Melómano 233 by ORFEOEDICIONES

(IVA incluido)

Número 233 | septiembre 2017 | Año XXII PVP: 7,00 €

Óliver Díaz, sueños e ilusión en La Zarzuela

CLAVES

Concierto n.º 1 para piano y trompeta en Do menor, Opus 35, de Shostakóvich ÓPERA DEL MES

Lucio Silla, héroe metastasiano

VIDAS

Claudio Monteverdi, en el 450 aniversario de su nacimiento

PROMESAS CUMPLIDAS

Eduardo Fernández: el trabajo bien hecho 00233

Sumario

septiembre 2017

233

ENTREVISTA

número

Óliver Díaz, sueños e ilusión en La Zarzuela..........................

PROMESAS CUMPLIDAS

Eduardo Fernández: el trabajo bien hecho............................. 12

Óliver Díaz,

sueños e ilusión en La Zarzuela

■

por Paz Ramos

A Óliver Díaz le parece un sueño ser el director musical del Teatro de la Zarzuela, le hace una gran ilusión. Ya conocía la casa porque había dirigido allí algunas zarzuelas, como Luisa Fernanda. Este asturiano, director artístico y titular de la Barbieri Symphony Orchestra, debutó con esta formación en el Concierto de Año Nuevo en Madrid en 2013. Estrenó Auga Doce, de Juan Durán, al año siguiente y participó en la gala de los IX Premios Líricos Teatro Campoamor. En su doble faceta de director y solista de piano ha ofrecido conciertos en Europa y América, también conciertos didácticos para niños con su propuesta, Música Maestro. Abrirá la nueva temporada del Teatro de la Zarzuela con la opereta El Cantor de Méjico.

Veo que está muy ilusionado con este nuevo proyecto en un teatro tan entrañable y prestigioso como el de La Zarzuela, el único teatro donde durante años pudimos ver grandes óperas, hasta que en el 97 se reinauguró el Teatro Real. Aquí vimos obras memorables y a los mejores cantantes, desde Alfredo Kraus o Plácido Domingo hasta Raina Kabaivanska, Teresa Berganza y Montserrat Caballé, por nombrar solo a algunos de los más veteranos. ¿Esperaba este ofrecimiento del director Daniel Bianco? Llegué al Teatro de la Zarzuela por primera vez de la mano del equipo de Cristóbal Soler, cuando estaba todavía Luis Olmos de director. Hicimos una Luisa Fernanda, por eso ya M

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Claudio Monteverdi, en el 450 aniversario de su nacimiento .... 20 LA ÓPERA DEL MES

Lucio Silla: héroe metastasiano ........................................... 26

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CLAVES PARA DISFRUTAR DE LA

VIDAS

Concierto n.º 1 para piano y trompeta en Do menor, Opus 35, de Shostakóvich ........................................................... 32

Claudio Monteverdi, en el 450 aniversario de su nacimiento ■

Su etapa temprana

Riva degli Schiavoni (1724-1730), Giovanni Antonio Canaletto.

Aunque no conocemos la fecha exacta de su nacimiento, sabemos que Claudio Monteverdi fue bautizado en la Iglesia de San Nazario y San Celso en Cremona el 15 de mayo de 1567. A pesar de que es universalmente reconocido como un compositor italiano, lo cierto es que en aquella época dicha ciudad estaba bajo la administración del ducado de Milán, que pertenecía a la corona española, por lo que, técnicamente, podemos decir que en realidad nació como ciudadano español. Procedente de una familia humilde, fue el primer hijo del boticario Baldassare Monteverdi y su mujer, Maddalena Zignani, unidos en matrimonio tan solo un año antes. Monteverdi pasaría sus años de juventud en la ciudad que lo vio nacer. No existe un testimonio fidedigno que atestigüe la formación musical inicial de Claudio, pero su primera publicación data de cuando tan solo contaba con 15 años. Se trata de la colección de motetes a tres voces Sacrae cuntiunculae, publicada en Venecia en 1582. Tanto en esta como en otras publicaciones tempranas,

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INFORMAR

por Lucía Martín-Maestro Verbo

Se cumplen 450 años del nacimiento de Claudio Monteverdi, figura determinante en la historia de la música, no solo por suponer el paso del Renacimiento al Barroco, sino porque sus innovaciones liberarían la disonancia, asentarían el concepto de tonalidad y establecería las bases de la ópera moderna. Por ello, en este homenaje, más que una revisión de su biografía, nos centraremos en lo que de verdad le hizo grande: sus aportaciones revolucionarias al lenguaje de la música.

Claudio Monteverdi.

