La nuit de Mai / Áyax Llorente by Odradek

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Rebecca Clarke Viola Sonata (Arr. saxophone and piano) I. Impetuoso II. Vivace III. Adagio

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Gabriel Fauré Sonata No. 1 for Violin and Piano in A major, Op. 13 (Arr. saxophone and piano) I. Allegro II. Molto andante III. Allegro vivo IV. Allegro quasi presto

Orlando Bass Veränderungen

Sergei Rachmaninov Trio élégiaque No. 1 in G minor (Arr. two saxophones and piano)

Áyax Llorente saxophone Maurici Esteller saxophone Orlando Bass piano

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ENG

“Poète, prends ton luth et me donne un baiser...” “Poet, take your lute and give me a kiss”... La nuit de mai is the story of a musical journey that takes place on a languid spring night. One night, or perhaps a simple dream from which feelings such as loneliness, nostalgia, pain, the reminiscences of a lost love emerge. It could be that its subject is loss, or lost inspiration: there is a path in the middle of the forest, and in the distance an ephemeral shadow that emerges despite the darkness; the shadow exists, but not without the light. Three transcriptions and an original work, a compositional reinterpretation on a short piece for piano, in which the sound of the saxophone tries to grant a vision, a colour, a renewed light, whilst remaining faithful to the score, style and essence that each composer wants to convey. The choice of this repertoire stems from a personal interest in exploring the musical and technical limits of my instrument, of trying to rediscover the horizons of the past through new sonorities; a programme essentially in a romantic style but influenced by German Romanticism, English folklore, French impressionism and certain brush strokes of the music of the great Russian composers. This project is for me the culmination of a three-year musical sojourn in Paris, at the Cité Universitaire and at the National Conservatory; three years of musical experiences which I wanted to share with two of the many friends I made during that time. I dedicate this album to them and to all those who have helped and accompanied me since the beginning of my career. I would like to thank especially the teachers who encouraged my passion for music: Alberto Barranco, José Modesto Diago, Irini Gaitani, Nairi Grigorian, Federico Coca, Squillante, Mariano García, Nacho Gascón, Antonio García and Claude Delangle; my family for all their sacrifice for so many years; the Colegio de España in Paris and INAEM (Spain’s National Institute of Performing Arts and Music) for their support in the realisation of this project. Áyax Llorente

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Poète, prends ton luth; le vin de la jeunesse Fermente cette nuit dans les veines de Dieu... “Poet, take up your lute; the wine of youth, This night is fermenting in the veins of God…” La nuit de mai, Alfred de Musset (1810-1857) A female composer in a time of men; two great works of the viola repertoire, one written by a poet, the other by a philosopher; a jury, a contest… In this context Rebecca Clarke presented her Sonata for viola and piano. She included Alfred de Musset’s phrase in the published score of her Sonata, although it is not clear whether the poetry inspired the work or whether she added it afterwards. Quotations from the same poem are threaded throughout this note. Clarke was, according to the jury, a poet herself; the philosopher was the other finalist, Ernest Bloch. He won. The year was 1919: 100 years ago this year. The musical richness of this sonata lies in its eclecticism: from traits of late Romanticism, English folklore and Vaughan Williams, to the use of chromaticism and pentatonic scales that transport us to the impressionism of Debussy and Ravel, as well as the use of the polytonality which can be found in Stravinsky’s Petrushka. Like the Violin Sonata by César Franck, this work is written in cyclical form, in which the different themes appear in each movement as a unifying method. In the first, impetuous movement, written in the form of the classical sonata, Clarke explores an array of moods and passions, her material lending itself remarkably well to the sound of the saxophone.

During the second movement, Vivace (a scherzo movement), we find two finely-wrought, contrasting themes; a third theme then grows out of this earlier material. The movement as a whole seems to evoke the ‘Pantoum’ Scherzo from Ravel’s Piano Trio. In this Vivace, Clarke plays with rhythmic contrasts and hemiolias (shifting rhythmic groupings which give the impression of a change in meter, usually groupings of two used in the context of triple time). There is also a fast rhythm which is combined with crossed rhythms of three against four, as light as the wind, leading us towards a suddenly energetic and marcato character. In the last movement (Adagio) there are audible similarities with the “Phantasy” Quintet by Vaughan Williams, written in 1912. This movement is a journey that takes us from reminiscences of English pastoral vocal music to the reiteration of the cyclical themes, ending with a final climax of overflowing passion. Ô muse! Spectre insatiable Ne m’en demande pas si long. L’homme n’écrit rien sur le sable Á l´heure où passe l’aquilon... “O muse! Insatiable spectre, Don’t ask so much of me. One can write nothing on black At the hour of the eagle’s flight…” 4 4

