Art's Vice 3

SELECT ART BOOK, LIMITED EDITION FOR SELECTED PLACES

Tout l’intérêt de l’art se trouve dans le commencement. Après le commencement, c’est déjà la fin.

All the interest of the art is in the beginning. After the beginning, it is already the end. Pablo Picasso

AsV

Photo Couverture :

Henrique Olivera. Desnatureza 2011 bois, ciment, pigments, installation in situ 310 x 380 x 380 cm Crédits photos : Aurélien Mole Vue d’exposition, Galerie GP & N Vallois, Paris Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris

Toutes les images photos diffusées sur Art’sVice appartiennent à leurs auteurs respectifs.

ART’S ViCE© 33 Quai arloing 69009 Lyon contact@artsvice.com ARTSViCE© éDiTé pAr les EDiTiONs ART’SViCE© DiffUSé à paris, LyON, COURCHEVEL, MEGèVE, annecy, st tropez, cannes, nice, GENèVe, monaco ...

CONTACT PUBLICATION - regie publicitaire / ABONNEMENT H.Leger / Y.Markarian contact@artsvice.com conception / direction artistique pour Art’sVice : Pierre Erick Durand www.durand-agency.com et Marielle Vacheron

LES ÉDITIONS arts vice© NE SONT PAS RESPONSABLES DES DOCUMENTS QUI LUI SONT SPONTANEMENT ADRESSES. TOUTES LES PHOTOS DE CE MAGAZINE SONT “DROITS RESERVES” de leurs auteurs. LA REDACTION N’EST PAS RESPONSABLE DES DOCUMENTS QUI LUI SONT SPONTANEMENT ADRESSES Art’s Vice © Copyright 2010 - Tous droits réservés Toutes les images photos diffusées sur Art’sVice appartiennent à leurs auteurs respectifs NUMErO iSSN & accreditation ojd presse gratuite : ISSN : 2258-1766

iMprESSiON

Art’s Vice © Copyright 2012 - Tous droits réservés

Imprimerie CHIRAT - 42 540 ST JUST LA PENDUE - N° 201206.0394

‘‘Tout l’intérêt de l’art se trouve dans le commencement.

Après le commencement, c’est déjà la fin.’’

éditorial Peinture, sculpture, photographie, etc... Art’s Vice explore l’art dans tous ses états.

Un regard sélectif sur les dernières tendances du marché de l’art, les évènements à ne pas manquer, les stars de la création contemporaine et les artistes émergents.

Une édition limitée et prestige, destinée à un public exigeant et curieux, ouvert sur le monde.

Arts’ Vice est diffusé en exclusivité dans les établissements de luxe (grands hôtels et restaurants gastronomiques, boutiques, golfs, spas...), galeries d’art, cabinets d’affaires.

‘‘All the interest of the art is in the beginning.

After the beginning, it is already the end.‘‘

Pablo Picasso

extrait de Conversation avec E. Tériade

Painting, sculpture, photography, etc.... Art’s Vice investigates the art in all its states.

A selective glance on the last market trends of the art, the events not to be missed, the stars of the contemporary creation and the emergent artists.

A limited edition and a prestige, intended for a requiring and curious public, opened on the world.

Art’s Vice is exclusively broadcasted in luxury establishments (large hotels and gourmet restaurants, shops, golf, spas), art galleries, business consultancies.

[Enjoy!] The “Art’s Vice Team”

Pour un accès direct aux sites des artistes et nos partenaires.

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AsV

20 ALIGHIERO ET BOETTI 22 CHIRARU SHIOTA EXPOSITION EXPOSITION

32-36 SIMON HENNESSEY PEINTURE

14 -17 VIK MUNIZ EXPOSITION

18 JOANA VASCONCELOS EXPOSITION

24-29 HELMUT NEWTON 30 PLUS ONE GALLERY EXPOSITION EXPOSITION

38-39 ALEXA MEADE PEINTURE

40 SIMON ROUBY PEINTURE

44 YASSINE’’YAZE’’MEKHNACHE PEINTURE

42 JONAS’’SUN7’’BOURNAT PEINTURE

46 CHRISTOPHER WOOL PEINTURE

47 L’ ART ET LA DEFISCALISATION

S OM M A I R E

8-12 ART HOW MUCH ?

AsV

48-49 RED HONG YI 50-51 NATHAN SAWAYA 52 NICK VAN WOERT 54 YANNICK COHONNER EXCEPTION SCULPTURE SCULPTURE SCULPTURE

56-57 KATE MCCGWIRE SCULPTURE

58-59 STEPH COP SCULPTURE

60-62 HENRIQUE OLIVERA SCULPTURE ET INSTALLATION

70 FABIEN DIDELOT PHOTOGRAPHIE

68-68 SLINKACHU PHOTOGRAPHIE

64-65 JEFF NISHINAKA SCULPTURE

72-73 JEANJACQUESBERNARD PHOTOGRAPHIE

78 GILLES BARBIER SCULPTURE ET INSTALLATION

74 MAUD REMY LONVIS PHOTOGRAPHIE

80 ICE SCREAM MAN ART TOYS

76 BRUNO CALENDINI PHOTOGRAPHIE

82 CAROLINE BAUP INSTALLATION

84 JEREMY EVERETT PORTRAIT

RETROUVEZ LES SITES DES ARTISTES SUR www.artvice.blogspot.com

88 GERALDINE DANON PORTRAIT

86 PHILLIPE PASTOR PEINTURE

92 KOBI LEVI DESIGN

94-95 ORA ITO DESIGN

99 WALLY HERMES YACHT

90-91 AFFICHES MINIMALISTES GRAPHISME

96 ARRIVETZ PUBLI-REDACTIONNEL

100-101 MARINA BAY SANDS HOTEL

98 LAMBORGHINI YACHT

102-104 BEAUTIFUL PLACES PHOTOGRAPHIE

HOW MUCH ?

SEEN (Richard Mirando dit) (né en 1961) « SUPERMAN WHO », 2009

BLEK LE RAT (né en 1951 -) « Danseuse étoile et oiseau », 1990

Ron ARAD (1958) Chaise Before summer, 1992.

Peinture aérosol sur toile, Signée et datée au dos «Seen, 2009» 220 x 220 cm

Pochoir, peinture aérosol et acrylique sur palissade en bois Signé et daté en bas à droite «Blek 90» 91 x 98 cm

Bronze, Signé et numéroté. Edition à 5 et 3 épreuves d’artiste.

129.9 x 170 x 37.8 cm

Estimation : 25 000 / 35 000 €

Estimation : 4 000 / 5 000 €

Estimation : 80 000 / 100 000 €

Adjudication : 96

000 €

Adjudication : 19

100 €

Adjudication :

90 000 €

Maison de ventes Artcurial - Briest-Poulain-F.Tajan Vente aux enchères Street art du Mercredi 15 février 2012.

Maison de ventes Artcurial - Briest-Poulain-F.Tajan Vente aux enchères Street art du Mercredi 15 février 2012.

Maison de ventes Damien LECLERE Vente aux enchères « Clin d’Œil : Art Déco, Design, Art Contemporain, Photographies. », Samedi 28 janvier 2012.

Antoni TAPIES «T RENVERSE EN NOIR», 1961

RICHTER Gerhard « ABSTRAKTES BILD » 1992

Gina PA NE (1939-1990) Deuxième projet du silence, 10 octobre 1970

Technique mixte sur toile marouflée sur panneau, signé au dos 195 x 130 cm

huile sur toile, signée 200 x 160 cm

Tirage argentique d’époque sur papier monté sur panneau, signé et numéroté 2/3.

105 x 171 cm

Prix d’adjudication : 300

000 €

Maison de ventes VERSAILLES ENCHERES S.A.R.L Vente du 11 Décembre 2011.

Estimation : 3 000 000 GBP - 4 000 000 GBP Prix d’adjudication : 4 857 250 GBP frais inclus soit

5 819 956 €

Maison de ventes Sotheby’s Vente Contemporary Art Evening Auction à Londres, mercredi 15 février 2012.

Estimation : 7 000 / 9 000 € Adjudication : 29

000 €

Maison de ventes Damien LECLERE Vente aux enchères « Clin d’Oeil : Art Deco, Design, Art Contemporain, Photographies. », Samedi 28 janvier 2012.

HOW MUCH ?

Lucian FREUD (1922-2011). « Boat, Connemara », 1948

Julian OPIE (1958-*) « This is Monique (glass)3 » 2004

Dessin, encre sur papier 44,4 x 55,8 cm

Sculpture, plexiglas 289 x 94,5 x 68 cm

Estimation : 200 000 GBP - 300 000 GBP

Estimation : 18 000 GBP - 25 000 GBP

Prix : 657 250 GBP frais inclus soit 787

516 €

MURAKAMI Takashi (1962-*)

“OPEN YOUR HANDS WIDE, EMBRACE HAPPINESS!”,

2010

Acrylique sur toile, signée 180 x 180 cm

Prix : 43 250 GBP frais inclus soit 51

822 €

Estimation : 600 000 GBP - 800 000 GBP Prix : 825 250 GBP frais inclus soit 988

814 €

Maison de ventes Christie’s Vente : Post-War and Contemporary Art (Evening Sale) à Londres, mardi 14 février 2012.

Maison de ventes Christie’s Vente : Post-War and Contemporary Art (Evening Sale) à Londres, mercredi 15 février 2012.

Lucio FONTANA « Concetto spaziale, Attese », 1967

Alberto BURRI (1915-1995) “Nero Plastica” 1965

Anish KAPOOR (1954-*) “Blood Solid” 2001

gouache sur toile, signée et titrée au dos.

92 x 73cm

Plastique brulé sur toile. Signé.

101,6 x 76,9 cm

Bronze laqué. Signé des initiales de l’artiste et numéroté ‘AK 2001 HC 1/2’ sur la base.

30.5 x 90.2 x 90.2cm.

Maison de vente Sotheby’s Vente : Contemporary Art Evening Auction à Londres, mercredi 15 février 2012.

Estimation : 800 000 GBP - 1 200 000 GBP Estimation : 900 000 GBP - 1 200 000 GBP Prix : 2 057 250 GBP frais inclus soit

2 464 996 €

Maison de ventes Christie’s Vente : Post-War and Contemporary Art (Evening Sale) à Londres, mardi 14 février 2012.

Prix : 2 000 000 GBP frais inclus soit

2 400 000 €

Maison de ventes Sotheby’s Vente : Contemporary Art Evening Auction à Londres, mercredi 15 février 2012.

Estimation : 120,000 - 180,000 GBP Prix : 253,250 GBP soit

314 160 €

Maison de ventes Christie’s Vente : Post-War and Contemporary Art (Evening Sale) à Londres, mercredi 15 février 2012.

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HOW MUCH ?

BACON Francis (1909-1992) « Portrait of Henrietta Moraes », 1963 Huile sur toile, 165 x 142 cm Prix de vente : 25

547 121 € frais inclus

Maison de ventes Christie’s Vente Post-War and Contemporary Art (Evening Sale) à Londres le mardi 14 février 2012.

Louis SÜE et André MARE - Fauteuil Club bâti en acajou à dossier arrondi et accotoirs pleins à manchettes rembourrées parements de façade à double volute formant piètement en partie basse. Gainé de cuir fauve (usagé).

Estimation : 6 000 / 8 000 € Adjudication : 12

900 €

Maison de vente Artcurial - Briest-Poulain-F.Tajan Vente Art Déco du Mardi 12 juin 2012

Pierre CHAREAU (1883-1950) Table de fumeur, Circa 1929 fer forgé noirci, modèle SN9 du référencier de l’artiste à piètement tubulaire noirci sur socle rond et plateau en feuille de métal à la forme et noirci à cendrier amovible en métal chromé.

Estimation : 12 000 / 15 000 € Adjudication : 32

200 €

Maison de ventes Damien LECLERE Vente aux enchères « Clin d’Œil : Art Déco, Design, Art Contemporain, Photographies. » du Samedi 28 janvier 2012.

CHARLES ET RAY EAMES Fauteuil “lounge” et son repose-pieds

ETTORE SOTTSASS (1917-2007) Lampadaire «TREETOPS

FRANCO BETTONICA (1927-1999) Fauteuil Dondolo 692

Coque en placage de hêtre, garnie de mousse et recouverte de cuir noir. Etiquette Mobilier international sous les coques

Base en fonte d’aluminium laquée vert, fût en arc de cercle laqué orange, poignée laquée rouge, déflecteur mobile jaune. Prise chromée. Haut. 190 cm (74 13/16 in)

Rotin.

123 x 60 x 130 cm.

