Luís Tinoco - The blue voice of the water by Odradek

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Total Play Time: 61â&#x20AC;&#x2122;11

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ENG For the past 15 years much of my work as a composer has been devoted to writing orchestral music, which has become one of my favourite tools of expression. A feeling of vertigo at the start of this journey, when confronted with a blank page waiting to be filled, eventually gave way to joy. The orchestra is a unique, challenging medium that offers inexhaustible possibilities regarding musical narrative and flow of time. I feel particularly attracted to its field depth resources when working with sound, colour, and multi-layered textures. Every detail when composing for orchestra can expand the concepts of pitch and duration. Just as the performing arts include the placement of objects and people on stage, I also strive for a three-dimensional ‘staging’ of sound, planning the foreground, background, and everything that can be heard around and in between. Possibly due to my interest in the fine arts, many of my scores are structured in panels, like in a polyptych painting. These panels can be combined together in a through-composed single movement work – as it happens with three of the compositions featured in this album. I have spent most of my life near a river and the sea. The drift of water, its velocities and shapes, the continuous change of light and tonality, the vast immensity of a horizontal line; all these elements play an important role in my work. Not in the manner of tone painting, but in the sense that my perception of time, of shaping the musical material and building its form, reflects the impact of this proximity to water; the colours, the blue, the unique light of Lisbon. The Blue Voice of the Water was written for a co-commission from the Gulbenkian Orchestra and the São Paulo Symphony. I started to explore Brazilian poetry, especially Manoel de Barros, finding a verse of his that may be freely translated as “the voice of the water has a blue accent”. This triggered my imagination for this piece, which starts in the dark blue of the deep ocean, gradually rising to lighter tones as if returning to the surface. The release of this album is the outcome of a long process that demanded tenacity and the overcoming of many obstacles. I had the privilege of being joined and supported by an amazing group of people – the orchestras, conductors, their management – all of whom share a passion for daring music-making, sustaining my determination to follow my path as a composer. Luís Tinoco 5 5

O Sotaque Azul das Águas (The Blue Voice of the Water, 2015) Dedicated to Alrun and Ben Almeida Faria The composition that opens this recording was co-commissioned by the Orquestra Gulbenkian and the São Paulo Symphony Orchestra (OSESP). In this work, the composer has decided to portray the deep historic connections between Portugal and Brazil, countries separated by an ocean lying between them yet united by the common language spoken by both of their populations. The subtle gradations of colour in the ocean waves seen on much-travelled passages from one country to the other are not dissimilar from the slight and fascinating deviations in accent existing between European and Brazilian Portuguese. For inspiration, Tinoco turned to the poetry of the recently-deceased Brazilian poet Manoel de Barros (1916-2014) whose writings are full of unusual imagery: Reading one of his poems, Compêndio para Uso dos Pássaros (“Compendium for the Birds”), I found a verse that can be freely translated as

“the voice of the water has a blue accent”. And this triggered my imagination for composing the piece – a work that starts in the deep dark blue and gradually rises to other lighter tones of colour, as if one dives to the deep and then returns to the surface in a continuous flow of movement and gradual changes of colour. The music was inspired by the poem only in a very general way and does not have any direct correspondence with its images or structure. Tinoco creates a uniquely powerful sound-world that reflects the beauty of the ocean through a mesmerising display of wavelike textures which culminate in giant tsunamis and then recede to a barely noticeable but relentless tidal surge. Cello Concerto (2016/17) Dedicated to Filipe Quaresma In the 2016/17 season, Luís Tinoco was appointed Composer-in-Residence of the Portuguese Symphony Orchestra and the São Carlos Theatre in Lisbon. The first work commissioned and 6 6

premiered as part of this residency was the Cello Concerto dedicated to the cellist Filipe Quaresma. The work opens with slowly-shifting chords in the string section that rise from pianissimo to considerable dynamic spikes, and then return to their quiet origin. These chords become layered asymmetrically, breaking harmonic and metrical patterns. Uncannily interwoven spectral and heterophonic techniques evoke a special type of texture: asynchronously stratified lines seamlessly fluctuate both in the multi-voiced solo cello part and in the orchestral whole, bringing up distant aural memories from the secluded areas of the subconscious. The magical sound-world of the Cello Concerto envelopes listeners in a whimsical and elusory way, painting surreal, apparitional pictures. With the entrance of harp and piano, the solo cello line becomes palpable, almost visible, while achieving a focussed singing quality. The isolated islands of harmonic stability (such as a few breezy reminiscences of A minor in the middle section) collide with delusive harmonic distortions. Suddenly, such dislocated memories are interrupted by insistently repeated fleeting semiquavers, first in the winds and

then in the strings, evoking a brief and fierce cello recitative which soon dissolves into the previously heard surreal stratifications led by the piano and harp. A gorgeous and solemn duo within the cello solo part, almost in a strophic form with a suspended â&#x20AC;&#x2DC;Aâ&#x20AC;&#x2122; in the floating upper voice, opens the second movement, later disseminated note by note to different orchestral parts. While the original duo lines remain well-pronounced in the cello part, their disintegrated orchestral images surround the solo with illusory reflections of individual tones, creating a dream-like atmosphere â&#x20AC;&#x201C; until interrupted by vertically aligned sinister chords alternating between the winds and the strings. These eerie chords push the solo cello to change its texture from the singing duo mode to a leaping and skipping single line seemingly trying to escape the haunted world. With the beginning of the third movement, the struggle continues, as the entire orchestra becomes engulfed in furiously repeated triplets. Eventually, the lyrical side begins to resist and gradually prevails, recreating the magical environment of the first movement while punctuated by occasional and quickly-repeated percussive sounds alternating 7 7

between different instrumental lines. Perhaps reflecting further mysteries, the journey slips away with the most subtle inflection of a distant gamelan. Frisland (2014) Dedicated to Bill Frisell The title of this piece refers to the name of an imaginary island that was placed on a map of the North Atlantic Ocean by esteemed 16th-century Italian cartographer, Nicolo Zeno. Tinoco notes: I used this ‘phantom land’ as a trigger for a ‘phantom music’, that is, a music of no man’s land, or of an ambiguous territory, to demonstrate my approach (a tribute) to the material of another composer. The fantasy element became quite important to the concept of the piece. That ‘other composer’ that Tinoco referred to is Bill Frisell, the Seattle-based jazz artist; his surname shares the same first syllable as the phantom island’s name. Frisland was commissioned for the Seattle Symphony’s annual concert series based on the legacy of Seattle’s

greatest popular musicians. Artists as varied as Jimi Hendrix, Ray Charles, and Quincy Jones, and bands as diverse as Nirvana, Soundgarden, and Alice in Chains all have strong Seattle roots. Bill Frisell, one of the most famous American guitarists and composers, was born in 1951 and has spent the last 30 years in Seattle, having become one of the most influential living jazz musicians. Tinoco had admired Frisell’s work for many years and when the Seattle Symphony approached him with a proposal to choose an artist from its home city to reflect upon, the Portuguese composer didn’t have to think twice. Well acquainted with Frisell’s compositions and improvisations, he was rapidly able to select the most memorable excerpts from them, which he called ‘friselprints’ and referenced in his piece mostly without direct quotations. Frisland is, in Tinoco’s own words, “an imaginary voyage through an (also imaginary) sound-world inspired by Frisell’s music”. The opening chaconne-like variations which follow an enigmatic theme for solo cello allude both to the layered history of the piece’s title, and to the phantom medieval island. The middle section 8 8

peregrinates over a vast minimalistic landscape whose flickering, open textures and uncluttered harmonic spectrum, adorned with some bluesy colours, suggest widely-spaced American frontiers. The initial chaconne returns for a brief moment and quickly disappears into the ancient ocean. Before Spring, a Tribute to ‘The Rite’ (2010, rev. 2013) Dedicated to Joana Carneiro This composition was co-commissioned in 2010 by the Centro Cultural de Belém and the 16-member OrchestrUtopica as a companion/prelude to Stravinsky’s The Rite of Spring. Three years later it was reworked for full orchestra, just in time for the hundredth anniversary celebration of the premiere of Stravinsky’s masterpiece. As in Frisland, in this work Tinoco seeks to pay homage to the dedicatee without overt or obvious references to his famous work. To that end, the Portuguese composer imaginatively reinterprets the primordial idea of fertility rites that Stravinsky embeds so deeply in the foreground of his famous ballet. Over the past century, The Rite of

