECTRÓNICA / Hi Viz nos

devuelve a los Presets más gamberros, a esa electrónica que se mueve en algún lugar indeterminado entre Sex Pistols y Pet Shop Boys. Pero hay nuevos bríos y elementos sorpresa que enriquecen aún más su propuesta. El inicio con Knuckles ya eriza el vello. Desde ahí se dedican a dar volantazos certeros y ejecutados con la maestría de los más grandes. No únicamente han recuperado el músculo sino que vuelven a reunir una colección de rompepistas deliciosamente atractivos como Do Want You Want o Downtown Shutdown, esta última un corte salpicada de espíritu africano. The Presets son –siempre lo han sido- capaces de acercarse a infinidad de variantes de la música electrónica y salir siempre vencedores. Ahí están los ejemplos: Martini, Out Of Your Mind –junto a Alison Wonderland- o Are You Here –con DMA’s como invitados. Así completan un disco ameno, gozable y divertido que nos devuelve a los mejores The Presets. —marcos molinero

lace. Una trama hercúlea que cobra sentido si se escucha de principio a fin, y que se nutre de perdigonazos de una vivacidad contagiosa (Barcelona City Tour, Fun At The Geysers, Bye Imbecile!), cambios de ritmo que romperán caderas (Thank You For Coming Over, Doing It Right) e incluso algún bienvenido receso con el que destensar su cableado eléctrico, como la elegíaca Orange. Los espectros de PJ Har-

El Canijo de Jerez

Tropismes Menta

8

ELECTRÓNICA /Las investi-

gaciones de la canadiense Suzanne Simard sobre la existencia de una comunicación real entre los árboles se sitúan en el punto de partida del primer disco de Daniel Van Lion, manejando un lenguaje de techno clásico a la vez que inconformista, de manera que a lo largo de estos diez temas aparecen momentos de noise, trance, abstracción y paisajismo con tendencia a la oscuridad. Incluso un remoto ritmo breakbeat en el fondo de Ginkgo, un enorme tema de IDM que invita al baile de forma explícita, sin perder la frialdad que también se manifiesta en canciones como Orquesta de plantas o la angustiosa Plague, con la botánica como elemento vertebrador de un relato que resulta especialmente convincente cuanto más se adentra en terrenos incómodos, con la melancólica arritmia de Timid Peaks como mejor ejemplo en el desarrollo de esta compleja vida en comunidad.

—enrique peñas

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POP / Cuenta el sello discográfico que, antes de componer este disco –el tercero en solitario-, El Canijo tuvo un bloqueo que le llevó a replantearse si volver a juntar a Los Delinqüentes, montar un nuevo grupo o hacer otro disco por su cuenta. Al final se decantó, como podemos ver, por esto último.

Para buscar inspiración decidió irse a la India. Ahora, tras escucharlo y disfrutarlo, nadie podría imaginar que viviese una crisis creativa. Y es así porque da la impresión de que, en Manual de jaleo, nos brinda algunas de sus mejores canciones. Se trata de un disco optimista, fresco y desenfadado en el que vuelve a la rumba callejera y flamenca, firmando de paso esas letras tan personales a las que nos tiene acostumbrados y que transmiten alegría y, claro, jaleo. Libera la fiera, Escupe la flama o En el lomo del trueno son buenos ejemplos. Pero todavía hay más: Te espero al caer el sol, Como la yerba o Volar sin alas, que es el temazo del disco.

—miguel amorós

—carlos pérez de ziriza

Flasher

Lykke Li

Constant Image Domino/Music As Usual

Manual de jaleo El Volcán Música

8

vey o Sleater-Kinney son coordenadas que pueden orientar al neófito, pero en absoluto un dogma de fe para Jazz, Carla, Leia y Antonio, quienes progresan adecuadamente al tiempo que difuminan el rastro de sus referentes. Habrá que estar muy atentos a su traducción al escenario. Se presume más que suculenta.

8

ROCK / La banda de Wash-

ington D.C. ha irrumpido en el panorama internacional con un elepé debut que muestra la versatilidad de sus canciones, alejándose del carácter puramente post-punk de sus primeras composiciones publicadas hace un par de años. En Constant Image nos vamos a encontrar a una formación movida por impulsos nerviosos, encerrando siempre en sus temas un espíritu de lo más pop donde exhiben músculo y se lanzan a por un apartado eufórico en muchos puntos del trabajo. La maquinaria de Flasher parece perfectamente engrasada para sobreponer una vertiente rock incisiva y de ritmos marcados sobre otras influencias bien asimiladas, alcanzando desde la new wave estadounidense más guitarrera en Pressure hasta lo ferviente del power pop de Who’s Got Time? Se muestran de lo más inspirados, volcando por momentos una urgencia que poco a poco deriva hacia un apartado más caótico que saben manejar a la perfección. —noé r. rivas

So Sad So Sexy RCA

7

POP / Con So Sad So Sexy,

Lykke Li da un salto al synth-pop comercial y se libera entre bases traperas inspiradas en esa escena urbana que siempre idolatró (Drake, Kanye). Este nuevo disco surge de la vida neoyorquina de la artista y su necesidad de lanzar un álbum que suene al presente. Un renacer que cuenta con dos aliados claves para la construcción de su nuevo sonido. Por un lado, Ilsey Juber (She Loves Control de Camila Cabello, Accelerate de Christina Aguilera) como compositora amiga. Y por el otro, su unión a Malay en la producción (Channel Orange de Frank Ocean) que acerca a Lykke Li a un sonido elegante y trabajado. El principal error del disco radica en la repetición de ritmos y fórmulas que cargan el proyecto con un olor a pop facilón que no le favorece (Jaguars In The Air).