Orquestas ......................................................................... 38 Festivales .......................................................................... 44 Noticias ............................................................................ 46 SERVICIO DE SOCORRO ................................................................

se presenta a sí mismo como un alumno de Marco Antonio Ingegneri, maestro de capilla de la Catedral de Cremona. Con este, probablemente estudiaría las bases del contrapunto, además de canto y/o algún instrumento de cuerda frotada, probablemente de la familia de la viola. No obstante, hasta la fecha no se ha encontrado ninguna prueba que asegure que Monteverdi adquiriera su formación en dicho centro catedralicio. Su segunda publicación, Madrigali spirituali a quattro voci, llegaría tan solo dos años después y, en 1597, aparecería su Primer libro de madrigales, dedicado a Marco Verità, conde de Verona. Pocos años más tarde, en 1590, además de publicar su Segundo libro de madrigales, entrará al servicio del duque Vincenzo I Gonzaga, para quien trabajaría como cantor y gambista, aunque llegaría a ser maestro de capilla. Sería en el entorno de la corte de Gonzaga donde Monteverdi tomaría contacto con la música escénica. Como su relación con el duque era más que excelente, se sospecha que pudiera acompañarlo al enlace matrimonial entre 21

Arte y oficio....................................................................... 18 VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS

conocía la casa. Recuerdo que mi primera sensación al entrar al foso fue pensar: “¡Dios mío, qué gente ha entrado en este teatro! Los más grandes han pisado estas mismas tablas, directores y cantantes, aquí se ha hecho ópera, zarzuela…”. Los primeros directores musicales habían sido Barbieri y Gaztambide, así que recuerdo la sensación de responsabilidad cuando entré. La impresión fue al mismo tiempo dura y maravillosa. Luego seguí viniendo de invitado y ya empecé a conocer mejor el Teatro, a todos los trabajadores, y ahora mismo estar aquí en esta sala como director musical me parece un sueño, tanto eso como estar trabajando al lado de Daniel Bianco. Daniel y yo no nos conocíamos personalmente; sabía perfectamente quién era, admiraba sus producciones, pero

CLAROSCUROS

ENSEÑANZAS MUSICALES

La educación musical de Trinity College .............................. 56

LA MÚSICA EN EL CINE

Novedades: The Mummy, Piratas del Caribe: La venganza de Salazar y Whisky Galore!..................................................... 62

ÓPERA

Lucio Silla, héroe metastasiano ■

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

El Teatro Real, en torno a la conmemoración del bicentenario de su fundación y el vigésimo aniversario de su reapertura, presenta por primera vez en el recinto madrileño Lucio Silla, del compositor Wolfgang Amadeus Mozart. La dirección musical se encuentra una vez más en manos de Ivor Bolton, experto mozartiano, quien conducirá el Coro y la Orquesta de Titular del Teatro Real, mientras que en la dirección escénica contarán con Claus Guth, recordado por los estupendos montajes en Parsifal y Rodelinda. Un doble reparto encabezado por Patricia Petibon y Julie Fuchs alternándose como Giunia; Silvia Tro Santafé y Marina Comparato como Cecilio; y Kurt Streit y Benjamin Bruns en el rol de Silla, se podrá escuchar en el recinto de ópera entre los días 13 y 23 de septiembre.

Mozart y el dramma per música Dedicada al archiduque Fernando de Habsburgo-Lorena y a la archiduquesa María Beatrice D’Este, Lucio Silla es un dramma per música ambientado a finales del siglo I a. C. e inspirado en la figura del dictador romano Lucio Cornelio Silla, donde a pesar de la calidad musical y narrativa utilizada por Mozart y Gamerra, debemos tener en cuenta que la historia -además de no ser real- cuenta con diversas incongruencias respecto a la temporalidad de los personajes, como por ejemplo: Cinna que murió antes de que Silla se proclamara dictador o que Cecilio no era enemigo de Silla, sino todo lo contrario, formó parte del núcleo que consolido en el poder al dictador. Este drama mozartiano no ha contado con grandes representaciones en la historia, tanto que para la fecha de su estreno tuvo una primera representación algo desafortunada, ya que la función tuvo que ser retrasada tres horas de lo previsto, porque debían esperar la llegada del archiduque, quien deseaba terminar de escribir sus cartas de Año Nuevo; además, a la representación de tres y horas y media se le sumaron tres ballets no relacionados, que llegaron a alargar la representación hasta la mañana siguiente. Pero a pesar de haberse representado veintiséis veces, Mozart no logró que lo volvieran a contratar en Milán y tuvo que regresar con su padre a Salzburgo. A pesar de estos detalles, este dramma es una de las grandes obras de Mozart, que se mantuvo dentro de los estándares temáticos de la época -como pueden ser el lenguaje elevado de los personajes; seis o siete personajes serios, de los cuales

