Noise Armada Marzo by Noise Armada

CIÓN DIREC lzate Pérez lA Danie hotmail.com Oscar @ _alzate ARTE oscard CCIÓN DE tancur DIRE rio Be m so O e p eli il.co Juan F 16@hotma felipe-b CIÓN C A E RED a JEFE D ntonio Mejí m A o rc a live.co M r@ e it p f_ju seas_o boración Cola udolf Carla R ORIAL DIT s JEFE E ndro Yepe om l Aleja Danie tl@hotmail.cgráfico m to sp yepe de conce rez ate Pé ción Direc r Daniel Alz o ñ Osca e Dis adavid reno C ian Mo Sebast scar Alzate O rafos: ncur Fotóg rio Beta so O e p eli z M. Juan F o Hernánde la Camil a Valenzue Camil s: n arte ncia e Asiste alderrama V no Toño rmada pioise A o ista N ble por las v re a a L ons , como e resp nistas se hac e los colum conceptos d s s por lo vistados y nione poco e así tam por los entr s s o id citario ión de la vert li b u p ac ios anunc ayor inform m n e s Para o n is e a rbúsca o m /n o revista a ce b o o k .c .f w w w mada correo ail.com l @hotm o en e rmada noise-a

Strung Out:

Más de 20 años renovando el Punk Rock.

Carlos Andres Prieto Ruiz

Formada en 1989 en Simi Valley, California, desde sus inicios Strung Out se destacó por ser una banda con un particular estilo musical, combinando los sonidos del punk rock, el hardcore melódico y el metal. Originalmente fue conformada por el vocalista Jason Cruz y los guitarristas Jake Kiley y Rob Ramos, quienes actualmente se mantienen como integrantes activos de la banda. Junto a ellos iniciaron el baterista Adam Austin, reemplazado en 1993 por Jordan Burns, y Jim Cherry, bajista que dejó la banda en 1999 y que fue sucedido por Chris Aiken. Con estos 2 últimos integrantes Strung Out se consolidó como una de las bandas más influyentes en el punk rock californiano y gradualmente su reconocimiento creció a nivel mundial. En 1994 lanzaron su álbum debut titulado “Another Day In Paradise” con Fat Wreck Chords, convirtiéndose en una de las primeras bandas que hizo parte de esta disquera creada por Fat Mike, bajista y vocalista de la banda de punk rock NOFX. Con un total de 13 canciones en su primer trabajo de estudio, los oriundos de california pisaron fuerte en la escena musical con un sonido rápido, técnico y agresivo en su parte instrumental, mientras

que en sus letras contrario al título del disco, Jason cantaba acerca de una sociedad en decadencia. Después de ese primer trabajo, hasta la fecha Strung Out ha publicado 12 discos, mostrando en cada uno de ellos una nueva faceta y reinventándose musicalmente. Yendo desde ritmos rápidos, fuertes y potentes como se puede escuchar en el álbum “The Element Of Sonic Defiance”, pasando por sonidos más melódicos y suaves como en “The Agents Of The Underground”, hasta otros pesados y oscuros como el “Exile In Oblivion”. Lamentablemente, para quienes escuchamos su música desde hace una década o más, aún queda el mal recuerdo de su gira latinoamericana en 2006, en la cual estaban incluidas 2 fechas en Colombia con presentaciones en Bogotá y Medellín. Esta gira estuvo marcada por problemas y malos manejos, situaciones como la mercancía confiscada en Venezuela, el incumplimiento en los horarios de sus conciertos, vuelos atrasados y otros inconvenientes, hicieron que la mayoría de sus presentaciones, incluidas las de Colombia, fueran canceladas. Pero también hay una parte positiva para quienes disfrutamos del estilo musical único de

Strung Out, y es que aún después de 20 años la banda sigue vigente y cuenta con una estructura solida entre sus integrantes, manteniendo su identidad como banda. Durante los últimos días, la banda ha dado nuevas noticias para sus seguidores. El pasado 1 de marzo, por medio de su sitio web y redes sociales, dieron a conocer el video de “City Lights”, una de las nuevas canciones, junto con “Saturday Night” y “Here We Are”, que hacen parte de su última producción musical “Top Contenders: The Best Of Strung Out”, una recopilación de sus mejores canciones y los 3 estrenos anteriormente anunciados. También, en febrero, a través de su cuenta oficial de Twitter “@StrungOutMusic”, subieron una fotografía de un ensayo de la banda en la que anunciaban “Band practice writing new material!!” Aunque no hay mucha información de lo que podría ser un nuevo álbum, da tranquilidad ver qué después de dos décadas aún tengan las ganas para seguir componiendo e inventando música. Y da esperanza para quienes disfrutamos de su música, que esos 12 discos se puedan convertir en 15 o tal vez en muchos más.

