Número 251 | abril 2019 | Año XXIV
EDITORIAL
El Liceu de Barcelona, un esfuerzo colectivo CLAVES / GUÍA DE ORQUESTA
El Concierto para clarinete de Mozart
José Antonio Montaño,
versatilidad y compromiso
Sumario
ABRIL 2019
251
José Antonio Montaño,
versatilidad y compromiso ■
por Lucía Martín-Maestro Verbo
El director madrileño José Antonio Montaño lleva veinte años subiéndose al podio de las mejores orquestas, teatros y festivales de nuestro país y de Europa. Su repertorio abarca prácticamente toda la historia de la música: desde la antigua, que desarrolla principalmente con la orquesta La Madrileña, de la que es fundador, hasta la música contemporánea, protagonizando estrenos, como el que próximamente realizará de una obra de José María Sánchez Verdú al frente de la Orquesta Sinfónica de Milán. La ópera es otra de sus grandes pasiones, y espera poder dirigir algún día proyectos escénicos del Barroco español en el Teatro de la Zarzuela. Diez años trabajando en el Teatro Real, le avalan como director en el foso. También ha dirigido numerosas producciones del Ballet Nacional de España. Un músico todo terreno con una enorme versatilidad, que también encuentra tiempo para la composición. Acaba de debutar con La Madrileña en el Auditorio Nacional de Música, y próximamente podremos escuchar su nuevo disco, con repertorio español inédito.
© Michal Novak M
ENTREVISTA
ENTREVISTA
ENTREVISTA
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José Antonio Montaño, versatilidad y compromiso.................
Ricardo Espigares Carrillo: trabajando para la juventud.......... 12
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Sus inicios
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CLAVES PARA DISFRUTAR DE...
El Concierto para clarinete y orquesta en La mayor, de Wolfgang A. Mozart........................................................ 32
INFORMAR
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de Solothurn-Biel (Cantón de Berna) cerca de frontera con Francia, en 1941, como protagonista de Madama Butterfly.
Treinta años de intensa carrera
Después de su debut en Butterfly, la verdadera carrera de Lisa Della Casa se inicia al ser contratada en 1943 como miembro de la Ópera de Zúrich, donde intervendrá en diferentes roles: Annina de El caballero de la rosa de Richard Strauss, personajes de Mozart como La reina de la noche y Pamina de La flauta mágica, junto a Doña Elvira y Doña Anna de Don Giovanni y Dorabella de Così fan tutte, Gilda de Rigoletto, Nedda de Pagliacci, Mimi de La bohème, Cleopatra de Giulio Cesare de Haendel, Marie de La novia vendida de Smetana y Margarita de La condenación de Fausto de Berlioz. Todos estos roles cantados en alemán. Incluso llegó a interpretar el personaje de Clara, perteneciente a la ópera Porgy and Bess de George Gershwin, cantando el muy conocido «Summertime». En 1946 interpretó el personaje de Zdenka en Arabella de Richard Strauss, junto a la Arabella de la famosa soprano rumana María Cebotari, quien quedó gratamente impresionada por su 21
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I Congreso Internacional de Investigación y Creación en las Enseñanzas Artísticas Superiores......................................... 56 LA MÚSICA EN EL CINE
Clásico: An American Tail..................................................... 62 Novedades: All Is True, Mary Poppins Returns y Black Phanter... 63
Dido y Eneas, primera ópera inglesa
LIBROS DE MÚSICA
26 © Sebastian Bolesch
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Música antigua................................................................... Orquestas........................................................................... Auditorios.......................................................................... Festivales........................................................................... Noticias............................................................................. ENSEÑANZAS MUSICALES
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ÓPERA
ÓPERA DEL MES
VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS
Dido y Eneas, primera ópera inglesa..................................... 26
por Diego Manuel García
Lisa Della Casa nació en Burgdorf, pequeña localidad cerca de Berna, el 2 de febrero de 1919. Hija de Francesco Della Casa, médico suizo de origen italiano, muy aficionado a la música y al teatro, donde llegó a realizar montajes escénicos, introduciendo a su hija desde muy niña en el mundo teatral. La madre, Margaretta Mueller, era una alemana nacida en Baviera, también muy aficionada a la música. A los 12 años, Lisa Della Casa intervino en una obra teatral dirigida por su padre. En su adolescencia, llegó a representar a Julieta en Romeo y Julieta de Shakespeare y también en obras de Christopher Marlowe y George Bernard Shaw. Su formación teatral será muy importante en su futura carrera como cantante. Paralelamente, a partir de los 15 años, inició estudios de canto con Margarete Haeser, quien será su única profesora durante ocho años, primero en Berna y posteriormente en Zúrich. También se introdujo en mundo del cine con dos películas de bastante éxito: Fusilier Wipf en 1938 y Mir lond wir lugg de 1940, donde interpretaba una melodía tradicional suiza. Su debut como cantante de ópera se produjo en el teatro
Adelina Patti, la monstrua del bel canto................................ 18
ÓPERA DEL MES
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El pasado 2 de febrero se cumplió el centenario del nacimiento de la soprano suiza Lisa Della Casa, una de las más grandes intérpretes de Mozart y Richard Strauss en la segunda mitad del siglo XX. Su nombre siempre estará asociado a la incomparable creación que realizó del personaje de Arabella, en la ópera homónima de Richard Strauss. Poseía una voz lírica de precioso timbre plateado, plena de musicalidad, empleada de manera exquisita con un fraseo elegante, junto a un legato de rara perfección apoyado en un aliento casi inextinguible. Su canto muy personal y fácilmente reconocible ofrecía variados acentos transmitiendo humanidad y ternura en los momentos de mayor lirismo, y gran fuerza en las situaciones más dramáticas. Voz de ancho centro, con dominio de la zona de paso y una radiante franja aguda de fácil emisión entre el Sol4 y el Si4, llegando incluso hasta el Do5. También mostraba gran dominio de la coloratura mozartiana. A estas cualidades vocales se unía una gran capacidad teatralidad en sus gestos y movimientos escénicos, todo ello unido a una bellísima presencia. Su punto flaco estaba en una limitada franja de sonidos graves. El volumen de su voz era considerable.
