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Pianeti diam. cm 60 terracotta ingobbiata, Manifattura Maurizio Benocci, Sinalunga 506
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Mondi lontanissimi diam. cm. 25 terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo�
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Piatti diam. cm. 60 terracotta smalto e colore, Manifattura “Il Tondo�
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Piatti diam. cm. 60 terracotta smalto e colore, Manifattura “Il Tondo� 520
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Set “Carnevale” terracotta e smalti, Manifattura “Il Tondo” 523
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Piattino Raku Manifattura 2G, Sassello Piatti terracotta ingobbiata 524
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Piatti diam. cm. 60 terracotta smalto e colore, Manifattura “Il Tondo� 526
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Set “Orientale” 2006 terracotta smalto e colore, Manifattura “Il Tondo” 528
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Retro di Piatti terracotta smalto e colore, Manifattura “Il Tondo� 531
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Set “Vecchia Savona” e Set “Fiammanghilla” terracotta colore e ramina, Manifattura “Il Tondo” 532
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Piatti terracotta smalto e colore, Manifattura “Il Tondo� 535
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Set “Shanghai” 2006 terracotta e smalti, Manifattura “Il Tondo” 538
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Piatti terracotta e smalti, Manifattura “Il Tondo” Set da Tè, Brocche e bicchieri terracotta e smalti, Manifattura “Il Tondo” 540
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Fiammanghilla, 2008 terracotta smalto e colore, Manifattura “Il Tondo�
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Set “Carnevale” terracotta e smalti, Manifattura “Il Tondo” 543
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Piatti con composizioni di pietanze dello Chef Nico Atrigna del Ristorante “Le Logge�, Siena 544
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Pentole e Pignatte terracotta e smalti, Manifattura Giuseppe Mazzotti 1903, Albisola Marina 547
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Pentole e Pignatte terracotta e smalti, Manifattura Giuseppe Mazzotti 1903, Albisola Marina
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Immaginari viaggi, 2006 Scatole in terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo� 550
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Immaginari viaggi, 2006 Scatole in terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo� 552
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Immaginari viaggi, 2006 Scatole in terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo� 554
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Immaginari viaggi, 2006 Scatole in terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo� 557
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Forma dell’anima 2010 terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo” 561
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Saliere 2010 terracotta smalto e oro zecchino a terzo fuoco, Manifattura “Il Tondo�
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Minimasgalano 2009 terracotta smalto e oro zecchino a terzo fuoco, Manifattura “Il Tondo” L’angelo Fantolino 2010 terracotta smalto e oro zecchino a terzo fuoco, Manifattura “Il Tondo” 565
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Imbuto in ceramica, Manifattura “Il Tondo�
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Ex voto (Sora acqua), 2008 vasetto smaltato, contenitore in vetro e acqua distillata, manifattura Il Tondo, Celle Ligure
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Orcio con allegoria dei quattro elementi Manifattura Maurizio Benocci, Sinalunga 568
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Vittoria 2008 modellino in creta
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Crete Senesi 1999-2000 terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo� 571
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Figure terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo� 572
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Acquasantiere terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo�
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Sacra conversazione 2007 terracotta ingobbiata, Manifattura “Il Tondo� coll. Priv. Arezzo
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Clamori inutili terracotta e smalto , Manifattura “Il Tondo� coll. Priv. USA
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Capriccio Italiano 2008 terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo� 578
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Paesaggio con figura 2008 terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo” coll.priv. Siena Trionfo centrotavola terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo” 579
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Mitologia dell’araldo 2008 terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo� 580
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Lastre e bassorilievi in terrarossa bianca e nera ingobbiata, Manifattura “Il Tondo� 583
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Medaglioni 2008 terracotta smaltata, Manifattura “Il Tondo” Notturno con le lucciole Pagina di memorie Colore su gres porcellanato, Manifattura “Il Tondo” 585
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Intrecci di culture 2006 Mattone crudo inciso, Manifattura Campo al Sole, Radda in Chianti 588
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Migranti 2008 terracotta patinata, Manifattura “Il Tondo”
Progenitore 2007 terracotta patinata, Manifattura “Il Tondo” 600
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Piatti arcaici 2007 terra nera e bianca ingobbi, Manifattura “Il Tondo� 602
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Piatti arcaici 2007 terra nera e bianca ingobbi, Manifattura “Il Tondo� 603
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Piatti arcaici 2007 terra nera e bianca ingobbi, Manifattura “Il Tondo� 604
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Piatti arcaici 2007 terra nera e bianca ingobbi, Manifattura “Il Tondo� 605
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Vestigia 2008 terra nera, Manifattura “Il Tondo�
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Scena arcaica 2008 terra nera ingobbio, Manifattura “Il Tondo�
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Vaso dell’anima 2008 terra nera e bianca ingobbi, Manifattura “Il Tondo”
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Monte di Giano 2008 terra nera e bianca, Manifattura “Il Tondo� 609
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Ciotola senese 2008 terra nera ingobbio, Manifattura “Il Tondo� 610
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Vaso dell’anima 2008 terra nera ingobbio, Manifattura “Il Tondo” 611
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Tracce dell’uomo 2008 terra nera, Manifattura “Il Tondo”
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Scintille in equilibrio 2008 terra nera, Manifattura “Il Tondo�
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Manufatti arcaici 2007 terra rossa patinata, Manifattura “Il Tondo� 614
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Filosofie della ciotola 2008 terra nera e bianca ingobbi, Manifattura “Il Tondo�
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Balls 2007 terra nera ingobbio bianco, Manifattura “Il Tondo� 616
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Progenitore 2008 terra nera e bianca ingobbi, Manifattura “Il Tondo�
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L’ebrezza di Noé 2008 terra nera, Manifattura “Il Tondo”
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Nelle pagine precedenti ad Argentera dipingendo sullla neve
Cartelle per omaggi aziendali, serigrafie e linoleumgrafie a secco 625
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Cartelle per omaggi aziendali, Metaltex e IGP Linoleumgrafie a due colori
Litografie, Lichtdruck, Z端rich
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Serigrafie a quattro colori, cm 100x70 ed. 30 esemplari 628
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La bellezza come dialogo tra linee e superfici, ritmo e quiete
Beauty, like a conversation between lines and surfaces, rhythm and quiet
Schönheit als Dialog zwischen Linie und Fläche und Rhythmus und Ruhe
Qualche tempo fa Carlo Pizzichini mi ha insegnato a interpretare la sua pittura con un semplice gesto: spegnere una candela. Dipingere significa fissare o immortalare un ultimo movimento, “l’ultima nuvola di fumo”. Ciò che è effimero può essere fissato sulla tela e grazie a questo fissaggio è possibile rievocare il passato. In questo modo l’arte realizza una sorta di immor-
Some time ago, Carlo Pizzichini taught me to interpret his painting with a simple gesture: extinguishing a candle. Painting means fixing or immortalising a last movement, “the last cloud of smoke.” Ephemeral things can be fixed to canvas and thanks to this it is possible to evoke the past. This way, art accomplishes a sort of immortality, a concept which seems impossible
Carlo Pizzichini hat mir vor einiger Zeit beim Ausblasen einer Kerze erklärt, wie seine Malerei zu verstehen ist. Malen, das heisst, den „letzten Rauch“, also eine letzte Bewegung festhalten oder verewigen. Vergängliches kann auf dem Bild fixiert werden und an Vergangenes kann durch die Fixierung erinnert werden. So kann in der Kunst eine Art von Zeitlosigkeit verwirklicht werden, etwas also, was in der Wirklichkeit unmöglich ist. Fixiert werden „letzte Bewegungen“ manchmal als Piktogramme, also noch erkennbar als Haus, als Sonne, als Baum, als Schiff, als Fisch, einfache, unspektakuläre Elemente, die uns im Alltag umgeben, oder „letzte Bewegungen“ werden nur als Schriftbewegung festgehalten, wie bei seinen letzten Bildern. Schrift, die Erinnerung fixiert, Schrift, die Tradition schafft und Schrift, die Erzählung ermöglicht. So wird an den Anfang zurückbuchstabiert, dorthin, wo die „letzte Bewegung“ noch einfach, rein und schön ist. Der Künstler als Schöpfer erzählt und schafft
Durante una lezione all’Accademia Statale di Belle Arti di Carrara
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talità, un concetto che nella realtà appare impossibile. Gli “ultimi movimenti” vengono fissati talvolta come pittogrammi, come elementi riconoscibili – una casa, il sole, un albero, una nave, un pesce – elementi semplici ma spettacolari che animano la nostra vita quotidiana. Ma gli “ultimi movimenti” possono rappresentare anche solo il movimento di una nave, come accade nell’ultimo quadro di Pizzichini. La scrittura che fissa il ricordo, la scrittura che genera tradizioni, la scrittura che dà vita al racconto. Così tutto viene sillabato all’origine, laddove l‘“ultimo movimento” è ancora semplice, puro, bello. L’artista creatore racconta e riproduce con i suoi “ultimi movimenti” gesti splendidi, che si intrecciano come linee o talvolta caratteri grafici, a formare una trama complessa, nella quale pittogramma e scrittura, scrittura e pittogramma dialogano insieme. Il dialogo è percepibile anche tra linee dinamiche e superfici statiche o ancora meglio tra quiete e movimento. Gli “ultimi movimenti” di questo dialogo ci conducono nella profondità delle dimensioni umane, nella loro innocenza e universalità. I colori, molto spesso colori luminosi come il giallo, il blu, il malva, sono scelti accuratamente e utilizzati in modo consapevole, come piccoli tesori preziosi. An-
in reality. “Last movements” are sometimes fixed like pictograms, like recognisable elements – a house, the sun, a tree, a ship, a fish – simple but spectacular elements which brighten up our everyday lives. But “last movements” can also represent just the movement of a ship, as it happens in Pizzichini’s last painting. A writing that fixes a memory, a writing that generates traditions, a writing that starts off a story. This way everything is sealed at source, where the “last movement” is still simple, pure, beautiful. The artistcreator tells and reproduces splendid gestures with his “last movements”, which entwine with lines or sometimes with graphic characters to form a complex weft, in which pictogram and writing, writing and pictogram converse together. The conversation can also be perceived between dynamic lines and static surfaces or, even better, between quiet and movement. The “last movements” of this conversation lead us to the depths of human dimensions, in their innocence and universality. The colours, often bright colours like yellow, blue and mauve, are carefully chosen and used cleverly, like tiny precious treasures. Even values without colour, like white, grey and black, appear discreet, yet so visibly important, because pure colour and non-
“Il quadrato magico” Marmo e ardesia incisi
mit seinen „letzten Bewegungen“ schöne Gesten, die sich als Linien oder eben oft als Schriftgesten zu einer komplexen Textur verweben, in der auch Piktogramm und Schrift oder Schrift und Piktogramm im Dialog stehen. Ein Dialog wird auch zwischen der bewegten Linie und der statischen Fläche geführt, denn im
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Giugno 2010, Kunst halle Zurigo
che i valori privi di colore, come il bianco, il grigio e il nero, compaiono discreti, eppure così vistosamente importanti, perché il colore puro e il non-colore generano anch’essi una forma di dialogo e si legano così all’armonia superiore della tela, nella quale gli opposti si attraggono perché si compensano. Pizzichini si concentra sia a livello contenutistico che formale sull’Essenziale: l’essenziale della vita umana e l’essenziale delle forme creative della pittura come le linee, i colori e le superfici. È possibile raggiungere l’essenziale tramite un’opera di riduzione e concentrazione, che tuttavia ritrovano da ultimo la totale pienezza. L’essenziale viene raggiunto tramite un gesto creativo, bello ed equilibrato come l’ultimo alito
colour also generate a form of conversation, and are linked to the superior harmony of canvas, where opposites attract because they offset one another. Pizzichini concentrates, both in terms of content and form, on the Essential: the essential element of human life and the essential element of the creative shapes of painting, like lines, colours and surfaces. It is possible to achieve the essential through a work of reduction and concentration, which eventually rediscover complete fullness. The essential is achieved with a creative gesture, beautiful and balanced like the last wisp of smoke when a candle is extinguished. A famous author wrote: “Truth exists for the wise, beauty for the feeling heart.” (Friedrich
Dialog können Ruhe und Bewegung besser wahrgenommen werden. Die „letzten Bewegungen“ dieses Dialoges führen uns in tief menschliche Dimensionen, die kindlich und universell zugleich sind. Farbe, sehr oft leuchtende Farbe, z.B. ein Gelb, ein Blau, ein Mauve wird sorgfältig gewählt und bewusst eingesetzt wie eine Kostbarkeit. Auch die unbunten Werte wie Weiss, Grau und Schwarz werden diskret aufgetragen, aber sie sind auffallend wichtig, denn Rein-Buntes und Unbuntes stehen auch im Dialog und verbinden sich so zu einer übergeordneten Bildharmonie, in der trotz Gegensätzen alles zusammenpasst, weil es korrespondiert. Es geht bei Pizzichini sowohl inhaltlich als auch formal um das Wesentliche, das Wesentliche im menschlichen Leben und die wesentlichen gestalterischen Mittel in der Malerei, die Linie, die Farbe, die Fläche. Das Wesentliche wird erreicht über Reduktion und Konzentration, worin aber letztlich die ganze Fülle wieder gefunden wird. Das Wesentliche wird mit einer gestalterischen Geste erreicht, die schön und ausgewogen ist wie das letzte Rauchzeichen beim Ausblasen einer Kerze. Ein berühmter Autor schreibt:“ Die Wahrheit ist vorhanden für den
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di fumo quando si spegne una candela. Un famoso autore scrive: “La verità esiste per i saggi, la bellezza per i cuori sensibili”. (Friedrich Schiller, Don Carlos) (Gli ultimi movimenti possono essere ricreati anche in forma tridimensionale, come ad esempio con una sfera di ceramica o ancora con un oggetto d’uso comune come un piatto, che abbellisce concretamente la nostra vita quotidiana e riempie i nostri “cuori sensibili”. La bellezza e l’eternità rimandano anche alla creatività, superano i nostri limiti reali e aprono le porte a una realtà nella quale risplende la trascendenza.) Oppure: La bellezza arricchisce i nostri “cuori sensibili” e l’eternità rimanda alla creatività, che supera i nostri limiti reali e apre le porte a una realtà nella quale risplende la trascendenza. Beatrice Rolli Zinsstag Villeneuve lès Avignon e Zurigo, 14.11. 2009
Schiller, Don Carlos) (Last movements can also be created in 3D, such as with a ceramic sphere for example, or with an everyday item like a plate, which tangibly enhances our everyday life and fills our “feeling heart.” Beauty and eternity hark back to creativity; they overcome our real limits and open the doors to a reality in which transcendence shines brightly.) Or: Beauty enriches our “feeling heart” and eternity harks back to creativity, overcoming our real limits and opening the doors to a reality in which transcendence shines brightly. Beatrice Rolli Zinsstag Villeneuve-lès-Avignon and Zurich, 14.11.2009
Weisen, die Schönheit für ein fühlend Herz.“(Friedrich Schiller, Don Carlos) (Letzte Bewegungen können auch dreidimensional gestaltet werden, z.B. auf Keramikkugeln oder sogar auf Gebrauchsgegenständen wie einem Teller, der unseren Alltag ganz konkret verschönert und unser „fühlend Herz“ bereichert. Schönheit und Ewigkeit verweisen auch auf das Schöpferische, sie sprengen unsere realen Grenzen und etablieren eine Wirklichkeit, in der auch Transzendentes aufscheint.) Oder: Schönheit bereichert unser „fühlend Herz“ und Ewigkeit verweist auch auf das Schöpferische, das unsere realen Grenzen sprengt, und eine Wirklichkeit etabliert, in der auch Transzendentes aufscheint. Beatrice Rolli Zinsstag Villeneuve lès Avignon und Zürich, 14.11. 2009
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Transiti e metamorfosi del segno
Transits and metamorphoses of the sign
Wandel und Metamorphosen des Zeichens
Il mondo visionario di Carlo Pizzichini è un inesausto fluire e depositarsi dei segni e un repentino loro rifluire, in scioltezza di manifestazione e di canto, verso nuovi approdi. I segni lasciano tracce scie aloni, indizi incorporei del loro passaggio, e disegnano più avvertibili e persistenti imprimiture nella mai densa, tanto meno greve e aggrumata materia pittorica.
The visionary world of Carlo Pizzichini is a tireless flowing and depositing of signs, and their sudden return in a relaxed manifestation and song towards new destinations. Signs leave traces stains halos, ethereal clues of their passage, and draw more noticeable and persistent imprints of the never dense and even less oppressive and curdled pictorial material.
