MondoSonoro noviembre 2019

Viva Suecia El Milagro

FOTO: MARIANO REGIDOR

Nº 277 Noviembre 2019 www.mondosonoro.com

CIGARETTES AFTER SEX, MICHAEL KIWANUKA, LA PEGATINA, LOS CHIKOS DEL MAÍZ, EDITORS, DELAFÉ, WHITNEY FOALS, BRITTANY HOWARD, MATEO KINGMAN, KEANE, ZOO, QUIQUE GONZÁLEZ, NICK CAVE & THE BAD SEEDS

23 DE MARZO MOON

VALENCIA 25 DE MARZO CAPITOL

SANTIAGO DE COMPOSTELA

26 DE MARZO LA RIVIERA

MADRID

28 DE MARZO SANT JORDI CLUB

BARCELONA

29 DE MARZO BLACK MUSIC FESTIVAL

GIRONA

www.thecatempire.com/tour www.houstonpartymusic.com

www.sonde3.com

Cigarettes After Sex La noche S es nuestra

Cry (Partisan/[PIAS], 19) es el regreso de la banda neoyorquina con su fórmula magistral destilada. Un disco tan a contracorriente que es imposible no rendirse a su poder hipnótico.

on una de esas anomalías que nos recuerdan que no todo está escrito.

Greg González, su artífice, tocó el bajo en bandas de jazz y versiones en El Paso, Texas, hasta crear Cigarettes After Sex en 2008 y mudarse a Nueva York a probar suerte mutando de piel: de la electrónica unipersonal a esta propuesta a cámara lenta y melancolía en blanco y negro, con influencias de bandas de culto como Cocteau Twins o Red House Painters, milagrosamente masiva gracias a YouTube y la serie El cuento de la criada. Su debut homónimo ha vendido 550.000 copias, cifra astronómica para esta era. Consolidados en la primera división del circuito pop como raros especímenes de un dream pop literalmente romántico que parecía extinto, se han

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embarcado en una gira que coincide con la salida de este segundo álbum.

Pillamos a Greg en Kansas. Con voz profunda y acento sureño, se le escapan algunas discretas risas aquí y allá, que aligeran una seriedad que remite a sus canciones. “Hemos querido seguir por el mismo camino que nos marcó nuestro primer EP de 2012. Hay algo en ese sonido que para mí es muy personal.

No se trataba de cambiar nada de forma drástica, sino de encontrar nuevas formas de interpretarlo”, explica. “Este disco es una instantánea de los últimos dos años y momentos que he vivido en Nueva York, Los Angeles e incluso Europa, de gira”. ¿Pero sintieron alguna presión por las extraordinarias ventas de su debut largo? “No mucha. Siempre he confiado en lo que me apetece hacer creativamente, hasta ahí llega la presión. Sabía que si hacía algo que me gustara mucho a mí, se iba a recibir bien. Incluso si no gustaba tanto, era consciente de que habíamos hecho una manifestación artística genuina. Así que la presión estaba en volver a ser creativos otra vez, en intentar hacer canciones buenas. La batalla sólo es creativa”, zanja.

FOTO: EBRU YILDIZ

5/Mondo freako

Greg se expresa con una naturalidad sorprendente para alguien que ha conseguido semejante éxito con sus armas. Para empezar, su enfoque es puramente autobiográfico. “Necesito que lo que cuento me haya pasado para hacerlo interesante. Me da la impresión de que las mejores canciones que escribo se basan en la realidad. Muchas de las del disco anterior son reales, y aquí pasa lo mismo. Hay alguna en la que hay un poco más de fantasía, pero en líneas generales todo se basa mucho en mi vida”. El vértigo de sus encuentros románticos, el amor en toda su colosal dimensión. “Me di cuenta de que si escribía sobre el romance, me salían mejores canciones y todo mejoraba, así que ese era el tema sobre el que quería escribir. Básicamente, en este momento escribo sólo de eso, del amor”, dice como quien no quiere la cosa. Esa no es la única ni mayor excentricidad del grupo liderado por este romántico empedernido, amante del cine de autor europeo y de las cantantes Françoise Hardy y la española Jeanette: ¿quién se atreve hoy a montar su equipo en una villa (de Mallorca, concretamente) y grabar en directo a la antigua usanza?

3

noviembre 2019 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA El desencanto

O

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e “Me resulta extraño qu ” ito hayamos tenido este éx

“La idea era ir a un lugar muy especial y tratar de grabar la música según fuera saliendo.

Era lo más bonito que podíamos hacer. Y fue genial, muy especial. Como un sueño, porque grabábamos todas las noches. Para mí, Cigarettes es un sentimiento nocturno. Afuera te encontrabas sólo con el viento y las estrellas.

Grabar en una localización en directo, como si estuviésemos dando un concierto, es muy raro, muy de otro tiempo, como los grupos de jazz de los cincuenta”.

“Evitamos los estudios para ir a grabar a un lugar concreto –explica–. La primera vez que lo hicimos fue en 2014, cuando llegamos a ese sonido extraño y obsesivo, con mucho ambiente y eco. Y seguimos el mismo proceso, pero yendo a otro sitio. Creo que de esta manera se mantiene la cualidad onírica del sonido.

El eco o el reverb le dan una cualidad misteriosa, un poco surrealista”. Greg se encarga, además, de la labor técnica. Y le apasiona. “Es mi prioridad número uno, más que componer.

Es curioso, porque en realidad no lo hago muy bien todavía (risas), pero trato de que sea lo más simple posible. Sin duda, hay técnicos que son mucho mejores, yo soy muy limitado, pero creo que lo que hago funciona con lo que hacemos”. El balance hasta el momento no puede ser sino triunfal. “Me resulta extraño que hayamos tenido este éxito. Siempre he tenido la impresión de que teníamos que hacer las cosas de un modo diferente en relación a las tendencias. Y estoy muy contento de lo que hemos hecho en estos siete años. Parece mucho tiempo. Algunas de las bandas que más me gustan, como The Doors, no duraron tanto.

en concierto l Benidorm 8 y 9 de noviembre.

Primavera Weekender l Barcelona 11 y 12 de noviembre. Sala Apolo

CRiTICANDO Cry

Partisan/[PIAS] Pop 8/10

Greg González y sus Cigarettes after Sex vuelven a sumergirse en un universo de atardeceres, noches estrelladas y amaneceres en blanco y negro con sabor a nouvelle vague, en su segundo y esperadísimo largo Cry. Nueve piezas minimalistas de dream pop que no ofrecen ninguna sorpresa en relación a su debut homónimo de 2017, sino una continuista belleza cegadoramente irresistible. Piezas cargadas de erotismo, fragilidad y luz, surcos que recorremos de la mano de personajes que ríen y lloran de emoción tras ese “ven a mí, no me dejes ir” inicial de Don’t Let Me Go, puerta de entrada a una película que podría haber sido filmada por Éric Rohmer y que degustamos a fuego lento. Bajo una lírica mundanamente poética, siguiendo las huellas de Henry Miller y el más pasional Leonard Cohen, transitamos todas las facetas del amor y, casi sin darnos cuenta, profundizamos en la belleza de las pequeñas cosas, pasando a formar parte del elenco de un filme que también es nuestro, un romance que nos eriza la piel en cada pista. —david pérez

Hemos puesto mucho trabajo y me gusta cada canción. Lo que es cierto es que hemos ido tan lejos en este sonido, que en el próximo disco va a tener que haber un cambio, una fuerza diferente. Veremos qué pasa”. —jc peña

r

s voy a ser sincero. En realidad esta columna de opinión tenía que versar sobre nuestro aniversario y sobre la fiesta que este 7 de noviembre celebraremos en La Riviera de Madrid junto a El Columpio Asesino, Viva Suecia, Bejo y Hinds. Debía realizar una especie de repaso de lo que han sido esto veinticinco años al pie del cañón, divulgando de forma gratuita la música que nos gusta, más allá de etiquetas y estúpidos prejuicios. Sin duda un texto aburrido de corte promocional que no hubiera leído casi nadie. Y lo cierto es que cuando me puse a pensar en estos últimos veinticinco años y, sobre todo, cuando lo hice pensando en todos los que nacieron a finales de la década de los noventa, me di cuenta de los mensajes que se habían ido tejiendo a su alrededor, y con los que inevitablemente los jóvenes han confeccionado su conciencia. Y no hablo de adoctrinar a nadie ¡bendita estupidez! Hablo de distendidas charlas familiares de sobremesa en las que no han faltado afirmaciones del tipo: “Hoy en día estudiar ya no te asegura nada”; “Para qué tener una carrera si luego vas a acabar trabajando en Glovo como falso autónomo”; “A este paso nos vamos a tener que ir todos a vivir debajo de un puente porque no hay quien pague los alquileres”; “Esto en unos años va a ser igual que el desierto del Sahara”; “Aprovechad ahora que podéis, porque dudo que ninguno de vosotros cobre una pensión cuando sea viejo”; “Como sigamos así, el aire se va a volver irrespirable”... Y podríamos seguir y seguir, porque absolutamente nadie se ha escapado a ese pesimismo endémico de corte apocalíptico que nos persigue. Tanto es así, que la música no ha sido una excepción y también en estos últimos años se ha ido creando una banda sonora del descontento. Solo hay que acudir a las playlist de los más jóvenes para ver cómo combinan canciones de pop digamos inofensivo, con grupos o solistas que lanzan soflamas en contra de lo establecido o hacen loas al desencanto. Podemos hablar de Ayax y Prok, Tribade, ZOO, Natos y Waor, Tremenda Jauría, Desakato, Lágrimas de Sangre, La M.O.D.A... y un montón más. Todo esto, no cabe duda, crea un caldo de cultivo y además es lógico que así sea. No se puede vivir constantemente rodeado de mensajes que no dan pie a la esperanza y es necesario creer en algo a lo que aferrarse. Algo que te incite a salir a la calle a levantar la voz y que te lleve a la protesta. Ya lo estamos viendo en Cataluña, Chile, Hong-Kong o Francia. Y va a haber más en el futuro. Máxime cuando a los partidos tradicionales solo les interesa ocupar el falso espacio del centro-moderado, y no ofrecen soluciones a una situación que poco a poco se desmorona. Podéis llamarlos alborotadores, gamberros o radicales, pero si yo tuviera su edad, y hubiera crecido con la banda sonora de su desencanto, es posible que fuera uno de ellos. Solo tendría que echarle un buen par de ovarios.

—don disturbios

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#6 noviembre 2019

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Michael Kiwanuka estaba viviendo un sueño que, en realidad, nunca acabó de creerse. Por extrañas circunstancias, a pesar del éxito y las buenas palabras, tenía un complejo que ha superado gracias a Kiwanuka (Polydor/Universal, 19), un paso más adelante en la carrera de un artista sólido y con personalidad a prueba de bombas.

G

racias al camino recorrido desde Home Again (12) y a la repercusión de Love & Hate (16) –premios al margen–, el británico de ascendencia ugandesa Michael Kiwanuka tiene la confianza por la nubes. De ahí que firme un nuevo trabajo, Kiwanuka, su tercer larga duración, en el que las expectativas se alcanzan y la calidad de mantiene.

“Siempre he tenido dudas sobre mi capacidad. Porque ocurre que, desgraciadamente, este negocio se convierte en una competición. Con Love & Hate todavía no era tan consciente, quizás porque me cogió más joven. Ahora tenía la oportunidad de reafirmar mi condición de músico. Y es algo que hay que hacer, subrayarlo, porque falta educación en ese sentido. En el fondo, que pueda hacer esto es un privilegio”.

Un privilegio que valora y que le ha hecho mostrarse orgulloso de quien es y de lo que hace. Kiwanuka ya no se esconde, sino que se autoafirma. “Este disco es una celebración de quién soy.

Me describe al cien por cien. Ganarme mi propia confianza era una prioridad.

Estas canciones son un gran decorado para mí, para mostrarme, para sentirme cómodo. Ya no me culpo de nada.

A menudo me preguntaba si era lo suficientemente bueno y no conseguía sentirme orgulloso con lo que hacía, aunque la gente sí le diera el visto bueno a mi trabajo. También dudaba sobre mi nombre, que es diferente a lo habitual, pero quería hacerlo valer, de-

mostrar la fuerza que tiene. Por ambas cosas decidí el título del disco”.

Si nos centramos en Kiwanuka, el artista amplía todavía más su paleta estilística, empezando a todo ritmo con la funk y vigorosa You Ain’t The Problem y, de ahí en adelante, sumando como novedad que el piano gana protagonismo. “Buscaba algo inspirador que generara esos espacios de creatividad. Quería investigar en otras áreas, refrescar mi método tanto en la línea musical de las canciones como en la construcción de las melodías. La incorporación de coristas en los conciertos es algo nuevo. En Kiwanuka hay segundas voces, porque necesitaba esa energía. Es un buen complemento y la verdad es que funcionan muy bien”.

Entre cara y cara del disco nos encontramos con interludios y con sampleados con fragmentos hablados de los derechos civiles. “Quería que fuese diferente a mis dos álbumes previos, que no hubiera una misma línea argumental de principio a fin. Me fijé en los discos de Pink Floyd para ello. Una de mis obsesiones era crear un punto de

discografía

Home Again

Love & Hate

Polydor, 12 8/10

Polydor/Universal, 16 9/10

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Kiwanuka Polydor/Universal, 19 8/10

FOTO: OLIVIA ROSE

Mi nombre es Kiwanuka, Michael Kiwanuka “En el fondo, que pueda hacer esto es un privilegio” atención con esos interludios, espacios para generar un mundo en si mismo”.

De la parte musical ya hablaremos en otras ocasiones, pero algo a lo que no suele darse la importancia que merece es a la carpeta de los discos. En este caso es obra del artista Markeidric, a quien Kiwanuka descubrió en Instagram, pese a lo poco que confía en las redes sociales. “En realidad, alguien me lo recomendó y me dijo que le buscase en Instagram. Y la verdad es que fue un gran descubrimiento, porque sus pinturas son fantásticas. En el sello estaban encantados con su trabajo. Las redes sociales son una buena herramienta para compartir talento, pero a veces me da pena el uso que la gente hace de ellas. Nos equivocamos en la percepción, porque son muy engañosas”.

Durante unos minutos charlamos sobre cine y televisión, empezando por el hecho de que su música no entró en Estados Unidos hasta el momento en que su canción Cold Little Heart sonó como entradilla de la serie Big Little Lies de HBO. “Uno de mis hobbies es la fotografía, que me ayuda a conservar recuerdos cuando estoy de gira, y otro es ver películas. Esta noche voy al cine a ver The Joker, no puedo esperar, estoy impaciente. Así que entiendo que cuan-

do incluyes una canción en una película o en una serie, consigues ese efecto: que más gente se interese por el artista que la interpreta. Y eso genera un flujo de escuchas extra. Lógicamente, la televisión es un canal de promoción importante y de mucha ayuda. Además, he visto la serie completa y es una maravillosa pieza de ficción. Al margen de las excelentes interpretaciones, destaca su gran guión”. También hablamos sobre el cameo que hizo en Yesterday, de Danny Boyle, una sorpresa para todos.

“El supervisor musical de la película es un gran fan mío, aunque desconozco si Danny Boyle lo era. La verdad es que, para mí, fue algo muy divertido. No me costó aprenderme el papel, porque hacía de mí mismo (risas). Fue una gran experiencia estar delante de una cámara de cine y formar parte de un equipo tan grande. ¿Un disco de The Beatles?

Difícil. Si tiene que ser solamente uno me quedo con Rubber Soul. Y también te diré que George Harrison es mi beatle favorito, aunque no sé decirte por qué motivo. Quizás sea porque era el más discreto, y eso me atrae”.

—toni castarnado

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noviembre 2019 #7

AZA · 16 · NOV BIRIBAY · LOGROÑO

URT · 25 ·ENE ZENTRAL · IRUÑEA

AZA · 22 · NOV SIDECAR · BARCELONA (EH SONA)

OTS · 08 · FEB DABADABA · DONOSTIA

ABE · 20 · DIC KAFE ANTZOKIA · BILBO

OTS · 14 · FEB PORTA CAELI · VALLADOLID

URT · 16 · ENE LE BOULE NOIRE · PARIS (FR)

OTS · 15 · FEB JIMMY JAZZ · GASTEIZ

URT · 17 · ENE MELKWEG · AMSTERDAM (NL)

MAR · 14 · MAR SAN AGUSTIN · AZPEITIA

URT · 19 · ENE CLASH · BERLIN (DE)

MAR · 28 · MAR POTEMKIM · SALAMANCA

API · 03 · ABR SALA CARACOL · MADRID

Hablamos con el líder de la banda, Yannis Philippakis, sobre la segunda parte de Everything Not Saved Will Be Lost (Warner, 19) en el que, sin duda, ha sido el año más productivo de su carrera. Lo presentarán en vivo el viernes 1 de noviembre en una nueva edición del BIME Festival de Bilbao.

L

o prometido es deuda. Si bien en marzo los de Oxford publicaron la primera parte de Everything Not Saved Will Be Lost, por entonces ya nos advirtieron de que en otoño liberarían una segunda que podría degustarse tanto como un álbum independiente como una continuación de los temas que pusieron sobre la mesa meses atrás. Podrán decirse muchas cosas de ellos, pero nadie puede discutir que la banda se encuentra en un periodo productivo más que óptimo. “No puedo decirte si estamos en nuestro mejor momento porque durante esta década hemos tenido muchísimas alegrías. Lo que sí que te aseguro es que me siento muy bien porque desde un principio nos propusimos hacer algo más ambicioso de lo que el público y nuestros fans esperaban. Nuestra sociedad padece muchísima ansiedad e inseguridades. No es algo que se pueda centrar en un país concreto, ya que es algo que está aconteciendo en una esfera internacional. Ambas partes reflejan todos estos males que nos afectan en la actualidad y, en realidad, sólo espero que quien nos escuche entienda el mensaje que queremos proyectar”, comenta desde el otro lado del teléfono su líder, Yannis Philippakis.

En la anterior entrega hubo sorpresas electrónicas como In Degrees en las que coquetearon con las pistas de baile, además de piezas como Cafe D’Athens en las que no disimularon sus ansias de retorcer y experimentar su sonido característico. En este segundo capítulo, también producido por ellos mismos, las canciones son menos enrevesadas, más directas y quirúrgicamente precisas. “En esta ocasión, el propósito era hacer un disco de rock, por ello las guitarras están en un primer plano en comparación con la parte uno. Ambos trabajos los grabamos a la vez, aunque sí es cierto que de alguna manera teníamos en la cabeza presentar algo más físico, algo que conectara con la energía que Foals desprende encima del escenario. Estas diez últimas canciones no tienen tantas texturas ni son tan complejas como las previas”, afirma Philippakis. ¿Cuáles son sus favoritas? “En los directos funcionarán muy bien The Runner y Wash Off. No obstante, si tuviera que quedarme con dos contestaría que Into The Surf y Neptune porque son un buen broche final.

Foals Retrato social

CRiTICANDO Everything Not Saved Will Be Lost. Part 2 Warner Rock 7/10

Los de Oxford hace apenas unos meses nos sorprendieron con el anuncio de dos álbumes de cara a este 2019 bajo el título de Everything Not Saved Will Be Lost. En la primera entrega Yannis Philippakis y los suyos mostraron su preocupación por el exhibicionismo banal de las redes sociales y, sobre todo, sus temores acerca del cambio climático. En esta segunda parte una primera correlación de canciones que abordan la supervivencia post-apocalíptica y el tramo final (compuesto por 10,000 Feet; el precioso medio tiempo Into The Surf y, sobre todo, esos diez minutos con aires espaciales de la muy a reivindicar Neptune) donde la muerte y la migración a otros planetas se presentan como las únicas dos alternativas posibles. La banda ya nos advirtió de que este segundo capítulo sería mucho más rockero y directo. Y así es. Estamos seguros de que, en sus próximos conciertos, piezas como The Runner, Wash Off o Black Bull (una de las más interesantes del lote porque denuncia los tópicos que siempre hay alrededor de la masculinidad en general, y de las estrellas del rock en particular) funcionarán a las mil maravillas. Y lo mismo puede decirse de esa Like Lightning que bien podrían haber firmado The Black Keys. Pero a pesar de las buenas intenciones hay cierta sensación de déjà vu, una reiteración de la fórmula que ya probaron en Holy Fire (13) y What Went Down (15). Por muy ambiciosos que desde fuera quieran hacer parecer, en realidad aquí no hay nada revolucionario para el sonido Foals —s.d.a.

vo set que incluirá tanto parte de este nuevo disco como nuestros clásicos”, la gira de presentación de Everything Not Saved Will Be Lost Part 2 no arrancará oficialmente hasta el próximo año.

“Aún no sé si lo podremos hacer, pero me encantaría en algunos shows concretos poder tocar de principio a fin las veinte canciones que componen ambos trabajos”, avanza. Philippakis también aprovecha nuestra conversación para desvelar que está maquinando algo junto a Tony Allen, uno de los padres del afrobeat. Sin embargo, hasta que sepamos de qué se trata en realidad esta colaboración, este mes de noviembre podrá verse a través de Amazon Prime Video un documental titulado Rip Up The Road en el que nos dejarán colarnos entre las bambalinas de su día a día. Por lo que parece, de momento no tienen intención de tomarse unas vacaciones. —sergio del amo

"Nuestra sociedad padece muchísima ansiedad e inseguridades"

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Todas cumplen su función. Everything Not Saved Will Be Lost Part 1 terminaba mostrando un mundo en llamas y apocalíptico, y su continuación parte de esa misma imagen. La cara A trata sobre cómo aprender a seguir adelante a pesar de las adversidades y ese escenario tan funesto, mientras que de 10,000 Ft. en adelante me he querido centrar en conceptos como la eternidad, la fatalidad y la necesidad de huir a un lugar mejor. En conjunto lo veo como una película que trata sobre el presente y el hipotético futuro al que nos podríamos enfrentar. Tal cómo está evolucionando nuestro planeta entiendo perfectamente que haya muchísima gente cabreada”.

Más allá del concierto que ofrecerán este 1 de noviembre en el Bime Festival de Bilbao, “donde estrenaremos un nue-

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noviembre 2019 #9

El rapero gallego Arce sigue adelante, incombustible, y esta vez con quinto álbum en la calle.

Pedigrí (BMG, 19) se ha grabado en diversas ciudades, pero mantiene la unidad en todo momento..

C

ontando maquetas y discos, este es tu quinto trabajo editado. ¿En qué momento artístico y personal se encuentra Arce?

Justo ahora estoy con la recopilación de todos los anteriores trabajos haciendo más copias físicas. Están teniendo bastante demanda los discos anteriores por el público que empieza a conocerme ahora, lo cual me alegra. Este es mi quinto disco, pero se podría decir que es mi primer trabajo más profesional ya que cuento con un equipo humano detrás y una producción con la que hemos compartido sensaciones de estudio muy gratas y creativas, contando con el apoyo de un sello discográfico internacional. Hasta la fecha ha sido todo más amateur, haciendo yo todo desde el barrio, maquetas, discos, etcétera. ¡Ahí están!

—Si entendemos como “pedigrí” los genes, el talento innato de una persona, ¿qué sentido has querido asociar al título con el contenido que encontramos dentro del disco?

Todo surgió por el tema Pedigrí. Un par de meses después de componerla, escuchándola solo en el estudio, pensé que podría ser el mejor título para el disco porque cobraba sentido conmigo, mi vida y lo que estaba haciendo. No tiene mucha más explicación que la que me representa, el perro viejo, pedigrí... ¡Soy un perro!

