OtakuGamerZ Magazine - Tomo 19 Enero 2016

otaku gamerz tomo #19 - ENERO 2016

SHOKUGEKI NO SOMA EXPERIENCIA CULINARIA

DENGEKI BUNKO FIGHTING CLIMAX UN CROSSOVER DE ENSUEﾃ前

G OTAKUGAMERZ G OGZ Magazine

VALIANT HEARTS THE GREAT WAR REALIDAD CRUDA Y BELLA

CONTENIDOS RELEASES

Enero 2016 & Temporada Invierno 2016 Segunda Edici贸n.

GAMING SECTION Destiny: The Taken King

ACTUALIDAD GAMING / Juan.

OTAKU SECTION Robotech Series

CRONICAS OTAKU / Erick.

Kuroshitsuji Series

CRONICAS OTAKU / Isela.

Macross Delta

IMPRESIONES / Erick

Shokugeki no Soma

Tema del Mes - ACTUALIDAD / Omar.

Paradise Kiss

RETRO OTAKU / Kevin.

Kimi ni Todoke

CRONICAS OTAKU / Jenny.

Sakura Card Captors RETRO OTAKU / Sele

Mortal Kombat X

La Cronica de Colosho / Carlos.

Nights Journey of Dreams SV ARCHIVES / Neto.

Dengeki Bunko: Fighting Climax

Tema del Mes - ACTUALIDAD GAMING / Luis.

Need for Speed

Paraf5raseando / Adolf

Valiant Hearts: The Great War ACTUALIDAD GAMING / Neto

Super Princess Peach El Rinc贸n de Cedlink / JC.

carta del editor

O

bjetivos... Sueños...esas cosas se consideran incluso como sinonimos pero no necesariamente son asi, y es que debemos ver que los objetivos de vida no siempre iran a la par de los sueños, pero ayudan a mantener la mente en alto, ahora bien hablando en un caso colectivo tambien sirve ya que para salvar a los demás, debes ser un salvador, alguien que tenga el deseo y el objetivo de ayudar a los demás.

Shokugeki no Soma y Dengeki Bunko lo transmiten a su manera y a su forma...

Les deseamos un Feliz Año 2016, si sabemos que ha tomado un buen tiempo volver a estar en escena, y han habido varios cambios en la planeacion de este tomo en particular, celebramos 6 años como comunidad y esperamos seguir mas tiempo con ustedes, sin mas que decir salvo que esperen un mes de Febrero sumamente interesante, disfruten del tomo.

Ernesto Corpeño - Director & Editor.

Contacto: @ShdowVader - fb.com/netosvogz

“ ” Ser un Enviado de la Esperanza... es algo que ve el destino.

team NETO DIRECTOR & EDITOR JUAN CO-DIRECTOR GENERAL LUIS CO-DIRECTOR EDITORIAL JENNY CO-DIRECTORA MULTIMEDIA ARIS IDEA ORIGINAL Y DISEÑO OMAR COLUMINISTA & ASESOR GENERAL JC COLUMNISTA RC COLUMNISTA ADOLF COLUMNISTA CARLOS COLUMNISTA ISELA REDACTORA SELE REDACTORA MIGUEL REDACTOR ERICK REDACTOR JUANPI REDACTOR JOSÉ REDACTOR & VBLOGGER KEVIN REDACTOR & CM FANPAGES

@ShdowVader; fb.com/netosvogz @Juanx66 cocoad_1999@hotmail.com @JennyNavarret @ArisRamoz @ChessCaster fb.com/CedlinkJuanCarlos fufupapachon10@gmail.com @Colosho_23 @isela_hyung @SeleShawol @MiguelReyes40k clubkofguanacos@gmail.com @yukkijuanpi fb.com/JoseMarquezYT

features Tomo 19 - Enero 2016.

Articulos Destacados.

Kuroshitsuji CRONICAS OTAKU / Isela Quien diria que la sociedad victoriana y toda esa epoca de la RevoluciĂłn Industrial podria ser tan interesante.

Kimi ni Todoke CRONICAS OTAKU / Jenny

Los Shoujos se definen sin mucha complejidad como la mejor mezcla entre un romance y un drama, y es que aqui no veremos una historia central sumamente profunda, sino Esta obra pretende partir de esa una relacion entre los personajes base, y armar un conjunto surre- que es de tomar en cuenta. alista bastante interesante y complejo, si bien el mayor punto de Que es lo que ganara, Âżrivalidad o inflexion son sus personajes, ha- amor?, Âżmito o realidad? ese es el ciedo de Kuroshitsuji un anime punto central de esta obra. completamente peculiar.

Valiant Hearts: The Great Mortal Kombat X La Cronica de Colosho / Carlos War. ACTUALIDAD GAMING / Neto Después de varios años en el ocaso es agradable ver la resurreccion de una saga que marco diferencia en el mundo de los Fightings, el verdadero abanderado de los Fightings Next-Gen, demostrando un apartado grafico de infarto, pero quizas lo mas importante un argumento que dejara felices a los seguidores de la franquicia. ¡¿WHO’S NEXT?!

Han pasado 100 años desde la epoca de la Gran Guerra, un conflicto que empezo a marcar la diferencia vital de la humanidad hacia los tiempos modernos, aunque claro aqui no estamos tanto hacia la leccion de historia, sino hacia el trasfondo de sus protagonistas. ¿Sos defensor de la patria, o vas por tu familia?, Ubi Montpelier nos hara ver ese lado poco visto de la historia.

releases

Phantasy Star Online 2: The Animation

S

igue siendo increible que una saga de culto de los juegos de rol vea un anime en la epoca actual, aunque si nos ponemos a pensar mejor no es raro viendo casos como Neptunia the Animation, o el mismo anime que Atelier Escha & Logy tuvo en su tiempo, La verdad para fortalecer esto se basa mucho en que la franquicia de SEGA se agarro de un argumento sumamente original... y eso es lo que no ha agradado a muchas personas, la premisa de PSO 2 se basa no en el argumento del juego, sino en algo que ocurre en la Tierra en un tiempo no determinado... claro debemos criticas ya que al ser un Anime Original se toman muchas libertades en el asunto y hacen lo que quieren, pero para eso podrian haberle puesto otro nombre y ya.

Haber cuando veremos el fin de esa premisa de que los videojuegos, no pueden estar en anime, o mejor dicho no pueden ser un exito, PSO 2 es divertido si hablamos honestamente, pero nada especial.

R

Musaigen no Phantom World

ealidad o Fantasia... es de decir que la intencion de Kyoani con esta serie es buena, presentar como una antitesis de lo que hicieron con Chuunibyou e incluso acercandolo a lo que fue Kyoukai no Kanata, hasta ahi vamos bien...

El problema radica cuando vemos muchos de los errores que Kyoto Animatiion ha cometido en los ultimos aĂąos, Fanserivice llegando a lo desmedido, una adaptacion deficiente, personajes que tienen potencial de ser algo serio pero no llegan a nada en absoluto, mas alla de ser la “hembra de la temporadaâ€?, la trama radica sobre que los habitantes de este mundo tienen super poderes y es que aqui cuando nuestro protagonista se junta con varias chicas que tienen dichos poderes, pero de una manera podriamos decir poco habitual. Cabe destacar que visualmente siempre sera atractivo y mostrara ese detalle que hace que pueda aun tenerse fe en los chicos de Kyoto, sera de esperar que nos muestre esta serie, ya que potencial tiene... pero no es la primera vez que decimos esto de un anime de este estudio.

Resident Evil 0 Remaster

A

hh la era dorada de los Survival Horror, a veces cuesta creer como la saga de Capcom un completo referente del genero, ha caido en una completa desgracia, si sabemos que la sub-saga Revelations intenta mantenerlos en el mapa, pero la verdad no resulta ser suficiente.

Es ahi cuando vemos que la mejor solucion es agarrarse de la moda de las “remasterizaciones” para traer la entrega prevcuela salida en Gamecube para motivar que aun hay esperanzas en la saga, y es que la aventura de Rebecca y Billy, es sumamente interesante dando las pautas y explicaciones a lo ocurrido en Resident 1 y el resto de la saga original (entiendase 2, Nemesis y Code Veronica), no nos debemos quejar ya que por primera vez este juego sale de las plataformas de Nintendo, trae las mejoras para ser tomado en cuenta, entre ellos un mejor manejo jugable y las mejoras graficas suficientes para ser tomado en cuenta, asi que estan listos para volver al Tren... recuerden salio en fisico en Pack junto a Resident 1 Remaster, no hay excusa.

Atelier Escha & Logy Plus: The Alchemists of the Dusk Sky.

G

ust poco a poco se esta ganando un lugar en la mente de los jugadores que apreciamos los juegos de rol japones, y es que en los ultimos años los juegos de su saga emblematica: Atelier, han ganado una notoriedad interesante.

Es de destacar sobre todo el apoyo que Tecmo Koei, la casa matriz de Gust le da a la consola portatil de Sony, y es que solo en esta consola han salido toda las entregas “Plus” de la franquicia, las cuales no solo se pueden considerar como versiones full de las mismas, sino que traen los suficientes extras para que sean tomados en cuenta.

Aqui estamos de nuevo con la segunda entrega de la saga de Dusk, en la cual vemos a una pareja de alquimistas que enfrentan juntos la curiosidad de poder descubrir los cielos, y como poco a poco se dan cuentan que estan involucrados en un problama sumamente mayor, Escha & Logy Plus da un buen motivo para volverlo a visitar con ver esa profundidad que queremos ver de la relacion entre ambos, Esperen la reseña pronto.

otaku section

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ROBOTECH SERIES PART I KUROSHITSUJI SERIES MACROSS DELTA - IMPRESIONES PARADISE KISS KIMI NO TODOKE SAKURA CARD CAPTORS

Lo que provoco un gran cambio en el curso de la humanidad y se decidió un cese al fuego para poder llevar a cabo investigaciones sobre dicha nave y de su tecnología, lo que da nacimiento a la Nación de la Tierra Unida, ya que a causa de dicho choque se teme una invasión alienígena a la tierra y con la tecnología de la nave se comienza el desarrollo de armamento para hacerle frente, 10 años después de dicho suceso, la nave es restaurada y cuando iba darse su lanzamiento la isla es atacada por una raza alienígena desconocida que venía a recuperar dicha nave.

Orígenes:

ROBOTECH SERIES PART I RETRO OTAKU – Escrito por Erick.

E

n los 80, hubo una serie que provoco un enorme impacto en TODO el continente americano, especialmente a Latinoamérica, a tal punto que se podría catalogar como el “Dragon Ball Z” de ese entonces por su enorme popularidad, a tal punto que se convirtió en serie de culto, pero que ha ido decayendo con el paso de los años, y acá les diré porque.

Datos Técnicos: Nombre: Robotech; Directores: Robert V. Barron, Ippei Kuri; Genero: Mechas; Productora: Harmony Gold, Tatsunoko Productions; Capítulos 85; Fecha de Lanzamiento: 4 de Marzo de 1985.

Antes de comenzar, les hablare acerca de sus origines y de cómo obtuvo el éxito que lo volvió en la serie que todos conocemos hoy en día.

Sinopsis: En el año 1999 en medio de una guerra mundial, una nave extraterrestre se estrella en una isla del Pacifico Sur.

El origen de Robotech comenzó cuando Cark Macek, productor de Harmony Gold consiguió la licencia para distribuir la serie de SDF Macross (Super Dimensional Fortress) bajo el nombre de Robotech en América, originalmente solo se traería la serie de 36 capítulos, sin embargo las televisoras tenían la política de que si una serie debe salir de forma diaria, esta debía tener por lo menos 65 capítulos, casi el doble de los que tenía SDF Macross, por lo que para solucionar dicho problema Cark se vio obligado hacerse de las siguientes 2 series: Súper Dimensional Calavarly Southern Cross y Genesis Climber MOSPEADA; dichas series no tenían relación alguna entre sí, y especialmente con SDF Macross.

Por lo que Markec tuvo la brillante idea de hacer una serie modificaciones en dichas 2 series para relacionarlas con SDF Macross, en dichas ediciones se modificaron o eliminaron muchas escenas, especialmente en Southern Cross que se censuraron TODAS las escenas de las 2 lunas, ya que la serie original se lleva a cabo en un planeta distante al de la tierra, mientras que con Mospeada tuvo muy pocas ediciones de escenas, salvo los diálogos que estos sufrieron muchos cambios para mantener el enlace.

Tras muchos cambios, ediciones y censuras de escenas, el resultado fue lo que conocemos hoy en día como Robotech.

Cosa que sucedió en algunos países de la región latinoamericana, y tuvieron que pasar algunos años para que volvieran a transmitir la serie sin los problemas ya mencionados.

Robotech en la mercadotecnia:

Éxito inmediato: En el momento de su estreno en Estados Unidos la serie fue todo un éxito televisivo, ya que dicha serie se salía de los estándares comunes que se veían en aquel entonces; los factores del éxito de la serie fueron las intensas batallas que se veían en la mayoría de los capítulos, muertes de personajes relevantes en las 3 sagas, situaciones dramáticas como romance entre varios personajes, y el legendario triángulo amoroso de Rick Hunter que había entre Lisa Hayes y Lynn Minnei, siendo este último el más recordado de toda la serie.

Como ya es costumbre, tras el éxito de la serie se lanzó una línea de juguetes basadas en la serie, esta línea fue hecha por Bandai en Japón, pero como en esa época la compañía no tenía ninguna subsidiaria en América, tenía que dar licencia para distribuir sus productos a otras compañías de juguetes, en este caso la licencia cayo a manos de Matchbox y Mattel, quienes se encargarían de vender los juguetes de Robotech en el mercado americano.

Sin embargo debido a una mala campaña publicitaria y una pobre distribución, la línea de juguetes basadas en el universo Robotech tuvo muy poco éxito en Estados Unidos, y que decir en Latino América que fue casi inexistente dicha campaña, por lo que ambas compañías no quedaron nada satisfechas con los resultados, y por ende ya no siguieron distribuyendo los juguetes.

Robotech en Latinoamérica

Proyectos para ampliar el universo Robotech:

Tras su éxito en Estados Unidos, Harmony Gold comenzó a distribuir la serie en América latina con los mismos resultados, incluso se podría decir que muy superiores al que tuvo en Estados Unidos, sin embargo no todo fue color de rosa en dicho sector, debido a su contenido, la serie tuvo que pasar por algunos problemas con algunos grupos conservadores y religiosos en algunos países latinos, ya que consideraban la serie inapropiada para los niños debido a sus situaciones románticas y de la muerte de personajes dentro de esta, pero lo más criticado por dichos sectores fue lo el travestismo de Lancer, que como ya sabemos él se vestía de mujer para hacerse pasar por cantante en la serie.

A partir de aquí les hablare acerca de TODOS los proyectos que tenía Harmony Gold para la franquicia, y los cuales muy pocos se concretaron y que fueron la causante de su decadencia en años posteriores a su estreno y que aún hoy en día sigue vigente. (Cabe decir que no hablare en orden cronologico, sino mas bien en orden de importancia dentro de la franquicia).

Esto género que dichos grupos exigieran a las televisoras que removieran la serie de la programación o que la cambiaran de horario.

Primero comenzaremos con los proyectos de la serie que fueron concretados o quedados a medias, y después hablaremos de los que fueron cancelados por diversos motivos, o que simplemente no se sabe si se realizaran o no.

Robotech: The Untold Story Mejor conocida como Robotech: la película, no fue más que la adaptación del OVA de Super Dimensional Calavarly Southern Cross en 1986, la cual se situaba previo a los eventos de esta, tuvo muy malas críticas debido a que los personajes principales de dicha serie no aparecen y solo se muestran a los principales comandantes de la serie, lo que hiso que tuviera muy poco éxito entre el público, hasta donde se sabe la película solo salió en formato de video casero.

Robotech 2: Los Centinelas En 1987, el productor de la serie Cark Marcek logro un nuevo acuerdo con Tatsunoko Productions para la realización de una nueva serie de Robotech que llevaría el nombre de Robotech 2: Los centinelas, el cual sería una serie de 85 capítulos, y se llevaría a cabo 9 años después de los eventos de la saga Macross y 5 años antes de los eventos de la saga de los Maestros de la Robotecnia;

En dicha serie se vería como fue que Rick Hunter, Lisa Hayes contraen matrimonio y de su misión hacia el planeta natal de los maestros de la robotecnia, también se vería como los invid atacan dicho planeta, y de cómo la reina Reguis decide buscar por su cuenta la flor de la vida, la fuente de la protocultura, en otras palabras la serie serviría para resolver la mayoría de las dudas generadas en la primera.

Desafortunadamente el proyecto se canceló poco después de iniciada su producción debido a que en esa época se produjo la depreciación tanto del dólar como del Yen, y agregando que Mattel y Matchbox no quisieron invertir en el proyecto tras el fracaso de la línea de juguetes, por lo que la serie fue cancelada a pesar de que ya tenía los primeros 3 capítulos ya realizados, por lo que tuvo que ser convertida en una película en video de 90 minutos, en dicha película pudimos ver a casi todos los personajes de las 3 sagas, algunos en su infancia como a Dana y su compañero Bowie, también vimos que otros personajes clásicos con nueva apariencia como Bitrai, Exedor y Miriya.

La película tuvo mejor aceptación que la primera, pero tampoco tuvo los resultados esperados, aun así es bastante recomendable ya que aclara algunas cosas, pero deja en el aire muchas otras por lo ya mencionado; el proyecto tuvo que ser adaptado en formato de Comic, no está claro si es la misma historia con la que se tenía planeada hacer la serie, o tiene un desarrollo diferente al que se tenía planeado.

Robotech: The Shadow Chronicles Para celebrar el 20 aniversario de Robotech, Harmony Gold y Tatsunoko, realizaron una nueva película de la serie para el 2006, la cual se desarrolla justo donde termino la última saga de la serie, en la cual nos explicaría del porque el SDF-3 no apareció en la batalla final por el punto réflex, y explicando cómo obtuvieron la tecnología sombra y los sincro cañones, y de un nuevo enemigo que al parecer son los causantes de la destrucción del planeta natal de los invid.

Pero no la menciona, se cree que Mallia es la aparece en la visión que tuvo Dana al final de la saga de los maestros, no les diré más de estos huecos y cabos sueltos en la trama, pueden ver la película en YouTube en total español, por cierto el doblaje es excelente.

Robotech: Love Live Alive

El propósito original de esta película era dar paso a una trilogía de películas, ya que al año de su lanzamiento en formato DVD/BD se anunció su secuela, la cual llevaría el nombre de Robotech: The Rise Shadow, pero desde su anuncio no se supo nada más de él hasta la fecha, se cree que pudo haber sido cancelada, pero aún no hay nada concreto.

Esta nueva película es la más exitosa de los proyectos realizados después de finalizada la serie, pero tampoco es un éxito del cual enorgullece, ya que tuvo ventas fueron moderadas, y esta tampoco fue muy bien recibida por la crítica, aunque le fue mucho mejor que las producciones anteriores; se tenía planeado lanzarla en latino América unas semanas después de su lanzamiento en Estados Unidos, pero no se sabe por qué no se lanzó en el plazo acordado y tuvieron que pasar casi 7 años para que se diera dicho lanzamiento doblado al español.

A pesar de que la película era buena, dejo muchos cabos sueltos y algunos huecos argumentales, entre los cuales podemos ver que no se hace ninguna mención de Dana Sterling, y más que su hermana menor Mallia Sterling hace su debut en dicha película

Este no es más que una reedición del OVA de Mospeada, que fue adaptada por Harmony Gold y lanzada en 2013, se agregaron escenas nuevas para alargarlo, el OVA no es más que un resumen de los eventos de dicha serie, pero adaptada al universo Robotech, la historia de esta se lleva a cabo poco después del final de la serie, y posiblemente de Shadow Chronicles, en la cual Lancer, explica en una entrevista como fue su experiencia con el grupo de resistencia, cabe agregar que también explica que el formo parte de la primera flota Robotech enviada desde la Luna, unos años antes de la llegada de la flota de Scott, protagonista de esta saga y del porqué de su travestismo.

Entre las escenas nuevas que se hicieron para dicho OVA, fueron para explicar de como Dana, la protagonista de la segunda saga y su escuadrón fracasan miserablemente en la primer batalla por el punto réflex y como estos se vieron obligados a huir a la base lunar.

También se agregaron algunas escenas del episodio final de la segunda saga, ya que esta fue adaptada para alargar la entrevista de Lancer, y también se hicieron algunas escenas para el final de esta OVA, y también se da a entender que Lancer no acompañara a Scott y el resto del grupo en la búsqueda del SDF-3. En si este OVA no es muy recomendable, salvo que quieras ver el desenlace de Lancer en la serie.

