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ENG Do you ever wander? If so, where are you going? Is there something you are searching for? Are you aimless and carefree, or burdened and downcast? Do you travel alone, or with others? Is your departure spontaneous, or expected? Do you ever hope to return? Whither Must I Wander offers a variety of narratives which answer these questions in distinct ways. In Ralph Vaughan Williams’ Songs of Travel, we experience a character who delights in the independence of the open road. On his journey he encounters the harshness of winter, the beauty of the sky, and the enrapturement of love. Quick to reject his newfound lover in exchange for the highway side, our character is later burdened by his loneliness and longs for a home that he will never see again. Keel’s Three Salt-Water Ballads paint a different kind of wandering – sea ports, drinking, dancing, warm breezes, and the luring of ships at sea by Mother Carey and her notorious appetite for sailor bones. Howells breathtakingly sets King David, where we find our hero wandering in his garden, troubled and full of sorrow, while At the River and Ten Thousand Miles Away both tell of wanderings home: one towards their beloved, and the other towards an eternal resting place. Finally, we hear of two nighttime wanderers, both taking in the world around them as they reflect on life and love under the soft moon’s glow. Ultimately, Whither Must I Wander is born out of our own adventures, each song curated to tell a story inspired by our experiences. As lifelong friends and musical colleagues, we hope always to wander; towards new destinations, new discoveries, new relationships, and always home to share our story. Will Liverman & Jonathan King
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The image of the wanderer, epitomised by Caspar David Friedrich’s ubiquitous painting, Wanderer Above the Mist, has inspired creative artists in every field – and it is easy to understand why. Journeys encompass so much of what it is to be human, our hopes and losses. Travel is rich in possibility, in potential excitement and novelty, but is associated, too, with weariness, displacement, and a yearning for home. Ralph Vaughan Williams (1872-1958) was born in Gloucestershire to the Reverend Arthur Vaughan Williams and Margaret Wedgwood, whose uncle was Charles Darwin, and whose great-grandfather was Josiah Wedgwood. Vaughan Williams studied at the Royal College of Music and at Trinity College, Cambridge, and he began collecting English folk songs in 1903, following in the footsteps of pioneering figures in the field such as Cecil Sharp and Lucy Broadwood. The Songs of Travel (1904) were written during a prolific outpouring of song by Vaughan Williams early in his career. Yet despite their great expressive power and his clear affinity with setting poetry, the composer only occasionally revisited song-writing later in life. Vaughan Williams’ music and choice of texts in the Songs of Travel exhibit his love of invigorating pastoral simplicity. As with Schubert’s song cycles, Die schöne Müllerin and Winterreise, both from the perspective of travellers, Vaughan Williams selected his texts to create a broad sense of narrative arc; when we listen to these songs we
enter the traveller’s world, which takes us from aspiration and love, to loneliness and longing for rest. After the trudging determination of The Vagabond, who revels in the joys of travel, comes the magical mixture of longing and anticipation which pervades Let Beauty Awake. The mood lightens with the more whimsical Roadside Fire, and with the shapely vocal line and radiant piano writing of Youth and Love. In Dreams is an impressionistic haze suffused with ambiguous chromaticism, foreshadowing the composer’s studies with Ravel in Paris a few years after this song was written. Vaughan Williams later explained: “I learned much from Ravel, for example, that the heavy contrapuntal Teutonic manner was not necessary.” Yet this song suggests that he was already moving away from Germanic precedents to explore more fluid textures and harmonies. The Infinite Shining Heavens is characterised by the harplike spread chords of the piano and a searching vocal line, the song’s restless fervour only finding resolution at the very last moment in the piano’s sublime final chord. Whither Must I Wander is a song of lonely nostalgia, contrasted with the more robust Bright is the Ring of Words, which also ends with moving serenity. The cycle concludes with a song which reminds us of The Vagabond, with which the set began: I have trod the upward and downward slope, its similarly trudging opening offset by passages of sweet contemplation. It has been suggested that the choice of Stevenson’s 4 4
poems, particularly The Infinite Shining Heavens and Bright is the Ring of Words, offer an insight into the composer’s temperament. Certainly, their wistful gaze towards the end of our earthly journey tallies with a remark once made by Vaughan Williams: “... in the next world I shan’t be doing music, with all the striving and disappointments. I shall be being it.”
desire to return to the port: “I wish as I was there.” Then comes Keel’s most famous song, Trade Winds: “In the harbour, in the island, in the Spanish seas, / Are the tiny white houses and the orange trees…” The set is rounded off with a playful shanty, Mother Carey.
The Vagabond is also the title of a poem by John Masefield, whose bracing work was a favourite with his contemporaries, including John Ireland and Peter Warlock. Frederick Keel (1871-1954) set Masefield’s words in his Three Salt-Water Ballads. Keel was, first and foremost, a baritone; he studied at the Royal Academy of Music before developing an interest in English folk song, in which field he collaborated with the likes of Lucy Broadwood and Cecil Sharp. He also shared with Vaughan Williams a love of Elizabethan lyrics, although Keel’s arrangements of lute songs of the era were criticised by Peter Warlock for being inauthentic. Keel was held at the Ruhleben internment camp near Berlin for the duration of the First World War. He led the camp’s Music Society, and was probably its most popular performer, singing his wide repertoire of folk songs until he was released in 1918. Once back home, he resumed his role as Professor of Singing at the Royal Academy, but he never gave another public recital.