Die visionäre Welt von Carlo Pizzichini ist ein unerschöpfliches Fließen und Ablagern von Zeichen und ein schlagartiges Weiterfließen und Sichauflösen von Manifestierungen und Gesang, hin zu neuen Ufern. Zeichen hinterlassen Spuren, körperlose Indizien ihrer Bewegung. Sie sind erkennbar und dauerhaft in den Abdrücken in der niemals dichten, schweren oder gar verklumpten Materie seiner Malerei. Embryonen oder augenscheinliche Formen, die hier und dort, immer klar gekennzeichnet an den Rändern erscheinen; andere fransenförmig oder wie Steine ineinander verkantet, als Mosaik, wo selbst die kompakteste Textur nie die Botschaft eines Wandteppichs transportiert. Kerne und Körner von Licht durchqueren die Schichten, manchmal mit der Sanftheit von Wasserdampf, besänftigt durch Rosatöne und blasses Ocker, manchmal getränkt von Licht auf schwarzem Feld, doch nie finster und beunruhigend, aus dem es wie ferne Sterne herausblickt, oder durchfurcht und mit den Windungen plötzlicher vielfarbiger Feuerräder. Amöbengleiche und fibrilläre
Milano 2009, Carlo Pizzichini in una foto tratta dal libro “Ritratti a Pietrasanta” di Ferdinando Cioffi
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Embrioni o evidenze di forme qua e là appaiono nettamente marcate al margine; altre sono sfrangiate oppure si incastrano a tessera, a fare mosaico, dove la tessitura più serrata non suggerisca l’idea dell’arazzo. Nuclei e granuli di luce attraversano la stratigrafia dei fondali talora di vaporosa tenuità, inteneriti di rosati e pallide ocre, talaltra saturi di luce assorbita in campo nero, mai tenebroso e inquietante, dal quale paiono occhieggiare come astri remoti, o solcarlo e piroettare come un’improvvisa girandola versicolore. Corpuscoli ameboidi e fibrille vagolano con la motilità dei vibrioni, delle animule microscopiche nella soluzione acquorea dello spazio fisiologico. Linee flessuose sinuose anguiformi si svolgono lente e morbide – ma altre sono grovigli nodi e snodi filamentosi, e acute catene di segmenti seghettati – in ghirigori e rabeschi non di rado consegnati all’evidenza della cifra grafica, alla sonorità del simbolo araldico, persino allo sviluppo sequenziale del tema decorativo. Nicola Micieli Estate 2008, Castello di Grotti, Fondazione Vacchi
Here and there embryos or evidence of shape appear clearly marked at the edge; others are fringed or set like tiles in mosaics, where even the tightest weave does not suggest the idea of tapestry. Nuclei and grains of light cross the layers of backgrounds, which are sometimes softened by pinkish shades and pale ochre, and sometimes saturated with light absorbed by black, never dark and disturbing, from which they seem to wink like distant stars, or plough it and spin like a sudden multicoloured windmill. Amoeba-like and fibrillose corpuscles wander with the motion of vibrios and microscopic little souls in the watery solution of physiological space. Sinuous, curving, snake-shaped lines run slowly and smoothly – but there are also tangles knots and straggly ends, and acute chains of serrated segments – in swirls and arabesques frequently highlighted by graphic codes, by the sonority of heraldic symbols, even by the sequential development of decorative themes.
kleine Körper wandern richtungslos mit der Beweglichkeit von Vibrionen, mikroskopisch kleine Seelen in der wässrigen Lösung körperlicher Räume. Gewundene, biegsame, schlangenförmige Linien, die sich weich und langsam entwickeln – wieder andere sind verwirrte Knoten und fasrige Gelenke, und scharfe Ketten aus gesägten Segmenten – in Schnörkeln und Arabesken, die nicht selten durch grafische Ziffern, den Klang des heraldischen Symbols und selbst durch die Reihenfolge des dekorativen Motivs offenbart werden. Nicola Micieli Sommer 2008, Castello di Grotti, Stiftung Vacchi
Nicola Micieli Summer 2008, Grotti Castle, Vacchi Foundation
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Carlo Nepi | I “segni dell’inutilità”
La prima volta che ho incontrato Carlo Pizzichini sono andato a cercarlo, condotto da un amico, nella sua casa a Monticano, in mezzo alle colline e ai boschi che dividono Siena dalla Maremma. Chi mi conduceva parlava di un sicuro talento, dello strano fenomeno di un giovane pittore che da queste terre arcaiche guardava lontano, sorretto da una limpida genialità naturale. La conoscenza e l’amicizia hanno permesso di comprendere e scavare meglio e di più questi minimi cenni introduttivi, che apparvero peraltro evidenti già da una prima, non certo esaustiva, osservazione dei suoi lavori.
The first time I met Carlo Pizzichini was in Monticiano when I was brought by a friend, amongst the hills and the woods that divide Siena from the Maremma. My travelling companion described Carlo as a sure talent, a young painter, supported by a clear cultural geniality that looked beyond these ancients lands. The knowledge and the friendship have enabled me to understand and penetrate what has been said in the introduction and were apparent in his works even at first sight. What immediately hits you about Carlo’s works and where he gets most of his inspiration from is the
Als ich Carlo Pizzichini das erste Mal begegnet bin, habe ich ihn zusammen mit einem Freund aufgesucht, der mich zu seinem Haus in Monticiano führte, inmitten von Hügeln und Wäldern gelegen, die Siena von der Maremma trennen. Man sprach von einem sicheren Talent, von einer seltsamen Erscheinung eines jungen Malers, der von dieser archaischen Gegend in die Ferne blickt, unterstützt von einer gewissen natürlichen und klaren Genialität. Die Bekanntschaft und die spätere Freundschaft haben mir erlaubt, diese kleinsten einführenden Zeichen, die schon bei der ersten sicher nicht ausreichenden Besichtigung seiner Werke offensichtlich erschienen, besser zu verstehen und zu erforschen. Was in Carlo unverzüglich beeindruckt -und man nimmt gleich wahr, dass seine Art von Malerei hauptsächlich davon beeinflusst wird -ist die „Authentizität“ seiner Energie und seiner kreativen Leidenschaft und die „Reinheit“, die geistige Ehrlichkeit seines Wirkens: eine Reinheit, die der Bauernwelt, aus der er stammt, nahe steht und die ihn mit antiken und absoluten Werten prägt. Werte, die durch ihres fast gänz-
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Ciò che immediatamente colpisce in Carlo – e si avverte subito che da ciò è sostanzialmente influenzato il suo modo di fare pittura – è l’autenticità della sua energia e passione creativa e la pulizia, l’onestà intellettuale del suo agire: una purezza cui non è estraneo il mondo contadino dal quale proviene e che lo imprime di valori antichi e assoluti che, per la loro quasi completa estinzione riacquistano il sapore se non della novità assoluta, certo della riscoperta. La spiritualità, la natura, il sacro, un mistico interesse verso tutto ciò che trattiene umanità e verità profonde e riconduce il pensiero alle fonti dell’Essere e del Creare, sembrano la costante sollecitazione del suo agire pittorico. L’arte di Pizzichini cammina in equilibrio su un crinale e pesca, a seconda delle tentazioni, da più “serbatoi”; dalla cultura figurativa della pop art, con una particolare propensione per il taglio fotografico e iperrealista dell’immagine, fino alla astrazione di una scrittura pittorica senza vincoli di leggibilità o meccanica decrittazione. La sua ricerca si concentra su un linguaggio informale che tende ad appropriarsi dei tanti segni e graffiti lasciati in giro dalla realtà e li rilascia sulla tela in forme diverse, mischiati a scampoli della realtà stessa e a pezzi di materia e di oggetti che nella realtà fluttuano.
authenticity of his energy, his creative passion and the cleanliness, his honest intellectuality: a purity where the peasant world, where he comes from, is not a stranger but gives him ancient and absolute values and because of their near extinction re-gain the taste for the re-discovery rather than the novelty. Spirituality, nature, sacred, a mystical interest in everything that contains humanity and deep truth. All that guides to the fonts of Being and Creating are the constant request in his pictorial behaviour. Pizzichini’s art balances on a crest and according to the temptations, picks from various “reservoirs”: from figurative culture to pop art with a certain predilection for photographic and hyperrealistic image cutting, to the point of abstracting the pictorial writing. His research is focused on an informal language, he gathers many signs and graffiti left by reality and re-launches them on the canvas in different forms, mixing them with what remains of reality and fluctuating objects. By doing this Pizzichini is able to create a world of colours and visual music, with slowed down or accelerated movements, with pauses and accumulations that leave patches on the painted background or cancel what has already
liche Aussterben den Geschmack, wenn nicht der absoluten Neuheit, so der Wiederentdeckung zurückgewinnen. Die Geistigkeit, die Natur, das Heilige, ein mystisches Interesse für all das, das Menschlichkeit und tiefe Wahrheit zurückhält und das die Gedanken auf den Ursprung des Seins und des Schaffens zurückführt, scheinen die konstante Anregung seines malerischen Wirkens zu sein. Die Kunst von Pizzichini wandert im Gleichgewicht auf einem Grat und schöpft, je nach Verlangen, aus mehreren „Speichern“; aus der bildenden Kultur der Pop Art, mit einer besonderen Neigung zum fotografischen und überrealistischen Schnitt des Bildes, bis zur Abstraktion einer malerischen Schrift ohne Bindung an die Lesbarkeit oder mechanische Entzifferung. Seine Forschung konzentriert sich auf eine informelle Sprache, die dazu neigt, sich die vielen Zeichen und Graffiti, die von der Realität zurückgelassen werden, anzueignen und sie dann auf der Leinwand unter anderen Formen wiederzugeben, vermischt mit Resten derselben Realität und mit Teilen von Material und Gegenständen, die in der Wirklichkeit wogen. So gelingt es ihm, eine Welt der Farben und der visuellen Musik zu erfinden, mit verlangsamten und
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Così egli riesce a inventare un mondo di colori e di musica visiva, con i movimenti rallentati e accelerati, con le pause o gli addensamenti che lasciano vuoti di campitura o arrivano fino alla cancellazione finale del già dipinto. A questo mondo non è estranea certamente una riflessione che Pizzichini svolge da tempo sull’importanza della decorazione; anzi alla base vi è una vera ipotesi teorica che lui stesso, anni fa, ha così sintetizzato: «L’arte non è solo pensiero ma decorazione e vita.» Il padre di Carlo era decoratore. La sua riflessione sembra perciò seguire un percorso quasi genetico, giungendogli attraverso un’educazione artistica che ha nella costruzione materiale dell’opera e nella spinta alla trasformazione dello spazio e dell’ambiente che viviamo, le sue più profonde esigenze. Un impulso forse ancora più primordiale della pittura, ma che in Pizzichini si trasforma facilmente in pittura libera e densa di felicità, senza schiacciamenti contenutistici; costruita con quei «segni dell’inutilità» con i quali la pittura gioca, danza, esibisce le proprie tecniche e la sua poesia. (In Carlo Pizzichini. Itinerari di pittura 1981-1993, cat. della personale al Parlamento Europeo, Strasburgo 1993)
been painted. Therefore to say that Pizzichini places a lot of importance on decoration is not incorrect, there is even a real theoretical hypothesis at the bottom of this that Pizzichini himself said a few years ago: “Art is not just thought but is decoration and life.” Carlo’s father was a decorator. His thoughts almost seem to follow a genetical path, gained with the artistic education received; the construction of the work and the environment in which we live in come from his requirements. An even more primordial impulse towards painting that Pizzichini easily transforms into free painting, full of happiness without constricting the contents: made up of “signs of uselessness” that make painting play, dance and demonstrate personal techniques and poetry. Siena, October 1993
beschleunigten Bewegungen, mit Unterbrechungen oder Verdichtungen, die Leere in der Grundierung hinterlassen oder bis zur endgültigen Löschung des bereits Gemalenen gelangen. Die Überlegung, die Pizzichini seit einiger Zeit über die Bedeutung der Dekoration anstellt, ist dieser Welt bestimmt nicht fremd; vielmehr liegt an der Basis eine Theorie, die er selbst vor einigen Jahren wie folgt zusammengefasst hat: „Die Kunst ist nicht nur Geist, sondern auch Dekoration und Leben“. Der Vater von Carlo war Dekorateur. Seine Überlegung scheint deshalb einen genetischen Weg zu durchlaufen, zu dem er durch seine künstlerische Bildung gelangt, die im materiellen Aufbau des Werkes und im Drang zur Verwandlung des Raumes und der Umgebung in der wir leben, ihre stärksten Bedürfnisse hat. Ein Impuls, der vielleicht noch vor der Malerei steht, der sich aber in Pizzichini leicht in freie Malerei umwandelt, reich an Glück, ohne inhaltliche Abplattung; aufgebaut mit jenen „Zeichen der Nutzlosigkeit“, mit denen die Malerei spielt, tanzt, die eigenen Techniken und ihre Poesie zur Schau stellt. Siena, Oktober 1993
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Wlodzimier Kunz
Carlo Pizzichini, presentatosi all’Accademia delle Belle Arti di Cracovia, ha legato la sua pratica artistica con la cattedra di Pittura di cui sono titolare. Pittore sensibile e lirico, con il suo carattere, le sue maniere gentili e il suo animo artistico avvicina Siena a noi, la Siena leggenda della pittura europea, in grado di produrre costantemente artisti veri. Carlo Pizzichini si è proposto di rendere in un ciclo di quadri il fascino di Cracovia, di trasferire la gioia della vita dal cielo di Siena al cielo di Cracovia. Sono convinto che questo proposito gli darà la dovuta soddisfazione creativa e un concreto risultato artistico. Le nostre conversazioni, condotte nell’atmosfera degli incanti veri dell’arte, della passione per la scoperta dei segreti della vocazione professionale e della gioia della creazione lasciano in me la memoria di un artista al quale si addice pienamente il proverbio italiano: “Nella botte piccola c’è il vino buono. “ Cracovia, marzo 1992 Direttore dell’Accademia di Belle Arti di Cracovia
Carlo Pizzichini has come to the Academy of Fine Arts in Cracow to complete his artistic training at the Institute of Painting. I am head of it. He is a sensitive and lyrical painter, with easy manners and an artistic soul bringing us closer to Siena - a legend of European painting, the Siena which still gives us true artists. Carlo Pizzichini has tried to depict in a series of pictures his fascination for Cracow and to transfer the joy of living under the sky of Siena to the sky of Cracow. I am deeply convinced it will bring him not only a lot of satisfaction, which he deserves, but also some real artistic achievements. Our long chats in the atmosphere of true artistic fascination, filled with passions for discovering the secrets of professionals’ dedication and full of creative joy make me remember this artist for ever. I will associate him, in a very natural way, with this Italian proverb: “the best wine is in a small decanter”. Cracow, March 1992
Carlo Pizzichini hat seine künstlerische Erfahrung an die Fakultät der Malkunst an der Kunstakademie von Krakau gebunden, wo ich den Lehrstuhl innehabe. Ein sensibler, lyrischer Maler, der mit seinem Charakter, seiner feinen Art und seiner künstlerischen Seele uns Siena nahe bringt, das Siena der europäischen Malerei, das ständig echte Künstler hervorbringen kann. Carlo Pizzichini hat sich vorgenommen, den Reiz von Krakau in einer Serie von Bildern darzustellen, die Lebensfreude vom sienesischen Himmel in jenen von Krakau zu verlegen. Ich bin überzeugt, dass ihm diese Aufgabe die erwartete kreative Befriedigung und ein konkretes künstlerisches Ergebnis gibt. Unsere Gespräche, geführt in einer Atmosphäre von echter Kunstbegeisterung, mit der Leidenschaft zur Entdeckung der Geheimnisse für die berufliche Neigung und der Freude für das Künstlerschaffen, haben mir die Erinnerung an einen Künstler hinterlassen, dem das italienische Sprichwort „der gute Wein ist in einem kleinen Fass“ bestens zusteht. Krakau, März 1992
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Ignacy Trybowski | Un’esperienza polacca
L’immaginazione artistica di Carlo Pizzichini è uno spazio particolare la cui topografia è delineata da forme visive di motivi reali caratteristicamente interpretati, di oggetti e di idee che assumono l’aspetto di segni simbolici o talvolta persino astratti. Se l’artista desidera evocare le immagini provate, cioè materializzandole nel quadro, lo fa coerentemente con l’aiuto di adeguati mezzi d’espressione. Allora l’espressione, in cui si cela il senso individuale dell’opera d’arte, è sottoposta a verifica. L’opera ha una sua giustificazione, poiché è creata partendo da un motivo preciso, con un qualche scopo che connette l’intenzione formale ed estetica con tutta una gamma di generi di significato. La loro scala pare essere illuminata, come testimonia l’antico e sempre vivo sviluppo dell’arte. Dunque l’attrattiva delle prove e delle esecuzioni nel campo dell’arte e la forza che attira i creatore di opere capaci di colpire la nostra sensibilità tonificandola. L’esempio ci Carlo Pizzichini. Nel 1992 è giunto in Polonia, a Cracovia. Questa città – uno dei tanti luoghi al mondo visitato dall’artista – è diventata il punto di partenza di emozioni ispirate, creativamente trasposte in una serie di
The artistic imagination of Carlo Pizzichini is a very particular space whose topography is delimitated by its visual forms of real motives interpreted in a very personal and unique way, of objects and ideas taking shapes of symbols or, sometimes, even abstract signs. When the artist wants to bring back to mind those lived through pictures and materialise them in a pictorial form, he consistently does it using the most suited means of expression. Thus the expression which is the source of an individual sense of any object of art comes true. This sense has its own justification as it is created for special reasons and for some objectives so that both form and aesthetic ideas are combined together with a rich gamut of meanings. Their range seems to be endless, which is proved by an old and still alive development of art. A fascination of all artistic attempts and activities is an unusual phenomenon. The possibilities of art are countless and inexhaustible is the power tempting the artist whose works enliven our sensitivity. Carlo Pizzichini is an example of such a painter. In 1992 he came to Poland, to Cracow. It is the next place out of many he has
Die künstlerische Einbildungskraft von Carlo Pizzichini liegt in einem besonderen Raum, dessen Struktur durch visuelle Formen von realen Themen, die charakteristisch dargestellt werden, gekennzeichnet ist, von Gegenständen und Ideen, die das Aussehen von symbolischen und manchmal sogar von abstrakten Zeichen annehmen. Wenn der Künstler empfundene Eindrücke hervorrufen, d.h. im Bild festhalten will, so macht er das konsequent mit Hilfe der best geeigneten Ausdrucksmittel. Der Ausdruck, in dem sich der individuelle Sinn des Kunstwerkes verbirgt, wird somit auf Probe gestellt. Das Werk hat seine Begründung, da es von einem bestimmten Leitgedanke aus geschaffen wurde, mit einem gewissen Zweck, der das formale und ästhetische Vorhaben mit einer ganzen Serie von Bedeutungsarten verbindet. Ihre Skala scheint unendlich zu sein, wie die antike und immer aktuelle Kunstentwicklung bezeugt. Die Anziehungskraft des Nachweises und der Ausführung im Kunstbereich ist eine ungewöhnliche Erscheinung; die Möglichkeiten der Kunst sind unendlich sowie die Kraft, die die Schöpfer von Werken, die unsere Sensibilität anregend berühren, anziehen.