dos serán la pareja protagonista, otras dos las subalterna, además de un personaje de alto rango, el antagonista y un oficial o compañero de armas; el coro es un recurso rara vez utilizado, el héroe se plasma en la figura del castrati y la temática plantea una intencionalidad moral y heroica-. Fue estrenada el 26 de diciembre de 1772 en el Teatro Regio Ducal de Milán. Compuesta por Mozart a los 16 años, es la octava de sus composiciones escénicas y la tercera y última comisionada para Milán. Si bien es cierto que esta obra es considerada por algunos de poco valor creativo, ya que es constantemente comparada con las producciones en sus años de madurez, realmente se debe mirar como un trabajo que se produjo en el más estricto estilo tradicional de las óperas italianas del siglo XVIII. El libreto, escrito por Giovanni de Gamerra (sacerdote, poeta, dramaturgo, libretista y traductor al italiano de La flauta mágica), fue revisado y modificado por uno de los autores más influyentes de la historia de la música, Pietro Metastasio, a quien se le atribuye la reforma de la ópera seria y la estandarización en los modelos compositivos utilizados a lo largo del siglo XVIII: dramma per música, acción teatral y otros formatos menores. En este tipo de obras lo más importante era el lucimiento de los cantantes, quienes mostraban sus capacidades vocales a través de la composición, de desarrolladas arias -solían ser da capo-, con secciones llenas de coloraturas y espacios propicios para la improvisación. Las voces que primaban eran las agudas, es decir, las sopranos y castrati, quedando la trama y la acción relegadas a un segundo plano y

LIBROS DE MÚSICA

Enrique Granados. Poeta del piano ...................................... 64

TOMANDO NOTAS

Dime qué es la música ....................................................... 65 ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES ................................................... 66 GUÍA DE ORQUESTA

La trompa.......................................................................... 68

Lucio Silla.

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DVD............................................................................................................ San Petersburgo a finales del siglo XIX.

CLAVES Concierto n.º 1 para piano y trompeta en Do menor, Opus 35, de Shostakóvich

Será interpretado los días 29 y 30 de septiembre por el pianista Bertrand Chamayou y el trompetista Manuel Blanco junto a la Orquesta Nacional de España, bajo la dirección de Semyon Bychkov. Sin lugar a duda, el compositor Dmitri Shostakóvich descolla como una de las figuras más icónicas de la música del siglo pasado. Padre de un corpus creativo de proporciones ciclópeas, encabezado por sus quince sinfonías, su vida y obra siguen siendo —hoy en día— objeto de un constante revisionismo. El primer concierto para piano es también el primero de los seis conciertos para instrumento solista y orquesta que escribiría en su prolífica, y compleja, carrera compositiva. ■

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BUSQUE ESTE DISCO

María Rodrigo. Becqueriana. Rimas infantiles. La copla intrusa .............................................................................. 72

Recomendados .............................................................................

¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...

Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO)? ............. 78

por Gregorio Benítez

Editorial

Melómano

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Jefa de Redacción

Si la montaña no viene a Mahoma…

Todos sabemos que una de las mayores preocupaciones de los programadores es el incremento del número de aficionados a la música clásica y la renovación del público, cuando las estadísticas nos advierten de su envejecimiento progresivo. Pues bien, un detenido estudio sociológico y demográfico del segundo problema deja bien claro que, por diferentes motivos de tipo familiar, económico y de estilos de vida, las personas entre 20 y 45 años, aproximadamente, difícilmente asistirán a, por ejemplo, un teatro de ópera. Es cierto que las salas están repletas de personas mayores. Pero también lo es que, cuando van ausentándose por ley natural de vida, siempre aparecen otras nuevas para remplazarlas. Los jóvenes que tanto nos hemos empeñado en captar para la ópera ocupan ahora un porcentaje respetable de butacas. Luego se casarán, tendrán hijos y muchos problemas y trabajo abundante para sacar adelante a sus familias y, cuando lleguen a una cómoda madurez y los niños hayan crecido, recordarán lo bien que lo pasaron en su juventud en la ópera. Y volverán a comprar entradas (ahora seguramente tendrán suficiente poder adquisitivo para pagarlas). Sin embargo, no se puede negar que, en España, el deseo de asistir a una función de ópera no surge espontáneamente entre la mayoría de la población. La insistencia y la imaginación de pequeñas y grandes instituciones musicales están cambiando esto paulatinamente. Conciertos familiares, actividades pedagógicas, ensayos con asistencia gratuita y todo tipo de fórmulas mágicas van consiguiendo el milagro. Así, los dos teatros de ópera más importantes del país han decidido que “si la montaña no viene a Mahoma… Mahoma irá a la montaña”. Y, de este modo, nos encontramos al Teatro Real de Madrid y al Liceu de Barcelona, o al Liceu y al Real, que tanto monta… ofreciendo ópera en la calle con pantallas gigantes para todo el que pase por allí. El Teatro Real informaba en el mes de julio de que “cerca de 120.000 personas siguieron Madama Butterfly en más de 250 puntos de emisión de la ópera en toda España —museos, auditorios, teatros, plazas, jardines, playas, centros culturales, plazas de toros, cine clubs y otros espacios— y el alcance de la retransmisión en el canal Facebook del Teatro Real fue superior a los 800.000 usuarios. La retransmisión fue trending topic nacional, alcanzando una audiencia de 18.000.000 usuarios con todas las publicaciones”. El Real también ofreció dos sesiones de concierto al aire libre para los más pequeños en la Plaza de Oriente, reuniendo a numerosas familias, y también a muchos adultos, para participar de la Ópera Intergaláctica. Los cerca de 3.000 asistentes ayudaron a los cantantes y “científicos” a realizar un estrambótico proyecto de investigación musical en el que todos aprendieron los distintos tipos de voz que pueden escucharse en un escenario de ópera. Además, el Real ha participado en la celebración de los 400 años de la Plaza Mayor de Madrid con la proyección de la zarzuela Luisa Fernanda. Del mismo modo, el Gran Taetre del Liceu celebró también en el mes de julio la tercera edición de su proyecto El Liceu a la fresca. En palabras de sus responsables, “se trata de la primera vez que el Liceu expande su proyecto a todo el Estado, incrementando en un 37,1% la participación de municipios respecto a la edición anterior (que contaba con 121 municipios), una iniciativa que permitirá que cerca de 72.000 personas disfruten al aire libre de la producción Il trovatore”. Gracias a la colaboración de TV3 y TVE, al día siguiente del cierre de nuestra edición, si todo salió como se esperaba, 166 municipios de toda España retransmitieron en directo la nueva producción de Il trovatore de Verdi en espacios públicos y a la fresca. El 33 emitió la noche del 21 de julio a las 22 horas un programa especial con la representación de Il trovatore desde el espacio habilitado en el Arc de Triomf de Barcelona, presentado por Carolina Rosich y Jofre Font. Al mismo tiempo, La2 lo hizo con la señal hacia todo el Estado a través del programa El Palco, desde la Plaza Mayor de Madrid y con la presentación de Eva Sandoval de Radio Clásica. Se preveía una audiencia acumulada entre los dos de más de 350.000 espectadores. Parece evidente que… Mahoma ha ido a la montaña. n M

Susana Castro

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ÂŠ Jacobo Medrano

ENTREVISTA

Óliver Díaz,

sueños e ilusión en La Zarzuela

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por Paz Ramos

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Eduardo Fernández: el trabajo bien hecho ■ por Susana Castro

Desde que a los 4 años comenzara a tocar el requinto en la banda de música que dirigía su abuelo, Eduardo Fernández ha ido forjando su carrera pianística de forma muy sólida, a base de trabajo y esfuerzo, sin que nadie le regalase nada y sin hacer concesiones. Hace unos meses el Premio “El Ojo Crítico” de Música Clásica reconoció su fantástica trayectoria. El pasado mes de junio cosechó un gran éxito en el Auditorio Nacional en uno de los recitales que abordaban la integral de las sinfonías de Beethoven transcritas por Liszt para piano, y ahora empieza una temporada cargada de proyectos, entre los que destacan en octubre su concierto con la ORCAM y José Ramón Encinar, sus dos recitales en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, o su concierto en el Palau de la Música de Valencia con sonatas de Scriabin, el que será muy probablemente su próximo proyecto discográfico. Además, debutará en la Philharmonie de Luxemburgo recuperando la Iberia que tantos éxitos le ha dado.

