DIRECCIÓN Oscar Daniel Alzate Pérez oscard_alzate@hotmail.com DIRECCIÓN DE ARTE Juan Felipe Osorio Betancur felipe-b16@hotmail.com JEFE DE REDACCIÓN Marco Antonio Mejía seas_of_jupiter@live.com Colaboración Alejandro Velez JEFE EDITORIAL Daniel Alejandro Yepes yepes-mtl@hotmail.com Dirección de artes y concepto gráfico Oscar Daniel Alzate Pérez Diseño Sebastian Moreno Cadavid Oscar Alzate Fotógrafos: Juan Felipe Osorio Betancur Camilo Hernández M Asistencia en fotografía: Toño Valderrama La revista Noise Armada no se hace responsable por las opiniones de los columnistas, como así tampoco por los conceptos vertidos por los entrevistados y auncios publicitarios Para mayor información de la revista búscanos en www.facebook.com/noisearmada
o en el correo noise-armada@hotmail.com
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MTV:
Pasado,
Por Juan Felipe Osorio
Años 90. Enciendes la tele y te dispones a ver horas y horas de videos musicales sin interrupción. ¿Y por qué no endulzar la tarde con algún cartoon de lo mas jocoso, quizás Beavis and Butt-head, o tal vez, para aquellos que disfrutan mas del humor inteligente, algo de drama juvenil con Daria? Pero esperen, siendo más exacto, esto se podía desde 1981, cuando “Video Killed the Radio Star”, de la agrupación The Buggles, dio inicio a una revolución musical y audiovisual, que cambiaria la forma de hacer música. Ya no solo era tener canciones y rotarlas en la radio, ahora también podías ofrecer algo mas, mostrar algo al público; y para ello nació MTV (acrónimo de Music Television), ese viejo canal que tanta diversión nos dio desde por allá a comienzos
presente,
¿futuro?
de los 80; pero más aún, a la generación x, quienes tuvieron el privilegio de vivir su apogeo, cuando podía encontrar en él, a cualquier hora del día, agrupaciones como The Smashing Pumpkins, Nirvana, System Of A Down, Linkin Park, Green Day, Gorillaz, e infinidad de bandas y bandas que durante horas y en constante rotación no dejaban de sonar en la tele. Por entonces podía decirse que MTV cambio al mundo de la música y dio a conocer bandas geniales que marcarían la infancia de muchos de nosotros, ¿pero qué pasa si nos venimos hacia el futuro y encendemos la tele ahora?: Adolescentes embarazadas, caricaturas de relleno (que más que divertir, cansan), italo-americanos cuya única preocupación es no dejar de festejar y actuar como
idiotas. ¿Y la música?, ¿dónde ha quedado?, ¿qué pasó con aquellas bandas que tanto nos gustan? Hasta donde yo sé, muchas de ellas aún tocan, Varias, incluso mejor que antes. ¿Hasta dónde fue MTV fiel a sus principios?, sinceramente quisiera regresar a los noventa, este horizonte para mí no depara nada. No sé si sea el encanto de lo retro o la obvia calidad del ayer, pero en lo que a mí respecta, MTV murió el día en que dejaron de ofrecer nuevas alternativas al público, y se dedicaron a llenar sus espacios televisivos con realities y series de relleno, como si hiciera falta más basura televisiva, ahora todo lo cursi tiene su representante.
MTV, por favor: + Música – televisión.
felipe-b16@hotmail.com
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Gloria Estela Laverde Somera
Y como cualquier gripa o cualquier ciclón, volvió la calma, se acabó la parranda desmedida, la tolerancia hipócrita, y claro, los corazones grandes con ganas de dar y dar. Vuelve la histeria de la rutina, la economía por el piso, la insuperable pelea con los nuevos precios y la felicidad cortada por el 5.8% mas para el mínimo. En noviembre fue la última vez que escuché decirlo: “Ponéme una de Red Hot”. Sí, era noviembre, tomábamos y escuchábamos hasta muy tarde a Red Hot Chilli Peppers y Pixes, buena música para cantar y hablar de nada; pero solo tenía 29 días noviembre, y llego el temido 12 del 2011. Sí diciembre, mes con 31 días de perdición, canciones corta venas, y otras cuantas que hacen perder la cabeza, y como epidemia del fin de la humanidad donde se hace irreconocible lo que es la gente y lo que somos a veces. ¡Oh, bullicio decembrino!, ese que por todo el mes lo tenemos y no extrañamos el resto de los días. Pero el caso aquí es que sí se pasa bueno, se invita mucho, se goterea también, se le habla al enemigo, se olvida que en enero también se come; y claro, que el resto del año se hizo dieta. Buena época, pero no, no me gusta; odio los villancicos a las
LA GRIPA
DE FIN DE
AÑO
nueve de la mañana, el marrano en todas las comidas, y aunque no tengo nada contra Octavio Mesa, también he aprendido a odiar al arriero con más de tres reproducciones seguidas. Y si me preguntan “¿entonces, que cambiaría?, pues paradójicamente nada, nunca pensaría en ponerle el doble de días a noviembre ni mucho menos seguir derecho hasta enero. Me gusta odiar este mes, amo las vacaciones que provoca, me gusta reírme de los nuevos borrachos, y cómo negar lo mucho que me gusta escuchar “Faltando Cinco para las 12”, esa misma y viral tonada que automáticamente llena de lagrimas los ojos, y como imán, pega a la gente de sus padres. Y sí, era 27 de diciembre, la última vez que escuché “pásame otro” a las ocho de la mañana a son del aguardientero. Qué lejano suena, y que reconfortante saber que estamos a 11 meses de volverlo a escuchar. Algunos lo extrañan, otros vuelven sin saber que pasó, y otros, como yo, aunque disfrutaron odiando el mes de los excesos, damos gracias de volver a pedir Radiohead sin recibir una mirada de extrañeza a cambio. Entonces, con una sonrisa y alegría de enero; para todos, un feliz y rockanrolero 2012.
