Guia de Visita - Museu da Marioneta by Museu da Marioneta

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MARIONETA ¿QUÉ ES?

La marioneta está intrínsecamente asociada al performance teatral y se refiere, grosso modo, a objetos que puedan “adquirir vida” y expresión a través del movimiento. Para poderse mover, son manipulados por una o varias personas. Entre el mundo imaginario y el mundo material, estos muñecos son concebidos de forma a dar cuerpo a los personajes que pretenden representar. Las marionetas pueden tener diversos formatos, más simples o más complejos, de acuerdo con los movimientos que se pretende que efectúen. Hay tres maneras genéricas de manipularlas que debemos distinguir. Estas formas de manipulación están relacionadas con la posición del manipulador en relación al títere: -

a partir de un plano superior (marionetas de varas e hilos);

a partir del mismo plano (algunas marionetas de sombra, las japonesas bunraku y las marionetas de manipulación a la vista);

a partir de un plano inferior (las marionetas de guante (títeres), de sombras, de varas y los marottes).

La diversidad de las marionetas se relaciona con su origen espaciotemporal, pero igualmente con el repertorio y público al cual se destinan. Pueden ser construidas de cualquier tipo de materiales, siendo los más recurrentes: papel, madera, tejidos, barro, metales, plástico y espuma.

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LA COLECCIÓN UNA VISITA A LA EXPOSICIÓN PERMANENTE

La exposición permanente del Museo de la Marioneta pretende mostrar

marionetas de todo el mundo, viajando, por ello, de continente en continente para presentar sus más relevantes manifestaciones de las formas animadas. Empieza en Asia y, después de un pequeño salto a Europa, pasa por África y por Brasil para regresar y acabar en Portugal. Es también un viaje a lo largo del tiempo, presentando desde ejemplares perdidos en la antigüedad, a marionetas de creación contemporánea. En el sudeste asiático dos obras literarias sirven de base al reportorio del teatro de marionetas. El poema épico indio Ramayana, comúnmente atribuido al poeta Valmiki y que data del período entre los siglos V a I a.C., cuenta la historia de amor entre el príncipe Rama y su amada Sita y es al mismo tiempo, se cree, en un relato de la conquista de Ceilán (actual Sri Lanka) por los pueblos del Cáucaso. El Mahabarata, también atribuido a Valmiki, es una narrativa de guerra que contiene las ideas centrales del hinduismo, teniendo así un marcado peso moral y espiritual. Khon es el nombre dado al teatro tradicional de TAILANDIA: un teatro danzado en el cual los actores-bailarines hacen uso de máscaras para caracterizar a los personajes a los que dan vida. Inicialmente se trataba de un teatro de la corte, pero hoy en día la práctica se ha diseminado convirtiéndose también en un entretenimiento popular.

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Las máscaras khon están hechas de papel maché, siendo posteriormente

pintadas y adornadas con gran detalle. El uso de colores primarios y saturados con el uso abundante de hoja de oro y la casi obsesiva añadidura de aderezos y pormenores, dan a las máscaras una naturaleza propia del mundo de los dioses. El teatro khon desarrolló su estilo particular de danza, trajes, música, relato y canto. En el inicio todos los personajes usaban máscaras, pero actualmente los dioses y los humanos aparecen solo con adornos en la cabeza. Un espectáculo de teatro khon se crea mediante un trabajo de equipo que cuenta con varios profesionales: artistas, escultores, pintores, cantores, narradores, músicos y bailarines. Además de las máscaras de algunos de los principales personajes también se puede ver el traje utilizado por el bailarín que encarnaba al personaje de Thosakan, el demonio principal de la historia.

Los mismos personajes son utilizados en el teatro de marionetas, de los

que se puede ver aquí un ejemplar. En la isla de Java en INDONESIA la tradición de las marionetas es no solo muy antigua sino como muy rica, dada la diversidad de formas animadas existente. Aquí, el termino Wayang sirve para cubrir todo tipo de performances y remite a lo que es divino o ancestral (yang), pero también se refiere a la sombra (bayang). Estas performances se basan en las aventuras del príncipe Panji y en los poemas épicos Ramayana y Mahabharata, así como en otras mitologías animistas de origen diverso que contribuyen también al teatro javanés. Wayang Topeng es el nombre dado al teatro danzado de la isla de JAVA, en INDONESIA, donde el uso de máscaras es una de las principales características. Originalmente, el wayang topeng se desarrollaba en la corte, siendo ejecutado por los miembros de la aristocracia o por profesionales. Con el tiempo, sin embargo, se convirtió en un entretenimiento de carácter