—Musicalmente, la mayoría del disco está producido por Dimas Frías, aunque también participan otros productores. ¿Cuál ha sido el criterio de selección de beats? ¿Qué sonidos buscabas?

No buscaba un sonido en concreto. Al principio estaba más abierto a probar cosas nuevas porque llevaba años haciendo lo mismo y me estaba aburriendo. Sigo siendo yo, pero también abro la puerta a sonidos que están creciendo en América Latina y Estados Unidos. —alfonso gil royo

“

Keane El efecto de la amistad

Las esperanzas y los miedos que acuciaban a Tim Rice-Oxley y sus compañeros de Keane a principios del nuevo milenio han cambiado. Las tribulaciones de la edad adulta y sus devastadores efectos alimentan Cause & Effect, (Universal, 19), nuevo álbum que, después de unos años de distanciamiento, ha reunido a una banda.

Y a unos amigos.

C

ausa y efecto. En 2019, Keane ha vuelto a utilizar la conjunción “y” para unir dos palabras, eso sí, muy diferentes a las de su exitoso debut de 2004, Hopes & Fears. Una expresión de la que intentamos huir de jóvenes y que podemos llegar a entender por las malas de mayores: los actos tienen consecuencias. Las preocupaciones de un joven enamorado se han convertido en problemas matrimoniales que derivan en un divorcio y sus daños colaterales, vivencias que Tim Rice-Oxley, teclista y letrista de Keane ha vertido en Cause & Effect. Un álbum dolorosamente personal, pero también un bonito gesto de amistad que le ha reunido con Tom Chaplin (voz), Richard Hughes (batería) y Jesse Quin (bajista desde 2011).

Horas antes de su sold out en las Noches del Botánico y casi recién llegados de una triunfante noche en Oporto, Tom y Richard aparecen en el vestíbulo de su hotel madrileño. Llevan un tiempo alejados de la rueda de la promoción, pero las buenas sensaciones de sus recientes directos y las energías renovadas dirigen la entrevista. ”Ahora disfruto tocando las canciones antiguas tanto como las nuevas.

Antes no pasaba eso. Pensaba que se había acabado,

estábamos cansados”, reconoce Richard acerca del parón iniciado por los de Battle en 2013 y que parecía definitivo. “Llevamos haciendo esto desde que éramos unos críos. Nuestro primer concierto fue en 1997”, recuerda Tom, quien tras una oscura fase de adicciones, se estrenó en 2016 en solitario con The Wave. “Sentí que necesitaba hacer algo diferente y llevaba mucho tiempo queriendo componer”, señala. Ese paso, curiosamente, propició un primer acercamiento entre los miembros del grupo, muy distanciados en aquel momento. “Richard siempre me apoyó en mi carrera, lo cual se agradece. A Tim creo que le costó más aceptarlo, y puedo entenderlo”. También supo entender que su amigo le necesitaba tras pasar el peor trance de su vida. “Tenía un avión increíble, pero nadie que lo pudiera pilotar.

Y, en este caso, la persona idónea era yo y todos juntos como grupo”, explica Tom, que se ofreció a volver a ponerle voz a unas canciones “vulnerables y reales”, como Put The Radio On o Stupid Things. “Queríamos hacerle justicia al material. Es un álbum muy personal para Tim, pero nuestras vidas están muy entrelazadas”, comenta Richard.

Reconciliados los amigos, los músicos se preparaban para volver a una escena musical muy cambiada. “Todo está muy fragmentado y estamos buscando la forma de compensar estos años de streaming, pero somos bastante tradicionales”. Y en Cause & Effect, su sonido característico pervive en “una versión actual de Keane” que une en sus conciertos a nuevas generaciones y seguidores fieles que esperaban su regreso. Un regreso que están disfrutando con calma y sin mayor planificación. “Somos muy mayores como para hacer cosas que no nos gustan”. —beatriz h. viloria

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“Somos muy mayores s como para hacer cosa que no nos gustan”

FOTO: ARCHIVO

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Arce Más perro viejo

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#10 noviembre 2019

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Con Jaime (Sony Music, 19), Brittany Howard nos ha preparado un menú musical de digestión lenta, pero placer garantizado. Es un disco cuya escucha requiere paciencia, pero la compensa con grandes canciones. El objetivo de la cantante de Alabama Shakes era demostrarse a sí misma que era capaz de grabar un álbum de este calado sin desfondarse. La entrevistamos aprovechando su próxima visita al BIME de Bilbao.

“Cuando haces un s disco en solitario toda en las decisiones reca sobre tus hombros”

P

ara empezar, felicidades por el disco. Me ha encantado, es fantástico. ¿Crees que este era el momento adecuado para hacer un disco por tu cuenta?

Has llegado a decir: “estoy cansada de que la gente adivine quién soy, que invente quién soy”.

Gracias por tus palabras. Básicamente es esto… Quería contar mi historia.

—¿Has encontrado una nueva dimensión de tu talento en este proyecto? Creo que, de alguna manera, lo necesitabas.

No estoy segura de que sea una nueva dimensión, pero sí suponía una oportunidad de expresarme a través de un nuevo lenguaje y tomar otros caminos. En la parte meramente creativa, la he disfrutado mucho.

—¿Cuáles han sido las principales diferencias en el proceso de creación de este disco y los de Alabama Shakes?

El proceso de escritura de este álbum y Sound & Color no ha sido tan diferente, en cambio el de grabación sí.

Sound & Color (15) lo grabamos en cuatro o cinco sesiones durante un largo periodo de tiempo. En cambio, Jaime se hizo en Los Ángeles en varias sesiones. Obviamente, una de las principales diferencias es que cuando haces un disco en solitario todas las decisiones recaen sobre tus hombros, y eso es algo que he disfrutado mucho.

Además, en esta ocasión estaba preparada para explorar un poco más la instrumentación. Tengo canciones sin bajo, sin guitarra e incluso una en la que estoy sola. Con Alabama Shakes solíamos escribir canciones en las que participábamos todos, en cambio en este disco pude experimentar con instrumentación y arreglos mucho más de lo que podía imaginar.

—Antes de escuchar el disco tenía

curiosidad por oír tu voz. ¿Cómo has trabajado en este aspecto? ¿Ha habido muchos cambios? Por ejemplo, Short And Sweet es muy cruda, muy blues, mi corazón se encoge cuando la escucho.

Me encanta que mi voz cambie constantemente. Dar un empujón y experimentar distintos estilos de canto. Lo hice en Sound & Color, aquí aún más.

—Siempre se te ha comparado con Aretha Franklin, ¿cómo has vivido eso?

Yo también lo veo y me honra la comparación. Me entristeció mucho su muerte. Nos dio mucho a todos los niveles.

—No has dejado de reivindicar a artistas como Memphis Minnie y Sister Rosetta Tharpe; has aprovechado cualquier acto o circunstancia para defender su legado. ¿A quién más desearías hacerlo?

Muy fácil, por este orden a Prince, David Bowie, Roberta Flack y Thom Yorke.

—Precisamente, Run To Me parece un homenaje al Nothing Compares To U de Prince. ¿Qué nos puedes expli-

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car sobre esto? En gran parte del álbum se percibe su influencia, creo que es grande.

Amo a Prince, y como bien dices, tiene una gran influencia en mi música.

Run To Me fue una canción que escribí para mí misma. Por alguna extraña razón a veces me sentía extraña o ansiosa, y esperaba que al resto les pasara lo mismo que a mí. Lo más loco de todo esto es que usamos mi demo vocal de Garage Band (risas).

—Una de mis canciones favoritas de Jaime es Stay High, que se sitúa justo en medio del góspel y el funk de los setenta.

Es una canción sobre la búsqueda de lo que nos hace feliz y vivir a tope ese momento. Y poder compartirlo, apreciarlo, con tu familia y la gente que amas.

—Jaime está dedicado a tu hermana, ella te inició en la música. ¿Qué te diría si viera lo que has conseguido hasta ahora? ¡Espero que esté increíblemente orgullosa de mí!

—“No hay arma contra esta soledad, excepto mis brazos amorosos”, es

una de mis frases favoritas de este disco. ¿Cuánto amor y cuánta soledad hay en este disco?

La mayoría de mis discos tratan sobre uno y otro de igual manera, en ese sentido son equitativos. Tienen un gran poder.

—Finalmente, el otro día vi un video tuyo muy divertido en Instagram.

Estabas en una especie de cuenta atrás a la salida del disco, en tu casa con un gato bajo el brazo y muy excitada ante la idea que el disco iba a ver la luz.

(Risas) Era David, así se llama mi gato.

Gracias por acordarte de él.

—toni castarnado

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Jaime Sony Music 9/10

noviembre 2019 #11

FOTO: BRANTLEY GUTIÉRREZ

Brittany Howard Volando alto

MONDO FREAKO

WALA. WALA.

“Siempre estuvimos alejados de los new romantics, nos consideramos minimalistas desde el principio porque nos nutríamos de gente como Kraftwerk, Brian Eno, The Velvet Underground o La Düsseldorf” Andy McCluskey de O.M.D. en Muzikalia. com

“A menudo vemos en los demás algo que no nos gusta, cuando precisamente ese mismo elemento no nos molesta si se refiere a nosotros” Angel Olsen en Ruta66

A punto de embarcarse de nuevo hacia México, Rubén Sierra, guitarra y cantante de La Pegatina, nos atiende para charlar sobre Un secreto a voces (Warner, 19), álbum recopilatorio en el que repasan sus dieciséis años de carrera, además de regalarnos tres temas nuevos.

C

“Vi lo que estaba pasando con el britpop y me pareció bastante desagradable. Le veía un fondo nacionalista y daba la impresión de que había algo de misoginia bastante fuerte, así que pensé que Suede no debíamos formar parte de eso” Brett Anderson, de Suede en NME

“Desconfío de la gente que entiende el arte como una terapia personal. Prefiero que haya un claro distanciamiento”

La Pegatina Un repaso a su carrera

omo siempre que me encuentro con él, Rubén emana una energía desbordante y un optimismo innato que arrasa en las distancias cortas. Esta vez se ha presentado solo en nuestras oficinas para explicar los motivos de la edición de Un secreto a voces, álbum recopilatorio que dará la oportunidad a los fans que se han incorporado a su música estos últimos años de descubrir temas de todos sus discos de estudio. Adrià, cantante de la banda, se ha quedado en casa recuperándose de una luxación de rodilla que se hizo en la reciente celebración del dieciséis aniversario de la banda en una repleta Riviera de Madrid, para la que contaron de un gran número de invitados y colaboradores. Pero ¿tiene sentido en una época repleta de ‘play lists’ hacer un disco que recoja los grande éxitos del grupo? “Sinceramente tiene sentido como resumen de la banda, pero si me preguntas ¿tiene sentido hacerlo en formato físico? Ahí ya dejo la pregunta en el aire (sonríe). Pero bueno, como lo está pagando Warner (risas)”. Inevitablemente un disco de estas características acostumbra a, por un lado, fijar la vista atrás y bucear en las diferentes etapas de cualquier banda y, por otro, suele ser un punto de inflexión que abre una nueva etapa. En cuanto a lo primero, lo que más se acaba evidenciando es la evolución que ha sufrido el combo mestizo desde sus inicios hasta el momento

actual. “Hombre ¡ha habido una evolución muy heavy! Tu escuchas un tema de Al carrer! (07) y luego te pones un tema de Ahora o Nunca (18) o Revulsiu (15) y ves que todo ha evolucionado: las letras, las estructuras, todo. A partir de Eureka (13), cuando trabajamos con Marc Parrot como productor, a nivel estructural las canciones cambiaron. Él nos ayudó a ordenarlas. Luego las entradas de diferentes miembros en la banda ha hecho también que el grupo mutara. Piensa que en Al carrer éramos solo cuatro y luego entraron la trompeta, el acordeón, el batería… Suma que el trabajo con diferentes productores a lo largo de nuestra carrera ha hecho que se vean otros cambios en los temas. Pero para mí todo esto ha sido muy positivo, porque veo a La Pegatina como un laboratorio en el que van pasando cosas y todo lo que nos proponemos, nos atrevemos a hacerlo”. En cuanto a lo segundo, habrá que ver si Un secreto voces marca, efectivamente, un antes y un después en el futuro de la banda de Montcada. “El grupo siempre está en continúa búsqueda de hacer cosas nuevas. Hicimos el disco Ahora o nunca con el productor Rafa Arcaute y surgió la posibilidad de hacer tres temas con Tato Latorre (Maldita Nerea, Antonio Orozco) como productor, y son los tres nuevos que hemos incluido en el disco. Al final, aunque de cara a la galería sea un recopilatorio, para nosotros también es la experiencia de trabajar con Tato Latorre. Y es otra experiencia más. El año que viene habrá otro disco de La Pegatina, no sabemos todavía quién será el productor o si solo vamos a ir sacando singles o lo que sea.

Pero lo que sí sabemos es que queda La Pegatina para rato. Tenemos mucha energía, tenemos temas y hay ganas, y eso es lo que le hace falta a una banda ¿no? sentirse fuerte”. —don disturbios

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Guillem Gisbert, de Manel en Enderrock

un "La Pegatina es como n va laboratorio en el que pasando cosas" FOTO: ARCHIVO

“Al principio estaba cómodo con la popularidad porque no sabía exactamente qué estaba pasando. Pero luego me sentí perdido y pensé que nunca recuperaría mi vida o algo así” Justin Vernon, Bon Iver en BBC Radio 1

#12 noviembre 2019

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A qué suena tu cerveza?

Suena a otra realidad Fun House, Madrid The Ben Vaughn Quintet 01 de noviembre

Lemon Rock, Granada Crudo Pimento · 7 de noviembre Los Mambo Jambo · 14 de noviembre

Robert Forster, Depedro, The Detroit Cobras...

Café Berlín, Madrid Giant Sand · 15 de noviembre

Sala Upload, Barcelona Tropical Fuck Storm · 19 de noviembre The Detroit Cobras + Deadyard 20 de noviembre

Teatro Lara, Madrid Robert Forster · 21 de noviembre

American Autumn SON Estrella Galicia

981Heritage SON Estrella Galicia

Weyes Blood Palacio de la Prensa - Sala 0, Madrid 07 de noviembre Jonathan Wilson Teatro Lara, Madrid · 13 de noviembre Jonathan Wilson Auditorio de Ourense · 14 de noviembre The Mountain Goats Palacio de la Prensa - Sala 0, Madrid 22 de noviembre The Mountain Goats Café & Pop Torgal, Ourense 23 de noviembre

Tropical Fuck Storm Palacio de la Prensa - Sala 0, Madrid 21 de noviembre

Independance Live, Madrid Duda Beat · 6 de noviembre

Sala Capitol, Santiago Morgan · 10 de noviembre Depedro · 22 de noviembre

La Calle, Sevilla Los Mambo Jambo · 15 de noviembre

Sala Hangar, Córdoba Los Mambo Jambo · 16 de noviembre

Porta Caeli, Valladolid Amatria · 22 de noviembre

Sala Masterclub, Vigo Amatria · 23 de noviembre

Paso a paso, Cazzu se ha ido haciendo con un sólido lugar en la escena argentina de trap y reggaeton. Y no solamente ha sido por sus colaboraciones de lujo, sino por un talento que ha ido desplegando en álbumes como Maldade$ (Espantapájaros, 17) o Error 93 (Rimas, 19).

C

azzu (Julieta Cazzuchelli) ha colaborado con algunos de los más grande (su feat con El Duki y Khea acumula más de novecientos millones de visionados y Bad Bunny la remezcló), pero si ha ido creciendo respaldada por las cifras, es porque ya se la puede considerar “la jefa del trap” en Latinoamérica. A diferencia de otras artistas del género, su estética viene del neopunk y del emo, lo cual nos recuerda la influencia de un país en el que el rock por tradición ha sido bandera.

—¿De dónde has bebido musicalmente para desarrollar tu proyecto?

Desde muy chica me gustó el reguetón.

Aunque primero fui muy fan del pop punk como Good Charlotte, Linkin Park, soy muy fan de ellos, pasando por Avril Lavigne que fue de las mujeres que ayudó a marcar mi personalidad musical, pero después descubrí el reguetón, fue como un género del que me enamoré y siento que lo conozco mejor que todo, parece que nací el día que nació el reguetón. Fui tan fanática que lo estudié, lo conocí, lo examiné casi todo, y así fui avanzando de la mano del reguetón y del trap, y bueno, aquí estamos.

—¿Quiénes son contigo los mayores representantes del reguetón y trap de Argentina?

Por un lado está Paulo Londra con su concepto pop, y quien ha tenido más posibilidades de ser mainstream porque sus letras son muy ‘family friendly’, y por el otro El Duki con su hardcore callejero. Yo estoy en un punto medio, bastante flexible, pero en Argentina somos muchos dentro de la escena. Somos muchos raperos, y los hay muy buenos, gente con mucho talento.

Neo Pistea, C.R.O... Creo que uno de los grandes ejemplos para ilustrar esto es una canción llamada Tumbando el club de Neo Pistea, en la que está prácticamente toda la escena. —liliana ramírez

“

Los Chikos del Maíz Cabelleras al sol

Los Chikos de Maíz han regresado en plena forma con Comanchería (BOA, 19), y lo han hecho ampliando su paleta sonora a la que han incorporado ritmos latinos y un buen número de colaboraciones que han dotado de color a sus rimas, duras como siempre. Rap político sin cortar que nace de la desesperanza, pero que no renuncia a la lucha aunque sea por obligación moral.

E

ra la primera vez que me encontraba cara a cara con Nega y Toni, y lo hacía consciente de que ambos no se cortan un pelo a la hora de expresar sus opiniones. Algo que, por otro lado, siempre facilita el trabajo en una entrevista. Pero ¿sería tan fiero el león en las distancias cortas? Lo cierto es que no, y la conversación fue tan fluida como repleta en contenido. Sin renunciar a comentar ya fuera la situación política en Cataluña, los problemas de la izquierda para mantenerse unida o la vergonzosa campaña de blanqueo que los medios de comunicación le están ofreciendo en bandeja a un partido de extrema derecha. (Nega) “Si fuera por ellos eliminarían a media población, quitarían el derecho a las mujeres y acabarían expulsando a todos lo emigrantes como acaban de hacer en El Ejido. ¡Es que lo están haciendo ya! Así que imagínate si llegan a gobernar a nivel estatal”. Y es que Comanchería aparece en un momento que no invita precisamente a la esperanza, y eso es algo que se ha colado en las líneas de los versos del disco. (Toni) “En las letras se refleja tanto nuestro aprendizaje personal como el reflejo de la sociedad actual en la que existe una situación política, y también en el tema social, un desencanto, una apatía, un hartazgo… Nosotros no vivimos en una

burbuja así que eso también se refleja en las letras: cierto cansancio”. (Nega) “Llevamos muchos años al pie del cañón, en la brecha. Es un cansancio a todos lo niveles.

Con los años vas acumulando derrotas, y al final parece que nunca ves la luz al final del túnel y vamos a peor. Mira como estábamos hace unos años y como estamos ahora con Bolsonaro, con Macri, con el impresentable de Ecuador, con la extrema derecha arrasando en media Europa, la aparición de la extrema derecha en el Estado Español…

Es ¡joder! Todos estos años que hemos estado currando de qué han servido, ¿no? Al final te queda una sensación de vacío, aunque tampoco hay que ser muy pesimistas porque el pesimismo conduce a la parálisis permanente”.

Sin embargo y, paradojas de la vida, ese desencanto no se ha reflejado en las bases del disco, que resulta ser el más luminoso de todos los que han realizado, y en el que además han dejado filtrar el peso de una serie de importantes colaboraciones (Kase O, Ana Tijoux, Zatu de SFDK, Charli de Machete en Boca…) que han dotado de nuevas texturas a su música. (Nega) “Ha influido que ya tenemos una edad y, después de tantos discos y tanto tiempo en la carretera, te apetece experimentar y probar cosas nuevas que nunca te hubieras atrevido a hacer con veinticinco años porque hubiera sido una herejía”. Comanchería viene entonces marcado por el hartazgo y las ganas de probar, pero que nadie se llame a engaño: sus versos siguen disparando con saña contra elementos de todo pelaje, ya seas Florentino, Cayetana Álvarez de Toledo, Amancio Ortega o J de Los Planetas. (Nega) “Esto de Fuerza nueva, por ejemplo, a mí no me hace gracia. Es que me pone nervioso… Los Planetas surgen en los noventa y nosotros éramos más de 7 Notas 7 Colores, El Club de Los Poetas Violentos y en esa época era todo muy identitario. Estábamos los raperos y luego estaban los poperos indies. Y además eso que cantamos de Los Planetas es en honor a una pintada que rulaba por ahí en los noventa”. —don disturbios

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“Con los años vas , y al acumulando derrotasa final parece que nunc nel” ves la luz al final del tú

FOTO: ISRAEL PINILLA

FOTO: ARCHIVO

Cazzu Trap argentino

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#14 noviembre 2019

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FOTO: ELÍAS BASCUÑANA

Las carreras pop las carga el demonio. De un día para otro, los focos apuntan hacia otro lado. Pero los hay que persisten. Y él ha vuelto a crear verdad. Hay un lugar (Autoeditado, 19) es redondito y universal, lleno de colaboraciones diez.

Delafé Tortugas contra Ferraris

“El triunfo es dar conciertos. El triunfo es trabajar”

S

i no llegó a Ferrari, cerca se quedó. Óscar D’Aniello estuvo en la liga de los grandes, colocando himnos con su proyecto Facto, Delafé y Las Flores Azules, haciendo bolos a mansalva y campañas de publicidad. Pero a la misma velocidad que entró en la curva, se salió de ella.

Una historia repetida una y otra vez en la música popular. Ahora el músico libra su particular batalla en el equipo de las tortugas. Y a gusto. Desde ahí, poco a poco, con menos recursos (ahora se autoedita), ha despachado uno de los discos pop de la temporada, Hay un lugar.

Este melómano, ya instalado en los cuarenta, ha tenido que salirse de muchas zonas de confort en los últimos años. Pero para mantener esta conversación nos sumergimos en una de las

#16 noviembre 2019

que más estabilidad le han dado este tiempo: la montaña. D’Aniello se escapa de Barcelona siempre que puede para trotar por Collserola. Me enseña una de las rutas que más le gustan. Dos horas y media de paseo, de charleta y de verdad.

Los silencios solo los marca la falta de

LA GIRA l Alicante 30 octubre, Teatro Principal l Tarragona 8 noviembre, Sala Zero l Barcelona 14 noviembre, La [2] l Granada 23 noviembre, Sala Aliatar l León 29 noviembre, Sala Gran Café l Gijón 30 noviembre, Sala Acapulco l La Pobla de Segur 28 diciembre, Fàbrica CTretze l Granollers 18 enero, La Nau B1

aliento. “Este disco hubiera salido hace dos años, pero quien tenía que pagarlo, no lo pagaba. Hice más temas, pero seguían sin gustar. Y deduje que si pedía la carta de libertad me la darían. Y así fue… Desde ese momento no he sucumbido a las presiones internas. Quería estar contento si este era mi último álbum”, dicta D’Aniello, únicamente interrumpido por una jauría de bracos de Weimar. El músico se ha tomado su tiempo, casi tres años. El catalán define el largo como “quirúrgico”.

Los temas han salido poco a poco, hasta conformar el collage perfecto: pop y cierta electrónica (cita a The Blaze). Todo más parecido a sus primeros álbumes, sin tanto brake.

