BOLERO - THE ORCHESTRAL ORGAN by Odradek

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The organ, percussion, and symphonic music are three of my greatest passions. I studied percussion as a teenager and have had the chance to play some important works from the symphonic repertoire as a percussionist. The idea of bringing these three passions together in a musical project that I could play in concert has been buzzing around in my mind for some 20 years now, with a view to being recorded on a CD at a later date. This CD is just that, the fruit of an idea long wished-for and yet ever present in my head: to make my own arrangements for organ and percussion of works from the symphonic repertoire in which percussion holds a major role. After taking part in the concerts that inaugurated the great new organ in León Cathedral, I felt that this was the best instrument for my project because of its wide colouristic range set in extraordinary acoustics. As far as music is concerned, I am an inveterate music lover and, without doubt, I owe a great amount of this passion to Radio Clásica, the classical radio channel of Radio Nacional de España. According to my parents I have been a fervent listener since I was 11 years old, and still am today. Well into my teenage years, out of all those radio memories, I can recall José Luis Pérez de Arteaga’s programmes as being incomparable to me. I had the chance to meet him in person some 15 years back before the concerts played with the Orquesta Nacional de España. And so, I was able to establish a friendship with him, at a little distance perhaps, but nevertheless warm and affectionate. About five years ago in the cafeteria at the Auditorio Nacional I said to him, “José Luis, when I record my arrangements for organ and percussion, I will dedicate the CD to you in thanks for all those marvellous moments you have given me on the radio”. He smiled and responded with one of those witty and elegant sayings of his that I treasure. It grieves me greatly not to be able to hand over this recording to him person in as sadly he left us three years ago. I therefore wish to dedicate this CD to José Luis Pérez de Arteaga with all my affection, respect and thanks. Daniel Oyarzabal

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BOLERO - THE ORCHESTRAL ORGAN The oldest music score for keyboard dates from the 14th century, half of the manuscript is taken up with vocal motet arrangements. From the first appearance of written organ scores to the present day, arrangements or transcriptions have made up an important part of the organ repertoire. This art, practised by masters like Bach in the Baroque period, achieved enormous circulation and popularity from the 19th century onwards, due to a growing culture of leisure which had not yet found a means of sound reproduction. The technical improvements to the organ were equally important during the 19th century, in the midst of the industrial revolution, as well as the development of its orchestral character.

magnificent works are recreated, with the organ and percussion as main actors.

“The organ contains word, cry and song all at the same time...”, Jean Guillou

The musical production of Camille Saint-Saëns (18351921) was particularly rich and diverse. He held the post of organist at the Church of La Madeleine with its imposing Cavaillé-Coll organ, and whenever an organ plays together with an orchestra his Symphony No. 3 is a favourite choice. However, this popularity is shared with The Carnival of the Animals (Le carnaval des animaux). Resting after a concert tour in 1886, Saint-Saëns spent some more of his time writing what he called “a grand zoological fantasy”, but he later found this composition so enjoyable that he even delayed completing his Symphony

The Klais organ was inaugurated in León Cathedral in 2013. It has 64 registers and five manuals and a pedalboard. It was designed by Jean Guillou (19302019) following many of his own aesthetic criteria. Thus, its sound palette includes numerous registers which can take on solo roles, and its pipes are placed in four organ chests and eight speaking façades which project their sound towards the central choir, as well as to the side aisles. Within this space these

The Planets suite is the most popular work by Gustav Holst (1874-1932). An enthusiast of astrology and horoscopes, he drew upon mythology to describe the character each planet suggested to him. The first movement, Mars, the Bringer of War, is in a rigorous and implacable 5/4 march rhythm, which in the original orchestral score is marked out by kettledrums and strings played col legno - struck with the bow stick. The work is rich in crescendos, which lead to brilliant climactic moments. The ample and varied percussion section (bass drum, side drum, cymbals ...) are in consonance with the martial character of the piece.

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No. 3. The work was premiered on Mardi Gras 1886 to a private audience. The different movements describe different animals by name, but behind this innocent description lie some musical jokes: this, added to the carefree character of the work, made him opposed to publishing or even interpreting the work during his lifetime with the sole exception of the movement The Swan. Aquarium is the seventh of the suite’s 14 movements. Its music portrays the dense and crystalline world of water in a suggestive way, and its musical lavishness is enriched by the use of arpeggios and glissandi. The Finale takes the form of a musical parade where some of the characters from previous movements show up again. A year after Saint-Saëns entertained himself with his Carnival, Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) did the same in Saint Petersburg: while he was due to finish Prince Igor (Borodin’s posthumous work), he also found distraction with a collection of Spanish music. As a result, his work Capriccio Espagnol, Op. 34 was born; a work with the colour and brilliant orchestration that characterize this composer’s music. His evocative Alborada has an ifectious atmosphere, alternating the boisterousness of dance and fiesta with some musical phrases for soloists. Escena y canto gitano is the heart of the work. After the rolling of the drum, the trumpet presents the theme based on the Andalusian popular song Permita la virgen, pongas tu querer. Then follows