Herbert Howells (1892-1983) was deeply influenced by Vaughan Williams, and enjoyed telling the story of seeing the premiere of the Fantasia on a Theme of Thomas Tallis at the Three Choirs Festival in Gloucester, near where Howells grew up, in September 1910. Howells was enthralled, especially when Vaughan Williams himself sat next to him for the rest of the concert and shared his copy of the score to Elgar’s Dream of Gerontius. Despite this formative experience, Howells went on to cultivate a voice, and particularly a harmonic language, distinctively his own. King David was finished on 7 August 1919, and is dedicated to the tenor John Coates. Howells set a number of poems by his friend, Walter de la Mare, and considered this to be one of the finest. In scale and conception it is more ambitious than a conventional song, with characteristically beautiful harmonic shifts unified by intricate motivic relationships. King David’s melancholy cannot be soothed even by the finest harps, but at last he finds solace in the song of the nightingale, illustrated by Howells in the piano’s upper register.
It was during his internment that Keel composed the Three Salt-Water Ballads, which were then published in 1919. The set opens with the nautical rigour of Port of Many Ships, in which the protagonist reiterates his
The first set of the Old American Songs by Aaron Copland (1900-90) was premiered by Benjamin Britten and Peter Pears in 1950. The second set followed two years later, first performed by William Warfield, 5 5
with Copland himself at the piano. The penultimate song of this second volume is At the River (1952), a serenely beautiful arrangement of a hymn tune dating from 1865, originally composed by Robert Lowry. At the River was sung at memorial concerts for both Copland and Leonard Bernstein. Contemporary American composer and lyricist Steven Mark Kohn (b. 1957) arranged Ten Thousand Miles Away for his American Folk Set, Volume I (2000). This traditional song mentions several types of travel, but not in praise of the pleasures of travel itself: the longed-for destination is a loved-one far away… I’ll stay no more on England’s shore, so let the music play. I’ll start by the morning train, to cross the raging main! For I’m on the road to my own true love, ten thousand miles away.
In 1900 the prodigiously talented Russian composer Nikolai Medtner (1880-1951) graduated from the Moscow Conservatory; he was awarded the gold medal, and was named as the outstanding pianist of his year. As a composer, Medtner was self-taught but full of ideas; his Nine Goethe Songs, Op. 6 tumbled out “one after another” in 1905. The songs were published in 1906 and were premiered on 7 November of that year. The first is the Wanderer’s Night Song, using the second of Goethe’s celebrated poems on this theme, Wandrers Nachtlied II, a text famously set by Schubert in 1822 (D.768). The poet seeks rest in the still of the night, evoked by Medtner’s initially static vocal line. Medtner draws out the text’s underlying tensions – the desire for relief from mental anguish –
with increasingly powerful articulations of the piano’s recurrent gesture and the final, impassioned phrase in the voice. Robert Schumann (1810-56) composed his song cycle Liederkreis, Op. 39 in 1840, the year in which he married pianist and composer Clara Wieck. The set consists of 12 songs, all to poetry from Joseph von Eichendorff’s collection, Intermezzo. Like Schubert, Schumann recognised that the traveller represented the perfect encapsulation of quintessentially Romantic themes: adventure, yearning, confusion, isolation, desolation. In Mondnacht (Moonlit Night), Op. 39, No. 5, Eichendorff’s poem describes a landscape vibrant with meaning; the nocturnal vista of cornfields and forests becomes as one with the traveller’s soul, which itself embarks on a journey when it flies “across the silent land, As though flying home.” Schumann’s setting is one of his finest. The piano’s delicate and shapely introductory gesture gives way to delicate chords underpinning the voice’s richly expressive melody. And so our musical journey reaches its end; the optimistic traveller from The Vagabond finds himself in the dark, looking back, and wondering. As A. E. Housman put it: The world is round, so travellers tell, And straight though reach the track, Trudge on, trudge on, ’twill all be well, The way will guide one back.
Joanna Wyld
Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com
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My musical roots are grounded in gospel music. I grew up surrounded by gospel in the Pentecostal churches of Norfolk, Virginia. My parents sat me down at a piano at the age of five; I learned how to play by ear. Eventually, I started piano lessons and learned how to read music. I knew early on that music was going to be cemented in my life, probably as a pianist of sorts. I never expected that my journey would lead me to opera. At high school I auditioned for the Governor’s School for the Arts in Norfolk. I auditioned for the piano program, with the vocal program as backup. I was accepted into the vocal program on the spot, starting me on an unexpected path into the operatic world. I went to the Metropolitan Opera for the first time; it was there that I was truly inspired to pursue this art form. Vocal studies continued at Wheaton College, Illinois, followed by a Masters degree from the Juilliard School. Being an artist of color in a Eurocentric art form was an uphill battle, but each rejection served as motivation. Eventually, I