¿Cómo fueron tus primeros pasos en la música? Mi abuelo era director de banda en un pueblo de Cuenca. Comencé tocando el requinto, con 4 años. Él tenía un teclado eléctrico en casa, pero en mi familia no había ningún pianista. De repente me empezó a gustar el hecho de sacar las melodías que tocaba con la banda en el teclado. A raíz de eso, cuando empecé estudios en el conservatorio, me decidí por el piano, no por el clarinete. Al cabo de un tiempo, estudiando ya en el conservatorio, el profesor de clarinete se enteró de que yo tocaba el clarinete y me preguntó que por qué no hacía también la carrera de ese instrumento. Al final terminé haciendo las dos cosas a la vez. Aunque ya no toco el clarinete, creo que es muy beneficioso para un pianista haber tocado cualquier otro instrumento melódico, igual que para cualquier instrumentista melódico es muy bueno tener nociones de piano. ¿Existía tradición musical en tu familia, aparte de tu abuelo? Sí, en la familia de mi abuelo casi todos sus primos eran directores o músicos de banda de algún pueblo cercano, en Castilla-La Mancha. M

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¿Cuándo decidiste que querías ser concertista? El hecho de tocar el requinto en la banda hace que ya estuviera tocando solos con 4 o 5 años, porque tenía muchas partes a solo. Creo que el encontrarme con el piano hacía que tuviera a mi disposición todos los instrumentos para poder de alguna forma “dirigirlos”. No sé si lo que quiero es tanto tocar solo como dirigir al resto, lo que es seguro es que me dirijo a mí mismo (risas). Me llama la atención no el hecho de tocar solo, sino el tener las cosas bajo mi criterio o bajo mi control. Pero no por el hecho de ser el solista o el protagonista. ¿Cuáles han sido tus maestros? Partiendo de mi abuelo, que es con quien empecé en la música, luego tuve la suerte de encontrarme con Carmen Aguirre — discípula de Magda Tagliaferro—, que fue mi profesora durante casi toda mi formación. En el conservatorio estudié con Almudena Cano y con Ana Guijarro. Posteriormente he recibido un montón de cursos y clases, pero ellas han sido mis maestras. También tuve la suerte de dar clase con Esteban Sánchez, justo antes de que falleciera. Yo era un chavalín, pero por aquel en-

PROMESAS

Claudio Monteverdi.

Riva degli Schiavoni (1724-1730), Giovanni Antonio Canaletto.

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VIDAS

Claudio Monteverdi, en el 450 aniversario de su nacimiento ■

por Lucía Martín-Maestro Verbo

Su etapa temprana

Lucio Silla, héroe metastasiano ■

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

Lucio Silla.

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ÓPERA Mozart y el dramma per música Dedicada al archiduque Fernando de Habsburgo-Lorena y a la archiduquesa María Beatrice D’Este, Lucio Silla es un dramma per música ambientado a finales del siglo I a. C. e inspirado en la figura del dictador romano Lucio Cornelio Silla, donde a pesar de la calidad musical y narrativa utilizada por Mozart y Gamerra, debemos tener en cuenta que la historia -además de no ser real- cuenta con diversas incongruencias respecto a la temporalidad de los personajes, como por ejemplo: Cinna que murió antes de que Silla se proclamara dictador o que Cecilio no era enemigo de Silla, sino todo lo contrario, formó parte del núcleo que consolido en el poder al dictador. Este drama mozartiano no ha contado con grandes representaciones en la historia, tanto que para la fecha de su estreno tuvo una primera representación algo desafortunada, ya que la función tuvo que ser retrasada tres horas de lo previsto, porque debían esperar la llegada del archiduque, quien deseaba terminar de escribir sus cartas de Año Nuevo; además, a la representación de tres y horas y media se le sumaron tres ballets no relacionados, que llegaron a alargar la representación hasta la mañana siguiente. Pero a pesar de haberse representado veintiséis veces, Mozart no logró que lo volvieran a contratar en Milán y tuvo que regresar con su padre a Salzburgo. A pesar de estos detalles, este dramma es una de las grandes obras de Mozart, que se mantuvo dentro de los estándares temáticos de la época -como pueden ser el lenguaje elevado de los personajes; seis o siete personajes serios, de los cuales

San Petersburgo a finales del siglo XIX.

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CLAVES Concierto n.º 1 para piano y trompeta en Do menor, Opus 35, de Shostakóvich