Da la sensación de que una vez que Lykke Li encontró la forma de contar su metamorfosis, se plantó, decidió no indagar y quedarse en la superficie. —álex jerez julio-agosto 2018 #39

MONDOVINILOS

Neko Case

Hell-On Anti/Epitaph

Electro folk Chancha Via Circuito

Bienaventuranza Wonderwheel

8

CUMBIA / Quién sabe si el

productor Pedro Canale, Chancha Via Circuito, ha vivido con presión el lanzamiento de Bienaventuranza. El nuevo largo no es solo su cuarto álbum de estudio, sino también la esperada continuación de Amansara (14), el disco que puso al argentino bajo foco. Cada cual con sus demonios, pero hay algunos factores que hacen intuir que el músico se ha aislado con éxito de las expectativas ajenas: el disco nace más de cuatro años después que su predecesor (prisas, las justas); lleva por título un palabro que, según el mismo productor, significa algo así como felicidad; ha vuelto a contar con manos amigas, todas

Lump

Lily Allen

Lump Dead Bones/ Popstock!

FOLK / Laura Marling, tras su sobresaliente Semper Femina (17), nos avisó con la versión de A Hard Rain’s A-Gonna Fall que grabó para la serie Peaky Blinders de que una dura lluvia iba a caer. Pero no imaginábamos que la tormenta que se acercaba nos atraparía bajo una nueva nebulosa onírica y electrónica, empujando a Marling a saltar en su propio inconsciente y a encontrar nuevos registros vocales.

Culpa de ello la ha tenido su pareja de baile, el multiinstrumentista y productor Mike Lindsay, miembro de la banda de acid folk Tunng. En Lump consiguen que las palabras y la música fluyan sensualmente, tomando vida propia y transportándonos hacia universos desconocidos. Una vía de escape al sin sentido de la vida moderna, a base de líneas de bajo muy marcadas, tambores chispeantes, sintetizadores absorbentes y torbellinos de flautas atmosféricas. En el ojo del huracán, Marling tejiendo jirones de caos surrealista con hilos de luz de su boca. —david pérez

8

#40 julio-agosto 2018

7

POP / Personal, sincero,

vulnerable y, por supuesto, sin filtros. A Lily no le da miedo hablar en público de sus problemas con la maternidad, su divorcio, su mirada nostálgica al pasado o el acoso social. Ha aprendido a decir que no a la vida que no quiere vivir, pero para lograrlo no ha atravesado un camino de rosas. Abandona a Greg Kurstin en la producción, pero recupera a viejos amigos como Mark Ronson (trabajó con ella en la pegadiza Littlest Things del primer álbum) que saca a lucir el mejor trabajo vocal de Allen en toda su carrera en Family Man. Vuelven los teclados, continúa manoseando el pop a su manera y potencia el ritmo en temas como Waste junto a Lady Chann o la aplaudida Lost My Mind. A nivel sonoro es un álbum que busca reflejar lo que Lily Allen es y siempre fue.

No busca ser original, ni experimentar, tampoco engaña a nadie.

Simplemente ha querido contar su historia y que suene de la forma que mejor le representa.

—álex jerez

puntales de los sonidos latinoamericanos de vanguardia (desde el peruano Mateo Kingman hasta Sara Hebe, sin olvidar a la imprescindible Lido Pimienta); y no se ha dejado llevar por la lógica pujante de la cumbia electrónica repetitiva. En Bienaventuranza también hay dancehall –buena culpa de ello la tiene Manu Hanks– e incluso house selvático. De hecho, hay un poco de todo: canciones de género, más desnudas, como La victoria, pero también ambient místico, Gira gira, o folk andino, dulce y delicado, dígase Los pastores. Sea como sea, el beat ya no está en primer plano, como en su predecesor, y abundan las maneras de tratarlo. Sin patrón, que no sin rumbo, Canale se ha abierto a que lo que haga caminar a sus temas no sea siempre la percusión: melodía, timbres y colores variados. Dicen que diversificar alivia la presión.

—yeray s. iborra

Dada Life

No Shame Parlophone

ELECTRÓNICA / Tal y como se

puede intuir por el nombre del álbum, los suecos se han tomado en serio el plasmar su propia esencia en su tercer disco a base de electro house agresivo, ameno y vibrante. En un contexto en el que, durante el último lustro, el fenómeno EDM ha exprimido al máximo todo lo relacionado con el progressive, el electro house y los 128 BPM, Dada Life se las apañan para mantener el sonido (Do It Till Your Face Hurts, Our Nation, We Want Your Soul, Happiness...) que tanto juego les dio a principio de década. También dejan cierto margen para experimentar: en Higher Than The Sun o The World Can Burn rebajan las revoluciones y sorprenden con Falling Backwards In Time, porque Dada Life no son solamente sintetizadores rudos y letras optimistas. Es una lástima que haya relleno (Our Nation Under Lasers o B Side Boogie), porque uno se queda con la percepción de que, pese a ser un disco entretenido, no es el buen trabajo que podría haber sido. —héctor morcillo

Sticky M.A.

