Mondo Sonoro enero 2021-2

Nº 291/2 Enero 2021 www.mondosonoro.com

VIAGRA BOYS, CRÁNEO, WOODKID, LA TRINIDAD, TOMMY LEE, ARCTIC MONKEYS, ROMPAN TODO, ALBERT MONTEYS

Ferran Palau Minimalismo

FOTO: ARCHIVO

3/Mondo freakox “No puedes tomarte la vida demasiado a pecho”

El sexteto sueco desmiente a los que están convencidos de que el país escandinavo es sólo un aburrido paraíso del bienestar.

Y a los que creen que el panfleto ha ganado al sarcasmo inteligente. Lo demuestran en cada una de las canciones de su nuevo trabajo, “Welfare Jazz” (Year0001/Popstock!, 21).

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elfare Jazz” se ríe de la noción de músicos subvencionados, como la hilarante “Sports” de su primer trabajo lo hacía de la obsesión por el deporte. Sebastian Murphy y compañía no dejan títere con cabeza, aunque su nuevo disco tiene bastante que ver con los poco graciosos problemas de drogadicción que ha vivido su tatuado frontman.

Con él hablamos vía Zoom.

—“Welfare Jazz” contiene muchísimas ideas, pero todo funciona. ¿A dónde queríais ir con este segundo álbum?

Más que una visión clara de a dónde pretendemos ir, queremos simplemente hacer la música que nos gusta.

Y al mismo tiempo, probar nuevas cosas sin quedarnos atascados en “nuestro sonido” o algo así. Nos pusimos a ello, simplemente.

—Una de las cosas que destaca (y

que me gusta) del disco es el sonido.

Tiene esa crudeza orgánica que a mí, personalmente, me gusta bastante.

Si no me equivoco, habéis trabajado con cuatro ingenieros o productores, ¿no?

Sí, bueno, en realidad hemos trabajado con dos productores, y un par de canciones han sido producidas por otros. Queríamos que el disco tuviera un toque de fuera en ciertas cosas.

Pero, al final, toda la música la hemos compuesto nosotros, así que no ha sido para tanto. Salió así porque durante un tiempo estuvimos en Nueva York, teníamos tiempo libre, decidimos entrar a grabar y dijimos: “¿Por qué no traemos un productor a ver qué tal?”. Pero en realidad casi todo el disco lo hicimos con los mismos tíos con los que hicimos “Street Worms”.

Queríamos que hubiera una continuidad. Es casi como si fueran miembros de la banda.

—Cuéntame de dónde viene el nombre del disco. Teniendo en cuenta

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que sois suecos, entiendo que hay cierta coña…

Un poco, sí. Viene de una broma que hizo nuestro productor Pelle (Gunnerfeldt), porque en Suecia hay un montón de músicos de jazz que no ganan un duro y tocan free jazz. El único modo que tienen de ganar dinero es a través del Estado y las subvenciones.

En Suecia si montas una banda, puedes pedir algo de dinero, y a veces te lo dan. El nombre vino de esta broma, porque yo había grabado las voces en un disco de free jazz, y Pelle me preguntó qué iban a pensar de ello los músicos de jazz, porque comparados con ellos, soy un vendido (risas). Y además me pareció que el nombre era muy gracioso en inglés, así que pensé que era una buen título para un disco.

—No hay más que ver vuestros vídeos, que por cierto son estupendos, para entender que la sorna es parte fundamental de lo que hacéis. ¿De dónde os viene el gusto por la sátira?

Gracias. Pues no lo sé. Puede que venga de cosas del viejo punk, de Dead Kennedys y cosas así. Es el modo en que veo la vida. Tienes que reírte de las cosas. No puedes tomarte la vida demasiado a pecho, tienes que ser capaz de echarte unas risas a costa de la mierda por la que vas pasando,

Viagra Boys Tipos malos

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enero 2021 #3

MONDO FREAKO

LA MÍA Bares de copas

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cie “Este disco es una espeón” icci de reflexión sobre mi ad

y ver las cosas con un poco de ligereza. También creo que he aprendido a comunicarme a través del humor.

—Hablando de vídeos, me pregunto cómo fue la planificación de “Ain’t Nice”, con ese travelling larguísimo. Parece complicado desde un punto de vista técnico, contigo caminando por la calle haciéndole a la gente cosas horribles.

Sí, creo recordar que nos llevó cuatro o cinco tomas. Todo el mundo tenía algo que hacer respecto a la panorámica de la cámara, yo me tenía que prender fuego y no teníamos permiso (risas), así que teníamos que hacerlo todo muy rápido. Pero salió bien, fue muy divertido.

—¿De dónde sale ese interés por el siglo XVIII, los palacios y las pelucas? Lo digo también por estos últimos vídeos.

En realidad fue idea del director, y creo que más que nada fue porque hacía mucho contraste. “Creatures”, la canción, va de vivir en las calles de la ciudad, tomando anfetaminas a diario, robando bicicletas y productos electrónicos… Habla de mantenerte ocupado como drogata. Y el vídeo hacía un contraste enorme con eso, con esos músicos ricos y vendidos, que son lo opuesto a aquello de lo que habla la canción. Creo que se trató, sobre todo, de un tema estético.

—Vivimos momentos agitados y turbulentos. ¿Os han inspirado particularmente para estas canciones, o tratáis cosas más personales?

Grabamos la mayor parte hace un año más o menos, antes del Covid. La mayor parte de los temas son cosas de mi propia vida. Todo son cosas que escribí mientras salía de mi adicción a la droga, y un poco mirando atrás. Es algo así como una reflexión sobre mi adicciones. De alguna manera, aprender de ello.

—¿Dirías que entonces es un disco más personal?

Sí, sí, aunque todo lo que hago es personal, pero creo que éste lo es un poco más.

—Me gustaría preguntarte por alguna canción concreta: “6 Shooter”, con ese ritmo implacable, es de las más largas.

Esa canción está en nuestro hábitat natural.

No hago nada en ella (risas). Hay grabada una versión conmigo cantando, pero no me gustaba, creo que está mucho mejor sin voz.

Cuando tocamos en directo, sonamos así o #4 enero 2021

como “Amphetanarchy”, del primero. Creo que nos encanta tocar este tipo de canciones y seguir y seguir…muchas veces cuando tocamos en directo, una canción del disco que dura tres minutos llega a los quince. Recuerdo la última vez que tocamos en Estocolmo, “Amphetanarchy” acabó durando veintinueve minutos (risas). Y en el escenario parecía que habían sido cinco minutos.

—Suele pasar… Entiendo, entonces, que disfrutáis improvisando y tocando juntos.

Sí, sobre todo cuando ensayamos. Hoy hemos estado tocando las canciones de “Welfare Jazz” y “Toad” dura como ocho minutos cuando la tocamos en un ensayo. Mientras que en el disco no pasa de los dos minutos y medio. Probablemente es mi canción favorita.

—¿Y “Girls And Boys”? Me ha parecido una de las mejores.

Es la que menos me gusta (risas).

—¡He acertado! (risas) No sé por qué. Bueno, no me gusta nada cómo canto en ella. Pero la canción en sí me gusta. Grabamos una primera versión en Nueva York, en el estudio de Jimi Hendrix (Electric Lady), y nos pareció que era como disco de los setenta. Estábamos borrachos todo el día pasándolo bien en Nueva York, y esa especie de libertad aparece en ella.

—¿Cómo os ha afectado esta situación del Covid? Por aquí se ha dicho que la situación de Suecia ha sido mucho mejor que la de la mayoría de los países europeos.

Bueno, no hemos podido girar. Esperamos poder hacerlo, porque algunos habíamos dejado el curro justo antes de que la mierda empezara. Al mismo tiempo, hemos tenido mucha suerte, porque vivimos en Suecia, no ha habido ningún confinamiento, hemos podido seguir trabajando y ensayando. Hemos grabado una cantidad enorme de material, así que tenemos mucho más, aparte del disco. Para mí ha sido la oportunidad de mantener hábitos saludables, no salir tanto de fiesta y reflexionar sobre qué quiero hacer en la vida. Ha sido bueno. La situación es buena para gente como yo, no sé para los ancianos o gente en situación de riesgo. Para mí y mis amigos la vida es casi normal. —JC PEÑA

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E HACE EXTRAÑo pensar que hubo un tiempo, y tampoco hace tanto de ello, que no existía ni Internet ni tampoco el mundo digital. Era una época en la que acceder a según qué cantidad de música o leer según qué libros, solo estaba al alcance de los que tenían un nivel adquisitivo alto o dominaban el inglés. Las cosas llegaban con cuentagotas y por eso se paladeaban más y mejor. Había algo de romanticismo y épica en el hecho de investigar y hacerte con según qué tesoros, ya fuera el segundo álbum de Gorilla Biscuits o el “Zen Arcade” de Hüsker Dü. Ahora todo es diferente. Y es evidente que hemos ganado en unas cosas y perdido en otras, como siempre sucede en cualquier cambio de época. Entre las que hemos ganado, por ejemplo, está la gran cantidad de libros sobre música que se publican ahora en castellano, al igual que documentales. Por contra, el aluvión de oferta que sufrimos hace que muchas veces nos encontremos bloqueados sin saber muy bien qué hacer y por dónde empezar. Llega la noche, tras la jornada laboral, y no sabe uno si iniciar la biografía de Hendrix que le regalaron en Navidad, acabar de una vez la serie documental “Rompan todo” que dejó a medias o bucear con cierto desánimo en Netflix a ver si han añadido algo de grano ante la enorme cantidad de paja que ofrecen. A veces está uno tan saturado que se descubre zapeando canales como un zombie en la televisión, rastreando algo que no te coma demasiado la cabeza. Mierda de la buena.

Pero es que el bombardeo de posibilidades que se nos abre ahora es tan enorme, que ya no sabe uno dónde acudir primero. Además ese estado de ansiedad permanente que se puede resumir en un “me estoy perdiendo algo grande”, se agrava cuando buceas en las redes sociales y la gente comenta lo buena que es la serie de Sorogoyen, o si ya has visto el desternillante falso documental “Death To 2020” en el que Hugh Grant está sembrado de nuevo. Esa sensación perenne de ir por detrás de los acontecimientos y de que siempre hay alguien mucho más listillo que tú que dispone de más tiempo libre y no se cansa nunca del sofá. En ocasiones, incluso, le entran ganas a uno de decir basta y pasar de esa férrea dictadura de la actualidad para refugiarse en sus clásicos. Claro que corres el riesgo de caer en la tragedia de descubrir lo mal que han envejecido según que cosas y cómo todo aquello te hacía gracia antes, ahora no la encuentras en absoluto. Es obligado hacer un cambio en tu mirada y volver a esos ojos u oídos del eterno adolescente que muchos llevamos dentro. Es decir, es obligado un cambio de actitud y tampoco tienes ganas de ello. Apatía ante la oferta desmesurada. ¡Por favor que abran ya los bares de copas! Son los únicos lugares del mundo en los que puede uno recomendar y que le recomienden la más rabiosa actualidad, con la ventaja de que al día siguiente no recordará nada de nada. —SERGI ‘ DON DISTURBIOS’ MARQUÉS

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Cráneo Don de la cotidianidad

MONDO FREAKO “Cada día, su propia ración”, me decía a veces mi madre cuando me veía agobiado siendo un crío. Si hay alguien en España que sepa coger esa ración y ser cronista de ello, sin sumirse en un sentimentalismo innecesario, ese es Cráneo, que acaba de publicar “Picnic” (Guayaba Records. 20), su mejor trabajo y uno de los grandes discos que han visto la luz este año en España.

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RÁNEO ES UNO de esos artistas que sabe ver lo bueno que tiene el mundo, los días largos, la rutina. Y hacerlo desde un punto de vista quizás no optimista, pero sí vitalista. “Al final sobre lo que canto soy yo. Al final son mis pensamientos, las cosas que me ocurren, mis preocupaciones, mis problemas, cómo superarlos… Al final, no estamos siempre arriba. Aunque en muchas canciones parece que estoy siempre happy, que estoy siempre de puta madre, luego en el disco se ve como que hay un abanico muy amplio de emociones y todo… Hoy no piensas igual que pensabas ayer, ni piensas igual que pensarás mañana, ni estás todos los días de puta madre”. Volviendo a tirar de refranero popular, “Picnic” representa a la perfección el espíritu de “ya cruzaremos ese río cuando lleguemos a ese puente”. Vivir recorriendo un camino como de hormiga y cigarra al mismo tiempo.

Desconexión y tiempo para mirarse dentro, sí, pero también trabajo duro.

Es la única forma de mantener durante más de un lustro una carrera artística y profesional que crece estable sin que dé muestras de agotamiento. No solo en lo musical, también en lo audiovisual. Con su productora Cráneo Media, el de Leganés ha colaborado con artistas nacionales de todo tipo: desde Rels B o Nathy Peluso al pop más mainstream, pasando por la publicidad. Pero hoy es “Picnic” lo que nos trae a Cráneo, y “Picnic” es un trabajo con una huella personal que no a lugar a equivocación. Un mérito en un trabajo en el que colaboran más de quince artistas sin conexión aparente entre sí. “El rollo de ponerle el título de ‘Picnic’ era ese. Hasta ahora no hemos colaborado con mucha peña y los productores que tenemos, que nos producen siempre, son Juan Ríos y Made In M. Hasta la fecha siempre son ellos dos. Sr. Guayaba también ha hecho sus pinitos ahí en ‘Glow Trip’ y tal y en ‘Bambú’. Con el colectivo Fanso

desde el 2015 estamos ahí. Nos juntamos en una casa para hacer la movida juntos, siempre hacemos todo juntos.

Pero como que siempre contamos con los mismos y somos un team súper cerrado, esta vez en lugar de hacer un álbum por mi cuenta como Cráneo, quería contar con toda la peña que me mola mazo y a la que admiro; por salirme un poquito de lo de siempre, manteniéndonos en el rollo lo-fi, pero probando otras paletas, otros ritmos, otra movidas… Y dijimos: ‘joder, ya que estamos aquí como haciendo una reunión de colegas y tal ¿por qué no le llamo como esto? Pensamos ‘Fiesta de Cumpleaños’ pero era un nombre de mierda. Pues ya está, ‘Picnic’”.

Y es que después de una carrera mirando más hacia si, tanto a nivel de colectivo (Fanso) como personal, Cráneo celebra ahora con “Picnic” una comunión en torno al lo-fi. Un lo-fi que le ha devuelto con forma de disco impecable el haber sembrado en un género en los márgenes pero que nunca pasa de moda. “Sí. A ver… lo-fi. En verdad, excepto el primer álbum que hice, ‘Handmade’ y que me lo produjo Rels B a cambio de que yo le grabara un video clip, que hicimos ahí un match pero luego a raíz de ese álbum, en verdad, siempre hemos hecho lo-fi, siempre desde que Made In M me contactó por Soundcloud y tal. Él estaba en Alemania y fue el que estaba metido a tope en la movida de

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producción lo-fi. Estaba en el colectivo Cota, con toda esta peñita que hacían lo-fi en su momento. En 2014 estaban ya haciendo los beats, estos que ahora conocemos como de chill hot. Eso en 2014 pues toda esta gente estaba frikeando el sonido ya ahí a muerte.