MULIERUM
En el centenario de Lisa Della Casa...................................... 20
En el centenario de Lisa Della Casa ■
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PROMESAS
VIDAS
vidas, hechos y otros asuntos
número
Las claves del aprendizaje musical y Eusebius, capitán de La Nave de Baco..................................................................... 64
SERVICIO DE SOCORRO...................................................................
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ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES....................................................
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Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans
Por primera vez coreografiada, llega al Teatro Real la hermosa ópera de Henry Purcell, Dido y Eneas. La obra cumbre del Barroco inglés toma la sala principal del coliseo madrileño en una impactante producción dirigida por Christopher Moulds, coreografiada por Sasha Waltz y reconstruida por Attilio Cremonesi. La ópera podrá ser vista desde el 31 de marzo hasta el 4 de abril, y en ella podremos escuchar a Marie-Claude Chappuis, Aphrodite Patoulidou y Nikolay Borchev, entre otros.
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GUÍA DE ORQUESTA Y CORO 27
El Concierto para clarinete de Mozart................................... 68
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DVD............................................................................................................
CLAVES
Claves para disfrutar de...
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BUSQUE ESTE DISCO
Hector Berlioz. The Complete Works..................................... 72
32 El Concierto para clarinete y orquesta en La mayor, M
de Wolfgang A. Mozart
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DISCOS RECOMENDADOS..............................................................
74
¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE LA...
Orquesta Filarmónica Martín i Soler de Valencia (OFMISV)?.... 78
por Tania Herraiz
Será interpretado el día 12 de abril en el Teatro Monumental de Madrid por la Orquesta Sinfónica RTVE, bajo la batuta de Cristóbal Soler, y con Javier Martínez al clarinete. Comparten cita musical en el mismo programa la Obertura de la comedia musical «Mozart», del venezolano Reinaldo Hahn (1874-1947), y la Sinfonía núm. 3 de Robert Schumann (1810-1856), «Renana». 33
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Editorial
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El Liceu, un esfuerzo colectivo
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El pasado 20 de marzo, la plana mayor del Liceu de Barcelona ofreció en el magnífico edificio de Telefónica (mecenas del Teatre), sito en la Gran Vía madrileña, una comida a la prensa de la capital, con el fin de explicar su proyecto en un momento tan especial como es la celebración de su temporada número veinte tras la última reconstrucción del famoso coliseo (ver página 48 del presente número). Tomó la palabra en primer lugar Salvador Alemany, presidente de la Fundación del Gran Teatre del Liceu, un melómano notable que adora el pasado, presente y futuro de su teatro. Si queremos sacar un titular entre sus palabras, sin duda sería para mí la expresión que utilizó para definir el estado actual del Liceu como el resultado de un «esfuerzo colectivo», en clara alusión al apoyo económico de las diferentes administraciones públicas, incluido el Ministerio de Cultura, así como a los resultados obtenidos por el equipo directivo, que ha logrado mantener y consolidar sus ingresos procedentes del sector privado y la taquilla. Alemany hizo una exposición decididamente positiva sobre la situación actual del Liceu, tanto desde el punto de vista financiero como el artístico y aludió, entre bromas y veras, a la simbólica renovación de la fachada, que comenzaba ese mismo día, último resquicio del Teatre sin renovar tras el incendio de 1994. El presidente es buen conocedor de los entresijos económicos ya que accedió a la presidencia después de formar parte del patronato como representante de una importante empresa patrocinadora. Y, sin duda, ha adquirido con el tiempo los conocimientos suficientes como para exponer con vehemencia las virtudes del proyecto en el terreno puramente musical. Aun así, cedió la palabra a los responsables de las respectivas áreas para que desgranaran con detalle el resultado y las expectativas de su trabajo, no sin antes despedir con manifestaciones de gran aprecio a la directora artística saliente, Christina Scheppelmann, que dejará el Liceu cuando finalice la temporada para incorporarse a la Ópera de Seattle (EE. UU.) en calidad de directora general. Siguió en el turno, pues, el director general del Liceu, Valentí Oviedo, quien expresó una clara vocación de apertura del Liceu hacia la sociedad catalana y española, algo que es muy de agradecer pues hasta hace tan solo unos pocos años, el teatro barcelonés vivió una larga etapa de triste e inadecuado enclaustramiento. Oviedo puedo mostrarse satisfecho de un cierre del ejercicio 2018 cercano a los 48 millones de euros, con un incremento de un millón respecto al año anterior, lo que sitúa al Teatre en una magnífica posición para abordar la temporada del 20 aniversario. El director general también tuvo unas palabras amables para Scheppelmann, y aprovechó la ocasión para reiterar el anuncio de la incorporación de Víctor García de Gomar para ocupar su cargo, haciendo también un breve elogio del proyecto innovador y claramente inclusivo de este último. Habrá que esperar un par de años para comprobarlo ya que la todavía directora artística ha dejado diseñadas prácticamente las dos próximas temporadas. El director Musical, Josep Pons, que acaba de renovar su contrato para otros cinco años, hizo gran hincapié en la renovación de los cuerpos estables y en la notable mejora de la Orquesta, algo en lo que coincidimos plenamente, pues esta agrupación ha pasado en pocos años a ser una orquesta de primer nivel internacional, después de haber estado confinada en un foso oscuro (entiéndase el símil alegórico) durante mucho tiempo. Por su parte, Christina Scheppelmann explicó brevemente lo satisfactorio que había sido para ella el paso por el Gran Teatre, a pesar de que le tocara vivir los años más duros de la crisis, con las lógicas limitaciones que esto conlleva a la hora de programar. En mi opinión, su trabajo ha resultado extremadamente positivo para la institución. Si bien recibió la crítica de no dedicar demasiada atención a la nueva creación, lo cierto es que Christina es una gran defensora de la música de los siglos XX y XXI, pero su conocimiento de los gustos del público la indujeron a ser más conservadora de lo que ella misma hubiera deseado, en unos años en los que mantener el número de abonos y las ventas por taquilla era indispensable para que el Teatre siguiera en pie. No es casualidad que, al finalizar su contrato con el Liceu, se la hayan rifado en varios teatros de ópera importantes y, como ya se ha dicho, son los estadounidenses quienes podrán ahora gozar de su buen hacer en la ciudad de Seattle. Esperamos volver a verla al frente de alguna institución operística española, pues todavía le quedan muchos y fructíferos años de carrera. ■