Gabriel Fauré was a pillar between two generations of French composers, inheriting the challenge of continuing a path marked by his predecessors, as well as guiding the new generation of French composers as Professor and Director of the Paris Conservatoire. Amongst his students we find Maurice Ravel, Charles Koechlin, George Enescu, Nadia Boulanger, and Florent Schmitt. Koechlin spoke about the first movement of Fauré’s Sonata for violin and piano No. 1 in his biography of the composer: “... without being aware of the chronological order that occurred in history, one would say that in the first movement there is some affinity with the second movement of Franck’s sonata”. From an early stage in this first movement we can appreciate the influence of Fauré’s vocal music on his lyrical treatment of the themes. Written in the classical sonata form, the piano presents the principal theme, which, in this version, the saxophone then picks up and varies. The secondary theme is heard first on the saxophone, leading us on to the central development section before finishing the movement with a reprise of the main theme in a pure explosion of energy and virtuosity. In the second movement, we can feel the anguish of an inner, dramatic, dark song that alternates with lyrical passages full of hope, light and expressiveness. Suddenly, after this second movement, we find ourselves amidst the brilliance of a scherzo featuring moments of humour in which the piano and the saxophone maintain a responsive dialogue, with

Fauré employing a tonal freedom that was unusual at the time. This is followed by the contrasting trio, where, to paraphrase Koechlin, we can hear in the tranquillity and simplicity of this section the influence of the music of Robert Schumann. The fourth and final movement is the twilight of the work, anticipating the dawn of a new day. It is an example of quintessentially French passionate romanticism, both elegant and virtuosic. Hélas ! pas même la souffrance. La bouche garde le silence Pour écouter parler le coeur. “Alas! Nothing’s like suffering. The mouth keeps silent To hear the speech of the heart.” Veränderungen I by Orlando Bass is a short and rather rhapsodic piece based on Brahms’ famous Klavierstück Op. 118, No. 3, and is the first instalment of a series of pieces based on the same compositional principle. The concept of “Veränderung”, loosely translated as “metamorphosis”, is rendered through the transformation of Brahms’ original piano piece, albeit rigorously following its structure and the shape of the different melodic motifs, but in such a way that the original is barely recognisable. Starting with a free cadenza, the main theme gradually builds up in a distorted manner developing into a small samba-like conclusion. The middle section converts Brahms’

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original sweetness into a bizarre, “broken toy-like”, anxious atmosphere, followed by the recapitulation of the opening section, and then ending with a coda that “lies in ruins”. The aim of this piece is to give a picture of what Brahms’ music could have sounded like had he lived through the horrors of the first half of the 20th century; a withering, faint echo of lyrical romanticism lying in a shattered post-industrial world. Crois-tu donc que je sois comme le vent d’automne, Qui se nourrit de pleurs jusque sur un tombeau, Et pour qui la douleur n’est qu’une goutte d’eau? “Do you believe that I’m like the autumn wind, Which feeds from the tears upon a tomb, And for whom sorrow is just a drop of water?” The Piano Trio in G major by Claude Debussy was composed in Italy during the summer of 1880, when Debussy was just 18 years old. He was serving as musical tutor for the sons of Nadezhda von Meck, who was for many years the patroness of Tchaikovsky. The manuscript of the Trio was lost until 1982, and was not published until 1986; it needed a certain amount of recomposition due to certain lost sections, especially in the fourth movement. In this youthful work, we can see the first brushstrokes of a young Debussy as he begins to try to escape from conventional harmonies and compositional forms,

such as his very personal use of the classical sonata form, to which he adds a certain rhapsodic character. Yet we can still appreciate the great influence of Romanticism on this music, specifically the music of Robert Schumann and César Franck, and perhaps the influence of the Russian music of Tchaikovsky, Prokofiev or Rimsky-Korsakov, especially in the first and fourth movements. Debussy wrote for the saxophone in works such as his Rapsodie for orchestra and saxophone commissioned in 1901 by American “saxophone lady” Elise Hall, and his Piano Trio (originally for violin, cello and piano) translates well to the combination of two saxophones and piano. J’ai vu le temps où ma jeunesse Sur mes lèvres était sans cesse Prête à chanter comme un oiseau... “I saw the times when my youth Was constantly on my lips, Ready to sing like a bird…” Áyax Llorente & Orlando Bass

