Número 253 | junio 2019 | Año XXIV
Iberian & Klavier, diez años como dúo
CLAVES
Concierto para piano y orquesta núm. 3, de Serguéi Rajmáninov EDITORIAL
Música en la pantalla ÓPERA DEL MES
Capriccio, de Richard Strauss
Sumario
JUNIO 2019
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ENTREVISTA
ENTREVISTA
ENTREVISTA
Iberian & Klavier, diez años como dúo..................................
Iberian & Klavier,
Noelia Rodiles y «El efecto mariposa»................................... 12
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por Ana R. Colmenarejo
Laura Sierra y Manuel Tévar celebran el décimo aniversario de Iberian & Klavier, el dúo de piano que formaron en 2009 y con el que han llevado el repertorio español por todo el mundo, ganándose la admiración y el respeto de los críticos más exigentes, consolidándose y proyectándose hoy en día como uno de los dúos de piano más importantes y reconocidos del panorama musical. Conocemos sus planes para el futuro y hablamos de cómo han sido estos diez años como dúo y de cómo están viviendo este momento.
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¿Cuándo llegó la idea de grabar un disco? M: Nuestro primer mánager, Rubén Someso, fue determinante en esta idea. Su influencia en este sentido para nosotros fue muy importante en estos primeros pasos. Fue cuando entendimos que tocar muy bien no era lo único, debíamos gestionar nuestra imagen, nuestro proyecto como dúo, nuestra carrera más allá de las seis horas de estudio, más allá del escenario. Y, por supuesto, entre esas buenas ideas, estaba la de tener una carta de presentación para que tanto el público como el programador que deseara escuchar nuestro trabajo, lo tuviese rápidamente en la mano, era una perfecta carta de presentación, y así resultó. L: Fue una experiencia vertiginosa porque grabar es otro mundo. Es algo diferente porque tienes que buscar esa magia cuando no tienes un público ahí delante escuchándote e inspirándote. Tienes el micrófono, la sala, el ingeniero y los pianos. No se trata de que sea algo perfectamente empaquetado sino de hacer que la música esté viva. La mejor manera de llegar a una grabación es haber tocado mucho en directo el repertorio que grabas. ¿Qué significa Iberian & Klavier? ¿Por qué decidisteis llamaros así? M: Bueno, esto fue también muy divertido. Cuando empezamos a pensar en desarrollar una carrera artística lo primero que necesitábamos era ese nombre que nos identificase más allá de nuestros
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MULIERUM
Ellas, vencedoras................................................................ 18 VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS
Jaime Facco (1676-1753): fundador de la escuela violinística española............................................................................ 20
© Michal Novak
¿Cómo empezó vuestro proyecto como dúo de piano? Laura: Nos conocimos y nos gustamos musicalmente. Empezamos a tocar rarezas, música española de Murguía que no se tocaba, valses de Sor para piano a cuatro manos que habitualmente son para guitarra. Era una conexión natural, nos divertíamos y empezó a crearse algo que fue avanzando poquito a poco. Manuel: Sí, conectábamos muy bien y para nosotros era una forma muy especial también de comunicarnos. Nos lo pasábamos francamente bien, nos dimos cuenta de que aquello que empezó como un divertimento empezaba a funcionar y comenzamos a dar conciertos. L: Tocábamos porque surgían ocasiones y, de repente, alguien que nos había escuchado nos invitaba a tocar en otro sitio. Fuimos sembrando, por así decirlo, nuestra propia cosecha. Al principio la única pretensión era la de seguir divirtiéndonos y la de compartir esa diversión con la gente, con el público. Fue como una red que se expandía poco a poco, y nos dimos cuenta de que funcionaba y que cada vez nos gustaba más. Lo más especial para nosotros es poder hablarnos sin palabras, solo con música, y compartirla con el público, que siempre está deseoso de experimentar sensaciones a través de ella. M: Usando una terminología moderna, podríamos decir que nuestra forma de tocar y nuestra convicción de tocar algo juntos se «viralizó».
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PROMESAS CUMPLIDAS
diez años como dúo
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número
ÓPERA DEL MES
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Capriccio, una conversación musical de Richard Strauss......... 26
VIDAS
© Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
vidas, hechos y otros asuntos
fundador de la escuela violinística española
INFORMAR
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Giacomo Facco es, por derecho propio, figura clave del desarrollo musical de la España dieciochesca, fundamentalmente entre las décadas de 1720 y 1750. Es de justicia considerarlo el «padre» de la moderna escuela italiana de violinistas-compositores que se establecieron en España. Igualmente, el maestro nos legó su experiencia forjada en los mejores tiempos de la escuela veneciana. Influencias venecianas sobre nuestra música instrumental y violinística que han sido olvidadas en la mayoría de los análisis realizados hasta la fecha, los cuales se han centrado en acertadas miradas hacia Nápoles o Roma y, en menor medida, hacia Francia. Nuestro compositor, no solo nos legó la música de estilo veneciano, sino que dio un impulso al desarrollo de la música instrumental, que tanta falta hacía y, sobre todo, fue esencial para la consolidación de la ópera en la Península Ibérica. Además, coadyuvó al asentamiento de nuevas formas compositivas hasta entonces inéditas en España, y es justamente ahí donde radica su vital importancia para el papel del violín en el hispano Siglo de las Luces. Acerca de Facco, sería injusto avanzar sin reconocer el legado del que fue su descubridor y pionero, Uberto Zanolli, el cual nos puso en la senda. Igualmente muy destacables fueron los trabajos de Annibale Cetrangolo, centrados principalmente en su música vocal. Además de las visiones y aportaciones desarrolladas en la tesis doctoral del autor que suscribe este artículo: «El violín en la España del siglo XVIII desde Giacomo Facco a Felipe Libón: evolución histórico-artística y pedagógica».