por Gregorio Benítez

ENSEÑANZAS MUSICALES

La educación musical de Trinity College En perspectiva: la historia de Trinity

an solo 50 años después de que se hiciese la primera fotografía; 46 años desde que Faraday descubriese el principio de la dinamo eléctrica; 31 años desde que la anestesia fuese utilizada por primera vez en el quirófano; apenas 18 años desde que Darwin escribiera el origen de la especie; tan solo 3 años desde que se realizase la primera exposición impresionista; solo 2 años desde que el capitán Matthew Webb fuese el primero en nadar en el Canal de la Mancha; y solo 16 meses después de que el teléfono fuese inventado, nacieron los exámenes de música de Trinity College. Sin embargo, estos no fueron probablemente los pensamientos de los 1118 candidatos que estaban a punto de presentarse a estos primeros exámenes externos “abiertos a todos”. Los exámenes de los graduados en música actuales son descendientes directos de esos primeros que ocurrieron el viernes 15 de junio de 1877. Los orígenes institucionales de Trinity datan de 1872, cuando el Colegio fue creado “para el avance de la música de la Iglesia y la mejora de sus músicos”. El fundador de Trinity, Henry George Bonavia Hunt, nació en 1847 y completó un BMus en Oxford. Mientras todavía era estudiante de derecho en el Temple de Londres, y un año antes de su propia ordenación, Bonavia Hunt reunió a un grupo de influyentes músicos de la Iglesia de Inglaterra para establecer un lugar de entrenamiento y práctica en música coral e instrumental. Después de realizar sus primeros exámenes internos en 1874, dos años más tarde el consejo académico decidió investigar si existía una demanda de exámenes musicales externos. Este proyecto fue impulsado por la Sociedad de las Artes, que creó su esquema de exámenes. Consecuentemente, en 1877, Trinity introdujo un sistema de exámenes locales, primero en teoría y desde 1879 en música instrumental y vocal, estableciendo así la estructura familiar de ATCL, LTCL y FTCL, que sigue siendo el “estándar de la industria” hasta nuestros días. Estos, junto con la gama completa de evaluaciones graduadas, son los exámenes (aunque no los programas) que todavía se ofrecen hoy y que siguen concediéndose en nombre de Trinity College London. El 24 de noviembre de 1877, la junta académica autorizó a Bonavia Hunt a “entrar en correspondencia con el fin de obtener el apoyo de ciertos personajes reales y grandes compositores”, entre los que se encontraba el rey de Holanda, el rey de Bélgica, Gounod, Brahms y Verdi. 40 años antes de que las mujeres casadas de más de 30 años pudieran votar en Gran Bretaña,Trinity decidió que los exámenes públicos, originalmente solo abiertos a los miembros masculinos de la Iglesia de Inglaterra, debían ser abiertos a

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Henry George Bonavia Hunt, fundador de Trinity College.

todos, ya fueran hombres o mujeres, estudiantes universitarios o no. Así, el 23 de noviembre de 1878, se decidió “que para el futuro, las damas puedan entrar para los exámenes superiores de TCL”. En 1912 se habían realizado más de medio millón de exámenes y se habían establecido más de 500 centros en el Reino Unido y sus “dominios”. En 1918 se realizaron los primeros exámenes para candidatos con necesidades especiales, con pruebas en braille para candidatos ciegos. En 1921 la cifra anual de candidatos había aumentado a más de 50000. Hacia mediados de los años 30, Trinity podría declarar con orgullo: “Los exámenes del Trinity College son ahora una institución del Imperio…”.

La música en el cine N

Por Antonio Pardo Larrosa

� The Mummy

Dirección: Alex Kurtzman Música: Brian Tyler Género: Aventuras Duración: 105 minutos Año: 2017. Estados Unidos

Desconectado… Resulta increíble que en la época actual, cableada y conectada por mor de la globalización, la música cinematográfica viva uno de sus peores momentos. Algo debemos estar haciendo mal para que este hecho cultural, que otrora conmovió a millones de espectadores, quede a merced de unos cuantos pseudo compositores que campan a sus anchas dilapidando la credibilidad de uno de los géneros musicales más importantes de las últimas décadas. En esta tesitura se desenvuelve la última obra de Brian Tyler, The Mummy, la nueva y pixelada adaptación de este clásico de aventuras. Desconectado… y es que su música es tan

impersonal que la mera conexión con la historia se me antoja una quimera de proporciones épicas. Metales, percusiones y fanfarrias de medio pelo son las herramientas que Tyler utiliza para contar la historia, elementos que el músico emplea de un modo efectista para dinamizar — dinamitar— un sinsentido audiovisual que hace buena la versión de Sommers, producción que contó con el músico más conectado de cuantos he conocido, Jerry Goldsmith. Tyler lucha a brazo partido con la escasa personalidad de su estilo produciendo ideas que solo conectan con la sordera de un público cada vez más hastiado de esta nueva raza de desconectados. n

X Piratas del Caribe: La venganza de Salazar

Dirección: Joachim Rønning, Espen Sandberg Música: Geoff Zanelli Género: Aventuras Duración: 129 minutos Año: 2017. Estados Unidos

