Noise Armada Junio by Noise Armada

edici贸n junio-julio

Cansados de las rutinas, la armada quiere vacaciones. Para la entrada de esta edición de nuestra revista, he de admitir que ha sido duro para cada uno de nosotros quedarnos en cada uno de nuestras propuestas para las páginas, ya que, para finales de este mes, muchos de nosotros no hay podido salir a vacaciones estudiantiles o laborales. Es por eso que durante esta edición, esperamos que disfruten de todo lo que construimos con mucha fuerza y esmero, para que llegue a ustedes y la armada sea más grande cada día. Por eso es que desde esta edición comenzamos a anunciar que para nuestra siguiente edición (Julio), la Noise Armada hará una edición especial que, para nosotros, será la de nuestras vacaciones, así como de las bandas que salgan en ella; será, completamente, una edición de bandas locales, abriéndole la puerta a todos los proyectos musicales que deseen ser parte de esta edición especial. Así mismo, haremos de esta edición un puente entre los lectores y los nuevos proyectos que tenemos para ustedes. Queremos que, cuando lean esta edición, la disfruten de principio a fin para estar listos para la siguiente edición, la edición especial vacacional con las bandas locales de la Armada.

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Noise Presenta

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esde hace poco he podido notar como cada vez es mas amplio el rango de edad de las personas que asisten a los conciertos, ya no se trata solo de los rockeros de la vieja escuela que van a ver a su banda favorita o de los niños que empiezan a conocer el amplio mundo del rock & Roll. Esto dejo de ser para unos o para otros y se ha convertido en toda una ventana a la diversidad, aunque no se debe negar que aún existen personas atrapadas en el radicalismo. Sí es cierto que hoy en día podemos encontrar en un concierto tanto metaleros como punkeros, así como personas que se dan el pasón y, en algunos casos, se quedan seducidos por la música; y, así mismo, desde niños que aun necesitan del cuidado de sus madres, hasta adultos mayores que reflejan en cada arruga un sinfín de experiencias en torno a la música. Es bueno ver como cada vez evolucionan mas los festivales y los conciertos, como las bandas independientes se abren su espacio bien ganado a punta de esfuerzo y constancia. Esto se ve reflejado en las nuevas

generaciones de seguidores, nuevos músicos o simplemente melómanos musicales que encuentran en los sonidos de la casa, algo que vale la pena escuchar. Y es que es de las bandas locales y de nosotros mismos de quienes depende mantener intacto ese camino que se ha ido formando con los años, el rock de nuestra ciudad, puesto que, los que vengan más adelante, se verán tentados por un numero incalculable de corrientes musicales. Y no se trata simplemente de hacer que todo el mundo sea rockero, para nada, sería una idea un tanto incoherente; se trata de preservar ese espacio que la música se ha ido ganando, que con el tiempo cada uno encuentre su esencia.

Por motivo de la celebración de sus 25 años de carrera musical, la banda sueca presento el pasado 8 de Junio en la ciudad de Medellin un espectáculo cargado de sus mas grandes éxitos, esta vez con la alineación de Christofer Johnsson, Christian Vidal (guitarras), Nalle Påhlsson (bajo), Johan Koleberg (batería), Thomas Vikström, Lori Lewis, Snowy Shaw y Linnea Vikström (voz).

Crónica de la Armada Por motivo de la celebración de sus 25 años de carrera musical, la banda sueca presento, el pasado 8 de Junio, en la ciudad de Medellín, un espectáculo cargado de sus más grandes éxitos. Esta vez con la alineación de Christofer Johnsson, Christian Vidal (guitarras), Nalle Påhlsson (bajo), Johan Koleberg (batería), Thomas Vikström, Lori Lewis, Snowy Shaw y Linnea Vikström (voces). La banda paisa “Eternal” tuvo el privilegio de iniciar esta celebración, demostrando con su música que en Medellín si hay talento. Las expectativas por ver la entrada de los suecos aumentaban a cada instante, fue cuando la aparición de Lori L. en el teclado aceleró el corazón de los asistentes, introduciendo a lo que serían las dos primeras interpretaciones de la noche: “O Fortuna” y “Ginnungagap” (Secret Of The Runes). La reacción en el teatro fue inmediata, con sus voces y gritos acompañaron a la banda a lo largo de las canciones. Snowy S. fue el encargado de saludar a Medellín, manifestando su gusto por estar de regreso en una de las ciudades más bonitas del mundo, para continuar con su presentación. La banda trajo a escenalos temas “Asgård” y “Midgård” (Secret Of The Runes). Fueron las guitarras al mando de Christofer J. y Christian V. las que animaron al público a mover sus brazos en alto, al igual que las voces de Snowy S. y Thomas V. con sus cantos gregorianos y las voces angelicales de Linnea V. y Lori L. encantaron a todos en el teatro de la Universidad de Medellin. Therion elevó la energía del público al traer a escena desde su álbum “Secret Of The Runes”: “Jotunheim” y “Schwarzalbenheim”; y, por un instante en el teatro, se escucho una sola voz, cuando los asistentes con voz gutural acompañaron a Snowy S. en todos los coros de