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Gregorio Benítez Suárez Paula Coronas Tania Herraiz Diego Manuel García Tomás Marco Lucía Martín-Maestro Verbo Javier Martínez García Amparo Molero Marco Antonio Molín Ruiz Antonio Pardo Larrosa Luis Ponce de León José Prieto Marugán Paz Ramos Laura Recio Andrés Sánchez Alonso Fabiana Sans Arcílagos José Ramón Tapia Sección Enseñanzas Musicales: Encarni Alises Camacho Mª Jesús Camino Rentería Antonio Narejos Albert Nieto Ana Pilar Zaldívar Gracia
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© Michal Novak
ENTREVISTA
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ENTREVISTA José Antonio Montaño,
versatilidad y compromiso ■
por Lucía Martín-Maestro Verbo
El director madrileño José Antonio Montaño lleva veinte años subiéndose al podio de las mejores orquestas, teatros y festivales de nuestro país y de Europa. Su repertorio abarca prácticamente toda la historia de la música: desde la antigua, que desarrolla principalmente con la orquesta La Madrileña, de la que es fundador, hasta la música contemporánea, protagonizando estrenos, como el que próximamente realizará de una obra de José María Sánchez Verdú al frente de la Orquesta Sinfónica de Milán. La ópera es otra de sus grandes pasiones, y espera poder dirigir algún día proyectos escénicos del Barroco español en el Teatro de la Zarzuela. Diez años trabajando en el Teatro Real, le avalan como director en el foso. También ha dirigido numerosas producciones del Ballet Nacional de España. Un músico todo terreno con una enorme versatilidad, que también encuentra tiempo para la composición. Acaba de debutar con La Madrileña en el Auditorio Nacional de Música, y próximamente podremos escuchar su nuevo disco, con repertorio español inédito. 7
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PROMESAS Ricardo Espigares Carrillo:
trabajando para la juventud ■ por Paz Ramos
Ricardo Espigares es director y fundador de la Orquesta Filarmonía Granada, un proyecto que tiene como principal objetivo dar oportunidades a jóvenes solistas. Está formada por 75 músicos, todos ellos jóvenes de la provincia de Granada. Director de varias bandas de música en Granada, Jaén, Málaga y Guadix, su repertorio abarca música del siglo XVII al XXI, incluyendo repertorio específico para banda sinfónica. Sus grandes referentes han sido Sergiu Celibidache, Enrique García Asensio e Igor Markevitch. Entre sus premios, destacan el Nacional «Cultura Viva» en la categoría de «Revelación Artística», y su premio en el Concurso Internacional de Dirección de Orquesta del festival Atlantic Coast Orchestra, en Portugal. El 26 de abril debuta en Madrid al frente de una de las orquestas sinfónicas más prestigiosas, la Orquesta RTVE, en el Teatro Monumental. En junio tiene una cita con Carmina Burana en el Auditorio Manuel de Falla de Granada y en julio le espera el Ciclo Internacional de Música Guadix Clásica, del que es director artístico. Ricardo Espigares es un director joven, inquieto, dispuesto a experimentar todo lo que tenga que ver con la música. 13
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vidas, hechos y otros asuntos
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En el centenario de Lisa Della Casa ■
por Diego Manuel García
El pasado 2 de febrero se cumplió el centenario del nacimiento de la soprano suiza Lisa Della Casa, una de las más grandes intérpretes de Mozart y Richard Strauss en la segunda mitad del siglo XX. Su nombre siempre estará asociado a la incomparable creación que realizó del personaje de Arabella, en la ópera homónima de Richard Strauss. Poseía una voz lírica de precioso timbre plateado, plena de musicalidad, empleada de manera exquisita con un fraseo elegante, junto a un legato de rara perfección apoyado en un aliento casi inextinguible. Su canto muy personal y fácilmente reconocible ofrecía variados acentos transmitiendo humanidad y ternura en los momentos de mayor lirismo, y gran fuerza en las situaciones más dramáticas. Voz de ancho centro, con dominio de la zona de paso y una radiante franja aguda de fácil emisión entre el Sol4 y el Si4, llegando incluso hasta el Do5. También mostraba gran dominio de la coloratura mozartiana. A estas cualidades vocales se unía una gran capacidad teatralidad en sus gestos y movimientos escénicos, todo ello unido a una bellísima presencia. Su punto flaco estaba en una limitada franja de sonidos graves. El volumen de su voz era considerable. Sus inicios
Lisa Della Casa nació en Burgdorf, pequeña localidad cerca de Berna, el 2 de febrero de 1919. Hija de Francesco Della Casa, médico suizo de origen italiano, muy aficionado a la música y al teatro, donde llegó a realizar montajes escénicos, introduciendo a su hija desde muy niña en el mundo teatral. La madre, Margaretta Mueller, era una alemana nacida en Baviera, también muy aficionada a la música. A los 12 años, Lisa Della Casa intervino en una obra teatral dirigida por su padre. En su adolescencia, llegó a representar a Julieta en Romeo y Julieta de Shakespeare y también en obras de Christopher Marlowe y George Bernard Shaw. Su formación teatral será muy importante en su futura carrera como cantante. Paralelamente, a partir de los 15 años, inició estudios de canto con Margarete Haeser, quien será su única profesora durante ocho años, primero en Berna y posteriormente en Zúrich. También se introdujo en mundo del cine con dos películas de bastante éxito: Fusilier Wipf en 1938 y Mir lond wir lugg de 1940, donde interpretaba una melodía tradicional suiza. Su debut como cantante de ópera se produjo en el teatro
de Solothurn-Biel (Cantón de Berna) cerca de frontera con Francia, en 1941, como protagonista de Madama Butterfly.