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lavori pittorici, cioè nei quadri ricavati dalle impressioni dell’artista italiano di questo viaggio. L’incontro con questi quadri desta la sensazione della loro immediatezza e della sincerità di comunicazione delle impressioni. Essi sono l’espressione della necessità spontanea – seppure non priva di riflessione – di rispecchiare artisticamente esperienze del fascino convincentemente comunicabile. Le composizioni, quasi come di regola, si collocano all’interno di forme dinamicamente turbinanti, estratte con passione grazie a gesti energici, in uno stile e maniera propri all’artista. Questo genere di sfondi impetuosi costituisce il canovaccio dei quadri. Su di esso appaiono rappresentazioni allusive dell’architettura e dei monumenti di Cracovia, tipici ima selezionati in base all’approvazione soggettiva dell’artista. Essi sono come discretamente immersi nella nebbia del sogno, più o meno espressivi, mai letterali. In altri compaiono elementi caratteristici dell’arte popolare tradizionale di Cracovia e dei giocattoli o dell’autentica arte infantile che attinge a quei soggetti (il leggendario drago, la “szopka”1, il “Lajkonik”2). Questi ultimi sono spesso presenti nei quadri, impressi direttamente da cliché originali incisi da bambine nel linoleum. I “quadri nei quadri” creano come un palinsesto di
visited all over the world. It has stimulated his inspired emotions creatively realized in a series of paintings. These are pictures - impressions of an Italian artist from this journey. Looking at these pictures there arises a feeling of directness and sincerity in transmitting impressions. They are an expression of some spontaneous but not thoughtless artistic necessity to depict emotions whose convincing fascination spreads. Compositions are, nearly always, placed among dynamically whirling forms created with passion and energetic gestures which reflect both the style and the manner typical of this artist. This kind of impetuous background is a groundwork of pictures. There appears against it allusive representations of architecture and Cracow monuments, typical of this town but at the same time chosen at the artist’s personal discretion. They are as if imperceptibility engrossed in the fog of dreams and reveries, they are more or less clear but never literal. Some others contain the elements typical of folk art and toy-making tradition of Cracow. Some others still borrow their inspiration from children’s art (legendary dragon, crèche, Lajkonik, etc.). The latter are even quoted in pictures copied directly from original plates
Das sehen wir hier am Beispiel von Carlo Pizzichini, der 1992 nach Krakau in Polen kam. Krakau, eine der vielen vom Künstler besuchten Städte, wurde zum Ausgangspunkt von anregenden Inspirationen, die sich schöpferisch in eine Serie von malerischen Werken umwandelten, das heißt aus den Eindrücken der Reise dieses Künstlers in die hier entstandenen Bilder. Die Begegnung mit diesen Bildern erweckt das Gefühl der Spontaneität und Aufrichtigkeit der Mitteilung der Eindrücke. Sie sind der Ausdruck der spontanen Notwendigkeit -wenn auch nicht ohne Nachdenken -um Erfahrungen von übertragbarem Reiz künstlerisch zu widerspiegeln. Die Kompositionen, fast wie in der allgemeinen Regel, befinden sich im Innern von dynamisch umwirbelten Formen, die dank energischen Gesten die dem Künstler eigenen Stil und Art leidenschaftlich entnommen werden. Diese Art von heftigem Hintergrund bildet den Leitfaden der Bilder. Darüber erscheinen angedeutet Darstellungen der Architektur und der Monumente von Krakau, ausgewählt aufgrund der subjektiven Anerkennung des Künstlers. Diese sind diskret eingehüllt in den Nebel der Träume, mehr oder weniger ausdrucksvoll, nie wörtlich. In anderen Bildern erschei641
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richiami poetici con accenti più espressivi nei forti colori, quasi fossero affreschi rivelati in valori stratificati, di tempi e di ispirazioni diverse. È proprio questo il mondo di Carlo Pizzichini, pittore aperto, che guarda al mondo estesamente, senza preconcetti, le cui percezione sono le fondi pittoriche. L’incontro con Cracovia è stato per lui una fruttuosa esperienza artistica, riprodotta a caldo nei quadri creati. I quadri di Pizzichini si governano con le proprie leggi, sono una registrazione del tutto personale, unica nel suo genere. Egli, pur essendo a Cracovia e subendone l’incanto, è rimasto un artista senese! Così occorre vedere e capire le sue opere. ...................
1 Presepe cracoviano. 2 Cavaliere in costume orientale su un cavllo di legno. Figura leggendaria che compare durante la festa di del lajkonik, in cui si commemora la salvezza di Cracovia dai tartari.
cut out in linoleum by children. “Pictures within pictures” create a kind of poetic palimpsest of associations marked with some conspicuous elements in bright, vivid colours. They remind us of frescoes discovered through values accumulated in layers of various inspirations and of different times. Such is the private world of Carlo Pizzichini. Open, unprejudiced and broadminded, he observes the world and this experience becomes a source of his pictorial inspiration. His meeting with Cracow has been a very fruitful experience, immediately transformed in his pictures. The pictures of Carlo Pizzichini are laws upon themselves. They are a very personal record, unique in its style. Although he has been in Cracow he has remained a Sienese artist. That is how his pictures should be looked at and understood. Cracow, March 1992
(Pres. al cat. della personale Siena-Cracovia-Siena: viaggio in Polonia di un pittore italiano, Spazio d’Arte, Rapolano 1992)
nen charakteristische Elemente der traditionellen Volkskunst von Krakau oder der echten Kinderkunst, die sich auf diese Gegenstände bezieht (der legendäre Drachen, die „Szopka“ (1), der „Lajkonik“ (2)). Die letzteren sind häufig in den Bildern anzutreffen, direkt mit Originalclichés gedrückt, die Kinder in Linoleum graviert haben. Die „Bilder in den Bildern“ schaffen wie eine Einheitlichkeit von poetischen Hinweisen mit den ausdrucksvollsten Akzenten in den starken Farben, als wären es Fresken in geschichteter Bedeutung betont, von verschiedenen Zeiten und von verschiedenen Ispirationen. Gerade dies ist die Welt von Carlo Pizzichini, ein aufgeschlossener Maler, der die Welt eingehend betrachtet, ohne Vorurteile, dessen Wahrnehmungen die malerischen Quellen sind. Die Begegnung mit Krakau war für ihn eine furchtbare künstlerische Erfahrung, die er unverzüglich in seinen Bildern wiedergab. Die Bilder von Carlo Pizzichini werden durch eigene Gesetze geregelt, sie sind eine ganz persönliche Darstellung, einzig in ihrer Art. Obwohl er sich in Krakau befindet und dessen Zauber erfährt, ist er ein sienesischer Künstler geblieben! Man muss seine Werke sehen und verstehen. Krakau, März 1992
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Alois Büchel | New York, New York, per troppe cose ti affatichi
New York: la città dei contrasti, degli eccessi (estremi), dell’indicibile. Una città, dove ci si può sentire particolarmente vivi e dove si annuncia ad ogni passo il declino della civiltà umana: dove la vita e la morte hanno ad ogni momento una relazione visibile, percettibile e comprensibile con tutti i sensi. New York, Sodoma e Gomorra del modo di vivere occidentale, la Babilonia del tardo capitalismo, New York, dove tutto sembra nato contemporaneamente dalla pop art e dove l’accordo (lo stare insieme) della realtà e della irrealtà sembra ancora più enigmatico che altrove. A New York, il mondo ci sembra un puzzle, un insieme di una infinità di colori, odori, suoni, fenomeni isolati, eventi acuti. Anche se la città rischia di affondare nella miseria e nello sporco, soprattutto fuori da Manhattan, la volontà di vivere si manifesta con tale vigore che i singoli pezzi di questo puzzle brillano in modo estremamente vivo, come immense macchie di colore in un caos veramente gigantesco. Non si può spiegare New York, forse lo potrebbe Woody Allen, che continua imperterrito a sostenere come si rimanga degli isolati (individuo singolo) in questa so-
In the summer of 1990, Carlo Pizzichini makes a journey, both of study and work to New York, as guest of Sheppard Craige, a painter, who puts a studio in Soho at his disposal. The surprise and illusion of the visual situation compared to the history of European art, brings about a short circuit of all the unripe young knowledge to translate itself in screaming urban iconographies: fearful examples of what we will soon be or are already. New York, the city of contrasts, of extremes, of unspeakables. A city where we can feel particularly alive and where we can see at every step the decline of the human race. Where life and death, at every moment, have a visual relationship, perceivable and comprehensible to all the senses. New York, the Sodom and Gomorrah of the West, the Babylon of late capitalism, New York, where everything seems to have grown up at the same time as pop art and where the relationship between reality and unreality seems even more enigmatic than elsewhere. The world seems to be a puzzle in New York, a togetherness of an infinity of colours, smells, sounds, isolated phenomena and acute happenings.
Im Sommer 1990 macht Carlo Pizzichini eine Studien- und Arbeitsreise nach New York, wo ihm sein Freund und Maler Sheppard Craige sein Studio im Soho zur Verfügung stellt. Das Staunen und die Täuschung über die visuellen Umstände im Vergleich zur europäischen Kunstgeschichte bringen sein unreifes jugendliches Wissen ganz durcheinander, um es in aufbegehrendes städtisches Bildmaterial zu verwandeln: beängstigende Beispiele für die Zukunft oder die Gegenwart, in der wir bereits leben. New York: die Stadt der Kontraste, der Extreme, des Unbeschreiblichen. Eine Stadt, wo man sich besonders lebendig fühlen kann und wo sich bei jedem Schritt der Untergang der menschlichen Kultur ankündigt: wo das Leben und der Tod stets eine sichtbare Beziehung haben, fühlbar und begreiflich mit allen Sinnen. New York, Sodom und Gomorrha der abendländischen Lebensweise, das Babylon des Spätkapitalismus, New York, wo alles gleichzeitig aus der Pop Art entstanden zu sein scheint und wo das Übereinkommen von Realität und Irrealität rätselhafter erscheint als anderswo. Die Welt in New York scheint ein Puzzlespiel, eine Ganzheit von unzähligen Farben, Düften, Lauten, vereinzelten Erscheinungen, akuten Ereignissen. Auch wenn die Stadt in 643
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cietà di massa, di cui New York rappresenta il simbolo. Nel 1990 Carlo Pizzichini ha visitato questo luogo di pellegrinaggio di uomini occidentali, dove si può osservare in modo particolarmente chiaro il declino della nostra civiltà ed egli ha ricordato le sue immagini con una serie di quadri dal titolo New York, New York, per troppe cose ti affatichi. Carlo Pizzichini, il solitario, il lirico che dipinge, uno che si orienta verso la luce perché conosce e teme il buio e che in Toscana ha pur sempre e sempre di nuovo dei legami a cui tenersi, anche se talvolta è soltanto la certezza dei colori toscani, impressioni della natura e dell’arte; a New York deve essersi sentito ancor più intensamente solitario, come del resto gli è conforme. Senza aver parlato con lui, mi posso immaginare come Carlo Pizzichini si sia sentito a New York: come in un caos, dove si può osservare e vedere senza essere osservati né visti, dove si può vivere senza avere vissuto. A New York arrivano ad ogni osservatore messaggi di tutti i tipi, ma poiché questi vengono cancellati in un batter d’occhio da nuovi messaggi, per questa particolare condizione di solitudine in mezzo a tanta folla uno è completamente preso dalla ricerca di singoli dettagli e di legami in questo puzzle gigante.
Even though this city risks drowning in poverty and dirt, in particular outside Manhattan, the desire of life is so apparent that the single puzzles shine extremely lively, like immense splashes of colour in an enormous chaos. New York cannot be explained, perhaps Woody Allen can, he who steadily continues to stress how to remain an individualist in this society of the masses, New York remains the symbol. In 1990 Carlo Pizzichini visits this Westerners’ pilgrimage site, where the decline of our culture is clearly apparent and the images have been remembered in a series of paintings entitled: New York, New York, too many things tire you. Carlo Pizzichini, the solitaire, the painting lyricist, one who pushes towards the light because he knows and fears the dark and Tuscany, where he still has ties to cling to, even if at times it’s only the certainty of the Tuscan colours, impressions of nature and art; he must have felt even more alone in New York. Even without having spoken to him, I can imagine how Carlo Pizzichini must have felt in New York: in confusion, where one can live without having lived. Messages of all kinds reach the observer in New York, but the messages are soon clearly can-
der Armut und im Schmutz unterzugehen droht, vor allem außerhalb Manhattan, zeigt sich der Wille zum Leben mit einer solchen Kraft, dass die einzelnen Stücke dieses Puzzles auf eine ganz außerordentliche Weise glänzen, wie unendliche Farbflecken in einem tatsächlich riesengroßen Chaos. Man kann New York nicht erklären, vielleicht könnte es Woody Allen, der unbeirrbar darauf besteht, dass man in dieser Gesellschaft der Massen, wie sie New York symbolisiert, isoliert bleibt. 1990 hat Carlo Pizzichini diesen Wallfahrtsort für Menschen aus dem Abendland besucht, wo man auf besonders klare Weise den Untergang unserer Kultur beobachten kann und er hat seine Eindrücke mit einer Bilderserie unter dem Titel „New York, New York, Du ermüdest Dich zu oft“ festgehalten. Carlo Pizzichini, der Einzelgänger, der lyrische Maler, der sich dem Licht zuwendet, weil er die Dunkelheit kennt und fürchtet, der in der Toskana stets neue Beziehungen hat, an die er sich halten kann, auch wenn dies manchmal nur die Gewissheit der toskanischen Farben, der Natureindrücke und der Kunst ist; er muss sich in New York noch viel einsamer gefühlt haben. Ohne mit ihm darüber gesprochen zu haben, kann ich mir vorstellen, wie sich Carlo Pizzichini in New York gefühlt hat: wie in einem Wirrwarr, wo man beob-
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New York rappresenta in un modo addirittura apocalittico il trionfo della velocità, che minaccia ogni coscienza umana nel 20° secolo. Pizzichini, nello stesso tempo estroverso e introverso, cercando di mantenere con i suoi mezzi formali l’equilibrio tra l’esteriore e l’interiore, fra vicinanza (intimo) e lontananza, tra suoni, ritmi ed effetti di luce dei suoi quadri, si è avvicinato a New York nel modo a lui conforme. Può sembrare modestia o ironia o ammissione dell’impossibilità, il fatto di trovare la psiche di New York, quando Carlo Pizzichini si serve di apparenti cliché per mettere in relazione il caos di New York con la propria coscienza o percezione. Si vedono sempre presenti e altrettanto impotenti (inefficienti), la terribile metrò e…, la ragazza sola, l’annuncio di liquidazioni, la moto, il ciclista (presumibilmente) nel Central Park, il cronista, saranno cliché o no, ma per New York sono segni, sigle, che indicano la realtà a più strati e con ciò a qualcosa dietro l’angolo. Ho visitato New York diverse volte e i segni dimostrati da Carlo Pizzichini sono quadri che rimangono nella mia mente come piccole finestre nel complesso della coscienza che lega il nome di New York. Il segno, la finestra ci fanno vedere come tramite binocoli in una real-
celled by new messages and, due to this particular solitude in such a crowd, one becomes completely absorbed by single details and ties, in this gigantic puzzle. New York, represents in fact an apocalyptical view of the triumph of speed, that threatens the 20th Century conscience. Pizzichini, extrovert and introvert at the same time, tries to personally maintain in his paintings an exterior and interior balance, an intimacy and a distance between sounds, rhythms and light effects. Pizzichini has reached New York in the way that has suited him best. It might seem modest, ironic or an admission of impossibility, the fact of finding the mind of New York, when Carlo Pizzichini uses apparent clichés to contrast the chaos of New York with his own conscience or perception. We can see the baseball players, the “speedy” snack bars, the policemen always present and just as inefficient, the horrible subway........, the solitary girl, the redundancy announcements, the bike, the cyclist (presumably) in Central Park, the reporter, these might be clichés, but for New York these are the signs indicating a varied reality and something hidden behind every corner. I have visited New York various times and the signs demonstrated by Carlo Pizzichini are paintings
achten und sehen kann, ohne selbst beobachtet oder gesehen zu werden, wo man leben kann ohne gelebt zu haben. Dem Beobachter gelangen in New York Botschaften jeglicher Art, aber da diese in einem Augenblick durch neue Botschaften verwischt werden, wird man durch diesen speziellen Zustand der Einsamkeit in der Masse vollständig gepackt von der Suche nach Einzelheiten oder Zusammenhänge in diesem riesigen Puzzle. New York stellt auf eine geradezu apokalyptische Art den Sieg der Geschwindigkeit dar, dem jedes menschliche Bewusstsein im 20. Jahrhundert ausgesetzt ist. Pizzichini, der gleichzeitig extravertiert und introvertiert ist, indem er mit seinen formellen Mitteln das Gleichgewicht zwischen Äußerem und Innerem, zwischen Nähe und Weite von Lauten, Rhythmen und Lichteffekten in seinen Bildern zu erhalten versucht, hat sich New York auf die ihm eigene Art genähert. Die Tatsache der Suche nach der Psyche in New York kann als Bescheidenheit, Ironie oder Zugeständnis der Unmöglichkeit aufgefasst werden, wenn Carlo Pizzichini sich scheinbaren Clichés bedient, um das Chaos von New York mit dem eigenen Gewissen oder Wahrnehmung in Verbindung zu bringen. Man sieht Baseballspieler, Schnellverpflegungsstätte, die immer anwesenden und zugleich machtlosen Polizisten, die schreckli645
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tà, il cui significato, emozionalità, complessità decidono la nostra facoltà di memoria, di percezione, di vista. Guardando i singoli quadri di New York di Carlo Pizzichini, mi sorgono innumerevoli storie, valori sentimentali, ricordi. Pizzichini colloca le impressioni di New York nel suo mondo visivo, un mondo visivo non reattivo, con nessuna definizione chiara, ma neanche abbreviata. Egli sfiora soltanto i segreti di New York, questa sigla globalmente babilonia del nostro mondo e mette a confronto singole percezioni al suo mondo visivo lirico, pieno di colori, di vibrazioni e musicalità. (Pres. al cat. della personale New York, New York, per troppe cose ti affatichi, Galleria Francesco Colazzo, Galatone 1992)
that remain in my mind like small windows of entireness that tie up with the name of New York. The signs, the windows, show us as if observing through binoculars a reality whose meaning, emotions, complexity help us decide what to remember, what to perceive and what to see. Looking separately at the paintings of New York, I can remember innumerable stories, sentimental values, memories. Pizzichini places impressions of New York in his own visual world and not in narrative, without a clear definition, but not abbreviated. He only just brushes the secrets of New York, this global Babylon of our world, contrasting single perceptions to his lyrical, visual world, full of colour, vibrations and musicality. Vaduz,1992
che U-Bahn, das einsame Mädchen, die Ausverkaufsanzeige, das Motorrad, der Radfahrer im (vermutlichen) Central Park, der Reporter; ob das nun Clichés sind oder nicht, aber für New York sind es Zeichen, Merkmale, die auf die vielschichtige Realität hinweisen und damit auf etwas um die Ecke. Ich habe New York mehrmals besucht und die von Carlo Pizzichini geäußerten Zeichen sind Bilder, die in meinem Gedächtnis wie kleine Fenster in der Gesamtheit des Bewusstseins, das an den Namen von New York gebunden ist, bleiben. Das Zeichen, das Fenster, zeigen uns wie mit einem Fernglas eine Realität, deren Bedeutung, Erregung, Gesamtheit über unsere Fähigkeit zu erinnern, wahrzunehmen, zu beobachten, entscheiden. Wenn ich die einzelnen Bilder von Carlo Pizzichini über New York betrachte, erwachen in mir unzählige Geschichten wieder, gefühlvolle Werte, Erinnerungen. Pizzichini setzt die Eindrücke von New York in seine visuelle Welt, keine reagierende Welt, mit keiner klaren, aber umsoweniger abgekürzten Definition. Er deutet die Geheimnisse von New York nur an, dieses babylonische Kennzeichen unserer Welt und konfrontiert einzelne Wahrnehmungen mit seiner lyrischen visuellen Welt, reich an Farben, Erregungen und Musikalität. Vaduz, 1992
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Ruggero Savinio | La deriva del colore
Lucide superfici pompeiane, araldiche campiture gotiche, iridazioni manieristiche, arabeschi, veli liquidi e lenti del colore sul suolo dell’Imbarco per Citèra, forme abbandonate e ricadenti su se stesse, respiro del colore, deriva del colore: il colore eccede dai suoi confini, invade lo spazio e si rapprende in forme nuove e mutevoli. Grotte della Domus Aurea: le figure di Aulus – umidus et floridus lo chiama Plinio – che appaiono davanti agli occhi dei giovani allievi di Raffaello, appena appena rischiarate dal buco a fior di terra, occhio del triclinio imperiale dove quei giovani si sono calati strisciando, corrose dai salnitri, dalle muffe, dalle infiorescenze, si espandono sui muri e proliferano a dismisura. Pietre paesine o pietra d’Arno, tarsie, marmi e finti marmi, volute della linfa e del sangue, Sindone: nasce il sogno cinquecentesco di una pittura senza mani. Il pittore, a volte, si abbandona alla forza del colore, rinuncia a governarla, se ne lascia guidare. Il colore, allora, conduce. È l’ammutinamento del colore, dice Carlo Pizzichini. Dice ancora: il colore è transumanza, da qui allíinfinito. La pittura, per Carlo, non sarà mai referenziale, non si
Gleaming Pompeian surfaces, gothic heraldic fields, iridescent mannerisms, arabesques, liquid and slow veils of colour on the soil of the Embarkation for Kythira, abandoned and tumbling forms, respiration of colour, movement of colour exceeding all boundaries, it penetrates into space and coagulates into new and varied forms. The caves of the Domus Aurea: the figures of Aulus - umidus and floridus as called by Pliny that appear before the eyes of the young students of Raphael, only slightly brightened by the hole on the surface of the ground, the eye of the imperial triclinium where those crawling youths lowered themselves, corroded by potassium nitrates, mildew, inflorescences which expand on the walls and proliferate beyond all bounds. Paesine and Arno stones, tarsia, marble and fake marble, spirals of sap and blood, Sindon; here is the birth of the sixteenth century dream of painting void of hands. The artist at times abandons himself to the power of colour, renouncing to govern it and lets himself be guided by it. Colour, therefore, guides. It is a mutiny of colour, says Carlo Pizzichini. He adds: colour is transhumance, from here to infinity. Painting for
Das Treiben der Farbe Glänzende pompeianische Oberflächen, gotische heraldische Grundierungen, manieristische Farbbogen, Arabesken, flüssige und langsame Farbschleier auf dem Grund des “Imbarco per Citèra” (Einschiffung nach Citèra), verlassene, auf sich fallende Formen, Rast der Farbe, Treiben der Farbe: die Farbe tritt über ihre Grenze, besetzt den Raum und erreicht neue wandelbare Formen. Die Höhlen der Domus Aurea: die Figuren von Aulus - umidus et floridus nennt ihn Plinio - die vor den Augen der jungen Schüler von Raffaello erscheinen, ganz leicht erhellt durch die Öffnung, wie das kaiserliche Auge von Triklinium, durch das sich die Jungen kriechend hinabgelassen haben, angegriffen vom Salpeter, vom Schimmel, von der Infloreszenz, breiten sie sich aus und vermehren sich über alle Massen. Steine aus Dörfern oder Steine aus dem Arno, Intarsia, Marmor und künstlicher Marmor, Spiralen von Lebenssaft und Blut, Leichentuch: es entsteht der Traum des Cinquecento einer “Malerei ohne Hände”. Manchmal überlässt sich der Maler der Kraft der Farbe, er verzichtet, sie zu beherrschen und lässt sich von ihr führen. So leitet die Farbe.
