BACK TO THE 80'S

Además de una canción de Aqua, es el título que podría haberse dado al conjunto de tres exposiciones que se inauguraron en Serrería Belga (Madrid) en abril: Caleidoscopio (Madrid visto por fotógrafos como García-Alix, Ouka Leele, etc); una retrospectiva de la obra fotográfica de Mariví Ibarrola; y una impactante exhibición de los cuadros que Las Costus pintaron para el bar La Vía Láctea. Histórico y todavía moderno.

desde hace más de una década, el colectivo brbr lleva revolucionando el panorama audiovisual y artístico con un compromiso radical con el estilo, y también manteniendo intacto el sentimiento de pertenencia al grupo y de militancia dentro de la sociedad. Activismo, o creación multidisciplinar son algunos de los rasgos que definen a este grupo que se encuentra en constante expansión, con base en Madrid y Londres, buscando afinidades y explorando nuevos territorios. Tras sus videoclips para artistas como C.Tangana o Territoire -el proyecto ambient del premiado con varios Goya Olivier Arson, que firma aquí la banda sonora- que les situaron como una productora a seguir muy de cerca, vinieron los cortos, las series y las instalaciones para salas y museos. Ahora es el momento de su primer largometraje. Un proyecto de larga gestación, un work in progress colectivo, que se ha consolidado bajo el título de La mala familia. Y que, como todo lo que lleva el sello de BRRB, tiene un fuerte componente autobiográfico. “Sí, nos acordamos del momento en que empieza la película para nosotros. La decisión llegó tiempo después de una pelea que tuvieron los chavales en los bajos de Plaza de España. Tenían 18 años y a tres de ellos les metieron en prisión preventiva, yo creo que por una cuestión de identidad racial, y los soltaron a los pocos meses porque no tenían anteceden- tes. Ahí se quedó el tema hasta seis años después. Yo compartía piso con Andresito, trabajábamos repartiendo publicidad y, de repente, un día llegó a currar con una notificación en la que le pedían una burrada de años de cárcel”, asegura Nacho A. Villar, codirector de la película junto a Luis Rojo, en la que comparten la escritura del guion con Raúl Liarte.

Compromiso social, sentimiento de comunidad, creatividad y la búsqueda constante de nuevas formas de expresión que siempre han marcado la trayectoria del colectivo BRBR cobran ahora forma en ‘La mala familia’, una de las películas nacionales que no te puedes perder este 2023.

Ese día acabaron teniendo la intuición de que sería positivo documentar el proceso y hacer algo con ese material. A partir de ahí el proyecto comenzó a tomar distintas vertientes. “En un primer momento nos pareció que lo más correcto de cara a ellos era hacer una ficción, en la que de alguna manera pudieran ocultar su identidad, y no se les juzgase como personas sino como personajes ficticios. Pero, durante el proceso de empezar a grabar las primeras escenas, nos dimos cuenta de que la película se alejaba de lo que queríamos compartir y que ellos mismos podían llegar a estereotipar los personajes. El guion estaba vivo y mutaba continuamente, golpeado por los hitos de la historia real. A Andresito le meten preso, y no sabíamos si iba a salir o no. Empezamos a notar lo que implica todo ese proceso judicial seis años después, cuando están todos currando. Son chavales que pertenecen a la working class en el sentido más estricto. Albañiles, pintores, pladuristas, carpinteros, limpiadores… Vimos que ese grupo corría el riesgo de desintegrarse y la película se convierte en lo que tenemos ahora. Dejamos de intentar explicar la violencia, y el proyecto se transforma en una película sobre los cuidados y cómo la amistad se convierte en la última herramienta para sobrevivir frente a un sistema que intenta sacarte del tablero. Cuidados desde un punto de vista masculino. Nadie quiere que le vean llorar delante de la peña del barrio, porque pueden considerarte débil. Pero la película consiguió que al verla todos juntos nos rompiéramos, conscientes del valor que tienen las palabras que se pronuncian”, afirman los directores.

