Mondo Sonoro mayo 2021-2

Nº 295 Mayo-2 2021 www.mondosonoro.com

GOJIRA, VERZACHE, DROPKICK MURPHYS, ZOÉ, BALA, KIDDO, L.A., BAD RELIGION, ZAHARA, DEMOSCÓPICAS

Baiuca Meigas

MUEC. MUSEU ETNOLÒGIC I DE CULTURES DEL MÓN

27, 28, 29 I 30 DE MAIG 2021 BARCELONA

FESTIVAL D’ARTS CONTEMPORÀNIES AL VOLTANT DE L’ETNOLOGIA Amb la col·laboració de

15 MAYO LAS PALMAS

30 MAYO MÁLAGA

16 MAYO LAS PALMAS

Centre Artesà Tradicionàrius

Talleres Palermo 1º y 2ª sesión

La Cochera Cabaret

05 JUN BARCELONA

Talleres Palermo 1º sesión y 2ª sesión

08 AGO FUENGIROLA

22 MAYO ALMAZÁN

20 NOV GRANADA

Jardines Maneras de Vivir

Luna Sur Festival

Teatro CajaGranada

Ya disponible en vinilo, CD y plataformas digitales

7/Mondo freako

Cinco años después del hito que supuso “Magma”, llega “Fortitude” (Roadrunner/ Warner, 21), el sexto álbum de la banda francesa de metal más internacional.

Creadores de un sonido propio, también lo son de un movimiento solidario sin precedentes. Hablamos con su frontman Joe Duplantier, guitarra y voz, un hombre profundamente comprometido con los problemas a los que se enfrenta el mundo en estos tiempos.

Gojira C Metal comprometido “No hay que desesperarse, la música volverá”

ómo se encuentran los miembros de Gojira y sus familias?

Muy bien. A pesar de que… bueno, hemos tenido que cancelar giras y seguimos frustrados por ello. El hecho de lanzar un álbum sin tener claro este aspecto de girar es un suicidio comercial a todas luces. Pero, ¿Qué haces? ¿Esperar eternamente?

Teníamos que avanzar de un modo u otro. Entre los aspectos positivos, es la primera vez desde que mis hijos nacieron, y mi hija tiene ahora nueve años, que su papa está en casa todo el verano. Y esa es sin duda la parte buena para mí.

—Estamos en otra nueva etapa del COVID, la cuarta fase la llaman, la cual probablemente nos dejará congelados toda la primavera...

Uf, la verdad es que ya no pienso en nada de eso. Mira, soy vegano y te lo voy a resumir así… Yo no puteo a los animales. ¿Y qué pasa cuando puteas a los animales?

Cosas como esta. Si vas demasiado lejos, esto es lo que consigues y lo que supone para todo el planeta.

—¿Piensas, por eso mismo, que esta pandemia ha expuesto la debilidad del sistema global, especialmente de Occidente? ¿Crees que el COVID podría suponer una llamada a la acción y al cambio, en el mundo?

Por supuesto. Puedes denominarlo como quieras. Hay quien habla de que la Madre Tierra nos envía un mensaje, o la mano de Dios y todo eso. Pero de base, realmente es muy sencillo: si destruyes la naturaleza, esto te va a destruir a ti. No hace falta una intervención divina, es pura lógica. No es un castigo, es un resultado de nuestros malos comportamientos. Es como golpearte la cabeza contra una pared y cuando sientes dolor dices, “Oh Dios, ¿por qué me haces esto?”. La verdad es que podría estar hablando de esto horas, pero no creo que sea conveniente para ti ni para mí.

—Felicidades por otro increíble álbum. Han pasado cinco años desde “Magma”, y ya con las primeras publicaciones que hicisteis en redes, alguien dijo “Los dioses del metal moderno han vuelto y se han pronunciado”. Habéis escrito algunos de los pasajes, riffs y melodías más emblemáticas del género en los últimos años. Por lo que, ¿cómo asumís todo esto a la hora de enfrentaros al reto de volver al estudio?

Es difícil describir cómo me siento cuando entro en el estudio con mi hermano, y empezamos a hacer las primeras jams y a trasladar lo que está en nuestras cabezas. Siempre tenemos la misma excitación por traer nuevo material. A veces nos sentimos muy inspirados y creativos, pero otras veces no es así en

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mayo 2021 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Hacia un futuro esperanzador

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absoluto. De un modo u otro, siempre hay algo que motiva a salir adelante, porque nos seguimos sintiendo emocionados como críos que están deseando ponerse a construir algo con Lego, o qué sé yo [risas]. Cuando amas lo que haces, no es un problema trabajar duro.

Sé que es una respuesta muy decepcionante, pero es así. Lo encontramos divertido, pero también un reto que resulta inagotable. La música metal además tiene ese componente que la hace siempre tan atractiva, de buscar lo novedoso. Pero esa mezcla, de tomarte algo muy en serio a la vez que lo disfrutas, es algo impagable y, pasados los años, sabemos que es lo que hace que funcione, con lo que la gente empatizará. El criterio general del público, sabemos que está ahí, sentimos la presión, pero no pensamos que debamos rendirnos a ella, pues eliminaría el factor diversión inherente a la creatividad.

—Andy Wallace ha mezclado a algunas de las bandas más importantes de metal: Slayer, Sepultura, Avenged Sevenfold, Dream Theater o Ghost entre muchísimos ejemplos. ¿Cuánto dejáis en sus manos cuando el trabajo sale de vuestro estudio, Silver Cord?

En este negocio hay una frase habitual que es “menos es más”. Y en este caso, mientras menos propiedades le des a un instrumento, más autenticidad posee. Mientras menos trabajo haya en la mezcla, más auténtico es para la banda. Andy es un genio absoluto. Tiene un talento increíble. Hace cosas que ni siquiera aspiro a comprender. Pero puedo escucharlo y notarlo. Y ni siquiera es EQ, ni compresión…

Es tal vez una mano maestra y sutil en volúmenes. Es una intervención mínima, donde otros productores van a hacer demasiados añadidos, con efectos, capas duplicadas y todas esas cosas. Andy es un artista desde los ochenta, viene de toda la vieja escuela, de procesos analógicos, por lo que sabe exactamente escoger sabiamente sin afectar a la “marca personal” del músico. Y conseguir lo que justo tú estás pensando. Hace su magia y la hace perfectamente. #6 mayo 2021

—Hablemos un poco del single, “Amazonia”,

porque ha sido uno de los hitos más importantes de la banda. Sobre todo por su trasfondo solidario. ¿Cómo nace esta idea?

Siempre quisimos hacer algo así, o al menos, siempre hemos hablado entre nosotros de la importancia de hablar de las cosas verdaderamente importantes. Pero luego es muy difícil ponerte en el papel y defender una acción o un discurso concretos, ¿sabes? Porque siempre habrá otro que podrá sentirse incómodo en algún sentido. Y en este caso, no sabíamos cómo se tomarían los fans de Brasil el mensaje de esta canción y su campaña. Que pensaran: “¿y tú nos vas a decir lo que tenemos que hacer?”.

Pero yo verdaderamente pienso que el bosque del Amazonas, por su relevancia, pertenece al mundo, en sí mismo. No solo al Gobierno de Brasil. Y entiendo que en la diplomacia, cuando el presidente de Francia dice algo al de Brasil, estas exigencias pueden ser ignoradas.

Todos los gobiernos se pueden acusar de cosas mutuamente. Y la preservación de la naturaleza es un tema que sobrepasa a la política.

Más aún cuando estamos en 2021 y el mundo es cada vez más pequeño y las comunicaciones más inmediatas. Debemos mirar las cosas como activos para la humanidad, no para la economía. Nos hablan de la sobrepoblación humana, pero lo que hay es una desigualdad de reparto en aumento y una pésima relación con los recursos. Y el Gobierno de Brasil, en particular, está haciendo todo lo posible por destruir el Amazonas. Y eh, yo solo lo digo. Los veganos probablemente solo representamos el cinco por ciento de la población humana, esperando que algún día seamos tal vez un veinte o algo así. Porque de ese modo podremos reclamar que prioricen problemas como los incendios masivos, el esquilmado de los océanos, la tortura animal en factorías. No es humano. Y perdóname, me estoy poniendo pesado. —rubén g. herrera

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l pasado viernes y sábado 7 y 8 de mayo tuvimos el inmenso placer de recuperar el evento anual que realiza la revista en el que damos voz al talento emergente. Unas fiestas demoscópicas reconvertidas este año en La Demoscópica, que abría su radio de acción a ofrecer algo más que solo conciertos y se hacía eco del estado de salud del sector, enfocando sus talleres y conferencias desde el punto de vista de los grupos que inician ahora su complicada andadura en el mundo de la música.

Lo mejor ha sido constatar de primera mano, cómo poco a poco vamos recuperando esa ansiada normalidad. Solo hay que charlar con los diferentes actores que integran el sector para darse cuenta de ello. Empresas de producción que empiezan a ver cómo se les llenan las agendas; empresas de alquiler de escenarios y material que están recuperando a su personal del ERTE en el que llevaban inmersos más de un año; festivales como el Cruïlla o el Vida que mantienen sus citas con el público de pie y sin distancia, aplicando el protocolo basado en la realización de test de antígenos masivos, al igual que se hizo en el concierto piloto de Love Of Lesbian en el Palau Sant Jordi... Síntomas todos ellos de las ganas que tiene el sector de la música, y el público en general, de recuperar el pulso y gozar de nuevo de la música en directo más allá de los teatros. Porque aunque está muy bien eso de disfrutar cómodamente sentado de tu grupo favorito, echamos en falta y mucho, el vibrante encuentro que se produce cuando te puedes mover, saltar y bailar con una cerveza en la mano. Sin embargo, estas pequeñas conquistas que nos animan e infieren cierto optimismo, se ven lastradas cuando nos fijamos en la situación de los bares musicales, las salas de conciertos y discotecas. Es aquí donde todavía los brotes verdes tienen un color parduzco que no invita al optimismo. Muchos son los agentes del sector que claman por una regularización, esgrimiendo el argumento de que su apertura será el mejor antídoto contra los masivos botellones nocturnos a los que asistimos tras la finalización del toque de queda.

En cualquier caso parece que el sector se recupera y eso nos invita a empezar a planear nuestro regreso a la edición impresa.

Muchos sois los que no habéis preguntado al respecto y os garantizamos que nosotros somos los primeros en desear que ese regreso al papel se produzca lo antes posible.

Sin embargo, nuestro modelo basado en la publicidad como principal fuente de ingresos, nos impide mantener una tirada a escala nacional si el sector de la música y sus agentes no está a pleno rendimiento. Por eso ese regreso deberá esperar a que las giras, eventos y festivales se produzcan con total normalidad. Así que solo podemos afirmar que ya queda menos porque, llegados a este punto, solo podemos mirar hacia el futuro con esperanza. —don disturbios

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Escenarios

Bisonte 06 de mayo Rockville

Verónica Romero

Fabulosa Matinal 50's

08 de mayo Fulanita de Tal

30 de mayo Gruta 77

Kuqui Alegre

Ricardo Lezón (McEnroe)

09 de mayo Siroco

30 de mayo Vesta

Luis Ramiro

Dan Milson

15 de mayo Contraclub

05 de junio El Sol

Los Vinagres

Red House Revival

22 de mayo El Sótano

05 de junio Hangar 48

Soulmama

Kurt Baker + Gong Show

23 de mayo Tempo

#VuelvealaSalas Más información en mahou.es/vibra

12 de junio Gruta 77 Mahou recomienda el consumo responsable 5,5º

La comunidad de música independiente

Debajo del paraguas

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TOP RECOMENDACIONES INDEPENDIENTES DE MAYO BY ACQUSTIC

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ENTREVISTA

Canciones d Verzache dormitori Verzache (Zach Farache) es uno de los artistas más reveladores de la escena alternativa americana. Su capacidad para crear una atmósfera acogedora y envolvente en sus canciones lo ha catapultado a ser una de las figuras más influyentes del bedroom pop actual.

En “My Head Is A Moshpit” (Caroline/Music As Usual, 21) narra problemas con los que todo joven puede sentirse identificado: la lucha por la salud mental, la ansiedad que producen las redes sociales o el amor no correspondido.

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—TEXTO Elena López Pérez

ODRÍA DECIRSE que eres una de las figuras más influyentes de la música de la Generación Z, tras más de seis años en la industria. ¿Cómo te hace sentir la evolución de tu trabajo en los últimos años? ¡Vaya, decirme eso es muy amable por tu parte! Creo que la ver evolución de mi música ha sido algo bastante guay, tanto para mí como para mi audiencia. Siempre me he interesado en géneros distintos y he querido abordar diferentes temas a lo largo de mi carrera, y la verdad es que ha sido un viaje genial hasta ahora.

—¿Dónde situarías tu sonido a día de hoy?

Creo que, en realidad, estoy bebiendo de muchos sonidos y estilos más antiguos, y los estoy combinando con técnicas y efectos más modernos. Tener la mente abierta hacia ello te hace crecer, y estoy muy emocionado por ver la forma en la que progreso.

—Le has dedicado dos años “My Head Is A Moshpit”. ¿Cómo ha sido el proceso creativo?

Fue un descontrol y mucho trabajo a la vez, pero la mayoría de las canciones las elaboré de una manera muy natural. En esencia, el proyecto se basó en aprender sobre mí mismo y sobre cómo vivir mi vida. El concepto del proyecto empezó a hacerse a sí mismo a medida que avanzaba, y eso fue una suerte. Sin embargo, el máster y la mezcla fueron la parte más difícil. Incluso mi agente tuvo que pararme los pies con eso.

—Has sido ambicioso al incluir diecinueve canciones en el mismo álbum, teniendo en cuenta que la mayoría de álbumes y EP actuales reúnen unas pocas. ¿Cómo decidiste que tuviera #8 mayo 2021

esa estructura?

Vale, para que quede claro, nunca planee lanzar diecinueve canciones en el mismo álbum (risas). Tenía que escoger entre tantas canciones tan diferentes… Pero después de hacer interludios fue mucho más fácil escoger con cuáles quedarme. Al final fueron diecinueve, lo cual es una locura, pero la verdad es estoy disfrutando mucho de cómo ha quedado.

—En lo musical ¿cómo has sacado adelante la grabación y producción de los temas?

Cuando empecé el proyecto hice produciendo las canciones enteras y grabando las voces después. Sin embargo, a medida que fui avanzando el proceso cambió: empecé grabando melodías con la guitarra para algunos temas antes incluso de tener nada más, lo cual era nuevo para mí. Pero creo que los resultados molan bastante. Más de la mitad del proyecto lo grabé y lo produje en el sótano de mis padres, y el resto lo hice en mi habitación cuando me mudé en julio de 2020. Además, esta ha sido la primera vez en la que he recibido ayuda profesional para mezclar mis temas, lo cual ha sido genial. Rob Kinelski mezclo todos los singles (“Messed Up, “Calling”, “Looking”, “All I Need”) e hizo que fuera un proceso muy cómodo para mí. El resto del proyecto lo mezclé yo, y a pesar de ser mucho trabajo ha valido totalmente la pena.

—A lo largo del álbum narras distintas fases de tu estado emocional, casi como si hubiera sido un proceso terapéutico para ti.

Sí, la verdad es que lo sentí como si fuera una especie de auto-terapia. Abordar mis propios problemas en las canciones hizo que pudiera entender mejor mis sentimientos en aquel momento y mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

de io ser más consciente de ellos en general. Y por los mensajes que he recibido hasta ahora, parece que ha sido también de ayuda para otros. Eso hace que no me sienta solo en esto, y me da la tranquilidad de que otros tampoco se van a sentir tan solos.

—En una entrevista con PaperMag mencionaste que “Messed Up” es una de tus canciones favoritas del álbum. ¿Por qué?

“Messed Up” representa gran parte de mi crecimiento personal y el llegar a estar cómodo conmigo mismo. Siempre he tenido problemas con mi identidad y con mi autoestima. Cuando escribí “Messed Up” estaba aprendiendo a aceptarme a mí mismo mientras me sentía incomprendido, y me ayudó mucho.

—¿Cómo has gestionado tu éxito hasta ahora?

Me rodeo de la gente que me quiere. Ellos son los que me mantienen con los pies en el suelo. La verdad es que tener una red de apoyo es muy importante. Sé que no estoy solo.

—En “Last Year” echas la vista atrás hacia todo lo que has pasado, y declaras que, en aquel momento, pensabas que no serías capaz de conseguirlo. ¿Cómo valoras tu evolución emocional en el último año? ¿Ha sido difícil compartirlo?

He evolucionado mucho en los últimos años, simplemente siéndome fiel a mí mismo y a la gente que me rodea. La verdad es que sí ha sido difícil compartirlo, pero me sentía lo suficientemente bien como para abrirme. Fue como quitarme un peso de encima.

—¿Querías concienciar sobre la importancia de la salud mental a través de “My Head Is A Moshpit”?

La verdad es que sí. Al final del álbum resurge una pequeña “mente feliz” que creo que podría servir como un aviso de que hay que mantenerse positivo. He sufrido mucho a lo largo de mi vida en mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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relación con la salud mental, y sé que otros muchos también. Lo primero es ser conscientes de ello y de que nadie está solo.

—¿Te consideras una figura influyente en la cultura del bedroom pop?

Espero poder ser una figura influyente algún día, aunque no sería un género con el que identificaría mi música únicamente. Quiero inspirar a los demás en progresar y reinventar su sonido de manera continua. Hoy en día hay muchos artistas geniales, la música no hace más que mejorar, y yo voy a intentar contribuir a ello.

—¿Cuál es el impacto que esperas de tu nuevo álbum?