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popular, llevándose a cabo algunas veces en casamientos y otros acontecimientos festivos. La máscara del príncipe Panji tiene normalmente una cara blanca, ojos alargados, una nariz pequeña y ligeramente empinada y una boca pequeña ligeramente abierta. Igualmente en INDONESIA, pero ahora en la isla de BALI, las máscaras son usadas en varios dramas danzados, en particular el Wayang Wong, que tradicionalmente tiene como reportorio el poema épico Ramayana. Las máscaras usadas en estos espectáculos se consideran sagradas y son tratadas como objetos de reverencia. Por ello, durante la mayor parte del año permanecen guardadas en templos. Cuando se vuelve necesario construir una nueva máscara se escoge un árbol específico en que la madera tenga determinadas protuberancias, lo cual indica que el árbol está “embarazado”, siéndole después pedido al propio árbol permiso para ser cortado. En el transcurso del proceso de producción de las máscaras se llevan a cabo numerosos rituales y ofrendas. Entre otros ejemplos, podemos aquí encontrar la máscara de un pájaro – usado para los personajes de la Garuda y de Jatayu – y otra del mono Hanuman y de Rangda, la Reina de los Demonios.

Las marionetas de varas de JAVA se denominan Wayang Golek.

Las cabezas son de madera, trabajadas y pintadas al detalle y fijadas en un soporte vertical que, al atravesar el cuerpo, permite que estas rueden. Los trajes son hechos con tejidos tradicionales de Java, los batiks. Estas marionetas poseen miembros superiores manipulables a través de astas de madera finas que están sujetadas en sus manos.

El color de las caras es un elemento fundamental para la identificación

de las marionetas: rojos y castaños para demonios o personajes poco nobles; verdes y blancos para los príncipes y nobleza. A su vez, las divinidades tienen derecho a ornamentos de oro.

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Las marionetas de sombra están presentes en diversos países asiáticos, habiendo extendido su influencia a algunas zonas de Europa. En CHINA reza la historia que las sombras surgieron en algún momento del siglo II a.C. No pudiendo superar la muerte de su amada, el emperador Wu anunció una recompensa a quien la trajera de regreso. Un sabio mago recortó una silueta de la emperatriz en piel de animal y se la mostró, por detrás de un paño blanco, al emperador, que se sintió muy agradado. Así nació el teatro de sombras chino, que entretanto se popularizó.

La gran curiosidad de estas marionetas consiste en el hecho de que las

cabezas son removibles del cuerpo, permitiendo que este último sirva de base a varios personajes. En TURQUÍA, las marionetas de sombra, hechas en piel de camello o búfalo, cuentan las aventuras de Karagoz (que significa ojo negro) y su amigo Hacivad. Karagoz es un héroe del entretenimiento popular, conocido por ser rudo y analfabeta, pero sin embargo ¡encantador! La manipulación se hace a través de varas que, colocadas horizontalmente, encajan en los agujeros pre-existentes en la marioneta. A su vez, las Wayang Kulit, marionetas de sombra javanesas se confeccionan con piel de búfalo en la cual se recortan los personajes de acuerdo con una iconografía preestablecida, tornándolas fácilmente identificables para el público. La piel es posteriormente pintada con pigmentos naturales y con toques de hoja de oro.

Los espectáculos duran varias horas, algunas veces una noche entera,

y tienen como figura central el dalang. Investido de poderes mágicos y espirituales,

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el dalang manipula todas las marionetas que componen cada pieza. Al mismo tiempo narra la historia y, con la ayuda de un instrumento que coloca en los dedos de los pies – cempala - marca el compás para la orquestra de gamelán que acompaña la exhibición.