glorialavsome@msn.com
¿Qué pasa cuando cinco amigos se juntan para tocar y cantarle a aquello que más les gusta?, pues nace una de las propuestas más solidas de la escena local. Se trata de Fuerza de Voluntad una agrupación de hardcore melódico de la ciudad de Medellín conformada por Sebastián Ortiz (guitarrista), Simón Hoyos (bajista), Luisa Restrepo (vocalista), Sergio Adarve (guitarrista) y Daniel Giraldo (baterista); un parche de amigos que se junto a tocar hace cinco años, y desde entonces no han parado. Con un demo, lanzado en 2008, y un EP titulado “Un Nuevo Comienzo” (2011), han dejado en alto que más que un nombre, Fuerza de Voluntad es lo que ellos tienen y que no piensan parar. Influenciados principalmente por circunstancias y personas, canciones como “El Mundo En
Mis Manos” o “Un Nuevo Comienzo”, son un buen abrebocas de lo que es Fuerza de Voluntad; pero más allá de los audios, de los EPs o videos, la agrupación es una experiencia que hay que vivirla para entender el mensaje. Verlos en vivo es sentir la explosión de una tarima, que al ritmo de las guitarras y con la potente voz de su vocalista, canta desgarradoramente buscando grabar su mensaje en tu cerebro. Con una amplia trayectoria que incluye conciertos como “La Real Academia del Punk” junto a agrupaciones como The Pantz69, Ícaro, y Código Rojo, e inclusive su paso por las eliminatorias del Festival Altavoz 2011; Fuerza de Voluntad ha demostrado que durante estos años que llevan en escena, han crecido como banda y fortalecido ese lazo que los mantiene unidos: La Amistad.
Han tocado junto a diversas agrupaciones de la ciudad como En Contra de Todo, Maniatikatz, Bankrrota, Hialina, Lealtad x Convicción, y La Mojiganga
Foto por Camilo Hernández M.
“Cuentan con un demo lanzado en el 2008 y un EP del 2011 titulado “Un Nuevo Comienzo”“
La sensación de estar escribiendo el título de la entrada, tras la larga ausencia de los dioses vikingos, es sin duda reconfortante. Volvemos a respirar el hedor de sangre y dolor de los pueblos devastados a su paso, las hojas están más afiladas que nunca, y las puertas del Valhalla se han abierto de para darte paso a un nuevo álbum. Los suecos encarnan en esta entrega al soberano de Muspelheim, líder de los gigantes de fuego; aquél que en el fin del mundo avanzó con sus hordas a través del viento austral para aplastar a las divinidades. Amon Amarth se sirve de la historia de Surtur, que con su negra lengua de fuego hizo arder los nueve mundos, repartiendo muerte a dioses y humanos por igual.