La piedra… Hay un famoso proverbio español que dice: El hombre es el único animal que tropieza dos veces en la misma piedra… algo que no es del todo cierto, ya que en el caso de la música cinematográfica —sobre todo la yanqui— se puede llegar a tropezar hasta en cinco ocasiones. Esta es la cruda y horrenda realidad que rodea a la saga de piratas más longeva y esperpéntica de la historia del celuloide, una franquicia pueril que tropieza una y otra vez con la misma piedra, la de la estupidez. Para esta quinta entrega del histriónico pirata Jack Sparrow los productores han delegado la responsabilidad musical en las frágiles manos del

músico californiano Geoff Zanelli, un grumete de segunda que, con todo merecimiento, ha naufragado estrepitosamente (¡qué tiempos los de Rozsa, Korngold o Newman!). Es fácil imaginar que Zimmer, cansado de tanta bazofia, ha decidido dejar que sea su tripulación la que de vida a esta nueva aventura dejando que los leitmotivs de la saga sigan presentes como argumento sobre el que vertebrar el resto de la partitura. Quizá sea esta la única aportación inteligente de Zanelli, una idea —canon Zimmeriano— que hace que la obra se sostenga única y exclusivamente sobre las melodías de las otras entregas. n

X Whisky Galore!

Dirección: Gillies MacKinnon Música: Patrick Doyle Género: Thriller Duración: 98 minutos Año: 206. Reino Unido

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Uno doble… o triple, ¡qué más da!, la cuestión es que corra el whisky, ¡que corra!, y si es de malta, mucho mejor. Desde que tengo uso de razón, y esto se remonta a la época de mis ancestros irlandeses, he asociado la música de los celtas a la felicidad… también a la fiesta, y es que este pueblo de pintas, whisky, acantilados y magos sigue produciendo música de muchos quilates. Prueba de ello es la última composición del escocés Patrick Doyle, Whisky Galore!, remake del clásico de 1949 que dirigió Alexander MacKendrick y que ahora, con más pena que gloria, MacKinnon lava la cara para

actualizar esta divertida apología del alcoholismo. Otra cosa es lo de Doyle, quizá el músico más interesante de cuantos beben en las aguas (whisky) del celuloide, un músico que vuelve a demostrar que en lo referente a la música tradicional aplicada a la imagen está un pasito por delante de todos los demás. Ya sea desde la tradición más “purista” —Mrs. Macleod of Rassey—, con el jig por bandera, a la caligrafía más genuina de un Doyle en estado de gracia —Whisky Galore—, la obra se mueve entre la inocencia y el etilismo de unos personajes que viven por y para el whisky de la marca Doyle. n

■ Texto: Sofía M. Gascón Ilustración: Iciar L. Yllera

TOMANDO NOTAS

–¡Que no papá, que no es verdad que me distraiga en clase! ¡Es que me tiene manía porque es mayor y yo sigo siendo un niño, y le da rabia porque ya no se acuerda de lo que significa serlo! Y un silencio abrumador le llenó la boca a papi. Se quedó callado y me miró con los ojos muy abiertos. Parecía que las palabras se le habían quedado atravesadas en la garganta como una espina de pescado. Se pellizcó los vaqueros a la altura de las rodillas y se agachó para quedar a mi altura. Me tocó la cabeza y dijo: –¿Y qué significa ser un niño? La verdad es que me da pena que ya no se acuerde, porque además es una cosa muy difícil de explicar y sobre todo si tiene que entenderlo un mayor… –Pues papá, no sé cómo decirlo. Es como explicar la música y por qué suena bonita o no. No sé cómo explicarlo para ti, porque tú lo ves todo como en el trabajo, con números y comas y palabras raras que yo no entiendo.

–Puedes contármelo con tus palabras, si quieres. Y yo haré un esfuerzo por entender. Me miraba muy fuerte y serio. Y cuando los mayores hacen eso es porque algo les sorprende o les asusta. Lo sé porque fue la cara que me puso cuando le dije que había quemado la alfombra del despacho del señor que le manda en el trabajo. Aunque esta vez no tenía los brazos en jarras. Y menos mal, porque eso es muy, pero que muy mala señal… –Explícame lo que es la música. –A ver, papá… Pues es que la música no se explica. Pero la entiendes. Porque habla con unas palabras que hacen que no importe si eres español, inglés o francés. Si es bonita, es bonita. Se te llena la tripa de algo que te hace cosquillas, y el corazón se te para un momento para oírlo todo mejor y sin cortes. Y te entran ganas de llorar aunque no entiendas por qué. Eso es lo que significa ser un niño. Significa que oímos la música y la sentimos sin que tengáis que explicár-