Treinta años de intensa carrera
Después de su debut en Butterfly, la verdadera carrera de Lisa Della Casa se inicia al ser contratada en 1943 como miembro de la Ópera de Zúrich, donde intervendrá en diferentes roles: Annina de El caballero de la rosa de Richard Strauss, personajes de Mozart como La reina de la noche y Pamina de La flauta mágica, junto a Doña Elvira y Doña Anna de Don Giovanni y Dorabella de Così fan tutte, Gilda de Rigoletto, Nedda de Pagliacci, Mimi de La bohème, Cleopatra de Giulio Cesare de Haendel, Marie de La novia vendida de Smetana y Margarita de La condenación de Fausto de Berlioz. Todos estos roles cantados en alemán. Incluso llegó a interpretar el personaje de Clara, perteneciente a la ópera Porgy and Bess de George Gershwin, cantando el muy conocido «Summertime». En 1946 interpretó el personaje de Zdenka en Arabella de Richard Strauss, junto a la Arabella de la famosa soprano rumana María Cebotari, quien quedó gratamente impresionada por su 21
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ÓPERA DEL MES
Dido y Eneas,
© Sebastian Bolesch
primera ópera inglesa
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■ Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans
Por primera vez coreografiada, llega al Teatro Real la hermosa ópera de Henry Purcell, Dido y Eneas. La obra cumbre del Barroco inglés toma la sala principal del coliseo madrileño en una impactante producción dirigida por Christopher Moulds, coreografiada por Sasha Waltz y reconstruida por Attilio Cremonesi. La ópera podrá ser vista desde el 31 de marzo hasta el 4 de abril, y en ella podremos escuchar a Marie-Claude Chappuis, Aphrodite Patoulidou y Nikolay Borchev, entre otros. 27
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Claves para disfrutar de...
El Concierto para clarinete y orquesta en La mayor, M
de Wolfgang A. Mozart
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por Tania Herraiz
Será interpretado el día 12 de abril en el Teatro Monumental de Madrid por la Orquesta Sinfónica RTVE, bajo la batuta de Cristóbal Soler, y con Javier Martínez al clarinete. Comparten cita musical en el mismo programa la Obertura de la comedia musical «Mozart», del venezolano Reinaldo Hahn (1874-1947), y la Sinfonía núm. 3 de Robert Schumann (1810-1856), «Renana». 33
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INFORMAR
| ORQUESTAS
La EIO celebra su edición 2019
La Orquesta del Alumnado de Euskadi visitará Reino Unido y las tres capitales vascas
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ace ya trece años que el Departamento de Educación del Gobierno Vasco propuso a los tres conservatorios de su titularidad la creación de una orquesta sinfónica formada por alumnado de Grado Profesional (12-19 años), con la intención de que a su alrededor se articulara un proyecto pedagógico tan ambicioso como crucial. Se trataba, por una parte, de motivar a los jóvenes para que persiguieran un objetivo de calidad claro y contrastable en su formación musical, y poder trabajar el gran repertorio sinfónico que por separado es imposible en cada conservatorio; y, por otra, se buscaba una doble proyección del trabajo a desarrollar en este terreno: internamente, estableciendo un marco de cooperación sólido entre los centros implicados y, externamente, posibilitando el intercambio de esta experiencia con otras similares en todo Europa. La labor realizada hasta ahora ha dado sus frutos y la Orquesta del Alumnado de Euskadi (EIO) se ha consolidado como un referente artístico para muchos de los estudiantes de música del País Vasco —de nivel no universitario— que
tienen clara su vocación y futura orientación profesional. La orquesta EIO, además de los conciertos por Euskadi, ha dado conciertos en Zaragoza, Madrid, Barcelona, Francia, Bélgica, Venezuela y Colombia. En esta edición 2019 tiene programada una colaboración con la Orquesta Joven de Derbyshire City & County, con conciertos en el Reino Unido los días 16 (Albert Hall, Nottingham) y 17 de abril (Cambridge University Concert Hall), y en el País Vasco los días 18 (CPM Jesús Guridi, Vitoria-Gasteiz), 19 (MUSIKENE, Donostia-San Sebastián) y 20 de abril (Teatro Arriaga de Bilbao), en los que interpretarán la Sinfonía Pirenaica de Jesús Guridi. Han dirigido esta orquesta Maite Aurrekoetxea, Roberto Nuño y Diego Martín, Iker Sánchez y Juanjo Mena. Jon Malaxetxebarria vuelve a dirigirla en esta edición. Hace siete años el Departamento de Educación del Gobierno Vasco creó la EIO Gazte, con alumnado de hasta 15 años. Bajo la dirección de Raffaela Acella y Txaber Fernández, la EIO Gazte ha dado numerosos conciertos por todo el País Vasco. En la edición 2019 tiene programados conciertos los días 29 y 30 de junio. Además, hace tres años nace la orquesta EIO Txiki, para alumnado de hasta 13 años, cuya dirección ha corrido a cargo de Raffaela Acella. Sus últimos conciertos han sido los días 3, 4 y 5 de marzo pasados, con el programa «Animales y otros personajes», en los que han interpretado obras clásicas y de películas cuyos personajes son animales. n
Encuentro de primavera de la JOSCAN Tras las pruebas de selección celebradas el pasado mes de febrero
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a Joven Orquesta Sinfónica de Cantabria (JOSCAN) celebra este mes de abril su Encuentro de Primavera. Tras las pruebas de selección celebradas entre los días 16 y 24 de febrero, toca ponerse manos a la obra y preparar el concierto que ofrecerá en la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Santander el 25 de abril. El Encuentro tendrá lugar del 18 al 25 de abril y para él contarán con Vladimir Stoupel como director musical y con la violinista Judith Ingolfsson. Prepararán una selección de las Suites I y II Carmen de Georges Bizet, The Unansweres Question de Charles Ives y la Sinfonía núm. 2 en Re mayor de Johannes Brahms. Posteriormente, del 20 de julio al 4 de agosto tendrá lugar el Encuentro de Verano, con José Luis Temes como director musical y Raúl Suárez dirigiendo a la Camerata Coral UC. El Encuentro servirá para preparar el concierto que ofrecerán el 4 de agosto en el Palacio de Festivales, y en el programa encontramos La retirada nocturna de Madrid de Luciano Berio, Escorial de Tomás Marco y La fuente y la moza y Sinfonía Benedicta de Arturo Dúo Vital.
