Mondosonoro octubre/1 2020

Nยบ 288 Octubre 2020 www.mondosonoro.com

KIDD KEO, GRISES, BIFFY CLYRO, IDLES, MONTEROSA, BUZZARD BUZZARD BUZZARD, ALEXANDER SOM, VARRY BRAVA JOTA MAYร SCULA, BELAKO, JAMES DEAN BRADFIELD, JON BILBAO, GABRIELA CASERO, BELADRONE, MARILYN MANSON

Matt Berninger Solo pero no tanto

LET THE HEAR YOU

28/09 - 11 SUBMIT YOUR VANS

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1/10/2020 R MUSIC ON S.ES

Kidd Keo Resistencia S trap

"En 2016 el revuelo era e el trap. Ahora tiene qu haber alguien que lo mantenga

El alicantino Kidd Keo es, por derecho propio, uno de los nombres más importantes de lo que empezó siendo la escena trap española, uno de los pocos que no ha cambiado de estilo para acercarse a lo comercial y el único que sigue fiel a los códigos musicales que le auparon a la fama desde una multinacional como Warner Music Latina. Ahora lanza su segundo álbum de estudio, el primero desde su firma millonaria, Back To Rockport (Warner, 20), que, sin embargo, vino precedido de un EP, Rockport Espacial, especialmente inspirado.

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U CARÁCTER A VECES irreflexivo y sin censura pero, sobre todo, esa constancia y lealtad a los sonidos de la calle, le han granjeado un gran número de fans fidelísimos, así como detractores que le critican cada cierto tiempo en redes sociales. Back To Rockport y Rockport Espacial giran alrededor del concepto de la ciudad de Rockport, un lugar lleno de clubes, coches caros, drogas y diversión en el que nadie quiere ir a dormir.

—Tu último trabajo me parece muy ambicioso y una seña de distinción.

Venías desde un álbum que tenía la cuarta parte de temas.

Rockport Espacial era la cosecha de los temas que no iban a salir en Back To Rockport. Yo tenía temas ahí sueltos, a mitad de hacer. Temas que me había tirao en Nueva York que eran solo una parte, o un estribillo,. Cogí el a capella y los convertimos en temas de techno aunque eran temas de trap en su inicio.

—Los reconviertes a tech trap y me parece un movimiento valiente.

En cuarentena era muy difícil escribir.

Todo el día encerrado, no tenía nada

FOTO: ARCHIVO

5/Mondo freako

que escribir. Y la electrónica es la única música… Bueno, imagino que habrá alguna otra, pero no creo que haya muchas canciones de electrónica que te depriman. Entonces para estar encerrado en cuarentena, que ya estábamos suficientemente deprimidos, el techno me ayudaba a levantarme. Ahora estoy preparando el segundo, Rockport Espacial 2.

—¿En la misma tónica?

No sabemos aún cómo van a salir los temas, en realidad. Pero van a ser colaboraciones. Quiero coger gente que no ha hecho nunca techno y meterlos en un electro, de forma que para su clientela sea nuevo. Algo bastante guay. Creo que nunca se ha hecho. Que de repente salga Kidd Keo con… , no sé, cualquier nombre, Kidd Keo ft. C. Tangana, por decirte uno, que somos personas que hacen cosas diferentes, pero en electrónica. Un Kidd Keo con Kiko el Crazy, con un cantante de reggaeton o Myke Towers, que no tengan nada que ver con electrónica.

—¿Crees que has lanzado este proyecto por la tradición de electrónica que hay en Levante? Aunar dos mundos propios, ¿trap y electrónica?

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octubre 2020 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Mis lectoras y lectores favoritos

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fuese “Quería que este disco tual un poco el disco concep de trap en España”

A mi ex pareja le gustaba muchísimo el techno, me lo puso a escuchar y yo acabé haciéndolo… Soy un artista que escribe bajo la depresión o bajo la impotencia, o la euforia.

Mis canciones de trap hablan del barrio o de cosas tristes, como Miss U. Mi arte escrito, mi expresión escrita, sale un poco de la tristeza, de la euforia o de la ira… Entonces el electro me hizo expresar otras cosas, como la felicidad. Gracias al electro encontré otra forma de expresarme.

—Desarrollas el concepto del álbum no de una forma tradicional de escucharlo entero o seguido, sino como una playlist de lo que eres tú o tu música.

Exacto. Cátatelo tú y decide cuándo entras, en qué momento. Rockport va con el mundo de los coches porque creo que la vida de un chaval de entre diecinueve y veintisiete años se resume dentro del coche. Un chaval con dieciocho o diecinueve necesita un coche. La ciudad se te queda pequeña. En un coche se mueven muchas cosas, al menos a mi edad. Ahora tengo veinticinco y es una forma de unirme a la calle. Antes yo vendía y hacía mis cosas, pero ahora soy artista. Ahora lo que me une a la calle es que yo estoy todo el día en el taller de mi colega haciendo cosas a los coches. Quedamos por la noche cuando no tenemos nada que hacer, vamos a pisarle al coche y los fines de semana hacemos quedadas. Estamos con las litros viendo a los coches hacer frenadas y hacer donuts, vamos a la discoteca y gusta entrar con la música y si tienes un buen carro todas las chavalas están en la fila.

—Un poco el rollo de parkineo como en el Fabrik.

El botellón, el parkineo. Eso es algo que yo puedo estar orgánicamente promocionando y promocionando mi película. Si mi ciudad fuese de magnates que se gastan dinero todo el día y que va de algo así o de vivir en Hollywood, un chaval de mi barrio no se va a sentir identificado. Pero con Rockport un chaval de mi barrio que tiene el escape libre pasa por aquí y pega un petardazo al coche y me saluda. Y a eso me refiero. De ahí viene el #6 octubre 2020

concepto de Rockport y que cada uno lo coja como quiera. Pueden ser videoclips, ropa, las quedadas, etcétera. Yo quería hacer quedadas guapas con música coches, fiestas... Ya lo haré cuando abran las fronteras.

—La impresión que tengo con este trabajo es que tienes una forma de entender la movida más americana y que tus temas son temas de trap sin complejo. Porque parece que aquí el trap fue para algunos solo una puerta de entrada, y tú lo sigues llevando por bandera.

Yo soy español y siempre lo voy a ser. Los dos grandes mercados son Estados Unidos y Latinoamérica, pero yo no soy latino ni norteamericano. Soy blanco y soy de Europa. Mi idea es enseñarle al mundo lo que se hace en Europa.

Pop Smoke, que en paz descanse y es mi referente, se hizo famoso porque estaba buscando bases en Internet y se encontró bases de un pavo de Londres. El drill de Nueva York, que parece que ahora es lo mejor, lo llevan haciendo en Londres mil años. Yo, que he firmado por Warner Miami, podría haber dicho vamos hacer comercial, reggaeton y me hubiese pegado el triple. Pero de puertas para afuera hubiera sido uno más haciendo reggaeton y no lo haría tan bien como J Balvin, y en España ¿qué? En España todo el mundo está haciendo comercial. Cuando yo empecé había muchos haciendo música de calle: Rels B hacía hip-hop.. C. Tangana con Alligators hacía mazo movidas.

Pimp Flaco y Kinder Malo haciendo trap… ¿Qué ha pasado? Rels B hace música tranquilita, Tangana hace comercial… Ya no hay figuras de música de calle. Hay mucha gente que sigue cantando de calle pero se mantienen en el underground. De puertas para dentro quería que este disco fuese un poco el disco conceptual de trap en España, porque si no lo hacía yo no lo iba a hacer nadie. Todos los artistas que salieron, salieron porque se generó una movida que se llama trap que fue lo que llamó la atención.

En 2016 el revuelo era el trap. Ahora tiene que haber alguien que lo mantenga. —LUIS M. MAÍNEZ

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ARA MONDO SONORO, como medio musical especializado, el lector es fundamental. Si existimos es porque vosotros nos leéis y porque con vuestra atención nos dais la energía y el peso suficientes para seguir adelante.

Gracias a las decenas de miles de personas que nos leen cada día podemos continuar diciendo con orgullo que somos uno de los medios musicales más relevantes de las últimas décadas en este país y un referente sobre lo que aquí ocurre para mucha gente que nos lee desde fuera. Sois mucha gente y os estoy francamente agradecidos. En lo personal y en lo profesional. Cada vez que alguien comenta, aunque sea fugazmente, que le ha prestado atención a algo que he escrito o que alguien ha escrito en nuestras páginas, me siento orgulloso y –insisto de nuevo– agradecido, muy agradecido. Imagino a quien nos lee desde el otro lado del ordenador o con la revista entre las manos –tranquilo todo el mundo, más pronto o más tarde volveremos al papel si este mundo hecho trizas nos lo permite– como alguien a quien le apasiona la música. Imagino a personas abiertas de miras, tolerantes, agradables y capaces de emocionarse con una buena canción. Gente que no levanta muros absurdos a su alrededor o frente a los demás.

Buena gente en suma, que diría si ahora mismo estuviésemos en una tertulia de bar.

LO SÉ, ESTOY PECANDO de una candidez casi bobalicona. El mundo no es siempre como nos gustaría, ni los gustos musicales hacen mejores a las personas. Pero, como tengo toda la libertad del mundo para idealizar a quien lee mis textos, voy a seguir echando mano de esa inocencia. Por eso, cada vez que, al publicar alguna noticia, crítica o entrevista en nuestra web o en redes sociales, llegan algunos como hordas sangrientas a desmerecer a los artistas que protagonizan esos textos, a insultar a quien escribe esas líneas o a despreciar al medio al que represento, no me queda otra que pensar que esa gente no son nuestros lectores. Que es gente aburrida de sus anodinas vidas y que necesita escupir su odio para sentir algo. Aunque pueda dar la sensación contraria al dedicarles esta columna, no les doy la más mínima importancia. Solamente siento algo de tristeza al ve que, ahí fuera, hay gente que sucumbe día tras día a sus frustraciones y que no se les ocurre mejor idea para aliviarlas que descargarlas sobre los demás. Podrían meditar si eso les hace más felices, pero nunca lo harán. Amigas y amigos que, en ocasiones, nos “amenazáis” con un “unfollow”, por favor dadle a la tecla correspondiente y desapareced. Desapareced para siempre. Nadie necesita vuestra inquina. Los lectores y lectoras también son parte de nuestro proyecto, y me gustaría tener de mi lado a los mejores. Muchas y muchos lo sois, el resto sobre todo ahora solamente son ruido de fondo. —JOAN S. LUNA

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CONOCE A

ROY BORLAND

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Grises Directos al frenesí

MONDO FREAKO

“Buscábamos hacer un o, disco loco, más direct que fuera una bomba en el escenario”

G

RISES ESTÁ AQUÍ DE NUEVO y lo están tras un breve descanso que ha servido para refrescar las ideas, embarcarse en otros proyectos y, sobre todo, para caer en la cuenta de la necesidad de seguir regalando música al mundo. Un lugar que, como bien se revela en su single de presentación, Amazonia Arde, vive en constante lucha por su supervivencia.

Más si cabe ahora que el planeta está viviendo un drama inédito. “Lo que teníamos preparado para el inicio del disco se ha ido a la mierda. Íbamos a tocar en Bilbao, Gasteiz y Azpeitia para ir arrancando cerca de casa. El álbum en teoría salía el 27 de marzo, pero ya no sabemos qué pasará”, comenta Eñaut Gaztañaga, cantante y guitarrista de Grises. Cambio de planes que la banda comprende, pero que se presenta en un momento especial como grupo, la vuelta a la carretera tras un parón en el proyecto. “En enero decidimos parar aunque lo anunciamos más tarde. Estábamos un poco quemados.

Es cierto que solo nos ha costado un año preparar el disco, pero ha servido también para hacer las cosas con más paciencia y menos presión”. Talismán es un trabajo compuesto por tan solo ocho temas pero que se revela como un torbellino de energía y agresividad sin dejar de lado las melodías pop que caracterizan a la banda. “Surgieron ideas en mi estudio, pero sin ningún rumbo.

Queríamos un trabajo que fuera personal y hemos probado de todo por el camino. Buscábamos hacer un disco loco, más directo, que fuera una bomba en el escenario. Tiene un montón de sintetizadores analógicos, bastantes riffs, bien de fuzz... Pero sobre todo esa parte electrónica añadida que ha hecho que quede bastante curiosillo”. Buena muestra de ello es una de las colabora-

CRÍTICANDO Talismán

Autoeditado Rock 8/10

Grises regresan con un trabajo ambicioso, inconformista, directo y repleto de energía que nos descubre a una banda como nunca antes la habíamos visto. El rock adquiere ahora un protagonismo indudable sin dejar de lado en este proceso a las melodías pop y el toque electrónico y bailable marca de la casa. Ya no estoy a salvo aquí certifica que nos encontramos a unos Grises repletos de incertidumbres, pero a la vez con un espíritu arrollador que anticipa un futuro lleno de posibilidades para ellos. Misma tónica que en Azul, con la inestimable colaboración de Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly), y en la que nos encontramos frente a una banda abierta de par en par en su particular búsqueda de terrenos inexplorados. Si realmente algo tiene este álbum es que en tan solo veinticinco minutos uno puede llegar a experimentar el enorme trabajo, inquietudes y disfrute que hay detrás de este regreso. Anunciaron un parón, sí, pero tan solo fue para tomar impulso. —A.B.

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ciones del disco, Azul, que cuenta con la voz de Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly) y que desvela un ritmo trepidante en sus primeros compases. “El tema en cuestión le pegaba a Víctor y enseguida dijo que sí a colaborar. Se da el caso de que ambas bandas tienen algo de psicodelia, aunque cada una de forma diferente, y creo que nos hemos entendido muy bien en este proceso”. Pero no es la única canción del disco que cuenta con invitado. También es el caso de Galdu arte, con el acompañamiento de Jurgi Ekiza (Willis Drummond), en la que se ha convertido en la primera pista de estudio de la banda en euskera y en la que se vislumbran influencias de grupos como Battles y Ty Segall.

“Hemos estado escuchando cosas que no tienen nada que ver con el rock. A nivel personal yo escucho grupos más guitarreros… Pero a nivel de grupo hemos estado con M.I.A., sobre todo en el terreno de las percusiones y la rítmica.

Ha sido una influencia clara aunque en el disco no se vea tanto. También

hemos escuchado a Battles, ya que nos impresiona mucho como hacen arte de esa locura de ritmos raros y loops”.

Es evidente el cambio y la evolución de Grises en este trabajo y la cierta expectación que produce en la banda el cómo será recibido, pero aun así no han querido incluir artificialmente más canciones para agradar a la base de fans de anteriores trabajos. “Han quedado bastantes ideas fuera. Los grupos cada vez hacen álbumes más cortos ya que a la gente le cuesta consumir un disco entero. Una banda puede hacer doce canciones y luego solo se escuchan tres. Y es cierto que igual tienes ganas de decir más, pero no hay tiempo para consumirlo. Ni siquiera a estas alturas sé si un trabajo de veinticinco minutos como el nuestro debe ser un álbum o un EP”. Damos fe de que es un disco, y muy bueno.

—ALBERTO BONILLA

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FOTO: FIONA GARDEN

La espera no ha sido larga pero sí incierta. Vuelven Grises, pero no de forma discreta, sino a tres mil revoluciones.

Talismán (Autoeditado, 20) es el trabajo más corto de la banda hasta la fecha pero también el más intenso en un repertorio que ya celebra la década. Ahora que el mundo parece que no volverá a ser igual, los de Zestoa redoblan la apuesta.

octubre 2020 #9

Celebran Biffy Clyro la vida Tras casi treinta años en activo y un incontestable éxito con cada nuevo escalón superado en su carrera, Biffy Clyro se plantan este extraño año con la octava entrega de su discografía, A Celebration Of Endings (Warner, 20), once canciones que suponen un resumen perfecto de todos los elementos de una fórmula que, lejos de dar muestras de agotamiento, sigue funcionando a la perfección para el trío escocés.