Las colaboraciones también han respirado mucho más. “La Bien Querida siempre está en mi abanico; con Delaporte tocamos y flipé con ellos; con Carlos Sadness hicimos un rocksteady tropical; Soleá siempre me ha hecho llorar en directo; y a María Rodés le pedí que cantara Robot porque la escuché mientras iba a correr. Tengo un

disco de musas y musos”. Las tortugas dan pocos pasos. Pero nunca en falso.

D’Aniello ha hecho coraza y avanza sin titubeos mientras intenta aparcar su yo más ambicioso. “Estuve dos meses con La gran ola, y sí, hay muchos que me han dicho que es muy chula, pero soy un poco caprichoso. Me gustaría que todo el mundo la sintiera”, se sonríe, travieso.

“El triunfo es dar conciertos. El triunfo es trabajar. Yo no estoy más feliz en mi vida que cuando voy a trabajar, cobrando, que sin cobrar estoy todo el día… Promo, posts en redes…

Pero cuando tenemos un bolo o una sesión de Dj, me levanto con una felicidad que alucino”, zanja D’Aniello. Delafé abraza su pasado sin rémoras; en este nuevo directo sonarán los temas míticos de toda su carrera, hasta ahora barrados por la rareza que le provocaba cantar esas canciones sin Helena Miquel. —yeray s. iborra

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FOTO: ARCHIVO

Booze & Glory El tiempo es ahora

Booze & Glory siguen hacia arriba. Ahora publican su quinto larga duración, Hurricane (Autoeditado, 19) en el que los británicos amplían un poco más su abanico de punk rock y oi!.

H

urricane” es un disco más orientado al punk melódico que los anteriores. Lo produce Mathias Färm, pero me gustaría saber si habéis acudido a él para sonar más punk o si sonáis más punk por trabajar con él.

Creo que empezamos a escribir discos más punk hace ya unos años. As Bold As Brass era ya más punk que oi!, y lo mismo pienso de Chapter IV, que publicamos en 2017.

Hurricane es solamente la continuación en el camino que estamos tomando musicalmente. Ahora, con el nuevo guitarrista, Kahan, que viene del hardcore melódico, es natural que veas esas influencias de forma más clara en este disco. Hemos cambiado de productor, eso es cierto, pero eso no significa que queramos ser los próximos Millencolin.

—Habéis combinado muy bien canciones que se acercan a Rancid, otras que mantienen la esencia oi! del pasado y algunas que son punk rock melódico. ¿Llegar a los diez años de carrera como grupo ha ayudado a aportar mayores cambios en vuestro sonido?

Nunca me han gustado los grupos que suenan igual todo el rato. Hemos grabado cinco álbumes en diez años de historia y te aseguro que no me hubiera gustado hacer cinco veces el mismo tipo de disco. ¡Sería demasiado aburrido! Hay bandas que graban un disco o dos y luego se pasan tocando las mismas canciones durante diez o veinte años. No quiero que seamos ese tipo de grupo. —joan s. luna

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“

Zoo Merecido descanso

Final Tour 2K19 supone un necesario punto y aparte en la meteórica carrera de Zoo. En cinco años han publicado dos álbumes y un EP sin dejar de echarse a la carretera para subirse a escenarios de la península, Hungría, Polonia y hasta Japón.

Se acaban de despedir de los escenarios con la promesa de regresar en 2021.

L

os cinco años de vida de Zoo han sido intensos: dos discos, un EP y diversas giras por dentro y fuera del estado. ¿Esperabais que fuese tan rápida la cosa?

(Panxo) No. La cosa fue como fue al principio, y nosotros hemos ido cinco años muy a tope. Nos hemos exigido mucho.

—Todo arrancó con la gran respuesta que tuvo en Youtube vuestro primer lanzamiento, Estiu, el single de vuestro primer disco Tempestes vénen del sud (Propaganda Pel Fet!, 14). ¿Cómo recordáis aquellas primeras sesiones de estudio?

Con mucho cariño. Fueron tres meses de hacer un disco de manera muy experimental, probando, añadiendo a algo que no iba a ser nada... No había un trabajo previo de local de ensayo.

—Vino acompañado de una gira de dos años, ¿os pilló preparados para la vida en la carretera?

Sí, porque todos veníamos de otros proyectos. Pero al ser todo tan rápido, nos vinimos un poco arriba en la gestión del ‘éxito’: mucho alcohol, mucha euforia, mucha resaca.

—La aventura siguió con Raval (Propaganda Pel Fet!, 17). ¿Cómo sirvió la experiencia del primer álbum a la hora de volver al estudio?

Volvimos muy nerviosos, con mucha autoexigencia y poca preparación de los nuevos temas. Se nos complicó un poco la grabación debido al miedo al fracaso y a que yo nunca me había enfrentado a una grabación así (en la que hay gente esperando tus canciones). Me quedé sin voz por los nervios... Una mierda todo.

—Su correspondiente gira de presentación trajo las

primeras actuaciones por Europa: Hungría, Polonia… ¿Qué se siente al tocar para un público de fuera por primera vez?

Es muy bonito. Se te pasan por la cabeza muchas cosas: “¿Qué hago aquí? ¿Esto es real?”.

A nivel interno de la banda es una experiencia muy buena, porque nos saca de nuestra zona de confort y nos aporta una experiencia vital bonita.

—La trilogía se completa con 2K18, un EP de cuatro canciones que se fueron lanzando con sus correspondientes videoclips. ¿Se adecúa más este formato a las tendencias de consumo musical actuales?

Sí, claro. Ahora el consumo de música se centra más en lo visual a través del clip y de Youtube. Y se consume menos el formato disco, la gente más joven consume canciones sueltas. Teníamos un par de canciones que habíamos descartado del disco y que queríamos sacar. Pensamos en potenciar el clip, en aportar algo más visual, en probar formatos diferentes de clip, no hacer siempre el mismo tipo de vídeo.

—Este EP nos lleva a Final Tour 2K19, que termina con cuatro conciertos: Madrid, Valencia, Santiago de Compostela y Barcelona. ¿Cómo se han elegido las ciudades?

Representan las ‘plazas’ más importantes para la banda.

Barcelona y Valencia porque son las dos capitales de nuestro territorio (al menos lingüísticamente hablando), Madrid porque es la capital del estado, y Santiago porque la acogida que hemos tenido en Galiza durante estos años no es comparable a ningún otro lugar.

—Estos conciertos suponen una despedida de los escenarios hasta 2021. ¿Un descanso necesario?

Sí. Muy necesario. Queremos componer y disfrutar haciéndolo, cosa que es difícil si estás siempre en carretera.

—Habéis estado recientemente en Japón con vuestro Tour Japó 2K19, ¿cómo ha sido la respuesta del público nipón?

Brutal, un público muy agradecido y participativo. Para ellos nosotros somos una excentricidad o algo muy exótico, y la verdad es que ver a un montón de japoneses disfrutando tu música ha sido un regalo de la vida. —jesús casañas

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“Nos vinimos un poco l arriba en la gestión de ‘éxito’: mucho alcohol, mucha euforia, mucha resaca”

en concierto

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FOTO: BERNAT ALMIRALL

l Barcelona 26 noviembre, Razzmatazz 2 l Madrid 27 noviembre, Sala Caracol l Santiago de Compostela 28 noviembre, Sala Malatesta l Vitoria-Gasteiz 29 noviembre, Jimmy Jazz

noviembre 2019 #17

KENNA I FOTO: archivo

JARVIS COCKER FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Los Discos de mi Vida

El festival Tomavistas desvela sus seis primeros nombres coincidiendo con la celebración de su sexta edición (días 22 y 23 de mayo, Parque Enrique Tierno Galván de Madrid). Estas confirmaciones están lideradas por Jarvis Cocker, quien no actuaba en Madrid desde su mítico concierto en la sala Revolver en 1995. En esta ocasión actuará junto a su nueva banda, Jarv Is...., que combina psicodelia, rock y baile como demuestra su tema Must I Evolve? A esta confirmación le siguen las de Allah-Las, presentando su cuarto disco LAHS, y Cate Le Bon por lo que respecta a nombres internacionales.

En el plano nacional, estarán Novedades Carminha, Mujeres y Maika Makovski.

Este año el festival se amplía con una jornada de tarde el 21 de mayo. —MS www.tomavistasfestival.com

Torre Florim (De Staat)

Hace unos meses vio la luz Bubble Gum (Caroline/ Music As Usual, 19), el nuevo disco de De Staat. Esta vez lo presentarán en Madrid (12 diciembre, Sala Caracol) y Barcelona (13 diciembre, La Nau).

El disco que más veces he escuchado...

D’Angelo

Un disco que descubrí gracias a mis padres...

Tom Waits

El primer disco con el que lloré...

Radiohead

Este disco –junto a Fun House de The Stooges– es lo que suelo poner en el reproductor cuando no tengo ni idea de qué escuchar. Y hay infinidad de ocasiones en las que no tengo claro qué ponerme.

Lo escuché cuando tenía unos quince años y cambió mi perspectiva sobre lo que era cool. En esos momentos estaba escuchando cosas como Deftones y Tom Waits cambió mi punto de vista sobre lo que significaba “fuerte” aplicado a la música.

Hay algo en la voz de Thom Yorke, en los arreglos y en la producción que me lleva a un mundo totalmente diferente.

Y a veces eso incluye que broten las lágrimas durante ese trayecto.

WHITE LIES FOTO: ARCHIVO

Voodoo (2000)

Bone Machine (1992)

In Rainbows (2007)

Ombra Fest

Low Festival El Low Festival, que tendrá lugar del 31 de julio al 2 de agosto en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor (Benidorm), ha confirmado a sus tres primeros artistas para la edición 2020. Lo ha hecho en dos tandas. Si inicialmente se dio a conocer que se contaría con los irlandeses Two Door Cinema Club, apenas dos semanas después se lanzó la noticia de que dos de las bandas más demandadas por el público del festival iban a estar en el Low. Y esas dos bandas son White Lies –que andan enfrascados en la gira de celebración de los diez años de su disco de debut– y Primal Scream. De todos modos, esto es apenas un aperitivo ... —MS www.lowfestival.es #18 noviembre 2019

El pasado mes de octubre se celebraron las finales de las tres modalidades de la 31 edición del Concurso Pop-Rock Villa de Bilbao en Bilborock. En total son nueve ganadores, a tres por categoría, de entre los treinta y dos semifinalistas seleccionados.

Los ganadores en la categoría Pop-Rock han sido Wicked Wizzard (Bizkaia), Beluga (Madrid) y Go Cactus (Baleares); los de Metal son Deriva (Madrid), Last Dissonance (Barcelona) y Blind The Eye (Portugal); por lo que respecta a Urban tenemos a Colectivo Shumareli (Guadalajara), Kenna I (Bizkaia) y Jazzwoman (Valencia). También se otorgaron premios especiales como Premio del Jurado (Mi Buenaventura), Mejor Banda Local (Wicked Wizzard), Premio Bilborock (Deimocrazy, ganadores también del Aste Nagusia), entre muchos otros. —MS

LE SYNDICAT ELECTRONIQUE FOTO: ARCHIVO

Tomavistas

Villa de Bilbao

Un disco que odiaba y que ahora me encanta...

Slipknot Slipknot (1999)

No me gustaban Slipknot cuando era más joven, pero ahora mismo me encantan.

Por algún motivo que desconozco, su agresividad me llena de alegría.

Un disco del que he robado algunas ideas...

James Blake

Un disco que acabo de descubrir...

Moses Sumney

Te diré que especialmente de la canción Retrograde.

Whoah, los arreglos de la canción, la forma en la que está producida... Me hizo pensar de nuevo en cómo producir nuestra música. La simplicidad y la claridad significan muchísimo.

Hay una nueva banda de Philadelphia Uno de los mejores cantantes que jamás haya escuchado. Sus canciones y su producción me parecen muy interesantes.

Escuchad Make Out In My Car... —MS

Overgrown (2013)

Aromanticism (2017)

El fin de semana del 29 y 30 de noviembre, el Ombra Festival acercará a la ciudad de Barcelona a un buen puñado de artistas de darkwave, synthwave, industrial y experimental. Por el lado internacional, podremos ver a nombres fundamentales como DAF, Pankow, Le Syndicat Electronique, Trisomie 21, Psyche o Trevor Jackson.

Como representantes españoles estarán, entre muchos otros, Fasenuova, DIE-6, Sergio Valor, We Are Not Brothers. Las actuaciones se repartirán entre Ombra By Day en el Espacio Utopia 126, y Ombra By Night, en las salas Razzmatazz y Wolf. Las entradas y abonos están disponibles en: www.residentadvisor.net. —MS www.ombrafestival.com.

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“ FOTO: ROB BAKER ASHTON

"No es sostenible en n el tiempo ser la versio de segunda mano de otra cosa”

Editors Parada en boxes Quince años de carrera bien valen un recopilatorio, por eso Editors se han puesto manos a la obra y han editado por vez primera un disco que picotea de cada uno de sus seis álbumes, con el añadido de tres canciones inéditas: Black Gold.

Best Of Editors (PIAS, 2019)

T

OM SMITH, El líder de la banda de Birmingham confiesa que este era el momento idóneo para Black Gold. “El disco refleja una simetría con lo que han sido nuestros quince años de carrera: hicimos tres discos mientras Chris (Urbanowicz) estaba todavía en la banda, y luego otros tres discos sin él. Era un buen momento para recapitular, mirar hacia atrás y ponernos un poco nostálgicos viendo lo que hemos hecho hasta ahora”, dice, aunque reconoce que le pone “un poco nervioso el tema de la nostalgia”, que no es algo que le “haga mucha gracia”, porque a lo largo de su carrera siempre ha tratado de “mirar hacia adelante”. Curiosamente, el hecho de que mencione a su ex guitarrista antes siquiera de que el periodista le haya preguntado por él, supone una acepctación tácita de que su marcha fue lo que explica que la carrera de Editors pueda prácticamente dividirse en dos fases diferenciadas, una distinción que acepta pero matiza, porque aunque recuerda “lo terriblemente dramático que fue tratar de hacer el cuarto álbum cuando él ya no estaba, y cuántas preguntas nos hacíamos a nosotros mismos”, también presume de que el sonido de la banda “ha ido evolucionando con cada nuevo disco, sin relación directa con la marcha de Chris”. Eso sí, se muestra aliviado de que tras seis álbumes en quince años, el ahora quinteto haya “dejado atrás todas sus viejas inseguridades”.

Una de las cosas que más pueden incordiar a un músico es que le recuerden su flagrante mimetismo con otros músicos. Editors, pasado todo este tiempo, lo tienen más que superado, porque han ido reorientando levemente su l Madrid 17 febrero, WiZink Center fórmula con l Barcelona 18 febrero, Razzmatazz cada nuevo

en concierto

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trabajo hasta el punto de que nadie necesita ya compararles con Interpol. Eso también explica, a título retrospectivo, por qué consideran que An End Has a Start (07) bien puede ser el más importante –que no necesariamente el mejor– de sus seis álbumes. “Las comparaciones con Interpol me parecían como si estuvieran cuestionando nuestra integridad, como si fuéramos una segunda versión de otra cosa, y con el segundo álbum, nos salió de forma natural un sonido más grandioso, más espacioso, con las canciones más definidas y dramáticas, así que puede que nos pusiera en una fase distinta”, recuerda. “No es sostenible en el tiempo ser la version de segunda mano de otra cosa”, remata.

La sola enumeración del variado plantel de productores con el que han trabajado (Jim Abiss, Jacknife Lee, Flood, Jacquire King, Leo Abrahams y finalmente ellos mismos) ya puede ser una indicación de que, independientemente de que, gusten más o menos, Editors siempre han tratado de mover ficha con cada nueva entrega. De trazar una cierta evolución. Resuelta o tímida, eso ya queda a gusto (y criterio) del consumidor. Y dado que se encuentran ahora mismo en un alto en el camino, no parece que las tres canciones inéditas nuevas incluidas en este recopilatorio, muy electrónicas, sean indicativas de por dónde van a ir sus tiros en los próximos tiempos. “Siento como si esas tres canciones fueran el punto y final de este capítulo”, dice Tom Smith, al tiempo que reconoce no saber “qué ocurrirá en el futuro, o qué clase de disco haremos: es muy pronto para decirlo”. En cualquier caso, si lo que les tiene ahora mismo fascinados como consumidores de música puede augurar una vuelta de tuerca a su fórmula –está por ver– , lo cierto es que sorprendería mucho que terminaran por acercarse a The Blue Nile o Bon Iver, que son los dos nombres que asoman en boca de Tom Smith. “No sé cómo he podido vivir treinta y siete años sin conocer a The Blue Nile, porque sus discos son increíbles. Vuelvo a escucharlos una y otra vez y, siendo honesto, me resultan inspiradores, y me parece fascinante también Bon Iver porque encuentro muy bonita e interesante la forma en la que combina tecnología moderna con cosas más tradicionales. Creo que está haciendo algo único”. —carlos pérez de ziriza

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noviembre 2019 #19

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Whitney Segunda entrega

EN LA MALETA

Que difícil tarea esa de enfrentarse al segundo disco cuando el primero ha acumulado un buen puñado de éxitos y ha aunado público y crítica. En todo caso, los estadounidenses vuelven a España para presentar Forever Turned Around (Secretly Canadian/Popstock!, 19) en el Primavera Weekender (Benidorm, 8 noviembre).

Dubbyman

José Manuel Álvarez, más conocido artísticamente como Dubbyman, es un DJ que trasciende toda categorización. Ha recorrido medio mundo con su inseparable maleta de discos, haciendo lo mejor que sabe hacer: compartir aquella música que le entusiasma y le hace volar.

#20 noviembre 2019

W

"No creo que nunca hayamos escrito una do canción desde el enfa o la frustración"

hitney han tenido que evaluar las posibilidades de volver a crear sabiendo que ya nunca encontraran ese espíritu despreocupado e inconsciente que suele reinar en el refugio del anonimato y que se disfruta cuando

C

uando empezaste, ¿cuáles fueron los motivos principalmente?

A principio de los años ochenta descubrí los megamixes y quedé completamente atrapado por el concepto de poder seleccionar música y juntarla de una manera creativa por uno mismo. Aquello te convertía en algo más que un simple oyente, pasabas a ser parte de algo y aportabas tu visión al mundo musical aunque fuera en una muy pequeña parte, aunque sólo fuera para amigos.

—¿Hay alguna canción en concreto que haya estado en todas tus sesiones?

No tengo ninguna canción fetiche.

Preferidas, muchas, claro, pero ninguna que repita siempre en cada sesión. Creo que no podría soportarlo.

—¿Hay algo que odies de otros DJ’s?

Uff, no sé si tanto como odiar, pero sí me molestan determinadas cosas.

Depende del día. pero sí... unas cuantas.

El postureo supongo... El que te cuenta siempre que en casa él pone música buena, pero que la gente quiere otra cosa (y él está aquí para dársela, claro), o los que copian tracklists y no buscan su propio repertorio, el que no comprende lo que es hacer un warm up y te deja la pista a ciento treinta bpms y te lo justifica diciendo que es porque han venido sus colegas a verle... O el que va solo a hacerse la foto con el DJ internacional de turno para luego compartirla y que parezca que

uno elabora su primer disco. Ya nada volverá a ser lo mismo. Todo se transforma y es precisamente ese cambio y su aceptación, la semilla que hace florecer Forever Turned Arround. “Al final del tour, al compararnos con nuestras imágenes del principio, nos dimos

han pasado las vacaciones juntos... Y seguro que más cosas. Yo me quejo mucho, sí, sí... (risas).

—¿Vinilo, CD, archivos digitales…?

Vinilo.

—¿Alguna vez te han robado la caja de los discos, los pendrives o el material?

Alguna vez ha desaparecido algún disco y lamentablemente suele ser alguien próximo porque son los que suelen tener acceso a la cabina. Por eso suelo llevar los discos contados y no perderles el ojo, pero sí que tengo amigos que han perdido sus maletas por descuido o porque hay gente con mucha cara.

—¿Podrías decirme cuáles son tus DJ’s favoritos y por qué motivos?

La verdad, que no tengo favoritos...

Quizas sí tenga sesiones favoritas muy concretas de DJ’s. Por ejemplo, Dj Garth en The Room (en el 2002 creo que fue)...

Qué manera de hipnotizar a la gente y qué manera de romper la noche a casi dos horas antes de cerrar, bajando el tempo a casi la mitad sin perder la visión de la pista.

—¿Cuántos discos sueles comprar aproximadamente en un mes?

Va por rachas, pero estoy buscando música casi constantemente. Influye bastante si estoy pinchando mucho, en ese caso tengo la tendencia de comprar más, lo cual a veces es hasta perjudicial porque no te da tiempo a conocer bien todo lo que tienes y usarlo correctamente. —alejandro serrano

cuenta que habíamos envejecido cinco o seis años en lugar de dos. Mentalmente y espiritualmente acabamos agotados, casi bloqueados. Cuando nos pusimos a escribir letras para el segundo álbum nos costó mucho sintonizar y averiguar qué queríamos decir. Necesitamos algo de tiempo para volver a la realidad y darnos cuenta de lo que es importante para nosotros”.

Para crear este segundo disco Julien y Max han decidido cambiarse sus instrumentos y encontrar la musa en el reto de lo inhabitual.

Reconectar con la humanidad que llevan dentro, ese caudal emocional que se congela por pura supervivencia después de un largo periodo en la carretera. “No creo que nunca hayamos escrito una canción desde el enfado o la frustración. Siempre que hemos dejado nuestras mentes libres ellas han acudido de manera natural al amor como fuente vital de creación. En particular en este disco hablamos del amor casi en un cincuenta por ciento, pero también tocamos otros temas como el compromiso con nosotros mismos y nuestro proyecto artístico o nuestras relaciones de amistad”. Canciones con ese espíritu primaveral tan característico, ligeras y simpáticas, agasajadas con una cubierta de pop sibilino y kinestésico. El falsete de Julien sigue dominando el floral y tranquilo horizonte melódico. “Es un álbum más maduro y creo que mejor que el anterior. Hemos dedicado el tiempo justo para no cansarnos demasiado y no darle muchas vueltas, por eso suena

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TAN. CERCA

fresco y despreocupado”. Las canciones se suplantan unas a otras la identidad, con ese disfraz de un arreglo preciso y conciso. Algo así como si pasaras por el chino a The Band, los Delfonics y todo el espíritu Laurel Canyon. Un pop que de tan ligero puede llegar a pasar desapercibido, pero que en el calor del verano y bajo la protección de una sombrilla gana en consistencia y fluidez. “Creo que una de las máximas aspiraciones a las que un artista puede llegar es que le reconozcan por su sonido, además de un gran honor. Hoy en día hay muchísimas bandas tocando y creo que ser distinguido por tu sonido es una de las mejores cosas que te pueden pasar como banda”. —andreu cunill clares

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CRiTICANDO Forever Turned Aroun

Secretly Canadian POp 7/10

Uno de esos discos para perderte en su firme ternura melódica y sus mil y un secretos con forma de arreglos musicales guiados por el falsete mágico de Julien Ehlrich y los riffs almibarados de Max Kakacek. Un trabajo que, aunque conserva la esencia que tanto nos prendó de su debut, también tiene matices nuevos. Los vientos siguen siendo una de las bases de la banda, pero las guitarras acústicas han cogido protagonismo y se han abierto paso en la musicalidad de la banda. Una musicalidad que ha quedado más tupida, un poco más densa, haciedonos echar de menos un punto de frescura. —toni jaume martorell

RREl Ministerio de Cultura y Deporte ha galardonado a Mala Rodríguez con el Premio Nacional de Músicas Actuales 2019.