La enseñanza musical celebra inauguraciones y centenarios... 56 21
LA MÚSICA EN EL CINE
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Clásico: El árbol sin sombra................................................. 62 Novedades: Hellboy, Pet Sematary y The History Of Eternity... 63
ÓPERA
ÓPERA DEL MES
Capriccio, una conversación musical de Richard Strauss
© Todd Rosenberg
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Génesis de la obra
Claves para disfrutar del...
Concierto para piano y orquesta núm. 3, de Serguéi Rajmáninov
LIBROS DE MÚSICA
Coronis. Una zarzuela en tiempos de guerra, Mompou. El eterno recomenzar y Vida de Giuseppe Verdi.......................................... 64
por Diego Manuel García
Capriccio es la última creación de Richard Strauss (Múnich, Baviera, 11 de junio de 1864-Garmisch-Pantenkirchen, Baviera, 8 de septiembre de 1949) en el mundo de la ópera. Compuesta entre 1940 y 1941, supone la culminación de un período de casi cincuenta años, transcurridos desde el estreno de su primera ópera, Guntram, en 1894. En ese larguísimo espacio de tiempo Richard Strauss creará quince óperas, que le convierten en uno de los más grandes compositores de toda la historia del género. Después de los fracasos que supusieron Guntram y su segunda ópera Feuersnot de 1901, Strauss consiguió su primer gran éxito con Salomé, estrenada en 1905, a partir del drama de Oscar Wilde, traducido al alemán por Hedwig Lachmann. Después compondrá una serie de títulos de extrema calidad: Elektra en 1909; Der Rosenkavalier (El caballero de la rosa) en 1911; Ariadne auf Naxos (Adriana en Naxos) en 1912, con una segunda versión en 1916; Die Frau ohne Schatten (La mujer sin sombra) en 1919; Die ägyptische Helena (Helena egipcia) en 1928; y Arabella en 1933. En todos ellos intervino como libretista el famoso poeta y dramaturgo austriaco Hugo von Hofmannsthal, cuyo talento como escritor fue el complemento ideal para la música compuesta por Strauss.
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La muerte de Hofmannsthal, en 1929, cuando ya había concluido el libreto de Arabella, fue un duro golpe para Strauss. En su siguiente ópera, Die schweigsame Frau (La mujer silenciosa), compuesta en 1934, el libreto fue realizado por el gran escritor austriaco Stefan Zweig, quien, precisamente ese mismo año, había descubierto en el museo británico un libreto del siglo XVIII, escrito por Giovanni Battista Casti, para la ópera Prima la música dopo le parole, de Antonio Salieri (el gran rival de Mozart) estrenada en 1786. Zweig informó a Strauss del descubrimiento, y el compositor muniqués se mostró interesado en retomar ese libreto para realizar un proyecto teatral, aunque en esta ocasión no quería que fuera una ópera en el sentido estricto, sino más bien una pieza experimental a medio camino entre una ópera y una obra teatral. Strauss quería que fuese Zweig el autor del libreto. Sin embargo, no fue posible, ya
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ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES....................................................
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Conciertos del Coro RTVE en los Reales Sitios....................... 68 DVD............................................................................................................
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CLAVES
Vivaldi: Il Giustino............................................................... 72
DISCOS RECOMENDADOS..............................................................
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¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...
Será interpretado los días 6, 7, 10, 11 y 13 de junio por el pianista Alexei Volodin, junto a la Orquesta Sinfónica de Euskadi bajo la dirección de Robert Treviño.
Nereydas?........................................................................... 78
por Gregorio Benítez
Pocos nombres se muestran tan ineludiblemente unidos a un instrumento como el de Rajmáninov. El genial compositor, intérprete y director ruso, dedicó al piano el lugar principal dentro de un ingente catálogo artístico en el que se incluye también música orquestal, música de cámara, óperas, lieder y música coral. De entre todo su testamento artístico, su Concierto núm. 3 en Re menor sobresale como un auténtico monte Everest: una cima de la literatura pianística rodeada de leyenda que ha otorgado —y sigue proporcionando— la gloria a aquellos virtuosos que han sabido alcanzarla exitosamente. M
SERVICIO DE SOCORRO...................................................................
GUÍA DE ORQUESTA Y CORO
que Zweig era judío y no podía volver a Alemania por la persecución nazi. El proyecto fue pospuesto. Entre tanto, Richard Strauss compuso tres nuevas óperas con libretos del escritor austriaco Joseph Gregor: Friedenstag (Día de paz) en 1936; Daphne en 1937; y Die Liebe der Danae (El amor de Dánae), completada en 1940. Fue entonces cuando Strauss retomó el proyecto de poner música al libreto de Giovanni Batista Casti, encargándole el trabajo a Joseph Gregor, pero pronto comprendió que no era la persona idónea, haciéndose él mismo cargo de escribir el texto, como ya lo había hecho en su ópera Intermezzo de 1924. Solicitó la ayuda de su amigo, el famoso director de orquesta Clemens Krauss. También colaboró en el proyecto el director de orquesta Hans Swarowski, quien había encontrado un soneto del famoso poeta francés Pierre de Ronsard escrito en el siglo XVI (perteneciente a su Second Livre des Amours) y magníficamente traducido al alemán por el propio Swarowski, manteniendo la métrica y rima de los versos.
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El Gran Canal desde San Vío, Venecia (ca. hacia 1723-1724), Canaletto
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Lyric Opera of Chicago
Orquestas........................................................................... Auditorios.......................................................................... Festivales........................................................................... Noticias............................................................................. ENSEÑANZAS MUSICALES
Será interpretada en el Teatro Real entre los días 27 de mayo y 14 de junio. Se trata de una coproducción entre el Teatro Real, la Opernhaus de Zúrich y la Ópera de Goteburgo. La dirección musical corre a cargo de Asher Fisch y la dirección escénica es de Christof Loy.