Rockola Local

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tereo Way es una banda de rock alternativo procedente de Bogota, Colombia, su sonido se encuentra influenciado principalmente por rock con toques pop y mucho beat. La banda está conformada por Andrés Ortega (guitarra rítmica y voces), Mateo Urbano (batería), Julián Rincón (guitarra líder) y Andrés Castañeda (bajo). Su EP titulado “Tus Marcas en Mi Piel” es un trabajo compuesto por seis tracks, donde se recogen las influencias del sonido de la banda, fusionándose en cada una de sus canciones para dar paso a melodías pegajosas y sencillas que hacen eco en el oído de quien las escucha, generando así, el deseo por escuchar mas; una formula fina de la cual hace gala Stereo Way para no dejar indiferente a nadie con respecto a su música. “Déjame Mentir”, primer track, del disco es una canción de ritmos cambiantes con un sonido rockero, que pronto se transforma en la pista perfecta para danzar al ritmo de los beats y el pegajoso tono de la voz; y los constantes cambios durante la canción hacen de esta la pista perfecta para ha-

cerse a la idea de lo que sigue. “Marionetas Negras”, por su parte, es una canción más frenética y acelerada, con una batería adictiva y unas guitarras desafiantes que combinan a la perfección con la voz. “Volaba”, tercer track del disco, nos muestra una vez más la presencia de teclados que acompañan los golpes de la batería, que varían entre agresivos y suaves, para darle una atmosfera propia a la canción; en la cual, una vez, más la voz juega un papel importante, haciendo de esta una de las canciones más pegajosas del disco. “Te Vas” es uno de los tracks destacados del disco, su melodía sigue la misma fórmula que en canciones anteriores, pero sin quitarle merito a esta. “Tus Marcas en Mi Piel” es el punto de inflexión del disco, canción que le da nombre al mismo, y nos presenta una variación respecto a las canciones anteriores, siendo esta en la que más se nota la influencia pop de la banda. Por último está “Silencio”, bonus track, que cierra el disco dando fin a una experiencia musical variada que recoge diversos sonidos del rock alternativo, para darle identidad a una banda polifacética como lo es Stereo Way.

Cr贸nica de la Armada

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Crónica de la Armada

everen o “El R siente m o c se mas l ha por te , en el cual de labora as a d ” a atería a jorn o, y much do Culo uerza en la b mpleto f ad co que termin la gran nto con el rsonas día e su bap ju s , banda, el orge de la J la o asi d n a s edic rio e or de c ; it ib s il o u p q han d gresan a su e r y com e Botero ta, líde tras, Carlos bajos r r descansar. s a ji r t las s u a s tar en r pode las le ay o h s a n r a o a d a d r p o n t s a ue se l se log hogare entonces cu logran ue igua como consig mplia o q s d e n a o u r es Pe la a ,yc s4 cancion uente entre e la baborale cepción p una ex us rutinas la n n ie a e t r , ue n nicas s un g idieron cto mica q c ít e r d salir de rmó a r e e e roy s qu man arras a p a it n n u o a g r s r s g la pe . un l punk tería, y n cada tema otencia , crear entre e e le o e d tonces n la a a c t h u s p que l mez k, y q en, toda e a o musica y el pop pun Dispar o ñ t a n l u ja e e J n o n a ale británic or nombre, que m sas que res TE. k N n A u T p o p U c M idad s darían mucha s es la capac su REN AL r a afinar A y P a IS h D enza 2009, tre ella conseguido de com e unas cuan tar. En ), en ue ha Luego s o l sical q líder (Mauro uce mánd ldo, e u o a t m ir , G o a oíd ista introd David ta, guitarr ada tema le vezas; uitarris plios c tas cer principal y g es para de am tide a d n a o d d a id r t t s o n las ca s ac vocali rimero a gran e parecieran eguir n, que p n ó u b s a lo T , inicia s qu cons Jorge batería acorde dedos, para aso a notas darle p e a tocar su Botero s tremo r su x a e s m d n a lo e r r meno Ca emp extrem tan perfecta Y a do por l en la a e e ñ d g a n p Á p da ro da. acom e se a ica de la ban , y Mau sí como una u jo q a b l es pam sa en e a la rít nto no pued s leredunlíder. E e t e a t r n r e a e om guit talm n a la ade ens cada m estar atenció erza to e grita r gran fu na en la sala eunirse p , nes qu avid, r de a e io r r c u s n n a e o c t r D s ie dan as de la asión posible rabae decid la verdadera r d t n o d l t r a p yo, on tod acompaña e emás mostra en. c e d a r ar pa la as us d de Disp espalda” es mientr rra a s a ia it c u n g e la e es su ruz en comienza est jo con ter“Una c e o ñeros. s v ar por a e d la p u n n n m e o o s c c id a ec nces canción robando lo m co “CIparen d ayo. Es ento is D p is , d oise ns ensayo n su primer mo do el e enta a la N to o a c in , e m e u le cu r sacado ”; un disco q momen a a se cuando que por el ES ib IC , pro R n T e A C de da ne en jo, s dic a o o ie g t m m e r n a is A lu m traba n ellos m un EP, pero da se la ban de su nuevo e salir io en u ho c m e e r h p e d nt er ala moción n prontame mismo el prim do por la s r a n a a a r g so en liz y espe vivo. E ANZA ya so rea lo en concur io XTRAVAG n ellos r te que s a n c e o g t o d a la c u lo t n o s que de e , tant enzaro rabación espera ce, como los a revis0, com g o L l, el 201 ra parte la e los con n a conocer. materia de las en prim parte de su ción en mienza a las mejores l que o c a n b a a r r ese de g su g loca ta les d esta banda luyeron arte. andera a o y conc p s os la b e. erte era a asand n u u p s a q m a is u d s ntin una n su elant ayo co lleva e para salir ad El ens k n del pu