Todas estas formas de teatro de marionetas de sombra son consideradas

por la UNESCO como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. En SRI LANKA podemos encontrar máscaras utilizadas en los rituales Sanni Yakuma donde se conjugan formas de exorcismo y de medicina ayurvédica. Según esta creencia existen dieciocho enfermedades principales provocadas por demonios, que pueden ser, al mismo tiempo, los causantes y la cura para esos males, y por ello el shaman las usa durante la ceremonia de la curación. La máscara principal es Mahâkola sanni yakâ, representada por un personaje que presenta dieciocho pequeñas máscaras alrededor de la cara. También en Sri Lanka encontramos otro tipo de máscaras, las del Teatro Kolam (en senegalés “kolam” significa máscara), de tipo satírico y con connotaciones rituales relacionadas con la fertilidad. En este caso existen tres tipos diferentes de personajes: humanos, animales y demonios. Naga Raska es uno de esos demonios, con la representación de varias cobras en la cabeza. Nacido en JAPÓN en el siglo XIV, el Teatro Nô recibió una influencia directa de los principios del budismo Zen: sencillez, contrición, discreción. Nô significa, literalmente, talento. Las máscaras indician la presencia de los dioses y se veneran en rituales antes de ser utilizadas. La expresión congelada que manifiestan es aparente: en efecto, su tallado obedece a normas precisas que, dependiendo de la iluminación y la perspectiva del observador, permiten a la máscara transmitir diferentes emociones.

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En MYANMAR, a su vez, son las marionetas de hilos las que ganan

gran relieve. Denominadas Yok-Thei-Pwe estas marionetas son hechas de forma muy realista, tanto en el en tallado como en los ornamentos y vestuario. Por ello son bastante complejas en lo que toca a la manipulación, pues llegan a articular todos los dedos de las manos de forma a ilustrar la delicadeza de los gestos de la etiqueta y danzas birmanas.

El desarrollo de este arte se debe en parte al traslado de la aristocracia

tailandesa a Birmania en la segunda mitad del siglo XVIII, que ahí introdujo algunas costumbres relacionadas con las marionetas y con el Ramakien. El éxito de este teatro fue tal que el rey Ba-gyi-daw (1819-1837) no solo legisló sobre el arte sino que creó un ministerio propio que garantizase el cumplimiento de estas rígidas leyes.

Estos espectáculos servían en el terreno para entretener, pero tenían

asimismo una dimensión ritual y un significado religioso. Además del Ramakien, también las historias Jatakas (que relatan las vidas anteriores del Buda) eran llevadas a escena. Para una mejor comprensión de los espectadores, se introducían leyendas locales en las tramas de las Jatakas. De regreso a CHINA, más precisamente en la región de Chaozhou, las marionetas de sombra adquirieron nuevos contornos al ganar tridimensionalidad. Con frágiles cabezas de barro, estas marionetas de vara son manipuladas de forma semejante a sus antecesoras – con una vara en la espalda y otras dos en las manos.

Estos espectáculos, inspirados en la ópera, son acompañados por una

orquestra y cantores.

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Viajando a tierras de VIETNAM es posible encontrar un tipo de marionetas bastante distinto de las demás del sudeste asiático: Roi Nuoc. Estas marionetas, que se mueven en la agua, se asientan sobre una plataforma de madera que está conectada a un asta de bambú soportada por el manipulador, escondido a través de una estructura también de bambú e inmerso hasta a la cintura. Tradicionalmente, estas exhibiciones tenían lugar en los arrozales y estaban asociadas a los ciclos agrarios de los campos en los márgenes del delta del rio Rojo o a rituales animistas de fertilidad. Se contaban leyendas e historias del cotidiano de la región, por lo que los personajes comunes son agricultores, pescadores, mandarines, etc. El joven montado en un búfalo tocando flauta (instrumento que acompaña las representaciones) es una figura recurrente en estos teatros. En EUROPA, por otra parte, la gran tradición que se destaca es la de los títeres. Con raíces en ITALIA, la Comedia dell’Arte fue un factor determinante en lo que se refiere al desarrollo del teatro ambulante, de carácter popular, normalmente en forma de sátira social, extendiendo su influencia al teatro de títeres itinerante.

Pulcinella, el primero de estos héroes del pueblo, dejó descendientes

un poco por todo el continente europeo. Comparten con él algunas de sus características, como por ejemplo: los pómulos del rostro, la nariz roja, la barriga protuberante, el carácter fanfarrón y alborotador, apoyado por el uso de una maza, que sirve para agredir a los adversarios. Punch y Judy de INGLATERRA y Guignol de FRANCIA fueron aún más populares. Este último nace al inicio del siglo XIX, en la ciudad de Lyon, y lleva consigo los sentimientos de revuelta y las aspiraciones del pueblo del período