Robotech 3000 Robotech 3000, es una especie de Spin off de la serie situada 1000 años después de los eventos de la serie clásica, en ella tendríamos a una protagonista femenina, y seria en total animación CGI debido al éxito de series como Roughnecks: Starship Trooper Chronicles, y Voltron: la tercera dimensión.

Desafortunadamente el proyecto fue cancelado un año después de su anuncio en la 200 convención FanimeCon de 1999, en donde se mostró un Teaser de esta serie, el anuncio de su cancelación se dio en la San Diego Comic-Con en el año 2000.

El motivo de dicha cancelación fue el rechazo total por parte del público y especialmente por los fans de la serie, los cuales criticaron el estilo de animación en CGI y los personajes que se iban a usar en ella, ya que fueron considerados como genéricos y clones de la serie de ReBoot por el parecido había en el diseño de personajes y la calidad de la animación, lo único que aún queda de dicho proyecto es su poster promocional en donde vemos a la protagonista de la serie y una ciudad muy futurista, algunos bocetos de los personajes y el Teaser que lo pueden ver en YouTube.

Aunque Tatsunoko hiso un intento por revivir el proyecto haciéndolo en formato anime, de hecho hay poster promocionales, Artworks de los personajes, escenarios, de dicho proyecto desafortunadamente también tuvo que ser cancelada, para poder llevar a cabo el proyecto de Robotech: The Shadow Chronicles.

Robotech Academy La historia de este proyecto es un tanto triste, se supone que en 2008, Cark Macek fue el que escribió el guion de cada capítulo de esta nueva serie, la historia se centraría unos años previos a los eventos de la saga de los maestros de la robotecnia.

En ella veríamos a muchos personajes nuevos y algunos ya conocidos, entre ellos Dana Sterling en su pre adolescencia, el comandante Leonar, entre algunos otros; desafortunadamente no tuvo ningún apoyo el proyecto y tuvo que ser encajonado, poco tiempo después ocurrió la muerte de Cark Macek.

Poco después de su deceso, un grupo dentro de Harmony inicio un Kickstarter para financiar la realización de la serie el año pasado, la meta era obtener 500 mil dólares para iniciar su producción, desafortunadamente el no obtuvo los fondos necesarios, solamente logro un poco más del 50% de la meta establecida, por lo que dicho proyecto ha quedado perdido.

Robotech: The Shadow Rising Esta sería la segunda película de la trilogía de Robotech, de hecho se mostró un Teaser de dicha película, salvo que se usaron las escenas de Shadow Chronicles, a ciencia cierta no se sabe si el proyecto el cancelo o no, lo único que se sabe que fue interrumpido debido a que Warner Bros, había obtenido los derechos para la realización de la película Live Action de la franquicia en 2011, ya que según dijo Warner, que causaría conflicto entre ambas producciones, Curiosamente el proyecto de Warner NUNCA se inició la filmación, por lo que bien pudo haberse continuado con el proyecto de The Shadow Rising, pero hasta la fecha no se sabe si va a continuar o no.

En si la historia de la franquicia de Robotech a como han podido ver hasta ahorita es extensa, pero lo fue perdiendo algo con el tiempo, en la próxima entrega que verán en el próximo tomo hablaremos de cómo ese declive se fue acentuando y claro a su vez verán mis consideraciones al respecto como admirador de la saga, sin más que decir nos leemos en Febrero.

KUROSHITSUJI SERIES: CRONICAS OTAKU – Escrito por Isela.

“Justo en las afueras de Londres, en el otro lado del bosque brumoso, se encuentra una mansión atendida con gran cuidado. El actual jefe de la familia noble Phantomhive comienza sus días con una habitual taza de té.”

P

or muy clásico que suene, éstas son las primeras líneas del manga de Kuroshitsuji, una historia que se encuentra enfocada en Ciel Phantomhive quien a su corta edad es el actual Conde de dicha familia debido a un incendio ocurrido cuando era pequeño, en el cual sus padres fallecieron.

Ciel desaparece misteriosamente luego del incendio, por lo que lo daban por muerto, sin embargo dos años después regresa junto con un inusual mayordomo a su lado. Ésta historia se encuentra situada en Londres, Inglaterra aproximadamente en los años 1870, por lo que se puede apreciar el toque victoriano en la historia, desde expresiones en el habla hasta el vestuario. Es una historia en la que se puede apreciar no solo la calidad de la imagen sino también una gran evolución en los personajes, que en lo personal encuentro muy enriquecedor, con una trama que atrapa desde los primeros episodios.

Puede que no sea exactamente para todos los gustos, sin embargo es una serie que vale la pena darle una oportunidad en especial por que puede darte momentos de risa, entusiasmo y un tanto de angustia, eso sí, cabe mencionar que si quieres una historia que sea muy apegada al manga sin relleno tal vez es de pensarlo dos veces.

Black Butler o el Mayordomo Negro es el nombre de la adaptación del manga Kuroshitsuji, elaborado por Yana Toboso, publicado en el año 2006 bajo la editorial Square Enix en su revista de manga y del género Shonen Monthly GFantasy. Con respecto a la emisión de la animación, se dio dos años después en el 2008 la cual contó con 24 episodios.

Con respecto a la trama...

Actualmente el anime cuenta con tres temporadas y una gran cantidad de OVAS. En la primera temporada los episodios van centrados a la introducción de personajes, unos fragmentos de la historia de Ciel y cómo en algunos de los episodios resuelve casos encomendados por la reina de Inglaterra, pues la familia Phantomhive es conocida en el bajo mundo como el sabueso de la Reina.

DESTACADO 1

Quien se encarga del trabajo sucio o incluso de casos que la policía no puede resolver.

Mientras que el resto de la sociedad reconoce el nombre Phantomhive como la fábrica de diversión para los niños, siendo los dueños de la línea más grande de jugueterías y dulcerías, aunque también es una compañía encargada de varios negocios.

Ciel tiene siempre a su lado a su Mayordomo Sebastian Michaels, quien no es verdaderamente un mayordomo, es más ni siquiera es humano. En realidad es un demonio que hace contratos con los humanos para luego devorarse sus almas, y en esta ocasión hizo un contrato con Ciel, quien tiene como propósito hacer justicia sobre las personas que acabaron con sus padres, lo humillaron y mancharon el nombre de su familia.

Sebastian acordó seguir al menor y ayudarlo a conseguir su propósito a cambio de su alma.

Es ahí donde se desencadenan diferentes aventuras para este par, mientras resuelven casos para la reina y Ciel se acerca cada vez más a las respuestas del pasado de su familia.

En la primera parte de la animación encontramos escenas muy divertidas y en algunos casos llenas de intriga sin embargo.

Es en la segunda parte de la temporada en donde la historia da un giro diferente a la historia original. En lo personal me agradan las historias que suelen ser apegadas al manga porque vamos, es el arte del mangaka pero en este caso a pesar que la historia toma otro rumbo sigue siendo muy interesante con la aparición de nuevos personajes e historias que atrapan rápidamente.

Invitados especiales para la fiesta del té de la Reina.

A lo largo de los episodios vamos encontrando diferentes personajes que dan vida tanto a la casa Phantomhive como a la serie.

Ciel Phantomhive: Es el protagonista principal, siendo uno por no decir el único noble más joven de la época reconocido como cabeza de la familia tras la muerte de sus padres. A pesar de tener 12 años es muy inteligente y un poco prepotente, sin embargo a pesar de su horrible pasado y el sufrimiento que tuvo que soportar en los años que se encontró desaparecido, sigue manteniendo cierta inocencia y fragilidad. Utiliza un parche en el ojo derecho afirmando que luego del incendio quedó con una horrible cicatriz.

Es una reconocida doctora con grandes habilidades, lastimosamente tras un accidente de carruaje pierde a su esposo y al que pronto sería su hijo, es la razón por la que cuida y trata a Ciel como su hijo, en memoria de su hermana. Al ser muy reconocida en la sociedad utiliza sus contactos para ayudar en los casos en los que Ciel necesita de su asistencia.

Sin embargo es en su ojo en donde se encuentra el sello que señala su contrato con un demonio.

Sebastian Michaels: Podemos dejarlo simplemente como Mayordomo/Demonio. Al realizar su contrato con Ciel se ve obligado a cumplir sus órdenes al pie de la letra, sin embargo cumple muy bien su papel de mayordomo ya que nadie más que Ciel y el mismos son conocedores del contrato, desde ser su escudo las 24 horas del día siendo capaz de asesinar en un abrir y cerrar de ojos hasta la selección minuciosa del té y los aperitivos para el pequeño noble.

Pero que las apariencias no los engañen, incluso un demonio tiene debilidades y en el caso de éste, son los gatos. Simplemente los encuentra demasiado adorables.

Elizabeth Middleford: Mejor conocida como Lizzy, es la prima y prometida de Ciel. A pesar que puede ser algo infantil y con un comportamiento un tanto molesto siempre se le ve con elegantes vestidos, usualmente decorados con listones de flores o cintas, amante de las cosas lindas y adorables pero que a la vez proviene de una larga familia de caballeros sirvientes a la reina, por lo que en realidad es mejor tratarla con cuidado, en especial cuando cuenta con un hermano sobreprotector.

Madame Red: Es la hermana de la madre de Ciel, convirtiéndola en su tía. Una mujer elegante que siempre viste de rojo carmesí el mismo color de su cabello, he ahí el por qué es reconocida con ese nombre.

Grell Sutcliff: Mayordomo de Madame Red, quien luego de los primeros episodios muestra su verdadera identidad, revelando que es un Shinigami. Los cuales colectan los llamados “Time Record” que vienen siendo como el revelado de la vida de las personas antes de morir.

Bart, Finny y Mei Rin: Fieles sirvientes de la casa Phantomhive reclutados personalmente por Ciel, cada uno de ellos singular en su manera y para ser honesta no muy buenos en cumplir sus labores de manera seria, siendo Sebastian el que siempre logra salvar la situación.

Como apagar los incendios de la cocina provocados por Bart al usar dinamita para encender la estufa, aplicando barniz en los pasamanos de madera cuando Mei Rin confunde el barniz por pasta de zapatos o incluso dejar un jardín decente cuando Finny –con su fuerza sobrehumana- arranca cada uno de los árboles.

Pero nadie mejor que ellos para mantener al Conde a salvo. ¿Una nueva historia?

Después de un final lleno de preguntas sobre el verdadero desenlace de la historia, aparece Kuroshitsuji ll, la segunda temporada que salió al aire el julio de 2010, sin embargo ésta es ciertamente no lo que se esperaba, y que además de la temporada anterior cuenta solamente con 12 episodios.

Aparecen nuevos personajes y la historia se vuelve un tanto diferente. Presentando un contenido que no toda la audiencia puede apreciar. Si luego de la primera temporada quedas con la intriga del pasado de Ciel, sus padres o incluso cuestionas el final anterior ésta trae una secuencia directa, pero completamente alejada de la historia original.

Que en lo personal carece de buen contenido y un retroceso en los personajes existentes.

Luego de ésta temporada aparecen diferentes OVAS que son meramente de entretenimiento.

Dos de ellas con la trama de “Ciel in Wonderland”, “Welcome to the Phantomhives” en donde el espectador se adentra en la historia y recibe cierta introducción en el mundo de Kuroshitsuji.

“Making of Kuroshitsuji” en la que aparecen los personajes de la segunda temporada como actores de la vida real y sus dificultades al personalizar esos papeles. “The Tale of Will, The Shinigami” aquí se explica una parte de la vida de los shinigamis en la serie, y los pasos que deben seguir los nuevos estudiantes que al completar el respectivo examen son llamados shinigamis hechos y derechos.

Y el último de ellos “Spider Intention” en la que se presentan los eventos previos a Kuroshitsuji ll, narrando la vida y lujo de uno de los nuevos personajes. ¡El circo ha llegado!

Al contrario de Kuroshitsuji ll, la tercera temporada Book of Circus ó Libro del Circo, la cual sale en emisión en julio del 2014 y cuenta con 10 episodios, es la representación exacta del manga. Como mencioné acerca de la primera temporada, esta se desvía un poco de la historia original, sin embargo Book of Circus retoma ciertos eventos y escenas que quedaron inconclusas en la primera temporada.

En ésta Ciel y Sebastian tiene la misión de descubrir y encontrar a una gran cantidad de niños desaparecidos en varias ciudades de Inglaterra y la única pista que tienen es el Circo Arca de Noé que misteriosamente ha visitado cada una de las ciudades durante las desapariciones.

Ambos se ven forzados a infiltrarse en el circo siendo parte del elenco en escena, sin embargo lo que comienza como un simple caso termina siendo como una revelación para Ciel. Es en estos episodios en donde se nos muestra una parte de lo que sufrió Ciel en los años que estuvo desaparecido, las atrocidades que vivió y en donde salen a la luz las mil y un teorías acerca del pasado.

Incluso los demonios mueren…

Es lo que nos quieren hacer creer durante el último OVA de la serie “Book of Murder”, El libro del asesinato, es un OVA de dos partes que narra justamente lo sucedido después del libro del Circo. De misma manera está historia le es muy fiel al manga original por lo que es de apreciar.

Igualmente se presentan nuevos personajes que forman parte de la trama en la que, Ciel organiza una cena en su mansión con invitados por parte de la Reina, cada uno de ellos diferentes y personas altamente reconocidas, además de un escritor de historias de criminología. Sin embargo lo que empezó con una cena distinguida termina siendo una escena del crimen. Con tres asesinatos dentro de la Mansión Phantomhive y uno de ellos siendo el mismo Sebastian, un demonio inmortal. Queda en manos de Ciel cómo afrontar la situación y detener al asesino antes que acabe siendo un problema mayor.

Un toque musical Debido a la época en la que se encuentra situada dicha animación en cada una de las temporadas se presentan diferentes temas de fondo que son caracterizadas por ese toque clásico de las notas del violín o incluso piano.

Así mismo se presentan diferentes temas que vienen siendo singles interpretados por los Seiyuus de la serie.

En la primera temporada el tema que da apertura a la serie es “Monochrome no Kiss” por SID que tiene una característica introducción con una mezcla de sonidos que van cambiando a un ritmo más pegajoso.

Mientras que al final de los episodios se encuentran dos temas diferentes, en los primeros 13 episodios la canción “I’m Alive” por Becca, una canción que habla de cómo a pesar de las cosas negativas que pasan puedes agradecer por seguir con vida, mientras se va presentando la rutina diaria que vive Sebastian dentro de la mansión. De igual manera el segundo tema que aparece desde el episodio 14 hasta el 24, “Lacrimosa” por Kalafina.

En la segunda temporada el tema de GazettE titulada “Shiver”, en éste van apareciendo los personajes con los que ya nos hemos familiarizado como Ciel, Sebastian y sus sirvientes, Grell y la aparición de ciertas escenas que dieron final a la primera temporada. Por lo que en el tema final encontramos a Yuuya Matsushita con el tema “Bird” que es principalmente una balada que genera cierta emoción con las imágenes que se presentan, aunque sean simplemente los rostros de los personajes.

En Book of Circus tenemos a Sid con la tema de “Enamel”, que ciertamente la melodía suena como una unión de un poco de rock con el sonido de una caja musical, en las primeras tomas aparecen los nuevos personajes miembros del circo, y la imagen va cambiando en escenas que son enfocadas en la historia de Ciel con unas pistas de la implicación de estos personajes en ella.

En conclusión.

Kuroshitsuji es una serie que definitivamente promete, puede que tenga una trama o unos personajes inusuales pero es eso mismo lo que la caracteriza para adaptarse a varios gustos.

Lo que la hace aún más interesante es que la mangaka Yana Toboso toma eventos de la historia real para adecuar la serie, por ejemplo el caso de Jack el destripador que fue un asesino en serie de identidad desconocida que cometió graves crímenes en Londres, un caso en el que incluso Madame Red y cierto Shinigami se ven involucrados.

Los consecuencias a raíz de la Guerra del Opio, o el caso del Titanic, que se hundió a causa de una colisión con un iceberg, dicha catástrofe termina siendo provocada por… ¿zombies?

Aunque lamentablemente esta última historia solo se encuentra actualmente desarrollada en el manga es una que muestra un buen giro en la historia tal como la conocemos.

Como una recomendación personal, si deseas una historia enriquecedora llena de emoción Kuroshitsuji, Book of Circus y Book of Murder definitivamente merecen una oportunidad, ciertamente el resto también cuenta como un contenido para un fiel seguidor sin embargo también puede ser un poco ignorado, en especial porque su segunda temporada y el resto de OVAS carecen un poco de sentido y no tienen ningún aporte trascendental en la trama.

La verdad se me hace un poco raro que las protagonistas de esta historia sea un grupo de chicas cantantes, y mas que habrá una quinta miembro en el grupo la cual es muy divertida y graciosa, sin embargo esta nueva serie tiene un aire a un Mahou Shoujo, pero solo en apariencia afortunadamente.

Las naves:

MACROSS DELTA:

IMPRESIONES – Escrito por Erick.

E

ste nuevo año comenzó de una forma muy curiosa, se pre-estreno la nueva serie de la franquicia Macross, la cual lleva el nombre de Macross Delta, y tras ver dicho capitulo, he decidido hablar de el, ya que la verdad me lleve una sorpresa a ver que al parecer será muy distinta a sus antecesoras.

Sinopsis: Es el año 2060, han pasado casi 50 años desde la guerra Zentraidi que casi devasto a la tierra y desde entonces la humanidad a comenzado la era de la colonización espacial, todo parece ir bien, pero en uno de esos viajes coloniales, un extraño virus esta atacando tanto a humanos como Zentraidis, dicho virus hacer actuar de forma violenta a sus victimas al punto de obligarlas a cometer actos violentos como terrorismo y ataques en masa, para combatir dicho virus se ha creado un grupo de 4 chicas conocidas como Valkirias, cuya misión es usar el canto y la música para eliminar el virus. Y así se trata la historia del nuevo Macross.

Cada chica tiene su propia versión de los Varitech, las naves que siempre han caracterizado a la serie desde sus inicios, lo interesante esta en cada nave tiene un piloto varón, ósea un compañero que se encarga de muchas pilotearlas, y de hacer otras cosas interesantes que deben descubrir ustedes mismos (no sean mal pensados). Cada nave tiene su propio diseño, color y habilidades, las cuales están diseñada para el tipo de cantante “piloto”, y estas reaccionan a las voces de ellas, lo cual lo vuelve muy interesante, al ver estas naves quedaras encantado con cada una de ellas.

Personajes: Los nuevos personajes, al parecer serán 4 chicas cantantes, que conforman un grupo musical llamado Valkiria, entre las chicas podemos ver a otra Farinus Genios, aunque no esta claro si es una nueva Hija de Max y Miriya, o su nieta, habrá que esperar a ver la serie en si para saber mas de ella y su relación con ellos.

Otro personaje, que vemos es la líder del grupo, la cual al parecer es la más seria, y sabe como dirigir la tropa en la batalla, otra chica es, una pechugona fanservice, esto es algo que me tomo por sorpresa, no me esperaba algo así, pero aun así tiene lo necesario para una miembro del grupo de las valkirias, personalmente me recordó un poco a Miku de Date a Live 2 por su físico, pero tiene mucho mas talento y carisma que ella.

Música: Yo se que las canciones han sido pieza clave en la saga de Macross, especialmente en Macross 7 y Frontier.

Pero al parecer en esta nueva entrega jugaran un papel totalmente indispensable, al punto de que no me extrañaría que hubieran muchas canciones en cada capitulo, como si se tratase de un anime musical, pero muy original.

Con respecto a la música de fondo es muy buena y bastante agradable, y en los momentos de tensión esta muy bien ejecutada, sin dudas será de los favoritos del publico muy pronto.

Animación y diseño de los personajes: Una de las cosas que siempre caracteriza a Macross es su detallada animación (salvo en SDF Macross y Macross Zero), y en esta ocasión es el mismo caso, sinceramente me encanto su excelente animación, tanto de los personajes como de los escenarios, la impresionante calidad visual en CGI de los Varitech, y en especial del concierto de batalla, fue deslumbrante, cada animación estaba bien detallada y muy ejecutada a niveles casi sicodélicos.

Con respecto al diseño de personajes, no se diferencia mucho a de los personajes de Macross Frontier, pero se nota que están mucho mas detallados y texturizados, seguramente al verlos en Full HD quedaras impresionado con su calidad de dibujo.

Los efectos de luz y sombras están muy bien realizados al punto que se ven casi naturales, sin dudas serán de su agrado.

Observaciones: Como ya dije en mi articulo de Robotech, yo me inclino mas por la saga Macross, y esperaba con ansias este nueva entrega, y al ver el trailer de este, mis niveles de hipe subieron mucho, cuando descubro que ya había salido el capitulo me sorprendí bastante ya que esperaba la serie para finales de invierno o inicios de primavera en el hemisferio norte, aun asi fue un agasajo ver el capitulo, pero si debo que quede totalmente extrañado en la forma como empezó, no digo que haya sido mala, al contrario es muy buena, el problema es que no me esperaba que la primera batalla fuera convertida en un musical literalmente.