Text by Áyax Llorente & Orlando Bass / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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Alejandro Áyax Llorente Gómez (b. 1992) began studying saxophone and piano at the Conservatory Oreste Camarca de Soria and then at the Aragón Conservatory of Music, the National Conservatory of Music and Dance in Paris, and the University Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK). Among other prizes he has won first prize for interpretation at the Colegio de España en París / INAEM (National Institute of Performing Arts and Music), first prize in the Youth Creation Festival of Soria, and first prize in the International Chamber Music Competition of Torino. Maurici Esteller Barberá (b. 1990) graduated in saxophone from the Catalonia College of Music (ESMuC). He completed his training at the Conservatoire Maurice Ravel in Paris and became Master in Advanced Studies in Interpretation at ESMuC. He has won third and first prizes in the competitions Andorra Sax Fest and Concours Européen ClariSax, and regularly collaborates with orchestras across Spain. Orlando Bass (b. 1994) is a Franco-British pianist, harpsichordist and composer. Currently a student at the Paris CNSM Conservatory, he has won prizes in a number of international competitions: Grand-Prix at the Paris CFRPM FestivalCompetition for Modern Piano Repertoire, first prize at Les Virtuoses du Cœur, and winner of the Bologna Harpsichord Competition. His catalogue as a composer includes chamber music and piano works as well as regular live improvisations for silent films. He is a keen interpreter of contemporary music and has given numerous premieres of new works.

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ESP

“Poète, prends ton luth et me donne un baiser...” “Poeta, toma tu laúd y dame un beso...” La nuit de mai es una historia sobre un viaje musical que transcurre durante una lánguida noche de primavera. Una noche…o tal vez un simple ensueño del cual emergen sentimientos tales como la soledad, la nostalgia, el dolor, las reminiscencias de un amor perdido…o tal vez, es simplemente la inspiración extraviada… un sendero en mitad del bosque y allá en la lejanía una efímera sombra que brota en la oscuridad… la sombra existe, pero no sin la luz. Tres transcripciones y una obra original, una reinterpretación compositiva sobre una breve pieza para piano, en las cuales el sonido del saxofón trata de otorgar una visión, un color, una luz renovada, pero siempre fiel a la partitura, al estilo y a la esencia que cada compositor quiere transmitir. La elección de este repertorio surge de un interés personal en explorar los límites musicales y técnicos de mi instrumento, de tratar de redescubrir los horizontes del pasado con una nueva sonoridad, un programa en su esencia con un estilo romántico pero con influencias del romanticismo alemán, el folklore inglés, el impresionismo francés y ciertas pinceladas de la música de los grandes compositores rusos. Este proyecto es para mí la culminación de un viaje musical de tres años en París, en la Cité Universitaire y en el Conservatorio Nacional, tres años de vivencias musicales, el cual he querido compartir con dos de los muchos amigos que conseguí hacer en aquel viaje y de las muchas experiencias que pude obtener. A todas esas personas y a todas las que me han ayudado y acompañado desde el inicio de mi carrera les dedico este trabajo y me gustaría agradecer especialmente a todos aquellos profesores que me han transmitido la pasión por la música: Alberto Barranco, José Modesto Diago, Irini Gaitani, Nairi Grigorian, Federico Coca, a Squillante, Mariano García, Nacho Gascón, Antonio García y Claude Delangle, a mi familia por todo su sacrificio durante tantos años, y al Colegio de España en París y al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) por la increíble oportunidad que nos otorgan a los músicos con su apoyo a la realización de este proyecto. Áyax Llorente