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Concierto para piano y orquesta núm. 3, de Serguéi Rajmáninov.... 32
Jaime Facco (1676-1753):
■ por José Manuel Gil de Gálvez Fundación Hispania Música-Concerto Málaga
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CLAVES PARA DISFRUTAR DEL...
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Teatro Bolshói de Moscú
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Editorial
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Orfeo Ediciones
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Música en la pantalla
Está de moda.Y su público es cada vez más numeroso. Puede que los que llevamos más de cuarenta años escuchando música y viendo ópera en directo no seamos precisamente los más necesitados de esta nueva forma de acercarse a los escenarios. Pero la evidencia está ahí, no podemos negarla y creo que, además, es nuestro deber apoyarla. ¿Y por qué? Pues muy sencillo: porque el mundo es más feliz cuando escucha música clásica, y cualquier fórmula que inventemos para que deje de ser algo minoritario es válida, aunque algunos puristas se apresuren a denostarla. Hace décadas fueron la radio y el disco los primeros en hacer posible que uno pudiera escuchar en casa su concierto favorito. Y a nadie la pareció mal sino todo lo contrario. La industria discográfica vivió una era de esplendor que forjó carreras de grandes solistas y directores. De hecho, muchos oyentes se decepcionaban fácilmente cuando asistían a una sala de conciertos y comprobaban, desolados, que aquello «no sonaba tan bien» como en su magnífico tocadiscos. Del mismo modo, la radio sirvió para que el gran público se acercara, muchas veces por primera vez, a los conciertos de la orquesta de su ciudad y a la de otros países que jamás tendría ocasión de escuchar en directo. Hace unos años empezamos a dar pasos nuevos. El disco casi ha desparecido, y no vamos a entrar ahora a analizar los motivos y las consecuencias de esta atrocidad, pues el tema ya ha sido objeto de algún que otro editorial de Melómano. La radio sigue haciendo su trabajo, con un número de oyentes fiel, pero no en aumento. Es la pantalla la que se ha hecho, de un modo u otro con el poder. Y decimos de un modo u otro porque hay pantallas para todos los gustos. Pantallas de cine, ya sea en grandes salas como al aire libre, la televisión y, por supuesto, internet, que hoy todo lo puede. Así, empresas tan poderosas como Yelmo Cines o Cinesa llevan algunas temporadas ofreciendo a un público totalmente nuevo óperas grabadas con medios extraordinarios para ser reproducidas en cines de todo el mundo. España no se ha quedado atrás en esto. Una sabia y cuidadosa elección de títulos y de producciones operísticas están haciendo posible que miles de personas vean una ópera, aunque no sea en directo, por precios mucho más asequibles que los habituales en un teatro de ópera, y con una calidad excelente. Por ejemplo, Yelmo nos ofrece para su nueva temporada, una vez más, producciones procedentes del Metropolitan y títulos tan sugerentes como Tosca, Turandot o Manon. También hemos podido constatar en varias ocasiones el gran éxito de la iniciativa del Teatro Real y del Liceu cuando decidieron sacar sus óperas a la calle, a través de pantallas gigantes. Del mismo modo, hemos visto cómo hace solo unas semanas el Teatro Real y Televisión Española firmaron un nuevo acuerdo marco de colaboración y el convenio específico derivado del anterior, para potenciar la plataforma «Palco Digital» con contenidos audiovisuales de RTVE. Según este acuerdo, «RTVE dará a conocer a través de sus canales de radio, televisión e internet aquellos títulos de la temporada del Teatro Real que se determinen en sucesivos convenios específicos, o aquellos proyectos cuya finalidad sea acercar la ópera a la sociedad». Y, por si fuera poco, después de décadas de sequía en este terreno, por fin TVE se decidió a emitir un talent show (odiosa expresión que significa algo tan bonito como «espectáculo de talentos») centrado en la música clásica.Y, por si fuera poco, el programa, llamado Prodigios, importado de Francia tras su éxito en el país vecino, se ha emitido en hora de gran audiencia (eso que insisten en llamar algo así como Prime Time), los sábados por la noche. El éxito ha sido tal que ya se ha decidido realizar una segunda temporada. El programa es realmente prodigioso en su factura y su experto director, Manel Iglesias, ha encumbrado a los jóvenes intérpretes a la cima del espectáculo televisivo. Una pena que los músicos no fueran una muestra auténtica de los verdaderos jóvenes prodigios que pueblan nuestros conservatorios, pero el camino empezado es digno de aplauso. Con todo esto, quién sabe si las salas de concierto y los teatros de ópera no se irán llenando cada vez más de nuevos públicos alentados, por uno u otro sistema, a conocer en directo lo que les ha hecho disfrutar en la pantalla.■ M
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ENTREVISTA
Iberian & Klavier, diez años como dúo
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por Ana R. Colmenarejo
Laura Sierra y Manuel Tévar celebran el décimo aniversario de Iberian & Klavier, el dúo de piano que formaron en 2009 y con el que han llevado el repertorio español por todo el mundo, ganándose la admiración y el respeto de los críticos más exigentes, consolidándose y proyectándose hoy en día como uno de los dúos de piano más importantes y reconocidos del panorama musical. Conocemos sus planes para el futuro y hablamos de cómo han sido estos diez años como dúo y de cómo están viviendo este momento.