won a few major competitions, received some grants, and started making significant operatic debuts. Life came full circle when I made my Metropolitan Opera debut, having been that 15-year-old kid watching opera for the first time from the nose-bleed seats. My mission is to carry the flag for diversity in the arts. I hope to continue to serve as an ambassador for diversity long after I’ve sung my final song. Will Liverman Music has never felt like a vocation to me. I learned to ride my bike because I wanted to, and I learned to play my scales because I wanted to. I’ve always considered music to be a heart’s pursuit. This first love has led to soloing with orchestras, chamber music with dear friends, studying under masterful teachers, assisting award-winning conductors. Music has led me through two Masters degrees in Piano Chamber Music and Choral Conducting at the University of Michigan, and sustains me through a Doctorate in Choral Conducting at the University of Maryland. Music has taken me to many concert stages, including London’s Wigmore Hall and Washington D.C.’s Kennedy Center. What I love most about being a musician is that I never really arrive. There is always a wrong note, a phrase not tapered, an entrance too early, a chord imbalanced, a gesture unclear. No matter the hours of work in private practice, I have never found a stage or studio that fails to expose the absolute human in me: I am not perfect. Why fall in love with such a traitorous fate? Because imperfection is still beautiful. I may never have a flawless performance, but my capacity to tell a story through the euphoria of music cannot be denied. I look forward to a continued lifetime of nearly arriving, still having so far to go, and always having a heartfelt story to tell along the way. Jonathan King 7 7
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Wandern Sie jemals? Wenn ja, wohin? Gibt es etwas, wonach Sie suchen? Wandern Sie ziel- und sorglos oder fühlen Sie sich belastet und niedergeschlagen? Reisen Sie alleine oder mit anderen? Ist Ihre Abreise spontan oder geplant? Haben Sie vor, zurückzukehren? Whither Must I Wander bietet eine Vielzahl von Geschichten, die diese Fragen auf unterschiedliche Weise beantworten. In den Songs of Travel von Ralph Vaughan Williams erleben wir einen Menschen, der die Freiheit auf der Landstraße genießt. Auf seiner Reise begegnet er der Härte des Winters, der Schönheit des Himmels und der Verzauberung durch die Liebe. Allzu schnell bereit, seine neu gewonnene Liebe gegen die Landstraße einzutauschen, bedrückt unseren Wanderer später seine Einsamkeit, und er sehnt sich nach einem Zuhause, das er nie wiedersehen wird. Die Three Salt-Water Ballads von Keel beschreiben eine andere Form des Wanderns – Seehäfen, Trinken, Tanzen, warme Brisen und die Verlockung vom Leben auf hoher See durch „Mother Carey“ mit ihrem berüchtigten Appetit auf Seemannsknochen. In King David versetzt Howells unseren Helden auf atemberaubende Weise in eine Lage, in der er besorgt und voller Trauer in seinem Garten umherirrt, während At the River und Ten Thousand Miles Away beide von Wanderungen zurück nach Hause erzählen: eine zu seiner Geliebten und die andere zu einer ewigen Ruhestätte. Schließlich hören wir von zwei Nachtwanderern, die die Welt um sich herum in sich aufnehmen, während sie im sanften Mondschein über Leben und Liebe nachdenken. Letztendlich ist Whither Must I Wander aus unseren eigenen Abenteuern entstanden. Jedes Lied wurde konzipiert, um eine Geschichte zu erzählen, die von unseren Erfahrungen inspiriert ist. Als lebenslange Freunde und musikalische Kollegen hoffen wir immer zu wandern: auf dem Weg zu neuen Zielen, neuen Entdeckungen, neuen Beziehungen, und immer wieder zurück nach Hause, um unsere Geschichten zu erzählen. Will Liverman & Jonathan King
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Das Bild des Wanderers, das von Caspar David Friedrichs allgemein bekanntem Gemälde Wanderer über dem Nebelmeer versinnbildlicht wird, hat Künstler auf allen Gebieten inspiriert – und es ist leicht zu verstehen, warum. Reisen beinhalten so viel von dem, was es bedeutet, ein Mensch zu sein mit all seinen Hoffnungen und Ängsten. Reisen bietet vielerlei Möglichkeiten an Aufregendem und Neuartigem, geht aber auch mit Ermüdung, Abstand und Heimweh einher. Ralph Vaughan Williams (1872-1958) wurde in Gloucestershire als Sohn von Reverend Arthur Vaughan Williams und Margaret Wedgwood geboren, deren Onkel Charles Darwin und deren Urgroßvater Josiah Wedgwood war. Vaughan Williams studierte am Royal College of Music und am Trinity College in Cambridge und begann 1903 auf den Spuren von Pionieren wie Cecil Sharp und Lucy Broadwood englische Volkslieder zu sammeln. Die Songs of Travel (1904) wurden von Vaughan Williams zu Beginn seiner Karriere während einer überaus produktiven Schaffensphase geschrieben. Trotz seiner großen Ausdruckskraft und seiner klaren Affinität zur Vertonung von Gedichten hat der Komponist das Schreiben von Liedern später im Leben nur gelegentlich wieder aufgegriffen. Vaughan Williams’ Musik und die Auswahl der Texte in den Songs of Travel zeugen von seiner Liebe zur Belebung und Erhaltung der pastoralen Schlichtheit. Wie bei Schuberts Liederzyklen Die schöne Müllerin und Winterreise, beide aus Sicht der Reisenden, wählte Vaughan Williams seine Texte aus, um einen weiten Bogen der Erzählkunst zu spannen. Wenn wir diese Lieder hören, betreten wir die Welt der Reisenden, die uns von Erwartung und Liebe zu Einsamkeit und Sehnsucht nach Ruhe führt.