the Fandango asturiano, which again takes up the theme from the Alborada. The organ accompanied Jesús Guridi (1886-1961) almost all his life and was his dearest instrument. Born in Vitoria, at the age of ten he moved to Madrid where he became acquainted with the zarzuela. He studied piano, organ, counterpoint and composition at the Schola Cantorum in Paris and then organ with Joseph Jongen in Brussels. Back in Bilbao he was appointed organist to the Church of Santiago (now Bilbao Cathedral) where his great-grandfather, Nicolás Ledesma, had also held the post. After the premiere of El caserío (The Homestead) at the Teatro de la Zarzuela in 1926, critics stated: “As a symphonic work, the interlude of the second act, inspired by popular motifs, is a masterstroke of achievement”. A series of scenes full of local colour is presented in the imaginary village of Arrigorri. Pictures at an Exhibition by Modest Mussorgsky (1839-1881) was the work chosen by Jean Guillou to close the inaugural concert of the organ that shares the limelight on this CD. Mussorgsky decided to compose the work after visiting an exhibition in posthumous tribute to the architect Hartmann, a friend of “The Five”, the group of musicians to which Rimsky-Korsakov and Mussorgsky himself belonged to. Originally written for piano, it is Ravel’s orchestration which has 5 5

given it world renown. Its penultimate movement, The Hut on Fowl’s Legs, depicts a witch’s hovel in a tone of fury and hubbub. The central trio is placed in the hands of organ stops representing flutes and bassoons before going back to the opening theme. Then comes The Great Gate of Kiev, which alludes to a magnificent monument which was never built. Here the music overflows in grandiosity and, after a religious chorale interlude, reaches its final climax with a tremendous peal of sound. The only pieces written for organ by J.S. Bach (16851750) which went to print in his own lifetime were The Schübler Chorales, BWV 645-650, which take their name from their publisher. They are arrangements for organ from instrumental and choral arias belonging to his cantatas, in which the melody is maintained through long notes as a cantus firmus. We discover in them a music for organ that is entirely different from the rest. Bach’s ever-eloquent style draws us seductively on. The chorale Wachet auf, ruft uns die Stimme, BWV 645, based on Cantata 140, is the most famous. Written for three voices, the right hand plays the strings while the left hand plays the theme, based on a perfect triad, making a call on the trumpet. The right hand then interprets the ritornello of the aria by means of an elastic but lively accompaniment that evokes the colour and warmth of strings in a contrary movement to the principal voice in cantus firmus. The symphony from the cantata Wir danken dir,

Gott, BWV 29, includes a part for organ obbligato with just two voices, which is both attractive and demanding. It was inevitable that organists chose to take on his entire work on their instrument. And so, Marcel Dupré (1886-1971), a profound scholar of Bach’s organ music - which he was able to play in its entirety from memory - arranged this transcription, which has even eclipsed the original. Maurice Ravel (1891-1953) was an excellent orchestrator. His merit lies in bringing due light to each instrument, combining individual expression and instrumental blending within the ensemble. The Bolero, a famous piece if ever there was one, came to life by commission from the ballerina Ida Rubinstein. Ravel was attracted by the obsessive rhythm integral to the bolero, and a desire sprung up in him to reiterate the theme without developing it, adjusting the orchestration to its maximum possible limit. Ravel himself admitted that he had created a piece consisting solely of orchestral weft without music. The Bolero is made up of simple elements: a 3/4 beat marked out by the side drum and pizzicato strings, and two themes: C major – C minor. The work maintains a hypnotic development until it reaches its triumphant conclusion. Pablo Cepeda Text by Pablo Cepeda / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com

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Daniel Oyarzabal has an established career on the international scene, one that he has pursued with intense activity, offering concerts at renowned festivals in more than 20 countries throughout Europe, Asia, Africa and America. With his own versatile perspective on music, Daniel Oyarzabal maintains multidisciplinary activities spread across an impressive range of artistic and educational interests. As a harpsichord soloist and organist, the organ being his main instrument, he has played in concerts on such important stages as the Mariinsky Theatre in Saint Petersburg, the Düsseldorf Opernhaus, the Estonia Concert Hall in Tallinn, the Lyon Auditorium, the Palau de Les Arts Reina Sofía and the Palau de la Música in Valencia, the Gran Teatre del Liceu in Barcelona, the Teatro Real and Auditorio Nacional de Música in Madrid, the St. Florian Stiftsbasilika in Austria, and the Cathedrals of Moscow, Amsterdam, Rotterdam, Florence, León and Seville, just to mention a few. A cum laude graduate in harpsichord and organ from the Vitoria-Gasteiz Conservatoire, his home town, he went on to take several post-graduate courses in organ, harpsichord and period instruments with the best European maestros in Vienna, The Hague and Amsterdam Higher Conservatoires. Oyarzabal holds credited awards, among which we should mention the Special Press Prize at the Muestra Nacional para Jóvenes Intérpretes in Ibiza (1991), First Prize in the Torneo Internazionale di Improvvisazione de Roma (1998) and Third Prize in the International Organ Competition in Nijmegen, The Netherlands (2002). At present he is the principal organist for the Orquesta Nacional de España, the organist of Getafe Cathedral in Madrid and professor of Composition of Contemporary Music at the TAI University School of Arts, part of the Universidad Rey Juan Carlos in Madrid. 7 7