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de la revolución liberal francesa. La pareja inglesa, a su vez, es hoy en día un elemento ineludible de la cultura británica, muy del agrado tanto de los adultos como de los niños. Kasperl, una marioneta de hilo y de vara, es el personaje más conocido en CHEQUIA. Algo más elegante que sus parientes representados en títeres de guante, viste un traje rojo y un gorro del mismo color con cascabeles colgados. En ese país, nos encontramos con personajes ligados al folklore, como los Vodniks, una especie de duendes del agua y brujas, aquí representados como marionetas de hilo y de vara. En el siglo XX, los tradicionales títeres de guante fueron adaptados a los nuevos tiempos por artistas y titiriteros más contemporáneos que les dieron una nueva imagen. Buena prueba de ello son los títeres de Carl Schröder (1904-1997) que creaba sus propios muñecos y escribía él mismo los textos que montaba, algunos de ellos comedias para adultos. Además de haber actuado para el ejército durante la II Guerra Mundial también dirigió películas con marionetas para los estudios DEFA de la REPÚBLICA DEMOCRÁTICA ALEMANA. Las cabezas de sus títeres están hechas en papel maché y son más grandes que lo habitual. También Frieder Simon (1936), titiritero en la ex RDA, se mantuvo fiel a la típica figura de Kasperl, aunque dotando a su figura de unas líneas más contemporáneas. Los rasgos de sus títeres tienen unas formas más geométricas, en la línea de la escuela alemana Bauhaus. Uno de los personajes también bastante conocido en ALEMANIA es Fausto, aquí representado por una marioneta de hilo creada por Theo Egglink. Del mismo autor, aunque también de otros artistas desconocidos, eran algunas de las marionetas utilizadas por los marinos alemanes durante la II Guerra Mundial en la compañía Nordmärkisches Puppenspiel del almirante Franz Hennig.

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De VENECIA nos encontramos con un pequeño teatro de marionetas de vara creado por Virginia Campbell (1914-2016), del Teatro Delle Quattro Stagioni, que representa dicha ciudad. Sin embargo, en Europa no hay solo títeres. En BÉLGICA, uno de los ex-líbris de la ciudad de Bruselas es el Teatro Toone. Desde los años 30 del siglo XIX, estas marionetas de madera se mueven con una vara y a través de hilos amarrados a las manos. En Lieja, encontramos a Tchantchès y Nanesse, también ellas marionetas de vara, de carácter burlesco, ambos grandes bebedores y muy cómicos. De la región italiana de SICILIA es de destacar a Opera dei Pupi. Estos muñecos son marionetas de vara extremamente pesadas. Eran usadas inicialmente en espectáculos para hombres y jóvenes, con el propósito de inculcar en ellos valores cristianos y positivistas. Las piezas presentadas normalmente se basan en novelas de caballería y combates, principalmente en el ciclo de Carlos Magno. Los pupi fueron reconocidos por la UNESCO como obras primas del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad. Alberto Urdiales es un titiritero de España, creador de las compañías La Caligüeba y el Teatro de la A, de Madrid, y autor de los títeres que se encuentran tanto a la entrada como a la salida de la sala: el primero es Doña Guisi (Princesa del Guisante) y el último el Duende Coletas. En ÁFRICA las marionetas y máscaras están intrínsecamente asociadas a la naturaleza – el bosque y sus animales - y también a las fuerzas mágicas y a los rituales o fiestas comunitarias.

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Sogobó (literalmente, regreso de los animales) es el nombre dado

a las expresiones teatrales de pescadores y agricultores de MALI y a las esculturas de animales de la misma zona, coloreadas y decoradas con tejidos. Sogobó incorpora varias formas expresivas, de la danza al canto y música y, además, marionetas y máscaras. Estas performances son hechas de acuerdo con las estaciones agrícolas para el pueblo Bamana, esencialmente dedicado a la agricultura, o de la pesca, para los Bozos. Los espectáculos sirven también para marcar eventos comunitarios: casamientos, ceremonias de circuncisión o incluso funerales.