Tunng

Our Nation Universal

6

POP / Sin duda a Neko Case hay que asociarla con las raíces de la música estadounidense, a pesar de que su carrera sea un continuo y estimulante empeño por dificultar cualquier tipo de categorización. Dentro de ese empeño, Hell-On contribuye todavía algo más a expansionar su sonido, aportando complejas texturas que originan una atmósfera cambiante, pero siempre densa, en la que esparcir historias sobre la genealogía de la crueldad. Acompañada de un alto número de significativos invitados (Mark Lanegan, Kelly Hogan, Beth Ditto...), y paradójicamente haciéndose ella misma cargo de la producción, las composiciones alternarán -siempre expresadas bajo ornamentación- el intimismo y el impulso pop-rock. Así, entre bellos ademanes de controlada épica (Curse Of The I-5 Corridor), sombrío romanticismo (Sleep All Summer), abigarramiento instrumental (Last Lion Of Albion) o envites melódicos (Bad Luck), discurre este camino satisfactoriamente inquietante. —kepa arbizu

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Las pegajosas aventuras de Sticky M.A. AGZ

Songs You Make At Night Full Time Hobby/Pias

FOLK / La formación londinense regresa con su primer trabajo en cinco años, reuniendo de nuevo a Sam Genders y Mike Lindsay, los dos miembros fundadores del grupo. En estas nuevas canciones apuestan por ofrecer una perspectiva diferente de su música, enriqueciendo el carácter de folk indómito que siempre han tenido. De este modo se dejan seducir por todas las variantes que proporcionan las cajas de ritmos, las bases pregrabadas y efectos sintéticos para perder por momentos de forma completa el componente orgánico de sus canciones. Estas nuevas líneas de experimentación también están relacionadas con dotar a las canciones de una estructura menos definida, pero que al mismo tiempo apunta a una inmediatez en la repetición de ciertos motivos melódicos.

Este es el caso de Dark Heart, una canción clave para entender este nuevo giro tomado por los británicos, que se aleja totalmente de sus orígenes más recogidos.

7

—noé r. rivas

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RAP / “Miro el cielo re-

flejado en mis dos ojos oscuros, cada vez está más cerca, subo, subo, subo, subo”. Las nubes son un lugar inmejorable para soñar despierto en aventuras pegajosas. Trippy, fantasiosas y hasta naíf, las canciones de Las pegajosas aventuras de Sticky M.A. se pegan a tus dedos como la resina del cáñamo. Desde que Sticky estrenara aka con la hateada canción de Relax, parece que el destino del rap conspire para alinearse con su discurso, y viceversa. La colaboración del new waver Lil Moss en Sextape es toda una declaración de intenciones. Y con todo eso, una de las canciones que más sorprenden es Aleluya, en la que Sticky se desprende de esa mirada inocente y recupera su registro más estricto para hacerse dos versos de ocho barras sobre el éxito y su doble filo. La mixtape está producida por nombres de su círculo habitual, como los gallegos de Banana Bahia Music, pero se incorporan firmas como Steve Lean o del zaragozano $kyhook. —aleix mateu

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Oneohtrix Point Never

Lost & Found Sony Music

Age Of Warp/Music As Usual

IDM-EXPERIMENTAL / El noveno trabajo de Daniel Lopatin es uno de los más conceptuales que ha sacado y su fuente de inspiración del disco es el Antropoceno, algo que se puede entrever en esas composiciones que van de la música experimental al pop, pasando por el barroco y un toque kosmische, algo bizarro sobre el papel, pero que una vez que se escucha cobra algo más de sentido. En el disco colaboran productores y cantantes de postín como ANOHNI y Dominick Fernow (Prurient), mientras que James Blake se encarga de echar una mano en la producción, lo que da como resultado un disco algo dispar, en el que tienen cabida momentos brillantes y otros más insípidos. El profuso uso de la voz, distorsionada y tuneada, y la inclusión de instrumentos de cuerda son los elementos más característicos y con los que Daniel juega para crear temas cortos pero intrigantes, que atrapan y no te dejan salir con facilidad. —raúl linares

7

8

SOUL / Ha pasado de ser

una niña incomprendida y objeto de burlas en un colegio de Birmingham a tener al mundo besándole la mano. Ahora tiene el control absoluto, sabe de dónde viene y hacia dónde va. Se ha marcado unos objetivos claros en base a una madurez sorprendente a los veinte años y una capacidad para leer la jugada que ni Lebron James (no en vano ha trabajado ya con Drake, Bruno Mars o Kendrick Lamar). Tras ir dejando canciones repartidas poco a poco en distintos formatos, ahora busca consolidarse con Lost & Found, su presentación oficial. Y, ciertamente, esta no podía ser mejor. Con un equilibrio perfecto, letras con sentido crítico, música sofisticada acorde con los nuevos tiempos y al mismo tiempo cerca del r’n’b de los noventa a lo Lauryn Hill y similares, nos brinda un puñado de canciones que brillan con luz propia. Lejos de sonar ñoña o insustancial, domina esa voz maravillosa que le ha valido ser comparada con Amy Winehouse.

