Melómano 250

Número 250 | marzo 2019 | Año XXIV

Mes de la mujer EDITORIAL

Ellas hacen música VIDAS

Trovadoras MULIERUM

Mujeres gestoras, mujeres sonoras

Joan Enric Lluna: cerca de la gente

Sumario ENTREVISTA

MARZO 2019

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ENTREVISTA

ENTREVISTA

Joan Enric Lluna: cerca de la gente.......................................

L’Apothéose: con las alas de la excelencia.............................

cerca de la gente por Paz Ramos

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Joan Enric Lluna, uno de los mejores clarinetistas del mundo, compagina su actividad como solista con la dirección orquestal y la docencia. Es un investigador incansable, ha colaborado con los más prestigiosos grupos de cámara, como los cuartetos Brodsky o Tokio. Fue escogido por Lorin Maazel como primer clarinete de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, titular del Palau de les Arts. Ha actuado con la London Philharmonic Orchestra o la Academy of St Martin in the Fields.

Impulsor y director del grupo de cámara Moonwinds, con ellos ha obtenido recientemente un gran éxito con su disco dedicado a Salvador Bacarisse y su concierto Le jour de l’an, que incluía también el Divertimento de Jesús Bal y Gay (publicado con IBS Classical, cuya reseña pueden consultar en el número 246 de Melómano).

Entre su amplísima discografía destacan el Concierto para clarinete de Mozart, con la Orquestra de Cadaqués bajo la batuta de Sir Neville Marriner (Tritó) y con la English Chamber Ochestra con Antony Pay en el podio (Cala Records). Más recientemente, y apostando por la música española, grabó un disco homenaje a nuestros músicos en el exilio junto a Juan Carlos Garvayo (publicado con Tritó, cuya reseña pueden consultar en el número 224 de Melómano). Este mismo mes verá la luz una grabación con música de Leonard Bernstein y Benny Goodman, Jazz Impact (IBS Classical).

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Trovadoras

VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS

CLAVES PARA DISFRUTAR DE...

El Concierto para violín, de Ligeti: un microcosmos de la música contemporánea........................................................ 32

INFORMAR

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por Lucía Martín-Maestro Verbo

Internacional......................................................................

Orquestas...........................................................................

Auditorios..........................................................................

Festivales...........................................................................

Noticias.............................................................................

38 39 42 45 50

SERVICIO DE SOCORRO...................................................................

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Uno de los motivos centrales de las pinturas de la Iglesia de Vilar de Donas (Palas de Rei, Lugo).

© Álvaro R. Arizaga Castro

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ENSEÑANZAS MUSICALES

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Reflexiones actuales sobre las Enseñanzas Artísticas Profesionales de Música y Danza...................................................... 56

ÓPERA Iolanta,

ÓPERA DEL MES

LA MÚSICA EN EL CINE

la última ópera de Chaikovski

© Natasha Razina, State Academic Mariinsky Theatre.

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

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Mujeres gestoras, mujeres sonoras....................................... 18

Iolanta, la última ópera de Chaikovski.................................. 26

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VIDAS

vidas, hechos y otros asuntos

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MULIERUM

ÓPERA DEL MES 7

A pesar de que la historia de la música no se ha hecho eco especialmente de ellas, lo cierto es que las mujeres formaron parte activa de la vida musical desde los tiempos más remotos. Una prueba de ello la encontraremos en las trovadoras o trobairitz, término original para designar al colectivo femenino perteneciente al movimiento trovadoresco (y que no debe confundirse con las troveras, que son las mujeres del movimiento trovero). Y es que las trovadoras eran mujeres con una alta formación que componían música y texto, que tocaban y cantaban en público y que, incluso, algunas de ellas, llegaron a ganarse el reconocimiento de sus contemporáneos masculinos.

Sin embargo, no es un secreto que las mujeres en la Edad Media sufrieron enormísimos inconvenientes a la hora de tener acceso a la educación y a la cultura. Por ello, las que tuvieron el privilegio de hacerlo, en primer lugar pertenecían a la alta sociedad y, en segundo lugar, muchas veces solo pudieron expresarse bajo un pseudónimo masculino, habitualmente el nombre de su marido. No obstante, aunque estos casos son minoría, sí que hubo algunos espacios donde las trobairitz pudieron desarrollar su trabajo con cierta libertad. Por ejemplo, el rey Alfonso X el Sabio, probablemente el monarca más culto de la historia, se rodeaba en su corte de trovadoras, a las que no solo admiraba, sino que gozaban de cierto respeto. Este fue el caso, por ejemplo, de María la Balteira, que llegó a ser una auténtica musa del movimiento trovadoresco castellano.

En general, las trovadoras fueron mujeres que transgredieron la norma, pues en un mundo en el que las mujeres solo podían escribir sobre temas religiosos, ellas se atrevieron a abordar el amor y el erotismo, en muchos casos incluso desde una postura homoafectiva.

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Trovadoras......................................................................... 20

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PROMESAS

Joan Enric Lluna: ■

número

Iolanta regresa a los escenarios españoles, esta vez de la mano de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y el Cor de la Generalitat Valenciana, conducidos por Henrik Nánási. Esta puesta en escena, a cargo de Mariusz Trelinski, nos devolverá la luz de la princesa Iolanta, interpretada por Lianna Haroutounian. Los roles del rey y de Vaudemont serán interpretados por Alexander Roslavets y Valentyn Dytiuk, respectivamente, quienes junto al resto del reparto se presentarán al público los días 22, 24, 28 y 31 de marzo en el Palau de les Arts Reina Sofía.