Nach dem festen, entschlossenen Schritttempo in The Vagabond, das die Freude am Reisen zum Ausdruck bringt, folgt die magische Mischung aus Sehnsucht und Vorfreude, die Let Beauty Awake durchzieht. Die Stimmung hellt sich mit dem skurrileren Roadside Fire und mit der formschönen Gesangslinie und dem strahlenden Piano-Part von Youth and Love auf. In Dreams ist von einem impressionistischen Schleier mit vieldeutiger Chromatik durchflutet, der die Studien des Komponisten bei Ravel in Paris einige Jahre nach dem Entstehen dieses Liedes vorausahnen lässt. Vaughan Williams erklärte später: „Ich habe viel von Ravel gelernt, zum Beispiel, dass die strenge teutonische Anwendung des Kontrapunkts nicht unbedingt notwendig war.“ Doch dieses Lied legt nahe, dass er sich bereits von germanischen Präzedenzfällen entfernt hatte, um flüssigere Texturen und Harmonien zu erforschen. The Infinite Shining Heavens zeichnet sich durch die harfenartigen Akkorde des Klaviers und eine sehnsüchtige Melodie aus, deren ruhelose Inbrunst erst im allerletzten Moment des großartigen Schlussakkords des Klaviers eine Auflösung findet. Whither Must I Wander ist ein Lied einsamer Nostalgie, im Gegensatz zu dem kräftigeren Bright is the Ring of Words, das ebenfalls mit bewegender Gelassenheit endet. Der Zyklus schließt mit einem Lied, das uns an The Vagabond erinnert, mit dem der Zyklus begann: I have trod the upward and downward slope, dessen ähnlich stampfend klingender Anfang durch Passagen süßer Kontemplation ausgeglichen wird. Es wurde vermutet, dass die Wahl von Stevensons Gedichten, insbesondere The Infinite Shining Heavens und Bright is the Ring of Words, einen Einblick in das Temperament des Komponisten bietet. Ihr sehnsüchtiger
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Blick auf das Ende unserer irdischen Reise wird sicher durch eine Bemerkung, die Vaughan Williams einmal machte, bestätigt: „... in der nächsten Welt werde ich keine Musik mit all ihren Mühen und Enttäuschungen machen. Ich werde Musik sein.” The Vagabond ist auch der Titel eines Gedichts von John Masefield, dessen lebendige Poesie bei seinen Zeitgenossen, darunter John Ireland und Peter Warlock, sehr beliebt war. Frederick Keel (1871-1954) verwandte Masefields Worte in seinen Three SaltWater Ballads. Keel war in erster Linie ein Bariton; er studierte an der Royal Academy of Music, bevor sein Interesse für englische Volkslieder geweckt wurde. Auf diesem Gebiet arbeitete er zum Beispiel mit Lucy Broadwood und Cecil Sharp zusammen. Er teilte auch mit Vaughan Williams die Liebe zu elisabethanischer Lyrik, obwohl Keels Arrangements von Lautenliedern jener Zeit von Peter Warlock als nicht authentisch kritisiert wurden. Keel wurde während des Ersten Weltkriegs im Internierungslager Ruhleben in der Nähe von Berlin festgehalten. Er leitete die Musikgruppe des Lagers und war wahrscheinlich der beliebteste Künstler, der dort sein breites Repertoire an Volksliedern sang, bis er 1918 freigelassen wurde. Zurück in England übernahm er wieder seine Professur für Gesang an der Royal Academy, trat jedoch nie mehr öffentlich auf. Während seiner Internierung komponierte Keel die Three Salt-Water Ballads, die dann 1919 veröffentlicht wurden. Die Zusammenstellung beginnt mit dem nautisch strengen Port of Many Ships, in dem der Protagonist seinen Wunsch bekräftigt, in den Hafen zurückzukehren: „Ich wünschte, ich wäre dort.“ Dann erklingt Keels berühmtestes Lied, Trade Winds: „Im Hafen, auf der
Insel, im spanischen Meer / Sind die winzigen weißen Häuser und die Orangenbäume…“ Der Zyklus wird mit Mother Carey, einem verspielten Shanty abgerundet. Herbert Howells (1892-1983) war zutiefst von Vaughan Williams beeinflusst und erzählte gerne die Geschichte von der Premiere der Fantasie über ein Thema von Thomas Tallis beim Drei-Chöre-Festival im September 1910 in Gloucester, in dessen Nähe Howells aufgewachsen war. Howells war begeistert, besonders, als Vaughan Williams sich für den Rest des Konzerts neben ihn setzte und die Partitur von Elgars Der Traum des Gerontius mit ihm teilte. Trotz dieser prägenden Erfahrung kultivierte Howells weiterhin eine eigene Sprache, insbesondere im harmonischen Bereich. König David wurde am 7. August 1919 fertiggestellt und ist dem Tenor John Coates gewidmet. Howells vertonte eine Reihe von Gedichten seines Freundes Walter de la Mare und hielt dieses Lied für eines der besten. In Umfang und Konzeption ist es anspruchsvoller als ein herkömmliches Lied, mit charakteristisch schönen harmonischen Transpositionen, die durch komplizierte motivische Verknüpfungen vereint werden. König Davids Melancholie kann nicht einmal von den zartesten Harfentönen gelindert werden, aber schließlich findet er Trost im Lied der Nachtigall, von Howells im oberen Register des Klaviers dargestellt. Der erste Zyklus der Old American Songs von Aaron Copland (1900-1990) wurde 1950 von Benjamin Britten und Peter Pears uraufgeführt. Der zweite folgte zwei Jahre später und wurde von William Warfield, mit Copland selbst am Klavier, uraufgeführt. Das vorletzte Lied dieser zweiten Sammlung ist At the River (1952), ein heiteres, wunderschönes Arrangement einer Hymne aus dem Jahr 1865, das ursprünglich von Robert
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Lowry komponiert worden war. At the River wurde bei Gedenkkonzerten sowohl für Copland als auch für Leonard Bernstein gesungen. Der zeitgenössische amerikanische Komponist und Texter Steven Mark Kohn (geb. 1957) arrangierte für sein American Folk Set, Band I (2000) Ten Thousand Miles Away. In diesem traditionellen Lied werden verschiedene Arten des Reisens besungen, jedoch nicht das Lob des Reisens selbst: Das ersehnte Reiseziel ist ein geliebter Mensch in weiter Ferne… Ich bleibe nicht mehr an Englands Küste, also lass die Musik spielen. Ich fahre mit dem Morgenzug los, über die stürmische See! Denn ich bin auf dem Weg zu meiner einzig wahren Liebe, Zehntausend Meilen von hier.