Y eso, contactó Made In M conmigo, y yo fiché su movida y dije ‘!Qué guapo!’.

Me hizo, me acuerdo, un remix de una canción de ‘Handmade’ y en seguida dijimos: ‘¡Tío, vamos a hacer una canción, un disco ahí con tu sonido, esta mierda que estáis haciendo en Alemania!’. ¿Qué cojones era esto? No sabía lo que era ni cómo se llamaba, pero yo ya escuchaba esa movida. Y ni sabía que tenía un nombre. Entonces me dijo: ‘Pues lo que hacemos es lo-fi!’.

Y ahí ya nos hicimos un disco producido entero por Made In M y desde entonces hemos estado haciéndolo con Fanso. Nos hemos juntado ahí todos y hemos seguido trabajando a muerte, aunque en este disco hemos probado a tocar un poco otros palos, tampoco quedarnos en solamente en el boom bap, el lo-fi, que me flipan... Pero un disco entero así puede quedarte muy plano”. Lo que es evidente es que “Picnic” reedita el éxito que fue “Música para lagartos” sin repetir fórmula.

Tan complicado como evidente. Como la cotidianidad. —LUIS M. MAÍNEZ

l “Hoy no piensas igua , er que pensabas ay ni piensas igual que pensarás mañana”

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enero 2021 #5

ENTREVISTA

Una cuestión de libertad Woodkid

Yoann Lemoine ha tardado siete años en lanzar al mercado su segundo álbum tras “The Golden Age”. El creador francés ha construido con “S16” (Universal, 20), una oscura pieza de arte que podría convertirse perfectamente en la banda sonora de este caótico 2020 que acabamos de dejar atrás. Un álbum que explora adicciones, desamor, dolor… Y enfrenta la belleza de lo analógico a un devorador mundo digital que no para de crecer.

Hablamos con Woodkid en uno de sus descansos, tras su reciente colaboración con Sidi Larbi Cherkaoui para la Opéra de París.

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ué quieres que la gente aprenda y descubra con este álbum?

No estoy seguro, no estoy realmente seguro. Es un álbum muy introspectivo y para ser verdaderamente honesto creo que lo creé para mí mismo, para sanarme. Así que se puede decir que es un disco bastante egocéntrico. Eso sí, me gustaría que la gente pudiera identificarse con él. Puse todas las cartas sobre la mesa y asumí que no estaba bien. Me dije: “Ok, esta es la situación. ¿Soy el único que está pasando por esto?”. Así que espero que espero que la gente pueda verse reflejada en este proyecto. Al final, convertí las debilidades en una especie de ritual, creé una pieza que es una especie de catarsis para mí y pude “celebrar” todo lo malo a través de mi pasión y mi creatividad. Lo importante es ir poniendo una nueva piedra poco a poco, dar un paso al frente, construir sin prisa para avanzar y progresar.

—Muchas de tus letras hablan sobre la dependencia. Dependencia al amor, a las drogas, a las redes sociales, a la sociedad… ¿Qué le dirías a alguien que esté pasando por algo parecido?

En “In Your Likeness”, por ejemplo, hablo sobre la importancia del reconocimiento. La principal base para solucionar los problemas es reconocerlos y eso no es una tarea sencilla. Reconocer que existe una dependencia a las redes sociales, al alcohol, al amor, a una relación tóxica, a la depresión… No puedo hablar evi#6 enero 2021

TEXTO Álex Jerez

dentemente de ello de una forma médica, pero en lo que sí creo mucho es en la importancia de la comunicación. Hay que buscar información y preguntar sobre cualquiera de estos problemas.

Ser honesto y olvidarte de toda esa construcción de la “masculinidad tóxica” que hay instalada y que nos hace sentir que siendo nosotros mismos no lo estamos haciendo bien. He atravesado una relación con un chico que desaparecía cuando las cosas no estaban bien. Y la verdad que he sufrido mucho con esto porque quería ayudarle. Quería que mi relación fuera el camino a la curación. Así que este disco refleja un poco ese mensaje de que si no hablas las cosas es imposible que mejoren. La mayoría de las veces me paralizaba a la hora de buscar ayuda porque pensaba que la gente no me ayudaría. Y, la verdad, algunas veces la gente no me ha ayudado. Algunas veces me han dejado muy solo. Así que el verdadero problema a la hora de pedir ayuda es estar preparado para no recibirla. Pero, eso sí, si tú no das el primer paso por ti mismo hacia la curación y reclamas ayuda, es imposible salir de nada.

—Tu imagen como artista es ahora mucho más importante. Sales en la portada del álbum y tienes mucha más presencia que en anteriores proyectos. ¿Qué quieres que la gente perciba de ti como artista?

No lo sé realmente. No puedo pretender que la gente me entienda todo el tiempo porque es algo imposible. He cambiado, ahora soy más adulto y asumo la relación con el público de una forma muy diferente. Espero menos de la gente, la verdad, y reacciones mumondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

n d cho más polarizadas. He empezado a ser más agresivo a la hora de expresarme, a no enamorarme de todo el mundo y dejar que desaparezca un poco mi parte más sensible. Me he dado cuenta de que en los tiempos que estamos viviendo hay que ser un poco más radical. Esto es algo que he aprendido y te lleva a ganarte enemigos a lo largo del camino. Por lo tanto, te obliga a ser más astuto.

—¿Cuál crees que es la mejor forma de ayudar al colectivo LGTBI a través de la música?

En mi primer disco dejé claro que era gay y que quería hacer canciones de amor para chicos. Pero buscaba influenciar en cierto modo a la comunidad sin tener que ser necesariamente el más abierto de mente ni el más progresista. Estoy muy orgulloso de ello, pero a la vez siento que me quedé corto, que no fui claro con lo que sentía, no expresé la ira que tenía dentro ni fui demasiado solidario con el tema. Así que ahora intento ser mucho más vulnerable con la situación, mucho más abierto y empiezo a ponerme a mí mismo como ejemplo. Algo que no hacía antes. Estoy muy orgulloso de este cambio, aunque esté ganando muchos enemigos en el camino. He asumido que no tengo que ser perfecto y estoy contento con mi identidad, con mi sexualidad. Ser gay me define por completo. Me he dado cuenta de que estoy preparado para hablar de ello y que todo en mi vida está marcado por esto.

Y es que, aunque no es la única cosa que me define, está en mi forma de vestir, en mis amigos, en las cosas que veo, en la música que hago, las luchas que tengo, en las cosas con las que me siento mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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“Intento sacar lo mejor de mí a la hora de crear, y ser libre es una de mis mayores prioridades”

identificado... Sí, soy gay, no podría ser más gay. Y bueno, especialmente ahora cuando ves a algunos retrógrados y ciertos movimientos contra el colectivo. Es súper importante estar unidos, sentirnos orgullosos y luchar por el cambio.

—¿Te sientes libre como creador o la industria musical te limita como artista?

Siento que he estado muy presionado por las plataformas de streaming, por los formatos de la industria, por la velocidad del tiempo. Si soy realmente sincero, sí que me siento en parte libre y por eso me he tomado determinadas concesiones en este álbum. Pero mi cabeza de artista dice todo lo contrario. Siempre está el miedo a no funcionar, no encajar en las plataformas de streaming por ideología o forma de expresarme. Ese miedo es real, por lo que es una clara forma de presión que lucha en contra de mi libertad como creador. Un día te levantas y dices se acabó voy a olvidarme de todo esto y voy a hacer lo que quiera como artista. Al otro intentas sacar algo que verdaderamente encaje en la industria. ¿Hago verdaderamente lo que quiero? No del todo. Al final soy un artista y dependo de la gente. Pero lo que sí creo es que lo hago de la mejor manera posible para poder mantener mi libertad. De

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ENTREVISTA

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verdad que intento sacar lo mejor de mí a la hora de crear, y ser libre es una de mis mayores prioridades.

—¿Cómo crees que afecta el cierre de espacios como Berghain por la pandemia a la música electrónica?

Bueno, yo creo que sitios como Berghain no representan la realidad del mundo. Son espacios únicos en los que predomina la libertad, donde la música resiste, donde una ideología determinada sigue viva y, bueno, espero que vuelva abrirse. Pero la verdad, siendo sinceros, tú sabes que la música electrónica lleva muerta en la escena mainstream desde hace mucho tiempo. La música electrónica como el tecno, como el house… No funciona ahora mismo. Y una de las razones fundamentales de esto es que el mundo del streaming no está preparado para ello. No hay formas, ni formatos buenos que sean compatibles con este tipo de música. Las plataformas no están preparadas para canciones muy largas, no son compatibles con música clásica. El mundo del streaming busca temas cortos con producciones muy rápidas, por eso ha sido bueno para los artistas emergentes y una revolución para el rap o el progreso del r’n’b. Así que cuando se produzca un cambio en la forma de distribución, se producirá en la forma de crear. Llegará el momento de la rebelión. Esta distribución actual permite dar visibilidad a muchos géneros que no han sido escuchados antes. Y este proceso de exploración creo que es muy bueno. Sin embargo, que te obligue a que todos tengamos que producir canciones como si fueran temas trap, no lo es. Así que espero que llegue esa revolución.

—Estoy completamente fascinado con el coro japonés en “Reactor” y “Minus Sixty One”. ¿Cómo las descubriste?

#8 enero 2021

Cuando colaboré con Nicolas Ghesquière aprendí muchísimo y una de las piezas que hicimos estaba inspirada en el judo porque el outfit que se llevaba era una especie de kimono. Así que decidí apostar por reflejar caracteres del mundo del karate y el judo en mi música. Fue aquí donde conocí a Suginami Junior Chorus, un coro muy famoso de niños en Tokyo, y al crear este disco quise colaborar con ellas de nuevo. Exploré algunas piezas en inglés, pero sonaba muy impostado y hablé con ellas para trabajarlo.

Así que me desplacé hasta Tokyo, hicimos una traducción del material y lo grabamos. No quería que todo esto se quedara solo en una especie de mashup que hablara del amor profundo. Ambos temas, tanto “Reactor” como “Minus”, están cargados de referencias al minimalismo en Estados Unidos de los años setenta, a Philip Glass que es una de las referencias constantes en mi música. Y, por otro lado, también creo que muestran mi pasión por mangas como “Akira”, “Ghost In The Shell” o el “Final Fantasy”.

Me gusta esta especie de colisión que se genera.

—Hablando de toda la industria asiática. ¿Qué piensas que los grupos virtuales como K/DA y los conciertos usando hologramas?

Estoy abierto a todo tipo de propuestas que puedan contar una historia. Siendo sincero, no creo que sea un retrógrado pero la verdad que no estoy muy conectado a la tecnología, al mundo del software o al livestream. Hacer un directo a base de hologramas, además, tiene un mensaje político muy poderoso detrás. Nos negamos a estar en directo con ellos y existe esa confrontación sobre qué o quién nos representa de verdad en los tiempos que estamos vivimos. Evidentemente, no podemos negar el avance mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

de la tecnología. Yo, incluso, para este álbum como sabrás me he digitalizado por completo para reflejar el presente que estamos viviendo con las redes sociales. Cómo nos afecta nuestra presencia en ellas, cómo actuamos en ellas. Incluso para hacer referencia a los tiempos de la COVID en los que estamos obsesionándonos aún más con las redes sociales. Así que bueno, sí estoy interesado en la idea de hacer actuaciones holográficas. Pero sólo si son únicamente un apoyo estético, no para mostrar ningún tipo de filosofía. Esto está unido, por ejemplo, a la decisión de después de tardar siete años en grabar este disco, esperar otro más para llevarlo a los escenarios o caer por completo en el mundo de los livestreams.

—Háblame un poco sobre tu forma de crear, la introducción de la maquinaria industrial, lo analógico contra lo digital. ¿Cómo surge todo?

La verdad que no creé este disco con un propósito definido o una visión muy clara a nivel musical. Me hubiera gustado tenerla la verdad, pero no he creado el disco como si tuviera una especie de receta. Ha sido más una especie de Frankenstein en el que yo iba experimentando y probando cosas que de repente notaba que podrían funcionar. Por lo tanto, en toda esta fragmentación, no existe un patrón real que seguir. A veces iniciaba la creación con algunas líneas de texto, otras solo con un beat con ningún tipo de armonía. Algunas veces solo con una armonía, otras con una pieza vocal que transformaba en un beat, coros o referencias de otras canciones. Cambiaba coros, cambiaba letras de otras canciones y veía nuevas posibilidades que podían aparecer. Para ser sincero este álbum es un tremendo desastre, pero creo que todo mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“ “La música electrónica lleva muerta en la escena mainstream desde hace mucho tiempo”

funciona muy bien dentro de él y algunas veces hasta el caos desaparece.

—¿Y cuál es tu próximo reto como creador?

No lo sé, es muy difícil para mí pensar en el futuro ahora mismo. Yo creo que mi próximo reto es seguir reinventándome como performance. He visto los límites del amor, del tiempo, de la locura de las redes sociales, de los sistemas de distribución, de las discográficas…

No sé lo fuerte que soy y cuanto puedo aguantar en esto la verdad. Así que creo que lo que necesito fundamentalmente es seguir reinventándome en las cosas que hago. Voy a seguir luchando por ser libre, seguiré aprendiendo sobre música y creando. Hacer este álbum me ha enseñado a luchar por mi libertad creativa y a estar orgulloso de mis obras. Pero ahora vuelvo a cuestionarme todo lo que hago y no sé qué será lo siguiente. Quizás una nueva forma de expresión, quizás una nueva forma de manifestarme sobre el escenario. Mi próxima vida es algo que me planteo constantemente.

Y, la verdad, es que siento a la vez miedo e ilusión porque no sé lo que me espera. Solo sé que será algo muy grande que cambiará todo lo que he hecho hasta ahora. Desde las formas, la gente con la que trabajo, hasta a mí mismo. —A.J.

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enero 2021 #9

MONDO FREAKO Casi como en las sátiras de Horacio. Los alfilerazos presentes en las canciones de La Trinidad duelen más que una estocada sangrienta.

El trío malacitano saca su primer larga duración, “Los edificios que se derrumban” (Sonido Muchacho, 20) y se postula, por juventud y argumentos, en máximos valedores de una nueva escena alternativa patria.

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e cara a los malagueños ¿Por qué esa calle en el nombre de la banda y no otra?