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La Joven Orquesta Sinfónica de Cantabria es un proyecto pedagógico de marcado carácter artístico cuyo objetivo es contribuir, de forma muy significativa, a la educación musical y preparación profesional de los jóvenes músicos cántabros y a toda la sociedad a través de sus actividades artísticas. La JOSCAN, como proyecto educativo, pretende tender puentes entre las enseñanzas musicales de los conservatorios de Cantabria, las enseñanzas musicales superiores y el entorno profesional de la orquesta. En su visión, la Orquesta se constituye en una herramienta para la formación personal al mismo tiempo que se proyecta como un modelo social en el que se exploran y fortalecen valores, actitudes y experiencias de alto contenido comunitario. La Orquesta atesora en su trayectoria la implicación fundamental de directores musicales de primer orden como José Luis Temes, Jaime Martín y Andrés Juncos. n
ENSEÑANZAS MUSICALES
I Congreso Internacional de Investigación y Creación en las Enseñanzas Artísticas Superiores E l I Congreso Internacional de Investigación y Creación, celebrado en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid los días 28 de febrero, 1 y 2 de marzo, ha mostrado el buen momento por el que atraviesan las Enseñanzas Artísticas Superiores en la Comunidad de Madrid y el impulso que la investigación artística está adquiriendo en España. Con más de 200 inscripciones, el Congreso consiguió reunir a participantes de diferentes nacionalidades, docentes, investigadores, artistas y creadores de las disciplinas propias de nuestras enseñanzas. Un total de 8 ponencias y 6 mesas redondas vertebraron los tres días del evento, a cargo de profesores de enseñanzas artísticas y de universidades, como también de profesionales independientes de gran prestigio: Arte dramático, Alicia Blas, Sara Molina, José Sanchís y Philip B. Zarrilli; Conservación y Restauración, María Aguiar, Ester Giner, David Gómez y Rosina Herrera; Danza, Daniel Abreu, Nacho Duato, Rocío Molina y José Antonio Ruiz; Diseño, Lorenzo Imbesi, Magdalena Kochanowska, Altamira
Sáez y Lucille Tenazas; Música y Canto, Pamela Burnard, Teresa Catalán, Luca Chiantore, Jorge Grundman, Antonio Narejos, Josu Okiñena, Iñaki Sandoval y Álvaro Zaldívar. Pero también fue un congreso participativo, que ofreció la oportunidad de exponer públicamente investigaciones y procesos creativos a través de 19 comunicaciones libres seleccionadas y 11 pósteres. Las actas del Congreso estarán disponibles en breve en la web www.increa-mad19.es. Una de las buenas noticias del Congreso fue la presentación del Programa de Doctorado en Música y su Ciencia y Tecnología que se desarrollará a partir del próximo curso 2019-20 por convenio entre la Universidad Politécnica de Madrid y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. El programa, que estará dirigido por José María Sancho y que contará con Jorge Grundman como secretario, se desarrollará en tres líneas de investigación: Interpretación y creación artística, Ciencia y tecnología de la música y Educación y acción social. También hubo lugar para presentaciones, como la del Centro de Documentación Teatral y la
Mesa redonda de música: Josu Okiñena, Álvaro Zaldívar, Ana Guijarro,Teresa Catalán y Jorge Grundman
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LA MÚSICA EN EL CINE Título: An American Tail Director: Don Bluth Música: James Horner
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An American Tail muy mal carácter. La segunda parte del tema es modélica en cuanto a la forma, perfecta en sus planteamientos y todo un ejemplo de orquestación made in Horner. Alegre y plena de esperanza, la melodía —encuentro deliciosa la introducción lle-
irigida por el cineasta norteamericano Don Bluth, An American Tail fue la primera película de animación producida por los Estudios Universal y Steven Spielberg. Fievel narra las peripecias de un pequeño y avispado ratoncito ruso que decide junto a su inseparable familia buscar fortuna en América, la tierra de las oportunidades, y ya se sabe, There are no Cats In America… Esta es la idea principal de la historia, la razón por la cual esta peculiar familia de ratones emigra a los Estados Unidos. ¡En América no hay gatos! Horner describe esta idea a través de una cómica canción que gira en torno a una sencilla y original melodía de carácter jocoso que describe el sentir de los pequeños emigrantes. Vertebrada sobre un solo leitmotiv, Horner orquesta de forma brillante su melodía adecuándola a la peculiar nacionalidad de cada ratón. Apoyada en el folclore y en un cuidado tratamiento de la cuerda, la canción describe con acierto la verdadera naturaleza de la historia. Pero, para ser honestos con el desarrollo argumental de la película, debemos reparar en el primer corte del disco —Main Title—, leitmotiv que está dividido en dos partes independientes: la primera desarrolla una sentida melodía donde el violín y la balalaika son utilizados para describir el frío y la soledad del personaje principal, Fievel. Sustentada por las voces de un coro celestial, esta pieza está inspirada en aires y motivos rusos que de forma sutil moldean la aniñada voz del pequeño Fievel. Puede decirse que esta primera idea musical dibuja con tristeza el sentimiento trágico de una vida marcada por la presencia de unos felinos con
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vada a cabo por el clarinete y el fagot— transmite la eterna idea de la tierra prometida, ese lugar donde la palabra nunca carece de sentido ideológico. Si tuviéramos que encontrar un vocablo para sintetizar y definir el sentimiento americano de la posibilidad, esa palabra sería, sin lugar a dudas, nunca… Never Say Never, es otra original canción interpretada por un búho afrancesado —paradigma del emigrante afortunado— que convence al pequeño ratón para que no pierda la esperanza. Horner utiliza el acordeón para otorgar mayor credibilidad al distinguido e histriónico intérprete que sutilmente va tejiendo un halo de optimismo alrededor de su orejudo amigo. Delicada es la palabra que encuentro para describir esta sencilla melodía cargada de optimismo y esperanza. La obra termina con una suite —Flying Away And End Credits— que rebosa entusiasmo y optimismo, y que deja abierta la puerta que da acceso a un futuro lleno de promesas. La pieza recoge la mayor parte de las melodías de la partitura que Horner orquesta utilizando todos los recursos sinfónicos que están a su alcance. Las cuerdas y los instrumentos de viento son una vez más los auténticos protago-