Los hombres, especialmente los más jóvenes, juegan un papel central

en estas representaciones, una vez que son ellos los que manipulan las marionetas, en cuanto que las mujeres participan a través del canto. Podemos dividir las marionetas en dos categorías: las que representan figuras humanas y las que representan a animales. Estas últimas reflejan el enorme simbolismo que la cultura africana concede a los animales. De ahí que, por ejemplo, en las comunidades piscatorias de los Bozo sean imprescindibles animales como el hipopótamo, el cocodrilo o el cálao. Las figuras humanas representan los varios estratos sociales existentes en la aldea. En AMÉRICA CENTRAL Y AMÉRICA DEL SUR, las tradiciones del uso de máscaras remontan a la época precolombina y se mezclan con las narrativas cristianas posteriores. En México las máscaras son muy utilizadas en las celebraciones de Semana Santa y del Día de Muertos, pero también en el Carnaval y en muchas otras fiestas populares. Durante las numerosas tradiciones populares surgen para simbolizar un sinnúmero de personajes, algunos de los cuales relacionados con acontecimientos históricos del país. La figura del “Español”, es una presencia

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reiterada en las danzas de los enmascarados, junto con otras máscaras de europeos. Las máscaras de animales son pervivencias de las tradiciones precolombinas. La danza del jaguar, por ejemplo, es una reminiscencia de la figura de este animal como símbolo de fertilidad en el imaginario precolombino. Las máscaras de diablos y calaveras son también bastantes habituales, siendo estas últimas utilizadas en las celebraciones asociadas al Día de Muertos. En Bolivia son bastante comunes las Diabladas, un tipo de danza que representa al “Tío de la Mina”, un dios del interior de la montaña, pero también los siete pecados capitales. Las máscaras de diablos han ido evolucionando con el paso del tiempo y actualmente se han convertido en composiciones bastante elaboradas en las que siempre están presentes las cuatro plagas, representadas por serpientes, lagartos, sapos y hormigas. El desfile de estos enmascarados puede durar hasta 20 horas y es uno de los elementos esenciales del carnaval de Oruro, inscrito en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. En Ecuador las Diabladas son también muy frecuentes. En Colombia, debido a las creencias animistas de las comunidades de la Amazonia, son muy comunes las máscaras de animales adornados con plumas coloridas. Habitualmente estas máscaras se utilizan en ceremonias que celebran los periodos de abundancia, en concreto en los meses de enero y febrero. El Jaguar es una de las máscaras de mayor relevancia, representa el poder y el peligro y la utilizan los chamanes (sacerdotes tradicionales que tienen contacto con el mundo de los espíritus, y dan muestras de una particular capacidad de profecía o sanación). En Perú existen muchas festividades en las que el uso de máscaras es uno de los principales elementos como

las Huaconadas, en las que

los Huacones, personajes enmascarados de ancianos recorren las casas de los

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pueblos, las fiestas de Cuzco o la Festividad de la Virgen del Carmen. En esta fiesta que se celebra todos los años a mediados de julio, hay máscaras que representan los más diferentes personajes: habitantes de la selva amazónica, mercaderes del altiplano, personas esclavizadas que trabajaban en las minas de oro y plata de la zona, diablos o comerciantes de vino. La fiesta tiene lugar en la ciudad de Paucartambo y, aunque rinde homenaje a la Virgen del Carmen se caracteriza por su enorme sincretismo, debido a la identidad mestiza de los habitantes y a las antiguas tradiciones andinas. Los títeres llegaron también a BRASIL, especialmente a la región del nordeste, bajo la designación de mamulengos. Estas son marionetas fisionómicamente semejantes a las personas de la región, vestidas con telas de brillantes colores, que protagonizan teatros donde improvisación e interacción con la audiencia son los ingredientes clave.

En PORTUGAL, es en el Alentejo donde existe el registro más antiguo de

marionetas, los chamados Muñecos de Santo Aleixo. Estos muñecos recorrían varias aldeas del país en espectáculos interactivos y provocadores donde la emblemática pronunciación “alentejana” no podía faltar. Tampoco faltaba, muchas veces, quien se sintiera atacado y arrojara objetos a las marionetas. Los teatros eran acompañados por la guitarra portuguesa. El aclamado D. Roberto es el descendiente portugués del títere Pulcinella. Sin embargo, contrariamente a sus congéneres europeos, esta marioneta de guante no tiene una fisionomía muy precisa. Por esa razón, en Portugal es común que se llame “Roberto” a cualquier títere.

El hecho curioso es que en los espectáculos del D. Roberto el uso de una

paleta para amplificar y distorsionar la voz se extiende a todos los personajes, además del protagonista.

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En Portugal varios muñequeros actuaban como grandes empresarios

al llevar el teatro de marionetas de guante e hilos a viajar por el país de norte a sur, recorriendo las ferias populares con sus pabellones ambulantes. El negocio y el arte de las marionetas eran normalmente transmitidos de padres a hijos. Estos muñequeros populares estuvieron en actividad hasta a los años 60, con repertorios tan diversificados como las marionetas que los animaban.