"No soporto que el mundo esté en manos de gente tan odiosa, odio que las opiniones que acaban afectando nuestra vida surjan de la más absoluta ignorancia"

#10 octubre 2020

B

iffy Clyro, debemos decirlo, se han convertido con el paso del tiempo en unos maestros de los himnos de estadio a base de épica con poso de rock clásico, energía que bebe del punk y un infalible olfato para acercarse a los sonidos actuales desde la comercialidad mainstream. Derrochando simpatía y sencillez, Simon Neil (alma mater y motor principal de la banda junto a los hermanos James y Ben Johnston) se sienta con nosotros al teléfono para ayudarnos a descifrar qué nos vamos a encontrar al escuchar su nuevo álbum.

—Nadie está preparado para publicar un disco en mitad de una pandemia mundial. Imagino que debe ser muy extraño combinar la ilusión de presentar al mundo tu nuevo trabajo con el dramatismo de la situación que estamos viviendo.

Tío, me rompe el corazón que salga el disco justo ahora. No poder presentarlo en directo, no poder juntarnos con la gente... Es todo muy extraño, no tengo la sensación de estar en pleno lanzamiento de disco, para nada. Creo que no he escuchado el disco ni una sola vez estos últimos meses, por lo triste que me resulta saber que no nos vamos a lanzar inmediatamente a la carretera para presentar todas estas canciones nuevas a nuestros fans. Ahora que el disco ya está disponible para todo el mundo, me he venido arriba otra vez, pero me ha costado varios meses hacerme a la idea.

Obviamente no me quejo, lo más importante ahora mismo es la salud de la gente, pero es deprimente estar un par de años trabajando en algo y que todo se venga abajo justo cuando estás preparado para mostrarlo al mundo.

—Seguramente las expectativas respecto a lo que queríais comunicar han cambiado mucho desde que arrancasteis el proceso de creación de A Celebra-

—TEXTO Ricky Lavado tion Of Endings hasta ahora. ¿Qué tenías en mente en un principio y cómo esperas que estas canciones sean recibidas ahora mismo?

Escribí este disco hace dos años y lo grabamos el año pasado, antes de que explotara esta locura de la pandemia, y desde el principio iba a ser un disco sobre la aceptación de los cambios, incluso cuando esos cambios te vienen impuestos. Varias relaciones largas y sólidas terminaron a la vez y para nosotros fue muy duro lidiar con ello, estábamos muy unidos a las personas de las que nos separamos, y cada cual siguió su camino. Eso provocó cambios masivos para nosotros, y no fue nuestra decisión que así ocurriera, así que resultó ser todo muy triste, pero en un momento dado nos dimos cuenta de que cuando te ves obligado a hacer cambios también te ves en la obligación de evolucionar, y de ahí puede salir un nuevo camino hacia la felicidad, así que el disco habla de los cambios, de no tenerle miedo a cambiar, de querer evolucionar y crecer como ser humano, y de no tener miedo a decir lo que piensas.

—¿Sientes que las canciones de repente adquieren un nuevo significado debido al contexto actual?

Sí, sí, claro, absolutamente. Piensa que no hemos hecho ningún concierto todavía, no nos hemos subido juntos a un escenario para tocar estas canciones ni una sola vez. Cuando tarde o temprano salgamos de gira y por fin tengamos la oportunidad de estrenar este disco en directo, me va a resultar imposible no cantar estas canciones desde la perspectiva de la pandemia y todo lo que está ocurriendo este año.

Es muy extraño que estas canciones salgan a la luz en un momento tan dramático como el que estamos viviendo. Muchas de ellas hablan sobre perder la fe en personas en las que confiabas, perder la fe en gente a la que amabas, y la necesidad de adaptar a ello tu sistema de vida entero y lo que significa ser una banda. La discusión de repente parece apropiada justo en este momento, y creo que la gente va a conectar con las letras de este disco. El título es explícito, todo va de saber extraer lo bueno de cada situación y con ello superar el dolor y la oscuridad, y eso no es algo que salga de forma casual, hay que esforzarse y no hay que tener miedo.

—Bueno, supongo que dentro de todo este drama hay una parte interesante como artista, al verte obligado a relacionarte con tu trabajo desde una perspectiva diferente debido a las circunstancias. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ndo

ENTREVISTA

Sí, eso es verdad. Supongo que lo podemos aplicar a todo. ¿Tú sientes que ha cambiado la forma de enfocar tu trabajo en este momento loco que estamos viviendo? La forma en que lees o escuchas discos ahora mismo... Seguro que ha cambiado tu óptica de las cosas. ¿Crees que esta entrevista estaría siendo diferente sin las circunstancias que la rodean?

—Pues seguramente.

Claro, es inevitable, pero sabes qué... Somos una especie muy adaptable. Creo que es esperanzador ver que se puede detener todo, todo lo que nos han inculcado desde el momento en el que nacemos, y que somos capaces de adaptarnos a una nueva realidad para el planeta entero. Me da esperanza ver que somos capaces de cambiar, como especie, como seres humanos. Me fortalece ver el poder de la gente y todo lo que somos capaces de lograr si trabajamos juntos. Me hace sentir un poco mejor en medio de toda esta nueva situación.

—Sienta bien oír voces optimistas en este momento.

Lo intento, lo intento de verdad. Desgraciadamente no me siento así de optimista siempre, pero hoy me has pillado en un buen día.

—Como escocés, imagino que otro tema muy presente a lo largo de los últimos años en tus preocupaciones será el Brexit, ¿Te sientes optimista con ese tema también?

No, con ese tema la verdad es que no. Vivir en el Reino Unido en los últimos tiempos te obliga a ver el desastre absoluto que ha supuesto y supondrá el Brexit.

Este país lleva muchos años siendo un desastre y todo apunta a que va a ir a peor, y cada vez me cuesta más no cantar sobre estos temas. Ver a nuestros líderes mintiendo descaradamente a la población, engañándonos acerca de la cantidad de dinero que íbamos a ganar con el Brexit... Todas esas mentiras, las trampas, la falta de honestidad... Resulta imposible no hablar de todo esto. Tenemos un Primer Ministro que es abiertamente racista, tío. Piénsalo bien; es inaceptable que un racista sea elegido para ocupar un cargo de importancia en la sociedad, y sin embargo ahí estamos. Necesitamos resetearlo todo.

—¿De qué manera tu proceso creativo se ve influenciado por la política?

Creo que cuando era más joven te contestaría que preferiría mantener mis procesos creativos al margen de influencias políticas o sociales. De joven me influenciaban cosas como el amor y la pérdida y el sufrimiento y cosas así. Ahora tengo cuarenta años, y siento una mayor responsabilidad sobre los temas de los que quiero hablar. Tengo sobrinos y sobrinas, y me siento responsable de, por lo menos, intentar hacer del mundo un sitio un poco mejor para el resto de seres humanos. Ni siquiera es un posicionamiento político explícito, se trata simplemente de decencia, de ser honesto, de creer en la ciencia y en los hechos. Es simple sentido común. A mí me educaron para cuidar de mis vecinos, para sentir empatía, para tratar a la gente con el respeto que exijo hacia mí mismo, y no soporto que el mundo esté en manos de gente tan odiosa, odio que las opiniones que acaban afectando nuestra vida surjan de la más absoluta ignorancia. —R.L.

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octubre 2020 #11

ROSTER

Monterrosa Bailar es político

FOTO: ARCHIVO

La precariedad es el segundo nombre de Monterrosa, pero aún así han conseguido un público fiel entre su debut Latencia, varios singles propios y versiones (“¡me encantaría versionar ‘Besos de hielo’ de Ella Baila Sola!”, confiesa Rocío), y el lanzamiento reciente del EP Música ligera (“queríamos saber a qué suena Monterrosa cuando no está hecha para escucharse en colectivo a las dos de la mañana”) y de Última conexión, editado en este Orgullo que hemos celebrado desde casa.

“La masculinidad sigue siendo competición y violencia”

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SUS SEGUIDORES les encanta su apuesta sin complejos por el pop y la diversión, y cómo mezclan este hedonismo con el activismo y con meterse en cualquier charco, y estas últimas canciones son un buen ejemplo..

“Igual si estás con el cubata bailando no quieres que te hablen del fascismo, pero es que para nosotras la pista de baile es el terreno más político que hay. Que seamos capaces de divertirnos con las historias que hemos tenido Rocío y yo, y que tanta

gente lo pueda hacer sabiendo lo que ha pasado... eso es un logro colectivo”, comenta Enrique, cincuenta por ciento de Monterrosa. Entre esas historias está el ambiente no-tan-brilli de la letra G en LGBT. “Entre las lesbianas hay mucha más sororidad, la violencia entre maricones es increíble”, comenta Rocío. Es paradójico: si los chicos gays tenemos la posición más privilegiada del colectivo, se supone que tendríamos la mayor sensación de comunidad. “Pero la masculinidad

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sigue siendo competición y violencia”, piensa Enrique. “Lo único que tenemos en común los homosexuales es que nos gustan otros hombres, entonces es la medida de nuestro valor: tenemos que gustar. Y si te sientes rechazado por maricón, decides rechazar a otros maricones porque, si tú rechazas, eres de ese grupo que puede rechazar”. Se corrompe también la visión del sexo. “Es un intercambio de fluidos, y también de disfrute y de comunicación.

Pero yo no lo entendía así. Yo lo entendía como que tú te vas a la cama para reafirmarte en que tu cuerpo es válido”.

HABLAMOS TAMBIÉN del futuro, tanto del futuro del grupo (“sacaremos singles, pero ahora mismo, con las giras canceladas, no tenemos dinero para poder sacar el disco”, dice Rocío) como de nuestro futuro, que es a su vez el presente de los ancianos LGBT. “Ya no pueden compartir sus amores, sus historias de juventud, su lucha, porque en las residencias están con las personas que les hicieron la vida imposible. Joder, ¿no hemos sido capaces como comunidad de hablar de esto y de cuidar a nuestros mayores?”. Enrique plantea una pregunta al respecto: “Con mis amigas siempre bromeo con que cuando nos hagamos viejas vivamos juntas, y eso hoy es un chascarrillo, pero mañana puede ser una realidad muy dura. ¿Quién va a cuidar de nosotros cuando seamos mayores? Como no lo hagamos entre nosotros y empecemos a cuidarnos, complicado”.

—PABLO TOCINO

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Música ligera Autoeditado

octubre 2020 #13

ENTREVISTA

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“Idles va de aplicar una queja existencial a la política y cómo la empatía mata al fascismo”

#14 octubre 2020

Idles mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

A la lucha

Los de Bristol se inspiran en la pegada del hip-hop y la electrónica en su nuevo álbum, que llega en plena incertidumbre pandémica y tras el éxito fulgurante de su segundo trabajo, Joy As An Act Of Resistance (Partisan/ [PIAS], 18). Y lo mejor de todo es que Ultra-Mono (Partisan/ [PIAS], 20) mantiene las coordenadas de su sonido para cargar las tintas una vez más en el mensaje.

J

OE TALBOT, “CANTANTE DE SOUL” en sus propias palabras, se muestra tímido y progresivamente cansado por teléfono. Igual el ritmo de la promoción hace estragos.

O puede que Joe, como casi todos, esté ya sufriendo las consecuencias psicológicas de esta infame crisis sanitaria que nos está atormentando, desde hace demasiados meses, ante la asombrosa inoperancia de los políticos. Pero también sabemos que la vida no ha sido un camino de rosas para un hombre que ha debido lidiar con pérdidas importantes y el alcoholismo. En cualquier caso, toca hablar de Ultra Mono, tercer trabajo de una de las bandas británicas que son punta de lanza en la revitalización de la música de guitarras (punk, rock…), con una carga de vitriolo más ácida que nunca. Lo presentarán por aquí en junio de 2021. Cosas de esta pandemia.

—Debo preguntarte primero por los bolos en streaming que habéis ofrecido recientemente desde Abbey Road. Pusisteis la misma intensidad que en vuestros conciertos, y el sonido era, lógicamente, excelente. ¿Cómo fue la experiencia de tocar en un sitio con semejante historia?

Muy estresante (leves risas). Era la primera cosa que hacíamos así en casi un año. No teníamos mucho tiempo, así que entramos y quisimos ser lo más transparentes que pudimos. Estuvo bien, fue como una especie de terapia extraña. Los terapeutas, en lugar de hacer nada, se limitaban a vernos. Sí, ha estado bien, pero ha sido estresante.

—No me esperaba la destrucción de la guitarra al final del primer bolo (el guitarrista Mark Bowen hace fosfatina su Fender en un arrebato de furia que emula al Pete Townshend de los sesenta).

Yo tampoco… mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—TEXTO J.C. Peña —FOTOGRAFÍA Nwaka Okparaeke —¿Habéis sentido alguna presión después del éxito de Joy As

An Act Of Resistance? ¿Cómo encarasteis este nuevo álbum?

Sí, eso es de lo que trata el disco entero. Después de Joy As An Act Of Resistance me vi preguntándome qué quería escribir, qué debía decir, y entonces me di cuenta de que aquello que escribía en mis letras no me ayudaba como artista. Que necesitaba cambiar el modo en que veía la crítica y el elogio, y cambiar cómo pensaba sobre mí mismo y cómo me trataba a mí mismo. Así que Ultra Mono es un viaje hacia la conciencia propia y la auto aceptación, a partir de la reacción que deparó Joy….

—¿Qué significa Ultra Mono? ¿Es una referencia también al sonido?

Es algo filosófico. Tiene que ver con estar tan presente y en el momento como te sea posible. Se trata de estar aquí y ahora, olvidar el pasado y el futuro. Es sencillamente estar en el presente y aceptar completamente quién eres.

—Eso suena mucho precisamente a cómo os tomáis vuestros conciertos.

Sí, así es como tocamos.

—El disco tiene influencias de hip-hop pero también riffs de rock, lo habéis grabado con Nick Launay (Nick Cave). ¿Qué es lo que buscabais?

Queríamos capturar sonoramente esa sensación de conciencia y aceptación de uno mismo en el momento. Queríamos estar todo lo presentes y unificados sonoramente en la medida de lo posible. Y para conseguirlo, buscamos esa idea en otros géneros como el hiphop, el techno, el jungle... Buscábamos que el sonido fuera un todo unificado. Y para conseguirlo, sacamos todo el ruido, porque obviamente, cuando ves a un grupo en directo, el impacto físico de la música es fácil: hay diez altavoces por los que sale la música. Mientras

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“No puedo limitarme a odiar a los que defienden el Brexit”

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que en un disco es mucho más complicado equilibrar el sonido y producir un impacto, porque hay un montón de ruidos difíciles de equilibrar en los altavoces, especialmente cuando son los de tu portátil o el de tu móvil. Así que hemos compuesto la música de modo diferente, con la producción en mente. Y para hacerlo, quitamos todo el ruido y compusimos cada canción alrededor de una sola parte. La canción se construía alrededor de una única parte. No añadíamos música para que esa única parte fuera más potente o ruidosa, sino que esa parte ejemplificaba la canción.

—¿Y el productor?

Nick Launay ha trabajado con Grinderman, cuya música era muy violenta y física en las mezclas. Tiene cierta rigidez. Parte de nuestra música tenía ya esas cualidades, esa violencia en las guitarras y en la caja de la batería.