Pero debo reconocer que les quedo excelente, al punto que puede convertirse en una de mis batallas favoritas del anime en si por lo original de la forma en como ejecutaron dicha batalla.

La serie Macross nunca ha decepcionado desde sus inicios (aunque Macross Plus y Zero dejan un poco que desear), y como ya es tradición espero que en esta nueva entrega este lleno de muchas incognitas, dramas, y por supuesto un triangulo amoroso, que como ya sabemos son vitales en esta franquicia de culto que nació a inicios de los 80 y que aun hoy en día sigue siendo tan querida por el público.

Conclusión: Sin dudas Macross Delta se perfila a ser uno de los favoritos de la temporada (creo que se estrena en Febrero), a pesar de ser solo un capitulo nos da una idea de cómo será la serie cuando se estrene por completo.

A pesar de que tuvo un inicio bastante extraño que seguramente generara algo de polémica entre los seguidores de la saga, ya que no comenzó de la forma en que seguramente muchos esperábamos, aun asi creo que será todo éxito, cuando la vea completa les daré un análisis detallado de ella. Y por supuesto que también hablare de las demás series de la franquicia, al igual que sus OVAS y sus películas.

Experiencia culinaria.

SHOKUGEKI NO SOMA: ACTUALIDAD – Escrito por Omar.

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i primera expectativa al empezar esta aventura culinaria sería: ¿Qué tipo de mundo me iba a encontrar? ¿Acaso era el momento de salvar al mundo a través de alimentos?

Pues, si nos ponemos a pensar un poco, el mundo ha atravesado diversas amenazas y ha sido salvado de diversas formas, desde las cuales vienen: Combates con armas, robots gigantes, luchas cuerpo a cuerpo, trompos, partidos de fútbol, y continúa una inmensa lista de cosas.

Por lo que, naturalmente, pude haber pensado que hoy sería un mundo amenazado por algo que tendría que ver con la comida. ¿No? Pues verán, no sé si es afortunado o no, pero, no se trata de nada similar.

Yuuto Tsukuda es el creador de esta obra en formato manga, curiosamente posee una novela ligera cuya historia está a manos de Michiko Ito, pero a nosotros nos interesa en este momento el anime. Bajo el estudio J.C. Staff y dirigido por Yoshitomo Yonetani, esta historia culinaria dio inicio el 3 de abril de 2015, finalizando el 25 de septiembre de 2015, con un total de 24 capítulos.

Con el guion a manos de Shogo Yusukawa y la magnífica música a cargo de Tatsuya Kato se estableció un escenario donde lo más importante es, sin lugar a dudas, la comida. Lo más importante en esta cocina es hablar acerca de ¿Qué trae Shokugeki no Soma? A lo cual podré responder con lo siguiente: Hambre y risas.

Exacto, estamos frente a un anime que nos dará muchos momentos graciosos con cada ocurrencia de los cocineros, pero no se dejen engañar, pues este no es el encanto del mismo, ni mucho menos el objetivo final. ¿A qué me refiero con esto? Es simple, el anime quiere mostrar una de las necesidades más importantes del ser humano, el saciar al cuerpo cuando posee hambre, pero no como un elemento de necesidad en sí, sino, trata de mostrarnos su lado placentero. Así es, el placer en una comida deliciosa, en eso se basa todo, absolutamente todo, y a la vez lo exageran, no es sólo el placer de comer bien, sino también como se siente el probar algo horrible. Claro está, la animación se encarga de llevarlo a un punto exagerado, dejándonos escenas de desnudos en forma sutil, sin excepción de género, y que lo podrían catalogar como un anime ecchi.

TEMA DEL MES

Aun así, además de embelesar un poco a los ojos, recomiendo que, antes de verlo o mientras lo estés viendo, tengas algo de comer contigo, sino, podrías llegar a terminar muy hambriento, y no es ninguna mentira.

Cocineros.

Sin duda, uno de los elementos en que resalta este anime son sus personajes, variados, con personalidades muy bien establecidas, y no sólo por cómo se comportan, sino también por sus estilos de cocina, todos y cada uno de ellos posee una forma única de cocinar y preparar sus platillos, así como el sabor que sólo ellos saben darles, esto es parte del excelente trabajo que les han dado, y a continuación mencionaré a estos personajes: Soma Yukihira: Es el personaje principal de esta historia, un experto en la materia de la cocina desde su niñez, y cuyo sueño es dirigir el negocio familiar, y para ello debe derrotar a su mismo padre, quien es un gran cocinero.

Posee una personalidad amistosa y divertida, su cabeza está llena de platillos, demuestra su experiencia en la cocina y se esfuerza por mejorar cada día, su estilo culinario es el impacto.

Sus platillos siempre generan un impacto muy poderoso en quienes lo prueban, aprendiendo de sus fallos y errores. En su primer día en la escuela Tootsuki declara frente a todos que será el mejor, una declaración que genera molestia entre sus compañeros y causa una gran conmoción, pero era el detonante para que su historia de comienzo.

Erina Nakiri: La lengua prodigiosa. Es la hija del director de la academia Tootsuki, que además es famosa porque posee un sentido del gusto muy particular, y los mejores chef buscan que ella pruebe sus platillos, porque crear comida que la satisfaga es, sin duda alguna, lo más difícil. Además de eso, es excelente cocinera y décima y más joven de los 10 consejeros de élite de la academia. Su relación con Soma es muy mala, al menos de su lado, odiándolo y tratando de buscar la forma en que sea expulsado, además que, aunque niegue rotundamente su gusto por la comida de Soma, la verdad es que han sido platillos que han impactado su paladar.

Megumi Tadokoro: Sin lugar a dudas, una chica muy interesante, con una personalidad amable y cálida, que es fácil de apenar y poner nerviosa.

Curiosamente, en verano se convierte en una persona delgada, pero en otoño e invierno es alguien bastante relleno, algo muy particular.

Ikumi Mito: La experta de la carne, una mujer voluptuosa heredera de una familia que trabaja con carne, por lo cual su cocina está llena de carne. Soma la ha apodado NIkumi (que es una combinación de Niku que significa carne y su nombre, Ikumi), y se ha enamorado de él, aunque lo niegue claro está.

Esto se nota en su constante nerviosismo cuando él la elogia o sus celos cuando él está con otras chicas.

Es una cocinera con aptitudes culinarias muy específicas: Calidez humana. Así es, cada vez que un platillo de ella se prueba, puede reflejarse esa calidez hogareña, ese calor familiar, así es su estilo de cocina. Además, aunque no lo parece, posee una precisión y fuerza interesante, pero sus nervios muchas veces le hacen dudar de sí misma, y no poder demostrar su verdadero potencial.

Takumi Aldini: Proveniente de Italia, un muchacho rubio que, desde que escuchó a Soma lo tomó como un desafío para ver quién de los dos es el mejor, podría decirse que se autoproclamó su rival, trata de verse genial cuando desafía a Soma, pero sólo causa que no salga como quiere y en la burla del momento. Aun así, al ya trabajar en un restaurante posee la experiencia que Soma, y su estilo italiano para la comida le da un toque culinario muy definido.

Isami Aldini: Es el hermano de Takumi, también proveniente de Italia, y al igual que su hermano, alguien ya con experiencia de trabajar en un restaurante. A diferencia de su hermano, es más calmado y toma las cosas de forma más relajada, al momento de cocinar muestra una expresión peligrosa en su rostro, con ojos brillantes y dientes puntiagudos al momento de preparar la comida.

Alice Nakiri: Prima de Erina, una chica muy curiosa y algo caprichosa con su ayudante, pero sin duda una cocinera muy fuerte, conocedora de la cocina molecular, en la cual se especializa, es una mujer con dotes de vanguardia para la cocina. Su rival es, básicamente, su prima, a quien desea sobrepasar.

Ryo Kurokiba: El ayudante de Alice, proveniente de Europa, su potencial culinario lo aprendió en un restaurante donde se especializó en mariscos y comida marina, normalmente es un tipo tranquilo que siempre sigue a Alice a todos lados, pero cuando es momento de cocinar, se coloca una pañoleta sobre su cabeza lo que causa un cambio rotundo en su personalidad, convirtiéndolo en alguien sumamente violento.

Akira Hayama: Se trata de un experto en especias, posee un inmenso y talentoso sentido del olfato, capaz de saber que especias poseen las comidas con tan sólo olerlas. Es un poderoso rival para Soma y ambos poseen una capacidad enorme en sus cocinas a sus propios estilos, simplemente un digno oponente para el personaje principal de esta historia culinaria.

Tootsuki, la mejor academia de cocina del mundo.

En el mundo de la cocina existen dos tipos de personas, los que son de élite y los que no, punto, o al menos así se consideraría cuando, al tratarse de la comida.

Donde será puesto al límite para lograr no sólo mantenerse en la academia, sino que, sobresalir poco a poco en la misma.

El último arco es una competencia de cocina donde se escogen cierta cantidad de personas de primer año que deberán competir para ver quien se corona como el campeón, siendo el final del mismo simplemente las preliminares, dejando dos grupos distintos y de cada grupo solamente saldrían 4 personas, para tener una final de 8 cocineros. Pero esto se verá en la ya anunciada segunda temporada.

Existen poderosas fuerzas culinarias y un instituto que puede causar el éxito o deshonra de tu restaurante, por lo tanto, el conseguir graduarse de Tootsuki, es, sin lugar a dudas, una obligación importante en aquellos herederos de líneas de restaurantes famosos en el mundo.

Con esto en mente, nos trasladamos con nuestro personaje principal, Soma, cuya motivación es superar a su padre y llevar el negocio familiar, un pequeño restaurante en una zona comercial. Por situaciones que no se nos da explicación, el padre de Soma cierra el restaurante para irse de gira por Europa a diversos puntos donde mostrar su cocina al mundo, y mientras eso sucede le deja un desafío a su hijo: Ser el mejor en la prestigiosa academia culinaria, Tootsuki.

Tras su llegada al instituto, fue el único en realizar la prueba de ingreso, debido a que todos los demás huyeron despavoridos al saber quién evaluaría dicha prueba, ninguna más que Erina, en aquel momento se generó el odio por Soma y su intento de evitar que perteneciera a aquel instituto de élite, aunque no pudo evitar que ingresara. No sólo ingresó, sino que declaró que sería el mejor en aquella academia.

A partir de ahí, vemos a Soma enfrentándose a diversos factores que tratan de llevarlo fuera del instituto. Empezando por un combate culinario contra Ikumi, luchando contra su especialidad, la carne. Seguido por el campamento más difícil y pesado de todos.

Melodías culinarias.

Acompañando a cada situación de nuestros personajes podemos escuchar melodías diversas que hacen un excelente trabajo dando ambiente a las escenas que se dan, lo cual amplía el gusto al ver la animación. Claro está, vamos a denotar principalmente a aquellas que apertura y dan cierre a cada capítulo.

El primer opening está a cargo de Ultra Tower, llamado Kibou no Uta. Esta introducción nos deja una melodía con una entrada suave pero propicia para un inicio, una presentación de los elementos que albergan este mundo y, claro está, sus personajes.

Tanto que es capaz de dejarte sin ropa, pero tras el coro y cambio de ritmo en la canción se puede ver a un grupo de personas disfrutando juntos de la comida. El segundo cierre se llama Sacchan no Sexy Curry y está a cargo de Seiko Oomori. Una melodía suave de cierre denotando una voz femenina aguda, la melodía es enteramente disfrutable mientras se presenta una pequeña historia de Erina en su camino, mostrando inicialmente a los demás personajes hasta que llega con su mejor amiga, tras esto se ven diversas imágenes de ambas tras unos binoculares y la posición de cierta “stalker” que las observa obsesivamente.

Postre.

Finalmente, el postre de este artículo es el siguiente. ¡Un pastel de fresas!

Llevando un ritmo disfrutable en toda la canción, ampliando el tiempo en el coro, donde también la animación nos muestra la parte más fuerte del anime, los momentos en que los personajes cocinan.

La segunda introducción es Rising Rainbow de Misokkasu. A diferencia del anterior, esta introducción nos presenta, básicamente, un campo de batalla, un ritmo perfecto para un combate, donde cada uno de los cocineros son rivales, sin importar sus relaciones fuera de la cocina, a la vez la animación nos muestra a cada uno de los actores de este arco, guiándose por una melodía excelente que es acompañada por una guitarra magistral, mostrando ciertos combates poderosos entre Soma y los que podrían llamarse, los oponentes más fuertes.

Ahora, en cuanto a cierres, tenemos Spice por Tokyo KaranKoron. Una melodía de cierre completamente diferente a las introducciones de la animación, siendo con algunos trazos marcados por los acordes que cierran las estrofas, con un fondo de guitarra que acompaña a casi toda la melodía. Todo esto acompañado de una animación un tanto picante, mostrando una combinación de los protagonistas de la historia junto con ingredientes de cocina, dando a entender que están en el efecto exagerado del disfrute a la comida.

Shokugeki no Soma generó varias cosas en mí al verlo. Primero que nada, cada escena de cocina me pareció en extremo interesante, y creo que no podré volver a ver la cocina de la misma manera, pues esta, a pesar de no tener aromas que oler o algo que probar, simplemente me abrió el apetito… ¡En numerosas ocasiones! Siendo sin duda las explicaciones de todo lo sucedido en el momento de oler y probar la comida, así es, como no podemos sentir el olor o probar la comida para saber su sabor, el anime lo hace por nosotros, explicándonos con lujo de detalles y hasta exagerándolos si es necesario que es lo que sienten los que probarán dicha comida.

Expresiones como “es como una ofensiva brutal” o “por alguna razón no puedo dejar de comer” son importantes para entender lo delicioso que es el platillo en sí, y que, en varios de los casos, hubiese querido probar, por ello recomiendo verlo bajo su propia discreción o con algo que comer para evitar el ruido del estómago exigiendo dicha comida.

Otro de sus puntos fuertes viene con los momentos graciosos, acompañados de versiones chibis de los personajes, o con situaciones graciosas que ellos dicen o hacen, más que todo, hacer.

Añadiendo a ello, esto ayudo para que cada personaje fuera único, mostrando que, a pesar que algunos puedan parecer muy serios, tienen sus momentos donde realmente te harán reír. Pero quiero enfocarme en esto, la forma en que cada personaje es presentado, demostrando sus personalidades pero viendo una evolución conforme los sucesos se van dando, y generando situaciones donde aquellas características especiales y únicas de cada personaje se van dando color y gala de ser ellos mismos. No hay dos personajes iguales, aun los mellizos Aldini son diferentes y eso es algo muy resaltable.

También me llamó la atención su toque picoso, no con intenciones de generar morbo al verlo, ni con dibujo con exceso de detalle en los desnudos, sino que, cada parte que eso sucedía era porque expresaba una cosa. ¡El sabor de lo que comían!

No sólo eran desnudos, eran golpes, momentos agradables, momentos soñados, etc., no era igual, aunque si hubieron varios momentos así, casa uno te expresa aquel delicioso sabor de la comida… o la asquerosidad de la misma. Por ello no se puede juzgar dichos momentos sin realmente ver más allá de lo que muestran, el elemento de exceso al declarar el impacto de la comida en ellos.

Así que, tras dar mi opinión al respecto, cerraré con esto. Este anime sin duda trae buenos momentos, tiene una historia simple de seguir pero cada suceso que se van dando es mejor que el anterior, los personajes son excelentes, tanto que seguramente amaras a muchos. Y con esto dicho, les dejaré lo demás a ustedes, el verlo o no, queda ya a su gusto, así como la comida misma. Así que nos vemos en la próxima, y me retiro antes que Soma trate de darme de probar esos raros experimentos que suele hacer… ¡Hasta la próxima!

Y que si desea convertirse en modelo, Yukari de una forma bastante grosera le dice que no desea convertirse en algo tan bajo (académicamente hablando) y hecha a correr para luego ser detenida por una joven de nombre Isabella que a la vez es amiga de Arashi, Yukari debido al susto cae desmayada y pierde el conocimiento.

PARADISE KISS: RETRO OTAKU – Escrito por Kevin.

C

omo es bien sabido, Japón es un gran pionero en cuanto a animación que se la ingenian para encontrar temas para sus series, algunos ejemplos de esto son: Shokugeki no Soma (Cocina), K-on!

(Musical) e inclusive Black Lagoon (Traficantes) y pues ahora es el turno a la gran industria del modelaje, si así es, el mundo de la moda es tomado por las manos de la gran mangaka Ai Yazawa (Autora de NANA) para mostrarnos una serie muy diferentes a lo que estamos acostumbrados a ver.

Estudio: Madhouse, Guion: Ai Yazawa, Dirección: Osamu Kobayashi, Temporada: Otoño 2005, Capítulos: 12, Adaptación del manga “Paradise Kiss” La historia de comienza cuando vemos a una joven de nombre Yukari, la cual se ve abrumada por el hecho de que los exámenes de ingreso a la universidad están a la vuelta de la esquina, es detenida bruscamente por un joven de una apariencia bastante peculiar llamado Arashi que sin mediar palabra le dice que es lo que está buscando.

Al despertar observa que está en un lugar desconocido y que además está bajo el cuidado de una chica de baja estatura y un cabello de un color rosa que responde al nombre de Miwako y que a la vez es amiga de Arashi e Isabella. Yukari en un principio esta confundida y un poco temerosa, es cuando le explican que están en busca de una modelo para un desfile en el prestigioso Instituto de Artes Yaza donde ellos estudian y que ella es la modelo ideal que ellos buscan. Yukari, al escuchar tal disparate, se niega rotundamente respondiendo que tiene que prepararse para sus exámenes y que no tiene tiempo como para perderlo en algo sin sentido.

Esto provoca el enojo de Arashi y le recrimina que piense de una manera tan despectiva acerca de la carrera que han escogido y añade que al igual que ella, ellos tienen las mismas presiones que cualquier estudiante de instituto, después de esta discusión Yukari sale corriendo del Atelier no sin antes tropezar y dejar caer por accidente su tarjeta de estudiante, la cual es encontrada por Miwako.

Después de la discusión aparece George, quien toma la decisión de devolverle la tarjeta a Yukari, para lo cual decide esperarla a la salida del instituto al día siguiente. Sin tener idea de cómo Yukari es llevada por George al Instituto Yaza donde él estudia, Miwako, Arashi e Isabella. George le pide a un profesor del instituto Seiji que le corte el cabello a Yukari.

Luego de esto, es llevada al Atelier donde estaban los demás para recoger su tarjeta, no sin antes probarse un vestido a forma de condición puesta por George para devolver dicha tarjeta.

Miwako toma a Yukari para que se pruebe el vestido en el baño, para que no tenga que vestirse frente a los chicos (en esta parte es esencial prestar atención dado a que se revela un detalle importante para no perderse en la historia, obviamente no lo diremos).

Su perspectiva sobre la vida comienza a cambiar al momento de conocer a los chicos de Paradise Kiss y comienza a preguntarse “¿Por qué estudiar algo en lo que no es buena y no le gusta?” “¿Qué quiero hacer con mi vida?” o “¿Cuál es mi verdadera vocación?”

Mientras se prueba el vestido, Miwako le cuenta que se reúnen (ella, Arashi, Isabella y George) en el Atelier para confeccionar vestidos bajo la marca “Paradise Kiss” que ellos mismos han creado y de paso explica sobre que trata el desfile para el cual quieren que sea su modelo.

Koizumi George: un tipo serio y de carácter fuerte, líder del equipo Paradise Kiss, George siente el ímpetu de triunfar en el mundo de la moda ya que el diseño es lo único que le satisface. Por veces puede parecer egoísta pero al mismo tiempo demuestra preocupación por sus amigos, trata a Yukari como su musa y la ayuda a encontrarse a sí misma.

Luego de salir con un vestido de “Paradise Kiss” y ver que tan bien le queda, todos quedan maravillados y Yukari, quien no lo está y menos después de lo que Miwako le contó, pide disculpas por haberse molestado con ellos sin comprender lo que hacían. Miwako obliga a Arashi a disculparse también después de haberle gritado, dicho esto, los miembros de “ParaKiss” (diminutivo cariñoso “Paradise Kiss”) deciden que Yukari debe ser su modelo para el festival, dado a lo confundida que Yukari está por dicha proposición, George decide darle 3 días para pensarlo y dar su respuesta.