Basada en esa historia real de su propio grupo de amigos, la película se materializa -con una mirada documental- en la jornada que viven estos jóvenes lejos de la gran ciudad, aprovechando el permiso penitenciario de uno de ellos, Andrés. Hace tiempo que no se ven, pero la necesidad de conseguir el dinero de la fianza para evitar volver a prisión les sigue uniendo. Ha pasado tiempo desde el juicio que cambio su vida, pero sienten la pulsión de mantenerse juntos, como la familia que realmente son. Nacho es de Usera, Luis de Carabanchel, pero la mayoría de los chavales de la película se juntan en Legazpi desde hace más de diez años, en el Metro o en el skatepark. Un punto clásico de encuentro para los barrios del sur de Madrid. Así que en este caso el material real condiciona la película, que se mueve en el terreno de la no ficción, hasta conformar una propuesta híbrida. “Al final en el filme hay un 95% de realidad y un 5% de escenas hechas adhoc. Por ejemplo, el personaje de Jarfaiter es ficción, porque él es una figura pública y, aunque forma parte del grupo, todo el mundo sabe quién es. Quizá hay algún otro detalle. Lo que hacemos nosotros es darle forma a la realidad a nivel narrativo. En la mayoría de documentales la distancia es mayor y el acercamiento es desde otro lugar, y por eso es fácil ver qué género son. En este caso diríamos que es un documental, lo que pasa es que acercamos la cámara y narramos de una manera que puede dar la sensación de ficción. Pero eso parte de que todas estas situaciones están previamente pactadas con los chavales y están hechas de la manera más disfrutona que se nos ocurre. Al final no deja de ser un documento”.

La acción transcurre lejos de Madrid, concretamente en el pantano de San Juan, un lugar típico para pasar un día escapando de la ciudad de forma económica, sustituyendo la ausencia de playa de la que adolece una urbe de interior. Un espacio de ocio muy común y popular donde se produce este reencuentro y donde ellos encuentran su particular y fugaz paraíso. “Esto parte de varias cosas. Por ejemplo, el concepto de 'vacaciones' de la clase trabajadora. Hay películas como Barrio, que categorizan de manera negativa a los chavales de los que hablan. En nuestro barrio la gente se puede escapar a pasar un día al pantano. Y como nosotros íbamos a grabar con el hito real de que Andresito iba a salir de la cárcel, eso no está ficcionado, nos vino bien para esa idea. Acaba la barbacoa y se pira directamente a la cárcel. Queríamos que fuera un lugar de recreo, que no estuvieran en la plaza del barrio asumiendo los roles que conocemos. Sacarles de los bloques para ir a un lugar más permeable, que estuvieran a gusto y hablar de las cosas en otro tono. No desde la violencia que contienen estos barrios y que, por otra parte, ya hemos visto muchas veces en el cine”.

Esta decisión también permitió a los cineastas asumir un tono visual más naturalista y un uso de la cámara libre y con un fuerte componente humano, para centrarse en los personajes y no tanto en el estereotipo de lo que significa vivir en un bloque. “Nosotros siempre decimos que ellos llevan el bloque tatuado en la cara. No hace falta ponerles en el punto de venta, con un chaval haciendo caballitos con una moto robada, porque realmente nuestra película no quiere impresionar, ni generar una fascinación en el espectador. Lo que pretendemos es revisitar el discurso, revisitar la historia y ver quién la escribe. A la vez que les ofrecemos una segunda oportunidad. Hubo una primera, en la que se les condena por un tema judicial. También está el peligro de desaparecer como grupo de amigos. Lo que la película les ofrece ahora es la oportunidad de que el juicio lo haga el espectador, que las preguntas se las hagan entre ellos, no un fiscal. Y que, con calma y cuidados, ellos puedan revelarse como miembros de una sociedad de la que formamos parte todos”. ¿Y hasta qué punto la película es un paso más en el proceso como familia de BRBR? “Nosotros siempre quisimos hacer una película, pero no sabíamos cuándo ni sobre qué iría, pero era una fantasía recurrente. En este caso fue muy orgánico. Ya teníamos ganas de hacer algo. Veníamos de ver pelis en el festival Punto de Vista de Pamplona, y nos dimos cuenta de que no hace falta tener un millón para hacer algo, que se puede hacer con menos… Desde hace doce años que llevábamos haciendo audiovisual todos los proyectos los hemos hecho con estos chavales. Desde los videoclips, donde formaban parte del casting, nos ayudaban a llevar cosas o grabábamos en casa de uno de ellos. Para BRBR lo colectivo con los colegas del barrio ha sido nuestro mayor apoyo y pilar. No recordamos bien si fue idea de Andrés o nuestra hacer la película, pero el origen fue totalmente orgánico, esto fue en 2018, cuatro años después de la pelea. De primeras no sabíamos qué necesitábamos, pero sí teníamos claro que necesitábamos algo”.