Clásico: Half Light............................................................... 62 Novedades: En las estrellas y Sin novedad............................. 63

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LIBROS DE MÚSICA

Vida y obra de Leonard Bernstein y Cómo motivar para aprender con éxito un instrumento musical........................... 64

TOMANDO NOTAS

El pentagrama infinito. Fin................................................... 65

Iolanta.

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CLAVES El Concierto para violín, de Ligeti:

© Marcel Antonisse / Anefo

Claves para disfrutar de...

un microcosmos de la música contemporánea Ligeti durante un ensayo en 1984.

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por José Ramón Tapia

En su Concierto para violín, Ligeti desarrolla una suerte de recorrido panorámico a través de las fuentes de la música centroeuropea, con algún añadido de música étnica africana, en una simbiosis estilística de la que participa tanto la tradición como la actitud anti-convencional del autor. Ligeti se inspira en fuentes medievales y renacentistas, pero no olvida ciertas inclinaciones al Romanticismo o los grabados laberínticos de M. C. Escher. También se hallan presentes la distorsión sonora, desarrollos en diferentes tempi, algunas audaces incursiones en la inventiva, los lenguajes más contemporáneos, que desvían la notación tradicional hacia la microinterválica, y hasta ciertos desequilibrios que parecen desembocar en un premeditado y habilísimo «desconcierto».

En definitiva, la obra es una especie de microcosmos que sintetiza las esencias estilísticas de Ligeti y supone un brillante ejercicio sobre lo que puede llegar a ofrecer un concierto.

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György Ligeti, uno de los más destacados compositores de la segunda mitad del siglo XX, nació el 28 de mayo de 1923 en Dicsőszentmárton (Transilvania), población que en la actualidad es rumana (Târnăveni), pero su lengua materna fue el húngaro y su ascendencia era judía. De 1941 a 1943 estudió en el Conservatorio de Kolozsvár con Ferenc Farkas. En Budapest recibió clases particulares de Pál Kadosa. Tras los difíciles años de la Segunda Guerra Mundial, en los que perdió parte de su familia, pudo reanudar sus estudios con Farkas y Sándor Veress en la Academia de Música Ferenc Liszt de Budapest, de la que fue nombrado profesor de armonía, contrapunto y análisis de las formas en 1950.

La evolución estilística de Ligeti

La producción de Ligeti, como la de Beethoven, se adapta bastante bien a la clásica división en tres períodos conforme al estilo de sus obras. Las primeras, escritas cuando todavía vivía en Hungría, son bartokianas y, con frecuencia, folklóricas. A los dos meses de los acontecimientos que rodearon el levantamiento popular de 1956, Ligeti abandonó definitivamente Hungría. Se dirigió a Viena y desde allí fue a Colonia, donde pronto contactó con la vanguardia europea y recibió dos de sus grandes influencias: la música electrónica y el serialismo integral. De pronto, Ligeti se encontraba en el epicentro de la vanguardia musical presidida por Stockhausen en la República Federal de Alemania. Es fácil imaginar

la estimulante sensación de descubrimiento que debió invadir a Ligeti, quien se encontró libre de seguir a su imaginación doquiera que fuese —incluyendo, eventualmente, direcciones no aprobadas por algunos de sus colegas—. En los años 60 Ligeti desarrolló un estilo personal al margen de los dictados serialistas, obteniendo una acogida inusual en un compositor de vanguardia.

Hoy día la mayor parte de los artículos, las tesis y los libros acerca de Ligeti inciden sobre su producción desde la época en la que abandonó su tierra natal hasta 1978, año en el que estrenó Le Grand Macabre, su única ópera. Las obras de esos años presentan las características que suelen asociarse al estilo de Ligeti, la más destacada de las cuales es el empleo de texturas de gran densidad, formadas por una superposición de líneas en canon, que generalmente abarca el total cromático, cuyo movimiento puede ser difícilmente discernido por la mera audición. A pesar de la incesante agitación interna, la armonía resulta dotada de una calidad estática. Esta técnica compositiva, basada en superficies sonoras, fue denominada por Ligeti «micropolifonía» y está muy presente en obras como Atmosphères (1961) o Lontano (1967), ambas para gran orquesta.

En 1968, Stanley Kubrick empleó sin su autorización algunas de sus obras —como Réquiem, Lux aeterna y Atmosphères— en la banda sonora de la película 2001: Una odisea del espacio. Ligeti entabló una demanda legal contra él y le exigió una indemnización de un 33

ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES....................................................

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GUÍA DE ORQUESTA Y CORO

Doble concierto para trompeta y trombón de Christian Lindberg: un sueño morisco....................................................................... 68

DVD............................................................................................................

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BUSQUE ESTE DISCO

José Arriola. Orchestral music.............................................. 72

DISCOS RECOMENDADOS..............................................................

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¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...