Distinguimos nombres como los de Faustino Duarte, Henrique Duarte,

Manuel Rosado y Joaquim Pinto. Había también titiriteros que actuaban solos, como es el caso de Cesário da Cruz Nunes. Un día, en un momento en el que estaba sin trabajo, vio a António Dias (un antiguo maestro de robertos) actuar en la Feria da Ladra (el mercado de pulgas de Lisboa) y sintió ganas de dedicarse al teatro de Robertos, para lo que construyó sus propios muñecos y al difícil uso de la lengüeta. Aunque el teatro de Robertos estuvo a punto de desaparecer en los años 1980, debido a los pocos titiriteros en actividad, actualmente son ya 13 los que continúan presentando espectáculos por todo el país. Algunos de ellos, como José Gil y Vítor Santa-Bárbara están representados en la colección del Museo. Existen otros proyectos que expresan preocupaciones diferentes. El Teatro do Mestre Gil, nacido en 1943 de las manos del poeta Augusto de Santa Rita (1888-1956) habrá sido el primero en expresar preocupaciones de ámbito artístico. Los títeres, cuya autoría es de Júlio de Sousa, contemplan varios personajes de la historia del país. Una galería idéntica de personajes fue creada por Maria Emília Perestrelo que, con tan solo paños, agujas y tijera hizo nascer diversas marionetas para programas infantiles de la RTP (Radio Televisión Portuguesa).

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Más interesados por la pedagogía, proyectos como el Robertoscope o

el Teatro de Branca Flor siguen la idea de la educación por el arte. Aliados a las divertidas marionetas, estas compañías pretendían enseñar a los más pequeños de forma lúdica. El Teatro de Branca Flor tuvo a la cabeza a la escritora Lília da Fonseca. A su vez, Henrique Delgado del proyecto Robertoscope fue uno de los más importantes investigadores de la historia de las marionetas portuguesas.

Isabel Andrea creó, en 1978, el grupo Lanterna Mágica que también se

dedicaba a la producción de teatro para niños Por otra parte nos encontramos con el trabajo de Ildeberto Gama, que en el año 2000 construyó los títeres para la pieza “As Guerras de Alecrim e Manjerona” de António José da Silva, puesta en escena por Paulo Matos. Se estrenó en la Sala Polivalente de Acarte/Fundación Calouste Gulbenkian ese mismo año y se repuso en el Teatro Nacional Dña. Maria II en 2006. En otro contexto, Carlos Chagas Ramos presentó la pieza “História mais ao menos verdadeira dum senhor e dos seus dois criados” (Historia más o menos verdadera de un señor y de sus dos criados) en la 1ª Festa do Avante (un evento anual del partido comunista), en 1976. Los títeres estaban hechos en pasta de madera. En 2007, la compañía S.A. Marionetas, junto con Puppetlink del Reino Unido, puso en escena La tempestad de Shakespeare, utilizando marionetas en vidrio construidas por maestros vidrieros de Marinha Grande. Olga Neves recrea personajes de cuentos tradicionales para que habiten espacios de exhibición, construyendo de este modo ambientes escénicos que remiten a esos cuentos. En este caso, vemos a Alicia y el Sombrerero Loco de “Alicia en el País de las Maravillas”, así como el Rey Ratón y el Caballo de El Cascanueces.

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La Compañia de São Lourenço e o Diabo inició su actividad en 1973, volcándose a la ópera cómica (ópera buffa). Este género había tenido su apogeo en Portugal durante el siglo XVIII, con el dramaturgo António José de la Silva, “El Judío”. Representaban textos clásicos portugueses.