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“Schwarzalbenheim”. La banda continuo con la interpretación de una canción llena de fantasía, las melodías de “Ljusalfheim” hechizaron los oídos del público. Esta vez, Thomas V. sorprendió en escena al mostrar su destreza con la flauta trasversa y la talentosa Lori L. con sus dulces notas en el piano, produciendo sonrisas de felicidad en el teatro. Therion, queriendo retomar la energía, presentó “Muspelheim”, la encantadora Linnea V., encadenada por Snowy S. y Lori L., luchaba desesperadamente para liberarse de sus ataduras, mientras animaba al publico con sus cantos. Therion se imponía con temas como: “Nifelheim”, seguido de las melodías de Thomas V. en su flauta trasversa anunciando “Vanaheim”, canción que fue coreada de inicio a fin por el publico. El viaje continuo hacia “Helheim”, demostrando una vez mas el talento que destaca a Therion con una excelente puesta en escena, sobretodo por el solo de guitarra que regalaron Christofer J. y Chrisitian V. Para terminar este bloque, los suecos recurrieron a “Secret Of The Runes (Epilogue)”, relatos que enloquecían a todos en el teatro, quienes no demostraban ningún rastro de cansancio al continuar aclamando a la banda. Thomas V. anunció a los asistentes una canción que no ha-

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bían tocado antes pero sabían que es una de las favoritas, al pronuciar “Beauty in Black” (Lepaca Kliffoth), entonces el teatro se lleno de gritos. Luego, el silencio se apoderó de ellos mientras se deleitaban con la voz de Lori L. Therion, ofreciendo lo mejor de su repertorio con “Wine of alugah” (Vovin) y “An Arrow From The Sun” (Lemuria), dejaron a los seguidores fascinados por escuchar en vivo la música que los acompaña en su vivir. Lori L. exalto el animo en el teatro al expresar su felicidad por estar en Medellín, una de sus ciudades favoritas con un publico maravilloso, dando paso a las primeras notas de “Lemuria” en una versión acústica. Los suecos quedaron sorprendidos al ver que todos los presentes los aplaudían y cantaban con ellos. Al finalizar, Linnea V., en español, preguntó al público “¿todo bien?” y, al recibir un “Sí” enérgico de todos en el teatro, anunció “Land of Canaan” (Sitraahra), canción que indujo a los paisas a mover su cuerpo al compás de esta. Para continuar con la celebración sería el turno de “Dark Venus Persephone (Sirius B)”, seguido de la introducción al cargo de Christofer J. para traer a escena una de las canciones que representa el inicio de Therion, es decir, “Blitzkrieg Medley”. Esta vez fueron Christofer J, Christian V., Nalle P. y

Crónica de la Armada

Johan K. quienes se apoderaron del escenario a su manera. La fiesta continuo con “In the Desert of Set” y “Grand Finale” (Theli). A pesar del largo tiempo en el escenario, ni Therion ni el publico estaban dispuestos a dejar caer la energía que se estaba viviendo en el momento, demostrando que aún había aguante para más. Pusieron a prueba a sus seguidores al comenzar la parte final del concierto con las canciones “Rise of Sodom and Gomorrah” (Vovin) y “To Mega Therion” (Theli), una de las canciones mas esperadas de toda la noche, que puso a vibrar al teatro por los saltos y movimientos frenéticos de los asistentes. Para despedirse de Medellín, la banda cerró concierto con “Quetzalcoatl” (Lemuria), invitando a sus adeptos a sacar sus reservas y disfrutar al máximo su ultima interpretación de la noche. Así, entonces, terminó un concierto que estuvo cargado de energía desde el inicio al final y, con una promesa de un pronto regreso a una de sus ciudades favoritas, los suecos abandonaron el escenario, dejando felicidad en los que hicieron parte de este magnifico espectáculo. Es claro el respeto que se ganado Therion dentro de Colombia. Por ello, sus 25 años de carrera artística son muestra de la maduración que ha tenido la banda musicalmente y en su excelente puesta en escena; dejando satisfacción total a todos los que deciden asistir a sus conciertos, porque saben que Therion siempre trae algo con que sorprender a sus seguidores. Damos las gracias a todos los que hicieron posible este regalo para Medellín y estamos seguros que los suecos regresaran a una ciudad que les abrirá sus puertas las veces que ellos lo deseen.