Yukari comienza a comparar su vida con la de los chicos de Paradise Kiss y empieza a tener dudas sobre el rumbo que su vida está tomando y sobre que es realmente lo que ella quiere y se replantea si debería continuar con unos estudios tan complicados para los cuales ha sido influenciada por su madre, así comienza el dilema sobre el cual Paradise Kiss es desarrollado. A medida que la historia avanza, Yukari se verá envuelta en una serie de conflictos internos sobre su futuro, su actitud y carácter, al mismo tiempo ira conociendo más a los chicos del Atelier junto a sus traumas y sus pasados.

Personajes Hasayaka Yukari: se muestra como un personaje frio, que su único interés son los estudios porque cree que es la única manera para no decepcionar a su familia, sobre todo a su madre quien es muy estricta.

Sakurada Miwako: una chica alegre y despreocupada, amiga y confidente de Yukari, novia de Arashi, su mayor sueño es convertirse en una gran diseñadora como lo es su hermana, aparte que ambas comparten características similares.

Nagase Arashi: amigo de la infancia y novio de Miwako, lleva el pelo teñido de rubio y varios piercings, con un carácter irascible y celoso, aunque con Miwako es una ternura. Es el guitarrista de un grupo pero lo que más le gusta es el mundo de la moda.

Isabella: personaje de estilo extravagante por su vestimenta (de dama antigua) y su maquillaje peculiar, amiga de George desde niños. Es el personaje más misterioso de la serie.

Animación y diseño de personajes Paradise Kiss posee uno de los más peculiares diseños de personajes vistos desde NANA, sabrás de inmediato que es una obra de Yazawa Ai dado que ella deja su marca en sus obras, sus diseños para los personajes son de los que se hace difícil olvidar, desde el aspecto físico, pasando por el carácter y hasta la vestimenta concuerda con cada personaje haciéndolo único y especial.

Si de animación se trata, Madhouse sabe cómo hacer bien un escenario para una serie tan verosimil como lo es Paradise Kiss, para plasmar en su totalidad el entorno, se aprecia como en momentos se agregan imágenes reales de ciudades, tiendas e incluso para el auto de George.

También no se debe olvidar el lugar donde se desarrolla la mayor parte de Paradise Kiss “El Atelier” el cual es descrito por George como el lugar para la creación, para lograr llegar a él se debe atravesar un laberinto de calles y descendiendo a través de un escalera hasta llegar a lo que parece ser un sótano, encima de la puerta se lee un cartel con el nombre de “Paradise Kiss”.

En el interior las paredes de Rosa Eléctrico con algunas mariposas pintadas sobre ellas, al ser literalmente el taller donde los protagonistas trabajan, este cuenta con máquinas de coser y diversos elementos de corte y confección.

Originalmente el lugar era un bar el cual el tío de George atendía pero por problemas financieros cerró y le permitió a George remodelarlo. El Atelier aún conserva elementos de la infraestructura y amueblamiento original como la barra de tragos, cristalería y sus mesas de billar.

Sin dudas Paradise Kiss es una serie que te deja un enorme vacío existencial luego que la terminas ya que deja al espectador con ganas de más y a eso sumado el final Agridulce que posee hace que sea difícil de superar e irresistible de volver a ver.

Es del tipo de series que para entender desde varios puntos de vista, es necesario verla unas 2 o 3 veces y aun así no quedas satisfecho debido a la historia tan enganchaste que le persigue, una vez más Yazawa Ai ha demostrado que es capaz de lanzar una obra majestuosa.

A pesar que en Paradise Kiss el romanticismo está fuertemente plasmado abarca temas sociales, como por ejemplo las dificultades que atraviesan los diseñadores independientes para hacerse camino en el mundo Vanguardista de la moda.

También el prejuicio hacia ciertas carreras vocaciones, un ejemplo de esto es la madre de Yukari, la cual no acepta el hecho de que su hija quiera convertirse en modelo ya que lo considera una actividad con bajos estándares académicos.

Otro tema que es criticado por Ai Yazawa es el sistema tradicional de enseñanza japonés, el Instituto de Bellas Artes Yazawa, al cual asisten los miembros de Paradise Kiss se presenta como la crítica de la autora hacia al ideal sistema de educación al erguirse como el polo opuesto de lo que se considera correcto en un instituto normal.

En la academia Yazawa los profesores mantienen una relación más cercana con sus estudiantes adoptando el rol de “mentores antes que policías” y se ilustra como un lugar donde se estimula la creatividad por medios no ortodoxos. A la vez esto contrasta con el instituto al que asiste Yukari el cual mantiene el método tradicional y estricto.

En definitiva si viste NANA, es prácticamente una obligación que veas Paradise Kiss, además no está mal ver un Josei con unas relaciones más profundas y adultas, peca en parte por su poca duración (12 capítulos) pero es una serie que no sientes cuando termina.

KIMI NI TODOKE: CRONICAS OTAKU - Escrito por Jenny.

A

veces las mejores cosas de nuestra vida no son las cosas materiales, más cada uno de esos detalles que la hacen especial y es que de un momento a otro nuestra vida pueda dar un giro totalmente diferente.

Para muchos será una manera de expresarse naturalmente sobre sus sentimientos por alguien y para otros será el tiempo en que irán descubriendo sus sentimientos por ese alguien, es por eso que nuestra serie se llama así Kimi Ni Todoke, en donde los protagonistas descubrirán paulatinamente la manera de llegar sutilmente a los sentimiento del otro.

Género: Comedia romántica, Drama, Recuentos de la vida, Shojo, Animación: Production I.G, Director: Hiro Kaburagi4, Autora original: Karuho Shiina, Director de sonido: Tomokai Yamada, Emisión: de 2009 a 2011, episodios: 1ª Temporada: 25 capítulos / 2ª Temporada: 12 capítulos.

Mitos y realidades La historia se basa en la vida de una chica llamada Sawako a quien todos llaman ”Sadako”.

Esto es devido a su parecido con la personaje principal de la película de terror Ringu porque su rostro se ve tenebroso cuando intenta hablar con alguien y hay un sin número de mitos alrededor de ella debido a la leyenda de “Sadako”. Sin embargo, Sawako es una chica de lo más normal e ingenua y siempre ayuda en lo que puede en la escuela y es colaboradora con sus profesores y es buena estudiante.

Dos almas se juntan por primera vez Un día al dirigirse a la escuela, vio que un chico no sabía qué dirección tomar y ella lo guio diciéndole a donde debía dirigirse, este chico es Kazehaya Shota y desde ese día desarrolla un sentimiento de amor hacia ella, pero calla porque no sabe lo que ella siente por él y de forma indirecta le ayuda a superar sus miedos y acercarse más a las personas a su alrededor y así poder eliminar todos los mitos que hay sobre ella.

Primeras amigas Sawako se hace amiga de Chizuru y Ayane por consejo de Kazehaya quien le dice que si quiere despejar todos los mitos y rumores sobre ella.

DESTACADO 2

Tiene que acercarse a las personas y decirles lo que siente y asi la van a aceptar y en efecto funciona y hasta se sientan juntos cuando hacen cambio de lugares en el salón de clases y poco a poco Sawako se va acercando más a las personas y hace amigos.

Pues no saben qué le pasa a ella, pero Kazehaya aclara las cosas con ella y luego ella con sus amigas y los rumores desaparecen y todo comienza a avanzar bien entre todos.

Rumores

Con el tiempo muchas personas empiezan a acercarse a Sawako y los mitos de ella con Sadako comienzan a disolverse y se lleva mejor con todos, sus miedos poco a poco desaparecen y hasta la tratan como espíritu de buena suerte (XD).

Todo se complica cuando alguien malintencionadamente crea el rumor de que Chizuru es una delincuente y que Ayane es una prostituta y todo apunta a que Sawako fue quien inicio el rumor pero Ayane y Chizuru no creen en los rumores y le dan su confianza a Sawako.

Pero un día a Sawako le preguntan si Chizuru y Ayane son sus amigas y ella NO dice exactamente lo que piensa, hace dudar a Chizuru y a Ayane sobre su amistad y cuando le preguntan a Sawako ella lo niega pero ellas no le dan la oportunidad de expresarse y asumen que ella no las quiere como amigas y así se alejan un tiempo. Los rumores también incluyen a Kazehaya y un día Sawako escucha que Kazehaya perderá su popularidad si anda con Sawako y ella decide alejarse de él y eso preocupa mucho a sus amigas y a Kazehaya.

Sentimientos de amor y rivalidad

Kazehaya por su parte, cuanto más tiempo pasa junto a Sawako, más le gusta ella y Sawako también está desarrollando sentimientos muy diferentes a los que siente por sus amigos, pero no logra darse cuenta de que en realidad le gusta, pero no puede evitar sentir sensación de nervios, mariposas en el estómago o evadirse miradas cuando están juntos.

Ayane se da cuenta de lo que pasa entre ambos y hace muchas cosas para poder molestar a Kazehaya sin que Sawako se dé cuenta porque lo hace. Sawako se hace amiga de una chica popular llamada Kurumi.

Reafirmando sentimientos Las festividades de navidad y fin de año se acercan y Kazehaya invita a Sawako a pasar navidad junto con sus amigos pero ella no puede ir debido a que su padre ama la navidad y no quiere herir sus sentimientos al irse y dejarlos solos pero luego de una llamada de sus compañeros sus padres le dan permiso de pasar lo que resta de la víspera de navidad junto con sus amigos y termina con un buen final.

A ella siempre le ha gustado Kazehaya pero este la rechazo hace tiempo y desde entonces dice que Kazehaya es “de todos” pero en realidad es una manera de evitar que otras chicas le confiesen sus sentimientos y así evitar que se le acerquen.

Kurumi nota la manera en que Kazehaya y Sawako se comportan al estar juntos y se acerca a Sawako para vigilarla y averiguar sus sentimientos por Kazehaya.

Sawako comienza a descubrir que lo que en realidad le pasa con Kazehaya es que se ha enamorado de él, ya que no siente lo mismo al acercarse a otros que con él y siente que es una persona especial para ella. Kurumi por su parte es descubierta por Ayane al ser la autora de los rumores y todas las cosas malas que han herido a Sawako sobre sus amigas y Kazehaya pero en su inocencia ella dice que no siente rencor hacia ella y se pregunta qué clase de relación tiene con ella, porque no es su amiga.

Kurumi se le confiesa de nuevo a Kazehaya pero ese le dice que ya le gusta alguien más y de una forma inesperada Kurumi reacciona bien ante la situación y le cede el lugar a Sawako.

En año nuevo Sawako pasa toda la noche junto a Kazehaya por complicidad de sus amigas y estos tortolitos al principio no saben qué hacer pero a medida pasa el tiempo logran adaptarse y tienen una bonita cita juntos y de alguna manera reafirman sus sentimientos mutuos pero sin decírselo el uno al otro.

El nuevo semestre comienza y Kazehaya y Sawako se han distanciado un poco debido a que han hecho cambio de asientos y ya no platican como antes y les es más difícil llegar el uno al otro y también por ciertas situaciones que se presentan entre sus amigas que no le dan espacio a Sawako para estar junto con Kazehaya.

Pero se vuelven más melosos a medida avanzan los capítulos y por fin podemos ver a Kazehaya celoso por la aparición de un nuevo personaje que le dan un poco más de realismo a la serie ya que se presentan diversos malentendidos que no están nada alejados de la realidad y por primera vez el chico popular tiene competencia lo que lo hace dudar un poco sobre los sentimientos de Sawako hacia el pero finalmente logran de a poco llegar el uno al otro y madurar en muchos aspectos.

Personajes: Sawako: Es la protagonista de la serie y es una chica marginada por su parecido a la personaje de la película Ringu pero que en realidad es una chica amable, ingenua, colaboradora y muy amigable.

Kazehaya: es el protagonista de la serie y se enamora de Sawako desde la primera vez que la ve y ayuda indirectamente a Sawako a tener más valentía y acercarse a otros y asi despejar los mitos que corren alrededor de ella.

Chizuru: es una de las primeras y mejores amigas de Sawako, quien a pesar de tener una apariencia muy varonil es muy sensible y tiene empatía por lo que le sucede a las personas alrededor, en especial sus amigos.

Ayane: es otra de las mejores amigas de Sawako y es una chica que es muy madura para su edad y lo demuestra al salir con chicos mayores que ella pero siempre termina con ellos por alguna razón.

Kurumi: es la villana de la serie y posee sentimientos de amor por Kazehaya desde que iban a secundaria y al verse amenazada por Sawako inventa un sinfín de rumores para alejar a Sawako de sus amigas y Kazehaya y asi tener más oportunidad de conquistar a Kazehaya.

Análisis de los personajes: Los personajes me gustaron mucho de principio a fin, todos tienen un carisma especial y único lo que le da un toque de diversidad a la serie, hasta Kurumi llega a caerte bien a medida que avanzan los capítulos y se revelan secretos sobre su vida pasada. En cuanto a los protagonistas no puedo negar que me engancharon desde el principio y la manera en la que van descubriendo poco a poco lo que sienten el uno por el otro me pareció adorable,

Más por el lado de Sawako quien experimentaba por primera vez todo y ese aire de inocencia. Aunque debo admitir que muchas veces me desespere por la lentitud en que ella descubría algo nuevo de sí misma pero una vez lo hizo la paz regresó jaja… La historia entre los personajes secundarios creo que no las resaltaron tanto como esperaba solo la de Chizuru y Ryu. En cuanto a la de Ayane nunca supimos más de lo que la serie mostró y en la segunda temporada tuvo aún menos protagonismo.

Pero en general los personajes estuvieron bien dieron lo necesario para que la serie se desarrollara con normalidad y con una muy buena trama, con escenas cómicas, románticas, dramáticas, cuando los personajes los hacían en forma de chibi me gustó mucho el contraste.

Desarrollo del género: En cuanto al género la serie cumple con todo lo que una serie Shojo debe tener aunque cuesta que nuestros personajes se den cuenta de lo que sienten creo que eso le da un poco más de hermetismo a la trama en la primera temporada pero ya en la segunda era ley que fuera más centrada en los protagonistas y al acercamiento entre ambos al sincerarse el uno con el otro y confesar lo que ambos sienten entre sí.

Las partes cómicas muy bien desarrolladas, eran tan buenas que no caían en lo ridículo pero que sacan una que otra sonrisa, más las partes en que sale Pin y lo supersticioso que es.

En las partes dramáticas confieso que sentí ganas de llorar con todas las historias y sentí empatía por lo que pasaban los personajes en su momento.

Animación: Para mí la animación es bastante buena, sencilla pero buena, con panoramas y paisajes hermosos que te hacían sentir como los personajes dependiendo la situación que se desarrollara. Los fondos me gustaron mucho y los efectos de burbujas cada vez que habían escenas románticas entre los personajes principales.

La verdad que esta serie es una serie muy relajante que no necesita mostrar mucho para transmitir mucho y sin caer en lo vulgar.

Apartado sonoro: La banda sonora de las dos temporadas me gustaron mucho, sus Openings y endings son pegajosos y no dudaría andarla tarareando por doquier hahaha… en cuanto a los sonidos de fondo y efectos de sonidos me parecieron muy acordes a cada momento o situación presentada en la serie y es un punto a favor de la serie. En general es una muy buena banda sonora.

Live Action La serie también tiene un Live Action que cuenta toda la primera temporada, tiene una duración aproximada de 3 horas y desde mi punto de vista rescata bastante lo que vimos en la serie aunque debo confesar que yo vi primero la película porque la encontré por casualidad en una página de doramas y mucho tiempo después descubrí que tenía anime y no dude en verla en cuanto pude bajar las dos temporadas.

Me gustó mucho la manera en que se esforzaron por que los personajes se parecieran mucho a los del anime en especial Sawako

También hasta los personajes de relleno se parecían mucho y se nota que se esforzaron mucho en los detalles al realizar la película.

Hubieron escenas que las modificaron un poco pero al final lograron el mismo fin en la trama de la serie y el Live Action.

Conclusión: Kimi Ni Todoke es una serie que recomiendo 100% a los amantes de Shojo y escolares pues nos muestra una historia sencilla de dos chicos que por primera vez experimentan sentimientos de amor, y en su defecto su primer amor de colegio con la típica historia del chico popular que se enamora de la chica marginada del grupo y que al mismo tiempo le ayuda a superar sus miedos e inseguridades durante el trayecto y así se van desarrollando sentimientos románticos entre ambos.

A su vez tienen que superar diversas dificultades tanto de ellos dos como de sus amigos más cercanos pero que al final logran darle un final feliz.

Esta es una de las series que te relajan, que con cada episodio quieres ver el siguiente y te mantienen a la expectativa de lo que pasara aunque sepamos de antemano en que acabara por ser un Shojo pero de igual manera nos atrapa cada personaje y su carisma y esas escenas tiernas y un poco romanticonas nos gustan a todos y nos hacen recordar a nuestros amores platónicos y a nuestros nervios del primer amor.

Está dividido en tres temporadas y cuenta además con dos películas y dos CD Dramas que cuentan pequeñas historias que nos ayudan a conocer un poco más la personalidad de nuestra pequeña cazadora de cartas.

Hablemos sobre la trama “Llave que guardas los poderes de la oscuridad…”

La serie se desarrolla en una localidad ficticia del Japón moderno, llamada Tomoeda, lo magnifico de esta serie es que los personajes son humanos “normales” viviendo vidas normales comunes y corrientes como cualquiera, pero con el equipo CLAMP siempre hay que esperar lo inesperado.

SAKURA CARD CAPTORS: RETRO OTAKU – Escrito por Sele.

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odos sabemos identificar de qué anime es esta frase pues, sin duda alguna todos vimos uno o dos episodios de ella, si es que no vimos el anime completo una o dos veces y si no lo hicimos seguro escuchamos hablar sobre él. Nos referimos a Sakura CardCaptors, esta serie que se basa en la vida de nuestra pequeña protagonista Sakura Kinomoto, una chica de 10 años que vive una aparente vida normal junto a su hermano mayor, su padre y el recuerdo de su hermosa y tierna madre quien murió cuando Sakura solo tenía 3 años.

Esta serie de maga fue escrita e ilustrada por el grupo de Mangakas CLAMP, que es un cuarteto femenino de dibujantes japonesas de manga y cuyo trabajo tiene la característica especial de estar interrelacionado o por hacer menciones a otros de sus trabajos, la adaptación al anime fue dirigida por Morio Asaka, animado por Madhouse y producido por la editorial Kōdansha, inicio su trasmisión en Japón el 7 de abril de 1998 y finalizó el 21 de marzo de 2000 con un total de setenta episodios con duración de treinta minutos cada uno.

En la primera temporada los episodios se centran en las relaciones humanas que tienen nuestra protagonista, las relaciones de amistad, relaciones familiares, pequeñas rivalidades y el primer amor sin perder la magia que lo caracteriza.

Sakura asiste a la escuela, tiene amigos, es una estrella en los deportes y gusta de un chico mayor amable y respetuoso pero que guarda un secreto muy grande, todo en la vida de Sakura transcurre de la forma más pacífica y típica de la de cualquier niña de 10.

Un día al regresar de la escuela y encontrarse sola en casa, escucha un raro ruido proveniente de la pequeña biblioteca de su padre, al entrar a inspeccionar encuentra un libro un tanto peculiar que al abrirlo contiene unas cartas igual de peculiares que se esparcen por diferentes partes de la ciudad al liberar su poder, “la bestia que mantiene selladas las cartas Clow” elije a Sakura como la persona que debe ayudarle a encontrar las cartas antes de que las desgracias visiten el mundo debido a su increíble fuerza.

Es así como Sakura descubre que hay magia en su interior, que alguien más también intenta recolectar las cartas y que su vida se volverá un pequeño reto.

Se le encomendó la misión de mantener selladas las “Cartas Clow” y de elegir al posible dueño de las mismas, pero lejos de ser una bestia, Kero es un glotón que adora los dulces y los videojuegos, es también el guía de Sakura y se mantiene con ella en todo momento, Kero tiene una pequeña rivalidad con Shaoran en un principio, porque no quiere que sea él quien recolecte las cartas.

Tomoyo Daidōji: Es la mejor amiga de Sakura; una niña amable, confiable y con una voz prodigiosa. Funge como la diseñadora de los vestuarios de Sakura al momento de capturar las cartas, suele acompañar a esta para filmarla durante sus batallas y también ayuda a Shaoran a demostrarle sus sentimientos a nuestra Card Captor.

Personajes con magia propia Sakura Kinomoto: Es la protagonista de la historia; una niña dulce, ingenua, muy buena en los deportes aunque algo despistada, pero muy valiente y perseverante a la hora de capturar las “cartas Clow”, lo que la hacen la persona idónea para esta misión. A pesar de perder a su madre a una edad temprana, Sakura aprende a no darse por vencida pues tiene a muchas personas a su lado que creen en ella.