Al Ayre Español?................................................................. 78

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Editorial

Melómano Es una publicación editada por

Orfeo Ediciones

Teléfono: +34 91 351 02 53 www.orfeoed.com | gerencia@orfeoed.com

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Director Alfonso Carraté

direccion@orfeoed.com

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Ellas hacen música

Jefa de Redacción

Siendo el día 8 de marzo el Día Internacional de la Mujer, queremos dedicar este mes nuestro número de Melómano a las mujeres en general, a las maltratadas en particular, y a las artistas y las que hacen música muy especialmente. No se trata de meros formulismos ni deseamos entrar en polémicas sobre si la llamada discriminación positiva es necesaria u oportuna. Baste decir que ojalá no lo fuera; eso sería síntoma de que el mundo funciona como es debido. Pero esto no es así ahora porque no lo ha sido nunca, al menos en la historia reciente de la cultura occidental. Sabemos, por ejemplo, que Félix Mendelssohn, tan unido a su hermana Fanny, le dijo lo siguiente a su madre en una carta cuando esta le suplicó que publicara obra de Fanny: considero que publicar es algo muy serio […] y uno debería hacerlo solo si está dispuesto a ser un autor toda su vida.

Eso significa una serie de obras, una detrás de otra […] Fanny es una señora y, tal y como es propio, cría a Sebastian y se encarga de la casa […] Permitirle que su música se publique, solo la apartaría de ello.

En nuestras manos está cambiar este tipo de cosas. Y, por supuesto, van cambiando.

Así, para poner nuestro grano de arena en el asunto, Melómano inauguró tan solo hace unos meses una nueva sección titulada Mulierum, que está teniendo gran aceptación entre nuestros lectores. Nuestro agradecimiento a sus dos creadoras, Lucía y Fabiana.

Pero, además, y todo ello en torno al mes de marzo, nuestra sección Vidas, hechos y otros asuntos dedicó su contenido en febrero a La figura de las mujeres en la historia del violín, en marzo a Las mujeres trovadoras (en el presente número), a la soprano Lisa della Casa en abril y a la compositora segoviana María de Pablos en mayo, cuyo nombre ha llevado a la Fundación Don Juan de Borbón a crear un concurso de compositoras.

Hay más efemérides notables a lo largo de 2019, como el 200 aniversario de Clara Schumann en septiembre, que tendrá su oportuno homenaje en nuestra revista llegado el momento.

La figura de las grandes mujeres en la historia de la música es un modelo a seguir que sirve de inspiración para el presente y el futuro, como afirmaba la importante compositora Sally Beamish en Sounds and Sweet Airs: The Forgotten Women of Classical Music de Anna Beer, publicado por Oneworld: Creo que es muy importante encontrar mujeres compositoras del pasado. Cuando era una niña conocí a Clara Schumann y decidí que sería mi santa patrona […] La falta de modelos contribuye a que las chicas sientan que no es algo que podrían hacer, así que tenemos que trabajar muy, muy duro para cambiar esa percepción, no solo por el mundo en general, sino para que las mujeres compositoras crean en sí mismas.

Así, según un estudio realizado a comienzos de 2019 por Bachtrack, basado en su base de datos de 2018, se ha comenzado a programar más mujeres compositoras del pasado. Lili Boulanger y Clara Schumann están entre los cien compositores y compositoras más interpretados del mundo, siendo la primera vez que aparecen mujeres en ese bloque. Además, durante los últimos cinco años, 26 mujeres figuran ahora entre los 400 compositores más programados, el doble que hace un lustro. En lo que se refiere a la creación actual, según la mencionada base de datos de Bachtrack, de las 2.891 obras orquestales contemporáneas interpretadas el año pasado, solo el 12,8 % fueron escritas por mujeres, frente al 87,2 % por hombres, con una gran disparidad entre países. En Alemania y Francia la cifra es increíblemente baja, el 5 %; un gran contraste con Suecia, donde el 37 % de sus obras contemporáneas es de mujeres. Las cifras en Estados Unidos y Reino Unido son del 16 % y el 1 7%, respectivamente, si bien la cifra de Estados Unidos podría haber sido más baja aún de no ser por un tweet de Alex Ross, a comienzos de 2018, que le sacó los colores a la Orquesta de Filadelfia, lo que hizo que esta incluyera mujeres en su programación de 2018-19. Según este mismo estudio, en nuestro país, tan solo el 10 % del repertorio de música contemporánea que interpretan las orquestas españolas ha sido compuesto por mujeres.

Quizás hace unos años fuera tan solo el 2 %, pero hemos de desear que en un futuro próximo sea más de la mitad.Todo será perfecto cuando a nadie le preocupe tener que hacer tantos números porque estos tan solo dependan de la calidad de los creadores, creadoras e intérpretes en general, independientemente de su sexo. ■

Redacción

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Susana Castro Para envíos de libros, discos y DVD: redaccion.melomano@orfeoed.com redaccion@orfeoed.com Fernando Calatayud Diego Manuel García

Discos

Coordinadora sección discográfica: Susana Castro Francisco J. Balsera Pablo F. Cantalapiedra | Prado Fernández Diego Manuel García Lucía Martín-Maestro Verbo Abelardo Martín Ruiz | Antonio Pardo Larrosa Enrique Pastor Morales | Alessandro Pierozzi José Prieto Marugán | Antonio Ríos Rojas Ana R. Colmenarejo | Antonio Soria Pedro Téllez

Colaboran

Gregorio Benítez Suárez Paula Coronas Pablo F. Cantalapiedra Iciar L.Yllera (ilustraciones) Tomás Marco Sofía M. Gascón Lucía Martín-Maestro Verbo Amparo Molero Marco Antonio Molín Ruiz Antonio Pardo Larrosa Luis Ponce de León José Prieto Marugán Paz Ramos Laura Recio Andrés Sánchez Alonso Fabiana Sans Arcílagos José Ramón Tapia Ximo Vicedo Sección Enseñanzas Musicales: Encarni Alises Camacho Mª Jesús Camino Rentería Antonio Narejos Albert Nieto Ana Pilar Zaldívar Gracia

Suscripciones y números atrasados admon@orfeoed.com www.orfeoed.com/tienda

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Dep. Legal: M-21540-1996 ISSN: 1136-4939 Impreso en España | Printed in Spain ISSN: 2531-0879

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Melómano no se hace responsable de las opiniones vertidas en los reportajes e informaciones firmadas.Todos los derechos reservados. Esta publicación no puede ser reproducida ni en todo ni en parte, ni registrada en, ni transmitida por cualquier sistema sin el permiso previo por escrito de la editorial.