Vittorio Bonacina, 1964

Prix d’adjudication : 5520 €

Prix de vente : 1

Prix de vente : 2

Maison de ventes Cornette de Saint Cyr Vente Design Jeunes Collectionneurs du Lundi 11 juin 2012

Maison de ventes Cornette de Saint Cyr Vente Design Jeunes Collectionneurs du Lundi 11 juin 2012

Estimation : 3 000 / 4 000 €

313 €

000 €

Maison de ventes Damien LECLERE Vente Design du Mardi 5 juin 2012

HOW MUCH ?

Rothko « Orange, Red, Yellow » 1956

Edvard MUNCH une version du Cri réalisée en 1895

Adjudication : 80

Adjudication :

peinture à l’huile

Millions $

Maison de ventes Christie’s Vente Post-War and Contemporary Art (Evening Sale) à New-York le 8 Mai 2012.

Pastel

119,9 Millions $

Maison de ventes Sotheby’s Vente impressionniste et moderne à New-York le 2 Mai 2012.

11

HOW MUCH ?

Ferrari 250 GTO

35 millions de dollars La Ferrari 250 GTO vient de gagner officiellement le titre de voiture la plus chère du monde après la revente d’un exemplaire à un prix très impressionnant.

La Ferrari 250 GTO est connue pour le prix astronomique de chacun des exemplaires construits par le constructeur italien au début des années 60. Une auto qui affole régulièrement les plus belles ventes aux enchères du monde comme la 250 Testa Rossa ou les Bugatti Royale et Atlantic.

Elle vient justement de battre le nouveau record officiel du prix le plus élevé jamais atteint pour un exemplaire vendu : un milliardaire américain vient d’en racheter un exemplaire à un milliardaire hollandais. La vente a été conclue à 35 millions de dollars pour un exemplaire qui avait originellement été construit pour Stirling Moss (Ferrari).

Rappelons que d’autres véhicules de prestige se seraient récemment achetés encore plus cher que cette GTO, mais leur tarif n’a jamais été révélé. Cette Ferrari est donc officiellement la voiture la plus chère du monde à l’ heure actuelle.

Ferrari 250 GTO has just won officially the title of the most expensive car of the world after the resale of a copy at a very impressive price.

Ferrari 250 GTO is known for the astronomical price of each copies made by the Italian builder at the beginning of the 60s. An automobile which terrifies regularly the most beautiful auctions of the world as the 250 Testa Rossa or Bugatti Royale and Atlantic.

It has exactly just beaten the new official record of the highest price never reached for a sold copy: an American billionaire just acquired a copy to another billionaire, Dutch that one. The sale was concluded in 35 million dollars for a copy which had originally been built for Stirling Moss by Ferrari.

Let us call back that the other prestigious vehicles would recently have been bought even more expensively that this GTO, but their price list was never revealed. This Ferrari is thus officially the most expensive car of the world at the moment.

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www.leclere-mdv.com TABLEAUX ANCIENS & DU XIXE S. + TABLEAUX PROVENçAUX + ART MODERNE + DESIGN + ART NOUVEAU + ART DECO + PHOTOGRAPHIES ANCIENNES & MODERNES + TABLEAUX ORIENTALISTES + ART CONTEMPORAIN + ART D’AFRIQUE + ART D’ASIE + STREET ART + MOBILIER & OBJETS D’ART + BIJOUX + VINS + DOCUMENTS ANCIENS + LIVRES ANCIENS & MODERNES + AUTOGRAPHES + PHILATELIE + CARTES POSTALES + NUMISMATIQUE + VOITURE DE COLLECTION...

Vik Muniz

Š Vik Muniz, courtesy galerie Xippas

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EXPOSITION

© Vik Muniz, courtesy galerie Xippas

2.

Vik Muniz

Galerie Xippas, Paris, Genève et Athènes Vik Muniz est né en 1961 à São Paulo. Il quitte le Brésil en 1984 pour s’installer à New York en 1986.

En 1988, ayant égaré son exemplaire du livre The Best of Life, il commence à reproduire par le dessin ses images favorites du livre, puis les photographie. Les questions soulevées dans cette série sur la nature du regard et le rôle de la photographie sont à l’origine des fondements de sa démarche. Construisant depuis une œuvre exclusivement photographique, il sonde la nature de la représentation visuelle. En 2011, le documentaire « Waste Land » de L. Walker, nominé aux Oscars, retrace le projet artistique de Vik Muniz réalisé avec des catadores; trieurs de déchets de la plus grande décharge à ciel ouvert de Rio de Janeiro.

Vik Muniz was born in 1961 in Sao Paulo. He left Brazil in 1984 and settled in New York in 1986. His first sculptures trompe l’oeil show for example a deflated soccer ball in bronze painted so as to resemble the original object, or a «Clown Skull» in a plastic mould with a round nose which looks as if it had been found in an archaeological dig. In 1988, he lost his copy of the book «The Best of Life» and then started drawing the pictures he liked best, photographing them afterwards. The questions raised here about the essence of vision and the role of photography are at the roots of his approach. He now exclusively focuses on photography and explores the status of visual representation. In 2011, the Oscar-nominated documentory « Waste Land », directed by L. Walker, followed the artist Vik Muniz in his artistic collaboration with the catadores, pickers of recyclable materials on one of the world’s largest landfills, located on the outskirts of Rio de Janeiro. © Vik Muniz, courtesy galerie Xippas

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www.xippas.com

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Vik Muniz

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© Vik Muniz, courtesy galerie Xippas

Xippas Art contemporain à Genève. Du 3 mai au 28 Juillet 2012 La première exposition personnelle de Vik Muniz à Genève, présente une sélection d’œuvres de ses séries emblématiques « Gordian Puzzles », « Pictures of Paper », « Pictures of Pigments », « Diamonds Divas », « Pictures of Magazine », ainsi que certaines de ses œuvres les plus récentes.

Les photographies de Vik Muniz nous apparaissent comme celles d’un prestidigitateur ou d’un virtuose, dont les manipulations semblent à première vue ne pas s’apparenter à la photographie. Travaillant à partir de matériaux incongrus – fil à coudre, confiture, chocolat, ketchup, poussière, jouets etc.. – choisis pour leur rapport à l’image qu’ils dépeignent, Vik Muniz reconstruit des images issues de l’histoire de l’art ou des médias, que notre mémoire visuelle aura collectées et qui ressembleront toujours au souvenir que nous en avons. Ces images sont ensuite photographiées afin de renoncer aux originaux dont elles sont issues, et ainsi nous mettre face à une représentation illusoire, créée de toutes pièces. Ses images nous confortent dans notre sentiment de familiarité, mais nous rendent surtout capables d’en renverser le processus d’identification.

The first solo exhibition in Geneva by Brazilian artist Vik Muniz, presents a selection of his renowned series: « Gordian Puzzles », « Pictures of Paper », « Pictures of Pigments », « Diamonds Divas », « Pictures of Magazine », as well as his more recent works.

Vik Muniz photographs appear to be like those of a prestidigitator or of a virtuoso whose actions at first sight are not related to photography. Working with varied materials such as sewing thread, jam, chocolate, ketchup, dust, toys, etc., chosen for their relationship to the image they depict, he reconstructs pictures which refer to art history, to the media and to our visual memory which has assembled them.

By photographing these visual creations, Vik Muniz dissolves the original work and confronts us with an illusionary representation which is constructed artificially. Although his pictures appear familiar, they indeed unsettle the process of identification. © Vik Muniz, courtesy galerie Xippas

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EXPOSITION

© Vik Muniz, courtesy galerie Xippas

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© Vik Muniz, courtesy galerie Xippas

7.

Galerie Xippas à Paris. Du 9 Juin au 28 juillet 2012 Xippas Gallery à Athènes. Du 31 mai au 29 septembre 2012.

Créée en 2011-2012, la nouvelle série de Vik Muniz « Pictures of Magazine 2 » est exposée simultanément dans les galeries Xippas de Paris et d’Athènes. Dans la lignée des « Pictures of Junk » (2005-2011) et des « Pictures of Garbage » (2008), cette dernière série met en exergue les déchets liés aux médias. Dans une société où le déferlement de l’information prime sur son contenu et où la surenchère du spectaculaire prévaut, Vik Muniz recrée les images iconiques du XIXème siècle. A partir de bandes de papiers déchirés provenant de revues, de journaux à sensation, de publicités, de bandes dessinées ou de livres, l’artiste recompose les peintures de Fantin-Latour, Cézanne, Van Gogh, Manet ou encore George Stubbs.

Ici, les bandes de papiers déchirés deviennent des coups de pinceaux, chaque morceau est clairement identifiable : les mots sont lisibles et les images portent en elles un fort impact visuel. Le conflit que provoque la technique employée amène non seulement le spectateur à reconstruire l’image originale, mais également à identifier et se remémorer diverses références, plus ou moins récentes, et à nous interroger par là-même sur les traces que nous laissons.

Created in 2011-2012, the new series of Vik Muniz « Pictures of magazine 2 « is simultaneously explained in the galleries Xippas of Paris and Athens. In the lineage of « Pictures of Junk « ( 2005-2011 ) and « Pictures of Garbage « ( 2008 ), this last series highlights the waste bound connected to the media. In a society where the flood of the information dominates on its contents and where the higher bid of the spectacular prevails, Vik Muniz recreates the iconic images of the XIXth century. From strips of torn papers resulting from reviews, from sensational newspapers, from advertisements, from comic strips or from books, the artist recomposes the paintings of FantinLatour, Cézanne, Van Gogh, Manet or still George Stubbs.

Here, the strips of torn papers become knocks of brushes, every piece is clearly recognizable: the words are readable and the images carry in them a strong visual impact. The conflict that the affable used technique not only the spectator provokes to reconstruct the original image, but also to identify and to remember itself diverse references, more or less recent, and to question us by there even about the tracks which we leave.

© Vik Muniz, courtesy galerie Xippas

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1. Les Demoiselles d’Avignon, after Pablo Picasso (Gordian Puzzles), 2009 Digital C Print 124,5 x 120 cm (format image) Édition de 6 + 4 AP

4. A Sunday on La Grande Jatte, after Georges Seurat (Gordian Puzzles), 2009 Digital C Print 101,6 x 151,1 cm (format image) Édition de 6 + 4 AP

7. Picking Flowers in a Field, after Mary Cassatt (Pictures of Magazine 2), 2012 Magazine 2 Digital C print 180,3 x 243,8 cm

2. A Bar at Folies Bergère, after Edouard Manet (Pictures of Magazine 2), 2012 Digital C Print 101,6 x 139 cm (format image) Édition de 6 + 4 AP

5. Achrome (Pebbles, Kaolin on Canvas), after Piero Manzoni (Pictures of Pigments), 2008 Digital C Print 141,6 x 101,6 cm (format image) Édition de 6 + 4 AP

8. The Great Turf, after Dürer (Pictures of Paper), 2010 Digital C Print 134,6 x 101,6 cm (format image) Édition de 10 + 5 AP

3. Achrome, after Piero Manzoni (Pictures of Pigments), 2007 Digital C Print 150,6 x 101,6 cm (format image) Édition de 6 + 4 AP

6. The Sower, after Van Gogh, 2011 Digital C Print 133,9 x 101,6 cm (format image) Édition de 10 + 5 AP

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Joana Vasconcelos

EXPOSITION

1.

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Joana Vasconcelos à Versailles En juin 2012, c’est Joana Vasconcelos qui représente l’art contemporain à Versailles. Après l’américain Jeff Koons, le japonais Takashi Murakami, les français Xavier Veilhan et Bernar Venet, elle sera la première femme, la plus jeune artiste aussi, à se mesurer à la référence historique absolue qu’est Versailles.

Joana Vasconcelos ne cherche pas à s’intégrer à Versailles, elle s’y confronte. Son travail fait de détournements, de métamorphoses et de déplacements d’objets croise les temps et décale les symboles. Inspirée par la force mythologique et esthétique du Château de Versailles, Joana Vasconcelos va plus loin encore dans son questionnement du luxe et du beau, en proposant de nouvelles œuvres, spécialement conçues pour lui.

En même temps, elle s’attache à la figure de la Femme, singulière, omniprésente dans sa réflexion… comme elle l’est à Versailles. Une revendication féminine, sans dogmatisme, y est présente, mais traitée sur un mode plus ironique que militant.

Ce sont une esthétique populaire et sophistiquée à la fois, un dialogue entre passé et présent, qui renvoient à l’histoire même.

In June, 2012, it is Joana Vasconcelos who represents the contemporary art in Versailles. After the American Jeff Koons, Japanese Takashi Murakami, French Xavier Veilhan and Bernar Venet, she will be the first woman, the youngest artist also, to confront in the absolute historic reference that is Versailles.

Joana Vasconcelos does not try to become integrated in Versailles, she confronts with it. Her work made by diversions, by metamorphoses and by movements of objects crosses time and moves the symbols. Inspired by the mythological strength and the aesthetics of the Palace of Versailles, Joana Vasconcelos still goes farther to its questioning of the luxury and the beautiful, by proposing new works, specially conceived for him.