Spring has inseminated much of contemporary music with its sounds and values, and Tinoco’s piece can be seen as a shoot that sprouted from this fertile ground. Some of the seeds that Stravinsky planted – such as the famous two-clarinet figuration, the tiny ornament in the piccolo clarinet part, and a particular chord in the divisi violas – are here in Tinoco’s score, used to bring up fleeting flashes of literal reminiscences, but most references are heard from a distance, as we hear now and then a quasi-Stravinskean textural gesture, an unexpected rhythmic accent, or a fierce dance of a relentless, crashing force. The music gradually awakens from slow, suspended tones and long pauses to thrilling, accentuated bursts of orchestral colours and endless celerity. Towards the end of the piece, ten wind and brass players leave the stage and go to off-stage positions surrounding the audience, encircling it with a cloud of all-encompassing swelling music. Suddenly, everything abruptly stops and we hear only one remaining pianissimo sound – the iconic C played by the bassoon, a fitting preview of the ensuing masterpiece. Elena Dubinets Text by Elena Dubinets / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons AttributionNoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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Orquestra Gulbenkian

For most of my life I’ve lived next to the river Tagus and the Atlantic Ocean, surrounded by the bright blue sky of Lisbon. For the periods when I lived abroad, this light to which I became totally addicted was, perhaps, what I missed the most. Coming from a family strongly connected to music and the visual arts, I was much influenced by the sounds and images I got used to hearing and seeing from a young age. From that period I hold strong memories of listening to my grandmother playing on her piano, or to discovering jazz at my parents’ home, where musicians would pop in for a late-night jam session. My father’s studio was above my bedroom, in the attic, and I used to climb the stairs to say goodnight and watch the progress of each new canvas. In the morning, I would sneak in again just to check what had happened to those canvasses during my sleep. I therefore became passionate about painting and the work of artists such as Kitaj, Diebenkorn, Francis Bacon, Basquiat, Hockney or Paula Rego, to name but a few. Film also became a big passion, leading to starting cinema studies – eventually interrupted to become more involved with music making. This was when I went to read music at the Escola Superior de Música, my alma mater, where I have also worked as a lecturer after completing an MMus at the Royal Academy of Music. The UK became my second academic and professional home; I signed with the University of York Music Press and, later on, took my PhD at the same university. I have also been involved with the writing of radio programmes for the Portuguese Classical channel. I am interested in music that is being written by other composers from all around the world, as opposed to a mostly eurocentric approach to contemporary music making, and this has become the main subject of my radio programme, The Geography of Sound. And, of course, whenever I find some spare time, I compose music. Much of my output has been devoted to orchestral writing, working with some amazing musicians – such as those represented on this album – but also composing scores for chamber ensembles, soloists, and for the stage, including music theatre and dance. Luís Tinoco 11 11

The 2017/18 season marks Susanna Mälkki’s debut year as Principal Guest Conductor of the Los Angeles Philharmonic. A guest conductor at the highest level worldwide, Mälkki also begins the 2017/18 season with a return to the Berliner Philharmoniker (Berliner Festspiele), and she recently made her debut with the London Symphony Orchestra (she returns in April 2018). Other forthcoming engagements include returns to the New York Philharmonic and Gothenburg Symphony Orchestras, as well as her Czech Philharmonic debut. A renowned opera conductor, Mälkki makes her debut at the Wiener Staatsoper in 2018, and was the first woman to conduct a production at Teatro alla Scala, Milan (2011). It was back in 1962 that the Calouste Gulbenkian Foundation decided to establish a permanent orchestral body, which initially consisted of only twelve musicians, originally designated as Orquestra de Câmara Gulbenkian. Since then, the collective has been successively enlarged up to the point where today the Orquestra Gulbenkian (the name it has adopted since 1971) counts upon a permanent body of 60 instrumentalists, which can be expanded in accordance with the needs of the repertoire. This structure allows Orquestra Gulbenkian to interpret a wide repertoire, which spans all of the Classical period, a significant part of 19th century orchestral literature and much of the music of the 20th century. Works belonging to the current repertoire of the big traditional symphonic orchestras, namely Haydn’s, Mozart’s, Beethoven’s, Schubert’s, Mendelssohn’s or Schumann’s orchestral productions, can thus be played by Orquestra Gulbenkian in versions that are closer to the orchestrations they originally were conceived for. Every season the orchestra gives a regular series of concerts at the Gulbenkian Grand Auditorium in Lisbon in collaboration with some of the most important musicians in the world of music. Every year it also performs in numerous locations all over Portugal. The orchestra has been gradually expanding its activities on the international level, performing in Europe, Asia, Africa and the Americas. Filipe Quaresma, with “precise, superbly articulated playing, full of passion yet often quite thoughtful” (The Strad) combines his intense solo career with the Baroque Orchestra of Casa da Música (CdM), Darcos Ensemble, Remix Ensemble CdM, Sond’Ar-te Electric Ensemble, Orchestre Révolutionnaire et Romantique, with the position of Cello Teacher at ESMAE. He studied in his hometown Covilhã, London and Florence, with Rogério Peixinho, David Strange, Mats Lidström and Natalia Gutman. Filipe has received prizes and scholarships of international prestige and, in 2010, was appointed Associate of the Royal Academy of Music (ARAM). He has performed solo with orchestra many times, and recently gave the première of Tinoco’s Cello Concerto. Of his numerous recordings, highlights include Portuguese Music for Solo Cello, recorded with the support of GDA.

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Pedro Neves is Principal Conductor of the Espinho Classic Orchestra, and was recently appointed Invited Conductor of the Gulbenkian Orchestra. He was Principal Conductor of the Algarve Orchestra between 2011 and 2013 and is a regular guest conductor across Europe and Brazil. In contemporary music he has collaborated with Sond’arte Electric Ensemble, Remix, the resident new music ensemble of the Casa da Música, and Grupo de Música Contemporânea de Lisboa. He is the founder of Lisbon’s Camerata Alma Mater, a string chamber orchestra whose concerts have been widely acclaimed. The OSP or Orquestra Sinfónica Portuguesa (Portuguese Symphony Orchestra), formed in 1993, is one of the São Carlos Opera House performing arts groups. OSP collaborates regularly with RTP – Rádio e Televisão de Portugal, which is responsible for radio broadcasts of its concerts and operas on Antena 2 and for the recently televised broadcasting on RTP2 of Wagner’s Der Ring Des Nibelungen and Poulenc’s Dialogues des Carmélites. OSP has performed in opera and concert seasons under the direction of renowned conductors such as Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Jansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeffrey Tate and Yuri Ahronovitch, among others. Joana Carneiro is currently the OSP Principal Music Director. As the Seattle Symphony’s Music Director, Ludovic Morlot has been received with extraordinary enthusiasm by musicians and audiences alike. From 2012/14 Morlot was also Chief Conductor of La Monnaie, one of Europe’s most prestigious opera houses. In the U.S., Ludovic Morlot has conducted the Boston Symphony Orchestra, Chicago Symphony Orchestra, Cleveland Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic, New York Philharmonic, Philadelphia Orchestra and Pittsburgh Symphony. Additionally, he has conducted the Budapest Festival Orchestra, Czech Philharmonic, Danish National Symphony Orchestra, Dresden Staatskapelle, London Philharmonic Orchestra, Orchestre National de France, Royal Concertgebouw Orchestra, Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, Tokyo Philharmonic Orchestra and the Tonhalle-Orchester Zürich. Morlot was elected a Fellow of the Royal Academy of Music in 2014. He is Chair of Orchestral Conducting Studies at the University of Washington School of Music. 13 13

Orquestra Sinfรณnica Portuguesa Pedro Neves conductor

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The Seattle Symphony is one of America’s leading symphony orchestras and is internationally acclaimed for its innovative programming and extensive recording history. Under the leadership of Music Director Ludovic Morlot since September 2011, the Symphony is heard from September through July by more than 500,000 people through live performances and radio broadcasts. It performs in one of the finest modern concert halls in the world – the acoustically superb Benaroya Hall – in downtown Seattle. Its extensive education and community engagement programs reach over 65,000 children and adults each year. The Seattle Symphony has a deep commitment to new music, commissioning many works by living composers each season. The orchestra has made nearly 150 recordings and has received three Grammy Awards, 23 Grammy nominations, two Emmy Awards and numerous other accolades. In 2014 the Symphony launched its in-house recording label, Seattle Symphony Media. Martin André works in opera houses and concert halls all over the world. He studied Music at Cambridge, and made his professional début conducting Aida for WNO in 1982. He is the only conductor to have performed for all the major British opera companies. From 1993/96 he was Music Director of the English Touring Opera, and from 2010/13 Artistic Director of Teatro Nacional de São Carlos, Lisbon, entailing roles as Chief Executive of both National Opera Company and National Symphony Orchestra. In 2017 he conducted two operas for Opera North, and Massenet’s Cendrillon at the Royal Northern College of Music. Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música has worked regularly with well known conductors such as Peter Eötvös, Heinz Holliger, Eliahu Inbal, Michail Jurowski, Reinbert de Leeuw, Andris Nelsons, Vasily Petrenko, Vassily Sinaisky, Tugan Sokhiev, John Storgårds, Antoni Wit and Lothar Zagrosek; and soloists including Pierre-Laurent Aimard, JeanEfflam Bavouzet, Joyce DiDonato, Natalia Gutman, Alina Ibragimova, Steven Isserlis, Christian Lindberg, Felicity Lott, António Meneses, Midori, Truls Mørk, Kristine Opolais, Thomas Zehetmair and the Arditti Quartet. It has worked with some of the foremost contemporary composers, from Emmanuel Nunes to Jonathan Harvey, Kaija Saariaho, Magnus Lindberg, Pascal Dusapin, Luca Francesconi, Unsuk Chin, Peter Eötvös, Helmut Lachenmann, Georges Aperghis, Heinz Holliger and Harrison Birtwistle. Apart from performing around 50 concerts per year at Casa da Música, it is increasingly seen outside Porto, having visited in recent seasons Vienna, Strasbourg, Luxembourg, Antwerp, Rotterdam, Valladolid, Madrid, Santiago de Compostela, Brazil and Lisbon. In 2017 the orchestra performs all of Brahms’ symphonies and key works such as Mozart’s Requiem, Britten’s War Requiem, Harrison Birtwistle’s Earth Dances and James Dillon’s Via Sacra. It also presents the Portuguese premieres of new works by Magnus Lindberg and Pascal Dusapin commissioned by Casa da Música. The orchestra has been part of Casa da Música since July 2006. 15 15