La verdad es que no espero nada concreto, pero sí me gustaría que transmitiera un mensaje para la vida de los demás, al igual que lo ha hecho para mí. A día de hoy he recibido un montón de mensajes amables sobre el proyecto, y eso ya es más de lo que podría pedir. Y la verdad es que espero que el álbum envejezca bien (risas). —E.L.P

“Abordar mis propios problemas en las canciones hizo que pudiera entender mejor mis sentimientos”

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mayo 2021 #9

Espíritu irlandés Dropkick Murphys

#10 mayo 2021

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s

ENTREVISTA

K

Los de Boston regresan con las pilas cargadas. “Turn Up That Dial” (Born & Bred/[PIAS], 21) es una llamada a la vida en tiempos en los que hay poco que celebrar: un décimo álbum que condensa las virtudes del híbrido de punk callejero y folk irlandés con el que se han ganado una fiel legión de fans.

—TEXTO JC Peña

EN CASEY (CO-VOCALISTA y antiguo bajista) es el tipo más pegado a la tierra que uno pueda imaginarse dentro de la variopinta escena del rock. No es raro, teniendo en cuenta lo que hace junto a sus compañeros. Lo comprobamos a través de Zoom en una conversación tan distendida como agradable.

—Habéis hecho el disco más vitalista y gozoso posible, y entiendo que la idea estaba ahí antes de la pandemia.

Correcto. Y una vez que llegó, aún más que cuando empezamos.

Básicamente, nuestro último álbum, aunque no creo que fuera deprimente, estaba sin duda marcado por mucha tristeza por la que pasamos en nuestras vidas. Perdimos a muchos amigos por sobredosis de heroína, así que queríamos que este disco fuera un cambio total. Y luego, cuando llegó la pandemia, nos dijimos que necesitábamos hacer un disco de subidón, porque la gente iba a necesitar una sonrisa en la cara. Ya hay suficientes razones para estar de bajón y no necesitamos añadir ninguna más.

—Me pregunto si habéis tenido que sortear dificultades adicionales durante la grabación por los confinamientos y las circunstancias.

Sí, por primera vez tuvimos que usar mucha más tecnología de lo habitual. Ha sido interesante porque creo que nos facilitará la composición en el futuro de cara a las grabaciones. Usamos una aplicación muy sencilla con el nombre de Spire, nada complicada, para hacer maquetas, enseñar ideas y dar forma a las canciones. Y luego, cuando nos metimos en el estudio, tuvimos que ir de uno en uno, y eso sí que es verdad que quitó algo de la atmósfera, pero al final el objetivo mismo creó esa atmósfera. Lo importante era terminar el disco para darle algo a la gente.

—Claro, entiendo que normalmente grabáis todos juntos.

Sí, esto ha sido distinto. Pero cuando llevas veinticinco años en un grupo, a veces lo diferente, un cambio, es bueno (risas).

—Habéis confesado también que planteasteis el álbum como un homenaje a la música que os encanta. Hay canciones como “Middle Finger” que tienen un aire inconfundible a los primeros The Pogues. ¿Qué significan para vosotros grupos como The Pogues?

Oh, The Pogues son una influencia enorme. Crecimos en Boston y la música irlandesa estaba por todas partes. Yo pensaba en la música irlandesa más como cosa de mis abuelos, y tenía trece o catorce años cuando vinieron The Pogues. Me quedé alucinado: de repente su música era mi música. Y han sido muy amigos, en 2001 grabamos con Shane MacGowan (ndr: en su tercer disco, “Sing Loud, Sing Proud!”) y nos han llevado de gira. Es bonito cuando los que te han influido se convierten en mentores y luego en colegas. Pero sí, cuando giras tanto durante el año constantemente, no tienes tanto tiempo para oír música. Y durante la pandemia nos hemos vuelto a enamorar de la música que solíamos oír y que nos gusta tanto.

Queríamos homenajear a esa música que nos ha dado tanto a lo largo de la vida, pero también durante la pandemia. Es de lo que habla la primera canción “Turn Up The Dial”: ponte los cascos, sintamos el subidón y pensemos en mejores tiempos o momentos del pasado que disfrutamos mucho.

—¿Qué crees que tiene de especial la música irlandesa que levanta el espíritu de esa forma, por más años que pasen?

Creo que cuando puedes usar esa instrumentación maravillosa y meter melodías en el lado más directo, eso le llama la atención a tus oídos. Y en cuanto al estilo de las letras, ese estilo de contar historias de una manera rápida también lo hace. La melodía te atrapa porque hay una belleza, y las letras lo hacen por esa intensidad y ferocidad.

—En cierto momento tuviste que dejar de tocar el bajo y te has centrado en las voces. ¿Cómo ha influido este cambio en la

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mayo 2021 #11

ENTREVISTA

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CRITICANDO Dropkick Murphys Turn Up That Dial Born & Bred/[PIAS]

EL DÉCIMO DISCO de estudio de los Dropkick Murphys, “Turn Up That Dial”, debió haber aparecido el año pasado, pero los de Boston decidieron esperar a que se empezara a ver la luz al final del túnel de esta pesadilla mundial que hemos vivido en forma de COVID-19. Y es que si su anterior disco, “11 Short Stories of Pain & Glory”, trataba sobre la pérdida de amigos por culpa de drogas y adicciones, este “Turn Up That Dial” va sobre levantar los ánimos e intentar que la gente tenga un respiro tras tanta tragedia. Es un disco con un claro espíritu festivo, no lo podían sacar en medio de una pandemia porque está hecho para salir a incendiar la calle o para escuchar a todo volumen mientras se conduce.

Para una banda que es la segunda que se te viene a la mente cuando piensas en la etiqueta ‘Celtic Punk’, siendo la primera los Pogues, este disco es una confirmación de todas sus virtudes. A lo largo de sus 25 años de carrera han ido metiendo más elementos celtas, gaitas, mandolinas, acordeones o banjos, pero siguen tocando con la furia y la crudeza de quien hace himnos punk de tres minutos. Y es que estos tipos componen canciones para ser coreadas a voz en grito por su audiencia, todos sus estribillos están hechos para ser gritados por multitudes y por ello son una banda perfecta para el directo. Lo difícil es conseguir que esas canciones también resulten atractivas de escuchar en casa, en este caso, prueba conseguida, puede que estemos ante su mejor colección de canciones desde el lejano “The Warrior’s Code”.

—SERGIO ARIZA

#12 mayo 2021

dinámica de la banda?

No podía tocar temporalmente porque me operaron de una lesión en el cuello, y dejamos que nuestro amigo de toda la vida Kevin (Rheault) tocara. Siempre que alguno se rompe un brazo, tiene que volver a casa para ir a un funeral o alguna cosa así, entra él. Le preguntamos si quería hacer unos cuantos bolos y nos dimos cuenta de que éramos mejor grupo si yo estaba libre y podía interactuar con Al (Barr). Me podía centrar más en la relación con el público, y Kevin toca mejor el bajo. De modo que, aunque en principio era algo temporal, se ha hecho permanente. Además, creo que las letras y las melodías han sido siempre mi fuerte en el proceso compositivo de la banda. Ya no tengo que parar y decir: “Mierda, ahora tengo que hacer la parte de bajo” (risas).

—Musicalmente me ha gustado especialmente “Queen Of Suffolk County”. ¿Qué me puedes contar de ella?

Aquí en Boston las mujeres tienen fama de tener carácter, de ser un poco duras. Hablo de que, cuando era joven y las chicas eran aún más duras, vivían al límite y me sentía casi atraído… Como que estaban locas y eso me gustaba. No creo que las mujeres de Boston se tomen la canción como un insulto, porque dirán “¡sí, es muy cierto!” (risas). Creo que están orgullosas de esa actitud. La canción va sobre la actitud de ciertas mujeres.

Y Suffolk County es Boston y algunos alrededores.

—¿Hay alguna historia en relación a “Mick Jones Nicked My Pudding”?

Sí, el productor del disco, Ted Hutt, nos contó una historia mientras lo componíamos. Resulta que estaba trabajando en un estudio de Londres –Ted es británico, como Mick Jones y The Clash, por supuesto–, y en el estudio, como en otros muchos, hay una zona común con una cocina y nevera. Ted se había traído un pudin, se lo iba a almorzar, y cuando llegó el momento, se encontró a Mick Jones comiéndoselo. Pero Ted no había puesto su nombre, así que parecía que era para cualquiera que se lo quisiera comer. Y le preguntamos, Ted, ¿qué le dijiste a Mick Jones? Y Ted, que es el tío de maneras más suaves del mundo, nos dijo que empezó a gritarle que lo dejara. “¡Qué haces, joder! ¡Déjalo!”. Y le contestamos: “Ted, ni de coña hiciste eso con Mick Jones”. Pero nunca quieres arruinar una buena historia con la verdad. Justo después de que Ted nos contara la historia, íbamos a comer y yo me aparté para trabajar en una idea. Así es como hice la canción. Era una broma, pero también uno de esos cuentos de “no conozcas a tus ídolos, no sea que sean un bajón… O se coman tu pudin”. Sin embargo, todo era injusto, porque Mick Jones es, según cuenta todo el mundo, de lo mejorcito que hay. Pude conocerle un poco en los ochenta en un breve encuentro, pero tuve la oportunidad de conocer más a Joe Strummer antes de que muriera y era una leyenda. Estoy seguro de que Mick es igual.

—La última canción, “I Wish You Were Here”, es un tema lento y melancólico sobre la pérdida. Creo que es la primera vez que hacéis algo así, terminar un álbum de esa manera emotiva.

Sí, es muy diferente de lo que hemos hecho, pero nos dio la impresión de que era el lugar exacto en que tenía que estar. Queríamos hacer un disco eufórico, y lo hicimos con diez canciones, pero con la undécima pensamos que debíamos parar y presentar nuestros respetos a todos los que han perdido a alguien. La canción es, de hecho, sobre el padre de Al. Es un gran homenaje porque era un hombre increíble. Pero

Tim Brennan, James Lynch, Matt Kelly, Ken Casey, Al Barr y Scruffy Wallace

también sirve como memorial para todos los que han fallecido, y también para todos aquellos que están separados como los abuelos que no pueden ver a sus nietos, los familiares que no pueden viajar entre países diferentes para verse. Pensamos que era un modo bonito de parar y rendir ese tributo.

—Supongo que, con cada nuevo disco, lo que tratas es de hacer el mejor posible. ¿Es más difícil hacer algo fresco e interesante cuando llegas al décimo?

Creo que no se puede forzar un disco. Nosotros nunca lo hemos hecho. En algún momento hemos tardado cuatro años en sacar el nuevo, y con éste han pasado tres o cuatro, pero es diferente por la pandemia. Lo que quiero decir es que si no tenemos las canciones ni la inspiración, no sacamos disco. No tenemos un sello detrás que nos diga que tenemos que sacarlo por contrato. Tenemos nuestro propio sello, y antes de eso estábamos en una independiente muy amistosa con los grupos (Epitaph). La clave es que si no tienes las canciones o la inspiración no puedes forzarlo. Si lo haces, la gente se va a dar cuenta. Obviamente, siempre que sacas un nuevo disco le gustará más a algunos fans que a otros, pero puedo decir que hemos puesto todo el corazón y el alma en todos, que hicimos el mejor disco posible en cada momento. Creo que es la principal razón por la que hemos durado veinticinco años. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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gles y las camisetas a los que nos habían hecho reseñas en las revistas de punk y los sobres los hacíamos nosotros… Siempre hemos mantenido ese enfoque casero. Incluso ahora, con las redes sociales, estamos pendientes de todo. Después de cada concierto, yo me quedo a hablar con la gente. Y los fans sienten esa conexión, no es sólo la canción que has oído. Me aventuro a decir que en estos veinticinco años le he dado la mano al noventa por ciento de nuestros fans. Eso hace que nos vean como algo personal. Y creo que cuando hay una conexión de este tipo, puedes acompañar a un grupo más tiempo. En lugar de oír una canción, olvidar de quién era, y pasar a la siguiente. Creo que hemos plantado unas raíces fuertes.

—Para un grupo como el vuestro ha tenido que ser especialmente duro el parón del directo. ¿Cuándo creéis que volveréis a tocar?

Sí, no ha sido divertido, pero tenemos críos y esto nos ha dado la oportunidad de tener más tiempo de calidad para pasar en casa con la familia, y disfrutarlo. En cuanto a cuándo volveremos a girar… En Estados Unidos, donde puede que haya una recuperación más rápida por las vacunaciones, quizá podamos tocar un puñado de conciertos a finales de año.

Y esperamos volver a Europa en el 22. Pero vamos a esperar a que sea seguro y bueno para todo el mundo, en lugar de forzarlo. Te digo una cosa: si la música en directo no ha vuelto en 2022, es muy mal signo para el mundo. Esperemos volver juntos pronto.—J.C.P.

“Me aventuro a decir que le he dado la mano al noventa por ciento de nuestros fans”

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—Una cifra muy importante y al alcance de pocos. ¿Qué piensas de lo que habéis conseguido en este tiempo?

Estoy muy orgulloso, es de las cosas de las que me siento más orgulloso. Nunca habría pensado en ello antes de conseguirlo. Cuando tenía veinte años no pensaba en estar veinticinco años en un grupo. Y ahora que estamos aquí, no puedes parar y decir “lo hemos conseguido, ¡veinticinco años!”. Creo que en cualquier grupo que llega a esta longevidad hay mucho respeto, y se pone lo personal por encima de lo musical.

Creo que nosotros siempre hemos hecho eso. El público con el que estamos bendecidos nos da tantísimo entusiasmo que estos veinticinco años se han pasado en un suspiro. ¡Porque no es un trabajo! Cada vez que te vas de gira, tocas ante la gente y les conoces después del concierto, es lo más emocionante que puedes sentir. Te das cuenta de lo afortunado que eres. Irónicamente, la pandemia, con todo lo horrible que ha sido, nos ha dado la oportunidad de tomarnos el descanso que nunca tuvimos. Jamás habíamos parado de girar en estos veinticinco años. Ahora hemos cargado las pilas y estamos listos para salir de nuevo. ¡Por veinticinco años más! Bueno, quizá quince… (risas).

—Aunque la industria ha cambiado dramáticamente desde que empezasteis y oímos música de otras formas, me da la impresión de que lo que más importa al final es la relación entre fans y banda. Y en eso vosotros seguís exactamente igual que en el 96.

Estamos muy en contacto con la gente. Cuando empezamos todo era muy casero: prensábamos los singles, hacíamos nuestras propias camisetas, enviábamos por correo los sin-

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mayo 2021 #13

DosBala contr el mundo Anxela Baltar (guitarra y voz) y Violeta Mosquera (batería y voz) son las integrantes de Bala, un combo que demuestra que no hace faltan más integrantes para defender estilos como el stoner, el metal, el punk o el grunge de forma honesta, contundente y original. Regresan con “Maleza” (Century Media, 21), nueve proyectiles que suenan como un tiro y con los que acomodan su posición en el ámbito internacional. Preparad los oídos, que viene ruido del bueno.

“Parece que seguimos teniendo que pedir permiso para hacer ciertas cosas, pero va cambiando la cosa”

#14 mayo 2021

B

ALA TIENE UN FORMATO atípico, aunque cada vez vemos más casos: dúo. ¿Nació con esa idea?

(Anxela) Empezamos a tocar las dos juntas y nos pareció suficiente. La verdad es que vimos que fluía bien desde el principio, así que no nos planteamos ampliar el formato.

—Ambas cantáis, ¿cómo os repartís las voces? ¿Cada una canta lo que compone?

(Violeta) Sí, un poco así, quien componga la canción suele tener más peso. A veces hay temas que piden una segunda voz o sugerimos: “Pues yo aquí podría hacer esto y tú te podrías marcar aquí un grito”. Más o menos nos lo vamos repartiendo así, equitativamente.

(Anxela) También está el tema del registro, tenemos un registro bastante distinto las dos. Yo soy más de agudos, gritos y tal, y Vio tiene un tono grave guay.

Como se complementan bien, pues también las repartimos un poco pensando en eso.

—También alternáis el inglés y el castellano, ¿según lo que os pida la canción?

(Violeta) Eso fue una pequeña lucha al principio, porque yo soy muy de música en inglés. Todo lo que escucho está en inglés y me sale escribir las letras en inglés.

Me parece más fácil también. Al principio era todo en inglés, después empezamos a hacer alguna cosita en español y nos dimos cuenta de que, lógicamente,

—TEXTO Jesús Casañas —FOTOGRAFÍA Andrea Sánchez la peña se aprende mucho mejor las letras si están en el idioma que habla. Para Anxela tenía más sentido hacerlo en español…

(Anxela) A mí me gusta más, me parece más sincero. Por mucho que hables inglés, al final tu idioma es tu idioma. Como dice Vio, al principio era todo en inglés y después decidimos apostar por este cambio, a ver cómo funcionaba, y a las dos nos convenció. El rollo de ver a la gente en las primeras filas cantando tus temas a grito pelado, que se los saben... Con los temas en inglés no pasa.

—Se acaba de publicar vuestro tercer álbum, “Maleza”, integrado por nueve temas. ¿Dónde se han grabado? ¿Lo grabasteis a la vez, por pistas…?

(Violeta) Lo hemos grabado igual que “Lume”, en Ultramarinos Costa Brava, con Santi García. Habíamos ido allí ya para “Lume”, nos había gustado mucho la experiencia, había que grabar otro disco y fuimos a lo conocido. Básicamente lo hicimos igual que el otro, primero juntas. Yo grabando la batera y ella una primera línea de guitarra, por el rollo de mirarnos y tal, que los temas estaban un poco todavía cogidos por pinzas. Tampoco vas con todo cerrado y sí que hace falta esa comunicación. Yo las primeras las grabé con Anxela tocando, que creo que esa guitarra ya quedó como guía, y después Anxela otra guitarra por encima y una línea de bajo.

(Anxela) En total si no me equivoco hay tres líneas de guitarra. Fue muy fluido, igual que la otra vez. Tuvimos el disco listo en cuatro o cinco días. Muy guay. En Ultramarinos curramos muy a gusto, muy cómodas, y todo fluye guay, tanto entre nosotras como con Santi.

—Stoner, rock alternativo, punk, metal… ¿Cómo definiríais vuestro sonido?

(Anxela) [Risas] Misión imposible, de verdad. Nos cuesta siempre. Sí que es cierto que tenemos una mezcla de todo eso que dices, que son las influencias, lo que tenemos en la cabeza, las cosas que escuchamondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ra o

ENTREVISTA

mos. Pero ponernos una etiqueta en una o dos palabras nos resulta complicado.