—toni castarnado

Difícil Equilibrio

Zhu

Ringos Desert Pt. 1 Mind Of A Genius

Tapís Difícil Records

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ROCK PROGRESIVO / Más de

veinte años lleva esta banda de Badalona defendiendo lo que se podría definir como “música progresiva mediterránea”. Para ellos el premio es simplemente expresar en cada elaborado disco lo que piensan y sienten. Y eso se nota. Al igual que en su anterior trabajo, La pèrdua (13), incorporan una voz al trío, en este caso femenina, para cantar unos textos que dan sentido a este nuevo vinilo y CD. Se trata de los poemas, en catalán, del poeta Paco Fanés.

El disco se abre con Discópolis, una dedicatoria al director de ese programa de Radio 3 y un tributo a King Crimson, influencia básica en el grupo. La sorpresa llega con Nokta, una armonizada versión del argelino Rachid Taha con percusiones y guitarras arabescas y donde los vientos aportan ricos matices. El tema estrella, que da título al disco, tiene un desarrollo largo, pausado e intenso que incluye el recitado del poema por el mismo Paco Fanés. Pasan los años pero necesitamos ese difícil equilibrio. —miguel amorós

MONDOVINILOS

Jorja Smith

8

ELECTRÓNICA / Zhu forma

parte de un selecto grupo de artistas de electrónica que se mantienen frescos e interesantes tras la caída del dance mainstream. En estos nuevos siete temas el productor y cantante americano-chino demuestra los motivos por los que debemos continuar atentos a lo que publica. El nuevo repertorio es tan dinámico como experimental. Mantiene su esencia (vocales agudas, bajos notables, sonidos agradables y estructuras complejas), dando como resultado canciones amenas y al mismo tiempo interesantes. Zhu apuesta por un deep house de amplios recursos y abre con Stormy Love, posiblemente una de las mejores canciones dance del año, a la que también podemos sumar Burn Babylon y la relajante Save Me. Siete canciones resultan suficiente para marcar el camino que debería seguir la electrónica accesible del momento: imprevisibilidad, originalidad y la voluntad de contar historias. Un oasis en el desierto.

—héctor morcillo

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El proyecto musical de Beyoncé y Jay Z The Carters

Everything Is Love Roc Nation

9 RAP / A estas alturas todos sabemos quiénes son The Carters. Si la gira conjunta ya fue una sorpresa, nadie se esperaba –aún dentro de una lógica- este álbum conjunto de Beyoncé y Jay Z. Reconozco que tuve por un instante algo de vértigo a enfrentarme a estos nueve temas, cierto temor a una decepción, pero me equivoqué. Jay Z es un tipo muy inteligente, pocos pasan de vender droga en la calle a amasar una fortuna de un billón de dólares. Y Beyoncé es una artistaza a la que el término diva se le queda pequeño: canta, rapea y vacila todo el rato dejando a Jay con un palmo de narices. Beyoncé sigue creciendo con cada disco y aún no se le ve techo. Bey esta a un nivel que se atreve con todo y de todo sale victoriosa y Jay hace lo que canta, la deja respirar... Pocas canciones tendrán el gancho comercial de Apeshit este año, un bombazo estratosférico con un video de em-

poderamiento de la pareja totalmente adictivo. La música deambula por los diferentes estilos de la música negra y urbana actual con una suficiencia de los que se saben mejores pero es que además las letras son un constante toma y daca. Hay palos para todos y rimas épicas que se recordarán durante décadas. Friends especialmente, aunque todas tienen su miga. Beyoncé que siempre fue muy generalista en sus letras y poco personal entendió tras la catarsis de Lemonade, su mejor disco, que llevarlas al plano personal la hacían más terrenal y más profunda. Este disco cierra el triángulo amoroso que se abrió con Lemonade, continuó con 4:44 de Jay en solitario y que demuestra que el amor todo lo puede. ¿Entonces es Jay un mero acompañante en este disco? No. Todo fluye de manera natural, nadie como Jay podría llevar a buen puerto un tema como Nice pero sí sorprende la fortaleza de Bey en géneros alejados de su mundo. Aquella Sasha Fierce de hace diez años ahora es toda una Black Panther. Verla recitar los versos de Still D.R.E que ayudó a escribir su marido para honrar a su hogar es emocionante. Brillante y con sustancia.