Shaoran Li: Es el descendiente de Clow Reed, el mago que creó las “Cartas Clow”. Su familia entera posee poderes mágicos, y desde pequeño fue entrenado para capturar las cartas, es por ello que cuando Sakura libera las cartas de su sello, Shaoran llega a Tomoeda.

Al principio le causa muchos problemas a Sakura, compitiendo por ser los dueños de las “Cartas Clow” y de las atenciones de Yukito, al final la rivalidad se transforma en amista, y Shaoran descubre que siente algo diferente por Sakura.

Kero (Kerberos): “la bestia que mantiene selladas las cartas Clow”, hace referencia al poder del sol, es una de las criaturas creadas por el mago Clow Reed.

Touya: Es el hermano mayor de Sakura, es el encargado de recordarle su baja estatura y básicamente de molestarla como todo buen hermano mayor, pero es también la persona que protege y se preocupa más por Sakura que ninguna otra.

Touya tiene una habilidad especial y es que él puede además de sentir la presencia de personas que poseen magia, también es capaz de sentir la presencia de fantasmas y es eso lo que lo mantiene conectado con su madre.

Sakura y el poder de la Luna.

En la segunda temporada Sakura descubre un nuevo secreto, se da cuenta que Yukito es en realidad Yue, el otro guardián de las “cartas Clow” y el encargado de enjuiciar a aquella persona que Kerberos elija como la posible nueva propietaria de las cartas, Yue al igual que Kerberos necesitaba recuperar su poder para regresar a su verdadera forma, por lo que él se mantiene cerca de las cartas Clow bajo la identidad de Yukito Tsukishiro el mejor amigo del hermano mayor de Sakura.

Si bien Yue y Yukito son la misma persona ambas identidades parecen poseer personalidades propias que distan mucho entre sí.

Por supuesto su amiga Tomoyo estará ahí para hacerla lucir como toda una CardCaptor y gravar en video cada una de sus hazañas.

Eriol Hiragizawa: Eriol es el nuevo alumno en la clase de Sakura, es un chico proveniente de Inglaterra, amable, respetuoso y por sobre todo una persona muy misteriosa.

Eriol es una de las mitades de la reencarnación del mago Clow, posee sus habilidades y recuerdos; su edad en apariencia es la de un niño de 11 años pero en el manga se aclara que Eriol detuvo su crecimiento y adopto esa forma para estar cerca de Sakura, ya que la otra mitad de la reencarnación del mago Clow es Fujitaka Kinomoto se presume que la edad de Eriol y la del Profesor Fujitaka es similar.

Es por ello que Sakura y Shaoran se sentían llamados por el poder de la Luna hacia la persona de Yukito, este dato ha desatado un poco de polémica pero es el mismo Shaoran Li quien lo aclara al enterarse de la existencia de Yue en el joven Tsukishiro.

Yue (Yukito Tsukishiro): Es otra de las creaturas creadas por el mago Clow Reed, es el guardián lunar de las “Cartas Clow”. Su verdadera forma es la de un ángel blanco y es conocido por ser quien tiene la misión de juzgar al nuevo amo de las cartas, bajo la apariencia de Yue su personalidad es implacable llegando a ser arrogante pero bajo la apariencia de Yukito su personalidad es la de un chico amable, respetuoso y totalmente un ser humano común.

El nuevo alumno, ¿Quién será?

En la tercera temporada, Sakura se ha convertido en la definitiva dueña de las “cartas Clow” , pero la presencia del gran mago Clow Reed empieza a sentirse en la ciudad, mientras tanto un alumno nuevo llega al salón de Sakura, su nombre es Eriol, este chico tiene una extraña y fuerte presencia, mientras Sakura y Shaoran intentan averiguar a qué se debe esta presencia, un nuevo reto aparece, las “cartas Clow” no funcionan ya que han cambiado de amo, es por eso que Sakura debe convertirlas en “cartas Sakura” una a una.

Un poco de música y magia Hablando un poco sobre la banda sonora de Sakura Card Captor, el primer álbum de la banda sonora «CardCaptor Sakura Original Soundtrack I» el 23 de julio de 1998 y contenía el tema de apertura titulado « Catch you Catch me» de Megumi Hinata, un clásico muy propio de esta serie y las emociones que el primer amor te hacen vivir.

El segundo disco « CardCaptor Sakura Original Soundtrack II» fue lanzado el 19 de diciembre del mismo año de este fue extraído el Ending «Groovy!» Interpretado por Kohmi Hirose que le da un toque animado y que te hará tararear luego de las primeras letras por su pegajoso estilo.

El tercer disco fue lanzado en junio del año siguiente y de este se extrajeron el segundo opening titulado «Tobira o Akete» y el segundo Ending que tiene por título «Honey» de Chihiro y para marzo del año 2000 fue lanzado el cuarto y último álbum «CardCaptor Sakura Original Soundtrack IV» de donde fueron tomados el tercer opening de la serie, titulado «Platinum», que en lo personal es mi favorito, fue interpretado por Maaya Sakamoto que le da un toque mágico a la serie con su dulce voz y el ultimo Ending «Fruits Candy» de Megumi Kojima.

Un dato interesante es que en enero de 1999 fue publicado un álbum titulado « CardCaptor Sakura: Character Songbook» el cual contiene canciones interpretadas por los seiyū de Sakura, Tomoyo, Touya, Yukito y Shaoran.

“La Carta sellada” Aunque la serie tiene dos películas que nos aportan datos interesantes para conocer más de Sakura y sus amigos, la que personalmente me gusta mucho más es la segunda película, titulada “La Carta Sellada” en donde una nueva carta Sakura aparece y no solo eso, Shaoran regresa de Hong Kong, ahora los sentimientos de ambos se vuelven mucho más abrumadores y su relación se balancea entre la amistad y algo más fuerte y mágico que eso, ¿Cómo terminara todo?

Es una película 100% recomendada para los amantes de esta serie y para los que desean saber más sobre la relación de Sakura y Li Syaoran En síntesis Sakura CardCaptor es una de esas series que marcan un punto en la vida de quienes ven este anime, personalmente la historia por si sola es perfecta y lo tiene todo: magia, amistad, hermandad, amores imposibles y amores reales.

Esta serie sin duda es una de esas que puedes ver tres veces y te seguirás sintiendo parte de ella. Pero, si deseas adentrarte más al mundo mágico de CLAMP y conocer un lado más misterioso de nuestros protagonistas Sakura y Syaoran, te recomiendo que le des un vistazo a Tsubasa: RESERVoir CHRoNiCLE y a xxxHOLIC (las cuales veran sus reseñas pronto), que te atraparan en un universo alterno pero con un vínculo estrecho con nuestra CardCaptor.

GAMING section

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DESTINY THE TAKEN KING MORTAL KOMBAT X VALIANT HEARTS: THE GREAT WAR SUPER PRINCESS PEACH NEED FOR SPEED NIGHTS JOURNEY OF DREAMS

La Incursión (Raid). Sin embargo para esta ocasión finalmente añade un nuevo set de habilidades para cada tipo de personaje (Titán, Cazador y Hechicero), cada tipo de habilidad está enfocada en el uso de la energía de Arco, Solar y Vacio, pero cada uno de nuestros personajes solo tenía acceso a 2 de estas ramas de habilidades, o eso era hasta The Taken King.

Al hechicero se le ha dado la habilidad de arco, que al momento de activar su “Super” (habilidad especial) lo convertirá en un caballero Sith, ya que dispara rayos de sus manos, con la ventaja de afectar a una gran cantidad de enemigos en un corto periodo de tiempo. El cazador se le ha brindados la habilidad de vacío, con la cual puede arrojar una flecha que ciega a los enemigos cercanos y aumentan el daño el daño que los enemigos cegados reciben.

dESTINY THE TAKEN KING: ACTUALIDAD GAMING – Escrito por Juan.

T

he Taken King es el ultimo contenido de paga para el juego Destiny, publicado en el octubre del año 2015, a un año del lanzamiento del juego base (Destiny). La característica de este contenido, es que no ha sido catalogado por la misma Bungie, como un “DLC”, sino como una “Expansión”. Con un precio mucho más elevado a sus “DLC” anteriores, (40$).

Nota Importante: Para poder jugar a “The Taken King” es obligatorio tener los 2 DLC anteriores, ( la oscuridad profunda y la casa de lobos) Habitualmente los contenidos de pago previos de Destiny, nos tenían acostumbrados a simplemente añadir algunas misiones nuevas, al igual que mapas para el online competitivo (El Crisol), más armas (entre ellas espadas) y armaduras que convertían a obsoletas todo el equipo que anteriormente tenía el jugador, y la cereza del pastel (en mi opinión).

El Titán obtiene la habilidad solar con la cual arroja martillos incendiarios, que al impactar causa un daño muy considerable, (esta habilidad es muy temida en el crisol, debido a su letalidad y efectividad a la hora de aniquilar a los rivales).

La historia de este DLC está enfocada en el padre de Crota (jefe del primer DLC, “La oscuridad profunda” ) llamado Oryx, que quiere destruir a todo lo puede, y convertir a algunos de ellos en sus sirviente poseyéndolos (de ahí el nombre del rey de los poseídos).

Pero no se hablare más de la historia en el resto de este articulo, ya que la historia de Destiny, superficialmente suele ser casi nula, ya que su verdadera esencia se entra oculta (Lore, o historia oculta), pero lo que si puedo afirmar es que superficialmente, este DLC tiene más historia que los anteriores.

Durante las nuevas misiones que ofrece The Taken King, ya no se sentirán mas solitarias, no en el sentido que te encontraras a mas jugadores, o algo por el estilo, más bien porque tu acompañante (El Espectro) es mucho más comunicativo con el jugador, que en las entregas pasadas, en las que frecuentemente uno como jugador olvidaba la mera existencia de este ser que nos acompaña.

Ahora se maneja los niveles por la cantidad de luz que posea cada ítem que tenga equipado tu personaje.

Es decir, La cantidad de daño que tenga tu arma y la cantidad de defensa que tenga tu armadura será igual a la cantidad que Nivel de Luz que tendrás, para acceder a los niveles de luz deberás ser nivel 40, en el juego, que para llegar a nivel, deberás recolectar Exp de la manera tradicional, es decir matando enemigos, y completando contratos, o jugando en el PVP (El Crisol), o usando un ítem que te llevara al nivel 35 ( creo recordar que era ese nivel), aun que si quieres disfrutar la experiencia completa de Destiny de la forma en la cual fue diseñada desde su inicio, no recomiendo usar este ítem.

Todas las misiones serán iguales para los 3 tipos de jugadores, (Titán, Cazador, Hechicero) con la única excepción de la misión en la cual cada personaje adquiere su tercer poder elemental. Y que para mi opinión, estas nuevas habilidades son más poderosas, o mas útiles que las anteriores, y hablo por los personajes, “Hechicero y Cazador” (En el Titán no se siente Over Power).

Hablando de poderes elementales, en este juego por fin se puede conseguir una espada propia, que curiosamente necesita munición pesada ( la de color lila- o morado) para funcionar.

Durante el juego se te dará una misión, en la cual podrás conseguir una sola espada, que esta puede ser de Arco, Solar o Vacio. Esto quiere decir que para tener las 3 espadas, tienes que conseguir una con cada personaje, ya que es imposible conseguir 2 con el mismo personaje.

En esta ocasión y para variar, Destiny hace un nuevo cambio en el sistema de armas, nivel y armadura, que aparte de volver obsoleta todas tur armas y armaduras que habías conseguido anteriormente, ahora también subes de nivel de una forma totalmente diferente.

Como nueva característica de este nuevo dlc, hay una nueva localización (no un planeta), en su lugar será la nave nodriza de Oryx, que considerándolo bien podría ser casi como un planeta pequeño, debido a la inmensidad de sus instalaciones, las cuales esconden una respetable cantidad de secretos, entre ellos y los más comunes, mas espectros y nuevos coleccionables que pueden ser usados para desbloquear armas.

En este lugar y en todos los demás planetas podrás encontrarte con los poseídos, que son los mismos enemigos de siempre, pero en este caso, serán de color plateado definido así por el hecho de no tener voluntad propia al estar siendo controlados por el mismísimo Oryx.

Lo más sobresaliente de este DLC, al igual que en (La oscuridad profunda - DLC1), es la Incursión (Raid), de la cual no pude quedar más contento. Es una raid medianamente larga, para los estándares de Destiny, igual o quizás un poco más larga de la cámara de cristal.

Pero en sí, es todo lo que esperaba, un buen desafío de habilidad y de trabajo en quipo, es esencial que para poder completar esta incursión, tener un buen equipo, buen equipamiento, y una buena comunicación en tiempo real, es decir: usar el voice chat.

En este tipo de partes, es en las cuales es indispensable el trabajo en equipo, y una buena coordinación.

Lo más recomendable es que cada jugador, se enfoque en una labor después de tener planeado que hacer, y luego seguir el plan que hayan establecido como grupo, porque de lo contrario podrían pasar, y sin exagerar hora en el mismo lugar, tratando en vano de superar ese segmento de la Raid.

Este DLC, también incluye nuevos mapas para el PvP, y algunos modos de juego nuevo, pero no puedo hablar mucho en este aspecto ya que no soy un jugador que juegue mucho Crisol, pero a groso modo los nuevos mapas eran algo necesario, y dan algo de variedad a los entornos en los cuales se disputan las batallas.

A lo largo de cada segmento de la Raid, te encontraras con cofres, que podrán darte una diversidad de artículos que solo podrás encontrar en la raid, como fragmento putrefacto, cuya función es elevar las posibilidades de que al derrotar a Oryx, este te de mejores ítems, podrás conseguir también, armas y partes de armadura con una luz mayor a la de 300, que ira rondando entre 300 y 310. (Para obtener elementos de mayor luz, es indispensable jugar la Raid en difícil).

En esta Raid no solo encontraras partes que dependerán del trabajo en equipo, sino partes en las cuales deberás demostrar ciertas habilidades de forma individual, hablando principalmente del salto de plataformas (naves espaciales) en las cuales deberás tener buena coordinación de tiempo- reacción con tu personaje y las plataformas móviles que te encontraras, en el resto de la partes, será lo cotidiano, vencer a mini Bosses ( mini jefes), que de mini no tienen nada, cada uno necesitara cumplir ciertos criterios que son necesarios para poder hacer daño a los enemigos, que de lo contario seria como tratar de matar a Chuck Norris, es decir, date por muerto.

Conclusión Personal.

Después de haber explicado a grandes rasgos lo que consiste este dlc, y aparte de ser un jugador que he invertido aproximadamente 700 horas a Destiny (660 horas, para ser más exacto) y que ya he jugado una respetable cantidad de horas a este dlc, lo primero que me viene a la mente es: EL PRECIO ES EXCESIVO, Y MUCHO. No me mal interpreten, me gusta mucho Destiny, y me encanta jugarlo con mi amigos, (por esta última razón es que decidí comprar este DLC), pero eso no significa que este dlc que Bungie ha llamado Expansión para poner de pretexto el precio elevado que tiene, sea mala, simplemente que desde el punto de vista económico, me he quedado decepcionado.

Por el hecho de ser 40$, es más de la mitad que valía Destiny cuando salió hace un año, yo me esperaba mínimo la mitad de contenido que tenia juego cuando salió, y me vengo a dar cuento que siendo generosos se podría decir que tiene ¼, y no es ninguna excusa que digan que no solo son los mapas y la raid lo que trae, sino nuevas habilidades para cada personaje.

Para ese argumento solo puedo decir, que no, eso fue contenido castrado que hizo Bungie, para poder venderlo en el futuro, las 3 ranuras de habilidades ya existían DESDE LA MISMISIMA BETA, antes de septiembre del 2014, pero al igual que en el juego “FINAL”, este venia solo con 2 poderes en las 3 ranuras, quedando una vacía hasta este DLC. Esa habilidad siempre estuvo planeada para existir, pero nos lo la negaron en el juego principal, por x o y razón, aunque yo estoy casi seguro que era apara decir que un futuro dlc, tenía más contenido aparte de las simples misiones en cada planeta y la Raid.

Que por cierto no olvido que el anterior DLC, (La casa de Lobos) no trajo Raid, en su lugar trajo una arena de combate, que bueno, algo para variar, pero no pensé que solo fueran hacer 4 mapas en los cuales te meten diferente cantidad de enemigos con variaciones en las bonificaciones, y nada más, es decir, en lugar de una Raid, entregaron eso. Pues que decepción me lleve.

Al menos puedo decir que, el contenido me parece el adecuado, para un DLC de 20$, no 40$.

Pero entonces se podría decir que me arrepiento por haber comprado el DLC, aun que parezca raro, NO, no me arrepiento, ya que lo que he jugado, lo he disfrutado, por mi cuenta y con mis amigos completando la Raid principalmente, y otras misiones.

Si no tienes Destiny, y quieres entrarle a este juego, déjame recomendarte que adquieras Destiny (Legendary Edition) trae el juego base, mas todos los dlc, no tienes que comprar nada más.

Para los que ya tenían el juego, solo les puedo recomendar que miren bien que tanto tiempo van a invertirles a este juego, y si tienen o creen poder encontrar personas con quienes jugar este juego, valga la redundancia. Porque del caso que no lo vayas a jugar mucho, no te lo podría recomendar, eso te lo dejo a tu total consideración.

Nota: No olvidar que para jugar “The Taken King” son necesarios los 2 DLC anteriores, en si es un gasto de más de 60$ solo en el DLC, quizás mires más factible comprar la edición legendaria, para el caso de que tienes el juego y no tienes ningún DLC. En ese caso estarías comprando de nuevo el juego, pero aun así estarías ahorrando algo de dinero.

MORTAL KOMBAT X:

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La Cronica de Colosho Escrito por Carlos.

l género de pelea es uno de los presenta mayor competitividad y rivalidad entre los Gamers, llegando a tener grandes torneos de relevancia mundial para demostrar quién es el mejor a la hora de dar puños y patadas. Sin embargo, la lucha empieza mucho antes de que los juegos lleguen a las manos de los Gamers, puesto que los desarrolladores tienen que buscar nuevas características, estilos de control y jugabilidad, etc. que diferencien su creación de las demás y que no la hagan caer en una copia descarada de lanzar ‘bolas de fuego’ como movimiento especial de ‘estandar’.

Entre los juegos de pelea que siempre serán legendarios tendremos a Street Fighter, el cual vino a revolucionar todo lo que a juegos de pelea se refiere y sirvió de base para los cimientos de muchos otros títulos. A pesar de esto último, ha habido muchos otros que desarrollaron su estilo y siguieron su propio camino a través de los años: algunos enfocándose en el uso de armas, otros en la capacidad de hacer combos largos, otros más al estilo de recrear las peleas de los Animes…

Hoy nos toca hablar un poco del título que, como hizo SF, marcó historia en el mundo de las peleas, y que daría el primer paso firme para aventurarse a la explotación de un concepto que se tenía miedo a introducir de lleno en los juegos: “Violencia Explicita”, más bien conocida como “Gore”, estamos hablando nada más y nada menos que de Mortal Kombat.

En aras de tiempo y espacio, se hablará en específico de su último gran triunfo: Mortal Kombat X, y pues, dependiendo de la aceptación del review, se considerará hacer un análisis general de toda la historia de la saga del mítico origen del Toasty! …ahmm digo, de la Fatality!!.

MORTAL KOMBAT (2011): (EL REGRESO LEGENDARIO DE UNA SAGA DADA POR MUERTA) El último juego de MK en su línea cronológica (tanto en el juego como literalmente hablando), fue Mortal Kombat Armageddon, con la cual el barco de Ed Boon (su creador) terminaría de hundirse tras una racha bastante mala después de que su estilo probó suerte al entrar en el mundo de los gráficos 3D… El final canónico sería el que termina con la victoria del emperador Shao Kahn.

DESTACADO 3

Enfrentándose y venciendo con gran ventaja a Raiden, y pues realmente terminando en un Armageddon donde Shao Kahn conquistaría todos los reinos y sería el fin de todo.

Estaba muy difícil encontrar una forma lógica de continuar la historia después de haber mandado ya todo al ‘Outworld’ [If you know what I mean…]… por lo que Ed Boon sorprendería a todos en el 2011 con un reboot de la historia del juego, desarrollando los eventos de MK1, MK2 y MK3 con un Raiden iluminado por un mensaje que advertía de los eventos del futuro, por lo que las cosas pasarían con considerables cambios y terminando con la derrota de Shao Kahn con el consentimiento de los Elder Gods y la victoria del EarthRealm.

Sin embargo, esto también dejaría notables bajas en el equipo de los buenos y el guiño de que el siguiente enemigo poderoso al cual le haríamos frente sería Shinnok, el Elder God caído.