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“Poeta, toma tu laúd; el vino de la juventud fermenta esta noche en las venas de Dios...” La nuit de mai, Alfred de Musset (1810-1857) Una compositora en una época de hombres, dos grandes obras del repertorio para viola, una escrita por un poeta, la otra por un filósofo, un jurado... En este contexto se presentó la Sonata para viola y piano de Rebecca Clarke. En la partitura impresa de su Sonata incluyó la frase de Alfred de Musset mencionada arriba, aunque no está claro si la poesía inspiró la obra o si la añadió más tarde, y encontramos citas de este poema a lo largo de la obra. Según el jurado Clarke era una poetisa, y el otro finalista, Ernest Bloch, el filósofo, que ganó el concurso. Corría el año 1919, justamente hace cien años. La riqueza musical de esta sonata radica en su eclecticismo, desde trazos de Romanticismo tardío, folklore inglés y Vaughan Williams, al uso de cromatismos y escalas pentatónicas que nos transportan al Impresionismo de Debussy y Ravel, así como el uso de la politonalidad que encontramos en Petrushka de Stravinski. Como la Sonata para violín de César Franck, esta obra está escrita en forma cíclica, en la que los diferentes temas aparecen en cada movimiento como método unificador. En el primer movimiento, impetuoso, escrito en forma

Sonata clásica, Clarke explora una variedad de estados anímicos y pasiones, con un material que se presta muy bien al sonido del saxofón. Durante el segundo movimiento, un Scherzo marcado Vivace, encontramos dos grandes temas contrastantes el uno del otro y un tercer tema derivado de uno de ellos. Un movimiento que nos puede evocar el Scherzo “Pantoum” del Trío con piano de Ravel. En este Vivace, Clarke juega con contrastes rítmicos, con juegos de hemiolias, donde un ritmo rápido se combina con ritmos cruzados de 3 contra 4 de partes ligeras como si del viento se tratase, con otros que nos llevan súbitamente a un carácter enérgico y marcado. En el movimiento final, Adagio, podemos encontrar grandes similitudes con el quinteto Phantasy de Vaughan Williams escrito en 1912. En este movimiento realizamos un viaje que nos lleva desde las reminiscencias de la música vocal pastoral inglesa pasando por la reexposición de los temas cíclicos que culmina en un clímax final con una pasión desbordada. “¡Oh, Musa, espectro insaciable, no me lo sigas pidiendo más! El hombre no escribe nada sobre la arena a la hora en que pasa el aquilón.” 9 9

Gabriel Fauré fue un pilar entre dos generaciones de la música francesa, tenía la tarea de continuar el sendero marcado por sus antecesores y guiar a la nueva generación de compositores franceses como profesor y director del conservatorio de París, de entre los que se encontraban Maurice Ravel, Charles Koechlin, George Enescu, Nadia Boulanger y Florent Schmitt. Del primer movimiento de la Sonata para violín y piano n° 1 Koechlin decía en su libro biográfico sobre Fauré: “sin ser conocedor del orden cronológico ocurrido en la historia, uno diría que en el primer movimiento hay cierta afinidad con el segundo movimiento de la Sonata de Franck”. Ya en este primer movimiento podemos apreciar las influencias de su música vocal en el uso y lirismo de los temas. Escrito en forma de Sonata clásica, el piano presenta el tema principal, el cual luego recoge el violín con algunas variaciones, después llega un tema secundario que lo expone por primera vez el violín, para pasar al desarrollo y finalizar el movimiento con una reexposición del tema principal en una pura explosión de energía y virtuosidad. En el segundo movimiento podemos sentir la angustia de un canto interior, dramático, oscuro, que alterna con pasajes líricos llenos de esperanza, luz y expresividad. Súbitamente, al acabar este segundo

movimiento nos encontramos en la brillantez de un Scherzo con unas pinceladas de humor, en el que el piano y el violín mantienen un diálogo respondiéndose el uno al otro, y donde Fauré utiliza una libertad tonal inusual para la época, seguido por un trío contrastante, donde en palabras de Koechlin, podemos escuchar en la tranquilidad y simplicidad de esta sección una influencia de la música de Robert Schumann. En el cuarto y último movimiento, el crepúsculo de la obra, evoca el amanecer de un nuevo día, es una muestra de puro Romanticismo francés lleno de pasión. “Por desgracia, nada como el sufrimiento. La boca guarda silencio para escuchar hablar al corazón.” Veränderungen I de Orlando Bass es una pieza corta y un tanto rapsódica basada en el famoso Klavierstück Op. 118, nº 3 de Brahms, y es la primera de una serie de piezas basadas en el mismo principio de composición. El concepto de “Veränderung”, traducido libremente como “metamorfosis”, se materializa a través de la transformación de la pieza para piano original de Brahms, aunque sigue rigurosamente su estructura y la forma de los diferentes motivos melódicos, pero de tal manera 10 10