Los anteriores ganadores han sido Joan Manuel Serrat (2009), Amaral (2010), Santiago Auserón (2011), Kiko Veneno (2012), Luz Casal (2013), Carmen París (2014), Jorge Pardo (2015), Martirio (2016), Javier Ruibal (2017) y Christina Rosenvinge (2018).

RRLos organizadores del festival madrileño Download han anunciado que no habrá cuarta edición en 2020, pero que quieren “replantearlo y buscar un nuevo camino”. Por el festival han pasado artistas como Guns N’ Roses, Ozzy Osbourne, Avenged Sevenfold, Tool, Linkin’ Park o Marilyn Manson.

RRNick Cave And The Bad Seeds acaban de publicar Ghosteen, un doble larga duración que trata sobre el duelo tras la muerte accidental de uno de los hijos del artista australiano. Ahora sabemos además que se presentará en directo en España los días 25 de abril de 2020 en Madrid (WiZink Center) y 26 de abril en Barcelona (Palau Sant Jordi).

RRJavier Furia, conocido sobre todo por su participación en el primer álbum de Radio Futura, Música moderna, publicado en 1980, ha fallecido este mes de octubre. Posteriormente el artista se dedicaría a la pintura.

Quique González La resistencia romántica Llegaba el momento de levantar el pie del acelerador. Marco ideal para embarcarse en un proyecto distinto, ambicioso y deseado desde hace años. Después de una gira multitudinaria cercana el rock de estadio, Quique González sorprende con un vuelco a su dinámica habitual en Las palabras vividas (Cultura Rock/Varsovia!!!, 19), un disco cuyas letras las escribe íntegramente el poeta granadino Luis García Montero.

E

l aviso previo a navegantes es claro, y así lo recalca Quique González. Resulta importante no afrontar el disco como una continuación previsible. “La gente que busque en el disco una canción como Charo no la va a encontrar, o como Vidas cruzadas. Es un disco de trago largo. Ya solo por las letras de Luis exige una escucha más reposada.

Si le das ese tiempo puede que te lleves sorpresas, y que esa lluvia fina te acabe calando”. El álbum, firmado por ambos autores en igualdad de condiciones, no se levantaba mano a mano sino en dos fases diferenciadas en las que el respeto mutuo ha sido clave.

“No tuvimos ninguna conversación previa con respecto al aire del disco, ni a los temas a tratar. Luis, en otra muestra absoluta de generosidad, se puso a escribir unas canciones pensando en mi forma de escribir y en las imágenes de las que hablo. Mi trabajo fue hacerle un traje musical, crear un ambiente sonoro que no distrajera a nadie de lo que él estaba contando. Me interesaba mucho la idea de que no sonara a poema musicado, sino a canción. También que los sonidos no se acercaran tanto a lo anglosajón y un poco más a lo mediterráneo, de ahí la mandolina italiana y este tipo de instrumentos”. Para esa tarea contaba de

nuevo con la colaboración de un socio habitual como César Pop, así como con el trabajo de Toni Brunet y Diego Galán (Fetén Fetén).

Pero vayamos al origen, al encuentro entre un joven Quique González con la obra del poeta, y su conexión con ella. “He aprendido mucho leyendo a Luis. Sucede como esas veces en las que lees algo de alguien y piensas que tiene que ver contigo, que lo está escribiendo para ti. Creo que ha sido una influencia clarísima a la hora de escribir mis propias canciones y de hablar de las cosas que me importan”. Sin duda, el reto fue importante, tanto por el enfoque como por la presión añadida de trabajar de una manera tan íntima junto a uno de tus referentes. “Lo he disfrutado y lo he sufrido también mucho, porque era un reto al que nunca me había enfrentado. Ni siquiera en mis propias canciones he puesto música a letras escritas previamente. Todo crecía en paralelo. También ha sido difícil por el respeto que le tengo. Uno sabe más o menos hacia dónde va, aunque sea por intuición, pero con las letras de Luis había muchos caminos distintos”.

—bruno corrales

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RREl de La Polla Records no será

el único regreso sonado del punk estatal: tras año y medio alejados de los escenarios, Lendakaris Muertos han anunciado su regreso de cara al año que viene.

RROzzy Osbourne se ha visto obligado a posponer su gira europea “No More Tours 2” por problemas de salud. Entre los conciertos está el que el ex-cantante de Black Sabbath tenía programado el 13 de marzo en el Wizink Center de Madrid.

“Ni siquiera en mis propias canciones he puesto música a letras escritas previamente”

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FOTO: ARCHIVO

RRMTV ha anunciado que Green Day encabezarán el cartel del MTV World Stage Sevilla, evento que cerrará la MTV Music Week en la Plaza de España de Sevilla.

También participarán artistas como Rosalía, Halsey y Akon, entre otros. La cantante Becky G será la presentadora del evento. —MS

noviembre 2019 #21

EN PORTADA

Viva Suecia

Lo que se merecen Los murcianos Viva Suecia lleva cinco años en una nube.

Llenando salas, encabezando festivales, ganando premios…

Su tercer álbum, El Milagro (Subterfuge, 19) es su forma más personal de dar las gracias por todo lo que han vivido y siguen viviendo.

—texto Víctor Martínez —fotografía Mariano Regidor

T

ocados por una varita mágica.

Como un delantero centro en plena racha goleadora. Cualquiera de estas dos frases resume perfectamente el estado actual de Viva Suecia. ¿Cómo han llegado a este punto? La respuesta es sencilla: con una mezcla de esfuerzo, talento, fe y suerte. Estos serían los cuatro ingredientes principales que han llevado al grupo hacia El Milagro, su esperadísimo nuevo disco. El título no engaña. La portada, diseñada por el artista Yamandú Pazos, tampoco. Fuerzas divinas planean constantemente sobre todo lo que tocan; sobre esta obra y, en definitiva, sobre ellos mismos. “El título nace de ahí, sí. Han pasado y siguen pasando muchas cosas increíbles casi a diario y, cuando nos vemos envueltos en un momento así, siempre pensamos ‘esto es un milagro’. Lo hemos repetido tantas veces en estos últimos años, que lo lógico era poner este título a un disco tan importante”. Si de algo están totalmente convencidos Rafa Val (voz y guitarra), Jess Fabric (bajo), Alberto Cantúa (guitarra) y Fernando Campillo (batería) es de haber parido el mejor trabajo de su carrera.

De hecho, ya lo estaban incluso antes de hacerlo. Y aunque el destino pueda ser caprichoso a veces, aquí volvería a entrar en juego otro factor importantísimo e indispensable para el sonido de la banda desde hace ya un tiempo: el productor Carlos Hernández, de sobra conocido en el panorama del indie patrio. “Lo curioso de todo el pre-disco y reuniones de la banda es que se valoraba grabar fuera o con un productor no español. No estábamos muy convencidos. Al final, hablamos con Carlos a la cara y le dijimos: ‘Mira, vas a hacer el disco que queremos, #22 noviembre 2019

el disco de nuestras vidas’. Entre todos hemos sabido darle la vuelta a la fórmula, dar un paso adelante en calidad y composición y estamos muy contentos con el resultado”. Que no es otro que once nuevas y sofisticadas canciones con el sello habitual de la banda (intensas, épicas, oscuras…) pero con más momentos de luz, más arreglos e incluso más baile que nunca. A la cabeza, Lo que te mereces, que supuso el primer adelanto y se erige como la más continuista, la que más se parece a lo anterior. Luego vendría un segundo sencillo, Algunos tenemos fe. Se trata de un tema con una línea de bajo muy marcada y muy negra, al estilo Motown. Parece el hit más evidente del elepé y deja un mensaje bastante claro. Viene a decir algo así como “vamos a estar hasta el cuello de mierda la mayor parte del tiempo, lo único que nos puede sacar de ahí es tener fe en las cosas importantes; fe en la buena salud de la música en España, fe en la gente que queremos, en los que no tanto y en los que quieren hacer las cosas bien. Salgan como salgan”.

La temática se ha vuelto más positiva, más alegre, aunque sin olvidar clásicos como el amor, el existencialismo y un desolador retrato generacional, marca de la casa. El abanico sonoro es otro que se abre cada vez más. Y sin complejos. Lo podemos apreciar en Te prometo y su inicio acústico a lo The Flaming Lips, la calma tensa de Días amables, con aire británico y ese final que recuerda al Whatever de Oasis, o en Será, una canción rápida, sencilla, efectiva y de inspiración punk, que podrían haber firmado sin problema Los Planetas, en sus años mozos (piensen en Pesadilla en el parque de atracciones). En el estribillo de Necesitamos tanto, parecen acordarse de The Strokes y justo antes tiran de campanas para acentuar las partes fuertes de Qué querías ser de mayor; como hicieran en su día los escoceses Texas en mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“Esto nos sigue pareciendo un sueño y no vamos a dejar que el miedo lo destruya”

El Milagro murciano

E

n los noventa, Murcia se convierte en un caladero inagotable de bandas, cada una con su propia idiosincrasia. Es lo que se conoció como Nueva Ola Murciana (NOM).

Mucho tiene que ver en todo esto, el nacimiento del Creajoven (ahora CreaMurcia) en 1992; un certamen municipal que ha servido para dar a conocer infinidad de bandas que hoy son un referente en la ciudad. Sería el principio de todo, junto a aquel primer Festival Indie Pop de Bullas (1993), organizado por Iluminados y germen de lo que hoy es el Ruidismo e incluso del FIB. Al año siguiente, las hermanas Espín editarían con el sello Jabalina el clásico Disco de papel. En 1995 M-Clan debutan con Un buen momento. Seguidamente, arrancaría el Lemon Pop y Ross grabaría el álbum Sugar (96) con la producción de Ken Stringfellow (The Posies); una fórmula que repetiría con Neuman con éxito mucho después, en el aclamado Bye Fear/Hi Love (13). Con César Verdú (ahora en León Benavente) y Alfonso Alfonso (ahora en Espiricom), nace Schwarz; otro grupo clave de la escena, desde su debut (These Songs Mean Nothing, 98). En estos

últimos años de la década, asistimos también a los primeros pasos de bandas como The Yellow Melodies, Vacaciones, La Fábrica de la Luz (liderada por Paco Román, con Javi Vox y Fran Guirao, quienes fundarían Second justo después) o Hello Cuca (banda de Lidia Damunt). Desde Yecla, también asomaban Me Enveneno de Azules y Parade. Ya en el siglo XXI, Second publicaban Pose (03). En 2005 se celebra la primera edición del festival BSide de Molina de Segura y en 2007 nacen el SOS 4.8 (lo que ahora es el Warm Up). Acto seguido caen los primeros discos de Klaus & Kinski (Tu hoguera está ardiendo, 2008) y el de Alondra Bentley (Ashfield Avenue, 2009) con carreras que se consolidan en la siguiente década. Pero siguen apareciendo nuevas caras: en 2012, Varry Brava se presenta en sociedad con Demasié y en 2013 llegaría el turno para Crudo Pimento (con un primer álbum homónimo y autoeditado) y Perro con su Tiene bacalao, tiene melodía. Hasta llegar a Viva Suecia con su primer mini LP, editado por Clifford Records en 2015 y que les sirvió para dar el salto a Subterfuge, o el paso adelante de Nunatak con su tercer largo, Nunatak y el tiempo de los valientes (18). Ellos son ahora mismo el buque insignia de la escena, junto a otros jóvenes y prometedores artistas como Marcelo Criminal, Yana Zafiro o Pájara Rey. La máquina murciana no para de producir talento. —v.m.

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Summer Son, por ejemplo. Además, tienen el privilegio de contar con dos colaboraciones de lujo: la de Amparo Llanos (antes en los míticos Dover, ahora en New Day) para La fuerza mayor (ojo, es canción nueva, no confundir con el título del primer disco de la banda) y la de Joe Crepúsculo en Fóllame, la más experimental y singular. Vemos cómo van picando de aquí y de allí, sin cortarse un pelo. Pero llevando todos los referentes a su negociado, faltaría más. “Ahora mismo, nuestras influencias directas son grupos como Wilco, Oasis, The National, Michael Kiwanuka, The Boxer Rebelion... Pero el principal trabajo en este disco (orientado a la evolución de la banda) ha sido en el formato de las canciones.

Hemos pisado tierra nueva en casi todas y ha sido realmente divertido”. Viva Suecia estrenó recientemente el primer videoclip del disco (El milagro, dirigido por Ene Jean) y ya solo queda que el balón empiece a rodar. Este mes de noviembre comenzarán una extensa gira de presentación que les tendrá ocupados hasta abril, como poco. Da vértigo pensar en lo que tienen por delante.

Para ello, van a necesitar refuerzos. De momento, el único fichaje oficial es el de Rodrigo Cominero, que ya participó en la grabación del álbum. Y, si hiciera falta, también podrían echar mano de Jesús Cobarro, al que conocen perfectamente. “Jesús ya se incorporó durante la lesión de Rafa. Aunque ya está recuperado y Cobarro tiene muchas cosas entre manos con sus Noise Box y con los Increíbles Ful. El cabrón se nos ha metido en los corazones y seguro que en algún concierto le decimos que se venga a hacer de las suyas. Es un lujo tener a alguien así como amigo y como músico en nuestra ciudad”. Han cambiado muchas cosas en el grupo y en sus vidas, en muy poco tiempo. Sin duda, se encuentran en un momento crucial como banda.

Hay mucha expectación en el ambiente, se palpa. Y también el compromiso. Son conscientes de ello, pero sin drama ninguno. “El miedo y la presión, a pesar de ser inevitables, nunca han tenido demasiada cabida en Viva Suecia. Afrontamos todo lo que viene con la misma ilusión del principio y con muchísimas ganas de trabajar. Esto nos sigue pareciendo un sueño y no vamos a dejar que el miedo lo destruya”. Da la sensación de que nada frenará a estos cuatro chicos, que dejaron sus trabajos y se lanzaron a vivir la música, a corazón abierto.

El calendario está ahí. Les esperan salas, festivales, camerinos, firmas de discos… Un boom que se ha construido con “palicos y cañicas”, como se dice por su tierra. Paso a paso, con humildad y sin prestar mucha atención a términos como “popularidad” o “éxito” (que, ya se sabe, suele tener muchos padres). “La popularidad, por ejemplo, es muy asumible. La gente que se acerca siempre es de forma muy educada y l Sevilla 1 noviembre, MTV Music Week desde la admiración. l Madrid 7 noviembre, Fiesta 25ª Mondo Conlleva un poco de Sonoro, La Riviera l Toledo 8 y 9 noviembre, responsabilidad, pero Círculo de Arte l Oviedo 14 noviembre, Espaes parte de nuestro cio Estilo l León 15 noviembre, Espacio Vías trabajo y lo asumil Granada 30 noviembre, Industrial Copera mos encantados. l Mallorca 14 diciembre, Mallorca Live Debemos mucho a Nights, Es Gremi l Ciudad Real 19 diciemmedios, sellos y gente bre, Teatro Quijano l Zaragoza 10 enero, que apoyan y dan Oasis Club l Valencia 11 enero, Sala Repvvisibilidad a bandas blicca l Santiago de Compostela 17 enero, emergentes; a promoSala Capitol l Albacete 18 enero, Auditorio tores que apuestan Municipal l Santander 24 enero, Escenario sin importar el riesgo Santander l Vitoria 25 enero, Jimmy Jazz y, por supuesto, a l Barcelona 7 febrero, Razzmatazz l Alitodas esas personas cante 8 febrero, Sala The One l Bilbao 14 que consumen músifebrero, Sala Santana 27 l Pamplona 15 ca, arte y cultura”. Ya febrero, La Zentral l A Coruña 22 febrero, veis que no se olvidan Inn Club l Córdoba 13 marzo, Sala M 100 de nadie, así son ellos. l Salamanca 27 marzo, CAEM l Valladolid Viva la vida, viva 28 marzo, LAVA Murcia. —v.m.

en concierto

noviembre 2019 #23

MONDO FREAKO

El año pasado publicaron Más de ti (18). Desde entonces el quinteto barcelonés no se ha bajado del escenario, pero ha encontrado el momento de entrar a grabar su segundo larga duración, Ante mí (Kasba, 19). Once nuevos temas en los que mezclan sus versos con los de Miguel Hernández, el flamenco con los sonidos urbanos y el pop con los ritmos latinos.

“Los versos de Miguel tarán Hernández siempre es vigentes”

RRLa banda británica IDLES publicará

disco en directo el 6 de diciembre. Llevará por título A Beautiful Thing: IDLES Live At Le Bataclan y fue grabado –como su nombre indica– en la mítica sala Bataclan de París. El disco se podrá adquirir en un doble vinilo disponible en tres colores distintos (naranja, rosa o lima), cada uno con un diseño individual y acompañados de un libreto ideado por Joe Talbot, con imágenes del concierto y una selección de poesías. El álbum estará también disponible en versión digital y CD.

TAN.LEJOS

RRKim Shattuck, cantante y bajista del grupo californiano The Muffs, ha falle-

FOTO: ARCHIVO

Maruja Limón Poesía urbana

cido a causa de la ELA (esclerosis lateral amiotrófica) que padecía desde hacía dos años. Shattuck también fue bajista de Pixies durante unos pocos meses tras la marcha de Kim Deal. Por otro lado, el pasado día 18 de octubre se publicó el disco póstumo de The Muffs No Holiday (Omnivore Records, 19).

RRLindemann es el nombre del proyecto que componen Till Lindemann (vocalista de Rammstein) y Peter Tägtgren (cerebro de bandas de metal como Pain y Hypocrisy).

Acaban de presentar “Ich Weiß Es Nicht”, segunda canción de adelanto del que será su segundo larga duración juntos.

IDLES FOTO: KEVIN ZAMMIT

No hay dos Mateo Kingman iguales. El escrutinio severo mantiene al ecuatoriano en firme movimiento. No vive de la tendencia, sólo la capea.

Por ello, Astro (Aya Records, 19), su segundo largo, suena a electrónica de último cuño mientras propone un viaje de corte trascendental y anacrónico. #26 noviembre 2019

R

rque “Me metí a lo urbano po sas estuve escuchando co e de esos mundos que m gustaron mucho” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: CARLOS BULLEJOS

Mateo Kingman Mudar la piel

enovarse o morir. Esa mierda de frase, utilizada hasta la extenuación para relanzar carreras en el abismo de las cajas de “ocasión” de las tiendas de discos, forma parte de la visión innegociable de Mateo Kingman con respecto a la música. Lo suyo, más que un ejercicio mercadotécnico, es parentesco con los reptiles: la piel que ayer le abrigaba, le ahoga hoy. Astro, su segundo álbum, es –según dicta– “una curación para los sanos”. Una autoexploración que no rehuye los vértigos profundos.

El joven propone una narración de miedos, preocupaciones y sinsentidos en forma de viaje. Algo cósmico, en su línea, pero pegado al suelo. Todo a la vez. “Tenía muchos textos escritos durante una dieta de plantas curativas y me di cuenta de que, juntos, correspondían a una secuencia. Cada canción representaba un punto del viaje. Los

ese cuestionamiento ha dado forma a las canciones. En ellas hablamos de diferentes colectivos, de situaciones sociales, de sensaciones personales ante el entorno que nos rodea, Ante mí o ante nosotras es donde pasan todas estas movidas.

—Una de las principales novedades es que habéis incorporado el bajo eléctrico a las canciones. ¿A qué se ha debido?

Llevábamos mucho tiempo dándole vueltas... Al empezar a tocar en escenarios más grandes queríamos ampliar la gama de sonidos y jugar con los graves. El caminar del bajo nos ponía mucho, la verdad. En el disco ha sido Charli Cuevas el encargado de darle ese caminar y ese rollazo. Y en los conciertos sonará con Vivi Sugar, es la última incorporación.

—Ponéis música a dos poemas de Miguel Hernández, ¿están sus versos más en vigencia que nunca?

Los versos de Miguel Hernández siempre estarán vigentes. Él venía de un entorno humilde y dio voz

a una parte de la sociedad que en ese momento no tenía representación en los entornos artísticos. Hoy, por suerte, tenemos acceso a manifestaciones artísticas mucho más diversificadas, con múltiples posturas e ideales que nos enriquecen, dando cabida a más voces del pueblo.

—¿Conocíais la historia de la miliciana Rosario Dinamitera?

Sí, es una de esas historias que te dan como fuerza y esperanza. Te hace latente que desde siglos y décadas se trabajaba en busca de una equidad de roles y eso te empuja a seguir haciéndolo. Todavía queda mucho, Rosario es una de esas mujeres que han allanado el camino para las generaciones posteriores, para nosotras.

—jesús casañas

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RRLos norteamericanos Black Lips, una de las bandas que más tiene que ver con el revival garagero que hemos vivido en la última década, están de vuelta con nuevo single,“Odelia”, y el anuncio de un disco que por vez primera se publicará con el sello británico Fire Records (en Estados Unidos su sello seguirá siendo Vice).

—MS

FRANK OCEAN FOTO: ARCHIVO

Nils Frahm, su coetáneo Nicola Cruz e incluso El Guincho de Pop Negro (10). Astro lo incorpora todo, en once cortes variados: percusiones andinas se entremezclan con electrónica gélida. Y todo en la producción gana en espacio. Mérito. “Siento que con Ivis [Ivis Flies, productor de sus dos discos] hicimos una búsqueda minuciosa en el diseño sonoro del disco.

Me gusta mucho explorar mundos desconocidos. En este proceso me di cuenta de que realmente quiero hacer música que me guste a mí; espero que al ser honesto pueda resonar en los demás también, sin necesidad de ligarme a una línea definida. Me metí a lo urbano porque estuve escuchando cosas de esos mundos que me gustaron mucho. Me dio ganas de probar cómo funciona un hi hat de trap con una métrica de tres por cuatro, o una cadencia de reggaeton, en un contexto bien orgánico de arpas andinas. Y así.

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Murciana marciana

Lidia Damunt gravita en una nueva galaxia de pop cósmico.

Eso es lo que transmite Nacer en Marte (La Castanya, 19), su nuevo trabajo.

A

RRFrank Ocean subió a finales de octubre, a todas las plataformas digitales, un nuevo single titulado DHL, producido por Ocean junto a Boys Noize. Ocean ha declarado en una reciente entrevista para W Magazine que actualmente se ve inspirado por la música clubby de Detroit y Chicago, el techno, el house y la electrónica francesa, así como por el bounce de New Orleans.

dibujé y se formó una constelación: la de la serpiente. En el mundo del curanderismo, la serpiente es un símbolo muy fuerte”, describe. El disco gasta trascendencia a rabiar, sí. Pero también permite escuchar la música de forma menos sesuda, simplemente prestando atención a las sensaciones.

“En su momento nos dio un poco de miedo que la gente no pudiera entrar en lo profundo de la propuesta, justamente por lo que tú dices: ya no se hacen muchos discos integrales, que contengan un solo viaje de principio a fin.

Pero la reacción de todos hasta ahora ha sido exactamente la de escuchar todo el disco y comprender que cada canción es parte vital de la anterior y de la siguiente. Es muy lindo leer los mensajes del público respecto al viaje”. Mateo Kingman propone un disco atemporal en el fondo y anacrónico en el consumo: no se entiende Lúmina sin su antecesora, Umbral. Y así con todas.

Lidia Damunt FOTO: ARCHIVO

N

o habéis parado de tocar desde que publicasteis vuestro primer disco, Más de ti, en 2018. ¿Cómo habéis encontrado el momento de componer y grabar este segundo, Ante mí?