MORTAL KOMBAT X: (EL MK DISEÑADO PARA LA NUEVA GENERACIÓN DE CONSOLAS) Si el regreso de MK fue bueno, le pasó las mismas de Megaman al agregarle la X…

En Abril de 2015 se lanzaría el que sería el juego de pelea que demostraría de lo que era capaz la nueva generación de consolas: Mortal Kombat X, el cual dominaría con un Flawless Victory al no tener competencia de su calibre y terminaría siendo el ganador del Juego de Peleas del 2015 en los Game Awards.

Lo que el estudio de NetherRealm no esperaba era que MKX terminaría siendo demasiado bueno y que aprovechando tanto los recursos que la PS4, XB1 y PC ofrecían, terminaría siendo imposible realizar su adaptación a la generación saliente de consolas (PS3 y Xbox360), por lo que se iría posponiendo su lanzamiento en éstas, terminando en la cancelación de su lanzamiento porque no lograron cumplir los estándares que tenían en mente y no querían lanzar algo que no sirviera. (Así como le paso a Black OPS 3) HISTORIA: La historia principal tomaría lugar 25 años después, haciendo flashbacks en el tiempo transcurrido que nos revelaría que después de la derrota de Shao Kahn y con las líneas de defensa de los buenos reducidas.

Shinnok aprovecharía para invadir con las fuerzas del Netherrealm, incluyendo entre sus filas a los guerreros del EarthRealm que murieron en los pasados eventos. Sería Raiden y Fujin quienes pelearían con el apoyo de los pocos sobrevivientes (Johnny Cage, Sonya y Kenshi) para lograr una oportunidad y despojar a Shinnok de su amuleto de poder y encerrarlo dentro de él. Sin embargo, su sirviente Quan Chi lograría escapar y posteriormente encontraría la forma de traerlo de regreso nuevamente.

Por si fuera poco, en el transcurso de la historia nos toparemos en un fuego cruzado de otras amenazas para el EarthRealm. Mileena dice ser la sucesora directa de Shao Kahn y está en constante enfrentamiento contra Kotal Kahn, quien es el nuevo emperador del Outworld.

Pero no todo es tragedia, pues tendremos de regreso a una gran mayoría de los veteranos kombatientes gracias a… ehmm… la ‘magia’ de Raiden (Si, es en serio).

Además de la adición de nuevos peleadores, entre ellos la hija de Cage y Sonya: Cassie, la hija de Jax: Jacqui, el primo de Kung Lao: Kung Jin, y el hijo de Kenshi: Takeda… quienes protagonizarían la mayoría de los eventos de la historia y quiénes son los siguientes en ser los defensores del EarthRealm.

Importante mencionar que entre los eventos de la captura de Shinnok en el amuleto y la historia principal de MKX suceden varios acontecimientos donde se explican muchas cosas, como el porqué Sub Zero aparece nuevamente como humano, que pasó con el ejercito robótico de los Lin Kuei, porqué Scorpion se presenta con su figura humana y que pasó con muchísimos de los demás personajes de MK que todos pensaron que simplemente habían sido simplemente dejados de lado…

Todo esto está contemplado en el Comic de DC de Mortal Kombat X, el cual ya ha finalizado su primera temporada con 36 capítulos, pero que sin embargo ha dejado muchos cabos sueltos que posiblemente dejan un guiño para continuar con la historia de MK.

APARTADO GRAFICO: MKX cumple con lo que a gráficos concierne, punto!! …ok, ok extendamos un poco.

Es sin lugar a dudas el juego con mejores texturas en el diseño de sus peleadores, eso sin mencionar las marcadas diferencias físicas entre cada uno de ellos. Se mantiene el estilo de ‘3D aplanado’ de su predecesor, pero sin descuidar los elementos que saltan a desde zooms espontáneos en algunos ataques hasta los elementos específicos en los escenarios con los que podemos interactuar o no.

Algo que quedó claro desde el momento que empezaron a anunciarlo fue que MKX sería un juego con un estilo más sombrío, y de hecho su entorno gráfico está rodeado de oscuridad en la mayoría del tiempo, lo cual al mismo tiempo permite apreciar más los destellos, impactos y hasta el resplandor de los elementos en general.

Los ataques X-Ray están de regreso y mucho más pulidos a nivel de parecer ‘Fatalities’ a medio juego... Y hablado de gore, se han esmerado de lleno en que tengamos tripas, huesos y litros de sangre para saciar nuestros violentos deseos de destrozar (literalmente) al rival.

Las Fatalities y Brutalities están a la orden del día, y sin duda habrá más de alguna que hará entrecerrar los ojos y dejar ir un ‘uhhhhhhh’ hasta al Gamer más sanguinario.

BANDA Y EFECTOS SONOROS: Mortal Kombat nunca se ha destacado por tener un OST exactamente ‘movido’, más sin embargo no queda del todo descuidado en esta entrega, pues la música (aunque poca) ayuda a ambientar más o menos bien las peleas, conservando siempre el aspecto sombrío.

En lo que sí podemos decir que se luce es en los efectos de sonido… los disparos, rayos, el filo de un cuchillo rompiendo el viento, el sonido al quebrar un jarrón y ni se diga de los huesos, el goteo de la sangre, entre tantos otros, todo con afinado con el mayor detalle.

PELEADORES, ESCENARIOS Y FACCIONES: Inicialmente se cuenta con un total de 24 personajes seleccionables, más el poder desbloquear Shinnok al terminar el modo historia.

Los ‘benditos’ DLCs no se hacen extrañar, por lo que se cuenta además con 2 peleadores del universo de MK: Tanya (la traidora de Edenia) y Tremor (el Lin Kuei olvidado), además de contar con 2 peleadores invitados: Jason y El Depredador, haciendo un total final de 29 personajes para todo el roster.

Extra se ha anunciado un nuevo pack de personajes para este 2016, , el cual incluiría a Borraicho y un androide híbrido de Cyrax/Sektor/ Smoke, y a otros 2 personajes invitados: Leatherface, el asesino de la Masacre de Texas y El Xenomorfo de las películas de Alien.

Con lo que para el final del año contaríamos con 33 personajes en la lista. Extra mencionar que cada peleador tiene 3 estilos de pelea, los cuales varían las habilidades, combos y características específicas, lo que agrega más opciones para dominar a nuestro personaje favorito y agrega un plus a la rejugabilidad.

En cuanto a escenarios se tiene una variedad de 13 escenarios, algunos de ellos con versiones alternativas [aunque sin mayor cambio que una tonalidad roja de ‘se acaba el mundo’]. Además cada uno cuenta con distintos elementos con los que podemos interactuar para ya sea maniobras evasivas como ofensivas a la hora de de las peleas.

Las Facciones son un nuevo modo agregado en MKX, el cual nos permite afiliarnos a un grupo de entre 5 para poder cumplir ciertos objetivos mientras jugamos ya sea Online u Offline.

De esta forma se suman puntos de manera conjunta con otros jugadores que pertenezcan a tu mismo grupo, para entre todos ganar el puesto de la Facción dominante y tener distintos tipos de recompensas. Esto además de darnos acceso a otros movimientos finales, distintos para cada facción, y desbloqueables según el nivel que tengamos dentro de ella.

FINISHERS O MOVIMIENTOS FINALES: Cada personaje cuenta con 2 Fatalities (algunos tienen un Fatality clásico extra), los cuales siguen ejecutándose de la forma ya acostumbrada al finalizar la pelea y ver el mensaje “Finish Him/Her”, basta con conocer la secuencia de botones y la distancia adecuada para poder ejecutarlos.

Como se mencionaba en el apartado de las Facciones, según a la que pertenezcamos y según el nivel que tengamos dentro de ella, se nos desbloquearán hasta 5 Faction Kills, las cuales son Fatalities digamos asistidas con características específicas según al grupo que pertenezcamos. Para realizarlas es necesario desbloquearlas subiendo de nivel en la facción, y se ejecuta el comando a una distancia de pantalla completa realizando una secuencia sencilla de comandos.

Es algo tedioso pero que con el tiempo se logra, pero en esta vez se han pasado de sin vergüenzas al vender el desbloqueo de la misma como un DLC por $20.

Las Brutalities hacen su regreso pero de una forma distinta a lo que siempre han sido, pues ya no se trata de agarrar a golpes al oponente hasta hacerlo reventar, sino más bien recuerdan los Ultimates que se vieron en Killer Instinct, es decir, hacer un movimiento final a tu oponente sin tener que pasar por la pantalla del “Finish Him”.

Estas son un poco más complicadas, pues hay que cumplir ciertas condiciones para poder hacerlas, esto además de ya haberlas desbloqueado en la Krypta, pues de nada servirá saber cómo realizarlas sin esto último porque no funcionarán. Cabe mencionar que hay muchas Brutalities que son secretas y que no necesariamente se van encontrar entre el listado de comandos.

De igual forma, en los escenarios contaremos con ciertos elementos que nos permiten hacer una Brutality para terminar con el oponente, lo cual es el equivalente del clásico ‘Stage Fatality’.

MODOS DE JUEGO: Además del modo historia, se cuenta con las clásicas torres del modo Arcade, los modos de entrenamiento básico y de Fatalities y los Test Your Might/Luck, éstos últimos quizás lo único tonto del juego.

El modo Krypta que se viene repitiendo desde MKV, repitiendo su finalidad de ir desbloqueando de a poco desde trajes, Finishers, arte conceptual, entre otros.

Como se mencionaba antes, también tenemos el modo de Facciones que es una forma de cooperativo masivo en el que juntamos puntos entre todo el grupo para obtener recompensas, además de tener eventos conocidos como Invasión a los Reinos por parte de la IA, que de igual forma sirve de competición para ver quién es mejor repeliendo la invasión y completando tareas en específico como torres o retos.

Por supuesto tenemos el modo Online que no podía faltar. Están de regreso los modos más tradicionales como el modo Ranked, Versus y King of The Hill, además de torres en las que se compite en línea por ver quien termina primero y completa más objetivos específicos en cada batalla.

No está de más mencionar que la Jugabilidad Online es bastante estable y que para aquellos que les gusta salirse a media pelea, serán castigados haciendo explotar la cabeza de su personaje con el mensaje de ‘Quitality’, lo que le dará inmediatamente la victoria al rival.

Además, tenemos las ‘Living Towers’ al tener acceso Online, las cuales son como las torres de peleadores pero con retos o condiciones específicas y que van rotando cada cierto período de tiempo.

REJUGABILIDAD: Un juego de peleas puede terminar siendo un juego casual para pasar el rato o termina enviciándote como lo hizo Marvel vs Capcom 2 en su tiempo (y hasta hoy en día). MK-X tiene una rejugabilidad bastante buena, pues gracias a los retos constantes, la Guerra de Facciones y las Living Towers tendremos para no aburrirnos haciendo lo mismo.

Además que desbloquear la Krypta nos llevará un buen rato si lo hacemos de la forma correcta.

Gracias a los diferentes estilos de pelea de cada jugador tendremos más opciones para descubrir nuevos combos o encontrar nuevas opciones para enfrentar a ciertos enemigos en específico.

Si bien la historia principal del juego se termina relativamente rápido, terminar los modos Arcade (Torres) con todos los personajes nos dará un poco más de entretenimiento si queremos ver los finales (canónicos o no) de cada personaje, además de las torres de reto que se incluyen en el modo Offline.

PALABRAS FINALES: Mortal Kombat X cumple lo que todos esperábamos desde el momento que Ed Boon mostró el poster con la columna en X-Ray. Es uno de los mejores juegos de pelea de todos los tiempos, no sólo a nivel gráfico, sino porque vino a mejorar a su predecesor que de por sí era bueno y dejó claro que Mortal Kombat está de regreso y para quedarse.

A pesar que algunas Fatalities y Brutalities se salen un poco de lugar y terminan viéndose un tanto tontas [Más que todo se nota que es mano de Ed Boon], en lo general el juego mantiene su seriedad y su estilo sombrío lo cual es lo importante.

En cuanto al balance, podría trabajarse un poco más porque algunos peleadores si son un tanto molestos al ‘hacer y repetir’ lo mismo o bien tienen ataques que se pasan de ‘poderosos’… Sin embargo, siempre hay opciones para enfrentar cada situación, por lo que no es tampoco para sentarse frustrado con un enemigo que sea totalmente invencible.

El modo Online entretiene, pero en lo personal prefiero las peleas en modo local con los amigos para variar un poco la selección de peleadores… [Porque después de un rato aburre pelear siempre contra Scorpion y Raiden] Finalmente, solo puedo decir que MK-X es más que recomendado y que definitivamente no decepcionará tanto a los seguidores de la saga como a los jugadores casuales. En lo personal le dejo una calificación de 9/10, más que todo porque la forma de hacer los modos historia combinando peleas y cinemática no me agrada, sería más interesante que trajeran un modo de historia como el que tuvo MK Armageddon. Y de ahí pues, que ya a estas alturas hubieran sacado un par de temas de pelea que encajaran al estilo de MK, ya sean seleccionables o fijos, incluso sería genial que cada personaje tuviese su tema musical así como en Street Fighter. Por lo demás, todo es OUTSTANDING!!

Sinopsis “No Solo de Sonic, vive SEGA!”, esto fue notorio en 1996 y es que cualquiera que se digne ser fan de SEGA y mas del Sonic Team sabrá de una era oscura que sufrio el erizo azul en esos años en que quedo literalmente abandonado.

NIGHTS JOURNEY OF DREAMS:

¿Porque? Pues su estudio madre después de un loable y excelente experimiento en Ristar para SEGA Genesis/Mega Drive, pasaron con energias a desarrollar para la en esos momentos nueva consola de SEGA, La Saturn. Ahí (en parte gracias a la unión de nuevo del equipo mágico que creo a Sonic: Yuji Naka y Naoto Oshima)dieron a la consola de 32 bits, un juego de alto nivel y que mantenía siempre el estándar y excelencia del estudio, ese juego era sobre un alerquin mágico, era: NiGHTS Into Dreams…

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Para muchos fue una obra atemporal, aun hoy recordado por toda la comunidad retro con mucho cariño como la mejor obra del Sonic Team no relacionada a su emblema, pero bueno hablaremos sobre lo que ocurrió después de este juego (que espero en un futuro cercano dar mis opiniones sobre el) y es que el desarrollo de su secuela estuvo prácticamente decidido desde que salió el juego original, pero tuvo un desarrollo demasiado accidentado.

El Sonic Team que había sufrido una transformación de ser una desarrolladora mitica a una común, tenia que resarcirse después de ciertos descalabros, se le dio a la división americana (la que había hecho de una u otra manera los dos Sonic Adventures, entre otros) que restaurara una ya saga mitica del estudio, lastimosamente como pongo al principio es un bueno a secas por diversas razones.

Naka-San el año siguiente a Into Dreams… ya tenia un boceto sobre una nueva aventura de Nights, pero decidió dejarlo para después de Burning Rangers, además ya tenían entremanos el desarrollo de Sonic Adventure, por tanto cualquier intento fue impedido, ya en Dreamcast el desarrollo de Phantasy Star Online, además de la salida del equipo de Naoto Oshima, que había sido el creador del personaje, además de ser el director. Dio una pauta indefinida a un proyecto que ya tenia listo su concepto bajo el nombre clave: Air Nights.

SV ARCHIVES – Escrito por Neto. as secuelas no siempre son malas como dice la creencia popular, en el sentido que la original fue mejor (salvo honrosas excepciones).

Tampoco que son excelentes todas tienen sus fallos, sino que la mayoría de veces están entre ambos lados, en el que es un producto bueno pero asi a secas por diversas razones…

Volvamos a los cielos de Nightopia y es que si veamos de nuevo la tierra del simpatico y por muchos legendario Nights, en su secuela: Journey Of Dreams.

Pasaron años, hasta que Naka dio pistas en el 2003, pero dijo algo tajante y es que hasta que SEGA estuviera preparada no se veria una secuela de Nights, paso mas tiempo y Naka se salió del Sonic Team en 2006.

Takashi que además de ser el director de esta secuela, también era de nuevo el diseñador líder del proyecto, recreo unos escenarios bastantes fieles al clásico de Saturn, y es que las comparaciones con el Into Dreams… iban a ser inevitables, para evitarse problemas quiso recrear prácticamente el mismo entorno aunque claro en un ambiente diferente, esto hace que el factor innovación en Journey Of Dreams quede de inmediato casi anulado, y es que aunque este juego no tiene nada que envidiar a los grandes trabajos del Sonic Team de antaño, claro artísticamente, había un problema…

Para esa epoca era precisamente el 10 Aniversario de Nights por cierto, pero no obstante en su marcha el creativo japonés ya había dado luz verde para que se rehiciera el concepto de Air Nights y fuera aprovechado lo mas pronto posible.

Esa tarea recalo en Takashi Lizuka Jefe de la Division Americana y prácticamente la mano derecha de Naka en Occidente, además de ser el Diseñador Lider de Nights Into Dreams, tuvo en si las manos de glorificar y extender al personaje mas querido del estudio después de Sonic, se eligio de plataforma la Wii de Nintendo debido a que daría el esquema mas cercano al concepto que quería Naka, el resultado le daría la razón pero por otros factores el sabor a nostalgia se haría demasiado excesivo.

Entorno Grafico Muchos sabemos que la Wii es una Gamecube vitaminada, asi sin rodeos pero se esperaba bastante de esta secuela, sobre todo ya que Nights debido a su sistema de juego, era algo que no requería mucha generación de Graficos como tal.

Además Lizuka tuvo la oportunidad de ocupar una variante del motor ocupado para Sonic & The Secret Rings, (el cual era muy bueno en aspectos como las transparencias) con todo y esto el resultado es bastante disparejo.

Y era que la programación de este entorno y en general del juego, era demasiado dispareja, y se hizo un solo caos para el equipo de Lizuka y es que si bien los escenarios era recreados con gran acierto, los polígonos de los personajes eran bastantes pobres, fueran Nightmares, los niños que acompañan a Nights en esta aventura o el propio arlequín estaban muy fuera de lo que Wii o inclusive Gamecube podía ofrecer. Quizás llegando a niveles Dreamcast, bueno pero esto a un nostálgico no le afectara mucho uno no se abatía por los personajes sino por la buena jugabilidad, pero claro si somos técnicos el aspecto es muy mejorable.

Jugabilidad.

La otra cosa que hizo grande al Into Dreams… en su tiempo fue su sencilla y agradable jugabilidad, orgullo de una era en la que cambiábamos de los Pad a los Stick, Journey of Dreams, consigue un manejo sencillo pero no tan agradable como su antecesor.

Manejar a Nights es sencillo ya que ocupas 3 botones, uno para el acelerador, otro para el giro (Loop) que le haces a los Nightmares (enemigos) y otro para las acciones especiales, manejar a los niños solo requiere en cambio de dos botones (saltar y botón de acción).

Como se ve es sencillo, pero no en el aspecto ya en sí de jugabilidad-programación, Journey Of Dreams se puede majear con un esquema (Control Clásico o de Gamecube) perfecto para el manejo de los niños, pero algo engorroso con Nights. O el esquema Wii (el que está por default, perfecto con Nights pero con los niños sumamente engorroso, además de eso la cámara un mal siempre común del Sonic Team anda bastante desorientada, en general ningún esquema es perfecto, esto es algo decepcionante para los puristas ya que Into Dreams… destacaba por un manejo perfecto, aquí el control es bueno, pero igual que el aspecto grafico se puede mejorar bastante.

Historia y Duración.

La historia es igual de sencilla que su antecesor: una chica y un chico que tienen una aspiración pero de repente han fallado en un evento importante y se desaniman a caer en un laberinto del cual no podrán salir, ahí es cuando en sus sueños llegan a Nightopia, ahí Nights y compañía les darán la pauta para conseguir sus sueños, claro a la vez que liberan a Nights de sus problemas y tormentos.

En si la historia es básicamente una enseñanza de auto superación, la diferencia con Into Dreams radica especialmente en que ahora Nights (para bien o para mal, eso subjetivo) y da una mayor soltura a la trama del juego, aunque para nada se aleja del objetivo original.

La duración no es ni buena ni mala, en si es mayor que la de Into Dreams, además sabiendo que el juego iba a destinado a nostálgicos y fans fieles, el Sonic Team tiene una dificultad relativa llegando a alta.

Aunque en general el modo historia es corto, sacar los extras al 100% es sumamente laborioso (algo típico del Estudio) y apetecible más que Lizuka recurriendo a la nostalgia dejo premios si se le sacaba todo al juego, bastantes especiales. Lo sentirás bien si vas por todo, pero si solo vas por “ver la historia” será sumamente corto.

Extras.

Los dos extras más apetecibles y de los cuales careció el juego de Saturn, son dos y están concentrados en una sola forma: el Multiplayer. En forma local, es un desastre en pocas palabras y es que la pantalla partida no da una buena visibilidad del terreno haciéndolo sumamente tedioso.