Im Jahre 1900 beendete der überaus talentierte russische Komponist Nikolai Medtner (1880-1951) sein Studium am Moskauer Konservatorium. Er wurde mit der Goldmedaille ausgezeichnet und zum herausragenden Pianisten seines Jahres gekürt. Als Komponist war Medtner Autodidakt, aber voller Ideen. Seine Neun Goethe Lieder, Op. 6 entstanden 1905 dicht „hintereinander“. Sie wurden 1906 veröffentlicht und am 7. November desselben Jahres uraufgeführt. Das erste ist das Wanderer’s Nachtlied, das den Text des zweiten von Goethes berühmten Gedichten zu diesem Thema, Wandrers Nachtlied II verwendet, welches 1822 von Schubert meisterhaft vertont wurde (D.768). Der Dichter sucht Ruhe in der Stille der Nacht, zum Ausdruck gebracht durch Medtners anfänglich statische Melodie. Medtner thematisiert die Spannungen, die dem Text zugrunde liegen – das Verlangen nach Befreiung von seelischen Ängsten –
mit zunehmend kraftvoller Artikulation des Klaviers und einer letzten leidenschaftlichen Phrase in der Stimme. Robert Schumann (1810-1856) komponierte seinen Liederzyklus Liederkreis, Op. 39 im Jahr 1840, in welchem er die Pianistin und Komponistin Clara Wieck heiratete. Der Kreis besteht aus 12 Liedern, allesamt nach Gedichten aus Joseph von Eichendorffs Sammlung Intermezzo. Wie Schubert erkannte Schumann, dass der Reisende die perfekte Verkörperung der typisch romantischen Themen darstellte: Abenteuer, Sehnsucht, Verwirrung, Vereinsamung, Trostlosigkeit. Eichendorffs Gedicht Mondnacht Op. 39, Nr. 5 beschreibt eine bedeutungsvolle Landschaft; der nächtliche Blick auf Getreidefelder und Wälder wird eins mit der Seele des Reisenden, die selbst eine Reise antritt, wenn sie „… flog durch die stillen Lande, als flöge sie nach Haus“. Schumanns Bearbeitung ist eine seiner schönsten. Die feine und formschöne einleitende Geste des Klaviers weicht zarten Akkorden, die die ausdrucksstarke Melodie der Stimme untermauern. Und hier endet unsere musikalische Reise; der optimistische Reisende aus The Vagabond findet sich im Dunkeln wieder, schaut zurück und wundert sich. Wie A. E. Housman es ausdrückte: Die Welt ist rund, so sagen Reisende, Und obwohl das Ziel erreicht wird, Geh weiter, geh weiter, alles wird gut, Der Weg führt einen zurück. Joanna Wyld
Autor des Textes Joanna Wyld (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.
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Meine musikalischen Wurzeln gründen in der Gospelmusik. Ich bin in Norfolk, Virginia, mit Gospelsongs in den Kirchen der Church of Pentecost aufgewachsen. Meine Eltern setzten mich im Alter von fünf Jahren an ein Klavier; ich habe gelernt, nach Gehör zu spielen. Schließlich bekam ich Klavierunterricht und lernte Noten lesen. Ich wusste schon früh, dass Musik in meinem Leben einen festen Platz einnehmen würde, wahrscheinlich als eine Art Pianist. Ich hätte nie gedacht, dass mich meine Laufbahn zur Oper führen würde. Ich habe bei der Governor’s School for the Arts in Norfolk die Aufnahmeprüfung für das Fach Klavier gemacht – mit Gesang als Zweitfach, und wurde sofort aufgenommen. So begann mein unerwarteter Weg in die Opernwelt. Ich ging zum ersten Mal in die Metropolitan Opera. Hier war es, wo ich wirklich inspiriert wurde, dieser Kunstform nachzugehen. Mein Gesangsstudium setzte ich am Wheaton College in Illinois fort, gefolgt von einem Master an der Juilliard School. Als Farbiger eine mitteleuropäische Kunstform zu studieren, war ein harter Kampf, aber jede Ablehnung diente mir als Motivation. Schließlich gewann ich diverse wichtige Wettbewerbe, erhielt einige Stipendien und gab bedeutende Operndebüts. Der Kreis schloss sich, als ich mein Debüt an der Metropolitan Opera gab, nachdem ich genau dort als 15-Jähriger das erste Mal von den billigen Plätzen aus eine Oper gesehen hatte. Meine Mission ist es, die Flagge für Vielfalt in den Künsten emporzuhalten. Ich hoffe weiterhin als Botschafter für Vielfalt auftreten zu können, noch lange nachdem ich mein letztes Lied gesungen habe. Will Liverman Musik war für mich noch nie eine Berufung. Ich habe Fahrrad fahren gelernt, weil ich wollte, und ich habe gelernt meine Tonleitern zu spielen, weil ich wollte. Ich habe Musik immer als eine Herzensangelegenheit angesehen. Diese erste Liebe hat dazu geführt, als Solist mit Orchestern zu spielen, mit lieben Freunden Kammermusik zu machen, bei großen Meistern zu lernen und unter preisgekrönten Dirigenten mitzuwirken. Musik hat mich durch zwei Master in Klavierkammermusik und Chorleitung an der Universität von Michigan geführt und sichert mir meinen Lebensunterhalt durch einen Doktortitel in