La naturaleza humana es como un tránsito de animal salvaje que deambula una espesa selva buscando su territorio, su alimento, su manantial para saciar la sed. Y en esa travesía, entender a Caifanes como semilla y a Jaguares como la savia, exige asumirse como un ser que ha creado su propio universo y ha trazado las líneas de su camino, raptando sus propias ideas para establecer un discurso. Luego de trascender las fronteras del término Rock en español, palabra que ha servido para enrolar con facilidad y que especialmente en los 80’s fue

perfecta para acuñar a todo aquel que pusiera en frases e interpretara en castellano aquel sonido anglosajón que había infectado a tantas generaciones de jóvenes, al cruzar esa línea, se encuentra la banda más grande que ha dado el rock mexicano: Caifanes. El 9 de abril de 2011 en el Festival Vive Latino, luego de múltiples ofrecimientos y tras la reconciliación entre Saúl Hernández y Alejandro Marcovich, unido al encuentro con Sabo Romo, Diego Herrera y Alfonso André, esta agrupación marcó un hito con su regreso a los escenarios, trascendiendo los límites de las edades, la me-

moria y la materia: en América el rock no tuvo generación. Y así fue, porque su regreso convocó a jóvenes desde los 14 años, pasando por universitarios y profesionales que crecieron con el sonido de la banda y llegando a personajes de hasta 45 años de edad o más, hoy contemporáneos de los integrantes de la banda. ¡Todos cantaban con el fervor de un rezo! En palabras de Sául Hernández esto puede evidenciarse y comprenderse con una frase que ha citado desde el regreso de la banda a los escenarios: “La memoria tiene pasión”. Ese hecho de trascender las

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latino la existencia humana con un discurso propio, personal y universal. Esas frases de sus canciones que retumban son como un mantra e invitan a soñar; por ejemplo: “Vamos a dar una vuelta al cielo para ver lo que es eterno” o “Yo te daré mis ojos para que llores”, resumen la poética enraizada en la intimidad de una sensibilidad aguda y cargada de mística, la de Saúl Hernández, una persona que en México y para muchos ”aliados” (como se suelen denominar a todos los adeptos al discurso Caifán-Jaguar) es considerado como chamán, maestro o guía. Desde 1986 hasta hoy, la osadía de masticar como alimento

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puede entenenergía creadomaría el filósofo zález, y que ha raza latinoameue suele hablar onciertos- pueda avés de una mea de la dualidad, o, el arraigo, las jos y la tierra, el a… una metáfora es. a es un altar”, nos olviden haa”, “Amárrate a uela lejos”, “Voy estado original”, ias no fueran a a ti”, entre otras nes de Caifanes an cumplido un esde el arraigo

el corrido mexicano, la ranchera, la cumbia, la salsa, engulléndolo con bocados de tintes de rock ecuménico que se saliva con los símbolos y la sabiduría indígena y latina, han logrado crear un tatuaje con canciones que se han convertido en himnos del continente como son: Será por eso, La negra tomasa, La célula que explota, Amárrate a una escoba, No dejes que, Hasta morir, Afuera, Miedo, Detrás de los cerros, Fin, La vida no es igual y Si fuera necesario, entre una extensa lista que brinda una posibilidad: habitar otras realidades desde la necesidad propia. La verdad es que los 4 discos

oficiales de Caifanes y los 5 de Jaguares, los tributos, las recopilaciones, el MTV Unplugged, el compartir escenario con The Rolling Stones, crear un sonido propio que le ha dado rostro al rock latino y ganar premios Grammy, entre otros reconocimientos, son el complemento de una esencia: encontrarse con su música es como tener llave o una pastilla multiusos para liberarse, trascender a otras dimensiones, y en síntesis, apagar y volver a empezar cada que alguien lo decida. Es claro: ¡Caifanes es la posibilidad de establecer una comunicación donde cada quien edifica su templo!

12 “Hay que andar por los bordes de la vida” Aunque los Beatles sonaban genial y el rock en ingles había alcanzando puntos muy elevados, a los latinoamericanos nos hacía falta algo que no sólo fuera estimulante para nuestro oído por sus extraordinarios sonidos, sino que, además de eso, se pudiera saborear, sentir y cantar en español. Fue así como, producto de esta necesidad y de la unión de la beatlemanía, los sentimientos que desataban en los jóvenes y hechos socio-políticos tan fuertes como las dictaduras del siglo XX, Argentina dio a luz en la década de los 60 el rock en español. El país gaucho había dejado de ser el escenario romántico del tango para comenzar a retratar las necesidades de un público joven, que ya no sólo podía vivir de los suspiros que producía Gardel, sino que era una nueva generación que sentía la necesidad de sumergirse en bares, poemas malditos y alucinógenos; el rock se convertía en un género musical que, más que voces afinadas, necesitaba voces desgarradas; más que técnica, era necesaria la pasión. Una generación de jeans desgastados y cabellos largos que encontraron en la batería, el bajo y las guitarras eléctricas su documento de identificación. Al pasar por las páginas de la historia del rock argentino nos topamos con lugares como La Cueva, La Perla de la Once, Plaza Francia y otros menos reconocidos, que vieron parir en los años 60 grandes leyendas del rock en castellano, como es el caso de José Alberto Iglesias, más conocido como “Tanguito”