Buscábamos un nombre que nos gustara, que tuviese sonoridad, pero también algo de juego en su significado. Muchos de nuestros familiares se han criado o viven en ese barrio, además dos de nosotros estudiamos en las Trinitarias. Si ya tienes en cuenta que somos tres pues el círculo se cerraba.

—El disco está lleno de imágenes que pueden ser universales, pero sin embargo hay muchas referencias a vuestra tierra.

El disco se escribió en Málaga y es normal que haya cosas de aquí, aunque también hay cosas del año que estuve de Erasmus en Praga. Es un disco realista y “La clase media” yo la imagino como un viaje por mi ciudad aunque creo que cada persona que la escuche lo hará por la suya.

—Las canciones tienen un mensaje directo sin ser totalmente descriptivas, algo muy de agradecer en nuestros días.

Gracias (risas) Lo veo totalmente así.

Son letras crudas e intento que todo sea muy visual, hilando escenas. Quería huir de grandes metáforas pero sin caer en el punk hiriente que me mola pero que no era mi objetivo. Al ser filólogo tenía cierta ventaja para lograr ese objetivo.

—Frente al indie-rock noventero donde primaba el hedonismo, bandas como La Trinidad, Biznaga o Futuro Terror, presentan una crítica política sin caer en el “panfletismo”. ¿Algún motivo para este cambio?

SI en los noventa se hacía eso creo que era porque la juventud tenía muy inculcado el bipartidismo, la cultura del pelotazo con nombres como Mario Conde y un pensamiento político en el que se pensaba que, gobernase quien gobernase, todos eran unos ladrones. Sin embargo la situación #10 enero 2021

La Trinidad Alfileres envenenados “En la música popular sigue rondando el apoliticismo”

socioeconómica no era tan alarmante como en nuestros días. Tras el 15-M vemos que el bipartidismo ya no es la realidad española, sin embargo, personas como yo, con veintitrés años, ya nos hemos tragado dos crisis prácticamente seguidas. Creo que a eso se debe el cambio. Pero en la música popular o en gran parte de ella sigue rondando el apoliticismo. Es algo histórico, algo que a grupos de Manchester o Liverpool no les pasa ya que

desde siempre han sido conscientes y transmisores de su realidad social.

—Pero, ¿no es muy cómodo quedarse únicamente en la crítica?

Es que yo no quiero aleccionar a nadie. No tenemos la voluntad de decir a nadie lo que tiene que sentir ni pensar. Incluso te diría que a veces las críticas de las canciones son hacía comportamientos propios.

—Apartándonos del compromiso, parece que no queráis tampoco

relacionaros con ningún estilo en lo musical.

Pues sí. Creo que hemos hecho un disco que está en tierra de nadie. De broma, muchas veces decimos que sonamos demasiado pop para los punk y viceversa. Nuestras influencias puede que sean un poco retro, pero suena a algo grabado en el 2020.

Nos queríamos sonar a revival de nada. En España se está viviendo un cambio de época en lo musical y queremos tener nuestra identidad dentro de ella.

—El nombre de La Trinidad no para de sonar aunque ahora todo esté en stand by. Como para muchos compañeros de viaje, la pandemia ha sido...

Ha sido un dolor enorme que, si te digo la verdad, estamos empezando a sentir con más fuerza ahora. El disco en un principio iba a salir en mayo, pero dejamos pasar el verano para ver cómo evolucionaba todo esto.

Una vez que vio la luz nos vimos en la obligación de suspender una gira de unos veinte conciertos donde por primera vez, tras años tocando con The Loud Residents, sabíamos que no nos iba a costar el dinero. No a ganar sino a no perder. A poder ir en una furgoneta digna. Esta frustración la intentamos sobrellevar hablando mucho entre nosotros y haciendo ver que no se ha suspendido por una lesión o una desgracia puntual de la banda. Es algo global. Mal de muchos, consuelo de tontos, supongo. Aunque lo que sí es indignante es la postura de las instituciones para no ayudar a la realización de actividades culturales. Ahora no nos podrás preguntar cuáles son nuestras próximas fechas.

—ROJAS ARQUELLADAS

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2021 WHAT’S NEXT?

Calequi @calequi_

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Núria Durán @nursduran

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Andrés Iwasaki @andresiwasaki

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enero 2021 #11

ENTREVISTA Tommy Lee vive la vida como si fuese un parque de atracciones en el que reina la diversión.

Lo lleva haciendo desde los inicios de Mötley Crüe y continúa siendo así como bien demuestra “Andro” (Better Noise Music, 20), un disco plagado de colaboraciones y en el que el músico toma infinidad de caminos.

N —

TEXTO Toni Castarnado

os conectamos vía Internet. Lee sonríe igual que aquel joven travieso que un día empezó a tocar la batería en Mötley Crüe y, a pesar de las circunstancias actuales, su discurso continúa siendo siempre positivo. Por eso es sencillo entender que se tome la música como una fiesta a la que invita a sus amigos.

Tommy Lee hace lo que le da la gana y no se pone normas. Y eso es algo que se respira en “Andro”, un disco que combina hip hop, EDM, funk, industrial, etcétera. Para darle forma ha contado con una larga lista de vocalistas que él mismo se ha encargado de descubrir. Hablamos de su presente, de su cruzada anti-Trump, de Prince y John Travolta, de las redes sociales, del precio a pagar por ser famoso y, claro está, también de “The Dirt”, la película que adaptó la biografía de Mötley Crüe y que resituó a la banda arriba del todo.

—Para empezar, te quería felicitar por el disco. Al escucharlo ya iba avisado de que no se trataba de un disco de rock, sino que iba más por la línea del hip hop, el EDM o el funk... ¡Gracias! Cierto, ha sido un disco para el que he tenido tiempo, y quería mostrar qué cosas suenan a día de hoy, cómo está la actualidad.

Para eso me tenía que rodear de gente más joven y que supieran qué se cuece. Y la verdad es que la mezcla es interesante. También quería tener presencia femenina, cantantes con perfiles distintos, y lo he conseguido.

—Me encanta que músicos como tú os atreváis a hacer cosas nuevas con gente diferente. Nikki Sixx también prefiere ir en otra onda con sus proyectos. Debe ser excitante sumergirse en nuevos mundos. De hecho, aprecio que no se mire al pasado, lo cual sería más cómodo y sencillo.

Me planteo a menudo qué quiero hacer con mi vida artística y, al final del día, me cuestiono si estoy siendo lo suficientemente honesto conmigo mismo. De acuerdo, sé que hay muchos fans de Mötley Crüe esperando cosas mías, pero yo les quiero hacer entender que esto es algo nuevo para mí y lo que me apetece hacer ahora mismo. Me excita mover a gente que no conozco, recibir un e-mail de alguien que quiere colaborar conmigo, investigar en redes sociales y descubrir nuevos talentos. No pretendo que esto funcione por accidente, tiene que haber una intención. Intento hacer mi trabajo y que cada nueva secuencia me emocione. Por ejemplo, antes nos empeñábamos en separar el talento masculino y el femenino, y yo quiero que se fusionen, que crezcan juntos. Es perfecto, tenemos un plan y suena muy orgánico. Y yo entonces digo: “ahora, ahora”.

—Como decías, es muy orgánico y hay mucha variedad de estilos.

Aunque al final todo tiene una coherencia y un sentido. Cada can-

#12 enero 2021

Enfant t

ción tiene su propio universo, pero al final todo converge. Por ejemplo, me ha gustado mucho la combinación con King Elle Noir, que funciona muy bien.

Oh, qué bien, es genial. Y de las canciones en las que participa, que son dos, ¿cuál te ha gustado más?

—Creo que “P.R.E.T.T.Y”. Es fantástica.

Sí, también es de mis favoritas. Ese tema lo escribí hace dos años, y lo dejé aparcado en mi librería esperando su momento. Te agradezco el gesto, Toni, es una canción muy bonita.

—Y no solo esa. La canción con la sudafricana Push Push me encanta. Me fascina que haya tanto talento en lugares que desconocemos. Te felicito por tu tarea de rastreo. ¿Cuál es el sistema para encontrar a esos colaboradores?

Hay gente que trabaja conmigo desde hace tiempo, por lo general son artistas que me inspiran, y le dan un valor añadido a lo que hago. A veces soy yo quien descubro a alguien y contacto, y al revés, gente que me envía cosas. Es un juego e intercambio divertido. Disfruto con tanta variedad de estilos y propuestas. Un ejemplo, “Knock Me Down”, que es muy distinta al resto del álbum, es explosiva.

—Oh, sí. La primera del disco, ¿de dónde sale la voz de Killvein? Ahí hay hip-hop, industrial, hardcore…

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al “Amo a Prince, con lo cura era fácil que esto salie por algún lado”

terrible Tommy Lee

Le llevaba siguiendo desde hace tiempo y me decía: “joder, quiero a este tipo en mi equipo”. Lo curioso del tema es que él mismo me escribió un mensaje directo por Instagram y al principio no me di cuenta que era él. Luego lo comentamos y reíamos. ¡Al cabo de dos días estaba en mi estudio!

—En este caso me puedo imaginar un álbum completo mano a mano, sería la bomba.

Bueno… ¿por qué no? Aunque yo ahora disfruto más colaborando con mucha gente distinta, me lo paso bien así. Me gusta que haya muchos pateando el culo (risas).

—En cuanto a las redes sociales, en ciertos aspectos nos solucionan cosas, tenemos información al momento, etcétera. Hoy he estado mirando tu Instagram y he pasado una hora mirando fotografías y sacando información para la entrevista, y es fantástico. ¡No tiene desperdicio! (risas). ¿Cuánto tiempo le dedicas a tus redes?

Depende de lo ocupado que esté, del tiempo libre que me quede. Ahora con el lanzamiento a las puertas y la promoción tengo menos dedicación. Pero sí, es una suerte disponer de eso. Nos permite saber cosas de los demás y estar en contacto casi con cualquiera. Eso antes era inimaginable. Por ejemplo, mi mujer tiene millones de seguidores, pero porque está muy loca y es muy divertida…

Después está el mundo tik-tok, y gente que te propone que hagas cosas. Cuando colguemos la llamada mira mi Instagram, he hecho un video con ella que te gustará (risas).

—¡Lo haré! Por cierto, ¿te imaginas que en el periodo de “Girls, Girls, Girls” Mötley Crüe mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

hubieseis tenido Instagram?

No, ¡mejor no! Hubiese sido una locura… Que alguien tuviese una cámara persiguiéndonos. Aunque no habría problema, ya se ocuparían de censurarlo todo (risas). O habríamos acabado todos en la cárcel.

—Volviendo al álbum, me ha llamado la atención la conexión con Prince, no solo por la versión que hiciste, sino porque su influencia también es evidente en “You Dancy”.

Amo a Prince, con lo cual era fácil que esto saliera por algún lado. De alguna manera su sonido siempre está planeando. En “You Dancy” surgió de manera natural, también es de mis favoritas. ¡Aunque a este paso pensarás que todas son mis favoritas! (risas). Ahora en serio, Prince era un genio, un músico único, por eso su sello. En cuanto lo detectas, es tan reconocible.

—¿Le llegaste a conocer personalmente?

Sí, coincidimos un par de veces.

—Imagino que tenía ese aura que se percibe desde fuera, esa mezcla de glamour y misterio. Era como un pequeño Dios.

Cuando le vi no sabía qué decirle, nada más allá del respetuoso “encantado de conocerte”. Tampoco le pedí hacernos juntos una foto.

Solamente me salía decirle “eres maravilloso y te quiero”. Eso es todo.

Lástima que se fuera tan pronto.

—Hablando de conocer a ídolos, tú eres el ídolo de mucha gente, y a veces a los fans se nos olvida quién tenemos delante, aparte de músico es un ser humano. Hay que saber dónde están la barrera y los límites. Como personaje público no debe ser fácil convivir con esto.

No lo es. Pero aprendes a llevarlo. Todo depende de la naturaleza de cada persona. A mí no me molesta, sé que forma parte de mí y de mi profesión. Pero siempre depende de la situación. A veces te piden que te hagas una foto con su bebé, o su mascota, y eso sí es raro (risas). El problema es cuando alguien te muestra fotos del pasado, las miras y dices: “¿Ese soy yo?”. ¡Es terrible! Pero aprecio que la gente me siga y que me demuestre cariño. Aunque hay momentos para todo, para compartir y también en los que es importante preservar tu privacidad y tu intimidad. Hay que saber diferenciarlo.

—Por ejemplo, si te encontrases a tu “amigo” Donald Trump, ¿te harías una foto con él?

Oh, no. ¡Que le jodan! Mira mi gesto. ¡Qué te den, Trump!

—¿Por qué crees que los americanos votaron a un presidente como él?

No lo sé, no lo puedo creer. Eso me vuela la cabeza. ¿En qué piensa la gente? Por eso siempre he hecho tanta campaña en su contra. Hay que concienciar a todos ellos de que es un monstruo. Eso lo sabe hasta un niño de siete años. ¿Estamos de broma o nos tomamos esto en serio? Me entristece, ¿qué debe pensar el resto del mundo sobre nosotros?

—Espero que las cosas cambien pronto. Por cierto, he visto en un Instagram una foto tuya con John Travolta. ¿Qué me cuentas de eso?

Es amigo mío desde hace mucho tiempo, y créeme, es la persona más dulce que he conocido nunca. Solo puedo cosas buenas de él, es tan generoso… Amo a ese hombre. Y no olvidemos que es un actor fantástico. Su evolución es total. Su papel en “Pulp Fiction” es alucinante.

—Hablando de cine, ¿qué sentiste la primera vez que viste a alguien haciendo de Tommy Lee en la película “The Dirt”?

Honestamente, todos los chicos que participaron hicieron un gran trabajo. Recuerdo que fuimos Nikki y yo a una premiere a Nueva Orleans, y era extraño ver a la banda en pantalla, pero al mismo tiempo era excitante. Es una sensación difícil de explicar. En cierto modo, también era como una especie de sueño hecho realidad. El director captó perfectamente qué debía hacer, y no era fácil (risas). ¡Fueron unos tiempos verdaderamente salvajes! (risas).

—En tu Instagram también hay una foto de tu mujer leyendo el libro y te mira en plan: “¿Tú hiciste esas cosas, Tommy? ¿De verdad?”.

(Risas) Siempre me dice: ¿Cómo estás vivo todavía? Qué locura, y qué afortunado soy. —T.C.

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enero 2021 #13

EN PORTADA

“

“Los músicos nos provocamos los unos a los otros y este pique sano hace que la calidad vaya subiendo”

#14 enero 2021

E

N LOS CÍRCULOS MÁS INDIES y exquisitos de Catalunya, Ferran Palau no necesita presentación. No solo por haber sido el guitarrista y co-compositor de los siempre reivindicables Anímic, sino también por su sólida carrera en solitario. Sin embargo, fuera del territorio catalán es muy probable que Ferran Palau sí precise de una explicación. Bueno, él no, su música.