nistas de esta entrañable historia que marcó un punto de inflexión en la meteórica carrera del malogrado compositor. Delicada y preciosista resulta la escucha de esta maravillosa partitura que demostró que las películas de dibujos animados podían tener la estructura de cualquier otro film, gracias en parte a las composiciones del maestro. Los trabajos de Horner junto a los del oscarizado músico neoyorkino Alan Menken, considerado el máximo exponente del nuevo musical americano (durante años el musical fue el medio de expresión que la industria utilizó para llevar a cabo sus producciones cinematográficas. Las fantásticas partituras de los hermanos Sherman —Chitty Chitty Bang Bang o Mary Poppins— y todas las obras confeccionadas por la factoría Disney durante más de cuarenta años se vieron superadas por un nuevo concepto musical que lejos de entablar paralelismos creativos con la música de antaño, descubría las infinitas posibilidades que el sinfonismo podía aportar a la imagen y a la estructura narrativa de la película), conforman el mapa sobre el que se ha edificado la música animada de las últimas tres décadas. An American Tail supuso la consagración definitiva de Horner como músico sinfónico y melódico iniciando con ello el comienzo de una nueva era. n
LIBROS DE MÚSICA
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por José Prieto Marugán
Las claves del aprendizaje musical
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l aprendizaje de un instrumento musical o del canto es una tarea compleja y difícil, que requiere un esfuerzo riguroso y constante. El objetivo de este libro es mejorar el proceso de instrucción con el empleo de un abanico de acciones y actividades de orden físico y psicológico. El autor, doctor en psicología, pedagogo y docente en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, plantea su trabajo en dos grandes apartados. Una primera parte, digamos teórica, con consejos, sugerencias y estrategias de mejora. La segunda parte, de carácter práctico, aborda el proceso de estudio en dos niveles: uno previo, de preparación a la actividad, y otro de realización de la misma. Se plantean temas como la actitud necesaria, la gestión del esfuerzo, la autocrítica, la determinación de objetivos alcanzables, la distribución
del tiempo y las tareas, la motivación y el compromiso, y toda una serie de aspectos que tiene relación directa con la ejecución del trabajo para aprender. El volumen no es para ser leído de un tirón, tampoco el estudiante debe poner en práctica todos los consejos y métodos que se proponen, porque al ser el aprendizaje de la música un proceso individual, cada uno deberá incidir en aquello que más le interese o necesite. Aunque el libro no va dirigido a niños, los adultos responsables podrán encontrar en él ideas para ayudar a los más pequeños estudiantes, para que, desde los primeros pasos, puedan abordar el estudio sin presiones innecesarias y sin agobios. La música es para disfrutarla, incluso cuando se estudia. n
Las claves del aprendizaje musical. Guía para mejorar con tu instrumento musical y en el canto. Rafael García. Ma non troppo. Barcelona, 2018. 220 páginas.
Eusebius, capitán de La Nave de Baco
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usebio García Mina, «Eusebius» (Zamora, 1890-1944), ejerció en Pamplona no solo como crítico musical, también como organizador de conciertos y dinamizador de la vida musical local. Comentarista exigente, agudo y hasta mordaz en ocasiones, publicó básicamente en el Diario de Navarra, donde sus crónicas eran leídas con interés, porque además eran sencillas y simpáticas. Un modo de hacer personal que podría resumirse en dos palabras: ingenio y coraje. Además de esta actividad, creó una tertulia a la que llamó La Nave de Baco, en la que compartieron ideas e inquietudes Gustavo de Maeztu, Ignacio Zulogaga y otros amigos, ante una buena mesa. Fue también conferenciante y amigo de músicos como Ravel, Arturo Rubinstein o Wanda Landowska, a los que convenció para que dejaran su huella
en la Pamplona de los años 30 del pasado siglo. El libro es una interesante biografía en la que se intercalan algunas de sus críticas y conferencias, que proporcionan un buen retrato de este cronista exigente, que eligió el pseudónimo de Eusebius, nombre usado por Robert Schumann para dar vida a su personalidad dulce y contemplativa, frente al de Florestán, que representaba su aspecto apasionado, pasional e incluso violento. A través de sus páginas podemos hacernos una idea de la actividad musical de la capital navarra, gracias a una redacción cómoda de leer, de frases cortas e ideas claras, simbólicas muchas veces, casi como el biografiado. El libro se completa con unas pocas fotografías del personaje y de artistas que le dedicaron retratos y caricaturas. n
Eusebius, capitán de La Nave de Baco. Daniel Ramírez García-Mina. Editorial Renacimiento. Sevilla, 2019. 494 páginas. M
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GUÍA DE ORQUESTA Y CORO
El Concierto para clarinete de Mozart ■
por Javier Martínez García
El 12 de abril interpretaré en el Teatro Monumental de Madrid el Concierto para clarinete y orquesta en La Mayor de Wolfgang Amadeus Mozart. Para mí es una gran satisfacción, ya que es la joya de la corona de los clarinetistas. Fue la última composición para solista que compuso Mozart, en 1791, dos meses antes de su repentina muerte, con solo 35 años. En esta etapa, el clarinete aún era un instrumento relativamente joven. Mozart sintió una gran predilección por el clarinete, tanto es así, que le dio un protagonismo importante en muchas de sus obras. Cabe destacar, por ejemplo, el Quinteto con clarinete en La mayor K. 581, La clemencia de Tito o el Réquiem, entre otras. Mozart escribió el concierto para el clarinetista Anton Stadler, quien había sido su amigo íntimo desde principios de la década de 1780. Fue en Praga, el 16 de octubre de 1791, cuando Stadler estrenó el concierto. Es probable que Mozart, originalmente, quisiera escribir la pieza para corno di bassetto, ya que Anton Stadler también era un gran virtuoso de dicho instrumento, pero finalmente se convenció de que sería más efectiva para clarinete. No obstante, en diferentes ocasiones a lo largo de la pieza se sobrepasa el ámbito propio del clarinete en La, ya que la obra estaba pensada para tocarse con un clarinete en La con extensión, era un instrumento especialmente modificado y usado por Stadler que llegaba hasta el Do grave. El concierto consta de tres movimientos. El primero es un Allegro, con saltos de intervalo muy pronunciados, que conducen a escalas y arpegios muy ondulantes, que siempre son divertidos de tocar. Con la exposición del primer movimiento nos encontramos ante una de las partes más tocadas en prueM