—Edita Century Media Records. Tras dos discos editados con Matapadre, ¿cómo habéis fichado con ellos?

(Violeta) Matapadre es nuestra oficina de Galicia, de Santiago. Arriesgó muchísimo y apostó por nosotras desde el principio. Es muy de agradecer, porque cuando no eres nadie o lo que tienes son cuatro canciones que no sabemos cómo van a ir, que alguien venga y te diga: “Venga, para adelante, ¿qué queréis? ¿Copias?

Hacemos copias”... Estaremos eternamente agradecidas a la labor que hizo Matapadre con la banda y el camino que hicimos juntas, pero cuando empezaron a pasar todas estas cosas de giras fuera y tal, ya desde la oficina nos decían: “A ver chiquis, todo guay, pero ya estamos tocando techo, ya no tenemos más infraestructura que os podamos ofrecer para que sigáis creciendo. Aquí hay mandanga, podéis crecer más y no voy a ser yo quien lo impida obviamente”. Empezamos a barajar opciones cuando empezamos a trabajar con Holy Cuervo, a buscar sello para el próximo disco con las características que buscábamos. Que fuera un poco más internacional, que nos pudiese abrir puertas de cara a hacer giras como dios manda… Salió Century Media y obviamente encantadas, ninguna de las dos podría haberlo adivinado hace unos años.

—“Agitar” fue el primer single, y abre el disco también. ¿Era la que más os gustaba como carta de presentación?

(Anxela) No sé si la que más nos gustaba. Evidentemente nos encanta este tema, además tiene tres colaboraciones: a Bonnie Buitrago en el bajo, los coros de Najwa Nimri y luego la letra, que es de Lúa Mosquetera, amiga y poeta gallega que nos mola mucho. No sé si es la que más nos gusta realmente, pero sí que tenía sentido que fuese el primer single y el tema que abriese el disco.

(Violeta) La verdad es que una colaboración a tres bandas es para decir: “Vengo con esto, pero además acompañadas de estas tres pedazo de mujeres”, que nos molan mogollón las tres. Aparte llevábamos con el “se vienen cositas” mucho tiempo, y de repente pasó esta movida, cuando se supone que íbamos a sacar todo nos quedamos un tiempecillo paradas, llevábamos tiempo calentando a la peña con “venga que venimos, que hemos grabado el disco” y de repente pasó esto.

Qué mejor manera de decir: “Ahora sí”.

—Después ha seguido “Hoy no” y “X” ha sido el tercer single, todo un canto a la diversidad…

(Violeta) “X” es el único tema en inglés del disco, aparte de “Bessie”…

(Anxela) “Bessie” no cuenta porque solo tiene dos palabras yo creo (risas). (Violeta) Sí, es más bien instrumental. “X” fue un poco mi capricho, de hecho lo comentamos: “¿Qué carajo pinta ahora un tema en inglés en medio de toda esta movida?”. Y yo: “Mira, para este tema no veo una letra en español, déjame tirar de lo que me sale a mí”. Es un tema agresivo, corto. Yo le tenía mogollón de ganas a un ritmo de “tupá, tupá, tupá”, que nunca lo había hecho y se ha juntado el hambre con las ganas de comer. La historia va sobre un buen polvazo, y en el vídeo intentamos que toda la peña que lo vea se pueda sentir identificada, que al final todos somos iguales en eso. Qué más da que sean tíos que tías que lo que sea, que al final se trata de pasarlo bien, de quererse y de disfrutarse los cuerpos. —J.C.

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mayo 2021 #15

1-2-3-4 DE JULIO 2021 | MOZOTA, ZARAGOZA

IVÁN FERREIRO • NOVEDADES CARMINHA LA HABITACIÓN ROJA • VIVA SUECIA NIÑOS MUTANTES • ISEO & DODOSOUND LA PEGATINA • IRREGULAR ROOTS SAMBA DA PRAÇA • MEDIAPUNTA PRODUCTORES GASTRONÓMICOS LAAZUCENA (MADRID) LAUREL YTOMILLO (LAGUERUELA, TERUEL) COOKPLAY (BILBAO) SIERRA DE LAS VILLUERCAS (DELEITOSA, CÁCERES) GOOD BOY (OLHÃO, POTUGAL) DEVAS GOURMET (ESCALONILLA, TOLEDO), TARRO VERDE (RIBATAJADA, CUENCA) EL JUNCAL (FITERO, NAVARRA) ENCANTARAN (VIELHA, VALLE DE ARÁN)

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FOTOS: LIBERTO PEIRÓ

Demoscópica 2021 Sala: Teatro Berlanga (Madrid) | Fecha: 7 y 8 de mayo, 2021 Promotor: MondoSonoro/Ibis

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AS PLANTAS TIENEN MEMORIA. Saben el momento preciso en el que ya no hace falta guarecerse de las inclemencias, cuando ya pueden florecer tranquilas para volver a reproducirse. La música también tiene memoria. Y sabe que, después de tanta y tan larga letanía, es el momento de volver a expandirse.

La Demoscópica by Ibis de MondoSonoro, que tuvo lugar el 7 y 8 de mayo en el Teatro Berlanga de Madrid, pretendía poner todo de cara para que, después de un invierno de prácticamente un año, la primavera llegue con fuerza también al sector.

La revista reunió al sector en diversas charlas para bandas noveles; al público, que agotó entradas días atrás; y, claro, como es ya tradición, a las bandas jóvenes.

Dos jornadas que sirvieron para tomar consciencia que en un futuro cercano, la música no sólo deberá sonar: hay que fortalecer también todo lo que hay alrededor de ella. Y que también evidenció que, haciendo las cosas bien, flores las hay más bonitas que en el Real Jardín Botánico de Madrid. Será por flores: De los Santos, Biela, Aiko El Grupo o –grupo invitado– Carolina Durante.

El sábado arrancó, claro, con semillas.

“Una semilla que no es muy prometedora, si está bien cuidada, en el ecosistema correcto, puede generar grandes cosas”, contaba Brian Eno en un audio. Lo utilizaba Oswaldo Terrones (Levi’s Music Pro-

ject) para arrancar una sesión que reivindicaba el papel del productor, “ayudante creativo”. Y de ahí a la importancia de la propiedad; de nada sirve tener una semilla si nadie la protege. Luis Yáñez, abogado especializado en propiedad industrial de SGAE, lo dejó muy claro. “Los artistas quieren desarrollar su talento, pero para hacerlo hay que recibir una justa compensación por el trabajo”.

Las flores entran por los ojos. De ahí que una de las sesiones profesionalizadores estuviese dedicada al videoclip y la comunicación. El artista audiovisual Willy Rodríguez contó mil y una peripecias: “Yo he palmado una barbaridad; el videoclip es un formato que no te permite vivir en este país”. Después de trabajar con Dvicio, Nach o L.A., el autor cada vez valora más el papel del equipo. Un mensaje parecido dieron Sofía Cuevas y Laura Estudillo (Panorámica Agency): “A muchas bandas les interesa mucho su música, pero para que esta llegue hay mucho detrás. Explicarse no es un extra, es una parte fundamental del trabajo.

De Los Santos, actuación que rompió el hielo el viernes poco después de las ocho, explica. Por omisión. Su bedroom pop, cabizbajo y apesadumbrado en grabación, adopta formas mucho más viscerales en directo. El joven hizo “Feliz”, a su manera, al graderío. Acabaron de redondear la noche Biela, banda en plena progresión frenada, como tantas, por la pandemia. Nostalgia, guitarras vitaminadas y pantalones de pinza no aptos para fans del ‘spinning’.

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“Otoño” (20) lució, pese a un micrófono díscolo que intentó aguar el despliegue emo-core de los madrileños. Mostraron novedades, la generacional “Hoy peor que ayer”, pero no las ultimísimas: tienen disco en barbecho, preparado en Ultramarinos Costa Brava.

El sábado arrancó con bises de cambio.

Era el día de la ‘happy hour’. La ‘nueva normalidad’ quedaría enterrada en las calles de Madrid unas horas después del evento.

Alguien que sabe, y mucho, sobre ‘nueva normalidad’ –en este caso en el sector– es Ramiro Mc Tersse que con ONErpm, plataforma de distribución digital de música, gestiona 9.000 millones de clics al mes. El digital, en auge. Pero la música también pertenece al directo. De eso sabe un rato Mónica Merino, que ha trabajado con Héroes del Silencio o AC/DC y es representante de APPORTE. En “Carretera y manta” habló sobre imprescindibles de una gira.

Un trabajo –apostilló– “duro, y divertido”.

La Demoscópica 2021 demostró dos cosas: pese al deseo de directo de los presentes, el ‘live’ ha llegado para quedarse.

Y, por supuesto, las guitarras han vuelto; quién sabe por cuánto tiempo, hoy que las tendencias se mueven más rápido que el chat en Twitch. Sobre lo primero, el Dj y músico Garabatto dio unos cuantos “tips”.

Lo hizo, cómo no, vía streaming. La propia Demoscópica fue retransmitida ‘hi-fi’ por la plataforma Banister. ¿Y cómo hacemos para vender tickets en tiempos de sofá, manta y concierto? Rosa Fernández, de la ticketera para directos y ‘lives’ Dice, expu-

so las nuevas posibilidades para los artistas a la hora de vender entradas. Ideas que, a buen seguro, les interesaron a las bandas que cerraban el evento, llamadas a despachar muchas butacas. A su criterio si en sala o vía ‘streaming’.

Sin duda, la furia de Aiko El Grupo, su “música para calvos”, impacta más en directo. “¿Música para calvos?”, preguntaba Magüi de Ginebras, encargada junto al redactor jefe de MondoSonoro, Joan S. Luna, de las presentaciones de los artistas. “Bah, una forma de no mojarse. Si quieres saber qué hacemos, ¡escúchalo!”, respondía el combo. Los temas ganaron energía en directo: algún teclado Nocilla Pop, pero por lo general guitarras nerviosas.

Algunos miembros de Carolina Durante, banda más que consolidada justo antes del encierro, disfrutaron del directo del cuarteto. En primera fila. ¡Tenían ganas de directo! Una de las bandas que más tocó en 2019 y que ha tenido que descansar por obligación. Algo que, como sonsacaron Magüi y Joan S. Luna, también les ha servido para sembrar colaboraciones –en breve saldrá un tema con Mujeres– y tienen disco en el horno. Demostraron tablas e hicieron sonar el Berlanga de diez, punto medio entre la movida madrileña y Los Planetas. En “Espacio vacío”, uno de sus últimos sencillos, invitaron a Aiko El Grupo a acompañarlos sobre el escenario. Euforia y ganas de más. El público pidió bis. Hicieron ver que no la recordaban, pero cayó “En verano, ornitofilia”. De momento, primavera. Disfrutemos las flores. —YERAY S. IBORRA mayo 2021 #17

ENTREVISTA

“

"Cuando me fui de España había demasiado ego entre todo el mundo y ahora he vuelto y veo que se está creando esa magia, que todo el mundo colabora con todo el mundo"

#18 mayo 2021

T

EL HOM EN SOM

RABAJAS con Pablo Gareta en la producción de “Hijos de la Ruina 3”, el nuevo álbum de Natos y Waor y Recycled J. ¿Cómo ha sido trabajar en este disco?

Hijos de la Ruina es una auténtica colgaera. Yo me fui a Londres en 2012 que es justamente cuando Natos y Waor y Jorge (Recycled J) empiezan su carrera y hacen sus crossovers. En 2012 sale el primer “Hijos de la Ruina”, en 2016 sale el segundo y este último, por culpa del Covid, se tuvo que posponer y por eso no ha salido en 2020, sino que ha salido en 2021. Y yo no había escuchado nada, me perdí toda la música en España desde 2012 y cuando volví me encuentro con Jorge y él me explica todo lo que ha pasado y me dice que quiere contar conmigo para este proyecto. Yo ya estaba currando con Jorge y Pablo Gareta es la mano derecha de Natos y Waor, entonces me dijo “tío, vamos a hacer un equipo”. Cuando me fui de España había demasiado ego entre todo el mundo y ahora he vuelto y veo que se está creando esa magia, que todo el mundo colabora con todo el mundo y se está haciendo piña y están saliendo proyectos súper gordos.

—Estando más de seis años fuera y alejado de toda la escena española, ¿te sonaba algo de Natos y Waor?

De Natos y Waor conocía la canción que tienen con Costa, “Demonios y bares de viejos” creo que es, que me parece la polla. Y luego, conocía otra, algún hit gordo, no me acuerdo ahora mismo. Sabía que recientemente habían hecho el famoso concierto de Vistalegre. Vi un teaser y dije “madre mía, qué está pasando en España” y me llegaron muchas noticias y pasaron muchas cosas que pensé que igual había llegado la hora de volver y ver si podía currar con gente. Y fue así, llegar y tocar.

—¿Y la música de Recycled J la conocías?

Claro, sí, yo sabía quién era Jorge. Mi primer contacto con artistas de España, estando yo en Londres, fue Pepe: Vizio y ya con ellos empecé a hacer digging y llegué a “Tiempo”, de Jorge, y vi que Selecta había cogido un sample, que él ni sabía de qué era porque se lo había descargado de un paquete, pero que es el opening de “Wild Arms”, un videojuego de la PlayStation 1.

Y yo la había intentado samplear pero no me salió, no tuve cojones de hacer un tema con ese sample. Cuando la escuché, dije “qué cabrón”.

—Yo flipé al escuchar por primera vez “Fuego, fuego” y descubrir quizá no tanto a Recycled, pero sí a Natos y Waor sobre una base de reggaetón. ¿Cómo se os ocurrió hacer algo así?

Eso es culpa mía (risas). Esa instrumental la hice con Choclock y es una idea que hicimos para unos artistas latinoamericanos, no me acuerdo quiénes son, famosos, ultrafamosos, que me pidieron que les enviara, lo hice y se han pegado un año sin contestarme. E hicimos un camp los cinco, bueno, había mucha más gente: Pablo Gareta, Natos y Waor, Jorge, Jack, que es el guitarrista, estaba Greta también… Éramos unos cuantos en una casa. Y faltaba un tema gamberro, era todo demasiado guitarrero, rockero, Madrid, frío. Y se lo dije, que para mí faltaba un tema como con los que yo les había conocido. Escuchaba el disco, los temas que ya llevábamos y les dije “yo creo que esto es muy lineal, deberíamos buscar cosas” y estuvimos poniendo música, buscando inspiración, y de repente puse ese tema y dije “mira, tengo esto, nos lo podemos llevar por aquí y no hace falta cantarlo, al revés, vamos a hacerlo duro”.

—A lo largo de tu carrera en España has trabajado con artistas como Cruz Cafuné y, de hecho, en tu canal de YouTube se puede ver el proceso de composición de algunos de sus temas, para los que os reunís en una habitación, no para de entrar y salir gente bebiendo y aportando ideas y es un trabajo de lo más orgánico. ¿Cómo es trabajar así?

Kiddo

Kiddo Manteca es uno de los productores de música urbana más exitosos de nuestro país. Ha colaborado con alguno de los artistas más consagrados del género y ahora, de la mano de Pablo Gareta, ha estado a los mandos del tercer volumen de Hijos de la Ruina, el nuevo disco de Natos y Waor y Recycled J. —TEXTO Adrián Lerma

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MBRE N LA MBRA

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No sé si alguien lo puso en comentarios, pero el vídeo empieza con una mesa vacía y termina llena de botellas y cubatas (risas). Cuando digo que Fer y Gonzalo (Natos y Waor) son más estrictos me refiero a que tienen otra dinámica. Mira, creo que fue con “A la tumba”, estábamos en el estudio, hicimos una demo para que ellos pudiesen escribir y Gon se metió en la cabina, volvió a los doce minutos y tenía treinta y dos barras hechas.

Entonces cómo quieres que yo le diga a esa persona lo que tiene que hacer, es que lo tiene tan claro que yo ni lo toco, hermano, eso te ha salido de dentro. Sin embargo, Fer necesita ir a su casa y estar tranquilo en su mesa y luego lo manda al grupo y nos quedamos locos. Jorge no, Jorge tiene esa dinámica de escribir en casa, pero luego viene a mí y me dice qué te parece y le digo “esto para mí está flojo, esto es increíble, esto lo vamos a usar de estribillo” y le doy una segunda opinión. Y luego hay artistas, por ejemplo, Cruzzi, que están acostumbrados a eso, a que todo el mundo es una piña, cero egos, todo el mundo aporta y nadie es más que nadie ni ninguna idea es mejor o es peor porque de una idea que tú me des yo saco otra. Es una dinámica totalmente diferente pero también hay que valer para eso, porque estar en una habitación con cinco o seis personas detrás, soltando ideas. Tienes que saber estar en el momento y saber respetar a todo el mundo porque en caso contrario es una liada increíble.

—También trabajaste en la producción de uno de los mejores EP’s del género en 2020, “La Tour Liffee”, de Delaossa, en el que coproduces con Gese Da O, J. Moods…

Está todo el mundo. Mira, en “La Tour Liffee”, todos los temas los hizo Delaossa sobre un beat. ¿Qué pasa?

Que la mayoría de los beats son loops, lo escuchas un rato y ya estás aburrido y le dije “tú que eres fanático del cine, si vas a contar esta historia en la que estás hablando de un viaje, vamos a hacer algo en lo que el imaginario completo tenga sentido”. Entonces yo tampoco quería llegar ahora ahí y decirle a los beatmakers “venga, fuera, que voy a hacer yo esto de nuevo”, al revés. Me propuse hacer el ejercicio de coger lo que ya está hecho pero elevarlo al mil. Me resulta súper enriquecedor currar con gente, porque estás currando y aprendes y eso creo que es súper bonito.

—Además de estos artistas ya consagrados, estás muy presente en la carrera de una de las promesas de la escena como es Abhir Hathi, con quien estás trabajando codo con codo en su nuevo disco.