Chorleitung an der Universität von Maryland. Die Musik führte mich an viele Konzertbühnen, darunter die Wigmore Hall in London und das Kennedy Center in Washington, DC. Am meisten schätze ich an meinem Musikerleben, dass ich niemals wirklich vollkommen sein werde. Immer gibt es eine falsche Note, eine nicht verjüngte Phrase einen verfrühten Einsatz, einen unausgeglichenen Akkord, eine unklare Geste. Unabhängig von meinen Übungsstunden habe ich nie eine Bühne oder ein Studio betreten, die mir nicht vor Augen geführt hätten: Ich bin nicht perfekt. Warum sich in solch ein trügerisches Schicksal verlieben? Weil selbst Unvollkommenheit immer noch Schönheit in sich birgt. Meine Darbietung ist vielleicht nie einwandfrei, aber meine Fähigkeit, eine Geschichte durch die Euphorie der Musik zu erzählen, ist nicht zu leugnen. Ich freue mich auf ein weiteres Leben, in dem ich immer nur beinahe ankomme, noch einen weiten Weg vor mir habe und jederzeit eine von Herzen kommende Geschichte zu erzählen weiß. Jonathan King 12 12
FRA Vous arrive-t-il d’errer ? Si oui, où allez-vous ? Recherchez-vous quelque chose de particulier ? Êtes-vous désœuvré et insouciant, ou surchargé et abattu ? Voyagez-vous seul ou avec d’autres? Votre départ est-il spontané ou prévu ? Espérez-vous revenir ? Whither Must I Wander propose un ensemble de récits qui répondent différemment à ces questions. Dans Songs of Travel de Ralph Vaughan Williams, nous croisons un personnage qui savoure l’indépendance que lui offre la route. Au cours de son voyage, il affronte la rigueur de l’hiver, observe la beauté du ciel et le ravissement de l’amour. Prompt à rejeter son nouvel amour en échange du grand large, notre personnage est plus tard affligé par sa solitude et aspire à un foyer qu’il ne reverra jamais. Three Salt-Water Ballads de Keel évoquent un tout autre type d’errance : ports de mer, boissons, danses, brises chaudes et la séduction des navires en mer par la Mère Carey et son appétit notoire pour les ossements de marin. Howells met en scène de manière époustouflante King David, David, errant dans son jardin, tourmenté et désespéré, tandis qu’ At the River et Ten Thousand Miles Away évoquent tous deux l’errance et l’aspiration : l’un envers sa bien-aimée et l’autre envers un lieu de repos éternel. Enfin, nous croisons deux vagabonds nocturnes qui contemplent le monde qui les entoure en réfléchissant à la vie et à l’amour au doux clair de lune. Au bout du compte, Whither Must I Wander est né de nos propres aventures, chaque chanson interprétée pour conter une histoire inspirée de nos expériences. En tant qu’amis de longue date et collègues musicaux, nous espérons errer pour toujours… vers de nouvelles destinations, de nouvelles découvertes, de nouvelles amitiés, et retourner chez nous pour partager notre histoire. Will Liverman & Jonathan King
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L’image du vagabond, incarnée par le tableau omniprésent de Caspar David Friedrich, Le Voyageur contemplant une mer de nuages (Der Wanderer über dem Nebelmeer), a inspiré de nombreux artistes dans tous les domaines – et on comprend pourquoi. Les voyages englobent tant de chose qui font notre humanité, nos espoirs et nos pertes. Le voyage est riche en possibilités, en émotions et en nouveauté, mais est également associé à la fatigue, au déplacement et au désir ardent de rentrer chez soi. Né dans le Gloucestershire, Ralph Vaughan Williams (1872-1958) est le fils du révérend Arthur Vaughan Williams et de Margaret Wedgwood, dont l’oncle était Charles Darwin et dont l’arrière-grand-père était Josiah Wedgwood. Vaughan Williams a étudié au Royal College of Music et au Trinity College, à Cambridge. Il a commencé à collectionner des chansons folkloriques anglaises en 1903, sur les traces de pionniers tels que Cecil Sharp et Lucy Broadwood. Les Songs of Travel (1904) ont été écrites au début de sa carrière au cours d’une effusion prolifique de chansons. Pourtant, malgré leur grande force expressive et sa forte affinité pour la poésie, le compositeur n’a par la suite que rarement revisité l’écriture de chansons. La musique et le choix de textes de Vaughan Williams dans Songs of Travel montrent son amour pour une simplicité pastorale vivifiante. Comme pour les cycles de chant de Schubert, Die schöne Müllerin et Winterreise, tous deux du point de vue des voyageurs, Vaughan Williams a sélectionné ses textes pour créer un vaste champ narratif. En écoutant ces chansons, nous entrons dans le monde du voyageur, qui nous mène de l’aspiration et de l’amour à la solitude et au désir de paix.