que es apenas reconocible. Comenzando con una cadencia libre, el tema principal se desarrolla gradualmente de manera distorsionada y se convierte en una pequeña conclusión en forma de Samba. La sección central toma la dulzura original de la obra de Brahms y la convierte en una extraña atmósfera ansiosa de “juguete roto”, seguida de la reexposición de la sección inicial, y terminando con una coda “en ruinas”. El objetivo de esta pieza es imaginar cómo podría haber sonado la música de Brahms si hubiera vivido los horrores de la primera mitad del siglo XX. Es un débil y fulminante eco de romanticismo lírico en un mundo postindustrial destrozado. “¿Crees tú, pues, que soy como el viento de otoño, que se nutre de llantos sobre una tumba, y para el que el dolor no es más que una gota de agua?” El Trío para piano en sol mayor de Claude Debussy fue compuesto a sus 18 años durante el verano de 1880 en Italia, cuando estaba al servicio como tutor musical de los hijos de Nadezhda von Meck, la que fue durante muchos años mecenas de Chaikovski. El manuscrito de esta obra estuvo perdido hasta 1982, y no fue publicado hasta 1986 después de

haber necesitado un cierto trabajo de recomposición debido a ciertas partes perdidas del mismo, sobre todo en el cuarto movimiento. En esta obra de juventud podemos ver las primeras pinceladas de un joven Debussy que empieza a intentar escapar de las armonías y las formas de composición convencionales, como por ejemplo un uso muy personal de la forma Sonata clásica al que le otorga un cierto carácter rapsódico, pero aún podemos apreciar grandes influencias del Romanticismo, como puede ser la música de Schumann o Franck, y una cierta influencia de la música rusa de Chaikovski, Prokófiev o Rimski Kórsakov, sobre todo en el primer y cuarto movimientos. Debussy escribió para el saxofón en obras como su Rapsodie para orquesta y saxofón comisionada en 1901 por la “mujer saxofonista” estadounidense Elise Hall, y su Trío para piano (originalmente para violín, violonchelo y piano) se traduce bien en la combinación de dos saxofones y piano. “He visto el tiempo en que mi juventud sobre mis labios estaba sin cesar lista para cantar como un pájaro…” Áyax Llorente y Orlando Bass

Texto de Áyax Llorente y Orlando Bass / Odradek Records, LLC bajo licencia Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permisos más allá del ámbito de esta licencia disponibles en www.odradek-records.com.

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Alejandro Áyax Llorente Gómez (1992) comenzó sus estudios de saxofón y piano en el Conservatorio Profesional de Música Oreste Camarca de Soria y posteriormente continuó su carrera musical en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, el Conservatorio Nacional de Música y Danza de París y en la Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) de Zúrich (Suiza). Obtuvo entre otros premios el Primer Premio de interpretación del Colegio de España/ INAEM (2016), el Primer Premio en el XVIII Festival de Creación Joven de Soria, y el Primer Premio en el Concurso internacional de Música de Cámara de Turín (2018).

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Maurici Esteller Barberá (1990), se graduó en saxofón por la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMuC). Completa su formación en el Conservatoire Maurice Ravel de París y finaliza sus estudios obteniendo un Máster en Estudios avanzados en Interpretación en la Escuela Superior de Música de Cataluña y el Ministerio de Educación Cultura y Deporte de España. Obtuvo el Tercer y Primer Premio en los concursos de Andorra Sax Fest y en el Concours Européen ClariSax, y colabora con orquestas de toda España.

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Orlando Bass (1994), es un pianista, clavecinista y compositor franco británico. Estudia actualmente en el Conservatorio Superior de París (CNSM), y ha ganado varios premios en concursos internacionales: Gran Premio en el Concurso-Festival CFRPM de París de repertorio pianísitico moderno, Primer Premio en Les Virtuoses du Cœur, y ganador del Concurso de Clave de Bolonia. Su catálogo como compositor incluye música de cámara y obras para piano, así como improvisaciones en directo sobre cine mudo. Como intérprete está muy interesado en la música contemporánea, y ha estrenado numerosas obras.