Ese fascinante viaje artístico que emprendió en 2012 con Nick Drake alumbrando el camino de su primer disco “L'aigua del Rierol” (Amniòtic, 12) y que ha derivado a lo largo de estos años en Tyler The Creator y la música urbana como destellante faro de su obra. Un proceso de mutación que se ha acelerado en sus tres últimos discos “Blanc” (Halley Records, 18), “Kevin” (Hidden Track, 19) y este sublime “Parc” (21) que ahora nos ocupa y que verá la luz el próximo 19 de febrero.

A los más jóvenes de nuestros lectores el nombre de Nick Drake (1948-1974) puede decirles poco o más bien nada. Por eso cabe recordar que es el autor de tres imprescindibles discos de delicado folk-pop de autor, en los que volcaba una sensibilidad peculiar que resultaba a la vez un don y una carga. Tal era el peso que acarreaba el británico que, al final, la depresión perenne ganó la partida, y el músico acabó ingiriendo una gran cantidad de pastillas en lo que se supone un suicidio. Lo hizo justo cuando había regresado de nuevo a casa de sus padres, sin un duro en el bolsillo, y sin un reconocimiento como autor de culto que vendría años después de la mano de muchos y variados artistas. Entre ellos Ferran Palau. Si uno observa la portada del primer disco del catalán, lo verá posando justo al lado de la tumba de Nick Drake. Es una fotografía tenebrosa que además tiene una composición muy parecida a la portada del primer disco de Black Sabbath. Y no por casualidad. Otra de las pasiones de Palau, que a menudo ha marcado su universo artístico, es el mundo del terror, las tinieblas y lo oscuro. De hecho, cuando Ferran era niño su vocación era la de ser algún día maquillador de cine gore. Disciplina para la que practicaba en su cuarto, simulando en su propio cuerpo miembros amputados y heridas de todo tipo. Solo hay que escuchar temas de su segundo disco “Santa Ferida” (Halley Records, 15) como “La daga”, “Bèsties” o “Mal auguri” para ver como ese universo tenebroso se cuela en sus composiciones creando esa dualidad tan extraña en la que combina el suave, aniñado y dulce susurro de su voz con lo inquietante y tétrico.

Para los más viejos de nuestros lectores el nombre de Tyler The Creator puede decirles poco o más bien nada, pero lo cierto es que el rapero californiano es un auténtico mandamás a la hora de dejarte con la boca abierta en cada una de sus producciones. Con él nunca sabes a qué atenerte y se lanza a tumba abierta en sus composiciones desde todos los vértices inimaginables. Lo ha hecho en cada uno de sus discos en solitario, al igual que lo hizo antes como mandamás de Odd Future –colectivo en el que en 2010 ingresaría también Frank Ocean–, convirtiéndose en otra de esas piezas que ha marcado la forma de orientar el sonido de Ferran Palau. Es precisamente esa combinación imposible entre el malogrado espíritu folk de Nick Drake con la contundente a la par que austera producción de genios de lo 'urbano' como Tyler The Creator, lo que ha dado como resultado la química de “Parc”. Para ello ha sido necesario embarcarse en un viaje que empezó lento y sinuoso y ha acabado con el vértigo de sus tres últimos discos. Cada vez más rápido, cada vez más sintético, cada vez mas quirúrgico y punzante.

Y lo mejor de todo, sin perder esa esencia primigenia que hace que la voz de Palau sea única. Una rara avis del panorama pop hispano que cuesta ubicar. Ni se puede calificar como genuino pop urbano, pero todavía menos como el indie-folk que marcó sus inicios. Ferran Palau se mueve en el limbo de ambos estilos. Porque es ahí, en ese estado difuso, tenebroso y siniestro a la par que dulce y delicado, donde mejor se encuentra. El amo y señor de la tinieblas de algodón de azúcar.

—Se podría decir que con “Parc” has llevado ese método del “menos es más” que iniciaste con “Kevin”, tu disco anterior, a su punto más álgido. Hay menos pistas, más espacio, usas tu voz casi como otro instrumento y los bajos son más gordos que nunca. Además has anulado casi por completo tu guitarra acústica.

La acústica sigue estando en algunos temas. Pocos, pero sigue estando. Y las canciones las he compuesto todas con la guitarra en el salón de mi casa. Y es que para mí siempre tiene que estar la guitarra acústica, porque es como el nexo de unión con mi yo más puro. Así siento que no me estoy alejando tanto del que es mi punto de partida.

—Pero ¿estarías de acuerdo con que en “Parc” has llevado ese minimalismo hasta el extremo?

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El vertiginoso viaje de Ferran Palau “Parc” (Hidden Track, 21) es el nuevo trabajo en solitario de Ferran Palau. Un disco en el que todo se acorta o sintetiza. Versos, rítmica, instrumentación, pistas... Todo queda reducido a la esencia, lo puro.

La susurrante voz del músico catalán te acuna sobre un pequeño y delicado colchón de guitarras sintetizadas, beats y líneas de bajos entre silencios y suspiros. Un paso más en su vertiginoso viaje hacia la inmensidad de la nada.

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TEXTO Don Disturbios

enero 2021 #15

EN PORTADA

3 Es casi un reto y también es mi estilo y el de mi productor Jordi Matas. Es esa filosofía de con el mínimo dar el máximo. Y llevamos varios discos trabajando y purificando esa idea. Diría que la diferencia entre este disco y el anterior “Kevin” no solo está en el hecho de que hay pocas pistas e instrumentos y buscamos que la canción se aguante con muy poco, sino que a nivel de sonido también hemos trabajado con esa idea. Por ejemplo, a nivel de estéreo el disco es más pequeño y, aunque es una herramienta muy guay y está bien utilizarla, hemos decidimos no usar el impacto de que te vengan cosas por los lados.

Al mismo tiempo es un disco con menos agudos y con menos graves, pero con más “punch”. No es tan blandito como “Kevin” y los bajos son más incisivos. Aunque en realidad el bajo de este disco tienen menos graves, pero da la sensación de que está muy presente porque tiene un grave medio que punza más. Así que esa teoría del menos es más también la hemos llevado al sonido.

—Sucede lo mismo con los versos de las canciones. Son muy cortos y se repiten mucho en un mismo tema con la idea de encajar con esa instrumentación tan básica.

Siguiendo con la idea del minimalismo radical, quería conseguir explicar algo, no sé exactamente qué, con las mínimas palabras. Y además quería que fueran palabras muy simples. En mis primeros discos hay un lenguaje como mucho más rebuscado y, si te fijas, cada vez simplifico más y voy a las palabras más básicas. Tanto que hasta un niño de tres años podría entender el vocabulario que uso. Hay mucha repetición y son como pequeños titulares encajados unos con otros. Y sobre todo está la idea que tú comentas de la rítmica de la palabra que para mí es importantísimo, porque yo no soy un cantante muy melódico, no tengo una gran voz y soy bastante plano, entonces mi herramienta es la palabra y el ritmo. La musicalidad y el ritmo de la palabra. Así que juego mucho con eso.

—¿Piensas que, con este disco, cierras una etapa dentro de ese minimalismo que iniciaste con “Blanc” y luego con “Kevin” hasta llegar a este disco, o no te lo has planteado y aquí no finaliza nada y #16 enero 2021

vas a seguir investigando por este mismo camino?

Pues mira, creo que llevo muchos años haciendo canciones y sí que me doy cuenta que en mi carrera han habido como diferentes etapas y estéticas en mis canciones, tanto con Anímic como luego con mi proyecto en solitario. Las cosas van cambiando, el mundo se transforma, y creo que los músicos tenemos necesidades distintas en distintos momentos. Y la gente que escucha música también va variando sus necesidades y ahora mismo creo que estamos en un momento en el que la percepción del tiempo es de que todo pasa muy rápido y de que suceden muchas cosas. Por eso pienso que la música también se ha adaptado a esa realidad o al menos yo me he adaptado al hecho de hacer cosas muy simples, muy cortas, y sin dejar que pase mucho tiempo sin sacar nueva música. Me doy cuenta de eso ahora porque, si me fijo en mi primer disco, es un disco en el que igual empleé cuatro años para hacer las canciones. Para mi segundo disco, tarde tres años y las letras me llevaron muchísimo tiempo. Pero era como que entonces el mundo funcionaba a otro ritmo y yo funcionaba a ese mismo ritmo. Ahora, sin embargo, todo va mucho más acelerado y yo también voy muy acelerado a la hora de hacer música. Si eso cambia en el futuro, que seguramente lo hará porque las tendencias van cambiando y supongo que aprenderemos a utilizar el tiempo y las redes sociales e Internet de otra manera, si regresamos a una onda más tranquila, posiblemente en ese momento me daré cuenta de que mis canciones tienen que ser más largas, más trabajadas y que debo sacar menos.

—Por cierto, da la impresión de que, después de tantos años trabajando juntos, tienes una complicidad con Jordi Matas, tu productor, en el que hay un trasvase de ideas casi sin necesidad de hablarlas, como telepáticas.

Es tal cual lo dices. Haciendo música somos la misma persona. Nos juntamos y nos convertimos en un ente único en que él aporta su talento y yo el mío. Y eso dudo que lo llegue a perder nunca. Es mi productor y seguro que siempre va a estar a mi lado. Eso no significa que, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

en el futuro, no tenga la necesidad de incorporar nuevas cabezas pensantes al proyecto, o incluso grabar canciones con otro productor. Pero Jordi Matas soy yo y yo soy Jordi Matas. Somos la misma persona exactamente y eso se pude extender a más gente incluso.

—Hay mucha gente que no sabrá que ambos sois primos.

Y algo tiene que ver, creo. Ahí hay química y no lo digo solo como metáfora.

—¿Sois de esos primos que se han reencontrado de mayores, porque ambos teníais inquietudes artísticas o es una complicidad que ya venía de pequeños?

De pequeños sí había complicidad, pero no nos veíamos tanto como ahora. Siempre hemos tenido una relación muy guay, pero hasta que no empecé a hacer música... Me estoy refiriendo a que cuando tenía trece años él me enseñó a tocar la guitarra y los discos que yo tocaba con mis bandas de punk ya los grababa él.

—¿Qué opinas del nivel de las producciones que tenemos en este país, sobre todo en lo que a la música urbana se refiere?

Espectacular. Creo que ahora hay un nivel espectacular. Digamos que todo lo que ha sucedido en esta última década han sido como treinta años en realidad.

Es cierto que no ha habido una gran revolución, como la que significó la música electrónica, el techno o el hip hop en su momento. No la ha habido porque considero que la música urbana no deja de ser un refrito de cosas que ya existían con anterioridad, pero sí que veo que toda mi generación ha cogido ideas del pasado y las ha actualizado. Además, ahora se hace una cantidad de música enorme que nos llega, porque ahora nos llega todo, y claro, de esa cantidad bestial de música salen muchos talentos que, con un ordenador en su cuarto, te hacen sonar los discos que piensas que les ha costado veinte mil euros grabarlo y no. Discos que son comparables a producciones americanas muy caras como las de Justin Bieber. Porque tú escuchas un disco suyo con auriculares y te cagas encima de cómo suena, pero luego escuchas cosas que las ha grabado un colega tuyo en su cuarto y piensas: “¡Joder! Esto tampoco está tan lejos y no le ha costado un duro”. ¡Claro! Con tantas herramientas y facilidades para sacar tú música, lógicamente hace que el nivel vaya subiendo y subiendo.

Los músicos nos provocamos los unos a los otros y este pique sano hace que la calidad vaya subiendo.

—Es inevitable preguntarte por Anímic y si en el futuro vais a regresar.

Pues no tengo ni idea y espero que sí que algún día nos juntemos, pero ahora mismo no tiene mucha pinta la verdad. Yo sé que en algún momento Louise va a petar.

Porque ella es una mujer cíclica y ahora está muy metida con Hidden Track, que es su proyecto y lleva tres años muy absorbida por su empresa. Normal, porque es una cosa muy gorda y hay que meterle mucho curro. Por eso toda su creatividad, toda su fuerza y energía, está metida en el sello. En el momento en el que todas estas jóvenes promesas que estamos sacando empiecen a caminar, y las cosas se empiecen a estabilizar un poco, necesitará cantar de nuevo porque sino se volverá loca. En ese momento ya veremos si va a ser un disco de Anímic o va a ser un disco de Louise, de otra banda o vete a saber tú lo que será. Pero siempre digo que Anímic no nos hemos separado y estamos juntos aún. Tenemos miles de ejemplos de grupos que han tardado muchos años en sacar discos, así que posiblemente seamos unos de esos grupos y el día que tengamos la necesidad de hacer algo juntos y pensemos que haciendo juntos vamos a conseguir algo que de otro mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“Ahora todo va mucho más acelerado y yo también voy muy acelerado a la hora de hacer música”

modo no se podría conseguir, lo haremos.

—Lo que está claro es que Anímic no se entiende sino es con toda la formación original, ¿no?

Absolutamente. Si sacamos un disco como Anímic es porque estamos los cinco. Solo que faltara uno ya sería otra movida.

—Me he fijado que cuando has hablado de Hidden Track se te ha escapado un plural y no sé hasta qué punto participas a la hora de hacer de A&R o de fichar a grupos para el sello. Si te dejan opinar y si metes baza o no.

Sí por supuesto. A ver, yo no estoy en el sello como está implicada Louise para nada. Yo soy un artista del sello, pero estamos todo el día hablando sobre Hidden. Y cuando ella está mirando un artista o lo que sea, por supuesto que me pasa cosas y nos ayudamos el uno al otro. Yo intento aportar lo que puedo. En temas de gestión soy un desastre y ahí sirvo de bien poco, pero estoy produciendo a artistas del sello. He producido a Carlota Flâneur, estoy trabajando en la producción del disco de Iris Deco que va a salir el año que viene. Así que básicamente lo que estoy haciendo es eso, producir artistas.

—¿Y qué tal la experiencia?

Brutal, brutal. Y es que nunca había tenido la oportunidad de trabajar con peña con mucho talento ni tampoco de hacer de productor de un artista que incluso considero que tienen más talento que el mío a la hora de componer, de cantar y de todo. Entonces estoy aprendiendo un montón y buscando nuevas formas de hacer música. Porque lo que no puedo hacer, es hacer lo mismo que haría en un disco mío con otro artista.

Tengo que absorber lo que creo que es ese artista y darle lo que creo que necesita que, posiblemente, no tenga mucho que ver con lo que yo hago. A veces no, a veces sí.. Está claro que yo tengo una línea editorial (risas), pero tengo que escuchar un montón de música que no escucharía para coger nuevas ideas y cosas así.

—¿Crees que la principal labor de un productor es precisamente ayudar a encontrar al artista su propia voz, más allá de la visión que tenga el propio artista?