ENTREVISTA

Joan Enric Lluna: cerca de la gente ■

por Paz Ramos

Joan Enric Lluna, uno de los mejores clarinetistas del mundo, compagina su actividad como solista con la dirección orquestal y la docencia. Es un investigador incansable, ha colaborado con los más prestigiosos grupos de cámara, como los cuartetos Brodsky o Tokio. Fue escogido por Lorin Maazel como primer clarinete de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, titular del Palau de les Arts. Ha actuado con la London Philharmonic Orchestra o la Academy of St Martin in the Fields.

Impulsor y director del grupo de cámara Moonwinds, con ellos ha obtenido recientemente un gran éxito con su disco dedicado a Salvador Bacarisse y su concierto Le jour de l’an, que incluía también el Divertimento de Jesús Bal y Gay (publicado con IBS Classical, cuya reseña pueden consultar en el número 246 de Melómano).

Entre su amplísima discografía destacan el Concierto para clarinete de Mozart, con la Orquestra de Cadaqués bajo la batuta de Sir Neville Marriner (Tritó) y con la English Chamber Ochestra con Antony Pay en el podio (Cala Records). Más recientemente, y apostando por la música española, grabó un disco homenaje a nuestros músicos en el exilio junto a Juan Carlos Garvayo (publicado con Tritó, cuya reseña pueden consultar en el número 224 de Melómano). Este mismo mes verá la luz una grabación con música de Leonard Bernstein y Benny Goodman, Jazz Impact (IBS Classical).

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ENTREVISTA

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L’Apothéose:

con las alas de la excelencia: ■ por Pablo F. Cantalapiedra

Fundado hace apenas tres años en Madrid, el ensemble L’Apothéose se ha revelado como una de las formaciones más prometedoras del panorama nacional, con el aval de los laureles en las competiciones internacionales de música antigua y su nombre en la programación de varios festivales españoles de primera línea. Hablamos con ellos sobre el concepto del proyecto, su recorrido y su proyección.

¿Cómo nace L’Apothéose?

Carla: El proyecto nace en diciembre de 2015 en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde Laura y yo coincidimos en la asignatura de Música de Cámara impartida por el profesor Alberto Martínez. Queríamos seguir tocando juntas, así que se nos ocurrió presentarnos a un concurso con Ilhae Kim al clave. Dimos nuestro primer concierto en la competición de York de abril de 2016. Estuvimos probando un tiempo, pero ella vivía en Fráncfort y nosotras en Madrid, así que tuvo que dejar el proyecto. Entonces se nos ocurrió hablar con Asís, y estuvimos un tiempo hablando con él, y Amaya Figueredo entró a la vez como violinista. Ella nos dejó, así que propusimos a Víctor que se uniese. Así quedó cerrado el grupo hasta hoy.

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¿Se podría decir que L’Apothéose nace en las competiciones?

Carla: Desde luego, la competición de York fue el impulso para ponernos a trabajar con una fecha en el horizonte. Era también una manera de salir a Europa y ver cómo se funcionaba fuera, qué hacían los otros grupos, con el incentivo de dar clases con profesores como Jesper Christensen. Allí ganamos el segundo premio, para nuestra sorpresa, y decidimos seguir y moldear la formación. Las distancias eran un problema, así que buscamos un clavecinista en España. Asís fue la opción desde el principio, pero siempre le vimos tan ocupado que tardamos un tiempo en llamar a su puerta y, cuando lo hicimos, nos dijo que era lo que estaba esperando desde hacía tiempo.

PROMESAS

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vidas, hechos y otros asuntos

Trovadoras

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por Lucía Martín-Maestro Verbo

A pesar de que la historia de la música no se ha hecho eco especialmente de ellas, lo cierto es que las mujeres formaron parte activa de la vida musical desde los tiempos más remotos. Una prueba de ello la encontraremos en las trovadoras o trobairitz, término original para designar al colectivo femenino perteneciente al movimiento trovadoresco (y que no debe confundirse con las troveras, que son las mujeres del movimiento trovero). Y es que las trovadoras eran mujeres con una alta formación que componían música y texto, que tocaban y cantaban en público y que, incluso, algunas de ellas, llegaron a ganarse el reconocimiento de sus contemporáneos masculinos.

Sin embargo, no es un secreto que las mujeres en la Edad Media sufrieron enormísimos inconvenientes a la hora de tener acceso a la educación y a la cultura. Por ello, las que tuvieron el privilegio de hacerlo, en primer lugar pertenecían a la alta sociedad y, en segundo lugar, muchas veces solo pudieron expresarse bajo un pseudónimo masculino, habitualmente el nombre de su marido. No obstante, aunque estos casos son minoría, sí que hubo algunos espacios donde las trobairitz pudieron desarrollar su trabajo con cierta libertad. Por ejemplo, el rey Alfonso X el Sabio, probablemente el monarca más culto de la historia, se rodeaba en su corte de trovadoras, a las que no solo admiraba, sino que gozaban de cierto respeto. Este fue el caso, por ejemplo, de María la Balteira, que llegó a ser una auténtica musa del movimiento trovadoresco castellano.