Ha sido un año muy loco y de mucho trabajo. Para grabar este segundo disco nos marcamos unas fechas con el Tercero Studios, que nos sirvieron para organizarnos y poder crear. Algunos temas ya estaban compuestos desde hace tiempo y otros han nacido entre ensayos y viajes.

—El título sale del tema homónimo, que ha sido vuestro primer single también. ¿Es el que mejor define el disco?

Siempre nos cuesta poner nombre al disco (risas). Este segundo trabajo ha sido un proceso más reflexivo para todas, sus temas se articulan entorno a un concepto que nos dijo nuestra amiga y diseñadora Blanca Pia, de Baselina: “La invisibilidad”, lo que no vemos, lo que no queremos ver o lo que directamente se nos oculta. Todo

Estoy contento con la libertad que me di en este disco, me hace sentir que no estoy montando un cuento ni una buena historia que vende, sino que de verdad estoy explorando mis necesidades creativas”, zanja. —yeray s. iborra

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Astro Aya Records Electrónica 8/10

Lidia Damunt, dice ella misma, la han llamado algunas veces “murciana marciana”, por huir de los estereotipos en lo personal y en lo musical.

Siempre ha sido así, y sigue siéndolo en Nacer en Marte, el disco que acaba de publicar. “Una idea de producción era que sonara como folk: esa mezcla de sonido de guitarra española con sonido como de algo del futuro pero que está anticuado. De ahí la idea de ’retrofuturismo’: un futuro que está un poco añejo”. En esta ocasión, Lidia Damunt cuenta con el apoyo del sello discográfico La Castanya y el “calor de una banda”, con el acompañamiento de Javier Carrasco (Betacam) y Clara Collantes (Sierra) en sus conciertos.

“La música no es solo música, es también economía. Quería que fuera un disco bastante minimalista, pero había cierta libertad porque sabía que luego iba a poder defenderlo en directo. Me he dado cuenta de que mola trabajar en equipo, con más gente. Tengo una vida muy tranquila, en una ciudad pequeña en Suecia. Soy madre, tengo dos niñas y hago música contra todo pronóstico. El cambio en los procesos de trabajo no ha mermado su libertad creativa. “Soy una persona que no puede poner ‘el piloto automático’. Yo solo puedo hacer música cuando siento que tengo algo que decir. No puedo hacer las cosas por encargo”. Tampoco ha reducido su carácter “alienígena”. “Cuando compongo, siempre tengo la tendencia a desechar todo aquello que de repente me suena muy bonito o muy normal.

Siempre he pensado que la belleza está sobrevalorada. Sé que hay mucha gente que no pilla mi música, pero es que en muchas cosas no coincido con la mayoría de la gente. Luego, si de pronto disfruto con una canción súper famosa que le gusta a todo el mundo, me mola porque me siento súper integrada”. —ángela álvarez

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noviembre 2019 #27

MONDO FREAKO

Nativa FOTO: ARCHIVO

“Jugar con la electrónica ha sido descubrir un sinfín de posibilidades” Valencia (16 noviembre, Sala Repvblicca) Barcelona (27 noviembre, Apolo) Madrid (29 noviembre, Sala Mon Live)

AgeNda. noviembre.

Madrid (12 noviembre, Café Berlín) Valencia (13 noviembre, 16 Toneladas) Barcelona (14 noviembre, Antiga Fàbrica Estrella Damm; Presentación VIDA 2020)

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#28 noviembre 2019

Coincidiendo con sus diez años de carrera, Flamingods andan enfrascados en la gira de presentación de Levitation (Moshi Moshi/Music As Usual, 19), que ahora les trae a nuestro país.

S

e fundó en Bahrein en 2009, pero la banda liderada por Kamal Rasool ha crecido en Inglaterra adoptando influencias de diferentes culturas del mundo, empleando instrumentos provenientes de países como Nepal, Tailandia, Indonesia, Turquía, Japón o Tanzania, y entregándose a la exploración sonora en tres discos, Sun (13), Hyperborea (14) y Majesty (16), que fueron recibidos con alborozo en la escena psicodélica. “Lo étnico siempre ha sido un elemento natural en la banda desde sus primeros días, y nuestra pasión por combinar diferentes estilos de música de todo el mundo con el pop sigue ahí”, cuenta Rasool, que en el nuevo disco de Flamingods ha abordado algunos cambios junto a sus compañeros. “En nuestro último largo exploramos nuestro lado más espiritual y exótico, y ahora estamos diseñando un directo que saque un lado más bailable, enérgico”. Ese lado más bailable viene de la mano de Levitation, un álbum de inequívoco título respecto a sus intenciones para con el oyente, en el que, sin embargo, se pueden identificar elementos presumiblemente orientados hacia una mayor apertura de audiencia. “Sí, es mucho más directo que lo que hemos hecho anteriormente”, asiente el cantante. “De alguna manera hemos canalizado los elementos más bizarros de nuestra música de forma diferente esta vez. Antes eran más prominentes en la composición y los arreglos, pero ahora los hemos plasmado a través de la instrumentación y haciendo algo de magia colorista en la producción”.

Este giro artístico ha sido abordado por Flamingods a la vieja usanza, a través de una convivencia al estilo Grateful Dead que les ha permitido tener mucho tiempo para experimentar en las sesiones de grabación que tuvieron lugar en el Total Refreshment Centre del este de Londres.

“Es cierto”, dice Rasool”. “Compartir casa ha sido un factor que ha moldeado el disco de forma masiva. Era la primera vez en mucho tiempo que podíamos hacerlo, y nos permitió comunicar nuestras ideas entre nosotros de una forma mucho más rápida, y experimentar mucho más de lo que habíamos podido hasta ahora. Hay mucha más fluidez cuando estás conviviendo, comparado con trabajar a través de Internet, y de mails en los que no puedes explicar tus ideas de manera orgánica. Trabajar de esa forma puede ser realmente complicado”. —nacho serrano

Aún no se han presentado en directo y Nativa (Propaganda Pel Fet!, 19), su primer disco, apenas lleva en plataformas y estanterías unas semanas, pero ya están en boca de muchos desde que varios miembros de La Raíz anunciaron su creación antes del verano.

C

uándo nació cien por cien esta idea?

Esta idea nació al decidir el fin de la actividad con La Raíz, con conversaciones, todavía en carretera, sobre una idea en común a la que con calma había que darle forma. Una vez terminada la gira, decidimos sumergirnos de lleno en la creación del disco que ha visto la luz en este mes de septiembre. Nativa se crea de la necesidad de seguir componiendo música y de redescubrirnos a nosotros mismos.

De la necesidad de no alejarnos demasiado de un estilo de vida que amamos.

—Sois conscientes de que no empezáis desde abajo, tenéis gran parte del recorrido hecho por haber pertenecido a La Raíz. Por ejemplo el sello, los seguidores que os apoyan desde antes de que saliera algún tema, etcétera. ¿Os parece bien o más bien os jode llevar esta mochila?

Sí, somos conscientes de que hay parte del camino hecho por venir del lugar del que venimos, aunque ese no tiene por qué ser el motivo de que te vaya a seguir más o menos público. El trabajo y la dedicación seguirán siendo los que manden. Nadie nos ha regalado nada, ni antes, ni ahora. Por lo tanto, la mochila de la que hablas, la llevamos con mucho orgullo por la trayectoria

y experiencia que hemos acumulado a lo largo de algo más de una década, y que no nos deja más sentimientos que el del amor a tus amigos, el amor a tu profesión y el de una gratitud inmensa.

—Después de escuchar vuestro primer álbum, me da la sensación de que estoy escuchando algo conocido pero muy rejuvenecido y me atrevería a decir que algo más experimental y más libre musicalmente hablando. ¿Qué ruta sonora habéis escogido o querido seguir para crear “Nativa” (el disco)?

No ha habido una ruta establecida.

Hemos ido paso a paso sacando lo que teníamos dentro y plasmándolo en cada canción, sin ningún miedo a mezclar estilos, sonidos o ritmos. Jugar con la electrónica ha sido descubrir un sinfín de posibilidades.

—En cuanto a letras. ¿Cómo os verá el público, cuál es el mensaje de Nativa?

El público nos verá de la manera en la que cada uno interprete las letras. El mensaje general de Nativa no es otro que el de alzar la voz y agitar conciencias con la música, y las canciones esconden una manera muy particular de ver las cosas, de ver todo lo que nos rodea y darle un sentido con la lírica.

—¿Os queréis encasillar como grupo de protesta?

Encasillarse no es bueno, aunque lógicamente somos un grupo que lleva por bandera la crítica social. Queremos sentirnos libres de poder hablar de lo que queramos en cada momento de nuestras vidas. Limitarse no es una opción.

—andrea coll pons

FOTO: ARCHIVO

Flamingods

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D.A.F.

Jaén (El Mercado, 1 noviembre) Málaga (La Trinchera 2 noviembre) Barcelona (Rocksound, 8 noviembre) Guadalajara (Sala Óxido, 13 diciembre)

“Estoy muy feliz de poder actuar en Barcelona” Barcelona (Ombra Festival, 29 y 30 noviembre)

Con dos EPs en la calle en menos de seis meses, Habitar La Mar han irrumpido muy fuerte en la escena alternativa/noise rock patria. Sus componentes son viejos conocidos del underground nacional.

FOTO: ARCHIVO

Q

D.A.F. marcaron a una generación electrónica a escala planetaria. Titanes de los sonidos bailables, marciales e hipnóticos, visitan nuestro país para rememorar su legado.

D

AF iniciaron su carrera musical en Düsseldorf. Su primer disco, Produkt Der DeutschAmerikanischen Freundschaft (79) inaugura un estilo marcado por la experimentación, las líneas disonantes y las rémoras del post-punk. “Ese primer álbum no fue más que una sesión improvisada que terminó materializándose en nuestro debut”, me comenta Robert Görl. El alemán lleva años siendo el cincuenta por ciento del dúo junto al español Gabriel Delgado. No sería hasta entrada la década de los ochenta cuando DAF empiezan a definir un sonido propio y característico centrado en el EBM y el electropunk, patente en trabajos como Die Kleinen Und Die Bösen (80), Alles Ist Gut (81), Gold Und Liebe (81) y Für Immer (82). Delgado siempre se ha encargado de las letras, siempre críticas y provocadoras, y siempre también cantadas en alemán. “Lo teníamos claro desde el principio. No queríamos ningún tipo de poesía inglesa en nuestras letras.

Queríamos que fueran en nuestro idioma nativo. Además, en aquellos momentos, Gabi también prefirió usar el alemán. En nuestra opinión, todo sonaba mucho me-

jor así”, recuerda Görl. Con el paso de los años, DAF indagaron en otros subgéneros como el pop electrónico, apreciable en First Step To Heaven (85). “Queríamos entregar al público algo completamente nuevo. Tuvimos éxito, aunque algunos viejos fans del grupo no comulgaron con la idea. El cambio de estilo era una libertad que queríamos tomarnos como artistas”. Sin embargo, con el paso de los años el dúo volverá a sus raíces hieráticas y bailables, confeccionando un trabajo tan convincente como es Fünfzehn Neue DAF Lieder (13). “Para ese disco recuperé mis viejos sintetizadores y secuenciadores, los mismos que había usado para dar forma a los primeros álbumes. Nuestra intención era plasmar una suerte de vuelta a los orígenes, que se alejase un poco de los grandes buques insignia de sintetizador que estuvimos tocando durante bastante tiempo”, me comenta Görl.

Una de las cosas más sorprendentes con respecto a la carrera del dúo es que, a pesar de que Gabriel Delgado naciera en Córdoba, DAF nunca han tocado antes en España. Y queda claro que no será por falta de fans. Al parecer ellos tampoco comprenden muy bien cuáles pueden ser los motivos. “Es una cosa que siempre me ha llamado mucho la atención. De alguna manera, nunca nadie nos lo había pedido antes. ¡Así que puedes imaginarte que estoy muy feliz de poder actuar en Barcelona!”. —fernando o. paíno

ué podemos esperar de la unión de gente proveniente de Catorce, Tenpel, De la Cuna a la Tumba o El Gran Oso Blanco, entre otros?

Respuesta: un buen puñado de temas noise rock rebosantes de energía y rabia, cinco músicos completamente involucrados en el proyecto y dos epés en la calle en menos de seis meses.

“Nuestra manera de trabajar nos lleva a ese camino, preferimos no dejar temas enconados, procesos compositivos eternos… queremos buscar la espontaneidad”, comenta Kantz, voz del quinteto. A pesar de no vivir en la misma ciudad (“Hablamos mucho por whatsapp y videoconferencia y escuchando las ideas de todos vamos retocando cosas… y de ahí al ensayo”, añade Kike, guitarra y productor), La deriva vio la luz a mediados del año pasado y en diciembre nació Realismo histérico. Ambos apenas suman media hora de duración y en ellos ha primado huir de las etiquetas hasta encontrarse entre todos a nivel estético.

“Hemos llegado a un punto muy ridículo con el tema de los ‘estilos’ y nosotros preferimos centramos en la ‘expresión’”.

Esa forma de contar historias pasa por melodías contundentes, unas letras viscerales y la conjunción de diferentes sensaciones. “La rabia a veces

está y a veces no, al igual que ocurre con la frustración, la ansiedad o la alegría y el buen humor. En este trabajo, aunque no lo parezca, hay de todo esto”, prosigue Kantz. Aunque los dos epés son bastante continuistas, en Realismo histérico se perciben unas letras más directas y que dejan algo menos de margen a la libre interpretación. “A veces hay cosas que no puedes expresar de otro modo que no sea hablando claro. Cuando escribo simplemente me guío por lo que me provoca la canción, no tengo ninguna técnica como tal, solo dejar que fluya, por tanto, el corazón siempre está ahí, no concibo otra manera de hacerlo o llevar a cabo cualquier proceso creativo”.

Así, Carbuncio y Amargo contienen puyas bastante directas a la Iglesia, Navajas es una dura crítica a las tradiciones rancias y Fantástico Isidro refleja un mensaje que parece más enfocado a problemas y ajustes de cuentas más personales y menos sociales.

A pesar de no compartir lugar de residencia, durante estos meses han podido cuadrar agendas en varias ocasiones para ofrecer varios directos y la respuesta no ha podido ser mejor. “Para nosotros ha sido todo un flipe y encontrar las salas abarrotadas de gente para vernos, ha sido toda una sorpresa. Por un lado, por la respuesta del público, que ha sido excelente, y, por el otro, a nivel de banda en cada concierto hemos ido acoplándonos todos en el escenario mucho mejor”, añade Kike. Al fin y al cabo, esa respuesta de la gente es la mejor recompensa en una escena en la que pocos pueden decir que viva de los ingresos generados por sus proyectos “Nuestra enfermedad es incurable, pero se puede calmar creando”.

—sofía cuevas gonzález

FOTO: ARCHIVO

Habitar La Mar

noviembre 2019 #29

Tyler Ramsey

Robert Forster

“Es bastante complicado mantener a una banda unida”

Para quienes sienten que viven lejos de donde ocurren las cosas, el éxodo es algo necesario. El australiano Robert Forster inició el suyo en los ochenta en Londres con The Go-Betweens y ahora lo corona con la grabación en Berlín de Inferno (Tapete/Gran Sol, 19), su primer álbum en cuatro años.

FOTO: ARCHIVO

C

Tyler Ramsey fue guitarrista de Band Of Horses desde 2007 hasta que decidió centrarse en su carrera en solitario. Ahora nos visita para presentar For The Morning (Fantasy Records, 19), su cuarto larga duración.

A

hora mismo, For The Morning está en el centro de tu mundo musical, ya que has decidido centrarte en tu carrera en solitario. ¿Te sientes más libre?

Grabar For The Morning fue una experiencia fantástica. La mayor parte de las sesiones de grabaciones las hicimos entre yo y mis amigos Kevin Ratterman y Seth Kauffman. Fue fantástico sentirse tan relajado en el estudio y tomar decisiones acertadas y sencillas.

—La primera vez que escuché algo tuyo en solitario fue A Long Dream About Swimming Across The Sea (10). En ese momento me encantó, pero me quedó la sensación de que estaba producido de una forma demasiado desnuda. For The Morning suena más rico, la voz con más profundidad y canciones como Cheap Summer Dress tienen unas partes vocales con más tratamiento.

Siempre intento hacer lo que creo que las canciones requieren sin excederme en la producción. Uno de mis principales objetivos por lo que se refieren a la composición es escribir cosas que se puedan presentar y digerir sin necesidad de esconderlas detrás de efectos o arreglos.

—Por otro lado, me encanta la calidez de la banda sonora que has creado para la banda sonora de la película italiana L’Ospite. Tengo entendido que es la primera que haces.

#30 noviembre 2019

¡Muchas gracias! Sí, es mi primer trabajo para una película. Me encantó hacerlo y espero poder repetir la experiencia. La hice porque Duccio Chiarini se puso en contacto conmigo para que escribiera música para su película. Había escuchado precisamente mi disco A Long Dream y había conectado mucho con las canciones.

Me dijo que especialmente con la canción Ships.

—Cambiemos de tema. Después de girar por España con Band Of Horses, vas a venir a actuar a cuatro ciudades. ¿Qué nos ofrecerás? ¿Vienes solo o con una banda completa?

Estaré girando con una banda completa.

Tengo a un guitarrista/pedal steel, a un bajista y a un batería. Y todos cantan también. Es una banda muy divertida.

—Bill Reynolds y tú dejasteis Band Of Horses con muy poco tiempo de diferencia. ¿Qué ha sido lo más complicado de trabajar y girar durante casi diez años en una banda?

Es bastante complicado mantener a una banda unida. Cuando viajas y vives con un grupo de gente durante mucho tiempo puede acabar convirtiéndose en algo complicado y a veces es difícil comunicarse. Súmale a eso que a veces vives todos los clichés de una banda de rock que te puedas imaginar.

—¿Crees que volverás a trabajar en el futuro con algunos miembros de Band Of Horses o con Bill?

Bill y yo somos amigos desde hace muchos años y siempre vamos a encontrar motivos por los que trabajar juntos. Hace poco también estuve por ahí con Ryan (Monroe) y hablamos sobre hacer un disco juntos, así que espero que eso ocurra algún día.

—joan s. luna

uál fue la excusa para hacer este disco?

Siempre termina habiendo un disco cuando siento que tengo las canciones. Solo escribo una, dos o tres canciones al año, no soy como esas personas que escriben treinta canciones. Es como cuando un pintor tiene quince pinturas y cree que ahí hay una exposición. Aquí hay una exposición. Y cuando tengo nueve o diez canciones, digo: “bien, estoy listo para hacer un disco”.

—El anterior disco era más un asunto de familia, pero con este has viajado para probar nuevos sabores, ¿por qué ese cambio?

Porque el anterior disco, como has dicho, lo grabé y escribí todas las canciones en Brisbane. He escrito allí todas las canciones y el libro Grant y yo, así que quería largarme de la ciudad, ir a cualquier sitio.

Estuve en Europa en 2017 haciendo promoción del libro y dando entrevista, con lo que pensé que quería volver allí para grabar un disco. En Berlín

me encontré con Victor Van Vugt, un viejo amigo. Acababa de abrir un estudio allí, así que todos esos factores se juntaron.

—¿Por qué esta intención de buscar un lugar lejano como Berlín para grabar canciones si en muchas ocasiones hablan sobre casa? ¡Ay, me encanta hacerlo! Me encanta ir a Alemania para hacer canciones sobre Byron Bay o sobre Noosa, porque sé que no es lo que hace otra gente.

Los alemanes allí hacen canciones sobre estar despiertos toda la noche tomando drogas.

Con The Go-Betweens también lo hicimos; nos llevábamos nuestro mundo por ahí lejos con todas sus características australianas y lo presentábamos en Londres, o Porland, o Francia. Me gusta esa yuxtaposición, esa conexión extraña, pero es que a la gente también le gusta escuchar historias que vienen de muy lejos.

—Has publicado extractos de tu diario íntimo con el disco contando parte del proceso de grabación, ¿por qué?

Mientras estaba grabando el disco no estaba pensando en el diario en términos de cómo se presentaría al mundo. Empecé a escribir en Brisbane planteándome qué iba a haber en el disco y vi que tenía delante de mí las letras de las canciones y mis notas. Empecé a leer el diario y vi que es interesante porque cuenta la historia del disco, pero lo que más me gusta es que es la plasmación de los accidentes cotidianos. Es un diario auténtico y sincero y es un reflejo del disco, y ya que nadie lo hace, pensé, ¿por qué no añadirlo al disco?

—jorge obón

FOTO: BLEDDYN BUTCHER

Barcelona (14 noviembre, Sidecar) Madrid (15 noviembre, Café La Palma) Zaragoza (16 noviembre, La Lata de Bombillas) Valencia (17 noviembre, 16 Toneladas)

Barcelona (L’Auditori, 20 noviembre) Madrid (Teatro Lara; SON Estrella Galicia, 21 noviembre)

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25/10/2019 15:11:41

33/Mondo VINILOS

Opeth

Bodega

In Cauda Venenum Nuclear Blast

9

El perenne dolor de Nick Cave Nick Cave & The Bad Seeds

Ghosteen Bad Seed/Popstock!

9

POP / Durante los últimos cuatro años hemos

asistido a la necesidad del australiano por comunicarse de forma más directa y empática con su parroquia y con el prójimo en general, y nadie podría culparle. Otra cosa es que el superávit de solemnidad que se gasta en este álbum pueda apabullar, o incluso amodorrar a quien sienta nostalgia de sus brotes de ira en estado puro. Pero él ha cruzado un umbral casi desconocido, escasamente frecuentado por músicos de su talla con las mismas herramientas, y es decisión del oyente el dejarse arrastrar a esa otra dimensión. La recompensa no es (ni mucho menos) magra, pero demanda empatía con un estado de ánimo muy particular, más bien opuesto a los ritmos que marcan nuestro día a día. En el fondo, se trata de una órbita que comenzó a siluetear en Push The Sky Away (13) –aunque entonces ni siquiera lo sabíamos– y que apuntala con este disco, continuación lógica de Skeleton Tree (16) y culmen de una tercera vía en su trayectoria – tras emerger como bestia trituradora de mitos del rock and roll y la posterior fase baladística con primacía del piano– que tampoco podía intuirse tras aquel reseteo/síntesis glorioso que fue Abbatoir Blues/The Lyre Of Orpheus (04) y el paréntesis de Dig, Lazarus

Dig!!! (08). Pocos músicos pueden presumir de haber experimentado tres vidas (y de tal solidez) en un mismo cuerpo, a lo largo de tres décadas y media. Ghosteen (2019) viene a sublimar de forma imponente la alianza entre Cave y su lugarteniente en la última década, Warren Ellis: la deconstrucción de la vieja fórmula Bad Seeds mediante el uso de sintetizadores gélidos, frecuencias abisales, percusiones reducidas a la mínima expresión y algún arreglo de cuerda muy puntual. La disolución de su corpus instrumental en el éter, muchas veces dando la impresión de que no puedan ir más allá, como si hubieran avistado su particular estación terminal. La parquedad queda, en cualquier caso, compensada por el uso de las voces, tanto la de un Cave más versátil que nunca como la del espectral coro que las consagra, con la recta final de Sun Forest como máxima expresión. No deja de ser amargamente irónico que un músico que ha jugado durante tantos años con la idea de la muerte a través de las historias que –legadas o de cuño propio– iba ahormando en sus canciones, haya acabado redimensionando su discurso tras la experiencia en carne propia, a veces de forma tan escalofriante. El insospechado trayecto ha terminado acercándole más que nunca a la órbita crepuscular de Scott Walker en ese inagotable flujo de alimentación con las musas que, como él mismo califica con cierta sorna autoconmiserativa en Night Raid, es una incontrolable fuente de creatividad, con la paz mental que enuncia en Hollywood como irrenunciable meta personal.