Se lo digo a todo el mundo, pero para mí Abhir va a ser el artista que lo va a petar porque creo que lo tiene todo. Tiene todas las características para petarlo. Sí que es verdad que está en un momento ahora mismo que hay muchísima música, muchísima competencia y también es un artista que no es mediático, él lo que hace es música, fin. Y la gente está acostumbrada a que aparte de músico seas entertainer en las redes, y a él no le nace. Pero es un discazo, ha currado todo el mundo, los productores principales somos Choclock, Phynx, que es de México y es un chaval que es horriblemente bueno, y yo. Pero luego hay un montón de gente también, está Nacho, El Secreto, Ellegas también está produciendo, Gese, Govea…

—Por último, no quería pasar por alto el nuevo disco con Flavio Rodríguez que anunciaste hace unos días. ¿Cómo va a ser?

No va a ser un disco, va a ser un EP creo, van a ser seis temas o así pero van a ser todo singles. Y va a haber colaboraciones con todo el mundo, mira, te lo digo ya, con Abhir, Choclock, Ricky Furiati también está, Delaossa, que ese es uno de los hits, Pepe: Vizio… Amigos míos, colegas que tengo a mano que les digo “vamos a hacernos un EP”. Y en todos ellos colabora Flavio cantando, esta vez sí, y yo produciendo. —A.L.

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mayo 2021 #19

El Altardel Holocausto Sacrificio

MONDO FREAKO

Su impactante indumentaria no pasa desapercibida, pero dejando a un lado la puesta en escena, la de los salmantinos es una de las propuestas más interesantes del post-rock nacional de los últimos años. Atmósferas sonoras que crean dinámicas capaces de hundirnos en lo más profundo para subirnos después a lo más alto. Vuelven a demostrarlo en “Trinidad” (Autoeditado, 21).

L

A PREPARACIÓN de vuestro nuevo disco comenzó al terminar la gira anterior, “IT Tour Part I&II”. ¿Cómo ha afectado la crisis sanitaria a vuestros planes?

En realidad todo se precipitó el domingo 8 de marzo de 2020 volviendo de Andorra, donde habíamos tocado la noche anterior. Escuchábamos por radio cómo todo se desmoronaba, cómo cerraban perimetralmente ciudades, cierre de colegios... Era todo una locura y estábamos a novecientos kilómetros de casa. Además en el camino recibimos una noticia personal muy dura que acabó de hundirnos por completo. Decimos entonces ir posponiendo todos los conciertos que teníamos programados del “IT Tour part II” hasta junio, donde también debíamos participar en varios festivales, alguno fuera del país. Pero la realidad fue que nada de eso se pudo llevar a cabo, tuvimos que cancelar algunos conciertos, otros posponerlos sin fecha futura... Entonces decidimos ponernos a hacer lo único que se nos “permitía”, que era componer.

—La preproducción la ha llevado a cabo Cardenal Shake, técnico de la banda. Grabación, mezcla y masterización en Estudio Uno (Madrid) durante el mes de noviembre a cargo de Pablo Pulido. ¿Cuál ha sido el modus operandi a la hora de trabajar?

Sí, teníamos claro que en este disco queríamos trabajar con calma, sin prisas de tiempos, dejar que los temas madurasen y darle las vueltas que hiciera falta.

Para ello contamos con nuestro técnico

#20 mayo 2021

“La indumentaria y el anonimato son el precio a pagar” Cardenal Shake, que nos ayudó en la preproducción, donde pudimos trabajar sin la “presión” del estudio. Una vez tuvimos todo bien estructurado y definido hablamos con los hermanos de Estudio Uno para que fuese Pablo Pulido, quien ha trabajado con multitud de bandas desde Izal a Soziedad Alkoholika, quien estuviese a cargo de la grabación completa. Queríamos que fuese un sonido más limpio que en “IT”, y Pablo era la persona perfecta para ello. Una vez en el estudio todo fue muy sencillo. Son gente con muchísima experiencia, gente que ama lo que hace.

Fue todo un placer ponernos en sus manos. Nos facilitaron mucho el trabajo de grabación.

—El resultado es “Trinidad”. ¿Era la idea desde el principio que tuviese tres canciones largas?

Sí, siempre hemos tenido clara esa idea.

Tres partes, una trinidad. Nos gusta que los discos vayan estructurados y tengan un sentido completo, que en la trilogía (“HE”, “SHE”, “IT”) cada disco tenga seis canciones no es algo aleatorio. Procuramos cuidar esos detalles y hacer que todo encaje. En esos tres discos hay

más coincidencias que hacen que sean parte de un “todo”, que se puedan escuchar de principio a fin y encajen.

—La banda nació como dúo, ¿cuál fue la evolución hasta llegar a cuarteto?

Sí, durante el año 2012 la banda estaba formada solamente por Reaper Model a la batería y Skybite a la guitarra, que posteriormente pasaría a tocar el bajo.

Durante ese año tocamos en varios festivales y dimos varios conciertos, pero aún no teníamos ningún disco grabado. En 2013 con la grabación de “HE”, Weasel Joe toma los mandos de la guitarra y comenzamos a girar como trío. Más tarde, en 2017, entra en las filas el hermano Reverb Myles como segundo guitarra, grabamos “IT” como cuarteto y giramos hasta la actualidad en ese formato.

—Vuestra indumentaria y puesta en escena es impactante. ¿Creéis que la banda habría llegado al lugar en el que está ahora de haberlo hecho en vaqueros y camiseta?

Puede que no, pero nunca lo sabremos.

Por supuesto la estética es importante y suma, es parte de la banda. Es algo que debemos aceptar, tiene su parte

positiva y su parte negativa, si no que se lo pregunten a los feligreses que nos vieron sudar en el Download a 43 grados o a cualquiera que se acerque a una homilía en una sala de marzo a octubre (risas).

—¿Vuestra imagen ha ofendido alguna vez a alguien, o llegado a suponer algún problema?

Bueno, en alguna ocasión sí que hemos recibido algún insulto por redes o algún mensaje privado amenazante, pero nada serio. La gente debe ir más allá y escuchar el mensaje musical, no quedarse en la superficie.

—El anonimato es el precio a pagar: no existen fotos de EADH sin túnica ni máscaras. ¿Dificulta las cosas a la hora de organizar los directos?

Al igual que ocurre con la indumentaria pasa con el anonimato, es un poco el precio a pagar. La gente nos pregunta que si pueden hacerse fotos después del concierto, preferimos mantener esa parte oculta y lo entienden perfectamente.—JESÚS CASAÑAS

R Más en www.mondosonoro.com

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EN PORTADA

Petro glifos Baiuca

“La música del norte está todavía por descubrir en gran parte de la península. Al final, siempre que se habla de músicas de España, se habla de músicas del sur, del flamenco”

#22 mayo 2021

La tierra. Las piedras. Y la explicación que damos de ellas.

Baiuca sigue su apego inexorable por entender y expandir sus raíces: muerte y naturaleza en “Embruxo” (Raso Estudio, 21), su esperado segundo largo. Un disco rítmico, más pop, pero de electrónica fibrosa. Chapoteamos en aguas gallegas desde su balcón en Barcelona.

N

OS PARECEMOS a las piedras.

Estamos hechos por capas.

Nos pintamos por encima.

Nos hacemos las duras. Pero el tiempo puede hasta con las más robustas. No solo nos asimilamos a ellas, también las adulamos: magnas, nos impresionan, y las hay que incluso nos hablan, nos explican quiénes fuimos, como los petroglifos.

Alejandro Guillán (Catoira, 1990), la mente tras Baiuca, es un devoto de las piedras. Él mismo ha ido quitando capas, puliendo e incluso leyendo lo que le contaban.

“Embruxo”, segundo largo tras “Solpor” (18) y tras multitud de colaboraciones de renombre (El Búho o Nicola Cruz), es un paso más en la universalización de los mitos y la identidad gallega. Es un paso más hacia el autoconocimiento. Porque cuando Guillán mira atrás, solo ve –una ilustración de su tierra decora su estudio en Barcelona– Galicia, pero cuando mira adelante, su electrónica no tiene límites.

—En el pasado Cara B, la gente aprovechaba el trayecto para ir al lavabo para bailar. Bailar muñeiras.

Barcelona era un sitio con el que había una deuda,

—TEXTO Yeray S. Iborra nos quedamos con las ganas de haber hecho la sala Apolo justo cuando empezó el confinamiento. Estos meses la gente tiene ganas de conciertos. Y luego, mi forma de hacer los bolos... Me gusta una sesión con una coherencia de principio a fin. Creo que eso se entiende bien.

—Y tan bien.

Creo que hay algo también de que una parte de la música del norte está todavía por descubrir en gran parte de la península. Al final, siempre que se habla de músicas de España, se habla todo el rato de músicas del sur, del flamenco.

—¿Habéis tenido que ir a Madrid o Barcelona a que se escuchen esas músicas?

No me gustaría que fuese así: tener que ir a Madrid o a Barcelona para triunfar. Yo me fui porque quería conocer una gran ciudad.

Pero sí, es curioso que al final muchos de los proyectos gallegos que escuchas por ahí, sus músicos viven en Madrid o Barcelona.

Esa es la realidad. Pero no me gustaría que fuera así: hoy en día con Internet, puedes estar en cualquier parte del mundo en nada…

—Tú has estado conectadísimo con las músicas de Latinoamérica, por ejemplo.

A muchos productores latinoamericanos les mola mi música: no es igual a lo que ellos hacen. No sé, como que la música gallega en sí, la raíz, las voces que utilizo tienen una fuerza, una potencia, que las hacen diferentes.

—¿Por qué en Madrid se te ocurre dar un giro hacia revisitar lo tradicional? mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

o s

Ya me fui con esa idea a Madrid; toda la parte de buscar música en discos antiguos la había hecho en Galicia antes de irme. Me lo llevé en un disco duro, sin saber qué iba a pasar, y encontré el punto de conexión ya en Madrid. Fue cuando más conecté con la música de Nicola Cruz, de Chancha Vía Circuito...

Ya entonces tenía un poco los sonidos con los que quería trabajar, pero no sabía cómo hacerlo hasta que vi cómo lo hacían ellos con su cultura. Y fue la inspiración esa de decir: “Vale, si esta gente lo hace allí, aquí también lo puedo hacer de esa misma manera”. Antes hacía algo más pop [Alex Casanova] y lo fui dejando de lado...

—Y con “Solpor”, música de raíz, trasciendes más que con ese proyecto pop.

Hacer pop va un poco con tu personalidad y en que justo lo que estés contando coincida con lo que la gente quiera escuchar. O sea, eso es lo que te hace diferente a los demás dentro de una música mucho más universal en realidad y que se puede hacer en cualquier parte del mundo. Pero claro, lo que empecé a hacer con Baiuca era algo que no existía tal cual y que me hacía mucho más extraordinario.

—Dar tu visión de las músicas de tu tierra.

Dar mi visión de la música tradicional, llevarla a otro punto: la tradición no se puede perder. Para mí lo que ha pasado en Galicia con lo que llaman folk, muy asentado desde los años setenta, cuando empiezan los pioneros, Milladoiro o así, es que claro, se había estancado. ¿Si aparecen grupos cincuenta años después haciendo lo mismo, no estás aportando nada, no?

—Has dejado de samplear, ¿por qué?

Es el salto de calidad que quería dar. O sea, la diferencia entre “Solpor” y “Embruxo” es claramente esa. En “Solpor” la base era hacer un disco con samples, pero porque era lo único que podía hacer.

Y quería: llevaba muchos años escuchando cosas como “Alegranza” (07) de El Guincho. Y después de eso, quería que este disco ya fuera para meternos en el estudio. Durante toda la vida estuve ligado a la música, desde muy pequeño. Recuerdo que mis abuelos, por un cumpleaños, me regalaron un acordeón que nunca llegué a tocar. Luego empecé a tocar la gaita y tocábamos en casa. Y cuando había una comida, pues acababas de comer y tocabas y yo tenía un grupo de gaitas, e íbamos a tocar a las romerías, empezó por ahí... O sea, llegó un momento en el que desconecté, cuando tenía catorce o quince años, pero antes me daba igual. Ahora quería entrar al estudio de nuevo, instrumentos. Un compañero de piso me decía que le flipaban las pandereteiras: “Eso era el futuro”. Y mira, lo era.

—¿Cómo fue en el estudio?

Yo quería tener primero las percusiones, sin saber a lo que me iba a llevar eso, y luego de ahí aprovechar cosas. Sobre todo tener mis propios samples.

—¿Y Lilaina y Xose Lois Romero, cuando entraron en el proceso?

Fue bastante mágico conocer a Xose Lois. O sea, “Misturas” (19) es mi revisión de las canciones de Aliboria de un disco ya terminado, publicado. Me acuerdo que descubrí el disco en Spotify, acababa de salir. Y justo fui a casa de mi manager, y se lo enseñé

3

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mayo 2021 #23

EN PORTADA

"Pensamos que tenemos que coger un avión e irnos a todo el mundo y lo que tenemos cerca, no lo conocemos ni un poco"

EL APUNTE

FOTO: SONIA TOLEDANO

3 La Galicia más experimental

D

esde que Emilio José irrumpió en la escena pop estatal, ha ido menguando la estigmatización existente hacia la lengua gallega desde fronteras nacionales externas al cerco atlántico.

Tras la estela del heterodoxo genio de Quins, acontecimientos como Chicharrón, Das Kapital, Malandrómeda no han hecho más que refrendar la recontextualización del acervo galaico, para el cual Baiuca se ha erigido como portavoz que traspasa fronteras.

A diferencia de la comunión perfecta entre pop y folk cosechado desde latitudes mediterráneas, el folk norteño siempre ha contado con una mayor dificultad para ser concebido bajo parámetros más receptivos. Quizá sea por la agresión climática o la pervivencia de una comunidad aún más arraigada a la vida rural que a la urbanita, su folclore sigue contando con el apego inviolable de la tradición oral.

De la troula en romerías a los cantos de taberna, Galicia es esa zona demarcada por la línea del fin del mundo, que representa Finisterre. Punta del compás que abarca un universo folclórico que, en cuanto a parecidos razonables, bien podría ser considerado como la Gales ibérica. Dentro de la circunferencia trazada, Baiuca (o lo que es lo mismo, el productor y músico Alejandro Guillán), se erige como propulsor de la descentralización de una sensibilidad tan concreta como abierta a ramificaciones provenientes de las regiones más dispares. Así quedó plasmado en “Misturas” (2019), el revelador EP donde forjó alianza con Aliboria & Xosé Lois Romero: lo más cercano a la reinvención de la visceralidad punk a través de la cantiga galaica.

—MARCOS GENDRE

#24 mayo 2021

y le flipó. Entonces yo ya estaba con la idea de empezar a llevar gente en directo. Se lo propuse a Xose Lois y él me habló de Alejandra y Andrea y ellas dos forman parte de Aliboria, pero Aliboria es un colectivo más grande; son diez personas. Y dentro estaban las Montero, tres hermanas y una prima: ellas en solitario son Lilaina.

Entonces, como yo en “Misturas” trabajé con sus pistas, no trabajé con ellas ni con Xose Lois. Sabía que para este disco los quería a ellos.

—No es lo mismo crear en Galicia que mirando este póster que tienes aquí atrás.

Por suerte voy mucho ahora a mi tierra, pero es verdad que el disco lo hice el año pasado y que no estuve allí. Mi idea era irme allí y hacerlo todo allí, encerrarme un tiempo. Y volví de México en febrero y ya sabía que en marzo tenía que empezar a hacer el disco. Era algo que estaba en mi cabeza, ya había hecho sesiones, ya tenía avanzados samples, o sea, ya habíamos estado en Galicia grabando cosas. Entonces llego a ese momento en el que yo decía “vale, pues ahora me voy a Galicia veinte días, un mes, lo que haga falta, me voy a alquilar una casita en el sitio más recóndito al lado del mar”. Esa era mi idea. Y ya me encerraron aquí y al final lo hice todo aquí. De hecho, hubo grabaciones que no pude ir a Galicia, sesiones en Oza dos Ríos que se hicieron conmigo aquí. Telemáticamente. El sonido que se grababa allí me llegaba a mí al momento y yo les daba las pautas desde aquí.

—El director de orquesta del siglo XXI. Sí. Fue curioso. O sea, tenía la maleta hecha para salir. Iba a salir por la puerta y me mandaron los resultados de una PCR, ¡y mierda!

—La pandemia...

Mucha gente aprovechó estos meses de confinamiento para hacer música, pero yo creo que eso se nota. Este no es un disco de pandemia. Yo sabía en marzo que tenía que hacer el disco y no iba a tener relación con el estado actual. O sea, tú escuchas esto dentro de cinco años y no piensas en la pandemia. Va de misticismo gallego. La cultura espiritual gallega en relación con la muerte, con la naturaleza... Me ayudó basarme en canciones tradicionales que hay en el archivo que tiene el Museo do Pobo Galego, el archivo “Cancioneiro popular galego: Romances tradicionais” (Dorothé Schubarth, 84). Por las mañanas, me venía aquí [la misma terraza del piso de Barcelona donde se hace la entrevista] un rato y me ponía a leer poemas, sobre todo de poetas del siglo XIX. Finales.

Principios del siglo XX. Rosalía de Castro, Manuel Curros Enríquez. Hice un puzzle.

—¿Galicia es inagotable como motor creativo?

Ayer me puse a escuchar un poco el disco, llevaba tiempo sin hacerlo y empecé a tener imágenes... Era realmente lo que quería crear. Estoy muy cómodo y es parte de mi identidad. O sea, por vivir en Barcelona, de repente no voy a aprender a hacer música catalana, ¿sabes? A Fangoria nadie le pide que haga algo diferente y llevan haciendo la misma canción veinte años. “¿Vas a pasar toda tu vida haciendo basando tu música en Galicia…?”. No lo sé. Creo que también me interesan las culturas alrededor: Rodrigo Cuevas es asturiano. E hice cosas en portugués.

—Todas las tierras que bañan el Atlántico y el Cantábrico, son tus tierras.

[Ríe] El mar... Cuando vivía en Galicia era mi refugio. El día que estaba mal, me iba allí. Y esa relación, eso sí que era lo cotidiano.