Argentina,

rock rebeldia, locura, amor y

por Maria Camila Bedoya Marroquin

y mucho más reconocido internacionalmente por el fantástico film “Tango Feroz”, en que se pretendía realizar una pequeña radiografía de la vida de este artista. Fue estrenado veinte años después de su muerte y dirigido por Marcelo Piñeyro. También es importante nombrar algunas de sus canciones más recordadas: “El Amor Es Más Fuerte” y “La Balsa”. Otros nombres que también se hicieron notar en estos inicios fueron Mauricio “Moris” Birabent (guitarrista y vocalista de Los Beatniks), Javier Martínez (baterista de Los Beatniks y vocalista de Manal), Miguel Ángel Peralta (“Miguel Abuelo”, fundador de Los Abuelos de la Nada), Alberto Ramón García (“Pajarito Zaguri”, guitarrista y vocalista de Los Beatniks) y Litto Nebbia (Fundador de Los Gatos). En los años setenta aparecieron personajes muy recordados hasta nuestros días, como por ejemplo Luis Alberto Spinneta, “El Flaco”, famoso por el gran clásico “Muchacha Ojos De Papel” y su participación protagónica en bandas como Almendra y Pescado Rabioso. También surge el dúo estupendo de Charly Garcia y Nito

Mestre, al que denominaron “Sui Generis”, y que nos sigue haciendo vibrar después de tantos años con letras tan profundas y sonidos tan nostálgicos evidenciados en canciones como “Canción Para Mi Muerte” y “Rasguñan las piedras”; temas que, terminando la década de los 80, servirían de banda sonora para la trágica película “La Noche De Los Lápices”. Charly y Nito continúan su carrera como solistas. De igual manera vale la pena mencionar bandas como Manal, Vox Dei, Arco Iris, Pedro y Pablo, La Barra de Chocolate, Pappo’s Blues y La Pesada del Rock and Roll, que por esta época comenzaban a hacer ruido. Durante la dictadura militar (1976-1983), las violaciones a los derechos humanos fueron incontables y la libertad de expresión fue totalmente censurada. Este momento histórico se retrata de una manera impactante en la ya nombrada película “La Noche De Los Lápices”, que cuenta la historia real de un grupo de estudiantes de diferentes universidades de Argentina que,

tras realizar una protesta exigiendo “el boleto estudiantil” (un descuento para el transporte), son fuertemente reprimidos y heridos por la policía, posteriormente encarcelados y, hasta este momento no se conoce el paradero de algunos de ellos. Aunque esta época fue de gran crisis para el rock argentino, se destacó una banda de gran nivel denominada “Serún Girán”, e integrada por los músicos Charly García (voz, teclados), David Lebón (voz, guitarras), Pedro Aznar (bajo, voz), y Oscar Moro (batería). A finales de los 80, con la apertura a la democracia, el panorama se amplió cada vez más con el descubrimiento de nuevos nombres: Celeste Carballo, Fito Páez, Alejandro Lerner, Andres Calamaro; que se sumaron a los grandes de la otra década: Charly Garcia, Luis A. Spinetta, Litto Nebbia, León Gieco, Raúl Porchetto, David Lebón, Miguel Cantilo. En estas últimas décadas han sorprendido agrupaciones como Soda Stereo y Los Babasónicos, con un rock más alternativos; Los Fabulosos Cadillacs, que mezclaron el rock con la cumbia, salsa, ska y otros ritmos; Rata Blanca, La Derecha y Ataque 77; entre muchos otros que se escapan ahora mismo. Por fortuna, para los que nos apasiona el rock argentino y hemos crecido escuchando a estos grandes, los siempre recordados y excéntricos Fito Paez, Andres Calamaro y Charly Garcia siguen “dando lora” en esta segunda década del nuevo milenio.