Es que precisamente eso es lo mágico de Hidden Track y lo que estamos haciendo con Louise. Porque cogemos gente que aún no ha debutado, pero que tienen un talento que lo flipas y lo hacemos todo. No solo te saco el disco y punto, sino que lo empezamos todo desde cero: la imagen, el grafismo del disco, los videoclips, la producción e incluso Louise está corrigiendo letras de artistas. Es un trescientos sesenta muy heavy que, en realidad, está basado en la idea de un sello como fue Motown. Ese vamos a hacer una empresa de hits, una empresa de sacar música. Entonces, claro, el par-

EN PORTADA

ticipar en Hidden Track es muy creativo. No solo es un tema de gestión, también lo es de creación y ahí entramos en lo que tú dices y nos preguntamos: “¿Cómo es este artista? ¿Qué imagen? ¿Qué es lo que mola?”. Nos preguntamos cómo podemos llevarlo a algo que nos guste a todos. Y la producción es exactamente eso. Si tienes a una Anna Andreu o a una Carlota Flâneur, que son absolutamente distintas, te preguntas: “¿Somos capaces de crear un mundo para cada una?”. Ese es un reto que te cagas y a lo mejor no siempre saldrá bien, pero hacerlo ya es una pasada y a mí me está encantando.

—Este ver los toros desde la barrera, ¿te ha hecho cambiar la idea que tenías de la industria y de cómo funciona todo? O, como ya llevas mucho tiempo en esto, sabías dónde te estabas metiendo.

La verdad es que sí conozco cosas porque llevo mucho años metido en esto, pero sigo aprendiendo y seguramente no sé todavía ni la mitad. Aprendo mucho sobre todo de Louise porque ella es un tía que hace cosas que yo no pensaba que serían posibles.

Hace cosas que, cuando me las cuenta el primer día, pienso: “¡Vaya flipada!” (risas). Pero lo cierto es que las ha acabado consiguiendo y eso me parece increíble. De hecho cuando me contó la idea del sello me costaba entender de qué iba, porque ella me lo explicaba en plan: voy a hacer algo que aún no existe ¿sabes? Louise esta intentando buscar una nueva manera de hacer las cosas. Una manera que compense todo los errores que ella ha visto que existían en este negocio durante todos estos años. Lo ha hecho con muchos errores y con algunos aciertos y así, poco a poco, el proyecto va cogiendo forma. Pero considero que nuestro mundo musical es industria, pero aún es un poco como de juguete. Entonces creo que hay que aprender un montón de cómo se hacen las cosas fuera. Lo que te decía antes, el otro día Louise y yo vimos un documental sobre la Motown y estábamos casi tomando apuntes (risas). Y es que todo esto ya se hizo hace mucho tiempo, pero queremos ese mismo concepto de hogar para los artistas.

Que se sientan realizados y muy queridos en el sello.

Y en eso estamos.

—¿Cómo valoras el poder del single? Porque eso también ha regresado a la actualidad de los tiempos de la Motown. Ahora parece imprescindible tener un tema que rompa y viralice, ¿no?

Ya. Es muy difícil eso. Encontrar el “hook”, el gancho.

Ummm, bueno, es probarlo. Mira cuando empecé a grabar con Carlota Flâneur, la canción esta que ha petado más (“Generation Of The Young Flesh”) (ndr) era como muy atmosférica. Era como Russian Red o algo así. Y Louise me dijo que teníamos que conseguir que una de las cuatro canciones del Ep fuera pop. Tiene que haber algo, un gancho, un motivo que sea pegadizo, ¿sabes? Esa es la idea. Entonces, respetando cien por cien su música y su personalidad, el reto era cómo podíamos conseguir eso. Pues bueno, hay que hacerlo investigando y recuerdo que Carlota lloró incluso... No tenía claro lo que estábamos haciendo. Ahora ya no.

Ahora le encanta. Fue muy enriquecedor porque era todo un reto. Tengo una jefa, que es Louise, que me dice: “Esto tiene que ser un hit”. Y por otro lado tengo un artista que tiene miedo de acercarse demasiado al pop y ese “cómo encuentro la fórmula para llegar ahí” es muy divertido. —D.D.

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enero 2021 #17

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19/Mondo VINILOS

Joe Crepúsculo

Arctic Monkeys

Live At The Royal Albert Hall Domino/Music As Usual

8

ROCK / Las ganancias del concierto benéfi-

co que los monos árticos ofrecieron en el Royal Albert Hall de Londres el 7 de junio de 2018 fueron íntegramente donadas a la ONG War Child UK. Alex Turner y los suyos repiten ahora la jugada destinando a la misma organización la recaudación obtenida por el presente doble disco, que recoge lo acontecido aquella noche, con el objetivo de ayudar a niños afectados por la guerra, cuya situación se ha agravado aún más a causa de la crisis del Covid-19. Veinte pistas que recogen parte de los grandes cañonazos que han ido despachando a lo largo de su carrera, desde el gamberro y emblemático “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not”(06) hasta el sosegado “Tranquility Base Hotel & Casino” (18), con un especial énfasis en sus dos últimos discos; lo que también le otorga una buena cuota a “AM” (13), su celebrada reinvención. Tras entrar en calor con la acogedora “Four Out Of Five”, cuerdas y parches de batería se desgarran en la apoteósica “Brianstorm”, que generalmente se reservaban para los bises. Pero

¿qué está pasando? Los británicos terminan de hechizar a su público con la sublime intensidad de “Crying Lightning”, justo antes de golpearles con el reconocible riff de la exquisita “Do I Wanna Know?” su canción con más escuchas en Spotify (casi mil millones). La coreable “Why’d You Only Call Me When You’re High” convierte la jugada en un póker de ases, y cuando parece que la cosa no puede ir a más, cierran la Cara A del primer vinilo con “505” la joya oculta al final de su segundo disco “Favourite Worst Nightmare” (07), probablemente una de las canciones más inspiradas de toda su carrera. El peligro de empezar tan fuerte es que la cosa no puede ir a mejor, a pesar de eso, la banda, claramente en uno de sus mejores momentos (aunque no en uno de los más salvajes, desde luego) mantiene el máximo nivel a lo largo de su extensa duración. Destacan también la ralentizada pero exquisita versión de “Do Me A Favour”, la belleza de “Cornerstone”, la contundente interpretación de “Arabella”, la atmósfera lograda en “Tranquility Base Hotel & Casino”, la locura de “I Bet You look Good On The Dancefloor” o la rotundidad de “R U Mine”, cuyos riffs son capaces de seguir retumbando en tu cabeza largo rato después de los aplausos finales.

“Live At The Royal Albert Hall” es un gran trabajo y una noble iniciativa de una de las bandas insignia del indie rock de las últimas décadas. —JESÚS GARCÍA SERRANO

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“… Y en paz la oscuridad” Aloud Music

Supercrepus II El Volcán

POP / No debe ser fácil para el ego de un artista el hecho de publicar continuamente discos sobresalientes, pero que te sigan reconociendo por esa primera prueba discográfica que te abrió las puertas del carrusel pop. Esto mismo es lo que le debe haber sucedido a Joe Crepúsculo para que haya titulado su último álbum como “Supercrepus II”, en alusión a su obra más alabada hasta la fecha, porque del espíritu lo-fi y minimal de aquel disco sólo conserva el título… y su extensión quilométrica. Pero aquí se acaban las coincidencias, básicamente, porque estamos ante una obra cincelada con un grupo de apoyo y con todo lujo de detalles instrumentales, en pos de una diversidad estilística como nunca antes había propuesto el de Sant Joan Despí.

9

Una noble iniciativa de Arctic Monkeys

Ànteros

—MARCOS GENDRE

8

cia. Luz y oscuridad. Preciosismo y brutalidad. Son las dos caras de Ànteros, una banda de contrastes que ya no necesita presentaciones en el panorama underground estatal tras la publicación de varios trabajos e incontables conciertos a sus espaldas desde su presentación en el 2006. Ese equilibrismo solo al alcance de un supergrupo como Ànteros marca el inicio del presente “… Y en paz la oscuridad”, un elepé con ocho cortes auspiciado por la familia de Aloud Music. De fuegos purificadores y nuevos comienzos va ‘Cenizas’,cinco minutos de menos a más en el que las dos voces de la banda, antagónicas sobre el papel, se dan la réplica y nos regalan uno de los momentos más potentes del disco. Sin duda, su trabajo más completo hasta la fecha. —LUIS BENAVIDES

Neil Young & Crazy Horse

Miley Cyrus

Plastic Heart RCA Records

Return To Greendale Warner

8

ROCK / A la espera de la

segunda tanda de “Archives Vol. 2”, en que imaginamos que también irá incluido este documento, Neil Young rescata un directo de 2003 que tiene su miga, pues fue una de las giras más aplaudidas del canadiense y de una etapa de mayor inspiración que la reciente. Tanto “Greendale” como “Prairie Wind” o, por supuesto, “Living With War”, tenían argumentos, canciones y ese punto de crítica y protesta. Por tanto, recuperar este directo es un acto de reivindicación. Además, en “Return To Greendale” cuenta con compañeros inseparables, Poncho Sampedro, Billy Talbot y Ralph Molina, mas las Montainettes, cuatro coristas con la presencia destacada de su otrora amada Pegi Young. Una banda que por aquel entonces, se comía el escenario. —TONI CASTARNADO

POST METAL / Paz y violen-

POP / La artista vio arder su casa en Malibú (California) tras una serie de incendios que lo arrasaron todo. Dos años después presenta “Plastic Hearts”, un álbum que Cyrus describió en un primer momento como un “álbum de rock”, una idea que no parecía en absoluto descabellada teniendo en cuenta sus influencias musicales, sus magníficas covers recientes de Blondie o The Cranberries y su estética actual. Sin embargo, muchos otros pensábamos que tiraría por una música pop más disco, parecida a “Midnight Sky”, el lead single del álbum. “Prisoner”, con Dua Lipa, encajaba con esta línea gamberra y medio punk que Cyrus nos quería hacer creer, pero lo cierto es que “Plastic Hearts” se ha quedado a medio gas entre un glam-rock elegante y un pop guitarrero que a veces recuerda a Disney. —ÁLVARO TEJADA

7

enero 2021 #19

MONDOVINILOS

Joan As Police Woman

Joan As Police Woman Live Sweet Police

La búsqueda de The Smashing Pumpkins

7

The Smashing Pumpkins

Cyr Sumerian Records

6 ROCK / El undécimo disco de estudio de The

Smashing Pumpkins muestra a un grupo empleado a fondo en la búsqueda de esas bases que deben cincelar su sonido actual.

Un empeño que, tras superar la disolución del año 2000, debería terminar por definir la segunda etapa del grupo y su madurez creativa. Porque el entorno ha cambiado, y con él también la propia banda y un público que hace ya tiempo que dejó atrás los veinte años. Una serie de circunstancias que deben asumirse como premisas antes de acercarse al presente álbum, para evitar así sorpresa y decepción. En pleno epicentro de su segundo tramo como grupo, Billy Corgan y compañía ofertan el que es su disco más evidente y desprejuiciadamente pop. La contundencia de ataño desaparece casi por completo, para dar paso a inéditas oleadas melódicas y sintéticas que Corgan rasga levemente con su voz. En “Cyr” los teclados y sintetizado-

Burrito Panza

Deafheaven

POP ROCK / Estos viejóve-

nes e ilustres albaceteños acaban de firmar su mejor disco hasta el momento. Y no es casualidad haberlo conseguido con la ayuda de un Paco Loco en estado máximo de gracia sonora.

“Autosabotaje” es similar a todo lo publicado hasta la fecha por Burrito Panza, pero mejor. Sin apenas cambios, ajenos a modas y pocos fuegos artificiales mantienen un sonido fiel a sus propios y santos principios musicales y valores personales. Pero sí han sabido sumarle pegada, rabia, potencia y hasta algo de comercialidad al asunto. Destacaremos la suave fiereza noise de “Dolor con sentido del humor” y la intensa emotividad de “Cien años”; además de la intimidad surfinista de la nana “El insigne insomne” y del pop laberíntico de “Valeria dice”. Mención aparte merecen la preciosa aridez de “Dos inercias” y “Perdido al infinito” por su querencia pop que la hace optar a ser coreada en los festis patrios, cuando vuelvan para alegrarnos la vida. —FERNANDO FUENTES #20 enero 2021

METAL / En el presente 2020 el quinteto Deafheaven ha cumplido diez años de carrera a lo largo de los que han reinventado el black metal desde dentro. Su plan era salir de gira para celebrarlo con su público, pero la pandemia lo truncó todo. Afortunadamente, la banda ha sido tozuda y ha buscado alternativas. El resultado es este directo grabado en estudio con el que habría sido el repertorio de esos conciertos no realizados de conmemoración de su primera década como grupo. “10 Years Gone” es un disco visceral, intenso y cerebral, fiel reflejo de la idiosincrasia de una banda cuyo sonido es característicamente complejo y lleno de recovecos, no apto para oídos pusilánimes. Quizás no resulte fácil hincarles el diente, pero su originalidad y calidad terminan por imponerse tras las primeras escuchas. Más allá de un regalo para fans, este disco es una perfecta vía de entrada al universo sonoro de Deafheaven. —JUAN P. HOLGUERA

8

músico propicia que la formación asuma el salto mortal de firmar un álbum doble, en una apuesta tan arriesgada que inevitablemente alterna aciertos con relleno. “Cyr” hubiese lucido más de haberse apuntalado sobre sus mejores momentos, seleccionando diez o doce de sus temas. Pero estos son The Smashing Pumpkins en pleno 2020 y este es su manual de uso vigente, con el pop como orgulloso santo y seña y la enésima prueba del talante creativo que blanden. —RAÚL JULIÁN

Woman Sony

R&B / Firmar un álbum como “Woman” con apenas veinte años es algo excepcional, y más aún en una escena española acostumbrada a pocos ejercicios de madurez temprana. Deva lo ha logrado de manera natural y artesanal. Su camino de descubrimiento personal (y sexual) ha venido acompañado de un disco elegante, sofisticado y sensual.

Está grabado con gusto. Otra obra del cada vez más reconocido (y multiplatino) Pablo Gareta. En “Woman” encontramos canciones que transitan del neosoul al R&B, llegando a tocar el funk en canciones como “F.U.C.K.”. Y sigue siendo accesible. Con este álbum Deva parece buscar alejarse de una homogeneidad cada vez más presente en una escena que otrora destacó por su originalidad. Canciones como “Love & Sex”, “Valle” o “Otra mujer” son, probablemente, las mejores que Deva ha grabado en su carrera y un aviso de la artista en la que puede llegar a convertirse si continúa este camino personal y propio que ya empieza a transitar. —LUIS M. MAÍNEZ

7

man se apunta a la moda de terminar el año publicando disco en directo, entregando una actuación ofrecida junto a su banda al amparo del estudio y fuera del circuito oficial de la gira de “Damned Devotion” (18).