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farà incatenare a un avverbio, ma sarà in cammino, sarà il cammino fra le cose e la loro infinita deriva. Forse in questo senso Pizzichini parla di Cristianesimo sorgivo: nel senso di una giocondità e anche di un prolungamento infinitivo a partire dalle cose, da questo qui che preme col peso della sua presenza a un altrove sempre ulteriore e sempre mobile. La forza che conduce il pittore è come la forza che, dice Platone, afferra il poeta: furore poetico, manìa, che lo spinge a procedere senza più figure, verso l’inesprimibile. (Acheropita o della transumanza del colore, pres. al cat. della personale alla Galleria Aminta, Siena 1991)
Carlo will never be referential, he will never be chained to an adverb but will always be in motion, it will be the motion between things and their neverending movement. Perhaps in this sense Pizzichini talks about a rising Christianity: that is, a sense of joyfulness and also of an infinite continuation commencing with things, from here pushing with their strength of presence to somewhere else further afield and more mobile. The power that drives the artist is the power which, according to Plato, seizes the poet: poetic frenzy, mania that induces him to continue without figures, towards the inexpressible. La Molla, Cetona, January 1991
Carlo Pizzichini spricht vom “Aufstand der Farbe”. Er sagt weiter: “die Farbe ist Transhumanz, von hier ins Unendliche”. Die Malerei wird für Carlo nie bezugnehmend sein, sie wird sich nicht an ein Adverb binden lassen, sie wird in Bewegung sein, es wird “der” Weg sein zwischen den Ereignissen und ihrer unendlichen Treibung. Pizzichini spricht vielleicht in diesem Sinn von Ur-Christentum: im Sinne einer Heiterkeit und auch einer Infinitiv-Ausdehnung von den Ereignissen ausgehend, von diesem “hier”, das mit dem Gewicht seiner Gegenwart drängt zu einem anderswohin, immer jenseitig und immer beweglich. Nach Platos Worten ist die Kraft, die den Maler leitet, wie die Kraft, die den Dichter ergreift: poetische Begeisterung, “Manie”, die ihn dazu antreibt, ohne Gestalt fortzuschreiten, dem Unausdrückbaren entgegen. La Molla, Cetona, Januar 1991
Al lavoro dalle “Terracotte Maurizio Benocci”, Sinalunga
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Enrico Crispolti | Immaginario lirico Nella sostanza del proprio immaginario indubbiamente Carlo Pizzichini è un lirico. Lo seguo dai primi anni Ottanta, presente nel 1985 in quell’intensa e indicativa rassegna “Una nuovissima generazione nell’arte italiana” nella Fortezza Medicea senese che ha rappresentato un punto di riferimento per una situazione ormai montante. Lirico perché il suo immaginare è istintivamente evocativo, in un coinvolgimento di livelli che dal proprio vissuto quotidiano entro quanto è per lui immediatezza di natura prima che paesaggio, vanno a implicazioni psicologiche, di sentimenti, passioni, umori, e a suggestioni culturali affettiva-
In the essence of his own imagining Carlo Pizzichini is undoubtedly lyrical. I have been following him since the early eighties, present in 1985 in that intense and revealing review “Una nuovissima generazione nell’arte italiana” (a brand new generation in Italian art) in Siena’s Medici Fortress, a review which represented a reference point for a situation on the move. Lyrical, because his imaginings are instinctively evocative, in an interplay of levels ranching from his own daily life, lived within what is for him the spontaneousness of nature rather than scenery, to psychological implications, feelings, passions, moods, and to
Im Kern seiner Einbildungskraft ist Carlo Pizzichini zweifellos ein Lyriker. Ich verfolge seinen Werdegang seit den frühen 80er Jahren, und im Jahre 1985 wurde er eindrücklich in jener spannenden und aufklärenden Ausstellung „Una nuovissima generazione nell‘arte italiana“ (eine ganz neue Generation italienischer Kunst) im Medici Fortress in Siena dokumentiert, einer Kunstveranstaltung, die auf die sich veränderte Situation deutlich hinwies. Lyrisch ist Carlo Pizzichini deshalb, weil sein Denken instinktiv poetisch ist, in einem Zusammenspiel von Ebenen, die von seinem eigenen Leben, wo Natur eher in ihrer emotionalen Unmittelbarkeit denn als äußere Szenerie begriffen wird, bis hin zu psychologischen Bedeutungen, Gefühlen, Leidenschaften, Stimmungen und kulturellen Eindrücken reichen, die mehr als lehrreiche Gelegenheiten denn als Stilkunde-Lektionen erfahren werden. Er ist lyrisch und deshalb instinktiv poetisch, weil auch die ihm gemäße Leidenschaftlichkeit und Erregung verinnerlicht wird und zu einer tiefen und Distanz schaffenden Betrachtungsweise
“Aspra solitudo purezza di cuore” 2010, cm 80x60 smalto su tela
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mente partecipate più come occasioni rivelatorie che come lezioni di stile. Lirico e perciò istintivamente poetico, a suo modo passionalmente effusivo, anche quando più decantata sembra la tensione, quasi in una movenza di distacco. Pizzichini l’empito della propria appassionata evocatività lo configura in una scrittura pittorica corsiva, che da situazioni di largo gesto, tende ad intrigarsi anche (e lì sembra più nuovo ora rispetto al suo lavoro di anni fa) in termini molto più brevi, circoscritti, quasi erranti, così da determinare una tensione continuamente nuova nell’orditura del tessuto pittoricospaziale. Anche se affidata al segno, sufficientemente evidente nella sua specifica natura, la scrittura pittorica messa in atto da Pizzichini è in realtà soprattutto in effetti cromatica, realizzandosi attraverso un colore fresco, direi di getto, giacché esito di un “ductus” segnico sostanzialmente gestuale. E la sua prima affermazione da metà degli anni Ottanta è stata proprio nei termini di un’attiva partecipazione emotivo-evocativa risolta in una scrittura pittorica segnico-cromatica larga nel suo entusiasmo sano. Mentre oggi mi sembra che il problema spazio si ponga nell’immaginazione di Pizzichini in ter-
cultural impressions experienced more as revealing opportunities than as lesson in style. Lyrical, and therefore instinctively poetical, passionately exuberant, even when tension comes to the fore, almost with a detached attitude. Pizzichini depicts the elation of his passionate evocative powers in a flowing script, which from generously gestural situations also tends to become involved (and here I feel this is a new fact compared with his works of some years ago) in much shorter, circumscribed terms; almost meandering, and thus determining an ever renewed tension in the weaving of the pictorial-spatial fabric. Although entrusted to his stroke, sufficiently clear in its specific nature, the pictorial script effected by Pizzichini is actually chromatic above all else, creating itself in colour, straight off, I must say; the result of an essentially gestural “ductus.” In fact his first success in the mid-eighties was precisely in the terms of an active emotionalevocative participation resolving itself in a stroke-colour pictorial script, coming generously from his healthy enthusiasm. While today I feel that the question of space has taken its place in Pizzichini’s imagination in less univocal terms, and precisely in a kind of fluctuating pulsation in a mul-
führt. Pizzichini drückt die gehobene Stimmung seiner evozierenden, geisthaften Einbildungskraft mit einer fließenden malerischen Handschrift aus, die, ausgehend von einer großzügig gebärdenhaften Gestik immer mehr zu einer wesentlich verkürzteren, eingegrenzteren Zeichenhaftigkeit tendiert (und hier stelle ich, verglichen mit seinem Werk vor einigen Jahren, eine neue Entwicklung fest); ein sich beinahe windender Gestus, der immer wieder eine neue Spannung im Gewebe des malerisch-räumlichen Stoffes erzeugt. Auch wenn er sich seinem Gefühl überlässt, das gemäß seiner spezifischen Natur außergewöhnlich klar ist, präsentiert sich die bilderhafte Handschrift Carlo Pizzichinis vor allem chromatisch, in einer Stufenleiter frischer Farben: ich würde sagen, sie ist das Resultat eines im wesentlichen gebärdenhaften „Duktus“. Tatsächlich basierte sein erster Erfolg Mitte der 80er Jahre auf seiner aktiven, emotionell-evokativen Weitsicht, die, einer enthusiastischen Innerlichkeit entsprechend, zu einer farbenfrohen, gestischen und chromatischen Handschrift führte. Dagegen habe ich den Eindruck, dass das Raumproblem in Pizzichinis Malerei heute weniger einheitlich gehandhabt wird. Genauer gesagt, wird es gemäß dem Pulsieren einer Viel-
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mini di meno univoche soluzioni. Ed esattamente di una sorta di fluttuante pulsazione in una molteplicità di episodi e di gorghi differenziati, così da sgranare un tessuto pittorico spazialmente ambiguo e appunto pulsante nelle sue interne animazioni, e rarefazioni o invece addensamenti. Credo in effetti che attualmente nell’evocatività tipica all’immaginario del giovane pittore senese agiscano maggiormente livelli di referenza psicologica che non di memorie percettive di natura. L’evocatività insomma vi si affaccia in qualche modo più complessa, e perciò più suggestiva. E dunque le motivazioni stesse sorreggono le possibilità di un discorso pittorico più ricco. (Pres. al cat. della personale al Circolo degli Artisti, Albissola Marina 1989)
titude of differentiated episodes and whirlpools, taking apart an ambiguous spatial pictorial fabric, pulsing in its interior animations, rarefactions or densities. I believe, in fact, that at present, in the evocative nature typical of the young Sienese artist it is the levels of psychological reference which are more than the perceptive memories of nature. In brief, this evocative nature revealed in a somehow more complex, and therefore more fascinating manner. And thus it is the very motivations which sustain the possibilities of a richer pictorial discourse. Rome, April 1989
falt von sich unterscheidenden Episoden, Eindrücken, Wirren und psychologischen Implikationen gelöst. Die Ambivalenz der in der Innerlichkeit getragenen Welt erscheint in adäquaten, Lebendigkeit, Verdünnung oder Verdichtung anzeigenden räumlich-bildhaften Konfigurationen. Carlo Pizzichini erinnert sich -das Ergebnis der Erinnerung drückt sich in musikgleichen, rhythmischen, räumlichen und farbigen Kombinationen aus. Ich denke tatsächlich, dass die Einbildungskraft dieses jungen sienesischen Künstlers sich mehr auf der Ebene psychologischer Anspielungen und innerer Strukturen gründet als auf einer äußerlichen Wahrnehmung der Natur und existentieller Vorgänge. Das Ergebnis seiner Wahrnehmungen wirkt deshalb auch komplex, suggestiv und tiefgründig.