Que corra la voz

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brir un les y a a ic s u sm ación y ractere ara la admir ntos, p me espacio o con funda s t e de má p l res lo encia e t e e r d p a u m s co má na c e ser en no por bonitas en u d o e it u x p é as banda sar su palabr solo ba bonitas? o e o d ena crí, m mis alos so e, illa. hay bu o u t m i q it s s n s , o lo a á b t n s orque n so infeión de Claro e xterior, es p ños que so en per trument is x La acc saben, de los ión e e el e a Sé que ocado un ins r qué a acc más ica en riple d pero n t t e u l u e e q t o t i p s r n s , e lo ca me ica esto; sin hab qué les gusta aterrisimple ndo. La crít llevan ando n a n u a e lices o de qué io b ic m ía c a s r c s r ú a e m to, erf yud uí, hay onito, ce, rime la p a q n p e a a y d a v s r a a o o a t , e p s ur em ara qu o es b música les gu o do osc empec úsica p emos un lad no tod miedo ser es el la o solo para la tes, inm y la r r la v za n hab menos esto, no las ar ra solo andas y artis y, claro , por nos dé todas ro aho y b e e a s a p s supu u r n e la q a t u p r s encen , por epo oda y t a d sino e , h S o s s , s o it . re al fr lo e d n a p r o a ia ic o k m r b t d d c a lí ie o a o p o s v r p ara er no el cluso alas que ten e adjetivos p úpara la s son in ezcla entre m a y , t a e e o r t h d s a e te m buen supu lista d mente . La m las excelen al, son una te una s dé tan duro e con abierta ican las ma y un o r ic e p n habla it o n le r art y lo tr ción de su gé permian está que no s, se c es, un e mo u q a lo t jugada arte, se form ue deslo o n es así co e ese ue s r a q r s p q ic e o s la s t s d a b r a s a s ie h qu co em ac obra fín de ejar de en la otros t mos que no ndes os, hay os in d t a e s r r d o g ie y r c s e a ond dare sabe ores ment s des ro, ten esc s y viejos err incluso mos ya grande a tener funda decir res, pe o ís v conoce ra ser mejo r a e a e r l op de nu empez pa menta lecer lo nuestr le e p d ? hacer a m ía r o ic músic e mús n los c para c usta” y forta , para blar egión. ¿y sobr os que existe ntarios g o estra r r a ha u a n z e e p s d e “no me lo periodístic ampo ala em m e s Sabem ay con com u q la y n c e l r y n za Ha s h utos y musica erdad sea u , visuali a que, lo ic a sa de s ticos, lo tes de 5 min o atrás ú v m m m e la e lo na a med d r u u n e e e a q d n o p s é s n e , g r n ia e y nc tro int oe sie ión pieza experie entro de nues . Neceien raz de acc in sentido qu ito em para y d a lo escr ienen otras c n malo s h o s a s e mpr o inclu lo m lo a logio t v t ie e n n s s o á , ie s e r o e e o d im ia nt de cond ue n erá ro prec dejar ese se pre es r las q do. ¿S ie. uervos c s nes po stán critican cir que ía o r ir a nad c r m e a lo h it o s o a s e e n s do d al que lo que go nos da mie n la música matern upuesto, lue sita ese s o n e e ¿ s r qu O ce na que, po oídos; se ne malo? er a u cas algo es ermitido ten s sin el alecer lo t r n o a f r omera a a r c p o a erde S s p ig la Lav am ico ít s r s e solo e c a Este d ja ri e n lo u a G b lp go e gr pe bur masa d ue rom o que una q e o r antihé dejando clar a de fam

legando desde otra ciudad, cruzando la Cordillera de los Andes solo por motivos académicos, termine topándome con uno de los shows mas demoledores (por así decirlo) a los que he asistido en mi vida. Estaba frente a la “southamerican mosh machine”, como ellos se autoproclaman; una banda que durante mas de 10 años, como dice su guitarrista, Javier Casas, le a apostado a todo y, por estos ideales, se encuentra ahora donde esta. El motivo de este recital era mas especial de lo normal, se encontraban lanzando su DVD “Esto es Sudamérica”, del cual, en el intermedio, nos dejaron observar un par de entrevistas. Todo comienza con una propuesta llamada Melian, una banda que, para mi estadía en un país lejos del mío, me llego a los adentros recordando viejos tiempos en que el metal-

core era una pasión para mi. A pesar de los inconvenientes que tuvieron al presentar su primera canción (se cortó la electricidad en media tarima), supieron sobrellevar muy bien su presentación, con una energía muy viva, despertando todas las almas allí presentes y preparando toda la antesala para lo que se venia. A eso de las 9:15 vuelven a abrirse los telones del escenario, entre luces y sonidos muy conocidos para mi. Al comenzar un concierto, se asoman los integrantes de Nueva Etica, se dejan venir como un camión sin frenos. Fue demasiado aplastante en su comienzo, tanto que temía por la cámara que me acompañaba. El show duró aproximadamente una hora, durante eel que, pasando de una canción a otra, me recordaron por donde empece: Tiempos de mosh pit y de-

seos de alguna vez haber podido verlos. Fue algo que ningún vatihorímetro habría podido soportar. A medida que pasaba el show fueron haciendo un recorrido por toda su carrera a través de sus canciones, llevandonos desde sus mas lejanos CDs con canciones como “El Oponente”, hasta las de su ultimo lanzamiento, como “THC” o “30 monedas”. Todo fue terminando tras varios intentos de irse, la energía alcanzo su máximo clímax al tocar “La Familia Nunca Muere” canción en la cual el mosh pit nunca dejo de dar vueltas frente a la tarima y, los pocos que no pertenecían a él, sacrificaban su garganta por uno de los momentos mas aplastantes de sus vidas. De nuevo se bajaron los telones y de vuelta a la vida cotidiana, con una de las experiencias mas embestidoras de todas a las que alguna vez he asistido.

Noise Armada: ¿Qué les pareció la puesta en escena de Medellín? Monsieur Periné: Estamos felices, quedamos eufóricos al poder compartir toda esa energía con el público. Además, no esperábamos que cantaran todas nuestras canciones, es evidente el respeto por el arte, que en Medellín se vive la música, nos alegra mucho haber tenido el placer de compartir escenario junto a Crew Peligrosos, Puerto Candelaria y Providencia. Después de hoy, quedamos motivados para un pronto regreso.