C
omo si de una visión se tratase, “War of theGods”, el primer tema del álbum, avanza raudamente como un ardiente destello que dibuja en el cielo el trágico cuadro de la lucha entre el gigante de fuego y el dios mayor; la fiereza de las tropas de Asgard avanzando sobre la faz de la tierra se refleja fielmente en la contundencia de la apertura a este mítico trabajo. La voz de Johan no podría ser más agresiva, sus rugidos se asemejan a una bestia, en un desgarro casi animal. Los arreglos intermedios de carácter melódico dan una muestra de la grandeza que siempre ha caracterizado a estos guerreros, con un riff que destruye a su paso. “Töck’s Taunt – Loke’s Treachery Part II” emprende su marcha con un vigoroso ritmo, en una sesión intensa de headbanging que toma un respiro en su mitad, para retomar con más agonía la historia de Loki; que según cuenta el mito, tras asesinar a Balder, oculta su identidad y guardas sus oscuras lágrimas para evitar el retorno del hijo de Odín a Asgard. “Destroyer of the Universe” es de muerte, no hay más. Es la representación más dolorosa escrita jamás sobre la tiranía y el poder, hablándonos de la titánica figura de Surtur en su camino a la ciudad de los dioses. Su estructura es el caos puro, con un punteo feroz y una base rítmica capaz de tirar abajo la más sólidas barreras. El tempo se relaja con “Slaves of Fear”, que nuevamente utiliza un riff entrecortado que hará temblar el suelo bajo nuestros pies, a la vez que Johan nos ofrece una de sus mejores líricas. Perfectamente integrada en la temática del disco, se va más allá y habla de la dominación de la mente humana y de las ansias del alma por romper las cadenas que nos separan de la libertad
Volvemos a la carga con “Live Without Regrets”, en donde los músculos vuelven a entrar en tensión mientras la faceta más epica de Amon Amarth lucha despiadadamente por penetrar en nuestra piel. Probablemente se trate de uno de los exponentes más viking de su obra, ya que, lejos de tomar unas bases excesivamente melódicas, las dispensan en su justa medida para crear un solemne himno, en donde el los nórdicos cubren su pecho de orgullo y valentía ante una muerte que jamás les vencerá. “The Last Stand of Frej” nos narra con solemnidad el duro final de Frej ante la ardiente espada del gigante negro, evocando a medio tiempo el fuego que cubre el cuerpo sin vida del regidor de la lluvia, las cosechas y la luz del Sol. “For Victory or Death” se abre con un vivo riff, que alza su grito mientras los miles de hombres levantan sus estandartes de guerra en el frío silencio de la oscuridad. Un tema resplandeciente, cargado de emotividad y sobrada maestría en cuestión de arreglos melódicos. La entrada de “Wrath of the Norsemen” aporta un aire más renovado, adquiriendo inmediatamente la aspereza que la voz disemina, con un riff que, sin demasiadas dificultades, podemos acuñar a la formación. Sin embargo, su marco tiene un carácter fresco y cortante, siendo la composición más versátil de todas. De cara al final,
“A Beast Am I” se acerca con una marcha casi militar: Un incesante golpeo que, sin piedad, se abalanza sobre nosotros con la férrea figura del death metal a sus espaldas. Según podemos interpretar se empatiza con la sed de venganza que corre por las venas de Loki, focalizando dicha frustración en una sangrante liberación de energía que representa, con claridad, la ruptura de sus cadenas llegado el Ragnarök, en donde liderará a los Jotuns. “Doom Over Dead Man” es un lento tema que nos narra el desolador panorama tras la batalla final entre los dioses y hombres. Emanan sus últimos suspiros mientras la muerte se eleva como una oscura aliada del destino, el sentimiento de melancolía se filtra a través de los riffs, que progresivamente alcanzan una dimensión trágica que se pierde entre las cenizas, en un silencio abismal. “Surtur Rising” es ambicioso sobre todas las cosas. Mediante un brutal trabajo lírico, abarca la esencia humana en sus puntos más críticos: La venganza, el dolor, el orgullo, y finalmente el vacío traído por la muerte, se ven reflejados en este espejo de sonidos; que entre las ardientes fisuras de la tierra, emerge de forma perpetua para recordarnos una vez más quién tiene el poder. ¿Algún día volveremos a ver la luz?, pues Amon Amarth acaba de adentrarnos en la oscuridad y la mitología con un golpe de brutalidad pura, y este es su legado.