POR Durante os últimos 15 anos, muito do meu trabalho como compositor tem sido a escrita de música para orquestra, que se tornou num dos meus meios de expressão preferidos. Um sentido de vertigem no início desta viagem, confrontado com uma página em branco à espera de ser preenchida, finalmente deu lugar a alegria. A orquestra é um meio único, um desafio que oferece possibilidades inesgotáveis em relação à narrativa musical e ao fluir do tempo. Sintome sobretudo atraído pelos recursos de profundidade de campo ao trabalhar com som, cor e texturas com várias camadas. Cada pormenor, quando se compõe para a orquestra, pode ir além dos conceitos de tom e duração. Tal como as artes de performance incluem o posicionamento de objectos e pessoas no palco, eu também procuro uma “encenação” tridimensional do som, planificando o primeiro plano, o fundo e tudo que possa ser ouvido à volta e dentro dos mesmos. Talvez à conta do meu interesse pelas belas artes, muitas das minhas partituras são estruturadas em painéis, como num políptico. Estes painéis podem ser combinados para produzir uma obra composta em um único andamento, como sucede com três das composições neste disco. Passei a maior parte da minha vida perto de um rio e do mar. O movimento de água, as velocidades e formas, a mudança contínua de luz e tonalidade, a vasta imensidão de uma linha horizontal: todos estes elementos têm um papel importante no meu trabalho. Não no sentido de pintar com a música, mas na medida em que a minha percepção de tempo, de moldar o material musical e de construir a forma, reflecte o impacto desta proximidade da água; as cores, o azul, a luz única de Lisboa. O Sotaque Azul das Águas foi encomendada juntamente pela Orquestra Gulbenkian e pela Orquestra Sinfónica de São Paulo. Comecei a explorar a poesia brasileira, sobretudo a de Manoel de Barros, e descobri um verso seu, “Sei que a voz das águas tem sotaque azul”. Isso despertou a minha imaginação para esta composição que começa no azul escuro do oceano profundo, subindo gradualmente a tons mais claros como se estivesse a subir até a superfície. O lançamento deste álbum é o resultado de um longo processo que exigiu tenacidade e a superação de muitos obstáculos. Tive o privilégio de estar junto de, e apoiado por, um extraordinário grupo de pessoas – as orquestras, os maestros, as gerências – todos partilhando uma paixão pela audaz execução de música, sustentando a minha determinação em seguir o meu caminho de compositor. Luís Tinoco 16 16

O Sotaque Azul das Águas (The Blue Voice of the Water, 2015) Dedicado a Alrun e Ben Almeida Faria A composição que abre esta gravação foi uma co-encomenda da Orquestra Gulbenkian e da Orquestra Sinfónica de São Paulo (OSESP). Nesta obra, o compositor decidiu retratar as profundas ligações históricas entre Portugal e o Brasil, países separados por um oceano mas unidos pela língua comum dos seus povos. As subtis gradações de cor nas ondas do oceano vistas nas passagens muito viajadas de um país para o outro assemelham-se aos fascinantes desvios de sotaque existentes entre o português europeu e o do Brasil. Para inspiração, Tinoco teve recurso à poesia do recémfalecido poeta brasileiro Manoel de Barros (1916-2014), cujos escritos estão repletos de imagens invulgares: Lendo um dos seus poemas, Compêndio para Uso dos Pássaros, encontrei um verso, “Sei que a voz das águas tem sotaque azul”. Isso despertou a minha imaginação para esta obra, que começa no azul escuro do oceano profundo, subindo gradualmente a tons mais claros como se estivesse a subir até a

superfície, num fluir contínuo de movimento e mudanças graduais de cor. A música foi inspirada no poema só de uma forma muito geral e não tem nenhuma correspondência directa com as suas imagens ou a estrutura. Tinoco cria um mundo sonoro com uma força única que reflecte a beleza do oceano através de uma exibição mesmerizante de texturas parecidas com ondas, que culminam em tsunamis gigantes e depois diminuem para uma ondulação pouco evidente mas insistente.

Concerto para Violoncelo (2016/17) Dedicado a Filipe Quaresma Na temporada de 2016/2017, Luís Tinoco foi nomeado Compositor Residente da Orquestra Sinfónica Portuguesa e do Teatro Nacional de São Carlos em Lisboa. A primeira obra encomendada e estreada como parte desta residência foi o Concerto para Violoncelo, dedicado ao violoncelista Filipe Quaresma. A obra abre com acordes em moção lenta nas cordas que surgem de um pianíssimo até substanciais picos 17 17

dinâmicos, para depois voltarem às suas origens calmas. Estes acordes são sobrepostos assimetricamente, quebrando padrões harmónicos e métricos. Técnicas espectrais e heterofónicas misteriosamente entrelaçadas evocam um tipo de textura especial: linhas estratificadas assincronicamente flutuam suavemente na parte multi-vocal do violoncelo e do todo orquestral, trazendo memórias aurais distantes das áreas reclusas do subconsciente. O mundo sonoro mágico do Concerto para Violoncelo envolve os ouvintes de uma maneira caprichosa e esquiva, pintando quadros surreais, como se fossem aparições. Com a entrada da harpa e do piano, a linha do violoncelo solo torna-se palpável, quase visível, enquanto consegue uma qualidade focada, cantabile. As ilhas isoladas de estabilidade harmónica (tais como umas leves reminiscências de lá menor na secção central) colidem com distorções harmónicas delusivas. De repente, estas memórias deslocadas são interrompidas por semifusas evanescentes insistentemente repetidas, primeiro nos sopros e depois nas cordas, evocando um recitativo breve e feroz que se dissolve rapidamente nas já-ouvidas estratificações surreais, conduzidas pelo piano e pela harpa.

Um duo solene e deslumbrante dentro da parte do violoncelo, quase em forma estrófica com um “lá” suspenso na voz flutuante de cima, abre o segundo andamento, disseminado mais tarde nota por nota a diferentes partes orquestrais. Enquanto as linhas originais do duo permanecem bem delineadas na parte do violoncelo, imagens orquestrais das mesmas rodeiam o solo com reflexos ilusórios de tons individuais, criando uma atmosfera onírica – até ser interrompido por acordes ameaçadores, alinhados verticalmente, alternando entre os sopros e as cordas. Estes acordes misteriosos forçam o violoncelo solo a mudar a sua textura de duo cantante por uma única linha que, saltando e pulando, parece estar a tentar fugir do mundo assombrado. Com o início do terceiro andamento, a luta continua, a orquestra inteira sendo engolfada em tercinas repetidas furiosamente. Finalmente, o lado lírico começa a resistir e prevalece gradualmente, recriando o ambiente mágico do primeiro andamento mas pontuado por sons percussivos ocasionais e rapidamente repetidos, alternando entre diferentes linhas melódicas. Talvez reflectindo mais mistérios, a viagem desaparece com a subtilíssima inflexão de um gamelão distante.

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Frisland (2014) Dedicado a Bill Frisell O título desta peça refere-se ao nome de uma ilha imaginária que foi posta num mapa do Oceano Atlântico Norte pelo conceituado cartógrafo italiano do século XVI, Nicolo Zeno. Tinoco diz:

em Seattle. Bill Frisell, um dos mais famosos guitarristas e compositores americanos, nasceu em 1951 e há 30 anos que vive em Seattle, tendo-se tornado num dos músicos de jazz mais influentes da actualidade.