—marcos molinero

julio-agosto 2018 #41

42/Mondo Media CÓMICS Osamu Tezuka Planeta Cómic

8 A falta de que se publiquen nuevos títulos del considerado Dios del manga, es un placer que, por lo menos, vean la luz ediciones de lujo como este Antología. Antología porque recoge cuatro de los clásicos breves del japonés (Lost World, New World, Metrópolis y La nueva isla del tesoro, una suerte de remix de la obra que casi lo empezó todo). No son sus mejores obras, pero son necesarias para entender la evolución del artista y sobre todo su forma de entender el cómic. —joan s. luna

El caso Alain Lluch

Mr. Kern y Antoine Pinson Autsaider

7 Desde el momento que te asomas a la portada de El caso Alain Lluch ya puedes intuir que la cosa va a incluir dosis poco o nada moderadas de desparrame y acidez. La apabullante exhibición gráfica de Mr Kern, que tritura el hiperrealismo a lo Corben con la libertad del graffiti y una puesta en escena propia de un viaje de LSD, vertebrada con la ayuda del guionista Antoine Pinson logra sobradamente su objetivo de descolocar página a página hasta al lector más avezado. —alex serrano #42 julio-agosto 2018

CINE

Antología

Justin Benson-Aaron Moorhead

Horror cósmico La tercera película del dúo formado por Justin Benson y Aaron Moorhead, El Infinito, es una historia de ciencia-ficción y de terror que consigue capturar la esencia de uno de los santos griales del género: el concepto del horror cósmico de H.P. Lovecraft.

Los norteamericanos lo han logrado sin leer al escritor de Providence y con un filme cercano a la ética del DIY. Un pequeño milagro.

H

OMBRES ORQUESTA y creadores autogestionados desde que estrenaran su primer largo en 2012, la estupenda Resolution (un filme conectado con el universo de ficción de El infinito, y hasta aquí podemos leer), Benson y Moorhead se ponen en modo multitarea en sus películas: las producen, las dirigen, las montan, hacen los efectos especiales…. “Los dos somos cineastas DIY y siempre lo hemos sido, así que, a veces, vemos el oficio de hacer películas como si fuera una enorme lista de tareas a realizar. Una vez tenemos claras

“No éramos muy conscientes del aft imaginario de Lovecr n co os cuando empezam El infinito”

todas esas tareas, nos arremangamos y nos presentamos voluntarios para hacerlas. La verdad es que todo es lo mismo: se trata de hacer un filme y punto”. El reparto principal en esta dupla a lo Hermanos Coen versión ciencia-ficción y de terror indies tiene a Benson como guionista y a Moorhead como director. Ahora bien, esas dos funciones se acaban entrelazando siempre. Pero en El infinito hay una particularidad, ya que también ejercen como actores protagonistas. ¿Cómo es eso de estar delante y detrás de la cámara? “Aunque parezca mentira es algo sorprendentemente fácil. Hicimos un montón de trabajo previo con ensayos para interiorizar a los personajes y memorizar el texto. Y una vez en el set, era más sencillo hacer pequeños ajustes en algunas escenas. Las partes de tu cerebro que funcionan como editor o director no están compartimentadas, y todo está sucediendo al mismo tiempo en el mismo lugar. Esa cercanía emocional y psicológica hizo que nuestro proceso como creadores fuera más fluído”.

EL ARGUMENTO de El infinito gira entorno a una extraña secta de contactados por una inteligencia extraterrestre que se encuentra ubicada en una zona montañosa de California. Benson y Moorhead no estaban

familiarizados con el concepto del horror cósmico, pero lo han sabido plasmar casi de forma intuitiva. “Es cierto, no éramos muy conscientes del imaginario de Lovecraft cuando empezamos con El infinito. Fue irresponsable, pero ahora hemos leído algunos de sus clásicos para ver de qué iban todas esas comparaciones. Si él estuviera vivo hoy nos llevaríamos bien, definitivamente compartimos gusto similares. Dicho esto, no hacemos películas lovecraftianas en un vacío total. Nuestros escritores favoritos son fans de Lovecraft: Stephen King, Alan Moore, Neil Gaiman, Mark Danielewski, Laura Esquivel o Gabriel García Márquez. Y es ahí donde adquirimos su imaginario”.

—xavi sánchez pons

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El infinito Justin Benson y Aaron Moorhead

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James Gavin Reservoir Books

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Publicada por primera vez en 2006, se reedita Deep In A Dream.

La larga noche de Chet Baker, el trabajo más completo sobre la figura de Chet Baker. Cada página aporta situaciones o datos que no tienen desperdicio, empezando por su carrera como militar y acabando, como él mismo predijo, muriendo sin blanca. Gavin trata con lucidez y con brillo a un personaje único que, seas o no amante del jazz, atrapa por su magnetismo. —toni castarnado Pequeño país

Gaël Faye Salamandra Narrativa

8

El estreno literario de Gaël Faye es una delicia, uno de esos libros que se devoran en un suspiro, un relato desgarrador y tierno a la vez y es que Gaël tiene magia en su lírica. Un canto de amor a un país y a una infancia que, aunque parezca mentira existió, en los que había lugar para la felicidad, aunque luego las cosas cambiasen y llegase el exilio y la muerte. Muy recomendable. —marcos molinero Soy Ozzy

Ozzy Osbourne con Chris Ayres Es Pop

7 De lectura tan ligera como insustancial, las memorias de Ozzy están trufadas de anécdotas que vienen a confirmar dos aspectos de sobras conocidos: que no ha habido un borracho más cafre en la historia del rock y que si todavía sigue vivo es un milagro. Lo mejor es que no rehúye aspectos turbios como el maltrato doméstico. Lo peor, que aporta poco a la construcción de un relato de la historia del rock. —don disturbios

Amor en cinta de cassette

Rob Sheffield tenía veintitrés años cuando conoció a Renée Crist. Se enamoraron al instante y se casaron pocos meses después. La pareja de críticos musicales vivió su amor al ritmo de las cintas que se grababan. Renée murió inesperadamente cinco años después, en 1997, de un tromboembolismo pulmonar.