La cosa cambia en el Online (Uno de los primeros de la consola con esa opción y salvo que tengas amigos ya es imposible de jugar ya que no hayas jugadores)ya que se juega como en la Historia, en si es un agregado especial aunque claro no primordial.

Otro extra aunque no nuevo, es el sistema A-Life, creado en el primer juego de Nights y potenciado en la saga Sonic Adventure, se basa en el cuidado de individuos como mascotas digitales, para esto se hace mediante las criaturas que ayudes en los escenarios del juego (Los Nightopians) el sitio de “encuentro” se llama My Dream y ahí inicia el proceso como de cuidado de esos individuos.

En General es un extra siempre querido por los fans pero se tiene en lástima que no saco provecho de las los avances que Sonic Adventure le dio a este sistema.

Música.

El Sonic Team no corrió riesgos en este apartado, y se fue al tema nostálgico para eso se invoco al creador de la mayor parte del OST De Into Dreams: Naofumi Hataya (Sonic CD, PSO, Sonic Heroes) El en si decidió que para las escenas del modo historia solo se harian remasterizaciones de lo hecho en Into Dreams, teniendo solo los escenarios melodías nuevas, el resultado se define en una oración: Espectacular y Fascinante!

Pero… No Innovador.

Incluir en la mención el tema vocal: Dreams Dreams, tema símbolo de la saga y que esta vez conto con 5 versiones diferente solo entre si por la interpretación vocal, además de un sonido mas digital y fino que en Saturn, sencillamente a palabras de este servidor la OST es soberbia, pero por que falta de innovación?

Se baso demasiado en lo clásico, lo cual para nada es malo y en realidad es algo bueno, pero mas de algún purista quería quizás algo mas de soltura en la OST! Aun asi este apartado cumple casi la perfeccion. Igual para los Sonidos FX solo se remasterizo lo hecho en Saturn sin mayor cambio.

Conclusion Esta vez el Sonic Team, se fue compas seguro, su primera obra en esos momentos No-Sonic desde la marcha de Yuji Naka debía ser para muchos un cambio y sobre todo algo digno de recordar, pero el temor a Nights Into Dreams, su fama y su especial encanto, fue quizás demasiado evidente ya que se abuso demasiado a la Nostalgia y inclusive a la regularidad al no aspirar a mas.

Takashi Lizuka no es mal jefe y su peso histórico lo demuestra, pero después de venir de trabajos muy tirados a lo regular (Sonic Heroes y Shadow The Hedgehog), lo afecto demasiado en el titulo, ya que el aspecto jugable y grafico aunque no es mediocre comparado con Shadow mas que todo, si está demasiado mejorable.

Aunque claro el trabajo artístico en si es excelentes y demuestra el aun buen quehacer del Sonic Team en ese ambiente, en general el juego es divertido y jugable como tal, con un esquemas bastante nostálgico respetando las bases del juego de Saturn.

Mención especial a la OST, inclusive mas soberbia que en Into Dreams y sencillamente espectacular, claro respetando el ambiente alegre y simpático de la saga, y a los Extras que si bien no mejoran en general la nota del juego, son de agradecer e inclusive cosas como el Online serian de buen provecho para un futuro tercer capítulo.

En fin, NiGHTS regreso no a todo lo alto como se esperaba, pero lo hizo y es fino recordatorio de que el Sonic Team no solo es Sonic The Hedgehog y también pueden realizar otras cosas, eso si ojala no tengamos que esperar otros 10 o 11 años para otra entrega y claro que esta vez si supere al aun legendario Into Dreams, eso es todo Hasta la Proxima!

UN CROSSOVER DE ENSUEﾃ前

DENGEKI BUNKO: FIGHTING CLIMAX ACTUALIDAD GAMING – Escrito por Luis.

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o se puede negar que Dengeki Bunko es una de las publicaciones de Novelas Ligeras más influyente de los últimos anos, eso sin incluir su transición al Anime que llevó su popularidad a escala global, si bien, el nombre Dengeki Bunko no es más que un nombre raro para la mayoría, el nombre de su franquicia Sword Art Online es reconocida fácilmente por cualquier, series como Toradora! e Index han dado que hablar por años llegando al punto que es difícil encontrar alguien que no haya escuchado de dichas series.

Un juego de peleas era solo cuestión de tiempo dado el reciente resucitar de un género que se creía muerto hace un par de años, para la ocasión Ecole y French Bread (Melty Blood, Under Night Inbirth) recibieron la tarea de crear un juego de peleas basado en las propiedades de la Dengeki.

Primero como un título Arcade que luego fue porteado a PS3 y Vita para el mercado japonés, luego el anuncio que SEGA América trabajaría en la localización para Occidente.

Desarrollador: Ecole, French Bread, Distribuidor: SEGA América, Plataforma: PS3, PS VITA, Fecha Lanzamiento: 13/11/2014 (Japón), 6/10/2015 (Occidente) Los enviados de la esperanza O al menos ese es el nombre que reciben los personajes jugables en contexto de la narrativa del modo Arcade, en pocas palabras un ser poderosos ha empezado a devorar el mundo y múltiples “héroes” de diferentes mundos son invocados como la última línea de defensa. Caso curioso, el mundo que está siendo destruido está basado en la propiedades de SEGA y por alguna razón los elegidos para defenderla vienen de Novelas Ligeras de la Dengeki. El plantel de luchadores está comprendido por nombres conocidos como Kirito, Misaka Mikoto, Aisaka Taiga, etc. y complementado por dos personajes provenientes de Sega (Akira de Virtua Fighter y Selvaria de Valkyria Chronicles).

El resto de personajes faltantes probablemente puedan ser encontrados en el plantel de asistencias que contiene a algunos personajes populares y uno que otro que habría gustado ver como un personaje jugable.

TEMA DEL MES

Las asistencias varían en su rol, algunos se tratan de puro poder ofensivo como Accelerator (Index) y otros están equilibrados entre soporte y ataque como Holo (Spice and Wolf) que puede aparecer en pantalla para curar o tanto como para atacar.

Las asistencias es uno de los elementos mejor implementados con una variedad increíble que hace palidecer al plantel de luchares (mas sobre eso brevemente), la cantidad de asistencias y los efectos individuales de cada uno hacen única a cada combinación, quizás una por aquí o allá tiene un efecto similar pero el punto de entrada de la asistencia influye en la forma y momento de usar.

Ejemplos hay de todo tipo, pero mi favorita es Enju (Black Bullet) que manda al enemigo a volar con una patada de corto alcance, puede usarse para interceptar en el aire o incluso para cancelar una asistencia.

El abanico de posibilidades con las asistencias enorme y probablemente el elemento mejor logrado del juego. Por el otro lado, los luchadores sufren de un síndrome de similitud demasiado notorio.

En un afán de construir una experiencia accesible para todo mundo sufre un número de problemas, todos originados de una idea noble pero mal implementada que atenta con el disfrute a largo plazo.

En todo el plantel podemos identificar a lo mucho 3 o 4 personajes verdaderamente únicos debido a la gran similitud en sus movimientos especiales, la animación que se muestra en pantalla es diferente para cada personaje pero los efectos logrados por dichos ataques son desalentadoramente similares, en otras palabras, reducen la singularidad de cada personaje pudiéndolos convertir en completamente intercambiables unos de otros.

Rentaro Satomi (Black Bullet) y Tomoka Minato (Ro-Kyu-Bu!!) se sienten como los personajes más únicos, Rentaro con sus múltiples ataques de corta distancia como todo un brawler y Tomoka con especiales basados en pases de Basketball con diferentes efectos dependiendo de los botones presionados. Luego, al resto podemos colocarlos entre 2 o 3 tipos de personajes. Dengeki hace un buen trabajo en la puesta en escena de la identidad de cada personaje.

Por ejemplo: se pueden invocar asistencias en medio de ataques sacrificando una barra de especial y de la misma forma se puede sacrificar una barra para realizar una versión más fuerte de un especial.

Todas las mecánicas como Flash Guard, Throw Escape, Fast Recovery, Reflect Guard, Air Throw, Cancel, Burst etc. están presentes y dan un poco de complejidad a un juego que puede sentirse poco profundo.

Las combinaciones de botones para marcar no varían entre personajes, incluso las Climax Arts se ejecutan todas de la misma manera.

Una base competente de pelea Entre las razones que daban expectativa era su desarrollador, French Bread, estudio que no cuenta con un nombre tan conocido como los maestros de Arc System Works pero que ha ganado público con proyectos como Under Night Inbirth que cambia la fórmula recompensando a aquellos que se mantienen en la ofensiva. Claramente no son primerizos en el género y esto se pude apreciar en la cantidad de mecánicas que podemos encontrar en un juego que pretende ser accesible a todo público.

Fighting Climax puede jugarse con solo un par de botones y los combos se materializaran con presiones consecutivas, todos podrán ejecutar los ataques llamativos, escuchar los gritos de guerras y mandar a volar a sus oponentes sin importar sus experiencia en juego de pelea.

Quitando los sistemas implementados para primerizos podemos encontrar cierto nivel de complejidad que solo se aprecia tras jugar un par de horas.

Pero a cambio de tener esta complejidad encontramos un aspecto molesto en la forma de Impacts lo cuales son movimientos con Super Armadura que a corta distancia solo pueden ser cancelado con otros Impacts, lo que a veces convierte las luchas en cuestión de quien usa su Impact segundo, no es inusual encontrar gente que solo los utiliza reduciendo el juego a una sola técnica.

La idea de los Impacts no es mala, es solo que es una herramienta demasiado versátil siempre que el combate se desarrolle a corta distancia y en algunos casos a media distancia. Persona 4 Arena tiene una mejor implementación de los Impacts, la gran diferencia radica que en este juego los Impacts cuestan un poco de nuestro HP por lo que si usamos el Impact sin cuidado nos colocamos en una situación cada vez más desventajosa.

Triump Cards son como el nombre lo dice nuestra carta en momento desesperado, considérese un mini especial de animación corta pero de gran daño, razón por la cual solo contamos con dos de ellos y ganamos uno por cada round que perdamos. Pueden ser fácilmente ser enlazados por combos y añaden un comodín que beneficia al jugador que va perdiendo.

Los Climax Arts son las habilidades finales que consumen dos barras de especial a cambio de desatar una habilidad devastadora, es aquí donde podemos apreciar las cinemáticas en la que cada personaje muestra su habilidad suprema, usualmente con resultados devastadores si es que conectan.

Es quizás el punto más alto del fanservice que se puede encontrar en el juego, con animaciones exquisitas, efectos, sonido e impacto que nunca aburren. Al igual que toda técnica marcada en un juego de pelea esta puede fallar, algunas dependen que el enemigo esté en un punto específico al momento de realizar el check y otros requieren que el ataque inicial conecte.

Hay otras más truculentas que pueden realizarse a mitad de aire. Algunos funcionan con un combo que puede marcas variados golpes como los de Kirito y otros que concentran todo el daño en un único golpe como el Railgun de Misaka.

La simplificación de los sistemas de combate para hacer una experiencia accesible puede hacer que el titulo se perciba falto de profundidad para aquellos con experiencia, e incluso aquellos con experiencia en otros juegos para primerizos.

Las ideas para hacer un gran juego de peleas están allí, es solo que la mano corporativa que quería un juego simple para todos, dañando en el proceso lo que podría haber sido un gran juego de peleas crossover.

Presentación, corta y precisa Gráficamente nos encontramos ante un estándar del que no se puede escapar a estas alturas, estamos limitados por la capacidad de la Arcade Ring Edge original que bajo ninguna extensión de la palabra implica algo negativo, de hecho es un trabajo de Sprite bastante limpio, lleno de personalidad que destaca de forma individual a cada luchador y asistencia, entre ellos tenemos algunos efectos agradables como la transparencia en el velo de Miyuki o las incesantes flamas generadas por los ataques de Shana.

Las animaciones están en punto con un buen nivel de detalle que podemos apreciar cuando el lag decide hacerse presente en los combates online, curioso que un problema de congestión de red permite apreciar el gran trabajo gráfico realizado.

Los ataques, técnicas y especiales están acompañados cada uno por toda clase de efecto sonoro que ayuda a vender la impresión que estamos ante ataques poderosos. El Railgun de Misaka Mikoto tiene un sonido eléctrico seguido de un potente pulso que incluso mueve su falda, los Impact causan un sonido de ruptura de vidrio al pasar a través de otro impact, los golpes con objetos causan un retroceso grande o pequeño dependiendo del tamaño acompañado por un sonido acorde al poder del impacto.

Las articulaciones vocales están a punto, cada una representado la personalidad del usuario, un contraste fácil se encuentra entre Miyuki y Taiga, la primera mantiene un tono de voz calmo mientras la segunda grita que Ryuuji la suelte para poder seguir dando la paliza.

Musicalmente, cada escenario tiene su tema musical. Son pocos escenarios, por ende pocas piezas musicales. En su defensa cada una está bien hecha, destacando la música del menú principal que termina siendo pegajosa a la larga, un trabajo bien hecho de parte de SEGA aqui.

Los temas vocales son historia aparte, con un tema de intro con energía y aun mejor la vocal escuchada en el Match Point en cada pelea.

Pueden ser un apartado limitado, pero no por ello competente.

Fanservice para todos Fighting Climax puede verse un tanto simple para un juego de peleas, como punto de entrada al género es vencido en casi todos los departamentos por Persona 4 Arena (otro juego de peleas accesible pero que no sacrifica complejidad), pero si en algo logra destacar en la enorme cantidad de fanservice para el jugador.

No solo se trata de los personajes con las voces originales, Sprites animados al mejor estilo de French Bread o la ingente cantidad de cuidado que se percibe en animar los ataques.

También se muestra en los aspectos más sutiles del juego.

El modo Arcade pone a cada personaje en los típicos encuentros sucesivos que de vez en cuando tienen dialogo pre-pelea, en estos diálogos podemos apreciar personalidad, desde el tono educado y digno de Miyuki hasta el directo y al grano de Misaka todo a causa de las palabras escogidas, verbos y composición de las oraciones.

La plaza donde se encuentra la máquina de sodas sujeto de abuso de Mikoto, en una convención del anime sobre Mahou Shoujos con Ayase incognito entre el público, en una cancha de Basketball, al frente de la Academia Mágica y extenso etcétera de oportunidades perdidas cada una más dolorosa que las anterior.

Algunas veces los personajes harán comentarios que tienen sentido desde sus perspectiva, como Kirito que cree encontrarse en otro juego de realidad virtual o Shizuo simplemente mostrando que le importa un comino lo que sea que esté ocurriendo.

Al menos los escenarios que si recibimos -si bien con pocas animaciones- son agradables a la vista. Una victoria –y muchas derrotas- en este apartado, a nadie le habría importado este detalle si se representarán también a las propiedades de la Dengeki.

Dream Duel es un modo que pone a emparejamientos canon a luchar, por ejemplo Taiga -Ryuuji vs Kuroyukihime -Cerdo, si bien el fin principal es vencerlos en combate, las conversación previa está llena de dialogo interesante que depende de los orígenes de cada par.

Es simplemente un trabajo hecho para fans con algunos detalles fuera de lugar, aun cuando el núcleo de pelea tiene sus problemas es simplemente divertido ver a todos estos personajes interactuar y hacer comentarios unos de otros, incluso los desbloqueables son una celebración de estos trabajos proporcionándonos colores alternativos que dan la apariencia de otros personajes, placas personalizables para el online, ilustraciones, etc.

Este mismo fenómeno podemos apreciarlo en combate con comentarios únicos dependiendo de los oponentes, un ejemplo es formar el equipo Satomi-Enju vs Kirino, al inicio del combate Kirino preguntará a Satomi si puede entregarle a Enju como hermana muy a pesar de la reacción de Satomi ante tal pregunta.

En el “para todos” hay que incluir a SEGA, que arruina lo que podría haber sido un mejor fanservice para el jugador, la falta de escenarios basados en las Novelas Ligeras es una gran oportunidad perdida y en su lugar enfocándose en escenarios basados en juegos de SEGA como Sonic, Valkyria Chronicles y Virtua Fighter. En el contexto de la historia las locaciones tienen sentido, pero en el contexto de un juego crossover que cubre las propiedades de la Dengeki el sentido brilla por su ausencia.

Como jugadores queremos pelear en: los valles de Aincrad, en una escuela genérica japonesa en la hora de receso, una ciudad en ruinas tras el ataque de un Gastrea, frente a la casa Sakurasou con el elenco admirando el combate, en el populoso Ikebukuro con los Dollars como espectadores.

Puede no ser el juego de pelea más competente, pero si uno que saciara de forma razonable a los fans de Dengeki Bunko.

Need for Speed se convirtió en un emblema de ese género de juegos.

Si bien es cierto este juego es de gran popularidad por nuevos y viejos jugadores las etapas que a pasado dicho juego no han sido del todo buenas o halagadoras pues a fuerza de ser sincero desde el titulo que dejo enamorados a muchos como lo fue el Need for Speed Underground 2 de PlayStation 2 o el Most Wanted la saga de carreras más conocida del Racing, quizás ha dejado una incertidumbre sobre qué rumbo debe tomar o que camino está tomando.

need for speed:

Paraf5raseando – Escrito por Adolf.

L

a verdad es de mi agrado, el hablar de un juego que hace muchos esperamos los fans de los juegos de carrera, un juego que para muchos significo la introducción a un genero de videojuegos que comenzó con el aun hoy vigente bigotudo y secuaces, es decir Mario y el Mario Kart.

Si bien es cierto hay muchos títulos de autos hoy en día NFS es de los más esperados pues para muchos no solo es un titulo mas sino una capsula que con cada carrera te envuelve , te electriza. Recientemente este titulo lanzo el juego de Need for Speed así de seco así sin más ni más, nada de Underground 3 o incluso Need for Speed World 2, no, nada de eso el titulo fue un simple y seco “NFS”, quizás tratando de marcar una nueva línea de manejar la franquicia o quizás trazando una línea que en la que podamos ver como borrada esas malas experiencias que se dejaron ver en algunas entregas de dicho juego.

Allá por aquellos entonces en los que jugar dicho juego era casi una religiosa experiencia por el simple hecho de controlar a los personajes que en esa época eran boga y que para muchos aun en estos tiempos deja un buen sabor de boca al volver a jugar.Aquellas épocas en los que la velocidad máxima era la del dinosaurio verde y ganar las carreras con el gorila y el buen Bowser era un dolor de cabeza, eran épicas. Ahora con eso antes mencionado, ¿qué juego tomo la batuta y transformo el juego básico y sencillo que Mario logro colocar en la telera de los jugadores?

¿Valdrá la pena adquirir este título?, ¿Sera apropiado dar la ficha de la duda a este título?, ¿De borrar todos esos sin sabores que aun aquejan a aquellos que no dejando jugar dichos títulos?, Una de las cosas que mas importantes en este título es el hecho de tener una conexión a Internet perpetua mientras se está jugando, probablemente muchos crean que en estos dorados tiempos cualquiera tiene dicha conexión a Internet y muy ciertamente pueden afirmarlo pero seamos realista el hecho de contar con una conexión a Internet no quiere decir que esa conexión sea de calidad, no es lo mismo jugar con una conexión de 1 mega a estar en gloria con una de 50 o 100 megas.

Con música que llamo la atención , con graficas que en su momento fueron bomba y con opciones que no teníamos y no tenemos hasta ahora en otro juego de esta índole.

Todos sabemos que una de las cosas más asquerosas de este mundo es el hecho de tener al maldito lag jodiendo la maldita partida todo el tiempo.

Ahora bien dentro de esta idea de llenar jugadores la ciudad aparece un pequeño detalle y es que cada ciudad puede albergar a 51 jugadores si mal no recuerdo, pero como ya sabemos no siempre tu ciudad puede estar llena y es ahí donde se deja ver algo que a mi parecer el juego no ha aprovechado bien y es que se ve totalmente vacío, de vez en cuando ves, uno que otro auto divagando sin rumbo ni sentido, probablemente un poco mas de trafico no caería mal , esto además de quitar dicho vacio, vario un poco mas de dificultad a la hora de conducir a alta velocidad en las calles de nuestra ciudad.

¿Ahora bien es realmente necesaria dicha conexión? ¿Podríamos prescindir de dicha conexión en el juego?, la realidad de las cosas es que la idea es muy aventurera y como todos hemos visto antes solo los que apuestan ganan lastimosamente muchas veces se pierde en estos momentos de ímpetu y peor aun cuando has tenido mala suerte en entregas pasadas (Rivals) de intentar algo nuevo y que ello no salga como se espera es como pedir a alguien que te pisotee las gónadas de manera salvaje.