Y, además, queríamos usar lo que se hace en el jungle y el techno con los graves. Cuando oyes música en unos altavoces en tu casa o en el coche, esos graves producen algo físico, “mueven” el aire. Esas frecuencias realmente te golpean en el cuerpo y eso es lo que queríamos usar como cambio en el modo en que hacemos música y producimos nuestros discos. Nick entró a ayudarnos con todo ello, añadiendo graves.

—Con todo, el disco sigue sonando muy energético y a vosotros. No podía ser de otro modo. ¿Lo grabasteis fundamentalmente en directo?

Sí, lo grabamos en directo, aunque yo grabé las voces por separado. Como máximo hicimos tres tomas, pero la mayor parte de las canciones del álbum se hicieron en una o dos tomas, para capturar esa energía. Y luego, en postproducción, añadimos graves y trabajamos en el sonido de cada instrumento. Pero para tener esa sensación de aceptación en el momento e impacto escribí seis de las letras en el mismo estudio. Para dar esa sensación de vitalidad.

—¿En qué estudio?

Grabamos en La Frette de París porque fue donde Nick Launay hizo Skeleton Tree de Nick Cave And The Bad Seeds. Pensó que las salas eran perfectas para el sonido de este disco. Y tenía toda la razón.

—¿De ahí viene la colaboración con Jehnny Beth en Ne Touche Pas Moi? No, no, ella grabó su parte en un estudio doméstico después de que hubié-

#16 octubre 2020

ramos grabado el disco. La cuestión es que yo quería añadir la voz de una mujer en el estribillo, meter una textura brillante al sonido del estribillo, y también una perspectiva femenina al concepto de respetar el espacio personal, que tiene mucha importancia dentro de la narrativa femenina.

Hablé con ella cuando estaba en su programa de televisión Echoes, de Arte, y me dijo que mi francés era incorrecto, que en francés “no me toques” no se dice así, sino “Ne me touche pas”, pero lo quiso dejar así, porque suena idiota, lo cual es cierto. Una vez el disco estaba grabado, le pedí a Jehnny ser lo suficientemente humilde y valiente para cantar en francés malo. Y lo hizo, lo cual mola.

—Me ha dado la impresión de que estamos ante el disco más políticamente beligerante. Estoy pensando en canciones como Model Village (que carga contra la Inglaterra tradicionalista) o Carcinogenic (que se recrea en un sarcasmo ácido contra la precariedad generalizada). Por no hablar de la primera, que se titula War. ¿Es así?

Sí, War es más sobre un conflicto que sobre la guerra en sí misma, pero sí.

Idles va de eso: de aplicar una queja existencial a la política y cómo la empatía mata al fascismo. Eso significa también tener empatía contigo mismo, tanto como con los demás. Y…sí, es el disco más conciso y elocuente que hemos hecho y que yo he escrito en cuanto a las letras. Sin duda es el más beligerante. Y eso me llevó trabajo, porque quería que no se malinterpretara aquello en lo que creo, para sentirme bien y en paz con el disco y también conmigo mismo.

—¿En qué medida y de qué modo el lío del Brexit, que desde fuera ha sido bastante deprimente, ha influido en las canciones?

Bueno, no cabe duda de que Model Village es una parte importante de mi reacción a cómo se ha desarrollado el Brexit. Es deprimente en cuanto a que te quita fe en el público, supongo, o al menos en cuanto a la influencia que tiene la prensa sensacionalista en nuestro país. Pero al menos ahora sabemos lo confusa y asustada que se siente mucha gente aquí. Creo que es importante aceptarlo y entenderlo, y sobre todo, oír las historias de esas personas. Hay que tratar de comprender por qué están tan sumamente asustadas y enfadadas. Y también el modo en que la prensa trata de la inmigración y Europa. A ver, para mí la idea de dejar la Unión Europea es mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ENTREVISTA

“

“Ultra Mono significa estar aquí y ahora, olvidar pasado y futuro”

una locura, pero para mucha gente es “la salvación”, y necesito entender eso. No puedo limitarme a odiarlos, sino que tengo que entenderlos. Asusta y es triste, pero en este punto sólo podemos mirar adelante. Lo tenemos que hacer. Yo estoy muy desilusionado, pero me queda mucho amor y tengo mucha esperanza.

—Ahora que lo mencionas, la idea del amor es una constante en muchas de tus canciones. Puede parecer extraño teniendo en cuenta la música que hacéis. ¿A quién te estás dirigiendo en una canción como The Lover, en la que te defiendes de las críticas?

A todo el mundo, yo incluido. Es una canción sobre la duda existencial y sobre borrarme a mí mismo de la valla del auto odio. Necesito acallar esas voces de validación o que pretenden definir quién soy. Y tengo que aceptar de veras lo que soy: un cantante de soul, te guste o no.

—También me gustaría hablar un poco de A Hymn. Es una canción en la que os internáis en terrenos mucho más tranquilos, pero creo que es una de las mejores del lote (en el vídeo aparecen padres y madres de los músicos en una especie de costumbrismo épico).

Bueno, es una canción que pensamos que era necesaria en el disco como una especie de meditación durante toda la “marcha”. Yo quería reflejar la idea de “vergüenza”, porque una de las partes más tristes de mi psique es la culpa y la vergüenza. Y la idea era un poco insultar eso mediante una canción. Es una preciosa pieza de descanso en el contexto del disco, con la que estamos muy contentos y haremos más cosas así en el futuro.

—Otra cosa sobre la que quería hablar es del arte. Vuestras portadas siempre tienen como una especie de trasfondo de arte conceptual. ¿Qué me puedes decir de la fotografía tan curiosa que habéis elegido esta vez?

Quería capturar cómo es nuestro sonido, que es una especie de impacto violento, pero de amor. Y pensamos que eso estaría representado por una gran pelota rosa de playa.

—El directo es esencial para Idles. ¿Cómo de frustrante es la situación que ha provocado la pandemia?

En estos tiempos todo lo que podemos hacer es apreciar la suerte que tenemos. Tenemos mucha, mucha suerte de poder seguir haciendo música y trabajando. Somos agradecidos y entendemos lo desdichada que es la simondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

tuación y lo duro que está siendo salir adelante para mucha gente. El único modo en que podemos mostrar nuestra gratitud es haciendo música buena y trabajar duro en lo que nos gusta.

—Aquí una parte sustancial del sector musical (el directo) vive una gran incertidumbre. Me pregunto cómo está la situación en Reino Unido, donde el sector es tan importante.

La misma que en cualquier otro país en el que el Gobierno no está apoyando a las salas independientes y a los músicos y artistas pequeños. La cuestión es que nuestro gobierno no valora ni el arte ni el pensamiento creativo porque es un gobierno opresivo que obedece al sector financiero.

No quieren que la gente joven piense creativamente, porque eso implica salirse del status quo y la subversión desde plataformas que suelen ser, a menudo, de izquierdas. De manera que el gobierno está haciéndose fuerte en esta situación, haciendo que no se cree desde las salas pequeñas o que los artistas pequeños no se expresen. Pero en realidad sucede lo mismo en todas partes. La gente está sufriendo.

—Bueno, quizá sorprende más en el caso del Reino Unido, donde la industria musical siempre ha sido muy importante.

Bueno (suspira), nuestro país es uno de los más afortunados del mundo.

Tenemos sanidad universal gratuita y aunque el gobierno es de derechas, la sanidad no ha colapsado completamente, así que estamos yendo hacia delante. Pero para mucha gente ahora mismo se trata simplemente de sobrevivir. Nosotros tenemos mucha suerte, hemos podido seguir con nuestro trabajo.

—¿Qué planes tenéis para estos próximos meses, dada la situación? ¿Algún concierto?

Ahora mismo es imposible tocar. Esperamos girar ya el próximo año.

—De hecho, se acaba de anunciar que estaréis por España el próximo mes de junio, es decir, dentro de unos diez meses… Qué raro es esto de anunciar bolos con tanta antelación, ¿no?

Lo es, sí.

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octubre 2020 #17

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Buzzard Buzzard Buzzard Descaro neo glam

EN LA MALETA

Iggy Pop o Noel Gallagher les alaban en público. Y ellos lo justifican con una forma fresca, descarada y contagiosa de somatizar los preceptos del glam rock de los setenta.

Lo demuestra Non Stop (Communion/Music As Usual, 20), su adictivo y pegadizo EP de once canciones.

Alexander Som

Álex Blanco Volpini, conocido artísticamente como Alexander Som, es uno de esos artistas españoles que han llegado muy lejos en la música electrónica y conseguido ser apreciados más allá de nuestras fronteras. Ahora acaba de remezclar a Dorian junto a Ley Dj.

#18 octubre 2020

"Queremos alejarnos kes" de la mentalidad Stro

B

UZZARD BUZZARD BUZZARD extraen vivacidad e insolencia de algo esencialmente manido, y eso tiene su mérito. Como en su día Supergrass, por ejemplo.

Debutan con Non Stop, un EP de once canciones (o sea, algo así como un

T

e consideras una artista de electrónica o de pop? ¿En qué estilos electrónicos te has sentido más cómodo a lo largo de tu carrera? ¡Esta pregunta es fabulosa! Verás, yo venía del mundo más EDM/mainstream, sonidos más estridentes para grandes masas o festivales, música dirigida a un perfil de público específico y joven. Pero durante todos estos años no me sentía identificado con este sonido, disfrutaba viajando con él y defendiéndolo en el estudio, pero no me representaba. De pronto en 2015 me crucé con Carlos Jean, tuvimos una extensa charla durante horas. Tras conocer mis inquietudes, gustos y forma de ver la música, hizo que cogiera sin miedo ese camino que siempre había estado deseando y me hacía sentir verdaderamente yo. A día de hoy me considero un artista de pop/funk electrónico. A día de hoy me siento verdaderamente yo.

—¿Qué es lo que más te gusta de hacer remixes? Acabas de lanzar el de Dorian junto a Ley DJ. ¿Cómo trabajas con otros artistas?

Me vuelve loco hacer remixes, jugar con cosas que ya existen, llevarlas a tu terreno, o bien generar una idea nueva, es maravilloso. Es algo que quiero explotar mucho de aquí en adelante

álbum encubierto) cuyo contenido han ido avanzando en los últimos dos años, tiempo durante el que han ido ganando adeptos –y con razón– en las redacciones de NME o The Guardian.

Vienen de Cardiff, y escucharles equivale a amarles. O, al menos, a tener

con grandes nombres de nuestra escena y fuera de ella. Trabajar con Leti es siempre un placer. Tenemos formas muy parecidas de ver la música y nos une una gran amistad. No será ni el primero ni el último en el que nos veréis juntos….

—¿De quién has aprendido más a la hora de pinchar en directo?

Sin duda un DJ que me marcó por su sonido vintage/sucio y su técnica demoledora fue Laidback Luke. Cuando él estaba en lo más alto de su carrera yo era residente de Nature Madrid (Chango). Siempre pretendía parecerme a él con sesiones desenfrenadas, trucos en directo y canciones con las que todo el mundo levanta los brazos y canta. En el 2016 y gracias a mi familia de Ron Barceló fui su telonero en La Riviera y no pude evitar decírselo en los camerinos (risas). Fan mode on.

—¿Sigues aprendiendo cosas a la hora de pinchar constantemente o crees que ya tienes suficiente con tu técnica actual?

Siempre se aprende algo, pero yo soy fiel a mi manera de hacer las cosas. Me gusta mucho jugar en directo y llevar mucho material ya hecho de casa, mashups, edits, bootlegs... No me gusta poner nada que no haya editado o tratado antes. Eso genera que tus sets sean tuyos al cien por cien. —MS

muchas ganas de verles sobre un escenario. Hablamos por teléfono con Tom Rees, guitarrista, cantante y compositor del cuarteto que completan Ed Rees al bajo, Zac White a la guitarra y Ethan Hurst a la batería.

GALESES DE PRO, músicos sin artificios, poses ni tonterías de tres al cuarto, Buzzard Buzzard Buzzard transmiten credibilidad y honestidad, pese a cocinar una receta con condimentos ya muy explotados. Loable, teniendo en cuenta que constituyen el enésimo rebozado de fritura glam rock. “Sí, el glam rock es una gran influencia. Me encanta el Electric Warrior (1971) de T Rex, que escuchaba todo el día en mi juventud, y me gustaría que Cosmic Dancer sonara en mi funeral y que todo el mundo llorase”, nos cuenta partiéndose de la risa Tom Rees, aunque reconoce que en su devocionario particular hay otra banda menos evidente que también tiene lugar preferente. Son “los AC/DC de la primera época, los de Bon Scott, los que decían aquello de 'somos una banda de rock, nada más y nada menos'. Es importante no avergonzarse de ello”.

SI HAY ALGO DE LO QUE TRATAN de escapar a toda costa es del cliché de banda indie al uso. Lo suyo es otra cosa, desde luego. Y defenderlo desde Cardiff, en el corazón de Gales,

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TAN. CERCA RREste año BIME PRO se cele-

entraña un empeño doble por ser un enclave tan poco cool. Que les pregunten a Catatonia, Super Furry Animals o Manic Street Preachers, por ejemplo, a quienes les costaba más tiempo consolidar su prestigio que a las bandas de Londres, Manchester o Glasgow. Es una dificultad que Rees asume, pero al mismo tiempo matiza: “Me gustaría pensar que los tiempos están cambiando, pero tienes toda la razón”, dice, “porque los chavales que montaban bandas en Gales con quince o dieciséis años estaban obsesionados con ir a Londres, pero últimamente la gente aquí es más propensa a aceptar su identidad, y creo que va de la mano del desarrollo del país, de cómo nos sentimos identificados, de cómo nos manejamos sobre los escenarios del resto del Reino Unido –porque el Reino Unido es un lugar muy complicado ahora mismo, con muchas identidades batallando entre ellas– y de la confianza que mostramos en nosotros mismos”, asevera.

OTRO DE LOS PUNTALES de la banda es su sentido del humor, su apariencia de no tomarse excesivamente en serio a sí mismos. Algo que les permite “alejarse de las canciones tópicas y de amor de mierda” de sus inicios, “barrer muchos prejuicios acerca de lo que la gente puede pensar al ver a una banda de rock” y, sobre todo, alejarse de lo que Rees define como la “mentalidad Strokes”, esa que le dan ganas –a él y a cualquiera con un mínimo de sensatez– de exclamar “quitaos la chaqueta de cuero, por favor”. Al menos cuando hace demasiado calor. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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brará durante los días 26, 27, 28 y 29 de octubre y con invitados especiales como el referente electrónico Jean-Michel Jarre, la cantante urbana argentina Tini Stoessel (Violetta), la presidenta de Universal Music Publishing Group LATAM y USA Latin Alexandra Lioutikoff; el cantautor Nacho Vegas; el programador del festival colombiano Rock Al Parque, Chucky García, etcétera.

Los actos del Palacio Euskalduna podrán seguirse en Internet a través de la plataforma www. bime.net. Por otro lado, el congreso también ofrece la posibilidad al público general de acceder a contenidos de manera gratuita a través de inscripción.

RRLa banda barcelonesa Fun-

dación Tony Manero, uno de los grandes referentes de la música disco y funk de nuestro país, anuncia El último baile, su gira de despedida que se llevará a cabo en 2021. Aunque los miembros de la banda continúan celebrando su música con cada una de sus interpretaciones, de ahí que anuncien esta despedida con el vídeo de su canción Momentos.

RRTras muchos intentos por

continuar en pie, el festival Sound Isidro Vibra Mahou 2020 se ve obligado a cancelar la edición de este año debido a la crisis de la COVID-19. A través de un comunicado oficial, la organización del festival, ha querido dar las gracias a todos los compradores “por la paciencia y infinitas muestras de apoyo durante el difícil momento que está atravesando nuestro sector”.