LA MALA FAMILIA

España.

“Mira, te diríamos que Madrid en David (2015), de Cálido Lehamo, es el videoclip que crea todo. Curiosamente salió el año después de la pelea que se narra en La mala familia, y de hecho es una referencia a lo que pasó. Cuando sucede todo esto nuestro primer impulso fue sacar el vídeo. Los dos actores aparecen también en la película, y de hecho uno de ellos es de los que juzgaron. Este vídeo nos marcó. Todo el barrio estuvo ayudando, porque era todo ilegal, sin permisos, con cámaras rodando en la Plaza de España. Fue muy guay”. Este fue el videoclip que inició la carrera en este terreno del colectivo, el que puso el foco de atención sobre BRBR, pero solo era el principio de una trayectoria que los ha llevado a ser considerados como directores de culto dentro de la escena. “El segundo en importancia en llegar probablemente fue el de Emelvi, Poems from Ramayana (2016). En este vídeo lo que hicimos fue utilizar los premios que nos dieron por el anterior y por un corto que hizo Nacho, unos dos mil o tres mil euros, y los reinvertimos. Fue un ejercicio cinematográfico que gracias a toda la peña quedó muy guay. Muchos de los actores de la peli están ahí”. Y el tercer trabajo que ponen en su particular lista es Exile (2018), de Territoire, el proyecto personal de Olivier Arsson, autor de la banda sonora de La mala familia. “A través de eso nos conocimos. Él todavía no había hecho música para cine, pero nos gustaba su forma de trabajar, la abstracción desde la que se enfocaba todo. Además, descubrimos grandes aliados: el propio Olivier, que desde entonces colabora con nosotros, y a Javier Tasio, que es el productor ejecutivo de BRBR y entonces era el percusionista del proyecto”.

También están los trabajos con C. Tangana, que tienen una gran importancia en la trayectoria de BRBR ya que Pucho fue la persona que presentó a Luis y a Nacho, “y de ahí surgió nuestra amistad”. Y comenzó a forjarse la familia.

'No me odio tanto' es, además del título del segundo álbum de Hens, la conclusión a la que llega el artista segoviano de 24 años cuando reflexiona sobre su meteórica carrera hasta el momento, sobre su vida pública, y también sobre todo aquello que apuesta por mantener en privado.

“pues aquí me pillas, un poco cansado, la verdad, esta semana ha sido bastante larga. Para bien... pero larga”. Antonio Hens responde el zoom desde su piso en Madrid, el lunes después de haber tocado en directo en cuatro ciudades en tan solo cuatro días, precisamente los cuatro días previos al lanzamiento de su segundo álbum No me odio tanto. “Todo listo para tomarme un par de días de vacaciones”.