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Elisabetta Ermini | Il crinale del diverbio
Una pittura di gesto, potrebbe sembrare quella di Carlo Pizzichini. Ma il gesto, paradigma oggi di moda per tracciare una linea dell’arte attuale, è concetto troppo
Ad Albissola Marina passeggiando sul mosaico di Capogrossi, 1989
Painting in gestures, this is how we can describe Carlo Pizzichini’s painting. But gesture, modern example of drawing a line in art of the pres-
Die Malerei von Carlo Pizzichini könnte eine Malerei der Zeichen sein. Aber das Zeichen, ein heute verbreitetes Paradigma um die aktuelle Kunst in groben Zügen zu beschreiben, ist ein zu weiter Begriff, um für einen Versuch zu dessen Definition auszureichen: das Zeichen kann Ziel, Mittel oder Zweck sein, Haupt- oder Nebendarstellung eines Werkes. Die Absicht Pizzichinis entfernt sich von der Idee einer totalen Gebärdenkunst, um sich weniger deutlichen, eher geheimen, fast versteckten Eindrücken und Gedanken zu widmen, auf einer Oberfläche, auf die eine scheinbar chromatische Emotivität gesetzt wird. Eine Aufgabe, die tiefe Zusammenhänge hat mit der sienesischen Kultur der Landschaft, die sich verpflichtet, eine Beziehung herzustellen mit dem Ursprung der Volks- und Bauerntradition, jedoch an Großzügigkeit gewinnt, wenn sie auf jene weite Kunsterfahrung gesetzt wird, deren nächste Aszendenz sich im Gebiet der Gegenstandslosigkeit findet. Pizzichini beginnt als figurativer Maler, obwohl seine Stilistik sich als Gebärdenparaphrase identifizieren lässt, aber bei seinem ersten Kontakt mit der Akademie in Florenz entzieht er sich der vorange653
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vasto per risultare sufficiente in un tentativo di definizione: gesto può essere fine e mezzo, strumento o scopo, nucleo dell’opera o accessorio. L’intenzione di Pizzichini di fatto si allontana dall’idea di gestualità totale per attingere a sensazioni e concetti meno evidenti, sotterranei, quasi nascosti dietro una superficie tutta giocata su un’apparente emotività cromatica. Un lavoro che trova i suoi agganci profondi in una cultura senese del paesaggio, impegnato a stabilire un rapporto con le fonti della tradizione popolare e contadina, ma che prende più ampio respiro se viene rapportato a quel ventaglio di esperienze pittoriche, le cui ascendenze più dirette si possono trovare nell’area dell’informale. Pizzichini nasce come artista figurativo, seppure la sua cifra stilistica può identificarsi come parafrasi del gestuale, ma col suo primo contatto con l’Accademia di Firenze, si sottrae all’impostazione naturalistica precedente, sebbene questo esordio sia per definizione un tempo di prove e di slanci, di sperimentazioni e di tentativi, che consentono a Pizzichini di verificare il concetto stesso di pittura sotto diverse tecniche. Con un’inversione di rotta imbocca una strada diversa, sollecitato del resto dalle sue frequentazioni dell’ambiente fiorentino, dove la presenza di nuove suggestioni risulta per lui decisiva. Queste opere costituiscono quindi una verifica del suo lavoro,
ent, is too vast a word to define; gesture can be end or middle, instrument or aim, the nucleus of the work or an accessory. Pizzichini’s intentions move away from this idea of gestuality and derive from sensations and ideas that are less evident, underground, hidden behind a chromed surface of emotions. A work with a profound attachment to the Sienese landscape, establishing a relationship between popular and peasant traditions, but gains more life when the works are inspired by the informal. Pizzichini begins as a figurative artist, even if his style can be described as gestual paraphrase. But when he comes into contact with the Academy of Florence, he breaks away from the naturalistic tendency even if this beginning is a moment of tests and outbursts, of experiments and attempts, while allowing Pizzichini to experiment using different painting techniques. He takes a different path spurred on by the Florentine scene that he frequents, where the presence of new suggestions is decisive. These works are the summing up of this situation, but above all it is the choice that changes his attitude towards oil-paints, that lack in depth, hastily painted and are tied to automatic movements of the hand.
gangenen naturalistischen Aufgabe, auch wenn dieser Anfang als Probe- und Anlaufzeit betrachtet werden kann; Experimente und Versuche, die Pizzichini erlauben, den eigentlichen Begriff der Malerei unter verschiedenen Techniken zu prüfen. Mit einer totalen Kurswendung schlägt er einen neuen Weg ein, ermutigt auch durch seine Kontakte in florentinischen Kreisen, wo sich für ihn das Vorhandensein von neuen Eindrücken entscheidend auswirkt. Diese Werke bilden nun eine Prüfung seiner Arbeit, aber vor allem eine Wahl, die ihn dazu führte, das Gebrauchen der Ölfarben zu überwinden, um sich für ein weniger festes Material zu entscheiden, das eine schnelle Ausführung ermöglicht, wobei die Hand fast automatisch geführt wird. Diese Wahl könnte jedoch auch als gegenwirkend erscheinen, „anachronistisch“, wenn man das Klima der vorherrschenden Restauration berücksichtigt, doch da jede Gewissheit seit einiger Zeit außer jeglicher positivistischer Beziehung steht, wenigstens in Bezug auf die Studien der heutigen künstlerischen Erfahrungen bezogen, wäre es nicht einmal gewagt zu behaupten, dass Pizzichini in Wirklichkeit in einem ästhetischen Kontext handelt, wo dessen kennzeichnende und zeitliche Grenzen in gewissen Werken von
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ma soprattutto di una scelta che lo ha condotto al superamento dell’uso del colore ad olio per una materia priva di corposità, di rapida esecuzione, sorretta dal movimento quasi automatico della mano. Scelta che potrebbe apparire anche contro corrente “anacronistica”, tenuto conto del clima di restaurazione dominante, ma siccome le certezze sono da tempo fuori da qualsiasi riferimento positivistico, almeno riguardo all’analisi delle esperienze artistiche d’oggi, non sarebbe nemmeno azzardato sostenere che Pizzichini, in realtà, agisce in un contesto estetico in cui i limiti temporali e connotativi, di certe operazioni di “archeologia” pittorica, sono praticamente illimitati. In questi anni di formazione, Pizzichini ha arricchito il suo linguaggio pittorico con diversi elementi, impronte, segnali, oggetti, anche minimi, che interferiscono nella fluida energia del segno-colore. Si avverte sul filo di diverse convergenze linguistiche il riferimento alla poetica del bianco e del vuoto: la fisicità del gesto sulla superficie si riduce, s’accorcia, non ha più la veemenza del braccio e si affida allo scatto improvviso del polso. Si privilegia la ritmicità del gesto, che controlla lo spazio del foglio in ogni punto, e la superficie viene quasi immaginata come una pagina che allude alla scrittura, senza essere tale. Una pratica scritturale viene qui infatti
A choice that can be seen as going against current, anachronistical, if we take into account the dominating climate of the moment, it wouldn’t be a hazard to say that Pizzichini acts in an aesthetical context where the temporal and characteristic limits of certain pictorial “archaeological” operations are practically unlimited. In these years of professional training Pizzichini has enriched his pictorial language with imprints, signs, objects that influence the floating energy of colours. We can witness the poetic reference to the colour white and to the emptiness: the signs on the canvas are shorter, smaller, showing the brisk use of the wrist rather than the violent use of the whole arm. The rhythmical gesture that controls the entire page triumphs and the canvas is almost a written page. There is an illusion to writing but only to transform itself into painting, there is a free gestuality that links one work to another. Under the light the forms of his works appear to be compact but at the same time show signs of fraying. The background almost monochrome, always controlled by a geometrical tension, shows areas of transparency and solar clarity and areas of density and mysterious obscurity.
malerischer „Archäologie“ praktisch unbegrenzt sind. In diesen Jahren der Reifung hat Pizzichini sein malerisches Ausdrucksvermögen bereichert mit verschiedenen zum Teil geringsten Elementen, Spuren, Zeichen, Gegenständen, die in die fließende Energie von Zeichen-Farbe dazwischen treten. Man gewahrt in der Spur von verschiedenen sprachlichen Übereinstimmungen den Hinweis auf die Poesie von Weiß und von Leere: die materielle Geste auf der Oberfläche verringert sich, verkürzt sich, sie hat nun nicht mehr die Wucht des Armes und verlässt sich auf den unerwarteten Ausbruch der Hand. Die rhythmische Geste, die den Platz auf dem Blatt gänzlich kontrolliert, wird begünstigt und die Oberfläche wird ersonnen als eine Seite, die an eine Schrift erinnert, jedoch ohne Schrift zu sein. In der Tat wird an die Geschicklichkeit der Schrift angespielt, aber nur um zu zeigen, wie sie sich verändert, sich verliert in Malerei, in Freiheit der Gesten, die in eine gewisse Kadenz eingefügt ist gemäß dem Rhythmus, den ein Werk an das andere bindet wie Teile einer ursprünglichen Integrität. Unter dem Einfluss des Lichtes zeigt die Form seiner Begebenheiten eine Geschlossenheit und gleichzeitig der Wille zur Abspaltung. Die einfarbig geneigten Grundierungen,
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allusa, ma solo per essere mostrata nel momento in cui si trasforma, perdendosi, in pittura, in libertà gestuale ordinata in una certa cadenza, secondo un ritmo che lega un’opera all’altra, come le parti di una origi-
The background and foreground are continually crossed by filaments that act as graphical solutions to the naturalistic feelings. The use of the imaginary window, opened or closed on the warp of In partenza da San Dalmazio
die ständig von einem geometrischen Druck kontrolliert sind, zeigen Flächen von Transparenz und Sonnenhelligkeit und Flächen von Fülle und mysteriösem Dunkel. Der Hintergrund und der Vordergrund werden ständig von Fasern durchzogen, wie graphische Lösungen einer naturalistischen Empfindung. Das Anwenden einer imaginären Form eines Fensters, die das Gewebe der Malerei öffnet oder schließt, erläutert die Art von Pizzichini, das Thema der Malerei „auf Distanz zu setzen“. Der Bleistift ist sein wirksamstes Mittel, mit dem er ausgelassene Zeichen auf dem Papier, die von ihm bevorzugte Unterlage, verwebt. Er hinterlässt weiche und heftige Spuren, dichte und dünne: wahrscheinliche Reflexe von übereinstimmendem Seelenzustand. Durch den Farbentzug konzentriert sich die Farbe oder sie breitet sich träge aus; schrumpft zusammen oder breitet sich aus mit Ticken und Pausen, die einer lebendigen und pulsierenden Materie eigen sind. Die Lebhaftigkeit der Materie wird ihrerseits durch die Geste des Künstlers beschleunigt, die dem Anschein nach zufällig und kindlich ist, ohne jegliches Gefallen; die durch den unvoreingenommenen Gebrauch der Hand, die ohne Schmerz malt und die eigene Geste radikalisiert, bis zum
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naria integrità. La forma dei suoi eventi presenta, sotto l’azione della luce, una compattezza e insieme una volontà di sfaldamento. Le campiture tendenzialmente monocrome, sempre controllate da una tensione geometrica, mostrano zone di trasparenza e chiarità solare e zone di densità e oscurità misteriosa. Fondo e primo piano dell’opera sono continuamente attraversati da filamenti che funzionano come le soluzioni grafiche di un sentire naturalistico. Il ricorso alla figura immaginaria di una finestra, aperta o chiusa sull’ordito del tessuto pittorico, traduce il modo che ha Pizzichini di “mettere in distanza” il soggetto della pittura. Il mezzo tecnico efficace è la grafite con cui intesse frenetici segni sulla carta, supporto privilegiato. Le tracce che vi lascia sono morbide e violente, dense e rarefatte: verosimili riflessi di omologhi stati d’animo. Il colore, nella povertà della sottrazione cromatica, si ammatassa o si dispiega pigro; si contrae e si allarga con gli stessi scatti e le stesse pause di una materia viva e pulsante. La vitalità della materia è a sua volta accelerata dal gesto dell’artista, che all’apparenza si mostra casuale, infantile, privo di piacevoli ammiccamenti; che nell’uso spregiudicato della mano che dipinge senza rimpianti e radicalizza il proprio gesto, sicuro fino al paradosso del non saper dipingere, si rende a tratti libero
the pictorial cloth, translates perfectly the way Pizzichini “puts in the distance” the subject of the painting. Graphite is the efficient technical method used to weave frantic signs on the paper. The traces left behind are soft and violent, deep and rarefied: likely reflections of the state of mind. The colour, with the chrome, comes together and lazily unfolds; it contracts and lengthens with the same bursts of energy and pauses of something alive. The vitality is increased by the gestures of the artist, who apparently appears casual, infantile and without pleasant motions, and with the use of these hands that are so secure in putting signs on the paper, that they paradoxically seem to be unable to paint, free themselves from the graphite and paint directly onto the canvas with tubes of colour. This is the ability of the quick execution, the ability to captivate pieces of images on the canvas. “The artist is he who operates gestures: who wants to produce an effect, but doesn’t really want to: he doesn’t really want the effects that he has produced, they are overturned, they have fled and are returning to provoke changes, deviations, reductions of the traces.” (R. Barthes) Working on a large scale, the pictorial cloth condenses manage-
Paradox vom nicht malen können überzeugt, stellenweise sich vom Bleistift befreit, um direkt mit den Farbtuben auf dem Papier zu wirken. Eine Geste, die auf die Schnelligkeit der Ausführung und die Kapazität, Bruchstücke von Eindrücken auf die Oberfläche festzuhalten, setzt. „Der Künstler ist nach Statut ein Gestenvorführer; er will Eindrücke schaffen und zugleich will er es nicht; die Eindrücke, die er schafft, hat er nicht unbedingt gewollt; es sind umgestürzte, umgekehrte, entkommene Eindrücke, die auf ihn zurückkommen und dann Änderungen, Abweichungen, Verminderungen des Zeichens hervorrufen“ (R. Barthes). In den Werken von großem Format verdichtet sich das malerische Gewebe durch Staffelung, vermindert und zerlegt auf die kleinste sprachliche Bedeutung eines Zeichens, das den Raum verschlingt, ihn aufzehrt durch die Verwicklung seiner Ausschweifungen, eine Geste die an Geschwindigkeit und Insistenz zuzunehmen scheint, als wollte sie die visuelle Gewissheit des Eindruckes verhindern. Hier spielt der überstürzte graphische Weg eine Rolle, dem es in seiner Dynamik gelingt, sich umzustürzen, sich in Bruchteile zu reduzieren. Alles konzentriert sich auf
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Porta dipinta, studio di architettura Cattaneo e Birindelli, Svizzera
dalla grafite per operare direttamente sulla carta con i tubetti di colore. Un gesto che gioca sulla velocità esecutiva e sulla capacità di fissare sulla superficie frammenti di immagini. «Líartista è per statuto un operatore di gesti: vuole produrre un effetto, e insieme non lo vuole; gli effetti che produce, non li ha necessariamente voluti; sono gli effetti rivoltati, rovesciati, sfuggiti che tornano su di lui e provocano allora delle modificazioni, delle deviazioni, degli alleggerimenti della traccia.» (R. Barthes) Nei lavori di grandi dimensioni il tessuto pittorico si condensa per scaglionamenti, ridotto e scomposto alle minime entità linguistiche di un segno che divora lo spazio, consumandolo con l’intreccio dei suoi eccessi, un gesto che pare assu-
ments in echelons, reduced and decomposed by a linguistical sign that devours space, a gesture that gathers speed and insistence, almost inspiring a clear visual image. The graphic path is fundamental, it turns itself upside down, reducing itself into fragments. The result that remains, exalts what has been lost. Every step can be seen: the lines, the fadings and the screenings, at times it appears that everything has been done on purpose to show the cancelling. The horizontal and vertical in some works that form a sort of pursuit, substitute in other works a complete pictorial field where the top and bottom, left and right coordinates are lost and where
die Bewegung der Hand, die mit Gleichgültigkeit den Pinselstrich ausführt, sowie auch dessen Auswischung, die wiederholte Bedeutung der Schrift, aber auch ihre Verneinung. Die Evidenz stellt so zum Schluss Reste zusammen, hebt Verluste hervor, wo das Zeichen wieder die wesentliche Form wird. Jeder Eingriff ist sichtbar: die Striche sowie die Verfärbung oder das Tropfen; es scheint, als wäre es bewusst getan, um gerade das Ausgelöschte zu zeigen. Zu den dominierenden Ausmaßen in gewissen Werken, Horizontale und Vertikale, die auf der Oberfläche durch rhythmische Skansion vorgehen, indem sie in ihrer Ganzheit eine Art von Verfolgung und räumlicher Bruch bilden, wird in anderen ein ganzes malerisches Feld ersetzt, wo die üblichen räumlichen Koordinate von hoch und tief, von rechts und links, verloren gehen; wo auch die Farbe unduldsam übertritt. Graphische Energie, die das eigene Abweichen zelebriert, das eigene Wohnen vom Raum der Verschwendung oder der Verwirrung. Es ist jedoch sonderbar, dass sich all dies ereignet hat ohne je die Zugehörigkeit an sein Land, seine Herkunft zu verneinen. Auf der einen Seite finden wir den bereits eingeschlagenen Weg zur sprachlichen Selbständigkeit, erreicht durch eine informale und kalli-
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mere velocità ed insistenza, quasi ad impedire la certezza visiva dell’immagine. Qui conta proprio il precipitoso percorso grafico, che nella sua dinamica arriva a travolgersi, a ridursi in frammenti. Tutto si concentra nell’andamento della mano che con indifferenza esibisce il tocco, ma anche la sua cancellatura, il peso ripetuto della scrittura, ma anche la sua negazione. L’evidenza finisce così per combinare dei resti, per esaltare delle perdite, dove il segno ritorna ad essere una forma prima. Ogni intervento rimane in vista: la linea, come la scoloritura o la colatura, anzi a volte pare che tutto sia costruito per far leggere proprio la cancellazione. Alle dimensioni dominanti di certe opere, l’orizzontale e la verticale, che sulla superficie procedono per scansioni ritmiche, formando nel loro insieme una sorta di inseguimento e rottura spaziale, sostituisce, in altre, un campo pittorico totale, dove si perdono le abituali coordinate spaziali dell’alto e del basso, della sinistra e della destra; dove anche il colore deborda insofferente. Energia grafica che celebra la propria devianza, il proprio abitare lo spazio della dissipazione, o del disorientamento. Curioso è tuttavia il fatto che ciò sia avvenuto senza mai rinnegare un’adesione alla sua terra, alle sue origini. Se da una parte troviamo già innescata la marcia verso una
Con il retro del Palio, 1991
even the colour goes off the border. Graphic energy that lives in dissipation or confusion. What is strange is all this is done without abandoning his roots, his origins. If, on one hand he walks towards a linguistic autonomy, on the other he maintains the embryonic figuration, often elementary that enables him to narrate a story, to evoke an event. Pizzichini doesn’t move away from this line, but intervenes using opposite means, saying that the pictorial surface is the real figurative sup-
grafische Anlage, auf der anderen erreichen wir eine embrionale, häufig elementare Darstellung, die ihm die Erzählung einer Geschichte, die fragmentarische Beschwörung eines Geschehens unterstellend ermöglicht. Pizzichini weicht nicht ab von dieser Linie, wenn nicht um mit entgegengesetzten Mitteln einzugreifen, mit der Absicht mitzuteilen, dass die malerische Oberfläche als Stütze zum eigentlichen figurativen Dazwischentreten dient, mehr zeichnend als malend. Wenn einerseits die Figur wie verschwunden erscheint, wie eine prekäre Erscheinung, ein Erscheinen stets an der Grenze des Entschwindens, das in seinem unaufhörlichen Wandern reinen Farbkörper wird, der sich auf dem Werk wie eine Gesamtheit von verteilten Spuren zurechtmacht, und verschwindet dann unter demselben Farbauftrag der sie gebildet hat -erscheinen anderseits Elemente aus dem gelebten Alltag, der für Pizzichini der Wiedergewinnung der eigenen Wurzeln gleichkommt. Dieses Wirken rund um ein „vertrautes“ Thema, um den Gedanken der Erde als Lebensstoff, wiedergegeben in der rhythmischen Skansion des Zeichens, im dunkeln Gewebe von grasbewachsener Erde oder im Gewebe eines dichten Waldes, der sich lichtet, um uns das Miterleben einer ima-
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autonomia linguistica, ottenuta attraverso un impianto informale e calligrafico, dall’altra si mantiene, e a questo si sottopone, una figurazione embrionale, spesso elementare, che gli consente la narrazione di una storia, l’evocazione frammentaria di un evento. Pizzichini non si discosta da questa linea, se non per il fatto di intervenire in modi opposti, a dire che la superficie pittorica è sostegno al reale intervento figurativo, disegnato più che dipinto. Se da un canto la figura si mostra come scomparsa, come precaria apparenza, apparizione sempre sull’orlo del dileguarsi, che nel suo incessante trasmigrare diventa puro corpo cromatico, disponendosi nell’opera come una somma di tracce sparse, e sparisce sotto quegli stessi spessori cromatici che la costituiscono; d’altro canto vi riaffiorano elementi di un vissuto quotidiano che per Pizzichini equivale al recupero di radici proprie. Questo lavorare attorno ad un motivo “familiare”, all’idea di una terra come materia di vita, restituita nella scansione ritmata del segno, nel tessuto cupo di terricci erbosi o nella trama di un fitto bosco, che si apre per permetterci di assistere ad una scena immaginata o vissuta, è chiaramente visibile in quelle opere dove Pizzichini avverte il fascino dell’evidenza degli oggetti, elementi tangibili del nostro esistere. L’universo quotidiano dei manufatti, degli og-
A Montalcino da Casanova di Neri durante la presentazione di Origo
port, drawn rather than painted. If, on one hand the figure seems to disappear, to be on the edge of escaping under the depth of chrome that it is made up of, on the other hand certain elements of everyday life representing a certain attachment to Pizzichini’s origins appear. Working around things that are “familiar”, the concept of the earth being a material of life, the earth and the thick wood that open up showing an imaginary scene are clearly visible in works where Pizzichini realises the fascination of objects, tangible elements of our existence. Everyday domestic objects, tools, instruments, work scenes become protagonists, silently and alarm-
ginären oder erlebten Szene zu ermöglichen, ist deutlich sichtbar in jenen Werken, wo Pizzichini die Verlockung der Offensichtlichkeit der Dinge wahrnimmt, fühlbare Elemente unseres Daseins. Das tägliche Universum der Dinge, der häuslichen Gegenstände, der Werkzeuge, der Geräte und der Umgebung, die eine gewisse Form von Tätigkeiten verbinden, wird so zum Hauptthema, manchmal schweigsam und bedrückend, dann fest und gut strukturiert. Es folgt eine Art Sinnesänderung, und man zieht dem Vitalismus, dem treibenden Wirbel eine suspensive Pause vor, beladen mit Erinnerungen und persönlicher Valenz. Eher geneigt einen Anhaltspunkt zu suchen,
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getti domestici, degli utensili, degli strumenti e degli ambienti legati ad una precisa forma di attività lavorativa è assunto, ora silenzioso ed inquietante, ora solido e ben strutturato, al rango di protagonista. Subentra una sorta di ripensamento, e al vitalismo, al vortice pulsionale, si preferisce la pausa sospensiva, carica di memoria e di valenze personali. Teso qui maggiormente a rilevare un referente che a liberarsene, egli accetta la contaminazione di immagini provenienti dal quotidiano. Dunque un itinerario problematico ed in evoluzione, nel quale entrano in conflitto fra loro e si corrono incontro immagini di diversa provenienza, ma intrise di una soggettività dolce e pudica. Persino il tragico quotidiano ci appare, in Pizzichini, una presenza lontana, quasi dimenticata. Si consenta ora l’uso di una formula per riassumere risultati e giovanili aspirazioni, che fanno in Pizzichini un vitale sodalizio: il “crinale del diverbio”. L’istinto si mescola alla ragione e la ragione morde, con i suoi lampi freddi, il sogno del fanciullo.