A pesar de sus particularidades, cualquiera que haya tenido la fortuna de vivir un concierto de Joan Wasser sabe de su fuerza escénica, con veladas que pueden alternar, con idéntica intensidad y solvencia, momentos íntimos de fuerte calado emocional con acelerones y una mayor contundencia. Dos vertientes aquí retratadas, con generosos detalles y una perfección ejecutiva que respeta el (necesario) realismo del propio concierto. Una grabación de inmutable distinción, a lo lago de un repertorio que cuenta con un total de diecisiete seleccionadas.

Una retrospectiva sedosa, en definitiva, sobre la obra de la autora, cincelada en base a un sonido exquisito y rematada con la habitual y hechizante elegancia de la cantante. —RAÚL JULIÁN Néboa

Megan Thee Stallion

Deva

10 Years Gone Sargent House

Autosabotaje El Genio Equivocado

8

res toman un protagonismo nada disimulado, rallando muy por encima de unas guitarras relegadas a plano secundario. Es así como en el lanzamiento predomina un synth-pop que remite a aquella colaboración de Corgan con New Order incluida en el elepé “Get Ready” (London, 01) de los británicos. El vocalista podría haber almacenado las lecciones de Bernard Sumner, esperando el momento propicio para plasmarlo en su propio lienzo. Una decisión que unida a la confianza (o ego desmedido) del propio

A Realidade Enganosa Raso Estudio

Good News 300 Entertainment

RAP / No existen rivales para Megan en 2020. Se ha convertido en una especie de símbolo de la lucha por la libertad en un año repleto de censura. Un icono por la resistencia, la fuerza y el empoderamiento de la mujer.

“Good News” es una especie de Biblia de todo esto. Un primer álbum que remarca su talento creativo y su capacidad de influencia.

Inicia con un potente “Shots Fired” en el que trata el tiroteo por parte de Tory Lanez del que fue víctima en julio y en la que samplea el “Who Shot Ya?” de The Notorious B.I.G. Y es que no tiene miedo, rapea para defenderse y hacerse respetar en un mundo liderado por el hombre. Entre lo mejor, se cuela una espectacular “Circles” en la que samplea el “Holding You Down” de Jazmine Sullivan. La participación de SZA en “Freaky Girls” con la producción de Juicy J o esa pista que es puro sexo bajo el nombre de “Do It On The Tip” junto a City Girls en la que se genera un explosivo debate a tres que engancha.

8

—ÁLEX JEREZ

POP / Joan As Police Wo-

8

ELECTRÓNICA / El sello

discográfico Raso está siendo una de las principales fuentes de abastecimiento en este cultivo de maridajes estilísticos engarzados entre la tradición y la modernidad.

Es así como a los nombres de Baiuca o Xose Lois Romero & Aliboria, ahora hay que sumar el de Néboa: imaginario pop donde el acervo gallego proveniente de las raíces folk se entremezcla en una suerte de caleidoscopio estilístico donde caben detalles indietrónicos, como en “Límites”, o una suerte de saudade jazz, tal que en “Sácame do centro”. De Le Mans a Milladoiro, los registros musicales se confunden en un cuerpo de extremidades cosidas por el tono neutro vocal escogido y la búsqueda de una atmósfera de contornos difuminados y evocadores que bebe tanto de los ritmos arrítmicos, cuajados entre la integración acústica y electrónica de Dirty Projectors, como de la Björk más minimal de “Homogenic”. —MARCOS GENDRE

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Taylor Swift

FOLK / La única pega que tenía “folklore” era la época del año escogida para su lanzamiento. Taylor Swift nos regalaba un álbum otoñal y gris en pleno mes de julio, cuando los termómetros alcanzaban los cuarenta y pico grados. Muchos de nosotros ya fantaseábamos con escucharlo de principio a fin tal y como su sonido merecía y evocaba: alrededor de una manta, con infusión en mano y al calor de una chimenea. Pero, justo cuando las condiciones meteorológicas eran las adecuadas para este escenario y comenzábamos a digerir del todo este último trabajo, va Taylor y nos sorprende con “evermore”, primo-hermano de “folklore”. Las historias vuelven a ser muy parecidas, protagonizadas por personajes reales y/o ficticios que ven afectadas sus vidas a raíz de ciertas encrucijadas, encuentros, tragedias u otras tramas que constantemente cruzan la línea entre lo real y lo ficticio. Un ejercicio de sanación, valentía y honestidad artística.

7

—ÁLVARO TEJADA Maria Rodés Lilith Satélite K

8

CANCIÓN / “Lilith” es un dis-

MONDOVINILOS

King Gizzard & The Lizard Wizard

evermore Republic Records/ Universal

K.G KGLW/ Music As Usual

7

ROCK / Sobra decir que la

banda australiana es una de las más currantes del mundo de la música. Su producción es difícilmente comparable con la de cualquiera y, año tras año, nos han acostumbrado a lanzamientos continuos. Hace tres años iniciaron un proyecto al que llamaron Flying Microtonal Banana y su nuevo capítulo responde simplemente a las iniciales “K.G.”.

En él, Stu MacKenzie, alma máter de la banda, se metió de lleno en la afinación microtonal de Oriente Medio, y ahí sigue. Por tanto, este disco de diez canciones incide en la psicodelia de anteriores entregas. Por si no fuera complicado grabar un disco así, la banda lo ha hecho en plena pandemia, a distancia, y enviándose los archivos por ordenador. Se meten en viajes lisérgicos en “Automation”, tiran de jam en “Some Of Us” y se dejan ir por completo en “Oddlife”. Sorprenden algo con el ligero blues de “Honey” y hasta se atreven con el funk en “Intrasport”.

Pero es que King Gizzard no tienen límites. —EDUARDO IZQUIERDO Stay Homas Agua Sony Music

POP / Stay Homas presen-

co de nueve temas que primero fue Ep que el confinamiento, cual crisálida, ha transformado en largo. Y nosotros contentos.

Porque el tema da para nueve y nueve más. La brujas como seres libres, ajenas a la represión oscurantista. Aquí hay chicha.

Y Maria Rodés la despliega con esa naturalidad innata, delicada y dulce, que uno asocia de forma instintiva a su timbre vocal.

Una luz evocadora, tenue, que te acuna. Por eso aquí no hay estridencia y la voz de la Rodés esta ahí, delante de todo, como la gran protagonista que es. Un dulce sortilegio que traza sus encantos sobre el oyente con temas delicadamente trotones como “Pelo Rojo” o envolventes y vaporosos como esa rondalla a ritmo de vals que es “Carta al diablo”. Y claro, en un disco como este había que echar mano de la tradición y de lo popular. Por eso hay jota, bossanova, seguidillas y evocadoras baladas mediterráneas como la excelsa “Con los pies desnudos”.

8 tan su primer álbum de estudio. El resultado es un trabajo que no se define ni por género, ni por idioma. “Agua” es un disco versátil que muestra el amplio abanico que puede abarcar esta jovencísima formación. Por un lado, han dejado varios temas antiguos. Son creaciones que ya hicieron durante la cuarentena, pero con mejor calidad y con una base musical mucho más potente.

Entre ellas destaca “Les Merdes”, una de las más queridas por su público, ya que en su momento conectó con el duro momento que estábamos viviendo todos. Esta energía se contrarresta con “Tudo Bem”, una pista en portugués con un mensaje mucho más positivo.

Y, por otro lado, han añadido nuevas omposiciones. “Mientras respire” es una canción con ritmos más altos, o “Days Of Our Lives”, una pieza mucho más pop.

Un grupo que empezó haciendo canciones por entretenerse y que han acabado con una gira mundial pendiente por hacer.

—DON DISTURBIOS

—ALEJANDRO CABALLERO

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La M.O.D.A. cambia de registro La M.O.D.A.

Ninguna ola PRMVR

8 ROCK / No soy de los que castiga la valentía

en los músicos, los intentos de tomar nuevos caminos para su música, pero sí que hay dos cosas que critico habitualmente, alguna de las cuales ya he destacado en estas páginas.

La primera de ellas es la evolución que no es tal. Es decir, el limitarse a meter un par de sintetizadores a tu música o cuatro violines cuando estos elementos nunca habían estado en ella y decir que es cosa de tu evolución como músico. No compro. Y la otra es la temeridad. Los cambios están bien si se hacen de manera progresiva y adecuada, pero descolocar al oyente puede no ser una buena vía para los músicos. Y hay que reconocer que La M.O.D.A. en este nuevo disco, producido por Raul Refree, han estado a punto de cruzar la línea sin hacerlo definitivamente, en varias ocasiones. No quiero ni pensar lo que les vendrá a la mente a aquellos que se quedaron en el primer disco del grupo burgalés y los cogen ahora con este “Ninguna ola”

que poco o nada tienen que ver. Porque probablemente David Ruiz y los suyos eran el ejemplo de grupo fácil –en el sentido menos peyorativo de la palabra–, de banda con canciones que entraban a la primera y aquí han apostado por lo contrario. Por un disco, para qué engañarnos, difícil. En el que Ruiz parece dominar el cotarro más que nunca con su poesía lisérgica, y en el que el resto de componentes del grupo ha seguido su pasión por el riesgo, compartida con Refree, sin dudarlo. Coquetean con el hip hop, el post-hardcore y hasta con el spoken world en más de una ocasión, sin rubor pero, y eso es lo mejor de todo, siempre con la sensación de honestidad. Y es que uno tiene la sensación de que este disco puede hacerles ganar el respeto de muchos que los criticaban como banda de usar y tirar, pero también hacerles perder más seguidores de los que podrían ganar. La impresión es que los tiros, en el futuro, irán definitivamente por ahí. Y yo estaré atento a ello. Porque a mí sí me han ganado para la causa, si es que no lo habían hecho ya con trabajos en los que apuntaban levemente en esta dirección. Aquí lo han radicalizado y, como decía, casi patinan en algún momento, pero han mantenido el equilibrio, y eso no era fácil. —EDUARDO IZQUIERDO

enero 2021 #21

ESPECIAL

E

ROMPA TODO

l resultado es entretenido, con un destacable esfuerzo en el trabajo de arqueología musical y la edición, aunque el siglo XXI no forma parte del alcance principal de la serie. Sin embargo, más allá de las razones que puedan esgrimir los productores, investigadores y guionistas involucrados, la historia hubiera dado para mucho más. Digamos que se trata de una historia parcial o incompleta del rock en América Latina.

Que Netflix ha acertado con “Rompan todo” es indudable. ¿Pero qué se entiende por acierto? Pues el hecho de que haya puesto el tema del rock en América Latina sobre la mesa —o en millones de pantallas— y haya encendido el debate. La serie no pasa desapercibida y eso ya asegura un logro comercial. A medida que se suceden los episodios, van surgiendo las preguntas que se agolpan luego de devorarse los seis en una sola sesión (sin duda la mejor manera de no dispersarse). ¿Qué persigue realmente la serie? ¿Es una serie de entretenimiento? ¿Es una serie cuyo fin es la reivindicación de una historia común o solo de una parte interesada? ¿Se trata de un ejercicio de auto indulgencia? ¿Es un acercamiento a la historia política a través de la música? ¿Qué criterios se siguieron para incluir a unos y descartar a otros? Dependiendo de la edad, del país en el que cada quien haya vivido y de la cultura musical que se tenga, esas preguntas —todas o ninguna— y sus varias respuestas, pueden surgir en el espectador.

La cronología arranca con las inofensivas copias a propuestas doo wop, boogie-woogie o rock’n’roll que ocurrieron en todos los países, los intentos de encarnarse en Elvis, sigue con el impacto superlativo de The Beatles y el resto de grupos de la Primera Invasión Británica, los hippies, la contracultura, el blues y la psicodelia, la revolución sexual, los grandes festivales, pasa por la era punk y new wave que cambió y oxigenó todo el panorama anterior, hasta llegar finalmente a los noventa y la llegada de MTV Latino, presentada como una especie de panacea. La historia está contada de forma atractiva y bien documentada, sí, pero de forma parcial.

La complejidad de contar una historia de sesenta años que posee muchos flancos es indudable. El concepto etno-geográfico y cultural conocido como Latinoamérica, agrupa a veinte países cuyas lenguas oficiales son el español y el portugués, y a un pequeño porcentaje de otras naciones en las que se habla francés. Todos con el vínculo común de haber sido alguna vez colonia de España, Portugal o Francia.

A ello hay que agregar a las millones de personas y descendientes que viven en Estados Unidos y se han llevado consigo costumbres culturales muy arraigadas.

Q

ueda claro que los productores Nicolás Entel y Gustavo Santaolalla, el director Picky Talarico y el productor periodístico Manuel Buscalia, tenían que tomar decisiones para no perderse en el camino. Apostaron por ubicar el hilo cronológico en las dos más notables e indiscutibles capitales del rock de la región a través de las décadas: Buenos Aires y Ciudad de México. Una tercera, Santiago de Chile, es también importante. La impresión con la que nos quedamos es que aquello que no estuviese en ese radar que triangula Buenos Aires, Santiago de Chile y Ciudad de México, con escala en Bogotá, fue descartado: no existe de cara al espectador. Pero, no significa que todo lo relevante de esas ciudades haya sido tratado. Al contrario. ¿Faltó rigor? Pues sí.

A menos que se piense en una segunda temporada —posibilidad que no ha sido anunciada, por lo menos hasta el momento—, lo que reflejan estas seis entregas es la sensación de haber dejado olvidados capítulos de absoluta importancia como Brasil (un cosmos de grandes proporciones), Venezuela, Ecuador, Panamá, Perú y Uruguay (estos dos son mencionados en el primer episodio con grupos como Los Saicos y Los Shakers, y entrevistas a sus líderes). De hecho, la traducción al castellano del éxito de 1965, “Break It All”, de Los Shakers, da nombre a la serie.

Habría sido interesante, también, abordar el rock en Cuba, uno de los primeros países de habla hispana donde se hizo rock, poco después considerado un género transculturizante por la revolución castrista, lo que ya, de por sí, ofrece bastante tela.

Cualquier espectador no avezado, especialmente las generaciones recientes, habituadas a Netflix, puede llegar a la conclusión tras ver los seis episodios de “Rompan todo” que fuera de Argentina, Chile y México, el rock casi no ha existido en el resto de América Latina. Colombia aparece en la segunda mitad, con énfasis en Aterciopelados, pero tampoco se le hace justicia a un país que cuenta con un festival de la relevancia y las características de Rock Al Parque. Tampoco se reconoce con justicia la gran influencia de la Movida Madrileña y

#22 noviembre #14 enero 20212016

La historia incompleta del rock en América Latina

Seis episodios conforman la mini serie lanzada por Netflix en la que se aborda la historia del rock en América Latina, partiendo del californianomexicano Ritchie Valens a finales de los años cincuenta y apelando, principalmente, a los testimoniales de muchos protagonistas.