Banda del mes

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¿Qu es lo primero que se te viene a la mente al escuchar “Haggard”? La palabra “haggard” significa “consumido”, pero independientemente de su significado etimológico, cuando Escucho HAGGARD, lo primero que se me viene a la mente es un sinfín de notas musicales, y una excelente interpretación de las mismas. Ah, sin olvidar su oleada de ciencia y historia. Todo esto refugiado bajo una barrera de metal. Brutal y fuerte metal. La banda procedente de Munich, Alemana; y que, en mi opinión, es la mejor exponente del metal sinfónico y orquestal, estaba conformada solo por, Asis Nasseri, Claudio Quarta, Andi Nad, y Luz Marsen. En el año 1994 publicaron su primer álbum (un EP, de hecho), titulado “Progressive”; que cuenta con una propuesta muy diferente mostrada por la banda, finalmente. Su inclinaciones iniciales son más hacia el death metal crudo, con unos toques un poco mas propios; y con álbum, se integran a la escena del metal undergraud. Después de un año lanzan otro EP titulado “Die Irae Dies Illa”, ahora con un estilo muy poco conectado con el de sus inicios. Este álbum es netamente sinfónico, donde cuentan con la participación de 16 músicos,

entre ellos Hans Wolf, el pianista con quien Assis se ayuda para la composición actual de las canciones del grupo. También a este se incorporan: * Danny Klupp - guitarra acústica. * FlorianSchnellinger - bajo. * Michael Stapf - violín. * Judith Marschall - violín. * Steffi Hertz - viola. * KerstinKrainer - viola. * Johannes Schleiermacher - violonchelo. * Kathrin Hertz - violonchelo. * IvicaKramheller - contrabajo (Desde 2004) * Christoph V. Zastrow - flauta. * Andy Peschke - tenor y flauta * FiffiFuhrmann - tenor y cromorno. * Mark Pendry - clarinete. * Robert Müller - clarinete. * KathrinPechlof - arpa. * SusanneEhlers - soprano. * VeronikaKramheller - soprano. * Gaby Koss - soprano. * Michael Schumm - timbal y percusión. Con estos componentes, entonces, crean una propuesta de música sinfónica y orquestal que sorprende demasiado. Y era de es-

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perarse, ya que Assi, el vocalista y creador de la banda, siempre tuvo como inclinación principal la música clásica. Pasando así, hasta el Año 1997, fue una grata y maravillosa sorpresa cuando Haggard hacen el acople de los sonidos de sus primeros EPs, para así sacar su primer álbum de estudio; que desde mi punto de vista, y sé que concordare con muchas personas, logra hacer una mezcla buena de los dos géneros musicales que conllevan mas trabajo. La esencia de todo esto esta en su álbum “And Thou Shalt Trust... The Seer”. Este álbum realmente sí es el que lanza a Haggard a la tan anhelada fama, sin ser tan anhelada a la vez. Basado en la vida Michel de NôtreDame y en los días de la peste negra, este consta de una variedad de sonidos, incluyendo un tema de su anterior álbum, “Requiem in D-Monir”, un track que le da al álbum unos matices muy tétricos; pasando por “Origin of Cristal Soul”, donde se comienza a notar la combinación de estos dos géneros. Ah, y como olvidar

“In a P a l e Moon’s Shadow”, una canción que, sin importar el pasar del tiempo y el peso de sus nuevos éxitos, no deja de ser una de las mejores interpretaciones del grupo. En el primer año de esta era, Haggard lanza su segundo álbum de estudio, el cual es toda una joya, ya que el acople de musicalidad ahora no es sólo bueno. Es, exagerando un poco, casi que perfecto. “Awaking The Centuries”, con un set de temas increíbles: * Intro - Rachmaninov: Choir * Intro - Pestilencia * Chapter I - HeavenlyDamnation * Chapter II - The Final Victory * Chapter II - Saltorella La Manuelina * Chapter III - Awaking the Centuries * Chapter III - Statement zur Lage der Musica * Chapter IV - In a Fullmoon Procession * Chapter IV - Menuett * Chapter V - Prophecy Fulfilled / And the Dark Night Entered * Chapter V - Courante * Chapter V - Rachmaninov: Choir * Bonus Track - Lost (Robin´s song) Basadas todas en la vida de Michel de Notre Dame, no se puede desmeritar ninguna canción de este álbum, pues todas son excelentes. Claro está, como en todo, que hay algunas que destacan sobre las demás, como