¿Cómo empezó vuestro proyecto como dúo de piano? Laura: Nos conocimos y nos gustamos musicalmente. Empezamos a tocar rarezas, música española de Murguía que no se tocaba, valses de Sor para piano a cuatro manos que habitualmente son para guitarra. Era una conexión natural, nos divertíamos y empezó a crearse algo que fue avanzando poquito a poco. Manuel: Sí, conectábamos muy bien y para nosotros era una forma muy especial también de comunicarnos. Nos lo pasábamos francamente bien, nos dimos cuenta de que aquello que empezó como un divertimento empezaba a funcionar y comenzamos a dar conciertos. L: Tocábamos porque surgían ocasiones y, de repente, alguien que nos había escuchado nos invitaba a tocar en otro sitio. Fuimos sembrando, por así decirlo, nuestra propia cosecha. Al principio la única pretensión era la de seguir divirtiéndonos y la de compartir esa diversión con la gente, con el público. Fue como una red que se expandía poco a poco, y nos dimos cuenta de que funcionaba y que cada vez nos gustaba más. Lo más especial para nosotros es poder hablarnos sin palabras, solo con música, y compartirla con el público, que siempre está deseoso de experimentar sensaciones a través de ella. M: Usando una terminología moderna, podríamos decir que nuestra forma de tocar y nuestra convicción de tocar algo juntos se «viralizó». M
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¿Cuándo llegó la idea de grabar un disco? M: Nuestro primer mánager, Rubén Someso, fue determinante en esta idea. Su influencia en este sentido para nosotros fue muy importante en estos primeros pasos. Fue cuando entendimos que tocar muy bien no era lo único, debíamos gestionar nuestra imagen, nuestro proyecto como dúo, nuestra carrera más allá de las seis horas de estudio, más allá del escenario. Y, por supuesto, entre esas buenas ideas, estaba la de tener una carta de presentación para que tanto el público como el programador que deseara escuchar nuestro trabajo, lo tuviese rápidamente en la mano, era una perfecta carta de presentación, y así resultó. L: Fue una experiencia vertiginosa porque grabar es otro mundo. Es algo diferente porque tienes que buscar esa magia cuando no tienes un público ahí delante escuchándote e inspirándote. Tienes el micrófono, la sala, el ingeniero y los pianos. No se trata de que sea algo perfectamente empaquetado sino de hacer que la música esté viva. La mejor manera de llegar a una grabación es haber tocado mucho en directo el repertorio que grabas. ¿Qué significa Iberian & Klavier? ¿Por qué decidisteis llamaros así? M: Bueno, esto fue también muy divertido. Cuando empezamos a pensar en desarrollar una carrera artística lo primero que necesitábamos era ese nombre que nos identificase más allá de nuestros
© Michal Novak
ENTREVISTA
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PROMESAS CUMPLIDAS
Noelia Rodiles y «El efecto mariposa» ■ por Paz Ramos
La calidad musical de la pianista asturiana Noelia Rodiles ha sido reconocida en todos los foros nacionales e internacionales. Es uno de los valores más sólidos de nuestro panorama musical. Tras la publicación de su primer disco con obras de Ligeti y Schubert, ahora hace una original apuesta: tres autores españoles, David del Puerto, Joan Magrané y Jesús Rueda han escrito obras que se inspiran en otras tantas obras de románticos como Schubert, Schumann y Mendelssohn. Se trata de «El efecto mariposa», un diálogo entre los grandes compositores románticos y los grandes modernos. También ha rescatado del olvido a un gran compositor que se exilió durante años, Julián Orbón. El próximo día 10 de junio la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, con Noelia Rodiles al piano, y bajo la batuta de José Ramón Encinar, interpretarán por primera vez en nuestro país la Partita núm. 4 para piano y orquesta de Orbón, uno de los compositores españoles más destacados del siglo XX, cuya obra será un descubrimiento para el público.
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© Harold Abellán
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© Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS
■ por José Manuel Gil de Gálvez Fundación Hispania Música-Concerto Málaga
Giacomo Facco es, por derecho propio, figura clave del desarrollo musical de la España dieciochesca, fundamentalmente entre las décadas de 1720 y 1750. Es de justicia considerarlo el «padre» de la moderna escuela italiana de violinistas-compositores que se establecieron en España. Igualmente, el maestro nos legó su experiencia forjada en los mejores tiempos de la escuela veneciana. Influencias venecianas sobre nuestra música instrumental y violinística que han sido olvidadas en la mayoría de los análisis realizados hasta la fecha, los cuales se han centrado en acertadas miradas hacia Nápoles o Roma y, en menor medida, hacia Francia. Nuestro compositor, no solo nos legó la música de estilo veneciano, sino que dio un impulso al desarrollo de la música instrumental, que tanta falta hacía y, sobre todo, fue esencial para la consolidación de la ópera en la Península Ibérica. Además, coadyuvó al asentamiento de nuevas formas compositivas hasta entonces inéditas en España, y es justamente ahí donde radica su vital importancia para el papel del violín en el hispano Siglo de las Luces. Acerca de Facco, sería injusto avanzar sin reconocer el legado del que fue su descubridor y pionero, Uberto Zanolli, el cual nos puso en la senda. Igualmente muy destacables fueron los trabajos de Annibale Cetrangolo, centrados principalmente en su música vocal. Además de las visiones y aportaciones desarrolladas en la tesis doctoral del autor que suscribe este artículo: «El violín en la España del siglo XVIII desde Giacomo Facco a Felipe Libón: evolución histórico-artística y pedagógica». M
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VIDAS Jaime Facco (1676-1753):
fundador de la escuela violinística española
El Gran Canal desde San Vío, Venecia (ca. hacia 1723-1724), Canaletto
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ÓPERA DEL MES
© Todd Rosenberg
Será interpretada en el Teatro Real entre los días 27 de mayo y 14 de junio. Se trata de una coproducción entre el Teatro Real, la Opernhaus de Zúrich y la Ópera de Goteburgo. La dirección musical corre a cargo de Asher Fisch y la dirección escénica es de Christof Loy.