Y muchas veces cuando estoy haciendo música relacionada con Galicia, me ayuda un poco eso, irme allí aunque esté lejos, ¿sabes?

Pensamos que tenemos que coger un avión e irnos a todo el mundo y lo que tenemos cerca, no lo conocemos ni un poco.

—¿Nostalgia?

El rollo más nostálgico-identitario estaba en “Solpor”. Estaba ese rollo identitario y tal, porque me fui a Madrid: tenía morriña, me mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

sentía lejos. No había un concepto en el que basarme ni del que sentir que revisionaba nada. Pero con Adrián Canoura, la persona que lleva todo el tema de mis vídeos, nos mandamos mensajes todo el día... Una de las cosas que me inspiraron para este disco es una de las pelis que él había hecho, “Caerán lóstregos do ceo” (18), que el personaje principal es Manuel, que es justo el personaje que interpreta Rodrigo Cuevas en el vídeo de “Veleno”. Y él ya se había documentado también sobre toda esa cultura espiritual gallega. Las portadas están basadas en esa cosa antropológica. Los petroglifos me molan.

—¿El qué? ¿Aquí existe? Son tallados de piedra, de hace tres mil o cuatro mil años. Y ahí siguen. Y era algo que nos molaba. El disco tiene una parte cristiana que está ahí, porque es la sociedad en la que vivimos, pero sobre todo tiene la parte mística, un rollo pagano. Estos petroglifos que llevan ahí cuatro mil años…

De ahí aparecen historias. Recuerdo cuando tenía tres años en el colegio, había un bosque detrás e íbamos ahí y no pasaba nada. Había una piedra justo en medio, parecía la boca de un lobo, y me acuerdo que yo me inventaba historias sobre la boca del lobo. Y al final mucha de la cultura y el folclore de hoy son cosas como esa: un elemento de la naturaleza y alguien inventa una historia. Eso tiene fuerza.

Me emociona. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—¿Cuándo estás en pleno proceso creativo te dejas

llevar mucho por esa emoción?

Recuerdo cosas de niño… Salía del colegio y cogía una bici y me iba por cualquier camino. Iba al monte y... Y eso para mí, no sé, con ocho años, ¡era la hostia! Lo veo ahora y pienso, ¿a qué iba y qué hacía? Y no sé, yo creo que solamente el hecho de estar libre por ahí y todo eso, me molaba.

—¿Te cuesta volver a esas imágenes desde una habitación en una ciudad?

Para mí el proceso creativo muchas veces... No es.

O sea, yo estoy de acuerdo con eso de Picasso: “Que la inspiración te pille…”. No tengo un método. Hago mucho lo del móvil, lo de coger y grabar una nota de voz. Si tengo un ritmo, si tengo algo que me mueve, grabo. Pero en general me siento ahí y lo que me pida ese día el cuerpo. Y sobre todo intento que los procesos sean siempre diferentes. Así también las canciones suenan diferentes. El ritmo es fundamental en este disco, más que en “Solpor”. Si te fijas, en este disco la parte armónica no está apenas presente.

—¿Te dio miedo perder el privilegio de dedicarte en exclusiva a tu proyecto por el confinamiento?

Hasta ahora nunca tuve presión por nada.

—Un poco te la dejaste con el otro proyecto, ¿la presión?

Aunque Alex Casanova no era mi nombre, sí. O sea,

es el apellido de mi familia y tal. Pero sí, me veía más en primer plano y ahora no. Ahora me siento más liberado. Siento que a la gente le mola Baiuca como concepto, sin saber realmente lo que es. De hecho, hay una cosa curiosa: hice un anuncio ahora para una web y hay gente que lo vio y que comentaba en plan “sale la música de Baiuca”; casi nadie se dio cuenta de que yo salgo en el vídeo. [Ríe] Estoy cómodo a día de hoy. Voy a hacer un poco lo que me dé la gana. Si quiero hacer un EP, si quiero singles... Tengo ideas en la cabeza y tal, vagas de momento.

—¿Siempre tienes la música en la cabeza?

Bueno. Sobre todo cuando hablo con Canoura. Canoura es una persona muy especial para mí. Y en estos temas, por ejemplo, recuerdo hace unos meses que hicimos un viaje de dos o tres horas escuchando la radio gallega e íbamos con un programa sobre algo místico que nadie se chuparía. Te daba sueño, pero nos molaba. [Ríe] Pero también me gusta hablar de fútbol...

—¿Eres del Depor?

No, del Celta.

—Bueno, bien, si no este disco hubiera salido triste.

Más todavía.—Y.S.I.

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mayo 2021 #25

♥ No volem renunciar a res del que hem après

2♥ 21

4/06 5/06

10/06

12/06

13/06

Estadi Olímpic Barcelona

18/06

3/06

4/06

MAESTRO OJETE CALOR CEPEDA ZOO SOfiA ELLAR MISS CAffEINA

20/06

25/06

26/06

30/06

25/07

JOAN MIQUEL OLIVER RDERUMBA & PORCEL “FUNK EXPERIENCE LIVE” SPECIAL GUESTS: SHO-HAI & XHELAZZ

5/06 6/06 by

10/06

Disseny Hub Barcelona

10/06

4/06 5/06 5/06

6/06

6/06 11/06

Antiga Fàbrica Estrella Damm Barcelona Patrocinador principal:

Amb el suport de:

12/06

12/06

Col.laborador especial:

Patrocinadors:

12/06

13/06

ROMEROMARTÍN DOLLAR SELMOUNI RODRIGO LEÃO JEDET

sala barts

JAZZWOMAN TRAU ARIANA ABECASIS DAN PERALBO COMANDANTE TWIN B1N0 RAMON CUGAT maren Col·labora:

11/06

17/06

18/06

19/06

20/06

13/06 13/06 18/06

19/06 19/06 20/06

20/06

cruillabarcelona.com

flASHY iCE CREAM & P.A.W.N. GANG & 31 FAM VÍCTOR MANUEL RELS B ISMAEL SERRANO ANA TORROJA QUERALT LAHOZ LOS PILOTOS 12TWELVE MARIA JAUME MIQUEL SERRA BRIGITTE LAVERNE CHICO BLANCO

& Yung Prado

THE TYETS OCATA ALEX SERRA & TOTIDUB JUNCO Y MIMBRE DIAMANTE NEGRO PAULA CENDEJAS VERLAAT Mitjans:

27/Mondo VINILOS

Tremendo

The Coral

Lloro seco Autoeditado

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Zahara entrega un disco perfecto Zahara

Puta G.O.Z.Z. Records

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POP / “El que lucha con monstruos debe tener cuidado de no convertirse en uno. Si miras demasiado al abismo, el abismo también te mira a ti”, dice la célebre frase de Nietzsche.

Tenemos un abismo presente desde el primer adelanto del álbum, un abismo en el que ella está “sin saber salir / y no logro huir”. Y todo el disco es un paseo por esa oscuridad que debería dejar de permanecer oculta. Hay que tener cuidado con el abismo, sí, pero también hay que tener cuidado con ignorarlo. Lo que hace aquí Zahara es exponerlo, aceptarlo y trabajar con lo que ese abismo le ha dejado.

Es probablemente lo más sano, pero también lo más difícil. ‘PUTA’ es un fresco que por un lado representa explícitamente y sin tabúes ese proceso en la salud mental de la artista (y de tantas personas), y por otro representa un momento histórico por diversos motivos: el movimiento feminista y el #MeToo, la pandemia de Coronavirus, los efectos del capitalismo salvaje, la vuelta de fantasmas que se creían superados y el recorte de derechos... y, claro, todo lo que esto provoca en la salud mental de la población.

La complejidad de “Puta” se refleja de maravilla en su composición y producción. En

cuanto a la producción, la jugada de Martí Perarnau no ha podido salir mejor, con momentos pop muy distintos entre sí (el sad banger y bombazo absoluto que es “berlin U5”, el toque TR/ST en la bailable y a la vez angustiosa “Merichane”, el punto más clásico en “Médula” o el coqueteo de ambient y épica en “Taylor”), una sorprendente apuesta por el spoken-word y el rap (“Canción de muerte y salvación”, “Ramona”), ya llegando al rollo punkie de esa “Joker” que se autosabotea continuamente, ¡y hasta una copla (‘Dolores’) que juega con la electrónica! Y en cuanto a la composición, letras y melodías son es mucho más explícitas y menos accesibles, pero el carácter experimental de este disco no solo no hace que ese aspecto palidezca, sino que lo refuerza.

Zahara quería llamar “Melodrama” a “Astronauta”, su anterior disco, pero se le adelantó Lorde firmando un disco de culto. Pero ha sido casi profético, porque su sucesor es no solo el mejor disco de Zahara, sino uno de los discos españoles imprescindibles de nuestra historia reciente, y a su vez clave para entender tantas historias. Puede que me equivoque, puede que mi nota parezca exagerada, pero creo que “Puta” es un disco histórico, uno de esos cuyo alcance no sabremos apreciar bien hasta dentro de unos años.

Hasta entonces, volviendo al presente, lo que está claro es que Zahara está harta de cubrir sus cicatrices. Y, quizás por eso, “Puta” es el equivalente musical a una herida abierta.

—PABLO TOCINO

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RAP / Siete años hacía que

Tremendo no publicaba disco, desde aquel “Lapsus” que nos dejó tan buen sabor de boca en 2013. Y el último día del 2020 publica un EP que simboliza a la perfección el año que cierra.

Porque “Lloro seco” es un álbum duro, profundamente introspectivo y personal, donde Tremendo nos confiesa sus reflexiones más personales. En él nos habla de la soledad, del fracaso, de la tristeza e incluso de la muerte, todo ello con una asombrosa capacidad de autocrítica y sinceridad. Sin duda, Tremendo ha utilizado estas siete canciones como vía de escape para exorcizar sus demonios personales, apoyándose además en unas instrumentales oscuras y lentas, en sintonía con el mensaje del disco. Un disco con un nivel lírico sobresaliente y una brillante capacidad para transmitir emociones. —ALFONSO GIL ROYO

Coral Island Run On, Modern Sky UK

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POP ROCK / Hay dos formas

de acercarse a “Coral Island”, el notable décimo disco de estudio de los británicos The Coral, una es pensando que este disco, y esta banda, no abren un solo camino nuevo, aunque tampoco lo buscan, ni hacen nada remotamente original. Todos aquellos que quieran encontrar algún tipo de música nueva o piensen que ya se ha dicho todo en el pop con guitarras pueden dejar de leer aquí. Para aquellos a los que lo anterior no les importe y estén todavía interesados en la esencia del pop británico, de The Beatles o The Kinks, a The La’s o Teenage Fanclub, entonces en este disco encontrarán un tesoro que bucea en la mina de las grandes canciones pop de siempre, con gemas como “Waterloo Sunset”, “Lazy Sunday”, “There She Goes”, “Ain’t That Enough” o “Dreaming Of You” como referentes. —SERGIO ARIZA

Los Chikos del Maiz

Dreamer Boy All The Ways We Are Together UMG Recordings/ Caroline

David Simon La Mazorka/ Altafonte

RAP / El nuevo EP de Los Chikos del Maíz es la continuación espiritual de “Comanchería” en todos los sentidos.

Maíz para los muy maiceros, “David Simon” tiene todo lo que los fans del grupo de rap político por excelencia en la España de hoy esperan: una marcada carga ideológica, referencias culturales recurrentes y fuerza y garra en la forma y en el fondo. Esas son sus luces pero también sus sombras.

Hablar de Los Chikos del Maiz sin hablar de política es complicado y quizá algo hipócrita, pero en un momento de incertidumbre evidente como éste, quizá se echan en falta alusiones a las circunstancias sociales en las que vivimos, o por lo menos a la situación de la industria cultural, de la que tanto se nutre “David Simon” a través de citas y referencias de películas y series.

6

—LUIS M. MAÍNEZ

POP / Lo nuevo de Dreamer Boy focaliza en las relaciones y conexiones humanas; para crear una lista de temas de amor luminosos, pacíficos e intimistas. Zach Taylor apuesta por expresarse libremente y eliminar todo tipo de presiones sobre el que debería ser su álbum de consolidación. Tras tres años de creación del proyecto, firma así con “All The Ways We Are Together” un disco continuista y poco ambicioso. Una pieza de fácil consumo con la que no busca definir su perfil en la industria y cuyo máximo fin está en lanzar un mensaje reconciliador a una sociedad ahogada entre obligaciones y censuras. De nuevo tiene el synth-pop ochentero y el RnB (“Joy”) como protagonistas. Un disco sincero, y lleno de buenas intenciones, que no termina de conectar con el oyente al 100%.

6

—ÁLEX JEREZ mayo 2021 #27

MONDOVINILOS

Steve Von Till A Deep Voiceless WildernessHarvestman.

23 Untitled Poems Neurot

El disco de confirmación de Gojira Gojira

Fortitude Roadrunner/ Warner

9 METAL / No más amenazas: “Fortitude” asegura un lugar de privilegio para Gojira en las grandes ligas del metal y devuelve al género a un justo espacio de revalorización.

Tras el éxito que supuso “Magma” (16), este nuevo y esperado disco encuentra a los franceses en un momento brillante: todo lo que insinuaron en referencias anteriores se encuentra aquí maximizado, lo que les hizo destacar sobre la media permanece y cada terreno previamente inexplorado es una batalla ganada. Son veinte años con la misma formación, algo que se evidencia en esta colección de canciones sólidas, precisas, tan pensadas como sentidas. Como muchos discos clásicos del metal, en “Fortitude” la clave no está en entregar intensidad a máximo nivel y volumen, sino en el equilibro, en dar respiro, generar espacio y así conectar con la premisa espiritualista del grupo, dando un aura de elevación poco

habitual en el estilo. Quien haya seguido los singles de adelanto, habrá temido que el departamento de marketing del sello lo haya dado todo en esas instancias promocionales.

Claro, “Another World”, “Born For One Thing”, “Amazonia”, “Into The Storm” y “The Chant” son francamente, uno mejor que el otro y, afortunadamente, no son mejores que el resto de temas del disco, en los que la banda sigue exponiendo temas sobre responsabilidad social, anti consumismo, desobediencia civil, defensa de

EXPERIMENTAL / Steve Von Till, guitarrista y vocalista de los titanes del post-metal Neurosis, sigue su camino de lobo solitario. Convertido en uno de los personajes más interesantes del panorama underground actual, Von Till vuelve a hacerse presente en las novedades discográficas por partida doble. Por un lado lanza “A Deep Voiceless Wilderness”, el disco de instrumentales de su anterior referencia “No Wilderness Deep Enough” de 2020. Por otra parte y en contrapartida total a editar material que prescinde de su voz, entrega “Harvestman.

23 Untitled Poems”, que no es más que lo que el título indica: veintitrés poemas de su autoría recitados por su cavernosa y sentida voz y sólo adornados por sutiles arreglos instrumentales, más algunos delays y distorsiones vocales. Los tratados neoclásicos de “A Deep Voiceless Wilderness” son lo que Von Till entiende como el sonido de la naturaleza.

7

derechos de indígenas y del medioambiente.

En cuanto a lo musical la mistura de prog y death metal marca de la casa sigue ahí en varios momentos (“Sphinx”, “Grind”) y no hay mejor forma de apreciar esas estridencias cuando están rodeadas de calma (“Fortitude”), emoción espiritual (“The Chant”), épica melódica que deviene en un infierno de decibelios (“Hold On”) o tribalismo brutalista –y admirador del Sepultura de “Roots”– de “Amazonia”.

—ADRIANO MAZZEO

—ADRIANO MAZZEO Khalab & M’Berra Ensemble

Mirande

M’Berra Real World/ Music As Usual

BLUES / Que la comunidad de músicos malíes es una de las más nutritivas desde hace décadas es algo que ya sabíamos desde hace tiempo, lo que desconocíamos era la posibilidad de que surgieran milagros como el nos ha deparado este colectivo perteneciente al campo de refugiados de M’Berra, en el sudeste de Mauritania, aquí dirigidos por el productor italiano Khalab.

Desde luego, en esto del blues del desierto M’Berra suenan como su versión post-punk tuareg del año 79. Una especie de Pere Ubu nómada en clave avant-garde marcado por el sístole-diástole de un blues híper cubista, preñado de guitarras que suenan a percusiones afiladas, oraciones cósmicas en delay, un ejército de tambores ceremoniosos, voces surgidas entre la multitud de un sonido arenoso y ultra orgánico, o chispazos electroacústicos surgidos de interpretar artesanalmente los requiebros más experimentales de la liturgia electrónica.

Catarsis sin filtro para uno de los discos del año. —MARCOS GENDRE

9

#28 mayo 2021

EXPERIMENTAL / / Ambicioso y arriesgado en su planteamiento, Mirande (banda y disco) resulta ser, sin embargo, un proyecto cercano, acogedor y sobre todo, natural, plenamente formado, preparado y esperando a que alguien lo despertara. No sabemos aún si sus integrantes le darán continuidad, o quedará como una obra única y singular, pero, en cualquier caso, “Mirande” es una bellísima reinterpretación y redescubrimiento de la obra del poeta “maldito” Jon Mirande. Una fascinante y valiente inmersión en sus profundidades, a menudo amargas, llenas de sufrimiento y dolor, pero también de placer y de una delicada dulzura. Elena Setien, Grande Days y Xabier Erkizia forman Mirande. Las aportaciones de cada uno parece, a priori, claras. Grande Days son el sustento instrumental con andamios de post-rock de amplios horizontes, Xabier afila los sonidos, enturbia la visión y diluye las formas con su sabiduría electrónica y Elena, se erige como gran protagonista.

8

—ANTTON ITURBE

Esto no es un disc de Gener 27 Ladridos

Craft Rock Guitar Town/ FOLC Records

7

ROCK / El sonido de este

“Craft Rock” nos ofrece a los Deltonos más rocosos y sucios de los últimos años, en base a un montón de riffs duros, poderosos, contundentes. Y quizá eso haya ido en perjuicio de la canción en sí. Porque ahí se detecta un leve bajón respecto a trabajos anteriores. Si es que Röver puede hacer algo de manera no excelsa.