ESP

Tres de mis grandes pasiones son el órgano, la percusión y la música sinfónica. Estudié percusión en mi adolescencia y tuve la oportunidad de interpretar varias de las grandes obras del repertorio sinfónico como percusionista. Desde hace más de veinte años rondaba en mi cabeza la idea de aunar estas tres pasiones en un proyecto musical en concierto, que más tarde quedase plasmado en una grabación discográfica. Este disco es el fruto de aquella lejana, pero siempre presente idea: realizar arreglos propios para órgano y percusión de obras del repertorio sinfónico, donde la percusión tenga un papel destacado. Después de haber participado en los conciertos de inauguración del gran órgano de la Catedral de León, sentí que éste era un instrumento idóneo para el proyecto, por su gran cantidad de colores sonoros resonando en una acústica extraordinaria. En lo que a cuestiones musicales se refiere, soy un melómano empedernido y, sin duda, debo muchísimo de esa pasión a Radio Clásica, de Radio Nacional de España. Desde los once años, eso me decían mis padres, hasta hoy en día, he sido un devoto oyente y ya entrada mi adolescencia, de entre todas mis experiencias radiofónicas remarcaría lo que significaron para mí los programas del locutor José Luis Pérez de Arteaga. Hace unos quince años tuve ocasión de conocerle personalmente y de coincidir con él antes de los conciertos donde yo tocaba con la Orquesta Nacional de España. De esta manera pude tener con él una relación muy pequeña en cantidad, pero muy cordial y cariñosa. Hace unos cinco años le dije en la cafetería del Auditorio Nacional: “José Luis, cuando grabe mis arreglos de órgano y percusión te dedicaré el disco a ti en agradecimiento por todos los maravillosos momentos que me has regalado en la radio”. Sonrió y me contestó con una de sus siempre ingeniosas y elegantes frases que guardo para mí con cariño. Me apena sobremanera no poder darle esta grabación en mano, porque desgraciadamente nos abandonó hace ya tres años. Me gustaría dedicar este disco a José Luis Pérez de Arteaga con todo mi aprecio, respeto y agradecimiento. Daniel Oyarzabal

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BOLERO - EL ÓRGANO ORQUESTAL El manuscrito más antiguo de música para tecla data del primer cuarto del siglo XIV, siendo la mitad de su contenido arreglos de motetes vocales. Ya desde los orígenes de la literatura organística y hasta nuestros días, el arreglo o transcripción ha constituido una muy importante parte del repertorio de órgano. Este arte, practicado en el Barroco por maestros como Bach, alcanzó a partir del siglo XIX una enorme difusión y popularidad debido a una creciente cultura del ocio que todavía no disponía de medios de reproducción sonora. Igualmente importantes fueron las mejoras técnicas que incorporó el órgano en el siglo XIX en plena revolución industrial y el desarrollo de su carácter orquestal. “El órgano posee a la vez la palabra, el grito y el canto”, Jean Guillou. Inaugurado en 2013, el órgano Klais de la Catedral de León consta de 64 registros repartidos en cinco teclados y un pedalero. Diseñado conceptualmente por Jean Guillou (1930-2019), este instrumento sigue bastantes de su principios estéticos: así su paleta sonora incluye numerosos registros que pueden ejercer papeles solistas y la tubería se sitúa en cuatro cuerpos sonoros y ocho fachadas cantantes que proyectan su sonido tanto hacia el coro central como hacia las naves laterales. En este espacio se recrean estas grandes obras con el órgano y la percusión como actores.