“Para el 2012, Amon Amarth tiene planeado hacer una gira para promocionar su nuevo trabajo discográfico en la que Colombia está incluida como parada, donde podremos hacer un headbanging con los mejores riffs del melodic death metal”
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Banda del mes
“Ninguno de los miembros del grupo es de descendencia enteramente estadounidense. Bixler Zavala e Hinojos son de raíces mexicanas, Rodríguez López es puertorriqueño, Hajjar fue un desplazado de la guerra civil del Líbano, y la familia de Ward es oriunda de Gales”
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E
s marzo del año 2001. El mundo de la música popular moderna está en etapa de transición, los noventas como década cultural son cosa del pasado, la música rock espera por su siguiente oleada; y la gente, por los elementos que definan tal oleada. Pero uno de esos elementos, si bien fue recibido con aclamo en su mejor momento, pasó relativamente desapercibido hasta que su influencia fue suficientemente notoria… Tal elemento se dividió en ese momento del tiempo, y estuvo presente durante la década pasada en las partes de The Mars Volta, consagradísimo conjunto de rock progresivo; y Sparta, de los últimos héroes del emo independiente. En la suma de
ambas partes puede notarse lo que fue la unidad, unidad que evolucionó con cada uno de sus esfuerzos. Por supuesto, el conjunto en cuestión es At the Drive-In, quinteto de post-hardcore establecido en 1993 en El Paso, Texas, EU; mientras casi todos sus integrantes aún cursaban su último año de colegio. Los primeros tiempos del grupo, aunque bastante modestos y limitados, tanto al respecto de los recursos como de la música, no carecieron de voluntad y energía para avanzar. Su primera grabación, el EP “Hell Paso”, fue financiado con los ahorros universitarios del guitarrista rítmico, Jim Ward, quien junto con Cedric Bixler Zavala, vocalista, tuvo la iniciativa para comenzar la agrupación; y a partir de su
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Banda del mes
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lanzamiento, se presentaron incansablemente en distintas localidades por toda la región oeste del país, haciéndose de una fuerte reputación meramente a partir de la impresión dejada tras sus presentaciones. La formación definitiva del grupo tardó un par de años en consagrarse, y ocurriría poco luego del lanzamiento de su primer álbum. Después de otro EP e incontables presentaciones en fiestas de sótanos y pequeños clubes, el grupo grabó y lanzó “Acrobatic Tenement” hacia mediados de 1996, y durante un espacio de un poco más de un par de meses. El álbum, aunque sirvió para notar la enorme originalidad del grupo, estuvo más cercano al pop punk común entre grupos de mediados de la década, con algunos
toques del estilo de los grupos de la escena screamo de San Diego, California; bastante lejos de su estilo característico al momento de la separación cinco años después. La formación se asentó con las adiciones de Omar Rodríguez López (guitarrista líder, aunque originalmente bajista), Paul Hinojos (bajista), y Tony Hajjar (baterista), luego de varios cambios; y a comienzos del año siguiente, el sello bajo el cual fue lanzado, Flipside Records, financió una gira de 100 días por todo el país durante la que tocarían a la par de otros eventuales grandes del post-hardcore, AFI; y que sirvió para ampliar la reputación del grupo en gran medida, lo que al cabo de un par de años terminó siendo convenientemente benéfico para ellos.
Flipside dejó de producir lanzamientos y financiar grupos para finales de 1997, por lo que el futuro de la banda dependía del visto bueno que otros sellos pudieran darles; y luego de contactar a todas las disqueras que conocían, lograron firmar con los californianos de Fearless Records a mediados de 1998, para comenzar a grabar su segundo álbum casi de inmediato. “In/Casino/Out” fue publicado en agosto del mismo año, y aunque puede ser descrito como un balanceado intermedio entre el primer lanzamiento y el siguiente, el álbum es musicalmente mucho más cercano al último que al primero, mucho más afín al post-hardcore, y por demás, notablemente mucho más enfocado y explosivo, destacándose
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Banda del mes
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el carácter críptico de las letras de Bixler Zavala, que se tornaban cada vez más decididamente ambiguas; además de haber sido producido con más detalle y a modo de presentación en vivo, lo que fue una de las ventajas más inmediatas de estar en una disquera un poco más consagrada. Posterior a esto, el grupo estuvo de gira por un año entero, sólo deteniéndose durante los dos primeros meses del 99; y gracias a que la reputación de la banda había crecido bastante para este punto, tocaron junto a grupos como The Get Up Kids, Rage Against the Machine, y Jimmy Eat World. Todo esto logró atraer suficiente atención para que, para el siguiente álbum, firmaran con Grand Royal Records, sello subsidiario de Capitol Records y propiedad de The Beastie Boys. A falta del éxito comercial, tan esquivo para los grupos independientes de finales de los noventa, las intensas giras habían surtido efecto, y ahora se encontraban bajo contrato en un sello grande. Pero eso cambiaría en poco tiempo. Las grabaciones para el siguiente lanzamiento comenzaron a principios de 2000, y desde los demos iniciales se creó gran expectativa para el álbum, el grupo estaba en su tope creativo, y la música era dinámica y emocional. El tercer full-length de la banda, “Relationship of Command”, fue lanzado hacia septiembre de 2000; y si bien estuvo lejos de ser un éxito masivo, definitivamente fue