—carlos pérez de ziriza

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METAL PROGRESIVO / El dis-

co número trece de Opeth fue grabado simultáneamente en inglés y en sueco y es el trabajo más melancólico y extravagante del grupo. Y eso es decir muchísimo. El trabajo más original en esta nueva etapa junto a Pale Communion (14) y Sorceress (16). Y esta próxima gira de treinta aniversario lo demostrará. Nos encontramos con un álbum plagado de simbolismo en torno a las relaciones de poder. El nivel de onirismo arranca ya en el concepto gráfico de portada y título, “el veneno está en la cola”: una expresión latina que hace alusión a postergar lo malo para el final. Opeth nos va introduciendo en su mitoanálisis con tintes de cabaret, prog setentero, folk, jazz fussion y hasta krautrock, sin darnos la oportunidad de encontrar nada demasiado evidente. —rubén g. herrera

Shiny New Model What’s Your Rapture/ [PIAS]

7

yorquina no se agota. Bodega lo probaron con un Endless Scroll (18) notable e inteligente, con algunos picos realmente memorables como Jack In Titanic.

Para ser precisos, Shiny New Model es un EP de siete canciones, así que a priori parece el trabajo de una banda que quiere aprovechar su momento. La canción homónima les presenta en un modo más pop, pero sin ningún cambio a peor: guitarras imaginativas, ritmo irresistible. Se puede decir lo mismo de la algo menos inspirada Treasures Of The Ancient World. Llega después el plato fuerte de Knife On The Platter, que encapsula todas sus armas rítmicas. Bodega lo tienen muy claro, y ésa es una de sus mayores virtudes, pero este Shiny New Model funciona sobre todo como disfrutable epílogo de su Endless Scroll. —jc peña

Medalla

Chromatics

Medalla El Segell

8

ROCK / El segundo largo de

los barceloneses Medalla parece venir a apuntalar el heterodoxo cóctel musical apuntado en su debut Emblema y poder (17). Un cóctel capaz de aglutinar ritmos pesados propios del heavy metal, rock alternativo, referentes actuales (Futuro Terror, La Plata) y algunas melodías ciertamente pop. Además, los cambios de ritmo y los breaks bruscos y radicales vuelven a sucederse a lo largo de las canciones. Hay un elemento imprevisible en la música de Medalla que es el que la hace más disfrutable. Guardián es quizá la más sólida del pack, con esas atmósferas, esa melodía y ese redondo estribillo final (“Nunca más seré tu guardián”). Capítulo aparte merecen las letras, como en la sarcástica Premio Cervantes, o la abierta crítica política de la más pop Cuello Isabelino y Devoto cardenal. —miguel díaz herrero

POST PUNK / La cantera neo-

Closer To Grey Italians Do It Better

7

POP ELECTRÓNICO / Chroma-

tics hicieron en 2014 el primer anuncio de Dear Tommy y, desde entonces, muchos singles, canciones para bandas sonoras y hasta algún EP... pero ni rastro de ese álbum, retrasado una y otra vez. Ahora han sorprendido a sus fans con este disco sorpresa en el que Johnny Jewel vuelve a deleitarnos con su mezcla de synthpop y post-punk, además de con algún acercamiento al trip-hop (Touch Red). Las versiones de Simon & Garfunkel (The Sound Of Silence) y de The Jesus & Mary Chain (On The Wall) no desentonan en una atmósfera por lo general bastante oscura. Jewel destruyó todas las copias de Dear Tommy en 2017 tras “una experiencia cercana a la muerte”, pero la banda ha confirmado recientemente que este álbum no es su sustituto, sino un aperitivo mientras llega el otro. —pablo tocino noviembre 2019 #33

MONDOVINILOS

Temples

Hot Motion ATO/[PIAS]

Brittany Howard en solitario Brittany Howard Jaime Sony Music

8 SOUL / Brittany Howard podría haber

repetido la misma fórmula una y otra vez.

Puede que a otro quizás sí le valga, pero a ella no. Durante un tiempo le obsesionó saber quién era y hacía dónde iba. Ese es el motivo por el que ni quiere ni puede tocar siempre la misma tecla. Es evidente que le gusta y (sobre todo) necesita reinventarse. Lo logró con Sound & Color (15), un disco atrevido, moderno y sofisticado con el que Alabama Shakes pasaban a jugar en la liga de los grandes. De repente, todos la reclamaban, la querían en sus discos o le exigían moverse al más alto nivel. Un nivel muy alto. Pero había motivo para una exposición así. Hasta aquí, todo bien. ¿Y el futuro? El de Alabama Shakes, no sé si está en el alambre, pero mientras no haya informaciones al respecto lo mantendremos entre interrogantes. En estas que Brittany Howard aprove-

Esperit!

Prozak Soup

Ilíada Bankrobber

7

POP / El nuevo disco de

Esperit! o cómo dinamitarse a uno mismo y recomponer los trocitos del alma esparcidos sin importar si encajan las piezas.

Mau Boada se olvida de cualquier corsé y prescinde de la rigidez de la regla; alimenta su universo de esquejes sonoros que crecen salvajes y caóticos. Cuida los efectos de temporada y los que no lo son, lo pretérito y lo vanguardista, lo rítmico y lo plano, lo concreto y lo abstracto. Un centrifugado estilístico que va del folk pachamamista al cool jazz, del synth power pop al funk galáctico. La gran diferencia con sus trabajos previos como Heráclito (2016), el disco que grabó con Negro, o La Lluminosa (2014), es que aquí los temas no se abrazan entre sí, no se miran unos a otros ni parecen inspirarse. Se manifiestan como realidades aisladas, jugando a una especie de parachoques sonoro que se desliza a base de bandazos y volantazos. No hay espuelas para este trabajo tan irremediablemente ingobernable.

—andreu cunill clares #34 noviembre 2019

091

ROCK / Prozak Soup llevan

cinco años en activo, los suficientes para que se planteen quién son y hacia dónde se dirigen. Y queda claro que este nuevo larga duración supone un quiebro importante en su carrera. Los Prozak Soup de 2019 suenan a una combinación en la que hay espacio para el crossover, el bakalao valenciano y la mákina catalana de los noventa, pero también el metalcore (Àcid i base es el mejor resumen), el metal cada día más pop de Bring Me The Horizon, la fusión de rock y electrónica de los primerísimos Enter Shikari, el drum’n’bass de Chase & Status (por poner un ejemplo), la nu rave de Hadouken!, el EDM (Come On es un hit 85% electronic dance music, 15% rock) y el hardstyle (esos bombos), las melodías del punk pop o incluso el desparpajo festivo de los rusos Little Big. Así, todo ello se combina a placer. A eso debemos sumarle que nunca habían sonado tan rotundos y tan bien producidos como aquí, lo cual, en este caso, suma bastante.

—joan s. luna

8

POP ROCK / En esta obso-

lescencia artística en la que estamos inmersos, para muchos veinticuatro horas de silencio pueden resultar definitivas para cavar su olvido; otros, sin embargo, han conseguido ser extrañados durante un cuarto de siglo, justo el tiempo que ha necesitado 091 para retornar al estudio de grabación. Saltando desde el ya finiquitado siglo XX, los granadinos reaparecen en este nuevo mileno presentando La otra vida, un trabajo que, asimilando las lecciones adquiridas de sus respectivas carreras individuales, retoma la vigencia de su rock melancólico pero enérgico. Los riffs de pegadiza consistencia, visible en piezas como Condenado, y un nostálgico lirismo, montado alrededor del ímpetu (Naves que arden) o desde la desnudez (Una sombra), convivirán en un perfecto y delicioso equilibrio donde se demuestra que no es cierto que siempre se vayan los mejores, a veces, incluso regresan. —kepa arbizu

Tiger Army Retrofuture Rise Records

Sunshine Kitty Island/ Universal

POP / Uno de los grandes discos de 2017, Blue Lips era también un disco para preocuparse por el estado anímico de Tove Lo, o por el tuyo si te identificabas mucho. En Sunshine Kitty vemos más felicidad, con canciones como Glad He’s Gone, Really Don’t Like You junto a Kylie o la sorprendente Are U Gonna Tell Her. Pero la calidad de los temas mencionados hace que éste no sea uno de esos casos en los que la gente dice “escribía mejor cuando estaba más jodida” (qué tóxico eso, por cierto). Y, en cualquier caso, siguen aquí los sad bangers, cuando pretenden serlo (Mateo) y cuando no: es llamativa la ambigüedad en temas aparentemente felices como Anywhere U Go y Sweettalk My Heart. ¿Y la honestidad de sus letras? Tan presente como siempre, con Mistaken (exquisita producción) o Come Undone como ejemplos.

“Might not be healthy, but I feel alive”, dice en esta última.

Podría ser la definición de su música. —pablo tocino

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ROCK / Ah, dichoso Brexit.

Los ingleses están hasta el gorro del tema, pero siempre acaba surgiendo en las conversaciones y en los procesos creativos de los artistas. Eso es lo que les ha pasado a Temples al componer Hot Motion, un tercer álbum empapado de una reflexión política que, aun siendo subyacente y en absoluto panfletaria, termina siendo un leit motiv inconsciente. La otra característica fundamental de Hot Motion es el regreso de la guitarra como elemento esencial en la melodía. Tras su inmersión profunda en el sonido de sintetizadores de Volcano (17), el cuarteto se inclina ahora por rescatar ese viejo trozo de madera con cuerdas para trazar un modus operandi realmente interesante, usándolo con fines distintos a los habituales para sustituir otros elementos más sintéticos, casi a modo de trampantojos. Además han estado tan inspirados como siempre en composición y producción, así que el resultado es un disco redondo, impredecible, divertido y sugerente. —nacho serrano

Tove Lo

La otra vida Warner

Blablabla Halley Supernova

7

cha para hacer lo que de verdad deseaba: grabar su propio disco en solitario. Y es justo el que tenía en mente, un trabajo que solo podía publicar con su firma y bajo su total responsabilidad. Harta de que la comparen con Aretha Franklin ella reivindica a las heroínas primerizas del blues y el gospel, se pone en manos de un ingeniero que arriesga (Shawn Everett) y pide ayuda a dos músicos (Robert Glasper, Nate Smith) que vienen del jazz y el hiphop y que, ante todo, transpiran libertad creativa. Esta variable impide un hilo conductor coherente. Jaime es más un disco de ideas individuales que de concepto, y que se sitúa en un cruce entre la tradición y la innovación. Sin embargo, todas son canciones con patente de corso.

Es decir, Howard se permite hacer cosas que otros ni sueñan. No se suscribe a una pauta específica como si de Prince se tratase (su influencia se nota mucho en el disco). Va un paso por delante y confirma lo que ya sospechábamos: Brittany Howard esconde en su talento una galaxia propia con meteoritos que brillan en total libertad. Qué suerte poder tocarlos. —toni castarnado

8

8

ROCK’N’ROLL / Nick 13 y sus

chicos regresan a lo grande. Vuelven a mostrarse tiquismiquis en el número de canciones, 13 como siempre, y es que por algo ese es su nombre de guerra. Pero, además, me da la impresión que ha estado escuchando más que nunca a bandas como mis admirados Parasites, y si no lo creen pínchense Sundown y díganme que no suena todo a Dave Parasite y sus compinches. No pierden, eso sí, la sana costumbre de incluir un par de instrumentales para dar respiro al oyente, y tampoco de abordar todos los sonidos que ilustran su paleta de influencias.

Ya sea el surf de Beyond The Veil, el punk psychobilly de Eyes Of The Night o el sonido fifties y pop de la deliciosa Valentina, sin duda una de las grandes canciones del año. Para colmo, me ganan con el toque fronterizo que da el introducir una canción en castellano como Mi amor la luna.

Lástima que sea casi imposible plantearse el verles por aquí.

Porque disfrutarlo lo haríamos un rato. —eduardo izquierdo

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Ezra Furman

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POP ROCK / El deseo y la

razón acostumbran a ir por caminos separados, muchas veces, opuestos. Esta encrucijada es uno de los principales dolores de cabeza del ser humano y la idea base de Desig Imbècil, el noveno largo de Mazoni.

En Carn, os, i tot inclòs (17), el cantante y compositor Jaume Pla –el nombre que se encuentra tras el pseudónimo Mazoni– apostaba por un sonido acústico y reposado. Ahora, con Desig Imbècil regresa al rock más visceral, sin dejar de coquetear con otros estilos (indie rock e incluso krautrock). Las letras de esta nueva entrega son asombrosamente ligeras, pero sin caer en lo superficial y con una buena dosis de mala leche (“Ara tothom me la pela. Se’n pot anar tothom a prendre pel cul. Jo primer, tu també”). En la canción Jaume Pla explora su propia identidad, como ya lo hizo en su día uno de sus referentes, Bo Diddley.

En su caso se reconoce como un “somia-truites, inestable, però també amable”. —carme garau

El Hijo

Capital Desierto Intromúsica

Twelve Nudes Bella Union/ [PIAS]

8

PUNK / Que un músico sea

tan imprevisible es bueno y positivo. Y eso es lo que ocurre habitualmente con Ezra Furman, un tipo que graba por impulso, por sensaciones, cada uno de sus trabajos. Su carácter provocativo le convierte en un artistas difícil de ubicar. Esta vez, inspirándose en otro artista que se ceñía a sus propias convicciones, Jay Reatard, da forma a un disco de punk desde una perspectiva distinta a su cara divertida y desacomplejada, más cerca de The New York Dolls que de Dead Kennedys, con más glam y colorido.

Ahora el sonido es más sucio (del primer single Calm Down Aka I Should Be Not Alone a Blown) y sobre todo, el discurso es crítico.

Cada canción tiene un mensaje (In America, Rated R Crusaders, Trauma) y hay malestar suscrito a cada estrofa. En apenas media hora se rebela y grita a modo de desahogo. El músico de origen judío mantiene que en tiempos desesperados hay que hacer canciones desesperadas. Hete aquí la prueba. —toni castarnado

8

ELECTRÓNICA / No hay como

darse una vuelta por este Madrid convertido en decorado de turismo masivo para hacerse unas cuantas preguntas: ¿Cuál es la banda sonora de este mundo contradictorio y precarizado digitalmente? En su primer álbum dentro de su etapa electrónica, tercera parte del tríptico formado por los EP’s Fragmento I (15) y Dentro (18), el inquieto Abel Hernández (Migala, Emak Bakia) da su muy personal respuesta. El contraste entre la desolación de las inspiradas letras, con un tono existencialista aunque afilados toques de sarcasmo, y la música, cristaliza en demoledora visión sobre la vida cotidiana urbana.

Haciendo uso de un insólito lenguaje musical que combina vocación de vanguardia y pop desprejuiciado, Hernández despliega su inventiva como avezado artesano de la electrónica digital con paradas en el R&B, el dub, el hip-hop e incluso el trap, con referencias rítmicas y de electrónica experimental del nivel de Arca o Disco Inferno. —jc peña

DD LJM

1 FKA Twigs Magdalene

9 9 9 9 9

2 Nick Cave Ghosteen

8 10 9 9 9

3 Angel Olsen All Mirrors

8 8 7 8 7,75

JSL DC

4 Swans 7 8 8 8 7,75 Leaving Meaning 5 Dengue Dengue Dengue Zenit & Nadir

7 8 7 8 7,5

5 Brittany Howard 7 7 7 7 7 Jaime 6 Cigarettes After Sex 7 8 7 6 7 Cry 7 Foals 7 6 7 6 6,5 Everything Not Saved Will Be Lost. Part 2 9 Quique González 6 7 6 6 6,25 Las palabras vividas 10 Los Chikos del Maiz 7 5 6 6 6 Comanchería

La provocación de Fuerza nueva

The Sick Boys

So Hot! Buenritmo Producciones

Fuerza nueva Fuerza nueva El Ejército Rojo

8

8 ROCK / El atávico –y a menudo irracional–

poder de los himnos recorre las canciones de Fuerza nueva, el provocador proyecto que reúne a Los Planetas y Francisco Contreras, más conocido artísticamente como Niño de Elche. En él la música ejerce como elemento central, aunque el despliegue resulta más eficaz (y mejor explicado) cuando aparecen también los vídeos de Andrés Duque, las ilustraciones de Javier Aramburu y los textos de Pedro G. Romero, cómplice habitual del autor de Voces del extremo (15). La revisión ya conocida del himno de Andalucía (Santo Dios), recuperando el canto religioso popular que escuchó Blas Infante en época de siega, abre el disco como si se tratara de una misa flamenca, dentro de una liturgia en donde la colisión ‘planetaria’ deviene en un space-rock más planeador que tormentoso.

Hay algún tema, como Los campanilleros, que si nos dicen, doce años después, que habían formado parte de las sesiones de La leyenda del espacio (07), nos lo podríamos creer sin mayor problema. Y

hay otros que de verdad dan la medida de esta confluencia, como ocurre con La cruz, acercándose a La saeta de Antonio Machado a través de un inesperado atajo vía Prince (The Cross), la cautivadora monotonía de Mariana o El novio de la muerte, haciendo

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del himno de la Legión una canción pop de amor romántico en la que el juego de voces (de timbres tan diferentes y difíciles de ensamblar) funciona más allá de la simple suma de marcas.

—enrique peñas

Med

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

Desig imbècil Bankrobber

top 10.

Mazoni

ROCK’N’ROLL / Los catalanes

perpetran junto al eterno Dani Nel·lo, su maestro de ceremonias casi desde su debut, otro trabajo de título diáfano, So Hot! Porque si algo es la música de The Sick Boys es caliente. El grupo se aleja ligeramente –tampoco vayan a pensar– del rock and roll de sus discos previos para acercarse más al rhythm’n’blues. Y la estrategia se torna en un acierto al escuchar piezas como la titular.

No se olvidan del rockin en canciones como It Ain’t The Rhythm, pero, sobre todo, sorprenden al ponerse más oscuros en temas como Evil Gal o You Put A Spell On Me, herederas del sonido de Screamin’ Jay Hawkins y que parecen tomas perdidas del último trabajo de Kim Lenz. Nel·lo lo pule todo y le da cohesión, consiguiendo un sonido uniforme que convierte el disco en uno de los destacados del género estos doce meses.

Verán como aparecen en muchas listas de esas de lo mejor del año.

—eduardo izquierdo

noviembre 2019 #35

MONDOVINILOS

The Muffs

No Holiday Omnivore Recordings

Los Chikos del Maíz locos por incordiar 8

Los Chikos del Maíz

Comanchería Boa Records

8 RAP / Vuelve la resistencia, la insurgencia,

los tocapelotas por excelencia del rap nacional. Y, la verdad, se les echaba de menos. Tras un de periplo de tres años de descanso, Toni y Nega han afilado sus flechas y lanzas, han puesto a punto sus caballos y han dado vida a Comanchería. Un disco que contiene todos los ingredientes que les han convertido en el grupo más odiado y más amado de la escena musical actual. El más odiado porque cargan sin piedad contra deportistas, actores, músicos, periodistas, famosos y políticos. Y los más amados porque lo hacen con un punto de humor, sarcasmo, inteligencia, picardía y creatividad del que, siendo realistas, ningún rapero puede presumir hoy en día. Si acaso Tote podría compararse, pero su mensaje no es el mismo. Porque para encontrar un mensaje como el de Los Chikos del Maíz hay que remontarse al punk-rock de los noventa, cuando la censura musical,

por paradójico que resulte, era menor que la actual. Y es que aunque no compartas sus ideas, su valentía merece respeto. ¿Y musicalmente, a qué suena Comanchería? Pues afortunadamente suena a lo mismo que Pasión de Talibanes y La estanquera de Saigón, a rap clásico con influencias de funk, alguna guitarra, pianos y mucho sampleo y scratch.

Sin dejarse persuadir por los actuales sonidos oscuros que harían que su música perdiese esa chispa con la que transforman la tragedia

Gaby Moreno & Van Dyke Parks

Parade

VARIOS / Es este un disco que, en plena era Trump, deviene en inteligente proclama contra el cierre de fronteras: la guatemalteca emplea inglés, castellano y portugués en un álbum, realzado por los arreglos de Van Dyke Parks y una orquesta sinfónica, que se erige en monumento sonoro a una cierta idea panamericana, cruce de caminos en el que el hilo conceptual de la inmigración es sinónimo de riqueza, y no la insidiosa losa que tratan de presentarnos cada día. Reflejo del talento omnívoro de Moreno – que le ha dado al blues, al jazz o al soul a lo largo de sus más de diez años de carrera– , es esta una sentida panorámica de la canción tradicional americana desde una óptica contemporánea, con anclajes en la segunda mitad del siglo pasado: balada fronteriza, joropo venezolano, bolero panameño, bossa, canción popular guatemalteca y calypso pop conformando un tapiz de sonidos tan colorista y palpitantemente honesto como su bonita portada. Una delicia.

8

—carlos pérez de ziriza #36 noviembre 2019

Goa

La deriva sentimental Jabalina

Spangled Nonesuch/ Warner

POP / Antonio Galvañ llega a su noveno larga duración de estudio con otra muestra de solidez a prueba de bombas. Nuestro humanoide tezukiano favorito lo hace cumpliendo un deseo escondido: emular a su admirado Stephin Merrit cuando montó The 6ths, con la suma de algunos de sus solistas favoritos como protagonistas vocales. El propio genio de The Magnetic Fields es versionado con Josephine, aquí rebautizada en la letra como Josefina.

Parade es más Parade que nunca a través de otras voces. Su esencia transciende como lo que siempre ha sido en el fondo: un arquitecto del pop. Así queda nuevamente demostrado en su trabajo más variado hasta la fecha, uno donde es capaz de inducir a la hipnosis cibernética por medio de Ruido de motor o devolvernos a la gran Kiki D’Aki en la fabulosa Camino. Un gran carrusel pop donde también han sido invitados Paco Tamarit, Lidia Damunt, Teresa Iturrioz o Charlie Mysterio, todo un all-star del pop nacional.

9

—marcos gendre

en comedia. En un disco que va de menos a más, con beats a cargo de Nega, Kase-O, Acción Sánchez, Yeke Boy y Griffi y un variado elenco de colaboradores como el propio Kase, Charly de Machete en Boca, Laura, Monty, David de La M.O.D.A., Erick Hervé, Mistah Godeh, Ana Tijoux y Zatu. Todos ponen su talento al servicio de la causa de Los Chikos. Y todos forman parte de un álbum que constituye un nuevo “canto a la rebeldía”. El canto de dos hermanos contra el mundo. —alfonso gil

TRAP / Goa vuelve a apostar por los sonidos que le han llevado a ser uno de los nombres más comentados de la escena urbana underground en España en el último año. Inmortal es una confirmación de que si hay una figura del trap emo o sad-trap en nuestro país ese es el de Yeyo en mi iPhone.

Tiene dominados los códigos del género y parece que las canciones le salen solas. Quizá sea este el problema: Goa ha publicado un trabajo en el que no destaca casi ninguna canción, y la que destaca, Me duele, es por la presencia de una Albany que sí que ha sabido arriesgarse y jugar con otros estilos. Pochi vuelve a formar pareja con Goa para ofrecer hasta cuatro producciones o co-producciones.