nosla, porque sale de nosotros. Ser un niño significa vivir con la barriga llena de músicas todo el tiempo. Ser un niño significa que no nos haga falta vivir en un mundo porque somos lo suficiente como para crearnos uno propio. Ser niño no es cosa de un país, ni siquiera lo es de ser una persona o un humano o lo que sea. Porque los cachorros de perro aúllan porque se creen lobos y son más lobos que sus padres. Y los bebés de caballo corren más y son más nerviosos y rápidos porque “saben” que lo son. Y los mayores os hacéis una herida y cuando os ponéis una tirita, la tirita no os cura tanto como a nosotros. Porque nuestras tiritas tienen dibujos y curan más, y nos tienen a nosotros también y eso es lo importante. Nos revolvemos y nos enfadamos por tener que irnos a dormir porque cuando vosotros dormís para poder soñar, nosotros ya hemos pasado todo el día soñando… Y es que la música es eso. Lo único que os queda a los mayores para poder volver a ser niños. ■

Si quiere escuchar este texto narrado por su autora, visite su cuenta Soundcloud: https://soundcloud.com/user-745383001

Dime qué es la música

GUÍA DE ORQUESTA

La trompa por José Chanzá

a trompa, tal y como la conocemos hoy, nace a lo largo del siglo XIX. En el momento en que se producen avances en el terreno de la construcción de instrumentos, su uso y su introducción en la orquesta se realizarán de manera progresiva y gradual. Hasta entonces hay que recordar que se utilizaba la trompa natura. Hay diferentes tipos de trompa, en mi caso toco una trompa doble de la marca Alexander 103. En algún caso, cuando el repertorio es muy agudo, sí que suelo cambiar a una trompa aguda (si bemol, fa agudo), que por sus características ofrece mas seguridad en el registro agudo. En el último concierto de la Orquesta Sinfónica RTVE interpretando la Novena Sinfonía de Bruckner vimos unas trompas que eran diferentes, se trata de un instrumento que ideó Richard Wagner, con el fin de aumentar el abanico de colores y que hubiera más unión entre trompas y la parte de la sección de metal grave. En este caso Anton Bruckner es un gran admirador de la música de Richard Wagner, y en sus últimas sinfonías incluye las tubas wagnerianas. Posteriormente, otros compositores como Igor Stravinski también utilizarán este instrumento. La ubicación de los trompas suele estar condicionada por el repertorio que se interpreta cada semana y también según la idea de cada director. Es importante estar cerca del quinteto de viento (clarinete, flauta, oboe y fagot) y a su vez de la sección de metal, ya que somos un nexo entre ambos en muchos casos. En el caso de la Primera Sinfonía de Gustav Mahler el hecho de ponernos de pie es a causa de la indicación que hay en la partitura por deseo expreso del compositor. Habitualmente los trompistas necesitamos mantener en perfecto funcionamiento los cilindros de la trompa. Para ello, es necesario un correcto uso de aceites en el mecanismo y además un buen engrasado en las bombas, y una de las cosas más importantes es realizar cada cierto tiempo una limpieza interior en la trompa, ya que con el tiempo dentro del mecanismo de los cilindros se acumula grasa y eso puede llegar a perjudicar el funcionamiento del instrumento. Lo que recomendaría a un joven trompista, sobre todo, es prevención, intentar tocar siempre en una buena postura corporal, de manera relajada, asimismo es importante que se controle una buena alimentación y, desde mi punto de vista, es importante practicar algún deporte. En mi

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caso, la natación. Los músculos que más se cargan al tocar la trompa, al menos a mí me ocurre, son las cervicales y la parte también de la embocadura. La decisión de elegir la trompa en mi caso se produjo gracias a mi hermano Carlos, ya que él estudiaba trompa y como hermano pequeño que soy siempre quería seguir sus pasos y estar con él, además de que el sonido de la trompa me llamaba la atención por sí solo. Desde mi punto de vista el solo más emocionante de trompa en una sinfonía es el del segundo movimiento de la Quinta Sinfonía de Chaikovski, por lo que me supone, ya que fue el primer solo “grande” que toqué con la Orquesta RTVE y también por

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el valor sentimental en aquel momento, ya que hacía relativamente poco que había fallecido un íntimo amigo mío trompista. En cuanto a los conciertos para trompa, me llaman la atención todos los conciertos de trompa de W. A. Mozart, destacando el Concierto n.º 4, me parece muy divertido y con él se pueden ver y demostrar muchas cosas. También hay obras de cámara en la que se incluye la trompa. Para mí, la más interesante es sin ninguna duda el Trío para violín, trompa y piano de J. Brahms. Por sus características técnicas, la trompa no ha sido muy utilizada en otros campos fuera de la música clásica, sin embargo, en la actualidad se está avanzando mucho en este campo y estoy seguro de que en un futuro

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