LOS DISCOS DE MI VIDA Jon Bilbao

El asturiano Jon Bilbao es uno de los escritores imprescindibles de nuestro país. Y lo es gracias a obras como la adictiva Basilisco (Impedimenta, 20) o el libro de cuentos Estrómboli (Impedimenta, 17), entre muchas otras. Por ello no podíamos dejar pasar la oportunidad de descubrir cuáles son los discos que han marcado su vida.

Bruce Springsteen

Bob Dylan

Tom Waits

Solo tengo una cosa que decir: El disco de mi adolescencia. Y punto.

Mi padre es un gran fan de Tom Waits y acabé metido curiosamente en estos dos discos. Sé que no son grandes éxitos en su discografía, pero siguen siendo mis favoritos. Se había suavizado un poco, pero incluso los momentos abrasivos suenan realmente bien.

Su disco de debut es mi favorito entre los de Waits; entre otras razones, porque aún no se le había roto la voz y adquirido su característico tono aguardentoso (aunque haya algo sacrílego en decirlo).

The Band

Everything But The Girl

Led Zeppelin

Otra banda sonora, la de la película concierto que Martin Scorsese dedicó a la despedida de The Band. Un disco que compendia y cierra dos décadas: la de los sesenta y la de los setenta.

Reconozco que hay algo de placer culpable en mi gusto por Everything But The Girl. También de terapéutico. La voz de Tracey Thorn me relaja tanto como el whisky. La escucharía aunque hiciera un audio-libro de las páginas amarillas.

Podría haber escogido cualquier disco de Led Zeppelin, pero me quedo con el primero: Led Zeppelin un puñetazo en la mesa a modo de llamada de atención.

Born To Run (1975)

Pat Garrett & Billy The Kid (1973)

Closing Time (1973)

RRMelenas, la banda de chicas

de Pamplona, ha sido nominada en los Music Moves Europe Talent Awards, galardón que se da al talento emergente de la música actual más prometedora del continente. En los anteriores, nos hemos encontrado con artistas como Tribade o Rosalía (quien ganó el premio del público en 2019) o incluso a Hinds y WAS, cuando los premios se llamaban todavía European Border Breakers Awards.

—MS

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The Last Waltz (1978)

Amplified Heart (1994)

Led Zeppelin (1969)

—MS

octubre 2020 #19

Belako No má

Desde la pequeña Mungia, a escasos veinte kilómetros de Bilbao, Belako siguen asaltando audiencias de aquí y allá. Su cuarto álbum, Plastic Drama (Belako Rekords/BMG, 20), retrasado unos meses por la llamada crisis sanitaria, se desveló casi en su totalidad, a canción por semana. Lo que, en su caso, equivale a traducir en un hit cada siete días.

—TEXTO Javier Corral

#20 octubre 2020

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ás dramas B

ELAKO PEGARON DURO nada más salir del cascarón. Y aún andan en esa edad revoltosa en la que cumplir años no es acumular desganas y entropías, sino un impulso estimulante para escalar peldaños en la escalera de la estimación, como pudiera plasmar un cuarto álbum, Plastic Drama, que simboliza estos tiempos donde ningún estilo prevalece claramente sobre los demás (negociado "urban" aparte), sino que más bien se superponen, enlazan y ayudan. Dance rock, post-punk... arrojados con la fuerza de un ciclón y la susceptibilidad de un lienzo aproximadamente naíf.

Eufórico, como cuando un bebé oye de repente un sonajero, pero también reflexivo a la manera impetuosa de una borrasca titubeante. Y muy efectivo, muy resultadista, despojado el matiz peyorativo. Tan visceral que parece planeado, Plastic Drama avanza como una colección de redondos himnos para corear en esos escenarios plagados de entusiasmo vital pre-Covid, lo que no desdeña alentar otras posibilidades emocionales: la seductora nocturnidad del tema homónimo, la sombría fantasía de Marinela2017, el dulce murmullo sonámbulo de Time Me Up, la rabia simétrica de All Nerve, los vaivenes anímicos de Profile Anxiety, el toque afrancesado y versátil de Sirene... Todo ello en el marco incomparablemente elíptico del ser humano consumido por la urgencia y banalidad del propio consumismo, en una era donde la frugalidad apenas capta adeptos. Hablamos con ellos y ellas. Cris Lizarraga, Josu Ximun Billelabeitia, Lore Nekane Billelabeitia y Lander Zalakain.

—Fuisteis entregando este álbum casi canción a canción, al modo que históricamente se publicaban los singles, sólo que en vuestro caso con sólo una semana de diferencia. Creéis que difiere la escucha de un álbum de esta forma secuenciada, o pensáis que la validez de un álbum está precisamente en el poder de sus temas uno a uno?

Cada álbum es un mundo y se plantea de forma diferente. Creo que ambas opciones son válidas. En nuestro caso, nuestro anterior disco Render Me Numb, Trivial Violence estaba pensado para ser escuchado de arriba abajo, como un viaje, con sus puentes y transiciones. Plastic Drama en cambio es mucho más directo, los temas funcionan mejor uno a uno, lo cual nos ha venido bien para ir adelantándolos durante la cuarentena al ver que teníamos que retrasar su publicación.

—Por otro lado, ¿qué os seduce más como músicos: encontrar un sonido identificativo o dejar canciones en la memoria de la gente?

Diría que nos quedamos con dejar canciones en la memoria de la gente. Al fin y al cabo en los cuatro discos que hemos publicado no hay un sonido definido, al contrario, nos gusta hacer los discos según lo que sentimos en cada momento y de la misma forma, no repetirnos. Diría que tanto en Render como en Plastic Drama hay un sonido más concreto o más parecido, que hemos hecho un poco "nuestro" y con el que nos sentimos super a gusto. Pero no sabemos que pasará en próximo. Según por dónde nos dé el aire.

—Plastic Drama es indudablemente muy completo y variado, y a la vez defiende un discurso crítico sobre los seudo dramas de nuestra sociedad pre-Covid. ¿Debe ser esa la lectura, ahora que hemos conocido una desgracia universal como ésta?

Creo que la lectura de Plastic Drama es la misma antes del Covid y después de este.

Durante la cuarentena era inevitable relacionar el significado de Plastic Drama con lo que estábamos viviendo. Nosotras mismas cuando hablábamos entre las cuatro, al principio y al ver todo lo que estaba pasando y que todo lo que habíamos construido durante meses se estaba cayendo (y se iba a caer del todo), nos dijimos: "peña, plastic drama" (risas). era como una forma de ver que sí, había un drama general, todo era un drama, pero realmente estábamos bien, sanas y nuestras familias también. A parte de todo esto, no había más que ver las noticias para darse cuenta de que en muchos lugares del mundo la situación era muchísimo más dramática y eso era "solo" lo que se veía o nos llegaba. Por no mencionar que los grandes problemas del mundo seguían ahí, intactos. Lo "único" es que había y hay una pandemia alrededor de estos, que afecta a todo el mundo.

—Qué supone el fichaje por BMG internacional, ¿qué términos del contrato se pueden destacar y cómo pensáis os afectará en el futuro?

Más que un fichaje es una colaboración. BMG ya fueron nuestra editorial en el anterior disco y la cosa funcionaba muy bien. Ellos veían bien nuestra formula de mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

trabajar, en donde entra en juego Belako Rekords, nuestro propio sello. Es algo simbólico, pero nos permite ser dueñas de los derechos de nuestras propias canciones. Nosotras nos encargamos de todo el tema artístico y BMG se encargan del lanzamiento. La verdad es que trabajan genial y tenemos muy buena relación con ellos. Estamos encantadas la verdad.

—Entre vuestros seguidores abunda un público coetáneo que puede compartir con vosotros muchas señas generacionales, pero también otros que podrían ser vuestros hermanos mayores o incluso vuestros padres. ¿Cómo lo interpretáis? ¡No hay límite de edad para nuestros seguidores! Es verdad que nos sigue mucha gente bastante mayor que nosotras. Hoy en día es difícil conseguir la atención de la gente joven, porque normalmente están más a otros estilos de música. Pero también nos sigue bastante chavalería, ¡y espero que eso no deje de pasar! En general, no solo para la gente joven, la música ha perdido valor y ya no se va tanto a conciertos ni se compran tantos discos. Eso sí, los festivales están petados y las plataformas digitales echan fuego. Pero bueno, hay que adaptarse a esto y ya está. En nuestro caso la cosa ya estaba así cuando empezamos a tocar, o sea que tampoco es que nos haya pillado por sorpresa.

—La situación actual os obligó a replantear también las presentaciones en directo, ¿Qué habéis sacado de la experiencia de los autocines o de recintos cerrados y con todo el público sentado como en el Palacio Euskalduna?

Después de volver de Estados Unidos abruptamente, encerrarnos en casa, cancelar toda nuestra gira, aplazar nuestro disco y estar tres meses sin tocar, tocar en los autocines fue balsámico. Fue todo muy loco, pero sobre todo fue emocionante. Veíamos a la gente feliz de poder ir a un concierto y nosotras lo estábamos más. Había una atmósfera muy curiosa entra las primeras filas de terrazas, la gente en sus sillas o encima de sus coches, otros estaban a gusto dentro de estos y al acabar una canción tocaban el claxon! Fue la hostia, pero una paliza para nosotras y nuestro equipo. Después hemos hecho algún otro concierto, como comentas en espacios cerrados y con butacas... Está claro que no es lo mismo que un concierto "normal", además, en nuestro caso, necesitamos mucho el feedback de la gente y que esté animada y motivada.

En cambio si está sentada y con mascarillas es todo más frío, aunque nos lo tomamos como un reto y la verdad es que no han ido nada mal esos conciertos, al contrario.

Dentro de lo permitido la gente se venía arriba y nos llegaba mucho calor. De momento este es el camino que vemos más viable, tocar en teatros y sitios cerrados con butacas en los que se puedan aplicar fácilmente las medidas de seguridad necesarias.

Conclusión, bolos a priori algo más fríos o raros, pero teniendo en cuenta que es lo único que se puede hacer, es mucho más que nada. La gente sale contenta y nosotras podemos seguir comiendo.

—Habrá quien piense que, como grupo de éxito, habéis ganado mucho dinero. Es fácil sumar ingresos sin restar gastos? ¿Os salen las cuentas?

De puertas para fuera todo es bonito, la gente nos ve tocando por todo el mundo, ganando premios, etcétera, y piensan que estamos montadas en el dólar... Pero nada más lejos de la realidad. Después de muchos años conseguimos vivir de la música, de la música en directo, y la verdad es que nos sentimos muy afortunadas de poder sacar unos suelditos de esto. Aún así tenemos que luchar constantemente para mantenerlo, ya que el sector de la música no está bien regulado en España. De hecho no está regulado directamente. Digo en España, porque en el resto del mundo tampoco es que estén echando petardos de alegría, pero nos consta de que hay países que valoran mucho más la música y la cultura en general. Belako somos cuatro autónomas que formamos una comunidad de bienes y muchos meses tenemos que andar haciendo malabares. Ya sabemos cuál es la situación de los autónomos en España.

A esto súmale que estamos en medio de una pandemia y que apenas hemos podido tocar los últimos meses... Ahora ya son malabares de otro nivel. Estamos para entrar en el Circo del Sol.—J.C.

"El rock necesita una renovación importante"

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octubre 2020 #21

Jota Mayúscula Gracias por todo, loco El hip hop nacional se ha quedado huérfano. Uno de sus padres, de sus pioneros, se ha marchado. Y es que Jota Mayúscula fue el primer gran DJ/ productor que tuvo el rap español. Desde su papel imprescindible en CPV hasta su carrera en solitario y su labor como presentador de El Rimadero, su trayectoria está marcada por el éxito, pero sobre todo por el respeto que tenía por parte de la escena. Porque, además de por sus inolvidables instrumentales, siempre será recordado por su carisma y su personalidad, con un estilo único e inigualable, creando música para los más grandes raperos de la escena.

CPV Sánchez

CPV El hombre metrónomo

Corrían principios de los noventa cuando Nafamacho, Kamikaze, Paco King, Meswy, Frank-T y el propio Jota (con colaboraciones puntuales de Mr. Rango) y bajo el nombre del Club de Los Poetas Violentos publicaron la maqueta Madrid Zona Bruta, que cambió, y de qué manera, la historia del hip hop en España. Dieciocho canciones que componen un álbum conceptual donde Sánchez es una de las más recordadas. CPV fue el primer gran grupo de rap en España, y J fue el arquitecto de aquel sonido que es parte de la historia de la música de este país.

Del segundo disco de los Poetas, La Saga continúa 24/7 (Zona Bruta, 97), además de la inolvidable intro La Saga continúa, quizá esta fue la canción más transcendental. Un corte en el que además Jota está especialmente inspirado con esta instrumental con un toque de jazz que mantiene el sonido sucio que siempre caracterizó al grupo. Y donde además podemos escuchar algunas de las frases que el productor grabó para la eternidad en nuestra memoria (recuérdese “Extraplanetario flooooow”).

CPV Rimadero

CPV Los tres amigos (feat. Mucho Mu) Resulta difícil, muy difícil, elegir la mejor canción de Grandes Planes (Zona Bruta, 98). Desde la primera 99 hasta la última Oye Oye todas pueden provocarnos una tortícolis severa.

Pero nos quedamos con esta de Los tres amigos por el featuring de Mucho Muchacho, para quien Jota tuvo un papel importantísimo en su éxito. Y por el concepto de amistad, el pilar sobre el que se sostuvo la sobresaliente carrera de los Poetas Violentos. Un disco imprescindible para entender qué es el rap.

Un concepto que también es historia del rap nacional. El Rimadero nació como una canción, una de las mejores que grabó nunca CPV de hecho, y posteriormente Jota recuperó este nombre para el programa que ha presentado durante veintidós años en Radio3. A través de él muchos nos educamos en la cultura hip hop y descubrimos infinidad de temazos.

Y sirvió también para demostrarnos que Jota, además de un gran productor y DJ, también era un excelente comunicador. #22 octubre 2020

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MONDO FREAKO

Jota Mayúscula En el cielo no hay alcohol (feat. Kase-O) Hombre Negro Soltero Busca... (Zona Bruta, 00) fue el primer largo en solitario de Jota Mayúscula, ya en el año 2000. Y en este disco se incluye este inolvidable dúo con Kase-O, una de las mejores canciones del repertorio del maño tal como él mismo reconoce. Jota ya había producido otras canciones de Violadores del Verso (incluido el remix del himno Ballantines), pero este tema es de esos que tiene algo especial. Además, años más tarde demostraron con Ke no hay alcohol que sí existen segundas partes buenas.

Jota Mayúscula Toda la semana (feat. Nafamacho) La amistad artística entre Nafa y Jota fue uno de los mayores legados que dejó CPV. Y de esta unión nació el estudio +Graves, de donde salieron la mayoría de sus grandes canciones. Desde ahí también daba apoyo a cantantes menos conocidos para impulsarles en su carrera. Juntos, Nafa y Jota publicaron un álbum, +Graves: Sonido Campeón (Zona Bruta, 08), donde el productor dio muestra de su versatilidad con canciones como ésta alejada del rap clásico.

Jota Mayúscula Babilonia escucha (feat. Morodo)

Jota Mayúscula La gloria o la ruina

Esta canción con Morodo nos sirve para hablar de otras de las grandes pasiones del Jota: el reggae. El madrileño nos mostró que el reggae y el dancehall eran hermanos del rap cuando en España aún eran estilos sin apenas presencia. Sus colaboraciones con otros singjays como Swan Fyahbwoy, Lion Sitte, Chulito Camacho o La Puta Opepé nos abrieron los oídos a un sonido de origen jamaicano que aquí aún desconocíamos. Y al que Jota también ayudó a crecer.