La suite Los planetas es la obra más popular de Gustav Holst (1874-1934). Su autor, aficionado a la astrología y a los horóscopos decidió retratar el carácter que cada planeta le sugería. El movimiento inicial titulado Marte el mensajero de la guerra parte de un riguroso e implacable ritmo de marcha 5/4, que en el original orquestal son marcados por los timbales y las cuerdas tocadas col legno, esto es, percutidas con la vara del arco. La obra es rica en crescendi que conducen a brillantes momentos de clímax. En la plantilla orquestal destaca la amplia presencia de metales y la nutrida y variada sección de percusión (bombo, caja, platillos...) al servicio del carácter marcial de la pieza. La producción musical de Camille Saint-Saëns (18351921) fue particularmente rica y variada. Titular del imponente órgano Cavaillé-Coll de la iglesia de La Madeleine, su Sinfonía nº 3 se cuenta entre las piezas favoritas cuando el órgano sale a escena con la orquesta. Con todo, esta popularidad está compartida con El carnaval de los animales. En febrero de 1886, tras una gira de conciertos, Saint-Saëns dedicó parte de su descanso a la escritura de esta “Gran fantasía zoológica” en palabras de su autor, encontrando posteriormente tan divertida la composición de la obra que incluso llegó a retrasar el avance en la composición de su Sinfonía nº 3. La obra se estrenó el martes de carnaval de 1886 en una audición privada. Los diferentes movimientos retratan nominalmente diversos animales, pero tras esta inocente descripción 10 10

se incluyen también algunas bromas musicales; ello sumado al carácter desenfadado de la obra, hicieron que su autor no permitiera en vida la publicación ni la interpretación de la misma, con la excepción del movimiento titulado “El cisne”. Acuario es el séptimo de los catorce movimientos de la suite. Su música retrata de manera sugerente el mundo denso y cristalino del líquido elemento. Su gran riqueza musical se ve completada por el empleo de los arpegios y los glissandi. El Final toma forma de desfile musical por el que van apareciendo algunos de los protagonistas de los anteriores movimientos. Un año después de que Saint-Saëns se entretuviera con su Carnaval, Nikolái Rimski-Kórsakov (1844-1908) hacía lo propio en San Petersburgo: mientras debía concluir El príncipe Igor (ópera póstuma de Borodín), se distraía con una colección de música española. Así surgió el Capricho español, op. 34, obra que muestra la colorida y brillante orquestación que caracteriza la música de su autor. Su Alborada retrata una escena de contagioso ambiente, alternando el bullicio de danza y fiesta del conjunto con diversas frases solistas. La Escena y canto gitano constituye el núcleo de la obra. Tras el redoble de tambor, la trompeta presenta el tema basado en la canción popular andaluza Permita la virgen, pongas tu querer. Sin solución de continuidad llega el Fandango asturiano que en su parte final retoma el tema de la Alborada.

El órgano acompañó casi toda su vida a Jesús Guridi (1886-1961) y fue su instrumento más querido. Nacido en Vitoria, con 10 años ya residía en Madrid donde pudo conocer el género de la zarzuela. Realizó estudios de piano, órgano, contrapunto y composición en la Schola Cantorum de París y de órgano con Joseph Jongen en Bruselas. A su vuelta a Bilbao fue nombrado organista en la Iglesia de Santiago (actual catedral) donde lo fuera su bisabuelo Nicolás Ledesma. Tras el estreno de El caserío en el Teatro de la Zarzuela en 1926 la crítica afirmó: “como pieza sinfónica, el interludio del segundo acto, inspirado en motivos populares, está logrado con traza de maestro”. En él se presentan una serie de cuadros costumbristas ambientados en el imaginario pueblo de Arrigorri. Los Cuadros de una exposición, de Modest Músorgski (1839-1881), fue la pieza elegida por Jean Guillou para cerrar el programa del concierto inaugural del órgano que co-protagoniza esta grabación. Músorgski decidió componer la obra tras visitar una exposición realizada en homenaje póstumo al arquitecto Hartmann, amigo del “grupo de los cinco” al que pertenecían Rimski-Kórsakov y el propio Músorgski. Compuesta originalmente para piano, es en la orquestación de Ravel como ha alcanzado su fama mundial. Su penúltimo movimiento, La cabaña sobre patas de gallina retrata la vivienda de una hechicera en clave de furia y alboroto. Su trío central está confiado a las flautas y fagot 16’ antes 11 11

de retomar el tema inicial. Sin descanso alguno llegamos a La gran puerta de Kiev, que alude a un majestuoso monumento que no llegó a construirse. Aquí, la música desborda en grandiosidad y tras un intermedio coral religioso concluye con un inmenso repique. La única música transcrita para órgano por J.S. Bach (1685-1750) que vio la imprenta en vida de su autor fueron los Corales Schübler, BWV 645-650, que toman su nombre del editor de la colección. Se trata de arreglos para órgano de arias para voz e instrumentos pertenecientes a sus cantatas en los que la melodía se expone en valores largos como cantus firmus. En ellos descubrimos una música para órgano netamente diferente al resto de su producción. El estilo, siempre elocuente, gana en seducción. El coral Wachet auf, ruft uns die Stimme, BWV 645 basado en la Cantata 140 es el más famoso de todos ellos. Escrito a tres voces, la mano derecha lleva la línea de las cuerdas. La izquierda canta el tema, basado en una triada perfecta, realizando una llamada con la trompeta. La mano derecha interpreta el ritornello del aria mediante un acompañamiento elástico, vivo y que evoca el color y la calidez de la cuerda en movimiento contrario a la voz del cantus firmus. La sinfonía de la cantata Wir danken dir, Gott, BWV 29 incluye una parte de órgano obligado, a solo dos voces, pero atractiva y exigente. Era lógico que los