NA: Tenemos entendido que están trabajando en un nuevo proyecto, ¿qué nos pueden decir al respecto? MP: Incluye la mayoría de las canciones que le gusta al público, entre ellas los covers y canciones propias como “La Muerte” en una nueva versión con un sonido muy latinoamericano. Incluimos otros instrumentos como un acordeón vallenato y mexicano, un cello y un bandoneón; estamos explorando más a fondo otros ritmos, el nombre de este proyecto será “Hecho a

Mano”.

NA: ¿Cómo definen su músi-

ca?

MP: Swing a la colombiana. NA: Durante todo este tiem-

po de recorrido como agrupación, ¿cuál ha sido el acontecimiento más significativo?

MP: El viaje a Estados Unidos, al tener la experiencia de presentarse frente a personas con diferentes formaciones culturales. Te permiten mirar desde una perspectiva distinta, para así plantearnos el reto de mejorar nuestra calidad musical. Para este año tenemos planeado ir al Festival de Música de Guadalajara, en Pachuca, junto Carla Morrison; y también estaremos en Lima, Perú, mostrando el talento colombiano.

Banda del mes

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ocos grupos han logrado tanta aclamación luego de salir “de la nada” como estos shoegazers californianos, y Spirits” (de nuevo), “Simmer” rección. No es malo, definitivadigo “de la nada” porque lley “Out of Breath” (última pismente, lo encuentro muy satisvaban buenos 4 años en activo ta); y, en cierta medida, “Skin factorio; pero, de combinar la para cuando lanzaron su priGraph”, apertura del disco, que dinámica y densidad encontramer álbum en 2006. De cierto también tiene cierto aire expeda en “Swoon” con esta nueva modo, fue inesperado que un rimental. También hay cabida atmósfera, el resultado podría grupo como Silversun Pickups para elementos electrónicos ponerlos en un nivel más alto se abriera paso desde el circuiy/o industriales, “Here We Are del imaginable para un grupo to indie, tan plagado de bandas (Chancer)” y “The Pit” se conssurgido de algo tan vagamente facilistas y poco inspiradoras, truyen a partir de drum machipretensioso como lo es el “inhacia los charts mainstream, nes, la primera asemejándose die”. tan plagados de bandas [insera lo encontrado en “Kid A” de te sustantivo]-core genéricas Radiohead y, la segunda, hasta de éxito pasajero que le llenan bordeando (paradójicamente, los bolsillos a los patrocinadopor lo que mencioné al comienres del Warped Tour. Pero amzo del párrafo) con el gothic bas clases de grupos son necede grupos como Editors y The sarios, ¿no? Después de todo, Smashing Pumpkins. Podría hay que tener referencias para ser que “Bloody Mary (Nerve mirar al momento de pensar en Endings)” era necesaria para el “jamás hacer algo como”, y hacer de puente entre esto y también para tener presente lo que la banda había expuesque cada cosa tiene su espacio to con “Swoon”, porque, hasta y tiempos delimitados. la canción más intermedia (por A riesgo de padecer de eso así decirlo), que es “Dots and último, al igual que grupos que Dashes (Enough Already)”, está han abusado de su atractivo puesta en ese fondo oscuro que (como gran cantidad de los grualeja gradualmente al grupo pos “The”, por ejemplo), Silverdel dream pop predominante sun Pickups siguen fieles a su en los dos álbumes anteriores. huella en “Neck of the Woods”, “Neck of the Woods” es leal quizás incorporando elemenal ADN de Silversun Pickups, tos que los ponen un poco más pero es un paso en diferente dicerca del new prog que del indie rock (sea lo que sea que signifique “indie rock” en este momento), y dándole un poco más de protagonismo a la guitarra de Brian Aubert (sin ser un virtuoso, aunque no le quita lo creativo) que a los ambientes en sí; como, por ejemplo, en “Mean Spirits”. Algo que sí es novedoso en este álbum es la atmósfera. Tal vez no sea rock gótico de noches en blanco y negro, amores perdidos, ecos de castillos y bosques europeos; pero, con excepción de “Bloody Mary (Nerve Endings)” (primer sencillo), el álbum está puesto sobre un fondo más bien oscuro. Quizás no con la visceralidad encontrada en pasajes del “Swoon”, pero sí con más predominancia; notándose especialmente en “Make Believe”, “Busy Bees”, “Mean

Neck of the Woods

de Silversun Pickups (Por Marco Antonio MejĂa)

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Noise Armada presenta:

Tres de las bandas

más ruidosas

de la ciudad.

Ya antes hemos hablado de estas agrupaciones, muchos ya las conocen y algunos otros quizás no, pero, ¿cuántos en realidad han sentido la adrenalina que estas bandas provocan? Es por eso que queremos dar un repaso a lo que nos ofrecen para que la fiesta sea completa, estas son tres de las bandas más ruidosas de Medellín. Mucho ruido, mucha adrenalina, mucho talento.