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“The Final VIctory”, “Awaking the Centuries” e “In Full Moon Procession”, canción de renombre para la banda Alemana. Su tercer álbum titulado “Eppur Si Muove”, de 2004, es, en mi opinión, el disco con las mejores liricas de todo su repertorio. Este esta basado en la vida de el astrónomo Galileo Galilei, y todo lo que encierra la frase “Eppur Si Muove”, con canciones tan exquisitas como lo es un chocolate al paladar, que te transportan a aquellas épocas de oscurantismo. De ellas se destacan, de entre el tracklist, “Of a Might Divine”, “Eppur Si Mouve” y “Herr Manneling”. Esta última es una canción especialmente encanta-

dora, por sus sonidos pasivos y su letra, que es la de una balada medieval noruega de mismo nombre, y que relata la historia de un troll que tenia Infinitos deseos de volverse humano. Su último álbum, “Tales of Ithiria”, lanzado en 2008, es algo novedoso en sus letras, pues habla de una leyenda épica en un país ficticio, transportándote a ese mismo lugar con unas voces de soprano mucho más fuertes y marcadas, y destacando mucho más la melodía dentro de cada tema, rescatando entre ellos a “Chapter ll – Upon Fallen Autumn Leaves”. La banda alemana, que se pre-

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para para su siguiente álbum y se espera ser lanzado durante la primera mitad de este año (titulado “Grimm”); visito nuestro país los pasados 28 y 29 de febrero, haciendo temblar y apaciguar todo a su paso. Traer a Haggard no fue fácil, ya que la banda consta de muchas personas y esto complica las gestiones. Pero la empresa promotora del evento, InnovaMotion, se dio a la tarea de regresarlos al país después de tantos años de aquella presentación en Rock al Parque. Lastimosamente, en Manizales, la asistencia no fue la esperada para una banda de esta talla, aunque diferentes factores dificultaron la misma; y allí mismo dieron final a su

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gira latinoamericana. Creo que ninguno de los asistentes se puede quejar, pues la interpretación de Haggard es Impecable en escena; y esto parece ser solo un abre bocas para lo que se viene, pues las palabras se quedan cortas para explicar la infinidad de sensaciones que ocasionan el escuchar sus melodías, leer sus liricas, y por qué no, intentar interpretar alguna de sus piezas musicales. Pero eso lo dejo a criterio de cada uno. Solo queda invitarlos a deleitar sus oídos con una excelente banda como esta. Haggard prometió volver a Colombia después de las presentaciones en Bogotá y Manizales.

Cuando vas por tu primera guitarra o bajo, sólo tienes la imagen mental del instrumento de elección de tu ídolo; y por toda la tienda buscas, si no es ese, por lo menos el que más se le parezca. Es tu primer instrumento. Quieres que, cuando te vean tocando, asemejen tu “estilo” al de tu músico preferido o tu banda favorita; crees que este instrumento te dará ese sonido, y no das mucha importancia a los detalles del mismo. Pero un tiempo después, te das cuenta de que es más que el aspecto del instrumento… No quiero entrar en detalles muy técnicos (pues no soy un experto en ello), pero sí quiero darme a la tarea de hablar sobre algunos tópicos básicos que podrían ser útiles en la búsqueda de tu propio tono, para aquellos que somos guitarristas y/o bajistas (principiantes o expertos, y quienes estamos en medio) y que nos gusta saber cómo hacer que la mezcla de “x” y “y” suene como “z”, por decirlo de algún modo. En esta edición de la revista, quiero hablar un poco sobre las pastillas. ¿Qué son estas? Las pastillas, básicamente, son dispositivos eléctricos cuya función es la de atrapar, mediante sus magnetos, las ondas sonoras producidas por las cuerdas del instrumento, y hacerlas pasar por circuito a través de un cable (o señal inalámbrica) hacia la señal del amplificador (o hacia un pedal o cadena de pedales, que de todos modos va a dar a la señal del amplificador). ¿Sencillo, no? En ecuación debe ser bien complicado de explicar, pero el proceso es fácil de imaginar. Además de las pastillas usuales, que vemos justo bajo las cuerdas en el cuerpo de

guitarras y bajos, también hay pastillas que son instaladas en el puente del instrumento. Estas últimas son más comunes en violines, cellos, contrabajos, y esporádicamente, en ciertos bajos eléctricos personalizados (entre otros); o, en el caso de las guitarras semiacústicas, la función la hace un pequeño micrófono que es adherible a cualquier parte del cuerpo del instrumento. En cuanto a las pastillas en guitarras y bajos eléctricos, dependiendo de los magnetos y materiales utilizados para fabricar la pastilla, la señal varía en tonalidades y claridad, y es esto lo que cada guitarrista y bajista debe saber sobre su instrumento al momento de decidir cómo quiere sonar. Esto, entonces, me lleva a distinguir entre los dos tipos de pastillas regularmente más utilizados: single coils (de una sola bobina, y una sola carga) y humbuckers (de doble bobinado, y dos cargas, opuestas una a la otra). Los single coils son, generalmente, pastillas sencillas que producen un sonido más bien agudo y brillante, por lo que son adeptos para tonos limpios y para el uso de efectos de delay o reverb; aunque el carácter de estos también puede variar. Los encontrados en Stratocasters o Strats (y modelos similares) suelen ser los más punzantes y claros, y los encontrados en Telecasters o Teles (y modelos similares) tienden a ser un poco más simples y secos. Por otro lado, los P-90 o Soapbars (y derivados), que son utilizados en guitarras de cuerpos más gruesos, como Les Pauls y SGs (y similares, aunque también se usan en algunas Teles), semihuecas o huecas , y los usados