Lo cierto es que el crecimiento de Hens ha sido exponencial desde 2019, cuando publicó el tema que se convirtió en su primer éxito: Tu historia y la mía. Un tema que, como muchos otros antes, había compartido con los “cuatro gatos” que le escuchaban entonces. Cuando todavía cursaba la carrera de Protocolo y Organización de Eventos y el grupo Go Roneo, del que formaba parte junto a sus amigos Delgao, Sesentay6 y Only, empezaba a llamar la atención. “En mi casa siempre se ha escuchado muchísima música. Somos seis, así que siempre sonaba algo de todos los estilos. Mis padres, además, tienen gustos muy diferentes. Tengo tíos músicos, pero en mi casa la verdad que nunca nos educaron formalmente en música. Cuando empecé con 15 años a escribir canciones con los colegas lo veían como un hobby: 'Al otro le gusta el fútbol y a este le ha dado por la música'”. Pero en unos meses la cantidad de oyentes no paraba de crecer, y en tiempos de pandemia Hens terminó firmando con Sony Music.

La gira de su primer álbum, Hensito (Sony, 2021), fue en muchos sentidos el momento de la verdad. "En ese momento se materializó la locura de los dos últimos años, ir a una sala en Cáceres y encontrarme con que había una cola enorme de gente esperándome era algo que nunca me había imaginado". El éxito de Hens es también el éxito del cambio de paradigma desde la oscuridad del trap que había caracterizado a la generación anterior, hacia un sonido abiertamente pop. En un momento tan atomizado e individualista en el consumo de productos de entretenimiento como fue la pandemia y post-pandemia, muchos echamos de menos la experiencia de disfrutar de la música como acto lúdico, social y comunitario. La música de Hens remite a aquellos años en que formaciones como El Canto del Loco, Despistaos y Pignoise dominaban las listas. Y, aunque al público de Hens todo aquello les pilló siendo unos críos, aquellas canciones siguen siendo para ellos (para nosotros) un referente tanto o más cercano que la negrura que define a la música de nuestra adolescencia y que anticipaba la siniestra experiencia del encierro.

Las letras de Hens ganan fuerza desde lo alto de un escenario, y solo adquieren todo su sentido cuando una multitud las corea de vuelta. "El directo es de las cosas que más han influenciado este disco, y es de lo que más disfruto del punto en el que estoy. No siempre ha sido así. Soy consciente de que vocalmente no soy un virtuoso, y por eso en los primeros bolos frente a grandes audiencias me entraba un poco el pánico. Ahora estoy mucho más a gusto sobre el escenario y la banda ya tiene mucho recorrido".

El disco fue en su mayor parte concebido en la carretera, en el tránsito de una a otra punta de España, y con los altibajos emocionales que esto conlleva. "Venía de un bloqueo después de sacar Hensito, un disco que tenía un montón de colaboraciones. También salió el álbum de Go Roneo ese mismo junio, y me quedé sin cosas que contar. Todo me iba muy bien y estaba a la espera de que algo se desequilibrara. Durante la gira pasé varios meses viviendo de forma pública en festivales, eventos, conciertos, haciendo entrevistas… Parece que lo compartes todo... pero por dentro estás en otro sitio". Sin grandes pretensiones y tratando su música más como un diario que como terapia, poco a poco empezaron a salir de nuevo las canciones. Esa honestidad y transparencia es lo que conecta a Hens con su público. "Nunca voy a dejar de disfrutar hacer música. Pero acepto que puede llegar el momento en que la condición de persona pública ya no me haga tanta gracia. Estoy eternamente agradecido a las redes sociales porque sin ellas habría tardado mucho más en llegar a tanta gente, pero soy consciente del arma de doble filo que son. Puedes llegar a obsesionarte con el algoritmo de Instagram o Spotify. Así que trato de ser consciente de que tener los números tan presentes puede resultar dañino". Porque, aunque Hens trate de normalizar su trabajo, la verdad es que ser una estrella del pop no es para nada normal. "Me agobia tener que estar todo el día al pie del cañón, publicando canciones, interactuando con gente, haciendo tiktoks… Me genera ansiedad porque sé que mi trabajo es hacer música, pero a día de hoy eso tiene unas implicaciones y también conlleva una faceta pública. A veces me gustaría desconectar sin tener el feedback constante del algoritmo, que te dice cómo suben o bajan los números. Pero, bueno, todo esto es por quejarme de algo: lo que estoy viviendo en realidad es un sueño”. Y con un WiZink Center programado para el 23 de febrero de 2024 como guinda a la gira, parece que el sueño no tiene fecha de caducidad cercana.