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TEXTO Juan Carlos Ballesta

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AN el resto de la escena española. Fueron muchos los grupos, discográficas, revistas y fanzines, que se convirtieron en referencia para muchos en América Latina.

Desde que el rock dio sus primeros signos, el ecosistema latinoamericano ha sido una auténtica montaña rusa tanto en lo político como en lo social y económico, con dictaduras militares, períodos democráticos en apariencia sólidos y otros llenos de inestabilidad, socialismos de corte totalitario, populismos, guerrillas, golpes de estado y mucho más.

Todo ello se ha reflejado en la cultura y el arte, y muy en especial en la música. En México, el rock estuvo prohibido durante muchos años y, en los años setenta, perseguido en Argentina y Chile; estigmatizado, incluso, en democracias como la venezolana y tachado de ente alienante en Cuba.

Partiendo de esa premisa, van apareciendo varios de los principales protagonistas, en una historia contada cronológicamente, sin voz en “off”. Por tanto, el peso narrativo descansa sobre cada uno de los participantes elegidos mondosonoro.com — @mondosonoro @mondo_sonoro — — facebook/mondonosoro facebook/mondosonoro

—algunos con un ego bastante inflado—, y es el director quien le da coherencia a ese cóctel de opiniones, visiones y posiciones. Allí también surgen dudas sobre el manejo algo maniqueo del tema político, la violencia, la rebeldía, el mercado y la industria. ¿Sabía cada participante la forma que iba a tomar finalmente la serie? Toca al espectador valorar a cada uno y al conjunto. A medida que aparecen los testimonios, surgen imágenes de archivo que sin duda representan un gran esfuerzo de arqueología musical y documentación, que se erigen como uno de los grandes atractivos de la serie.

Los detalles en el caso mexicano son apasionantes. Su historia está troceada en dos partes, la de los sesenta y tempranos setenta, el recomienzo en los años ochenta y la gran explosión de los noventa gracias a MTV Latino. Allí se mencionan eventos trascendentes como la Masacre de Tlatelolco en 1968, el terremoto de 1985 o la cuestionada asunción al poder de Carlos Salinas de Gortari en 1988.

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Los Shakers, Andrés Calamaro, Gustavo Santaolalla, Maldita Vencindad, Soda Stereo y Julieta Venegas.

3 noviembre enero 2021 2016 #23 #15

ESPECIAL

3

“ “Sesenta años después del nacimiento del rock en América Latina la única certeza es que la mayor parte de lo ocurrido es y parece que seguirá siendo subterráneo”.

#24 enero 2021

Así, van apareciendo personajes como Enrique Guzmán (Los Teen Tops), Alex Lora (El Tri), Javier Bátiz, Armando Suárez (Chac Mool), Rafael Acosta (Los Locos del Ritmo), Sergio Arau (Botellita de Jerez), quienes cuentan, a su modo, las experiencias en una etapa difícil que tuvo su punto culminante en el mítico Festival Rock y Ruedas de Avándaro en 1971, a partir del cual se prohibieron los festivales de rock durante quince años, mientras el presidente de entonces, Luis Echeverría, prohibía a las estaciones de radio programar rock, obligaba a las discográficas a no grabar a bandas y conminaba a la prensa a satanizar a la juventud.

Más adelante hacen su aparición los miembros de Caifanes, Neón, Fobia, Café Tacvba, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio (estos con especial merecimiento), Humberto Calderón (del grupo Neón y responsable del sello Culebra), Maná, La Lupita, Santa Sabina, Molotov, entre otros, así como Julieta Venegas y la chilena afincada en México, Mon Laferte (cuyo aportación, en este caso, es prescindible).

Hay ausencias notables en lo referente a México, como la no mención de los sellos Opción Sónica, Intolerancia, Antídoto y otros, pero la mayor es la del Sr. González (Rafael González Villegas), quien además de integrante en varias épocas de Botellita de Jerez, productor y parte de varios proyectos, es un avezado investigador y una de las voces más autorizadas, con tres volúmenes indispensables que cuentan la historia, titulados “60 Años de Rock Mexicano”.

A

rgentina es el país que recibe el trato más amplio, no solo por la cantidad de participantes y sus testimonios, sino por imágenes de archivo de gran valor, entre ellas de los recordados Sandro, Spinetta, Moris, Pappo, Tanguito, Luca Prodán, Federico Moura, Miguel Abuelo y Cerati, y de bandas históricas como Los Gatos, Manal, Vox Dei, Sui Generis, Almendra, Arco Iris, Pescado Rabioso, Seru Giran, Sumo, Virus, Los Abuelos de la Nada, Billy Bond y La Pesada del Rock And Roll, Los Violadores, Suéter, Los Fabulosos Cadillacs, Los Twists, así como acontecimientos de la turbulenta vida política y social argentina, como la Guerra de las Malvinas.

Entre los muchos personajes que son entrevistados, hay que destacar la aportación de Litto Lebia, David Lebón, Pedro Aznar, Nito Mestre, Zeta Bosio, Fito Páez, Pil Trafa, León Gieco, Vicentico, Ricardo Mollo, Tweety González, Richard Coleman, Marcelo Moura, Miguel Mateos, Cachorro López, Celeste Carballo, Hilda Lizarazu y, obviamente, la de Gustavo Santaolalla, quien maneja los hilos.

Mención aparte la del italiano nacionalizado argentino, Giulano Canterini, conocido como Billy Bond, incendiario personaje que como cantante y luego propietario del recordado local La Cueva sufrió persecución y debió exiliarse en Brasil. No tan afortunadas resultan las intervenciones de Andrés Calamaro, y sobre todo Charly García.

El gran punto de ruptura con Soda Stereo, a partir de 1984, es tratado en detalle. Su impacto local y pronta repercusión en el resto de países americanos, lo que convirtió a la banda en un punto de inflexión en la historia del rock en América Latina, una influencia que sigue tan campante. No hay duda de la importancia capital que ha tenido Gustavo Santaolalla, no solo como visionario músico que supo incorporar de manera brillante el folclore al rock (aunque no fue el primero como se deja entrever) para dar identidad al rock argentino, sino como productor, compositor y curador de bandas sonoras, y descubridor de talentos. Todo ello le da autoridad suficiente, pero al mismo tiempo no es posible dejar de reconocer que peca de sobreexposición y deja la impresión de haber dado el peso principal a todos aquellos a los que ha producido o promovido.

En el caso de Chile, salvo el segmento dedicado a Los Jaivas y su mezcla de folclore con rock, la atención se la llevan Los Prisioneros —la primera banda de Chile que trascendió en la región, en plena dictadura de Pinochet en los ochenta—, Los Tres y La Ley. Los protagonistas aparecen en pantalla bastantes veces, aunque el cantante y bajista de Los Prisioneros, Jorge González, deja una pobre impresión. Una inexplicable ausencia es la de Congreso, la longeva agrupación con cincuenta años de historia, gran

reflejo de la diversidad musical chilena.

En la segunda mitad de la serie, surge un cuarto país protagonista: Colombia. El grupo Compañía Ilimitada es uno de los escogidos y hubiera sido interesante la participación de Andrew Loog Oldham, ex manager de The Rolling Stones quien vive en Bogotá, gracias a quien la banda obtuvo un gran éxito en 1988. El grupo Pasaporte, Juanes (que antes de hacerse famoso como solista editó cinco discos con la banda de thrash metal Ekhymosis), pero sobre todo Aterciopelados (Andrea Echeverri y Héctor Buitriago) reciben bastantes minutos, quizá demasiados en detrimento de todos aquellos que no fueron considerados.

Que Brasil no aparezca en un trabajo sobre la historia del rock en América Latina es difícil de procesar y deja bastante tocado al esfuerzo. Allí está Paralamas como la punta de lanza del rock brasileño, incluso con discos cantados en español e impacto en toda Latinonamérica. ¿Dónde quedó Os Mutantes y el resto de los grandes del tropicalismo, pioneros en mezclar rock, psicodelia y música tradicional? ¿Y el gran Cazuza? La lista es muy amplia y las historias de un país que también pasó por dictaduras, es de un gran atractivo.

Que Venezuela tampoco haya sido incorporada, no se entiende. En Caracas, por ejemplo, se realizó en 1991 el más ambicioso festival de la región hasta entonces (Festival Iberoamericano de Rock), cinco días en los que participaron muchos de los músicos entrevistados en “Rompan todo” y que cerró Soda Stereo en el amanecer del 11 de noviembre, tras una tormenta que asemejaba a las de Woodstock y que el público soportó estoicamente por horas.

Cerati siempre mencionó ese show como el más alucinante y memorable en su vida. De Venezuela, apenas aparecen Héctor Castillo y José Luis Pardo en breves testimoniales, pero ninguna de las emblemáticas bandas de las que fueron o son parte aparecen (Sentimiento Muerto, Dermis Tatú, Los Amigos Invisibles, Los Crema Paraíso).

En el caso de Sentimiento Muerto, su primer disco fue producido en 1987 por Fito Páez y el histórico único disco de Dermis Tatú fue grabado en Argentina. Hubiera sido más que pertinente que la influyente figura de Cayayo Troconis, ocupara minutos en “Rompan todo”. Tampoco hay rastro de Desorden Público, la más importante y longeva banda de ska, con treinta y cinco años de historia, muchos discos y giras por varios continentes. Ni del gran exponente del rock con elementos folclóricos en los años setenta, Vytas Brenner.

En el caso de Perú, más allá de Los Saicos, se ignoran grupos fundamentales como Pax —pionero del hard rock—, Laghonia, We All Together y sobre todo Traffic Sound, que en 1971 fue la primera banda peruana en tocar en Argentina, Chile y Brasil, con un sonido que mezclaba psicodelia, rock progresivo y ritmos afroperuanos. El exitoso Miki González brilla por su ausencia. Es inocultable que durante mucho tiempo, los países latinoamericanos funcionaron como islas. En el plano musical, poco se sabía dentro de un país de lo que ocurría en otro. Cuando en la Argentina de los años setenta, Luis Alberto Spinetta y Charly García eran grandes fenómenos con sus grupos, poco o nada de ellos se sabía más allá de sus fronteras. Lo mismo ocurría con el resto de países donde se produjeron fenómenos de impacto local. Por ello, era necesario ahondar en dichas realidades sin normalizarlas, porque cada nación tiene sus particularidades. Fue en los años ochenta cuando comenzó a producirse la expansión, con Soda Stereo a la cabeza y muchos grupos españoles cuya música cruzó el Atlántico hasta las emisoras de radio y programas de TV. En ese sentido, la inclusión de Santiago Auserón es un acierto ya que Radio Futura fue uno de los grupos que más influencias latinoamericanas incorporó a su rock.

Sin embargo, no está Miguel Ríos, quien en 1986 organizó el Primer Encuentro Iberoamericano de Rock en Madrid, y que era para entonces el rockero español más conocido en América Latina. Luego la irrupción de Héroes del Silencio influyó a muchísimas bandas de toda América, y no digamos ya las de Siniestro Total y La Polla Records.

Hubiera sido interesante conocer el testimonio de Olvido Gara, “Alaska”, mexicana de nacimiento y protagonista mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

esencial de la Movida Madrileña. Sobre todo porque el tema de las mujeres dentro del rock latinoamericano es despachado con simplismo y casi da la sensación de haber sido incluido para cumplir con lo políticamente correcto.

Resulta también insólito que no se hayan dedicado generosos minutos a la gran influencia que tuvo Carlos Santana y su banda en la personalidad del rock latinoamericano de los años setenta. Decenas de bandas surgieron al calor de su sonido. En 1973 el cineasta venezolano Alfredo Anzola, junto a un admirable equipo de trabajo, documentó la extensa gira de Santana por América Latina que dejó para la posteridad en un increíble largometraje.

Resulta un contrasentido y casi un absurdo que parte de la responsabilidad de cerrar esta mini serie haya recaído en el puertorriqueño Residente, cuya relación con el rock es prácticamente inexistente. ¿Por qué esta concesión? Residente es un artista importante y destacable, pero que se mueve en otros mundos musicales. Más pertinentes son las mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

intervenciones del inquieto David Byrne (Talking Heads), siempre interesado en la música latinoamericana. A través de su discográfica, Luaka Bop, la banda venezolana Los Amigos Invisibles trascendió a otras audiencias.

El intento de “Rompan todo” de dar a conocer, a través de un medio masivo, el desarrollo y los vaivenes del rock en una región siempre dada a la inestabilidad, se queda corto.

Deja la impresión de que los méritos relacionados con la existencia, desarrollo y consolidación del rock latinoamericano se abrogan a un reducido grupo.

Sesenta años después del nacimiento del rock en América Latina la única certeza es que la mayor parte de lo ocurrido es y parece que seguirá siendo subterráneo. Han perdido la oportunidad de hacer una serie realmente memorable. Quedan en deuda. —JUAN CARLOS BALLESTA

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Aterciopelados, Cafe Tacvba, Charly García, Residente, Os Mutantes y Fito Páez.

R Director de https://revistaladosis.com

enero 2021 #25

Albert Monteys

26/Mondo Media CÓMIC

Aunque su carrera haya dado un vuelco durante los últimos años, Albert Monteys lleva muchísimo tiempo siendo uno de los nombres imprescindibles de la historieta española. Solo que ahora el resto del mundo lo ha descubierto gracias a “Universo”, pero sobre todo gracias a la fantástica adaptación que, junto al guionista Ryan North, firma del clásico de Kurt Vonnegut, “Matadero cinco o la cruzada de los niños”, que da nuevos aires a una obra maestra indispensable y que publica Astiberri. Mejor cómic internacional para MondoSonoro.

A

nalizando tu trabajo desde fuera, es evidente que solamente podrías haber llegado hasta este trabajo conjunto con Ryan North tras haber trabajado en tu propio “Universo”. Podríamos interpretar que ahí se abrió una nueva etapa en tu carrera. ¿Qué crees que ocurrió exactamente?¿Qué pasó por tu cabeza para dar un salto hacia adelante?

Lo cierto es que, si no hubiera entrado a trabajar en El Jueves en el año 1996 mi carrera hubiera sido, seguramente, muy distinta. “Universo” entronca con “Calavera Lunar” que es el cómic que hice justo antes de entrar en el semanario de humor. Ahí me curtí como humorista gráfico, cosa que disfruté muchísimo, pero al precio de renunciar al tiempo para desarrollar historias más personales.

Cuando muchos dibujantes abandonamos la revista, porque el dueño de la editorial escondió una portada, a mí me pilló en un momento de “ahora o nunca”. Perdí un trabajo pero

#26 enero 2021

gané la libertad de experimentar con otras facetas de mi trabajo que habían quedado indefinidamente pospuestas a cambio de la estabilidad de una publicación regular. Tuve suerte, “Universo” funcionó muy bien e hizo que mi trabajo llegara a muchísimas partes.