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DEU “Poète, prends ton luth et me donne un baiser...” „Poet, nimm deine Laute und küsse mich...” La nuit de mai ist die Geschichte einer musikalischen Reise in einer lauen Frühlingsnacht. Eine Nacht… oder vielleicht einfach nur eine Träumerei, aus der Gefühle entstehen wie Einsamkeit, Wehmut oder Schmerz, Erinnerungen an eine versäumte Liebe... oder vielleicht ist es einfach nur die verlorengegangene Inspiration... ein Pfad inmitten des Waldes, und dort in der Ferne ein schemenhafter Schatten, der aus der Dunkelheit auftaucht… Der Schatten ist da, aber niemals ohne das Licht. Drei Übertragungen und ein Originalwerk, eine kompositorische Umdeutung über ein kurzes Klavierstück, in welchem das Saxophon versucht, uns eine Vision zu vermitteln, eine Farbe, ein erneuertes Licht, aber immer getreu der Partitur, dem Stil und der Wesenheit, die jeder Komponist vermitteln möchte. Die Auswahl dieses Repertoires entstand aus meinem persönlichen Interesse heraus, die musikalischen und technischen Grenzen meines Instruments zu erforschen und zu versuchen, die Horizonte der Vergangenheit mit einer neuen Klangfarbe wiederzuentdecken, ein grundsätzlich romantisches Programm, jedoch mit Einflüssen der deutschen Romantik, der englischen Folklore, des französischen Impressionismus und mit gewissen Anklängen an die Musik der großen russischen Meister. Dieses Projekt bedeutet für mich den Höhepunkt nach einem dreijährigen musikalischen Aufenthalt in Paris, in der Cité Universitaire und im Pariser Konservatorium: Drei Jahre musikalischer Erlebnisse, die ich mit zwei der vielen Freunde teilen wollte, die ich in dieser Zeit kennenlernte, und der reichen Erfahrungen, die ich dabei sammeln konnte. All jenen Menschen, die mir geholfen und mich von Anfang meiner Laufbahn an begleitet haben, widme ich diese Arbeit, und im Besonderen möchte ich all den Professoren danken, die mir die Leidenschaft für die Musik vermittelt haben: Alberto Barranco, José Modesto Diago, Irini Gaitani, Nairi Grigorian, Federico Coca, sowie Squillante, Mariano García, Nacho Gascón, Antonio García und Claude Delangle. Auch meiner Familie danke ich für all ihre Opfer während so vieler Jahre und ebenso dem Colegio de España in Paris sowie dem Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) für die unglaubliche Chance, die sie uns Musikern mit ihrer Unterstützung bei der Realisierung dieses Projekts geben. Áyax Llorente 16 16

Poet, nimm deine Laute; der Wein der Jugend Gärt heute Nacht in den Adern Gottes… Die Mainacht, Alfred de Musset (1810-1857) Eine Komponistin in einer Männerwelt, zwei große Werke des Repertoires für Viola, das eine von einer Dichterin geschrieben, das andere von einem Philosophen, eine Jury... In dieser Konstellation wurde die Sonate für Viola und Klavier von Rebecca Clarke vorgestellt. Die gedruckte Partitur ihrer Sonata enthielt die oben erwähnten Zeilen aus dem Gedicht von Alfred de Musset, obwohl nicht erkenntlich ist, ob diese Verse ihr Werk inspirierten oder ob sie sie später hinzufügte. Während des gesamten Werks tauchen immer wieder Zitate aus diesem Gedicht auf. Nach Meinung der Jury war Clarke eine Dichterin, aber der andere Finalist, Ernest Bloch, der Philosoph, gewann den Wettbewerb. Das war im Jahr 1919, vor genau hundert Jahren. Der musikalische Reichtum dieser Sonate gründet sich auf seinen Eklektizismus; von den Spuren der Spätromantik an über englische Folklore und Vaughan Williams, unter Verwendung von

chromatischen und pentatonischen Tonleitern, die uns zum Impressionismus von Debussy und Ravel führen, sowie von Polytonalität, wie wir sie in Petruschka von Strawinski finden. Wie die Violinsonate von César Franck ist dieses Werk in zyklischer Form geschrieben, in welchem die verschiedenen Themen in jedem Satz Einheit stiften. Im ersten Satz, impetuoso, in der klassischen Sonatenform geschrieben, erforscht Clarke eine Vielzahl von Stimmungen mit einem Material, das für Saxophon geeignet ist. Im Laufe des zweiten Satzes, einem Scherzo, als Vivace bezeichnet, finden wir zwei große kontrastierende Themen sowie ein drittes, abgeleitet von einem der beiden: Ein Satz, der an das Scherzo „Pantoum“ von Ravels Klaviertrio erinnern könnte. In diesem Vivace spielt Clarke mit rhythmischen Kontrasten, mit Hemiolen, wo ein schnelles Tempo mit leichteren Überlagerungen von 3/4 und 4/4 Takten gleich Windstößen kombiniert wird, die plötzlich zu einem energico e marcato führen. Im letzten Satz, Adagio, können wir große Ähnlichkeiten mit dem