At the same time, she becomes attached to the figure of the Woman, singular, omnipresent in her reflection as she is her in Versailles. A feminine demand, without dogmatism, is there present, but treated on a mode more ironic than militating.

It is a popular and sophisticated aesthetics at the same time, a dialogue enters past and present which send back to the history.

www.chateauversailles.fr

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1. Marilyn (PA), 2011 Casseroles et couvercles en acier inoxydable, ciment (2x) 297 x 155 x 410 cm Collection de l’artiste Galerie des Glaces - Château de Versailles Photomontage | Crédit photo : Château de Versailles/ DMF, Lisbon 2. Mary Poppins, 2010 Tricot et crochet en laine faits à la main, maille industrielle, tissus, ornements, polyester, câbles en acier 700 x 600 x 600 cm Collection de l’artiste Photomontage | Crédit photo: Château de Versailles/ Peter Mallet/Courtesy Haunch of Venison, Londres 3. Coração Independente Vermelho [Coeur Indépendant Rouge], 2005 Couverts en plastique rouge transparent, fer peint, chaîne en métal, moteur, installation sonore Chansons interprétées par Amália Rodrigues: Estranha Forma de Vida [Étrange Forme de Vie] (Alfredo Rodrigo Duarte/Amália Rodrigues), Maldição [Malédiction] (Joaquim Campos da Silva/Armando Vieira Pinto), Gaivota [Mouette] (Alain Oulman/Alexandre O’Neill). Autorisation de IPLAY - Som e Imagem/(P) Valentim de Carvalho.

371 x 220 x 75 cm Museu Colecção Berardo, Lisbonne Salon de la paix - Château de Versailles Photomontage | Crédit photo : Château de Versailles/ DMF, Lisbon/Courtesy Atelier Joana Vasconcelos 4. Portrait de Joana Vasconcelos à Versailles Miguel Domingos/Courtesy Atelier Joana Vasconcelos.

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Alighiero et Boetti

MOMA NEW-YORK

EXPOSITION Du 1er juillet au 1er Octobre 2012

Tout le monde connait Boetti pour avoir vu ses œuvres dans les plus grands Musées du monde, broderies représentant des cartes appelées « mappa » ou labyrinthes de lettres à déchiffrer tels des rébus. Mais on ne connait pas suffisamment Boetti, le seul artiste conceptuel à avoir su marier la rigueur de l’art conceptuel avec l’esthétique du jeu et de la couleur. Passionné par l’arithmétique et le rythme dans le langage, ses œuvres sont des énigmes souvent philosophiques et toujours ludiques qui proposent au spectateur plusieurs portes d’entrée.

Les planisphères que Boetti réalisera à partir de 1971 et jusqu’à la fin de sa vie, sont une description géopolitique du monde, où nations et drapeaux sont modifiés selon le cours des événements politiques. La succession temporelle des cartes est donc la narration de l’ordre et du désordre du monde. Leur particularité essentielle est de ne pas être réalisées par lui même mais par des brodeuses d’Afghanistan. « Ordre et désordre » du monde, « hasard » et « nécessité », sont des mots omniprésents dans les réflexions de Boetti.

2012 est l’année de la consécration muséale pour Alighiero & Boetti : après une première exposition au Musée Reina Sofia de Madrid, une rétrospective a démarré le 28 février à la Tate Modern de Londres (jusqu’au 27 mai), pour se poursuivre au MOMA de New-York du 1er juillet au 1er octobre 2012. Ces rétrospectives, réalisées sous la direction de Lynne Cooke et Mark Godfrey, donnent une visibilité planétaire à l’artiste italien.

Forte de ses relations avec l’artiste de son vivant, Tornabuoni Art avait organisé plusieurs expositions de l’artiste, dont une importante à Paris en 2010 qui montrait au public en avantpremière 14 œuvres, aujourd’hui exposées au sein de ces rétrospectives londonienne et new yorkaise. Pour sa première participation à la Art Hong Kong 2012, cette dernière présenta un solo show exceptionnel de Boetti, protagoniste de l’Arte Povera. Des œuvres inédites étaient exposées comme la plus grande Mappa au monde, de 6 mètres de long, jamais montrée au public.

1.

Everybody knows Boetti to have seen his works in the biggest Museums of the world, the embroidery representing maps called « mappa « or labyrinths of letters to decipher such rebus.

But we do not know enough Boetti, the only abstract artist to have known how to marry the rigor of the conceptual art with the aesthetics of the game and the color. Fascinated by the arithmetic and the rhythm in the language, its works are often philosophic and always playful enigma which propose to the spectator several entrances.

The maps which Boetti will realize from 1971 and till the end of its life, are a geopolitical description of the world, where nations and flags are modified according to the course of the political events. The temporal succession of cards is thus the story of the order and the disorder of the world. Their essential peculiarity is not to be realized by him even but by embroiderers of Afghanistan. « Order and disorder « of the world, «the risk» and «the necessity», are omnipresent words in the reflections of Boetti.

2012 is the year of the museum consecration for Alighiero and Boetti: after a first exhibition to the Museum Reina Sofia of Madrid, a retrospective started on February 28th in Tate Modern of London (until May 27th), to continue in the MOMA of New York from July 1st till October 1st, 2012. These reviews, realized supervised by Lynne Cooke and Mark Godfrey, give a global visibility to the Italian artist.

Strong of its relations with the artist in his lifetime, Tornabuoni Art had organized several exhibitions of the artist of which an important for Paris in 2010 which showed to the public in preview 14 works today exposed within these reviews of London and New York. For her first participation in Art Hong-Kong 2012, this last one presented a exceptional solo show of Boetti, protagonist of the Arte Povera. New works were exposed as the biggest Mappa to the world, 6 meters long, never shown to the public.

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1. Alternandosi e dividendosi, 1989 broderie, 102x107 cm

www.moma.org

2. Mappa del mondo (World Map) 1980 broderie, 157x201 cm

www.tornabuoniart.fr

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Chiraru Shiota

EXPOSITION

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Chiraru Shiota

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La robe « seconde peau » Pour ce premier événement culturel produit par la Sucrière, l’artiste réalise une installation monumentale dans une totale intégration de l’architecture du bâtiment .16 robes blanches, suspendues au plafond dans un réseau de corde noire qui nécessiteront environ 1000 mètres de coton satin et un camion de laine noire. Chaque robe est réalisée par le styliste Mongi Guibane.

Le tissage obscurcit la vue du spectateur, et les robes deviennent plus difficiles à voir. Les visiteurs sont complètement immergés dans l’installation, ils naviguent à l’intérieur de la relation entre la robe et les tissages et ils marchent dans un labyrinthe. Cette expérience vise à démontrer la complexité d’être, en confrontant les visiteurs à eux même et au travail. Espace, temps, gravité et pensée humaine forment une relation.

For this first cultural event produced by La Sucrière, the artist realizes a monumental installation in a total integration of the architecture of the building. 16 white dresses, suspended from the ceiling in a network of black rope which will require approximately 1000 meters of cotton satin and a truck of black wool. Every dress is realized by the stylist Mongi Guibane.

The weaving darkens the view of the spectator, and dresses become more difficult to see. The visitors are completely immersed in the installation, they navigate inside the relation between the dress and the weavings and they walk in a labyrinth. This experiment aims at demonstrating the complexity to be, by confronting the visitors to them even and to the work. Space, time, gravity and human thought form a relation.

1. Vue de l’installation «Labyrinth of Memory», La Sucrière, 2012 Crédit photo: Sunhi Mang 2. Vue de l’installation «Labyrinth of Memory», La Sucrière, 2012 Crédit photo: Sunhi Mang 3. Vue de l’installation «Labyrinth of Memory», La Sucrière, 2012 Crédit photo: Sunhi Mang

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Rien ne nous inspire autant qu'une page blanche.

C'est pour cela que nos créations sont uniques.

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Helmut Newton

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1. Walter Steiger, Monte-Carlo, 1983 © Helmut Newton Estate 2. Affiches de l’exposition © Affiche Réunion des musées nationaux – Grand Palais 3. Affiches de l’exposition © Affiche Réunion des musées nationaux – Grand Palais 4. Stern, Los Angeles, 1980 © Helmut Newton Estate

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EXPOSITION

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Helmut Newton photographie

Depuis la mort d’Helmut Newton (1920 – 2004), aucune rétrospective du photographe n’a eu lieu en France, pays où il a cependant créé une partie majeure de son œuvre, notamment en travaillant pour l’édition française de Vogue.

Sulfureux, parfois choquant, l’œuvre de Newton a cherché à restituer la beauté, l’érotisme, l’humour, parfois la violence que sa sensibilité lui permettait de relever dans les rapports sociaux des mondes qu’il fréquentait : la mode, le luxe, l’argent, le pouvoir.

L’exposition a réunit au Grand Palais de Paris plus de deux cents images, quasi exclusivement des tirages originaux ou vintage réalisés sous le contrôle d’Helmut Newton : polaroïds, tirages de travail de divers formats, œuvres monumentales.

Le propos s’inscrit dans un parcours rétrospectif et thématique. Présentant les grands thèmes newtoniens : mode, nus, portraits, sexe, humour, l’exposition entend montrer comment s’est constitué, bien au-delà de la photographie de mode, l’œuvre d’un grand artiste. Une œuvre qu’il n’a eu de cesse de libérer de toute contrainte imposée, alors qu’il travaillait le plus souvent dans un cadre de « photographie appliquée » à la mode et aux portraits. Une œuvre éminemment classique en ce sens qu’il s’inscrit dans une perspective artistique très large. Une œuvre qui fait l’expérience de la liberté, dans ses thèmes comme dans ses formats. Une œuvre qui donne à voir une vision nouvelle et unique du corps féminin contemporain.

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Helmut Newton

5.

Since Helmut Newton’s death (1920 – 2004), there has been no retrospective of his work in France, although he did much of his work there, particularly for the French edition of Vogue.

Provocative, sometimes shocking, Newton’s work tried to capture the beauty, eroticism, humour – and sometimes violence – that he sensed in the social interaction within the familiar worlds of fashion, luxury, money and power.

The exhibition brings together more than two hundred photographs, mostly original or vintage prints made under Helmut Newton’s supervision: Polaroid, working prints in various sizes, monumental works.

It takes a retrospective, thematic angle. Through the major themes in his work: fashion, nudes, portraits, sex and humour, the exhibition seeks to show that Newton was much more than a fashion photographer. His photography shook off all constraints, even though he often worked within the rigid framework of fashion and portraiture. His work is eminently classical, fitting into a very broad view of art. It experiments freely with themes and formats, and presents a unique vision of the contemporary female body.

www.grandpalais.fr

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EXPOSITION

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Helmut Newton

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5. Main et dollars, Monte-Carlo, 1986 © Helmut Newton Estate 6. Buste aux liens, Ramatuelle, 1980 © Helmut Newton Estate 7. Bergstrom, au-dessus de Paris, Paris, 1976 © Helmut Newton Estate 8. British Vogue, Londres, 1967 © Helmut Newton Estate 9. Nova, Paris, 1973 © Helmut Newton Estate 10. Catherine Deneuve, Esquire, Paris, 1976 © Helmut Newton Estate 11. Autoportrait avec June et modèles, Paris, 1981 © Helmut Newton Estate 12. Yves Saint Laurent, Vogue France, Rue Aubriot, Paris 1975 © Helmut Newton Estate 13. Rayon X, Van Cleefs & Arpels, Vogue France, Paris, 1994 © Helmut Newton Estate 14. Sie Kommen (Elles arrivent), Vogue France, Paris, 1981 © Helmut Newton Estate 15. Salvador Dali, Figueras, 1986 © Helmut Newton Estate

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EXPOSITION

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PLUS ONE GALLERY

EXPOSITION

PLUS ONE GALLERY Hyperrealism

Plus One Gallery est une galerie contemporaine spécialisée dans le photoréalisme et l’hyperréalisme, elle représente plus de quarante artistes vivants dans ces genres incluant la première génération de photoréalistes : John Salt, Ralph Goings et Richard Estes aussi bien que des lauréats du BP Portrait Award Craig Wylie, Andrew Tift et Philip Harris. En se concentrant sur le contemporain figuratif, le trompe-l’oeil et des peintures pétrolières et acryliques hyperréalistes, la galerie expose aussi de la sculpture décorative contemporaine en bronze, des dessins et des œuvres à techniques mixtes par les artistes les plus renommés dans le domaine de l’hyperréalisme incluant, mais non limité aux artistes acclamés Ben Johnson et Pedro Campos, Cesar Santander et Ben Schonzeit.

La Galerie réalise plusieurs expositions chaque année avec l’alternance d’expositions solo ou de groupe.