NO ME ODIO TANTO (SONY, 2023)

Roto (intro) / No me odio tanto / Mami / Me has jodido el ciclo del sueño / Me da igual / Cuenta conmigo / Todo cambió / Tu lado de la cama / Alguien pa ti / Solo me conoces borracho / Ya no me enamoro / Aunque estoy mal

Nintendo, Eiji Aonuma, Hyrule, la Trifuerza. Los planetas se han alineado para originar un nuevo ciclo en la línea temporal infinita de 'The Legend of Zelda'. Las expectativas están altísimas, ¿Será capaz 'Tears of the Kingdom' de superar lo que ya parecía insuperable en 2017 con su precuela?

'THE LEGEND OF ZELDA: OCARINA OF TIME' + 'THE LEGEND OF ZELDA: MAJORA'S MASK'

El salto a las tres dimensiones supuso la primera gran etapa del realismo en los videojuegos, con el empeño de recrear lo mejor posible lo que nuestros ojos podían veren la vida real. Esto es lo que definió el estilo de Ocarina of Time (1998) y Majora’s Mask (2000) con un remix entre lo sobrio y lo onírico, donde en medio de un contexto fantástico también había lugar para lo decadente. Una dicotomía que se ha convertido en parte de la idiosincrasia de la saga desde entonces.

'THE LEGEND OF ZELDA' + 'THE LEGEND OF ZELDA: A LINK TO THE PAST'

The Legend of Zelda nació como el sueño personal de Shigeru Miyamoto -creador de Super Mario- intentando recrear lo que sentía cuando era un niño y se iba de excursión al campo. El primer juego de la saga aparecía en 1987 con una paleta de colores limitada a los 8 bits, pero el arte de la serie avanzó con la tecnología hacia A Link to the Past (1991) sin que fuéramos conscientes de la gran revolución que iba a tener lugar poco tiempo después.

El enorme parecido a nivel estético que había entre los dos anteriores juegos de la saga provocó que la gente empezase a preguntarse si Nintendo se había quedado sin ideas. Fue entonces cuando el estudio optó por despejar cualquier atisbo de duda al diseñar su siguiente obra bajo un estilo chibi lleno de color. La decisión no convenció a todo el mundo, pero cuando Wind Waker salió en 2002 pasó a ser considerado como uno de los juegos más bonitos de la historia.

'THE LEGEND OF ZELDA: TWILIGHT PRINCESS'

Si el público logró apreciar la belleza que existía detrás de los diseños de Wind Waker fue gracias al juego que llegó después. Su secuela nació a raíz de la preocupación de Nintendo por no ser encasillada como la compañía que solo hace juegos para todos los públicos. Así dieron vida en el año 2006 a Twilight Princess con un estilo que buscaba evocar los orígenes de la saga y mirar hacia Ocarina of Time. ¿Resultado? Un juego extravagante y oscuro que coincidió con la Nintendo más adolescente.

Nintendo siempre ha mantenido la simpleza del diseño de link, no solo para que fuera reconocible para todo el mundo, sino para poder moldearlo a voluntad de forma sencilla.

'THE LEGEND OF ZELDA: SKYWARD SWORD'

Corría el año 2011 y Nintendo se acercaba hacia su siguiente generación de consolas: no era el momento para experimentos ni arrebatos extremos. Pero fue precisamente ahí, en ese ejercicio de creatividad contenida, donde el estudio encontró el estilo artístico que definiría el futuro de la saga. Skyward Sword salió ese mismo año bajo una estética impresionista en el que todo pasa a través de un filtro de colores con el que parece que el juego está pintado con acuarelas.