Après la détermination accablée du Vagabond, qui savoure les joies du voyage, vient le mélange magique de nostalgie et d’anticipation qui imprègne Let Beauty Awake. L’atmosphère s’adoucit avec Roadside Fire, plus fantaisiste, et avec la plaisante ligne vocale et le piano radieux de Youth and Love. In Dreams est un brouillard impressionniste imprégné d’un chromatisme ambigu, préfigurant les études du compositeur avec Ravel à Paris quelques années après l’écriture de cette chanson. Vaughan Williams expliqua plus tard : « J’ai beaucoup appris de Ravel, par exemple que la lourdeur teutonique contrapuntique n’était pas nécessaire. » Pourtant, cette chanson suggère qu’il s’éloignait déjà des précédents germaniques pour explorer des textures et des harmonies plus fluides. Infinite Shining Heavens se caractérise par des accords étendus au piano évoquant une harpe et par une mélodie vocale en recherche, la ferveur agitée de la chanson ne trouvant sa résolution qu’au tout dernier moment dans l’accord final sublime du piano. Whither Must I Wander est un chant à la nostalgie solitaire, contrastant avec le plus robuste Bright is the Ring of Words, qui se termine également dans une sérénité émouvante. Le cycle se conclut par un chant qui nous rappelle The Vagabond, avec lequel s’est amorcé cet ensemble : I have trod the upward and downward slope, avec une ouverture traînante compensée par des passages de douce contemplation. Certains ont suggéré que le choix des poèmes de Stevenson, en particulier Infinite Shining Heavens et Bright is the Ring of Words, offrait un aperçu du tempérament du compositeur. Il est clair que leur regard nostalgique vers la fin de notre voyage sur terre concorde
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avec une remarque faite jadis par Vaughan Williams: « … dans le monde à venir, je ne ferai pas de musique, avec tous ses efforts et ses déceptions. Je serai la musique ». The Vagabond est également le titre d’un poème de John Masefield, dont l’œuvre tonifiante était prisée de ses contemporains, notamment John Ireland et Peter Warlock. Frederick Keel (1871-1954) a repris les paroles de Masefield dans ses Three Salt-Water Ballads. Keel était avant tout un baryton ; il a étudié à la Royal Academy of Music avant de s’intéresser aux chansons folkloriques anglaises, domaine dans lequel il a collaboré avec des artistes tels que Lucy Broadwood et Cecil Sharp. Il partageait également avec Vaughan Williams son amour pour les paroles élisabéthaines, bien que Peter Warlock ait reproché à Keel le manque d’authenticité de ses arrangements de luth d’époque. Keel a été détenu au camp d’internement de Ruhleben, près de Berlin, durant la Première Guerre mondiale. Il a dirigé la Société Musicale du camp et fut probablement son interprète le plus populaire. Il a chanté son vaste répertoire de chansons folkloriques jusqu’à sa libération en 1918. Une fois de retour chez lui, il reprit son rôle de professeur de chant à la Royal Academy, mais n’a jamais donné d’autre récital public. C’est lors de son internement que Keel composa les Three Salt-Water Ballads, qui furent ensuite publiées en 1919. L’ensemble s’ouvre avec la rigueur nautique du Port of Many Ships, dans lequel le protagoniste réitère son désir de retourner au port : «I wish as I was there ». Puis vient la plus célèbre de ses chansons, Trade Winds : « In the harbour, in the island, in the Spanish seas, / Are the tiny white houses and the orange trees …» L’ensemble est complété par une chanson de marin, Mother Carey.
Herbert Howells (1892-1983) fut profondément influencé par Vaughan Williams et aimait raconter l’histoire de la première du film Fantasia on a Theme of Thomas Tallis au Festival des Trois Chorales à Gloucester, près de là où grandit Howells, en septembre 1910. Howells fut extatique, en particulier lorsque Vaughan Williams lui-même resta assis à côté de lui pendant le reste du concert et partagea sa copie de la partition du Dream of Gerontius d’Elgar. En dépit de cette expérience formatrice, Howells a continué à cultiver un univers – en particulier un langage harmonique – distinctement personnel. King David a été achevé le 7 août 1919 et est dédié au ténor John Coates. Howells a adapté un certain nombre de poèmes de son ami, Walter de la Mare, et celui-ci était l’un de ses préférés. Par son ampleur et sa conception, la pièce est plus ambitieuse qu’une chanson conventionnelle, avec des décalages harmoniques d’une grande beauté, unis par des motifs complexes. La mélancolie du Roi David ne peut être apaisée même par les plus belles harpes, mais il trouve enfin le confort dans le chant du rossignol, illustré par Howells dans le registre supérieur du piano. Le premier ensemble des Old American Songs d’Aaron Copland (1900-90) a été donné en première par Benjamin Britten et Peter Pears en 1950. Le deuxième ensemble a suivi deux ans plus tard, interprété pour la première fois par William Warfield, avec Copland lui-même au piano. L’avant-dernier chant de ce second volume est At the River (1952), un arrangement magnifique et serein d’un hymne datant de 1865, composé à l’origine par Robert Lowry. At the River a été chanté lors de concerts commémoratifs pour Copland ainsi que Leonard Bernstein. Le compositeur et parolier américain contemporain Steven Mark Kohn (né en 1957) a
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arrangé Ten Thousand Miles Away pour son American Folk Set, Volume I (2000). Cette chanson traditionnelle mentionne plusieurs types de voyages, mais ne fait pas l’éloge des plaisirs du voyage lui-même : la destination tant attendue est un être cher, au loin… Je ne resterai plus sur la côte anglaise, que la musique commence ! Je prendrai le train du matin, pour traverser le pays ! Car je vais rejoindre mon véritable amour, à des milliers de lieues. En 1900, Nikolai Medtner (1880-1951), compositeur russe au talent prodigieux, obtint son diplôme du conservatoire de Moscou : il reçut la médaille d’or et fut nommé pianiste exceptionnel de l’année. En tant que compositeur, Medtner était autodidacte mais plein d’idées. Ses Neuf chansons d’après Goethe, op. 6, sont apparues « les unes après les autres » en 1905. Ces chansons ont été publiées en 1906 et ont été créées le 7 novembre de la même année. Le premier est le Wanderer’s Night Song, qui reprend le second des célèbres poèmes de Goethe sur ce thème, Wandrers Nachtlied II, un texte fameusement adapté par Schubert en 1822 (D. 768). Le poète cherche le repos dans l’alambic de la nuit, évoqué par la ligne vocale initialement statique de Medtner. Medtner souligne les tensions sous-jacentes du texte – le désir d’être soulagé de l’angoisse – avec des articulations de plus en plus puissantes au piano et l’ultime phrase vocale passionnée.