un gran hito, no solo para un grupo sin antecedentes en los charts luego de haber lanzado dos álbumes, sino también para un grupo de post-hardcore, que por entonces aún representaba de manera más significativa a las escenas independientes. Musicalmente fue otro enorme avance, y no sólo lograron consagrarse como uno de los bastiones del subgénero, también demostraron que podrían mezclarse efectivamente elementos de diferentes y muy poco relacionados estilos, ya que entre las influencias definitivas en el álbum, los miembros han incluido a Sunny Day Real Estate, King Crimson, The Smiths, The Fall, y Pink Floyd; entre otros. Comercialmente fue un éxito moderado, alcanzando el primer puesto del chart de Heatseekers de la Billboard, el puesto 25 en el chart general australiano, y el puesto 33 en el chart general de la BPI; y críticamente, ha sido descrito como uno de los más importantes álbumes de la era alternativa de la música rock, tanto por impacto como por influencia (resaltando el inventivo e intrincado trabajo guitarrero de Rodríguez López y Ward), a tal punto que fue considerado por la BBC como “el álbum con el que han sido comparados todos los demás álbumes de posthardcore desde que fue lanzado, sin que ninguno haya logrado al menos igualarlo”; efectivamente dándole un lugar al subgénero en el mainstream, y siendo reconocido como gran influencia, en diferentes momentos, por agrupaciones
“Hinojos, originalmente guitarrista líder en Sparta, dejó el grupo en 2005 y se unió a The Mars Volta hasta 2009; convirtiéndolo en el único integrante de At the Drive-In que ha hecho parte de los tres grupos”
como Thrice, Chiodos, These Arms are Snakes, Coheed and Cambria, Yourcodenameis:Milo, Mastodon, y Paramore. Pero las circunstancias alrededor del álbum crearon una alarmante tensión entre los miembros del grupo (cosa que se mantendría durante los años siguientes), y luego de sólo un par de meses en gira estuvieron a punto de colapsar en varias ocasiones. La presión generada por el reciente éxito, la insatisfacción alrededor del recibimiento por parte del público, un accidente en carretera en el que la camioneta de la banda se volcó, y su presentación en el Big Day Out australiano a comienzos de 2001, fueron separando las partes de la banda en los que eventualmente serían los grupos creados a partir del final definitivo, que ocurriría en
marzo del mismo año, en medio del mejor momento que el grupo había tenido desde su comienzo 8 años atrás. A partir de entonces, la situación entre los componentes del grupo fue muy tensa, pese a que Bixler Zavala y Rodríguez López se responsabilizaron por la separación; y una reunión, aunque sugerida varias veces, y solicitada en muchas otras, no parecía muy posible. Los indicios más fuertes quizás se dieron desde el año pasado, los exmiembros habían restablecido contacto entre ellos; y en especial, Jim Ward decidió reunir a Sparta (grupo que conformó con Hinojos y Hajjar luego de la separación de At the Drive-In) más de 3 años después de ponerla en receso casi definitivo también debido a tensiones
dentro de la formación. Por el momento la banda sólo ha anunciado presentaciones en ambos fines de semana del Festival de Artes y Música de Coachella de este año, pero tienen planes para continuar dentro del futuro cercano, a pesar de las actividades en paralelo de The Mars Volta y Sparta.
“Iggy Pop aparece en dos canciones del “Relationship of Command”: “Enfilade” y “Rolodex Propaganda””
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Una maldita canción Por Camila Bedoya Marroquín
...el verso debe ser antes que nada música; una armonía de sonidos que hace soñar. Paul Verlaine. En las últimas décadas del siglo XIX surge el movimiento simbolista, que alcanza su máximo esplendor gracias a los poetas Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, Paul Verlaine y Stéphane Mallarmé, que ejercieron una revolución en la poesía francesa. Autodenominándose “los poetas malditos” salieron a las calles parisinas, armados de un malditismo, traducido en incomprensión, inconformismo, hastío de vivir y total desacuerdo con el orden burgués de la época. Fueron estos cuatro rebeldes de suma importancia para la literatura moderna porque dieron un nuevo aire a la poesía y marcaron el camino de lo que serían las vanguardias de principios del siglo XX. Ellos mostraron una poesía donde ya no solo importaba la belleza estética del poema, sino
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que cada palabra saliera de lo más profundo del ser, alejándose de la superficialidad, incursionando en lo metafísico, desarreglando los sentidos, hasta conseguir que los sentimientos quedaran transformados en palabra. Poetas como Baudelaire y Mallarmé estuvieron muy ligados a la música. Tanto así que un día al preguntarle a Baudelaire por la obra de Wagner, el músico alemán, dijo que después de haber salido de una de sus obras llego a un estado de sinestesia que unía el sonido al color. Por su parte, Mallarmé asistía frecuentemente a conciertos que le permitieron conocer un gran repertorio sinfónico y de ópera. Nunca ocultó su admiración por la notación musical, que describió como “Una macabra posesión de signos severos, castos y desconocidos”. Habida cuenta de lo anterior, no es extraño que los músicos de la época se interesaran por la obra de estos poetas, como fue el caso de Debussy y Maurice Ravel por la obra de Mallarmé. Fantástico es ver cómo se mezcla la poesía con la música de una manera casi perfecta, al escuchar “la siesta del fauno” de Mallarmé a través de los precisos acordes del
compositor Debussy, quien fascinado por el estilo literario y todo el conjunto de emociones que producían los poemas de los malditos se dedicó a musicalizar sus poesías, llevándolas a un lenguaje universal comprendido por cualquiera que tuviera en su oído la sensibilidad para escuchar los sonidos del alma. Debussy con su característico estilo rompe con la forma clásico-romántica de su tiempo y descubrió un lenguaje musical nuevo, libre, abierto a otras posibilidades. Tan estrecha fue la relación del simbolismo literario con el impresionismo musical de finales del siglo XIX, que Claude Debussy realizó ochenta composiciones basadas en poemas y el músico Paul Dukas se atrevió a afirmar que “La más fuerte influencia que tuvo Debussy fue de los escritores, no de los músicos”. Así es como de la combinación del poeta agobiado, sensible, irreverente, que se encuentra rodeado de sordos oídos y pétreos espíritus --como expresa Baudelaire -- y del músico que se dejó llevar por los sonidos de esas poesías desarregladas y decidió romper con lo musicalmente aceptable que invitaba a liberarse hasta encontrar la carne desnuda de los sentimientos y a llenar de colores la música, nace Una maldita canción.