Las letras del disco no parecen tan acertadas o, mejor dicho, encajadas como otras veces, y en más de una ocasión parecen una simple excusa para el desarrollo instrumental que, ahí sí, es brillante. Tampoco es que estemos hablando de malos textos. Röver sigue cargado de su ironía y mala leche habitual soltando sopapos a todo aquello que se le pasa por su siempre inquieta cabeza, pero las ocasiones en las que llega al excelente son menos que otras. De hecho, pensándolo bien, quizá es que nos tenía demasiado mal acostumbrados. El rollo de las expectativas, ya saben. Disco de notable alto o excelente bajo. Tanto da. Son Los Deltonos. —EDUARDO IZQUIERDO

Kids From Mars

Gener

Los Deltonos

Mirande Forbidden Colours

9

POP / Ellos mismos dicen

que esto no es otro disco de Gener, y desde luego que no lo es. En primer lugar, porque es el último: el quinteto valenciano anunció su disolución a mediados de marzo. En segundo lugar, porque esta es su primera entrega en castellano, algo que debería acercarles a un público más amplio. Y en tercer lugar, porque este cuarto álbum es el más heterogéneo, diverso, desprejuiciado, audaz y ambicioso que nunca han facturado. En lo único que este disco sí es otro disco de Gener es en lo sobresaliente de su contenido. Da igual qué palo toquen. Ya sea un pop onírico (“En la hora mágica”), una balada clásica (“La trama principal”), una internada psicodélica (“Este beso”), un dream pop hipnagógico (“Vivir para siempre”), un soul de ojos azules (“Tanto azul”), una cumbia (“Mi muerte pequeña”) o el imponente bolero soul que cierra su minutaje por la puerta grande (“La gente joven”). Una despedida inmejorable. En lo más alto. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

18 Seven Hundred Little/ Luup Records

7

POP / Kids From Mars pre-

sentan su primer álbum, “18”. Lo abren con “Ciudad apagada”, la que podría considerarse como su mejor canción, que nos aporta toda la energía del joven dúo. En el disco mezclan tanto los sonidos como los idiomas, por eso después de este tema de pop-electrónico pasamos a una canción completamente indie, “Estallido”, para dar paso a otra electrónica, “Bájame a la tierra”. De las ocho piezas, tan solo dos son en inglés: “The Palace” es la única colaboración del álbum con Bounties y “Altgirl” se acerca a producciones más mainstream. También saben hacer pistas más lentas como “Triángulo de verano” o “XMIBIEN”, que están más desnudas de elementos instrumentales pero que siguen irradiando energía. “18” es un trabajo que explica las vivencias de dos chavales de dieciocho años que quieren triunfar dentro del mundo de la música. Un buen álbum debut que les va a permitir empezar a consolidarse dentro del panorama musical nacional.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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Field Music

8

POP / Este es el octavo de

La Noche Sony Music

8

ROCK / Arde Bogotá cum-

los hermanos Brewis, y tiene todo lo que cualquiera de sus seguidores de largo recorrido puede esperar. Apena ratificar que, surgiendo de la misma hornada que Kaiser Chiefs, Maxïmo Park o Futureheads, no recaban ni la mitad de su popularidad. Hay aquí otra buena ración de melodías chispeantes, riffs más que resultones, textos con mucha molla, elegancia a raudales y perspicaces guiños a sus héroes particulares –The Beatles, XTC, Steely Dan, Fleetwood Mac– en buenos pildorazos de prog pop, indie funk, art rock o como diablos lo queramos llamar, que eso al fin y al cabo es lo de menos. Con amplitud de foco y heterogeneidad. Los de Sunderland siguen siendo los grandes tapados del pop británico de las últimas generaciones, un tesoro a descubrir para cualquiera que aún no haya sucumbido a sus encantos. Para los ya familiarizados, unos clásicos en vida. Aún creciendo, asumiendo nuevos retos y sorprendiendo, para bien.

plen las expectativas con “La Noche”, un álbum debut en el que nos enseñan la forma en la que tiene que sonar el rock en 2021. Han creado un trabajo conceptual en el que nos explican el transcurso de una noche de fiesta prepandemia, desde las rondas previas en “Abajo” hasta la búsqueda de un “Exoplaneta” en el que todo funcione de verdad. Esta historia funciona, en gran medida, gracias a la claridad de sus letras que te trasladan a esa noche desde la primera escucha.

Dentro del renovado rock que presentan, encontramos temas más acelerados en la primera mitad del trabajo como “Tijeras” o la más cercana al funk “Cariño”, mientras que, en la segunda mitad, bajan las revoluciones, acorde con la historia, y nos encontramos con varios hits indies como “Dangerous” o “El dorado”. Sin duda, uno de los mejores álbumes debuts en lo que va de año.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO Metronomy

Maren

The English Riviera (10th Anniversary) Because/Music As Usual

Margaritas y lavandas Hook/Altafonte

8

POP / Maren supone todo un

soplo de aire fresco en el indie patrio. La artista bilbaína presenta una notable referencia compuesta por diez temas donde cuenta la historia de Margarette, su alter ego. Empieza a abordar esta aventura junto a Anni B Sweet con “Margarette, todos lloran por ti”. Ambas voces planean sobre una base que vira entre el indie y ese concepto que la autora describe como dream pop. Estos dos géneros marcan la tónica del trabajo, que, aunque transmite alegría como sonoridad, bajo sus letras se esconden muchas críticas a la sociedad. Dentro del álbum destacan dos hits “Fotosíntesis” y “Te invito a mi piscina (para matarte)” que marcan la nueva sonoridad de la artista. Aunque la bilbaína no olvida sus raíces como demuestra en “Bitartean”, la única pieza en euskera del trabajo. Y, como toda historia, esta encuentra su final en “La estación espacial de Teruel”, en la que Maren se da cuenta de lo que ha creado y de quien es realmente.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

MONDOVINILOS

Arde Bogotá

Flat White Moon Memphis Industries/ Music As Usual

8

POP / El viaje que supuso

el tercer álbum de Metronomy marcó a la banda para siempre. “The English Riviera” fue un nuevo lavado de imagen para el grupo bajo una identidad mucho más cálida y luminosa. Un sonido más comercial, un electro-pop sofisticado, el salto definitivo, un lugar paradisiaco al que huir.

Ahora, celebran diez años de su lanzamiento con una reedición que incluye cinco bonus tracks que se mantienen bastante a la sombra de los grandes temas que forman el repertorio original. Aún así, solo por volver a escuchar este gran álbum y sumergirnos entre temas como “The Look” o “The Bay”. Merece la pena recuperarlo y darle al play una vez más. Entre lo nuevo hay cosas interesantes como los sintetizadores setentas de “French Organ” o la especie de balalaica que arrastra la caótica y folklórica “The Ballard Of The 17 Year Old”. Aún así, los extras se quedan a medias con un sonido demasiado maquetero. Cuando algo funciona bien es mejor dejarlo tal y como está. —ALEX JEREZ

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Derby Motoreta's Burrito Kachimba: más leña al fuego Derby Motoreta’s Burrito Kachimba

Hilo Negro El Segell del Primavera

8 ROCK / “Agárrate que vienen curvas” con

estas palabras Dandy Piranha, vocalista de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, me advirtió de la sensación que produce “Hilo Negro”, algo así como ir de copiloto en un descapotable que va haciendo trompos por la Feria de Abril. Un segundo álbum tan inspirado como su reconocido debut y con una sonoridad tremendamente superior, que les confirma como presente y futuro del flamenco electrificado.

Imagina una evolución musculada de Triana, cuyos integrantes fuesen (figuradamente) hasta las cejas, añádele mucha guasa y varios kilos de distorsión, algo de stoner, de rock alternativo, una pizca de electrónica y aderézala con montañas de psicodelia. No quedan dudas, DMBK son los nuevos reyes del Rock Andaluz.

Imposible encontrar una mala canción en este bloque de hormigón golpeando tu cara. La brillante “El valle”, tan coreable

como arriesgada, posee una melodía saltarina y pegadiza que sufre un quiebro hacia parajes oscuros y desérticos. De “Porselana Teeth” sorprenden su frescura y su groove. “Gitana” deslumbra con una progresión marca de la casa, que comienza poética y que se torna en el desmadre perfecto. “Somnium Igni- Pt2” resulta ser un viaje alucinante que conecta con la galaxia de su primer larga duración. La percusión desenfrenada y las sonoridades arabescas de “Turbocamello” funcionan como una brujería, cuyos graves te golpean el pecho sin siquiera subir el volumen. Y “La cueva” te adentra en un oasis de calma en plena descomposición, la pieza eléctrica más cercana a una balada que encontrarás en este torbellino de emociones tejido con tanto mimo.

“Hilo Negro” es echar más gasolina al fuego ya avivado de la kinkidelia. Un trabajo continuista a la vez que expansivo; valiente, sin estribillos, pero con melodías pegadizas, en el que sus creadores se han vuelto a pasar de flipada, anteponiendo en todo momento la calidad a las pretensiones comerciales, algo que, visto el resultado, ampliará aún más su legión de seguidores. —JESÚS GARCÍA SERRANO

mayo 2021 #29

ENTREVISTA

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“La pandemia nos obligó a estar confinados aqu í en Barcelona muchos más meses, y eso creo que nos dio aire y mucho más tiempo para reposar las ideas” “Este álbum era el momento para cambiar”

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ONIDOS DE KARMÁTICA RESONANCIA” es también un álbum en el que la banda ha querido cambiar sus dinámicas y formas de trabajo. Para ello han contado con un nuevo y afamado productor, Craig Silvey (Arctic Monkeys, Portishead, Arcade Fire...) del que buscaban un enfoque mucho más orgánico, menos volcado en el ordenador y las tecnologías. Y lo cierto es que les ha salido un disco muy completo que contiene un buen número de canciones destinadas a incorporarse con fuerza en su repertorio de clásicos. Temas ganadores como “El duelo”, “Tepotzlán”, “Popular” “SKR”, “Canción de cuna para Marte’ o “Karmadame” tienen la suficiente entidad para hacernos ver que estamos ante algo muy grande. Pero dejemos que sea Sergio Acosta, guitarra de la banda, quien nos explique las claves de este nuevo hito en la carrera de los mexicanos.

—León Larregui (cantante) y tú lleváis un año y medio afincados en Barcelona y, claro, me gustaría saber ¿por qué escogéis esta ciudad para vivir?

Creo que ambos, que ya tenemos mujer e hijos, estábamos un poco cansados de la Ciudad de México porque, si bien es una ciudad maravillosa y tienen un montón de cosas que me encantan, vista desde la perspectiva de ser padres, tiene también muchas cosas que uno se cuestiona y además la misma dinámica de la ciudad te consume mucho tiempo. Piensa que en los últimos años el país en general, pero sobre todo en Ciudad de México y también cerca del barrio en el que vivíamos, empezó a haber brotes de violencia ya cercanos y, aunque a mí nunca me ha pasado nada en todo los años que he vivido allá, es algo que hace que te plantees cosas. Sobre todo la preocupación de que tus hijos puedan ir caminando tres cuadras a buscar un helado y puedan tener un percance. Y elegí Barcelona porque España es un país que siempre me ha encantado.

Cataluña y Barcelona me encantan y me parece una ciudad ideal para los niños, porque es compacta, tiene mar, montaña, vida cultural, es manejable. Además España es un país que, dentro de Europa, supone un punto intermedio perfecto para un mexicano o un latino como yo. Hay un lenguaje común y más dedicándome a la música. Y no solo con la banda, porque también he estado haciendo cosas para cine y series. Produzco y tengo muchos amigos de la música y de otros gremios que viven aquí. Y no sé. Fue al finalizar el concierto que dimos en Barcelona junto a Dorian cuando tanto León como yo nos planteamos el venir a vivir aquí.

—¿Dirías que este cambio de ciudad ha influido en el tono del disco y en las composiciones?

Sí, aunque creo que lo que más ha marcado este disco ha sido la pandemia. Y no solo como suceso, que también, sino por el intervalo de tiempo que nos obligó a tener. Comenzamos el álbum y la idea era volver a los dos meses para terminarlo.

Sin embargo, la pandemia nos obligó a estar confinados aquí en Barcelona muchos más meses, y eso creo que nos dio aire y mucho más tiempo para reposar las ideas. Volvimos luego al estudio con toda esta experiencia y toda esta reflexión que a todos nos ha dado. Y creo que sí. No te puedo hablar de que haya influido de una manera concreta, pero creo que es algo que nos ha afectado a todos como personas y en la forma en la que pensamos y en la que valoramos ahora ciertas cosas.

—¿Crees entonces que la pandemia ha afectado al tono del álbum y hay diferencias entre las cuatro canciones que teníais compuestas antes del confinamiento, y que además han sido los cuatro singles que habéis lanzado primero, y la seis canciones que se compusieron después ya en plena pandemia?

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#30 mayo 2021

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“Sonidos de Karmática Resonancia” (EMI, 21) es el séptimo trabajo de los mexicanos Zoé en sus más de dos décadas de carrera y, aunque parezca una frase promocional un poco hueca, me atrevería a decir que es uno de sus mejores discos. Al menos el más explícito y homogéneo. De eso no hay duda alguna.

—TEXTO Don Disturbios —FOTOGRAFÍA Laura Sisteró

Nuevos aires Zoé

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mayo 2021 #31

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Más que al tono del disco, creo que ha afectado en el sentido de que nos dio más tiempo para volver a abordar ciertos temas de los que no estábamos tan contentos y trabajar más en su preproducción. “Popular”, por ejemplo, estaba en una posición muy distinta y estos meses nos dieron tiempo para replantearla de nuevo. Eso creo que fue un gran beneficio y también generó que tuviéramos mucha hambre de volver al estudio. Piensa que, al parar, nos dejamos de ver, dejamos de hacer música en conjunto, dejamos de tocar y de tener este día a día cotidiano que tenemos los músicos que a fin y al cabo es un mundo colectivo ¿no? Entonces, al estar solos en casa con la familia, de repente el hambre por volver a nuestro universo laboral era muy grande y eso generó una energía muy positiva a raíz de un suceso muy negativo.

—Has citado “Popular” que es un tema que habla del poder de sanación que tiene la música y la forma en la que nos puede ayudar a salir de una situación complicada. Además diría que la idea de sanación está presente a lo largo de todo el disco y no sé si ha sido algo provocado precisamente por las circunstancias que hemos vivido.

Pues mira, sí, pero creo que también es algo que ha sido una constante en los textos de León que, a fin de cuentas, son reflejo de sus inquietudes, reflexiones, pensamientos, así que creo que es un concepto que ha estado presente desde antes de este disco.

—Con el concepto de la espiritualidad sucede algo parecido, porque también es una constante en sus textos y en este disco está también muy presente, empezando por el propio título del álbum, hasta por ejemplo un tema tan explícito como “Karmadame”. De hecho, me ha parecido que en este disco los mensajes de las canciones son más directos, más explícitos y León no ha dado tanto espacio a la metáfora, ¿no?

Puede ser, puede ser, sí. Aunque el estilo de León creo que siempre va a dejar margen a la reinterpretación, que creo que es muy importante

#32 mayo 2021

también. Además es algo que siempre me ha gustado de la relación de fan con la música de Zoé, esa posibilidad de interpretar un texto quizás ambiguo y hacerlo tuyo. También te digo que yo personalmente crecí totalmente absorbido por las atmósferas, por los sonidos y por las melodías, y la letra es algo que nunca me importó demasiado. Ni para bien ni para mal. Con todo el respeto que me merecen los textos y, siendo una persona que crecí leyendo mucho hasta cierta edad, a mí la música me atrapó más por el lado de la sonoridad. De pocas bandas me aprendía las letras porque siempre estaba más inmerso en toda la cuestión sonora.

—Eso nos pasó mucho a los que, cuando éramos adolescentes, escuchábamos sobre todo música anglosajona y no sabíamos inglés [risas].

Bueno, yo en realidad crecí en un colegio bilingüe y a los siete años hablaba inglés, así que esa no fue la razón. Pero sí que es verdad que, a veces, cuando me preguntan por los textos, pues no sé muy bien qué decir [risas]. Me cuesta trabajo hablar de los textos porque el que los escribe es León y él sí que tiene conocimiento profundo de ellos. Pero bueno, en general conozco su estilo y sus inquietudes. Lo conozco porque es como mi hermano y una persona muy cercana a mí.

—Hablemos pues del sonido del disco, porque yo diría que también hay diferencias con respecto a “Aztlán” (18) y además ha habido un cambio de productor y estáis destacando mucho el hecho de que, para este disco, habéis tocado todos juntos y ha sido un proceso más colaborativo, ¿no?

Pues este sí es un tema que me apasiona y en el que siempre he estado muy involucrado, porque ha sido mi función en la banda desde los primeros días. Como te comentaba antes, a mí siempre me interesó mucho cómo se generaba el sonido, la forma de trabajarlo, de sacar un instrumento de contexto y convertirlo en otra cosa. Por eso fui yo la persona que, incluso antes de sacar nuestro primer disco, le escrimondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

bió un mail a Phil Vinall, entre otros productores, y también fui yo el que ahora empujó para cambiar y dejar de trabajar con él. Eso sin dejar de lado todo el reconocimiento que se merece Phil como prácticamente otro miembro más de la banda en muchos sentidos, y también como mi maestro. Pero creo que, después de cinco discos, tocaba un cambio y esa era una de las inquietudes que tenía y que compartía con la banda, de menos a más, pero lo fueron entendiendo. Aunque he de decir que León siempre estuvo bastante de acuerdo en cómo queríamos que fueran los siguientes procesos creativos. Es una transición que va más allá de este álbum porque, si te fijas, ya en “Atzlán” está Craig Silvey co-produciendo en cuatro temas, de los cuales yo soy co-productor en dos y el resto es de Phi Vinall, ¿no? Así que, después de esa experiencia, en este álbum era el momento para cambiar. Nos dimos cuenta de que queríamos alejarnos un poquito del ordenador y trabajar de una manera más orgánica. Tocando. Y resulta que a Craig le gusta más trabajar en proyectos que se generan de esa manera. Buscando más la imperfección y la emotividad. Buscando tomas en las que pasan accidentes que pueden hacer que una toma sea especial.