comprend 12 chansons, sur des poèmes de la collection de Joseph von Eichendorff, Intermezzo. Comme Schubert, Schumann considérait que le voyageur représentait l’illustration parfaite de thèmes typiquement romantiques : aventure, nostalgie, confusion, isolement, désolation. Dans Mondnacht (Nuit au clair de lune), op. 39, n° 5, le poème d’Eichendorff décrit un paysage vibrant de sens : la vision nocturne des champs de blé et des forêts ne fait plus qu’un avec l’âme du voyageur, qui lui-même se lance dans un voyage « à travers le pays silencieux, comme s’il volait en rentrant chez lui ». L’adaptation de Schumann est l’une de ses meilleures. Le geste d’introduction raffiné du piano laisse place à des accords délicats qui sous-tendent la mélodie richement expressive de la voix. Et ainsi notre voyage musical touche à sa fin… Le voyageur optimiste du Vagabond se retrouve dans l’obscurité, et regarde en arrière en observant, comme le dit E. E. Housman : Le monde est rond, disent les voyageurs, Et tout droit sur le chemin, Marche, marche encore, tout ira bien, Le chemin te guidera.
Joanna Wyld
Robert Schumann (1810-56) a composé son cycle de chant Liederkreis, op. 39 en 1840, année de son mariage avec la pianiste et compositrice Clara Wieck. L’ensemble Texte de Joanna Wyld (Trad: Yannick Muet)/Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com
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Mes racines musicales sont ancrées dans le gospel. J’ai grandi entouré par le gospel dans les églises pentecôtistes de Norfolk, en Virginie. Mes parents m’ont assis au piano à l’âge de cinq ans ; j’ai appris à jouer à l’oreille. Puis j’ai suivi des leçons de piano et appris à lire la musique. J’ai su très tôt que la musique allait être le ciment de ma vie, probablement en tant que pianiste. Je n’ai jamais songé à ce que mon voyage me conduise à l’opéra. Au lycée, j’ai auditionné à la Governor’s School for the Arts du Norfolk. J’ai auditionné pour le cursus de piano, avec le cursus vocal en réserve. J’ai été immédiatement accepté dans le cursus vocal, ce qui m’a ouvert un chemin inattendu vers le monde de l’opéra. Je me suis rendu pour la première fois au Metropolitan Opera ; c’est ce lieu qui m’a véritablement inspiré à poursuivre cette discipline. Les études vocales se sont poursuivies au Wheaton College, dans l’Illinois, suivies d’une Maîtrise à la Juilliard School. Être un artiste de couleur dans une discipline eurocentrique fut une bataille difficile, mais chaque rejet a servi de motivation. Finalement, j’ai remporté quelques compétitions majeures, reçu des subventions et commencé à me faire un nom dans l’opéra. La boucle a été bouclée lorsque j’ai fait mes débuts au Metropolitan Opera, après avoir été ce gamin de 15 ans qui écoutait de l’opéra pour la première fois depuis les sièges du fond. Ma mission est de porter le drapeau de la diversité dans les arts. J’espère continuer à être ambassadeur de cette diversité longtemps après avoir chanté mon dernier chant. Will Liverman La musique ne m’est jamais apparue comme une vocation. J’ai appris à faire du vélo parce que je le voulais, et j’ai appris mes gammes pour la même raison. J’ai toujours considéré la musique comme une affaire de cœur. Ce premier amour m’a conduit à l’interprétation solo avec des orchestres, à la musique de chambre avec des amis chers, à étudier avec des maîtres talentueux et à assister des chefs prestigieux. Après deux Maîtrises en Musique de Chambre pour Piano et Direction Chorale à l’Université du Michigan, j’ai amorcé un Doctorat en Direction Chorale à l’Université du Maryland. La musique m’a conduit sur de nombreuses scènes, notamment au Wigmore Hall de Londres et au Kennedy Center, à Washington D.C. Ce que j’aime le plus en tant que musicien est l’impossibilité de la perfection. Il y a toujours une fausse note, une phrase non effilée, une entrée trop précoce, un accord déséquilibré, un geste flou. Quel que soit le nombre d’heures de pratique, je n’ai jamais trouvé une scène ou un studio qui n’ait su exposer l’humain absolu en moi : je ne suis pas parfait. Pourquoi tomber amoureux d’un destin aussi traître ? Parce que l’imperfection est toujours aussi belle. Je peux ne jamais avoir d’interprétation sans faille, mais ma capacité à raconter une histoire à travers l’euphorie de la musique est indéniable. J’espère connaître de nombreuses années d’imperfection – il me reste encore beaucoup à faire – et avoir toujours une histoire à conter de tout mon cœur. Jonathan King 17 17
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JONATHAN KING piano
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I’d like to thank our sponsors Luminarts Cultural Foundation, Sphinx Organization and 3Arts, and our donors Chet and Nancy Kamin, and Debbie Wright from the bottom of my heart for helping us make this album possible. This has been a heartfelt project that we’ve wanted to do for years, and to have the opportunity to share our gift with the world is very special. We appreciate you so much!
RECORDED: in Aug 2017 and Aug 2018 at Skillman Music Recording Studio Brooklyn, NYC, USA PRODUCER, SOUND ENGINEER & EDITOR: Weixiong Wei MIXING AND MASTERING: Thomas Vigntrinier, Sequenza Studio, Paris
TRANSLATORS: Yannick Muet (French), Antonio Gómez Schneekloth (German) MONDNACHT: © Richard Stokes, author of The Book of Lieder, published by Faber, provided courtesy of Oxford Lieder (www.oxfordlieder.co.uk) PHOTOS: Jaclyn Simpson
www.odradek-records.com
℗ & © 2019 Odradek Records, LLC, Lawrence (KS) USA. All rights reserved. Unauthorized copying, hiring, lending, public performance, and broadcasting of this sound recording are strictly prohibited.
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