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Por Juan Felipe Ososrio
“La Música es nuestra vida y se la ofrecemos a ustedes” Cautivados por el sonido crudo e irreverente del rock, Le Muá se origina como una necesidad de transmitir sensaciones por medio de su música. La agrupación, conformada por Diana Baena en la voz, Daniel García en el bajo, Alex Zapata y Juan David García en las guitarras, y Karla Martínez en la batería, le ha dado a cada una de sus canciones un toque especial, plasmando en cada una de ellas un sonido diferente que, unificado, da como resultado su sonido característico; con canciones que oscilan entre el blues y la influencia del grunge, desde suaves baladas hasta canciones contundentes que aceleran el ritmo cardiaco. Luego de haber lanzado su primer disco en formato físico en Septiembre del 2010, “La Lengua No Me Castiga”, un trabajo que refleja todo el potencial de una banda joven, juiciosa, y dueña de un rock cargado de finos detalles, que
recuerda algunas facetas de grandes artistas, sorprendiendo por su versatilidad; Le Muá se han hecho merecedores de numerosos reconocimientos, que los han llevado a ser participes de eventos importantes tanto en la ciudad de Medellín como en otras ciudades del país (Nominación Mejor Artista o Agrupación Vuelta a Rockombia en los Premios Shock de la Música 2010, finalistas del Festival de Bandas 2010 Shock, Artistas Nuestra Tierra La Mega 2010, Cumpleaños 335 de Medellín, participante de la primera batalla de bandas de Hard Rock Café 2011, entre otros), de llegar a sonar en varias emisoras y medios online de otros países (Argentina, Perú, EU, España, entre otras), y hasta ser teloneros de la banda de talla internacional El Cuarteto de Nos. Con un su primer trabajo discográfico, esta banda ha dejado más que claro que viene trabajando en torno a sus composiciones, y que nada suena así porque sí. Música bien trabajada y pensada para deleitar a los amantes del rock, que se verán enganchados por el sonido de esta agrupación llena de matices.
“Monsieur Periné fue una de nuestras 30 bandas recomendadas en el 2011”
“Han conquistado las radios nacionales con sencillos como “La muerte”
Foro por Camila Valenzuela
Monsieur Periné es una agrupación formada por siete jóvenes: Santiago Prieto, Camilo Parra, Nicolás Junca, Miguel Guerra, David González, Daniel Chebair y Catalina García; oriundos de la ciudad de Bogotá, y quienes, influenciados por el estilo del jazz y el swing de artistas como Django Reinhardt, decidieron embarcarse en una aventura musical de la que nacería el Monsieur Periné. Reconocidos por canciones como “La Muerte” o “La Tienda De Sombreros”, estos chicos le han dado al jazz y el swing un nuevo significado, imponiéndole un estilo propio a sus
canciones, siempre con un toque folclórico y mucha diversión; y es una agrupación que se impone en las tarimas para montar siempre una fiesta en torno a la música, música para celebrar y divertirse. Con una combinación entre el francés y el español, las canciones de esta banda seducen al oído para contagiarte de más y más ganas de escucharlos; llenos de matices y ritmos pegajosos, encantan a todo aquel que los escucha, atrapándolos en un torbellino cargado de swing del cual es difícil salirse. Monsieur Periné, una banda para escuchar y disfrutar.