organistas quisieran asumir el conjunto de la obra en su instrumento. Marcel Dupré (1886-1971), profundo conocedor de la obra de Bach, cuya integral para órgano llegó a interpretar de memoria, realizó esta conocida transcripción que ha eclipsado su original. Maurice Ravel (1891-1953) fue un excelente orquestador. Su mérito fue aportar la luz justa sobre cada instrumento, combinando individualidad y empaste en el conjunto de instrumentos empleados. Pieza celebérrima como pocas, el Bolero nació a raíz de un encargo de la bailarina Ida Rubinstein. Atraído por el ritmo obsesivo propio del bolero, surgió en él el deseo de reiterar el tema sin desarrollo alguno, graduando al máximo posible la orquestación. El propio Ravel reconocía que había creado una pieza consistente únicamente en un tejido orquestal sin música. Lo cierto es que el Bolero parte de elementos simples: un compás de 3⁄4 marcado por la caja y el pizzicato y una pareja de temas (do mayor - do menor). La obra mantiene un desarrollo hipnótico hasta su conclusión triunfal. Pablo Cepeda

Texto de Pablo Cepeda / Odradek Records, LLC bajo licencia Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permisos más allá del ámbito de esta licencia disponibles en www.odradek-records.com

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Daniel Oyarzabal cuenta con una ya larga trayectoria internacional que desde hace años cultiva con una intensa actividad de conciertos en prestigiosos festivales de más de 20 países de Europa, Asia, África y América. Con una versátil perspectiva de la música Daniel Oyarzabal mantiene en la actualidad una actividad profesional totalmente multidisciplinar y que abarca una impresionante gama de intereses artísticos y educativos. Como solista de clave y de órgano, su instrumento principal, ha actuado en concierto en importantes escenarios como el Teatro Mariinski de San Petersburgo, el teatro de ópera Düsseldorf Opernhaus, el Estonia Concert Hall de Tallin, el Auditorium de Lyon, el Palau de Les Arts Reina Sofía y Palau de la Música de Valencia, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Real y Auditorio Nacional de Música de Madrid, la Stiftsbasilika de St. Florian en Austria y las catedrales de Moscú, Ámsterdam, Rotterdam, Florencia, León y Sevilla, por citar algunos. Graduado Cum Laude en clave y órgano en el Conservatorio de Vitoria-Gasteiz, su ciudad natal, y formado con los mejores maestros europeos en varios postgrados en órgano, clave e instrumentos históricos en los conservatorios superiores de Viena, La Haya y Ámsterdam. Oyarzabal tiene en su poder reconocidos galardones entre los que destacan el Premio Especial de la Prensa en la Muestra Nacional para Jóvenes Intérpretes en Ibiza (1991), Primer Premio en el Torneo Internacional de Música de Roma (1998) y Tercer Premio en el XIX Concurso Internacional de Nijmegen, Holanda (2002). Actualmente es organista principal de la Orquesta Nacional de España, organista de la Catedral de Getafe de Madrid y profesor del Grado en Composición de Músicas Contemporáneas de la Escuela Universitaria de Artes y Espectáculos TAI-Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. 13 13

Joan Castellรณ 14 14

Juanjo Guillem 15 15

DEU

Drei meiner großen Passionen sind Orgel, Schlagzeug und Sinfonische Musik. Ich habe in meiner Jugend Perkussion studiert und hatte Gelegenheit, einige der großen Werke des sinfonischen Repertoires als Perkussionist zu interpretieren. Die Idee, diese drei Leidenschaften in einem musikalischen Projekt zu kombinieren, das später als CD aufgenommen werden sollte, geht mir seit mehr als zwanzig Jahren durch den Kopf. Dieses Album ist das Ergebnis jener fernen, aber immer aktuellen Idee: Aus den Werken des sinfonischen Repertoires eigene Arrangements für Orgel und Perkussion zu gestalten, in denen die Schlaginstrumente eine herausragende Rolle spielen. Nachdem ich an den Einweihungskonzerten der großen Orgel der Kathedrale von Leon teilgenommen hatte, erkannte ich diese als das ideale Instrument für mein Projekt aufgrund der Vielfalt seiner Klangfarben, die in einer außergewöhnlichen Akustik mitschwingen. Ich bin ein begeisterter Musikliebhaber, und zweifellos verdanke ich diese Leidenschaft dem Sender Radio Clásica von Radio Nacional de España. Schon mit elf Jahren, so erzählten mir meine Eltern, war ich ein hingebungsvoller Hörer dieses Programms, und für meine gesamte Jugendzeit würde ich die Bedeutung der Musikprogramme von José Luis Pérez de Arteaga besonders hervorheben. Vor ungefähr fünfzehn Jahren hatte ich die Gelegenheit, ihn vor den Konzerten, in denen ich mit dem spanischen Nationalorchester spielte, persönlich kennenzulernen. Auf diese Weise konnte ich eine zwar zeitlich begrenzte aber doch herzliche Beziehung zu ihm aufbauen. Vor ungefähr fünf Jahren sagte ich in der Cafeteria des Auditorio Nacional zu ihm: „José Luis, wenn ich meine Arrangements für Orgel und Percussion aufnehme, werde ich Ihnen die CD als Dank für all die wunderbaren Momente widmen, die ich durch Sie im Radio erleben durfte”. Er lächelte und antwortete mir mit einem seiner immer geistreichen und eleganten Sätze, den ich in dankbarer Zuneigung bewahre. Ich bedaure außerordentlich, ihm diese Aufnahme nicht mehr geben zu können, weil er uns leider vor drei Jahren verlassen hat. Ich widme José Luis Pérez de Arteaga dieses Album voller Anerkennung, Respekt und Dankbarkeit. Daniel Oyarzabal