Utilizei esta “terra fantasma” como provocação de uma “música fantasma”, ou seja, uma música da terra de ninguém, ou de um território ambíguo, para demonstrar a minha abordagem (um tributo) ao material de um outro compositor. O elemento de fantasia tornou-se bastante importante para o conceito da peça.

Tinoco tinha tido uma grande admiração pelo trabalho de Frisell durante muitos anos, e quando a Sinfónica de Seattle lhe propôs a escolha de um artista da cidade sobre quem reflectir, o compositor português não teve de pensar duas vezes. Conhecendo muito bem as composições e improvisações de Frisell, rapidamente foi capaz de seleccionar alguns dos excertos mais memoráveis das mesmas, a que chamou “frisellprints”, e aos quais fez referência nesta obra em grande parte sem citações directas.

O “outro compositor” a quem Tinoco faz referencia é Bill Frisell, o músico de jazz radicado em Seattle; o seu apelido partilha a primeira sílaba do nome da ilha fantasma. Frisland foi uma encomenda para a série anual de concertos da Orquestra Sinfónica de Seattle baseada na herança dos maiores músicos populares de Seattle. Artistas tão variados como Jimi Hendrix, Ray Charles e Quincy Jones, e grupos tão diversos como Nirvana, Soundgarden e Alice in Chains têm todos fortes raízes

Frisland é, nas palavras de Tinoco, “uma viagem imaginária por um mundo sonoro (também imaginário) inspirado na música de Frisell”. As variações iniciais, quase uma chacona, que seguem um tema enigmático para violoncelo solo aludem tanto à história de muitas camadas do título da peça como à ilha fantasma. A secção central peregrina sobre uma vasta paisagem minimalista cujas texturas abertas e tremeluzentes e cujo límpido espectro harmónico, adornado com algumas cores dos 19 19

blues, sugerem fronteiras americanas muito distantes. A chacona volta brevemente e rapidamente desaparece dentro do antiquíssimo oceano.

Before Spring, um Tributo à Sagração (2010, rev. 2013) Dedicado a Joana Carneiro Esta obra foi co-encomendada em 2010 pelo CCB e OrchestrUtopica, formada por 16 membros, como companheira/prelúdio para A Sagração de Primavera de Stravinsky. Três anos mais tarde foi retrabalhada para orquestra completa, exactamente aquando das celebrações do centésimo aniversário da obra prima de Stravinsky. Tal como em Frisland, nesta obra Tinoco procura prestar homenagem ao compositor russo, mas sem referências abertas ou óbvias à sua obra famosa. Para esse efeito, Tinoco reinterpreta imaginativamente a ideia primordial dos ritos de fertilidade que Stravinsky incorpora tão profundamente no primeiro plano do ballet. Durante o século passado, A Sagração da Primavera inseminou muita da música contemporânea com os seus sons e valores, e a obra de Tinoco pode ser vista como um rebento que brota desta terra fértil.

Algumas das sementes por Stravinsky plantadas – como a famosa figuração para dois clarinetes, o pequeníssimo ornamento na parte do clarinete piccolo e um acorde específico nas violas divisi – estão presentes na partitura de Tinoco, empregadas para nos trazer vislumbres passageiros de reminiscências literais, mas a maior parte das referências é ouvida como que na distância, na medida em que ouvimos de vez em quando um gesto textural quasi-stravinskiano, um acento rítmico inesperado, ou uma dança feroz de uma força brutal e imparável. A música acorda gradualmente de tons lentos, suspensos, e longas pausas, ao som de explosões animadas e acentuadas de cores orquestrais e celeridade infinita. Quase no fim da peça, dez instrumentistas, das madeiras e dos metais, saem do palco e vão para novas posições à volta do público, circundando-o com uma música crescente e universal. De repente, tudo acaba e ouvimos apenas um som, pianíssimo, o Dó icónico tocado no fagote, uma previsão apropriada da obra-prima que vem a seguir.

Elena Dubinets Traduzido por Ivan Moody Text by Elena Dubinets / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons AttributionNoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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Seattle Symphony Ludovic Morlot conductor

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Tenho passado a maior parte da minha vida perto do Rio Tejo e do Oceano Atlântico, rodeado pelo brilhante céu azul de Lisboa. Durante os períodos em que vivi no estrangeiro, esta luz viciante foi, talvez, aquilo de que mais senti a falta. Vindo de uma família com fortes ligações à música e às artes visuais, fui muito influenciado pelos sons e imagens que me habituei a ouvir e ver desde a minha juventude. Desse período tenho grandes memórias de ouvir a minha avó a tocar piano, ou de descobrir o jazz em casa dos meus pais, visitada por músicos em Jam sessions nocturnas. O atelier do meu pai era por cima do meu quarto, no sótão, e à noite eu subia as escadas para me despedir e ver a evolução de cada nova tela. De manhã, regressava sub-repticiamente para ver o que se tinha passado com esses quadros durante o meu sono. Fiquei portanto apaixonado pela pintura e pelo trabalho de artistas como Kitaj, Diebenkorn, Francis Bacon, Basquiat, Hockney ou Paula Rego, entre muitos outros. O cinema também se tornou uma grande paixão, facto que me levou a iniciar estudos de cinema, que acabei por interromper para poder dedicar-me à música. Foi nessa altura que fui estudar na Escola Superior de Música, a minha alma mater, onde também me tornei docente após concluir um mestrado na Royal Academy of Music. O Reino Unido tem sido a minha segunda casa académica e profissional; comecei a ser editado pela University of York Press, e, mais tarde, fiz o meu doutoramento na mesma universidade. Também tenho estado envolvido na criação de programas de rádio para o canal de música clássica na Rádiodifusão Portuguesa. Interesso-me pela música que está a ser escrita por compositores em todo o mundo, em vez de uma abordagem eurocêntrica à música contemporânea, e este é o assunto principal do meu programa, A Geografia dos Sons. E, claro, sempre que encontro algum tempo livre, componho música. Muita da minha produção tem sido escrita para orquestra, trabalhando com músicos extraordinários – como aqueles que participam neste álbum – mas também compondo partituras para grupos de câmara, solistas e para o palco, incluindo teatro musical e dança. Luís Tinoco

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A temporada de 2017/2018 é o primeiro ano de Susanna Mälkki como Maestrina Principal Convidada da Orquestra Filarmónica de Los Angeles. Maestrina convidada do mais alto nível mundial, Mälkki também começa a temporada de 2017/18 voltando à Berliner Philharmoniker (Berliner Festspiele), e recentemente estreou-se com a Orquestra Sinfónica de Londres (voltará em Abril 2018). Outros compromissos futuros incluem projectos com a Filarmónica de Nova Iorque e a Orquestra Sinfónica de Gotemburgo, e a sua estreia com a Filarmónica Checa. Maestrina de ópera de renome, Mälkki aparece pela primeira vez na Wiener Staatsoper em 2018, e foi a primeira mulher a dirigir uma produção no Teatro alla Scala, Milão (2011). Em 1962 a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um agrupamento orquestral permanente. No início constituído apenas por doze elementos, foi originalmente designado por Orquestra de Câmara Gulbenkian. Ao longo de mais de cinquenta anos de actividade, a Orquestra Gulbenkian (denominação adoptada desde 1971) foi sendo progressivamente alargada, contando hoje com um efectivo de sessenta instrumentistas que pode ser pontualmente expandido de acordo com as exigências de cada programa de concerto. Esta constituição permite à Orquestra Gulbenkian interpretar um amplo repertório, que inclui todo o período clássico, uma parte significativa da literatura orquestral do século XIX e muita da música do século XX. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem ser tocadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos efectivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita ao equilíbrio da respectiva arquitectura sonora. Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza uma série regular de concertos no Grande Auditório Gulbenkian, em Lisboa, em cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do mundo da música, nomeadamente maestros e solistas. No plano internacional a Orquestra Gulbenkian foi ampliando gradualmente a sua actividade, tendo até agora efectuado digressões na Europa, na Ásia, em África e nas Américas.