'THE LEGEND OF ZELDA: BREATH OF THE WILD' + 'THE LEGEND OF ZELDA: TEARS OF THE KINGDOM'

Breath of the Wild y Tears of the Kingdom son el resultado de decenas de años de experiencia en la práctica del ensayo y el error. Ambos representan a la Nintendo con las ideas más claras en cuanto a lo artístico, y se conforman como un homenaje a las técnicas de animación japonesas con un estilo creíble, pero de corte cartoon. The Legend of Zelda siempre había sido un lienzo en blanco lleno de posibilidades, pero aquí Nintendo comienza a revelar lo que de verdad siempre ha querido pintar sobre él.

Breath of the Wild supuso el primer paso en la nueva etapa artística de Nintendo.

THE

Fecha de lanzamiento: 12 de mayo

Nintendo

Plataformas: Nintendo Swich

POR: RICKY LAVADO FOTO: NHU XUAN HUA

PIANISTA Y CHELISTA DE FORMACIÓN CLÁSICA, CANTANTE, COMPOSITORA, PRODUCTORA Y FOTÓGRAFA; LA LONDINENSE DE ORIGEN CHINO PASÓ DEL CONSERVATORIO AL CIRCUITO INDIE COMO COMPONENTE DE FELIX, ANTES DE RECORRER MEDIO PLANETA ACOMPAÑANDO A STARS OF THE LID Y FKA TWIGS EN DIRECTO. TODO ESE BAGAJE CRISTALIZA EN 'YIAN', SU BRILLANTE ESTRENO COMO SOLISTA.

“es inusual escribir un álbum debut en solitario a los treinta y tantos. Creo que siempre había querido escribir mi propio disco, pero también creo que me llevó mucho tiempo encontrar una red de apoyo para hacerlo. No sé si ha habido un cambio dentro de la industria. A lo mejor ahora hay una mayor representación de artistas diferentes que reciben el apoyo para escribir y producir discos. A lo mejor simplemente es que ahora me siento lo suficientemente segura conmigo misma como para dar un paso adelante como solista. El entorno ahora es diferente, el ambiente a mi alrededor ha cambiado, y yo he cambiado como artista también”. Ciertamente, YIAN suena a trabajo cocinado lentamente, sin prisas y con una atención al detalle y una madurez compositiva impropias de un debut. Los diez cortes que le dan forma suponen un compendio de todos los terrenos que Lucinda Chua ha ido transitando anteriormente, para construir un disco en el que la londinense nos sumerge en la calma contemplativa, la electrónica glacial, el pop de cámara más intimista y una sensación de recogimiento y quietud que puede hacernos pensar en Portishead, Talk Talk o incluso Sigur Ros.

“Después del segundo disco de Felix -trío de cello, guitarra y batería que publicó dos discos con el sello postrockero Kranky- sabía que mi siguiente trabajo sería un disco en solitario, no un proyecto de banda, pero me costó mucho encontrar un sello que me apoyara e invirtiera en mí. Ya en 2012 tenía claro que quería hacerlo, quería ser capaz de comprometerme realmente y hacer algo que me pareciera significativo, que tuviera tiempo para desarrollar y explorar, tanto conceptual como sonoramente. Durante mucho tiempo estuve enviando mi material a diferentes sellos, pero supongo que no era el momento adecuado todavía". Llegado por fin ese momento, brilla por derecho propio el minucioso y preciosista trabajo de producción por parte de Lucinda Chua. YIAN suena íntimo, frágil, engañosamente simple y envuelto en una atmósfera en la que el tiempo parece detenerse. “Creo que mi música le habla al alma. No tenía una idea previa específica sobre cómo quería que sonara YIAN, o qué temas y motivos aparecerían. Sucedió de manera intuitiva mientras escribía y trabajaba en él. Quería conseguir algo que funcionara como un disco en lugar de una colección de canciones, algo que se sintiera de una forma similar al acto de ver una película, algo en lo que poder perderte. Escribí todas las canciones durante el confinamiento por la pandemia, encerrada en casa, así que me limité a lo que tenía a mano: un teclado pequeño, mi violonchelo y un micrófono. Cuando se levantaron las restricciones, por fin pude entrar en el estudio. 4AD tiene un estudio en el sótano de su edificio de oficinas en Londres, y todavía estaban trabajando desde casa, así que me dieron las llaves y pude trabajar en el disco sin nadie alrededor. Fue entonces cuando comencé a explorar la producción. Pero ya tenía el esqueleto de las composiciones planeado, y me centré en los elementos básicos de piano, rhodes, violonchelo y voz; qué sonidos podía crear y cómo podía manipular y procesar esos sonidos, y juntarlo todo casi como un collage, para crear un viaje que resultara interesante y dinámico. Supongo que tener algunas limitaciones realmente ayudó al proceso".