Rob Sheffield ha revivido su historia en Vives en las cintas que me grabaste (Blackie Books, 18), memorias pautadas por la cadencia de las canciones que se habían dedicado

D

ICE ROB SHEFFIELD que la música es el escondite de los recuerdos, que no hay nada que supere el poder evocador de escuchar aquella canción que te devuelve a la primera vez que te enamoraste o te rompieron el corazón, cuando te reencontraste con tu mejor amigo o cuando te pasó una desgracia. “Puedes intentar esquivar un recuerdo, pero entonces llega la música y ya no hay lugar en el que poder esconderte de las vivencias pasadas”. Rob conoció a Renée en un bar de Charlottesville (Virginia) cuando el camarero del local puso el #1 Record (72) de Big Star. Renée y él fueron los únicos que se levantaron de sus taburetes para bailar y corear los temas de la banda de Alex Chilton. “En Estados Unidos, e imagino que en España también, son una banda minoritaria.

Fue una señal. Empezamos a hablar y resultó que aún no había escuchado su tercer disco, así que me ofrecí a grabárselo. Un minuto o dos más tarde ya nos habíamos enamorado”. Y se casaron y se grabaron muchas cintas y Renée murió. “El dolor fue intenso.

Escuché mucha música catártica en términos de sentir el dolor profundamente: Nick Cave, Robert Johnson, Aretha Franklin, Hank Williams...

Hasta que empecé a escuchar otro tipo de música que me enseñó a sentirme bien nuevamente. Fue un momento emocional muy turbulento y todas las emociones estaban relacionadas con la música”.

AÑOS MÁS TARDE Rob Sheffield se encontraba en medio de una mudanza cuando descubrió una caja olvidada en un rincón de su viejo apartamento. La abrió y se reencontró con esas viejas

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cintas que Renée y él se habían grabado. Cada vez que sacaba una cassette de la caja revivía el recuerdo de cuando la habían grabado. Cada una de esas cintas contaba una historia diferente. Y todas esas historias sumadas formaban la historia de su vida. “Las escuché todas y traté de escribir con total honestidad sobre las historias a las que me remitían. Fue así como nació mi primer libro, Vives en las cintas que me grabaste”. Este periodista norteamericano, colaborador de publicaciones como Rolling Stone, Blender o Spin y que meses atrás publicaba en Estados Unidos su quinto libro (Dreaming The Beatles: The Love Story Of One Band And The Whole World), admite que no fue un proceso fácil volver a revivir su historia con Renée tantos años después. Pero había algo que lo impulsaba a hacerlo. “Estar predispuesto a enamorarte implica el riesgo de la pérdida y eso lleva a la desolación y a la agonía. Lo que realmente quería hacer era escribir sobre música, pero para escribir sobre música tenía que escribir sobre esas emociones”.

ROB SHEFFIELD tiene un radiocassette en su escritorio en el que sigue escuchando regularmente aquellas viejas cintas. Con toda su vida rehecha, ahora ya no se empapa de tristeza sino

que recuerda con nostálgica felicidad los momentos pasados con Renée. “No solamente eso sino que también escucho nueva música en cassette. Hay un montón de grupos a los que les gusta publicar sus maquetas o discos en cassette porque es más barato y una forma fácil de darse a conocer. El otro día, por ejemplo, fui a un concierto de punk en un local de Brooklyn y me compré los cassettes de Mannequin Pussy y Slow Mass, dos bandas que os recomiendo totalmente”. Antes de despedirse Rob Sheffield nos regala otro consejo. “Si grabáis una cinta, sea quien sea el destinatario, siempre tiene que haber un tema de David Bowie”. —oriol rodríguez

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Vives en las cintas que me grabaste Rob Sheffield Blackie Books 2018

FOTO: MARISA BETTENCOURT

Deep In A Dream.

La larga noche de Chet Baker

LIBROS

Rob Sheffield

LIBROS

na “Si grabáis u ne re tie cinta, siemp n tema que haber uBowie” de David julio-agosto 2018 #43

44/Mondo Conexiones POSTERCITY <> APP STORE Y GOOGLE PLAY

Low Festival <> Movistar Este año Low Festival celebra su décimo aniversario los días 27, 28 y 29 de julio en Benidorm con un cartel a la altura: The Chemical Brothers, Phoenix, Editors, Biffy Clyro o Los Planetas entre muchos otros. Además, en paralelo, tras las exitosas #SesionesMovistarPlus que la empresa de comunicaciones y Producciones Baltimore impulsaron de cara al WARM UP de Murcia, se repite la experiencia en el Low. Durante junio y julio, las Tiendas Movistar y Movistar Store de Elche, Benidorm y Alicante acogen conciertos gratuitos de bandas como Texxcoco, Sierra o Tigres Leones.

PosterCity es una nueva aplicación gratuita para iOS y Android que permite ver, recopilar y agendar los pósters físicos de los eventos de diferentes ciudades. Creada en España por el diseñador Arturo Iturbe, estará disponible en descarga gratuita este verano en todo el mundo.