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Filipe Quaresma, com uma “(...) forma precisa e soberbamente articulada de tocar, cheia de paixão e muitas vezes bastante contemplativa...” (in The Strad), concilia a sua intensa carreira a solo e de música de câmara com a actividade de professor na ESMAE, a Orquestra Barroca da Casa da Música, o Ensemble D’Arcos, o Sond’Ar-te Electric Ensemble, e a Orchestre Révolutionnaire et Romantique. Estudou na sua cidade natal, Covilhã, em Londres e em Florença, com Rogério Peixinho, David Strange, Mats Lidström e Natalia Gutman. Recebeu prémios e bolsas de prestígio internacional e, em 2010, foi nomeado Associate of the Royal Academy of Music (ARAM). Tem tocado regularmente como solista com orquestra, e recentemente fez a estreia do Concerto para Violoncelo de Luís Tinoco. De ente as suas numerosas gravações destacam-se Música Portuguesa para Violoncelo Solo, gravado com a apoio da GDA. Pedro Neves é Maestro Titular da Orquestra Clássica de Espinho, e recentemente foi nomeado Maestro Convidado da Orquestra Gulbenkian. Foi Maestro Titular da Orquestra do Algarve entre 2011 e 2013 e é maestro convidado na Europa e no Brasil. No domínio da música contemporânea, colabora com o Sond’arte Electric Ensemble, o Remix Ensemble – Casa da Música e com o Grupo de Música Contemporânea de Lisboa. É o fundador da Camerata Alma Mater, uma orquestra de câmara de cordas, cujas interpretações têm sido muito aplaudidas. Criada em 1993, a Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP) é um dos corpos artísticos do Teatro Nacional de São Carlos. A OSP colabora regularmente com a RTP – Rádio e Televisão de Portugal, que se ocupa das transmissões radiofónicas dos seus concertos e óperas na Antena 2, e fez as recentes transmissões televisivas na RTP2 do Der Ring Des Nibelungen de Wagner e Dialogues de Carmélites de Poulenc. No âmbito das temporadas líricas e sinfónicas, a OSP tem-se apresentado sob a direcção de notáveis maestros tais como Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Jansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeffrey Tate e Yuri Ahronovitch, entre outros. Actualmente, Joana Carneiro é a Maestrina Titular da Orquestra. 25 25

Martin AndrĂŠ conductor

Como Director Musical da Orquestra Sinfónica de Seattle, Ludovic Morlot tem sido recebido com um entusiasmo extraordinário tanto pelos músicos como pelo público. Entre 2012 e 2014, Morlot também foi Maestro Principal de La Monnaie, uma das casas de ópera mais prestigiadas da Europa. Nos EUA, Morlot tem dirigido A Orquestra Sinfónica de Boston, a Orquestra Sinfónica de Chicago, a Orquestra Sinfónica de Cleveland, a Orquestra Filarmónica de Los Angeles, a Filarmonica de Nova Iorque, a Orquestra de Philadelphia e a Sinfónica de Pittsburgh. Também dirigiu a Orquestra Festival de Budapeste, a Filarmónica Checa, a Orquestra Sinfónica Nacional Dinamarquesa, a Dresden Staatskapelle, a Orquestra Filarmonica de Londres, a Orchestre National de France, a Orquestra Real do Concertgebouw, a Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, a Orquestra Filarmónica de Tóquio e a Tonhalle-Orchester Zürich. Morlot foi eleito Fellow da Royal Academy of Music em 2014. Dirige os Estudos de Direcção Orquestral na Escola de Música da Universidade de Washington. A Sinfónica de Seattle é uma das principais orquestras sinfónicas da América e é aclamada internacionalmente pela sua programação inovadora e pelo seu vasto conjunto de gravações. Sob liderança do director musical Ludovic Morlot desde setembro de 2011, a Sinfónica é ouvida entre setembro e julho por mais de 500,000 pessoas através de apresentações ao vivo e transmissões radiofónicas. Actua numa das mais modernas salas de concertos mundiais - o auditório Benaroya Hall, com características acústicas soberbas - no centro de Seattle. Os seus programas educativos e de interacção comunitária são usufruídos por mais de 65,000 crianças e adultos anualmente. Em cada temporada, a Sinfónica de Seattle assume um compromisso profundo com a nova música, fazendo inúmeras encomendas de obras a compositores contemporâneos. A orquestra realizou cerca de 150 gravações e recebeu três Prémios Grammy, 23 nomeações para o Grammy, dois Prémios Emmy e muitas outras honras. Em 2014, a Sinfónica lançou o seu selo de gravação, Seattle Symphony Media.

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Martin André trabalha em teatros de ópera em todo o mundo. Estudou música em Cambridge, e fez a sua estreia como maestro dirigindo Aida para a Welsh National Opera em 1982. É o único maestro que trabalhou com todas as principais companhias de ópera britânicas. Entre 1993 e 1996 foi Director Musical da English Touring Opera, e de 2010 a 2013 Director Artístico do Teatro Nacional de São Carlos, acumulando a Direcção Executiva da Companhia Nacional de Ópera e da Orquestra Sinfónica Nacional. Em 2017 dirigiu duas óperas para a Opera North, e Cendrillon de Massenet no Royal Northern College of Music. A Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música tem trabalhado regularmente com maestros de renome tais como Peter Eötvös, Heinz Holliger, Eliahu Inbal, Michail Jurowski, Reinbert de Leeuw, Andris Nelsons, Vasily Petrenko, Vassily Sinaisky, Tugan Sokhiev, John Storgårds, Antoni Wit e Lothar Zagrosek, e solistas incluindo PierreLaurent Aimard, Jean-Efflam Bavouzet, Joyce DiDonato, Natalia Gutman, Alina Ibragimova, Steven Isserlis, Christian Lindberg, Felicity Lott, António Meneses, Midori, Truls Mørk, Kristine Opolais, Thomas Zehetmair e o Quarteto Arditti. Tem trabalhado com alguns dos principais compositores contemporâneos, desde Emmanuel Nunes a Jonathan Harvey, Kaija Saariaho, Magnus Lindberg, Pascal Dusapin, Luca Francesconi, Unsuk Chin, Peter Eötvös, Helmut Lachenmann, Georges Aperghis, Heinz Holliger e Harrison Birtwistle. Além de apresentar cerca de 50 concertos por ano na Casa da Música, tem cada vez mais visibilidade fora do Porto, tendo visitado em temporadas recentes Viena, Estrasburgo, Luxemburgo, Antuérpia, Roterdão, Valladolid, Madrid, Santiago de Compostela, Brasil e Lisboa. Em 2017 a orquestra tocou a integral das sinfonias de Brahms e obras-chave tais como o Requiem de Mozart, o War Requiem de Britten, Earth Dances de Harrison Birtwistle e Via Sacra de James Dillon. Também apresentou as estreias portuguesas de obras novas de Magnus Lindberg e Pascal Dusapin encomendadas pela Casa da Música. A orquestra faz parte de Casa da Música desde julho de 2006.

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DEU In den letzten 15 Jahren schrieb ich hauptsächlich Orchestermusik, die zu einer meiner bevorzugten Ausdrucksmöglichkeiten wurde. Ein Schwindelgefühl bemächtigt sich meiner beim Anblick eines leeren Blattes, das mit Noten angefüllt werden möchte, um schließlich dem Gefühl der Freude Platz zu machen. Das Orchester ist ein einzigartiges, herausforderndes Medium, das unerschöpfliche Möglichkeiten hinsichtlich musikalischer Erzählkunst und Zeitfluss bietet. Besonders bei der Arbeit mit Klang-, Farb- und mehrschichtigen Texturen fühle ich mich von seinen Ressourcen für die Tiefenschärfe angezogen. Jedes Detail beim Komponieren für Orchester kann die Begriffe Tonhöhe und Dauer erweitern. So wie die darstellenden Künste die Aufstellung von Objekten und Menschen auf der Bühne beinhalten, strebe ich auch nach einer dreidimensionalen „Inszenierung” des Klangs, wobei ich den Vordergrund, den Hintergrund und alles, was dazwischen und drumherum zu hören ist, mit einplane. Vielleicht sind viele meiner Partituren aufgrund meines Interesses an den Schönen Künsten wie in einem Polyptychon-Gemälde in Tafeln strukturiert. Diese Paneele können in einem durchkomponierten Satz kombiniert werden, wie es bei drei der Kompositionen in diesem Album der Fall ist. Ich habe den größten Teil meines Lebens in der Nähe eines Flusses und des Meeres verbracht. Die Strömung des Wassers, seine Geschwindigkeiten und Formen, die kontinuierliche Veränderung von Licht und Schattierungen, die Unermesslichkeit einer melodischen Linie, all diese Elemente spielen eine wichtige Rolle in meiner Arbeit. Nicht in der Art der Tonmalerei, sondern im Sinne meiner Wahrnehmung der Zeit, der Gestaltung des musikalischen Materials und des Aufbaus seiner Form wird der Eindruck dieser Nähe zum Wasser widergespiegelt: die Farben, das Blau, das einzigartige Licht von Lissabon. The Blue Voice of the Water wurde vom Gulbenkian Orchestra und dem São Paulo Sinfonieorchester in Auftrag gegeben. Ich begann mich mit brasilianischer Poesie zu beschäftigen, insbesondere mit Manoel de Barros, und fand einen Vers, der, frei übersetzt, wie folgt lautet: „Die Stimme des Wassers hat einen blauen Akzent”. Dieser Satz spornte meine Phantasie für dieses Stück an, das im Dunkelblau der Ozeantiefe beginnt und allmählich zu helleren Tönen ansteigt, so als ob es an die Oberfläche zurückkehren wolle. Die Veröffentlichung dieses Albums ist das Resultat eines langen Prozesses, der Hartnäckigkeit und die Überwindung vieler Hindernisse erforderte. Ich hatte die Ehre, von einer Gruppe erstaunlicher Menschen umgeben und unterstützt worden zu sein – die Orchester, Dirigenten, ihre Intendanzen – die alle die Leidenschaft für mutiges Musizieren teilen und meine Entschlossenheit gutheißen, den Weg des Komponisten zu bestreiten. Luís Tinoco 29 29

Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música 30 30

O Sotaque Azul das Águas (The Blue Voice of the Water, 2015) Alrun und Ben Almeida Faria gewidmet Die Komposition, die diese Aufnahme eröffnet, wurde vom Orquestra Gulbenkian und dem São Paulo Symphony Orchestra (OSESP) in Auftrag gegeben. Mit diesem Werk wollte der Komponist die tiefen historischen Verbindungen zwischen Portugal und Brasilien darstellen, Länder, die durch einen Ozean getrennt, aber durch die gemeinsame Sprache beider Völker vereint sind. Die subtilen Abstufungen der Farben in den Ozeanwellen, die auf den unzähligen Überfahrten von einem Land zum anderen zu sehen sind, ähneln den kleinen, faszinierenden Akzentabweichungen, die zwischen europäischem und brasilianischem Portugiesisch bestehen. Als Inspiration diente Tinoco die Poesie des kürzlich verstorbenen brasilianischen Dichters Manoel de Barros (1916-2014), dessen Dichtung viele ungewöhnlichen Bilder beinhaltet: Als ich eines seiner Gedichte, Compêndio para Uso dos Pássaros („Kompendium für die Vögel“) las, fand ich einen Vers, der frei übersetzt werden kann mit „Die Stimme des Wassers hat einen blauen Akzent“. Und das hat meine Vorstellungskraft beim

Komponieren des Stücks angeregt – ein Werk, das in tiefem, dunklem Blau beginnt und allmählich zu anderen helleren Farbtönen aufsteigt, als ob man in die Tiefe taucht und dann in einer kontinuierlichen Bewegung bei ständiger Veränderung der Farbe an die Oberfläche zurückkehrt. Die Musik wurde von diesem Gedicht nur sehr allgemein inspiriert und hat keine direkte Übereinstimmung mit dessen Bildern oder Struktur. Tinoco kreiert eine einzigartig kraftvolle Klangwelt, die die Schönheit des Ozeans durch eine hypnotisierende Darstellung wellenartiger Texturen widerspiegelt, die in riesigen Tsunamis kulminieren und dann zu einem kaum wahrnehmbaren, aber unaufhaltsamen Gezeitenwechsel zurückgehen. Cello Concerto (2016/17) Filipe Quaresma gewidmet In der Saison 2016/17 wurde Luís Tinoco zum Composerin-Residence des portugiesischen Sinfonieorchesters und des São Carlos Theaters in Lissabon ernannt. Das erste Werk, das im Rahmen dieses Aufenthaltes in Auftrag gegeben und uraufgeführt wurde, war das dem Cellisten Filipe Quaresma gewidmete Cello Concerto. Das Werk beginnt mit sich langsam verändernden Akkorden 31 31

bei den Streichern, die von pianissimo zu beträchtlichen dynamischen Spitzen aufsteigen und dann zu ihrem ruhigen Ursprung zurückkehren. Diese Akkorde werden asymmetrisch geschichtet und brechen harmonische und metrische Muster. Unheimlich verwobene spektrale und heterophone Techniken erzeugen eine besondere Art von Textur: Asynchron geschichtete Linien fließen nahtlos sowohl im mehrstimmigen Solo-Cellopart als auch im orchestralen Ganzen und lassen entfernte akustische Erinnerungen aus den abgelegenen Bereichen des Unterbewusstseins aufkommen. Die magische Klangwelt des Cellokonzerts umfängt die Zuhörer auf eine skurrile, schwer fassbare Weise und malt surreale, geisterhafte Bilder. Mit dem Einzug von Harfe und Klavier wird die Cellostimme greifbar, beinahe sichtbar, und erreicht eine konzentrierte Gesangsqualität. Die isolierten Inseln harmonischer Stabilität (wie einige luftige Reminiszenzen von a-Moll im Mittelteil) kollidieren mit trügerischen harmonischen Verzerrungen. Plötzlich werden solche dislozierten Erinnerungen von eindringlich wiederholten flüchtigen Sechzehntelnoten unterbrochen, zuerst bei den Bläsern und dann bei den Streichern, die ein kurzes und leidenschaftliches Cello-Rezitativ heraufbeschwören, das sich bald in die zuvor gehörten surrealen Schichten von Klavier und Harfe auflöst.

Ein wunderschönes, feierliches Spiel der Cellostimme auf zwei Saiten, fast in strophischer Form mit einem gehaltenen „A“ in der schwebenden Oberstimme eröffnet den zweiten Satz, der später Note für Note an verschiedene Orchesterstimmen verteilt wird.Während die ursprüngliche Zweistimmigkeit im Cello-Part gut ausgeprägt bleibt, umgeben ihre aufgelösten Orchesterbilder das Solo mit illusorischen Reflexionen einzelner Töne und schaffen eine traumähnliche Atmosphäre – bis sie durch vertikal ausgerichtete düstere Akkorde unterbrochen werden, die zwischen den Bläsern und den Streichern abwechseln. Diese unheimlichen Akkorde drängen das Solo-Cello, seine Textur von dem singenden Duett-Modus zu einer springenden, hüpfenden Einzellinie zu wechseln, die scheinbar versucht, der spukhaften Welt zu entkommen. Mit dem Beginn des dritten Satzes setzt sich der Konflikt fort, indem das gesamte Orchesterin den Sog hartnäckig wiederholter Triolen gezogen wird. Schließlich beginnt sich die lyrische Seite zu wehren und allmählich durchzusetzen, wobei sie die magische Stimmung des ersten Satzes wieder erstehen lässt, auch wenn gelegentliche und schnell wiederholte perkussive Klänge sich mit verschiedenen Instrumentallinien abwechseln. Während hier möglicherweise weitere Geheimnisse reflektiert werden, klingt das Stück mit der subtilsten Andeutung entfernter Gamelan-Klänge aus.

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Frisland (2014) Bill Frisell gewidmet Der Titel dieses Stücks bezieht sich auf den Namen einer imaginären Insel, die von dem angesehenen italienischen Kartographen Nicolo Zeno aus dem 16. Jahrhundert auf eine Karte des Nordatlantiks gesetzt wurde. Tinoco merkt an: Ich verwendete dieses „Phantomland“ als Auslöser für eine „Phantommusik“, also eine Musik aus dem Niemandsland oder einem verschwommenen Gebiet, um meine Annäherung (eine Hommage) an das Material eines anderen Komponisten zum Ausdruck zu bringen. Das Fantasy-Element wurde für das Konzept des Stücks sehr wichtig. Dieser „andere Komponist“, auf den sich Tinoco bezieht, ist Bill Frisell, der in Seattle ansässige Jazzkünstler; sein Nachname enthält die gleiche erste Silbe wie der Name der Phantominsel. Frisland wurde für die jährliche Konzertreihe des Seattle Symphony Orchestra in Auftrag gegeben, die auf dem Vermächtnis der bekanntesten populären Musiker Seattles basiert. So unterschiedliche Künstler wie Jimi Hendrix, Ray Charles und Quincy Jones sowie Bands wie Nirvana, Soundgarden und Alice in Chains haben starke Wurzeln in Seattle. Bill Frisell, einer

der berühmtesten amerikanischen Gitarristen und Komponisten, wurde 1951 geboren und verbrachte die letzten 30 Jahre in Seattle, wo er zu einem der einflussreichsten lebenden Jazzmusiker wurde. Tinoco hatte Frisells Musik viele Jahre lang bewundert, und als das Seattle Symphony Orchestra mit dem Vorschlag an ihn herantrat, einen Künstler aus seiner Heimatstadt auszusuchen, zögerte der portugiesische Komponist nicht lange. Er kannte sich gut mit Frisells Kompositionen und Improvisationen aus und konnte schnell die einprägsamsten Ausschnitte daraus auswählen, die er „Friselprints“ nannte und in seinem Stück meist ohne direkte Zitate wiedergab. Frisland ist, in Tinocos eigenen Worten, „eine imaginäre Reise durch eine (ebenfalls imaginäre) Klangwelt, inspiriert von Frisells Musik“. Die einführenden chaconneartigen Variationen, die einem enigmatischen Thema für Solocello folgen, verweisen sowohl auf die Geschichte des Titels als auch auf die geheimnisvolle mittelalterliche Insel. Der Mittelteil wandert über eine ausgedehnte minimalistische Landschaft, deren flimmernde offene Texturen und das klare, harmonische Spektrum, geschmückt mit einigen bluesähnlichen Farben, weiträumige amerikanische Landschaften suggerieren. Die ursprüngliche Chaconne kehrt für einen kurzen Moment zurück und versinkt unvermittelt im alten Ozean. 33 33