Si de algo se trata en un género tan vivo como el trap a día de hoy es de innovar y resultar imprevisible. Lo saben los pesos pesados como Yung Beef o Cecilio G, que no sacan dos trabajos iguales. Goa, por el contrario, vuelve una y otra vez al sonido que le dio la oportunidad de hacerse un hueco en la escena. —luis m. mainez

6

a decir que iba a entristecerme escuchando un disco de The Muffs? La vida te lleva por caminos raros, y uno de esos giros injustos del destino ha querido que el nuevo trabajo de una de las mejores bandas de power pop que nunca ha habido, el primero en cinco años, coincidiera con la desaparición de Kim Shattuck. El alma máter del trío fallecía tan solo dos semanas antes de la fecha prevista para el lanzamiento de este No Holiday a causa de la Esclerosis Lateral Amiotrófica que sufría hace tiempo. Una noticia desgraciada que no debería empañar la aparición de este disco magnífico, en el que The Muffs vuelven por sus fueros demostrando que no tienen rival cuando se ponen a componer melodías adictivas y la emprenden a guitarrazo limpio con ellas. Pero tampoco cuando deciden presentarnos canciones desnudas, apenas esbozos, en las que la presencia de Kim brilla más que nunca. Acongojados las escuchamos y las disfrutamos. —eduardo izquierdo Perry Blake

Matana Roberts

Inmortal La Vendición

Songs Of Praise Moochin’ About/[PIAS]

Coin Coin Chapter Four: Memphis Constellation

JAZZ / La exploración de las raíces musicales propias de una sociedad siempre es una tarea ardua y que a la postre acaba generando opiniones de todo tipo. Los límites entre lo que se presupone que son rasgos culturales intrínsecos y los aditivos totalmente ajenos a ellos en ocasiones no se pueden percibir, encontrándonos ante una obra que de verdad pueda generar un gran consenso. Esto es lo que ocurre con Matana Roberts y su proyecto Coin Coin donde profundiza en las características propias de la comunidad afroamericana bajo su siempre inquieta visión jazz.

En esta cuarta entrega, podemos sentir que el afán por asentar un sonido esquivo sigue presente, con el envite propio del blues y una improvisación delirante. La sensación que produce la escucha de este trabajo es la de un espíritu incansable por reflejar formas de vida de lo más duras como bien se muestra en la vocal Her Mighty Waters Run.

8

—noé r. rivas

POWER POP / ¿Quién me iba

POP / Ha llovido desde que Perry Blake irrumpiera como uno de los crooners del cambio de milenio. Su vuelta tras trece años nos lo presenta más electrónico que nunca: se nota la influencia de su último proyecto, Electro Sensitive Behaviour, aunque con una amplitud de registros que, siguiendo el rastro de sus héroes (Scott Walker, David Bowie o David Sylvian), acaba convirtiéndole en una suerte de Marc Almond de bolsillo: predominan en este séptimo álbum las atmósferas turbias y opresivas, sostenidas por sintetizadores que oscilan entre la agitación (The Lives Of Strangers y Wrote You A Letter) y un resultón envasado synth pop (Broken Little Orphan). También rescata el irlandés la canción que escribió hace años para Françoise Hardy (So Many Things) y saca partido a su imponente voz en un tramo final, con Hypatia’s Lament y la extraordinaria Charlie Chaplin (lo mejor del álbum) que prueban que su mejor versión es la más desnuda.

6

—carlos pérez de ziriza

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Battles

ROCK / El cuarto álbum de Battles llega marcado por los cambios: la transformación del trío en dúo tras la salida de Dave Konopka, la decisión de grabar por primera vez en Nueva York y, sobre todo, la metamorfosis del sonido de la formación americana.

Si hace cuatro años nos encontrábamos en La Di Da Di (15) con un sonido crudo y afilado, Juice B Crypts nos presenta unas melodías más coloridas y electrónicas a base de loops, sintetizadores y riffs cíclicos, creando así un terreno donde Battles se animan incluso con la experimentación.

A ello hay que sumarle la mano de Chris Trabon en el estudio y las colaboraciones que presenta el álbum, aportando sorpresas como un toque urban de la mano de Shabazz Palaces o la aparición del mítico Sal Principato (Liquid Liquid). Pero al margen de estos apoyos vocales, son los geniales e hipnóticos temas instrumentales los que consiguen hacer que esta reinvención de su sonido sea un gran acierto.

8

—guillermo chaparro terleira

MONDOVINILOS

Kim Gordon

Juice B Crypts Warp/Music As Usual

No Home Record Matador/ Popstock!

PUNK / Kim Gordon ha acabado desvelando la cara más experimental y áspera de la vida después de Sonic Youth: el trabajo que viene desplegando en los últimos tiempos es bastante menos accesible que el de Thurston Moore y Lee Ranaldo. En cierto modo es como si, en esa huida de las estructuras pop medianamente ortodoxas, volviera a los orígenes, porque este primer álbum a su nombre en casi cuarenta años de carrera, es un rotundo back to basics en el que tiene mucho que ver la producción de Justin Raisen (Angel Olsen, Yves Tumor, John Cale), un fan de las estrategias oblicuas de Brian Eno y de las producciones crudas, vivas e hirientes. Un disco austero y doméstico (pese al título), salpicado por brotes de electrónica de desguace, guitarras de papel de lija, hirvientes disonancias, beats simples y obsesivos y arrebatos de spoken word, plasmación bastante fiel de lo jodida que debe ser la vida en una ciudad tan asfixiante y esquizoide como Los Angeles. —carlos pérez de ziriza

7

Acid Arab

Blink 182

Jdid Crammed Discs

Nine VVE/Sony

Angel Olsen: un viaje emocional 7

HOUSE / En 2019, tras varios

EPs, un recopilatorio y un debut bastante notable –Musique de France (16)– ya nadie se va a sorprender con el sonido de los franceses Guido Minisky y Hervé Carvalho, quienes en 2013 comenzaron a recopilar la colección Acid Arab Collections con temas propios más colaboraciones, investigando la relación entre techno y house europeo con los sonidos árabes del Mediterráneo. Convertidos en cuarteto, junto a Pierrot Casanova y Nicolas Bome, Acid Arab tienen el mismo problema que ya demostraron en su debut: convencen cuando son más europeos y cuando se acercan más a Chicago. Cuando el cuarteto saca la 303 y le dan al ñigo-ñigo son invencibles. Ahí están Electrique Yarghol o la impresionante Club DZ para demostrarlo. También fascinan cuando se ponen más desérticos y techno, como en Rajel, o sacan el espíritu disco de la electrónica de club francesa noventera, la oscura Was Was, pero suelen fallar en los temas más vocales. —manu gonzález

6

PUNK POP / Tras el bastante

fallido California (17) (primero tras la salida de Tom Delonge y con Matt Skiba como relevo), es de agradecer que, con integrantes que ya casi rozan el medio siglo de vida, hayan incorporado en algunos cortes temáticas que van más allá del discurso pop-punk estereotipado de siempre (Hungover You, Heaven).

Es por eso una pena que la producción se empeñe en utilizar los recursos que parecen inherentes a la música pop moderna de hoy en día, siendo totalmente excesivo el uso de compresión en la batería o la utilización de autotune a destajo y efectos en las voces de Hoppus y Skiba. Este excesivo tiempo empleado en el estudio no consigue sino despojar de alma y cargarse la mayoría de canciones que, con toda seguridad, sonarían más orgánicas y sobre todo, más reales y próximas al sonido que esperamos de ellos. Esto se advierte en los momentos en los que los filtros nos dejan destellos de los mejores +44 o de su homónimo de 2003. —sofía cuevas gonzález

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Angel Olsen

All Mirrors Jagjaguwar/Popstock!

8 FOLK / Mirarse al espejo no tiene por qué ser necesariamente un acto de vanidad. Ni de autoflagelación. Angel Olsen se ha enfrentado a su reflejo para entenderse mejor.

Ha hurgado bien hondo y ha aprendido a perdonarse, así como a aceptar su lado más oscuro. El resultado de tan íntimo ejercicio de introspección (con un desamor de trasfondo) es una colección de once canciones en la cual la cantautora de Missouri ha dejado atrás su sonido característicamente lo-fi y se ha dejado abrazar por el dramatismo de una gran orquesta, unida a los sintetizadores que ya asomaron en Intern, primer corte del fantástico My Woman (16). Después de ese tímido movimiento que abría un disco donde primaba la sencillez, en All Mirrors, Olsen se ha arriesgado y ha buscado los papeles y los lazos más chillones (sin caer en lo hortera, claro) para envolver algunas de sus letras más personales. Eligió bien los dos adelantos, All Mirrors y Lark, dos aperitivos que

daban cuenta de que venía con todo y con todos los instrumentos posibles. Cuerdas y sintetizadores la envuelven y crean unas atmósferas embriagadoras, a veces fantasmagóricas e incluso incómodas, no aptas para una sola escucha. Jugando con su registro vocal, la norteamericana reconoce todo aquello que tanto nos puede costar afrontar, como son los errores propios y ajenos –en What It Is canta “saber que quieres a alguien no significa que estés enamorado”–, que realmente no nos conocen –Tonight y Summer– ni nos conocemos tan bien –“supongo que estamos a la merced de cómo nos sentimos” dice en Spring– y, en definitiva, que el amor no suele ser como nos lo quieren vender y el amor propio es esencial. Y aunque el álbum arranque con una recargada combinación de nostalgia y enfado (Lark), como si de un duelo se tratase, llega a un final de toques sesenteros y escucha más amable (Chance) en el que aún se lamenta y ve imposible un amor para siempre, pero deja una rendija abierta a la oportunidad. Todo un viaje por las emociones experimentadas por Angel Olsen, quien, tras mirarse en todos los espejos, ha descubierto y (afortunadamente) compartido con el mundo esta nueva e interesante faceta. —beatriz h. viloria

noviembre 2019 #37

Lidia Damunt

Nacer en Marte La Castanya

7

POP / Acostumbrada a no

identificarse con lo que se identifica la mayoría de la gente, Lidia Damunt regresa con Nacer en Marte, un disco en el que coquetea con el R&B y se aproxima a un pop atmosférico y sideral. La producción, a cargo de Sergio Pérez (Svper), destaca por la incorporación de la lap steel guitar. Pese a la tendencia de la música actual a subestimar la guitarra en aras de los arreglos electrónicos, Sergio y Lidia hacen un ejercicio de revisión y la reivindican, como un elemento “modernizado” dentro de un imaginario futurista. No obstante, Damunt no se despega por completo de su particular estilo country folk: de la Lidia directa que te canta sola con su guitarra como si estuviera en el salón de tu casa, a la que podrías escuchar en la pista de baile. Los que busquen en Nacer en Marte a la Lidia “de siempre”, la encontrarán. Y quienes se acerquen a ella por primera vez, se llevarán una grata sorpresa. —ángela álvarez

Los Punsetes acaban con todo Los Punsetes

Aniquilación Mushroom Pillow

8 POP / Si hace diez años alguien nos hubieran

dicho que Los Punsetes publicarían un disco inspirado en un místico y teólogo del siglo XVII (Miguel de Molinos) probablemente hubiéramos arqueado las cejas y nos hubiéramos reído a carcajadas. Dos cosas que de hecho ocurren cuando escuchamos Aniquilación, sexto trabajo de los madrileños, pero no precisamente por su falta de consistencia. Este es su primer álbum íntegramente auto-producido (cuestiones de tiempo y pura lógica han impedido que El Guincho esté presente en los controles), aunque ha sido grabado por Paco Loco y mezclado por Sergio Pérez (Svper). Casi como si de un acto de reafirmación se tratara, los límites –sonoros y líricos– de la banda se estiran aquí en todas las direcciones posibles, sin renunciar nunca a su particularísima idiosincracia. Todo aquello que forma parte del grupo está representado de forma generosa; desde

Girl Band

Joseba Irazoki

The Talkies Rough Trade/ Popstock!

ROCK / Una respiración acelerada debido a un ataque de semi-pánico es lo primero que se escucha en el nuevo álbum de Girl Band, un anticipo de lo que está por venir. The Talkies vuelve a posicionar a la banda irlandesa como una de las propuestas más delirantes y complejas del panorama. Su concepción del rock está relacionada con un sonido sucio, abstracto y sórdido, que de alguna manera pretende revelar el brutal retrato del lado más caótico de la condición humana. Por su parte, el vocalista Dara Kiely completa la experiencia con unas letras profundas y absurdas que tratan temas que van desde cosas sin sentido, hasta referencias sobre enfermedades mentales, algo que el propio Kiely ha vivido en primera persona. Toda esta compleja atmósfera convierte el regreso de Girl Band en una experiencia sonora no fácil de digerir a la primera, pero que resulta estimulante para quienes tengan la paciencia suficiente para dejarse devorar por ella.

7

—guillermo chaparro terleira

Barcelona 82

Ez Nostalgia.

Pieza Instrumentalen Bilduma Autoeditado

9

INSTRUMENTAL / Nostalgia,

en absoluto. La naturaleza inquieta, exploradora e incansable de Joseba no da lugar a perder el tiempo en inútiles añoranzas.

Sin embargo, dado que en los últimos años ha priorizado el formato de banda tanto en su propio proyecto Joseba Irazoki eta Lagunak como en Atom Rhumba, es un buen momento para recordar y valorar su trayectoria más solitaria, intimista y experimental en esta preciosa colección de piezas instrumentales. Doce temas en otros tantos años. La cuidada selección permite apreciar ecos de John Fahey, Robbie Basho, Marc Ribot, Sir Richard Bishop o Derek Bailey. Héroes y maestros de un guitarrista único. Discípulo aventajado capaz de mirar a los ojos a todos ellos y crear su propia réplica personal. Todas las composiciones funcionan por separado pero al reproducirlas juntas y en secuencia se adivinan diálogos e intersecciones que enriquecen con nuevos matices cada escucha. Una joya ineludible. —antton iturbe

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los certeros hits de pop-punk (Vas hablando mal de mí) hasta los desarrollos noise más elaborados (Estela plateada), desde las coñas más mundanas (Ella nunca aceptó en Facebook) hasta las reflexiones sarcásticas que provocan una risa agria (Idiota).

Quizás sea este también el disco en el que, de forma más evidente, conviven las dos almas del grupo; representadas por sus dos

Aaron Turner

POP ELECTRÓNICO / El lla-

mado “ovni de Vorónezh” da pie a la historia que cuentan Barcelona 82 en su último videoclip, Summertime. Pero contado de una forma muy peculiar.

Desde que da comienzo el vídeo dirigido por Juan Lesta, vemos en él reminiscencias Arcade que a algunos les recordará a Tron y a otros, a la banda sonora de Drive, cuyo tributo sigue siendo lo más escuchado de la banda en Spotify.

Pero Barcelona 82 son más que esas (estupendas) versiones, y lo demuestran sobradamente con temas tan conseguidos como el propio Summertime, My Boyfriend Is A Robot –con Sonja Oblique–, No Escape From Brazil con ese delicioso deje techno o la instrumental Seat 124D (Attack). En su segundo trabajo se incluyen canciones creadas entre 2014 y 2019, y Roza y Xavi demuestran que son un acierto seguro para los nostálgicos del buen synth wave, pero también un grupo al que echar un ojo por cualquiera que aprecie el cuidado a las texturas electrónicas. —pablo tocino

Function

Repression’s Blossom Sige Records

Summertime B82

7

compositores (y guitarristas) Jorge García y Manuel Sánchez. Por un lado los temas más referenciales y, en cierto modo, existencialistas y, por otro, los más confrontacionales y directos. Dos vertientes que se entrelazan y conviven en perfecta armonía gracias a un denominador común: la cualidad de reírse de todo (incluido de uno mismo) siempre y en todo momento. —tomás crespo

EXPERIMENTAL / Poco se puede/debe reprochar a un artista que, apenas habiendo superado los cuarenta años, ha sido el principal motor de una serie de proyectos (Isis, Sumac, Old Man Gloom, House Of Low Culture o Twilight, entre otros) capaces de revolucionar nuestra forma de entender la música extrema.

Inquieto por naturaleza y fiel defensor del “más difícil todavía”, Aaron Turner firma con su propio nombre un primer disco en el que se aleja del post-metal, del sludge y el drone atmosférico para adentrarse en sonidos más abstractos y minimalistas. Poco menos de veinticinco minutos repartidos en cuatro canciones que pecan de una hiriente inconsistencia en su conjunto: el acople sangrante de Fear Of Discovery muta en The Vanity Of Need, pieza híbrida entre el harsh noise, el drone y el minimalismo; la deconstrucción de Attar Datura, con algunos pasajes de interés, prepara el terreno para la desconcertante masa informe de Underlying Nature Of Habitual Dishonesty. —tomeu canyelles

5

Existenz Tresor

TECHNO / Existenz es el nuevo álbum del mítico productor de techno neoyorquino Function, que se publica a través del mítico sello alemán Tresor. En él toca casi todos los palos, centrándose sobre todo en el techno y haciendo paradas en la IDM y el house. Algo que salta a la vista nada más ver el tracklist y comprobar que colabora en dos temas el gran Robert Owens –uno de los cantantes más carismáticos de la escena–, quien presta su voz para un Gwroth Cycle cercano a un Larry Heard. Arranca con un tibio Sagittarius A (Right Ascension), algo que se olvida con rapidez cuando se pone con un Pleasure Discipline, cerebral y cercano a la IDM. Por tener, tiene hasta ese toque industrial que tanto gusta a su colega Regis, en temas como Vampir y Ertrinken.

La duración del disco le permite coquetear también con el rollo ambiental, como Zahlensender, e incluso darle a los breaks con un No entiendes que abre las ventanas para dejar entrar algo de luz.

9

—raúl linares

noviembre 2019 #39

NOVIEMBRE 2019 ASTURIAS Y GALICIA ASTURIAS

LA LATA DE ZINC, OVIEDO 29/11/2019 NØGEN

GALICIA

ATURUXO, BUEU, PONTEVEDRA 03/11/2019 BARRY WHITE GONE WRONG C. CULT. AURIENSE, ORENSE 08/11/2019 PIPO ROMERO CASA DAS CRECHAS, SANTIAGO COMPOSTELA (A CORUÑA) 07/11/2019 PIPO ROMERO CLAVICÉMBALO, LUGO 02/11/2019 BARRY WHITE GONE WRONG 12/11/2019 PERE NAVARRO LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 30/11/2019 NØGEN

EUSKADI

ERMUA ANTZOKIA ERMUA (BIZKAIA) 01/11/2019 NØGEN logo_nuevo_trazado.pdf

C

M

Y

CM

MY

CY

CMY

K

22/2/16

14:48:12

CASTILLA LEÓN, CASTILLA LA MANCHA Y MADRID

MUELLE, BILBAO 09/11/2019 YAMILA URKI KAFEA, GALDAKANO (BIZKAIA) 16/11/2019 PIPO ROMERO

LA RIOJA

STEREO ROCK, LOGROÑO 23/11/2019 NØGEN

NAVARRA

ZENTRA, PAMPLONA 01/11/2019 UNCLOSE

CASTILLA LEÓN

AVALON CAFÉ, ZAMORA 08/11/2019 SEX SODIO SULLIVAN LA CUEVA DEL JAZZ, ZAMORA 01/11/2019 BARRY WHITE GONE WRONG C.T. AVALON GREEN, SORIA 14/11/2019 PIPO ROMERO

LA CASA DE LAS MUSAS, BURGOS 29/11/2019 ENRIKE SOLINIS

CASTILLA LA MANCHA PÍCARO, TOLEDO 28/11/2019 MARISA VALLE ROSO

LA LATA DE BOMBILLAS, ZARAGOZA 01/11/2019 MOW 08/11/2019 YAMILA 29/11/2019 PAVVLA LA BÓVEDA DEL ALBERGUE, ZARAGOZA 15/11/2019 PIPO ROMERO

30/11/2019

BROKEN BROTHERS BRASS BAND

BALEARES

NOVO CAFÉ LISBOA, PALMA MALLORCA 29/11/2019 THE ZEPHYR BONES

SIROCO 07/11/2019 30/11/2019

MARÍA GUADAÑA PAVVLA

WURLITZER BALLROOM 20/11/2019 UNCLOSE

THE ROSE YUNCLER, TOLEDO 09/11/2019 SEX SODIO SULLIVAN

ARAGÓN, BALEARES Y CATALUÑA ARAGÓN

MADRID

CATALUÑA

NOVA JAZZ CAVA, TERRASSA (BCN) 8/11/2019 PERE NAVARRO MILANO COCKTAIL BAR, BARCELONA 09/11/2019 PERE NAVARRO

ANDALUCÍA Y CANARIAS ANDALUCÍA

FUN CLUB, SEVILLA (MONKEY WEEK) 22/11/2019 MARÍA GUADAÑA y THE ZEPHYR BONES 23/11/2019 YAMILA y PAVVLA

CANARIAS

AGUERE CULTURAL, TENERIFE 16/11/2019 THE ZEPHYR BONES

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

MONDOVINILOS

Sophie

Oil Of Every Pearl’s UnInsides NonStop Remix Album Future Classic/ Transgressive

Manel se reinventan en su quinto álbum

ELECTRÓNICA / Un año después de entregarnos su primer álbum, Sophie publica una entrega en la que nos aporta una nueva visión de su debut mediante un conjunto de remixes y alguna que otra canción que se había dejado en el tintero. En formato doble disco, la artista escocesa acentúa más que nunca los sonidos metálicos de sus canciones, logrando que el carácter hiperactivo que acompaña a sus melodías se vea fortalecido.

Desde efectos laser gun hasta un aumento considerable de las revoluciones originales, recursos de lo más diversos para retorcer sus composiciones e incluso hacer que sea difícil relacionarlas con su versión original, algo que por ejemplo ocurre con Ponyboy. Tanto trabajando sola como al lado de figuras como Doss, BC Kingdom o Bibi Bourelly, Sophie logra alejarse por completo de la etiqueta PC Music, haciéndonos ver cómo es capaz de adaptarse a diversos géneros sin perder las texturas frías y robóticas que plagan sus temas. —noé r. rivas

7

Manel

Per la bona gent Ceràmiques Guzmán

8 POP / Acomodo y nuevo disco de Manel

son conceptos totalmente antagónicos. Y aunque es bien cierto que experimentar no tiene por qué llevar a nadie a mejores resultados, es un placer dejar constancia por escrito de lo mucho que consiguen Guillem, Roger, Martí y Arnau en cada uno de sus movimientos discográficos. El cuarteto llega a buen puerto prácticamente siempre, aunque una primera escucha descoloque lo indecible. Es lo que le ha ocurrido a todo el mundo al escuchar por primera vez Per la bona gent, el tema, con ese duelo abrumador entre Guillem Gisbert y una Maria del Mar Bonet sampleada con total respeto, o ese hit de pop desenfadado y autoparódico inspirado en Talking Heads –con guiño a Kraftwerk incluido– que es Boy Band.

Manel, además, han jugado muy fuerte con los avances. Anticipar así Per la bona gent era anticipar que Manel no están en

el mismo lugar en el que estaban un tiempo atrás. Objetivo conseguido. Pero ahora ya tenemos el álbum aquí y lo primero que llama la atención son sus piruetas con sampleados de música catalana –desde la ya citada Maria del Mar Bonet a una Maria Cinta warpeada, pasando por Gato Pérez, Els Pets o Lluis Llach–, pero no dejemos que eso se lleve todo el protagonismo. Porque lo que realmente vale la pena en es el buen puñado de canciones que

Tunes Of Negation

Barbarian Swords

Reach The Endless Sea Cosmo Rhythmatic

9

AMBIENT / Al igual que el

famoso explorador con su mismo apellido, Sam Shackleton gusta de abrir nuevas sendas y descubrir territorios, en su caso dentro del ámbito de la música electrónica. Ese culo inquieto que le caracteriza le ha llevado a formar este nuevo proyecto compartido con otros tres músicos: el teclista Takumi Motokawa, el percusionista Raphael Meinhart y la cantante Heather Leigh. Juntos dotan de un sonido más orgánico a unas producciones que se meten de lleno en el mundo de la meditación y los mantras a base de cantos sagrados, acompañados de una música ideal para meditar y viajar sin moverte del sitio.