En general, las trovadoras fueron mujeres que transgredieron la norma, pues en un mundo en el que las mujeres solo podían escribir sobre temas religiosos, ellas se atrevieron a abordar el amor y el erotismo, en muchos casos incluso desde una postura homoafectiva.

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VIDAS

Š à lvaro R. Arizaga Castro

Uno de los motivos centrales de las pinturas de la Iglesia de Vilar de Donas (Palas de Rei, Lugo).

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ÓPERA DEL MES

■ por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

Iolanta regresa a los escenarios españoles, esta vez de la mano de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y el Cor de la Generalitat Valenciana, conducidos por Henrik Nánási. Esta puesta en escena, a cargo de Mariusz Trelinski, nos devolverá la luz de la princesa Iolanta, interpretada por Lianna Haroutounian. Los roles del rey y de Vaudemont serán interpretados por Alexander Roslavets y Valentyn Dytiuk, respectivamente, quienes junto al resto del reparto se presentarán al público los días 22, 24, 28 y 31 de marzo en el Palau de les Arts Reina Sofía.

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ÓPERA Iolanta,

© Natasha Razina, State Academic Mariinsky Theatre.

la última ópera de Chaikovski

Iolanta.

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© Marcel Antonisse / Anefo

Claves para disfrutar de...

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por José Ramón Tapia

En su Concierto para violín, Ligeti desarrolla una suerte de recorrido panorámico a través de las fuentes de la música centroeuropea, con algún añadido de música étnica africana, en una simbiosis estilística de la que participa tanto la tradición como la actitud anti-convencional del autor. Ligeti se inspira en fuentes medievales y renacentistas, pero no olvida ciertas inclinaciones al Romanticismo o los grabados laberínticos de M. C. Escher. También se hallan presentes la distorsión sonora, desarrollos en diferentes tempi, algunas audaces incursiones en la inventiva, los lenguajes más contemporáneos, que desvían la notación tradicional hacia la microinterválica, y hasta ciertos desequilibrios que parecen desembocar en un premeditado y habilísimo «desconcierto».

En definitiva, la obra es una especie de microcosmos que sintetiza las esencias estilísticas de Ligeti y supone un brillante ejercicio sobre lo que puede llegar a ofrecer un concierto.

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CLAVES El Concierto para violín, de Ligeti: un microcosmos de la música contemporánea Ligeti durante un ensayo en 1984.

György Ligeti, uno de los más destacados compositores de la segunda mitad del siglo XX, nació el 28 de mayo de 1923 en Dicsőszentmárton (Transilvania), población que en la actualidad es rumana (Târnăveni), pero su lengua materna fue el húngaro y su ascendencia era judía. De 1941 a 1943 estudió en el Conservatorio de Kolozsvár con Ferenc Farkas. En Budapest recibió clases particulares de Pál Kadosa. Tras los difíciles años de la Segunda Guerra Mundial, en los que perdió parte de su familia, pudo reanudar sus estudios con Farkas y Sándor Veress en la Academia de Música Ferenc Liszt de Budapest, de la que fue nombrado profesor de armonía, contrapunto y análisis de las formas en 1950.

La evolución estilística de Ligeti

La producción de Ligeti, como la de Beethoven, se adapta bastante bien a la clásica división en tres períodos conforme al estilo de sus obras. Las primeras, escritas cuando todavía vivía en Hungría, son bartokianas y, con frecuencia, folklóricas. A los dos meses de los acontecimientos que rodearon el levantamiento popular de 1956, Ligeti abandonó definitivamente Hungría. Se dirigió a Viena y desde allí fue a Colonia, donde pronto contactó con la vanguardia europea y recibió dos de sus grandes influencias: la música electrónica y el serialismo integral. De pronto, Ligeti se encontraba en el epicentro de la vanguardia musical presidida por Stockhausen en la República Federal de Alemania. Es fácil imaginar

la estimulante sensación de descubrimiento que debió invadir a Ligeti, quien se encontró libre de seguir a su imaginación doquiera que fuese —incluyendo, eventualmente, direcciones no aprobadas por algunos de sus colegas—. En los años 60 Ligeti desarrolló un estilo personal al margen de los dictados serialistas, obteniendo una acogida inusual en un compositor de vanguardia.

Hoy día la mayor parte de los artículos, las tesis y los libros acerca de Ligeti inciden sobre su producción desde la época en la que abandonó su tierra natal hasta 1978, año en el que estrenó Le Grand Macabre, su única ópera. Las obras de esos años presentan las características que suelen asociarse al estilo de Ligeti, la más destacada de las cuales es el empleo de texturas de gran densidad, formadas por una superposición de líneas en canon, que generalmente abarca el total cromático, cuyo movimiento puede ser difícilmente discernido por la mera audición. A pesar de la incesante agitación interna, la armonía resulta dotada de una calidad estática. Esta técnica compositiva, basada en superficies sonoras, fue denominada por Ligeti «micropolifonía» y está muy presente en obras como Atmosphères (1961) o Lontano (1967), ambas para gran orquesta.