—Siempre se ha dicho que, en el cine, los actores de comedia o las comedias en general solían menospreciarse en favor de los dramas y las actuaciones dramáticas. ¿De algún modo has pasado por algo parecido en el mundo del cómic?

Tengo que decir antes que nada que nunca me he ganado mejor la vida que trabajando de humorista en “El Jueves”. El humor es el auténtico mainstream español (a Mortadelo me remito) y lo que consumen los lectores que no son conocedores del mundo del cómic.

Aunque yo siempre me he sentido bien tratado por la crítica, incluso en mis etapas más dadas

al humor, lo cierto es que el respeto institucional (lo que podría traducirse en premios o presencia en medios) sube muchísimo cuando uno aborda proyectos más serios. Hay una cierta distancia entre lo que nos gusta leer y lo que nos gusta mostrar como canon de calidad y es posible que en el mundo del cómic lo que se acerque a las artes más establecidas (bellas artes en general o literatura) se tienda a mostrar más porque seguimos teniendo ciertos complejos.

—Siendo un dibujante que ha trabajado con sus propias historias, ¿qué te animó a trabajar con Ryan North?

La propuesta de dibujar “Matadero Cinco” me llegó cuando el guión ya estaba prácticamente terminado. Lo cierto es que mi primera reacción cuando me dijeron de qué libro se trataba fue decir que era una obra inadaptable. Por suerte me leí el guión antes de decidirme. Ryan abordó la historia como si se hubiera escrito originalmente para ser un cómic y dio en el clavo con todas las decisiones estéticas, narrativas y literarias.

En resumen, lo que me animó a trabajar con Ryan North es que

su guión de “Matadero Cinco” era maravilloso, mantenía el espíritu del libro y le faltaba al respeto en los puntos necesarios.

—¿Y qué tal ha sido la experiencia de trabajar con un guionista?¿Ha sido complicado sacarte de encima vicios de trabajar en solitario o llegar a acuerdos en favor de la historia?

Soy un dibujante muy disciplinado.

Cuando dibujo mis propias historias tengo muy separados los trabajos de guionista y dibujante (y no me pongo dibujar hasta tener la historia bien cerrada), de manera que no me resultó difícil adaptarme a trabajar con Ryan.

Creo que, además, el hecho de que la lectura de Kurt Vonnegut fuera central en mis años de formación, una de mis principales influencias, y que Ryan lo entendiera de la misma manera que yo, hizo que el guion no me resultara nada ajeno. Cuando quería cambiar, añadir o contar algo de una manera ligeramente diferente lo comentaba y siempre vimos las cosas igual. Es posible que yo nunca me obligara a mi mismo a dibujar una panorámica de Dresde a doble página, pero eso es porque soy un dibujante perezoso.

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MONDO MEDIA

cia Hay una cierta distanleer entre lo que nos gusta trar y lo que nos gusta mos ad como canon de calid —Puestos a hacer una primera obra juntos, ¿cómo se os ocurrió atreveros con un clásico del calibre de “Matadero Cinco”?

La propuesta, tanto en su caso como en el mío, vino de Sierra Hahn, la editora de Archaia. Cómo se les ocurrió contar conmigo es el gran misterio, y nunca les estaré lo bastante agradecido. En todo caso, hablándolo después con Ryan, los dos nos aproximamos al proyecto con el pánico de no querer ser los que estropearon la obra de Vonnegut. Creo que ese amor por el original, esa devoción, hizo que midiéramos mucho cada paso.

—Imagino que, antes de poneros a trabajar juntos, debisteis debatir bastante sobre cómo enfrentaros a la novela. ¿Es cierto o me equivoco?

Te equivocas. De hecho he hablado mucho más con Ryan después de dibujar el libro que mientras lo hacía.

—Uno de los mayores aciertos que le veo a vuestra adaptación es la capacidad de mantener el complicado espíritu de la obra original, esa mezcla de humor, drama, ironía y humanismo que destila la novela de Vonnegut y que vosotros habéis sido capaces de reproducir. Algo me dice que, para vosotros, algo que podría haber sido muy complicado ha resultado bastante sencillo. ¿Es posible?

Creo que una vez encontramos el tono, todo salió de una manera bastante natural. Esto puedo decirlo ahora que el cómic ya está publicado y las críticas son positivas porque mientras lo dibujaba tenía la constante sensación de estar convirtiendo una de las obras más evocadoras que jamás he leído en una mera anécdota sin valor. El cerebro te hace estas cosas. En todo caso, durante la producción de un cómic de esta envergadura siempre llega un momento en el que las opciones son hundirse o desoír las voces de tu cabeza, seguir dibujando y que sea lo que dios quiera. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—En cambio, enfrentándolo a la novela de Vonnegut –si es que eso es necesario–, diría que la parte visual nos descubre lo que está ocurriendo en la cabeza del protagonista antes que en el libro. ¿Lo ves de un modo parecido?

Los mecanismos de lenguaje que se utilizan en una y otra versión para hablar del tiempo y la memoria son distintos y, en ese sentido, es probable que nuestra versión, más visual, resulte algo más directa. Lo bueno es que, si uno lo piensa, la percepción del tiempo que se transmite en el libro se acerca bastante a la definición de un cómic. Lo que descubrimos haciendo el libro es que el lenguaje de la historieta era perfecto para contar esta historia.

—Se ha dicho ya que la vuestra es una de las mejores adaptaciones al cómic que se han hecho recientemente de una novela. ¿Cómo lo ves desde tu perspectiva?¿Qué crees que es lo que habéis hecho bien para que nos guste tanto a quienes lo leemos?

Creo que la llave está en esa idea primera de Ryan, contar la historia como si se contara por primera vez en forma de historieta y, en consecuencia, usar a fondo el lenguaje propio del medio para transmitir todas las ideas del libro de Vonnegut. Tuvimos la suerte, además, de conseguir capturar ese espíritu, muy volátil, muy sutil, que contiene una tristeza muy profunda, un sentido del humor muy afilado y un humanismo a prueba de, me disculpo de antemano, bombas. Estoy más orgulloso de las páginas en las que se cuenta algo con un gesto o un silencio que de haber dibujado páginas más formalmente complejas.

—“Matadero Cinco” es una novela que permite trabajar con escenarios muy distintos, desde lo bélico hasta la ciencia ficción. ¿Qué partes te han resultado más sencillas y dónde han estado tus mayores retos como dibujante?

Posiblemente lo más difícil es conseguir que segmentos tan dispares sigan pareciendo parte del mismo libro. Obviamente el reto técnico de las secuencias históricas, un tipo de cómic al que nunca me había enfrentado, me supuso más de un quebradero de cabeza, pero conseguir que todo fluyera fue lo que requirió más planificación. Mi idea durante todo el libro era que mi dibujo se asemejara de algún modo a la prosa de Vonnegut y que contara lo suficiente con pocos artificios.

—Personalmente, me encantan las páginas en las que utilizas un dibujo añejo a lo clásico, como si estuvieses haciéndote una revisitación a lo Ed Piskor. ¿Cómo surge la idea de incluir esas páginas?

En el libro original Vonnegut intercalaba resúmenes de un montón de novelas de ciencia ficción de uno de los personajes, Kilgore Trout, un escritor con grandes ideas pero malos libros que era, creo recordar, lo que Vonnegut opinaba de mucha de la ciencia ficción que leía. Buscando la manera de trasladar esas historias al cómic y pensando en el personaje de Trout, un perdedor, Ryan tuvo la maravillosa idea de convertirlo en un guionista de cómics. Manteníamos el espíritu del personaje, teníamos una manera atractiva de contar las historias de Trout y añadíamos un comentario sobre nuestro medio de propina.

Disfruté mucho con esas páginas.

—¿Cuáles fueron los momentos más complicados del proceso para ti?

El momento complicado, y apuesto a que esto sucede con todo proceso de esta envergadura, vino cuando con más de la mitad del libro terminado uno empieza a sospechar que no está logrando contarlo como hay que contarlo y se siente tentado de volver a empezar.

—JOAN S. LUNA

R Más en www.mondosonoro.com

enero 2021 #27

CINE Y SERIES Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055

El juicio de los 7 de Chicago Aaron Sorkin Netflix

9 CUANDO TERMINÓ la película, muchos de los espectadores que estaban en el cine empezaron a aplaudir. Es una reacción un poco absurda, porque estás aplaudiendo a una pantalla, y me pareció que hacía mucho tiempo que no vivía una situación así (quizás también por las pocas veces que he podido ir al cine en este 2020). Sin embargo, me pareció la reacción más lógica a “El juicio de los 7 de Chicago”, tanto por las emociones que generan las últimas escenas como por toda la obra en general. La película narra la historia de siete líderes de las protestas contra la Guerra de Vietnam en la Convención Nacional Democrática de 1968 que fueron juzgados por conspiración y provocación de disturbios. Quien espere un relato completamente fiel a aquellos hechos históricos se llevará una decepción. Al guionista y director Aaron Sorkin le gusta manipular la realidad para mejorar la experiencia cinematográfica, como ya habíamos visto en sus guiones de “La red social” o “Steve Jobs”. En este caso, el director juega de forma genial con la estructura, intercalando la tensión del juicio con flashbacks de las manifestaciones para ir relevando la información poco a poco y mantener la atención del espectador. Pero lo que realmente impide apartar la vista de la pantalla son los diálogos: rápidos, inteligentes y con mucho sentido del humor. Sorkin siempre ha sido especialista en escribir interacciones entre personajes, y el resultado es aún mejor si estos son interpretados por un reparto de este calibre. Habrá críticas que dirán que el humor le da excesiva ligereza a un tema realmente serio.

Pero esa levedad es más bien una virtud. —JAN ROMANÍ

Beginning

Dea Kulumbegashvili

C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com

8 “¿CÓMO DEBE COMPORTARSE un cristiano en la vida diaria?”.

Con esta pregunta acaba de manera accidentada pero no accidental la primera y larga escena del debut en la dirección de la georgiana Dea Kulumbesgashvili. Lo que seguirá será un (implacable) cuestionamiento de esa misma vida cristiana (en el seno de una comunidad de testigos de Jehová) desde una óptica feminista. La directora elige el rigor de planos fijos para captar la opresión de Yana, la esposa del líder de una comunidad amenazada de testigos de Jehová. Sin embargo las agresiones que pueda recibir el grupo no son las únicas ni las más importantes a las que está sometida Yana, tanto por su condición de mujer como por ser esposa del pastor. El filme se vertebra a partir de la búsqueda de un refugio íntimo ante las agresiones físicas y morales que recibe y traza un itinerario de lo externo a lo interno, de lo factual a lo psicológico. El contraste plasmado en la ya mencionada primera escena, que combina sosiego con tumulto, sienta las bases de una película que alberga brutalidad y belleza. Con un rigor formal y una osadía narrativa que recuerdan al cine de Michael Haneke, Kulumbegashvili golpea al espectador, al que quiere remover con cuestiones incómodas.

Lo hace con menos efectismos que el director austriaco. Kulumbegashvili prefiere servirse de los elementos cinematográficos a su alcance para crear en ocasiones una turbadora oposición de ideas y en otras sumir al espectador en la misma experiencia sensitiva que vive la protagonista. Representa el descubrimiento de una directora de ideas audaces, contundente pero empática. —J. PICATOSTE VERDEJO

PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561

Cielo a medianoche George Clooney Netflix

5 LA PRECIOSA CAMPAÑA publicitaria que Netflix montó en el centro de Madrid para anunciar el estreno de “Cielo a medianoche” presagiaba que la nueva película dirigida y protagonizada por George Clooney podía convertirse en uno de los estrenos del año. Sencillez y belleza sin artificio son dos características que poseen tanto dicha campaña como la obra de Clooney como cineasta. Sin embargo, “Cielo a medianoche” carece del buen pulso narrativo que sí tienen las otras películas en las que el actor y director norteamericano se ha situado detrás de la cámara. “Cielo a medianoche” se sostiene gracias a su potencia y a su cuidado visual pero la trama no está bien hilada y cuesta entrar en ella, no por compleja sino por fatua. La enésima película sobre el futuro del planeta Tierra con el espacio como protagonista contiene también los enésimos clichés narrativos. Sí, querido lector, hay una escena en la que la estación espacial que vuelve a casa tras confirmar que hay un mundo habitable en el que la humanidad se podrá asentar tras destrozar el planeta Tierra, entra en una zona no explorada en la que los asteroides provocan daños graves en el sistema. Daños que un equipo tiene que salir a reparar justo cuando sobreviene otra incidencia. Astronautas en riesgo en un paseo espacial. ¡Sorpresa! ¡Hallazgo cinematográfico! El espectador espera la siguiente lluvia de meteoritos como un estudiante ante un examen: con ganas de que llegue y pase para ponerse a otra cosa. Un pasatiempo visible, no más. —LUIS M. MAÍNEZ #28 enero 2021

La familia que tú eliges

Tyler Nilson y Mike Schwartz A Contracorriente

8 CONFORMADA POR UN REPARTO de lujo como son Zack Gottsagen, Shia LaBeouf, Dakota Johnson, John Hawkes, Bruce Dern, Jon Bernthal y el músico Yelawolf, ha llegado a nuestro país el debut cinematográfico de Tyler Nilson y Mike Schwartz, “La familia que tú eliges”. Gamberra, dramática y cómica a partes iguales, la película nos cuenta la historia de Zak (Zack Gottsagen), un joven con Síndrome de Down que se escapa de su residencia para perseguir su sueño de convertirse en un luchador profesional en una escuela de lucha, y que en su camino se encontrará con Tyler (Shia LaBeouf). Paralelamente a la aventura de esta pareja, la enfermera de la residencia Eleanor (Dakota Johnson), buscará a Zak de manera desesperada.

Con un aire a las aventuras clásicas, la película es en resumidas cuentas un viaje por la superación personal de Zak, ayudado de un espectacular Shia LaBeouf (Tyler) en uno de los mejores papeles de su carrera junto con la reciente “Honey Boy” (19) y la prometedora “Pieces Of A Woman” (20) estrenada en el Festival de Venecia, se puede afirmar que LaBeouf ha renacido como actor. Al igual que Joel y Ellie en “The Last Of Us”, la relación entre Zak y Tyler parece imposible, sin embargo, a medida que avanza el filme se acaban convirtiendo en uña y carne, formando una de las parejas con más química y más única que se recuerdan en el cine de los últimos años. Acompañados de una espectacular Dakota Johnson, conforman el equipo de lucha ideal. Un impresionante debut de esos que el cine actual necesita. —ALEJANDRO TEIGA ROBLES

Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

f 195.510 seguidores t 99.900 seguidores x

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