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© Foto RTVE - Raúl Tejedor
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Hector Berlioz.The Complete Works VV. II. WARNER CLASSICS 0190295614447
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oincidiendo con el 150 aniversario del fallecimiento del compositor francés Hector Berlioz (La Côte-Saint-André, 11 de diciembre de 1803 - París, 8 de marzo de 1869), Warner Classics edita una caja de 27 discos que supone la primera edición completa de sus trabajos, incluyendo cinco primeras grabaciones mundiales, entre las que encontramos la Sinfonía fantástica, nunca publicada en CD. Esta edición de lujo se completa con un libreto de 160 páginas que incluye un ensayo del especialista en Berlioz David Cairns en tres idiomas (inglés, francés y alemán), así como abundante material gráfico: partituras, dibujos, manuscritos, etc. El material está organizando en torno a varias secciones. La primera de ellas la conforman sus obras orquestales, donde se incluyen once bloques con grabaciones tan brillantes como Le Carnaval romain con la Royal Concertgebouw Orchestra con Mariss Jansons al frente, o la citada Sinfonía fantástica con la Orchestre National de l’ORTF bajo la batuta de Jean Martinon. Mención especial para Harold en Italie, interpretada por la Orchestre National de France con Leonard Bernstein en el podio y Donald McInnes (viola). La segunda sección está dedicada a sus obras instrumentales: Fugue H22 y Fugue à trois sujets H35, interpretadas por el organista Matthieu Baboulène-Fossey, que son dos de las primeras grabaciones mundiales de la caja; y Trois morceaux pour l’orgue mélodium d’Alexandre en interpretación de Neil Wright. La sección de música vocal y coral es la más extensa, y en ella encontramos las primeras grabaciones mundiales de: Le Dépit de la bergère, con la soprano Elsa Dreisig y el pianista Jeff Cohen; y Le Temple universel, con el te-
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nor François-Xavier Roth, las corales Spirito-Jeune Choeur symphonique y Choeur d’Oratorio de Lyon y la Orchestre Les Siècles. Destaca también la grabación de La Damnation de Faust, con Kent Nagano liderando la Orchestre de l’Opéra de Lyon. La música sacra es la siguiente sección, con seis bloques que incluyen la Messe solennelle interpretada por The Monteverdi Choir y Orchestre Révolutionnaire et Romantique dirigida por John Eliot Gardiner. En cuanto a sus composiciones escénicas, encontramos Benvenuto Cellini con Gregory Kunde y Joyce DiDonato al frente del reparto; La Nonne sanglante, primera grabación mundial a cargo de la Orchestre OSE! bajo la batuta de Daniel Kawka; Béatrice et Bénédict, de nuevo con la Orchestre de l’Opéra de Lyon con John Nelson, quien repite en Les Troyens, esta vez dirigiendo a la Orchestre Philharmonique de Strasbourg. Una pequeña sección está dedicada a los arreglos realizados por Berlioz de
obras de Claude Joseph Rouget de Lisle, Carl Maria Von Weber, Jean-Paul-Égide Martini y Franz Schubert. En la sección de grabación históricas, encontramos dos realizadas entre 1901 y 1904. Son fragmentos de La Damnation de Faust y Les Troyens, restaurados por Ward Marston: la primera grabación dedicada a la «Chanson de Méphistophélès» de La Damnation de Faust del barítono Maurice Renaud y dos arias de las sopranos Marie Delna y Félia Litvinne como Dido de Les Troyens. Cierra la caja la primera grabación de la Sinfonía fantástica completa, realizada en 1924 por la Orchestre des Concerts Pasdeloup, bajo la dirección de Rhené-Baton. Esta grabación analógica, que, por lo que se sabe, nunca se ha vuelto a publicar desde la década de 1920, se pudo restaurar a partir de copias conservadas en la colección de Radio Francia. n Prado Fernández
DISCOS RECOMENDADOS
A Tribute to Teresa de Rogatis Cinzia Milani, guitarra Brilliant Classics 95627
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lo largo de la historia ha habido grandes mujeres que han destacado, pero que por la época que les tocó vivir, quedaron relegadas a un segundo plano y a día de hoy sus obras pasan casi desapercibidas para nosotros porque en su momento no fueron valoradas como merecían. La guitarrista y violinista Cinzia Milani rinde un precioso homenaje a la compositora Teresa de Rogatis, quien nació en Nápoles en 1893 y falleció en 1979. Su padre la utilizó como niña prodigio, explotando sus cualidades musicales desde que tenía tan solo 9 años. Estudió también piano y recibió un prestigioso diploma por sus composiciones que le entregó Camillo de Nardis. Sorprendía interpretando el piano y la guitarra con gran virtuosismo en un mismo concierto. Vivió en El Cairo, donde daba clases de piano y de guitarra, difundiendo la música occidental entre griegos y egipcios, que quedaban fascinados con sus obras. En las primeras décadas del siglo XIX la guitarra fue el instrumento estrella en Europa. Era el momento de oro de grandes guitarristas italianos como Giuliani, Carulli o Carcassi y los españoles Sor y Aguado. La guitarra renació de nuevo en las manos de Andrés Segovia hacia 1930. El nombre de Teresa de Rogatis también podría haber pasado a la historia como parte de este renacimiento guitarrístico, pero probablemente esto no sucedió por el hecho de ser mujer. Gracias a las grabaciones que aún se conservan en las que ella misma interpreta sus composiciones, ha sido posible realizar esta investigación musicológica. Cinzia Milani ordena cronológicamente las piezas de Teresa de Rogatis y las interpreta con un sonido envolvente y muy logrado que deja visible que tiene un gran dominio técnico del instrumento y un gusto musical exquisito. Destacan por su belleza la Fantasía Araba y la Sonatina con la que termina esta recopilación musical. Un disco totalmente recomendado para los amantes de la guitarra por la calidad de sus interpretaciones, por el sonido de las grabaciones y porque es además una bella manera de reivindicar y recordar también a las mujeres intérpretes y compositoras. n Ana R. Colmenarejo