Before Spring, a Tribute to ‘The Rite’ (2010, rev. 2013) Joana Carneiro gewidmet Diese Komposition wurde 2010 von dem 16-köpfigen OrchestrUtopica als Auftakt zu Strawinskys Frühlingsopfer in Auftrag gegeben. Drei Jahre später wurde sie für das volle Orchester überarbeitet, gerade rechtzeitig zum hundertsten Jubiläum der Uraufführung von Strawinskys Meisterwerk. Wie in Frisland sucht Tinoco in seinem Werk, dem Widmungsträger ohne offensichtliche Bezugnahme auf sein berühmtes Werk zu huldigen. Zu diesem Zweck interpretiert der portugiesische Komponist fantasievoll die ursprüngliche Idee von Fruchtbarkeitsriten, die Strawinsky so eindringlich in den Vordergrund seines berühmten Balletts einbettet. Im letzten Jahrhundert hat das Frühlingsopfer einen Großteil der zeitgenössischen Musik mit seinen Tönen und Erneuerungen befruchtet, und Tinocos Stück kann als ein Keim angesehen werden, der aus diesem fruchtbaren Boden hervorsprießt. Einige der Samen, die Strawinsky gepflanzt hat - wie die berühmte Zwei-Klarinetten-Figuration, das winzige Ornament in der Es-Klarinetten-Stimme und ein besonderer Akkord in den Divisi-Bratschen - sind hier in Tinocos Partitur als flüchtige Blitzaufnahmen wörtlicher Anklänge enthalten, aber die meisten Bezüge kommen aus der Ferne, so wie wir ebenfalls ab und zu Gesten des echten Strawinsky, einen

unerwarteten rhythmischen Akzent oder einen wilden Tanz von urwüchsiger, schmetternder Kraft, hören. Die Musik erwacht allmählich von langsamen, gehaltenen Tönen und langen Pausen zu aufregenden, akzentuierten Ausbrüchen orchestraler Klangfarben und rasanter Schnelligkeit. Gegen Ende des Stücks verlassen zehn Holzund Blechbläser die Bühne, stellen sich um das Publikum herum auf und umgeben es gleichsam mit einer Wolke aus allumfassender, schwellender Musik. Plötzlich bricht alles ab und wir hören nur noch einen einzigen Pianissimo-Ton – das ikonische C, gespielt vom Fagott – eine passende Ankündigung des nachfolgenden Meisterwerks. Elena Dubinets Übers. Antonio Gómez Schneekloth

Autor des Textes Elena Dubinets (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.

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Susanna MĂ¤lkki conductor

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Die meiste Zeit meines Lebens habe ich nahe dem Fluss Tajo und dem Atlantischen Ozean gelebt, umgeben von Lissabons strahlend blauem Himmel. In den Zeiten, in denen ich im Ausland lebte, war dieses Licht, nach dem ich geradezu süchtig geworden bin, vielleicht das, was ich am meisten vermisste. Aus einer Familie stammend, die eng mit Musik und bildender Kunst verbunden ist, war ich sehr von den Klängen und Bildern beeinflusst, die zu hören und zu sehen ich von klein auf gewöhnt war. Aus dieser Zeit bewahre ich deutliche Erinnerungen daran, wie ich meiner Großmutter beim Klavierspielen zugehört habe oder den Jazz bei meinen Eltern entdeckte, wo Musiker gelegentlich für eine nächtliche Jam Session vorbeischauten. Das Atelier meines Vaters lag über meinem Schlafzimmer auf dem Dachboden, und oft stieg ich die Treppe hinauf, um Gute Nacht zu sagen und den Fortschritt jedes neuen Gemäldes zu beobachten. Am Morgen schlich ich mich wieder hinauf, um zu sehen, was mit diesen Bildern über Nacht geschehen war. Ich habe mich daher leidenschaftlich für Malerei und die Arbeit von Künstlern wie Kitaj, Diebenkorn, Francis Bacon, Basquiat, Hockney oder Paula Rego interessiert, um nur einige zu nennen. Film wurde ebenfalls zu einer großen Leidenschaft, sodass ich sogar anfing das Fach zu studieren. Ich brach dieses Studium aber ab, um mich schließlich doch mehr mit Musik zu beschäftigen. Dies war, als ich an der Escola Superior de Música studierte, meiner Alma Mater, wo ich nach Abschluss eines MMus auch als Lehrer an der Royal Academy of Music gearbeitet habe. Das Vereinigte Königreich wurde mein zweites akademisches und berufliches Zuhause; ich schrieb mich bei der University of York Music Press ein und promovierte später an derselben Universität. Ich war auch an der Erstellung von Radioprogrammen für den portugiesischen klassischen Kanal beteiligt. Ich interessiere mich für Musik, die von anderen Komponisten aus der ganzen Welt geschrieben wird im Gegensatz zu einer überwiegend eurozentrischen Herangehensweise an zeitgenössische Musik. Dies ist das Hauptthema meines Radioprogramms The Geography of Sound geworden. Und wann immer ich Zeit habe, komponiere ich natürlich. Ein großer Teil meines Schaffens ist dem Orchesterschreiben gewidmet. Ich arbeite mit einigen erstaunlichen Musikern zusammen, wie sie in diesem Album vertreten sind, komponiere aber auch für Kammerensembles, Solisten und für die Bühne, einschließlich Musiktheater und Tanz. Luís Tinoco

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Die Saison 2017/18 ist das Debütjahr von Susanna Mälkki als Erste Gastdirigentin des Los Angeles Philharmonic. Als Gastdirigentin auf weltweit höchstem Niveau beginnt Mälkki die Saison 2017/18 mit einer Rückkehr zu den Berliner Philharmonikern (Berliner Festspiele). Kürzlich feierte sie ihr Debüt mit dem London Symphony Orchestra (sie wird im April 2018 dorthin zurückkehren). Weitere bevorstehende Engagements führen sie erneut zu den New York Philharmonic und Gothenborg Symphony Orchestra sowie zu ihrem Debüt bei der Czech Philharmonic. Als renommierte Operndirigentin debütiert Mälkki 2018 an der Wiener Staatsoper, und sie war die erste Frau, die eine neue Opernproduktion am Teatro alla Scala, Mailand (2011) dirigierte. Es war im Jahr 1962, als die Calouste Gulbenkian-Stiftung beschloss, ein festes Orchester zu gründen, das ursprünglich aus nur zwölf Musikern bestand und anfangs als Orquestra de Câmara Gulbenkian bezeichnet wurde. Seitdem wurde das Kollektiv mehrmals bis zum heutigen Orquestra Gulbenkian (der Name, den es seit 1971 angenommen hat) erweitert. Das 60-köpfige Orchester kann je nach Bedarf mit Hilfskräften verstärkt werden. Diese Struktur erlaubt es dem Orquestra Gulbenkian, ein breites Repertoire zu interpretieren, das die gesamte Klassik, einen bedeutenden Teil der Orchesterliteratur des 19. Jahrhunderts und einen Großteil der Musik des 20. Jahrhunderts umfasst. So können Orchesterwerke Haydns, Mozarts, Beethovens, Schuberts, Mendelssohns oder Schumanns aus dem Repertoire der großen Musikliteratur vom Orquestra Gulbenkian in Fassungen gespielt werden, die den Orchestrierungen, für die sie ursprünglich konzipiert wurden, sehr nahe kommen. Zu jeder Jahreszeit gibt das Orchester regelmäßig Konzerte im Gulbenkian Grand Auditorium in Lissabon in Zusammenarbeit mit einigen der wichtigsten Musiker der Welt. Jedes Jahr tritt es auch an zahlreichen Orten in ganz Portugal auf. Das Orchester hat seine Aktivitäten auf internationaler Ebene sukzessive erweitert und tritt in Europa, Asien, Afrika und Amerika auf. Filipe Quaresma, „zurzeit einer der interessantesten portugiesischen Musiker“ (Público) mit „präzisem, hervorragend artikuliertem Spiel, voller Leidenschaft und doch oft recht nachdenklich“ (The Strad) verbindet seine steile Solokarriere mit dem Barockorchester der Casa da Música (CdM), dem Darcos Ensemble, dem Remix Ensemble CdM, dem Sond’Arte Electric Ensemble, dem Orchestre Révolutionnaire et Romantique und mit seiner Stellung als Cello-Lehrer an der ESMAE. Er studierte in seiner Heimatstadt Covilhã, in London und Florenz, mit Rogério Peixinho, David Strange, Mats Lidström und Natalia Gutman. Filipe gewann Preise und Stipendien von internationalem Prestige und erhielt 2010 eine Dozentenstelle an der Royal Academy of Music (ARAM). Er hat viele Male mit dem Orchester als Solist gespielt und vor kurzem das Cello Concerto von Tinoco uraufgeführt. Zu den Höhepunkten seiner zahlreichen Aufnahmen zählt Portuguese Music for Solo Cello, aufgenommen mit Unterstützung des GDA.