Y de eso estoy muy contento de este disco, porque se logró de una manera integral de principio a fin. Se buscó y se logró. Y además fue un proceso mucho más ágil, más divertido y que te hace mejor músico. Hubo un mayor margen para la improvisación que hacía que cada toma fuera especial.

Y todo eso creo que se refleja en el disco y se siente y se escucha, ¿no?

—Me da la impresión de que “Atzlán” se notaban más los temas que eran singles que los que no lo eran y, en cambio, en este disco me parece que hay más temas que podrían ser considerados singles.

Pero eso es bueno...

—Sí, sí, claro, lo digo como algo positivo. Porque, por ejemplo, hay temas como “El duelo” que se te quedan grabados y en general diría que todos los temas tienen la melodía muy trabajada: “Popular”, “El duelo”, “Karmadame”, “Tepoztlán”, que me parece un temazo, y, por cierto, me parece que en este disco tú también has participado a la hora de componer ¿no?

En realidad siempre había participado, pero nunca había hecho melodía de voz y letra. León siempre había escrito todas las letras, pero en este, en por ejemplo en “El duelo”, hice melodía y voz. Hice la letra en inglés, porque me salió más fácil y luego se la presenté a León para ver si la usábamos o no, porque él tiene todos mis respetos y además es el letrista, ¿no? Pero lo cierto es que le gustó y me ayudó a traducirla con su estilo y también me ayudó a hacer el coro. Y sí, eso es algo que nunca había hecho y me gustó. Además creo que León, para beneficio de la banda y de todos, desde el disco pasado ya empezó a tener esa cuestión de animarnos a que trajéramos más ideas. Siempre fue una persona incluyente, pero esta vez nos animó un poco más. Y durante la pre-producción, que es un proceso que mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“Por supuesto que ha habido momentos críticos en lo cotidiano, en las giras y en los discos , pero lo que nunca se ha visto mermado es el flujo creativo de la banda”

siempre hacemos solos antes de que entre el productor, hizo muy bien de catalizador y estaba ávido de que participáramos más que nunca. Las dinámicas cambian y en discos anteriores siempre ha habido temas que han salido más a partir de jams y en este no tanto.

Las jams han venido después ya con la harmonía y con la canción compuesta y de ahí surgían los arreglos. Así que te diría que las dinámicas han ido cambiando...

—¿Crees que había cierta necesidad de poner en valor el hecho de formar parte de una banda, y la importancia de que exista ese ambiente de camaradería dentro de un grupo después de tanto años?

Por supuesto que ha habido momentos críticos en lo cotidiano, en las giras y en los discos, pero lo que nunca se ha visto mermado es el flujo creativo de la banda.

Siempre ha habido una conexión inmediata entre nosotros cuando estamos en un cuarto. Pero lo que fue más hermoso en esta ocasión es que hubo incluso cierta sensación de desapego. Porque, por ejemplo, igual estábamos con un tema que requería de una guitarra acústica y si había un asistente del estudio que la tocaba bien lo hacía y, si salía bien, se quedaba en el disco, ¿no? Entonces hubo como un desapego y eso me tiene muy contento porque denota una madurez como personas y como banda. Ese buscar lo que funciona y lo que fluye.

—Además imagino que sería un disco difícil de encarar por la presión del éxito de “Atzlán” porque, al fin y al cabo, la banda viene de hacer un disco que ganado un Grammy, ¿no?

Pues mira eso es algo que la verdad es que no me ha preocupado para nada. Y si te soy sincero a lo mejor el único momento en el que se generan ciertas ansiedades es antes de juntarnos para ver qué temas hay. Pero, una vez te das cuenta de que hay buenas canciones y que hay buena tela que cortar, pues como que se te va todo. Lo de los premios la verdad es que está bien que te los den, pero no me importan demasiado, Si acaso lo que sí que nos importa como objetivo es seguir trabajando España.

—Esa fue siempre la gran asignatura pendiente de la banda ¿no?

Digamos que España y Argentina son los países mas complicados porque son también industrias propias muy grandes y que no están mirando tanto hacia México. Ahora quizás menos, pero es normal.

—Imagino que el hecho de vivir aquí ahora también te da un conocimiento más profundo de la escena española...

Sí, pero si te soy honesto no me mudé aquí por eso para nada —Hay gente que lo puede llegar a pensar.

Te juro que no fue por eso, pero por supuesto es una coyuntura que se puede aprovechar. —D.D.

R

ENTREVISTA

CRITICANDO Zoé

Sonidos de Karmática Resonancia EMI

¿ES EL SÉPTIMO disco de los mexicanos Zoé el mejor de su carrera? Todavía es pronto para responder a esa pregunta. Los discos hay que dejarlos reposar para que con el paso del tiempo vayan cogiendo su propio peso y se sitúen por ellos mismos en el casillero que les toca. Lo que si me atrevería a decir es que es el disco de Zoé más homogéneo, el mejor basculado, incluso tocado, y el que tiene un mayor número de canciones con un poder melódico que engancha. ¿Su disco más pop? Sin duda. Solo hay que dejarse atrapar por melodías envolventes de temas que se graban a fuego como “El duelo”. Canción que a simple vista parece facilona pero que no lo es en absoluto, gracias a unos arreglos que le dan personalidad propia, aupada por la forma arrastrada y chulesca con la que canta León Larregui, sin duda, otra de las grandes bazas del álbum. Y es que el cantante y letrista de la banda se ha soltado a la hora de usar de nuevo ese falsete tan característico, pero sobre todo da la impresión que le ha dedicado más tiempo a la hora de escribir unas canciones repletas de mensajes directos, mucho más explícitos que en ocasiones anteriores. Solo hay que escuchar temas como ‘Popular’, ‘Karmadame’ o esa delicada maravilla dedicada a su hijo que es ‘Tepoztlán’ para darse cuenta de ello.

Cuentan los propios Zoé que en el pasado habían confundido el hecho de grabar un disco, con el de hacer una celebración en la que invitar a los colegas a participar de ella. Sin embargo, sentían que para este trabajo había que hacer algo más focalizado en el auténtico significado de pertenecer a una banda. Algo más serio añadiría yo. Y parece que la figura del nuevo productor, Craig Silvey (Arcade Fire, The National, Arctic Monkeys) ha resultado clave a la hora de encarar el proceso. Por lo pronto este ha sido un álbum en el que han tocado todos juntos a la vez en busca, no de la toma perfecta, sino de esa en la que se produce la magia. Ese intangible que te hace pensar que tienes algo especial entre manos. Canciones en las que se nota la total implicación de todos, en la búsqueda de lograr algo único, partiendo, eso sí, del característico, solvente y cotizado sonido de la banda. No se trataba de realizar un giro radical, sino de profundizar en aquello que han demostrado a lo largo de más de dos décadas que saben hacer muy bien: aunar emoción y fuerza en una impecable colección de canciones.—D.D.

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mayo 2021 #33

Segun L.A. oportunid ENTREVISTA

El mallorquín Luis Albert Segura retoma con “Evergeen Oak” (Al’s Workshop, 21) su proyecto como L.A., años después de finiquitarlo por agotamiento. Lo hace estrenando una perspectiva con la que recupera ilusión y la esencia de su música, a través de un disco orgánico y sin artificios en el que las (bonitas) canciones son únicas protagonistas.

Contactamos telemáticamente con el vocalista para, a lo largo de una charla de cuarenta minutos, conocer más acerca de este bien parecido retorno.

“Hace unos meses no daba un duro por volver a tener un disco”

#34 mayo 2021

C

REO QUE VARIOS DISCOS de L.A. insinuaron un cambio de estatus que finalmente pudo no llegar. ¿Te queda la sensación de que finalmente no sucedió algo que debería haber pasado? ¿Quizá fue ese uno de los motivos que te llevó a disolver L.A. hace unos años?

No, no, aunque es verdad que durante muchos años viví con la presión de tener siempre la mirada puesta hacia delante, tío. Y eso es algo que es muy insatisfactorio. Era un espíritu de superación casi deportivo: ver qué pasaba en otros grupos y si tenían más éxito o si llenaban o si tenían más likes o más seguidores. Imagínate el nivel de confusión que eso supone para un artista. En ese punto ya casi no haces caso al arte sino a los números. Pero no fue el motivo como tal para que parase la banda. Hubo una serie de hechos en cadena, que tuvieron como consecuencia que dijese: “No puedo más”.

—¿Cuáles fueron esos motivos?

Primero estuvo la paternidad. Empecé a darme cuenta de que quería estar más tiempo en casa que fuera, cuando el proyecto me pedía estar cada vez más fuera. Ese fue el punto de inflexión. También de repente murió Richard Swift, y había hablado con él hacía poco sin saber que estaba tan enfermo, pero me puse a revisar nuestras últimas conversaciones y me decía que pasaba mucho tiempo fuera de casa y que no era feliz, tío. Fue un hostión de realidad. Ver a alguien de tu edad, con tus inquietudes, que vive la música con tu misma intensidad y pasión… Y haber

—TEXTO Raúl Julián vivido en su casa, haber estado con su familia… tres niños, todo muy similar a mi vida. Y de repente ver que desaparecía. A eso súmale el tren que llevábamos: que nos íbamos a Europa, que si volvíamos a Latinoamérica, conciertos aquí, a la vez pensando en disco nuevo… El nivel de estrés era tan grande que yo no pude más.

—¿Y qué es lo que te ha hecho retomar el proyecto L.A., tras probar suerte en solitario con ese disco en castellano, “Amenaza Tormenta” (Hook, 19), lanzado bajo tu propio nombre?

Fue tener tiempo para reflexionar y ver las cosas de otra forma. Ahora mismo estoy disfrutando de cada pequeña cosa que me sucede.

Porque, en comparación con lo que era sacar un disco hace cinco años, ahora es como muy tranquilo. Hay menos cosas, no hay giras programadas, no hay un fin de gira en el que haya que meter ocho mil personas… Ya no hay una presión. He disfrutado de grabar el disco, he disfrutado de diseñarlo todo, de hacer las fotos, de hacer un póster para un concierto… Estoy disfrutando de todo.

—En este punto es cuando llega “Evergreen Oak”, una gran noticia que nos devuelve a los L.A. más naturales y menos ostentosos, incluso envueltos en cierta sensación liberadora muy favorecedora. ¿Entiendes este disco como un nuevo comienzo sin ambiciones malsanas ni toda esa presión y condicionantes de antes?

Ahora mismo no tengo pretensión alguna. Obviamente hay un interés en que esto salga y los números salgan, pero por lo demás: cero expectativas. Hace unos meses no daba un duro por volver a hacer entrevistas o tener un disco. Y, de hecho, no daba un duro por volver con L.A. Hace un año, cuando todo esto explotó con la pandemia, sinceramente pensé que se había acabado, que no iba a haber más. Y ya tenía que pensar con la mentalidad de Luis, el padre de familia que se tiene que buscar un curro. Pero de repente me levanté un día y pensé “cojo a la familia y me voy a la montaña a ver qué pasa”. Y ahí arrancó mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

nda ad

el nuevo disco. Lo guay es que vuelvo a tener la sensación de que este es mi hobby, que es algo que había perdido totalmente y que creo que es lo más sano. Por eso el disco suena menos rutilante y más fresco. Se aleja muchísimo de lo último que hice, ese “King Of Beasts” que estaba pensado para una gira europea, hacer festivales grandes y todo a todo trapo.

—Precisamente, “Evergreen Oak” recupera la esencia original de L.A., reverdeciendo cualidades básicas del grupo que quizá habían quedado difuminadas en ese “King Of Beasts” de 2017, un álbum con producción muy ambiciosa, algo excesiva y diría que hasta preconcebida.

Es curioso, pero mi subconsciente elimina ese disco.

Yo lo hice tan convencido de que hacía un producto, con esa imagen tan potente del león partido con mi cara de la portada, que mi sensación es que ese león me comió entero. Yo no era el rey de las bestias, y el rey de las bestias me comió entero y me escupió. Es un poco la sensación que tengo con ese disco. Es un disco muy edulcorado, muy sobreproducido. Y hecho así totalmente adrede. Quisimos hacer un disco ultra comercial o como quieras llamarlo, y al final salió un disco doble que era una locura: demasiadas canciones, temas instrumentales… Se me fue la olla, tío. Esto ha pasado antes con muchos artistas: la grandilocuencia que tú te creas y te generas, te puede comer. Pretendí ser algo que no era.

—Muy al contrario, el nuevo disco ha sido registrado en una sierra mallorquina y la referencia transmite ese tipo de calma motivada por un entorno natural. ¿Fue clave el entorno y esa manera de grabar en el sonido final del álbum?

Lo que me planteé desde el principio era no tener que ir a un estudio de grabación. Lo que quería era buscar un entorno y meterme en ese entorno. Con este ordenador con el que estoy ahora mismo hablando contigo he grabado el disco. Con esto y un par de guitarras, bombo y caja. No hay más. Quería demostrarme a mí mismo que podían valerme las maneras con las que yo empecé a grabar, aunque fuese con las tecnologías actualizadas que tenemos ahora. Y la sensación fue muy satisfactoria: el entorno recreado en un disco.

—¿Habrá, si la pandemia lo permite, una gira para presentar las nuevas canciones en directo? ¿Da miedo publicar un disco en medio de todo el caos que estamos viviendo?

Si te digo la verdad, estoy disfrutando de colgar el cartel de sold out cuando se ponen a la venta cien tickets.

He estado tan convencido de que no iba a volver a suceder, que cuando me sale un bolo me parece lo mejor del mundo. Voy a tocar en La Riviera, donde la única vez que tocamos la petamos. Y ahora creo que el aforo son cuatrocientas entradas y me parece maravilloso.

Empezamos de cero y que siga habiendo gente que me escriba e interesada en escuchar las canciones… Todo lo que venga a partir de ahora es como volver a nacer.

Creo que a los que habíamos perdido un poco el espacio/tiempo nos ha venido bien esto de la pandemia.

A mí me ha colocado en mi sitio. Y la verdad es que lo agradezco.—R.J.

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mayo 2021 #35

37/Mondo Media

Jay Bentley, Brian Baker, Jamie Miller, Greg Graffin, Brett Gurewitz y Mike Dimkich.

LIBROS

Bad Religion Make Hardcore Great Again

Banda esencial para cartografiar la historia del punk, Bad Religion celebrarán su cuarenta aniversario, con una gira mundial que, por culpa de la jodida pandemia, han tenido que posponer dos veces. Sin poder revivir sus sulfúricos himnos en directo, los norteamericanos han decidido revivir su trayectoria con un título ya esencial para amantes del género como “Haz lo que debas” (Neo Sounds, 2021).

H

ablamos con su guitarrista, el entrañable e histórico Brian Baker sobre el libro, pero sobre todo sobre la trayectoria

de la banda.

—¿Cómo surgió la idea de escribir un libro sobre vuestra historia?

Me encantan las biografías de grupos y de músicos. Las devoro. Me gusta leer sobre músicos de todos los estilos. Hay algunas que simplemente son buenas, pero hay otras que son muy buenas. El hecho es que llegó un momento en el que me di cuenta de que íbamos a cumplir cuarenta años como grupo. Creí que sería un buen momento para hacer un libro sobre nuestra trayectoria.

—Vaya, que la idea, entonces fue tuya.

Eso no importa lo más mínimo. Puede que fuera mía o puede que fuera de Greg (Graffin, cantante), Brett (Gurewitz, guitarrista) o Jay Bentley (ba-

jista) (los tres miembros originales que restan en el grupo). El hecho es que nos reunimos, lo hablamos y a todos nos pareció una gran idea. Solo necesitábamos a alguien que nos echara una mano con el redactado, que fuera recogiendo y recopilando nuestra nuestros recuerdos y les diera forma.

—Nadie mejor que Jim Ruland.

Jim es uno de los nuestros. Un auténtico punk, autor, entre muchos otros libros de “My Damage”, la biografía de Keith Morris, el cantante de Black Flag, Circle Jerks y Off! Ha sido un bonito ejercicio de memoria.

—Bad Religion lleváis cuarenta años en activo, pero habéis tenido vuestros altibajos. ¿Os habéis sentido especialmente unidos haciendo el libro?

Trabajando en el libro hemos revivido muchos capítulos de nuestra trayectoria que habíamos olvidado. Momentos especiales que habían quedado aparca-

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dos en un rincón de nuestra memoria.

—¿Cuál es el primer recuerdo que guardas de Bad Religion?

Les conocí el año 1981. Por aquel entonces yo tocaba en Minor Threat y estaba muy metido en la escena punk y hardcore. Me compré por correo su primer EP que publicó Epitaph. Aluciné. En el mismo paquete me llegó el EP “Six Pack” de Black Flag.

—Vaya par de joyas.

No está nada mal. Ojalá cada día recibiera paquetes así. De hecho, aún hoy los conservo.

—¿Te convertiste inmediatamente en fan de Bad Religion?

Me parecieron un grupazo desde el primer momento que los escuché. Me fascinaba esa capacidad que tenían para hacer grandes canciones cargadas de energía punk con un toque melódico, aunque nada evidente, y letras superinteligentes, muy por encima de las de muchas bandas del género.

3 mayo 2021 #37

MONDO MEDIA

ta, pero “Soy un buen guitarrisra tocar no suficiente como pa Roses” en Guns N’ —¿Cuál es tu disco favorito de Bad Religion?

“Suffer” (88) es un disco imprescindible, pero puede que mi favorito sea “Recipe For Hate” (93), el álbum que publicaron justo antes de mi incorporación. Me parece la culminación del sonido, del concepto y de la propuesta de Bad Religion.

—¿Cuál es el primer recuerdo que tienes ya como miembro de Bad Religion?

Entré en Bad Religion en 1994, tras la publicación de “Stranger Than Fiction”, y sin lugar a dudas ese primer recuerdo es el primer concierto que di con ellos. Fue impresionante.