En 1968, Stanley Kubrick empleó sin su autorización algunas de sus obras —como Réquiem, Lux aeterna y Atmosphères— en la banda sonora de la película 2001: Una odisea del espacio. Ligeti entabló una demanda legal contra él y le exigió una indemnización de un 33

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17º

Premio

Internacional de Interpretación

Intercentros Melómano

Ganador Grado Profesional Guillem Gràcia Soler Escola Municipal de MúsicaConservatori de Terrassa

GIRA DE CONCIERTOS: - Orquesta Metropolitana de Madrid - Orquesta Juvenil Europea de Madrid - Joven Orquesta Sinfónica de Granada - Orquesta Filarmónica Martin i Soler de Valencia - Orquesta Filarmonía de Granada

- Asociación de Música de Cámara de Alicante (AMCA) - Amics de la Música de Valls - MUSEG, Festival Musical de Segovia - Festival de Música de La Mancha - FIAPMSE

INFORMAR

| NOTICIAS

El Cuarteto Gerhard, residente en el Palau de la Música Catalana

Los cuartetos para cuerda que Mozart dedicó a Haydn serán el hilo conductor de sus conciertos

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l pasado mes de enero el Cuarteto Gerhard ofreció el primero de una serie de conciertos que tendrán lugar en el Palau de la Música Catalana a lo largo de los próximos tres años con motivo de su residencia en este espacio. Interpretarán dos conciertos por temporada, que tendrán como hilo conductor la integral de los cuartetos que Mozart dedicó a Haydn.

El segundo concierto del Cuarteto Gerhard de esta temporada en el Palau tendrá lugar el 28 de mayo, con el Cuarteto núm. 17 «la Caza» de Mozart, al que acompañarán el estreno en España del Cuarteto núm. 8 de Philip Glass, también compositor invitado esta temporada en el Palau, y el Cuarteto núm. 15 de Franz Schubert.

Desde que en 2012 ganaran el Primer Palau, el cuarteto formado por los violinistas Luis Castán y Judit Bardolet, el violista Miguel Jordán y el violonchelista Jesús Miralles —que adoptaron su nombre del compositor Robert Gerhard, por su enorme sensibilidad por el sonido y por un respeto profundo por la música, como uno de los más grandes valores humanos— han cosechado enormes éxitos. Ganador de numerosos concursos de música de cámara, el Cuarteto ha sido finalista en el prestigioso ICMC de Hamburgo y ha obtenido recientemente el tercer premio del Concurso Internacional Irene-Steels-Wilsing de Berlín. n

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Clausura del Ciclo Juan Vázquez 2019

Organizado por el Instituto Extremeño de Canto y Dirección Coral

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ste mes de marzo tendrá lugar la clausura del Ciclo Juan Vázquez 2019, que forma parte del proyecto Extremadura y su Música 2019-Programación Lírica Extremeña, organizado por el Instituto Extremeño de Canto y Dirección Coral (InDiCCEx).

La cita tendrá lugar el 15 de marzo, y se trata de un concierto a cargo del grupo VN, un ensemble liderado por Víctor Sordo, antiguo alumno del Conservatorio Superior de Música «Bonifacio Gil» de Badajoz, que interpretará junto a Sonia Gancedo (contralto) y Manuel Minguillón (cuerda pulsada), Lachrimae, un programa compuesto por una selección de obras del Renacimiento y del Barroco europeo. Un viaje a través de los diferentes estilos compositivos y, en especial, del tratamiento madrigalístico que estos han dado a la literatura de las lágrimas, los suspiros y los lamentos, un tema recurrente que se ha usado en todas las épocas.

El programa oficial de esta IV edición

del Ciclo ha acogido un curso-seminario para cantantes profesionales, «El Renacimiento extremeño, español e iberoamericano», con los profesores Raúl Mallavibarrena y Alonso Gómez; y tres conciertos: Música Ficta con la dirección de Raúl Mallavibarrena (15 de febrero), el Aula de Canto Histórico del Conservatorio Superior de Música «Manuel Castillo» de Sevilla (24 de febrero), y el que cerrará el Ciclo este mes.

Además, de forma paralela a estas actividades, se han programado un ciclo de conferencias sobre la figura de Juan Vázquez & Hernando Franco en conservatorios de la región; la segunda edición de «La música antigua en lenguaje de niños», una iniciativa del InDiCCEx que tuvo muy buena acogida en la pasada edición y que trata de acercar este estilo y lenguaje a los más jóvenes; así como un ciclo de actividades didácticas y divulgativas dentro y fuera de Badajoz. n

Presentada la editorial Ibemusik editions De la mano de Iberian & Klavier Piano Duo

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l pasado mes de febrero tuvo lugar la presentación de la editorial Ibemusik editions. Laura Sierra y Manuel Tévar, Iberian & Klavier Piano Duo, se lanzan de esta manera al mundo editorial presentando su primer libro de partituras, culminando con esta edición crítica el lanzamiento al mercado de su tercer disco, El piano del maestro Alonso.

Este libro, dedicado a las partituras del disco homónimo, será el primero de dos volúmenes, siendo el segundo una colección de piezas inéditas para piano solo que cerrarán el ciclo editorial dedicado al compositor granadino.