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Pedro Neves ist Chefdirigent des Espinho Classic Orchestra und wurde kürzlich zum Gastdirigenten des Gulbenkian Orchestra ernannt. Zwischen 2011 und 2013 war er Chefdirigent des Algarve Orchestra und ist zudem regelmäßiger Gastdirigent in ganz Europa und Brasilien. In zeitgenössischer Musik hat er mit Sond’arte Electric Ensemble, Remix, das in der Casa da Música ansässige Ensemble für Neue Musik, und der Grupo de Música Contemporânea de Lisboa zusammengearbeitet. Er ist der Gründer der Camerata Alma Mater in Lissabon, einem Kammerorchester für Streicher, dessen Konzerte weithin gerühmt worden sind. Das 1993 gegründete OSP oder Orquestra Sinfónica Portuguesa (Portugiesisches Sinfonieorchester) ist eines der Ensembles der São Carlos Opera House Performing Arts. OSP arbeitet regelmäßig mit RTP zusammen - Rádio e Televisão de Portugal -, das für Radioübertragungen seiner Konzerte und Opern auf Antena 2 und für die kürzlich ausgestrahlte Sendung von Wagners Der Ring der Nibelungen und Poulencs Dialogues des Carmélites auf RTP2 verantwortlich ist. OSP hat in Opern- und Konzert-Saisons unter der Leitung von renommierten Dirigenten gespielt wie Rafael Frühbeck de Burgos, Alain Lombard, Nello Santi, Alberto Zedda, Harry Christophers, George Pehlivanian, Michel Plasson, Krzysztof Penderecki, Jansug Kakhidze, Milán Horvat, Jeffrey Tate und Yuri Ahronowitch, unter anderen. Joana Carnero ist derzeit die Intendantin des OSP. Als Musikdirektor des Seattle Symphony Orchestra wurde Ludovic Morlot von Musikern und Publikum gleichermaßen begeistert aufgenommen. Von 2012-14 war Morlot auch Chefdirigent von La Monnaie, einem der renommiertesten Opernhäuser Europas. In den USA dirigierte Ludovic Morlot das Boston Symphony Orchestra, das Chicago Symphony Orchestra, das Cleveland Symphony Orchestra, das Los Angeles Philharmonic Orchestra, das New York Philharmonic Orchestra, das Philadelphia Orchestra und das Pittsburgh Symphony Orchestra. Darüber hinaus leitete er das Budapest Festival Orchestra, die Tschechische Philharmonie, das Dänische National Symphonie Orchester, die Dresdner Staatskapelle, das London Philharmonic Orchestra, das Orchestre National de France, das Royal Concertgebouw Orchestra, das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, das Tokyo Philharmonic Orchestra und das Tonhalle-Orchester Zürich. Morlot erhielt 2014 ein Lehramt an der Royal Academy of Music. Er ist Vorsitzender der Orchestral Conducting Studies an der University of Washington School of Music. 38 38

Das Seattle Symphony ist eines der führenden Symphonieorchester Amerikas und ist international für seine innovativen Programme und seine umfangreichen Aufnahmen bekannt. Unter der Leitung von Musikdirektor Ludovic Morlot (seit September 2011) wurde das Orchester von September bis Juli von mehr als 500.000 Menschen in LiveAuftritten und Radiosendungen gehört. Seine umfangreichen Programme für Bildung und soziales Engagement erreichen jedes Jahr über 65.000 Kinder und Erwachsene. Martin André arbeitet in Opernhäusern und Konzertsälen auf der ganzen Welt. Er studierte Musik in Cambridge und gab 1982 sein professionelles Debüt als Dirigent von Aida für das WNO. Er ist der einzige Dirigent, der in allen großen britischen Opernhäusern dirigiert hat. Von 1993-96 war er Musikdirektor der English Touring Opera und von 2010-13 künstlerischer Leiter des Teatro Nacional de São Carlos, Lissabon, und Intendant der National Opera Company und des National Symphony Orchestra. Im Jahr 2017 dirigierte er zwei Opern für die Opera North und Massenets Cendrillon am Royal Northern College of Music. Das Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música hat regelmäßig unter bekannten Dirigenten wie Peter Eötvös, Heinz Holliger, Eliahu Inbal, Michail Jurowski, Reinbert de Leeuw, Andris Nelson, Vasily Petrenko, Vassily Sinaisky, Tugan Sokhiev, John Storgårds, Antoni Wit und Lothar Zagrosek und mit Solisten wie Pierre-Laurent Aimard, Jean-Efflam Bavouzet, Joyce Didonato, Natalia Gutman, Alina Ibragimova, Steven Isserlis, Christian Lindberg, Felicity Lott, António Meneses, Midori, Truls Mørk, Kristine Opolais, Thomas Zehetmair sowie dem Arditti Quartett gespielt. Es hat mit einigen der wichtigsten zeitgenössischen Komponisten zusammengearbeitet, von Emmanuel Nunes bis Jonathan Harvey, Kaija Saariaho, Magnus Lindberg, Pascal Dusapin, Luca Francesconi, Unsuk Chin, Peter Eötvös, Helmut Lachenmann, Georges Aperghis, Heinz Holliger und Harrison Birtwistle. Abgesehen von etwa 50 Konzerten pro Jahr in der Casa da Música ist es zunehmend auch außerhalb von Porto zu hören, nachdem es in den letzten Jahren Wien, Straßburg, Luxemburg, Antwerpen, Rotterdam, Valladolid, Madrid, Santiago de Compostela, Brasilien und Lissabon besucht hat. Im Jahr 2017 spielte das Orchester alle Symphonien von Brahms und Schlüsselwerke wie Mozarts Requiem, Brittens War Requiem, Harrison Birtwistles Earth Dances und James Dillons Via Sacra. Im Auftrag von der Casa da Música spielte es auch die portugiesischen Premieren neuer Werke von Magnus Lindberg und Pascal Dusapin. Das Orchester gehört seit Juli 2006 zur Casa da Música. 39 39

Filipe Quaresma cello

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Luís Tinoco would like to thank the following people (in alphabetical order) for their generous support: Martin André, Pedro Campos, Joana Carneiro, Patrick Dickie, Elena Dubinets, Bill Frisell, Hugo Romano Guimarães, Dmitriy Lipay, Susanna Mälkki, Ludovic Morlot, Arthur Nestrovsky, Pedro Neves, Risto Nieminen, António Jorge Pacheco, Vanessa Pires, Filipe Quaresma, Luísa Taveira, the Odradek team, the UYMP, and the Portuguese Authors Society. Very special thanks, also, to the Orquestra Gulbenkian, the Orquestra Sinfónica Portuguesa, the Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música and the Seattle Symphony.

PRODUCED WITH THE SUPPORT OF THE PORTUGUESE SOCIETY OF AUTHORS’ CULTURAL FUND

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O Sotaque Azul das Águas

Dedicated to Alrun and Ben Almeida Faria Recorded by Paulo Gomes and Rui Borges at the Gulbenkian Auditorium, Lisbon, 25th and 26th February 2016 Edited by Hugo Romano Guimarães

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www.odradek-records.com Video: David Boos Art Director: Shin Yu Chen Executive Producer: Ricardo López Photos: Tommaso Tuzj Cover & Luís Tinoco Márcia Lessa - Gulbenkian Music Orquestra Gulbenkian Mariana Fabião Martin André Simon Fowler Susanna Mälkki Tiago Martins Filipe Quaresma David Rodrigues Pedro Neves & Orquestra Sinfónica Portuguesa Pedro Lobo Porto Casa da Música Orchestra Brandon Patoc Seattle Symphony & Ludovic Morlot

Cello Concerto

Dedicated to Filipe Quaresma Recorded and edited by Hugo Romano Guimarães at the Centro Cultural de Belém, Lisbon, 19th February 2017

Frisland

Dedicated to Bill Frisell Recorded, edited and mastered by Dmitriy Lipay at the Benaroya Hall, Seattle, 6th June 2014

Before Spring

Dedicated to Joana Carneiro Recorded and edited by Hugo Romano Guimarães at the Sala Suggia, Casa da Música, Porto, 13th May 2017 Final mastering by Hugo Romano Guimarães All works are published by the University of York Music Press Luís Tinoco is represented by ArtWay - Culture & Arts www.artway.pt

Booklet in English. Folheto em português Booklet auf Deutsch. ℗ & © 2018 Odradek Records, LLC, Lawrence (KS) USA. All rights reserved. Unauthorized copying, hiring, lending, public performance, and broadcasting of this sound recording are strictly prohibited.

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