Plus One Gallery is a modern contemporary specialises in photorealism and hyperrealism and represents over forty living artists in these genres including first generation photorealists : John Salt, Ralph Goings and Richard Estes as well as BP Portrait Award winners Craig Wylie, Andrew Tift and Philip Harris. Focusing on contemporary figurative, trompe l’oeil and hyperrealist oil and acrylic paintings, the gallery also exhibits contemporary decorative bronze sculpture, drawings and mix media works by the most renowned artists in the field of hyperrealism including but not limited to the acclaimed artists Ben Johnson and Pedro Campos, as well as New York based Cesar Santander and Ben Schonzeit.

The Gallery holds six or more exhibitions each year in a mixture of solo and group shows.

©Plus One Gallery

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©Plus One Gallery

1. Kike Meana London at Twelve 160 x 250 cm Oil on canvas on board

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2. Francisco Rangel Ten Pence 120 x 120 cm Oil on linen

3. David Finnigan International 150 x 105 cm Oil on linen 3.

©Plus One Gallery

LONDON’S CALLING

Du 4 au 28 Juillet 2012 / July 4th – July 28th, 2012 La Grande-Bretagne regarde directement en arrière le regard représenté par les illustrations hyperréalistes, pour chaque peinture une connexion britannique. Les artistes participants viennent des quatre coins du monde et sont réunis non seulement par l’hyperréalisme, mais par la Grande-Bretagne et particulièrement Londres comme le thème des œuvres créées pour cette exposition du mois de juillet à la Plus One Gallery.

Britain is looking right back looking that is through the hyperrealist artworks in Plus One Gallery’s July exhibition, for each and every painting has a British connection. The participating artists come from different corners of the world and are joined together not only by hyperrealism but by Britain, and London in particular, as the theme for their pieces created for this show especially.

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Ministore 6

ème

Avenue

76, Avenue de Saxe - 69003 Lyon Tél : 04.72.32.91.91

Simon Hennessey

©Plus One Gallery

Simon Hennessey Hyperrealism

Jeune peintre londonien, Simon Hennessey doit certainement passer ses journées à expliquer que ses œuvres ne sont pas des photos, mais bien des peintures, des peintures hyperréalistes…c’est le moins que l’on puisse dire !

Hennessey trouve la source de son travail dans la photo portrait en gros plan, la peint ensuite sur toile (ses toiles font en moyenne 200 cm par 130 cm), et atteint son objectif : réussir à tromper l’œil humain.

Un travail précis dont le but est de peindre, comme l’artiste l’explique, une autre réalité.

Young painter of London, Simon Hennessey certainly has to spend his days to explain that his works are not photos, but paintings , hyperrealistic paintings that’s the least you can say!

Hennessey finds the source of his work in the photo portrait in close-up, paints it then on canevas (his paintings are on average 200 cms by 130 cms), and reaches his objective: manage to deceive the human eye.

A precise work the purpose of which is to paint, as the artist explains it, another reality.

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PEINTURE

©Plus One Gallery

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©Plus One Gallery

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Simon Hennessey

ŠPlus One Gallery

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1. Life through a Lens 66 x 86 cm Acrylic and ink on canvas

2. Observation 55 x 122 cm Acrylic and ink on canvas

3. Peace and Harmony Acrylic and pencil on polyester 90 x 160 cm

4. Shades Chic 84 x 122 cm Acrylic on board

5. I Heart Realism Painting Acrylic and ink on canvas 90 x 160 cm

6. Out of the darkness Painting, Acrylic on canvas

7. Heels and Glasses Painting Acrylic on canvas 81 x 155 cm

8. Blond Hair, Blue Eyed Innocence Painting Acrylic on canvas 150 x 200 cm

9. Petit Painting Acrylic on canvas 160 x 200 cm

10. gleefully Painting oil on canvas 97 x 50 cm

11. Tranquillity Painting oil on canvas 50 x 97 cm

12.The Duality of Lord Archer Painting Acrylic and pencil on canvas 170 x 140 cm

Plus One Gallery 89-91 Pimlico Road, London SW1W 8PH . Tel: 020 7730 7656 Email: info@plusonegallery.com www.plusonegallery.com

PEINTURE

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Simon Hennessey

©Plus One Gallery

PEINTURE

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©Plus One Gallery

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Lamborghini Lyon

Lamborghini Mulhouse

Passion Automobiles Prestige 2, Chemin des Cuers 69 570 Dardilly Tél: 04 72 29 12 21

Passion Automobiles Prestige Avenue Pierre Pflimlin 68 390 Sausheim Tél: 03 89 31 43 12

www.lamgorghini-lyon.fr

www.lamborghini-mulhouse.fr

Lionel Laffont

Jean-François Casazza

Concessionnaire Officiel

Tél: 07 62 58 38 25 Mail : lionel.laffont@passionautomobiles.fr

Concessionnaire Officiel

Tél: 06 86 75 88 01 Mail : jf.casazza@lamborghini-mulhouse.fr

Alexa Meade

PEINTURE

Alexa Meade Alexa Meade joue avec vos yeux : non, ce ne sont pas des tableaux « fauvistes » à l’acrylique que vous voyez, mais des corps peints, afin de modifier votre perception de la réalité.

Alexa Meade a une fascination pour l’art de jouer avec la perception depuis qu’elle a étudié et travaillé dans la politique et la communication.

Alexa Meade plays with your eyes: no, it is not fauvism acrylic paintings that you see, but bodies painted so, to modify your perception of reality.

Elle peint ses sujets – parfois elle-même – à l’acrylique non toxique, les fige par la photo, pour obtenir ses faux tableaux. A la croisée des chemins entre photo, peinture, et installation, l’art de Meade est abouti.

She paints her subjects - sometimes herself - in not toxic acrylic, fixes them by the photo, to obtain her false paintings. At the crossroads between photo, painting, and installation, the art of Meade is accomplished.

Passionnée par la peinture, Meade n’a pourtant jamais pris de cours, elle décide de lâcher les relations publiques et de consacrer tout son temps à sa passion alors qu’elle participe à la campagne de Barack Obama en 2008. Très vite, elle réussit à vivre de son art : Pari gagné!

Fascinated by the painting, Meade nevertheless never took course, she decides to leave public relations and to dedicate all her time to her passion while she participates in the Barack Obama campaign in 2008. Very fast, she manages to live on her art: won Bet!

Alexa Meade has a fascination for the art of playing with perception since she studied and worked in politics and communication.

www.alexameade.com

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Simon Rouby

PEINTURE

Simon Rouby C’est en suivant une ligne jaune que Simon Rouby a découvert le plus grand et le plus encombré des réseaux autoroutiers des états unis : celui de Los Angeles.

While following a yellow line Simon Rouby discovered the biggest and the most blocked by the motorway networks of the United States: that of Los Angeles.

En remontant cette piste, il a trouvé les hommes qui peignent et repeignent les lignes, déversant chaque jour des milliers de litres de peinture jaune sur le bitume brûlant. Avec eux, il a crée des toiles abstraites, témoins physiques de notre propre conditionnement devant les divisions imposées dans l’espace urbain.

By going back up this runway, he found people who paint and repaint lines, pouring every day of thousands of liters of yellow paint on the ardent asphalt. With them, he has create abstract paintings, physical witnesses of our own conditioning in front of the divisions imposed in the urban space.

Elles seront exposées cet été au Caltrans Museum de Downtown Los Angeles, du 10 juillet au 28 septembre

They will be exposed this summer to the Caltrans Museum de Downtown Los Angeles, from July 10th till September 28th

yellowline.simonrouby.com

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Jonas ‘‘sun 7’’ Bournat

PEINTURE

Jonas ’’Sun 7’’ Bournat Né en 1977 à Paris – Vit et travaille à Paris.

Sun7 est, à l’évidence, enfant de croisements et chevauchements entre le mot et l’image, la poésie et la couleur, l’art et la rue. A l’aube des années 1990, il découvre l’univers des tags new–yorkais. Bombe aérosol en main, il s’attaque à la peau des murs de Paris à New York.

Il multiplie performances et interventions à Paris, Lyon et Marseille, puis à Shanghai, HongKong et Djakarta.... Il utilise ensuite la toile, le panneau, les plaques de métal... Son registre se métisse sous des influences multiples : l’action painting, la calligraphie Arabe, les tatouages latinos. Mais c’est le mot qui domine. Un maillage de mots, le plus souvent indéchiffrables et qui, assemblés, composent des portraits et des autoportraits.

Portraits évidents et textes codés, soit un jeu subtil d’apparition/disparition, où ce qui relève de la calligraphie, des glyphes, des idéogrammes, se déréalise, laissant planer le mystère.

Born in 1977 in Paris. Lives and works in Paris.

Sun7 is obviously a child of crossing of word and image, poetry and color, art and street. In the early 1990s, he discovered New York tag culture. Spray can in hand, he took on the skin of walls in Paris and New York, and moved on to performances and installations, not only in Paris, Lyon and Marseille, but also in Shanghai, Hong-Kong and Djakarta... He then started using canvases, signs and metal plaques. His register became permeated by multiple new influences: action painting, Arabic calligraphy, Latino tattoos. But words and calligraphy remained dominant – a mesh of words, a lace of letters, most often indecipherable but which, together, made portraits and self–portraits.

Obvious portraits and coded texts create a subtle play of appearance/disappearance, in which everything related to calligraphy, glyphs and ideograms becomes as unreal as can be, nurturing a sense of mystery.

www.jonas-sun7.com

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HÔTEL LAdepuis RENAISSANCE 1952 Quand le Design et l’Histoire se rencontrent au cœur de Marrakech

L’ hôtel mythique de Marrakech…

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Dahab Club Club Jazz & Blues Jazz & Blues Club

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Yassine ‘‘YAZE’’ Mekhnache

PEINTURE

Yassine’’YAZE’’ Mekhnache Yassine Mekhnache, dit «Yaze», peint le plus souvent, des autoportraits sans ressemblance mais qui déclinent, sans doute, des états internes traversés par l’artiste.

En observant attentivement chacune de ses toiles, on est saisi par un mouvement dialectique.

La première impression est abstraite, c’est une harmonie des teintes et des matières. La seconde est figurative : on distingue le contour d’une tête, parfois les yeux. Enfin, le dernier degré de compréhension dépasse la simple sensation d’une harmonie esthétique et la reconnaissance des traits du visage : la tête se révèle prétexte à exprimer la tension visuelle et mentale entre le vide, le plein et le saturé, à restituer certains états d’excitation, de léthargie ou de rêveries phosphéniques hyper colorées.

Les matières utilisées rappellent les matières naturelles et les artisanats anciens : épais papier gorgé de bois ou de chiffon, écorce de mûrier laquée en noir, toiles de coton, éponges, pastels aux couleurs roses et ocres. Tout cela est assorti de quelques traits d’une extrême modernité : marqueurs corrosifs aux couleurs vives utilisés par les tagueurs, coulures, apparition occasionnelle de quelques mots griffonnés à la hâte. Ces derniers travaux expriment bien ce lien entre tradition et modernité.

Yassine Mekhnache, called «Yaze», paints mostly, self-portraits without resemblance but which decline, doubtless, internal states crossed by the artist.

By observing attentively each of his paintings, we are seized by a dialectical movement. The first impression is abstracted, it is a harmony of tints and materials. The second is representational: we distinguish the outline of a head, sometimes eyes. Finally, the last degree of understanding exceeds the simple sensation of an aesthetic harmony and the recognition of the lines of the face: the head shows itself pretext to express the visual and mental tension between the space, the height and the saturated, to restore certain states of excitement, lethargy or phosphenic musing hyper colored.

The used materials call back the natural materials and the former small crafts : thick paper full of wood or cloth, bark of mulberry tree lacquered in black, cottons, toweling, pastels in the pink and ochre colors. All this is accompanied by some lines of an extreme modernity: corrosive markers in the lively colors used by the taggers, occasional appearance of some words scrawled hastily. These last works express well this link between tradition and modernity.

www.yassinemekhnache.com

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Christopher Wool

PEINTURE

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Exposition du 30 mars au 19 août 2012 MUSEE D’ART MODERNE DE LA VILLE DE PARIS 11 Avenue du Président Wilson – 75116 Paris

Christopher Wool Né à Chicago en 1955, Christopher Wool émerge sur la scène new-yorkaise au milieu des années 80. Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente la première exposition à Paris de Christopher Wool, figure majeure de la scène artistique internationale et l’un des peintres américains contemporains les plus influents.