Como para no dejar de moverse (Por Juan Felipe Osorio)

Antised

Indiscutibles hijos del hardcore punk de Medellín, los chicos de Antised cuentan con el honor de formar una de las agrupaciones más solidas y con mayor proyección presente en la escena musical. Ya tuvimos la oportunidad de compartir con ellos y de verlos en vivo en festivales como el “Del Putas Fest”, hechos que solo sirven para reafirmar que el mayor atributo de la banda es su calidad musical, una agrupación compuesta por músicos entregados a lo que hacen y con un gran compromiso tanto para sus fans como para si mismos. En vivo la cosa es otro cuento, Antised es una banda que en estudio suena excelente, pero en directo la energía se expande, convirtiendo su espectáculo en una marea creciente, donde lo único que te queda es sumergirte y dejarte llevar por la música. En definitiva, algo que hay que ver, vivir y escuchar.

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Fuerza de Voluntad:

Con altas dosis de hardcore y punk rock, Fuerza de Voluntad es una banda cont undente, con un show altamente enérgico en el que se puede destacar la labor de su potente vocalista, que hace gala de unificar a los diferentes elementos que componen el estilo musical de la banda. Claro está, sin opacar a sus compañeros, quienes terminan de darle sabor a ese coctel amorfo compuesto por

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la influencia de distintas vertientes musicales en las que, obviamente, el toque hardcore es el predominante. Su música no podría ser menos, y es así como con canciones enérgicas y hechas para no parar de moverse, entran pisando fuerte en la escena musical de la ciudad, para dejar en claro que a Fuerza de Voluntad les sobra y que la banda esta para rato.

Disparen al Mutante

Punk rock en su máximo esplendor, Disparen al Mutante es una banda cargada de ritmo, sus canciones nos cuentan historias y nos llevan a través de cada acorde convirtiendo su música en una experiencia completa. Su sonido nos lleva de regreso a la era dorada del punk rock, y las influencias de las grandes bandas de este genero se hacen presentes en su música. Su álbum “Cicatrices” es una pieza musical exquisita, llena de los elementos ya antes mencionados, añadiéndole la riqueza en la composición, las guitarras contundentes y el trabajo vocal que hacen del álbum algo que no deben dejar pasar de largo.

La idea no es quedarse solo en palabras, la invitación es para que conozcan y apoyen el trabajo de estos artistas, porque lo independiente es el camino.

Crónica de la Armada

Para cuando se comienza a anochecer, una gran cantidad de gente que, entre todos son amigos y conocidos, se reunieron en Bozo Records. ¿El motivo? Pasar la noche entre amigos disfrutando del rock, más específico en esta ocasión, las combinaciones del hardcore con tres bandas: Comandante Cobra (skacore), Antised (hardcore punk) y Fuerza de Voluntad (hardcore melódico). El evento transcurre entre risas y discursos para que la primera banda se montara a tocar, Comandante Cobra y, durante cuya presentación cada uno de sus integrantes comentó alguna experiencia con la banda y cómo fue que todos se convirtieron amigos. Luego de cada discurso, comenzaba a sonar con gran fuerza cada una de sus canciones, así fue como le dieron apertura al concierto que entre todos organizaron. Para cuando Comandante terminó, ya la siguiente banda comenzaba a prepararse para tocar, Antised, (banda que ha salido ya en nuestras páginas). La energía y el poder de la banda se notaba desde cualquier parte, como lo demostró su vocalista, “El Mono”, haciendo grandes saltos que provocaban la atención de todos los presentes. Así

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como su banda amiga que se había bajado, cada uno de los integrantes contó un poco de su historia con el grupo, anécdotas e historias detrás de sus canciones. Así fue como entre “recochas” e inmensas sonrisas, se montó la banda que cerraría esta edición de Bozo Rockers, Fuerza de Voluntad (que al igual de Antised, ha sido parte de nuestras anteriores ediciones). Fue tanto el poder de la banda que, en cada canción, sin importar el volumen de los instrumentos, la gente cantaba cada uno de los estribillos. Esa gente es toda parte de la familia de Bozo, cada uno de ellos se conocía y disfrutaba de la compañía entre ellos mismos y con la banda. Un concierto hecho entre todos como una gran familia, fue como este evento se convirtió en la creación para todas las personas que quieren ser parte de la “familia de Bozo Records”, un espacio que esperamos volver a presenciar, con más propuestas, con más energía y aún voluntad; solo el hecho de estar allá te hace pensar “¿Cuándo será la siguiente versión? “. Esperamos todos a que ese día llegue, el día en que todos los amigos se reúnen a escuchar excelentes propuestas de música local.