Yo venía de tocar con bandas de punk y de hardcore minoritarias como Minor Threat o Dag Nasty...

—Y también habías tocado en la banda de hard rock Junkyard.

Sí, y aunque habíamos tenido nuestros momentos, jamás alcanzamos los niveles de popularidad de Bad Religion.

—Hablabas de tu primer concierto con ellos.

Fue en un festival en Alemania. Y fue increíble. Salté al escenario y de repente tenía a más de 20.000 seguidores botando como locos con nuestras canciones. Alucinante. Con el tiempo he llegado a actuar ante audiencias más multitudinarias aún, pero nada se puede comparar al impacto que me produjo aquel primer concierto.

—Los conciertos, ese contacto con los seguidores, es lo mejor que te ha ofrecido formar parte de Bad Religion.

Desde un punto de vista más personal, diré que lo mejor de formar parte de un grupo como Bad Religion ha sido poder viajar. Bad Religion me ha dado la posibilidad de dar varias veces la vuelta al mundo. He podido descubrir infinidad de ciudades increíbles, diferentes culturas y gente increíble. Vivo en un país en el que mucha gente se cree que somos el centro del universo. Viajar y ver mundo es #38 mayo 2021

el mejor antídoto contra esto. Y esto, una vez más, es lo mejor que me ha dado ser miembro de Bad Religion.

—Brett tiene cincuenta y ocho años años, Greg, Jay y tú, cincuenta y seis. Llegados a este punto sigue teniendo sentido tocar en una banda de punk.

Aquel verso de The Who en “My Generation”: “I hope I die before I get old”, ha hecho mucho daño en el imaginario del rock. No tiene nada malo seguir tocando en un grupo de rock, de punk, de pop o de hip hop, mientras que lo que hagas sea honesto. Del mismo modo que el punk no es una cuestión de edad sino de actitud. Puedes ser extremadamente joven y extremadamente conservador, por mucho que luzcas una cresta en el pelo. Puedes ser extremadamente adulto, incluso un viejo, vestir traje y corbata, y afrontar la vida con una decidida actitud punk.

—Entraste en Bad Religion justo en el momento de máxima popularidad. Os podríais haber quedado ahí, pero, aunque publicasteis algún disco muy menor, como “The Grey Race” (96) o “No Substance” (98), con el tiempo habéis vuelto a publicar discazos. “The Empire Strikes First” (04), “New Maps Of Hell” (07) o el último, “Age Of Unreason” (19), los sitúo entre vuestras mejores referencias.

Es verdad que, llegados a “Stranger Than Fiction”, lo más fácil hubiera sido quedarnos ahí y seguir tocando año tras año, concierto tras concierto “21st Century (Digital Boy)”, pero bueno, Bad Religion no es un grupo que opte por las soluciones más fáciles ni sencillas.

Del mismo modo, como músico, es un lujazo disponer de un repertorio tan amplio y en el que hay tantos temas, y tantos temas que para mucha gente son casi himnos.

—¿Tú tienes algún favorito?

Joder, a mí me encanta tocar “American Jesus”. No solo es uno de las mejores canciones

de Bad Religion, con una letra simplemente genial, sino que como guitarrista solista del grupo, soy el encargado de iniciar la canción con ese riff tan demoledor. Es un gustazo ponerte el traje de “guitar hero” y empezar a tocar este tema frente a miles de personas.

—En 1994, antes de ofrecerte entrar en Bad Religion, te habían ofrecido entrar a tocar en R.E.M. Me encantan R.E.M. y de hecho llegué a aceptar su propuesta.

—¿Qué pasó?

Por un lado, Bad Religion me gustan mucho más, y ese ya es un motivo de peso. Además, Bad Religion me ofrecían incorporarme al grupo como miembro oficial y en R.E.M. simplemente iba a ser un músico de apoyo en directo. ¿Has visto últimamente a Green Day en directo? Son como diez o doce en el escenario y entre todos ellos hay un guitarrista perdido en un rincón al que nadie reconoce.

En R.E.M. yo hubiera sido ese guitarrista [risas].

—Dicen que también te llamó el mismísimo Slash para que te unieras a Guns N’Roses.

Eso es mentira.

—Pero algo hay...

Algo hay. Fue en la época en la que no había ningún miembro original más allá de Axl Rose. El bajista era Tommy Stinson de The Replacements, que es amigo mío. Me llamó para decirme que Axl Rose estaba haciendo audiciones a guitarristas, que me presentara.

—¿Qué sucedió?

Pasé. No fui. No soy suficientemente bueno como para ser el guitarrista de Guns N’ Roses.

Soy un buen guitarrista, pero no suficiente como para tocar en Guns N’ Roses.

—ORIOL RODRÍGUEZ

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CINE Y SERIES El inocente

Bill And Ted: Salvando el universo

Oriol Paulo

Dean Parisot

8

6

“BILL AND TED: Salvando el universo”, tras toda esa desfachatada estética de algo apócrifa serie B, es una reescritura necesaria del relato originario de la saga que lleva a esta entrega al terreno de lo crepuscular, de aquello que una vez fue y que ahora (quizás) ya no tiene sentido. Si las anteriores entregas redactaban su peculiar épica distópica alrededor del imaginario juvenil estadounidense en una especie de versión gringa de Kafka con problemas de adicción al Mountain Dew, la última entrega de este tríptico sobre la amistad incondicional adopta una vertiente mucho más madura que abraza la nostalgia mientras echa la vista atrás como si de una sesión de psicoanálisis se tratara y acepta que el tiempo, no necesariamente destruye, pero sí transforma. Bill y Ted son ahora parte de ese pasado que solían visitar, son conscientes de que en pleno 2021 tanto ellos como la película que protagonizan son un puro anacronismo.

Que la cinta baje un par de revoluciones para encender el intermitente (cuando en las anteriores entregas este gesto hubiera sido sustituido por un volantazo instintivo) y tomar la salida de lo posmoderno le funciona porque se convierte a sí misma en una odisea rock sobre el complejo de Peter Pan orquestrada por riffs de guitarra eléctrica sin guitarra eléctrica. Pero es cierto también que cuanta más autoconciencia adquiere la narración más se aleja esta de la inocencia spielbergiana de su primera parte y de la imprevisibilidad ontológica y genérica de la segunda. Esa esencia anárquica de la serie B se esfuma en su gran mayoría al adoptar el cuerpo de superproducción hollywoodiana. Falta algo de despreocupación e incoherencia en esta demasiado calibrada elegía a la indiferencia teenager.

—DANIEL GRANDES

“El inocente” es una serie interesante y bien planteada que, sin arriesgar demasiado (otro thriller policiaco español más), aporta detalles que la hacen sobresalir entre otras apuestas de la plataforma en los últimos tiempos. Está protagonizada por Mario Casas y por algunos de los intérpretes más solventes del país, entre los que, como siempre, destaca una enorme Alexandra Jimenez. “El inocente” tiene un guión atrevido y solvente en cuanto a lo estructural (cambio de narradores, buen uso de flashbacks y elipsis, mantenimiento de la tensión…), pero unos diálogos muy flojos. Hay momentos en los que cuesta creer una sola palabra de lo que dicen los protagonistas. Incluso buenos actores como José Coronado ven lastrada su interpretación por unas frases de estado de MSN. Solo faltan los emojis y combinar mayúsculas con minúsculas. A propósito de las criticas a Mario Casas, creo que su problema es, al menos, tanto suyo como de los guiones que elige. Hay ciertas condiciones bajo las que es imposible brillar.

Polizón

Pequeños detalles

Dirección: Joe Penna

John Lee Hancock

7

7

Si bien muchas de las salas del país se encuentran cerradas y muchos de los cines se han tenido que despedir –desgraciadamente– para siempre, la cartelera sigue, y a pesar de que hay pocos estrenos internacionales, poco a poco las productoras y distribuidoras se están animando a mostrar sus grandes bazas para este 2021, muchas de las cuales estaban previstas para 2020. Una de esas películas que se ha rescatado para los cines, liderando nuestra taquilla es “Pequeños detalles”.

La película protagonizada por Denzel Washington, Rami Malek y Jared Leto, y dirigida por John Lee Hancock (“El fundador”, “Al encuentro de Mr. Banks”), es una cinta neo-noir que recuerda al cine de los noventa. En ella, se nos cuenta la historia de Joe Deacon (Denzel Washington), un sheriff del condado de Kern que vuelve a Los Angeles después de dejar su puesto en la brigada de homicidios. Allí busca su redención y se involucra en un caso sobre un asesino en serie junto con el hombre que le sustituyó, Jim Baxter (Rami Malek). Dentro de dicha investiga-

ción aparecerá la figura del tercer protagonista de la película, Albert Sparma (Jared Leto). Llegados a este punto estoy seguro que encontraréis muchas similitudes con “Seven”, y es que resulta inevitable no compararlas. Y creo que está claro cuál de ambas cintas sale perdiendo en todas sus facetas, tanto en el guion como en el desarrollo de los personajes.

Ahora bien, si vencemos esta barrera y optamos por no compararla con la gran obra de David Fincher, daremos con una película muy disfrutable y entretenida.

Porque eso es, en realidad, lo que pretende ser esta “Pequeños detalles”.

Reuniendo a un trio de los actores más cotizados de Hollywood, “Pequeños detalles” resulta una película poca novedosa, con una evolución bastante plana de sus dos actores protagonistas –sobre todo el que interpreta el gran Malek–. A pesar de ello, las mejores bazas de la cinta son el contar con Washington –quien parece haberse quitado un peso de encima al rechazar en su momento protagonizar “Seven” en favor de Morgan Freeman– y Jared Leto. —ALEJANDRO TEIGA ROBLES

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La serie cuenta con aciertos claros.

Es inteligente en su planteamiento y sube bastante el nivel respecto a sus hermanas de género, ya sean españolas o internacionales: casi consigues llegar al final sin saber lo que va a pasar. Casi.

Sin embargo, también tiene errores garrafales, que se condensan todos en un quinto capítulo con el que dan ganas de dejar la serie a medias. A saber, un malo malísimo que no aporta nada a una serie basada precisamente en claroscuros; una trama alternativa de prostitución ilegal plagada de gente poderosa con máscara que tiene mucho que perder. Más allá de este traspiés, el trabajo de Oriol Paulo, que ya colaboró antes en “Contratiempo” con Casas y Ana Wagener (también genial en “El inocente”) es realmente bueno y deja con buen sabor de boca. Además, consigue algo que en los thrillers es muy complicado: que te sientas cerca de todos los personajes y no sepas posicionarte.

En estos tiempos de buenos y malos sin matices, apostar por los grises es un acto de heroísmo narrativo. —LUIS M. MAÍNEZ

“Polizón”, lo nuevo de Joe Penna (“Arctic”) para Netflix, no deja de ser una chapa y pintura al dilema moral del tranvía sustituyendo el contexto ferroviario por una sofocante atmósfera sci-fi al más puro estilo “Gravity”. El largometraje busca poner contra las cuerdas al perfeccionismo minucioso de lo numérico, que parece quedar obsoleto cuando entra en contacto con el dilema humanista, donde ni la más compleja ecuación podría resolver por medio de lo empírico aquello impulsado por el dionisíaco pathos.

La película maneja de forma atractiva los equilibrios de ritmos y escalas. Son interesantísimos esos planos secuencia que dibujan las distancias de lo reducido y los márgenes de lo inmenso. Al igual que son seductores esos grandes generales en gravedad cero propios del peplum que abrazan la simetría mostrando ese omnipresente en la ciencia ficción contemporánea complejo de “2001: Odisea en el espacio”.

Pero sobre todo son de agradecer sus decisiones en cuanto al tono, construyendo un relato que parece priorizar la

desesperación a la rabia, la desazón a la violencia y el grupo al individuo, huyendo de la fórmula mucho más lasciva y agresiva que orquestaban cineastas como Natali en sus claustrofóbicos experimentos morales como “Cube”. Porque es cierto que esta falta de visceralidad y rabia puede empujar a la cinta al terreno de lo naif, sobre todo porque tampoco parece interesada en alcanzar el nivel de reposada trascendencia que rebosaba “Ad Astra” de Gray. Y es innegable que se roza el cliché en algunos deus ex machina algo difíciles de perdonar, no nos engañemos.

Pero debemos alabar el atrevimiento de Penna, decidiendo bajar un par de marchas a esta super producción cósmica que prefiere ser un drama antes que una película de acción. No está para nada mal este humanista cuento en gravedad cero que funciona por lo mismo que funcionan esos memes filosóficos que reivindicaba al principio del texto: porque lo importante no es cuál es la respuesta al existencialista acertijo, sino cómo de bien luzcan esos raíles. —DANIEL GRANDES mayo 2021 #39

LIBROS

CÓMICS Edita Sister Sonic, S.L.

Violet hace el puente sobre la hierba

Lana Del Rey Libros Cúpula

7

Georgia O’Keeffe,

8

8

El cómic nos adentra en la vida de esta viajera incansable, una mujer fuerte que, a pesar de las inseguridades, se abrió su propio camino.

A través de cartas y explicaciones vamos conociendo la historia de Georgia, inmensa al abarcar tantos años. Esta herramienta narrativa hace que sea más fácil cubrir todas sus etapas vitales, que pasan rápidas e inexorables.

Los dibujos, detallistas en primer plano pero desdibujados cuando son de más lejos, definen muy bien la personalidad y obra de O’Keeffe.

Esto, junto con el tono íntimo del cómic, nos lleva conectar con la protagonista, con sus vivencias y pensamientos, su fuerza y su vulnerabilidad. Lo que, a su vez, hace que nos cale la postura feminista que desarrolló con los años o su conexión con la naturaleza y la espiritualidad, tan bella a nivel imaginativo y testimonial.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

—JUDIT MONFERRER BARRIONUEVO

El invencible Impedimenta

10 Obras cumbre como “Ciberíada” (65) o “Solaris” (61) son aval más que suficiente para adentrarnos en la filosofía sideral del gran creador polaco de universos que, con “El Invencible” (1964), llevó a cabo una de sus obras más literales en cuanto a narrativa de aventuras. En este caso, una distopía cósmica que condensa diferentes reflexiones en su órbita novelesca. Quizá la más visible sea la crítica hacia las ansias de conquista de el ser humano. Como toda muestra de ciencia ficción del siglo XX, la metáfora con los miedos y peligros del presente siempre rondan las historias narradas; en este caso, la incertidumbre ante una guerra nuclear, que Lem disfraza a través de una sesuda narración de carácter científico. Una de las novelas obligatorias para todo aquel que ose autodenominarse fan del scifi. Un clásico. —MARCOS GENDRE #40 mayo 2021

Darcy Van Poelgeest, Ian Bertram y Matt Hollingsworth Nuevo Nueve

María Herreros Astiberri

A estas alturas, que Lana del Rey es una artista inquieta lo sabe todo el mundo. Es una compositora que no puede parar de crear arte y cuando se decidió a dar un respiro entre disco y disco, dedicó parte de su tiempo a escribir estos textos. Una pieza que humaniza a la artista, que a veces parece tan fría y enigmática.

Incluye poemas actuales –algunos podrían formar parte de las letras de sus nuevas canciones, otros son haikus–, y fotografías hechas por la propia artista. Ahora bien, lo que sorprende de los textos es su capacidad de trasladarte al momento en que fueron escritos, tanto por las imágenes como por la descripción exacta que nos transmite con sus palabras. Todo esto se refuerza gracias a que se incluyen los manuscritos originales, con todas sus manchas y correcciones.

Stanislaw Lem

Little Bird

Premio a Mejor Serie Limitada en los Premios Eisner 2020 –cinco números publicados entre primavera y verano de 2019–, “Little Bird” es uno de esos cómics independientes en los que la parte artística consigue crear un universo tan particular que lo que nos cuenta bien podría quedar en un segundo plano, aunque eso al final no ocurra. El dibujo de Ian Bertram tiene una personalidad muy propia, deudora de Moebius en algunos personajes o escenarios, pero totalmente libre en otros. Desde la joven protagonista hasta El Hacha, pasando por prácticamente todos y cada uno de los secundarios, el diseño es acertadísimo. Si a eso le sumamos el excelente color de Matt Hollingsworth, diría que a “Little Bird” sólo le falla algo el ritmo.

—JOAN S. LUNA

Soy una matagigantes

Los Mentores (Integral)

Joe Kelly y Ken Niimura Norma Editorial

Francis Porcel/Zidrou Ponent Mon

9 Con el paso del tiempo, “Soy una matagigantes” se ha convertido en un clásico reciente para público juvenil, llegando incluso a adaptarse al cine en 2017. Han pasado más de diez años desde que ambos creadores –Kelly al guion, Niimura al dibujo– lanzasen este cómic, pero nadie lo diría. Releyéndolo una vez más, uno tiene la impresión de que su magia es la misma del primer día. Su forma de emocionar, su capacidad para divertir, su dibujo alocado y fresco a partes iguales (Niimura en estado de gracia), todo encaja y, como los buenos ingredientes de cualquier plato suculento, el resultado final crece al sumar las virtudes de todos ellos. Podríamos destacar lo bien caracterizado que está el entrañable personaje protagonista, esa aventurera chica llamada Barbara Thorson. —JOAN S. LUNA

7 Cuando me acerco a un cómic y descubro que se trata de un volumen integral lo agradezco enormemente. Y eso es lo que sucede con los dos volúmenes publicados entre 2019 y 2020 que ahora se unen en uno único destinado, esencialmente, a los que disfruten del género negro expresado mediante la novela gráfica. Doscientas cuarenta y ocho páginas que originalmente se destinaron al mercado francobelga y que ahora llegan al nuestro. La historia es sencilla, pero no por ello poco valorable un efectivo guion: Ana, mujer que es desprendida de su hija al nacer y que pasa veinte años buscándola, se cruza en sus pesquisas con Joye, una chica obligada a prostituirse que huye de su proxeneta.

Sus dos historias confluyen y se retroalimentan dando lugar a un texto interesantísimo, bien cuidado, y cuyo dibujo realza la trama.

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