“La idea principal es que PosterCity sea un pretexto para poder viajar a ciudades desconocidas y que cada viajero pueda elegir dónde ir y pasear por sus calles aún antes de pisarlas”, dice Iturbe.

BIME <> HEINEKEN® VOLUME UP Heineken® Volume Up es un proyecto de Heineken® y BIME que nace en Bilbao para dar la oportunidad a bandas emergentes de alcanzar visibilidad y mentoring para encaminar su carrera. Es un programa en distintas fases que en su primera etapa ha reunido a ocho bandas que durante los meses de julio, septiembre y octubre podrán actuar en distintos locales Heineken® en Bilbao. Tras una segunda fase de coaching, un jurado elegirá a dos de estas bandas para actuar en BIME LIVE en el Escenario Heineken®.

FIB <> Volkswagen FIB 2018 colabora con Volkswagen sumándose a la plataforma de vehículo compartido Volkswagen Driving Music, como una nueva solución de movilidad para asistir a los festivales. Además, la marca se ha aliado con Spotify para que conductor y pasajeros compartan sus preferencias musicales durante el viaje. Quienes vayan a ir en coche al FIB y tengan alguna plaza libre, pueden compartir su disponibilidad y fechas y gracias al matchmaking de Spotify los conductores podrán elegir a sus pasajeros según su afinidad musical. Además, Volkswagen Driving Music tendrá un escenario propio dentro del recinto, donde actuarán bandas como Polock, Rural Zombies, Kitai o Venturi. #44 julio-agosto 2018

RED BULL <> MUSIC ACADEMY Este año Red Bull Music Academy celebra su vigésimo aniversario llevando su particular programa de talleres, charlas, sesiones de estudio y exhibiciones a sus orígenes: Berlín. Además, Red Bull Music presentará un festival que se prolongará durante cinco semanas del 8 de septiembre al 12 de octubre.

Flamenco On Fire <> Cruzcampo Cruzcampo se alía con el Flamenco On Fire para ofrecer el Ciclo Nocturno del Festival con los 6 conciertos íntimos más exclusivos, acogidos en el Hotel 3 Reyes de Pamplona del 21 al 26 de Agosto en el que participan grandes nombres del flamenco como Lole Montoya o Guadiana, así como jóvenes promesas como Gema Moneo, La Tremendita, Israel Fernández o Belén López. Además, la marca también colaborará con la ruta gastronómica “El Pincho de Sabicas”, en la que distintos restaurantes de la ciudad homenajean al Maestro Sabicas, diseñando un pincho inspirado en el guitarrista de Pamplona, que con su arte, fue una de las figuras más importantes en la difusión del flamenco en el mundo.

Firestone <> Bilbao BBK Live Firestone Live, que permite descubrir música nueva, dar a conocer artistas emergentes y disfrutar de actuaciones en vivo y experiencias auténticas, sigue su ruta por algunos de los festivales más importantes de España y parte del extranjero. La próxima parada será el Bilbao BBK Live, los días 12 a 14 de julio, donde la marca estará presente con un escenario al que se subirán nueve grupos nacionales e internacionales, entre ellos: Bad Sounds, Cecilia Payne, Las Odio o Carolina Durante. Pero además, los asistentes al festival podrán vivir experiencias únicas añadidas. Sigue a Firestone en Facebook e Instagram para ver contenidos exclusivos y enterarte de los concursos. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

180419_Mondo_Sonoro_234x293mm.pdf

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19/4/18

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Chris Carter

Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Origen: Londres. Actividad: 1976-2018

A

l teclear el nombre de Chris Carter en wikipedia las primeras entradas pertenecen a un guionista de la serie de televisión Expediente X, el primera base de los New York Yankees y un político del Partido Laborista neozelandés. Sólo unas cuantas líneas más abajo aparece la relativa a nuestro hombre, lo que de alguna forma da fe del territorio underground en el que este veterano músico británico (Londres, 1953) se ha manejado desde que comenzara a hacer música a finales de la década de los sesenta. “Mi padre me dio una pequeña grabadora y yo la utilizaba para tomar sonidos de la radio y montar pequeños collages. Escuchaba las piezas del Radiophonic Workshop en la BBC, y eso me hizo pensar que tal vez a otra gente le podía interesar lo que yo estaba haciendo. El gran cambio vino cuando me

uní a The Dragters, una pequeña banda de rock’n’roll, y empezamos a actuar: ahí me di cuenta que la gente se acercaba interesándose por lo que hacíamos. Obviamente, unos años más tarde en Throbbing Gristle tuvimos objetivos más ambiciosos”. Efectivamente, junto a Genesis P. Orridge, Cosey Fanny Tutti y Peter Christopherson, Carter dio forma al grupo que puso nombre al sonido industrial, abogó por el concepto de no-músicos -anticipándose y sirviendo de inspiración al punk- y sirvió de enlace entre The Velvet Underground y las siguientes generaciones que hicieron del ruido su razón de ser.