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Quintett Phantasy von Vaughan Williams finden, das er im Jahr 1912 schrieb. Dieser Satz führt uns von den Anklängen an pastorale englische Vokalmusik über die Wiederholung der zyklischen Themen zu einer ausgesprochen leidenschaftlichen Klimax. Oh, Muse, unersättliches Schreckgespenst, Frag mich nicht länger! Der Mensch schreibt nichts in den Sand Wenn der Nordwind weht.

Gabriel Fauré war ein Markstein zwischen zwei Generationen der französischen Musik. Als Professor und Direktor des Pariser Konservatoriums hatte er die Aufgabe, den von seinen Vorgängern eingeschlagenen Weg weiter zu verfolgen und die neue Generation französischer Komponisten anzuführen, zu denen Maurice Ravel, Charles Koechlin, George Enescu, Nadia Boulanger und Florent Schmitt zählten. In seiner Biographie über Fauré sagte Koechlin zum ersten Satz seiner Sonate für Violine und Klavier Nr. 1: „Ohne zu wissen, was sich geschichtlich vorher ereignete, könnte man sagen, dass im ersten Satz eine gewisse Affinität zum zweiten Satz der Sonata von Franck besteht.“ Bereits in diesem ersten Satz kann man die Einflüsse seiner Vokalmusik in der Anwendung und Lyrik der Themen erkennen. Geschrieben in Form einer klassischen Sonate, stellt das Klavier das Hauptthema vor, das dann in einigen Variationen von der Violine aufgegriffen wird. Es folgt das Seitenthema, das zuerst von der Geige vorgetragen wird und nach

der Durchführung schließlich den Satz mit einer Wiederaufnahme des Hauptthemas in einer wahren Explosion von Energie und Virtuosität beendet. Im zweiten Satz können wir die Beklemmung eines innerlichen, dramatisch-düsteren Gesangs spüren, abwechselnd mit lyrischen Passagen voller Hoffnung, Helle und Ausdruckskraft. Plötzlich, am Ende dieses zweiten Satzes, finden wir uns in der Brillanz eines Scherzos mit einer Prise von Humor, indem Klavier und Violine in einen Wechseldialog miteinander treten und wo Fauré eine für seine Zeit ungewöhnliche tonale Freiheit benutzt, gefolgt von einem kontrastierenden Trio, das nach den Worten Koechlins in der Ruhe und Einfachheit dieses Abschnitts einen Einfluss der Musik von Robert Schumann erkennen lässt. Im vierten und letzten Satz kündigt die Dämmerung bereits das Erwachen des neuen Tages an: Ein Beispiel reinster französischer Romantik voller Leidenschaft.

Oh weh! Nichts als Leiden. Der Mund bewahrt das Schweigen, Um das Herz sprechen zu hören.

Veränderungen I von Orlando Bass ist ein kurzes, rhapsodisches Stück, basierend auf dem bekannten Klavierstück, Op. 118, Nr. 3 von Brahms, und ist das erste einer Reihe von Stücken mit dem gleichen Kompositionsprinzip. Das Konzept der „Veränderung“, frei mit „Metamorphose“ übersetzt, wird durch die Transformation der Originalkomposition für Klavier

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von Brahms umgesetzt, obwohl ihre Struktur und die Form der verschiedenen melodischen Motive streng beibehalten wird, jedoch in einer Art und Weise, dass sie kaum wiederzuerkennen ist. Beginnend mit einer freien Kadenz, wird das Hauptthema allmählich verzerrt und verwandelt sich im Finale zu einer Samba. Der Mittelteil übernimmt die ursprüngliche Lieblichkeit des Werks von Brahms und verändert sie zu einer seltsamen Atmosphäre eines „zerbrochenen Spielzeugs“, gefolgt von einer Reprise, die in einer „bruchstückhaften“ Coda endet. In diesem Stück sollte man sich vorstellen, wie die Musik von Brahms geklungen haben könnte, wenn er das Grauen der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts erlebt hätte. Es ist ein schwaches und dennoch markantes Echo der lyrischen Romantik in einer verwüsteten postindustriellen Welt. Glaubst du denn, dass ich wie der Herbstwind bin, Der sich sogar von Tränen auf einem Grab nährt, Und für den der Schmerz nichts weiter als ein Tropfen Wasser ist? Das Klaviertrio in G-Dur von Claude Debussy komponierte er mit 18 Jahren im Sommer 1880 in Italien, als er den Kindern von Nadeshda von Meck Unterricht erteilte, die mehrere Jahre lang die Mäzenin Tschaikowskys war. Das Manuskript dieses Werks galt bis 1982 als verloren und wurde erst 1986 veröffentlicht, nachdem an der Neukomposition aufgrund bestimmter fehlender Teile einige Arbeit erforderlich geworden