Fotografía por Camilo Hernandez

por Fender para las Jazzmasters y Jaguars, poseen tonos ligeramente más graves. Existen otras variaciones de single coils, como los Lipstick (encontrados en modelos Danelectro, y llamados así porque tienen forma de lápiz labial); las pastillas estándar usadas para las guitarras Rickenbacker; los Lace Sensor y Hot Rails, que son fabricados específicamente para reducir la interferencia de electricidad estática, de modo que la señal suene limpia y pueda lidiar con mayores volúmenes de distorsión; y los utilizados para los bajos, que poseen doble carga electromagnética (aunque no son humbuckers) con el mismo objetivo de reducir la interferencia estática, y que, igualmente, pueden tener variaciones de sonido, siendo los J pickups y P pickups más graves y más agudos en sus tonos, respectivamente. Entre otros. Por su parte, los humbuckers son pastillas que producen tonos significativamente más concentrados, texturados y graves, además de ser fabricados para lidiar mejor con las interferencias de estática; lo que los hace inmejorables para el uso de dis-

torsión y efectos que alteren el timbre de notas y acordes. Las variaciones más comunes de los humbuckers son los PAFs (de una sola entrada por cuerda) y los Fat Coils u Open Coils (de doble entrada por cuerda), los primeros concentrando más tonos graves que agudos, y los segundos teniendo una proporción más balanceada entre graves y agudos, respectivamente. Suelen ser utilizados en casi todos los modelos de Gibson (Les Pauls, SGs, Explorers, Flying Vs), PRS, y sus derivados de otras marcas; la mayoría de guitarras y bajos de cuerpo semihueco y hueco, y las variaciones de las Strats fabricadas por compañías como Ibanez, Yamaha, Jackson, y Kramer; entre otras. También existen otras variaciones de humbuckers, que son fabricadas con determinadas características para operar mejor dependiendo de los volúmenes de distorsión y de las afinaciones. Generalmente son PAFs y Open Coils mejorados para estos usos, pero también están, por ejemplo, los EMG, tanto para guitarras como para bajos, que son hechos especialmente para grandes cantidades de distorsión sin sacrificar

la claridad de notas, acordes y señal (por lo que son muy populares entre músicos de metal); los Wide Range de Fender, que son humbuckers hechos a la medida de las propiedades tonales de las Telecasters, ofreciendo notable balance entre tonos graves y agudos; los Minibuckers, que son humbuckers de superficie completamente lisa, por lo que no captan individualmente las ondas de cada cuerda; y los FilterTron de las guitarras Gretsch, que son fabricados a modo de emular la brillantez que ofrecen los single coils con la concentración tonal de los humbuckers. Mientras buscas el tono deseado, puedes jugar con las posibilidades que ofrece cada pastilla, y por ende, puedes llegar a ese tono de varias maneras. Adicional a las pastillas, obviamente, también depende del amplificador y de los pedales (si es el caso de que utilizas pedales) que usas; pero, en lo estrictamente limitado a tu instrumento, las pastillas son un detalle al que hay que prestarle suma atención. Así que, intenta. Prueba con las diferentes opciones…

El dia de la mujer (Por Gloria Laverde)

En la mañana salí a esperar el bus para llegar a la universidad. En el camino se sentía una atmosfera diferente, colorida, muy comercial a decir verdad. Como iba con media hora de retraso, seguí de largo a paso apresurado ante tendidos de cositas rojas, rosadas que medio percibí. No sabía la verdad a que se debía que hoy fuera una mañana diferente. Rato después recordé que se debía a que hoy era 8 de Marzo, el llamado día internacional de la mujer. Claro, esa burda celebración a merced de la conmemoración de la muerte de 146 jóvenes mujeres que trabajaban en una fábrica de camisetas en Nueva York, que además provocaron se pensara en los derechos para la mujer trabajadora. Ahora se llena de rosas, ositos, chocolates y regalos obligados entre novios y familiares. Aunque yo no celebre ésta aclamada fecha, no está de más recordar por estos días a nuestras mujeres musicales, rockeras, guerreras, fuertes por supuesto y que no se dejan de nada. El mundo del rock se llena de ser muy rebelde, sucio y masculino, palabras podrían decirse poco femeninas; pero

no es así. Ha sido hace un buen rato de las mujeres, mejores esposas, managers, directoras, productoras, músicos, fotógrafas, en fin; un montón de papeles que sin duda hacen del rock algo para todos y no solo para los hombres. Mujeres que merecen admiración sin duda, managers incansables como la colombiana Lucrecia Rotlewics que trabaja con la banda bogotana Koyi K Utho, o la famosa Sharon Osbourne, esposa de Ozzy Osbourne, manager de toda la vida, además creadora y directora del festival Ozzfest; sin duda, responsables de carreras con éxito y reconocimiento ganado a pulso. Por otro lado al frente del reflector tenemos a The Runaways, The Donnas, Those Dancing Days, The Iron Maidens o vocalistas como Janis Joplin, Shirley Manson o Debbie Harry, entre muchas otras que, en conjunto o como líderes, han forjado una historia de éxitos y se apoderaron del rock, mostrando una cara diferente de él. Por otro lado están las mujeres que hacen parte de la imagen del rock, mujeres que llevan