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ÓPERA
Capriccio, una conversación musical de Richard Strauss ■
por Diego Manuel García
Capriccio es la última creación de Richard Strauss (Múnich, Baviera, 11 de junio de 1864-Garmisch-Pantenkirchen, Baviera, 8 de septiembre de 1949) en el mundo de la ópera. Compuesta entre 1940 y 1941, supone la culminación de un período de casi cincuenta años, transcurridos desde el estreno de su primera ópera, Guntram, en 1894. En ese larguísimo espacio de tiempo Richard Strauss creará quince óperas, que le convierten en uno de los más grandes compositores de toda la historia del género. Después de los fracasos que supusieron Guntram y su segunda ópera Feuersnot de 1901, Strauss consiguió su primer gran éxito con Salomé, estrenada en 1905, a partir del drama de Oscar Wilde, traducido al alemán por Hedwig Lachmann. Después compondrá una serie de títulos de extrema calidad: Elektra en 1909; Der Rosenkavalier (El caballero de la rosa) en 1911; Ariadne auf Naxos (Adriana en Naxos) en 1912, con una segunda versión en 1916; Die Frau ohne Schatten (La mujer sin sombra) en 1919; Die ägyptische Helena (Helena egipcia) en 1928; y Arabella en 1933. En todos ellos intervino como libretista el famoso poeta y dramaturgo austriaco Hugo von Hofmannsthal, cuyo talento como escritor fue el complemento ideal para la música compuesta por Strauss.
Génesis de la obra
La muerte de Hofmannsthal, en 1929, cuando ya había concluido el libreto de Arabella, fue un duro golpe para Strauss. En su siguiente ópera, Die schweigsame Frau (La mujer silenciosa), compuesta en 1934, el libreto fue realizado por el gran escritor austriaco Stefan Zweig, quien, precisamente ese mismo año, había descubierto en el museo británico un libreto del siglo XVIII, escrito por Giovanni Battista Casti, para la ópera Prima la música dopo le parole, de Antonio Salieri (el gran rival de Mozart) estrenada en 1786. Zweig informó a Strauss del descubrimiento, y el compositor muniqués se mostró interesado en retomar ese libreto para realizar un proyecto teatral, aunque en esta ocasión no quería que fuera una ópera en el sentido estricto, sino más bien una pieza experimental a medio camino entre una ópera y una obra teatral. Strauss quería que fuese Zweig el autor del libreto. Sin embargo, no fue posible, ya
que Zweig era judío y no podía volver a Alemania por la persecución nazi. El proyecto fue pospuesto. Entre tanto, Richard Strauss compuso tres nuevas óperas con libretos del escritor austriaco Joseph Gregor: Friedenstag (Día de paz) en 1936; Daphne en 1937; y Die Liebe der Danae (El amor de Dánae), completada en 1940. Fue entonces cuando Strauss retomó el proyecto de poner música al libreto de Giovanni Batista Casti, encargándole el trabajo a Joseph Gregor, pero pronto comprendió que no era la persona idónea, haciéndose él mismo cargo de escribir el texto, como ya lo había hecho en su ópera Intermezzo de 1924. Solicitó la ayuda de su amigo, el famoso director de orquesta Clemens Krauss. También colaboró en el proyecto el director de orquesta Hans Swarowski, quien había encontrado un soneto del famoso poeta francés Pierre de Ronsard escrito en el siglo XVI (perteneciente a su Second Livre des Amours) y magníficamente traducido al alemán por el propio Swarowski, manteniendo la métrica y rima de los versos. 27
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CLAVES PARA DISFRUTAR DEL...
Concierto para piano y orquesta núm. 3, de Serguéi Rajmáninov
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por Gregorio Benítez
Pocos nombres se muestran tan ineludiblemente unidos a un instrumento como el de Rajmáninov. El genial compositor, intérprete y director ruso, dedicó al piano el lugar principal dentro de un ingente catálogo artístico en el que se incluye también música orquestal, música de cámara, óperas, lieder y música coral. De entre todo su testamento artístico, su Concierto núm. 3 en Re menor sobresale como un auténtico monte Everest: una cima de la literatura pianística rodeada de leyenda que ha otorgado —y sigue proporcionando— la gloria a aquellos virtuosos que han sabido alcanzarla exitosamente. M
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CLAVES
Será interpretado los días 6, 7, 10, 11 y 13 de junio por el pianista Alexei Volodin, junto a la Orquesta Sinfónica de Euskadi bajo la dirección de Robert Treviño.
Teatro Bolshói de Moscú
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INFORMAR
| AUDITORIOS
Fin de temporada en el Maestranza La Fundación Cruzcampo renueva su patrocinio al teatro sevillano
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l mes de junio supone el fin de la temporada en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Los días 5, 8, 11 y 14 tendrán lugar las representaciones de Andrea Chénier de Umberto Giordano en la producción del Festival Castell de Peralada y ABAO. Pedro Halffter Caro se encargará la dirección musical, mientras que la dirección escénica corre a cargo de Alfonso Romero Mora, y la escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda. El elenco estará formado, entre otros, por Alfred Kim, Juan Jesús Rodríguez, Ainhoa Arteta y Mireia Pintó.