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Cr贸nica de la Armada

Cargar con el peso del nombre de un colectivo en una sola espalda no luce como una tarea sencilla, ni exitosa, ni segura; teniendo en cuenta las alturas que ese colectivo ha alcanzado en tiempos pasados. Bien eso, a modo de Axl Rose con Guns n’ Roses, o bien a modo de Trent Reznor con Nine Inch Nails (y, hasta cierto punto, Robert Smith con The Cure; por ejemplo), Billy Corgan se las ha arreglado, de una u otra manera, para continuar haciendo música bajo el enorme peso de la marca The Smashing Pumpkins, cuya imagen está fuertemente asociada a los rostros de sus excompañeros (ya idos hace un largo tiempo, y por demás desconectados de la realidad del grupo) James Iha, D’arcy Wretsky, Jimmy Chamberlain y, durante un breve lapso de dos años, Melissa Auf Der Maur. Aunque Corgan dice estar consciente de las diferencias en las temporalidades, tratando de

ser menos errático e histriónico de lo que fue atrás en los 90 (sin mucho éxito, y a pesar de, aparentemente, haber dejado de ser un tipo enojado hace tiempo), parece que lo que él mismo comenzó en Chicago hace 24 años, ahora es mucho más que su vehículo de expresión artística, aunque continúe siendo su principal cabeza (y lo digo pese a ser un incondicional devoto a la banda). Pero eso no es necesariamente algo malo porque, en últimas, prueba que ni todas las críticas a su carácter tiránico, ni las aparentes debilidades de su poética, ni su voz carente de bajos, ni los clichés, ni sus broncas públicas, ni siquiera la insipidez de casi todas las canciones que había lanzado como parte del Teargarden by Kaleidyscope, han logrado disminuir el poder de la influencia de The Smashing Pumpkins. Después de todo, cuando grupos como Pearl Jam y Nirvana, puntos de referencia en el rock alternativo estadounidense, han influenciado versiones miniatura y me-

diocres de sí mismos por todo el mundo; The Smashing Pumpkins ha permanecido como una entidad aislada (aunque Gerard Way haya querido hacer de My Chemical Romance una nueva calabaza). “Oceania”, el octavo álbum de estudio del grupo (o parte del séptimo, si se tiene en cuenta que es “un álbum dentro de un álbum”), es viva prueba de ello. Pero no se debe escucharlo con la idea de escuchar al mismo grupo que hizo “Zero” o “The Everlasting Gaze”, ni siquiera al mismo grupo de la era del etéreo y ecléctico “Adore” porque, si bien es ligeramente cercano al sonido de sus dos primeros álbumes, “Oceania” no es un trabajo ajustado a expectativas populares. Es esta la principal razón por la que este es un álbum difícil de digerir, que ahora no es el grupo de las baladas de amor teatrales ni del metal alternativo denso y congestionado; así que no esperen hallarle gusto en el primer intento. Para

fines prácticos, si fuese a hacer una comparación entre este álbum y algo que se haya hecho antes, diría que Corgan lo hizo pensando más en el new wave ochentero y en el rock progresivo llena-estadios de los setentas, que en seguir siendo el dedo en la llaga del grunge (porque ya no tiene caso serlo). Por momentos, quizás es demasiado dulce para su propia conveniencia, en particular, pasada la mitad de “My Love is Winter” y durante “One Diamond, One Heart” y “Pinewheels” (la última siendo un poco reminiscente de “Space Boy”, pero sólo un poco), por lo que tampoco es un álbum hecho para escucharse en cualquier estado anímico. Sin embargo, y pese a que no vaya a alcanzar ni los talones de la altura que alcanzaron “Siamese Dream” y “Mellon Collie and the Infinite Sadness”, este álbum sí sabe copar algo que

siempre se espera de Corgan: Una idea muy ambiciosa, aunque sin un propósito en concreto. Para probar eso están “Violet Rays”, una bonita pieza etérea de poco menos de cuatro minutos y medio de duración, que deja en vergüenza a toda la actual generación de bandas de teclados porque es lo que jamás han sido capaces de hacer; y la pista que da título al álbum, una de las más largas en la historia de la banda (nueve minutos y fracción), y brillantemente construida de tibio a climax. El trabajo neto de guitarras rock de Corgan y Jeff Schroeder se nota en “Quasar” (apertura del álbum, un poco reminiscente de “Jellybelly” y “Geek USA; y, a mi parecer, lo mejor que han hecho desde “G.L.O.W” y “Superchrist” con respecto a guitarras con mucho fuzz), “Panopticon”, “The Chimera” (un poco más pop que las dos anteriores) y, en cierta medida, “Inkless”, que sufre por ser la penúltima del tracklist. “The

Celestial” tal vez entra muy rápido para ser tan dulce, pero es moderada y bien construida, y uno de los mejores momentos en el álbum. “Pale Horse” puede tomar por sorpresa al oidor ocasional, es una bonita y nostálgica canción, como muchas otras del grupo; pero, a diferencia de esas “muchas otras”, no es una nostalgia oscura. “Glissandra” es un directo guiño a My Bloody Valentine, que han influenciado a Corgan desde los inicios del grupo. Por último está “Wildflower”, que podría estar en algún sitio en la mitad del recorrido, pero ser el número “orquestado” de todos los etéreos le hace bien como última pista del álbum. No son los mismos Pumpkins de otros tiempos, pero algo como “Oceania” sí que era necesario para demostrar que, no producir más de lo mismo, no significa que no se puede producir una colección de geniales piezas de rock.