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BOLERO - DIE ORCHESTERORGEL Das älteste Musikmanuskript für ein Tasteninstrument stammt aus dem ersten Viertel des 14. Jahrhunderts und besteht zur Hälfte aus Arrangements von Vokalmotetten. Bereits seit den Ursprüngen der Orgelliteratur bis in unsere Tage hinein hat das Arrangement oder die Transkription einen sehr wichtigen Teil des Orgelrepertoires ausgemacht. Diese Kunst, die von Meistern wie Bach im Barock perfektioniert wurde, erreichte ab dem 19. Jahrhundert eine enorme Verbreitung und Popularität aufgrund des wachsenden Interesses des Bürgertums, dass noch keine technischen Reproduziermöglichkeiten kannte. Ebenso wichtig waren die technischen Verbesserungen, die die Orgel im 19. Jahrhundert während der industriellen Revolution erfuhr, sowie die Entwicklung ihres orquestralen Charakters.

Seitenschiffe abstrahlen. In diesem Rahmen werden die großartigen Werke mit Orgel und Perkussion inszeniert. Die Suite Die Planeten ist das populärste Werk von Gustav Holst(1874-1934).DerKomponist,einFreundvonAstrologie und Horoskopen, wollte jeden Planeten mit dem von ihm als eigen empfundenen Charakter darstellen. Der erste Satz mit dem Titel Mars, der Kriegsbote, beginnt mit einem strengen und unerbittlichen 5/4-Marschrhythmus, der ursprünglich von Kesselpauken und Streichinstrumenten geprägt wird, die col legno, d.h. mit der Stange des Bogens gespielt werden. Das Werk ist reich an Crescendi, die zu brillantenHöhepunktenführen.InderOrchesterbesetzung sticht die Präsenz der Blechblasinstrumente und die große, abwechslungsreiche Percussion-Sektion (große Trommel, Snare, Becken...) hervor, die den martialischen Charakter des Stücks unterstreichen.

„Die Orgel kann sowohl sprechen als auch schreien oder singen”, Jean Guillou.

Das Oeuvre von Camille Saint-Saëns (1835-1921) war besonders vielfältig und abwechslungsreich. Er war Organist der imposanten Orgel Cavaillé-Coll in der Kirche von La Madeleine. Seine Symphonie Nr. 3 zählt zu den beliebtesten Stücken, wenn Orgel mit Orchester zusammen gespielt werden. Im Übrigen teilt sich die Beliebtheit dieses Stückes mit dem Karneval der Tiere. Im Februar 1886 widmete Saint-Saëns nach einer Konzerttournee einen Teil seiner Zeit dieser in den Worten seines Autors „Großen zoologischen Fantasie”. Später fand er dieses Werk so amüsant, dass er sogar die Arbeit an seiner 3. Sinfonie hinausschob. Das Stück

Die Klais-Orgel der Kathedrale von León wurde 2013 eingeweiht und besteht aus 64 Registern, die auf fünf Manuale und ein Pedal verteilt sind. Von Jean Guillou (1930-2019) entworfen, folgt dieses Instrument mehreren ästhetischen Prinzipien: Die Klangpalette umfasst zahlreiche Register, die solistisch wirken können, und die Pfeifen befinden sich in vier Gehäusen und acht sprechenden Prospekten, die ihren Klang in den Chorraum, so wie in die