La idea de mantener el Internet a lo largo del juego es el hecho de crear una ciudad llena de Bots ni de animaciones con IA, no, la idea es llenar toda esa ciudad con un número de jugadores que puedan hacer más competitivo el juego, probablemente si eres de los que piensas que se puede caer en el hecho de jugar solo con tu Team deja que te diga que eso se concentra en el elemento mismo del Crew, el cual no es solo mantener la competitividad sino de realizar lo que muchos juegos han hecho como GTA y recientemente Destiny, lo cual es concentrar en un solo lugar un grupo de jugadores que no solo disfruten del juego sino también que puedan pasar u momento ameno con nuevas amistades, lo de estar en equipo es mas opcional que de ley.

Como en todas las ocasiones lo he mencionado las graficas de este juego son más que buenas y es que el hecho de realizarlo de noche hace ocultar los errores que por uno u otro motivo se escapan a los programadores, uno de los detalles a mencionar a este punto es que pareciera que en Ventura Bay, hay una perpetua temporada lluviosa probablemente para sentir de mejor manera el momento de realizar Drift. En este punto podemos referir que gran parte del juego es de Drift y no hago referencia a esto como mención a que tenga más protagonismo.

Sino debido a que para subir de nivel en dicho juego el mejor método es hacer la mayoría de puntos posibles y a mi parecer la mejor manera es realizando Drift.

Ahora bien pareciera que subir de niveles es muy fácil y la verdad así los es con dedicación en un día es posible subir a nivel 45 o más lastimosamente el nivel de cada jugador es demasiado secundario pues no es de gran ayuda a la hora de tunear de manera gráfica nuestro automovilismo ya que no todos los vehículos tienen las mismas piezas para modificar, cosas como los neón de cada auto o el sistema de sonido o incluso colocar Vinlys en nuestras ruedas son cosas que desde Need for Speed Underground, venimos recordando con suma tristeza, la historia del juego la verdad no está ni en segundo plano es más si se puede decir esta en 3 o 4 lugar ya que seamos sinceros este juego no ha sido reconocido por su historia, sino por el tuneo de los autos.

El nivel de personalización es casi perfecta salvo lo que antes mencione y ciertos detalles como el hecho de manipular a completa disposición la profundidad de la que queremos nuestros rines, adornos y demás.

En general y concluyendo esta vista a la nueva entrega de esta saga que ya va para mas allá de los 20 años, esperemos que con las continuas actualizaciones, las pegatinas y demás adhesivos para lograr nuestra personalización automovilística sea más que arrolladora.

Esperemos que lo que antes mencione que aquel ya ancestro de NFSU2 dejo en PlayStation 2 sea superado por lo que hoy sigue siendo una promesa o una apuesta por algo nuevo ya que gracias a Internet hoy en día se pueden remediar los problemas o detalles que a muchos aun disgusto.

De no ser así los que jugamos y disfrutamos de Need for Speed Underground 2 seguiremos pensando que aun no ha llegado el momento de encontrar rival para ese que ya es un juego clásico para muchos, esperemos que con lo que la tecnología da y lo que la PS4 (y demás plataformas) ofrece esta espera no se alargue mas.

VALIANT HEARTS: THE GREAT WAR ACTUALIDAD GAMING - Escrito por Neto.

C

uesta a veces definir el horror de ver una Guerra, y cuando estas en el epicentro de la controversia es más difícil salir ileso de ese ambiente tan pesado y terrible que pueden ser los conflictos armados, en si podríamos decir que una guerra nunca ha sido beneficiosa para alguien más que sus líderes, no obstante los deseos humanos de ambición, de venganza, de crecimiento y de orgullo siempre han ido al lado de la evolución del hombre como persona aun con todas las consecuencias que esto pueda traer.

A lo largo de la historia ha habido diversas guerras, pero nada supera en devastación a las Guerras Mundiales que tuvieron como escenario principal a la Europa del Siglo XX, ahora bien yendo al plano del entretenimiento tecnológico en el cual estamos enfocados, no es necesario decir que uno busca la mayor parte de las veces alejarse de la realidad terrible que pueda ocurrir a tu alrededor, pero por ocasiones es necesario mostrar y recordar esa realidad cruda de los conflictos, y sobre todo dejar una moraleja de lo que ocurrió en esos tiempos.

Ubisoft Montpelier con Michel Ancel a la cabeza, decidieron darnos una visión de realidad, con un recuerdo de la primera guerra mundial, y como los conflictos entre naciones pueden afectar familias enteras, como era el panorama de esos tiempos crueles y quizás ver un poco en el cual la vida no siempre es justa con sus protagonistas ya que el beneficio en estos escenarios nunca es personal (salvo para los poderosos) sino común. ¿Sera que están preparados ara recibir una lección de historia?

Desarrollador: Ubisoft Montpelier, Publicador: Ubisoft; Jugadores: 1; Año: 2014; Consolas: PC, PS3, PS4, WiiU, Xbox 360, Xbox One. Argumento: Tu Nación es lo primero… incluso más que tu familia.

La verdad empezamos con un aspecto que es poco notado a través de dicha guerra que fue conocida más por el conflicto en las tierras fronterizas entre el Imperio Alemán y la República Francesa, y es que moviéndose tierras de diferentes bandos a lo largo de la historia, debemos ver el aspecto de que las poblaciones fronterizas son las principales que sufren a la hora de conflictos vecinales.

DESTACADO 4

Estamos con Karl un joven alemán que tiene una esposa francesa y viven una vida tranquila hasta que inicia la guerra en 1914, si bien el muchacho vivía en el lado Francés de la frontera como ciudadano alemán debía cumplir el llamamiento general hecho en esas fechas además de la deportación que sufrían los alemanes residentes en Francia, ahí se da cuenta del primer efecto que hizo a la primera guerra mundial, un conflicto diferente y fue su estabilización mediante trincheras y el alargamiento fratricida del conflicto, haciendo que se sepa poco de su paradero tanto que en su hogar están tomando una decisión al respecto…

La esposa de Karl: Marie, ve después de la deportación de su esposo como su padre Emile, es obligado a servir en el ejército francés, no obstante Emile se va con el objetivo de poder encontrar a Karl tarde o temprano, eso pasa cuando después de un ataque Emile queda herido y es capturado por los alemanes, ahí se encuentra con Karl y empiezan sus aventuras para poder volver a la normalidad.

En realidad captar el mensaje de Valiant Hearts tiene dos trasfondos los cuales son el político y el social.

En el primero vemos como el interés de la nación es el que será vital en tiempos de guerra, poco importa que se separen familias, poco importa que te caiga bien otro del bando contrario o que tus propios “camaradas” te caigan mal, lo importante es el bienestar y la seguridad de tu nación, al contrario de la Segunda Guerra Mundial.

Aquí al ser una lucha más “pareja” se puede ver que ambos bandos tienen sus pro y contras en sus aspectos administrativos, y es que desde no tolerar la mínima infracción, hasta recibir un feo castigo por cometer un error, todo es viable mientras sea por la gloria de Francia o Alemania que son las citadas en este caso.

En si podemos admirar el trabajo de los chicos de Montpelier al ser de nacionalidad francesa para tratar con total imparcialidad el tema, y no solo ver a los alemanes como los villanos del asunto.

Sino que se critica mucho del aparato burocrático militar francés de esa época, pero sobre todo se critica el aspecto de una época y sociedad en la cual no se buscaba un ambiente en el cual las familias no se vieran afectado de manera grande por el conflicto,

O la pelea con el General de turno, pero en general los chicos de Montpelier se concentraron en que tengas que poner a juego tu mente.

Para ponerlo en práctica, digamos que estas en un edificio y debes buscar una forma de entrar a una zona donde hay gente importante, no puedes por que no sos de alto rango, debes buscar un cambio de uniforme pero antes de ello debes buscar una manera de “robarlo”, y en el proceso tienes puzzles secundarios como conseguir una botella de vino haciendo un favor, o llevar cierto objeto a algún Civil, en realidad la variedad de situaciones que presenta el juego, dan lugar a que trabajes tu cerebro, muy en la línea de lo que sagas como Ace Attorney o Profesor Layton pueden realizar.

Claro estamos diciendo utopías cuando actualmente en zonas como Oriente Medio se viven grandes infracciones contra la humanidad a diario, pero quizás el mayor secreto que guarda Valiant Hearts son las relaciones humanas.

Fuera de ello no esperes demasiado que hacer, más que nada es una experiencia mental muy interesante que hará estimular tu cerebro, habrá además de ello coleccionables que debes encontrar.

Esto es porque vemos situaciones como en la que Emile se relaciona con un afroamericano, como una mujer ayuda con total franqueza sin definir rangos de guerra, o como Karl antepone intereses familiares a la “política” de nación, en realidad debemos destacar que claro al estar en una guerra defiendes una ideología, un lugar donde vivís, a tu familia… pero no debes permitir que ellos vivan el horror que estás dispuesto a que no vean, la contradicción más triste de los conflictos armados es esa.

Estos no siempre estarán a simple vista dándole algo de rejugabilidad a la partida, a eso sumamos las notas del Diario de Emile y sobre todo los Archivos Históricos de Guerra, dándole un gran realce educativo al juego.

La vida NUNCA SERA JUSTA, lamentablemente y tendrás mucha suerte que tus intereses coincidan con los de la nación, por lo general te llevas noticias funestas al ver el choque de ambos pensamientos.

Jugabilidad & Duración: Pensamiento sobre todo.

Valiant Hearts es un juego básicamente de Puzzles, en el cual deberás buscar elementos para continuar con tu aventura, habrá momentos precisos de adrenalina como los momentos de asistencia médica.

Respecto a la banda sonora, no debemos esperar melodías que llegaran a marcar una diferencia, pero si harán juego con sentido a las situaciones que vemos en el juego, desde cuándo vamos en las huidas en los automóviles, hasta las “peleas” de jefe, es un sonido ambiental que se adecua de manera especial al juego.

Conclusión: La realidad duele, pero es de aprender de ella.

El juego se divide en 4 capitulos, con una duración media considerable sabiendo la dificultad de los Puzzles (entre Normal y Hard, la gran diferencia además de ser más preciso en las situaciones rápidas, es la posibilidad de ver pistas de ayuda o no), con 8-12 horas de juego dependiendo de tu destreza, es un juego bastante considerable para su género, si bien corto comparado a sagas de renombre pero por lo dicho en su argumento vale la pena la experiencia vista.

Gráficos & Musica: UbiArt en realismo puro.

El equipo de Michel Ancel puede distinguirse por crear quizás uno de los mejores motores para juegos 2D que hemos visto en la actualidad, ya hemos hablado del arte en movimiento que se destaca en esta herramienta gráfica, permitiendo trasladar los diseños de tus bocetos al juego en sí, en Valiant Hearts se destaca por su crudeza en mostrar la situación nefasta y negra de la Primera Guerra Mundial, de una manera sumamente ejemplar, sencillamente notable en el cual sentirás que ves un Comic de antaño pero con un toque mucho más realista de lo acostumbrado y es que Valiant Hearts destaca por mostrar las situaciones de tensión de una manera bastante creativa.

Como cuando estamos en pleno campo de batalla, hasta cuando estamos en los campamentos del ejército, las situaciones nos hacen ver una manera ejemplificada aunque claro ambientado a “todo público” de lo que paso en esos oscuros años, sencillamente soberbio y digno de admirar.

Valiant Hearts: The Great War nos muestra ese ambiente tan oscuro de la Primera Guerra Mundial, pero no como una simple lección de historia, sino como un juego en el cual puedas reflexionar sobre la vida, sobre la familia, sobre cómo se viven las situaciones especiales que conllevan un conflicto armado, nunca ha sido un evento de rosas, pero nos da una luz a ver los problemas que enfrentaba el soldado de “calle”, el que vivía el dia a dia.

Pero sobre todo nos hace ver los fuerte que son los lazos familiares y de amistad, capaces de superar fronteras y a su también capaces de ocasionar problemas a tus allegados.

El trabajo técnico por otro lado demuestra la gran facilidad de UbiArt a la hora de contar historias, pero más que nada de ser un referente a la hora de trabajos 2D, lo ha demostrado con los Rayman, con Child of Light (que merecerá una reseña a futuro) y con Valiant Hearts solo hace resaltar esa casualidad de “movimiento hecho arte”.

En conclusión, Michel Ancel y su equipo lo volvieron hacer con una obra que demuestra que no solo saben hacer “simples plataformas” o juegos de acción como ZombiU sino que saben crear hermosas historias gráficas, sobre todo de una era que ya cumpliendo 100 años desde que ocurrió ha sido olvidada con el tiempo, y eso lo que debemos evitar, como dirían por ahí: “La Historia es de aprender los errores, para que nunca vuelvan a ocurrir”.

Al darse cuenta del ataque ocurrido, Peach decide ir a Vibe Island (o Isla Sensa) para rescatar a su salvador. Antes de salir Toadsworth (el champiñón mas viejito), le da a nuestra heroína una sombrilla mágica llamada Perry.

Bueno hasta ahí es la historia del juego, ahora hablemos un poco ya del juego en sí. El juego es el clásico plataformero de toda la vida, subes escaleras, saltas, y aplastas enemigos. Pero hay un par de cosas que cambian.

Lo primero es que a la hora de correr, la princesa no lo hace como normalmente seria en un juego del mismo género o como lo hace Mario, que es manteniendo presionado un botón determinado, aquí Peach siempre correrá a su ritmo.

SUPER PRINCESS PEACH EL Rincón de Cedlink – Escrito por JC

E

s imposible decir Nintendo y que no se nos venga a la mente la imagen de Mario. Y es que durante ya más de 30 años Mario ha sido el referente de los juegos de plataformeros por excelencia.

30 años arruinando los planes de Bowser y salvando a la princesa Peach en diferentes lugares: el reino champiñón, la isla delfino, y toda la galaxia. Sin importar donde, Mario siempre fue por su querida Peach. Y al parecer Bowser dijo: “si no puedo contra Mario, en vez de secuestrar a la princesa, lo capturare a él y al de verde”. Con todo lo ilógico que suena, esa es la trama del juego que hablaremos hoy.

Desarollador & Publicador: Nintendo, Consola: Nintendo DS, Año: 2005.

Un día Bowser consigue el Vibe Scepter (o cetro de las emociones, o algo así) y dándoselo a los Hammer Bros. Lanza un ataque masivo contra el castillo de Peach, de este ataque son capturados Mario, Luigi y Toad. Peach se salva del ataque porque se encontraba de paseo.

La única forma de “aumentar” la fuerza de la princesa es con las emociones. Y es esta la mayor diferencia de este título con respecto a cualquier otro, como ya vieron en la introducción, las emociones son muy importantes en este juego.

Como usuario tú controlas las emociones de la princesa usando la pantalla táctil de DS, en total hay 4 emociones, que le dan ciertas habilidades a la princesa durante cierto tiempo, estas son: • Alegría: que la hará girar como un torbellino, este giro golpeara a los enemigos y también disipara nubes o niebla; y también la hará volar en la dirección que le indiques.

• Tristeza: que hará que la princesa llore (lagrimas que servirán para regar plantas, entre otras cosas) y corra más rápido.

• Enojo: hará que aparezca un aura de fuego alrededor de la princesa, lo cual dañara a los enemigos también, y quemara algunas cosas; también la hará caminar lenta pero con paso fuerte.

• Calma: esta emoción te hará recuperar tu vida poco a poco, pero si un enemigo te toca el proceso de recuperar tu vida se detendrá.

Cada una de estas emociones tiene una importancia fundamental a la hora de avanzar en el juego.

Aparte de las emociones, otra cosa que sobresale, es que este juego no funciona con vidas, como normalmente lo haría otro juego, sino que tienes una barra de vida, y una barra de energía; la barra de vida son corazones, comenzaras el juego con 3 pero puedes aumentarlos al ir ganando monedas a lo largo del juego; y la barra de energía es la que nos limitara en el tiempo de uso de las emociones, al igual que la vida este lo podremos expandir a medida avancemos en el juego.

Pero y ¿cómo fue eso que no hay vidas? Pues sí, eso no hay vidas si te caes por un acantilado solo te restaran medio corazón y comenzaras del último check point (que dicho sea de paso será la última puerta o tubería por la que saliste) y si tus corazones se vacían sales del mundo, perdiendo todos tus avances.

Pero aparte de las emociones, Peach también cuenta con las habilidades de su fiel sombrilla Perry, esta sombrilla le da la habilidad de flotar en el aire, si aquí la habilidad es de la sombrilla y no de Peach; golpear, puedes derrotar a los enemigos aplastándolos o dándoles sombrillazos; cargar enemigos aturdidos, para después lanzarlos como munición o bien hacer que Perry se los coma para recuperar algo de la barra de energía; flotar, ser un submarino, lanzar golpes, caer con fuerza al piso y como canastilla para deslizarse por cuerdas horizontales.

Por cierto dije que se pierden los avances que habías logrado en un mundo si te mueres, ¿Qué avances son esos? Pues a lo largo de todos los niveles del juego tendremos que rescatar a 3 Toads que están escondidos a lo largo de cada nivel, pero además hay un 4 objeto oculto, el cual puede ser una pista del OST del juego o bien una pieza de un rompecabezas (de esto hablare más tarde).

Un indicador de que se ha obtenido todo de un nivel es que el icono del nivel tiene una estrella amarilla.

El juego consta de 8 mundos, dentro de los cuales avanzaremos por 5 niveles y luego nos enfrentaremos a un jefe, al entrar a su nivel primero tendremos que llegar a él, ayudando a Peach derrotando los enemigos u objetos que vuelan hacia ella golpeándolos en la pantalla táctil del DS. La dificultad del juego en líneas generales no es muy alta, la verdad jugadores experimentados lo sentirán bastante fácil, habrán algunos niveles que presentaran un reto, pero no es algo que no se supere con un poco de paciencia y practica. Aun buscando los Toads escondidos, creo que Nintendo cometió un error al darnos pistas sobre que sección del escenario buscar los secretos te facilita mucho esta tarea, razón por la cual este juego es demasiado fácil.

Los escenarios están muy bien logrados, tanto gráficamente como con los colores podemos decir que aprovecha bastante bien la potencia del Nintendo DS, pues aun que son estáticos, tienen varios detalles de animaciones e interacciones que se dan con las emociones, como por ejemplo cuando riegas un brote con las lagrimas de Peach, o despejas la neblina del nivel (que puede simplemente no dejarte ver nada o ser dañina para tu salud.

En cuanto al sonido el juego cumple a duras penas, prácticamente todas las canciones suenan parecidas, la verdad el Soundtrack no es nada memorable. No es que no ambiente bien, es solo que a mi gusto quedo bastante simple.

Lo bueno es que prácticamente el juego te obliga a jugarlo todo otra vez, porque los 3 niveles extras al comienzo de la segunda vuelta están solo en el mundo 1, para desbloquear los del mundo 2, hay que vences al jefe de esta zona, y así hasta llegar al final.

Eso sí, en el apartado de las voces se lleva las palmas, no tendrá diálogos extensos, no dirán frases completas siquiera, pero las voces se escuchan claras y son entendibles, muy bien ahí.

En conclusión, Super Princess Peach no será un juego que destronara a la saga de Super Mario Bros. Como rey de los plataformeros, pero definitivamente es un juego que vale mucho la pena jugarlo al menos una vez, sacando todo.

Como extras el juego tiene un par más de mini juegos de Toads que puedes ir comprando con las monedas que vas recogiendo en el juego y unos rompecabezas que encuentras en los niveles. Rompecabezas que también terminan siendo mini juegos.

Y como punto final decir que el juego después de vencer a Bowser, nos brinda una especie de segunda vuelta, pero con la salvedad que si rescataste a todos los Toads se te darán 3 niveles extra en cada mundo, lo cual le da un gran valor para rejugarlo.

En la segunda vuelta ya no tendrás que salvar Toads, pero si encontrar pistas de música o piezas para los rompecabezas. De la misma forma no solo tendrás que volver a jugar los 3 niveles extras que se desbloquearan, sino que también los otros 5 que ya estaban completos.

Es muy entretenido, y aun que su dificultad es baja, te puede entretener lo suficiente para completar un mundo en una sentada.

Por cierto si del control no dije nada, es porque se juega como cualquier otro juego de Mario.

Pero a la hora de las habilidades de Peach, ya sea sus emociones o las habilidades de su poderosa sombrilla, me gusto el hecho de ir recolectando monedas para aumentarlas o desbloquearlas.

Lo que si no me gusto, es que aun que se hizo el intento, siento que se quedaron cortos en el uso de ambas pantallas. La pantalla táctil se queda solo para activar las emociones de Peach y ver donde están los Toads, salvo en las batallas contra los jefes como ya dije antes.

No será el súper éxito que muchos hubiera deseado, pero si les puedo decir que es un juego muy divertido, son de esos que a mí me gusta catalogar como “gama media”, tal vez no le guste a todos, pero si es un juego que vale la pena, si lo ven no lo duden en jugarlo.

Hasta la próxima.

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