En 2012 la vuelta al estudio de CPV fue la gran noticia del año en el rap. Ya tres años antes ofrecieron un inolvidable concierto en Pinto y más tarde el sexteto volvió a lo grande con Siempre (BOA, 12), un álbum que cumplió y superó las expectativas. Tras una intensa gira, este se convirtió en el último trabajo del Club y canciones como La gloria o la ruina son un ejemplo de lo que podían hacer estos madrileños cuando se juntaban. Rap en estado puro, siéntense y disfruten.

Jota Mayúscula Maybe (feat. Jean Gray)

Jota Mayúscula Ya estamos muertos (feat. Kase O, Sicario, Capaz, Kultama y Nafamacho)

Camaleón (Zona Bruta, 06) fue el tercer disco de Jota como productor independiente, y de él rescatamos esta canción con la neoyorquina Jean Gray. No tanto por ser la más conocida del disco si no para entender la proyección que tuvo Jota a nivel internacional. Como muestra, la despedida que ha publicado Chuck D (cantante de Public Enemy) al enterarse de la muerte de Jota: “Rest in beats JotaMayúscula, a great DJ of Hip Hop support for decades in Spain territorry”.

Por último, y no por lo inoportuno del título, nos quedamos con esta canción donde Jota se reunió con algunos de los mejores amigos que hizo en el rap. De hecho, él y Kultama acompañaron a Mala Rodríguez en directo durante sus primeros años. Y fue ahí donde Jota nos demostró que no sólo tenía talento en el estudio, sino que también tenía un don para conectar con el público. Su carisma y su personalidad le ayudaron a convertirse en el que siempre será uno de los DJ's más recordados de la escena nacional. —ALFONSO GIL ROYO

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octubre 2020 #23

ENTREVISTA

Cantarl a la pa James Dean Bradfield

James Dean Bradfield, líder de Manic Street Preachers, publica su segundo disco en solitario. Tras The Great Western en 2006 y la banda sonora de The Charmer en 2017, llega Even In Exile (Montyray Records, 20), un homenaje a la vida y la muerte de Victor Jara, con la complicidad del poeta Patrick Jones. Con James, tipo afable y reflexivo donde los haya, hablamos sobre este proyecto.

“ “Tendemos a destrozarlo todo y vamos directo a la injusticia”

#24 octubre 2020

H

ola James, ¿Cómo estás? ¿Por dónde andas?

Estoy en mi estudio, cerca de Cardiff. Hoy tengo una agenda muy apretada… Alquilé este espacio y me encanta estar aquí. Es como un piso, tengo hasta mis CD's. Necesito aislarme para crear. En casa con los niños es imposible. Aquí puedo hacer todo el ruido que quiero, incluso toco la batería, aunque soy un batería horrible (risas).

—Por lo que veo, tener ese espacio propio te permite experimentar.

Cierto, aunque a veces es un poco extraño. He publicado catorce o quince álbumes, y quiero seguir haciéndolo, seguir por aquí durante mucho tiempo y para eso hay que trabajar. Cuando sacamos discos y después acabamos la gira de rigor, siento una tristeza real. Pero al mismo tiempo, una especie de excitación para volver a crear. La música es una constante en mi vida, como la familia, los deportes, todo eso activa mi cerebro.

La necesito en mi vida. Quiero tener cerca al público y convivir con toda esa gente que nos acompaña. Después está la otra cara, cuando no estás de gira. El día a día, ver a los vecinos, las actividades de los niños, tus obligaciones en el matrimonio...

—Una de las cosas que más me seducen de Manic Street Preachers es la constancia que tenéis. Y es posible que, aunque imagine lo que puedo encontrar en cada nuevo disco, al mismo tiempo sé que habrá alguna sorpresa.

Lo que diferencia más unos discos de otros son las letras, ahí es dónde se refleja la verdadera inspiración. Luego cada persona tendrá sus propias expectativas, eso está bien, y siempre esperas algo que la banda podrá darte, o no.

—¿Cómo has vivido todo lo relacionado con el Covid-19?

Ha sido complicado, la verdad. Me ha costado gestionar a mis hijos en el sentido que ellos estaban confusos, sin escuela, sin amigos… El miedo está en que no sabes qué va a pasar y esa incertidumbre te tortura.

—TEXTO Toni Castarnado —Vamos a hablar de este nuevo disco, Even In Exile, home-

naje a Víctor Jara. ¿Cómo surgió la idea?

Pues como otras muchas cosas fue por accidente. Hará unos dos años y medio nos tomamos un respiro del grupo, era necesario para refrescarnos. Ahora tengo cincuenta y un años y, quieras o no, es inevitable tomar distancia contigo mismo, con las canciones. Entonces, a través de Nicky Wire conocí a su hermano que es poeta y de algún modo, su inspiración me hizo redescubrir a Víctor Jara y aportar algo distinto a mi trabajo.

La madre de Patrick murió y eso le hizo escribir, preparar algo nuevo. Tuvo la idea de poner música a lo que estaba escribiendo en aquellos momentos, así que me lo propuso. Nos planteamos hacerlo realidad y, en cierto modo, creo que era una oportunidad para mí para hablar de aquello. En los sesenta y setenta, Sudamérica era un lugar interesante en el que pasaban cosas.

Daba igual donde pusieses el foco.

—En su día ya vivisteis la experiencia de tocar en Cuba…

Decidimos hacerlo, pero no había únicamente un componente político o social. Queríamos salir, viajar fuera y hacer cosas que nos excitaran. Ir a Cuba era una de ellas. No es mi país, y sinceramente, no queríamos imponer nada, no era ese el objetivo. Pero para nosotros suponía una experiencia de impacto, complicada pero interesante. Aunque Chile y Cuba nunca han sido lo mismo y sería un error pensar en similitudes. Democráticamente hay muchas diferencias. Las posesiones, la industria, el ritmo vital… Los países deben ser prósperos, tener gobiernos fuertes y consecuentes, pero no suele ocurrir. Tendemos a destrozarlo todo y vamos directo a la injusticia. No se trata de izquierda o derecha, lo importante es la gente que está dentro.

Hay quien odia al prójimo por sus ideales y yo lo único que intento es entender en lo que creo, no hay más. Hay mucha gente muriendo por la obcecación de quienes toman decisiones.

—La figura de Víctor Jara representa la lucha por la libertad y la paz, y en este caso, tanto da que seas de izquierdas o de derechas.

A mí me aterra la brutalidad con que se le trató, es terrorífico. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

le az Deberíamos fijarnos en lo que escribía, en sus canciones de paz, en la ambición por permanecer juntos. Eran protestas sin violencia, con una idea progresista cuyo lema era: “venga, hermanas y hermanos”.

—Patrick Jones contó en Twitter que la primera vez que escuchó la música que le enviaste, lloró sin parar.

Bueno, sí… Pero no olvides que es poeta (risas). Lo vive todo de una manera más intensa y dramática, mientras que yo soy más objetivo y pragmático. En estos casos hay que hacer un balance entre lo que te dice la cabeza y lo que te dicta el corazón. Además, hay algo que no debemos olvidar, muchos poetas tienen también una ambición política a la hora de escribir.

—Mientras preparaba la entrevista, recuperé tu primer disco en solitario, The Great Western (06). ¿Hace mucho que no lo escuchas? Era un disco más orientado al pop.

Quizás haga diez años o más. Fue raro, porque en aquellos momentos estaba un poco alejado de la realidad. No tenía un gran presupuesto y creo que faltó la química que se crea entre los músicos, porque excepto la batería, lo toqué todo yo. Incluso el piano.

—También hiciste la banda sonora de The Charmer.

Esa es otra cosa muy distinta. En esos proyectos te sientes como un invitado, alguien que obedece ordenes. Tienes que prestarle una atenmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ción diferente, vas al detalle, más de cara al efecto que busca quien te contrata, porque a fin de cuentas no deja de ser un encargo.

—Y ya que estamos hablando de bandas sonoras, recientemente nos dejó Ennio Morricone, un verdadero maestro.

Morricone tocaba todo tipo de emociones, pero es muy diferente al rock'n'roll. En su trabajo importaba el tamaño de lo que hacía y de lo que estaba sonando. Es algo mucho más abstracto. Es frecuente que, cuando te encargan algo así, te vuelvas más tímido a la hora de expresar lo que tienes dentro, en cambio él trabajaba de maravilla frente a ese tipo de presión.

—Finalmente, te quería preguntar por Gold Against The Soul.

Siento una gran debilidad por ese disco. Habéis publicado una edición deluxe. ¿Qué recuerdas de aquella grabación? ¡Estábamos muy asustados! Era nuestro segundo disco, y en aquella época eso representaba un problema. Había mucha presión y nosotros queríamos dejar a un lado el peso de esa responsabilidad. Éramos jóvenes y no pensábamos demasiado las cosas. La ambición nos traicionaba, porque lo que nosotros queríamos era ¡comernos el mundo! —J.C.P.

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LA SOLED “ ME EN COMPA EN PORTADA

P

“Trump es Estados Unidos.

Nosotros le elegimos”

#26 octubre 2020

or teléfono, Matt Berninger se muestra nerviosamente locuaz, y divaga. Se ríe a menudo.

Elogia sin parar a su héroe Willie Nelson, cuyo disco de 1978 Stardust le inspira, y al mítico músico y productor Booker T. Jones, que lo produjo y también ha grabado esta colección de canciones intimistas en las que se despoja del personaje de cantante de The National. No hace falta insistir para que le dé lo suyo a la administración Trump, producto genuino, dice, de su país y la frívola civilización del espectáculo.

—La idea de hacer un disco en solitario, ¿formaba parte de tus planes desde hace tiempo, o más bien ha sido algo improvisado?

No estaba planeado para nada. La cosa empezó porque quería hacer un disco de versiones. Estaba recopilando las canciones y fue entonces cuando contacté con Booker T. Jones, al que había conocido diez años antes. Él produjo y arregló Stardust, de Willie Nelson, que es uno de mis discos favoritos. Le llamé sin más para hacer ese disco. Dijo que sí, yo no podía creer la suerte que había tenido, fue surrealista. Así que empezamos a trabajar en las versiones, nos fuimos mandando ideas y canciones que quería hacer de The Cure, Morphine o The Velvet Underground. Pero resulta que en ese mismo periodo le enseñé canciones que había hecho con otra gente, músicos y amigos de otros grupos, y me propuso que nos concentráramos en ellas. Al final teníamos más canciones originales que versiones, de modo que decidimos dejar las versiones fuera. Saldrán más adelante en un disco que mezclará versiones y originales.

—Por lo que me cuentas y el material que vienes sacando (el disco de The National del año pasado), debes estar en un momento especialmente productivo, ¿no es así?

Sí, estoy así desde hace mucho tiempo. Y muy agradecido. No lo calificaría como un estado creativo maníaco (risas), sino más bien una fase continua de fiebre compositiva, que de hecho supera ya los cuatro años, así que... Sí.

—Es un disco muy cálido y tranquilo. Casi no tiene batería. Sin embargo, hay muchísimos detalles, y uno percibe que se ha hecho con un cariño especial. ¿Cómo fue la grabación? Es un disco “en solitario”, pero en realidad participan un montón de músicos.

Bueno, otras canciones son muy diferentes porque la gente con la que las he hecho tienen un ADN distinto, no se pueden comparar. Esta vez los músicos tenían una personalidad diferente, así que Booker nos grabó en directo en una sala durante dos semanas. Todo el mundo iba rotando, entrando y saliendo. Al final entraron a grabar hasta veinte personas en esas dos semanas, en un estudio muy pequeñito. Necesitaba a Booker, era esencial para cohesionarlo todo, que estu-

Matt Berninger

Matt Berninger, la curtida voz de The National, apuesta por un intimismo cálido, maduro y terapéutico frente al miedo en su primer disco en solitario Serpentine Prison (Caroline/ Music As Usual, 20). Con motivo de su edición charlamos con él vía telefónica.

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—TEXTO J.C. Peña —FOTOGRAFÍA Chantal Anderson

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DAD EJOR AÑÍA

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octubre 2020 #27

“

“Subirme a un escenario es mi deporte extremo” “Quería hacer un disco acogedor y que consolara” “En este álbum soy más yo mismo: no me preocupo de ser ningún personaje”

#28 octubre 2020

viéramos en el mismo barco haciendo lo mismo como hermanos y hermanas. Tenía que conseguir que fuéramos parientes de sangre (risas), sonoramente. Y sí, quería un álbum que tuviera la atmósfera de Stardust.

No sé si ha terminado sonando como Stardust, pero cuando me pongo cualquier canción de aquel disco, de repente me siento un poco más calentito y a salvo, algo más feliz. Y creo que es porque estoy oyendo a personas tocando juntas en una sala. Mi padre lo tenía, y quería también hacerlo para él. Pero también es para mí, refleja mi personalidad. Otros discos seguramente sean más inexactos en cuanto a cómo encapsulan mi personalidad. Otras veces suelo hablar desde el punto de vista de diferentes personajes. Incluso en The National interpreto el papel de Matt Berninger en The National. No deja de ser un personaje. Estás lidiando con expectativas, fechas de cierre y descripciones de lo que Matt Berninger de The National es. Y en realidad nunca me he sentido del todo como yo mismo. En este disco soy yo. Dije: “vale, no me voy a preocupar de ningún personaje, no voy a montar ningún show o ninguna película”.

—Es interesante porque desde la misma portada se percibe una especie de humildad que entiendo que es muy tuya, un poco humorística, pero siempre con esa calidez de la que hablas. Imagino que la idea era hacer un disco muy personal.

Sí. Bueno, siempre hago discos personales, las canciones son siempre personales, pero en este caso quería hacer un disco acogedor y que consolara. Algo sucede con Booker T. y su música cuando lidera un grupo. Los M.G.'s fueron como el mejor grupo de todos los tiempos, y Booker era el letrista y compositor. Cuando oigo

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a los M.G.'s, oigo canciones, no sólo música y los giros del órgano de Booker. En esas grabaciones puedes “oír” a los músicos mirándose. Puedes escuchar cómo Steve Cropper miraba a Al Jackson. Booker era el que los llevaba a tirarse al precipicio, y realmente en las grabaciones oyes en qué forma eso pasa. Él necesitaba un grupo que fuera muy sólido para el directo, y en las grabaciones oyes el sudor… ¡Y a veces hasta la cocaína! (risas).

—¿Y te parece que eso se está perdiendo en las grabaciones de hoy, que suelen estar sobreproducidas?

No creo que lo estemos perdiendo para nada. Lo que pasa es que…Yo he tenido la suerte de poder traer en avión a veinte personas de distintas ciudades y meterlas en un estudio (cierto que muy pequeño). Eso es carísimo, por lo que creo que las grabaciones digitales caseras están salvando a la música. Todos nuestros primeros discos, me refiero a los de The National, se grabaron en un dormitorio con un cuatro pistas. Eso fue lo que nos permitió empezar en 1999 o 2000. Sin un cuatro pistas cutre que te permitiera grabar en casa, ni habrías empezado el grupo. Yo hago muchas canciones en Garage Band… Hoy puedes componer un disco precioso con el móvil. Eso es importante. La gente no se puede permitir entrar en un estudio. Dicho esto, con este disco quería estar en la misma sala con los músicos, no hacerlo con ProTools a distancia. Las canciones estaban más o menos compuestas, pero quería que todo se grabara en directo.