ingly, solid and well-structured. A sort of reflection becomes apparent, a pause full of memories is preferred to vitality, and the contamination of images from everyday life are well accepted. A problematical itinerary, continuously moving, gathering images from different backgrounds soaked with sweet, chaste subjectiveness. In Pizzichini’s work even the tragic everyday happenings seem distant, almost forgotten. The use of a formula to summarise the results and the inspirations that make Pizzichini a vital association must be allowed: “crinale del diverbio”. Instinctiveness mixes with reasoning and the reasoning bites, with its cold flashes, the youngster’s dream. Figline Valdarno, 1984
als sich davon zu befreien, nimmt er die Verschmelzung von Eindrücken aus dem täglichen Leben entgegen. Es handelt sich also um einen problematischen Weg, der sich entwickelt und wo Eindrücke aus verschiedener Provenienz unter sich in Konflikt geraten und sich entgegenlaufen, jedoch durchdrungen werden von einer sanften und zurückhaltenden Subjektivität. Durch Pizzichini erscheint uns sogar das tragische Tägliche als eine weit entfernte, fast vergessene Gegenwart. Es sei nun der Gebrauch einer Formel gestattet, um Resultate und jugendliche Aspirationen zusammenzufassen, die in Pizzichini eine lebenswichtige Einheit bilden: „Grat des Wortgefechtes“. Der Instinkt vermischt sich mit der Vernunft und die Vernunft geißelt mit ihren kalten Strahlen den kindlichen Traum. Figline Valdarno, 1984
(Pres. al cat. della personale Il crinale del diverbio, Studio d’Arte Il Moro, Firenze 1984)
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Andrea Cappelli
Intervista di Andrea Cappelli sulla rivista enogastronomica “Il Chianti e le terre del vino”.
La tua breve storia Devo a mio padre Bruno, decoratore murale prematuramente scomparso, l’avermi indirizzato agli studi d’arte, prima a Siena e poi a Firenze, con il sacrificio di una famiglia umile proveniente da quella terra primordiale che divide Siena dalla Maremma. Devo all’amore e alla fiducia di mia madre Ida l’aver condiviso con me ogni amarezza e soddisfazione che la professione dell’artista ci ha restituito. Devo alla tenacia e alla schiettezza dei castagni di Monticiano, la costanza del lavoro nel dar forma alle idee e alle intuizioni. Devo a tanti amici l’incoraggiamento e qualche volta l’aiuto fattivo. La tua poetica… Essendo l’arte un’attività dello spirito e del
corpo, oltre che un atto d’amore, la mia premessa serve a descrivere, inquadrare ed evidenziare le componenti della mia storia personale, che identificano sempre l’espressione artistica e che si rivelano essenziali per caratterizzare l’operare di uno anziché dell’altro. Il rapporto con il cibo… Si potrebbe azzardare a dire che anche gli ingredienti del nostro corpo ci identificano, e si esplicano nell’arte: il nostro nutrimento cioè si trasforma in noi, quasi ad affermare che “ Ognuno è ciò che mangia”. Ecco perche’ essendo il cibo cultura, in piccola parte, chimicamente, un artista norvegese è diverso da un artista siciliano, perché si nutre differentemente. Per cui, il rapporto con il cibo e con la tavola puòrivelarsi essenziale oltre che in continua evoluzione. I prodotti nostrali, selvatici, semplici e quasi sacri della terra di Siena, sono parte di me. Negli ultimi anni, però, il mio pellegrinare in Europa e perfino
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All’Osteria le Logge, Siena
in estremo Oriente, mi ha dato modo si intersecare sapori e culture differenti e con quelle confrontarsi, apprendere, stupirsi. Come con l’arte di quei posti. Tali affermazioni, infatti, potrebbero applicarsi al mio lavoro di artista… cosa che volevo dimostrare. Ti conosciamo come pittore, perché la ceramica? Perciò, parlando di ceramica, come della pittura o dei bronzi, potremo ritrovare in lei, sia certi echi di raffinata primordialità, che caratteri di spontanea eleganza di gesto, di matrice orientale. In questo, con paragone che sfiora l’assurdo, mi sento sognatore di quegli Etruschi di Poggio Civitate a Murlo, vicino a Siena, che furono il ceppo piu’ “orientale” di tutti gli Italici del tempo, nelle loro espressioni d’arte e della vita, facendo dei giochi
(le corse dei cavalli), e della buona tavola, (i banchetti), la loro ragione di vita lieta e senza guerre. L’idea di apparecchiare la tavola con l’arte… Sono onorato della possibilità di avere le installazioni permanenti dei piatti segnaposto da me realizzati, presso il ristorante “La Pineta” di Luciano Zazzeri sulla spiaggia di Marina di Bibbona e nella sala dell’Osteria “Le Logge” di Siena, di Laura e Gianni Brunelli, produttore di vino a Montalcino. E`un tentativo di abbinare ai gustosi sapori e alle composizione del piatto, un supporto artistico e un contenitore estetico. È l’idea dell’opera d’arte totale, che investe anche gli oggetti più comuni della vita, e che forse rimarrà nel cassetto delle presunzioni di cer663
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ti grandi artisti o delle grandi correnti. Ma con la caparbia convinzione e con lo stupore di fanciulli, con Mirko e con lo chef Nico Atrigna de “Le Logge”, abbiamo addirittura tentato alcune combinazioni tra l’andamento delle linee della pittura del piatto e la composizione della portata. La passione per il decoro, già rivelata nella mia tesi d’Accademia, ha trovato nella materia della ceramica, oltre che nella pittura, un terreno ideale per rinnovarsi. La realizzazione di grandi piatti da muro, piccole sculture, sfere, scatole, si è arricchita ultimamente di set di piatti per mangiare, ciotole, brocche e oggetti di utilizzo della tradizione, come pentole e pignatte. Proprio l’estate scorsa, nella mostra “In sciä töa”, che in ligure significa sulla tavola, tenutasi allo Spazio 22 di Celle Ligure, ho avuto modo di verificare l’impatto visivo del set “Carnevale”, apparecchiando in galleria un tavolo da pranzo, con i tre piatti del servizio, la caraffa e i piatti da portata. Quell’esplosione di colori, bastava a far la gioia dei commensali, anche senza le pietanze. Dove realizzi le tue ceramiche? La ceramica l’ho scoperta grazie all’incontro con la Professoressa Adelina Robotti, che mi ha introdotto nell’ambiente dei ceramisti che lavorano tra Albissola e Varazze, e che da quindici anni mi ospita durante i miei soggiorni di lavoro. In questo tempo ho avuto modo di lavorare in differenti fabbriche di ceramica e di farmi tanti amici, che mi incoraggiano e mi seguono interessati, critici primi e attenti conoscitori della materia quali sono da quelle parti. Negli ultimi anni ho trovato nella sensibilità di Pia, Andrea e Marcello Mannuzza della bottega familiare
“Il Tondo” di Celle Ligure, gli ideali interpreti delle mie intuizioni. Da li passano tanti artisti (Luzzati, Camminati, Carlè, Puente) a realizzare le loro piccole e grandi opere. Tutta la mia recente produzione esce dai forni di quel cunicolo colorato incastonato tra l’Aurelia e la spiaggia del mare. Sogni e desideri? Immaginare una tavola imbandita, enorme, che comprende nel suo arco estetico, un periodo che va dalle nature morte dei pittori fiamminghi fino al film “La grande abbuffata”, con sedute deliziose modelle, desnude, che fanno un tutt’uno con i piatti e vassoi dipinti, decorati da cibi meravigliosi e profumati d’oriente e d’occidente… e che arrivano da una immaginaria cucina che ha sulla porta scritto: “incontaminata bellezza” . Concludendo, prima di gustare questo splendido piatto appena portato e provare il Brunello, cito il titolo del mio studio: “ La vita è decorazione, il pensiero è arte, l’arte non è solo pensiero ma decorazione e vita”. In questa frase c’è tutto il desiderio dell’artista e il suo compito. Restituire spontaneamente con la sua professione quanto di più perenne ed elegante c’è nel flusso vitale del mondo: ritmo e colore.
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Andrea Cappelli
Interview by Andrea Cappelli in the food and wine magazine “Il Chianti e le terre del vino”
Your brief history… It’s thanks to my father Bruno, who used to decorate walls but died when he was still quite young, that I began studying art, first in Siena and later in Florence, with the sacrifices made by a humble family from that primitive land that divides Siena from the Maremma district. Thanks to the love and faith of my mother Ida, who has shared every disappointment and success that the artistic profession has reserved for me. It’s thanks to the tenacity and clarity of the chestnut trees of Monticiano, that I have worked with such constancy in conveying shape to ideas and intuitions. Thanks to my many friends for their encouragement and sometimes even for
their practical help. Your poetics. As art is an activity of the body and soul, as well as being an act of love, my introduction describes, frames and highlights the components of my personal story, which always identify artistic expression and turn out to be essential to characterise one form of work as opposed to the other. The relationship with food… One could say that the “ingredients” of our body identify us too and are expressed through art: meaning that our nourishment becomes us, almost as though “We are what we eat”. This is why, food being related to culture, a Norwegian artist is slightly different, chemically, to a Sicilian artist, because his nourishment is different. Consequently, the relationship with food and the table can be essential, as well as undergoing constant 665
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development. Our own, wild, simple and almost sacred products of the land of Siena are part of me. Over the years, however, my pilgrimage throughout Europe and even to the Far East, has given me the opportunity to intersect different flavours and cultures, comparing them, learning and being surprised. Just like the art of those places. The very same claims could be applied to my work as an artist…which is exactly what I wanted to demonstrate. We know you as a painter… why ceramics? For the same reason. Talking about ceramics, just like painting or bronzes, we could find certain echoes of refined primitiveness, as well as spontaneously elegant gestures, of oriental inspiration. In this sense, making a comparison which verges on the absurd, I feel like a dreamer of those Etruscans from Poggio Civitate a Murlo, near Siena, who were the most “oriental” branch of the Italic peoples of the time, in their artistic and liferelated expressions, making games (horse racing) and good food (banquets) their reason for an uncomplicated life free from war. The idea of setting the table with art… I’m honoured to have the chance to have the permanent installations of the place settings I have created, at Luciano Zazzeri’s “La Pineta” restaurant on the beach at Marina di Bibbona and in the dining room of “Le Logge” in Siena, owned by Laura and Gianni Brunelli, winemakers from Montalcino. This is an attempt to match up delicious flavours with the composition of the dish, an artistic support and an aesthetic container. It is the idea of the complete work of art, which touches even the most ordinary items that
characterise our daily lives and will perhaps remain shut away among the presumptions of certain great artists or important currents. But with the firm conviction and amazement of children, with Mirko and with the chef Nico Atrigna from “Le Logge”, we even tried to combine the progress of the lines painted on the plate and the arrangement of the food. The passion for decoration, revealed in my Art College thesis, has found fertile ground for renewal in ceramics, as well as painting. The production of large wall plates, small sculptures, spheres and boxes has recently been enriched by services of plates, bowls, pitchers and traditionally used items like pots and pans. Last summer, in the exhibition entitled “In sciä töa”, which in Ligurian dialect means on the table, held at Spazio 22 in Celle Ligure, I was able to verify the visual impact of the “Carnevale” service, setting a lunch table in the gallery, with settings of three plates, the carafe and the serving dishes. That explosion of colours alone delighted the diners, even without the food. Where do you make your ceramics? I discovered ceramics thanks to the meeting with Professor Adelina Robotti, who introduced me into the circle of ceramic artists who work between Albissola and Varazze, and who has hosted me during my trips there for work during the past fifteen years. In this arc of time I have been able to work in different ceramic workshops and make lots of friends, who encourage me and observe my work with interest, critics and attentive experts on the matter, as the locals are. In recent years I have discovered, in the sensitiv-
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Interpretazione di un piatto dello chef Nico Atrigna
ity of Pia, Andrea and Marcello Mannuzza from the family workshop in Celle Ligure, “Il Tondo”, the ideal interpreters of my intuitions. Numerous artists spend time there (Luzzati, Camminati, Carlè, Puente) creating their works, both large and small. All my recent production has come out of the kilns of that colourful tunnel set between the Aurelia road and the beach. Dreams and desires? Imagine a huge, beautifully set table with an aesthetic arc stretching from the still life paintings of the Flemish painters to the Italian film “La grande abbuffata” (The great feast), with gorgeous models seated naked around it, merging perfectly with the paint-
ed trays and plates, decorated with wonderful, deliciously scented food from East and West… which arrive from an imaginary kitchen, the door of which bears the words: “unspoilt beauty”. In conclusion, before tasting that splendid dish just brought to the table and trying the Brunello, I would like to quote the title of my study: “Life is decoration, thought is art, art is not only thought but also decoration and life”. This sentence contains all the desire and accomplishment of the artist. Spontaneously restoring with his profession the elements that best represent the durability and elegance of life in the world: rhythm and colour. 667
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Andrea Cappelli
Interview von Andrea Cappelli in der Gastro-Zeitschrift “Il Chianti e le terre del vino”
Ganz kurz deine Geschichte……. Mein Vater Bruno, der als Wandmaler arbeitete und leider viel zu früh verstarb, führte mich an das Studium der Kunst heran; erst in Siena und dann in Florenz. Unsere Familie stammt aus dieser urtümlichen Region zwischen Siena und der Maremma und musste viele Opfer bringen. Der Liebe und dem Vertrauen meiner Mutter Ida bin ich dankbar dafür, dass sie mit mir die Bitterkeit und die Zufriedenheit, die der Künstlerberuf mit sich bringt, geteilt hat. Von den Kastanienbäumen in Monticiano habe ich mir die Konstanz bei der Arbeit und die Umsetzung von Ideen und Intuitionen abgeguckt. Und vielen Freunden bin ich dankbar für ihre
Ermutigungen und für manche tatkräftige Hilfe. Deine Poetik… Die Kunst involviert Geist und Körper und ist ein Akt der Liebe. Diese Voraussetzung hilft mir dabei, die Bauteile meiner eigenen Geschichte zu beschreiben und zu fixieren; sie identifizieren stets den künstlerischen Eindruck und sind von grundlegender Bedeutung, um das Tun des einen vom Tun des anderen zu unterscheiden. Die Beziehung zum Essen… Man könnte sich erdreisten und sagen, dass auch die Zutaten unseres Körpers uns identifizieren und sich in der Kunst erklären: Unsere Speise verwandelt sich in uns und bestätigt gleichsam, dass “jeder ist, was er isst”. Denn da Essen Kultur ist, unterscheidet sich ein norwegischer Künstler – in geringem Maße und auf chemische Art und Weise –
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Con Gianni Brunelli all’Osteria le Logge, Siena
von einem sizilianischen Künstler, da er sich anders ernährt. Das heißt, die Beziehung zur Speise und zum Essen als Akt kann wesentlich sein – und ist außerdem in stetiger Entwicklung befindlich. Die echten, wilden, einfachen, fast sakralen Erzeugnisse der Region Siena sind ein Teil von mir. In den vergangenen Jahren hatte ich auf meinen Reisen durch Europa und den Fernen Osten die Möglichkeit unterschiedliche Speisen und Kulturen kennenzulernen und diese miteinander zu vergleichen, zu erlernen und mich
von ihnen überraschen zu lassen. Ebenso wie dies mit der Kunst jener Orte geschah. Diese Aussagen könnten auch für meine Arbeit als Künstler gelten.... wie ich beweisen wollte. Wir kennen dich als Maler, warum jetzt Keramik? Wenn wir über Keramik so sprechen würden wie über Malerei oder Skulptur, könnten wir in ihr sowohl klare Anklänge ausgefeilter Ursprünglichkeit als auch Kennzeichen spontaner, gestischer Eleganz orientalischen Musters wiederfinden. In diesem Vergleich, der das Absurde streift, träume ich von jenen 669
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Etruskern von Poggio Civitate in Murlo, in der Nähe von Siena. Sie waren der “östlichste” Stamm aller damaligen italischen Volksstämme, in ihrem Ausdruck von Kunst und Leben – im Spiel (Pferderennen), bei Tisch (Festmähler), in ihrem fröhlichen und friedlichen Lebenssinn.