a otro nivel la música, la muestran, la hacen imagen, como Floria Sigismondi, fotógrafa y directora de video clips, entre sus trabajos más reconocidos esta el video de Beautiful People de Marilyn Manson, o Sophie Muller directora del video Mr. Brightside de The Killers y muchos otros videos famosos del rock como, Run Baby Run de Garbage e In my place de Coldplay. Queda claro que son mujeres fuertes en un mundo, que se suponía duro y solo para hombres. Aplica entonces que detrás o delante de grandes hazañas rocanroleras, haya una mujer presente o a cargo. Cada día hay más y son mujeres que quizá, gracias a la muerte de esas 146 almas trabajadoras, quisieron emprender caminos “solo para hombres”, y han abierto espacios que ahora muchas de nosotras disfrutamos y utilizamos. Porque fuertes, sentimentales, trabajadoras, dramáticas, inteligentes o enojonas, hacemos de este un mundo mejor. ¡Aguante mujeres!

El muro continua de pie

después de

treinta

años Por María Camila Bedoya Marroquín

- Madre, ayer intente conversar con Dios, y no respondió nada de lo que le preguntaba. ¿Acaso está allí, mamá?, ¿acaso escucha?, ¿acaso existe? - Mira, Joven, estoy realmente harta de tus estúpidas preguntas, mañana mismo iras a confesar tus pecados y sacrilegios, te dejo totalmente prohibido siquiera pensar semejantes barbaridades. Y no creas que he dejado escapar tus poesías, esos libros realmente te están atrofiando el buen pensar. Además estas descuidando cosas realmente importantes, como ir a presentarte al ejército, la patria necesita una mano firme, un joven dispuesto a dar la vida en la guerra, no uno que se pase la vida escribiendo tontos poemas, como si eso ayu-

dará a la economía nacional. Acaso... ¿no has escuchado en la escuela lo importante que es aceptar la autoridad del mayor, seguir la ley, vestir bien y orar? De ahora en adelante tendrás rotundamente prohibido agotar tu cabecita en locuras absurdas. Espero hallar en tu libreta de calificaciones menos quejas de tus maestros por tus críticas y tu inconformismo, y más álgebra. Ahora baja conmigo a cenar, y ni se te ocurra levantarte de la mesa sin terminar tu plato como ayer, ¡solo para subir de nuevo a tocar esas canciones extrañas en la guitarra que hasta satánicas deben ser! Además haces un ruido infernal, prende mejor la TV y mira el noticiero y las últimas tendencias de la moda, no vaya a ser que andes

por la calle. Espero haber sido lo suficientemente clara, ¿entendido? - ¿Entendido? - ¡NO! Desde temprana edad nos adoctrinan de manera radical, pautándonos estas y muchas más conductas que debemos seguir al pie de la letra para no ser tachados de anti-patriotas, inmorales o insurgentes. Todo esto no es más que un montón de ladrillos que varias personas, a lo largo de nuestra vida, nos ayudan a cargar para construir nuestro propio muro, lleno de prejuicios, miedos y absurdas reglas que nos han impuesto, volviéndose cada capítulo de nuestra vida en un ladrillo más. Así es como, conservando la simbología del muro, nace en 1982 la película británica “The Wall”, musicalizada por la reconocida banda, ya extinta, Pink Floyd; e inspirada en la vida de algunos de los integrantes de esta, como Roger Waters y Syd Barrett, y contando con la actuación de Bob Geldof y Kevin McKeon. Una película con escenas bastantes fuertes y contundentes, con toques surrealistas y sicodélicos; y que, además, trata algunos de los asuntos sicológicos que más agobian al ser. Esta cuenta con muy pocos diálogos, dándole la categoría de musical; cada canción interpretada por Pink Floyd es una historia diferente, una poesía musicalizada. The Wall es posiblemente la crítica más drástica del orden social imperante hecha a través de lo audiovisual, al mejor estilo de las vanguardias del siglo pasado. Ver The Wall es meterse en el mundo de un músico autodestructivo, lleno de complejos, miedos y odios reprimidos que desahoga por medio de actos violentos y excéntricos. La obra