—Me ha dado la impresión de que has querido probar hacer cosas nuevas con la voz, en tu modo de cantar, que siempre ha sido muy personal, pero dentro de un estilo muy definido. Lo digo por canmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA

EL APUNTE

Trump, jodido Trump

C ciones como Collar Of Your Shirt. ¿Es así?

Bueno, Booker me hizo hacerlo. Collar Of Your Shirt fue la primera canción que compuse y me encanta, tiene algo cósmico muy especial para mí. Cuando la estábamos tocando, creo que a mitad de toda la grabación, no recuerdo exactamente el momento, al llegar al final me miró y me dijo que siguiera. Quiso que cambiáramos el tono de los acordes y pasó algo maravilloso que la elevó y la convirtió en una canción completamente distinta. Y fue cosa de Booker. En una hora habíamos añadido toda esa nueva parte, y creo que incluso yo tenía también la letra. Fue uno de los momentos en que Booker cogió una de las canciones arregladas y terminadas y nos dijo: “Esto no está acabado. No tenéis los arreglos y tienes que cantar algo diferente para que esté bien: no está terminada”. Y tenía razón. Pero no fue algo académico, aunque Booker tiene muchísimo bagaje académico –es un doctor de todos los géneros, si es que hay algo así (risas)–. En el estudio, es todo corazón.

—Yendo a las letras, que decías que son como más personales, ¿dirías que hay un hilo común que une a todas las de este disco?

Creo que hay un hilo común en todas las canciones que he escrito. Cuando me preguntan de qué va una canción de hace veinte años, me doy cuenta de que van de lo mismo. Si respondes de verdad a la pregunta, todo es lo mismo: deseo, miedo, amor… Siempre se trata de algo que quieres o que no quieres. Algo que temes que va a pasar… Es una especie de código binario.

Lo contrario del amor es el miedo. Porque el odio es como la versión cutre del miedo. O mejor dicho, es la manifestación del miedo. Pero el odio no es realmente un sentimiento, es el miedo. Cuando estás enfadado, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

asustado y jodido y le gritas a tus amigos, a tus políticos, a tus vecinos, a tu familia, a tu madre, a tu esposa, a tu padre, es todo miedo. No es odio ni enfado. El mecanismo es siempre el mismo. Y todo el mundo está aterrorizado ahora mismo, yo también lo he estado.

—La última: el título es un juego de palabras muy curioso. Leí que veías la canción como un epílogo del disco, por eso la colocaste la última. ¿Qué me puedes contar de ella?

Pues hay un par de cosas. Si ves a un grupo en un aeropuerto con su equipo y su equipaje, caminan como siguiendo a un líder: todo el mundo sigue a la persona que está delante para no perderse. Si miras esa escena desde arriba, ves una especie de serpiente, normalmente negra, porque todo el mundo va de negro. Es una serpiente negra que atraviesa un aeropuerto.

Pero luego está la idea de la jaula o la cárcel que se me ocurrió en lo alto de un circuito de bici que serpentea, cojo mucho la bici. Ahí es cuando me vino el título.

Obviamente no puedes meter a una serpiente en una cárcel normal, es una idea absurda (risas). Pero la idea de una serpiente en una celda el viejo estilo me gustó.

Es como me siento muy a menudo. Y por cierto que las serpientes me parecen muy bien (risas). Tienen literalmente mucho carácter (backbone significa columna vertebral). Soy muy fan de las serpientes. Tienen una mala fama que viene de antiguo, pero son muy positivas (risas). —J.C.P.

R Más en www.mondosonoro.com

uando ganó Trump, o yéndome atrás al 11-S, o ahora con esta pandemia…

Tenemos serios problemas, pero no son nuevos. Toda la mierda de los desastres globales, las pandemias, la supremacía blanca, el nazismo… No es nada jodidamente nuevo. Pero nos hemos ganado la idea de una cierta América blanca, que ha llegado a todo el mundo. Trump es Estados Unidos. Nosotros le hicimos, nosotros le elegimos. No era suficiente con tener a un político al uso, necesitábamos a alguien más entretenido. La gente quería al macarra, al bobo de Regreso al futuro. Y querían a este tío porque todo el mundo quiere ser entretenido, y era como “Va a ser la bomba”.

Y ahora la gente está muriendo y este idiota y su administración son responsables de cientos de miles de muertes. Es criminal y grotesco pero… Nosotros lo creamos. No dio un golpe de estado. Fueron unas putas elecciones. Bien, yo he vivido con este miedo desde entonces, pero también soy bastante optimista: siempre puedo controlar mi ira y dejarla atrás. Me aterrorizaba subirme a un escenario, especialmente porque no tocaba la guitarra. No practico deportes extremos, no surfeo, no salto desde aviones, no soy un puto funambulista. Ser músico y compositor e interpretar en un escenario es mi versión del deporte extremo. No hago escalada libre, salto de escenarios. Saco más descargas de adrenalina y serotonina de eso que de cualquier otra cosa, y eso viene de conquistar el miedo. Una vez lo consigues y lo repites una y otra vez, ya no tienes miedo. Ya no tengo miedo ni de políticos ni de cualquier mierda. Y es bueno.

Es importante que hagamos haga algo abstracto, ya sea escalada libre o surf; al llegar a casa no le tendrás miedo a tipos como Trump”. —J.C.P.

octubre 2020 #29

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Las vidas posibles de Gabriela Casero Haití, Cuanto más o la más reciente Soy el verano son parte de la media docena de canciones que han hecho de Casero uno de los proyectos musicales más interesantes de la nueva escena del pop independiente español. Gabriela Casero ha fichado además por Primavera Labels para publicar su primer álbum.

RRVans apuesta por el talento emergente global con Musicians Wanted, un nuevo concurso mundial. La convocatoria está abierta para artistas de cualquier estilo musical y de cualquier parte del mundo.

Puedes enviar tu música original a través de Vans.eu/MusiciansWanted y tienes de tiempo hasta el 11 de octubre. El artista o grupo ganador tendrá la oportunidad de actuar abriendo en 2021 en un concierto único para House Of Vans (fecha y ciudad por confirmar) ni más ni menos que para Anderson .Paak (quien también forma parte del jurado), además de llevarse productos Vans, equipamiento Fender, apariciones en listas de Spotify y mucho más que ya se irá dando a conocer en breve.

TAN.LEJOS Beladrone Shoegaze sureño Además de su pasado en bandas sevillanas como Tännhauser, Blacanova o Martes Niebla, a los miembros de Beladrone les une una bucólica relación con Huelva.

Andévalo (El Genio Equivocado, 20) recorre la riqueza de las comarcas onubenses en cada una de sus canciones, con olor a minas, mar, sierra y una gastronomía que nos lleva a acuñar algo así como chocogaze. #30 octubre 2020

do “Mis canciones son to ” ad rd historias de ve

RRBeastie Boys fue una de las bandas de hip hop más conocidas de los años noventa. Se disolvieron en 2009 cuando uno de sus integrantes, Adam ‘MCA’ Yauch, fue diagnosticado de cáncer. El último concierto del grupo fue ese mismo año en el Festival de Bonnaroo y, once años después, nos lo traen de vuelta a través de Youtube.

RRDespués de toda una vida siendo el frontman de Fear Factory, Burton C. Bell anuncia que abandona a la banda de metal.

RRBillie Eilish estrenará un nuevo

documental sobre su carrera en salas y en Apple TV+, aunque tendremos que esperar hasta febrero de 2021 para po-

D

e dónde viene esa pasión por Huelva?

Los tres tenemos vinculación estrecha con la provincia.

Iñaki y yo (Paco) provenimos de familias onubenses del Andévalo, la Cuenca Minera y el Condado. Villa, por su parte, fue concebido en Huelva capital. Era imposible no hacer un disco centrado en Huelva con estos condicionantes.

—¿Por qué plasmar en un disco estos condicionantes que citas?

Porque las obsesiones se deben materializar en cosas bellas para no terminar en tragedia. Y no hay nada más bello que grabar un disco.

—Os conocéis de otras formaciones anteriores ¿Qué os ha llevado a formar Beladrone?

De nuevo se trataba de reconducir obsesiones: algunos teníamos la obsesión de que Iñaki, que siempre había hecho post-rock instrumental con Tännhauser, se convirtiese en un mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

L

A CLAVE ESTÁ En la mujer detrás de la artista, Gabriela Casero lleva varios años apostando por su música, en Solo Astra –la banda de Cupido– y en Mow, en este último proyecto cantando en inglés. En su salto al español por su cuenta y riesgo y hacerse cargo de todo lo que rodea al proyecto, portadas incluidas, parece que la artista madrileña ha encontrado su lugar. De todas las posibles vidas musicales de Gabriela Casero, ahora está viviendo y cantando esta. Lo especial de Casero está en sus canciones.

Por un lado, a diferencia de otros muchos artistas de la actualidad, la imagen personal no parece tener un peso desorbitado en quién es y qué hace. “Veo que hay mucha gente para quienes la imagen es muy importante para ellos, mientras que a mí, aunque nunca me pondría nada con lo que no me sintiese identificada, me da como rabia que la imagen forme una parte tan importante en las cosas de la música e intento mantenerlo al mínimo que pueda”. Por otro, sus canciones son como la salsa

agridulce de tu restaurante chino favorito, mientras la música y la interpretación vocal te dicen quédate, las letras contienen perlas que son también crochets al corazón del oyente como “Me ha dado pena comerme ese recuerdo, pero he ido al armario y es lo único que tengo” en Frutos secos o “Últimamente he pensado bastante que todo lo que hagas me parece tarde y no me vale hoy”, en Islas Desiertas. Gabriela Casero lo explica: “Eso es una cosa muy mía. A mí siempre me han dicho que no me corto lo suficiente al decir las cosas, que soy demasiado sincera o que digo las cosas de una manera muy fuerte. Pero no es un contraste que yo este buscando crear es que realmente yo soy así”.

“MIS CANCIONES SON TODO historias de verdad y personas de mi alrededor, incluso cuando digo cosas malas de gente”, confiesa la artista.

La clave, nos dice, es que “yo hablo de sensaciones a través de situaciones concretas, pero al final son cosas muy normales, entonces es fácil ponerse en

mi lugar pero a la vez tiene el atractivo de lo nuevo”. Estas historias reales llevan a Gabriela Casero a que su última canción, Soy el verano, nazca a partir de una canción que su ex canturreaba sobre su anterior pareja y que ella le pidió para convertirla en la canción de pop triste y estival que es ahora (“es como si le estoy cantando una canción a la ex de mi ex y es rarísimo”).

Otra historia que bien merecería una canción. Con todo esto en la mochila, Gabriela Casero se lanza a por su primer disco en solitario en castellano.

Después de varios proyectos y de contar sus muchas vidas en sus canciones.

—LUIS M. MAÍNEZ

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der verlo. La película llevará por título Billie Eilish: The World’s A Little Blurry.

Ha sido dirigido por RJ Cutler, conocido documentalista, productor y director de diversos filmes desde la segunda mitad de los noventa, además de ganador de un premio Emmy.

RRLa banda estadounidense de culto Joan Of Arc ha anunciado que se disuelve definitivamente tras veinticinco años de trayectoria. Lo harán con un disco final Tim Melina Theo Bobby que Joyful Noise publicará el día 4 de diciembre.

RRMichael Kiwanuka, el cantautor bri-

RRLa publicación estadounidense Rolling Stone ha actualizado su lista de los 500 Mejores Discos de todos los tiempos. Y El Mal Querer de Rosalía aparece en la posición 315, aunque no es la única artista latina. También están Bad Bunny, Daddy Yankee y Shakira.

tánico de treinta y tres años del que nos hemos declarado siempre fans, se proclama vencedor del Premio Mercury 2020.

Este galardón se le otorga al mejor álbum británico del año, por tanto, KIWANUKA es la mejor obra anglosajona de 2020. Sus contrincantes eran artistas como Dua Lipa, Charli XCX o Anna Meredith.

“Los paisajes nos sirvieron de apoyo a una idea general siniestra”

—MS

cantante ruiseñor. Luego estaba la obsesión por seguir tocando con Villa de Blacanova y la obsesión por hacer post-punk y shoegaze, pero saliendo de la zona de confort de proyectos previos. Y ahí nos pusimos manos a la obra.

—Huelva es tierra de contraste, pero en su disco prima la oscuridad y la densidad ¿siguen, como en ejercicios anteriores, ajenos a la alegría?

Los paisajes nos sirvieron de apoyo a una idea general siniestra que ya teníamos en mente. Esos mismos terrenos, llanuras y montes despertarán todo tipo de sentimientos según la óptica desde la que se les observe. En nuestro caso quisimos buscar el reverso tenebroso. Quizá me he olvidado ‘La flecha’, apertura y momento más luminoso del disco con un videoclip lleno de claro-oscuros. La canción es muy vigorosa y enérgica, quizás de ahí pueda extraerse cierta luz, pero la historia que se narra también es terrible.

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EL VHS. RECUPERADO.

Las melodías y juegos de guitarras nos parecían perfectos como carta de presentación en un single redondo que finalmente terminó abriendo el disco.

—¿Trabajaréis en un disco sobre la costa gaditana a lo “buen rollito” o quedan por descubrir muchos rincones de otras partes?

De momento seguimos sumergidos en el tormento, que es un sentimiento que da mucho juego y que ayuda a soltar algo de lastre en estos días tan confusos que nos está tocando vivir.

El disco conceptual es algo que nos ha venido de perlas en este caso y que tal vez podríamos seguir explorando, pero aún les quedan caminos por recorrer a las nuevas canciones que ya estamos preparando.

—ROJAS ARQUELLADAS

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Suede Love & Poison (Sony, 93) HACE CASI TREINTA AÑOS no existía Internet y los reproductores de vídeo echaban humo con ese material que los grupos de los noventa lanzaban en VHS. En Reino Unido, bandas como The Stone Roses, Blur o Oasis tuvieron su referencia mítica en vídeo. La de Suede fue Love & Poison que ahora el grupo comparte en streaming de forma gratuita y convenientemente remasterizada. La referencia presenta una filmación registrada en directo el 16 de mayo de 1993 en el London Brixton Academy, y fue editada exclusivamente en VHS hasta que apareció en DVD en la reedición deluxe de Suede (Edsel, 11). Una cinta que, en su momento y dado lo preciado de este tipo de material en la era pre-Internet, terminó destrozada en multitud de reproductores debido a su visualización compulsiva.

Un documento poco menos que histórico para los fanáticos de Suede, que ahora puede verse convenientemente mejorado tanto en imagen como en sonido gracias al trabajo de James Wong. Se trata de la filmación de una actuación gloriosa que cuenta con el atractivo adicional de mostrar sin tapujos el aspecto más crudo, casi primigenio, de Brett Anderson y compañía sobre el escenario, ya que la actuación tuvo lugar apenas dos meses después que el disco saliese al mercado, aunque con Suede ya proclamados como “La mejor nueva banda de Gran Bretaña” desde la portada del semanario Melody Maker. Ante un aforo literalmente a rebosar –sin duda eran otros tiempos–, el grupo luce con una fuerza, carisma y realismo descomunales, conquistando a su público con el virtuosismo magnético y espectacularmente descriptivo de Bernard Butler a la guitarra, además de la sólida base rítmica formada por Mat Osman al bajo y Simon Gilbert a la batería. Aunque, por supuesto, el foco principal tiende a recaer sobre un descontroladísimo Brett Anderson, enfundado a conciencia en esa piel que reencarna en la misma figura a Morrissey, David Bowie y Marc Bolan. Los amaneradísimos y violentos contoneos del vocalista desprenden pura sexualidad, mientras disfruta de la adoración y la tan ansiada fama y se exhibe con una emotiva y descomunal capacidad vocal. —RAÚL JULIÁN octubre 2020 #31

20 AÑOS DEL DISCO QUE DEFINIÓ UNA ERA NUEVA EDICIÓN CON ABUNDANTE MATERIAL EXTRA

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33/Mondo VINILOS

Renaldo & Clara

Toots & The Maytals

L’amor fa calor Primavera Labels

POP / Renaldo & Clara son una voz indispensable en la escena catalana. Eso empieza a ser una verdad universal.