All’uccisione del maiale a Pacina, 2008
Der Gedanke, den Tisch mit Kunst zu decken... Ich fühle mich sehr geehrt, dass mir die Möglichkeit gegeben wurde zu den permanenten Installationen der von mir geschaffenen Teller in Luciano Zazzeris Restaurant “La Pineta” am Strand von Marina di Bibbona und im Saal der Osteria “Le Logge” in Siena von Laura und Gianni Brunelli, die als Winzer in Montalcino tätig sind. Dies ist ein Versuch, wunderbaren Köstlichkeiten und Kompositionen auf dem Teller eine künstlerische und ästhetische Unterstützung zur Seite zu stellen. Die Idee eines Gesamtkunstwerks, das die gewöhnlichsten Gegenstände des täglichen Lebens mit einbezieht und in der Schublade der Vorurteile gewisser großer Künstler oder wichtiger Strömungen verbleiben wird. Doch mit hartnäckiger Überzeugung und der Naivität von Knaben haben Mirko, der Küchenchef des “Le Logge”, Nico Atrigna, und ich sogar einige Kombinationen zwischen dem Linienverlauf der Malerei auf dem Teller und der Komposition der Speise versucht. Die Leidenschaft für das Dekor, die ich schon in meiner Abschlussarbeit an der Akademie offenbart habe, fand nicht nur in der Malerei, sondern auch im Material Keramik einen idealen Boden, um sich zu erneuern. Die Kreation großer Wandteller, kleiner Skulpturen, Kugeln, Schachteln
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wird erweitert um ein traditionelles Tellerset, Schalen, Krüge und Gebrauchsgegenstände, wie Töpfe, unter anderem aus Terrakotta. Im vergangenen Sommer konnte ich in der Ausstellung“In sciä töa”, was in ligurischem Dialekt so viel heißt wie bei Tisch, im Spazio 22 in Celle Ligure sehen, welchen Eindruck das Set “Carnevale” auf die Besucher machte. In der Galerie war ein Tisch gedeckt mit drei Tellern, einer Karaffe und den Serviertellern. Eine Explosion von Farben, die den Tischgenossen auch ohne Speisen Freude machte. Wo entstehen deine Keramiken? Entdeckt habe ich die Kunst der Keramik dank der Begegnung mit Frau Professor Adelina Robotti. Sie machte mich bekannt mit den Keramikermeistern in der Gegend von Albissola und Varazze. Seit fünfzehn Jahren arbeite ich dort, während meiner Arbeitsaufenthalte. In dieser Zeit habe ich in verschiedenen Keramikfabriken tätig werden können und viele Freunde gewonnen, die mich ermutigen und meine Arbeit mit Interesse, konstruktiver Kritik und als aufmerksame Kenner der Materie begleiten. In den vergangenen Jahren fand ich in Pia, Andrea und Marcello Mannuzza des Familienunternehmens “Il Tondo” in Celle Ligure die idealen Interpreten meiner Ideen. Hier realisieren zahlreiche Künstler (Luzzati, Camminati, Carlè, Puente) ihre kleinen und großen Werke. Meine jüngste Produktion stammt aus den Öfen in diesem zwischen der Staatsstraße und dem Strand eingefassten Winkel.
große Fressen” reicht, mit wunderbaren, entkleideten, sitzenden Modellen, die mit den Tellern und Schalen, wunderbaren, orientalischen Speisen ein großes Ganzes bilden … welche aus einer imaginären Küche gebracht werden, auf deren Tür geschrieben steht: “unbefleckte Schönheit”. Bevor wir jetzt dieses wunderbare Gericht genießen und den Brunello verkosten, möchte ich noch an den Titel meines Studiums erinnern: “Das Leben ist Dekoration, der Gedanke Kunst, die Kunst ist nicht nur Gedanke, sondern Dekoration und Leben”. In diesem Satz liegt der Wunsch des Künstlers und seiner Aufgabe. Die spontane Wiedererschaffung des Ewigen und Eleganten im Flusse des Lebens durch Rhythmus und Farbe.
Träume und Wünsche? Die Vorstellung einer riesigen, gedeckten Tafel, in deren Ästhetik eine Epoche erkennbar ist, die von den Stillleben flämischer Maler bis zum Film “Das 671
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Carlo pizzichini | EXHIBICTIONS| AND | WORKS Collettive, premi, partecipazioni personali, commissioni, interventi 1982 collettive premi partecipazioni • Premio Lubiam per giovani artisti, Sabbioneta • Giovani presenze artistiche in Toscana, Forte dei Marmi. 1983 collettive premi partecipazioni • I Rassegna nazionale delle Accademie statali di Belle Arti, ExpoArte, Bari
Con Adriano del Vilca cristallerie, 2009
• Creatività, nuovi artisti in galleria, Galleria Aglaia, Firenze. 1984 personali commissioni interventi • Il crinale del Diverbio, Studio d’Arte Il Moro, Firenze. collettive premi partecipazioni • Grancia d’Argento, Rapolano Terme, Siena • In principio, Comune di Scandicci, Firenze. 1985 collettive premi partecipazioni • Premio della rivista “Arte” Mondadori
• Galleria Rizzardi, Milano • Galleria Parametro, Roma • Premio speciale Scuola di Pittura, ExpoArte, Bari • Una nuovissima generazione nell’arte italiana, Fortezza Medicea, Siena • Laboratorio Giovani Artisti, Palagio di Parte Guelfa, Firenze. 1986 personali commissioni interventi • La decollazione di San Giovanni Battista, dipinto per la Pieve di Luriano, Siena. collettive premi partecipazioni • Il passo dell’acrobata, Galleria Arco di Rab, Roma • Mito Magia, incontro di giovani artisti, Alatri, Frosinone • Giovani artisti italiani ad Atene, Atene • V Biennale d’Arte Sacra, Palazzo Pubblico, Siena • Attribuzione del premio “Arcobaleno”, Siena. 1987 personali commissioni interventi • Alchemico e profumi, due dipinti per la farmacia Dinetti-Borsini, Monticiano, Siena • La creazione degli uccelli, dipinto per una collezione privata, Siena • Murale interno per l’agenzia di Siena della Banca Popolare dell’Etruria. collettive premi partecipazioni
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• Dentro, oltre le stagioni, incontro giovani artisti, Falvaterra, Frosinone • Percezioni di memoria, Galleria Passepartout, Siena • Entro dipinta gabbia, Palazzo Lanfranchi, Pisa • Laboratorio di pittura, Galleria Comunale d’Arte Moderna, Forte dei Marmi. 1988 personali commissioni interventi • Consolatrix Afflittorum, dipinto per la cappella dell’Ospedale “Sclavo” di Siena. collettive premi partecipazioni • Otto artisti con la neve, Argentera, Cuneo • ExpoArte, Bari, stand Galleria Alessandro Bagnai di Siena e Galleria Atelier • InterArte, Fiera Internacional de Arte Moderno y Contemporaneo, Valencia • Per Edmonde Jabes, Santa Maria a Cerrate, Lecce • Il Cantico delle Creature, cinquanta libretti con disegni originali realizzati in occasione della prima esecuzione assoluta del maestro F. Galli. 1989 personali commissioni interventi • Circolo degli Artisti, Albissola Marina, Savona
Ad Albissola Marina, 1989
• Tre dipinti per la nuova agenzia del Monte dei Paschi di Siena a Pisa • Galleria Guido Carbone, Torino • Scene e costumi per Dialogo nella Palude di Margherite Yourcernar, regia di Giuliano Lenzi, Piccolo Teatro di Siena • Del soave fantolino, Galleria Francesco Colazzo, Galatone, Lecce. collettive premi partecipazioni • Rassegna nazionale ex-allievi Accademia delle Belle Arti, ExpoArte, Bari. 1990 personali commissioni interventi Con lo scultore Andrea Fagioli,
stemma in terracotta, bronzo e alabastro Comune di San Gimignano, Siena. collettive premi partecipazioni • Savona 90, Circolo degli Artisti, Albissola Marina, Savona • La fabbrica del vapore, Flash Art, Milano • Anemos: l’ispirazione e il vento, Castello di Copertino, Lecce. 1991 personali commissioni interventi • Pannello decorativo per la nuova agenzia del Monte dei Paschi di Siena a Firenze • “Drappellone” del Palio del 2
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Allo studio di San Dalmazio
luglio commissionato dal Comune di Siena e dedicato ai 750 anni di fondazione dell’Università di Siena • Acheropita o della transumanza del colore, Galleria Aminta, Siena • Extravaganti. Opere 1982-1991, Galerie Theater am Kirchplatz, Schaan, Furstentum Liechtenstein • Murale d’ingresso nuova filiale del Monte dei Paschi di Siena a Francoforte sul Meno. 1992 personali commissioni interventi • Borsa di studio del Ministero Affari Esteri per l’Accademia di Belle Arti di Cracovia • Siena-Cracovia. Viaggio in Polonia di un pittore italiano, Spazio d’Arte, Serre di Rapolano, Siena • New York, New York per troppe cose ti affatichi, Galleria Colazzo, Galatone, Lecce • Allestimento permanente di dipinti preso la Banca Monte dei Paschi di Siena a Lugano. collettive premi partecipazioni
• La luna e l’inconscio, Lecce, Siena e Milano. 1993 personali commissioni interventi • Galleria Meier Arth • Galleria Seiler, Zurigo • Carlo Pizzichini. Ivan Lugimbuhl, Kulturhalle, Hatzingen • Carlo Pizzichini. Itinerari di pittura 1981-1993, Parlamento Europeo, Strasburgo • Wok Showroom Bulthaup, Schann, Liechtenstein • Carlo Pizzichini. Itinerari di pittura 1981-1993, Galleria Aminta, Siena. collettive premi partecipazioni • ExpoArte, Brescia, stand Galleria Aminta di Siena • La bottega di Arzo, Canton Ticino. 1994 personali commissioni interventi • Borsa di studio offerta dal Governo egiziano della quale non ha potuto usufruire per impegni di lavoro • Murale d’ingresso banca Monte dei
Paschi di Siena a Verona • Pannello scorrevole sede centrale di Arezzo della Banca Popolare dell’Etruria • Pietra tombale e un dipinto per la famiglia Fontanelli, San Lorenzo a Merse, Siena • Carlo Pizzichini in Artlindenhof, Baar • Grande pannello dipinto per la camera della famiglia Bacilieri, Balerna, Canton Ticino • Murale e Via Crucis cappella e chiesa del Corpus Domini, San Miniato alle Scotte, Siena • Tiene un corso di pittura sul grande formato, Atelier in Arth am See • Murale in casa Rheinberger, Triesen, Liechtenstein. collettive premi partecipazioni • Vincitore del concorso a invito Percezione artistica e catastrofi naturali, Centro Warredoc, Perugia • ArteFiera, Bologna • ExpoArte, Bari • Galleria Palladio, Lugano • Lo spazio evocato, l’oggetto imprevisto, Morolo • Trobada de joves artistes, Besalù, Catalogna. 1995 personali commissioni interventi • Immagine pubblicitaria coordinata per il Cinquantesimo di fondazione della ditta Metaltex, Genestrerio, Canton Ticino • Pannello dipinto in casa Vanini, Obino, Canton Ticino • Tempi memorabili, Galleria Francesco Colazzo, Galatone, Lecce • Galleria Meier Arth am See • Tiene un corso di collage e pittura, Atelier in Arth am See • Grandi dipinti e piccoli oggetti, Shopping Centre, Lugano sud.
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collettive premi partecipazioni • ArteFiera, Bologna • Eberhart, asta, Zollikon, Zurigo • Grosse Kunst zu kleine preise, Galleria Andersen, Zurigo. 1996 personali commissioni interventi • Seiten aus dem Tagebuch, Galleria Commercio, Zurigo • Galleria Acquatinta, Lenzburg • Soggiorno a Sofia, Bulgaria, borsa di studio del Ministero Affari Esteri • Serie di dipinti ed Edizione di grafiche per la ditta Butti, Pfaffikin • Tiene un corso di analisi e sintesi della forma, Atelier in Arth am See • Apri la porta, atelier aperto in Kusnacht, Zurigo. 1997 personali commissioni interventi • Due ritratti per la famiglia Rolla, Siena • Pannello decorativo in casa Vanzetta, Novazzano • Tiene un corso di pittura, Atelier in Arth am See • Carlo Pizzichini à la Carafe, La Carafe, Zurigo • Carlo Pizzichini. Kurt Laurenz Metzler, Galleria Tan, Zurigo • Selezione di dipinti, Am Casino Stadt, Zug • Kleine visionen aus einem imaginaren weg nach Iran, Travel & Trade, Zurigo.
• Galerie Meier Arth am See • Tiene un corso di pittura, Atelier di Arth am See • Carlo Pizzichini. Peintures, Fondation Suisse, Pavillon Le Corbusier, Parigi • Bilden und Objekte, Hyposwiss Bank, Zurigo • Borsa di studio e di ricerca del Ministero degli Affari Esteri per l’Ungheria • Ritratto di Lilion Vernon, New York • Grafica per la Monte Paschi Banque, Parigi • Tre grandi dipinti sala del Consiglio di Amministrazione della Banca Monte dei Paschi di Siena • Kleine Visionen aus einem imaginären Weg nach Iran, Dübendorf, Svizzera. collettive premi partecipazioni • Artisti in luce, Fiera di Levante, Bari • EuropeArt, Ginevra • Skulturweg, realizzazione di una scultura in acciaio, Glodau • Ceramiche 98, Savona • Das kleine format in malerei und plastik, villa Meier-Severini,
Zollikon, Svizzera • Viaggio nel contemporaneo, Comune di Feretino. 1999 personali commissioni interventi Martin Luther-Kirche, Brema • Centro di Lingua e Cultura Italiana, Parigi • Tiene un corso di pittura, Accademia, Atelier Arth am See • Galleria Acquatinta, Lenzburg • L’albero come dimora, Dipinto murale casa privata, Sovicille, Siena. collettive premi partecipazioni Art consulting V. Fedjushen, Artmesse, Innsbruck. 2000 personali commissioni interventi Borsa di studio e di ricerca del Ministero per gli Affari Esteri per la Danimarca, della quale non ha potuto usufruire per impegni di lavoro • Tiene un corso di pittura, Atelier di Arth am See • Toskana Bildendekunst Kunstbilde,
Durante la realizzazione del Palio, 1991
collettive premi partecipazioni • Ceramiche 97, Savona • L’altro design, Zurigo • Das kleine format in malerei und plastik, villa Meier-Severini, Zurigo. 1998 personali commissioni interventi
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Politecnico Federale, Zurigo • Galleria Cast Iron, New York • Galleria Peng, Philadelphia • Ritratto di famiglia, Austria • Numerose decorazioni per una serie di piatti in ceramica • Due pannelli dipinti e un tappeto, MPS, Hong Kong • Hotel Excelsior, Arosa • Edizione di grafiche per la ditta Schwegler, Zurigo. collettive premi partecipazioni • Galleria Jill George, Londra • Il mondo che verrà, Genova e Savona • Firenze-Siena. Incontri ravvicinati, Fondazione Vacchi, Castello di Grotti, Siena • Concorso a invito per la decorazione interna dell’Ospedale Psichiatrico di Ginevra • World Festival on Paper, Kranj, Slovenia • Gli artisti di Erba d’Arno, Fucecchio, Firenze • Artisti alla stella, Museo Trucco, Albissola Marina, Savona. 2001 personali commissioni interventi • Tiene un corso di pittura informale, Atelier Arth am See • Galleria Meier, Arth am See • In collaborazione con Bellucci Design, Marchio SienaBiotech • Vincitore del concorso a invito Pittori al Festival, Festival internazionale del Cinema, Locarno • Fragmente, Galleria KunstTreppe, Winterthur • Fontana per il parco pubblico Roberto Ciulli, Monticiano, Siena. collettive premi partecipazioni • Viaggi 2001, ceramica, Genova, Celle Ligure, Vado, Alassio, Savona • Das kleine format, Galleria KunstTreppe, Winterthur.