Arte de Dan Mumford
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Los Ilustrados Por Daniel Alejandro Yepes
del Metal ¿Alguna vez te has preguntado quiénes son los genios detrás de las imágenes publicitarias, y mascotas de cada banda?, ¿podríamos imaginar desenfundar un nuevo disco de Iron Maiden sin encontrarnos con la descarnada figura de Eddie?, ¿disfrutaríamos igual de los pasajes de un buen metal gótico sin contemplar los seres fantásticos de la portada?. Desde los inicios del heavy metal, cuando Black Sabbath debutaba con sus acetatos de fundas macabras, la imaginería del género parecía destinada a apoyarse siempre en el arte gráfico de sus álbumes. Se volvió pues, un rito ineludible. Y son los ilustradores, más que los fotógrafos, los que con sus dibujos, o incluso pinturas, han reforzado la estética de las letras y hasta de los guitarrazos de la ramificación más pesada y emocionante que tiene el rock and roll. En una entrevista conce-
dida a Metal Cirus, el mago detrás de las tapas de Iron Maiden, Derek Riggs, reconoce que “las portadas solían ser mucho más interesantes cuando estaba el vinilo, podías hacer muchas más cosas”, y lamenta que “ya no se puede hacer eso, porque todo tiene que encajar en la caja de un CD”. No obstante, Derek abraza las bondades de la tecnología: “las computadoras son un medio mejor para pintar; pintar es algo muy desordenado, tienes que dejar que se seque, y con el ordenador hago lo que tenia pensado”. Sobre su trabajo y el de sus muchos colegas es que hablaremos a continuación. Un repaso de todos esos monstruos, fantasmas, titanes y demás personajes que han adornado nuestros álbumes favoritos del metal. Ken Kelly Discípulo indiscutible de Frank Frazetta, y hasta heredero para los nuevos diseños de Conan, es un ilustrador de Arkansas, EU, que se caracteriza por dibujar tó-
picos de fantasía, tal como dragones, vikingos, brujas y doncellas. Sus trabajos para el heavy metal abarcan a grupos tan diversos como Manowar, Kiss, Rainbow y los más progresivos Coheed and Cambria. Hugh Syme Como tecladista ocasional de Rush, este canadiense inició su carrera como diseñador con esta misma agrupación de rock progresivo, no sólo para las carátulas de los vinilos sino también para el logotipo final. Con el tiempo, ganó una envidiable cartera de clientes, con gigantes como Iron Maiden, Megadeth y Dream Theater, lo mismo que Styx, Klaatu, Extol, Nevermore, Stone Sour, Fates Warning, Whitesnake y Queensryche. Estos son algunos de los más destacados, pero podemos encontrar infinidades de estilos, con los cuales podemos alimentar nuestra vista mientras escuchamos cada álbum, y cada banda.
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El Último Baile de Morrison: Una mirada profunda a una de las voces más desgarradoras del rock Por Juan Felipe Osorio
Era el 3 de julio del año 1971, en París, Francia. El poeta, compositor y cantante estadounidense James Douglas Morrison Clarke, mejor conocido como Jim Morrison, se uniría a otras leyendas al afamado Club de los 27 años. Perdiendo su vida en condiciones extrañas. Morrison dejaría este mundo para cantar y encantar en el mas allá. Nació en Melbourne, Florida, EU; el 8 de diciembre de 1943. Hijo de un militar y una ama de casa, desde pequeño vivió en las carreteras, ya que el trabajo de su padre los obligaba a cambiar de hogar constantemente (a los catorce años de edad ya había tenido siete hogares). Este tipo de vida, sin apego a lugares o personas, caló profundamente en su forma de ser. Tenía un negro sentido del humor, escribía poesía, pintaba un poco, y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía, cosas que marcarían más adelante su particular estilo a la hora de componer. El joven James se marchó de su hogar a los diecinueve años. Era un muchacho alto y siempre desharrapa-
do, podía utilizar la misma camisa día tras día hasta que se le caía a jirones, porque prefería comprarse libros a comprar ropa. Estudió en la Universidad Estatal de Florida, y después cine en laUCLA, en Los Ángeles; formando parte de la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola, quien, años después, utilizaría el tema “The End” como banda sonora de introducción para Apocalypse Now, su película ambientada en la guerra de Vietnam. Morrison logró graduarse, pero nunca fue a recoger sus papeles, pues había perdido todo interés por la carrera y por la industria cinematográfica. Decidió centrarse en lo que considero siempre su verdadera vocación: La poesía. Para ello decidió trasladarse a Venice Beach en Los Ángeles, California; viviendo en la azotea de un edificio, o en las casas de las chicas que conseguía conquistar con su estrafalario aspecto y recitando complejos sonetos del siglo XVIII. En 1965, tras graduarse en la Universidad de California, tuvo un encuentro casual con Ray Manzarek, excompañero de clases en la universidad y también músico (y que