Como la rabia de ponerse la mascarilla del revés. Su apuesta folk, basada en la canción, había emocionado en sus anteriores discos, pero un primer adelanto en pleno confinamiento, La finestra, mostró una nueva y brillante faceta de los de Lleida.

De lo cálido a lo vistoso. Más estribillo y menos linealidad, anticipo de un viraje profundo, primer caramelo de una caja de dulces sin chocolatinas de café.

L’amor fa calor contiene nueve ‘singles’ prohibidos para diabéticos: los coros y precisión de los versos de Historia; lo chicloso de L’amor fa calor; las nuevas formas de cantar de Clara Viñals, casi rapeadas; y, sobre todo, la brillante presencia de lo sintético. —YERAY S. IBORRA

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Marilyn Manson entre lo accesible y lo reflexivo Marilyn Manson

We Are Chaos Caroline/Music As Usual

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ROCK / Marilyn Manson regresa tras tres

años de silencio con We Are Chaos, un disco cuyo título, pese a haber sido ideado antes del inicio de la pandemia, refleja a la perfección la conclusión en la que se baña la situación actual del planeta. Manson oferta diez temas maduros, intimistas y sorprendentes en los que se conjugan multitud de estilos distintos. Todos sabemos que Marilyn Manson es un artista cuya máxima es no pasar desapercibido cuando hace algo, y en esta ocasión ha vuelto a sorprendernos, y además de forma grata. Tres años han pasado desde Heaven Upside Down, un trabajo con el que volvió a cosechar buenas críticas, llegando a situarse dentro del Top Ten de las listas de éxitos de algunos países.

Ahora, con We Are Chaos, Manson consigue convencernos a base de canciones dispares, pero cargadas de solidez envenenada.

Manson no renuncia a la ira comprimida de

Antichrist Superstar (96) o Holy Wood (00), y el corte que da comienzo al álbum, Red, Black And Blue, se encarga de certificarlo.

Sin embargo, la mayor parte de sus temas se muestran mucho más accesibles y reflexivos que hasta ahora, fieles reflejos de los fantasmas que acompañan al artista. Si la verdad es que este genio iconoclasta oscuro se encuentra cerca de darle un abrazo apasionado al pop, lo cierto es también que la imagen que se genera no defrauda en absoluto.

Manson sabe transigir la oscuridad con un armazón instrumental que en casos como Don’t Chase The The Dead o, sobre todo, Paint You With My Love, puede llegar a recordarnos hasta a una suerte Suede salpicados de oscuridad gótica. El disco en términos netos se muestra convincente, opaco, y muy personal en comparación con apuestas anteriores, y es que la misantropía que Manson ha heredado de otros artistas como Boyd Rice tiene mucha presencia en We Are Chaos. Cabe destacar también que gran parte del impacto que We Are Chaos genera al ser escuchado proviene de la encomiable producción llevada a cabo por el gran Shooter Jennings, que en colaboración con el propio Manson ha ideado una catedral sonora insuperable.

—FERNANDO O. PAÍNO

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Got To Be Tough Trojan Jamaica/BMG

REGGAE / Se ha hecho esperar más de una década, pero el regreso de Frederick “Toots” Hibbert ya es una realidad. El legendario cantante está considerado uno de los padres del reggae (con auténticos himnos como Do The Reggae, Pressure Drop y 54-46 Was My Number) y tras más de diez años de silencio discográfico regresa por la puerta grande.Lo hace además con un álbum en el que, además de reggae, toca todos los estilos que han marcado su carrera a lo largo de décadas: del ska al funk, pasando por el blues, el jazz, el soul e incluso el rock.

Producido por él mismo y dejándose acompañar por músicos de renombre, esta leyenda viva de la música jamaicana, con más de seis décadas de exitosa carrera, demuestra no haber perdido ni la inspiración, ni la energía.

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—ALFONSO GIL ROYO

Troye Sivan

Cazzu

In A Dream Universal Music

POP / Cuenta Troye Sivan que una mañana cualquiera se despertó llorando, y ese mismo día comenzó a escribir In A Dream, su nuevo EP. El 2020 ha sido complicado de gestionar emocionalmente por muchas razones, pero si le sumas una ruptura amorosa a los veinticinco años, la intensidad aumenta.

Ese es el contexto de la creación de este nuevo proyecto del joven australiano que, como muy acertadamente leí en Twitter, nos abre las puertas de su propio Melodrama (Lorde, 2017) de seis canciones. El maravilloso último disco de la neozelandesa es una clara inspiración para Sivan, no solo en hilo conductor y concepto, sino también en sonido, letra.

Pero ahí dentro también se deja ver un Frank Ocean ambiental, una Charli XCX industrial o incluso un tímido David Bowie algo transgresor. —ÁLVARO TEJADA

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Una niña inútil Universal Music Latino

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R&B / Sin lanzar singles

continuamente, tomándose su tiempo para explorar, Cazzu presenta casi por sorpresa Una niña inútil. Pero de inútil, nada. Todo lo contrario: un disco conceptual de R&B en el que cada canción se titula como algunos poemas de la escritora suizoargentina Alfonsina Storni. Creado enteramente en cuarentena, Cazzu demuestra su polivalencia en cualquier género gracias a su voz potente, que puede rapear o entonar versos de lo más agudos.

Rehúsa de etiquetas compartimento. Formándose y creciendo en el reggaetón, durante su carrera también ha probado el trap y el rap. Ahora se centra en el R&B, un estilo en el que puede jugar con su voz y llegar a registros que antes no nos había mostrado.

Julietta Cazzuchelli cambia radicalmente en lo estilístico y no se estanca. —KAREN MONTERO octubre 2020 #33

MONDOVINILOS

Internet Money

B4 The Storm Internet Money Records/ Music As Usual

El hedonismo sin fronteras de Varry Brava 6

Varry Brava

Hortera Hook/Altafonte

8 POP / El nuevo disco de Varry Brava fue de los

primeros lanzamientos españoles afectados por el Coronavirus. En los inicios de la pandemia en nuestro país, viendo que la cosa iba para largo y que el ambiente igual no era el más adecuado, se decidió aplazar la fecha de salida de Hortera, a pesar de que ya se habían presentado algunos temas. Por fin lo tenemos entre nosotros, y aunque el momento sigue siendo bastante jodido, eso perjudica al disco en lo relativo a giras y presentaciones, pero no en cuanto a su contenido en sí, donde casi que el efecto es el contrario.

Porque esta pausa hedonista de media hora se siente como un regalo en estas semanas tan inciertas. Está claro que temas como Mi mejor momento no fueron escritos en el confinamiento, pero por eso mismo conservan ese espíritu que siempre ha caracterizado a Varry Brava, y que hace que podamos escuchar Luces de neón, Ciervos o Molar, cerrar

los ojos, y visualizarnos en un festival, como el mismo Warm Up, también uno de los primeros cancelados. Disfrutando, saltando y sudando, mientras ellos juegan con el público para que coreen estribillos tan idóneos para ello como ese “laaa cuuulpaaa es tuuuyaaa”. Pero, además, en este disco los chicos han querido ir más allá y apropiarse de nuevo de todas esas críticas de, sí, “horteras”, que les han llegado. Desde la mierda con brilli-brilli en portada y letras del libreto, a los colores pastel saturadísimos,

Gus Dapperton

El Meister

7

POP / Resulta difícil con-

cretar si la música de Gus Dapperton es un producto para post-adolescentes como él o si, por contra, el neoyorquino señala el futuro inmediato del indie-pop de aspecto analógico.

Quizás esa dualidad y su halo de contradicción y misterio sea parte del encanto, en un hipnotismo desplegado definitivamente en este segundo álbum. Un elepé copado por pop plastificado, con presencia destacada de sintetizadores y teatral, que por momentos parece alcanzar el infinito desde la misma habitación del autor.

‘Orca’ presenta cierta pose, pero también incluye aciertos que señalan a un creador diferente, muchos de las cuales se focalizan en una primera mitad más que notable. La referencia no concluye categóricamente si el asunto se apoya demasiado en el postureo del músico (que tiene en el dramatismo de The Smiths uno de sus referentes) o si algunas piezas deberían desatar cierta euforia, pero si tuviera que apostar sería a su favor. —RAÚL JULIÁN #34 octubre 2020

FOLK / Ya desde la portada, con Javier Vielba ataviado con capa española, se nos anuncia que este es un disco diferente a todo lo que El Meister ha hecho hasta ahora. Con él, marca el punto de acceso a una dimensión desde la que reivindicar músicas y tradiciones vallisoletanas. Si en canciones como Loco mundo, Canto sin contar o El fuego de San Antonio es la jota la que manda, en otras como Estafas tradicionales es la tradición picaresca española la protagonista del relato. Pero, como buen miembro de Arizona Baby y Corizonas, no deja totalmente a un lado sus influencias anglosajonas, presente en cortes como Doce de cada diez o En la chopera negra. Fuego en Castilla es su trabajo más personal hasta hoy. En él, Vielba toca casi todo y produce a medias con Daniel Alcover, inspirándose en la cultura castellana para abrir una nueva vía estilística en la que indagar y en la que, quién sabe, quizás profundizar en sus siguientes entregas.

8

—JUAN P. HOLGUERA

—PABLO TOCINO

A. G. Cook

Fuego en Castilla Subterfuge

Orca AWAL/ Popstock!

pasando por la inclusión de su primer tema de reggaeton (aunque desde luego el reggaeton no es “hortera” per se, sí lo es en la mente de mucha gente). Con temazos tan redondos como el que da título al disco, la veraniega (ay) PlisDonGou y esa Ritos exóticos que recuerda a dos grandes horteras/genios (elijan ustedes, yo lo tengo claro) como son Tino Casal y Franco Battiato, Varry Brava nos dan una nueva prueba de su talento para hacérnoslo pasar en grande.

8

POP / Alexander ha deci-

dido aplicar su talento, y filosofía, a través de él mismo y el resultado han sido dos álbumes tan dispares como hermanados.

En agosto lanzó al mercado 7G, un proyecto de cuarenta y nueve canciones con el que sació su vena más experimental y en el que, además, comenzó a exponer las referencias y la instrumentación que le servirían para construir Apple, el disco con el que firma por fin su coronación como artista y su propia identidad dentro de PC Music. Repleto de contrastes, Apple busca por un lado generar cierta sensación de inquietud en el oyente y a su vez una necesidad de atención constante. De ahí esa dualidad sonora que te vuela la cabeza. Una confrontación que saca su faceta más íntima, ese sonido más bedroom desnudando su voz a guitarra (Haunted, Oh Yeah).

Y, además, se agarra a su pasión por el euro-trance y el sonido club noventero. A la electrónica más explosiva como exploración de las emociones humanas (Xxoplex).

—ÁLEX JEREZ

dense llamado Taz Taylor decide, de pronto, crear un colectivo de productores bajo el nombre de Internet Money y, sin más intención que ofrecer un espacio creativo en el que poder experimentar con colegas, la bola se va haciendo más y más grande hasta que los contratos con varias discográficas de renombre comienzan a florecer. Ahí es cuando los miembros de Internet Money –que son unos cuantos– deciden lanzar B4 The Storm, un primer trabajo pensado de forma calculada para ser consumido por nativos digitales. El disco cumple su función y, al menos, eso es algo que no todos los artistas pueden decir. Probablemente los chicos de Internet Money estén ahora mismo bañándose en billetes sin preocuparse por si su disco ha sido bien recibido o no por la crítica musical. Saben que el dinero ahora mismo lo da Internet (de ahí su nombre), y eso es un poder que puede hacer temblar los cimientos de cualquier industria. —ÁLVARO TEJADA María Escarmiento

Easy-S

Apple PC Music

Countach 93 Autoeditado

RAP / Todos los raperos haciendo rap oscuro, melancólico, con influencias electrónicas y traperas, y coge Easy-S y se saca este discazo al más puro estilo rap clásico. Desde la primera a la última canción el malagueño combina con seguridad el sonido noventero con el actual, fusionando ambos y logrando un rap potente y convincente, dando ganas de subir el volumen cada vez que empieza una canción. Countach 93 es el homenaje a su generación (nació en 1993), pero también a las pasadas y las futuras, gracias a un disco que empieza sonando a 1990 y acaba sonando a 2020. Basta con escuchar What Comes Around, el tema que abre el disco. Con un mensaje que alterna momentos de vacileo y ego con otros más introspectivos, el de Space Hammurabi acaba cediendo el volante a un único mensaje: el hip hop.

Y aunque ya lo veíamos venir con los singles adelanto, con Countach 93 consolida su candidatura a artista revelación en el rap estatal. —ALFONSO GIL ROYO

8

RAP / Un joven estadouni-

Sintiéndolo mucho Primavera Labels

URBAN / Si alguien en la sala piensa que es sencillo pasar de formar parte de un producto televisivo y mainstream a abrirte tu camino dentro de lo underground, que hable con María Villar. La artista se presenta al mundo como María Escarmiento con Sintiéndolo mucho, su EP debut tras su salida de la academia de Operación Triunfo hace ya más de año y medio. Breve pero conciso; con los temas necesarios para hacer oficial el nacimiento de un artista nuevo, pero no saturar con un primer contacto. Porque Sintiéndolo mucho te deja con ganas de más tras haberlo escuchado del tirón, y esa puede que sea su mayor virtud: la de haber sabido contenerse en un debut. María muestra su faceta más canalla a lo largo de estos siete temas que, si tuviéramos que encasillar en un género, se acercan al reggaetón pero desde un lado industrial y oscuro que hace que el disco en sí desprenda un halo de misterio muy interesante. Ni tu cara, Castigo y Baladón son la mejor prueba de ello. —ÁLVARO TEJADA

7

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Yelle

7

POP / Fruto de la madurez

y del autoconocimiento Yelle presentan un conjunto de temas que dejan un poco atrás el brillo y la festividad de álbumes previos para centrarse en una faceta algo más oscura y formal de los franceses. Un toque electrónico más sobrio, elegante, que a su vez sigue destinado a liderar la pista de baile. La formación apuesta por seguir explotando su sonido más europeo pese al salto internacional que supuso Complètement Fou y abandonar el camino que les mostró Dr. Luke.

Reflexionan sobre el presente de Francia, la relación de sus miembros con el país (“Je parle pourtant la même langue, je la défends à tour de bras”), remarcando el pop, los sonidos electrónicos con referencias ochenteras y el eurodance como su claro sello de identidad. Huyen de los artificios de la industria masiva, de las ambiciones del éxito, GrandMarnier lidera la producción y deciden lanzar de nuevo el álbum a través de su propio sello discográfico.

—ÁLEX JEREZ

The Universal Want Virgin EMI

8

POP /La ilusión ante el

regreso de Doves once años después se ve totalmente satisfecha, con el trío entregando un álbum que se coloca directamente entre lo más granado de su catálogo. Los de Manchester recuperan posiciones con un disco casi redondo en su interpretación global, que ensalza ese tipo de indie-pop de guitarras, elegante y de querencia épica. Una propuesta ornamentada con algo de shoegaze y psicodelia, e impregnada a su vez con ese punto de nostalgia tan inherente a las bandas de la ciudad inglesa. El trabajo de arreglos resulta favorecedor y apura la propia personalidad creativa e interpretativa del trío, respetando aquella constante en todos sus trabajos y hasta rematar este quinto disco de estudio con la impronta personal del grupo.