Depuis plus de 30 ans, Christopher Wool explore les territoires de la peinture abstraite par une continuelle interrogation du procédé pictural : recours à la répétition, application de méthodes de l’art conceptuel et minimal, adaptation d’images photographiques, et travail avec différentes techniques comme le spray, l’encre pour sérigraphie et la reproduction numérique associée à la peinture à la main. Conçue en étroite collaboration avec l’artiste, l’exposition se concentre sur plus d’une trentaine d’œuvres de grand format peintes entre 2000 et aujourd’hui. Entre improvisation et composition, ces œuvres aux techniques multiples font preuve d’une grande liberté formelle.

Born in Chicago in 1955, Christopher Wool emerges on the New York sce tract art by a continual interrogation of the pictorial process: resort to the repetition, the application of conceptual and minimal art methods, the adaptation of photographic images, and the work with various techniques as spray, ink for screenprinting and digital reproduction associated with the hand’s painting.

Conceived in close collaboration with the artist, the exhibition concentrates on more than around thirty works of big size painted between 2000 and today.

Between improvization and composition, these multiple techniques works show a big formal freedom.

1. Christopher Wool Sans titre, 2001 Encre pour sérigraphie sur toile de lin 228,6 x 152,4 cm Courtesy de l’artiste et de la galerie Luhring Augustine, New York 2. Christopher Wool Sans titre, 2010 Encre pour sérigraphie et peinture à l’émail sur papier 182,88 x 140,34 cm Courtesy de l’artiste et de la galerie Luhring Augustine, New York

L’ART

ET la dEfiscalisation La constitution d’un patrimoine artistique aussi bien par l’acquisition d’une collection, que par l’aquisition d’une oeuvre, un manuscrit ou une lettre peut au delà du plaisir personnel, engendrer de nombreux avantages fiscaux.

Quand on s’oriente vers la défiscalisation, le premier réflexe des investisseurs les portent vers les placements boursiers et immobiliers. Investir dans les oeuvres d’art offre cependant de très nombreux avantages.

Si vous aimez la peinture ou la sculpture, les bibelots et les antiquités, acheter des oeuvres d’art peut allier plaisir, défiscalisation et constitution de patrimoine.

- Exonération d’ISF : Contrairement aux placements financiers ou aux investissements immobiliers, les oeuvres d’art sont exonérées d’impôts de solidarité sur la fortune (ISF).

Lorsque vos revenus sont à la frontière, l’achat d’une oeuvre d’art peut vous permettre d’échapper à l’ISF. Effectivement la totalité des sommes investies pour l’achat d’œuvres d’art, est à retirer du calcul de l’assiette ISF. - Taxation avantageuse des plus-values : En terme de fiscalité, les œuvres d’art sont, en cas de revente, soumises à la taxation sur la plus-value réelle de 27%. Cependant au delà de 12 ans, les oeuvres d’art bénéficient d’une exonération de plus values (contrairement aux investissements immobiliers).

Par ailleurs, un abattement de 10% est consenti chaque année au delà de la 2ème année de détention.

- Transmission de patrimoine : Sous certaines conditions, il est possible d’intégrer les oeuvres d’art dans le forfait des meubles meublants de 5%.

Afin de bénéficier de ces avantages, il convient de prendre quelques précautions : Il est en premier lieu fortement recommandé de se faire conseiller (à moins d’être un amateur averti).

Il est important de réaliser cet achat selon ses goûts personnels et non d’après la mode. Le choix de l’oeuvre est très important.

Il faut dans un second temps pouvoir attester de la date d’achat ; pour cela la fourniture d’une facture est indispensable.

Morgane RAVOUNA, Maître en Droit Privé

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Red Hong Yi

EXCEPTION

Red Hong Yi Une tasse qui remplace l’encrier, une sous-tasse en guise de pinceau, du café pour seule encre : c’est ainsi que l’artiste Malaisienne Red (de son vrai nom Hong Yi) a réalisé en 12 heures ce portrait du musicien Jay Chou.

Red, jeune femme de 26 ans à qui tout réussit – la peinture n’est qu’un passe temps, son vrai métier est architecte - n’en était pas à son premier coup d’essai : elle aime en effet créer des portraits avec toutes sortes de choses, graines de tournesol, céréales ou encore pâte de piment avec laquelle Justin Bieber a été réalisé.

Un résultat bluffant de précision, de minutie et surtout de ressemblance !

A cup which replaces the inkwell, a saucer as a way of brush, coffee for only ink: and so the malaysian artist Red (her real name is Hong Yi) realized in 12 hours this portrait of the musician Jay Chou.

Red, young woman of 26 years who succeeds in everything - painting is only a hobby, her real job is architect - was not in her first try there: indeed, she likes creating portraits with any sorts of things, sunflower seeds, cereal or still dough of hot pepper with which Justin Bieber has been realized.

A bluffing result because of precision, accuracy and especially resemblance!

www.ohiseered.com

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Nathan Sawaya

SCULPTURE

Nathan Sawaya 1,5 millions de briques LEGO règnent dans le studio New Yorkais de Nathan Sawaya.

Ce grand enfant de bientôt 40 ans, ancien avocat d’entreprise, a quitté son travail il y a plus de 10 ans pour se consacrer à la construction de sculptures en Lego.

Nathan Sawaya ,qui s’intéressait depuis les années 2000 aux sculptures créées par des moyens inhabituels, a trouvé avec les fameuses petites briques la matière qui lui convenait.

Ses créations colorées sont impressionnantes, tant par le travail qu’elles demandent que par leur taille, et sont conçues pour être exposées…ou seulement pour le plaisir.

1,5 million LEGO bricks reign in the New York studio of Nathan Sawaya.

This big child of soon 40 years, former corporate lawyer, has left his work more than 10 years ago to dedicate himself to the construction of LEGO sculptures.

Nathan Sawaya, who was interested since the 2000s in sculptures created by unusual means, found with the famous small bricks the material which suited him.

His colored creations are impressive, both by the work that they ask that by their size, and are conceived to be exposed…or only for the pleasure.

http://brickartist.com

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Nick Van Woert

SCULPTURE

Poor Me

Poor Me

Poor Me

Poor Me

Nick Wan Woert Nick Van Woert revisite la scuplture.

Né à Reno (USA) en 1979, ce peintre, sculpteur et plasticien, a été marqué par le contraste entre l’érosion, l’aridité du paysage désertique et la démesure outrancière et colorée de l’espace urbain de sa ville natale.

Son travail confronte de la même manière deux mondes, celui de la sculpture classique et des matériaux contemporains.

Van Woert puise son inspiration dans l’histoire de l’art, récupère des moulages célèbres de bustes et les détourne : Il en fait des répliques en plâtre, superpose ensuite des strates de plexi, d’acier ou fait couler de la colle polyuréthane colorée.

De ce travail de détournement résultent des sculptures aux formes surprenantes, voire dérangeantes, défiant parfois les lois de la gravité.

Nick Van Woert revisits scuplture.

Born in Reno (USA) in 1979, this painter, sculptor and plastics technician, was marked by the contrast between the erosion, the aridity of the desert landscape and the exaggerated and colored immoderation of his home town ‘s urban space.

His work confronts in the same way two worlds: classic sculpture and contemporary materials.

Van Woert draws his inspiration from the art history, takes famous moldings of busts and diverts them: he makes it replica in plaster, stacks then strata of plexi, of steel or made pour some colored polyurethane glue.

http://work.fourteensquarefeet.com

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Yannick Cohonner

Pétrole et rhino noir

SCULPTURE

Clémentine rouge

Buste Jaune

Yannick Cohonner Yannick COHONNER est né à Vannes en 1964. Il suit des études en art et histoire de l’art.

En 1996,il réalise sa première idole en trois dimensions : la princesse XXL. Elle est directement inspirée de ses peintures précédentes. Réalisée en polyester recouvert d’une peinture polyuréthane et d’un fini d’une très grande qualité, elle s’impose comme une évidence. A partir de ce moment, il se consacrera uniquement à la sculpture de ses vénus.

Le thème est intemporel et universel, la fascination pour une féminité magnifiée. La filiation remonte très loin dans notre passé : Vénus de Willendorf, De Lespugne, idoles cycladiques, Athéna, Aphrodite, statuaires africaines...A chacune ses caractéristiques, exacerbation et stylisation géométrique.

Changement d’image avec le nouveau siècle et évolution des mœurs, c’est l’apparition d’une femme émancipée, accomplie au corps tatoué, glabre, bronzé, orné de piercing, remodelé, siliconé, vitaminé. La vénus du XXIe siècle est née loin des femmes soumises rasant les murs en survêtement et des adolescentes mannequins anorexiques. Ces bouleversements n’épargnent pas l’homme. Le macho poilu ringardisé laisse place au métrosexual. Epilation et salle de gym, la Californie s’impose. L’Apollon chippendale va rejoindre la nouvelle Vénus...

Born in Vannes in 1964, Yannick COHONNER follows studies in art and art history. In 1996, he realizes his first idol in three dimensions : princess XXL. She is directly inspired by his previous paintings. Realized in polyester covered with a polyurethane paint and of a ending of one very high quality, she stands out as an evidence. From this moment, he will dedicate itself only to the sculpture of his vénus.

The theme is timeless and universal, the fascination for a glorified femininity. The filiation goes back up very far in our past: Venus of Willendorf, Lespugne, cycladiques idols, Athena, Aphrodite, African statuaries... In each the characteristics, exacerbation and geometrical stylization.

Change of image with new century and evolution of the customs, it is the appearance of an emancipated woman, accomplished in the tattooed, hairless, brown body, decorated with piercing, remodelled, silicone, with vitamins. The vénus of the XXIth century was born far from the subjected women shaving walls in tracksuit and teenagers anorexic models. These upheavals do not save the man. The hairy macho man leaves place with the métrosexual. Removal of hair and gym, California is imperative. The Apollo chippendale is going to join the new Venus...

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Kate Mccgwire

Quell (2011), Photo : Tessa Angus courtesy of All Visual Arts

SCULPTURE

Evacuate (2010), Photo : Jonty Wilde

Gag (2009), Photo: JP Bland

Kate Mccgwire Il y a quelque chose de reptilien dans le travail de Kate MccGwire, une intrigante beauté qui vous captive.

Cette artiste anglaise de 48 ans recueille auprès des agriculteurs des plumes de pigeons, pies, bécasses, faisans entre autres, pour élaborer ses sculptures aux formes fantastiques.

Son art est un travail sur le mouvement figé, proche de l’aliénation pour certaines œuvres qui ressembleraient presque à des animaux sans tête.

Serpents à plumes ou cascade de plumes, chacun peut percevoir ces sculptures, de parfois 3 mètres 50 de haut, comme il l’entend, mais tout le monde s’accorde sur un point : cela est fascinant.

Quell (2011), Photo : Tessa Angus courtesy of All Visual Arts

There is something of reptilian in Kate MccGwire work , a scheming beauty which captivates you.

This English artist of 48 years takes in feathers of pigeons, magpies, woodcocks, pheasants among others, to elaborate her fantastic sculptures.

Her art is a work on the motionless movement, close to the alienation for certain works which would look like almost animals without head.

Plumed serpent or waterfall of feathers, each can perceive these sculptures, of sometimes 3 meters 50 high, as he understands it, but everybody agrees on a point: it is fascinating.

Urge (2009), Photo : Tessa Angus courtesy of All Visual Arts

www.katemccgwire.com

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Steph Cop

SCULPTURE

Steph Cop Il est difficile de présenter Steph COP en quelques lignes, tant sa production et son histoire sont riches. Son actualité dépasse les frontières et les continents avec des projets d’exposition en Asie, en Europe et à travers toute la France.

Pour retracer rapidement son parcours, il serait difficile de ne pas mentionner ses débuts, dès 1986, en tant que membre actif du crew C.O.P (« Children Of Paris» ou « Control Of Paris ») composée de Joey Starr (futur membre du groupe de rap NTM) et de l’artiste newyorkais Meo. Après quelques années, Steph adopte le nom de Steph COP « Children Of Production », un nom qui reste une référence majeure dans la scène graffiti parisienne. Depuis le début des années quatre-vingt dix, Steph COP évolue en autodidacte et devient tour à tour styliste (Homecore et Grafik design), graphiste et Toy designer. En 2002, l’artiste développe un nouveau concept, le A.R.O (Analysis, Reflexe, Obsessed), matérialisé par 5 figurines éponymes dont chacune symbolise les sujets essentiels du concept. Ils sont les 5 Amis imaginaires. L’un de ces personnages est l’icône du travail de Steph COP depuis ses débuts.

www.fgfineart.com

It is difficult to present Steph COP in some lines, so his production and his story are rich. His current event exceeds the borders and the continents with projects of exhibition in Asia, in Europe and through all France.