Ainhoa Arteta
La Orquesta Barroca de Sevilla recibe al director y violinista Enrico Onofri el día 4 de junio para poner en pie el programa «El amanecer del Clasicismo»,
con obras de Durante, Galuppi, Sammartini, Mozart, Sacchini y Haydn. El día 17, la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) celebrará el concierto de clausura del curso 2018-19 de la Universidad de Sevilla bajo la dirección de Jordi Francés. Interpretarán La procesión del Rocío de Joaquín Turina, una selección de las suites 1 y 2 de Romeo y Julieta de Prokófiev y La consagración de la primavera de Stravinski. Por su parte, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla cierra su temporada con dos conciertos de abono en junio: los días 20 y 21 con «El fantasma de Goethe», bajo la batuta de Maxim Emelyanychev y con Julia Igonina como violín solista, con obras de Schumann, Mendelssohn y Beethoven; y los días 27 y 28 de junio con «El sueño de Shakespeare», que contará con dirección de John Axelrod, para interpretar la Sinfonía «Renan» de Schumann y El sueño de una noche de verano de Mendelssohn, para lo que contarán con las sopranos Irina Gureu y Carolina de Alba y el Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza. Asimismo, el pasado mes de mayo tuvo lugar el acto de la firma del Convenio de Patrocinio entre la Fundación Cruzcampo y el Teatro de la Maestranza correspondiente a la temporada 2018-19. La Fundación Cruzcampo, pionera en el patrocinio de las actividades del Maestranza desde 1993, se distingue por impulsar proyectos que fomenten el patrimonio cultural de Andalucía, generar oportunidades para los jóvenes, y por su apoyo constante a múltiples iniciativas culturales de la región. n
Lucia di Lammermoor en Les Arts
Habrá un recital de lieder a cargo de los alumnos del Centre Plácido Domingo
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e acerca el fin de temporada en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia y en este mes de junio recibirán Lucia di Lammermoor de Donizetti. Se trata de una coproducción de la Opéra de Monte-Carlo y el New National Theatre Tokyo, que contará con Roberto Abbado como director musical, con Jean-Louis Grinda como director de escena y escenografía de Rudy Sabounghi. En el elenco encontramos a, entre otros, Jessica Pratt (Lucia), Yijie Shi (Edgardo), Alessandro Luongo (Enrico) y Alexánder Vinogradov (Raimondo). Las funciones tendrán lugar entre los días 22 de junio y 6 de julio. Por otra parte, el día 15 de junio habrá otra cita con el ciclo «Lieder i cançons», en el que alumnos de canto del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo ofrecen recitales en formato de cámara. En esta ocasión se podrán escuchar obras de Hector Berlioz, con
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el acompañamiento al piano de Rafael Andrade y Laïla Barnat. n
© Benjamin Ealovega Jessica Pratt
ENSEÑANZAS MUSICALES
La enseñanza musical celebra inauguraciones y centenarios
Finalizamos el curso escolar y, para cerrarlo, hemos seleccionado el nacimiento de un nuevo centro educativo, la Escuela Superior de Música de Alto Rendimiento de Valencia (ESMAR), y un cumpleaños, ya que se celebra el centenario del Conservatorio de Música de Valladolid. Además, recordamos la Semana Cultural del Conservatorio Profesional de Música Arturo Soria de Madrid, de la que destacamos el acto sobre canciones de Encarna López de Arenosa.
Empezaremos por la nueva escuela. Un nacimiento es siempre una alegría, una ilusión. Como dice Benedetti: «No dejamos de enamorarnos porque envejecemos, sino que envejecemos por dejar de enamorarnos». Y un nuevo proyecto es un acto de amor y de entrega, una demostración de creer en la enseñanza. Por eso, una nueva iniciativa educativa debía darse a conocer en nuestras páginas de enseñanzas musicales. Y lo vamos a hacer en una breve entrevista a su director, Manuel Tomás Ludeña, amigo y gran profesional, que conocimos como director del Conservatori Professional de Música de Torrent. Destacamos hace años en esta sección su interesante trabajo «Tots músics, tots diferents» que tantos elogios les mereció a él y a su equipo, y que es un referente en la educación musical. También es conocida su labor en la formación del profesorado y su etapa en la política educativa. Un músico polifacético que siempre ha mostrado una gran pasión por la docencia y todo lo que conlleva, trabajando muy bien en equipo, y que sigue sorprendiéndonos por su versatilidad.
Manuel Tomás Ludeña
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Volvemos a encontrarnos, ahora en un nuevo proyecto muy interesante. ¿Qué es ESMAR? La Escuela Superior de Alto Rendimiento ESMAR es un proyecto educativo, autorizado por la Consejería de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de la Generalitat Valenciana, que impartirá las
LA MÚSICA EN EL CINE Título: El árbol sin sombra Director: Xavier Miralles Música: Marc Timón Barceló
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lgo está cambiando en la música cinematográfica patria… Durante décadas la música de este país asumía por decreto ley un rol secundario —salvo en contadas excepciones, como las de Iglesias, Nieto, Illarramendi, Abril o Mendizábal— que relativizaba la capacidad narrativa de los músicos. Este cambio gradual y conceptual —con la venia de los productores y las discográficas—, denota la transición que se produce de un estado mental a otro —cambio que afecta a la música, la dirección y la producción—, es decir, se percibe el tránsito del músico, visto como actor secundario de la película, al compositor que actúa como protagonista principal de la misma. Esta nueva realidad viene marcada por el cambio generacional que abanderan músicos como Lucas Vidal, Fernando Velázquez, Roque Baños, Óscar Navarro, César Benito o Marc Timón Barceló, talentos en ciernes —Baños en menor medida, pues su carrera está ya consolidada—, que tienen como denominador común un gen que los identifica como aficionados a la música cinematográfica de nuestra época —los clásicos también están presentes—, cualidad que define en última instancia a sus obras. La influencia de los primeros espadas de la música actual —Desplat, Zimmer, Morricone, Horner o Williams— no debe entenderse de un modo peyorativo, nada más lejos de la realidad, sino de una forma positiva, ya que produce que ese cambio proyecte la música made in Spain más allá de nuestras fronteras. Utilizando una terminología propia de la música clásica, puede decirse que estas composiciones son obras de juventud. Ahora, M