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wurde am Faschingsdienstag des Jahres 1886 bei einer privaten Veranstaltung uraufgeführt. Die einzelnen Sätze stellen verschiedene Tiere dar, aber hinter diesen einfachen Beschreibungen verbergen sich auch einige musikalische Scherze. Diese Tatsache - zusammen mit dem ungezwungenen Charakter des Werks - führten dazu, dass der Komponist es zu Lebzeiten weder zur Veröffentlichung noch zur Aufführung freigegeben hat, ausgenommen den Satz mit dem Titel „Der Schwan“. Aquarius ist der siebte der vierzehn Sätze dieser Suite. Seine Musik beschreibt auf eindringliche Weise die dichte und kristalline Welt des flüssigen Elements. Sein großer musikalischer Reichtum wird durch die Verwendung von Arpeggien und Glissandi abgerundet. Das Finale nimmt die Form einer musikalischen Parade an, in der einige der Protagonisten der vorherigen Sätze auftreten. Ein Jahr, nachdem Saint-Saëns sich mit seinem Karneval beschäftigt hatte, tat Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) das Gleiche in St. Petersburg: Während er eigentlich Prinz Igor (posthume Oper von Borodin) abschließen musste, lenkte er seine Aufmerksamkeit auf eine spanische Musiksammlung. So kam das Capriccio Espagnol, op. 34 zustande, ein Werk, das die farbenfrohe und brillante Orchestrierung aufzeigt, die die Musik ihres Komponisten charakterisiert. Sein Alborada porträtiert eine Szene von ansteckendem Ambiente, in dem sich die Lebhaftigkeit von Tanz und Fiesta mit einzelnen Solo-Phrasen abwechselt. Die Szene und das Zigeunerlied bilden den Kern des Werks.

Nach dem Trommelwirbel stellt die Trompete das Thema vor, das auf dem bekannten andalusischen Lied Permita la virgen, pongas tu querer basiert. Ohne Unterbrechung folgt der Fandango asturiano, der in seinem abschließenden Teil das Thema der Alborada wieder aufgreift. Die Orgel begleitete Jesús Guridi fast sein ganzes Leben lang und war sein beliebtestes Instrument. In Vitoria geboren, lebte er bereits mit 10 Jahren in Madrid, wo er das Genre der Zarzuela kennenlernte. Er studierte Klavier, Orgel, Kontrapunkt und Komposition an der Schola Cantorum in Paris sowie Orgel bei Joseph Jongen in Brüssel. Nach seiner Rückkehr nach Bilbao wurde er zum Organisten in der Kirche von Santiago (jetzige Kathedrale) ernannt, wo bereits sein Urgroßvater Nicolás Ledesma diesen Posten bekleidet hatte. Nach der Premiere von El Caserío am Teatro de la Zarzuela im Jahr 1926 bekräftigten die Kritiker: „Als symphonisches Stück kann man dem Interludium des zweiten, von populären Motiven inspirierten Aktes meisterliche Züge zuerkennen“. In ihm wird eine Reihe von kostumbristischen MilieuSzenen in der imaginären Stadt Arrigorri dargestellt. Bilder einer Ausstellung von Modest Mussorgski (18391881) wurde von Jean Guillou ausgewählt, um das Programm des Eröffnungskonzerts der Orgel, die in dieser AufnahmedieHauptrollespielt,abzuschließen.Mussorgski entschloss sich zu dieser Komposition, nachdem er eine Ausstellung besucht hatte, die posthum zu Ehren des 18 18

Architekten Hartmann gemacht wurde, einem Freund des „Mächtigen Häufleins“, zu dem Rimsky-Korsakov und Mussorgski selbst gehörten. Ursprünglich für Klavier komponiert, ist das Werk durch Ravels Orchestrierung weltweit bekannt geworden. Sein vorletzter Satz, Die Hütte auf Hühnerfüßen, beschreibt die Behausung einer Zauberin als wütende und erregte Szene. Sein zentrales Trio wird von den Flöten und dem Fagott 16’übernommen, bevor das ursprüngliche Thema wieder aufgenommen wird. Ohne Pause kommen wir zum Großen Tor von Kiew, das auf ein majestätisches Monument anspielt, das nie gebaut wurde. Hier überschlägt sich die Musik gleichsam an Grandiosität und endet nach einem choralen religiösen Zwischenspiel mit einem gewaltigen Glockengeläute. Die einzige von J.S. Bach (1685-1750) für Orgel arrangierte Musik, die zu seinen Lebzeiten gedruckt wurde, waren die Schübler-Choräle, BWV 645-650, die ihren Namen nach dem Verlag der Sammlung tragen. Es sind Arrangements für Orgel von Arien und instrumentalen Kompositionen aus seinen Kantaten, in denen die Melodie als Cantus firmus erscheint. In ihnen entdecken wir eine Musik, die sich deutlich von Bachs sonstigen Orgelwerken unterscheidet. Der stets eloquente Stil wirkt anziehend. Der Choral BWV 645, der auf der Kantate 140 basiert, ist der berühmteste von allen. Dreistimmig, spielt die rechte Hand die Streicherstimme. Die Linke singt das Thema, basierend auf einem Dreiklang in Form eines Trompetenrufes. Die rechte Hand interpretiert das Ritornell