To redraw quickly his course, it would be difficult not to mention his debuts, from 1986, as active member of the crew C.O.P («Children Of Paris» or «Control Of Paris») consisted of Joey Starr (the future member of the group of rap NTM) and of the New York artist Meo. After a few years, Steph adopts the name of Steph COP «Children Of Production», the name which remains a major reference in the scene graffiti Parisian. Since the beginning of the years ninety, Steph COP evolves in self-taught and becomes alternately stylist ( design Homecore and Grafik), a graphic designer and Toy designer. In 2002, the artist develops a new concept, the A.R.O (Analysis, Reflexe, Obsessed), realized by 5 eponymic figurines among which each symbolizes the essential subjects of the concept. They are 5 imaginary Friends. One of these characters is the icon of the work of Steph COP since his debuts.

More recently, after a return to basics, the meeting between the machine and the nature gives rise to Wooden ARO. Sculptured in the chain saw in various wooden essences (oak, walnut, lime tree), the ARO was born to be spread throughout the world and so pushes away the limits of the design of toys.

Exposition sur le port de Cannes du 29 Juin au 30 Aôut 2012.

Exposition Galerie David Bloch Marrakech Octobre 2012.

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Henrique Olivera

2.

3.

1.

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SCULPTURE ET INSTALLATION

5.

Henrique Olivera Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois Le bois est la matière de prédilection de l’artiste brésilien qui a su l’apprivoiser et lui donner vie. Olivera travaille le bois tranché, celui que l’on utilise pour les placages, juxtapose différentes essences de bois par couche, arrivant ainsi parfois à donner l’illusion d’une texture toute autre.

Sentiments contradictoires devant ces installations gigantesques.

Wood is the material of preference of the brazilian artist who knew how to tame it and give it life. Olivera works with clearcut wood, the one that we use for veneers, juxtaposes various wooden essences in layers, managing so sometimes to give the illusion of a texture quite other.

Contradictory feelings in front of these gigantic installations.

www.galerie-vallois.com

6.

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Henrique Olivera

SCULPTURE ET INSTALLATION

7.

1. Desnatureza 2011 bois, ciment, pigments, installation in situ 310 x 380 x 380 cm Crédits photos : Aurélien Mole Vue d’exposition, Galerie GP & N Vallois, Paris Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris

4. Boxoplasmose 2011 Bois 195 x 290 x 205 cm Crédits photos : Aurélien Mole Vue d’exposition, Galerie GP & N Vallois, Paris Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris

6. Tapumes - Casa dos Leões 2009 Bois, PVC et technique mixte Installation in situ Vue de l’installation à la VII Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brésil © photo : Eduardo Ortega Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris

2. Xilonoma Chamusquius 2010 Bois, bois brûlé, plâtre, pigments et éléments divers approx. 3 x 3 x 1 m © photo : Franko Khoury, National Museum of African Art Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris

5. The Origim of the Third World 2010 Bois, PVC, métal et technique mixte 4,9 x 45 x 5 m Vue de l’installation à la 29ème Biennale de São Paulo, São Paulo, Brésil Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris

7. Bololô 2011 Bois, PVC et technique mixte Vue de l’exposition personnelle au Smithsonian National Museum of African Art, Washington DC, USA Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris

3. Abcesso de Beco 2011 ciment, mousse, polystyrène, fibre de verre, bois, métal, stuc Favela da Maré, Rio de Janeiro, Brasil 500 x 350 x 180 cm Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris

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Copyright © Studio Erick Saillet

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Jeff Nishinaka

Peninsula Chicago Dragon

SCULPTURE

Credit Suisse Baidu

Nis

Jeff Nishinaka Quand le papier prend vie ...

When paper takes life ...

Oubliez donc les cocottes, les avions en papier, et même les origamis…

Nous vous présentons Jeff Nishinaka, un véritable sculpteur de papiers.

Forget paper hens, paper planes, and even origamis … We introduce you Jeff Nishinaka, a real paper sculptor.

Originaire de L.A., il se destine au départ à la peinture quand sa rencontre avec le paper art est une révélation. Il n’aura de cesse durant les trente années suivantes de perfectionner son art, d’apprivoiser le papier afin de lui donner littéralement vie.

Jeff Nishinaka, fort d’une maîtrise exceptionnelle, joue avec l’ombre et la lumière, et nous propose des réalisations 3D aussi délicates que spectaculaires.

Native of L.A., he intends himself at first for painting when his meeting with paper art is a revelation. He will have respite during the next thirty years to perfect his art, to tame the paper to give it literally life.

Jeff Nishinaka, with a wealth of exceptional experience, plays with shade and light, and proposes us 3D realizations so delicate and spectacular.

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Jeff Nishinaka

SCULPTURE

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Slinkachu 1.Goodbye Metropolis, London, 2008 Continuous tone Lambda C-type print on Fuji Crystal Archive matte paper 80 x 120 cm (31 ½ x 47 in) Also available in an edition of 15, 53 x 80 cm (21 x 31 1/2 in) 2. Boys Own Adventures, 2011 Continuous tone Lambda C-type print on Fuji Crystal Archive matte paper 80 x 120 cm (31 1/2 x 47 in) Also available in an edition of 15, 53 x 80 cm (21 x 31 1/2 in) 3. Background Noise, 2010 Continuous tone Lambda C-type print on Fuji Crystal Archive matte paper 53 x 80 cm (21 x 31 1/2 in) 4. Swashbuckling, 2010 Continuous tone Lambda C-type print on Fuji Crystal Archive matte paper 80 x 120 cm (31 1/2 x 47 in) Also available in an edition of 15, 53 x 80 cm (21 x 31 1/2 in) and an edition of 3 on aluminium, 180 x 120 cm (80 x 47 1/4 in).

5. Damn Kids, 2011 Continuous tone Lambda C-type print on Fuji Crystal Archive matte paper or dibond Available in 3 sizes: 53x80cm, 80x120cm, 120x180cm (mounted on aluminium) 6. The Last Resort, 2011 Continuous tone Lambda C-type print on Fuji Crystal Archive matte paper 80 x 120 cm (31 1/2 x 47 in) Also available in an edition of 15, 53 x 80 cm (21 x 31 1/2 in) and an edition of 3 on aluminium, 120 x 180 cm (47 1/4 x 80 in).

7. Overpowered, London, 2009 Continuous tone Lambda C-type print on Fuji Crystal Archive matte paper Edition of 5, Signed 1.

© Slinkachu

© Slinkachu

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© Slinkachu

© Slinkachu

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PHOTOGRAPHIE

© Slinkachu

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Slinkachu Small World

© Slinkachu

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L’art de la miniature contextuelle dans la rue. Slinkachu vous propose de voir ce que vous ne prenez pas le temps de voir, ce qui se passe à vos pieds, attention objets fragiles !

Slinkachu est un artiste anglais basé à Londres et originaire de Devon. Il peint des personnages miniatures, travaille une mise en scène dans la rue, puis prend en photo son théâtre microscopique.

Slinkachu nous offre des scènes de vie quotidienne, ironiques, drôles ou mélancoliques toujours en rapport direct avec le contexte et l’environnement minuscule choisi pour décor. Les personnages utilisés sont à l’origine crées pour les décors de trains miniatures. Il les repeint, puis y ajoute des accessoires et leur donne vie dans nos villes.

http://slinkachu.com

The art of the contextual miniature in the street.

Slinkachu suggests you seeing what you do not take time to see, what takes place in your feet, attention fragile objects!

Slinkachu is an English artist based in London and native of Devon. He paints miniature characters, works a direction in the street, then photographs his microscopic theater.

Slinkachu offers us ironic, funny or melancholic, everyday scenes of life always in direct relationship with the context and the tiny environment chosen as decoration. The used characters are originally create for the decorations of toy trains. He repaints them, then adds it accessories and gives them life in our cities.

www.andipa.com

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Fabien Didelot

PHOTOGRAPHIE

kalchnika toy light

Fabien Didelot

Toys Trust ou « L’inquiétante étrangeté » Les jouets, les objets liés à l’enfance, sont les mobiles des créations présentées par Fabien Didelot ici. Les sujets représentés sont liés à l’expérience faite par l’adulte concernant la réappropriation des icones et des jeux d’enfants.

Dans le monde adulte, l’enfant spontané est annulé (game over).Mais des icones s’invitent perpétuellement entre le flash back publicitaire, les jeux vidéo, le cinéma, le souvenir.

C’est cette frontière entre rêve et réalité, entre idéal et manipulation, entre naïveté et provocation que l’artiste cherche à exprimer. Dans cet univers plusieurs générations d’icônes se télescopent, la porcelaine de Limoges ou les poupées folkloriques se confrontent aux jouets contemporains.

L’atmosphère parfois inquiétante et étrange qui domine exprime ce double état d’adulte /enfant, et cette suspension temporelle est renforcée par l’usage systématique d’un fond noir. Enfin, par le surdimensionnement de certains objets, les polarités s’inversent, et le jouet vient dominer le joueurspectateur.

catcher123web

Toys, objects connected to the childhood, are the mobiles of the creations presented by Fabien Didelot here. The represented subjects are bound to the experience made by the adult concerning the reappropriation of icones and children’s games.

In the grown-up world, the spontaneous child is cancelled. But icons invites itself perpetually enter the back advertising flash, the video games, the cinema, the memory.

It is this border between dream and reality, between ideal and manipulation, between naivety and provocation that the artist tries to express. In this universe several generations of icons crumple up, the china of Limoges or the folk dolls confront with the contemporary toys.

The sometimes disturbing and strange atmosphere which dominates expresses this adult’s double state / child, and this temporal suspension is strengthened by the systematic use of a black bottom.

Finally, by the oversizing of certain objects, polarities is reversed, and the toy comes to dominate the player-spectator.

http://fabiendidelot.jimdo.com evolution toyweb

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JeanJacquesBernard

Le salon bleu (2010), 73x110cm

Tokyomotion 1(2012), 53x80cm Indian Tonic (2009), 73x110cm

Workmobile (2010), 73x110cm

Les Baigneurs (2010), 73x110cm

PHOTOGRAPHIE

Workmobile (2010), 73x110cm

JeanJacquesBernard fine street-photography La street-photography connaît aujourd’hui un réel renouveau. Jean Jacques Bernard nous en livre une expression graphique, nerveuse, picturale, humaniste et assez personnelle, qui lui vaut une reconnaissance grandissante.

Revisitant ‘’l’instant décisif’’ au cœur des plus grandes mégapoles du monde, il fait, d’instants quotidiens, des tableaux presque échappés du réel.

De New York à Bombay, ses ‘’lieux communs en couleur’’ sont autant de témoignages d’un monde en mouvement. Ils font l’objet de publications (Polka, M3,…), et sont exposés en galerie (Galerie Comtesses -Lyon).

The renewed interest for street-photography is today obvious. Jean Jacques Bernard’s graphic, nervous, colorful, human and somewhat personal take on it, is the foundation of his growing success.

By revisiting the « decisive moment » in the world’s largest metropolis, he creates almost surreal compositions from everyday instants.

From New York City to Mumbai, his « lieux communs en couleur » (colorful common grounds in both a geographical and cultural sense) are the testimonies of a perpetually evolving world. His work, several times published (Polka, M3,…), is exposed in galleries (Comtesses gallery in Lyon).

www.jeanjacquesbernard.com

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Maud Remy-Lonvis

Maud Rémy-Lonvis Agence Iko-Paris.

PHOTOGRAPHIE

Maud Rémy-Lonvis Agence Iko-Paris.

Maud Remy Lonvis Née en bourgogne en 1988, Maud RémyLonvis a décidé de se consacrer pleinement au noble domaine de la photographie de nature morte. En effet, cette jeune photographe, fraîchement diplômée de l’école des Gobelins aime à s’attarder sur la beauté des objets.

Simples ou complexes, derrière son objectif, ils se transforment pour montrer leurs plus belles robes. À la fois méditatif et minimal, son travail recèle de références au minimalisme ainsi qu’au constructivisme. Sans fioritures, ses photographies de natures mortes sont marquées par une obsession de la simplicité, un dépouillement recherché, faisant la part belle à la symétrie et aux compositions structurées. Le tout mis en exergue par une lumière subtile et élégante.

Born in Burgundy in 1988, Maud RémyLonvis decided to dedicate herself completely to the noble domain of the photography of still life. Indeed, this young photographer, freshly awarded a diploma by the school of Gobelins likes lingering over the beauty of objects.

Simple or complex, behind her objective they are transformed to show their most beautiful dresses. At the same time meditative and minimal her work conceals of references to the minimalism as well as to the constructivism.

Unadorned, her photos of still lives are marked by an obsession of the simplicity, a popular perusal, giving a good place to a symmetry and to structured compositions. The whole highlighted by a subtle and elegant light.

www.maudremylonvis.com

Maud Rémy-Lonvis Agence Iko-Paris.

Maud Rémy-Lonvis Agence Iko-Paris.