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El árbol sin sombra
muchos años después de la irrupción de José Nieto o Antón García Abril, somos capaces de exportar nuestro formidable talento allí donde otros países —Italia, Francia o Reino Unido llevan décadas haciéndolo— conquistaron la tierra de las grandes oportunidades. La música de El árbol sin sombra, película dirigida por Xavier Miralles, demuestra que lo que escuchamos en El pequeño mago y Coliseum no fue producto de la casualidad. Ahora Marc nos propone un enigmático viaje, frío y melancólico, que tiene en el piano al gran protagonista de la historia. La apertura —Theme from El árbol sin sombra— es una bellísima pieza de orfebrería que esconde más de lo que muestra, otorgando al espectador el beneficio de la duda. Y es que siempre hay algo más en las entrañas de estos thrillers psicológicos… Un leitmotiv bien resuelto que sufre diversas variaciones dejando tras de sí un complejo universo de emociones encontradas. La partitura deambula por el camino de la sensibilidad — Tina’s Doubts/Hector’s Lament— tejiendo un entramado de dudas existenciales que el músico resuelve con habilidad desnudando la parte más personal e íntima del piano. En este tour de force emocional la música viaja de lo descriptivo —Calm Lake— a lo psicológico —On the Other Shore—, ahogando las frá-
giles esperanzas de los protagonistas. En este extraordinario collage musical tiene cabida una contundente y poderosa música de acción — Hunt and Escape— que el músico utiliza para remarcar la tensión que hay implícita en los momentos más violentos de la historia. Huelga decir que todos estos elementos se consolidan bajo una puesta en escena espectacular que hace de El árbol sin sombra uno de los trabajos más interesantes de los últimos años. Más allá de referencias musicales, ya se sabe, un poco de Desplat, otro de Zimmer y una pizca de Herrmann, la obra de Marc Timón Barceló pone de manifiesto la enorme capacidad melódica —Cleopatra’s Theme o Witches Theme dan buena cuenta de ello— de un músico que está llamado a conseguir grandes gestas en una época en la que el aficionado ha perdido la capacidad para asombrarse. Lejos quedan las obras de músicos como Nieto o Abril, los grandes renovadores —conquistadores— de su época, que durante décadas dejaron a los espectadores de este país anclados a las incomodas butacas de nuestros cines. Marc Timón Barceló no solo asombra a los más escépticos, sino que también, y gracias a obras como esta, dará buena sombra a las generaciones que aún están por llegar. n
LIBROS DE MÚSICA
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Por José Prieto Marguán
Coronis. Una zarzuela en tiempos de guerra.
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oronis es una importante zarzuela barroca, totalmente cantada, que relaciona su historia mitológica con la disputa entre los Habsburgo y los Borbones por el trono de España. Raúl Angulo, filósofo y musicólogo, la atribuye a Sebastián Durón. También se ha asignado a Antonio Literes. El texto, al menos el de la segunda jornada, pudo ser de José de Cañizares. Este interesante volumen ofrece una biografía del compositor alcarrreño y un análisis completo de la obra: datación, estudio de la partitura, características, análisis de personajes y actores, detalles sobre la interpretación general y musical y otros aspectos de la música,
incluidos numerosos ejemplos musicales. Nos ofrece también una interesante opinión sobre la dualidad de esta y otras obras barrocas, con personajes del Olimpo como protagonistas, que se asocian a personajes reales del momento. Trabajo muy detallado y reflexionado, estudio minucioso y completo, ilustrativo de las formas dramático-musicales de la época, nos ofrece una visión atractiva y novedosa del teatro cantado de hace tres siglos. Con este volumen, Coronis, estrenada hacia 1705, en el cumpleaños de Felipe V, quizá haya dado un paso importante para ser representada y grabada. n
Coronis. Una zarzuela en tiempos de guerra. Raúl Angulo Díaz. Ars Hispana. Madrid, 2018. 430 páginas.
Mompou. El eterno recomenzar.
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ntima, sencilla, poética, filosófica… son adjetivos que empleamos al referirnos a la música de Federico Mompou, la música «menos compuesta del mundo», como él mismo la calificaba. Música sin «construcción», sin artificio, humilde y llana. Adolf Pla, musicólogo y pianista, ha escrito un libro que desgrana múltiples detalles de este atractivo conjunto creativo, que tanto el intérprete como el simple aficionado pueden aprovechar para disfrutarlo. En siete capítulos muestra el autor el pensamiento filosófico y la ausencia de convencionalismos de esta música que nace del entorno
que rodea al compositor. Música reservada (es muy significativo el título de Música callada), concentrada, anclada en lo popular de donde extrae lo esencial. El análisis ofrecido es profundo, no ya de las obras concretas, sino de la composición general y se ilustra con un importante número de ejemplos musicales. No faltan fotografías del compositor ni textos del propio Mompou que merece la pena leer despacio para penetrar en lo más íntimo de un músico «callado» que, aunque parezca un contrasentido, nos habla con diáfana claridad. n
Mompou. El eterno recomenzar. Adolf Pla i Garrigós. Editorial de música Boileau. Barcelona, 2018. 244 páginas.
Vida de Giuseppe Verdi.
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o son pocos los estudios sobre este gran operista italiano; lo que tiene de interés este pequeño trabajo es que se trata de la primera biografía del autor de La traviata. Sin el rigor científico de otros estudios, añade el hecho de haber sido escrita por un paisano, que pudo manejar información de primera mano de la familia e incluso del propio Verdi, pues les unían ciertos lazos familiares. Ercole Cavalli (Busetto, 1848-Madrid, después Vida de Giuseppe Verdi. Ercole Cavalli. Casimiro. Madrid, 2019. 78 páginas.