Los británicos practican un sonido atemporal que no entiende de tendencias ni pasa de moda, en un retorno triunfante, orgulloso y convencido que de paso nos recuerda cuánto se les echaba de menos. —RAÚL JULIÁN

Jon Mckiel

Los Manises

Bobby Joe Hope You’ve Changed Records.

8

POP / Una bonita historia

MONDOVINILOS

Doves

L’Ère du Verseau Recreation Center

Aristocracia y underground Montgrí

8

ROCK / La salida de este

aguarda en la trastienda de este disco. Resulta que Jon Mckiel, su protagonista, compró una grabadora multipistas analógica TEAC A 2340 de segunda mano, que le llegó junto con unas cintas llenas de grabaciones inacabadas.

Jon quedó fascinado con lo que escuchó y decidió mezclar todas aquellas grabaciones con su propio material. Un perfecto punto de partida para construir un diálogo entre lo propio y lo ajeno, entre lo evitable y lo inevitable. Material que descansa en unas composiciones donde las partes se unen para vibrar en un todo. El uso de estructuras compositivas sin demasiadas alteraciones, dirigidas y proporcionadas, son perfectas para los embalajes ruidistas, y la oscilante orfebrería psicodélica que coloniza las canciones. Aquí se bebe de sonidos hermanados con el sixties West Coast Sound, el instinto melódico de Loaded de The Velvet Underground, el post-punk de cabaret berlinés... Un paso de gigante en su carrera.

nuevo trabajo se puede resumir en dos palabras: Por fin.

Por fin Los Manises se estrenan en formato físico, con un título muy aclaratorio en cuanto a los estatismos que siguen persistiendo dentro y fuera de la música. Lo hacen concretamente en un doce pulgadas que no solamente recoge su nuevo material, sino que compila sus temas hasta la fecha. Además, lo publican con la garantía que da que te respalde el joven sello Montgrí, dirigido ni más ni menos que por Aleix y Joan de Cala Vento. Y sí, el dúo ilicitano se marca todos los tantos. En su cara A se apuesta por lo fresco y lo nuevo, con cinco temas que resultarán más accesibles para quienes se acerquen por primera vez a su propuesta. Desde Materia Prima a Varios Premios se hace un recorrido por composiciones más directas y ligeras, siempre bailables y repletas de ese flow tan suyo y tan necesario para los tiempos que corren.

—ANDREU CUNILL CLARES

—ANAÏS LÓPEZ

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Más canciones desnudas de Bill Callahan Bill Callahan

Gold Record Drag City/Popstock!

7 POP / Clásico en vida, el de Maryland sigue esculpiendo su particular leyenda con sordina, siempre en los márgenes de la industria pero con la solvencia del songwriter que aspira a forjar su gran novela americana (y americana) a base, en su caso, de discos que en ocasiones llegan tras seis años de espera y a veces se suceden a menos de un año de su anterior entrega. Es el caso de este álbum de oro, séptimo en solitario tras la singladura de Smog: diez canciones austeras, subrayadas por una desnudez (manda la guitarra acústica, claro) que abunda en esa sensación de trabajo hecho a mata caballo, registrando la naturalidad de las ideas recién paridas, frecuentemente en la carretera, sin manufactura que las entumezca. El resultado no deja de ser bastante más monocromo que el de Sheperd In A Sheepskin Vest (19), rítmicamente menos jugoso y menos profuso en texturas, también menos cálido (a veces suena como el

reverso risueño de Apocalypse, su disco de 2011), pero manteniendo intactas las mejores señas de identidad de su lenguaje: su habilidad para lograr que unos arreglos mínimos sean los justos, que nada sobre ni tampoco falte –la trompeta en Pigeons o Cowboy o el sintetizador que apuntala Another Song se suceden como oportunas pinceladas– , la narrativa impuesta por su secular voz de barítono, siempre expidiendo una gravedad cada vez más socarrona, y esa depuración de estilo que en los últimos tiempos se acolcha líricamente en la serenidad doméstica de sus días como marido y padre de familia en Austin. La que le lleva a dedicar una canción completa a describirnos cómo es un desayuno cualquiera junto a su señora esposa (Breakfast), a recomendarnos la bendita conveniencia de la vida en el campo (Let’s Move To The Country), a recordarnos que Ry Cooder es un francotirador y un demiurgo a quien es de ley llamar de usted (Ry Cooder) o a delegar en Johnny Cash y en Leonard Cohen –a quienes cita al principio y final, respectivamente, de Pigeon: es este otro trabajo con abundante name dropping– para pulir su Famous Blue Raincoat particular.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

octubre 2020 #35

37/Mondo Media CÓMICS mista “Soy una persona opti ia y feliz a quien la traged le persigue”

Verdad

7 Verdad relata de un modo fragmentario las desventuras de una mujer durante la Guerra Civil española. Su nombre, Verdad, lo debe a Monte Verità, una comuna librepensadora en la que su madre habría residido. Su entorno versus lo que fue su madre articularán su presente combativo e idealista.

Redondean el discurso un apartado gráfico hipnótico dominado por el uso expresivo y simbólico del color. —OCTAVIO BEARES

Tatsumi Yoshihiro Tatsumi Satori

8 Bajo la etiqueta Satori aparece un nuevo tomo recopilatorio de algunas de las historias más emblemáticas de Tatsumi. Si el lector está ya familiarizado con la obra del mangaka fallecido en 2015, recordará el impacto emocional y el realismo cruel de historias como Infierno o Goodbye. Si todavía no lo está, Tatsumi resulta la perfecta puerta de entrada al universo de uno de los padres del gekiga, la cara más adulta del cómic japonés.

—JOAN S. LUNA

LIBROS

Lorena Canottiere Liana Editorial

Lucas Vidaur Confeti de palabras Como ya dijimos en la reseña que publicamos hace unos días, nos gustó mucho El tejido de las cosas (Libros Walden, 20), la novela debut de Lucas Vidaur. Por esta razón, quisimos saber más sobre este proyecto, sobre la vertiente literaria del alma mater de Confeti de odio, sus filias literarias y su proceso de trabajo.

C

uéntanos de dónde surge la idea de El tejido de las cosas y cómo fue el proceso de escritura del mismo.

Siempre había querido empezar un libro, de hecho hubo dos novelas que dejé a la mitad. El día que tuve la idea de hacer una colección de relatos unidos entre sí es cuando vi que podía comenzar algo que iba a llevar a término. Las ideas de los relatos las grababa como notas de voz en el móvil, algunos incluso los llegué a escribir al completo en las notas del móvil. Las conexiones entre ellas y demás elementos curiosos que se repiten durante el texto fue lo más laborioso. Fueron muchas más horas de las que puede parecer por lo corto que es.

—Háblanos un poco de tu relación con la literatura y tus gustos literarios.

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Leo mucho menos de lo que me gustaría, pero quiero pensar que se me da bien escoger qué leer. Actualmente mis mayores referencias son David Foster Wallace, Richard Brautigan y Sylvia Plath.

—¿A los fans que te conocen por tus diferentes encarnaciones musicales qué les dirías que encontrarán en El tejido de las cosas? ¿Crees que reconocerán tu voz o se sorprenderán?

Creo que se sorprenderán. Les diría que no esperen el mismo tono que pueden encontrar en mis letras, aunque hay gente que sí que ha visto similitudes. En El tejido de las cosas exploro temas e intento crear atmósferas que no puedo hacer en la música debido al formato.

—Uno tiene la sensación de que tu cabeza va a toda hostia y que eres muy fructífero realizando proyectos, ¿cómo es el hecho de pasar las ideas al papel (o a una composición musical, un video, lo que sea)? ¿Te cuesta mucho “aterrizarlas”? ¿Descartas muchas?

Yo no me considero especialmente rápido. Tengo muchas ideas y a veces me saturo a mí mismo, aunque suelo tardar bastante en decidirme por una y más aún en llevarla a cabo. Sin duda lo que más me gusta es planificar y bocetar las cosas y a veces me quedo en ese mundo demasiado tiempo.

—Te he oído decir muchas veces que eres un tipo alegre. Sin embargo, en El tejido de las cosas hay un cierto

pesimismo que recorre todo el libro, aunque es verdad que siempre en un tono jocoso. ¿Forma parte esto de tu personalidad más oculta?

Creo que soy una persona optimista y feliz a quien la tragedia le persigue y le da sustos de vez en cuando. De momento parece que gana el bien. En todo lo que hago me gusta que haya contrastes y que no se vea sólo una dimensión ya que yo nunca lo veo así.

—El libro salió publicado justo cuando comenzó la pandemia, en marzo de este año, ¿Tienes pensado realizar algún evento próximamente para presentarlo, aunque sea virtual?

Voy a esperar a poder presentarlo en condiciones, cuando tenga que ser. Lo bueno de los libros que no le pasa a la música es que no parecen caducar, lo malo es que el impacto de estos siempre es una milésima parte de lo que sería un disco. —JOSÉ DE MONFORT

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El tejido de las cosas Lucas Vidaur Libros Walden 2020

octubre 2020 #37

CINE Y SERIES Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055

Estoy pensando en dejarlo Charlie Kaufman Netflix

7 CHARLIE KAUFMAN, uno de los guionistas con mejor reputación del cine norteamericano gracias a sus obras maestras Eternal Sunshine Of The Spotless Mind (En castellano traducida lamentablemente como ¡Olvídate de mí!) o Cómo ser John Malkovich, vuelve a ponerse detrás de las cámaras tras Anomalisia y Synecdoche, New York con Estoy pensando en dejarlo, una película producida por Netflix en la que Kauffman vuelve a jugar con la mente del espectador con nocturnidad y alevosía. En Estoy pensando en dejarlo, Charlie Kaufman se viste de David Lynch para escribir y filmar una película inquietante e insondable en la que el dolor, las relaciones (que no el amor), el vacío y la problemática del (paso del) tiempo se presentan hechas una amalgama de sensaciones e imágenes inquietantes. La locura sobrevuela toda la cinta, también el miedo, haciendo que Estoy pensando en dejarlo se acerque al terror psicológico hasta chocarse con él y salir disparada hacia terrenos más peliagudos. Al fin y al cabo, del miedo puede esperarse el miedo, pero en la nueva obra de Kauffman no sabes qué va a suceder al minuto siguiente. Desde el principio hasta el final todo es imprevisible. Basada en la novela homónima de Iain Reid, la obra es otra vuelta de tuerca de Kaufman sobre la vida en pareja. Su mirada y su concepción plantean una problemática fascinante: cuando conocemos a alguien estamos conviviendo también con su pasado y con su futuro. En este sentido la propuesta de Kaufman es intachable. Patina, sin embargo, aunque sin caerse, al rodearlo de esos elementos inquietantes que suman capas de incomprensión a la obra y hacen que la atención se disperse. —LUIS M. MAÍNEZ

Zoey’s Extraordinary Playlist Austin Winsberg NBC/HBO

8 PARA NO ANDARNOS CON RODEOS empezaré con lo más importante. Zoey’s Extraordinary Playlist es una serie maravillosa que te reconcilia con la especie humana. También con los musicales de calidad. Entre tanta comedia descafeinada y ajena al mundo real y tanta serie trascendental en exceso, Zoey’s Extraordinary Playlist es una estimulante dosis de realidad y ligereza al mismo tiempo. La premisa también es originalísima. Zoey, la protagonista, es una joven y brillante programadora de la empresa tecnológica de moda.

Su padre tiene una enfermedad degenerativa que en seis meses le ha hecho perder la movilidad. Zoey preocupada acude al médico a hacerse un TAC. Mientras le ponen música para relajarse hay un terremoto (la serie se desarrolla en San Francisco) y al salir empieza a escuchar los sentimientos más profundos y verdaderos de la gente a través de canciones. De hecho a través de maravillosos números musicales –ejecutados por un elenco increíble de actores– que pueblan todos los capítulos de la serie. El qué hará y cómo gestionará este “poder” será la clave de la serie junto con el componente musical. La enfermedad del padre de Zoey está tratada de manera honesta, brillante y esperanzadora.

Y es que Zoey’s Extraordinary Playlist, además de tener el aliciente de lo musical, despliega tramas interesantes, bien tratadas dentro de la sencillez y la intención de hacer una feel good tv serie.

—LUIS M. MAÍNEZ #38 octubre 2020

Patria

Aitor Babilondo HBO

C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com

8 LOS DOS PRIMEROS CAPÍTULOS DE PATRIA que pudimos ver unos pocos afortunados en los Cines Callao de Madrid convierten la polémica por el cartel de la serie en un ejemplo más de la precipitación a la hora de opinar y la poca importancia de desconocer algo para posicionarse al respecto. “Patria”, además de tener un inicio de mucho nivel (lastrado únicamente por un par de escenas mal construidas, como la del cementerio), es absolutamente clara en su planteamiento: no escatima ni un miligramo del dolor causado por ETA; tanto es así, que la serie se vuelve, por momentos, difícil de ver por lo emotiva y lo desgarradora. El que les escribe, sin estar predispuesto, no pudo dejar de llorar en toda la proyección. Lo que hemos podido ver de Patria es alentador por su calidad audiovisual y su buen pulso narrativo. Un inicio de serie marcado por los silencios y las palabras de reproche dichas en voz baja, que siempre son mucho más duras que los gritos. Los recuerdos de uno de los muchos asesinatos se entrecruzan con la vida de dos mujeres, Bittori y Miren, y de sus familias, que han quedado marcadas para siempre por el dolor y la violencia. La certeza de que la huella de muerte que dejó ETA afectó y afecta a varias generaciones es incuestionable. La descripción de la sociedad vasca que hace la serie en sus primeros compases -se esté o no de acuerdo con ella- es brillante narrativamente hablando y la identidad visual de la serie no solo es atractiva sino fidedigna. Los personajes sufren y viven y mueren en un escenario dolorosamente reconocible. No hay licencias escapistas en esta adaptación de Patria.—LUIS M. MAÍNEZ

La vieja guardia Gina PrinceBythewood Netflix

PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639

7 DA LA IMPRESIÓN DE QUE ESTE está siendo el año de los superhéroes en Netflix. Y parece que trabajos como Project Power y La vieja guardia han conseguido crear dos buenas Protagonizada por la talentosa Charlize Theron, Kiki Layne, Chiwetel Ejiofor y Matthias Schoenaerts, dirigida por Gina Prince-Bythewood y basada en la novela gráfica del mismo nombre firmada por Greg Rucka (ya un especialista en esto de crear personajes de mujeres con carácter) y Leandro Fernández, La vieja guardia nos introduce en un mundo en el que un grupo de mercenarios inmortales capitaneados por Theron lleva siglos salvando al mundo de unos peligros quizás mucho más graves de lo que se imaginan. La trama de la película gira alrededor de como este grupo de inmortales deberá enfrentarse a esos peligros al mismo tiempo que lucha contra una organización que quiere capturarles para replicar sus poderes en beneficio propio. Y lo cierto es que consigue buenos resultados gracias a unas actuaciones magistrales por parte de Charlize Theron (no nos olvidemos de su espectacular hacha centenaria) y de Matthias Schoenaerts. La película funciona muy bien gracias a sus acciones de acción, muy bien coreografiadas y llenas de gore digital, sin embargo es cuando se enfrenta a sus partes dramáticas (la pérdida de la inmortalidad, el pasado del personaje de Theron) cuando la película muestra sus puntos débiles, perdiendo una credibilidad que parecía tener controlada en todo momento. —ALEJANDRO TEIGA ROBLES

Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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