Que corra la voz

está cargada de imágenes que difícilmente se le borran al espectador de la mente, como por ejemplo: El televisor siempre sintonizado películas de la segunda guerra mundial; la transformación de la bandera de Inglaterra hasta quedar convertida en una cruz roja desangrándose; la rasurada de Pinky en medio de su desesperación y descontrol mental; la expresión del grito que se repite en algunas escenas como si quisieran evocar el cuadro de Munch; y, posiblemente la imagen más recordada, es la de la fila de estudiantes que marchan y al pasar por una maquina salen convertidos en salchichas. Los recuerdos infantiles de Pinky invaden el de desarrollo de de la historia. Constantemente, el protagonista trae a su memoria la guerra, ya que fue ella quien le arrebato a su padre, dejándole como únicos recuerdos una fotografía, algunas balas y un traje militar; además del rol que fundamental que juega su madre sobreprotectora, quien en su afán de mantenerlo cómodo, se convertirá en su villana, ayudándole a construir el muro de sus miedos, y siempre lo sostendrá para evitarle sufrimientos. Para completar el cuadro, un maestro rudo que pretendía castrarle su espíritu de poeta. Uno de los temas más polémicos que toca este filme, y por el cual fue prohibido en varios países, es la crítica al sistema educativo inglés, y que lastimosamente, viene aplicando para muchos de los países de este lado del mundo, por lo que vale la pena hacer hincapié en la canción “Another Brick in the Wall”; y creo que es en este pun-

Fotografía por Camilo Hernandez

to donde muchos coincidimos en pedir a gritos “Hey teacher, leave them kids alone”, porque cierto es que no necesitamos una educación basada en la represión, no queremos repetir lo que un profesor nos diga que debemos hacer, porque no somos una fila de iguales, cada uno de nosotros tiene una historia, un carácter, y necesitamos que nos ayuden a forjar nuestra personalidad, queremos que potencialicen nuestras habilidades y nos briden apoyo en las cosas para las cuales no somos tan buenos. Recuerden que necesitamos un sistema no igualitario sino distributivo, queremos que nos enseñen a pensar por nosotros mismos, no lo que debemos pensar o repetir lo que otros ya han pensado. ¡Pedimos filosofía de verdad, no historia de la filosofía!, ¡religión, más no religión católica como única verdad!, ¡artes, no como asignaturas de “relleno” sino como áreas de vital importancia! No queremos aprender a leer solamente, queremos comprender lo que leemos y poderlo discutir con total tranquilidad. ¡No queremos mediocridad!, ¡queremos educación íntegra y de calidad! ¡No queremos ser un ladrillo más del muro! Para finalizar, la invitación querido lector es a que rompa los muros que lo mantienen agobiado, ya que es triste ver como el muro que rompieron hace 30 años con The Wall, sigue en pie; y al parecer, con bases más sólidas que nunca, debido a la alineación, a la rutina y a la indiferencia a la que nos vemos sometidos a diario. Derroquemos, entonces, de una vez por todas, esas absurdas fronteras tanto mentales como físicas.

Noise Presenta

En las actuales épocas de vértigo, consumo y fugacidad, donde el instinto depredador del hombre busca acumular cantidades de materia envés de disfrutar experiencias de vida, la música se ha convertido para muchos artistas en una plataforma de salto social donde la figuración y el reconocimiento desdibujan uno de los sentidos reales de hacer una canción: ¡bordear los límites del espíritu libre! En esa búsqueda de caer y levantarse, tratando de conectarse con la naturaleza humana para transformar los mundos desde al amor, la denuncia, la reflexión y el equilibrio, DE BRUCES A MÍ, el grupo de reggae de Medellín nacido en 2009, logra trascender lo material para crear una estado místico en su música en el que público y banda se funden en una vivencia donde las canciones logran clavarse en el alma. Cuando su cantante, un personaje de mirada fija y cálida canta sobre el escenario frases como: “Encontré un lugar donde podemos huir/Y empezar a construir/Un lugar de verdad lejos de la vanidad”, en ese momento su música se vale de ese valor sagrado que la nutre para convertirse en una ruta donde a manera de mensaje cifrado, sus letras y sonidos construyen su propio universo: ¡un paraje “más allá del mar de las angustias!”. Luego de presentarse en múltiples recitales como el segundo Foro Mundial contra la Corrupción en Nairobi (Kenia, África), el Festival Internacional Altavoz, Festival Reggae Colombia, Rock al Parque y Manizales Grita Rock, además de

www.facebook.com/noisearmada

Un grupo con alma:

DBAM

Por: Santiago Arango N.

@santiagohagalau

compartir escenario con grupos como Los Pericos (Argentina), Cultura Profética (Puerto Rico), Gondwana (Chile), Junior Reid (Jamaica), Fidel Nadal (Argentina) y Black Uhuru (Jamaica), DE BRUCES A MÍ asume un nuevo momento en su carrera con el lanzamiento de su cuarto disco: Elemento Sorpresa. Antecedido por los álbumes DBAM (2003), Real (2006) y El poder tu alma (2008), Elemento Sorpresa es un disco que ubica al grupo en el contexto de los modelos actuales de dis-

tribución, entregando su disco libremente a través dewww. buenavibracolombia.com y presentándolo en edición especial. Mientras los días sigan pasando con una velocidad que ni siquiera presta fragmentos de tiempo que se puedan dedicar a la alegría, el baile o el pensamiento, DE BRUCES A MÍ seguirá cantando para ofrecer una posibilidad real: proponer con sus canciones un universo donde aún es posible sorprenderse.