Las marionetas creadas por Helena Vaz (artista plástica y marionetista)

se distinguen por su singularidad y originalidad en la manipulación, una vez que son vestidas por los actores. Estos se vestían de negro en las actuaciones para que sus cuerpos pasasen desapercibidos, dando destaque a los títeres. Al lado de la artista plástica, José Alberto Gil (músico) y Fernando Serafim (tenor) fueron los responsables por el nacimiento de esta compañía itinerante que, tal como los muñequeros populares, se trasladaba de tierra en tierra. En vez de un pabellón ambulante, hacían uso de una carroza-teatro tirada por un caballo. El Teatro de Marionetas do Porto, fundado en 1988 por João Paulo Seara Cardoso, impulsó el teatro de marionetas contemporáneo, seguido de otras muchas compañías. En el museo se encuentran las marionetas de la pieza “3ª Estação”, obra compartida con Isabel Barros. Delphim Miranda, profesor y experto narrador de cuentos, cuya actividad como titiritero siempre ha estado muy cercana a un universo de personajes, siempre curiosos, que dan alas a la imaginación de grandes y pequeños. Suyos son estos dos caballeros y un dragón que pertenecen a la pieza “Cavaleiros de uma Távola Qualquer”.

Nyonica y Dono da Gruta son dos marionetas de hilo creadas por Jorge

Cerqueira en pasta de madera. Este profesor de educación plástica y visual ha colaborado con algunas compañías de teatro de marionetas, en concreto Fio d’Azeite, en Sintra.

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NI, una marioneta creada por Rui Rodrigues, representa una televisión humanizada movida por varas. Fue construida como prototipo para la adaptación da la novela de José Gomes Ferreira “As Aventuras de João sem Medo”.

Otra de las marionetas procedente de este concurso es el Sr. Tempo,

de Miguel Tepes, que se presenta como un hombre mayor con un bastón y un reloj en la cabeza, que tanto puede funcionar con pilas como con mecanismo de cuerda. La alianza entre la marioneta y las tecnologías fue prácticamente inevitable: ¡o la marioneta no sería un arte abierto a múltiples experiencias y desafíos! Es en los años 90 que, por lo menos en Portugal, encontramos testimonios del casamiento entre la marioneta y el cine de animación. También el anuncio televisivo “La familia Singer”, de la marca Singer, recurrió a las marionetas y a la técnica chroma key, consiguiendo un resultado pionero en televisión. La película “Desasosiego” grabado en stop-motion (técnica que consiste en descomponer las escenas, fotografiando cada momento), cuenta la historia de Iván, el dueño de una salchichería cuyos clientes – el hombre de la tabaquería, una mujer gorda y sensual, la marquesa o el vejo cojo – hacen todo lo posible por crearle un infierno, hasta que un día Iván decide mudar de rumbo y montar una mueblería. La premiada película de José Miguel Ribeiro “La Sospecha” (1994), cuja trama se desarrolla en el interior de un carruaje de tren con personajes de verdad peculiares, es un ejemplo eximio de como la marioneta puede substituir el diseño en la animación, confiriéndole volumen.

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CONVENTO DAS BERNARDAS

Todas estas marionetas y máscaras, retiradas de sus hábitats, se encuentran hoy albergadas en un local muy especial, el Convento das Bernardas. En el corazón del barrio histórico de Madragoa, la designación remite a la ocupación del convento por las monjas de la orden de S. Bernardo, que aquí vivieron entre 1653 y 1851. Con la salida de las monjas, el Convento se abre a varios inquilinos. Inicialmente funcionó como el Colegio Académico de Lisboa y después como habitación para casi doscientas familias de pescadores y pescaderas oriundas de la zona de Aveiro. Se dice incluso que el espacio del claustro era usado para reparar los cascos de los barcos y coser las redes. Y en la capilla funcionaba el Cine-Esperança, una sala de espectáculos y cine.

Con la intervención del Ayuntamiento de Lisboa, al virar del milenio, el

Convento adquirió los contornos que tiene hoy. Los pisos superiores continúan sirviendo de habitación para cerca de treinta familias. En la antigua cocina funciona un restaurante, “A Travessa”. Hay también lugar para una colectividad local. El resto del edificio da lugar a este Museo que utiliza la capilla para espectáculos y exposiciones temporales.

Museu da Marioneta Convento das Bernardas Rua da Esperança, 146, 1200-660 Lisboa Tel: +351 213 942 810 Horario Martes a Domingo, 10h-18h (Última admisión: 17h30) Gratuito para residentes en Lisboa Domingos por la mañana y días festivos (10h-18h) Días de cierre: Lunes, 1 de Enero, 1 de Mayo, 24 y 25 de Diciembre y tarde del 31 de Diciembre Transporte para llegar al Museo • Autobuses 706 | 713 | 714 | 727

• Trenes - Estación de Santos

• Tranvías 25 - 28

• Aparcamiento Largo Vitorino Damásio (400m)

GPS 38.707985, -9.155776