El piano del maestro Alonso toma como fuente principal los manuscritos conservados en el archivo de do-

cumentación musical de Andalucía y la edición como trabajo musicológico de Rubén Fernández Picardo, que se revela como un documento de estudio y documentación. Laura y Manuel realizan con esta publicación una aportación desde el punto de vista interpretativo, añadiendo indicaciones de fraseo, articulación, matices y digitación, que pretenden servir de guía estilística a aquellos que desean interpretar este repertorio.

Tévar y Sierra presentaron Ibemusik Editions con tres líneas editoriales: recuperación de patrimonio; arreglos y adaptaciones, materiales pedagógicos; y repertorio del siglo XXI con un alto porcentaje de publicaciones de Tévar, Premio de la Real Academia de Bellas Artes 2006. n

LA MÚSICA EN EL CINE Título: Half Light Director: Craig Rosenberg Música: Brett Rosenberg

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uizá… o también, de la tristeza y el momento; pues esta emoción humana se ciñe a un periodo de tiempo trenzado entre un hecho golpeado por la pena y la efímera capacidad de asimilarlo. De la tristeza y el misterio (suspense), o la realidad que emerge de las profundidades de lo oculto para arribar a la costa de la desesperación, bien podría ser otra de las imágenes, de sal, crestas y arena, sobre las que se levanta el argumento de Half Light, película dirigida por Craig Rosenberg y protagonizada por Demi Moore.

Como muy bien escribe Fausto Fernández en su crítica realizada para la revista Fotogramas el 29 de mayo del 2008: «Tres son los canónicos modelos anglosajones que hilvana, con simpática destreza En las tinieblas: el doméstico drama ectoplásmico en el cual un fallecimiento sacude una tensa normalidad; el viaje al crepúsculo mágico de mitologías célticas (como la reciente The Dark) y la intriga fantasmal criminal que vino mutando desde Luz de gas en 1940 a Dominique en 1978. Tamaño regusto elimina el temor que servidor tenía de que el film fuera un Ghost maternal para una alicaída Moore. La actriz saca fuerzas de sus horas bajas (y cirugías caducadas) aguantando con competencia un rol que no desentonaría en las páginas de relatos de Daphne du Maurier, Anya Seton o Angus MacPhail. Todo sucede con inquietante placidez en esta triste cinta gótica donde las almas en pena lloran por la maldad de los vivos. No supone un salto de riesgo y evolución en el género, pero tampoco se despeña en las simas de la vergüenza ajena. Para entregados a la intriga sobrenatural. Lo mejor: su desarmante fidelidad a

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De la tristeza y el miedo cierto fantástico británico. Lo peor: un injustificable y vacío doble susto onírico».

Aunque las palabras de Fausto Fernández no hacen referencia a la fantástica composición de Brett Rosenberg, lo cierto es que, sin esta, Half Light habría caído en una tediosa sucesión de tópicos y típicos clichés de género que habrían conducido a la historia por unos derroteros muy diferentes. Por tanto, esta cinta de pseudo-suspense a la británica es un ejemplo más de cómo la música tiene la enorme capacidad de sostener aquello que las imágenes y el guion no pueden…

La delgada línea que en ocasiones separa la felicidad de la tristeza se quiebra, como el junco podrido que descansa yermo sobre la orilla del arroyo, a través de la música de Brett Rosenberg; farero de atardeceres y amaneceres que en su particular soliloquio describe la estrecha y honda relación que existe entre estas dos emociones. Anclada en la vetusta tradición cinematográfica norteamericana (a pesar de su procedencia inglesa), Half Light es un thriller con tintes sobrenaturales que expone una inquietante revisión del género. Austera y sin trampa, la historia deambula sobre los acordes que emanan de las 88 teclas del piano, instrumento de regias tonalidades que el músico utiliza para describir, ora la felicidad de la protagonista, ora la pena producida por

la pérdida del ser querido. A través de un elegante y afligido discurso, la música se torna lugareña describiendo los estados mentales (hic et nunc) por los que atraviesan los personajes de la historia. El músico utiliza el violín, habitante procedente de la tradición celta, como la voz femenina que se aferra con fuerza (pasión) a la esperanza; a la vida… grito desesperado que golpea con rabia las nubladas costas de lo incomprensible. De la tristeza a lo sobrenatural, o la senda recorrida por los etéreos sonidos empleados para dibujar la imagen sobrenatural de los recuerdos, es la última imagen que el compositor proyecta sobre los acantilados de la locura que sirven de epílogo a esta fantástica creación musical.

Brett Rosenberg firma una bellísima partitura, afligida y nostálgica, que utiliza los elementos típicos del género aportando a la historia ese halo romántico tan en desuso hoy día. El piano, el violín y un refinado gusto por el leitmotiv, plática de hidalgos sin armadura, son los argumentos utilizados por el músico para narrar una historia que hunde sus raíces en la delgada y efímera línea que separa la tristeza de la felicidad; emociones que Rosenberg transforma a través de su elegante trazo. n

■ Texto: Sofía M. Gascón Ilustración: Iciar L. Yllera

TOMANDO NOTAS Al final, todo se sabe. Y ya había pasado demasiado tiempo… Los obreros ya subían camino al ático donde Mabel guardaba todos sus escritos prohibidos. Todo saldría a la luz.

Por lo menos he volado más alto que la mayoría, antes de que me metan en la jaula. Aunque no sé hasta qué punto eso es bueno… Haber vivido lo invivible al menos una vez, o haber conocido aquello a lo que nunca más podré regresar…

Baja uno de los obreros. Recorre la recepción y sale por la puerta. —A llamar a la policía, supongo— Tarda unos segundos hasta que vuelve a aparecer, esta vez con una herramienta.