war, vor allem im vierten Satz. An diesem frühen Werk können wir die ersten Ansätze eines jungen Debussy erkennen, der versucht, sich von den konventionellen Harmonien und Formen zu befreien mittels einer sehr persönlichen Auffassung der klassischen Sonatenform, der er einen rhapsodischen Charakter verleiht. Wir können jedoch immer noch große Einflüsse der Romantik wie bei der Musik von Schumann und Franck erkennen wie auch der russischen Musik von Tschaikowsky, Rimsky Korsakov und Prokofiev, vor allem im ersten und vierten Satz. Debussy schrieb Werke wie seine Rhapsodie für Orchester und Saxophon, ein Auftragswerk der amerikanischen Saxophonistin Elise Hall aus dem Jahre 1901, sowie sein Klaviertrio (ursprünglich für Violine, Cello und Piano), das sich gut für zwei Saxophone und Klavier umschreiben ließ. Ich habe die Zeit gesehen, als meine Jugend Auf meinen Lippen unaufhörlich bereit war, Zu singen wie ein Vogel... Áyax Llorente y Orlando Bass

Autor des Textes Áyax Llorente y Orlando Bass (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative CommonsNamensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.

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Alejandro Áyax Llorente Gómez (geb.1992) begann sein Saxophon- und Klavierstudium am Conservatorio Profesional de Música Oreste Camarca in Soria und setzte seine musikalische Ausbildung am Conservatorio Superior de Música de Aragón, am Nationalen Konservatorium für Musik und Tanz in Paris fort, sowie an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) in Zürich (Schweiz). Unter anderem gewann er den Ersten Preis für Interpretation vom Colegio de España und INAEM (2016), den Ersten Preis beim XVIII. Festival de Creación Joven de Soria und den Ersten Preis beim Internationalen Wettbewerb für Kammermusik in Turin (2018).

Maurici Esteller Barberá (geb.1990) absolvierte sein Saxophonstudium an der Escola Superior de Música de Catalunya (ESMuC). Er vervollständigte seine Ausbildung am Conservatoire Maurice Ravel in Paris und schloss sein Studium mit einem Master an der Escola Superior de Música de Catalunya und dem Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España ab. Er gewann den Dritten und Ersten Preis bei den Wettbewerben des Andorra Sax Fest und des Concours Européen ClariSax. Er arbeitet mit Orchestern in ganz Spanien zusammen. Orlando Bass (geb.1994) ist ein franco-britischer Pianist, Cembalist und Komponist. Derzeit studiert er am Conservatoire Superieur de Paris (CNSM) und hat mehrere Preise bei internationalen Wettbewerben gewonnen: Grand Prix beim Concours-Festival CFRPM in Paris für modernes Klavierrepertoire, Erster Preis bei Les Virtuoses du Cœur und Gewinner des Cembalo Wettbewerbs von Bologna. Sein Werkverzeichnis umfasst Kammermusik- und Klavierwerke sowie Live-Improvisationen zu Stummfilmen. Als Interpret interessiert er sich sehr für zeitgenössische Musik und hat zahlreiche Werke uraufgeführt.

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Recorded at: Studio Odradek “The Spheres” 3-5 April 2019 Producer: John Clement Anderson Sound Engineer & Editor: Marcello Malatesta Mixing and Mastering: Thomas Vigntrinier Sequenza Studio, Paris

Translators: Áyax Llorente / Jesús Herrera (English) Antonio Gómez Schneekloth (German) Photos: Tommaso Tuzj Actividad subvencionada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España Subsidised by the Spanish Ministry of Education, Culture and Sports

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