Conceptualmente, YIAN propone un relato acerca de la identidad, la tradición y el sentimiento de no pertenencia, articulado sobre la herencia cultural y familiar de Lucinda Chua ('Yian' es su nombre chino, y significa también 'golondrina', como metáfora de las migraciones); una narrativa expandida por un trabajo audiovisual en el que la danza tradicional china y la fotografía detallista complementan el discurso poético e íntimo del disco. “Siempre tuve en mente que exploraría el terreno visual, y tal vez eso se deba a mi formación como fotógrafa. Me encanta construir espacios alternativos, ya sea visualmente o en la música. Cuando terminé de grabar todas las partes para el disco, hice el trabajo creativo y visual. Cuando estoy en el estudio trabajando en una canción puedo trabajar en esa canción para siempre, porque disfruto el proceso; el sonido, crear atmósferas, editar y cambiar y volver a componer una y otra vez. Saber que tenía un nuevo capítulo por recorrer en el campo visual me ayudó a hacer las paces con el hecho de que mi papel como autora y compositora de la música había llegado a su fin. El proceso de hacer los videos y filmar el arte y colaborar con otros artistas realmente me ayudó. Verlo todo a través de los ojos de otras personas es una forma muy útil de trabajar. Ese proceso realmente me ayudó a tener una perspectiva de lo que había hecho y las posibilidades a partir de ahí".

“Milton Keynes es un lugar muy poco corriente en el Reino Unido. Es una ciudad suburbana, provincial, con arquitectura futurista inspirada en Mies van der Rohe. Es un lugar construido para incentivar a las familias de clase media a salir de Londres. Para mí, fue un lugar muy extraño al que mudarme. Viví en el centro de Londres hasta los 10 años; había tantas culturas diferentes a mi alrededor en mi infancia, tantos tipos diferentes de personas... En ese contexto, de repente moverme a Milton Keynes fue enfrentarme a algo muy, muy inglés. Viviendo en Londres no había sido consciente de ser asiática, pero cuando hice ese cambio a un entorno suburbano, pasé a formar parte de una minoría. De repente, me di cuenta de que era diferente, y tengo que decir que mi diferencia no siempre era bienvenida. Cuando tenía 4 ó 5 años, en la escuela tenía que hablar sobre el año nuevo chino y ese tipo de cosas, pero en Milton Keynes hacían que me avergonzara de ese legado. No terminaba de sentirme segura, porque ser diferente de repente me convertía en un objetivo. Mantuve muchas partes de mí misma ocultas, y me esforcé mucho para ser aceptada y no convertirme en una víctima. En los suburbios siempre me sentí un poco perdida. No fue hasta más tarde en la vida que me di cuenta de todo esto, al regresar a Londres y acercarme más a mi herencia cultural y familiar, al encontrar amigos en la comunidad de la diáspora asiática. No lo viví como un descubrimiento, fue más como un regreso. No creo que mi identidad haya cambiado, siempre he sido la misma persona, pero mi confianza y la percepción de mí misma sí que lo han hecho, y tal vez en cierto modo este disco es un regreso a la persona que era hasta los 10 años: aquel momento en que tenía confianza, era valiente y siempre levantaba la mano en clase”.