ran diferencia hay entre sólo escuchar sonidos grabados y una grabación musical, diciéndolo al respecto de álbumes, sencillos, demos, y demás modos de coleccionar grabaciones musicales. Sí, técnicamente todos los sonidos son música, pero es muy obvio que es muy diferente la grabación de sonidos al azar, que la grabación de un arreglo o composición musical; y la calidad de estos últimos, aunque no muchos le presten atención a ello, definitivamente puede influir en el modo en que la percibimos interiormente. Tampoco es necesario ser un purista radical, como muchos los denominados “audiófilos”, pero sí considero que es necesario cierto estándar (por así decirlo) de calidad; y no sólo por cómo

las mentes perciben la música, sino también por la salud de los oídos, algo a lo que no le damos mucha importancia hasta que comenzamos a tener problemas auditivos. Claro, eso depende de lo tenido a disposición para hacerlo, y las grabaciones no contaban con la misma fidelidad hace 20 o 30 años que hoy día, por la misma tecnología existente en cada temporalidad. En ese contexto de tiempo, entonces, y dejando de lado el hecho de que son dos grupos completamente diferentes, creo que se puede decir que no es lo mismo escuchar, por ejemplo, “Lights and Sounds” de Yellowcard, que escuchar “Reptilectric” de Zoé. Ambos son contemporáneos, relativamente buenos álbumes (tomando en cuenta la subjeti-

Fotografía por Camilo Hernandez

vidad de los gustos musicales), sólo están separados por un par de años (lanzados en 2006 y 2008, respectivamente); y, sin embargo, la calidad del sonido en el uno es increíblemente más saludable y disfrutable que la del otro, siendo “Reptilectric” el favorecido. El principal problema con “Lights and Sounds” es uno muy frecuente en las grabaciones de la última década, sobre todo en las provenientes de discográficas grandes, y es que el sonido está demasiado procesado y comprimido (la distorsión en las guitarras se asemeja más a un zumbido con reverberación que al sonido de un amplificador; el violín suena ahogado, casi inaudible en varias canciones; y los platos y hi hats de la batería se confunden entre los demás instrumentos), en últimas causando que lo que escuchas en él, sea más manipulación digital que música. Además de ello, el volumen de los tonos agudos llega a ser perjudicial luego de pasado un rato a lo largo del álbum (algo que también ocurre en, por ejemplo, y entre varias grabaciones, “Californication” de Red Hot Chili Peppers y “Songs for the Deaf” de Queens of the Stone Age”), causando un aturdimiento que se siente muy similar al sonido salido de un televisor al ser encendido, lo cual es muy dañino aunque así

Fotografía por Camilo Hernandez

no se sienta en un comienzo. Todo esto, diferenciándose significativamente de la grabación del “Reptilectric”; que, aunque exigía ser más bien texturada (por el mismo estilo característico del grupo), tiene un muy buen balance entre bajos y agudos, y logra mezclar distorsión con reverberación y eco sin sacrificar la claridad de la música. Son muchísimos los ejemplos que podría citar para hablar de esto, sin tener que limitarme a artistas o agrupaciones de gran reconocimiento o que dispongan de mucho presupuesto para grabar. Con esto, el punto que quiero referenciar es que, sin importar cuánto disfrutes la música de tu artista o grupo favorito, como seguidor de estos también tienes derecho a escuchar un producto de calidad al menos respetable, y que no perjudique el sentido que te permite apreciar la obra de estos, que es el sentido de la escucha. Así que, si te encuentras con una grabación muy distorsionada, muy aguda, o muy estridente; aunque la canción o composición te guste mucho y quieras ponerla a todo volumen, ten en cuenta que no solo podría hacerte sentir saturado, sino que podría dañar tu escucha.

Por primera vez los músicos de la ciudad de Medellín podrán ser testigos del talento y conocimiento de Mike Terrana y Christian Vidal, en las clínicas que realizarán en el mes de marzo. El argentino Christian Vidal reconocido por ser el actual guitarrista de la banda sueca de Metal Sinfónico Therion, realizará la clínica el jueves 22 de marzo y el neoyorkino Mike Terrana ex baterista de Yngwie J Malmsteen y Tony Malcapine y baterista actual de Tarja, realizará la clínica el viernes 23 de marzo. Las dos clínicas se realizarán en el auditorio Héctor Ospina Botero de la Universidad de Medellín a las 6:30 de la noche, cada una de las clínicas tiene un valor de $100.000 que incluye memorias. Los alumnos de La

Escuela de Musik tienen un 50% de descuento. Las personas interesadas en las clínicas deberán envira un correo electrónico a terranayvidalclinic2012 @gmail.com para la inscripción siendo muy específicos en cuál de las dos clínica se desea insccribir. De vuelta les llegara un correo con el número de la cuenta donde se debe consignar. La consignación se debe entregar en la sede de la Escuela de Musik en Laureles Calle 35 # 80 A 2 o llevarla el día de la clínica y entregarla en la entrada. Para mayor información pueden llamar al 3128754653 Organiza: La Escuela de Musik GELDE Teatro de la Universidad de Medellín.