estaba al frente de la banda Rick and the Ravens). Con intención de difundir su poesía, el buen Jim le mostró un par de trabajos que podían ser musicalizados. Manzarek pidió que le cantara alguno y Jim, sentado en la suave arena de Venice Beach, tímidamente, entonó los primeros versos de “Moonlight Drive”. Al escucharlo, Manzarek quedó sorprendido por su talento, y le pidió que formaran una banda de rock, lo que Jim aceptó “para ganar un millón de dólares”, como ya siendo famosos comentarían. Después de varios cambios en la alineación de la banda, terminaron conformando a The Doors: Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra, y John Densmore en la batería (estos dos últimos procedentes del grupo The Psychedelic Rangers); además de la voz de Jim. Ya con The Doors publicaría nueve álbumes de estudio, de los que se sustraen algunas de las canciones más icónicas de la historia del rock, como lo son “Five To One”, “Break On Throught (To The Other Side)” , la enérgica “Roadhouse Blues” o el clásico
“Light My Fire”. Es en esta etapa con The Doors en la que Morrison gana su estatus como leyenda del rock, gracias a su atrevido comportamiento, su fama con las mujeres y su estilo particular de cantar, siendo calificado por la prensa especializada como uno de los mejores cantantes de la historia del rock, estando en el numero 47 según la revista Rolling Stone. Entonces, el 3 de julio de 1971, Morrison es hallado muerto en la bañera de su piso en el barrio Marais, en París, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson. Pese a que no hubo autopsia, se declaró en su acta de defunción que la muerte había sido provocada por un paro cardiaco. Jim Morrison murió, al igual que otros famosos músicos como Brian Jones, Robert Johnson, Jimi Hendrix, Janis Joplin, y Kurt Cobain, a los 27 años de edad . Su epitafio, escrito en griego antiguo, reza “Kata ton daimona eaytoy”, que se traduce como “fiel a su propio espíritu”, de la misma manera en que lo fue Jim en vida, siempre fiel a sí mismo, a su propio espíritu.
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Diferentes generaciones, la misma idolatría Por Marco Antonio Mejía Nunca ha sido mi intención pasar por intolerante sólo porque sí, porque nunca decido que algo me molesta sin antes hacer buenas observaciones; pero para algunas otras cosas realmente no me importa el juicio hecho a mis comentarios, porque son tan obvias, que molesta también el hecho de que las personas se sientan ofendidas por ello. Un ejemplo de eso es la tendencia de la gente a idolatrar o aficionarse a las mismas cosas generación tras generación, y pretender que pueden hacerse cambios significativos con eso. Es decir, ¿en serio? Para el artículo sobre el grunge en la primera edición de la revista, recibí mucho criticismo porque aparentemente pretendí “ser dueño” de la música, y hasta en una oportunidad fui tachado de “fascista”; y a fin de cuentas, lo único que dije es que la gente no debería apegarse tanto al pasado y a lo que no pueden traer de vuelta porque el paso del tiempo no lo permite. Y son ese tipo de cosas las que confirman mis prejuicios, que aunque los tomo en serio, en ningún momento los fomento más allá de comentarios
sarcásticos que hago entre conversaciones con mis amigos. A mi parecer, la mayoría de las personas simplemente tienen tanta necesidad de pertenecer a algo que sea destacable o “genial”, que se olvidan de ser ellos mismos y de que el pasado, bueno o malo, no puede repetirse; y lo digo también, en materia musical, al respecto de los estereotipos “indie” o “hipster”, punk, y también de todas las personas que se cierran en que “la música era mejor antes, hoy en día todo es una mierda”, y prejuicios por el estilo. Gente purista, ¿quién es el prejuicioso ahora? Eso en particular le ha hecho daño a la escena musical de la ciudad de Medellín, donde la gente involucrada la autodenomina como “la ciudad más rockera de Colombia”, pese a que, en realidad, la música rock de la ciudad, estancada en cuanto a variedad desde hace muchísimos años, ha sido considerablemente desplazada por el hip-hop de respetable consciencia social, y por dizque cantantes de reggaetón sin talento vocal o lírico alguno. Y lo siento mucho, pero es la realidad, su “Capital de la montaña” dejó de ser la ciu-
dad rockera del país hace un largo tiempo ya; tanto por su falta de variedad, como por el poco apoyo dado a los artistas por parte del público y las autoridades casi en general, bien sean parte de las típicas y genéricas bandas de hardcore punk, ska, reggae, y “grunge” paisas que no han hecho nada nuevo desde hace más de 15 años, o de agrupaciones de metalcore e “indie” más similares a las tendencias de los últimos 5 años, o de proyectos que son virtualmente imposibles de categorizar. ¿El descriptivo “el público paisa es muy chichipato” se les hace familiar? Si no, pues debería, porque eso está perjudicando el progreso del músico medellinense, e indirectamente también al seguidor; que el Festival Altavoz del año pasado haya sido tal desorden es consecuencia de eso que estoy diciendo. La tendencia a apoyar grupos o intérpretes que caen dentro de estilos que ya están pasados de abusados está matando la iniciativa de aquellos que pueden producir con relativa creatividad y novedad. Si quieren una escena fuerte, apóyenla y promuévanla entonces; métanse la mano al bolsillo, y denle la oportunidad a nuevas propuestas. seas_of_jupiter@live.com
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