—Disculpe, ¿qué tal todo por ahí?

—Pues hombre… No muy bien. ¿Cómo va a ir? Está todo mojado. Eso habría que haberlo arreglado hace un año. Ahora va a darnos mucho trabajo, señora —Se extraña—. Sí, pero… ¿no han encontrado nada raro?

—Todas las humedades son iguales. Si me disculpa… — Se va.

La cabeza de Mabel se quiebra en mil piezas de un puzle que parece imposible de acabar. Algo no cuadra. El miedo se convierte en un ácido denso

que le pesa en el estómago, y su corazón late a dos mil revoluciones. Algo pasa, y se decide a subir para averiguarlo.

Sube las escaleras de dos es dos. Jadea. El ritmo acelerado al que sube los escalones se acrecienta y compite con las pulsaciones que golpean el interior de su pecho.

Ya llega.

Sube el último peldaño y… nada. Solo su mesa, su corcho todo lleno de chinchetas, y los productos de limpieza. Camina despacio, recorriendo el espacio, todo entero vacío de historias y de recuerdos. Pero entonces, una patada despeja las cortinas de las ventanas, un rayo de luz cruza el suelo, y al final de la línea de sol que dibuja el cielo, sobre el parqué, un rollo de papel higiénico.

El corazón le da un vuelco.

Corre hacia él, y entonces…

—Joder, menos mal. Con la humedad que hay aquí es imposible que ninguno aguante sin alergia —Coge el rollo—. Todo el jodido día teniendo que tragarme los mocos…

Mabel clava su mirada en el inmaculado papel blanco. El obrero corta un pedazo, lo dobla, se lo lleva a la nariz y es entonces cuando el ama de llaves descubre unas letras negras en su reverso. Y de pronto: —¡NOOOO! —Grita cortando el aire.

—¡Achís! —Se suena—. ¿Señora?, ¿pasa algo?

Corre hasta él.

—No… pero… —Coge el papel húmedo que todavía sostiene sobre sus roja nariz—.

Si tiene usted alergia no debería utilizar este papel que está lleno de polvo. Le traeré un pañuelo limpio— Se va corriendo con él en la mano. Y lo despliega con cuidado, para que el pringue verdoso no estropee las letras. Un millón de preguntas rondan por su cabeza. ¿Quién habrá hecho todo esto? ¿Dónde estarán los rollos? Y tras un sonido viscoso: «Si los quieres, ven por ellos (Fdo. 14)».

No hay que ser un genio para atar cabos… Ha sido ella. La mujer extraña sin perro.

No tarda ni un minuto en colocarse frente a la habitación. Y allí plantada, con el cuerpo inmóvil, se pelea con uñas y dientes con sus dudas y sus miedos, cuando, de repente, no sabe bien ni cómo ni por qué, llama a la puerta.

—¡Hola! —Saluda Julia—. Sí que has tardado.

Es una pena, porque eso significa que hace tiempo que no subes a escribir.

—¿Lo sabías?

—Claro. Basta con mirarte a los ojos más de diez segundos seguidos. Tampoco es que sea una Sherlock, ¿sabes? Lo que no sé es cómo lo has ocultado tanto tiempo. Si se te sale el arte por los poros.

—¡SHHH! —Chista. Entra en la habitación y cierra tras de sí la puerta—. Por favor, no se lo cuentes a nadie, llevo años escribiendo, ¿sabes cuantas décadas de cárcel me podrían caer por eso? Me condenarías a… —De pronto, la visión de la habitación la distrae.

Por el suelo revolotean un millar de partituras arrugadas, gastadas por las manos, el café y el tiempo. En la mesa se apilan los dichosos rollos desaparecidos. En la cama, una guitarra. Y, al lado de la puerta, dos maletas.

—Por eso querías la habitación alejada. Para que no te oyésemos tocar la guitarra… Nunca hubo ningún perro… Y ahora, ¿te vas?

—Nos vamos. Mi «perro», tú y yo. Yo pongo la música y tú la letra. Y recorreremos pentagramas hasta que se nos acaben los rollos. Aunque tengamos que vivir escondidas. Pero vivamos libres. Juntas. Y, ¿qué hay en el mundo más liberador que la música? —Sonríe.

—¿Te vienes o no?

El resto de la historia… lo dejo en vuestras manos.

El pentagrama infinito Fin 65

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PRÓXIMO NÚMERO | ABRIL 2019

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MARZO 2019 EN PORTADA

■ Entrevista Festival de Percusión José Antonio Montaño Emoción II BIG Verbo BANG por Lucía Martín-Maestro .

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Dom 03 - Kinetic Percussion Duo “Binari Code” Ópera del mes

Dido y Eneas PurcellRodrigo Gisbert Dom 10, de - Noè por“Fire Fabiana Sans Arcílagos over Water”

Sab 16 para - Ricardo Descalzo Claves disfrutar del...

Concierto para clarinete, de Mozart “Dreaming Drums”

por Tania Herráiz ■ .

Dom 17 - Neopercusión “A Journey beyond time” Vidas, hechos y otros asuntos Sab 23 - Martínez / Galiana / 150 aniversario de Lisa della Casa Fernández por Diego Manuel García

“First impro meeting”

Dom 24 - Kontakte Grup de Percussió “Dotze Treballs D’Hercules” Dom 31 - Liber-Quartet “West Side Story”

y mucho más