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José de Torres: Amoroso señor
Tatulón. La danza medieval del plectro
Concerto 1700 Aurora Peña, soprano Jacobo Díaz, oboe Víctor Martínez, violín Isabel Juárez, viola Ester Domingo, violonchelo Ismael Campanero, violón Pablo Zapico, tiorba y archilaúd Alfonso Sebastián, clave y órgano Daniel Pinteño, violín y dirección 1700 Classics 170001
José Luis Pastor, cítola, çinfonía, laúd s. XIII, laúd s. XV, guitarra medieval, vihuela de peñora Lindoro NL-3040
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ese a que para el gran público el nombre de José de Torres (ca. 1670 - 1738) no dice mucho hoy en día, si lo ubicamos en su contexto entenderemos la importancia de la recuperación de su repertorio. Compositor para la Real Capilla, es nombrado maestro de capilla en 1720, sucediendo en el puesto a Sebastián Durón. Mediante su música, muy influenciada por sus coetáneos napolitanos, José de Torres se propone renovar la música sacra y profana madrileña, aunque sus partituras llegan a encontrarse muy lejos de la capital, incluso en México o Guatemala. En esta grabación debut de Concerto 1700, la formación madrileña nos presenta cuatro cantadas: Reloj que señala, Sosiega tu quebranto, Amoroso Señor y Murió por el pecado, todas ellas formadas por sucesiones de recitados y arias en estilo italiano. Desde la primera a la última nos sorprenden su originalidad y frescura, el magistral tratamiento del texto y variedad de registros, junto a elementos perfectamente rastreables de la tradición del Seiscientos español. Si bien Pinteño ha sabido rodearse perfectamente en su primera aventura discográfica (contando, por ejemplo, con la asesoría y transcripciones de Ars Hispana), el trabajo de Peña a lo largo de todo el álbum merece una mención especial: dicción ejemplar, buena afinación, y un sonido equilibrado y todoterreno, aprovechando las cadencias y los da capo para dejarnos entrever las prendas de su técnica con glosas más que correctas. Es este un buen trabajo de recuperación de música que merece la pena ser recuperada, tanto por su relevancia como por su calidad, que augura un prometedor futuro para el joven conjunto.
nteresante disco de José Luis Pastor para el sello Lindoro. En este programa se nos presenta un interesante y poco conocido repertorio medieval adaptado para instrumentos de plectro muy variados. De hecho, el intérprete hace uso de 6 instrumentos diferentes, inspirados a partir de miniaturas encontradas en códices, pórticos y frescos. Una original fotografía en el libreto del disco nos permite hacernos una idea visual de esos instrumentos, cosa que es de agradecer. Si bien se trata de una interpretación muy bien documentada, con criterios históricos interpretativos, estamos en el campo de la pura especulación, pues el repertorio aquí presentado no es original para dichos instrumentos. Es más: los propios instrumentos son también «ciencia ficción», porque no hemos conservado de la época ninguno de ellos. La sonoridad del Monasterio de Nuestra Señora de Loreto de Espartinas (Sevilla) nos ofrece la acústica perfecta para este tipo de obras, pues muchas veces se suele abusar de acústicas excesivamente reverberantes en el campo de la música antigua, cosa que no es el caso aquí. La toma de sonido es buena, a pesar de que en los finales de algunas piezas no se deja resonar lo suficiente a los instrumentos, procediendo al corte artificial, cosa muy común en muchos discos de música clásica, quizás por ese temor al «silencio», tan poco valorado en la sociedad actual. José Luis Pastor demuestra un buen dominio técnico de los diferentes instrumentos musicales empleados, con buena musicalidad. Destaca especialmente la buena sonoridad del laúd castellano del siglo XIII en la pieza La utimie estampie real. La çinfonia «de trastes» nos ofrece también una sonoridad muy interesante en la pieza Kalenda Maia, a pesar de detectar alguna pequeña desafinación en los registros agudos. Quizás se haga demasiado larga la pieza Robertsbridge Stampie, teniendo en cuenta que el público destinatario de este tipo de grabaciones suele ser, en general, profano en la materia; piezas demasiado largas podrían distraer su atención.
n Pablo F. Cantalapiedra
n Àngel Villagrasa Pérez
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¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE LA...
Orquesta Filarmónica Martín i Soler de Valencia (OFMISV)?
Entrevista a su directora, Carmen Más-Arocas
¿Cómo y cuándo surge la Orquesta Filarmónica Martín i Soler? La Orquesta Filarmónica Martín i Soler de Valencia, que lleva el nombre del insigne compositor valenciano Vicente Martín i Soler, nace en 2011 al amparo de la Asociación Foro Económico y Cultural Hispano Ruso como una formación musical planamente filantrópica. Su presentación se realizó con gran éxito en septiembre de 2012 en el Palau de la Música de Valencia. A partir del 2013, la Orquesta se desliga de esta asociación y empieza a caminar de forma privada, participando en M
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proyectos puntuales con distintas asociaciones de carácter solidario y en proyectos educativos y culturales. Nuestra finalidad es ser activos en la sociedad valenciana, dentro y fuera de la comunidad. ¿Cuáles son los objetivos principales de la formación? Nuestros objetivos principales son la participación activa en proyectos que den respuesta a las inquietudes musicales y humanas de cada uno de los componentes de la Orquesta, así como la posibilidad de participar de manera activa en el marco de la sociedad actual. Prueba de ello es el concierto
© Lionel Bonaventure
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PRÓXIMO NÚMERO | mayo 2019
EN PORTADA ■.
Entrevista Ivo Pogorelich por Susana Castro
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Ópera del mes Los pescadores de perlas, de Bizet por Fabiana Sans Arcílagos
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Promesas cumplidas Entrevista a Félix Ardanaz por Susana Castro
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¿Qué quiere usted saber de... la Sociedad Filarmónica de Málaga en su 150 aniversario? Entrevista a Pablo Lamothe