Tundra Erotic, por ejemplo, es uno de esos temas río que atrapa por su sencillez y hace que pierdas la noción del tiempo y el espacio.

Otros, como Nowhere Ending Sky, no tienen mucha percusión, pero se ve suplida por un drone de bajo ambiental y unos sintetizadores que se te meten poco a poco, pasando por cerebro y llegando al estómago. —raúl linares

Mikal Cronin

METAL / Sin lugar a medias

tintas, las hordas del grupo liderado por el infame Von Pax (voz) regresan con un nuevo álbum pocos meses después de su notable aportación en el split Tetrarchia Ex Bestia (19). Un título que es, en sí mismo, una declaración de intenciones en la que se han desprendido –quien sabe si temporalmente- de su vertiente más doom para imbuirse de pleno en un amasijo bastardo en el que se confunde el black metal de Marduk o Impaled Nazarene, el war metal noventero de Bestial Warlust y el crust apocalíptico de Filth Of Mankind. La evidente simplificación de su fórmula y el planteamiento general del disco –todo más sucio, más rápido e infinitamente más perverso– juega a favor de la banda catalana, firmando una obra en la que abundan los momentos memorables, como How To Destroy Christianism, Pig Crap Shitty Christ, Be The War o los aires punk de Jesus The Pederast. De lejos, su obra más extrema y adictiva.

—tomeu canyelles

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ROCK / La carrera de Mikal

Cronin continúa por los derroteros más lógicos que cabría esperar, encontrándonos un nuevo trabajo que refleja como el californiano ha sabido construir una personalidad musical identificativa y alejada de la sombra de Ty Segall. Hace ya un par de trabajos que se despojó de todo atisbo garagero para guiar sus canciones a través de una vía bastante popera de guitarras que tienden hacia lo épico. En Seeker se consolida esta faceta, dotando a cada tema de arreglos de corte clásico, pero haciendo que nada parezca calculado, sino más bien pasional y entregado a la esperanza frente a los días más extraños. Tanto en su cara más impetuosa mostrada en I’ve Got A Reason como en las composiciones de estado de ánimo un tanto decaído como ocurre en Guardian Well es capaz de guiarlo todo por un apartado melódico muy bien definido y que al mismo tiempo huye de todo tipo de linealidad. Su disco más completo y coherente. —noé r. rivas

Big Thief

One True Pairing

Seeker Merge/ Popstock!

Totemic Anal Turbofucker Blood Fire Death

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Manel se han sacado de la manga sin copiarse a ellos mismos. Así, tan pronto modernizan sus coordenadas habituales (Canvi de paradigma, Els entusiasmats) como se acercan a Talking Heads (Tubs de ventilació, Boy Band), juguetean con la idea de parecerse a James Blake (Formigues, en la que Gisbert toma prestadas dos estrofas del poeta Jacint Verdaguer) o de rasqui a M.I.A. (Aquí tens el meu braç tiene algo de Paper Planes a la catalana). —joan s. luna

Two Hands 4AD/Popstock!

One True Pairing Domino/Music As Usual

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POP / Thomas Fleming, ex

Wild Beasts, sopla sobre las cenizas del grupo tras su disolución y encuentra un nuevo camino al que seguir. Se agarra a todas las frustraciones personales y profesionales que ha acumulado en los últimos años y genera un disco oscuro y crudo cargado de historias de desesperación, dando así un golpe en la mesa para hablar del colapso de la realidad actual y la lucha por la supervivencia. A pesar del pesimismo, tras esas capas de terror el disco dispara ciertas dosis de esperanza. En su búsqueda hacia una nueva identidad, Tom se coge de la mano de Ben Hillier (Depeche Mode) para la producción del álbum. Una pareja ideal para crear un buen disco definido por unas estructuras muy poperas que, a su vez, se mezcla con una electrónica intimista y compleja.

A destacar, esa crítica a la explotación de la clase obrera en Dawn At The Factory o la protesta por una educación centrada en el exceso de masculinidad de la que habla en Weapons. —álex jerez

POP / En apenas tres años de andadura Big Thief ha alumbrado un total de cuatro largos con los que ha forjado su identidad en el panorama indie folk de finales de la década. Two Hands se aproxima impasible a su predecesor, U.F.O.F. (19), pero desde una perspectiva distinta, donde las composiciones de Lenker y compañía se alejan de lo espiritual para abrazar un plano más terrenal. Tienen claro lo que quieren ejecutar desde el origen, y lo demuestran con temas tan apabullantes como Forgotten Eyes, afincado en un melodioso new folk pop de guitarras acústicas e hipnótica línea vocal. Tomas captadas en directo y el sonido noventero de Shoulders. O Not, cúspide del disco, donde los vaivenes vocales culminan en un memorable clímax eléctrico. Un disco desnudo que hace justicia al estado de forma de Big Thief. Two Hands se asimila desde la primera escucha, sumando piezas sobresalientes a la colección de los neoyorquinos. —iñaki molinos

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noviembre 2019 #41

ILUSTRACIÓN

42/Mondo Media CÓMICS Pizza Chica y las lloronas Bàrbara Alca Sapristi

8 La primera obra de formato largo de Bàrbara Alca es toda una sublimación de las características que la han convertido en una autora a seguir, a saber: un humor tan amargo como personal, una personalidad estética definida y arrebatadora, y una capacidad para reflejar lo generacional sin asomo de artificio.

Explotando el delirio de lo cotidiano, Alca consolida en este Pizza Chica y las lloronas un universo antiheroico que engancha. —alex serrano Indigno de ser humano Junji Ito ECC

8 Nos avisó hace un par de años. Ito, uno de los mayores talentos del manga de terror, da un importante paso adelante al adaptar (en tres tomos) uno de los clásicos más incómodos de la literatura japonesa, Indigno de ser humano de Osamu Dazai. Y el experimento da muy buen resultado, consiguiendo que Ito trabaje con un universo igual de malsano, aunque menos sangriento del habitual en sus trabajos. —joan s. luna #42 noviembre 2019

ros pensando, b re ce s o d s o m o “S ntiendo y dos corazones si bajando” cuatro manos tra

Cachetejack Ilústrame Cachete Jack es un colectivo valenciano de ilustración y creación freelance formado por Nuria Bellver y Raquel Fanjul. Su universo es una potente amalgama de enérgicos colores, un realismo que parece casi de otro planeta y el toque inconfundible de la ilustración manual.

Charlamos con ellas a cuenta de su último libro: Un monstruo de dos cabezas (Peripé Books, 19), que recoge una muestra de su trabajo.

N

uria y Raquel, léase Cachetejack, trabajan con multitud de soportes y en todos ellos su estilo queda patente: esa mezcla de preocupación social, colorismo pop a granel y en trazo grueso, y siempre, un chispazo de ancestral sabiduría ecuménica (femenina) y cotidiana, práctica, necesaria, que se deja caer por carteles, murales, diseños de ropa, ilustraciones, portadas de libros, discos, exposiciones, etcétera. Lo que mola de ellas es que igual hacen trabajos para The New Yorker o para Hermés como para Oxfam Intermón,

un fanzine, un festival de circo, calcetines o una marca de chocolate.

Lo que viene a refrendar el hecho de que el cachetismo es, en cierto modo, necesario.

—¿Cómo le explicaríais a alguien que no os conoce qué es el cachetismo?

El «cachetismo» es el lenguaje con el que se expresa Cachetejack en sus ilustraciones. Definido sería algo así como darse cuenta de todo sin parecerlo.

—¿Cuáles son los retos, ventajas y dilemas de trabajar a cuatro manos?

Una amistad es la base firme de este trabajo. Somos dos cerebros pensando, dos corazones sintiendo y cuatro manos trabajando. Todo suma excepto la división de las ganancias.

—¿Nos habláis un poco más sobre eso de vuestra vida nómada? En qué y cómo afecta a vuestro trabajo y a la forma en la que veis la vida?

En los últimos ocho años hemos vivido, aunque sea por varios meses, en al menos nueve países diferentes. Son influencias directas en nuestro trabajo: experimentación, adaptación y novedad. Afecta directamente al modo de vivir, pensar y relacionarte.

—Libros, periódicos, exposiciones, ropa, portadas, arte urbano… ¿Qué es lo que os gusta más?

Nos gusta lo que más la variedad, no estancarnos solo en una cosa concreta.

—¿Qué está pasando en Valencia ahora mismo?

Estamos realizando nuestro último encargo: un mural perteneciente a la serie «Mujeres y ciencia», murales sobre mujeres pintados por mujeres, horchata fresca y

paellas hechas en leña en las barracas de la Albufera.

—En el 2016 en la revista Gràfica hablabais de dinero vs ilusión. ¿Seguís viendo la cuestión en los mismos términos?

Esto está un poco descontextualizado.

Habría que leer la entrevista para ver que dijimos. Seguimos pensando que los proyectos deben moverse desde la ilusión y el amor antes que desde el dinero.

—Manuel Garrido os define con seis palabras: Amor, libertad comunicación, humor, compromiso y trabajo. ¿Añadiríais alguna más para definiros? ¿Matizaríais alguna de ellas?

Manuel Garrido siempre nos ha cuidado excelentemente desde nuestros inicios. Coincidimos con él en estos calificativos para definir nuestro espíritu, no podemos matizar ninguna de ellas ya que funcionan en colectividad.

—Publicar en The New Yorker es cómo tocar el cielo (con los lápices)? ¿Qué hay más allá de ese cielo?

Cualquier acto social y comprometido con los problemas de nuestros contemporáneos.

—¿Os acordais de la primera vez que hicisteis algo creativo juntas?

Nos conocimos el primer dia de matrícula en la universidad y recordamos alguna broma de ese momento, suponemos que sería suficientemente buena para construir una amistad tan duradera.

—Cuando veo vuestro trabajo diría que me produce una suerte de felicidad crítica, ¿Está bien? ¿Es este el mismo feedback que recibís de la gente? ¿Qué os dicen sobre vuestro trabajo?

Todo lo que nuestro trabajo sugiera a cada individuo es válido. Nuestro trabajo no es unidireccional, siempre va a crear un diálogo con el espectador. —josé de montfort

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Un monstruo de dos cabezas Cachetejack Peripé Books, 19

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Chuck Klosterman Es Pop

9 Reedición con nuevo título de aquel Pégate un tiro para sobrevivir, que en 2006 editaba Reservoir Books. Y no solo me ha parecido mejor que en su momento (y ya me pareció enorme), quizá gracias a un buen repaso a una traducción que en su momento flojeaba, sino que revivir esas anécdotas rockeras bajo el impagable prisma de Klosterman me ha vuelto a hacer tener ganas de recuperar literatura musical.

—eduardo izquierdo Vámonos (para poder volver).

Acordes y discordias con Wilco, etc.

Jeff Tweedy Sexto Piso

7 Jeff Tweedy lleva años plasmando su vulnerabilidad en canciones, y ese propósito es el principal valor añadido de una autobiografía jugosa, humilde y sencilla. Leerlo ayuda a entender también por qué edita discos como rosquillas, sin preocuparse por cómo la crítica o el público los encajarán: nadie se arrepiente de haber hecho un disco fallido cuando está en su lecho de muerte, dice. —carlos pérez de ziriza Morbo legítimo

Niño de Elche Bandaáparte

7 Morbo legítimo es menos un libro de poemas al uso que una extensión conceptual del proyecto artístico de Niño de Elche, pero en plan rizomático, con versos únicos (sentenciosos o evocativos, a veces casi aforísticos) a los que se le suman textos más largos en prosa que funcionan al modo de la raíz, para darle consistencia al conjunto. El morbo tiene que ver aquí con el amor entendido como enfermedad. —josé de monfort

Ernesto Castro ¿Filosofar sobre trap?

No se sabe qué tiene el trap, pero desde luego, como apuntan los propios traperos, bebe mucho de lo espiritual.

Quizá sea por ello que el pensador Ernesto Castro ha decidido dar un paso adelante y lo ha descuartizado intelectual y filosóficamente en El Trap. Filosofía millennial para la crisis en España (Errata Naturae, 19).

D

espués de escribir este beef en forma de libro a todo el trap nacional, ¿te ha caído alguno de vuelta?

Le mandamos a varios traperos algún ejemplar. Algunos han dado acuse de recibo, como Boyanka Kostova o C. Tangana. El que mejor está haciendo su papel en las redes es Yung Beef, quien, cuando voy anunciando cosas en las redes sobre el libro, está en Twitter troleando tipo: “te pareces a C Tangana”, “Ya me jodería que Víctor Lenore y sus coleguitas se hicieran pajas con tu portada de color pastel”… El papel de Yung Beef es estar a la contra de este tipo de libros. ¿Acaso escribir un libro sobre el trap no es eliminar aquello que tiene de místico? La respuesta es sí. Por lo tanto, su papel es revolverse contra mí, ya que esta escena es ajena al mundo de la filosofía —¿Entonces, por qué intelectualizar el trap y filosofar al respecto?

El libro es una reflexión de un tipo que no ha ido nunca a un concierto de música urbana y que se vanagloria de ello porque su pretensión es hacer una reflexión de segundo orden sobre mitologemas que atraviesan el trap por la vía social, política, estética… El libro, más allá del trap, es una radiografía de mi tiempo y mi generación a través de la música.

—¿Podrías definirlo en pocas palabras?

El trap es aquello de lo que no se puede hablar y es mejor no callarse.

—¿Qué hay después del trap?

El post-trap es la música que viene de la experimentación desde el trap. En sus inicios, el trap era un género muy simple. Unos años después, requirió de viejas melodías del pop, del R&B… Hemos asistido a una nostalgia millennial de Britney Spears, la saga Pokemon, las videoconsolas. Abreviando: el futuro es inevitablemente el pasado.

—Si hubiera que definir al trap con una palabra sería contradicción.

Es el espíritu situacionista de cargarse el sistema desde dentro, que con la aparición de las redes sociales se ha convertido en un espíritu troll: no que-

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da muy claro qué es lo genuino y qué lo paródico.

—En este punto surge un nombre, un movimiento y una palabra: Zowi, el feminismo y puta.

En castellano la palabra puta tiene un componente exclamativo: “Me lo paso de puta madre”. Pero al mismo tiempo, es el mayor de los insultos. La Zowi restablece ese poder exclamativo dinamitando el lenguaje.

—¿Por qué motivo le pones al trap la etiqueta de impolítico?

Los recalifico desde una crítica de izquierdas que viene a decir que en el trap únicamente hay hedonismo, expresión de la decadencia cultural de la clase media… Yo creo que esto es al revés: que la decadente clase media se apropia del trap y lo convierte en decadencia con figuras como Don Patricio o Nathy Peluso. Me parece ridículo intentar hacer la música grande, de tacharse de artista en vez de un artesano o camello, como se considera Yung Beef.

—¿Va a suponer esto la muerte del trap?

A partir de 2017-2018 no asistimos a la muerte de definición del trap, sino la muerte de su esencia: se da un panorama en el que no queda muy claro qué es salsa, reguetón… Estamos a la espera de que surjan músicos puros. El trap, por contraposición a un panorama rapero amplio, se define como un género que solo va a hablar de drogas, con un estilo y unos ritmos muy particulares.

—Al final has respondido a qué es el trap.

Me has conseguido llevar al huerto (risas). —carlos martínez

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El trap. Filosofía millennial para la crisis en España Ernesto Castro Errata Naturae, 19

del “El libro, más allá fía ra g trap, es una radiopo y mi em de mi ti vés de generación a traúsica” la m

FOTO: ARCHIVO

Matarse para vivir

LIBROS

LIBROS

noviembre 2019 #43

44/Mondo Conexiones Airbnb <> Concierto de KISS con tiburones blancos

Aloft Hotels <> Mala Rodríguez El pasado mes de octubre la ganadora de dos Grammy Latino, Mala Rodríguez, se subió al escenario de la azotea del hotel Aloft Madrid Gran Vía ubicado en pleno centro de la capital para ofrecer un concierto muy diferente en formato acústico. Esta fue la tercera parada del proyecto “Live @Aloft Hotels Homecoming Tour” en colaboración con Universal Music Group and Brands (UMGB), que ofrecerá una gira por ocho ciudades. El objetivo es ofrecer actuaciones gratuitas en la cadena de Aloft Hotels de todo el mundo, apoyando así a la comunidad de artistas llevándoles a los lugares que los convirtieron en lo que son hoy. La entrevista a Mala Rodríguez está disponible en la web y canal de YouTube de Mondo Sonoro.

Con motivo del lanzamiento de Experiencias con animales en Airbnb, la plataforma ofrecerá a ocho personas la oportunidad de sumarse al concierto de la legendaria banda de rock KISS. La peculiaridad de esta actuación es que ha sido diseñada para atraer a los tiburones blancos de la costa de Port Lincoln, en Australia, donde los miembros de KISS Paul Stanley, Gene Simmons, Eric Singer y Tommy Thayer tocarán sus grandes éxitos en la cubierta de la embarcación, que serán amplificados por encima y debajo del agua para atraer a los tiburones. La experiencia tendrá lugar el 18 de noviembre con un coste de $50.

Happy Socks <> Rolling Stones

Levi’s® Music Project <> Alizzz Levi’s® Music Project es un proyecto a largo plazo de apoyo a las comunidades locales de todo el mundo facilitando el acceso a la educación musical para la formación de jóvenes artistas. Su segunda edición se celebró la pasada primavera en Barcelona y contó con la colaboración del productor musical Alizzz, quien llevó la dirección de un programa pionero de producción musical para un grupo de doce alumnos en la escuela Microfusa. El curso se desarrolló en los meses de marzo a julio y terminó con un concierto final de los alumnos y Alizzz en Razzmatazz. El documental ya puede verse en YouTube.

Tras el éxito de su primera colección, Happy Socks y los Rolling Stones han creado una nueva colección de calcetines llena de color y con el mítico grafismo que caracteriza a la banda. La colección está disponible en seis modelos distintos para adulto y cuatro para niños.

Sony Music <> Trópico Sonoro

Mahou <> Wahou! By Mahou El pasado 29 de octubre abrió sus puertas la primera tienda física de la colección Wahou! by Mahou, siendo la primera tienda de propuestas lifestyle de una marca de cerveza que abre sus puertas en Madrid (C/ Augusto Figueroa 27). En su interior podemos encontrar objetos de decoración, accesorios como mochilas, gorras, paraguas, camisetas exclusivas y objetos de regalo, así como colaboraciones con otras marcas inspiradas por el imaginario de Mahou con más de 125 años de historia. #44 noviembre 2019

Sony Music Spain ha creado un nuevo espacio para dar visibilidad y ofrecer nuevas conexiones a la otra música latina. Se trata de Trópico Sonoro, un ecosistema en el que descubrir artistas y acercarlos a nuevos públicos. Además, también sirve para que los propios creadores musicales tracen puentes entre sí, facilitando de esta manera la producción y el desarrollo artístico. Por ahora, este espacio cuenta con artistas como Natalia Lafourcade, Bomba Estéreo, Residente o Monsieur Periné.

Wegow <> Domino’s Live Music Wegow, la plataforma de referencia para los amantes de la música en vivo, en colaboración con Domino’s Pizza, lanza el proyecto Domino’s Live Music para apoyar la carrera de artistas emergentes y la industria musical a través de las salas. Los encargados de inaugurar los #WegowLive Domino’s Live Music fueron The Parrots en una tienda en el centro de Madrid, donde un centenar de afortunados pudieron disfrutar de una barra libre de pizza y bebida.

A través de su perfil en la web de Wegow, Domino’s Live Music sorteará entradas de conciertos, promociones para canjear en los Domino’s Pizza más cercanos a salas de conciertos en toda España y otras muchas más acciones que combinan el hambre de los conciertos con una buena pizza. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Hablan los artistas A pesar de que históricamente noviembre es un mes en el que se nota el bajón de lanzamientos de final de año, repasando nuestros veinticinco números de noviembre previos encontramos contenidos tan potentes como los que ves a continuación. Además también fue el mes en el que celebramos nuestro 20 aniversario con una gran fiesta de la que formaron parte Love Of Lesbian, Sidonie, Standstill y Dorian.

RREn 1998 R.E.M. publicaban Up, oportunidad magnífica para que una de las formaciones más míticas de las últimas décadas ocuparan la portada de Mond Sonoro. Don Disturbios se fue a New York a entrevistar a Michael Stipe y cumplir un sueño. Fue en nuestro número 46, en noviembre de 1998.

RREn noviembre de 2003 (número 101) nos permitíamos la sobrada de llamar feos a Death Cab For Cutie en nuestra portada.

Nada personal. De hecho todo lo contario, porque pocas bandas han marcado tanto el devenir de Mondo Sonoro como los de Ben Gibbard, que en este momento en concreto publicaban Transatlanticism, disco del año para esta publicación.

RRAún sin la trascendencia mediática de otras bandas, posiblemente Sunny Day Real Estate hayan sido una de las formaciones más importantes en la historia de esta publicación. Nos dejaron cuatro discos hermosos y al borde del desgarro emocional y con el último de ellos, The Rising Tide, fueron portada en el número 68 (noviembre de 2000). Joan S. Luna, fan fatal de la banda les entrevistaba.

RRRosalía ocupaba la portada de nuestro número 266 publicado hace exactamente ahora un año. Fue la primera de las dos veces que la más rutilante estrella nacional de los últimos tiempos apareció en portada de Mondo Sonoro: volvería a ocuparla sólo dos meses más tarde cuando El mal querer fue señalado como mejor disco nacional de ese año.

“A nosotros nos gusta ‘New York City Cops’.

Vivimos en Nueva York y los polis han matado a más gente de la que dicen” (Julian Casablancas de

The Strokes, noviembre 2001)

“Ser guapo no me hace vender más discos. ¿Qué se supone que debo hacer? ¿Seguir igual que en mis primeras grabaciones?” (Evan Dando de The

Lemonheads, noviembre 1996)

(Borja Duñó, sobre White Blood Cells de The White Stripes, 2001)

#46 noviembre 2019

“Sus buenos momentos sorprenden, sus errores desmerecen... Utilizan los trucos de producción de todas las bandas mainstream que arrasan en Estados Unidos” (Joan S. Luna, a propósito de Hot Fuss de The Killers, 2004)

C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

“Beth escribió estas canciones porque lo necesitaba. Ella no es como Kylie Minogue, que un buen día puede levantarse y escribir una canción triste porque le apetece” (Geoff Barrow de Portishead, noviembre 1997)

Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245

Hablan los críticos

“Jack y Meg White rompen esquemas con una propuesta que es tan revisionista como interesante. Su garage pop no tiene nada de nuevo. Pero las melodías no se les resisten precisamente”

Edita Sister Sonic, S.L.

Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

“Una expectación que se echaba de menos en un grupo nacional precedía a III. Lo cierto es que este parece ser el punto de inflexión definitivo a partir del cual estar más apretujados en sus intensos conciertos”

“No se trata de su álbum de confirmación, más bien estamos ante su Rubicón personal. Ídolo es un caballo de Troya con el que toda una escena se va a colar en la corriente principal de la música en nuestro país.”

(Ignacio Pato L. a propósito de III de Toundra, 2012)

(Tomás Crespo, a propósito de Ídolo de C. Tangana, 2017)

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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