Poco antes de que Throbbing Gristle pusieran punto y final a su carrera en 1981 Carter ya había publicado su primer disco en solitario, The Space Between, casi en paralelo a la formación de Chris & Cosey

junto a la que todavía es su pareja. Obviamente mucho han cambiado las cosas en el terreno de la electrónica desde entonces hasta hoy, cuando se publica Chemistry Lessons Volume 1, primer álbum de Chris Carter en veinte años. “Dejé de utilizar la cinta hace tiempo porque es demasiado cara y ahora mismo es algo que no me puedo permitir. Hay puntos a favor y en contra de lo digital, y personalmente el hecho de que sea un proceso sin fin yo lo veo positivo, además de que me permite tener el estudio montado en casa”. En los próximos meses se anuncian discos de Carter Tutti y Carter Tutti Void, y la publicación de grabaciones inéditas de Throbbing Gristle que datan de 2007, antes de que el grupo se disolviera definitivamente como consecuencia de la muerte de Christopherson.

—luis j. menéndez

(Industrial, 1979)

Uno de los discos más relevantes de la música popular, con una influencia tan grande en lo musical como en lo estético.

Era el tercer disco de la banda y también el más estructurado, con temas como Hot On Heels Of Love que, más allá de la abrasión experimental que les caracteriza, coqueteaba con la música de club.

#46 julio-agosto 2018

Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Ernesto Castañeda 657 67 41 97 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 981 160 102 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245

LA SELECCIÓN Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

Chris & Cosey Songs Of Love & Lust (Rough Trade, 1984)

La ruptura sentimental de Cosey con Genesis P. Orridge para marcharse con Chris Carter supuso una falla demasiado grande en Throbbing Gristle y, a la larga, una diáspora de proyectos igualmente esenciales: Coil, Psychic TV o la dupla formada por la nueva pareja con un giro hacia una electrónica bailable y accesible.

Carter Tutti Void f (x) (Industrial, 2015)

Cualquiera que haya escuchado a Factory Floor reconocerá de inmediato todo lo que la formación ha mamado musicalmente de Chris Carter. Era cuestión de tiempo que la conexión se convirtiera en un nuevo proyecto, esta suerte de jam industrial de Chris y de Cosey con Niki a la guitarra.

Chris Carter Chemistry Lessons Volume 1 (Mute, 2018)

Casi cuarenta años separan este trabajo de The Space Between, el primer disco publicado bajo el nombre de Chris Carter reivindicado como una de las obras maestras del proto-techno. Aunque lo analógico ha dado paso a lo digital, estas piezas aún conservan la mirada fresca y alucinada de aquellas grabaciones.—l.j.m.

Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Edu Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

f 178.632 seguidores t 94.800 seguidores g 232.895 seguidores 36.700 seguidores 72.138 seguidores x 5.480 seguidores

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19 · 20 · 21 · 22 JULIO

JUE 19

TWO DOOR CINEMA CLUB · IZAL · J HUS

JESSIE WARE · EVERYTHING EVERYTHING · CASHMERE CAT TUNE-YARDS · NOTHING BUT THIEVES · PRINCESS NOKIA SOFI TUKKER · THE MAGIC GANG · FRIEND WITHIN · MERIDIAN BROTHERS LEY DJ · CAROLINE ROSE · DJ SUPERMARKT · HER’S · ZULU ZULU · NADIA SHEIKH RAZZMATAZZ: PALE WAVES · CAROLINA DURANTE · FUEGO SQUAD · VULK · TERRY VS TORI

VIE 20

ERIC PRYDZ · THE VACCINES RAG‘N’BONE MAN CATFISH AND THE BOTTLEMEN

THE CHARLATANS · C. TANGANA · SLEAFORD MODS TOMMY CASH · ANNA CALVI · AMABLE

TULSA · BOB MOSES · PALMISTRY · PEDRO VIAN · JUANITA STEIN · DESERT JOANA SERRAT & THE GREAT CANYONERS · JACKWASFASTER RAZZMATAZZ: PERRO · LA PLATA · THE SNUTS · BUENAVISTA · CUCHILLO DE FUEGO · JÚLIA · SIRIA

SÁB 21

CHASE AND STATUS LIVE · THE KOOKS BELLE & SEBASTIAN · GIGGS

METRONOMY · THE HORRORS · ODDISEE & GOOD COMPNY TOUNDRA · TURNO · LOS PUNSETES · MONARCHY · OSCAR & THE WOLF HAYDEN JAMES · MYD · LEYYA · HOLY BOUNCER · ZAZO & GXURMET · JUNIOR MACKENZIE OCHOYMEDIO: PAPAYA · RUSOS BLANCOS · OCHOYMEDIO DJS · BODEGA MELENAS · FARIO · SAY YES DJ · DJ CARO · AGOST

DOM 22

JUSTICE · BASTILLE · MADNESS

DORIAN · WOLF ALICE · PARQUET COURTS · SHAME KING KHAN & THE SHRINES

HUDSON TAYLOR · CEDRIC GERVAIS · DETROIT SWINDLE · NATHY PELUSO · ANNA OF THE NORTH OUR GIRL · ALMA · DJ ROJIBLANCO · JIMOTHY LACOSTE · NORTH STATE · ALDO LINARES OCHOYMEDIO: THE PARROTS · LOS NASTYS · ZOÉ · OCHOYMEDIO DJS · FAVX · MAREM LADSON · YAWNERS

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