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Bruno Calendini

PHOTOGRAPHIE

Bruno Calendini C’est adolescent que Bruno Calendini se passionne pour la photographie, attiré alors par toutes les possibilités qu’offre un appareil photo. Vers la vingtaine, il se décide à en faire son métier. D’abord assistant photo, il travaille dans des milieux très variés, mode, presse, télé, musique, une diversité qui lui permet de maîtriser toutes les facettes du métier.

It is adolescent that Bruno Calendini likes the photography, attracted then by all the possibilities that camera offers. Towards about twenty, he decides to make photography his business. At first photograph assistant, he works in circles highly varied, fashion, press, TV, music, a diversity which allows him to master all the facets of the job.

C’est en travaillant pour un tour opérateur que le phoWhile working for a tour operator the photographer tographe découvre l’Afrique, « un choc » selon ce dernier, discovers Africa, “a shock” according to him, fascinated passionné depuis toujours par la vie sauvage. for a long time by wild life.

Dans cette série, Bruno Calendini dépasse la simple photo animalière, aborde son sujet comme une personne et en fait son portrait. Une véritable déclaration d’amour à la nature, un résultat magnifique et captivant

In this series, Bruno Calendini exceeds the simple animal picture, approaches his subject as a person and makes its portrait there. A real declaration of love for nature, a magnificent and fascinating result.

www.calendini.com

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bulthaup b3 suit des convictions, et non des tendances éphémères. bulthaup unit précision et cuisine hautement personnalisée.

L’amour du détail joue un rôle tout aussi important que le concept architectonique global, ce qui fait de chaque cuisine bulthaup une œuvre absolument unique, pour un travail sur mesure authentique, parfaitement adapté à l’espace et à tous ses occupants.

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kva 36 rue Auguste Comte 69002 Lyon Tél. : 04 78 38 23 19 bulthaup-lyon@orange.fr

Gilles Barbier

SCULPTURE ET INSTALLATION

Gilles Barbier Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois Né en 1965 au Vanuatu (Pacifique Sud), Gilles Barbier vit et travaille à Marseille.

Born in 1965 in Vanuatu (South Pacific), Gilles Barbier lives and works in Marseille.

Les super-héros ont alimenté plusieurs générations d’artistes américains et français depuis les années 60, animés plus ou moins de bonnes intentions. Ici Gilles Barbier tourne en dérision le mythe de nos héros de jeunesse, détournant les codes des personnages de cet univers manichéen et fantasmatique, s’amusant ainsi à désacraliser les super-héros. Relégués à un état d’être de chair et de sang, ceux-ci vieillissent, oubliés et grabataires au fin fond d’un hospice.

The super-heroes fed several generations of American and French artists since the 60s, livened up more or less good intentions. Here Gilles Barbier shoots in mockery the myth of our youth heroes, diverting the codes of the characters of this Manichean and fantastical universe, so enjoying destroying the sacred aura of the super-heroes. Relegated to a state to be of flesh and blood, these age, forgotten and bedridden invalids in the depths of a home.

Gilles Barbier L’Hospice, 2002 Six personnages de cire, éléments divers Dimensions variables Collection Martin Z. Margulies, Miami, Etats-Unis Courtesy Galerie GP & N Vallois

www.galerie-vallois.com

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Ice Scream Man

ART TOYS

Ice Scream Man Art Toys Diplômé de design industriel, Ryan Rutherford sort une nouvelle série limitée de jouets sucrés tout en présentant sa nouvelle société, Brutherford Industries, fondée en 2011.

Brutherford Industries est une fabrique d’objets amusants et de sculpture Pop. A graduate of industrial design, Ryan Rutherford released a new limited set of sweet toys introducing his new company, Brutherford Industries, founded in 2011.

Brutherford Industries is a manufacturer of fun objects and Pop sculpture

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Caroline Baup

Caroline Baup Formée aux Arts Plastiques à l’atelier de Sèvres, Caroline Baup poursuit ses études artistiques à l’école d’Architecture de Paris. Sa rencontre avec la passementerie a lié et inspiré plus de 10 ans de collections dans l’industrie textile stéphanoise et lyonnaise.

Magnétisée par les enseignes lumineuses urbaines, pour leur attrait esthétique et le message subliminal qu’il nous impose., l’artiste plasticienne imagine et façonne le néon, qu’elle inclut aujourd’hui dans ces œuvres en référence à ce langage dans l’espace public.

Ces ponctuations lumineuses représentent des symboles, des mots, des fragments de phrase, des signes ou des formes visuelles universelles à l’instar des enseignes urbaines.

Caroline Baup s’efforce de montrer avec esthétisme et intensité visuelle, la charge émotionnelle de l’homme comme ses désirs, ses craintes, ses forces et ses doutes.

Au-delà de l’aspect graphique et séduisant, les oeuvres lumineuses de Caroline Baup constituent de nouveaux codes dans l’espace urbain et nous rappellent l’importance des valeurs humaines.

INSTALLATION

Formed in the Plastic arts to the studio of Sèvres, Caroline Baup pursues her artistic studies to the school of Architecture of Paris. Her meeting with the braid bound connected and inspired more than 10 years of collections of St Etienne and Lyon textile industry.

Magnetized by the urban neon signs, for their aesthetic charm and the subliminal message which it imposes us. The plastic artist imagines and shapes neon, which she includes in these works in reference to this language in the public place today.

These bright punctuations represent symbols, words, fragments of sentence, signs or universal visual forms following the example of the urban brands.

Caroline Baup tries hard to show with aestheticism and visual intensity, the emotional load of the man as his desires, his fears, his strengths and his doubts.

Beyond the graphic and attractive aspect, Caroline Baup’s bright works establish(constitute) new codes in the space and remind us the importance of the human values.

www.carolinebaup.com

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ROCK’HOUSE - SURPRISE LYON 2 eme Arrondissement

Quartier Auguste Comte Antiquité, de décoration, de galerie, de mode, de métiers d’art… le quartier Auguste-Comte, grâce à son évolution permanente et à l’excellence des savoirfaire, reste une référence.

Antique, decorative, gallery, fashion, crafts ... Auguste Comte district, with its constantly changing and the excellent know-how, remains a benchmark.

Retrouvez le “Tapis Rouge“ by Art’s Vice

le jeudi 4 octobre

AsV

by Art’sVice©

O C T O B R E

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les 4/5/6 2012 Otobre 2012 Inauguration, Soiree du Jeudi 4 Octobre

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Jeremy Everett

PORTRAIT

Jeremy Everett À l’occasion de ses multiples déplacements, Jeremy Everett enterre des dessins, qu’il va déterrer ensuite au bout d’un certain temps. Ce procédé l’aide à créer ce qu’il appelle des decay drawings, c’est-à-dire des dessins de décomposition. Il lui arrive aussi de plonger des journaux et des magazines dans des produits chimiques visqueux, où ils se transforment en oreillers aux formes cristallines. Ou encore, il frotte à la main des feuilles de vinyle avec des couleurs d’imprimerie (CMJN) pour en faire des tentures murales. Son exposition personnelle à la galerie Andrew Edlin (Buried Sky) et les œuvres qu’il a présentées à l’ASS (Asian Song Society) de Terence Koh ont donné un aperçu des divers procédés formels qui constituent ce que l’on pourrait appeler l’art terrestre transcendant d’Everett, un art qui transforme toutes sortes de feuilles par la médiation de la terre et de la chimie. Mais cet art comporte aussi une dimension tragique, car l’immersion à cœur de ces feuilles leur donne une transcendance qui évoque la métamorphose de la chrysalide. Du moins le titre Buried Sky (Ciel enterré) peut-il le laisser penser. Les objets, devenus des vestiges de ce qu’ils étaient, obligent le spectateur à imaginer de nouvelles interprétations.

During his traves here and there, Jeremy Everett buries pictures in the ground. After certain periods of time, he digs them up. This process helps him make what he calls decay drawings.

He also submerges newspapers and magazines in chemical goop, transforming them into crystalline-looking pillows. He handrubs sheets of vinyl with printer’s CMYK color to make varieties of wall hangings. Buried sky Everett’s solo exhibition at Andrew Edlin Gallery, and his pieces at Terence Koh’s ASS (Asian Song Society) brought together all of his various formal processes into what might be called a transcendent earth art, in which earth and chemistry transform varieties of sheets. But there’s a streak of tragedy in Everett’s art, relating to the hardcore immersion of these sheets, which achieve a chrysalislike transcendence. At least, that’s what the title Buried Sky suggests. The objects become remnants of their former selves, forcing their viewers to conjure up new interpretations.

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Philippe Pastor

PEINTURE

2.

1. Philippe Pastor, Bleu Monochrome, N° 12 013 BM, technique mixte sur toile, 2012 - 130 x 162 cm 2. Philippe Pastor, Bleu Monochrome, N° 12 017 BM, technique mixte sur toile, 2012 - 130 x 162 cm

1.

Phillipe Pastor Bleu Monochrome « La force de l’artiste monégasque Philippe Pastor et de son œuvre réside en sa capacité à se renouveler constamment tout en gardant une ligne artistique et philosophique majeures qui mène l’artiste et son public dans des questionnements subtils et significatifs sur la vie et sur l’art. Depuis de nombreuses années, la recherche de ce peintre international, se joue autour d’une réflexion profonde des rapports établis entre l’homme et son environnement naturel et existentiel. A travers des séries évoluant sans cesse avec les médiums, les formats, les messages de cette peinture informelle, emplie de sens et de matières, le peintre entre en résonance avec le Tout qui nous entoure, nous contient, nous repousse ou nous attire. L’engagement pour la Nature, figurée à travers l’œuvre, est prégnant à chaque instant, au centre et de tous côtés du support. Les œuvres de Philippe Pastor sont là pour indiquer une voie de rédemption.

La série exposée, intitulée Bleu Monochrome, se compose d’un corpus de toiles, qui dans leur richesse et leur puissance évocatoire, invite le regardeur à rejoindre au plus près les préoccupations de l’artiste mais également à agir, par le regard et la prise de conscience. Il s’agit d’une quête de l’essence même des éléments et de leur portée. Les compositions de bleu outremer ou de cobalt, nourries de matières brutes, de pigments, de complexes combinaisons, figent le temps et les énergies telluriques perceptibles. » Rodolphe Cosimi, critique d’art.

«The strength of the Monaco artist Philippe Pastor and his work lives in his capacity to be constantly renewed while keeping an artistic and philosophic line major which leads the artist and his public in subtle and significant questionings on the life and on the art. For several years, the research for this international painter, takes place around a deep reflection of relationships established between the man and its natural and existential environment. Through series evolving ceaselessly with mediums, sizes, messages of this informal painting, filled with sense and with materials, the painter starts resonating with the Whole which surrounds us, contains us, pushes away us or attracts us. The commitment for the Nature, represented through the work, is pregnant all the time, in the center and on all sides of the support. Philippe Pastor’s works are there to indicate a way of redemption.

The exposed series, entitled Monochrome Blue, consists of a linen corpus, which in their wealth and their power evocative, invites the visitor to join in closer the concerns of the artist but also to act, by the glance and the awareness. It is about a quest of the essence of elements and about their impact. The compositions of blue ultramarine or of cobalt, fed by raw materials, by pigments, by complex combinations, stop the time and the perceptible telluric energies.»

Rodolphe Cosimi, art critic.

www.monacomodernart.mc

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Geraldine Danon

PORTRAIT

Si vous étiez un… ARTISTE. Matisse Si vous étiez un… TABLEAU. « l’origine du monde » de Gustave Courbet Si vous étiez un… COURANT ARTISTIQUE. Le fauvisme Si vous étiez une… GAMME DE COULEUR. Du orange au pourpre Si vous étiez un… VICE. La curiosité

Géraldine Danon Géraldine Danon réussit tout ce qu’elle touche et jongle avec élégance entre plusieurs identités. Passionnée de cinéma depuis sa plus tendre enfance, elle suit son père sur les tournages et passe de longues heures à observer ces acteurs auxquels elle rêve de ressembler.

Géraldine Danon makes a success of all that she touches and juggles with elegance between several identities. Fascinated by cinema since her earliest childhood, she follows his father on the shootings and spends of long hours to observe these actors whom she dreams to look like.

A 13 ans, elle tourne son premier film aux côtés de Michel Serrault, puis enchaîne les premiers rôles avec pour partenaires, Gene Hackman, Jeanne Moreau, Michel Piccoli, Jacques Villeret, Mikhaïl Baryschnikov. Elle tourne avec les plus grands en Espagne, aux Etats-Unis, en Italie, et peut ainsi concilier son métier avec sa passion du voyage qui l’anime depuis toujours.

At the age of 13, she shoots her first movie beside Michel Serrault, then chains the main roles with for partners, Gene Hackman, Jeanne Moreau, Michel Piccoli, Jacques Villeret, Mikhaïl Baryschnikov. She shoots with the biggest in Spain, in the United States, in Italy, and can so reconcile her job with her passion of the journey which livens up her for a long time.