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de 1877) fue periodista y empresario, plantea una biografía condescendiente, con referencias al carácter su carácter agradecido, noble y solidario. No faltan las referencias a las intervenciones políticas verdianas en pro de la independencia de Italia. El libro fue publicado en 1867, 34 años antes de la muerte de Verdi, por lo que no registra alguna de sus obras más importantes, pero tiene el interés de ser su primera biografía. Merece la pena leerlo. n
GUÍA DE ORQUESTA Y CORO
Conciertos del Coro RTVE en los Reales Sitios ■
Por Fernando Fernández, barítono e inspector coordinador del Coro RTVE
De Gabrieli a Mendelssohn En los Reales Monasterios se realizarán dos programas distintos. El primero está formado por la Missa Brevis de Andrea Gabrieli, el Jubilate Deo a 8 voces de Giovanni Gabrieli y la Misa Maria Magdalena de Alonso Lobo. El segundo programa lo constituyen dos motetes: «Ich lasse dich nicht», «Fürchte dich nicht, ich bin bei dir» y una cantata, «Sei nun wieder zufrieden», todos ellos de J. S. Bach y 6 motetes de Mendelssohn. En las salas de conciertos y auditorios, la acústica está estudiada para que el sonido no resulte seco, pero que tampoco se mantenga en el aire demasiado tiempo mezclándose y ensuciando el resultado. En las iglesias hay más «cámara». El retorno o eco puede llegar a ser en algunos casos de varios segundos. No obstante, es interesantísimo interpretar
estas obras en los lugares para los que fueron concebidas por los compositores. El efecto, en comparación con un teatro, se asemeja a cantar con un micrófono. Las particularidades son determinantes a la hora de preparar las obras musicales. Cada composición musical presenta retos distintos que tenemos muy en cuenta en su preparación: dificultad técnico-vocal, fonética, lugar donde se interpretará, etc.… Si nos referimos concretamente a las obras que se van a interpretar en este ciclo, podríamos decir que suponen una mayor dificultad. Al carecer del apoyo de una orquesta, la voz está mucho más expuesta y ello nos hace cuidarla con más mimo aún si cabe. El director siempre es importante sea la obra que sea, pero quizá este tipo de © Foto RTVE - Raúl Tejedor
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composiciones requieran una mayor conexión entre cantantes y director, es una música mucho más cercana. No podría elegir cuál de estos conciertos es mi preferido. No podría decantarme por uno u otro. Los dos programas me parecen extraordinariamente interesantes. Toda una vida como barítono del Coro He sido barítono del Coro RTVE durante muchos años, que es la voz más aguda de la cuerda de bajos, y mi entrada en un coro profesional como el de RTVE se puede decir que fue entre la casualidad y la vocación, pues en ese momento era interventor apoderado en una Agencia urbana del antiguo Banco Central. Había hecho la carrera de canto en el Real Conservatorio de la Plaza de Isabel II y, cuando creía que mi vida estaba más que encaminada, surgió la posibilidad de opositar para ocupar una plaza en el Coro RTVE, algo que no dudé en aprovechar. Era el año 1971. Desde ese momento me he sentido un privilegiado. En el año 1992 me pidieron que pasara a ocupar el cargo de coordinador-inspector del Coro RTVE. En mi aceptación iba implícito el poder seguir cantando, algo que continué haciendo, compaginando las dos funciones hasta que el volumen de responsabilidades me obligó a dejar de cantar: les confieso que lo echo muchísimo de menos Todos y cada uno de los conciertos, las grabaciones o cualquier otro evento en los que he participado como miembro del Coro RTVE me han llenado de orgullo. Los conciertos en el Teatro Real dirigidos por Igor Markevich, las giras por Bélgica y el norte de Rusia… Pero hay algo de lo que me siento especialmente orgulloso: en el año 1974, casi recién incorporado, un grupo escogido por Al-
¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...
Nereydas?
© Noah Shaye
Entrevista a su director, Javier Ulises Illán
¿Cuándo y con qué finalidad se funda Nereydas? Nereydas surge en 2010. La intención es profundizar en la buena música que se escucha poco o es desconocida, siempre con el deseo de recuperar patrimonio olvidado. Se valora lo que se conoce. Ese es uno de mis objetivos principales, y de Nereydas, aunque no el único. El fin es dar a conocer estas músicas para que la gente se deleite con ellas, valore los tesoros que tenemos y aprenda a gozar degustándolos. Todo ello es posible gracias a un equipo de personas que aman lo que hacen y que disfrutan cada segundo que compartimos. Recuerdo que el primer concierto lo dedicamos a las músicas del Barroco del Amazonas, obras principalmente anónimas de los indios Moxos y Chiquitos de la Amazonía, en la actual Bolivia. En el ADN de Nereydas se amalgama la curiosidad, la capacidad de asombro y la comunicación del saber. Estudié M
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dirección de orquesta con Manfred Huss y Julius Kalmar en Viena y realicé una especialización en Francia en la interpretación historicista, siendo mi tutor Philippe Herreweghe. Mis profesores en Suiza fueron Howard Arman o el propio Ton Koopman. Además tengo también la licenciatura en Historia y Ciencias de la Música, así que con esos mimbres cae por su propio peso el crear una orquesta como Nereydas: flexible y con criterios bien asentados en la formación. ¿Qué tipo de repertorio trabajan habitualmente? Creo en el sentido universal de la música y no pongo fronteras entre la antigüedad y la modernidad. La flexibilidad de Nereydas nos permite un acercamiento a todo tipo de repertorios y estéticas. Hemos trabajado mucho el Barroco y los inicios de la ópera; sin embargo, nuestro comienzo discográfico lo dedicamos a las músicas en tiempos del Greco, con
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© Lisa Hancock
PRÓXIMO NÚMERO | JULIO-AGOSTO 2019
EN PORTADA ■.
Entrevista Robert Treviño por Alfonso Carraté
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Ópera del mes Giovanna d'arco, de Verdi por Fabiana Sans Arcílagos
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Claves para disfrutar del... Manuscrito de Totana por Jorge Losana
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¿Qué quiere usted saber del... Festival Internacional de Música de Las Navas del Marqués (FIMLasNavas)? Entrevista a su directora, Maite Seco Benedict