Con Leonardo Messana, Mauro Valenti e Luigina Tavanti, cortile di Banca Etruria, Arezzo 2009
2002 personali commissioni interventi • Ritorno a Siena, Galleria Artrium Stäfa, Svizzera • Transiti: tra giorni e memorie, Atelier 11, Triesen, Liechtestein • Carlo Pizzichini. Thomas Blumer, Galleria Pesko, Lenzerheide, Svizzera • Copertina e disegni per il libro Monticiano. Un paese e il suo Beato, Monticiano, Siena • Due borse di studio del Ministero per gli Affari Esteri in Slovacchia e in Polonia. collettive premi partecipazioni • La mia città, Fortezza del Priamar, Savona • Omaggio ad Antonio Prete, Castello di Copertino, Lecce • Uberblick..., Raum für Kunst, Altstätten, Svizzera • Seconda stazione della Via Crucis per Sant’Abbondio sul Lago Maggiore, Svizzera • Dipinti in esposizione presso la Galleria Leupi, Ascona • Das Klein Format, villa Meier-
Severini, Zollikon • Annual art, dodici grafiche di artisti svizzeri per il nuovo calendario della Galleria Traffic, Zurigo • Clinica Fondazione Varini, Locarno. 2003 personali commissioni interventi • Galleria La Casa, Vaglio, Lugano • Installazione permanente di dipinti per la Banca Monte dei Paschi di Siena, Il Cairo • Galleria Rynek, Olsztyn, Polonia • Cartella con grafica per l’Accademia Italiana della Cucina • Tiene un corso monografico, Atelier Arth am See • Galerie am Platz, Eglisau • Cinque collage per il libro fotografico La donna nel mondo di Egidio Todeschini, introduzione di Dacia Maraini • Die Kunst des Reisen, Hoss Reisen, Zurigo • Galleria Art4art, Küsnacht, Zurigo • Sette grandi dipinti presso la Eingangeshalle del Goldbach Center di Küsnacht, Zurigo
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• Cartella con serigrafia per la ditta IGP, Wil. collettive premi partecipazioni • Torano giorno e notte, installazione in marmo e ferro, Torano, Carrara. 2004 personali commissioni interventi Interventi pittorici nuova sede della Società Castelsenio, Siena • Corso di pittura Atelier Meier, Arth am See • Prima Visione, sala espositiva Arenberg, Galerie de la Reine, Bruxelles • Installazione Goldbachcenter, Küsnacht • Dipinti per Bellevue Bank, Küsnacht • Serie di dipinti ufficio di rappresentanza della Banca Monte dei Paschi di Siena, Shanghai • Galleria Meier, Arth am See • Cartella di Grafica per la Ditta IGP, Will • Due litografie per Lichtdruck, Dieslikon • Installazione temporanea di dipinti presso Sinitus, Küsnacht.
• Galleria Nove Colonne, Milano • Finalista progetto di Andachsraum, Embrach • Art Bratislava • La deriva delle cose, in quattro gallerie, Albissola Marina • Bocca di Bacco, Berlin • Erfindungen, Oslipp, Austria • Cartella di Grafica per IGP, Will. collettive premi partecipazioni • Werkhalle Stump, Meilen • Arte e Cospirazione, Kunsthaus Granchen • Kunstliest, Meilen • Teddy Sommer, Zurigo • Per la musica, Castelluccio di Pienza • Artisti insieme, Celle Ligure • Asta German, Zurigo • Frankfurter Westend Galerie, Francoforte sul Meno. 2006 personali commissioni interventi • ArtMesse Innsbruck, Galerie 22 A • La deriva delle cose e altre invenzioni, Studio Espositivo, Como
• Corso di pittura Informale, Arth am See • Offside, in occasione dei Campionati del Mondo di Calcio, sala del Monte dei Paschi di Siena, Frankurt am Main • Werbeagenten, Baden bei Wien • In sciä töa, ceramiche, Celle Ligure • Fontana in marmo e bronzo parco aziendale Metaltex, Maslianico • Club Conti, Milano. collettive premi partecipazioni • Galerie am Berg, BioHotel Grafenast, Schwaz • Arte e cospirazione, Galleria Comunale Arte Moderna, Spoleto • Kunstauktion, Liechtensteinschen Kunstmuseun • Sfoglie d’autore, ceramiche,Vado Ligure, Celle, Albissola Marina • III Triennale internazionale di Scultura all’aperto, Bad Ragaz e Vaduz • Sedie, Kempten • Per la musica, Castelluccio di Pienza • Artisti per l’Unicef, Marina di
collettive premi partecipazioni • Carlo Pizzichini malerei. Willy Wimpfheimer skulpturen, galleria Rauscharts, Sant Gallen • Asta Anlaids, Roma • Work in standby, studi di Via Lavizzari, Lugano • Carlo Pizzichini malerei. Sibylle Pasche skulpturen, galleria Acquatinta, Lenzburg • German, asta, Zurigo. 2005 personali commissioni interventi • Frankfurter Westend Galerie, Francoforte sul Meno • Tactus, Studio d’Ars, Milano
In posa nel dipingere
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Pietrasanta • XXVII Triennale Internazionale di Grafica, Grenchen. 2007 personali commissioni interventi • Realizzazione e promozione del nuovo decoro per le fodere per assi da stiro della ditta Metaltex • Galerie Meier, Arth am See • Nuovi decori per termos, ditta Metaltex • L’artista e alcune opere fanno da testimonial per DZ Bank, Frankfurt am Main • Goldbachcenter, Küsnacht, Zurigo • Transiti e metamorfosi del segno. Dipinti bronzi ceramiche sculture, Fondazione Vacchi, Castello di Grotti, Siena, • Leinhard & Partner Bank, Zurigo collettive premi partecipazioni • Artist Sitart, Kitzbühel, Austria • Galerie Le Sud, Zürich • Kunst Messe, galerie 22A, Innsbruck • Composizioni 2007, ceramica, Genova, Palazzo Ducale; Celle Ligure, Ceramiche Il Tondo; Vado, Museo Martini
• Premio Laggioni, ceramica, Albissola Marina • Solo Ceramica, Galleria del Cavallo, Savona • Germann, casa d’aste, Zurigo • Sconfinamenti omaggio a Piero Dorazio, palazzo del Vignola, Todi • Terra del fuoco VI esposizione internazionale di ceramica, Avigliana 2008 personali commissioni interventi • Realizzazione di un grande pannello scorrevole, casa privata, San Gallo, Svizzera • Geometrie cromatiche della terra, Palazzo Piccolomini, Pienza • Realizzazione dell’intervento pittorico al Plesso scolastico “Dina Ferri”, Chiusdino • La camera picta, BancaEtruria, Arezzo • “E infine tutto vola”, galleria La Casa, Vaglio-Lugano collettive premi partecipazioni • Ceramica in Celle, Celle Ligure • XXII Collettiva d’arte ceramica, Palazzo Ducale, Genova • XXII Collettiva d’arte ceramica, Lo studio di Zurigo
Bottega “Il Tondo”, Celle Ligure • Schwerelos, SeeBad Utoquai, Zurigo, Svizzera • Collettiva in Wiesenstrasse, Art Community, Zurigo • Festival della ceramica, Albissola • Priamar d’autore, Fortezza del Priamar, Savona • Premio “Sorolla”, Valencia • “Terra altra”, Castellamonte • “Arteperarteflash 08”, Giubiasco, Svizzera • “Kunstnacht”, Trendline, Nueägeri, Svizzera 2009 personali commissioni interventi • Realizzazione di un pannello dipinto e una installazione piramidale per l’Ufficio della filiale della Banca Monte dei Paschi di Siena al Cairo (Egitto). • Realizzazione della Bottiglia Premio “Gemme di Sorbaiano”, presentazione al Vinitaly 09 • Tenuto un Corso di Pittura Aniconica, Atelier K10, Lugano • Organizza e cura le mostre di Ceramica Contemporanea “Omaggio a Carlos Carlè” e “Immaginando conchiglie”, Siena • copertine di libri, edizioni Cantagalli • organizza e cura “Belle Arti”, esposizione di una selezione di propri studenti dell’Accademia di Belle Arti di Carrara, Albissola Marina • Realizzazione del Minimasgalano, Siena • Tenuto un Corso di Pittura Aniconica, Casole d’Elsa • Invito a Palazzo, BancaEtruria, Arezzo • Realizzazione delle immagini per il calendario 2010 di BancaEtruria, Arezzo • Realizzazione di una cartella con serigrafia a due colori per
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Presentazione del Palio di Siena,1991
BancaEtruria • Galerie Aquatinta, Lenzburg • Goldbachcenter, Küsnacht, Zurich collettive premi partecipazioni • Omaggio al Futurismo Galleria del Cavallo, Savona • Festival della ceramica, Vasi e Brocche Futuriste, Albissola Marina • “Una raccolta d’arte contemporanea”, Todi • Incastri d’autore, Palazzo Ducale, Genova, Celle Ligure • Piccolo Formato, Circolo degli Artisti, Albissola • Futurismo a Sassello • Skulptura , Glarus, Svizzera • Openart Installazione di sculture in bronzo a Giubiasco, Svizzera • Polvere di Stelle, Stella San Giovanni, Savona • Millenovecentonove, 32 artisti in mostra, Celle Ligure • “Sagenhaft”, BadUtoquai, Zurigo • Arteperarteflash09, Giubiasco, Canton Ticino • JF Gallery, Zurich • “Variazioni sul rosso”, MXM arte
contemporanea, Pietrasanta 2010 personali commissioni interventi Frankfurter Westend Galerie, Francoforte sul Meno • Ritratto di famiglia in un esterno, Basilea • Organizza e cura “Premio Antica Arte dei Vasai” ad Alessio Tasca e Lee Babel • Galleria Biale Cerruti, Siena • Corso di Pittura a Zurigo • Installazione e intervento a terra, diretto dall’Arch. Carlo Nepi, per Sienambiente, al Termovalorizzatore di Poggibonsi collettive premi partecipazioni • “Antropocentrica” fondazione Dars, Torino • “Ceramiche in Celle”, Celle Ligure • “Prima pagina”, Genova Palazzo Ducale, Ceramiche Il Tondo, Celle Ligure • “Cavalli di terra ...terra di cavalli”, Contrada del Nicchio, Siena • “Itinerari di carta”, Galleria Biale Cerruti, Siena
• “Kunstaustausch” JF Galerie, Zürich • Gambaronio Arte, Vira Gambaronio • “Design meets Art”, ZinggLamprecht, Zürich
Oltre che in numerose collezioni private, opere di Carlo Pizzichini si trovano nelle collezioni: Banca Popolare dell’Etruria (Siena e Arezzo) • Verwaltung und Privat-Bank, Vaduz • Comune di Rapolano Terme • Comune di Amaseno • Comune di Morolo • Comune di Falvaterra • Ayuntamiento di Besalù • Ayuntamiento di Santa Coloma de Farners • Museo della Contrada del Drago • Museo della Contrada della Tartuca • Università di Savona • Parlamento Europeo, Strasburgo • Staatliche Kunstsammlung, Liechtenstein • Pinacoteca Comunale, Alatri. Del lavoro di Carlo Pizzichini si sono interessati, tra gli altri: Giorgio Agnisola, Rolando Bellini, Stefano Benedetti, Alois Buchel, Giuliano Catoni, Carolin Christov Bakargiev, Enrico Crispolti, Andrea B. Del Guercio, Elisabetta Ermini, Victor Fedjuschin, Luigi Fioretta, Andrea Fischbacher, Micol Forti, Maria Luisa Frisa, Nanni Guiso, Martin Kraft, Andrè Kofmehl, Wlodzimier Kunz, Lorenzo Mango, Helmut Meier, Nicola Micieli, Marco Muzzi, Carlo Nepi, Zita Pepi, Antonio Prete, Giuseppe Rizzo. Beatrice Rolli Zinsstag, Pier Carlo Santini, Ruggero Savinio, Giandomenico Semeraro, Giuliano Serafini, Marco Schaffer, Silvana Sinisi, Massimo Trogu, Igniacy Trybosky, Adam Ziemianin, Mauro Baracco, Riccardo Zelatore
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Gli anni della scuola | 1972/1981
Carlo Pizzichini frequenta le scuole elementari a Monticiano , dimostrando fin da subito la predisposizione al disegno incoraggiato dall’esempio del padre. Per la Prima Comunione riceverà in dono un cavalletto e una scatola di colori a tempera, che userà negli esercizi pittorici sotto l’attento occhio del babbo che pochi anni dopo farà il sacrificio della coraggiosa scelta di iscriverlo a Siena alla Scuola Media Annessa all’Istituto Statale d’Arte, dove Carlo affinerà le tecniche grafiche e cromatiche sotto gli stessi professori che lo seguiranno per altri cinque anni
Carlo Pizzichini attended the elementary school of Monticiano, immediately showing an evident talent for drawing, encouraged by his father’s example. For his First Holy Communion he was given an easel and a box of poster paints, which he used, in his pictorial exercises, under the watchful eye of his father who, just a few years later, made the courageous decision, involving considerable sacrifice, to send him to the Junior High School in Siena annexed to the Istituto Statale d’Arte, where Carlo refined graphic and chromatic techniques with the same teachers who also accompanied him during his five years at High School. In 1978 he was awarded scholarship by the Pie Disposizioni, an historical organisation which encouraged students with an evident talent for artistic studies. In 1981 he graduated with honours from the Istituto Statale d’Arte of Siena, at a time when no one
Autoritratto surrealista, 1979
Carlo Pizzichini besuchte die Grundschule in Monticiano und legte von Anfang an, ermutigt durch das Beispiel des Vaters, ein großes Zeichentalent an den Tag. Zur Erstkommunion erhält er eine Staffelei und einen Temperamalkasten, mit denen er erste Malversuche unternimmt – unter dem aufmerksamen Blick des Vaters, der ihn wenige Jahre darauf, unter diversen Opfern, an der zur Staatlichen Kunstschule gehörigen Mittelschule in Siena einschreibt; hier verfeinert Carlo Pizzichini sein Wissen über Technik und Farbe und lernt bei den selben Professoren, die ihn für weitere fünf Jahre an der Oberschule unterrichten werden. 1978 erhält er ein Stipendium der historischen Einrichtung Pie Disposizioni, die das Talent von Studenten in den künstlerischen Disziplinen unterstützt. 1981 macht er seinen Abschluss mit Auszeichnung an der Staatlichen Kunstschule in Siena, in einer Zeit, in der niemand mehr die Höchstnote erreichte. Zwei sei-
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Aula di Plastica, Istituto Statale d’Arte Siena, 1977/8
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alla Scuola Superiore. Nel 1978 riceve un borsa di studio delle Pie Disposizioni, storico ente che provvedeva all’incoraggiamento degli studenti che maggiormente si distinguevano nelle materie artistiche. Nel 1981 si diploma con il massimo dei voti presso l’Istituto Statale d’Arte di Siena, in un periodo dove nessuno riusciva a prendere la massima votazione. Due sue opere giovanili vengono esposte per alcuni anni nella sala della Presidenza accanto ai maggiori pittori accademici senesi dell’Ottocento e del Novencento. Nel 1985, nonostante la prematura scomparsa dell’amato padre, riesce lavorando e studiando, a diplomarsi con la Lode all’Accademia Statale di Belle Arti di Firenze presso la Scuola di Pittura del Pittore
succeeded in gaining an honours pass. Two of his early works were on display for several years in the Head Teacher’s Office, alongside those of the leading 19th and 20th century academic painters from Siena. In 1985, despite the early death of his beloved father, and despite working throughout his studies, he managed to gain a Degree cum Laudum from the State Academy of Fine Arts of Florence in the Painting School of Professor Roberto Giovannelli. His relationship with his teacher, the memory of his father’s teachings and the knowledge of certain tricks of the trade of the painter and decorator, encouraged Carlo Pizzichini to present a thesis entitled “La Vita é Decorazione il Pensiero é Arte l’Arte non é solo Pensiero ma Decorazione e Vita” (Life is Decoration, Thought is Art, Art is not only Thought, but also Decoration and Life). The summary of a precise way of considering painting, combining traditional techniques and archaic sensitivities with new discoveries and the everyday memories of a young man enamoured of painting. While still in his first year at the Academy, Pizzichini sought and found his own personal means of expression, conveying the utmost importance to the sign, the sign used in decoraRitratto del padre Bruno, 1981
ner Jugendwerke sind einige Jahre im Raum der Schulleitung neben den wichtigsten sienesischen Malern des 19. und 20. Jahrhunderts ausgestellt. Trotz des frühen Tods des geliebten Vaters schafft er 1985 den Abschluss an der Staatlichen Akademie der Schönen Künste in Florenz in der Schule für Malerei des Malers Prof. Roberto Giovannelli – auch hier mit Auszeichnung. Die Beziehung zu dem Lehrer, die Erinnerung an die Lehren des Vaters, die Kenntnis einiger letzter Geheimnisse des Maler- und Dekorateurberufs führen zu Carlo Pizzichinis Abschlussarbeit “Das Leben ist Dekoration der Gedanke ist Kunst Kunst ist nicht nur Gedanke, sondern Dekoration und Leben”. Die Synthese eines spezifischen Ansatzes der Malerei, die antike Techniken und archaische Sensibilität mit neuen Erfindungen und den täglichen Erinnerungen eines in die Malerei verliebten jungen Menschen verbindet. Bereits im ersten Jahr der Akademie sucht und findet Pizzichini eine eigene Ausdrucksweise im Zeichen, im Zeichen, das dekoriert, verschönt, einen Übergang darstellt, eine Erinnerung und eine Energie und auf Papier und Leinwand zum Ausdruck kommt. Diese Idee, teils bereichert durch subtile Fabulierungen, teils klar und elektrisierend, erst einfarbig
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Prof. Roberto Giovannelli. Il rapporto con l’insegnate, il ricordo degli insegnamenti del padre, la conoscenza di alcuni ultimi custodi del mestiere del pittore e del decoratore, portano Carlo Pizzichini a presentare la tesi “La Vita é Decorazione il Pensiero é Arte l’Arte non é solo Pensiero ma Decorazione e Vita”. Sintesi di un preciso modo di intendere la pittura mettendo in concerto antiche tecniche e arcaiche sensibilità con le nuove scoperte e le quotidiane memorie di un giovane innamorato della Pittura. Già al primo anno dell’Accademia, Pizzichini, infatti ricerca e trova un proprio modo di esprimersi dando piena importanza al segno, al segno che decora, che abbellisce e che é traccia di un passaggio, di una memoria e di un’energia che trasmette sulla carta e sulla tela. Questa idea, ora arricchita di sottile affabulazione, ora netta ed elettrizzata, ora monocroma ora accecante di colore, sarà la rotta che non abbandonerà tutta la navigazione di questo naufrago che traversa in solitaria il mare tempestoso dell’Arte.
In Via Fieravecchia studio B&C, 1984
tion, which embellishes and is the trace of a passage, of a memory and of an energy which transmits on paper and canvas. This idea, sometimes enriched with subtle invention, sometimes clear and electrified, sometimes monochrome and sometimes blinding with colour, will be the route that will permanently characterise the navigation of this survivor as he makes his solo crossing of the stormy sea of art.
und dann wieder blendend vor lauter Farben, ist die Route, die er während der einsamen Reise durch das wilde Meer der Kunst nie wieder verlässt.
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Finito di stampare Siena, agosto 2010, tipografia Cantagalli
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