En 2000, elle reprend le Ciné 13 de Claude Lelouch qu’elle transforme en théâtre. Elle y produit une cinquantaine de spectacles et y joue chaque soir pendant plus de trois ans. En 2005, la comédienne épouse Philippe Poupon et donne naissance à deux petites filles qui viennent tenir compagnie au petit Loup qu’elle a eu avec Titouan Lamazou.

In 2000, she takes back Le Ciné 13 of Claude Lelouch which she transforms into theater.

Sheproduces about fifty entertainments there and plays it every evening during more than three years. In 2005, the comedienne marries Philippe Poupon and gives rise to two girls who come to hold company the small Loup which she had with Titouan Lamazou.

Ils se lancent alors un challenge insensé : partir à la conquête des pôles avec leurs quatre enfants. Une expédition de trois ans qui les mène de l’Arctique à l’Antarctique afin de prendre le pouls de la planète et sensibiliser le plus grand nombre à la protection des océans. C’est l’occasion pour Géraldine de passer de l’autre côté de la caméra et de renouer avec l’écriture.

They dash then an insane challenge: set out to conquer poles with their four children. An expedition of three years which leads them from the Arctic to Antarctica to take the pulse of the planet and make sensitive the largest number in the protection of the oceans. It is the opportunity for Géraldine to pass on the other side of the camera and to take up with the writing.

Elle rapporte de cette extraordinaire odyssée neuf films de 52 minutes produits par Gédéon et trois livres publiés aux éditions Flammarion, qui lui valent dans la presse le titre de Jack London au féminin. C’est tout naturellement qu’elle se lance aujourd’hui dans la mise en scène en réalisant un film sur celle qu’elle a bien connue et qu’elle admire depuis toujours, Romy Schneider.

She reports of this extraordinary odyssey nine movies of 52 minutes produced by Gédéon and three books published in the editions Flammarion, which are worth to her in the press the title of Jack London in the feminine. It is quite naturally that she dashes into the direction today by realizing a movie about the one that she knew well and what she admires for a long time, Romy Schneider.

Hyperactive, perfectionniste et vibrante de sincérité, Géraldine Danon a osé et réussi son défi fou. Femme singulière aux passions plurielles, elle prouve aujourd’hui qu’on peut faire cohabiter aventure, littérature et cinéma et conjuguer plusieurs vies sans pour autant perdre son identité.

Elle est le symbole de la liberté, du courage et du talent.

Hyperactivate, perfectionist and vibrating of sincerity, Géraldine Danon dared and made a success of his crazy challenge. Singular woman in the plural passions, her proves today that we can make live adventure, literature and cinema and conjugate several lives without losing her identity. It is the symbol of the freedom, the courage and the talent.

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Affiches Minimalistes

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Affiches Minimalistes A trend spread in the graphics : the reinterpretation of posters of movies or series with a Une tendance répandue dans le graphisme : la réinterprétation d’affiches de films ou de séries avec un traité minimaliste. Avec très peu d’éléments, plusieurs graphistes, en dignes minimalist treaty. With very few elements, several graphic designers, in deserving heirs of Saul héritiers de Saul Bass dans les années 50, représentent une œuvre qui souvent est réduite à Bass in the 50s, represent a work which often is reduced to a only symbol. un unique symbole.

GRAPHISME

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1. Olly Moss - Dirty Harry

2. Albert Exergian - Mac Guyver

3. Alex Eylar - Matrix

4. Boris Lechaftois - Monstres & Cie

5. Boris Lechaftois - Ratatouille

6. Corey Holms - The Birds

7. Daniella Maria Echeverria - Full Metal Jacket

8. Hexagonal - Seven

9. Jamie Bolton - Jurassic Park

10. Albert Exergian - Miami Vice

11. Pedro Vidotto - Pulp Fiction

12. Moxy Creative - Las Vegas Parano

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Kobi Levi

DESIGN

Kobi Levi FEET’ICHISTE Designer diplômé en 2001 de l’académie de Jérusalem d’art et de design, Kobi Levi s’oriente très vite dans la conception de « chaussures artistiques ». Des modèles uniques tous plus fous les uns que les autres, fabriqués à la main, décalés, drôles.

Ses créations qui bousculent les codes sont portables mais non destinées à la vente, elles sont exposées, comme des œuvres d’art.

Kobi Levi a crée un nouveau genre : la concept shoe.

Designer awarded in 2001 of the art and design academy of Jerusalem, Kobi Levi turns very fast in the conception of « artistic shoes «. Unique models that are all more crazy some than the other, hand made, moved, funny.

His creations which push aside the codes are wearable but not intended for sale, they are exposed, as works of art.

Kobi Levi has created a new genre: the concept shoe.

www.kobilevidesign.com

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SItUAtIon DE LA VILLA DAR MESSI À 10 min à peine de la place Djemaa El Fna et à seulement 3 minutes des prestigieux golfs d’Amelkis, Royal Golf et Al Maaden, la Villa jouit d’une situation idéale, tant pour les amateurs d’excursions que de farniente.

D’une superficie d’environ 1 200 m², La Villa DAR MESSI peut accueillir confortablement jusqu’à 14 personnes réparties dans les 7 très belles suites avec salles de bains.

Depuis ses nombreuses terrasses, sa piscine à débordement, son hammam traditionnel, sa salle de Fitness et sa salle de Massage, vous pourrez profiter pleinement des joies de cette splendide villa de très haut standing.

LUXE, cHARME, VoLUpté & GoLF BIEnVEnUE DAnS LE RÊVE À MARRAKEcH

03 84 27 53 80

À 3 min. des golfs Royal, Almekis et Al Maaden

www.darmessi.com VILLA DAR MESSI

LocAtIon DIREctE pRopRIétAIRE Tél. (France) : +33 (0)6 23 18 68 19 - Tél. (Maroc) : +21 264 611 57 33 marczenou@orange.fr

Ora Ito

UFO - Ora Ito - Citroen

UFO - Ora Ito - Citroen

www.ora-ito.com

UFO - Ora Ito - Citroen

UFO - Ora Ito - Citroen

UFO - Ora Ito - Citroen

DESIGN

UFO - Ora Ito - Citroen

Ora Ito Compression d’une Citroën DS ? Soucoupe volante ?

Savant mélange des deux, et mutation génétique selon son créateur.

Compression of Citroën DS? Flying saucer?

A subtle mix of both, and genetic mutation according to his creator.

Tout droit sorti d’un film de science fiction, dans la continuité de sa grande sœur EVO, voici UFO, dernier concept car sans roue, né de la collaboration entre la célèbre marque aux chevrons et le designer Ora Ito.

Just taken from a science fiction film, in the continuity of her big sister EVO, here is UFO, last concept car without wheel arisen from the collaboration between the famous brand with chevrons and the designer Ora Ito

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Arrivetz

PUBLI-REDACTIONNEL

ARRIVETZ Richard Sansavini temple du design Figure incontournable du mobilier contemporain, la maison Arrivetz fait rêver les lyonnais depuis 1968. Sa réputation n’a désormais plus de frontière et séduit un public de plus en plus large et venant de tous les horizons.

De Le Corbusier à Philippe Starck, en passant par Charles Eames et Jean Marie Massaud, tous les grands designers se côtoient au sein de ce véritable temple du design, figure de proue de la décoration lyonnaise. Richard Sansavini, Pdg de la société Arrivetz et passionné depuis bientôt 23 ans raconte : “La magie de notre profession est de pouvoir découvrir des trésors de créations, inaccessibles au grand public, bien souvent en édition ultra limitée, que j’aime acquérir avec toute l’envie et l’admiration qu’un véritable collectionneur éprouve au contact d’une œuvre d’art.”

La Collection Privée Arrivetz a la chance de posséder aujourd’hui quelques pièces magiques qui n’existent plus, dont 3 me sont particulièrement chères : • En 2011, Gaetano Pesce, designer italien mythique, crée à l’occasion des 150 ans de réunification de l’Italie, 61 tables Sessantuna reprenant les 61 « états-provinces » avant la réunification du pays.

Ornées du célèbre drapeau vert-blanc-rouge, chaque table est une pièce unique. Mises côte à côte, elles forment l’Italie. J’ai eu eu la chance de pouvoir acquérir celle de la région d’Emilie-Romagne dont je suis originaire.

• Le fauteuil Proust d’Alessandro Mendini, a été revisité par son créateur lors d’une série limitée. 52 exemplaires ont été entièrement peints à la main par l’artiste, dont un m’a été généreusement offert.

Véritable œuvre d’art, ce fauteuil est devenu à la fois un objet design mais aussi une véritable peinture de maître que je conserve jalousement.

• Shiro Kuramata, designer japonais, crée en 1986 How High The Moon, fauteuil « club » d’inspiration cubique. D’un matériau lourd comme l’est le fer, il le transforme en véritable dentelle qui confère à ses formes une immatérialité, une brillance et un sentiment d’inaccessibilité qui rappelle la beauté de la Lune.

Merci à vous, Créateurs, Inventeurs et Artistes. Notre admiration n’exprimera jamais la grandeur de votre Art.

les meubles pour la page de droite sont des meubles TRESSERRA.

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Lamborghini Yacht

YACHT

Lamborghini Yacht Un concept original imaginé par l’artiste italien Mauro Lecchi avec ce luxueux yacht, long de 15 mètres, pour la marque Lamborghini. Un travail sur la forme qui s’inspire du modèle de la voiture Reventon.

An original concept imagined by the Italian artist Mauro Lecchi with this luxurious yacht, 15 meters long, for the brand Lamborghini. A work on the shape which is inspired by the model of the car Reventon.

Wally Hermes Yacht

YACHT

Wally Hermes Yacht Une initiative rare : deux marques de luxe qui s’associent pour en créer une nouvelle : Why. La maison Hermès qu’on ne présente plus, s’est ajoutée à Wally, designer-constructeur de yacht italien, pour mettre au monde un yacht proche de la science-fiction.

58m par 38m, sur 3 niveaux, pour 12 personnes et 20 d’équipages, 3400m² de surface habitable, une piscine de 25m de long, Why est du grand luxe.

A rare initiative: two luxury brands which join to create a new one : Why. The house Hermes whom we do not present any more, was added to Wally, designer-builder of Italian yacht, to bring into the world a yacht close to science fiction.

58m by 38m, on 3 levels, for 12 persons and 20 of the crews, 3400m² of living space, a swimming pool of 25m of length, Why is of the big luxury.

www.why-yachts.com

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Marina Bay Sands

HOTEL

Marina Bay Sands Singapore L’hôtel compte plus de 2500 chambres, offrant une vue spectaculaire sur la baie de Marina. Il abrite également une salle de conférence de 120 000 m², un centre commercial, six restaurants, de nombreux bars, un musée des Arts et des Sciences, deux théâtres et surtout, le grand casino de 500 tables de jeu et 1600 machines à sous.

Le plus surprenant reste bien évidemment la gigantesque terrasse de 12 400 m² et de 340 mètre de long, suspendue au-dessus des trois tours de 55 étages (200 mètres de haut).

En forme de bateau, le « Sands SkyPark » peut accueillir près de 3900 personnes.

Une piscine de plus de 150 mètres de long, soit trois fois la taille d’une piscine olympique, s’étend sur le toit du bâtiment.

The hotel counts more than 2500 rooms, offering a spectacular view on Marina’s bay. It also shelters a meeting room of 120 000 m ², a shopping mall, six restaurants, numerous bars, a museum of the Arts and the Sciences, two theaters and especially, the big casino of 500 gaming tables and 1600 gambling machines.

The most surprising rest naturally the gigantic terrace of 12 400 m ² and 340 meters long, suspended over three 55-storeyed towers (200 meters high). In the shape of boat, «Sands SkyPark» can welcome 3900 persons.

A swimming pool of more than 150 meters in length, is three times the size of an Olympic swimming pool, extends over the roof of the building.

www.marinabaysands.com

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Beautiful Nature – Amazing Places

© Istockphotos.

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© Istockphotos.

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Beautiful Nature Amazing Places Quand la nature donne naissance à des lieux de rêves, paradisiaques. Quand la nature est auteur d’une œuvre d’art…

When the nature gives rise to places of dreams, paradisiac. When the nature is an author of a work of art …

© Istockphotos.

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Beautiful Nature – Amazing Places

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© Istockphotos.

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© Istockphotos.

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1. Montagnes Tianzi en Chine.

5. Angel Falls au Venezuela.

2. Plitvice lakes en Croatie.

6. Le îles Phi Phi en Thaïlande.

3. The Wave, Arizona, Etats-Unis.

7. Angkor Vat, temple du complexe monumental d’Angkor au Cambodge.

4. Le lac Général Carrera au Chili.

8. Site naturel Pamukkale en Turquie.

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