der Arie durch eine geschmeidige, lebendige Begleitung, die die Klangfarbe und Wärme der Saiteninstrumente in Gegenbewegung zum Cantus firmus hervorruft. Die Sinfonie der Kantate Wir danken dir, Gott, BWV 29 enthält eine zweistimmige, obligate Orgel, anziehend und anspruchsvoll zugleich. Es leuchtet ein, dass die Organisten das Werk in seiner ganzen Fülle auf ihrem Instrument übernehmen wollten. Marcel Dupré (18861971), ein Bachkenner, der dessen Gesamtwerk für Orgel auswendig spielen konnte, ist der Autor dieser bekannten Transkription, die das Original in den Schatten stellt. Maurice Ravel war ein hervorragender Instrumentator. Sein Verdienst war es, für jedes Instrument das richtige Licht zu schaffen und Individualität und Homogenität im Gesamtklang zu kombinieren. Der Bolero, berühmt wie kaum ein anderes Stück, wurde als Auftragswerk der Tänzerin Ida Rubinstein komponiert. Angeregt durch den dem Bolero eigenen besessenen Rhythmus, entstand bei Ravel der Wunsch, das Thema ohne musikalische Weiterentwicklung ständig bei wechselnder Orchestrierung zu wiederholen. Ravel selbst erkannte, dass er ein in sich stabiles Werk ohne musikalischen Inhalt geschaffen hatte. Die Wahrheit ist, dass der Bolero auf einfachen Elementen basiert: einem 3/4 Takt, der durch die Snare drum, das Pizzicato und zwei Themen (in C-Dur und C-Moll)gekennzeichnetist.DerBolerohälteinehypnotische EntwicklungbiszuseinemtriumphalenAbschlussaufrecht. Pablo Cepeda Autor des Textes Pablo Cepeda (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-NamensnennungKeine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten

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Daniel Oyarzabal blickt auf eine lange internationale Karriere zurück, die er seit Jahren mit intensiven Konzerttätigkeiten auf renommierten Festivals in mehr als 20 Ländern in Europa, Asien, Afrika und Amerika pflegt. Mit einer weitgefächerten musikalischen Perspektive bestreitet Daniel Oyarzabal derzeit eine ausgesprochen multidisziplinäre berufliche Aktivität, die ein beeindruckendes Spektrum künstlerischer und pädagogischer Interessen umfasst. Als Solist für Cembalo und Orgel, seinem Hauptinstrument, gab er Konzerte an wichtigen Orten wie dem Mariinsky-Theater in St. Petersburg, dem Opernhaus Düsseldorf, dem Konzertsaal Tallinn Estland, dem Auditorium Lyon, dem Palau de Les Arts Reina Sofía und dem Palau de la Música in Valencia, dem Gran Teatre del Liceu in Barcelona, dem Teatro Real und dem Auditorio Nacional de Música in Madrid, der Stiftsbasilika St. Florian in Österreich und den Kathedralen in Moskau, Amsterdam, Rotterdam, Florenz, León und Sevilla, um nur einige zu nennen. Mit Cum Laude schloss er sein Studium für Cembalo und Orgel am Konservatorium von VitoriaGasteiz, seiner Heimatstadt, ab und erhielt eine Ausbildung bei den besten europäischen Lehrern mit mehreren Aufbaustudien in Orgel, Cembalo und historischen Instrumenten an den Musikhochschulen in Wien, Den Haag und Amsterdam. Oyarzabal hat bedeutende Auszeichnungen erhalten, darunter den Sonderpreis der Presse beim Nationalen Musikwettbewerb für junge Künstler in Ibiza (1991), den ersten Preis beim Internationalen Musikwettbewerb von Rom (1998) und den dritten Preis beim XIX. Wettbewerb International von Nijmegen, Holland (2002). Gegenwärtig ist er der Hauptorganist des Spanischen Nationalorchesters, Organist der Kathedrale von Getafe in Madrid und Kompositionsprofessor für zeitgenössische Musik an der Escuela Universitaria de Artes y Espectáculos der TAI-Universität Rey Juan Carlos in Madrid. 20 20

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Recorded at León Cathedral (Spain) 4-7 Nov 2017 Producer and Sound Engineer: Daniel Molina Musical Advisor: Olivier Fouré Mixing and Mastering: Daniel Molina Photos: Tommaso Tuzj.com Executive Producer: Enrique Valverde Tenreiro Translations: Luisa and Gregory Starkey (English) Antonio Gómez Schneekloth (German) www.danieloyarzabal.com www.odradek-records.com Special thanks to Celia Lumbreras, Gema Parra and Enrique Valverde, who from the outset supported and believed in this project with devotion and enthusiasm. To Samuel Rubio, Marta Martínez, Javier Fernández, Vicente García and Guillermo A. Ares from León Cathedral, who always made me feel at home whenever I was there.

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